Fiche étude et analyse

Sa peinture
L'art de Norman Rockwell se situe dans une période charnière de l'histoire de l'illustration. Il
est l'héritier de la tradition « naturaliste » américaine du XIXe siècle. Mais sa peinture sera
représentative d'une nouvelle manière qui s'imposera avec l'essor des magazines illustrés entre les
années 1920 et 1950. Il fait la synthèse entre ces deux courants et, par son style précis et
méticuleux, il annonce l'hyperréalisme.
Sa technique
Norman Rockwell a expliqué son travail technique dans deux ouvrages, My Adventures as an
Illustrator et Rockwell on Rockwell : how I make a picture. Il commençait par choisir son sujet, dont il
faisait plusieurs esquisses et croquis pour élaborer l'idée de départ, puis il réalisait un dessin au
fusain très précis au format identique à celui de la toile définitive. Il reportait ce dessin sur la toile
et commençait la peinture proprement dite. Il peignait à la peinture à l'huile très diluée à l'essence,
chaque couche était recouverte de vernis à retoucher, ce qui aura des conséquences néfastes pour la
conservation de certaines de ses toiles, le vernis jaunissant de manière irrémédiable.
À partir des années 1930, Rockwell ajoute un nouvel auxiliaire à son travail, la photographie, ce
qui lui permet de travailler avec ses modèles sans leur imposer des temps de pose trop longs. Le
procédé aura une influence sur son œuvre en orientant sa peinture vers le photoréalisme.
Son style
Le style de Norman Rockwell a été qualifié de storyteller (narratif). Comme illustrateur, il
faisait en sorte que ses œuvres soient en parfaite correspondance avec les textes qu'il illustrait
(c'est le cas de Tom Sawyer). Pour ses couvertures de magazines, chaque détail avait un rôle dans la
narration de la scène. Son travail a évolué d'un naturalisme hérité du XIXe siècle à une peinture plus
réaliste et précise. Il use aussi de la caricature pour accentuer le caractère comique de certaines
situations.
DESCRIPTION ET ANALYSE ARTISTIQUE DE L’ŒUVRE
On voit l’artiste de dos, assis sur un tabouret, se penchant pour se regarder dans un miroir
posé sur une chaise (miroir où nous voyons son reflet presque comme il doit le voir lui-même), tandis
que sa main reste levée avec le pinceau sur la toile qui est devant lui et où commence à apparaître son
autoportrait. Le peintre et son image dans le miroir se correspondent parfaitement : même taille (le
peintre de dos en entier, l’image de face et seulement en plan rapproché), mêmes lunettes (qui nous
cachent le regard). L’autoportrait sur la toile est, lui, beaucoup plus grand que « nature », sans
lunettes, agréablement stylisé. Le peintre semble plus jeune, son visage est plus rond. La pipe qu’il
fume est horizontale, et non pas tombante comme dans la « réalité ».
Il y a donc trois portraits sur cette toile d’où son titre. Le premier autoportrait, de face, dans
le miroir, où l’on voit le visage et le buste du peintre. Son regard est caché par les verres de lunettes
reflétés qui sont totalement opaques. Le second autoportrait, sur la toile, aussi de face représente
uniquement son visage, plus jeune. Sur le troisième autoportrait, on voit le peintre en entier mais de
dos, dans une posture peu flatteuse : large postérieur amplifié par le coussin rouge, pieds légèrement
en dedans.
Accrochée à gauche une feuille d’esquisses de l’autoportrait lui-même (quatre têtes et une
main tenant une pipe) et à droite, les reproductions de quatre autoportraits célèbres : Dürer,
Rembrandt, Picasso, Van Gogh.