GUSTAVE MOREAU - Les portraits d'Hélène de Troie : des ... - proplus

GUSTAVE MOREAU - Les portraits d’Hélène de Troie : des études aux tableaux
1 - Etude 2 - Esquisse 3 – Tableau A 4 – Tableau B (Salon de 1880)
5 – Tableau C 6 – Tableau D 7 – Tableau E
Gustave MOREAU, Hélène sur les
remparts de Troie (Musée Gustave
Moreau)
A propos de ‘Hélène sur les remparts de
Troie’, Huysmans, auteur contemporain de
Moreau, parle d’un "terrible horizon
éclaboussé de phosphore et rayé de sang".
On y voit une idole funeste, hiératique et
altière, foulant au pied le carnage et les
flèches. Une fleur à la main, elle ne semble
pas se préoccuper du massacre qu’elle a
causé. Sa robe et les rochers semblent une
seule cascade minérale, et le visage blême
d’Hélène se confond avec le ciel éteint, pâle
d’horreur.

« JE VEUX FAIRE UN ART ÉPIQUE »
GUSTAVE MOREAU - Les portraits d’Hélène de Troie : des études aux tableaux
Très tôt passionné de dessin et d’histoire, Gustave Moreau, qui a fait de sérieuses et solides études classiques, déclare à son père qui l’avait autorisé à suivre les cours à l’École des Beaux-Arts (1844 ?) : « Je
veux faire un art épique qui ne soit pas un art d’école. » En 1850, il quitte les Beaux-Arts et s’installe dans un atelier voisin de celui de son ami, le peintre Théodore Chassériau, qu’il admire à la fois comme
homme et comme artiste.
D’octobre 1857 à octobre 1859, Gustave Moreau séjourne en Italie pour se guérir du désarroi profond où l’ont plongé la mort de Théodore Chassériau et une vive déception sentimentale. Il découvre les
grandes villes d’art : Rome, Turin, Milan, Venise, Florence, écume les musées, les palais, les jardins, avide de beauté. Le jeune homme retrouve en Italie l’enthousiasme de sa jeunesse. Dès son retour à Paris, il se
lance dans l’exécution de sujets antiques, qu’il aborde dans un style très personnel, plus proche du symbolisme que du romantisme. En réalité, influencé par son séjour italien, Gustave Moreau est l’héritier des
artistes du Quattrocento. Ses maîtres sont Carpaccio, Le Pérugin, Mantegna.
ŒDIPE ET LE SPHINX
Il faut attendre 1864 pour que l’artiste puisse présenter au Salon l’œuvre qui lui tient à cœur, Œdipe et le Sphinx. Vantée comme l’événement artistique du Salon, cette œuvre est reconnue comme une
œuvre capitale. Gustave Moreau, jusqu’alors inconnu, est salué quasi unanimement par la critique pour son réel talent de coloriste. Encouragé par ce succès, Moreau s’engage plus avant dans sa réflexion
artistique et présente au Salon de l’année suivante (1865) deux autres toiles du même esprit : Le Jeune homme et la mort et Jason et Médée. Toutes deux également empreintes de cette « belle inertie »
sur laquelle repose son art et qui va désormais caractériser l’ensemble de son œuvre. Se refusant à peindre des actes, le peintre rejette toute idée de représentation de l’action. Au profit de la réflexion. Ce qui
l’intéresse, ce sont des états, des idées, des sentiments, seuls dignes, selon lui, d’être représentés. Dès lors, Gustave Moreau ne se départit plus de ses choix. Son art s’inscrit dans la lignée de ses amis et
hommes de lettres, Jean Lorrain, Robert de Montesquiou, Théodore de Banville, Joris-Karl Huysmans. Dont il partage le goût pour la luxuriance, la sensualité exaltée, l’idéalisation extrême.
DU SALON DE 1876 AU SALON DE 1880
Pourtant, Gustave Moreau se tient durant quelques années à l’écart de la scène artistique. Encouragé par ses amis, il se décide à présenter ses œuvres au Salon de 1876. Un envoi qui comporte Hercule et
l’Hydre de Lerne, Salomé dansant devant Hérode, L’Apparition et Saint Sébastien et un ange. Cet ensemble produit un vif effet sur le public, tant par la maîtrise d’exécution que par la richesse de la
palette.
Fort de ce succès, l’artiste accepte de réunir plusieurs de ces toiles pour l’Exposition Universelle de 1878. Outre les œuvres les plus récentes, Gustave Moreau présente Le Sphinx deviné, David méditant,
Jacob et l’ange, Moïse exposé sur le Nil, ainsi que des aquarelles. Cette manifestation lui assure notoriété et reconnaissance dans le monde de la peinture. Et poètes et hommes de lettres, admiratifs de son
art, lui consacrent leurs plus belles pages. Ainsi de José Maria de Hérédia, ou des pages brûlantes de Huysmans dans À Rebours. Après le Salon de 1880, où le peintre présente sa Galatée et Hélène sur les
remparts de Troie, Gustave Moreau se retire définitivement de la scène artistique. Il continue son œuvre visionnaire (Les Chimères, La Vie de l’humanité), loin des grandes manifestations.
LE MUSÉE DE LA RUE LA ROCHEFOUCAULD
Nommé professeur à l’École des Beaux-Arts en 1892, Gustave Moreau est le maître de Matisse, Rouault, Marquet. Considéré par certains comme le précurseur de l’abstraction, il a exercé une véritable
fascination sur André Breton.
À sa mort, survenue à Paris le 18 avril 1898. Gustave Moreau laisse une œuvre immense. Dont il a fait don à l’État par testament. 797 peintures, 575 aquarelles, plus de 7 000 dessins, 23 cartons de calques.
Cette œuvre est conservée dans l’atelier-hôtel particulier qui était le sien, 14, rue de La Rochefoucauld à Paris.
Gustave Moreau a confié à l’un de ses carnets : « Personne ne croit moins que moi à l’œuvre de l’homme en tant qu’importance absolue et définitive, puisque pour moi rien n’est que rêve sur cette terre, mais
en vivant avec l’œuvre de génie des morts, œuvre triée et choisie, je vis avec ce qui a le plus ressemblé sur la terre au divin, à l’immortel. »
Angèle Paoli

JULES LAFORGUE, Sur l’Hélène de Gustave Moreau
GUSTAVE MOREAU - Les portraits d’Hélène de Troie : des études aux tableaux
[Ce poème a été écrit en 1880 après qu'il a été charmé par la beauté divine d'Hélène sur un tableau de Gustave Moreau. En 1880, Laforgue, bien que très jeune, est déjà bien marqué
par la dureté de la vie. Il a 20 ans et a déjà perdu sa mère. Son père, malade, est obligé de quitter Paris. Il se retrouve seul avec sa sœur. Il échouera même trois fois au baccalauréat.
Sa propre maladie, sa tristesse, la perte de ses êtres chers, se reflètent dans ce poème.]
Frêle sous ses bijoux, à pas lents, et sans voir
Tous ces beaux héros morts, dont pleurent les fiancées,
Devant l'horizon vaste ainsi que ses pensées,
Hélène vient songer dans la douceur du soir.
« Qui donc es-tu, Toi qui sèmes le désespoir? »
Lui râlent les mourants fauchés là par brassées,
Et la fleur qui se fane à ses lèvres glacées
Lui dit : Qui donc es-tu ? de sa voix d'encensoir.
Hélène cependant parcourt d'un regard morne
La mer, et les cités, et les plaines sans borne,
Et prie : « Oh! c'est assez, Nature! reprends-moi!
Entends ! Quel long sanglot vers nos Lois éternelles ! »
- Puis, comme elle frissonne en ses noires dentelles,
Lente, elle redescend, craignant de « prendre froid ».

BIOGRAPHIE
GUSTAVE MOREAU - Les portraits d’Hélène de Troie : des études aux tableaux
Laforgue est né le 16 août 1860 à Montevideo (Uruguay). Son père, Charles Laforgue, d'origine tarbaise, est employé de banque et sa mère, née Pauline Lacollay, d'origine
havraise, est la fille d'un fabriquant de chaussures. Atteint de phtisie, Jules Laforgue meurt le 20 août 1887, à l'âge de 27ans.
Sous le pseudonyme d'Ouraphle, il publiera son premier poème le 1er aout 1879 intitulé « la Chanson des Morts ». En août et septembre, de la même année, sous son nom,
Laforgue publiera trois autres poésies dans La Guêpe.
En 1881, il compose des poèmes qu'il compte publier sous le titre « Le Sanglot de la terre », mais finalement, il renoncera à son projet en 1883. En 1885, publication des
Complaintes, l'Imitation de Notre-Dame la lune. Après sa mort, en 1890, parution des Fleurs de bonne volonté, 1901-1903 : Publication des Œuvres complètes de Laforgue.
LAFORGUE ET HÉLÈNE DE TROIE
Le mythe d'Hélène.
o Le comparatiste Jean-Louis Backès, qui a étudié le mythe d'Hélène de Troie, conclut qu'il s'agit d'une figure à la fois très connue – c'est l'une des plus notoires
"femmes fatales" – et très secondaire, "épisodique" même, au sens d'"accessoire" : aucune œuvre importante n'est centrée sur elle ; elle n'apparaît que dans des
passages de textes qui ne lui sont nullement entièrement consacrés. Une exception cependant, qui semble une ironie du sort : Offenbach et sa Belle Hélène de 1864
! Bref, "un mythe littéraire aberrant". Hélène, dit-il, est une façon de parler : là où elle est nommée, il suffit de lire "la Beauté", et "le seul élément constant du
mythe semble être son nom : c'est peu".
o On pourrait en dire autant de l'Hélène de Laforgue ; cependant, certains des éléments traditionnels du mythe sont à considérer. Il y eut en Grèce un culte
d'Hélène, et le soupir final du narrateur d'Hamlet, plaignant l'infidèle Kate rossée par son amant, paraît s'en souvenir : "…Et cependant elle était si belle, Kate,
que, en d'autres temps, la Grèce lui eût élevé des autels". Selon les mythographes, Hélène à la fin de sa vie aurait été transportée dans une "Ile blanche" (Leukè)
interdite aux mortels, où elle récitait les vers d'Homère, ce qui a pu inspirer les "Iles Blanches Esotériques" de Laforgue.
o Les composantes fondamentales du récit mythique sont, en premier lieu, un adultère féminin aux conséquences particulièrement meurtrières ; ensuite, le doute ou
le débat sur la responsabilité de la protagoniste ; le scénario oscille entre tragédie et pantalonnade. L'invective, les reproches faits à Hélène font partie du mythe
dès l'Iliade, mais il s'y ajoute une certaine indulgence : non seulement elle n'est peut-être pas coupable, n'étant que l'instrument des dieux, mais de plus son
exceptionnelle beauté pousse à tout lui pardonner, comme le pensaient les vieillards troyens à la porte Scée dans une célèbre scène d'Homère. Ambivalence
résumée par l'Hélène du Second Faust de Goethe qui se présente ainsi : "tant admirée, couverte de tant d'outrages, je suis Hélène". La dérision qu'on trouvera
chez Laforgue est bien une manière d'outrage… D’ailleurs, toutes les Hélène postérieures à l'opéra-bouffe d'Offenbach seront un peu des "Belle-Hélène", et c'est
la figure mythique qui ne s'en est pas remise : il devient difficile de la prendre au sérieux.
Le tableau de Moreau ou le rhume d'Hélène.
o Le seul texte de Laforgue entièrement consacré à Hélène de Troie, qu'on peut donc considérer comme une (courte) reprise du mythe, est son sonnet de 1880 "Sur
l'Hélène de Gustave Moreau". Il est très probable qu'il a visité le Salon où fut présentée la toile, car ses textes de critique d'art nomment d'autres tableaux du
Salon de cette même année : Galatée de Moreau, Ismaël de Cazin, Caïn de Cormon ; de plus, la famille du poète conserve une brochure du Salon de peinture de
1880, sur lequel Laforgue avait inscrit son nom.
o Il faut rappeler que Laforgue apprécie Moreau, un des rares peintres "littéraires" qui trouvent grâce à ses yeux. Il décrit sa "Jeune fille thrace à la tête
d'Orphée" dans Le Symboliste, et ses notes d'art voient en elle une "sœur immédiate de notre éphémère [...] avec son regard moderne".
o Les comptes rendus de presse du Salon de 1880 soulignent tous l'impassibilité d'Hélène, son hiératisme et son intemporalité : "C'est l'indifférence immortelle, la
force irrésistible de la femme" (Le Phare de la Loire, 4 juin 1880) ; "Ne reconnaissez-vous pas en cette effrayante et candide figure la source de vos amours, de
vos désespoirs, de vos délires ?" (Le Gaulois, 20 juin 1880). Pour Huysmans, Hélène a "une pose cataleptique" ; inquiétante comme la Dame de Pique des jeux de

GUSTAVE MOREAU - Les portraits d’Hélène de Troie : des études aux tableaux
cartes, majestueuse comme Salammbô, elle est "semblable à une divinité malfaisante qui empoisonne, sans même qu'elle en ait conscience, tout ce qui l'approche ou
tout ce qu'elle regarde et touche".
o Or, le tableau de Moreau a disparu : on a perdu sa trace lors de la dispersion en 1913 de la collection Jules Beer à laquelle il appartenait. Il reste un dessin envoyé
par le peintre à Jean Bourdeau, ainsi qu'une esquisse intitulée Hélène aux portes Scées, sans qu'on sache s'ils sont liés au tableau de 1880, avec lequel ils
présentent des différences parfois importantes. Une photo ancienne en noir et blanc, reproduite dans le catalogue de la vente de 1913 puis dans les ouvrages sur
Moreau du début du siècle, permet, couleurs mises à part, de se faire une idée du tableau perdu. Hélène apparaît blonde comme Galatée, vêtue de robes cousues de
joyaux comme Salomé ; d'une raideur de statue, sa verticalité accentuée par les murs de l'arrière-plan, elle tient une fleur et se dresse sur une sorte de piédestal,
dominant un amas de jeunes guerriers morts, gracieux, amoureusement enlacés, transpercés de flèches comme autant de saint Sébastien.
o Tel est donc le tableau auquel Laforgue consacre ce qui semble un sonnet-d'hommage-au-peintre comme Moreau en reçut beaucoup. Le même tableau inspira des
poèmes à Théodore de Banville, Henri de Régnier, Paul Bourget ; André Breton le mentionne dans Le Surréalisme et la peinture. Sonnet très traditionnel au
demeurant : si la rime finale est bien pauvre, les vers, à une exception près (le cinquième), sont des alexandrins régulièrement balancés à césure médiane ; la
disposition des rimes est régulière, la construction sans surprise.
o Que reste-t-il du mythe ? Hélène n'apparaît ici qu'en référence au tableau. Aucune allusion donc à la guerre de Troie (sinon les "héros morts"), à l'infidélité
d'Hélène ni aux vieillards de la porte Scée. Il traite par contre de la responsabilité d'Hélène, qui souhaite mourir pour ne plus faire mourir ("Oh ! c'est assez,
Nature ! reprends-moi !"). Elle soupire : "Si seulement je savais pourquoi Moi plutôt qu'une autre ?" - à quoi son frère est tenté de lui répondre : "C'est toi qui as
commencé!". Chez Offenbach, Oreste signalait que sa tante, qui "a eu des aventures", "se rattrape en disant que c'est la fatalité"… Comme le conte du Miracle des
roses, le poème hésite à innocenter Hélène. Elle se pose volontiers en victime fragile, mais n'en est pas moins bourreau….
o Dans le nom d’Hélène – on songe aux lettres O,L,N, aux sonorités du nom d'Hélène, qui contient "Elle", "ailes" et peut-être "haine" ; Hélène est l'occasion - et la
victime - d'un jeu sur les sons plus que sur le sens du nom, c'est-à-dire le mythe. Dans "Hélène", il y a certes en puissance toutes les "Elle", Hélène étant la femme
immémoriale, les "L" de Lili (Ophélie), peut-être aussi les "ailes" du poète pour se libérer et fuir : "Elles ! ramper vers elles d'adoration ?". Pointe ici un autre type
de dérision, celui qui prend le nom comme objet sonore ou même comme tracé, déconstruisant ainsi l'identité mythique, même s'il en subsiste un peu (car c'est
toujours la Femme, victime et fatale).
o L'année 1880, c'est pour Laforgue l'époque exaltée des "spleens cosmiques", l'année des poèmes "philo" du Sanglot de la terre, dont nombre de sonnets, qui
disparaîtront ensuite. Ce sanglot apparaît d'ailleurs dans le sonnet : "Nature [...] / Entends ! quel long sanglot vers nos Lois éternelles", soupire Hélène. Les
questions qui lui sont adressées sont celles, métaphysiques, qui rythment le Sanglot : "qui es-tu ? est-il quelqu'un là-haut? quel est ton but ? pourquoi ces choses ?"
et ne reçoivent jamais de réponse, leur sens étant de rester à jamais des interrogations. Hélène s'égale au dieu muet, à la Nature insensible et cruelle. Mais par
ses "vastes pensées", celle qui regarde "la mer, et les cités, et les plaines sans borne" joue aussi au poète-philosophe. Elle est en position dominante : une rêverie
perchée qui traverse toute l'œuvre (de "j'étais sur une tour..." du Sanglot à "Solo de Lune" en passant par Hamlet). En cela, c'est bien au Poète rêvant face aux
étoiles qu'elle s'identifie, et pas seulement à la femme meurtrière. De fait, le sonnet illustre, au-delà du personnage mythique, les attitudes de nombre de poèmes
des années 1880 : interrogations, plaintes métaphysiques, postures romantiques attardées …
o … Si ce n'était la pirouette finale, le texte conférant à Hélène in fine la préoccupation toute quotidienne et bourgeoise d'éviter les rhumes. Les guillemets à
"prendre froid" visent à faire pardonner, mais aussi à souligner la familiarité de l'expression finale, à moins qu'ils ne suggèrent l'absurdité d'une qui appelle la
mort mais a peur des courants d'air. Quoi qu'il en soit, la chute du sonnet vient court-circuiter les angoisses cosmiques, celles du poète et celles d'Hélène. La fleur
et sa "voix d'encensoir", écho d'"Harmonie du soir" de Baudelaire, sent déjà la parodie. La fin du sonnet implique un jugement moqueur, et les "lèvres glacées" et le
"frisson" d'Hélène y trouvent une explication très prosaïque : l'opéra-bouffe n'est pas loin…