Gynette Mag #2 (Avril 2018)

photo©Enthéa Roturier
MATHILDE FEURTET ?

GyNeTTe MaG'
avec
- Mathilde FEURTET - Justine BETEMS
- Quitterie DAFLON - Nicolas GRAFF
- Florian HUMBERT - Manon MONTRAVERS
- Enthéa ROTURIER - Brian LAVAL
- Venitia MANCANI - Chloé POULAIN
En compagnie de Vanessa DESCLAUX, Marlène GOSSMANN,
Isabelle LEBASTARD et Sammy ENGRAMER.
Réalisé dans le cadre de l'Atelier de Recherche et création
FUCK PATRIARCAT
ENSA Dijon

JUSTINE BETEMS

JUSTINE BETEMS

Le Centre Pompidou fête ses 40 ans en 2017 partout en France. Pour partager cette célébration
avec les plus larges publics, il propose un programme inédit d’expositions, de prêts exceptionnels,
de manifestations et d’événements pendant toute l’année. Expositions, spectacles, concerts, conférences
et rencontres sont présentés dans quarante villes françaises, en partenariat avec un musée,
un centre d’art contemporain, une scène de spectacle, un festival, un acteur du tissu culturel et
artistique français... Au croisement des disciplines, à l’image du Centre Pompidou, ces projets
témoignent de son engagement depuis sa création aux côtés des institutions culturelles en région,
acteurs essentiels de la diffusion et de la valorisation de l’art de notre temps.
Communiqué Officiel du Centre Pompidou
Lorsque le Consortium à Dijon qualifie l’invitation du Centre Pompidou d’ « inoubliable, du fait même
de sa générosité » quant aux prêts d’œuvres pour l’exposition Truchement, le centre d’art du Transpalette
à Bourges s’est vu refusé catégoriquement un ensemble d’œuvres apparemment trop importante
par rapport à son ampleur. Le Consortium déploie entre autres au sein de son espace d’exposition
quelques compressions de César, une projection en 35 mm de Rodney Graham et d’autres en 16 mm
de Bertrand Lavier, une installation in situ d’Hans Haacke ou encore un tableau démesuré de Frank
Stella. La crème de la crème, et dans un pot de crème en or massif. Alors qu’à titre de comparaison, le
Transpalette a obtenu au prêt un ensemble de copies numérisées d’œuvres multimédia, parmi lesquelles
figurent les artistes Paul McCarthy & Mike Kelley, Natacha Nisic ou Derek Jarman. Si les installations
vidéo Art Make Up (1967-68) et Good Boy Bad Boy (1985-96) de Bruce Nauman font exception à
cette restriction drastique, le Centre Pompidou n’a accepté qu’un ensemble de 6 dessins d’Anne-Marie
Schneider et un triptyque photographique de Gina Pane en tant qu’œuvre non-numérisable. Tout ce
qui coûte cher, et engendrerait donc des risques de dégradations trop onéreuses, fut tout simplement
refusé au prêt. Pour revenir sur ce parallèle crémier, cette fois-ci, ce ne serait plus du bio, mais plutôt
une crème liquide rehaussée aux additifs et autres conservateurs !
Edi Dubien, Série Enfants Transe (2017)
Le Pot De Crème
Quoiqu’il serait plus juste de le caractériser d’officieux à vrai dire. Si la célébration du musée est effectivement
nationale et plurielle, elle ne manque pas de témoigner d’une hypocrisie dirigée ou d’un
favoritisme orienté. Alors que les partenariats à travers le territoire français se révèlent assurément
multiples, la collaboration avec ces différents acteurs culturels demeure quant à elle formatée, impersonnelle.
Célébration apathique en somme.
Mais encore, qu’importe
la structure hébergeant les
expositions anniversaires
du Centre Pompidou, l’assurance
des œuvres ou copies
d’œuvres, le transport
de celles-ci et la visite d’un
membre du Centre Pompidou
pour en vérifier l’accrochage
obligatoirement
flatteur, demeurent évidemment
à la charge des
structures exposantes. Des
expositions Made in Pompidou
dont le propos est
clairement la célébration
de sa notoriété nationale,
et qui restent pourtant intégralement
financées au
frais des structures accueillantes
! Ce n’est plus la qualité
du produit qui est en
jeu alors, mais bien la valeur
ajoutée que peut rapporter
l’image même de la
marque Pompidou, maison
établie en 1977.
Skall, Challenging the moon (2010) / Béatrice Cussol, N°479 (2009)
Laura Bottereau & Marine Fiquet, S’horrifier de l’Orifice (2016)

Versus
Le hasard, s’il s’agit bien là d’un hasard, fait bien les choses ! L’invitation, faite aux étudiants des écoles
d’art de Valence et Dijon à participer aux processus de construction de cet événement d’audience nationale,
ambitionne d’interagir avec les œuvres présentées au Transpalette ou refusées au prêt par le
Centre Pompidou en dialogue avec un texte manifeste de Paul B. Preciado. Initialement publié dans
l’ouvrage collectif Géo-esthétique (2012), réalisé par la plate-forme curratoriale Le Peuple qui Manque,
ce texte théorique apparaissait comme essentiel pour penser la question des identités aujourd’hui.
Si dans la lecture que nous faisons de ce texte dense, ouvert à diverses interprétations, plusieurs champs
de réflexion se dégagent telles que la dimension queer ou l’idée de décolonialisme, c’est en écho avec
les difficultés de la collaboration du Centre Pompidou avec le Transpalette que nous avons choisi d’interpréter
cet article. Dans sa définition d’une cartographie ren@rde, Paul B. Preciado insiste d’ailleurs
sur la capacité à subvertir les méandres d’une politique du lion par une réappropriation de la représentation
de ces marges par elles-mêmes, divulguant à la fois les oppressions qu’elles subissent tout en
proposant un moyen de les contrer.
Le Safari Des Ren@rds
Abel Techer, Licorne (2016)
L’exercice pouvait dès lors prendre diverses directions, en dialoguant directement avec les œuvres exposées
ou non, en explorant autrement les champs théoriques soulevés, parfois en les piratant. Il s’agissait
ainsi pour nous de nous positionner par rapport au thème général, tout en questionnant les possibilités
contemporaines de les mettre en crise au sein d’un centre d’art. Ainsi, l’exposition Traversées Ren@rde
intégrait aussi dans son processus de construction la relation complexe qu’un centre d’art peut entretenir
avec un musée national. En nous appuyant sur des discussions continues, des visites, des échanges entre le
Transpalette et le Centre Pompidou, nous étions invités à partager nos sensibilités propres afin de répondre
aux enjeux d’une manifestation intervenant dans un dispositif d’anniversaire irrigant l’ensemble du territoire
national. Nous pouvions donc laisser émerger une pensée libre, décloisonnée, ouverte qui atteste
des positionnements d’une génération face aux enjeux soulevés par le texte théorique de Paul B. Preciado.
Intitulé « Cartographie queer : le flâneur pervers, la lesbienne topophobique et la travailleuse sexuelle
multicartographique, ou comment faire une cartographie ren@rde avec Annie Sprinkle », l’article définissait
assez précisément la dichotomie entre deux types de cartographies, deux modes de perception
de la construction des identités. Le concept avancé par Paul B. Préciado, à savoir celui de Cartographie
ren@rde, ne prend sa pertinence qu’en opposition à celle du lion. Lorsque le lion abuse de la force et
s’inscrit dans un courant visant à normaliser les identités, le ren@rd s’inscrit dans des tactiques plus
machiavéliques, plus souterraines, refusant les antagonismes évidents. La cartographie du lion se présente
ainsi comme un grand récit, voire comme une utopie issue de la modernité occidentale. Il aime
les typologies claires, nettes, pseudo scientifiques. Et lorsqu’il s’intéresse aux minorités ou qu’il explore
des identités en marge, c’est pour mieux les cerner, les soumettre à son contrôle bienveillant. Au
contraire, une cartographie ren@rde refuse cette forme de contrôle social en affirmant que les identités
ne sont pas des symptômes cliniques mais bien des singularités irréductibles. Il est donc constitué de
milliers de récits qui se croisent, s’opposent, se répondent et s’entremêlent.
Anne Brégeaut, 22 ppeintures (2015-2017)

Le Transpalette propose de ce fait une traversée des plaisirs décomplexés, entre œuvres historiques
issues des collections du Centre Pompidou et artistes invité.e.s, qui chacun à leur manière, dans leurs
pratiques singulières, voire dérangeantes, n’ont de cesse de réinventer les centres et les périphéries des
grands récits de l’art. À partir de l’incapacité à se satisfaire d’une histoire insuffisamment plurielle, d’un
prestige marchand dominant, d’une hiérarchisation conservatrice des approches artistiques, l’exposition
Traversées Ren@rde s’est donc construite par furetages en creusant moult terriers. Elle invite à
cheminer à la rencontre de territoires ouverts sans frontière, sexualisés, post-identitaires.
Des territoires pensés et fabriqués par près de cinquante artistes qui participent activement à réinventer
les modes de résistance face aux systèmes et aux modèles dominants. Traversées Ren@rde est
une convergence. Le projet ambitionne une explosion du sens en revendiquant d’autres communs,
d’autres paradigmes, à travers cette constellation d’expressions entremêlant dessins, peintures, vidéos,
sculptures, performances, photos, conférences, lectures, etc. L’exposition fût ainsi pensée comme une
cartographie bâtarde et sans hiérarchie où cohabitent étudiant.e.s en art, artistes, artivistes et œuvres
labellisées par le musée. Régie par une volonté de mettre en lumière les formes, les images, les langages
et les corps du contre-pouvoir, Traversées Ren@rde cherche à s’émanciper des cloisonnements institués
et des règles d’hier qui perdurent et fabriquent du visible et des invisibles.
Finalement, le lion n’était autre que le Centre Pompidou lui-même. Quant à nous, nous avons préféré
être ici à la fois furtifs et incisifs tels des ren@rds !
Nicolas Graff
Exposition Traversées
Ren@rde • du 21 Octobre
2017 au 27 Janvier 2018 •
Centre d’Art Contemporain
Le Transpalette • Friche
Culturelle L’Antre-Peaux • 26
Route de la Chapelle • 18000
Bourges • http://www.emmetrop.fr/evenements/exposition-traversees-renarde/#
Justin Smith, Pinrstripe amour (2007)
Sélection d’œuvres d'artistes, sous le comissariat de Damien Sausset, Erik Noulette, Nadège Piton et Julie Crenn dont :
Steven Cohen, 18 paires de chausson (2017)
Edi Dubien • Roberta Marrero • Anne Brégeaut • Tom de Pékin • Pauline N’Gouala • Arthur Gillet • Clarisse
Tranchard • Guillermo Gomez Pena & Balitronica Gomez • Annie Sprinkle & Beth Stephens • Jean-
Luc Verna • Brice Dellsperger • Dorothy Iannone • Zanele Muholi • Béatrice Cussol • Justin Smith • Marc
Anselmi • Virginie Trastour • Collectif la Rage • Abel Techer • Smith • Laura Bottereau & Marine Fiquet
• Steven Cohen • Skall • Adrien Vermont • Annette Messager • Claude Lévêque • Pascal Lièvre • Soufiane
Ababri • Tsuneko Taniuchi • Charlotte El Moussaed • La Bourette • Pierre Ardouvin • Shilpa Gulta
Sélection de vidéos sous-titrées en français présentées lors de l’exposition HERstory au centre d’art de Malakoff avec :
Sampat Pal • Julieta Paredes • Chimamanda Ngozi Adichie • Mona Eltahawy • Laboria Cuboniks • Starhawk
• Paul B. Preciado • Mickael Kimmel • Julia Serano • Vincent Guillot
Sélection d’œuvres d’artistes issues des collections du Centre Pompidou :
Pipilotti Rist • William Burroughs • Jenny Holzer • Derek Jarman • Paul McCarthy & Mike Kelley •
Bruce Nauman • Natacha Nisic • Anne-Marie Schneider • John Giorno • Gina Pane • Michel Journiac

FIST FUCKING
Article déconseillé aux manchots
Le fist-fucking
est une
pratique sexuelle
avec le
poing
consistant
à pénétrer
le vagin
ou le
FIST
FEMINISTE
Peu importe le genre, nous
possédons tous un (voir plus
couramment deux) poings.
Aucun rôle biologique, genré
ou culturel n’est assigné.
Femme, homme, hétéro, gay,
bi, trans. Qu’importe. La
pratique est transgenre et
dégénitalisée.
Il y a donc une égalité entre
les partenaires.
rectum
Le poing dressé peut donc
se voir comme une réponse
au «pouvoir» de l’érection
dominante (qui parfois
ne fonctionne pas comme
messieurs le souhaiteraient).
POUR + D’INFO :
• Erik Rémès,
Osez le fist fucking,
2014
• Marco Vidal,
Fist, 2015

Photos © Enthea Roturier
Ê T R
E R E
N @ R
D.E.S
Nicolas Graff // Maël Le Goarant // Carole Lebon // Venitia Mancani

Avec des propositions d’étudiants de l’ENSA de Dijon.
Venitia Mancani, Effigie de l’Artiste (2017)
Pour cette performance, j’ai choisi parmi les œuvres refusées au prêt par le centre Pompidou,
Les Petites Effigies d’Annette Messager, pour les incarner, ou plutôt en incarner une.
Je deviens ainsi une petite effigie de l’artiste. Le but est de me présenter non plus en tant que
personne, mais bien en temps qu’œuvre d’Annette Messager. Œuvre qui se présente, et peut
échanger avec son public. C’est pour moi une façon de rendre l’œuvre vivante, et visible malgré
son absence.
Le texte comporte une partie description, avec le titre, dimension, date de création, matériaux,
numéro d’inventaire, date d’acquisition, de Les Petites Effigies.
Puis une partie écrite plus librement ; de façon plus poétique, sur le sens de l’œuvre et ma vision
de cette dernière ou devrais-je dire, de moi-même. Pour réaliser cette performance, je me
suis habillée en noir, avec au tour du cou, un cadre dans lequel il y a une photographie d’une
Petite Effigie . Ce qui agit comme une mise en abyme de l’oeuvre et du morcellement du corps.
Mais aussi la question de l’enfantement, chère à l’artiste et à moi-même au sein de mon propre
travail. Enfantement artistique, autant que physique.
Le titre que je donne à ma performance Effigie de l’artiste reprend le titre de la pièce
d’Annette Messager, Les Petites Effigies. Je m’identifie ainsi à l’artiste, et aux préoccupations
de son travail. Un artiste à l’effigie d’un autre artiste. Cette idée rejoint également
l’idée d’enfantement, puisque le travail d’Annette Messager est déclencheur
de la performance. La pièce de l’artiste provoque l’engendrement de ma performance.
Bonjour à tous
Nous sommes vraiment désolés
Pour le retard occasionné
Bonjour... Bonsoir
Nous mettons à disposition ce papier
Je vais vous faire parvenir des fichiers
J’espère que tout va bien pour vous
Ces fichiers seront effacés
Ils n’ont pas reçu mon mail
Je ne serais pas représenté
Pour la soirée
Le vernissage
Je devrais avoir de leurs nouvelles
D’ici quelques jours par mail
Ou peut être faut-il que j’appelle ?
N’hésitez pas non plus à envoyer tout ça
J’ai expliqué la situation
C’est difficile pour l’exposition
Ils nous ont seulement donné
Les oeuvres sélectionnées
Et les artistes présentés
Il faut communiquer
J’ai pris un rendez-vous
Afin que nous puissions nous organiser
Afin que nous planifions
Afin que nous
L’exposition.
Alors, titre, durée, support technique
À qui ? De quoi as-tu besoin ?
J’ai pas d’information
J’ai tout perdu, j’ai dû changer d’ordinateur
Les choses vont si vite ici
Je suis dans l’écriture de mon texte
Il faut que je fasse la mise en page
Tu veux un exemplaire ?
Histoire d’en discuter
J’espère que ça va plaire
Bonjour j’ai le plaisir de vous informer
De ma participation à l’exposition
Exposition à laquelle nous avons convié
Tous les refusés
À faire des propositions
On ne va pas se formaliser
Bienvenue à l’exposition
Carole Lebon, Sans Titre (2017)
Poème imprimé sur papier format A4

Maël Le Goarant,
Ceci n’est pas : Par la présente, je n’appartiens plus à l’art! (2017)
On présente La Bruja, les Inflammatory Essay, WHAT BIG MUSCLES YOU HAVE! puis La Peau.
Urs Lüthi, Autoportrait-Chicago (1976)
Celle qui contamine, celle qui soigne, celle qui n’est
pas votre mère, celle qui vit avec le chaos, celle qui se
nourrit d’ambiguïté, celle qui est la sorcière, celle qui
vous suit pendant toute votre visite, celle à qui on fait
face en dernier. Le ton est franc, direct, sans fioriture
mais bienveillant, injonctif voir même cynique, elle
dénonce, elle ne cesse de dénoncer, ces situations
si violentes. Il y a une liste, une liste et un déplacement
sémantique. Les statuts sont énumérés, dénoncés,
détournés. Les liens intimes sont montrés dans leurs
relations de pouvoir. Ils sont renvoyés à leur corps.
Pour elle la catégorisation est absurde, elle l’ignore.
Il y a sa peau en haut, sa peau avec laquelle elle a eu
plusieurs existences, sa peau, réclamé, détériorée,
recousue, cicatrisé, montré, vendue, devenue relique.
Elle nous accompagne dans ce chaos, elle est une idée
corporalisée, la peau est son point de compression.

Nicolas Graff, Ne reproduisez pas cette œuvre chez vous (2017)
3 tutoriels imprimés sur papier format A4 replié en deux
Action Autoportait(s) – mise en condition / contraction / rejet (1973) constitue pour Gina Pane
un constat d’action, une documentation plastique restituant fidèlement le déroulé des trois
performances qui y sont associées à la manière d’un story-board. Cependant, la politique de
diffusion des grandes institutions muséales (entre sacralisation et white cube), combinée à la
spéculation économique suite au décès de l’artiste en 1990, a transmué le statut de la dite-œuvre
en un ensemble de reliques issues de trois actions, qui ne peuvent plus être visibles autrement
qu’au travers de ces tableaux synoptiques.
De là, il s’agissait de se rapprocher à nouveau du caractère démonstratif de l’œuvre par la rédaction
de trois tutoriels décrivant, étape par étape, la préparation et le déroulement des trois
performances. En les détournant comme des figures illustratives de mode d’emploi, la réception
de ces ensembles photographiques navigue entre guide initiatique et mémoire empathique du
regard. De plus, le spectateur se retrouve confronter à la potentialité d’une réappropriation DIY
des trois actions, interrogeant ainsi le devenir d’une performance dont il ne reste qu’une mise
en image.

Cécile Dachary
Cécile Dachary est une
artiste textile qui explore
des techniques dites
« domestiques », pour les
faire entrer dans une
dimention sculpturale et
organique.
« Toute mon enfance j’ai vu
les femmes de ma famille
réaliser des ouvrages en
tissus et en fil cousus,
brodés, au crochet ou
au tricot…. J’ai appris
avec elles le plaisir des
« ouvrages de dames ».
Après des études d’arts
appliqués et une carrière
Sublime anatomie
dans le textile, j’ai choisi
de me consacrer à cet
univers.
Héritière d’un savoirfaire
féminin, familial et
professionnel, j’ai gardé
la mémoire des gestes
réservés à l’intimité du
foyer et tente d’en élargir
les champs. Ce qui était
alors une forme d’œuvre
« domestique » devient
un mode d’expression
artistique marqué par sa
féminité intrinsèque. »
Cécile Dachary
Organes, 2010
La technique du crochet, destiné à un usage de loisir, devient ici une
nécessité, et ce libère de l’appelation « travail de dame », relégué
au second plan, chose insignifiante du savoir faire féminin.
« Ce qui m’intéresse dans la représentation du corps avec le tissu, c’est le lien étroit qui existe entre ce
matériau et l’humain. Le tissu est une seconde peau, une enveloppe corporelle qui garde l’empreinte
du corps qui l’a porté. Celui-ci rend le tissu vivant, lui donne une matérialité charnelle. L’étoffe garde
du corps le souvenir, entier ou fragmenté. Ce souvenir gardé est multiple, émouvant, troublant, violent,
sensuel ou érotique. Il devient motif ou volume. Je le trace ou le modèle selon mes émotions ou mon
intuition de l’expression la plus figurative jusqu’à une version la plus simplifiée et originelle, le rond, en
passant par des volumes organiques évocateurs...
... Je n’évoque pas uniquement le dehors mais aussi le dedans, en inventant ma propre représentation
de l’intérieur du corps, des organes aux microscopiques cellules et bactéries, dont je donne des images
fantasmées et fantastiques. Je cherche ainsi à exprimer l’intimité, le secret intérieur. »
Cécile Dachary
Enfermé dans le silence de la chambre,
le corps étouffé, sommé de se taire, ouvre le passage vers son intérieur.
L’intérieur... l’intérieur... l’intérieur du foyer
et l’intérieur du corps sur le devant de la scène et cri son existence.
Dans le travail de Cécile Dachary
et notamment dans sa pièce Pis
de Seins (2009) on assiste à un
morcellement du corps. Ici, le sein
nourricier devient un morceau, une
pièce qui tient plus de la grappe,
de la multiplication cellulaire que
du sein en lui-même. C’est une
amputation de corps, qui se divise
et prend de l’ampleur. Comme un
morceau de corps malade qui ne
contrôle plus sa croissance. C’est
un corps ni vivant ni mort, dans un
état de transition vers un « on ne
sait où… ».
Le sein devient dévorant, mamelle
gigantesque à tétons chercheurs,
prêt à se diriger vers le spectateur.
Cette partie coupée de son corps
d’origine était-elle un abcès non
désiré ou malade ? Ou simplement
un corps qui désire son activation?
Venitia MANCANI
Pis de Seins, 2009

Pancakes vegan
au lait de coco
FLORIAN
Ingrédients pour 8 pancakes :
— 150 ml de jus de pois chiche, en conserve ou en bocal
— 1 c. à soupe de jus de citron jaune
— 1 conserve de lait de coco de 400 g
— 20 g de sucre blond, complet ou de coco
— 40 g de fécule de maïs ou de pomme de terre, ou d’arrow-root
— 1 c. à café de bicarbonate alimentaire
— 140 g de farine de riz complet ou de blé T55 ou T65
— Un peu d’huile d’olive ou de tournesol
Zero déchet
Petit budget
Convivialité
Gourmandise
Végan
Verser le jus de pois chiche et le jus de citron dans
un saladier et battre au fouet électrique 5 minutes,
jusqu’à l’obtention de “blancs en neige”.
Ouvrir la conserve de lait de coco et prélever la partie
crémeuse et épaisse. Vous devez obtenir 140 g environ.
Verser la crème dans le saladier et mélanger au fouet
classique.
Buvez l’eau de coco restante bien fraîche
ou glissez-la dans un smoothie.
Petit à petit, incorporer le sucre, la fécule,
le bicarbonate et la farine.
Faire chauffer un peu d’huile dans une poêle, sur feu vif.
Lorsque l’huile est bien chaude, verser un peu de pâte.
Faire cuire 1 minute environ, retourner le pancake
et faire cuire 20 secondes à peu près.
Recette prise sur : auvertaveclili.fr

Nicolas Graff

Les gens de l’extérieur viennent sur le camp, tous les deux ou trois mois, quand ils organisent
une convergence. C’est le nom qu’ils ont donné – nul ne se souvient d’avoir inventé
le terme, mais il est utilisé par tous – à la nuit pendant laquelle Vernon choisit la musique
pour faire danser les participants. Ces convergences rythment leur vie – trouver un endroit
où s’établir, préparer les lieux, l’événement, puis remballer et partir pour un autre endroit.
Ça s’est fait sans que personne ne décide que ce serait comme ça. Ça s’est produit disons.
Les postulants aux convergences sont vite devenus si nombreux qu’il faut toute une organisation
pour sélectionner les participants et ne pas dépasser une centaine. Il se passe quelque
chose. Les gens débarquent, certains sont super chiants, ils viennent « pour voir », méfiants
et agressifs, comme si on cherchait à leur vendre un baratin quelconque alors qu’on ne leur
vend rien, même pas une belle histoire : il s’agit de danser jusqu’à l’aube, c’est tout. La
chose extraordinaire, c’est ce que les danseurs ressentent – sans drogue, sans préparation,
sans trucage.
Virginie Despentes - Vernon Subutex 3 (2017)
On s’approche enfin de Bourges. Il est déjà dix neuf heures passées. La nuit
est tombée, les lampadaires sont allumés en ville. On arrive toujours à Bourges
dans le noir. La friche de l’Antre-Peaux est complètement vide, à l’exception d’un
food truck garé ici spécialement pour l’occasion. Il y est inscrit en haut Assiette
vide, yeux humides. Précisément, oui.
Simultanément Roberta Marrero et Orne Cabrita terminaient la présentation
de leur travail plastique respectif au sein de la salle de spectacle du Nadir. Roberta
développe un ensemble baroque de figures emblématiques de la culture populaire
mondiale, en résonance avec différents slogans ou autres images, afin d’interroger
le poids des conventions et des traditions dans la société espagnole. Une mythologie
personnelle et pudique face au poids écrasant d’une société consumériste
qui ne cesse de vouloir normaliser les identités. Figure de la scène street art, Orne
déploie quant à elle un univers intime, empli d’une sincérité cinglante, inspiré par
les luttes intestines, par ces monstres internes ambigus et fluctuant que chacun
cherche à dissimuler.
Rassasié, on rentre dans le Nadir. Il est un peu plus d’une demi-heure avant
la lecture d’un texte de Pasolini sur l’Italie de l’après-guerre. Le public tarde à
s’imposer. Du retard. Et finalement, une nouvelle foule venue, semble-t-il, plus
pour la notoriété des oratrices que pour le contenu de l’évènement. Les portes
s’ouvrent, la salle sera comble.
La lumière est basse. Elles sont là, debout derrière un pupitre. Le groupe Zëro
s’engage doucement dans une nappe sonore électronique, rauque et aiguisée. Le
spot éclaire progressivement Béatrice Dalle. Elle ouvre ses lèvres épaisses, commencent
la lecture avec intensité. Virginie Despentes poursuit, le timbre grave,
maitrisé. Le contraste s’intensifie, Béatrice s’emporte dans une subjectivité débordante.
Pour quelques uns surjoué, pour d’autres exalté. Virginie temporise. Le
dialogue se développe à la fois raide et tragique, contrôlé et sauvage, voix off et
poésie. Et ces élocutions résonnent. Le rapport des fils à leurs pères, l’hérédité. Le
lègue d’une faute que les pères ont tous commise, et que leurs fils risquent en tant
que pères de commettre à nouveau. Laquelle est sommairement d’avoir laisser le
monde être ce qu’il est, sans agir plus, sans se révolter plus, sans s’acharner plus.
Sans intervenir contre le fascisme, la séparation radicale entre les classes riches
et pauvres, la ségrégation de l’autre, du hors-norme, de l’inadapté en faveur de
l’adapté normé. Comme un rappel à la lutte, à la révolution politique, sociale, identitaire.
C’est que l’Italie d’après-guerre avait bien quelque chose à nous apprendre
de notre pays aujourd’hui et maintenant. La lecture se termine. Chamboulement.
Quelques instants dehors pour respirer un peu de fumée de tabac avant d’assister
au concert d’Heliogabale pour la sortie de leur nouvel album Ecce Homo
(2017). Formation culte de la scène indépendante française, le groupe s’est démarqué
par une approche arty, théâtrale et littéraire du rock noise.
Sommeil.

Retour sur la friche vers dix-sept heures. On est entrain de manquer quelques
interventions apparemment. Daria Marx, membre du collectif de personnes grosses,
sans hiérarchie et sans organisation, Gras Politique, qui est à l’initiative du
blog du même nom, ainsi que Gabrielle Deydier, auteure du livre On ne naît pas
grosse (2017) sur la grossophobie et ses recours et fondatrice du webzine culturel
Ginette le Mag, lancé en août 2014. On se rattrape ensuite avec la lecture par
Cara Zina de son nouveau roman Handi Gang (2017), en partie inspiré de faits
autobiographiques. Un adolescent vivant auprès de sa mère y entreprend de régler
le problème de l’accessibilité, mais aussi plus largement celui de la marginalité,
dans la société par l’action directe avec le soutien de sa bande de copains valides
ou non. Assez rapidement, une courte projection encore. In My Language (2017)
d’Amanda Baggs, où elle décrit sa propre expérience, sa propre sensibilité face
au monde en tant que personne atteinte d’autisme. Nous n’avons finalement pas
visionné Being an unperson.
Une courte pause au sein du Nadir. Depuis notre arrivée, Tania Padam (Rata
Tattoo) propose des tatouages flashs by the master of queer old school ink. Divine,
du bondage, quelques femmes avec des poils sur les jambes et des slogans punchy
à la fois queer et dark. Tenté, mais l’école n’aurait pas accepté un tatouage parmi
les frais de voyage. Dommage. Et au mur aussi, une série de photographies en noir
et blanc prises lors de multiples concerts au Nadir par Gilles Garrigos. Girls just
want to have Punk. Que des femmes donc : Beth Ditto, Patti Smith, Lydia Lunch,
Riot Girls ou encore L7. D’autres encore. Belle collection !
Quimera Rosa rentre, solennel, en gang, comme dans un film de western
punk. Lui, est complétement masqué derrière un foulard, une capuche et des lunettes.
Noir. Et des vêtements amples, recouvrant l’intégralité du corps. On ne le
reconnaitra pas, ni même Interpol. Présentation du projet Trans*Plant : Ma Maladie
est une Création Artistique. Il s’agit d’une recherche bio-médicale expérimentale
visant à hacker une technique appelée Photo-Thérapie Dynamique (PDT), afin
de l’utiliser dans la localisation et le traitement de cellules cancéreuses, tout en essayant
de s’affranchir du marché pharmaceutique par le biais de circuits parallèles
plus facilement accessibles. Époustouflant.
Ensuite, La Petite Fabrique du Lecteur Vernon Subutex, ou la restitution
d’un atelier de lecture organisé autour des trois volumes du roman Vernon Subutex
de Virginie Despentes. Une composition musicale ambiante, drone, postrock
et noise des groupes TROM et QANM commence. Ils sont plusieurs sur
scène, une dizaine peut être, avec tous des timbres, des rythmes, des subtilités
de voix qui leur sont singulier. La lecture en fut irrémédiablement hétéroclite,
alternative. Comme si ces quelques épisodes de la vie de Vernon pouvaient aussi
se dialoguer autour de soi, qu’ils pouvaient aussi jongler de soi aux autres. Ce
qui les unissait tous sur scène, c’était cette écriture, cette histoire que chacun
nous racontait à sa manière. On semblait un peu tous des Vernon à ce moment là.
Rescapé des groupes Bérurier Noir, Molodoï et François Béru & les Anges
Déchus, FanXoa propose une présentation de son recueil de nouvelles Un jeune
homme éventré (2017), dans un enchainement de lectures disparates de ces différentes
histoires. On est en 1983, l’époque est sombre, le tableau écarlate, la mort
rôde. L’ensemble témoigne d’une attention toute particulière au cinéma japonais
d’avant-garde et de la nouvelle vague, mais aussi la culture cinématographique
de la fin des années 70. Influence samouraï et soldatesque érotisée mais aussi manifeste
nihiliste, gestuelle autodestructrice prenant forme dans le fantasme d’un
suicide psychologique et d’une renaissance.
Et, le moment ensuite d’une projection un peu spéciale ! FluidØ, un film
cypherpunk Sci-Fi de la réalisatrice Shu Lea Cheang. Virus, sexe, drogue au programme
dans une ambiance de clubbing new-yorkais des années 80 au décor pourtant
futuriste, modélisé numériquement. C’est l’année 2060. Le Sida a finalement
été éradiqué. Seulement, les quelques rares cas subsistant présentent une mutation
du virus VIH en un gène générateur d’une nouvelle substance psychotrope contenu
dans le liquide séminal. La crainte face à l’exposition au virus, à la contamination/
transmission par celui-ci s’inverse radicalement pour devenir une substance dans

lesquels les pouvoirs politiques et pharmaceutiques s’impliquent dans une optique
commerciale et industrielle. Le scénario Sci-Fi de FluidØ entremêle ainsi piratage
et conspiration autour du fluide blanc devenu l’hypernarcotique du 21 ème siècle.
Despentes Convergence Party. Vraiment ? Tania Padam, de retour, avec Géraldine
Sarratia aux platines en Versus. Virginie Despentes n’est pas sur scène,
elle s’agite un peu parmi une foule dispersée. Mais, à dire vrai, ce n’est pas vraiment
une bataille, un combat, plutôt une chamaillerie avec un sens de la répartie
assez décevant. En mode playlist Deezer, avec une transition entre les morceaux
qui laisse à désirer. Pas de remix. Juste une sélection, une playlist. En tout cas, ce
n’est clairement pas le registre de Vernon. Sans doute pas celui de Virginie. Plutôt
Nostalgie FM. Ma foi, une heure et demie suffisait. On rentre finalement avec les
première tonalités du dj-set électro des deux killeuses des Seconds Couteaux.
Photos © Enthea Roturier
Quatre heures et demie, on éteint la lumière.
Évènement Despentes Convergence • du 07 au 09 Décembre 2017 • dans le cadre de l’exposition
Traversées Ren@rde • du 21 Octobre 2017 au 27 Janvier 2018 • Centre d’Art
Contemporain Le Transpalette • Friche Culturelle L’Antre-Peaux • 26 Route de la Chapelle
• 18000 Bourges • http://www.emmetrop.fr/evenements/exposition-traversees-renarde/#

Chronique
cinemA
Call me by your name
Luca Guadagnino
Une affiche d’un bleu électrique et deux visages tourné vers le soleil Call Me By Your
Name n’a pas eu besoin de bande annonce pour me donner envie.
«Un bijou de délicatesse et d’humanité », «un éblouissement», «une romance aussi belle que
passionnée». Les éloges pleuvent pour le film de Luca Guadagnino, dévoilé en janvier 2017
au festival de Sundance et qui vient tout juste de sortir sur nos écrans.
Il s’agit d’une adaptation de Plus tard ou jamais, le roman culte d’André Aciman, qui vaut au
cinéaste italien l’Oscar du meilleur scénario adapté et quatre nominations aux Oscars, dont
celui du meilleur film.
Ce long-métrage se passe durant l’été
1983 sous le soleil ardent d’Italie, Elio
Perlman (Timothée Chalamet) est un
adolescent réservé. Il aime lire, flirter
avec son amie Marzia, écouter et jouer
de la musique classique. Chez lui, on
parle anglais, italien et français. Fils d’un
professeur de culture gréco-romaine
et d’une éminente traductrice, il a reçu
une très bonne éducation et dispose
d’une grande culture générale. Oliver,
(Armie Hammer) est un jeune chercheur
américain, désinvolte et charmeur invité
a passé l’été dans la villa familiale, afin
d’accompagner le père d’Elio dans ses
recherches. Son arrivée apporte une
dimension nouvelle à la vie d’Elio.
Entre les longs repas et les après-midis au bord de la piscine ensoleillées va naître une idylle
sensuelle entre les deux hommes. Le jeune Elio développe une conscience du sentiment
amoureux et de l’érotisme. Il a une grande éloquence, une immense culture, mais il dit ne
rien connaître des choses qui comptent, des choses de la vie. Il se laisse finalement guidé par
ses sens pour se pencher sur le corps, la chaire, le désir, ce qui va lui permettre de grandir.
Au cœur de leur amour, on retrouve la projection de soi dans l’autre, évoquée par le titre du
film, et cette fameuse citation prononcée par Oliver : « Call me by your name, and i’ll call
you by mine ». Cette phrase scelle leur union. Leurs deux êtres sont identiques parce qu’ils
se reconnaissent mutuellement.
Les parents d’Elio sentent ce qui se passe. Ils accompagnent leur fils dans sa découverte.
Dire son amour ou mourir. Voilà le message qu’ils lui délivrent implicitement, un soir où sa
mère se plait à lire un extrait d’un roman contant l’histoire d’un chevalier amoureux, effrayé
à l’idée de dire son amour.
Il faut être courageux. C’est la seule issue. Avoir le courage d’aimer, d’accepter ses
sentiments sans penser aux conséquences, aux limites, aux frontières, et préférer le discours
amoureux à l’hésitation, au
la justesse du comportement
naissante idylle de leur fils
force et une fraicheur qui
Le discours du père, après
a fait ses adieux à Oliver,
scènes du film. Il s’adresse
déjà été confrontée à la
laisse derrière lui un vide
C’est une ode à la vie, à
érotique, intellectuel. Ici on
« Les gens qui
lisent cachent
ce qu’ils sont,
et les gens qui se
cachent n’aiment
pas toujours ce
qu’ils sont. »
renoncement. L’empathie,
des parents face à la
apporte au film une vraie
fait chaud au cœur.
le retour de son fils qui
est une des plus belles
à toutes personnes ayant
perte d’un être aimé, qui
qui prend toute la place.
l’amour familial, amical,
aime la chaleur de l’été,
l’art, les corps, la jeunesse, la nourriture, l’eau, la
curiosité. On s’extase quand on découvre des statues antiques, on danse, on rit, on pleure.
Le scène final est profondément touchante. La douleur et la peur d’un avenir sans amour
qu’Elio vient tout juste de connaître, marque à présent son visage. Sur ce plan de plusieurs
minutes, on peut voir sa mère préparant la table en arrière-plan. Un geste anodin, la vie
continue. Incroyable contraste avec l’émotion qu’on peut lire dans le regard et les larmes
d’Elio, qui, lui est ailleurs, perdu dans ses souvenirs et dans l’avenir.
Comment ne pas se sentir bouleversé, ne pas sentir une blessure du passé se réveiller,
timidement, en étant confronté à une si juste performance de l’acteur Timothée Chalamet.
Ce n’est pas un film qui traite principalement de l’homosexualité en soi, mais plus généralement
des relations amoureuses, de l’adolescence, de la maturité, de l’importance du soutien
familial. Plongez corps et âme dans « Call me by your name », vous ne le regretterez pas.
Esthétique Personnages B-O
Scénario Engagement
Esthétique
Personnages
B-O
Scénario
Par Brian Laval et Chloé Poulain © 2018

RAP FRANÇAIS :
LE GRAND REMPLACEMENT ?
Rappeurs mecs :
Porcs repentis ou assumés, leur rapport aux femmes est discutable
: la démocratisation du rap en France remet en cause ses codes.
Le public est plus large, plus jeune, plus féminin. Ce ne doit
plus être du simple diverstissement ou de la provoc. Le grand
public attend un discours bien pensant et le rappeur se montre
exemplaire. Ceux qui résisteront à cette pression populaire seront
boycottés, soumis à des excuses publiques ou trainés en procès.
Quelques exemples de rappeurs français tombés dans ces
problématiques :
DAMSO, BOOBA, ORELSAN, ALKAPOTE
Chilla :
Détournant avec brio la trap misogyne et testostéroné, Chilla
mène un combat. Ses armes : de la provocation, des prods
musclés et un discours féministe bien rodé, le tout arrosé de
références à des affaires bien connus du grand public (Weinstein,
BalanceTonPorc, Polansky, DSK...) Par ce biais, elle parvient à se
faire entendre par un public niché dans le rap hardcore et se tient
comme porte-étandart d’un nouveau genre d’auditeurs de rap
qui ne se retrouvent pas dans les idées véhiculées par la plupart
des artistes. Si Chilla ne trouvera certainement pas sa place dans
le Panthéon du rap, elle aura tout de même réussi à surfer sur la
tempête de dénonciation qui refaçonne peu à peu la société tout
entière, cultures underground comprises.
Quitterie DAFLON

On a jamais
vu un homme
se battre contre
un chou-fleur
Le végétarisme, au travers d’une démarche qui rejoint celle des anti-spécistes, permets
d’affirmer certaines idéologies. On constate que, encore bien volontiers à notre époque,
la nourriture est genrée. Certains mets sont l’apanage d’une virilité incontestable, alors
que certains choix alimentaires peuvent la remettre en cause.
Le spEcisme,
c'est quoi ?
#Conversation de rue
#TrueStory
Ca mord ?
« La nourriture, au même titre que
l’entraînement et la science, a été un
processus d’émancipation. »
Le spéciste
est convaincu que toutes les
espèces n’ont pas les mêmes droits,
et qu’aller buter du phoque pour se
faire une crème de beauté est un
dû de sa condition humaine.
L’anti-spéciste
est convaincu que toutes les
espèces ont les mêmes droits, du
lombric à sa belle mère. Et il fait
de son mieux pour les traiter de la
même manière.
Dessins © Nicolas Boccard
Propos de Chloé Maillet, conférence ENSA, nov. 2017.
Et oui, c’est bien avec le végétarisme (et aussi le jujitsu, faut pas déconner), que les
suffragettes ont décidé de lutter pour se libérer de la domination masculine :
Moins de temps à passer derrière les fourneaux, plus de temps à consacrer à soi-même.
Evincer la viande, symbole de virilité.
ENTHEA ROTURIER
Pour plus d’info sur le rapport entre notre société patriarcale et le fait de boulotter de la viande, tu peux
aller emprunter ces deux bouquins :
Carol J. Adams, La politique sexuelle de la viande, 1990
Nora Bouazzouni, Faiminisme, 2017

TANNE
TON
QUEER
TANNE
TON
QUEER

TANNE
TON
QUEER
TANNE
TON
QUEER