COLLECT Belgique Mai 2024

collect
Mensuel ne paraît pas en janvier, en juillet ni en août - 7,95 € - P608061
N° 534 / MAI 2024
Jan Davidsz. de Heem
Théâtrales natures mortes
Roger Capron
Céramiste éclectique
Peinture africaine
contemporaine
Une ode à la diversité

Francis Picabia, Silene, env. 1930 – 31, € 200.000 – 300.000, vente le 22 mai 2024
ART MODERNE ET CONTEMPORAIN
JOAILLERIE, MONTRES
Ventes de prestige
á Vienne
22 – 28 mai 2024
Dorotheum Bruxelles
Honorine d’Ursel, T. +32-2-514 00 34
honorine.dursel@dorotheum.be
www.dorotheum.com

EMILE CLAUS
Peintre du pays de la Lys
4 mai - 9 juin 2024
La galerie est ouverte tous les samedis et
dimanches de 14h à 18h
Latemstraat 20
9830 Sint-Martens-Latem
+32 9 281 11 70 | www.oscardevos.be

Max Ernst Les antipodes du paysage. 1954. Huile sur panneau. 26,7 x 35,4 cm. Estimation 200.000-250.000 €. Vente le 4 juin
1798
VENTES À COLOGNE
14 mai Bijoux et Montres précieuses 15 mai Arts Décoratifs 16 mai Maîtres Anciens et 19e siècle
4/5 juin Art Moderne et Art Contemporain 4 juin Photographie 27 mai–7 juin Contemporary Art Online
18 juin Art Asiatique 3–25 juin Asian Arts Online
Cologne, Neumarkt 3 T +49-221-92 57 290 info@lempertz.com www.lempertz.com
Bruxelles, 6 rue du Grand Cerf T 02-514 05 86 bruxelles@lempertz.com

COLLECT
Est. 1971 – mai 2024 n°534
Édito
Rédacteur en Chef
Christophe Dosogne
Rédaction
Els Bracke
Christophe Dosogne
Trice Hofkens
Collaborateurs
Gilles Bechet, Tamara Beheydt,
Jean-Marc Bodson, Thijs Demeulemeester,
Gwenaëlle de Spa, Gwennaëlle
Gribaumont, Elien Haentjens, Diane
Hennebert, Ben Herremans, Anne
Hustache, Ewoud Mijnlief, Bernard Roisin,
Christine Vuegen
Vers un appauvrissement
patrimonial de l’Europe ?
Mise en pages
Renaldo Candreva
Ellis De Vuyst
Administration, Rédaction, Agenda
Begijnhoflaan 464 G
9000 Gand
Tél. : 09/216.20.20
collect@ips.be
www.collectaaa.be
Publicité
Secteur Art : Joris van Glabbeek
Tél. : 09/216.20.24
collect.net@ips.be
Tout autre secteur :
MAC-Strat SRL /
Yves de Schaetzen
Tél. : 0475/82.96.00
yves@macstrat.be
Distribution
Librairies
AMP
La Poste
Abonnements
Pays d’Abonnements, Ambachtenlaan 21,
Unit 2A - 3001 Heverlee
Tél. 02/808.55.23
serviceclient@paysdabonnements.be
Belgique 49,5 €, Europe 70 €
Les abonnements sont à reconduction
automatique, sauf avis contraire envoyé
au minimum deux mois avant la date
d’échéance. Un abonnement offert en
cadeau se termine automatiquement
au bout d’un an. Pour un changement
d’adresse, une résiliation, un numéro
manquant, ou toute autre question,
surfez sur : www.paysdabo.be
Membre de l’Union des Editeurs
de la Presse Périodique
Pour les auteurs d’art visuel et les photographes
: © CISAC / SABAM Belgium 2024
Portrait : © Guy Kokken
Editeur responsable :
Patrick Snoeck
En couverture
Roger Capron, grand pied de lampe, ca.
1950, grès émaillé, 51 x 51 cm. Sotheby’s,
Paris, 17-12-2020. © Sotheby’s Art Digital
Studio – 7.560 € (frais inclus)
Nulle partie de cette publication ne peut être reproduite
et/ou publiée par impression, photocopie ou
de toute autre manière que soit, sans l’autorisation
écrite de l’éditeur. Ni la rédaction ni l’éditeur ne
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et faits contenus dans les articles signés ou les
contributions de ce magazine, lesquels n’engagent
que leurs auteurs. COLLECT ne peut être tenu pour
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publiées, la responsabilité en incombant uniquement
à l’annonceur. © Arts Antiques Auctions, Gand
Le 26 mars dernier, au cercle TheMerode à
Bruxelles, lors de la soirée organisée par
Art Brussels à l’occasion de sa 40e édition,
le Premier Ministre Alexander De Croo,
grand amateur d’art contemporain, répondait
aux inquiétudes du secteur quant à la modification
possible du régime de la TVA (lire à ce propos
notre édition d’avril, n°533). Sans ambiguïté,
il s’exprimait en ces termes : « Il est souhaitable
que les règles, inhérentes à l’application de la
TVA au secteur de l’art, notamment contemporain,
en Belgique, demeurent inchangées afin de
conforter la position du marché belge en Europe.
J’ai d’ailleurs eu une discussion dans ce sens avec
le Ministre Van Peteghem, en charge des Finances.
» Certes, si on a entendu un grand « Ouf ! »
de soulagement parmi les convives présents et
si le secteur semble avoir été entendu et paraît
soutenu dans sa requête, il n’est pas certain
que le gouvernement qui sera aux manettes à
l’issue des élections du 9 juin prochain l’entende
de cette oreille. Pour rappel, la directive européenne
UE2022/542, relative à l’harmonisation
de la TVA, doit être transposée par chaque Etat
membre, dans sa propre législation, au plus
tard le 1er janvier 2025… Pour l’heure, c’est une
autre directive européenne qui agite le landerneau,
notamment français. Portant le numéro
UE2019/880, ce texte qui tend à restreindre la
marge de manœuvre des marchands d’art et des
commissaires-priseurs quant à l’importation de
biens culturels extra-européens, en subordonnant
l’entrée de ces nouvelles richesses à des
obligations déclaratives et autres demandes de
licence, briderait les transactions commerciales
en promettant, à plus ou moins court terme,
un appauvrissement patrimonial inéluctable.
Car, si les objectifs du texte, qui vise à protéger
le patrimoine culturel universel et à intensifier
la lutte contre le financement du terrorisme,
semblent louables, les moyens pour y parvenir
s’apparentent à un parcours du combattant pour
les acteurs du marché de l’art. Ce qui inquiète
plus particulièrement, ce sont les modalités qui
doivent entrer en application, au sein de l’Union,
à compter du 28 juin 2025. Celles-ci comportent
des contraintes administratives lourdes,
telle que la subordination à l’obtention d’une
licence de l’importation des produits de fouilles
archéologiques ou d’éléments provenant de
démembrement de monuments de plus de 250
ans. Une demande qui devra se faire obligatoirement
via un système informatique, centralisé à
l’échelle européenne, l’Import of Cultural Goods
(ICG). Chaque Etat-membre disposant ensuite
d’un délai légal (pouvant aller jusqu’à 151 jours
en France, par exemple) pour y répondre, pas
forcément favorablement… De même, précisait
La Gazette Drouot dans son édition du 15
mars dernier, « l’importation de biens culturels
de plus de 200 ans, ayant une valeur minimale
de 18.000 euros, sera soumise à une déclaration
de l’importateur. Celle-ci comprend une
description détaillée de l’objet et une attestation
standardisée de toutes les diligences menées
pour s’assurer que la sortie du pays s’est faite
conformément à sa législation interne ( factures,
documents de transport…). » Un carcan ubuesque
et déraisonnable, selon les observateurs, eu
égard à la menace réelle d’un financement du
terrorisme par le trafic d’œuvres d’art, jugé anecdotique
par différents organes d’Etat, notamment
en France et aux Etats-Unis. Outre qu’elles
semblent exagérément tatillonnes, ces règles
comportent le risque de voir des pans entiers du
marché de l’art européen se délocaliser vers des
villes comme Londres ou Genève, non concernées
par ces dispositions. Dans son édition du
10 avril, Le Figaro pointait d’ailleurs déjà la disparition
probable, à court terme, du marché de
l’archéologie au sein de l’Union. Mais, in fine, au
profit de quoi et surtout de qui ?
Christophe Dosogne
5

34
76
Le marché de l’art
après le Covid…
48
Au fil du temps :
le portefeuille
Les artistes africains
sont à l’origine d’un
changement de
paradigme important
Maja Wismer
Un impact durable
sur ses acteurs ?
52
La cote d’Eugeen
van Mieghem
24
Rombout Verhulst, grand
sculpteur méconnu
Van Mieghem a observé
tous les travailleurs du port
d’Anvers, de même que les
innombrables migrants en
route vers une vie meilleure.
6

14
La Biennale : momentum
artistique ou champ
de bataille politique ?
Sommaire
Mai 2024
Dossiers
Ventes
70
L’héritage d’Emiel
Veranneman
14 La Biennale : momentum
artistique ou champ de
bataille politique ?
24 Rombout Verhulst, ce
grand sculpteur méconnu
28 Jan Davidsz. De Heem,
somptueuses natures
mortes
32 Marisa Merz, écouter
l’espace
34 54 nuances de Black Joy
40 IPARC : “Restaurer c’est
innover”
44 La céramique éclectique
de Roger Capron
48 Au fil du temps :
le portefeuille
52 La cote d’Eugeen
Van Mieghem
70 L’héritage d’Emiel
Veranneman
76 Le marché de l’art après
le Covid…
78 L’avis de l’experte
82 Focus International
86 Vente en Belgique
Agendas
60 Musées
68 Galeries
102 Ventes
103 Foires
Rubriques
8 Up to date
12 Personalia
20 L’artiste du mois :
Nicolas Verschaeve
22 Zoom : Annie Ernaux
56 Musées
62 Parole de galeriste :
UPPERCUT
63 Galeries
67 Parole de galeriste :
Annie Gentils Gallery
104 Salles de ventes
105 Bonnes adresses
& Sites Web
105 Petites annonces
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7

Up to date
->
L’espace bruxellois de la nouvelle Galerie Lodovico Corsini
(ex-CLEARING). © D. R.
->
Stephan Goldrajch, Urban Folly II – Emilie Louise Flöge, 2024, technique mixte. © de l’artiste
/ photo : D. R.
Signa temporum, ars temporis…
Fin mars, un an après le décès de l’ancien
président de la Chapelle musicale Reine
Elisabeth, était lancée la Fondation Bernard
de Launoit qui tient à privilégier les projets
audacieux, originaux et courageux dans
les domaines de la musique, du cinéma,
des arts plastiques, de la montagne et de
l’aventure. www.fondationbdl.com S Les
passionnés d’Art nouveau peuvent désormais
plonger dans un trésor architectural à
travers toute la Belgique grâce au lancement
de la plateforme www.admirable-artnouveau.be
S Dans le cadre de l’Année Art
nouveau, Urban.Brussels a commandé à
l’artiste Stephan Goldrajch (1986), l’œuvre
Urban Folly II – Emilie Louise Flöge (2024).
Inaugurée le 19 avril dernier, à proximité du
Palais Stoclet, sur l’avenue de Tervuren, elle
rend hommage à la muse et compagne de
Gustav Klimt, qui figure notamment dans
son Etreinte de la fresque en mosaïque installée
dans la salle à manger de la demeure
bruxelloise de la famille Stoclet. S Nouveauté
au musées Art et Histoire, à Bruxelles :
une nouvelle cantine chic, intitulée Gédéon,
vient d’y ouvrir ses portes, sous la houlette
du groupe Chou de Bruxelles. Au cœur du
Cinquantenaire, Gédéon (qui rend hommage
au premier architecte attaché à la
construction du site, Gédéon Bordiau) met
en avant une cuisine généreuse et moderne,
inspirée de la tradition bourgeoise.
www.gedeon-restaurant.be S L’Antwerp
Art Weekend fête ses dix ans d’existence.
En plus de 70 galeries, musées et autres
organisations artistiques, cet événement
promeut la scène artistique contemporaine
anversoise. Un vaste programme d’expositions,
événements, fêtes et autres activités,
vous attend du 16 au 19-05. www.antwerpartweekend.be
S Les rumeurs se confirment
: CLEARING, enseigne née à New
York, présente à Bruxelles et Los Angeles,
a définitivement scindé ses activités. Selon
le communiqué officiel, « après douze ans
de relations transatlantiques,… les entités
américaine et européenne de la galerie se
séparent ». La galerie bruxelloise passe ainsi
sous la houlette de son ancien directeur,
Lodovico Corsini, et opérera en son nom
propre, tout en demeurant dans le même
espace bruxellois. Tandis qu’aux Etats-
Unis, l’enseigne demeure sous la direction
de son fondateur, Olivier Babin. www.cl-e-a-r-i-n-g.com
S La foire bruxelloise
COLLECTIBLE annonce pour septembre,
pendant la semaine de l’Armory Show, une
première édition new-yorkaise produite en
partenariat avec Water Street Projects et qui
se tiendra dans le WSA Building, bâtiment
historique (au 161 Water Street) réhabilité
en espace de coworking, d’art, d’excellence,
de production et de divertissement. www.
collectible.design S Egalement prévu pour
septembre, Constantin Chariot, ex-directeur
de La Patinoire Royale / Galerie Valérie
Bach, à Bruxelles, annonçait dernièrement
l’ouverture d’un espace d’exposition dans
les environs du WIELS, à Forest. Situé sur
1000 m², au 110 de la rue Pierre Decoster,
l’Espace Constantin Chariot sera dédié
à l’art moderne et contemporain, plus
particulièrement en lien avec l’abstraction.
8

UP TO DATE
->
Vue de l’atelier de Nancy Taelman, lors de l’édition 2022 d’Atelier in beeld. © Evenbeeld
www.espaceconstantinchariot.art S Fin
avril, Zishan Ansari, propriétaire du service
de conciergerie privée Quintessentially,
ouvrait une galerie à Bruxelles, dans l’ancien
bâtiment de la banque ING (avenue Louise
205-207). Intitulé The Vault Gallery, l’espace
devrait se concentrer sur des artistes internationaux
et contemporains ainsi que sur la
location d’œuvres d’art. www.thevaultgallery.com
S De son côté, la Marlborough
Gallery, honorable enseigne de près de 80
ans renommée pour l’art d’après-guerre,
cesse ses activités dans le monde et, à partir
de juin, l’ensemble de sa programmation.
La galerie exploite actuellement des
espaces à New York, Londres, Madrid et
Barcelone, et aurait quelque 250 millions de
dollars d’œuvres à vendre en stock. Selon
des sources bien informées, une partie des
bénéfices de cette liquidation est destinée à
être reversée à des institutions culturelles à
but non lucratif qui soutiennent les artistes
contemporains. Cette triste issue conclut
une période dramatiques pour la galerie,
dont une querelle familiale et un procès
intenté par son président, Max Levai, contre
deux membres du conseil d’administration.
www.marlboroughgallery.com S Retour à
Bruxelles, où l’agente immobilière Charlotte
André s’associe au galeriste et expert en art
Stéphane Cauchies pour former Sérénité,
société d’expertises au service de la gestion
du patrimoine tant mobilier qu’immobilier.
www.serenite-expertises.be S Le weekend
des 4 et 5 mai, la troisième édition
d’Atelier in beeld renoue avec son principe
d’ouverture d’ateliers, tant en Flandre qu’à
Bruxelles, parmi plusieurs milliers d’artistes
participants, sculpteurs, peintres, artistes
3D, céramistes et autres calligraphes. www.
atelierinbeeld.be S Pour sa 5e édition, la
Biennale d’art contemporain WAW ! (jusq.
23-06) réunit trois communes bruxelloises
(Auderghem, Woluwe-Saint-Pierre et Woluwe-Saint-Lambert)
accueillant les œuvres
de quatorze artistes, dont Elodie Antoine,
Emmanuel Bayon, Maëlle Dufour, Caroline
Le Méhauté et Léopoldine Roux. www.
wolubilis.be S Du 10-05 au 01-06, c’est le
retour du Kunstenfestivaldesarts qui célèbre
la création artistique contemporaine à
travers le théâtre, la danse, les performances
et les arts visuels. www.kfda.be S Du 27-05
au 02-06, partout en France, le SYMEV
(Syndicat National des Maisons de Ventes
Volontaires) organise la XVIIIe édition des
fameuses Journées Marteau qui permettent
aux néophytes et aux connaisseurs de faire
gracieusement expertiser et estimer leurs
objets, bijoux ou encore œuvres d’art. Ce
rendez-vous incontournable fait également
découvrir au plus grand nombre les
rouages des enchères sous forme d’ateliers,
conférences ou encore jeux. www.symev.
org S A l’issue de ses ventes de ce mois,
l’auctioneer Sotheby’s a décidé de diminuer
sa commission acheteur de 26 à 20 % pour
les œuvres dont la valeur d’enchère est inférieure
à 6 millions de dollars. Au-delà, cette
commission redescend à 10 %. Selon les
observateurs, il s’agirait d’une stratégie de
séduction visant à inciter les acteurs du haut
du marché à poursuivre chez elle leurs acquisitions
mais aussi à recourir à ses services
en cas de (re)vente. www.sothebys.com S
Villa Zonneschijn
->
Emile Claus, Villa Zonneschijn au printemps, 1910, huile
sur toile, 140 x 202 cm. © Galerie Oscar De Vos
La Galerie Oscar De Vos est spécialisée depuis 1968 dans l’art des
artistes de Laethem-Saint-Martin (ca. 1880-1940), le village des
artistes sur la Lys où elle est également située. A l’occasion du 100e
anniversaire de la mort du peintre Emile Claus (1849-1924), la galerie
lui rend hommage avec l’exposition Emile Claus, peintre du pays de
la Lys. À partir de 1882, Claus et sa future épouse Charlotte Dufaux,
s’installaient dans une maison de la région, plus tard renommée Villa
Zonneschijn, devenue lieu de rencontre pour leurs amis artistes. Le
milieu rural, la Lys et les habitants des campagnes offrirent au peintre
une source d’inspiration inépuisable. En une vingtaine de tableaux,
dont certains inédits, l’exposition propose un aperçu de son œuvre
(du 04-05 au 09-06). www.oscardevos.be
9

UP TO DATE
Promenades printanières
->
Terry Davies, œuvre récente exposée lors du Marché de la Céramique d’Andenne. © de l’artiste
Le mois de mai est l’occasion de se rendre
dans quantité de salons organisés dans des
endroits singulier. À partir du dimanche
05-05, se déroule ainsi la 8e édition du
Marché de l’Argenterie du Château de
Laarne, forteresse médiévale entourée de
douves près de Gand. Les organisateurs,
Herita Foundation et l’antiquaire Emil
Fonfoneata, y invitent des exposants de
renom à exposer leurs plus belles pièces.
A cette occasion, il est également possible
d’admirer l’exceptionnelle collection
d’argenterie de Claude D’Allemagne (1917-
1986), abritée dans le château. Nouveau :
un journée d’expertise gratuite des objets
des visiteurs. www.herita.be S Traditionnellement,
le Marché de la Céramique
d’Andenne se déroule à la Pentecôte, qui
réunit de nombreux céramistes nationaux
et étrangers. Le jury a ainsi sélectionné 70
artistes et l’invité d’honneur est l’An-
glo-italien Terry Davies, qui expose à l’EMA
ses œuvres récentes et animera un atelier.
Cet événement revêt une importance
culturelle et historique pour cette ville,
connue pour son derle et son argile rouge
que l’on retrouve également dans les rues
(du 19 au 20-05 sur la Place des Tilleuls,
la Promenade des Ours et l’Esplanade
du Phare. www.ceramicarterenne.be) S
Comme à son habitude, le Château de
Deulin organise une agréable brocante
d’antiquités, objets de décoration et
mobilier de jardin, lors du week-end de la
Pentecôte. Des dizaines de stands répartis
à travers le domaine forment un parcours
invitant à une promenade exploratoire.
En outre, 70 participants, sélectionnés
par Simon de Harlez, exposeront dans les
dépendances, dans la chapelle, dans les
greniers à foin et dans l’orangerie (du 18 au
20-05). www.espacedeulin.be
->
Doublé
Hanneke
Beaumont
Sur le site de la ferme du château
d’Ooidonk, dont les origines se situent
au XVe siècle, la Galerie Francis
Maere organise la troisième édition
de l’Ooidonk Art Festival. Le festival
démarre avec un focus sur l’artiste
d’origine néerlandaise Hanneke
Beaumont (1947) (du 18-05 au 30-06).
Elle montrera plusieurs sculptures
monumentales en bronze, fonte et
terre cuite, tant à l’extérieur qu’à l’intérieur
de la ferme, aux côtés d’une
vingtaine d’artistes contemporain
belges et étrangers ayant reçu carte
blanche pour exposer leurs œuvres
dans l’espace qui leur a été désigné :
entre autres, Guillaume Bijl, Willem
Boel, Pierre Clerk, Johan De Wit,
Randoald Sabbe, Kris Martin, Johan
Tahon, Conrad Willems et Sylvie
Martens. Les œuvres de Hanneke
Beaumont seront ensuite transférées,
durant tout l’été (du 08-07 au 30-09),
dans le somptueux cadre du château
d’Annevoie, à Anhee, connu pour
ses spectaculaires jardins d’eau. Le
second volet du festival d’Ooidonk
(du 20-07 au 15-09) accueillera, quant
à lui, une nouvelle sélection d’artistes,
parmi lesquels Stief Desmet,
Jan Fabre, Thomas Renwart, Roeland
Tweelinckx, Koen Van Mechelen, Tim
Volckaert ou Lieven Lefere.
www.ooidonkartfestival.be
www.chateaudannevoie.be
SCRAP, la récup’ solidaire
Entreprise de travail adapté, dont l’objet social consiste à permettre aux personnes
en situation de handicap de trouver un environnement de travail personnalisé et
valorisant, Metalgroup, situé à Marcinelle, lance la marque SCRAP. Ce projet de récup’
solidaire est né de l’envie de réutiliser les chutes générées par les nombreuses
activités de la société, lesquelles consistent à usiner et mettre en œuvre des matériaux
tels que l’acier, l’aluminium, le bois ou le plexiglass, tout en leur donnant
la plus-value apportée par le regard et l’expertise plastique de deux designers
belges, Sylvain Busine et Patrick Everaert, qui partagent ses valeurs. Cette collaboration
vient d’aboutir sur la production d’une première série de six objets, parmi
lesquels une lampe modulable, un tabouret et un porte-manteaux, ensemble qui
sera étoffé au fil du temps et des collaborations futures. www.scrapdesign.be
->
Chaque tabouret de la marque SCRAP est une pièce unique, moderne et écologique, fabriquée
à partir de chutes de bois. © SCRAP
10

UP TO DATE
Quelques classiques printaniers
->
Rudy Loewe, Anansi #2, 2020, acrylique sur toile, bois, 70 x 170 cm. © de l’artiste / VITRINE /
photo : Eleni Parousi
->
Daniel Jack Lyons, Wendell in Drag, 2019.
© de l’artiste / Courtesy Fondation Deutsche
Börse Photography
La foire Independent New York fête cette
année sa 15e édition (du 09 au 12-05), aux
Spring Studios de Tribeca. Les 85 participants
sont sélectionnés sur invitation et
les expositions commandées pour cette
édition se concentrent sur les artistes
émergents faisant leurs débuts à New York,
les noms établis dont les carrières ont besoin
d’une réévaluation critique et orientée
vers le marché et les pratiques multidisciplinaires
qui se concentrent sur les enjeux
sociétaux actuels. www.independenthq.
com S Presque simultanément, la TEFAF
New York investit l’emblématique Park Avenue
Armory, en présentant une sélection
exceptionnelle en art moderne et contemporain,
bijoux, design et antiquités des XXe
et XXIe siècles. L’événement accueille près
de 90 galeries internationales de premier
plan, en provenance de quinze pays et de
quatre continents. Les participants belges
sont Axel Vervoordt et Yves Macaux. (du
10 au 14-05, www.tefaf.com) S À Londres,
Photo London célèbre le 25e anniversaire
de la Deutsche Börse Photography
Foundation avec l’exposition See/Change
– Art Collection Deutsches Börse @25. Les
œuvres sélectionnées mettent en valeur la
diversité de cette collection renommée et
ses positions artistiques sur des thèmes tels
que le changement climatique, l’activisme,
la migration et la société. Mis à l’honneur
cette année, le travail de Valérie Belin avec
l’exposition rétrospective Silent Stories (du
16 au 19-05). www.photolondon.org
->
Bouke de Vries, Guan Yin au nuage diagonal,
2023, fragments de porcelaine chinoise
des XVIIIe et XIXe siècles, 100 x 65 x 28 cm.
© de l’artiste / Courtesy TEFAF New York /
Adrian Sassoon
Hommage à Guy Vandenbranden
La Galerie Callewaert Vanlangendonck, à Anvers, propose l’exposition Nuove tendenze
degli Artisti Belgi (jusq. 05-05). Cette exposition rend hommage à Jef Verheyen, qui a mis
en contact de nombreux artistes belges avec son réseau international d’avant-garde et a
ainsi promu les « Belges en Italie », dont Guy Vandenbranden (1926-2014). La galerie, qui
gère son Estate, s’apprête aussi à commémorer le dixième anniversaire de sa mort, à l’occasion
d’une exposition monographique, qui s’ouvre le 12-05. Cette rétrospective présente
peintures, sculptures et œuvres sur papier, de la période 1950 jusqu’à sa mort, et rend
hommage à l’un des plus importants artistes belges d’après-guerre, reconnu internationalement
pour son art abstrait géométrique.
www.callewaert-vanlangendonck.com
->
Guy Vandenbranden, Composition, 1967, laque cellulosique sur panneau, 72 x 61 cm. © Galerie Callewaert
Vanlangendonck – Prix : 14.500 €
11

Têtes de l’Art
Frédéric Mitterrand
Gaetano Pesce
In memoriam : Gaetano Pesce
(1939), considéré comme le «plus
radical des radicaux», un visionnaire
révolutionnaire en matière
de design, décédait le 3 avril à
New York. Son approche singulière,
brouillant les frontières entre art
et design, il la mena en réaction face
au rationalisme et au fonctionnalisme
du courant moderniste. Il s’est
ainsi lancé dans l’expérimentation
de matériaux et de processus de production
afin de créer des objets qui,
outre leur valeur esthétique, recèlent
une signification profonde, souvent
politique ou religieuse. L’une de ses
créations les plus emblématiques est
la chaise UP5, symbolisant la rondeur
des formes féminines.
© photo : Mark O’Flaherty
Richard Serra
In memoriam : Le sculpteur américain
Richard Serra, connu pour ses
structures monumentales en acier,
décédait le 26 mars à son domicile
de Long Island, à New York, à l’âge
de 85 ans. D’abord peintre, il devint
à partir des années 1960 un sculpteur
de premier plan, jouissant d’une
renommée internationale. Son art,
caractérisé par d’immenses couloirs
inclinés et autres spirales d’acier,
allie grandeur abstraite et intimité
physique. Ses sculptures, composées
d’acier laminé à froid, sont
parfois si lourdes que leur installation
a nécessité la construction de
structures d’accueil spécifiques.
© photo : Oliver Mark
Pierre Cordier
In memoriam : L’ancien ministre de
la Culture et homme de télévision
français Frédéric Mitterrand décédait
le 21 mars, à Paris, à l'âge de 76
ans, des suites d’un cancer agressif.
Neveu de l’ancien président François
Mitterrand, Frédéric Mitterrand
fut d’abord un exploitant de cinéma.
Il développera son goût du cinéma,
des images et des célébrités à la
télévision comme présentateur, pro-
ducteur et réalisateur. Pendant les
années 1980, avec sa voix au rythme
si particulier, faussement monocorde,
il va présenter Étoiles et Toiles
sur TF1, Acteur Studio ou Permission
de minuit. Sur France 2, il anime
Du côté de chez Fred et Étoile-Palace.
Son bonsoir nonchalant et appuyé
est resté dans les mémoires.
© photo : PJB/SIPA
In memoriam : Pierre Cordier,
l’inventeur belge du ‘‘chimigramme’’,
né en 1933, décédait le 21 mars.
Avant d’être peintre, Pierre Cordier
eut une brève carrière de photographe.
En combinant du papier photosensible
et en peignant au vernis à
ongles, il avait créé le premier «chimigramme»,
un procédé qui connut
un fort succès, savant mélange
entre peinture et photographie, permettant
de larges expérimentations.
© Wikipedia / D. R.
12

Bonaventure Soh Bejeng Ndikung
Nicolas Cullinan
Nomination : Ancien directeur de
la National Portrait Gallery, Nicholas
Cullinan (1977) a été nommé
directeur du British Museum. Cette
nomination fait suite à une période
trouble, notamment le scandale des
vols et la nécessité d’une rénovation
à grande échelle. Fort de son expérience
en la matière comme dans
le commissariat d’expositions, il
est considéré comme la personne
la mieux placée pour relancer cette
prestigieuse institution, empêtrée
dans les demandes de restitutions
à répétition des marbres du Parthénon
ou de la Pierre de Rosette et
dont l’étoile tend à pâlir.
© photo : Zoë Law
Nomination : À la fois écrivain, commissaire
d’exposition et docteur en
biotechnologie médicale et en biophysique,
le Camerounais Bonaventure
Soh Bejeng Ndikung (1977)
prenait, début 2023, les rênes de la
Haus der Kulturen der Welt (HKW)
de Berlin. Son travail à la tête de cette
institution, qui a pour vocation de
présenter la diversité de la création
contemporaine avec un focus extraeuropéen,
de même que ses expériences
à la Documenta 14 (2017) et à
la Biennale de Dakar (2018) lui ont
servi de tremplin pour sa désignation
comme commissaire en chef de
la 36e Biennale d’art de Sao Paulo,
qui se déroulera en 2025.
© photo : Jana Edisonga
Amir Nave
Marie Sordat
Lauréate : Née en France mais vivant
à Bruxelles depuis de nombreuses
années, Marie Sordat (1976) remportait
fin mars le premier Prix Germaine
Van Parys, concours destiné
aux femmes photographes. Sa série
intitulée Looks at Brussels a été distinguée
par sa simplicité conceptuelle
et la sincérité de son imagerie.
L’artiste regarde la ville d’un œil neuf,
du centre à la banlieue, capturant sa
versatilité et sa joie de vivre.
© D. R.
Lauréat : Le 21 mars, le jury de la
17e édition du Prix du dessin de
la Fondation d’art contemporain
Daniel et Florence Guerlain récompensait
l’artiste israélien Amir Nave
(1974) qui, à travers ses explorations
de la matérialité du corps
humain, traite de la relation entre
le passé et le déclin actuel de notre
société. Le lauréat a reçu une dotation
de 15.000 euros, tandis qu’une
de ses œuvres rejoindra prochainement
le cabinet d’art graphique du
Musée national d’art moderne Centre
Pompidou, à Paris.
© de l’artiste
13

14
La Biennale
Momentum artistique ou champ de bataille politique ?

Denicolai & Provoost, Picnic party at Lago di
Resia, Petticoat Government, visible dans le
Pavillon belge. © Courtesy Petticoat Government
(Denicolai & Provoost)
15

Ced’art Tamasala (CATPC), Matthieu Kasiama (CATPC), Renzo Martens, Hicham Khalidi, Mbuku Kimpala (CATPC). © photo : Koos Breukel
En 2024, la Biennale de Venise
célèbre sa soixantième édition. Avec
une grande exposition centrale et
des présentations individuelles par
pays, dans les pavillons installés
dans les Giardini, à l’Arsenale et
dans toute la ville, c’est l’une des
plus grandes manifestations d’art
contemporain au monde. Créée en
1895, en quoi une représentation
nationale a-t-elle encore du sens
dans un monde globalisé ? Dans
quelle mesure cet événement
est-il novateur et donne-t-il le
ton, d’autres facteurs sous-jacents
entrent-ils en ligne de compte ?
TEXTE : TAMARA BEHEYDT
La Belgique fut le premier pays à
installer, dans les Giardini, son
pavillon national conçu par l’architecte
Léon Sneyers pour la Biennale
de 1907. Le pavillon néerlandais l’a
rejoint seulement en 1954. Avant cette
date, les Pays-Bas étaient présents dans
l’ancien pavillon suédois. La représentation
traditionnelle nationale est toujours
d’actualité, chaque Etat sélectionnant un
commissaire et un ou plusieurs artistes,
en lice pour remporter le Lion d’Or qui
récompense le meilleur pavillon, et dont
l’impact potentiel est encore plus perceptible
en dehors de Venise. Une participation
à la Biennale constitue une sorte
de consécration et de reconnaissance.
Pour notre pays, elle garantit un certain
prestige, à condition que le projet soit
bien accueilli par les acteurs nationaux et
internationaux. Sa participation, en 2001,
avec une série de tableaux sur les malversations
belges au Congo, marquait ainsi
un tournant dans la carrière de Luc Tuymans.
En 2003, elle a, en revanche engen-
En dépit de
l’agitation, une
participation à la
Biennale garantit
un certain prestige.
dré un autre type de tempête : l’exposition
de Valérie Mannaerts et Sylvie Eyberg,
organisée par Thierry de Duve, ne reçut
guère un accueil favorable. Ces ‘‘papes
de l’art’’ qu’étaient Jan Hoet et Harald
Szeemann, en particulier, exprimèrent
en public de sévères critiques. En 2022,
la Belgique était représentée par Francis
Alÿs, artiste né à Anvers, mais qui vit et
travaille depuis quarante ans au Mexique.
À quoi bon le propulser sur le devant de
la scène comme artiste ‘‘belge’’ ? Est-ce
important ? La délégation de cette année
examine le tissu géopolitique sous-
16

La Biennale, pierre
de touche des
valeurs morales
internationales,
illustre clairement que
le monde artistique
n’échappe pas aux
préoccupations (géo)
politiques.
jacent à la Biennale. Les artistes bruxellois
Denicolai et Provoost ont décidé de
créer un collectif, Petticoat Government,
une collaboration horizontale entre les
artistes, la commissaire Antoinette Jattiot
et les studios NORD et Speculoos. Ils ont
sélectionné sept géants, figures traditionnelles
folkloriques, dans toute la Belgique
pour entreprendre le voyage par voie de
terre et d’eau, « donc pas abstraitement
dans l’air », jusqu’à Venise où la procession
a terminé sa route dans le pavillon belge.
Et comme il sied à une présentation marquante
à la Biennale, le projet poursuivra
sa route dans certains musées de Charleroi
et Dunkerque, en 2025. Depuis 1995, le
Fonds Mondrian sélectionne les artistes
et commissaires du pavillon néerlandais.
Lors de l’édition précédente, Melania
Bonajo fit un passage très remarqué. Elle
avait investi la Chiesetta della Misericordia,
dans le centre-ville, car le pavillon
Rietveld avait été affecté à l’Estonie. Cette
année, les Pays-Bas sont représentés par
le Cercle d’Art des Travailleurs de Plantation
Congolaise (CATPC), fondé et géré
par Renzo Martens. Ce dernier est certes
néerlandais, mais les artistes qui exposent
dans le pavillon sont congolais. Les Pays-
Bas affichent ainsi leur position et une
volonté de corriger, du moins symboliquement,
les hiérarchies dans le monde
de l’art occidental. Aux yeux de beaucoup,
Renzo Martens demeure un personnage
ambigu, même s’il s’efforce de rester en
retrait. Une controverse qui ne manque
bien sûr pas d’attirer, en amont, l’attention
sur la présence néerlandaise. Car une visibilité
internationale est indéniablement
l’un des objectifs majeurs d’une participation
à la Biennale.
CHAMP DE BATAILLE POLITIQUE
Dans le monde de l’art, s’il faut pouvoir
parler de la Biennale et dire qu’on y est
allé, c’est surtout un lieu où le cénacle
n’échappe pas aux préoccupations (géo)
Instituto de Artivismo Hannah Arendt (INSTAR), INSTAR Archive, List of censored Artists, 2022, vue de
l’installation à la Documenta Halle, Cassel, 12 juin 2022. © photo : Nicolas Wefers
17

La couverture
médiatique et les
nombreux visiteurs
illustrent, cette année
encore, que la fin
de la Biennale de
Venise n’est pas pour
demain. D’autres
biennales émergent
parallèlement dans
d’autres pays.
politiques du moment. La Biennale de
1974 fut, par exemple, annulée en raison
de manifestations contre le coup
d’État au Chili. Le pavillon russe, dans les
Giardini, est resté fermé en 2022, suite au
désistement du commissaire lituanien
Raimundas Malašauskas et des artistes
Alexandra Sukhareva et Kirill Savchenkov.
En réaction à l’invasion de l’Ukraine, une
exposition fut organisée par Björn Geldhof,
directeur du Pinchuk Art Centre de Kiev,
dans la Scuola Grande della Misericordia,
avec essentiellement des œuvres ukrainiennes,
mais aussi des contributions
de Marina Abramović, Ólafur Elíasson
et Damien Hirst. Cette année, faute de
représentation nationale, le pavillon russe
a été loué à la Bolivie, tandis que des
pressions internationales se sont exercée
afin d’exclure Israël de la Biennale. « L’art
ne se crée pas en vase clos, encore moins
dans une ‘‘bulle’’, et il ne peut transcender
la réalité. Les euphémismes ne peuvent
effacer les vérités violentes. Toute œuvre
qui représente officiellement l’État d’Israël
approuve la politique génocidaire de ce
dernier », tels sont les mots contenus dans
la pétition d’un mouvement spécialement
constitué, Art Not Genocide Alliance,
ayant recueilli 23.175 signatures. L’organisation
de la Biennale a refusé de répondre
à cette pétition et d’exclure Israël. A l'heure
de boucler cette édition, les commissaires
de ce pavillon, de même que l'artiste Ruth
Patir, avaient décidé d'en interdire l'accès
jusqu'à l'obtention d'un cessez-le-feu entre
belligérants et la libération de l'ensemble
des otages retenus prisonniers par le
Hamas ! La Biennale, sur laquelle le monde
entier a les yeux braqués tous les deux ans,
n’apparaît donc pas seulement comme un
champ de bataille pour les artistes et leur
carrière, mais aussi comme une pierre de
touche des valeurs morales internationales.
La politique étend ainsi ses tentacules
en coulisses puisque, comme de
nombreux pays, l’Italie assiste aussi à une
montée de l’extrême droite. Le nouveau
président de La Biennale, Pietrangelo Buttafuoco,
dont le mandat a débuté en mars
dernir, est l’ancien chef de la section jeunesse
d’un mouvement néofasciste, mais
il n’a aucune expérience du domaine culturel.
Comme journaliste, il est connu pour
ses idées de droite et comme soutient à la
première ministre Giorgia Meloni.
Big Spoon, image du film de Melanie Bonajo, When the body says Yes, 2022, commande du Mondriaan Fund. © de l’artiste
18

Sanam Khatibi, Ik ken je al jaren, 2023, olieverf en pastel op paneel, 23 x 30,5 cm. © de kunstenaar. Met
toestemming van Rodolphe Janssen. Foto: Hugard & Vanoverschelde.
Asia Art Archive, The Black Archives, 2022, vue de l’installation à la Documenta Halle, Kassel, 11 juin 2022. © photo : Frank Sperling
DES BIENNALES,
EN VEUX-TU, EN VOILÀ
Si la Biennale de Venise est l’événement
par excellence où il convient de ‘‘voir et
d’être vu’’, il en existe d’autres où cela est
moins le cas. C’est peut-être la raison pour
laquelle un bilan dressé tous les cinq ans,
où tous les événements sont considérés
comme une seule exposition avec un seul
commissaire ou organisateur central,
au lieu d’une arène où des artistes de
différents pays se disputent la vedette, se
déroule lors de la documenta de Cassel.
Celle-ci offre un regard neuf et des visions
inédites sur le monde de l’art. La dernière
édition, organisée par le collectif ruangrupa,
a mis le monde de l’art occidental
au défi de reconsidérer ses conventions et
hiérarchies. L’impact en est encore perceptible,
entre autres dans la visibilité des collectifs
artistiques, existants et nouveaux.
Manifesta se déroulait en 2022 à Pristina
et se déroule, cette année, à Barcelone.
Cette biennale nomade d’art contemporain
collabore activement avec la ville qui
l’accueille, laquelle est elle-même requérante
et empêche ainsi le déroulé de certains
scénarios, comme à Venise ou Cassel,
où un tourisme en hausse exponentielle
engendre de nombreux désagréments. Sa
couverture médiatique et ses nombreux
visiteurs témoignent cette année encore
que la fin de la Biennale de Venise n’est pas
pour demain. D’autres biennales émergent
parallèlement dans d’autres pays. Les
éditions, de plus en plus spectaculaires,
de Berlin, de Lyon et de São Paulo ont été
rejointes par celle de Malte, organisée pour
la première fois cette année. Après celle
de Bruxelles, qui fit long feu, un projet de
biennale ou d’événement analogue serait
également dans l’air à Anvers, à l’initiative
de la ville, mais il semble abandonné
pour l’instant. Une grande manifestation
artistique, organisée tous les deux ans ou
plus, est apparemment considérée comme
un excellent moyen de dynamiser le tourisme
et l’économie. Il se passe toujours
quelque chose ailleurs, par exemple à Oslo,
Liverpool, Lubumbashi ou Gwangju. Mais
la question se pose de savoir s’il s’agit du
bon endroit et du bon contexte pour que
l’art puisse s’épanouir pleinement, avec
tous ces agendas et motivations politiques
sous-jacents ?
La documenta
de Cassel offre
en général un
regard plus neuf et
des perspectives
inédites sur le
monde de l’art.
VISITER
60e Exposition Internationale d’Art / La
Biennale de Venise
jusq. 24-11
www.labiennale.org
19

L’ARTISTE DU MOIS
Nicolas Verschaeve
Dans cette série, COLLECT s’intéresse à la place occupée par les jeunes
artistes dans le monde contemporain. Pourquoi ont-ils choisi cette voie,
d’où leur vient leur inspiration et comment se positionnent-ils ? Voici
venu le tour du Bruxellois Nicolas Verschaeve (1995).
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
PORTRAIT : GUY KOKKEN
Grâce à son atelier mobile
Escales, ces dernières années,
Nicolas Verschaeve a exploré
diverses régions de France et
leurs savoir-faire souvent oubliés. Il s’est
intéressé, entre autres, à l’artisanat du
bois, du liège et du verre. Pour ce dernier
matériau, il s’est établi dans le nord des
Vosges où il a étudié de près le métier de
souffleur de verre au CIAV Meisenthal :
« Les rencontres jouent un rôle crucial
dans mon processus. C’est la raison pour
laquelle je désire prendre le temps de
découvrir l’endroit, mais aussi toutes les
personnes qui y vivent ou travaillent. C’est
en tentant de comprendre le contexte que
je peux créer quelque chose qui saisisse
pleinement l’âme du lieu et son artisanat.
Comme l’Europe mise, depuis des siècles,
sur la culture, chaque région possède sa
propre spécificité. Mon rôle consiste à
mettre en valeur l’unicité de chaque atelier.
» Pour son projet de verre, le designer
a contacté des menuisiers, sociologues,
historiens, mais aussi des gardes-forestiers.
Il a conçu un moule modulaire au
départ d’essences locales : « J’ai choisi des
planches dépareillées, faciles à associer,
qui peuvent donner naissance à des objets
très divers. Cet outil flexible offre donc
une multitude de possibilités et permet de
se montrer original avec peu de moyens.
Le titre Sillages fait allusion à une sorte de
prolongement ou de continuité, mais aussi
aux traces laissées par le moule sur l’objet
et au sciage du bois. Mon geste artistique
consiste à traduire cette recherche en
objet. J’utilise le savoir-faire, le terrain et
les moyens sur place et je rends souvent
l’invisible à nouveau visible. » Alors que
nous nous interrogeons sur l’origine de
nos aliments et comprenons que des légumes
cultivés localement sont meilleurs
pour tous, c’est un peu moins le cas pour
les objets : « Nous avons besoin d’objets
locaux pour un monde plus durable et
pour mettre fin aux inégalités et injustices.
Mes objets encouragent le dialogue. En
2022, j’ai par exemple conçu une boule de
Noël dans la série élaborée par Meisenthal
en m’inspirant de bouteilles en verre. Au
Moyen Âge, on a eu l’idée de renforcer les
fonds de bouteille, lors du soufflage, en
les repoussant avec une boule de papier.
J’ai fait reproduire à la main ce processus,
industrialisé plus tard. Par ce geste simple,
je souhaite faire découvrir au public
l’histoire culturelle qui se trouve derrière
l’objet et l’identité de celui-ci. » Enzo Mari
lui a appris qu’un geste va au-delà de la
20

L’ARTISTE DU MOIS
« Les rencontres
jouent un rôle crucial
dans mon processus. »
simple pression sur un bouton, il s’agit
aussi de prêter attention aux ouvriers qui
fabriquent les pièces : « Son autoprogettazione
incitait les gens à se mettre au
travail. J’admire aussi Andrea Branzi pour
ses créations qui se situent à mi-chemin
entre art et industrie, naturel et artificiel. »
RACONTER L’HISTOIRE
Nicolas Verschaeve ne se considère pas
comme l’auteur unique de ses créations.
Le savoir-faire des artisans, avec lesquels il
collabore étroitement, ou la réaction aléatoire
du matériau influent tout autant sur
le résultat final : « Je ne vois pas d’inconvénient
à m’écarter en partie du processus
et à ne pas le contrôler totalement. Mon
objectif est d’apporter des changements
à long terme et d’encourager les gens
à poursuivre ma tâche. Si j’aspire aussi
à la production en série, les premiers
objets d’un projet portent en eux cette
recherche artistique. Ces pièces, souvent
uniques, aident à raconter l’histoire. Je
traduis parfois la réflexion philosophique
sous-jacente dans un catalogue. » Nicolas
Verschaeve présente le résultat de son
projet Substrat en la galerie A1043 de
Avec son Atelier Escales, Nicolas Verschaeve parcourt différentes régions, afin de s’imprégner de
l’environnement, des matériaux, des savoir-faire et des personnes rencontrées. © de l’artiste
Paris : « J’ai, pour ce faire, étudié la fabrication
artisanale de briques en Alsace.
Le matériau sorti des moules réagit à
chaque fois autrement. Nous empruntons
les couleurs à la tradition régionale. Ce
projet questionne la manière de rendre
les matériaux plus expressifs et confère
des qualités naturelles à la surface. Il
examine aussi l’intégration de l’unicité
dans la production en série. » Le designer
fait désormais la navette entre Bruxelles,
Paris et les régions françaises. Après ses
études à l’Ensad de Paris et un stage chez
Formafantasma, entre autres, son réseau
s’est étendu en France. En septembre
2023, le salon Maison & Objet le designait
comme talent émergent. Alors qu’il devait
auparavant lancer lui-même ses projets,
les clients le contactent désormais directement
: « Je me concentre sur les projets au
long cours. Dans les prochaines années, je
vais, par exemple, me consacrer au bois,
dans le nord des Vosges. J’étudierai toute
la chaîne, de la forêt à l’objet, mais aussi
les artefacts culturels et l’héritage correspondant.
J’aimerais, à terme, fonder une
école qui puisse transmettre ce savoir-faire
sur un plan local. »
objets permettent de poser des questions
et d’exercer un impact plus grand, mais
ils sont aussi les témoins d’un contexte
géographique et culturel. Du fait de ce
lien avec leur environnement immédiat,
ils recèlent aussi l’identité culturelle d’un
endroit. Ce qui va à l’encontre de la mondialisation
et d’une tendance à tout niveler
partout. À l’instar des paysans, nous
devons réapprendre à collaborer avec la
nature. Comme Jasper Morrison, je souhaite
créer de discrets objets quotidiens
au service de la société. La proximité nous
aide à mieux constater leur impact, par
exemple, sur le paysage. C’est pourquoi
je soutiens un projet qui explore l’importance
du design à la campagne. »
Vases Sillages (small), 2022, verre soufflé, 17,5 x 13 cm.
© de l’artiste / photo : Victor Cornec – Prix : 192 €
DU DESIGN D’IMPACT
Les modernistes ont, selon lui, donné
le ton en terme de fusion harmonieuse
entre esthétique et fonctionnalité : « Nous
devons apprendre à gérer les incertitudes,
par exemple à propos du climat, et nous
préparer à évoluer à tout moment. Les
VISITER
Substrat
du 05-05 au 14-09
Galerie A1043
Paris
www.artland.com/galleries/a1043
21

ZOOM
Annie Ernaux
Cadrage littéraire et écriture photographique
Dans son exposition, la Maison
Européenne de la Photographie
(MEP) de Paris confronte dans
un face-à-face passionnant la
philosophie d’écriture du prix Nobel
de Littérature Annie Ernaux à celle
des photographes de rue.
TEXTE : JEAN-MARC BODSON
La photographie de rue, que ce soit
la street photography américaine
de Leon Levinstein à Bruce Gilden
ou la vision poétique française des
Willy Ronis et autres Jean-Philippe Charbonnier,
s’est toujours démarquée des cadres
et des codes artistiques de son temps.
Cela, sans doute parce que son seul cadre
est le réel et que ses seuls codes sont ceux,
très spécifiques, de l’instantané. Au point
que l’on pourrait avancer que lorsqu’il
tente de faire de l’art le street photographer
n’en est plus tout à fait un. Un postulat qui
se vérifie dans la passionnante exposition
que propose actuellement la MEP, à
Ces images
répondent moins à
des préoccupations
artistiques qu’à une
volonté de saisir le
réalité perçue dans
l’instant.
Dolorès Marat, La femme aux gants, 1987. © de l’artiste
22

ZOOM
Paris. Tous les tirages, sortis des réserves
de l’institution par la commissaire Lou
Stoppard pour une confrontation avec
des extraits du Journal du dehors d’Annie
Ernaux, répondent, tout comme ceux-ci,
manifestement beaucoup moins à des
préoccupations artistiques qu’à une volonté
de saisir le réalité perçue dans l’instant.
On citera, pour exemple, les images prises
dans les années 1970 par l’excellent
Claude Dityvon, dont les cadrages au cordeau
subliment la banalité du non-lieu et
du non-événement. Présentés en début
d’exposition, ils sensibilisent d’emblée le
visiteur à cette idée d’Henry Wessel, dont
on peut également voir une série d’images
ici, « qu’une photographie parle de choses
qui n’existeraient pas sans elle ».
DES MOTS EN IMAGES
Dans son discours lors de la remise de son
prix Nobel de littérature, à Stockholm le 7
décembre 2022, Annie Ernaux déclarait:
« Trouver les mots qui contiennent à la
fois la réalité et la sensation procurée par
la réalité, allait devenir, jusqu’à aujourd’hui,
mon souci constant en écrivant. »
Ce dont témoignent les extraits de son
Journal du dehors, qui rendent compte des
menus événements quotidiens observés
dans la ville nouvelle de Cergy-Pontoise,
entre 1985 et 1992, et que Lou Stoppard a
eu la bonne idée d’exposer aux murs de la
MEP, au même titre que les photographies.
Des perles que l’on n’inventerait pas, comme
celle-ci : « À la boucherie du village, au
bas de la Ville Nouvelle, on attendait d'être
servi. Quand son tour est arrivé une femme
a dit : « Je voudrais un bifteck pour un
homme. » Ensuite, le boucher a demandé :
« Et avec ça ? – C'est tout », a-t-elle dit en
sortant son porte-monnaie. » De telles
observations du quotidien ‐ qui sont en
fait des images en mots – correspondent
aux cadrages ‘‘ethnographiques’’ de réalités
semblables, réalisés par Jean-Christophe
Béchet en Italie dans les années 2000, par
Bernard Pierre Wolf à New-York, vingtcinq
ans plus tôt, ou par Janine Niépce, en
Garry Winogrand, New York, 1970. © The Estate of Garry Winogrand / Courtesy Fraenkel Gallery, San Francisco
« Déchiffrer le monde réel en le dépouillant
des visions et des valeurs que le langage,
quel qu'il soit, véhicule, c'est bouleverser
l'ordre établi, renverser les hiérarchies »
ANNIE ERNAUX
France vers 1950. Ceci pour ne citer qu’eux
parmi la petite trentaine de photographes
que l’on retrouve tout au long des cimaises.
De la même façon, les photographies
chaloupées d’un Garry Winogrand ou celles,
quelque peu chaotiques, d’un Daido
Moryiama, si déconcertantes en leur
temps, semblent avoir inspiré l’écrivaine
lorsqu’elle précisait que « déchiffrer le
monde réel en le dépouillant des visions et
des valeurs dont la langue, toute langue,
est porteuse, c’est en déranger l’ordre institué,
en bouleverser les hiérarchie.» « Est-il
possible de voir un texte ? Ou de lire des
photographies ? », se demandait Lou Stoppard
au début de son entreprise. C’est bien
la réussite de son exposition d’avoir rendu
évidentes, par l’écriture, les similitudes
d’approche du réel d’Annie Ernaux et des
photographes de la rue. Une écriture que
celle-ci veut qu’elle soit, « au-dessous de la
littérature », et dont eux se soucient peu
qu’elle réponde aux critères de l’Art.
VISITER
Extérieurs – Annie Ernaux
& la Photographie
MEP / Maison Européenne de la Photographie
Paris
www.mep-fr.org
jusq. 26-05
23

Rombout Verhulst
Grand sculpteur méconnu
Portrait de Maria van Reygersbergh (1632-1674), Dame des deux Katwijk, ca. 1662, terre cuite, 45 x 46 x 30 cm. Amsterdam, Rijksmuseum, inv. BK-NM-11957-B.
24

Cela fera 400 ans, cette année,
que Rombout Verhulst est né à
Malines. Le grand public a peutêtre
aujourd’hui oublié cet artiste,
mais il fut le plus important
sculpteur de la République des
Provinces-Unies, dans la seconde
moitié du XVIIe siècle.
TEXTE : STEFAN GLASBERGEN
Les Provinces-Unies connurent, au
XVIIe siècle, une période de prospérité
économique, sciences et arts
alors également à leur apogée, en
dépit des conflits politiques, d’esclavage
et de guerre. Lorsque Rombout Verhulst
naît, en 1624 à Malines, la Révolte néerlandaise
bat encore son plein. La Trêve de
douze ans (1609-1621) vient de s’achever,
tandis que le sud des Pays-Bas est, dans sa
jeunesse, le théâtre de combats acharnés
entre les troupes de la République rebelle
et celles de l’Empire espagnol. Il vivait déjà
à Amsterdam lorsque le traité de Münster
a mis fin à ce conflit, en 1648. Il vit alors
la ville se développer de manière inédite.
Verhulst est demeuré dans les Provinces-
Unies jusqu’à la fin de ses jours et participa
à trois des quatre guerres anglo-néerlandaises.
La troisième (1672-1674), qui
débuta durant l’année dite ''désastreuse'',
est la plus frappante. Verhulst vivait alors
à La Haye et assista très probablement
au lynchage et à l’assassinat des frères De
Witt. Les mausolées qu’il a réalisés pour
toutes sortes de héros navals morts au
combat sont ainsi les témoins silencieux
des guerres auxquelles l’artiste avait luimême
participé. Par le truchement de ses
œuvres, il se trouvait souvent, de toute
évidence, à proximité de la ligne de front. Il
a conçu le monument funéraire d’Adriaan
Modèle pour le mausolée de Maarten Harpertsz. Tromp (1598-1653), 1654, terre cuite, chêne,
dim. 125 × 104 × 40 cm. Amsterdam, Rijksmuseum, inv. BK-NM-4352.
Clant, l’un des négociateurs néerlandais
de la paix de Münster, et fut le principal
créateur et réalisateur de monuments
funéraires pour les militaires de haut rang
comme Tromp et De Ruyter et se trouva,
en cette qualité, en contact étroit avec les
membres des États généraux qui commandaient
souvent ce genre de monuments
et avec les proches de ces amirautés. Il
réalisa des œuvres pour le nouvel hôtel
de ville du Dam, aujourd’hui Palais sur le
Dam, mais aussi pour les palais du gouverneur
comme le Huis ten Bosch et le
palais de Soestdijk. L’histoire de Rombout
Verhulst dépasse donc le cadre de ses prestations
purement artistiques. C’est aussi
l’histoire d’un migrant qui, dans une jeune
nation déchirée par les conflits internes et
externes, parvint à se hisser au plus haut
sommet de son art et à s’immiscer dans les
Ses mausolées,
réalisés pour toutes
sortes de héros navals
morts au combat,
sont les témoins
silencieux des guerres
auxquelles Verhulst a
lui-même participé.
sphères les plus élevées de la République.
Son parcours débute dans sa ville natale
de Malines, où il fit ses études, et nous
conduit vers d’autres lieux de résidence,
Amsterdam, Leyde et La Haye.
25

La Vierge et le Christ, 1655, signature gravée sur le pied : ‘‘R, VERHVLST’’, ivoire, H. 29,3 cm. Amsterdam,
Rijksmuseum, inv. BK-2002-28.
Il serait juste que
Verhulst ressorte de
l’ombre, dans l’intérêt
du grand public, 400
ans après sa naissance.
UN SCULPTEUR OUBLIÉ
Il est frappant de constater que Rombout
Verhulst fut très apprécié à son époque,
mais qu’on le perdit ensuite un peu de
vue. Le peintre Pieter Terwesten fut, de
1751 à sa mort en 1798, membre de la
Confrérie Pictura à La Haye, de même que
Verhulst durant son séjour dans la ville.
Terwesten fut le secrétaire de la guilde, de
1762 à 1796. Il écrivit en cette qualité, en
1776, une série de biographies d’artistes
morts qui, par le passé, en avaient été
membres. Verhulst figurait parmi ceuxci.
Terwesten fut ainsi le premier à écrire
une courte biographie à son sujet, près
de quatre-vingts ans après sa disparition.
Les biographes ultérieurs ont souvent pris
ce texte pour argent comptant, hélas de
manière injustifiée. Terwesten écrivait,
par exemple, à tort que Verhulst était né
vers 1630 à Breda et ‘‘séjourna très longtemps
en Italie’’. Au XIXe siècle, nombre
d’ouvrages encyclopédiques furent publiés
sur les artistes du XVIIe. Par nationalisme,
d’aucuns tentèrent d’en opérer le classement,
lequel devait clairement déterminer
ceux à qualifier ou non de néerlandais.
Ces ouvrages reproduisent cette confusion
sur la vie de Verhulst. D’où était-il originaire
? Avait-il ou non séjourné pendant
un temps en Italie ? La comparaison entre
ces biographies révèle le peu d’éléments
connus à l’époque sur sa vie. Il s’ensuivit
une véritable guerre de plumes entre
historiens de l’art belges et néerlandais
s’efforçant, dans toute une série d’articles,
de prouver que l’artiste était originaire de
leur pays respectif. En 1863, le Flamand
Seffen, écrivait par exemple ce qui suit à
son propos: « Cet artiste a trop de mérite
pour que nous l’éliminions catégoriquement
de la liste de l’école flamande. »
Seffen voyait comme un avantage le fait de
venir lui-même de Flandre. Contrairement
à nombre de ses collègues néerlandais, il
est manifestement allé fouiller dans les
archives malinoises. Il fut ainsi le premier à
retrouver la date de baptême de Rombout
Verhulst, dans les registres de la cathédrale
Saint-Rombaut. Ce texte, en latin, y figure
en regard de l’année 1624 : « 15 janvier.
Rombout Verhulst, fils légitime né d’un
mariage conclu à l’église entre Philippe et
Catharina de Hondt. » La polémique sur
le lieu et l’année de naissance de l’artiste
était ainsi définitivement close. Rombout
Verhulst était un Flamand de Malines.
Seffen put donc conclure son article avec
satisfaction : « Nous avons en tout cas
prouvé que Rombaut Verhulst n’est pas un
Hollandais, mais un Belge. »
PRISÉ DES COLLECTIONNEURS
En 1907, Marinus van Notten écrivait le
premier ouvrage de référence, et le dernier
à ce jour, sur la vie et l’œuvre de Rombout
Verhulst. Si le nombre de publications
scientifiques a peut-être légèrement
diminué depuis, surtout par rapport aux
grands noms de la peinture, son œuvre
n’en est pas moins prisée. De prestigieux
musées, comme le Mauritshuis et le
musée d’art de La Haye, mais surtout le
Rijksmuseum d’ Amsterdam, possèdent
plusieurs de ses œuvres, qu’ils exposent
26

Dès qu’une pièce apparaît sur le marché, ce
qui est très rare, des musées internationaux
cherchent à l’acquérir.
souvent dans leurs salles. Ses réalisations
plus massives, à savoir les monuments
funéraires réalistes, se trouvent toutefois
encore dans les églises pour lesquelles
elles furent conçues il y a plusieurs siècles.
Autrement dit, ses meilleures œuvres
sont dispersées et visibles dans tout le
pays, de Groningue à la Zélande. Celles
qui se trouvent à l’heure actuelle dans
des collections privées se comptent sur
les doigts d'une main. Dès qu’une pièce
apparaît sur le marché, ce qui est très rare,
les musées internationaux cherchent à
l’acquérir. Lorsque, en 1984, surgit le buste
en marbre de Jacob van Reigersberg, le
J. Paul Getty Museum de Los Angeles
tentait sa chance et finit par l’acquérir.
Le Rijksmuseum, qui aurait volontiers
conservé la sculpture aux Pays-Bas, ne
faisait hélas pas le poids face aux Américains.
En 2018, un buste en marbre
représentant sans doute Artus Quellinus
fut proposé au Rijksmuseum. La sculpture
faisait, à l’époque, partie de la collection
de l’ancienne église catholique Sainte-Gertrude
d’Utrecht et s’était longtemps trouvée
à l’extérieur. Usé, le marbre avait subi
les aléas de la pluie et du vent, ce qui devenait
encore plus évident en comparant le
marbre avec son modello en terre cuite.
Cette sculpture se trouve aujourd’hui
dans la collection Frits Lugt, à Paris.
Lorsqu’elle fut proposée au Rijksmuseum,
son état et le doute relatif à l’identité du
personnage représenté furent les principales
raisons qui poussèrent l’institution
à renoncer à son acquisition. En 2021, un
collectionneur privé néerlandais tentait
donc sa chance et en devenait le propriétaire.
Un cas heureusement exceptionnel,
l’œuvre de Verhulst pouvant compter sur
l’appréciation des connaisseurs. Il serait
juste que, dans l’intérêt du grand public,
l’artiste puisse ressortir de l’ombre, 400
ans après sa naissance. Car ses œuvres
font sans conteste partie des plus belles
sculptures jamais produites aux Pays-Bas.
LIRE
Stefan Glasbergen, Rombout Verhulst 1624-
1698, W BOOKS, ISBN 978-9-46258-621-5,
49,95 €
Tombeau de Michiel de Ruyter dans la Nieuwe Kerk d’Amsterdam. © photo : Pauline van Till
27

Composition de fruits et de quelques fleurs, signée, huile sur toile, 74 x 60 cm. Amsterdam, Rijksmuseum, inv. nr. SK-A-138 (FGM nr. 251). © Rijksmuseum
28

Jan Davidsz.
de Heem
Somptueuses natures mortes
On pensera peut-être d’ emblée à
de l’ excès, voire à la gêne qui lui est
associée et que l’ historien anglais
Simon Schama prit comme point
de départ pour son ouvrage paru
en français sous le titre L’ Embarras
de richesses (1991). Quel cadre pour
ce tableau, véritable archétype de
la nature morte néerlandaise du
XVIIe siècle !
TEXTE : EWOUD MIJNLIEFF
Jan Davidsz de Heem (1606-1684) a
vécu et travaillé dans plusieurs villes,
où il séjourna longuement. Il fut l’ un
des nombreux artistes à ne pas avoir
établi de liens avec son environnement
local. Né la même année que Rembrandt,
il a également travaillé quelques années
dans la ville natale de ce dernier. Il est
venu au monde à Utrecht, où il fut probablement
apprenti chez le célèbre peintre
de natures mortes florales Balthasar van
der Ast. Lorsqu’ il déménage à Leyde, en
1626, il y fait la connaissance d’ Aletta van
Weede qu’ il épouse. À Leyde, il se consacre
aux natures mortes monochromes, sobres
variations en une ou deux teintes, représentant
des livres et des instruments de
musique, apparentées à maints égards aux
œuvres de peintres locaux comme David
Bailly (1584-1657) et Harmen Steenwijck
(1612-après 1656). Environ dix ans plus
tard, De Heem vient s’ installer à Anvers où
il devient membre de la guilde de Saint-
Luc, une appartenance obligatoire pour
pouvoir exercer son métier. La raison de
ce déménagement demeure floue. Un an
après le décès de son épouse, il se remarie
avec Anna Ruckers, héritière d’ une célèbre
famille de facteurs d’ instruments de
musique. Sous l’ influence de traditions locales,
comme les natures mortes de Daniël
Seghers ou de Frans Snyders, sa thématique
se fait plus baroque et son style plus
Bien que protestant,
il sut parfaitement
s’ intégrer dans
la communauté
catholique d’ Anvers.
élégant. Si l’ artiste a vécu essentiellement
à Anvers, il se rendait régulièrement en sa
ville natale d’ Utrecht, par exemple entre
1667 et 1672. Après l’ invasion des Français,
en 1672, il s’ enfuit à nouveau à Anvers
où il devait vivre et continuer à travailler
jusqu’ à sa mort. Bien que protestant, il
sut parfaitement s’ intégrer dans la communauté
catholique d’ Anvers, ce qui ne
l’ empêcha pas de continuer à travailler
pour des clients orangistes protestants.
NATURES MORTES MONUMENTALES
La somptueuse nature morte illustrée
ici, où l’ influence anversoise est nettement
perceptible, possède un important
pedigree, qui remonte probablement à la
collection de Clemens Augustus van Beieren
(1700-1761), archevêque de Cologne.
Le catalogue d’ enchères de cette collection,
à Bonn, le 22 mai 1764, fait ainsi état
29

Cette nature morte
monumentale
représente
d’ innombrables
objets de luxe qu’ un
ménage moyen,
citadin, du XVIIe
siècle ne possédait
certainement pas.
‘‘d’ un grand tableau à fruits de quatre
pieds six pouces de hauteur et trois pieds
neuf pouces de largeur, peint par Jean de
Heem’ ’ . L’ origine constitue une donnée
cruciale pour déterminer l’ authenticité
d’ une œuvre et, partant, sa valeur. Au début
du XXe siècle, la toile devint la propriété
d’ un collectionneur néerlandais. Durant
la Seconde Guerre mondiale, elle fut
dérobée par l’ occupant allemand, pour ne
réapparaître qu’ après la Libération, dans
les collections royales néerlandaises, et se
voir prêtée au Centraal Museum d’ Utrecht.
Elle occupa, entre autres, une place de
choix dans une grande exposition consacrée
à De Heem, en 1991. Dans le cadre du
programme de restitution entreprise par
l’ État néerlandais, elle fut enfin restituée
à la famille de son dernier propriétaire
avant les confiscations allemandes, l’ héritier
de Jacob Lieren (1877-1949). Ensuite,
elle fut mise aux enchères et changea de
mains pour environ trois millions de livres
sterling. Depuis lors, elle fait partie de la
collection Klesch et sert d’ œuvre emblématique
au site Internet du musée. Cette
nature morte monumentale représente
d’ innombrables objets de luxe qu’ un
ménage moyen d’ une ville du XVIIe siècle
ne possédait certainement pas. Mais, en
dehors de ce rayonnement de richesses,
de ses formes, de son rythme, de sa palette
de couleurs et de son rendu virtuose des
textures, le spectateur ne manquera pas
de remarquer la signification du tableau,
l’ iconographie y étant trop prononcée. Si
l’ absence de références spécifiques rend
parfois la tâche ardue, ce n’ est pas le cas
ici : l’ orange, placée au premier plan, est
ainsi un symbole orangiste. Les références
religieuses, qui rendent peu probable un
commanditaire catholique, sont plus
subtiles, voire carrément absentes. Plus
généralement, l’ excès semble plutôt ici un
appel à la modération.
HÉRITAGE
En sus de cette nature morte monumentale,
Jan Davidsz. de Heem léguait
environ 270 tableaux lorsqu’ il fut mis en
terre, à Anvers, le 10 février 1684. En fin de
compte, il fut surtout admiré pour le rendu
réaliste de divers matériaux, à la fois dans
des tableaux de petite taille et dans de
grandes et somptueuses natures mortes
représentant une abondance d’ objets de
luxe. Les nombreux documents laissés
par les différents propriétaires révèlent
le degré d’ appréciation de ses œuvres,
qui rapportaient souvent des sommes
élevées au point de le faire passer pour
l’ un des peintres les plus chers de son
temps. Un acheteur déboursait ainsi deux
mille florins pour une nature morte de sa
main, contre mille deux cent florins pour
la Ronde de nuit de son contemporain
Rembrandt. La théorie de l’ art eut beau
Somptueuse nature morte, ca. 1665-1670, huile sur toile, 139,2 x 115,1 cm, signé ‘‘J.D. de Heem’ ’ , en bas à
droite sur la partition. © The Klesch Collection
Dans ce somptueux
tableau, l’ excès semble
plutôt appeler à la
modération.
30

Riche nature morte avec perroquet et vue de paysage, signée, huile sur toile, 115,5 x 169,5 cm. Vienne, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste in Wien, inv. Nr.
612 (FGM nr. 192). © photo : Carla van de Puttelaar
Un acheteur déboursait deux mille florins pour
une nature morte de Heem, contre à peine
mille deux cent florins pour la Ronde de nuit de
son contemporain Rembrandt.
reconnaître une plus grande valeur aux
scènes historiques qu’ aux natures mortes,
ces dernières se vendaient souvent à des
prix élevés, le public ne s’ étant pas toujours
conformé à la théorie. Et ce pour une
bonne raison : il s’ agit d’ un motif récurrent
dans la documentation artistique de
l’ époque et il ne faut pas oublier l’ éloge
que son concitoyen anversois Cornelis
de Bie fit de lui en 1662 dans son Gulden
Cabinet van de Edel Vry Schilderconst : « la
peinture qui parle ici impose le silence à la
nature elle-même. »
VISITER
L’ opulence imaginée. Joyaux de l’ œuvre de
Jan Davidsz. de Heem
jusq. 01-10
Snyders&Rockoxhuis
Anvers
www.snijdersrockoxhuis.be
31

Marisa Merz
Ecouter l’espace
BEA, 1968, fil de nylon, aiguilles d’acier, 40 x 90 x 5 cm. Collection Merz. © Courtesy Museum der Moderne, Salzbourg / Adagp, Paris, 2024 / photo : Rainer Iglar
Epouse du célèbre artiste Mario
Merz, Marisa Merz fut la seule
femme membre de l’Arte Povera.
Son œuvre fut récompensée à
plusieurs reprises et jouit d’une
reconnaissance internationale. Le
LaM, à Villeneuve d’Ascq, présente
sa première rétrospective en France
depuis 30 ans.
TEKST: CHRISTINE VUEGEN
Marisa Merz eut un atelier dans
l’appartement turinois où
elle vivait aux côtés de son
célèbre époux, y modelant de
petites têtes, peignant des visages et tricotant
des chaussures et autres œuvres d’art,
en fils de nylon et de cuivre, sur la table de
la cuisine. L’une de ses premières œuvres,
BEA, date de 1968. Il s’agit d’une sculpture
tricotée dans laquelle les aiguilles sont
encore plantées. Si ses nombreuses têtes
et autres visages peints constituent la partie
la plus connue de l’œuvre protéiforme
de Marisa Merz (1926-2019), BEA revêt
une certaine importante, en ce qu’elle
témoigne magnifiquement d’une pratique
Si son travail fut
rapidement adoubé
par les féministes,
elle ne le concevait
pas elle-même
comme tel.
artistique pionnière, expérimentale, issue
de sa vie d’épouse et de mère. Imaginonsla
assise dans sa cuisine, tricotant des
chaussettes avec du fil de nylon et trois aiguilles.
Probablement en compagnie de sa
32

fille Beatrice, âgée de huit ans et surnommée
Bea. Les trois lettres de son prénom
sont réalisées au tricot, dans des couleurs
qui fusionnent, entre bleuâtre, marron et
vert d’eau. Le tout un peu irrégulier, les
aiguilles encore plantées dans le tricot,
portant même encore des points. Si on les
retire, l’œuvre se détricote. Il est presque
incroyable que cette pièce tendre, ludique,
intime, fragile et vulnérable, ait survécu à
son exposition sur la plage de Fregene, en
1970. Les œuvres tricotées qui y étaient
présentées étaient submergées d’eau et
menaçaient de disparaître dans la mer. Il
s’agissait du prolongement d’une importante
exposition personnelle, en la galerie
L’Attica de Rome, associée à une action : à
bord d’un avion, l’artiste transmettait les
altitudes de vol, notées au sol et traduites
en œuvre d’art.
UN ART ORGANIQUE
Marisa Merz rejetait l’idée d’un art pour
l’éternité. Elle a mis l’accent sur la temporalité
et défié l’impermanence. BEA est
une icône de la fragilité, même si la pointe
des aiguilles à tricoter peut être une arme
redoutable, comme cela fut souvent souligné.
Elles confèrent à l'œuvre une dose
d’agressivité et de combativité, rappelant
un peu les flèches criblant le corps torturé
d’un Saint Sébastien. D’ailleurs, dans cette
œuvre, l’artiste dénonce peut-être le martyre
des femmes. À sa manière, avec douceur
et discrétion, mais non sans vigueur.
« Il n’y a jamais eu de séparation entre
mon travail et ma vie » est l’une des rares
déclarations de celle qui n’a quasiment jamais
donné d’interviews ni d’explications.
En outre, elle ne datait presque jamais ses
œuvres et ne leur donnait pas de titre ou
alors, le modifiait par la suite. Elle a également
peu parlé de sa vie, avant sa rencontre
avec Mario Merz (1925-2003) dans
sa ville natale de Turin, après avoir entamé
des études d'architecture dans les années
1950. Le couple s’est marié en 1960, année
de naissance de leur fille Beatrice, qui a
dirigé la Fondazione Merz, centre d’art
fondé à Turin en 2005. C’est en 1967 que
Marisa Merz a exposé pour la première
fois. Il s’agissait de sculptures faites de
feuilles d’aluminium découpées en bandes,
agrafées et suspendues au plafond. Ainsi
transformées en environments et intitulées
Living Sculptures, chacune était capable
de s’adapter à l'espace. Pour l’artiste, l’art
se doit d’être organique, non figé dans le
temps et l’espace, mais vivant. En fait, BEA
est aussi une sculpture vivante, ressemblant
à une créature organique. Marisa
Merz a commencé à tricoter en 1968, une
activité typiquement féminine, certes,
mais avec du fil de nylon et du fil de cuivre,
des matériaux industriels et ‘‘masculins’’.
Sans surprise, son travail fut rapidement
adoubé par les féministes, même si,
comme de nombreuses femmes artistes de
sa génération, elle ne le concevait pas ellemême
comme tel.
Pour Marisa
Merz, l’art doit
être organique,
non figé dans le
temps et l’espace,
mais vivant.
CONTRE VENTS ET MARÉES
Vers 1975, la figure humaine commence
à émerger dans son travail. Elle modèle
de petites têtes rudimentaires, ses testini,
dans de l’argile crue ou de la cire, peignant
aussi de nombreux visages, souvent sur
papier et, à partir des années 2000, principalement
de grand format. Il s’agit parfois
de figures angéliques. Cubisme, futurisme,
icônes byzantines, Fra Angelico, par son
travail, Marisa Merz s’est positionnée
dans l’histoire de l’art, dialoguant avec
l’art, même s’il lui importait peu d’occuper
elle-même une place importante dans l’art
contemporain. Pourtant, si elle n’aspirait
guère au succès, la reconnaissance vint
et ne cessa de grandir. À partir de 1969,
elle expose à l'étranger, notamment en
Belgique et aux Pays-Bas. En 1982, elle est
sélectionnée pour la documenta 7 de Kassel,
sous la direction de Rudi Fuchs, et, en
1992, pour la documenta 9, sous la direction
de Jan Hoet, qui lui propose d’installer
une petite fontaine murmurante avec
un violon de cire dans l’eau. En 1994, la
galerie Gladstone de New York présente
sa première exposition personnelle aux
États-Unis et, à partir de 1995, plusieurs
expositions rétrospectives sont organisées.
En 2013, l’œuvre de Marisa Merz recevait
un Lion d’or à la Biennale de Venise. La
dernière rétrospective de son vivant eut
lieu au Metropolitan Museum de New York
et au Hammer Museum de Los Angeles, en
2017. Marisa Merz ne fut pas une artiste
féminine qui aurait été longtemps négligée
et que l’on redécouvrirait seulement
maintenant. Mais, elle est tout de même
moins célèbre que son époux et d’autres
artistes masculins de l’Arte Povera, comme
Giuseppe Penone et Angelo Pistoletto,
dont les œuvres se vendent cher. L’art de
Marisa Merz est moins coté car il s’agit
souvent de petites œuvres, qui atteignent
toutefois des sommes élevées. Une tête en
argile crue, avec maillage de cuivre tricoté,
provenant de la succession de Jan Hoet,
était ainsi adjugée chez Phillips à Londres,
en 2017, 126.500 livres sterling, nettement
plus que l’estimation. Moins chère, mais
peut-être plus pour longtemps…
VISITER
Marisa Merz, Ascoltare lo spazio –
Écouter l’espace
du 03-05 au 22-09
LaM
Villeneuve d’Ascq
www.musee-lam.fr
LIRE
Marisa Merz, LaM / Fonds Mercator,
Villeneuve d’Ascq / Bruxelles, 2024, ISBN
9789462303744, 37 €
33

54 nuances
de Black Joy
Un siècle de peinture figurative panafricaine
34

Zandile Tshabalala, Two Reclining Women, 2020, acrylique sur toile,
91,5 x 122 cm. © Zandile Tshabalala Studio / Courtesy Maduna Collection
35

L'exposition réunit un
ensemble exhaustif
de peintres figuratifs
africains ou afrodescendants,
à travers
une sélection qui
célèbre la joie.
Zéh Palito, Que Se Chama Amor, 2022, acrylique sur toile, 162 x 125 cm. © de l’artiste / Courtesy Simões de
Assis et Luce Gallery
Entre phénomène de mode et
grand rattrapage bien mérité,
il aura fallu attendre le XXIe
siècle pour que la peinture
africaine gagne ses lettres de
noblesse. Surfant sur cette vague
d’enthousiasme, les expositions
se multiplient. Accrochage de
première importance, la sélection
composée par Koyo Kouoh et
Tandazani Dhlakama raconte, sous
le prisme de la joie, un siècle de
peinture figurative noire.
TEXTE : GWENNAËLLE GRIBAUMONT
Présentée en avant-première au
Zeitz MOCAA (Le Cap), l’ exposition
When We See Us fait escale au
Kunstmuseum de Bâle. Assurant
le commissariat de l’ étape suisse, Maja
Wismer, responsable de l’ art contemporain
au sein de l’ institution, résume l’ idée
centrale : « Le concept curatorial a été
pensé après des recherches approfondies
et de longues conversations menées par
Koyo Kouoh et son équipe. Il s’ agissait de
réunir un ensemble exhaustif de peintres
figuratifs, à travers une sélection qui
célèbre la joie et le caractère positif de ces
autoreprésentations. La plus ancienne
œuvre datant de 1920, le parcours couvre
plus d’ un siècle de peinture, offrant dès
lors une perspective historique. » Reproduisant
fidèlement la scénographie
imaginée par Wolff Architects, l’ exposition
réunit plus de 200 œuvres, signées
par quelque 120 artistes et issues de 74
collections privées ou publiques situées
dans 26 pays. C’ est dire si son contenu est
kaléidoscopique. Directement inspiré de la
mini-série Netflix When They See Us (2019),
dans laquelle la réalisatrice Ana DuVernay
accusait, le regard inondé, d’ injustices
les Blancs percevant continuellement les
jeunes Noirs comme de potentiels criminels,
le titre de cette exposition opère un
changement de perspective. Koyo Kouoh :
« Le ‘‘We’ ’ , ce sont les Africains et les Afrodescendants.
Cette exposition questionne
comment l’ expérience noire fut représentée
par les Africains. » De fait, il est urgent
et indispensable de montrer comment
ces artistes perçoivent leur condition,
mettant au centre leur perception. Et pour
cause, pendant des siècles, l’ homme noir
fut représenté de façon singulière par les
artistes occidentaux, le plaçant dans un
contexte très esthétisé, violent ou servile.
À présent, les artistes africains marquent
une véritable rupture : après de si longues
années de domination, ils écrivent enfin
leur propre histoire de l’ art, offrant une
lecture anti-exotique. À mille lieues des
traumatismes, liés notamment au colonia-
36

lisme, les artistes ici réunis célèbrent avec
bonheur la résilience, la puissance et la
dimension politique de la ‘‘Black Joy’ ’ .
CONVERGENCES ICONOGRAPHIQUES
Dicté par des rapprochements iconographiques,
le parcours s’ articule en six chapitres.
Triomphe et émancipation explore
le sentiment de fierté envers sa propre
histoire et ses réussites, malgré l’ adversité
et l’ oppression. Des icônes mondialement
renommées, à l’ instar de Chéri Chérin
(Obama Revolution, 2009), s’ y mêlent à
des artistes encore anonymes. Sur la toile,
des hommes et des femmes politiques
engagés, mais aussi des inconnus ayant
obtenu le succès et la reconnaissance
sociale. La suite, sous le signe de la Sensualité,
présente des corps noirs de manière
intime. Le modèle noir, d’ après Félix Vallotton
(2019), signé Roméo Mivekannin, fait
directement écho à ce canon occidental
déchu. La Spiritualité figure au cœur du
chapitre suivant. Selon les commissaires,
il est difficile d’ imaginer un quotidien noir
sans spiritualité. Les œuvres représentent
le ‘‘triple héritage’ ’ , mélange de traditions
locales, de religion islamique et de christianisme,
décrit par l’ écrivain Ali Mazrui
(1933-2014), avec comme pièce-phare, The
Dumb Oracle (2019) de Michael Armitage.
Autre constante iconographique, Le
quotidien montre la beauté de la vie. Sous
nos yeux, des scènes de la vie publique
et privée avec des moments de joie ou de
contemplation, que ce soit au sein de la
famille ou de la communauté, à l’ occasion
de jeux, à l’ école, lors du portage de l’ eau
ou de la réalisation de tresses. Boy with
a Toy Plane (1938) d’ Aaron Douglas, The
Reader (1939) de William H. Johnson, Gisting
in the Kitchen (2018) de Joy Labinjo ou
encore l’ affiche publicitaire de Johnny Arts
pour Ozor International Barber also Specialist
in Hair Dying and Shamporing (1962)
figurent autant d’ aspects de cette vie
quotidienne, multiple et colorée. L’ Afrique
est aussi un continent débordant de Joie et
allégresse. Il reste toujours du temps pour
une chanson ou une danse. Dans The Birthday
Party (2021) d’ Esiri Erheriene-Essi,
on chante pour Steve Biko, dans Un mardi
À l’image du continent, cette exposition
d’une diversité stimulante permet de
comprendre que l’Afrique est composée
de 54 pays révélant une variété infinie de
particularités stylistiques.
Cassi Namoda, To Live Long Is To See Much (Ritual Bathers III), 2020, huile sur toile, 152,4 x 233,6 cm. © de l’artiste / Courtesy Jorge M. Pérez Collection, Miami
37

Après de longues
années de domination
occidentale, les
artistes africains
marquent une vraie
rupture, écrivant
enfin leur propre
histoire de l’art.
de Carnaval (1960) de Philomé Obin, on
participe aux célébrations au sein d’ un défilé,
dans Jazz Rhapsody (1982) de Romare
Bearden, on écoute les rythmes musicaux.
Enfin, la dernière section se concentre sur
les moments de Repos : on s’ étire dans un
canapé, on se promène dans la campagne,
on savoure simplement le calme assis sur
une chaise comme dans An evening in Mazowe
(2019) de Kudzanai-Violet Hwami.
AFRICA-MANIA !
Constat évident, l’ art contemporain africain
est largement dominé par la figuration
du corps noir. Dès lors, il est légitime
de se demander si cette exposition ne
renforce pas l’ idée, stéréotypée, que la
peinture africaine se résume grossièrement
à des portraits noirs, de préférence
dans des intérieurs ? Maja Wismer le
conteste : « Même si cette figuration –
des protagonistes noirs dans des scènes
d’ intérieurs – est une production que l’ on
voit beaucoup, notamment parce que le
marché international de l’ art s’ y intéresse,
il faut replacer cela dans une perspective
historique. Les œuvres ici présentées ne
doivent pas être observées comme l’ image
stéréotypée de la production picturale
africaine, mais plutôt comme une tradition
iconographique ancrée, et cette tradition
est ici abordée sous un angle positif. »
L’ événement confirme la fascination généralisée
pour l’ art africain. Maja Wismer
explique cet enthousiasme multifactoriel
: « C’ est tout d’ abord une production qui
profite d’ un certain engouement, car elle
a été invisibilisée pendant de longues
années, et comme tout ce qui n’ a jamais
ou peu été montré, elle suscite naturellement
la curiosité et l’ enthousiasme de
la découverte. Un deuxième facteur est
l’ essor des réseaux sociaux. Aujourd’ hui,
les musées et galeries ne sont plus indispensables
pour augmenter sa visibilité et
l’ on observe des artistes qui gagnent en
notoriété grâce à leurs communautés de
followers. » La scène africaine est arrivée
au bon moment et a bénéficié de cet
emballement, notamment numérique, qui
permet d’ abolir les frontières. Le succès
de la peinture figurative africaine est aussi
lié à la discipline, ce segment séduisant le
marché de l’ art. La commissaire complète
sa démonstration : « Enfin, je dirais que
la peinture figurative africaine est portée
par des personnalités qui révèlent l’ art
d’ artistes africains ou afro-descendants
au monde entier. Je pense notamment à
Michael Armitage qui a fait l’ objet d’ une
exposition personnelle d’ envergure à
Mickalene Thomas, Never Change Lovers in the Middle of the Night, 2006, strass, acrylique et émail sur panneau
de bois, 182,8 x 182, 8 cm. © de l’artiste / ProLitteris, Zurich, 2024 / Courtesy Jorge M. Pérez Collection, Miami
« Les œuvres
figuratives présentées
ici ne doivent pas être
observées comme
l’image stéréotypée de
la production picturale
africaine, mais plutôt
comme une tradition
iconographique
ancrée »
MAJA WISMER
38

Roméo Mivekannin, Le modèle noir, d’après Félix Vallotton, 2019, acrylique sur nappe, 251 x 254 cm. © de l’artiste / ProLitteris, Zurich, 2024 / Courtesy Jochen Zeitz Collection
/ photo : Laurent Belet
Munich (Haus der Kunst). L’ artiste kenyan
y invitait également une série d’ artistes
qui l’ ont inspiré. Cela crée des liens avec
des artistes, qui deviennent des références
historiques. Un autre porte-voix est
Kehinde Wiley. La commande de portrait
faite par Barack et Michelle Obama a
propulsé l’ artiste au rang de star, avec une
médiatisation retentissante. » À l’ image
du continent, cette exposition d’ une diversité
stimulante permet aux Européens
de comprendre que l’ Afrique est composée
de 54 pays révélant une variété infinie
de particularités stylistiques.
VISITER
When We See Us.Un siècle de peinture
figurative panafricaine
du 25-05 au 27-10
Kunstmuseum
Bâle
www.kunstmuseumbasel.ch
39

IPARC
« Restaurer c'est innover »
D’un Dirk Bouts aux Wall Drawings
de Sol LeWitt ou au magasin
Wolfers de Victor Horta, l’IPARC
restaure au plus haut niveau des
œuvres d’art issues de collections
publiques et privées, notamment
celles de la Phoebus Fondation.
Désormais, l’entreprise envisage
de se développer au Moyen-
Orient. Entetien avec Leen Gysen,
fondatrice et directrice générale.
TEXTE : THIJS DEMEULEMEESTER
« Il y a peu de défis
que nous refusons
de relever. Même
pour la taxidermie,
nous disposons
d’une installation
spécifique »
LEEN GYSEN
On n’entre pas facilement dans
l’International Platform for
Art Research and Conservation
(IPARC) : étant donné la
grande valeur des œuvres et objets d’art
qui y sont traités, cette société de restauration
d’œuvres d’art, sise à Kampenhout,
préfère garder portes closes et rester à
l’abri des regards indiscrets. Lorsque nous
nous y rendons, un transport d’œuvres
d’art, avec les peintures restaurées des
thermes historiques de Spa, est en cours
de préparation. Leen Gysen : « Cela fait
tout de même bizarre de les voir partir. Ils
ont passé des mois ici, à l’atelier. Il paraît
un peu vide aujourd’hui, car les portraits
de gouverneurs de la maison provinciale
de Bruges, ainsi que deux œuvres
monumentales du musée de Tournai
viennent également de quitter les lieux. »
Leen Gysen n’est pas restauratrice, mais
cofondatrice et directrice générale de la
plus grande entreprise privée de restauration
d’œuvres d’art, en Flandre. L’IPARC
travaille pour des musées et des autorités
publiques, ainsi que pour des fabriques
d’église, des galeries comme Xavier Hufkens
et des collectionneurs privés, dont
Fernand Huts et bien d’autres : « Nous
employons aujourd’hui treize personnes
en Belgique, contre vingt avant la crise
sanitaire. Mais, avec le contenu prévisionnel
de notre carnet de commandes, nous
devrions retrouver les mêmes chiffres d’ici
à 2025. » En nous promenant ensemble
dans l’atelier, on reconnaît un tableau de
Suzanne Valadon, un Michaelina Wautier
et quelques œuvres textiles répertoriées
comme chefs-d’œuvre flamands :
« Pour l’instant, nous travaillons aussi sur
un ensemble d’œuvres du musée M de
Louvain. Cette année, ils organisent une
nouvelle présentation de leur collection
permanente. »
COLLECT : L’histoire se répète : l’IPARC
voyait le jour en 2011, dans le giron du
musée M…
Leen Gysen : « Notamment grâce à feu Véronique
Vandekerckhove, la directrice qui a
encadré la mue du musée Vander Kelen-
Mertens en musée M. Nombre d’œuvres de
la collection permanente étant, à l’époque,
sorties des réserves, une campagne de
restauration à grande échelle s’imposait. Le
musée fit donc appel à plusieurs spécialistes,
dont mon époux, David Lainé, alors
restaurateur de tableaux indépendant qui
avait expérimenté les avantages d’une collaboration
multidisciplinaire avec d’autres
spécialistes. C’est la raison pour laquelle,
après l’ouverture du musée M, en 2009,
nous avons établi un business plan afin de
fonder l’IPARC, une coopérative incluant
mon mari, trois restaurateurs d’autres disciplines
et moi-même en tant qu’associés
fondateurs. Presque immédiatement, nous
avons obtenu le contrat de restauration de
trois autels baroques monumentaux de
l’église Notre-Dame d’Aarschot. Ce projet,
qui a duré trois ans, fut d’emblée une mission
pluridisciplinaire : restauration de bois,
polychromie, pierre, textiles et peintures.
Cela nous a permis de nous faire un nom. »
L’IPARC travaille toujours de façon
multidisciplinaire. Y a-t-il des types
d’œuvres ou de matériaux que vous
refusez de traiter ?
« Nous ne traitons ni les vitraux ni les
fresques. Il y a d’autres spécialistes pour
cela. En outre, ils relèvent du patrimoine
immobilier. Mais il y a peu de défis que
nous refusons de relever. Même pour la
taxidermie, nous disposons d’une installation
spécifique. Par le passé, nous avons
déjà traité des œuvres en coléoptères de
Jan Fabre, des installations de Damien
Hirst ou les sculptures équestres In Flan-
40

« Quand je suis au Moyen-Orient, pour des
projets de restauration ou de conservation,
j’ai de plus en plus la sensation que nous
sommes bel et bien devenu le vieux continent »
ders Fields de Berlinde De Bruyckere.
Quand les œuvres sont exposées ou transportées,
il est normal que la vermine s’y
installe. Il est moins coûteux de traiter que
de laisser infester toute une réserve. »
Certaines œuvres sont-elles en trop piteux
état pour pouvoir les sauver ?
« Il faut parfois se résoudre au fait que
les œuvres ne sont pas éternelles. Les
peintures au sang passent du rouge au
gris. Un processus qui ne peut être arrêté.
Il arrive que les matériaux utilisés soient
involontairement non durables. Prenons
les œuvres de Pol Mara, réalisées avec de la
peinture à la bombe photosensible, complètement
détachée de leur support. Il n’y
a vraiment plus rien à y faire. Le plus grand
défi pour nous, ce sont les œuvres modernes
ou contemporaines, réalisées dans
des matériaux souvent expérimentaux.
Des matières plastiques, par exemple,
mais aussi de la peinture de mauvaise
qualité. Après la Seconde Guerre mondiale,
pour ses premiers tableaux, Karel
Appel a utilisé de la peinture bon marché.
Il l’a appliquée en couches épaisses sur
des toiles non traitées. Aujourd’hui, cette
peinture se ‘‘saponifie’’ car elle n’a jamais
séché correctement. La saponification
provoque le décollement de la peinture de
son support. S’il est possible de ralentir ce
processus et de l’arrêter provisoirement,
on ne peut pas le faire définitivement. A
intervalle régulier, ces œuvres devront à
nouveau être traitées. »
Karel Appel est l’exemple-type d’un
artiste dont les faussaires affirment
eux-mêmes que des faux sont exposés
dans les musées. Disposez-vous d’une
technologie permettant de détecter les
faux avec une certitude de 100 % ?
« Nous sommes parfois sollicités par des
collectionneurs privés ou des salles de
vente pour analyser l’authenticité d’une
œuvre, en cas de soupçon de fraude ou de
doute quant à la datation. Nous dressons
alors un rapport scientifique circonstancié
incluant des relevés, des images multispectrales
et une conclusion. Nous ne
délivrons pas de certificat d’authenticité,
mais nous pouvons confirmer ou infirmer
l’authenticité d’une œuvre grâce aux
données scientifiques. Les ordinateurs et
la technologie permettent de distinguer
plus rapidement le vrai du faux. Avec le
41

« De nombreux
collectionneurs se
concentrent sur
l’acquisition plutôt que
sur la conservation à
long terme »
42
temps, l’œil aguerri du spécialiste se fait
moins pertinent. Le dossier que nous
réalisons est envoyé au client, mais il en
fait ce qu’il veut. Ces informations ne sont
pas centralisées dans une base de donnée
consultable depuis l’extérieur. Dès lors, si
une œuvre falsifiée est à nouveau mise en
vente, elle continuera à circuler si son dossier
n’est pas communiqué au vendeur ou
par celui-ci. Voilà pourquoi nous plaidons
pour une base de données centrale reprenant
l’ensemble de ces dossiers. Protégée,
bien sûr, mais consultable par les professionnels.
Selon moi, il s’agit d’une véritable
lacune dans le marché de l’art. »
Comment abordez-vous ce type d’enquête ?
« Une restauration débute toujours par
un examen préliminaire approfondi. Nous
disposons pour cela d’un équipement
scientifique. Nous utilisons notamment
des caméras infrarouges, des UV et des
appareils de radiographie mobiles. Nous
effectuons également des analyses macro-
XRF, technique non invasive qui permet de
cartographier la répartition des éléments
chimiques constitutifs d’une œuvre. La
technologie évolue à très grande vitesse.
Nous nous formons donc en continu, lors
de symposiums, afin de pouvoir rapidement
appliquer les techniques les plus
récentes. Restaurer, c’est innover. Nous
n’utilisons plus d’anciens liants et uniquement
des pigments résistants aux UV. La
détrempe n’est ainsi plus utilisée dans les
restaurations, car elle n’est pas réversible.
Nous utilisons de plus en plus de gels et de
nettoyants à base d’eau, des produits qui
préservent davantage l’œuvre comme la
santé de nos collaborateurs. »
Quelle est votre attitude vis à vis d’objets
fabriqués dans des matériaux désormais
controversés, notamment le bois exotique
ou l’ivoire ?
« Nous avons été confrontés à ce cas, de
2013 à 2017, lorsque nous avons restauré
les 160 vitrines d’exposition originales
du musée de l’Afrique, à Tervuren. Ces
armoires étaient fabriquées en acajou
africain. Cet arbre est désormais protégé
et nous avons donc dû trouver un matériau
de substitution. Nous avons opté pour
l’acajou d’Amérique du Sud, essence qui
porte le label FSC. Il existe aujourd’hui un
substitut synthétique à l’écaille de tortue,
utilisable en marqueterie, par exemple. Une
variante artificielle à l’ivoire est également
disponible. Je trouve cette situation un peu
ambiguë. De nombreux objets circulent,
qui comportent de l’ivoire, des pianos aux
sculptures. Les collectionneurs privés ne
savent qu’en faire, car il règne aujourd’hui
une ambiance délétère autour de l’ivoire.
Attention, je ne suis absolument pas favorable
à la chasse et encore moins à celle des
éléphants. Mais cet ivoire s’est bien souvent
retrouvé ici il y a plusieurs siècles. Peut-on
appeler cela de la clandestinité ? On peut
difficilement le rendre à son propriétaire
d’origine… Je proposerais l’instauration
d’un système similaire à celui en vigueur
pour l’argent noir : offrir aux citoyens l’occasion
de régulariser leur ivoire. »
En tant que restaurateurs, vous êtes

« Le plus grand défi pour nous, ce sont
les œuvres modernes ou contemporaines
réalisées dans des matériaux souvent
expérimentaux, comme des matières plastiques
ou de la peinture de mauvaise qualité »
naturellement en contact avec les musées
et les collectionneurs. Avez-vous déjà
rencontré des œuvres en très piteux état ?
« Je dois dire que de grands progrès ont
été réalisés en Flandre et aux Pays-Bas. Les
grands musées se sont professionnalisés et
de nouvelles réserves ont été construites.
Il y a clairement une évolution vers la
conservation préventive : éviter les dommages
plutôt que les réparer. »
Les vitrines de Victor Horta pour le
magasin Wolfers à Bruxelles, conservées
pendant des années dans une pièce
humide des musées d’Art et d’Histoire : de
telles tragédies ne se reproduiront plus ?
« Malheureusement, cela ne peut être
exclu. Nous nous sommes chargés de
la restauration de ces vitrines et nous
connaissons donc très bien le dossier. Chez
les privés, on trouve aussi régulièrement
des œuvres conservées dans des caves humides,
dans des greniers chauds, au-dessus
d’un chauffage ou en plein soleil. Nombre
de collectionneurs se concentrent sur l’acquisition
plutôt que sur la conservation à
long terme. J’ai visité une villa de Baltimore
appartenant à une importante collectionneuse
privée, qui avait accroché un Warhol
en plein soleil, qui plus est, dans une pièce
dépourvue de vitrage anti-UV. Quand je lui
en ai parlé, elle m’a littéralement répondu :
« Cela ne m’a jamais traversé l’esprit. » Bien
sûr, on ne peut exiger des collectionneurs
privés qu’ils conservent leurs œuvres dans
des conditions muséales. Mais on peut en
attendre un minimum de soins, surtout
lorsqu’on débourse de gros montants.
Lorsqu’on achète une voiture de collection,
on ne la sort qu’exceptionnellement. »
Fin de l’année dernière, certains experts
ont ouvertement remis en question la
restauration de l’Agneau mystique,
parlant purement et simplement de
‘‘gâchis’’ sur le joyau des frères Van
Eyck. Même si vous n’avez pas participé
à la restauration, ces critiques sont-elles
fondées ?
« La restauration est effectuée par nos
collègues de l’IRPA (Institut royal du
Patrimoine artistique). Il s’agit d’un institut
scientifique composé d’experts de haut
niveau qui prennent leur travail très au
sérieux. Leur professionnalisme et leur
expertise ne font aucun doute. En outre,
chaque étape de la restauration est supervisée
par une équipe d’experts nationaux
et internationaux qui ne prennent aucun
risque. Tout fait l’objet d’un examen approfondi
avant que la moindre intervention
ne soit entreprise sur les panneaux. Toutes
les techniques de recherche possibles ont
été appliquées pour garantir le plus haut
niveau de précision possible. La moindre
erreur est absolument exclue sur ce type
de chef-d’œuvre. »
Comment vous positionnez-vous par
rapport à l’IRPA, votre principal concurrent
en Belgique ?
« L’IRPA est une institution publique
subventionnée, nous sommes une entreprise
privée. Mais après treize ans, nous
pouvons être fiers de nos références. Nous
travaillons pour pratiquement tous les
grands musées et institutions, le Hof Van
Busleyden, le musée M, le Victoria and
Albert Museum, le Centre Pompidou,
pour ne citer qu’eux. Mais même avec ces
références et ce savoir-faire, nous avons en
Belgique des difficultés à développer un
modèle économique viable. Nous avons
atteint notre vitesse de croisière, mais les
marges demeurent très faibles. Nos collaborateurs
sont tous titulaires d’un Master
en restauration et connaissent leur métier
à fond. Pourtant, leur tarif horaire est bien
inférieur à celui d’un plombier. Ce n’est
pas normal. Si nous conservons l’essentiel
de nos activités en Belgique, il nous sera
impossible de nous développer. »
En d’autres termes, l’IPARC doit quitter
le pays ?
« Je vois deux scénarios possibles : soit
nous nous ancrons davantage dans le
monde anglo-saxon, grâce à notre installation
à Londres, où travaillent deux
personnes, ce qui pourrait constituer une
passerelle vers l’Amérique, soit nous nous
concentrons sur le Moyen-Orient. Je pense
qu’il y a là des opportunités plus importantes
à court terme. Nous y sommes déjà
actifs, mais nous souhaitons y asseoir
davantage notre présence. Les Émirats
et l’Arabie saoudite regorgent de musées
en cours de construction ou de reconstruction.
Ils sont très actifs sur le marché
de l’art et font l’acquisition d’œuvres
extraordinaires pour leurs collections.
Cela implique un savoir-faire en matière
de conservation et de restauration. Mais
ils doivent l’importer, car ils ne disposent
pas encore de formations en histoire de
l’art ou en restauration. Des historiens de
l’art et des experts en collections américains,
anglais et français y travaillent
en masse et nous y faisons nos premiers
pas. Au Moyen-Orient, il y a davantage de
moyens privés pour valoriser nos connaissances.
Surtout par rapport à l’Europe,
où le secteur de la culture dispose d'un
modèle financier tout autre. Quand je suis
au Moyen-Orient, pour des projets de restauration
ou de conservation, j’ai de plus
en plus la sensation que nous sommes bel
et bien le vieux continent. Nous, Occidentaux,
devons réfléchir à ce que nous souhaitons
encore signifier à l’avenir. »
SURFER
www.iparc.eu
43

Roger Capron
La céramique pour tous
Table d’appoint, ca. 1960, céramique vernissée, noyer, fer, 49,8 x 100,7 x 43,6 cm, signée. Christie’s, New York, 15-03-2023. © Christie’s Images Ltd. - Invendue (est. 2.000-3.000 $)
44

A la faveur d’émissions d’enchères
télévisées, mais aussi surtout
suite au retour en grâce, dans la
décoration d’intérieur, du mobilier
des décennies 1960-1970, ces
dernières années, le travail du
céramiste français Roger Capron a vu
sa cote s’envoler. Sa devise : « Faire
du beau à la portée de tous ».
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
En 1980, la carrière productive de
Roger Capron, tout comme sa
grande créativité, étaient récompensées
par l’obtention du Grand
Prix International de Céramique, lors de la
Biennale de la céramique d’Art de Vallauris,
en France. Toutefois, ses dernières
œuvres furent, jusqu’à son décès, qualifiées
de «ringardes» par une grande partie
de la critique de l’époque, raison parmi
d’autres qui vit les amateurs comme le
grand public se détourner d’un travail qui
tomba peu à peu dans l’oubli. Ainsi, tout
au plus qualifiée de «cliché», voire même
de «belle brocante» dans les années 1990,
il fallut attendre l’an 2000 et la parution
d’un article du New York Times pour voir
évoluer la perception de sa production
emblématique des Trente Glorieuses.
Dithyrambique, le texte qualifiait la
démarche de Roger Capron (1922-2006)
de « celle de l’un des artisans les plus prolifiques
et les plus importants du design
européen d’après-guerre ». Selon l’agrégateur
d’enchères Artprice, depuis 2010,
son œuvre n’a cessé de s’apprécier, ainsi
qu’en témoigne encore le record obtenu,
en avril 2022, pour un très grand claustra,
adjugé 42.000 euros par Piasa à Paris.
Aujourd’hui, les créations de ce designer
prolifique s’envolent généralement
pour plusieurs milliers d’euros. Les vases
comptent parmi les pièces particulièrement
recherchées par les collectionneurs,
car ils combinent à la fois une approche
décorative et sculpturale, témoignant
de la diversité des techniques mises en
œuvre par le céramiste. Nombreuses sont
également les pièces de vaisselle peinte
Vase à oreilles, ca. 1960, céramique vernissée, H. 34,3 cm, signé. Christie’s, New York, 10-06-2021.
© Christie’s Images Ltd. 7.500 $ (7.100 €)
En 2000, le New York Times le désignait
comme « l’un des artisans les plus prolifiques
et les plus importants du design européen
d’après-guerre. »
(coupes, plats, assiettes, tasses), tandis
que son mobilier, notamment ses tables,
trouvent à nouveau leur place dans des
intérieurs à l’esthétique Sixties et Seventies
revisitée. Généralement dotées de pieds
en acier, en métal laqué noir ou parfois en
bois (tous étant amovibles), elles s’ornent
de plaques de céramique décorée, qu’il
est donc possible d’accrocher au mur, et
peuvent s’adjuger jusqu’à 15.000 euros aux
enchères, pour une table de salle à manger
créée vers 1950. Les luminaires et autres
pieds de lampe s’arrachent également en
raison de leur originalité et de leur grande
valeur décorative. Un exemplaire était
ainsi adjugé 7.560 euros ( frais inclus) par
Sotheby’s Paris, en décembre 2020. Plus
rares, tardives et singulières, ses sculptures
d’inspiration africaines n’en sont pas
moins recherchées, s’adjugeant le plus souvent
pour quelques milliers d’euros.
CÉRAMIQUE INDUSTRIELLE
Né à Vincennes, Roger Capron s’intéresse
d’abord au dessin, décidant d’étudier
cette discipline à l’Ecole des Arts appliqués
de Paris, entre 1938 et 1943, avant de
l’enseigner à l’issue de la guerre dans le
même établissement. La même année, il
découvre la céramique qui le passionne.
Après diverses tentatives de décor pour le
théâtre et des créations d’affiches publicitaires,
il décide d’abandonner ce travail
et l’enseignement pour, en février 1946,
45

de petits objets domestiques, à l’origine
pensés pour une utilisation quotidienne.
Fervent partisan des formes libres, leur
esthétique est caractérisée par des lignes
ondulantes et des motifs expressionnistes
que l’artiste conservera longtemps. La
production de l’atelier Callis s’achève fin
1949, suite au départ de Robert Picault.
En 1952, Roger Capron rachète l’ancienne
fabrique de poterie culinaire du Font
des Horts, où il ouvre une petite usine
de création céramique. Au départ, sept
ouvriers l’aident dans la réalisation d’objets
destinés aux boutiques de cadeaux ainsi
que de panneaux décoratifs, ou claustras.
La production est diffusée dans les salons
professionnels de céramique, comme le
salon des Ateliers d’Art de Paris (SAA), le
salon du Meuble et le salon Batimat. Roger
Capron renouvelle annuellement le décor
de ses modèles.
Claustra, ca. 1975, céramique et acier laqué, 280 x 290 x 4 cm. Piasa, Paris, 27-04-2022. © Piasa – 54.600 €
L’après-guerre fut
une période propice
au renouveau des
expérimentations
céramiques.
s’installer dans le sud de la France, à Vallauris.
Dès 1948, il fonde, aux côtés de
son camarade d’école Robert Picault et
du céramiste Jean Derval, l’Atelier Callis.
Ce faisant, il participe à la renaissance
de la céramique à Vallauris, qui accueille
alors de nombreux artistes désireux de
travailler les matériaux et techniques
traditionnels. L’après-guerre est ainsi
une période propice au renouveau des
expérimentations céramiques. Roger
Capron met alors en œuvre la devise
de son maître, le designer René Gabriel
(1899-1950) : « Faire du beau à la portée
de tous ». Au début, il s’initie dans différents
ateliers, réalisant principalement
RENOUVEAU STYLISTIQUE
Les vases dits ‘‘à oreilles’’ sont emblématiques
de son style et de celui des années
1950. A partir de 1955, il entame la production
de carreaux de faïence et de table. La
même année, il épouse Jacqueline Hubin,
dite ‘‘Jacotte’’, qui devient sa plus proche
collaboratrice. Ses créations acquièrent peu
à peu une renommée internationale et sont
primées, notamment à la Xe Triennale de
Milan (1954) et à Bruxelles (1959). Dès 1950,
il côtoie Pablo Picasso, installé à Vallauris
dans l’atelier Madoura depuis 1948, qui
l’estime et apprécie sa démarche accessible
au plus grand nombre. Le bestiaire, le coq et
le taureau, si cher à Picasso, la fascination
du soleil, le corps féminin, les êtres hybrides
( femme-oiseau ou sirène) composent alors
les thématiques de son travail, tandis que la
mythologie et l’art africain, avec des séries
de masques, complètent l’iconographie
de sa production. Développant peu à peu
celle-ci, il parvient à constituer une équipe
d’une cinquantaine d’ouvriers, qui utilisent
notamment comme support des carreaux
industriels. L’artiste privilégie la conception
de pièces aux formes coulées typique des
années 1950. Pour renouveler le graphisme
de ses modèles, il utilise des rayures verticales
et quadrillées, des séries en pavés ou
damiers, imposant ainsi un style identitaire
qui lui est propre, plaisant au public, et
qui sera même copié en Italie par la firme
Bitossi. Proposant une œuvre en constante
évolution, Roger Capron se tourne, dès les
années 1960, vers un style plus moderniste
et géométrique, privilégiant l'utilisation de
46

La devise de
Roger Capron :
« Faire du beau à la
portée de tous. »
couleurs vives qu’il applique à la conception
de céramiques intégrant l’architecture, en
conjuguant support industriel et recherche
artistique. Afin de diversifier la production
de l’usine, il réalise en outre du petit
mobilier d’appoint et des panneaux muraux
(table basse, ensemble de jardin, ...), composés
de carreaux émaillés de même motif :
carreaux Navettes en 1961, Planètes en 1965,
Herbiers de Provence en 1969, Herbiers de
Garrigue en 1971. Cette période voit ainsi
la création de nombreuses tables basses
et d’appoint, ainsi que de carafes et de
vases, en grande partie signés. L’architecte
Philippe Sicardon lui confie, en outre, la
réalisation de décorations céramiques pour
orner l’hôtel Byblos à Saint-Tropez, inauguré
en 1967. Ce qui l’oblige à s’intéresser à
une nouvelle matière, le grès grand feu, apte
à résister notamment aux sollicitations de
la piste de danse.
PIÈCES UNIQUES
En 1980, sa manufacture emploie jusqu’à
120 personnes mais, à la suite de la crise
économique, Roger Capron doit, en 1982,
déposer le bilan, contraint en outre de
céder les modèles, les brevets, les procédés
de fabrication ainsi que son nom, qui
est sa marque. Son entreprise est rachetée
par la société des établissements Carré
à Paris, laquelle poursuit encore de nos
jours quelques-unes de ses réalisations,
notamment les grès Herbiers des Garrigues.
Dès 1984, Roger Capron rebondit et se
lance, au sein de l’atelier qu’il a conservé à
Vallauris, dans la réalisation de pièces en
série limitée dont la production va s’arrêter
au tournant des années 1990. Il aborde
alors un travail totalement neuf, réalisant
des exemplaires uniques, proches de la
sculpture, à l’univers caractéristique de
son style, revisitant ses thèmes emblématiques
que sont le bestiaire, le corps
féminin et les êtres hybrides. Aidé de son
épouse Jacotte et de Jean-Paul Bonnet,
collaborateur depuis les premiers jours, il
crée des pièces utilisant la technique de la
terre enfumée, à destination des galeries
et des collectionneurs. Dans les années
2000, il se consacre ainsi à la sculpture en
ronde-bosse et expose dans les galeries
Brocéliande et Neotu à Paris, Hammer et
Gueridon à New York, Züblin-Haus à Stuttgart
ou Schachen et Horizon, en Suisse,
avant qu’un hommage rétrospectif ne lui
soit finalement rendu, en 2003, au musée
national de la céramique de Sèvres.
SURFER
Important pied de lampe, ca. 1950, grès émaillé, 51 x 51 cm. Sotheby’s, Paris, 17-12-2020. © Sotheby’s Art
Digital Studio – 7.560 € (frais inclus)
www.rogercapron.com
47

Le portefeuille
Sujet à toutes les mutations
De quoi est fait le vôtre, de cuir
ou de plastique ? Il contient
certainement des compartiments
pour vos cartes mais aussi une
pochette pour la monnaie. Le fait
est établi, tous nous possédons
un portefeuille. Cet accessoire,
aujourd’hui indispensable, a
construit son histoire et son
évolution parallèlement à ce qu’il
contient, de l’argent, ou plus
largement, diverses formes de
paiement.
TEXTE : ANNE HUSTACHE
Le terme ‘‘portefeuille’’
désigne ce qu’il
signifie littéralement :
une chemise destinée
à transporter des
‘‘feuilles’’, soit des
documents.
Lorsqu’il commence à être utilisé,
vers le XVIe siècle, le terme ‘‘portefeuille’’
désigne ce qu’il signifie
littéralement : une chemise, plus
ou moins grande, destinée à transporter
des ‘‘feuilles’’, soit des documents. Il se
spécialisera parallèlement au développement
du billet de banque, qui apparaît en
Europe au mitan du XVIIe siècle. Mais le
portefeuille, soit un objet destiné à transporter
des choses précieuses, dispose
bien sûr de lointains ancêtres, tels ces
petits sacs en peaux de bête, ou en toile,
que l’on porte à la ceinture ou au cou et
qui contiennent de petits objets utiles
et aussi des pièces de monnaie. De telles
bourses existaient déjà dans la Grèce
antique. Témoignant de l’évolution et de
la multiplication des moyens de paiement,
le portefeuille a évolué au fil du
temps pour devenir un symbole de style
et de statut social. Aujourd’hui, toutes les
marques de maroquinerie ou d’accessoires
en fabriquent, des plus basiques
aux plus luxueux.
Bien tenu à la taille
1400
Le propriétaire de cette bourse de cuir
repoussé devait passer une gaine ou une
ceinture entre les deux passants du haut
afin de la fixer à sa taille. Il se prémunissait
ainsi d’un vol éventuel, tout en arborant
un objet considéré comme luxueux, et
donc marqueur social à une époque où
tout le monde n’avait pas les moyens de
se l’offrir. Preuve du soin accordé à l’objet,
l’inscription en français, qui se déploie en
trois lignes, sur toute la hauteur : «L’amour
me tient : me tient dans cette prison :
l’amour me tient ». Les passants sont chacun
orné d’un aigle aux ailes déployées.
Sac de ceinture, France, cuir, 17 x 18,9 x 1,9 cm.
New York, The Metropolitan Museum of Art, inv.
2005.426.
48

Architecturé
fin du XVe siècle
Le fermoir en métal de cette escarcelle fait d’emblée référence à
l’art gothique, toujours bien présent dans nos régions, en cette fin
de XVe siècle. Les bourses, attachées à la ceinture, connurent un
certain raffinement avec l’invention de ces fermoirs significativement
ouvragés qui, tout en étant plus pratiques (on ouvre sa bourse
sans la détacher de la ceinture), se révélaient aussi plus sécurisés. A
l’arrière, un lien permet de fixer l’escarcelle à la ceinture. Le fermoir a
sans doute été perfectionné pour assurer une plus grande sécurité à
l’argent et autres objets de valeur lorsque le propriétaire déambulait
dans les rues bondées de la cité. Le velours, délicatement décoré,
et le fermoir, très ouvragé, transforment cet accessoire en un objet
dont le luxe devait impressionner.
Escarcelle, Europe du Nord, velours, fer, 31,2 x 22,8 x 2,5 cm. New York, The Metropolitan
Museum of Art, inv. 52.121.3.
Eclat satiné
1686
Au XVIIe siècle, se développe la forme oblongue des portefeuilles
telle que nous la connaissons aujourd’hui. Un
exemplaire tel que celui-ci demeurait toutefois réservé à
une clientèle ayant les moyens de s’offrir un travail délicat.
Divisé en trois sections de rangement et pourvu d’un
rabat de forme incurvée, ce portefeuille est entièrement
recouvert de soie satinée de couleur rouge et brodé de fils
d’argent et de satin de soie, des motifs de feuilles et de rinceaux
se déployant harmonieusement sur toute sa surface.
A l’arrière, un monogramme daté de 1686 est brodé, encadré
de rosettes et de branchages.
Portefeuille, Italie, soie brodée de fils de métal et de soie, 17 x 9,6 cm. Londres, The
Victoria and Albert Museum, inv. T.48-1962.
Fils d’or
1750
Comme aujourd’hui, les portefeuilles furent utilisés tant par les
femmes que par les hommes et ne contenaient pas seulement
de l’argent, mais des lettres, de menus objets, de même que du
tabac. La forme assez haute de cet exemplaire suggère cette
multiplicité de fonctions. A-t-il plutôt appartenu à une femme
ou à un homme ? On penche pour la gent féminine en raison de
l’extrême délicatesse du fermoir fixant le rabat trilobé, formé
d’un nœud de satin rose et d’une bague de fil doré. Le satin
couleur crème se marie parfaitement avec les motifs de feuilles
brodés de fils dorés.
Portefeuille, France, satin, fil doré, 11 x 13,5 cm. Paris, Musée des Arts Décoratifs,
inv. 1913.0701.
49

Sérieux
ca. 1780-1790
Dès la fin du XVIIIe siècle, et durant tout le XIXe, les grands
portefeuilles à soufflet de maroquin rouge furent fabriqués afin
de transporter toutes sortes de documents, actes de propriétés,
cartes militaires, ordonnances, lettres diverses et billets
de banque. Ils disposent de plusieurs compartiments et d’une
serrure qui, ici, est en métal argenté. Au-delà de son aspect
général conventionnel, ce portefeuille s’avère original car sa
partie inférieure est en forme de dos de livre. Il dispose d’un
décor rectangulaire de vignettes dorées sur tous les bords et de
fleurons légers aux angles. Il est également signé du nom de son
fabriquant : ‘‘Garnier/ Au Palais Royal’’.
Garnier, Portefeuille à soufflet, Paris, maroquin doré, laiton, métal argenté,
33 x 26 x 3,5 cm. Paris, Musée du Louvre, inv. OAR 320.
Rocaille
ca. 1740
Ces deux portefeuilles témoignent combien les motifs de style
rocaille envahirent avec bonheur l’univers des portefeuilles,
ponctuant ainsi le costume d’un accessoire assorti. Leur
décor est brodé à la canetille ( fil de métal très fin et tortillé),
avec des lames d’argent au couché. Le portefeuille couleur
crème accueille aussi des motifs floraux, à la soie de Chine
polychrome, au passé empiétant, point de tige et point fendu.
L’autre portefeuille, plus petit, est cousu dans un damas vert
bouteille, la broderie est d’or et d’argent au couché, composant
un vase fleuri au revers, et des branches fleuries à l’avant. Ces
deux modèles sont en forme d’enveloppe avec un rabat festonné,
qui se ferme par un petit ruban en fil d’argent formant
une boucle et un bouton.
Deux portefeuilles, satin de soie blanc doublé de soie de même sur fond de carton.
Bruxelles, Musée Mode & Dentelle. © photo : Y. Peeters-A
Vert tendre
ca. 1804-1814
Le maroquin est un cuir de chèvre, de chevreau ou de mouton, tanné au
sumac ou à la noix de galle. Il est particulièrement apprécié dans la reliure
de luxe pour sa résistance et parce qu’il met en valeur la dorure. Ces
mêmes caractéristiques en ont fait une matière de choix pour la réalisation
de portefeuilles, qu’ils soient teintés de rouge ou, comme ici, de vert.
Les bordures de ce portefeuille sont dorées aux fers. Il dispose d’une très
jolie serrure en forme d’écu, en vermeil, découpée et gravée, avec sa clef. A
l’arrière, sur le second plat, une plaque en métal doré, découpée et gravée,
porte la dédicace : ‘‘Hommage de la plus tendre reconnaissance’’. Fait rare,
cet élégant portefeuille a conservé sa housse de protection en maroquin
vert. Il était estimé entre 400 et 500 euros.
Portefeuille, maroquin vert, bordures dorées aux fers, 28 x 38 cm. Boulogne Enchères,
Boulogne-Billancourt, 05-06-2021. © Boulogne Enchères – 2.728 € (frais inclus)
50

Scène classique
ca. 1860-1880
Ce portefeuille est composé de deux plaques d’ivoire de forme
rectangulaire, aux coins arrondis, serties dans une bordure de
cuivre. Au recto, selon un curieux et assez mystérieux procédé
d’impression photographique, apparaît une image réunissant
trois personnages : un homme debout avec un bâton sur l’épaule,
accompagné d’un chien, s’adressant à une femme assise avec
un enfant sur les genoux. Les personnages portent des robes
classiques. Le dos n’est pas décoré. Ce portefeuille est doté d’une
doublure de soie moirée rouge et divisé en trois compartiments.
Le double pli extensible (soufflet) est en cuir rouge.
Portefeuille, Italie (?), ivoire, métal, 7,5 × 6 × 1,7 cm. Amsterdam, Rijksmuseum,
inv. BK-1978-402.
Douce texture
1900-1925
Par son utilisation constante, un portefeuille peut séduire
toute personne sensible au toucher : quoi de plus agréable
qu’un objet d’une douce texture. Ce portefeuille en daim
marbré répond parfaitement à cette demande. Gris-blanc, il
est agrémenté d’un intérieur en cuir de porc gris et doublé de
coton vert-marron avec, d’un côté, un compartiment à billets
fermé par un rebord et une boucle plate, de l’autre, deux compartiments
coulissants, celui du haut pour les cartes de visite.
Une poche profonde et ouverte pour le papier-monnaie, sur
toute la longueur et la largeur. Côté décoration, il s’orne d’une
large bande diagonale à décor d’oiseaux et de fleurs et d’une
étroite bande diagonale à décor de fleurs et de papillons
parcourent le daim marbré. Ces deux bandes déclinent les
couleurs bleu, rouge, marron et gris. Voilà bien une pièce qui
conjugue douceur du toucher et délicatesse du décor.
Portefeuille, Indes orientales néerlandaises / Amsterdam, daim, cuir de porc,
coton, 13,6 × 8 × 2 cm. Amsterdam, Rijksmuseum, inv. BK-1995-35.
Kelly
2015
Depuis le XXe siècle, toutes les grandes marques multiplient les
versions de leur portefeuille, souvent fabriqué, pour les dames,
de façon à s’harmoniser avec son grand frère, le sac à main. Cet
exemplaire de 2015 est le petit frère du Kelly, l’indémodable modèle
inventé dans les années 1930 mais devenu mondialement
célèbre grâce à une photographie de Grâce Kelly l’arborant pour
cacher sa potentielle grossesse. Ce portefeuille est décliné dans
toutes les couleurs, des plus classiques aux plus flashy, comme
ce beau bleu électrique.
Portefeuille Kelly, Hermès, Paris, cuir Epsom (veau), 12 x 20 x 3 cm. Sotheby’s,
New York, mars 2024. © Sotheby’s Art Digital Studio
4.000 $ (3.727 €)
51

Le débardeur, ca 1898, pastel et craie noire, 35,1 x 26 cm. Anvers, musée Plantin Moretus, Cabinet des Estampes.
52

Eugeen
van Mieghem
Une cote plutôt terne
L'artiste réaliste anversois Eugeen
van Mieghem est, aujourd'hui
encore, une vedette incontestée
de la métropole belge. Sont style
sombre et terre à terre, qui met
pourtant en scène, à un siècle de
distance, une actualité toujours
brûlante, ne semble plus guère
plaire. Analyse de sa cote, à
l'occasion de la rétrospective que lui
consacre le musée de Pontoise.
TEXTE : CHRISTOPHE DOSOGNE
Van Mieghem a
observé tous ceux
qui travaillaient dans
le port d'Anvers,
de même que
d'innombrables
migrants en quête
d'une vie meilleure.
Voici un nom bien connu des
amateurs d’enchères, notamment
de ceux qui fréquentent
les salles anversoises comme
Campo et Bernaerts. Né quasiment dans le
port d’Anvers, où il a grandi et auquel il resta
attaché sa vie durant, Eugeen van Mieghem
(1875-1930) peut être comparé à ses
contemporains Pierre Paulus de Châtelet
(1881-1959) ou Constantin Meunier (1831-
1905) qui, tout comme lui, firent partie d’un
courant réaliste œuvrant dans une veine
sociale qui n’a malheureusement plus guère
la cote aujourd’hui. Très tôt, l’enfant né dans
l’auberge familiale In Het Hert, sur le quai
Van Meteren, développe un talent artistique
exceptionnel, nourrit de l’observation des
activités portuaires et du pittoresque de
leurs acteurs, mariniers, matelots, quartiers-maîtres,
porteurs et autres raccommodeuses
de sacs, mais aussi passagers en
transit. Le port et l’homme de la rue vont
donc tout naturellement devenir la source
d’inspiration et le modèle d’un artiste qui a
très tôt regardé les œuvres de Vincent van
Gogh, Georges Seurat, Constantin Meunier
et Henri de Toulouse-Lautrec. En 1892, il est
inscrit à l’Académie royale des beaux-arts
d’Anvers, mais en est renvoyé. Il se tourne
dès lors vers les mouvements politiques
et culturels progressistes, ayant à cœur de
s’intéresser au sort des plus démunis. Van
Mieghem se concentre ainsi sur la vie des
humbles, dans cette ville portuaire cosmopolite
où il est considéré, à juste titre,
comme l’artiste du peuple. Grâce à la proximité
des embarcadères de la Red Star Line
qui, dès 1873, transbordent des migrants
vers le Nouveau Monde (les Etats-Unis
d’abord, puis le Canada après la Première
Guerre mondiale), l’artiste réalise quantité
de croquis et de pastels de ces déracinés,
qui défilent devant lui en quête d’un avenir
meilleur. Avec un grand sens du détail, mais
dans un style qui demeure brut et nerveux,
il croque ainsi les tenues vestimentaires et
l’attitude pathétique des migrants, rendant
compte de manière saisissante du dénuement
de ces candidats à l’exil. Il poursuivra
dans cette veine jusqu’à son décès.
DE L’IMPORTANCE DU DESSIN
Désormais brûlante d’actualité, cette problématique
de la migration, qu’elle soit liée
à une croissance économique faible, à une
répartition inégale des revenus, à la surpopulation
liée à une forte démographie, à un
taux élevé de chômage, à des conflits armés
53

Migrants au port d’Anvers, ca. 1912, gouache, 49 x 63 cm. Collection privée.
Il était connu comme
l'artiste du peuple, en
raison de l'attention
qu'il portait à la vie
des gens simples, dans
cette ville portuaire
cosmopolite.
et autres épurations ethniques, voire à une
violation des droits de l’homme, a donc été
au cœur de l’œuvre d’Eugeen van Mieghem.
Or, ce n’est pas pour autant, loin s’en faut,
qu’elle séduit aujourd’hui plus qu’hier, que
du contraire, ainsi qu’en témoignent les
résultats qui suivent. Fort d’une production
abondante, notamment grâce à une
pratique sur le vif, on l’a dit, son travail
trouve régulièrement le chemin des salles
de ventes, essentiellement en Belgique où
se concentre 99,8 % de son marché, selon
Artprice. La majorité des œuvres proposées
(56,2 %) appartiennent à la catégorie des
dessins. Ceux-ci s’échangent généralement,
sur le second marché, entre 200 et 12.000
euros, parfois plus, notamment chez Campo
Vlaamsekaai qui, en avril 1999, obtenait
un record d’enchères dans cette catégorie,
en adjugeant 2,6 millions de francs belges
(l’équivalent de 64.450 euros d’aujourd’hui)
ses Gamins (1919), à l’aquarelle sur papier.
Plus récemment, en mars 2016, la salle Bernaerts
obtenait 40.000 euros au marteau des
Trois raccommodeuses de sacs au port, fusain
et craie de couleur sur papier. Si la cote de
l’artiste, en ce compris le nombre de lots
vendus, est demeurée relativement stable
sur la dernière décennie, Artprice, dont les
analyses reposent sur 1 952 adjudications,
indique toutefois que la valeur de ses œuvres
était en baisse de 27,7 % en 2023, un tiers des
lots proposés, y compris les peintures, s’adjugeant
alors dans une fourchette comprise
entre 1.000 et 5.000 euros. Le taux d’invendus
est aussi en nette progression depuis 2022.
Quant à elle, la valeur moyenne des peintures
de Van Mieghem aux enchères oscille
désormais entre 2.000 et 40.000 euros, le record
pour une huile de l’artiste étant détenu
par la salle Campo qui, en avril 2003, obtenait
78.000 euros de l’œuvre sur carton (72 x 82
cm) intitulée Au bord de l’Escaut (1926).
L’artiste fut également l’auteur de gravures,
notamment des eaux fortes qui s’échangent
entre 50 et 500 euros, les lithographies étant
54

estimées entre 30 et 100 euros, tandis que
les œuvres à la pointe sèche peuvent voir
leur estimations monter jusqu’à 1.600 euros.
Enfin, plus rares, les monotypes vaudraient
entre 1.500 et 3.000 euros.
VISITER
Rétrospective Eugeen Van Mieghem
(1875-1930), entre Millet et Lautrec
Musée d’Art et d’Histoire Pissarro-Pontoise
Pontoise
www.ville-pontoise.fr
du 04-05 au 07-07
www.vanmieghemmuseum.com
LIRE
Erwin Joos, Eugeen van Mieghem entre
Millet et Lautrec, Pandora Publishers, Anvers,
2024, ISBN 978-9-05325-491-2
Fille du port à côté d’une charrette à bras, ca. 1900, pastel, 45 x 31,5 cm.
Anvers, musée Eugeen Van Mieghem.
Le long de l’escaut pastel, ca. 1898, pastel, 34 x 52,5 cm. Anvers, musée Eugeen Van Mieghem.
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Sélection Musées
Désir quand tu nous tiens…
du 26-05 au 13-10
Kasteel d’Ursel
Bornem
www.kasteeldursel.be
Actualité de
l’abstraction
du 31-05 au 18-08
La Boverie
Liège
www.laboverie.com
Le désir, l’érotisme, la
pornographie, depuis des
siècles, l’art a inventé mille
stratagèmes pour exalter
la sensualité du corps et
naviguer allègrement entre
ces différentes notions. Ce
thème de l’érotisme est de fait
l’un des plus féconds, surtout
depuis les temps modernes :
les tableaux regorgent de
déesses antiques se prélassant
au bain ou de vierges
chrétiennes vouées aux pires
martyres. Tantôt subtiles et
sensuelles, tantôt explicites ou
obscènes, les œuvres représentent
le corps comme objet
de désir ou source de plaisir.
Cette exposition se concentre
surtout sur les XVIIIe et XIXe
siècles, en réunissant objets
et tableaux érotiques issus de
musées et de collectionneurs
belges. L’accrochage débute avec des illustrations des fameuses Liaisons Dangereuses,
roman épistolaire français publié par Pierre Choderlos de Laclos en 1782. (ah)
Frieke Janssens, Nudes by Night 14, PhotoRag métallique, 160 x 120 cm. © de l’artiste
Née dans les années 1910, l’abstraction constitue
la grande révolution picturale du XXe
siècle. Mais, est-elle toujours d’actualité ? L’art
d’aujourd’hui l’a-t-elle détrônée ? Voilà deux
des questions auxquelles cette exposition souhaite
répondre. Réunissant des œuvres historiques
aux plus récentes, elle entend démontrer
toute la pertinence et la richesse d’un art qui
se passe de toute imitation de la réalité pour
œuvrer uniquement avec ses propres composantes
: matière, couleur et forme. Selon
les commissaires, il semble clair que « nous
n’avons pas encore tiré toutes les clés de l’art
abstrait ». Avec, entre autres, des œuvres de
Malevitch, Vasarely, Léger, De Staël, Poliakoff,
Estève, Arp, Nicholson, Degottex, Jacobsen,
Herbin, Magnelli, Moreni, Viola, Pijuan, Csaky,
Chauvin, Schneider, Tapies, Debré, Viallat,
Hantai, Bonnefoy, Lewitt, Venet, Schöffer, Van
Anderlecht, Lacasse, Closon ou Marthe Wéry.
(ah)
Marthe Wéry, Montréal, 1984. Liège, Musée des Beaux-
Arts. © La Boverie
Paysages sonores
jusq. 28-08
SMAK
Gand
www.smak.be
Tarek Atoui, Waters’ Witness, 2023, vue
de l’exposition au MCA Sydney. © de
l’artiste / photo : Zan Wimberley
Voici la première exposition monographique en Belgique de Tarek Atoui (1980), artiste libanais
vivant à Paris. Compositeur électro-acoustique, il crée des paysages sculpturaux et sonores à partir
du son, de l’image, de la matière, de l’espace, du temps, de l’activité humaine et organique. Instruments
de musique, dispositifs d’écoute, sculptures, objets ordinaires et matériels, minutieusement
conçus, constituent des environnements d’écoute inventifs, qui ne font pas seulement appel à
l’ouïe, mais font vivre au public toutes sortes d’expériences. Réunissant des œuvres anciennes mais
aussi récentes, spécialement conçues pour cette exposition, l’artiste crée au SMAK deux univers
différents, qui se rencontrent et stimulent la participation des visiteurs. Un programme de performances,
composé par Tarek Atoui et ses musiciens, est prévu pendant l’exposition. (ah)
56

Un artiste atypique
jusq. 08-09
Musée de Flandre
Cassel
www.museedeflandre.fr
Un ‘‘nabi très
japonard’’
du 03-05 au 06-10
Hôtel de Caumont
Aix-en-Provence
www.caumont-centredart.com
Décédé en 1973, Nicolas Eekman est né à Bruxelles en 1889. S’il est largement oublié
aujourd’hui, c’est certainement car son travail se situait aux antipodes des avantgardes.
Après avoir vogué en terres expressionnistes puis cubistes, il s’est mis à créer
des univers oniriques, fabuleux et fantastiques. Le peintre s’orienta dès lors clairement
vers la réinterprétation des chefs-d’œuvre des maîtres anciens tels Jérôme
Bosch et Pierre Breughel l’Ancien, ainsi que de son contemporain James Ensor.
Quelques 80 œuvres, essentiellement issues de collections particulières, permettent
de découvrir cet univers singulier, d’une imagination foisonnante, qui emmène bien
au-delà des simples références. (ah)
Nicolas Eekman, Mascarade, 1969, huile sur toile marouflée sur panneau, 65 x 81 cm. Collection
particulière.
La manière dont ses amis
surnommaient Pierre
Bonnard, à savoir le ‘‘nabi
très japonard’’, témoigne
de la fascination exercée
sur lui par l’art de
l’Empire du Soleil levant.
Si un engouement pour
tout ce qui vient du Japon
se manifeste en France
dès les années 1860, et
ce pendant près d’un
demi-siècle, Bonnard
s’intéresse avant tout
aux caractéristiques des
estampes de l’Ukiyo-e,
dont la découverte lors
d’une exposition à l’École
des Beaux-Arts, au printemps
1890, est une véritable
révélation pour lui.
Le peintre adopte alors
de nouveaux principes esthétiques comme la
souplesse des mouvements, le contraste des
couleurs, les lignes en arabesques, le goût
prononcé du décor et des éléments stylisés, et
le recours aux aplats. L’exposition réunit des
œuvres qui témoignent de cette évolution et,
évidemment, présente aussi des estampes
japonaises. (ah)
Pierre Bonnard, Femmes au jardin : Femme à la robe
à pois blancs, 1890-1891, détrempe à la colle sur toile,
panneaux décoratifs, 160,5 x 48 cm (chaque panneau),
Paris, musée d’Orsay. © RMN-Grand Palais (musée
d’Orsay) / photo : Hervé Lewandowski
Au cœur de l’humanisme
jusq. 16-06-2024
BNF site Richelieu
Paris
www.bnf.fr
L’humanisme est à l’origine de la Renaissance. Né dans l’Italie du XIVe siècle, caractérisé par le
retour aux textes antiques et par la restauration des valeurs de civilisation dont ils étaient porteurs,
le mouvement humaniste a produit un nouveau modèle de culture, qui a modifié en profondeur
les formes de la pensée comme celles de l’art. Les princes et les puissants s’en sont emparés pour
fonder sur lui une image renouvelée d’eux-mêmes. Composée de quelques deux cents œuvres,
manuscrits, livres imprimés, estampes, dessins, peintures, sculptures, objets d’art, monnaies et
médailles, cette exposition plonge le visiteur dans l’univers de la Renaissance. Cinq sections le
conduisent du XIVe au XVIe siècle : Le studiolo ; Pétrarque et la naissance de l’humanisme ; De
l’étude de l’Antiquité au goût de l’antique ; Le savoir et la gloire ; De la bibliothèque humaniste à la
bibliothèque princière. (ah)
Juste de Gand et Pedro Berruguete, Portrait de Platon, Urbino, ca. 1472-1478, huile sur bois. Paris, musée du Louvre.
57

Sélection Musées
Le design du futur
du 25-05 au 11-05-2025
Vitra Design Museum
Weil-am-Rhein
www.design-museum.de
Les objets
d’un roman
du 17-05 au 13-10
Lembachhaus
Munich
www.lenbachhaus.de
Comment le futur a-t-il été et est-il encore imaginé dans le design ? Cette exposition
se penche sur cette question qui concerne la vision d’un monde à venir, en
réunissant l’ameublement des premiers films de science-fiction et le design actuel
surgissant dans des espaces virtuels. Des objets, au design considéré comme
révolutionnaire à leur époque, voisinent avec les projets d’aujourd’hui. On voyage
ainsi depuis les premiers récits de science-fiction au Metavers. L’exposition montre
aussi comment les innovations techniques et les utopies du design ont trouvé
leur place dans la vie quotidienne et combien ils façonnent directement le monde
actuel. (ah)
Lloyd Schwan, Statuette, 1995. © de l’artiste / Courtesy Vitra Design Museum / photo : Jürgen Hans
Orhan Pamuk (1952) est, avant tout, connu
pour ses romans, qui lui ont d’ailleurs valu un
Prix Nobel. L’écrivain turc propose ici une autre
perception de ses écrits, en présentant une
quarantaine d’armoires venues du musée de
l’Innocence d’Istanbul. Ce musée a été créé
par l’auteur, en même temps que le roman
éponyme qui met en lumière l’histoire d’amour
entre Kemal, fils d’un propriétaire d’usine, et
sa belle cousine pauvre Füsun. Lorsque leur
relation se termine par un désastre, Kemal crée
un musée rempli des milliers d’objets qui lui
rappellent Füsun. Dans le même temps, ces objets
reflètent la vie quotidienne à Istanbul, des
années 1950 aux années 2000, et donc aussi
les événements majeurs de la même période,
les rôles de genre, le cinéma contemporain,
etc. Orhan Pamuk transpose ainsi la littérature
dans l’espace du musée, créant des fictions
dans lesquelles les visiteurs peuvent entrer et
s’immerger. (ah)
Orhan Pamuk, de la série In Paul Klee’s Garden, 2023.
© de l’artiste
Design et
communication engagée
du 03-05 au 30-06
MK&G
Hambourg
www.mkg-hamburg.de
Sandra Mawuto Dotou, Look at us, Galerie der
Schwarzen Vorbilder & Heldinnen in Deutschland,
2022, couverture de livre. © de l’artiste /
illustration : Tabea Erhart
Designer en communication, Sandra Mawuto Dotou (1997) aime mêler la culture pop et
l’activisme politique au design. Préoccupée de questions existentielles telles que le racisme,
le post-colonialisme et la xénophobie, ses interventions protéiformes explorent
comment le design peut contribuer à l’éducation, à la motivation, à la mobilisation, à la
réflexion et à la dé-stigmatisation. Son travail fait appel à tous les outils de la communication,
de la conception éditoriale aux concepts des réseaux sociaux, du design
graphique au motion design. Cette exposition clôt la résidence dont elle a bénéficié
cette année au MK&G. (ah)
58

Ana Lupas.
On this Side of the River Elbe
du 09-05 au 15-09
Stedelijk Museum
Amsterdam
www.stedelijk.nl
Toujours
génial
du 02-05 au 28-07
The British Museum
Londres
www.britishmuseum.org
Elle a plus de quatre-vingts ans et, pour la première fois, une exposition majeure
de son œuvre est présentée aux Pays-Bas. La collection permanente du Stedelijk
Museum inclut bien son installation Coats to Borrow depuis 2022, mais en dehors de
cette œuvre conceptuelle, beaucoup ne connaissent pas grand-chose à l’art roumain
sous le régime communiste (1945-1989). Il était normal qu’au cours de cette période,
la plupart des jeunes artistes ne participent pas à la création d’État édictée par
Nicolae Ceauşecu et évitent de se faire remarquer. Suivant leur propre voie, à l’instar
d’Ana Lupas, celle-ci organisa pour eux, depuis sa ville natale de Cluj, une collaboration
appelée Ateliers 35. L’œuvre de cette grande dame est protéiforme et revêt un
caractère très contemporain. (er)
Ana Lupas, Coats to Borrow, 1989. Amsterdam, Stedelijk Museum. © photo : Carlo Favero
Michel-Ange (1475-1564) figure parmi les
génies artistiques ayant joui d’une très longue
carrière. Non seulement, il impose déjà son
immense talent à 26 ans, avec son formidable
David, mais il relèvera par deux fois le défi
de s’attaquer, lui le sculpteur, à des fresques
immenses, le plafond de la chapelle Sixtine et,
plus tard, le mur derrière l’autel, dans le même
lieu. Il s’éteint à 88 ans sans avoir jamais cessé
de créer. Cette exposition se concentre sur
les trois dernières décennies de cette carrière
féconde, alors qu’il s’installe définitivement à
Rome. L’accrochage souhaite montrer à quel
point Michel-Ange a exercé son influence, en
renouvelant quelques thèmes comme ‘‘La
Crucifixion’’, en cette époque où l’Eglise doit se
redéfinir face à la Réforme. L’exposition dévoile
aussi d’autres facettes du maître, qui fut poète
et un analyste pertinent de l’art. (ah)
Michel-Ange, étude pour Le jugement dernier,
ca. 1534-1536, craie noire sur papier. © The Trustees of
the British Museum
Retour au musée
du 17-05 au 29-09
The Guggenheim Museum
New York
www.guggenheim.org
Jenny Holzer, Untitled (Selections from Truisms,
Inflammatory Essays, The Living Series, The Survival
Series, Under a Rock, Laments, and Child Text),
1989, installation L.E.D tricolore. © de l’artiste /
Courtesy The Guggenheim Museum
Il y a près de trente-cinq ans, Jenny Holzer (1950) créait un écran LED sous la forme d’une
spirale pour une exposition au Guggenheim. Le panneau, clignotant de couleurs changeantes
et arborant diverses polices, était alors le plus long du monde et aujourd’hui considéré
comme un chef-d’œuvre de l’art textuel. Cette exposition personnelle constitue une
sorte de retour au musée pour l’artiste qui ré-imaginera l’installation de 1989. Elle transformera
le bâtiment avec un affichage mis à jour et élargi de textes défilants, présentant des
sélections de ses séries emblématiques. Alors qu’elle ne reprenait que trois révolutions de
la rotonde de Frank Lloyd Wright, lors de l’exposition de 1989, la nouvelle installation gravira
les six rampes jusqu’à l’oculus du bâtiment. L’œuvre mettra ainsi en lumière l’utilisation de
l’écrit à travers le temps et les médias dans la pratique de l’artiste. (ah)
59

Agenda Musées
△ Va te faire Maître
till 20-07
Musée Juif
△ Passage. Textiles &
Rituels
till 01-09
Musée Magritte
△ Magritte·Folon. La
fabrique poétique
till 21-07
Musée Mode &
Dentelle
△ Jules François Crahay.
Back in the spotlight
till 10-11
ULB Culture
△ Belgica Biladi Een
Belgisch-Marokkaans
verhaal
16-05 till 22-07
Villa Empain
Une oeuvre d’Alain Bornain. © de l’artiste / Courtesy BPS22, Charleroi
Aalst
NW
△ Maya Deren. Ritual
in Transfigured Time
- Lucile Desamory.
Untitledment
till 26-05
Antwerpen
Red Star Line
museum
△ Einstein, een gewilde
vlucheling
till 08-09
FOMU
△ Re/sisters - A lens on
gender and ecology
till 18-08
△ Dirk Braeckmann.
Echtzeit
till 19-01-2025
M HKA
△ Jim Shaw. The Ties That
Bind
till 19-05
MoMu
△ Baloji - Augurism
till 16-06
Museum De Reede
△ Paul Harbutt -
ODYSSEY
till 20-05
RockxHuis
△ Jan Davidsz. De Heem
till 01-10
Ath
Maison Culturelle
D’Ath
△ Léopoldine Roux. À Ciel
Ouvert
till 29-06
Binche
Musée international du
Carnaval et du Masqu
△ Binche Intime. Une
exploration sonore
till 15-09
Brugge
Adornes Domein
△ Gloire et infortune d’un
voyageur du XVe siècle
till 31-12
Brussels
Africa museum
△ ReThinking Collections
till 29-09
Argos centre for
audiovisual arts
△ Herman Asselberghs.
Time wasted
till 30-06
Belfius Art Collection
△ Inspired by Love
till 22-06
Botanique
△ Possibles I Probables
30-05 till 04-08
BOZAR
△ Histoire de ne pas rire.
Het surrealisme in België
till 16-06
△ James Ensor
till 23-06
Broodhuis
△ Spelen maar!
till 25-08
Centrale
△ Maren Dubnick.
Accumulator
till 01-09
CIVA
△ Simone guillissen-Hoa
till 22-09
Fondation Blan
△ Jacques Vilet & Gérald
Dederen. U monde
habité
till 11.05
Design Museum
△ Olivetti Folon
till 15-09
Fondation Thalie
△ Regenerative Futures
till 28-09
Fondation A
△ Contacts
till 30-06
Hangar
△ Unique. Beyond
Photography
till 09-06
ISELP
△ c’est le ,om de cette
pierre qui fait paysage
till 29-06
KBR
△ James Ensor - Inspired
by Brussels
till 02-06
KMSK
△ MAGINE!100 Years of
International Surrealism
till 21-07
MAD Brussels
△ Fashion Moves
07-06 till 31-08
Maison De L’Histoire
Européenne
△ Bellum et Artes. L’Europe
et la guerre de Trente Ans
till 12-01-2025
Maison des arts
△ Encore & encore.
Rituels d’artistes
till 05-05
MEM
△ Seb Baumgartner
till 13-05
MIMA
△ Popcorn
till 26-05
Musée belge de la
France-Maconnerie
△ Josef et Anni Albers.
Un couple mythique du
modernisme
till 08-09
WIELS
△ Jef Geys. Je ziet niet wat
je denkt te zien
till 19-05
Wittockiana
△ Chris Delville et
Francois Emmanuel. Le
dit de la renarde
till 16-06
Charleroi
BPS22
△ Banks Violette. Celine
Art project
till 05-05
△ Alain Bornain.
Amourable
01-06 till 01-09
△ Éric Fourez. Sur les
traces de la Mer du
Nord…
01-06 till 01-09
Musée de la
Photographie
△ Peter Knapp. Mon
temps - Thomas Chable.
Au-dessus des nuages
- Elliot Ross. Seeing
animals
till 26-05
60

Deinze
Museum van Deinze
en de Leiestreek
△ Claus inspireert!
till 09-06
Drogenbos
FeliX Art & Eco
Museum
△ Futuromarennia,
Oekraïne & avant-garde
till 09-09
Gaasbeek
Kasteel van Gaasek
△ Echos Rebelles
till 03-11
Geel
De Halle
△ Mosa Mystica
till 16-06
Gent
Dr. Guislain Museum
△ Off-Comics
till 23-06
△ CARBON Annick, mei
2022, Bierbeek
till 01-09
Het Arsenaal
△ Do the Right Ding
till 11-05
Industriemuseum
△ FERRO NON FERRO
till 01-09
KiOSK
△ Arnaud Rogard. Ik met
twee
till 09-06
Kunsthal Gent
△ Lysandre Begijn.
Archaïc Asylum
till 05-05
SMAK
△ Sirah Foighel Brutmann
& Eitan Efrat Là
till 25-08
△ Tarek Atoui
till 25-08
Grimbergen
Cultuurcentrum
Strombeek
△ Myrthe Van Der Mark.
Girl lives in the village.
Sculptress. If you must
know
till 18-05
Hasselt
C-Mine
△ Expo Aanwinst. De
kunstcollectie van
iedereen
till 26-05
Hornu
CID
△ Super Power Design
till 25-08
MACS
△ Lionel Estève. Au fil
du saisons - Jochen
Lempert: Honeyguides
and Milk Teeth
till 12-05
Ittre
MIMDo
△ Claudine Péters-Ropsy.
La nature recomposée
till 02-06
Knokke-Heist
Cultuurcentrum
Scharpoord
△ Unknown Masterpieces
till 12-05
La Louvière
Centre Daily-Bul & C°
△ Dominique Lacoudre.
Je ne sais faire preuve
de discipline que dans
l’indiscipline
till 16-06
Centre de la Gravure
△ Nos géantes
till 02-06
Keramis
△ Les bucoliques.
Allégories du vivant
till 25-08
MILL
△ Temps de pause
till 15-09
Leuven
M Leuven
△ Alias
till 01-09
Liège
Parktuin
△ Het Unieke Universum/
L’Univers Unique
till 26-05
Mons
CAP
△ Rodin. Une
Renaissance moderne
till 18-08
Morlanwelz
Musée royal de
Mariemont
△ Les Amis de
Mariemont. Histoire
d’une passion
till 02-06
Namur
Le Delta
△ Poste restante
till 18-08
△ La carte postale, objet
de collection, oeuvre
d’art
till 18-08
Musée Félicien Rops
△ Le Cercle des Femmes
peintres (1888-1893) &
Kikie Crêvecoeur
till 08-09
nature
till 01-06
Sint-Niklaas
Coup de Ville
△ Artists & Athletes: The
Hill They Climb
till 19-05
Cultuurhuis de Bijl
△ External Brain. Luk Van
Soom & Toon Teeken
till 19-05
Mercatormuseum
△ Hachmi Azza
02-05 till 08-09
Tongeren
Gallo-romeins
museum
△ De oudheid in kleur
till 02-06
Tournai
Musée des Beaux-
Arts
△ Rémy Hans
till 13-05
TAMAT
△ Abstract
till 21-07
Europa Expo
△ Da Vinci - L’artiste,
l’ingénieur, le
gastronome
till 30-06
Les Drapiers Centre
d’art contemporain
△ Intagibles. Claire
Williams & Les Aethers
till 11-05
Trinkall Museum
△ Dan Miller. À l’oeuvre
till 09-03-2025
△ Modesties d’Andre
Wostijn
till 09-03-2025
Mechelen
Museum Hof van
Busleyden
△ Ridders van het Gulden
Vlies: een schitterende
mythe ontrafeld
till 02-06
Oudenaarde
Koninklijke Academie
Beeldende Kunst
Oudenaarde
△ Yvonne De Grazia. Of
Mice And Men
till 18-05
Puurs-Sint-
Amands
Emile
Verhaerenmuseum
△ Bal (dé)masqué. James
Ensor en het masker in
de kunst
till 02-06
Raversijde
Atlantikwall
Raversyde
△ Getekende oorlog:
De atlantikwall Gestript
- Ensor 1940 - James
Baron Ensor
till 11-11
Waregem
Be-Part
△ Nick Hannes. New
Capital
till 18-05
Zulte
Roger Raveel
Museum
△ Zulma. Muse en
manager
till 05-05
L’Homme qui marche (1907) d’Auguste Rodin au CAP de Mons. Paris, musée
d’Orsay, inv. RF. 4094
Kunsthal Mechelen.
De Garage
△ The fountain Show
12-05 till 25-08
Menen
cultuurcentrum &
Stadsmuseum Menen
△ Het Unieke Universum/
L’Univers Unique
till 14-07
Seneffe
Chateau de Seneffe
△ Monsieur Plant. Think
Envoyez vos informations pour les
mois de juin à août à collect@ips.be
avant le 5 mai !
61

Parole de galeriste
UPPERCUT – #062
Nouvelle venue,
grandes ambitions
Un monde neuf s’ouvrait à Scott Lippens (1993) lorsqu’il
se rendait, il y a sept ans, à Collectible, salon bruxellois
consacré au design contemporain. Il en fut subjugué et
décida de s’y intéresser de plus près. En 2023, il fondait
UPPERCUT, galerie nomade qu’il dirige seul, se fiant à
sa seule intuition et se basant sur des connaissances
historiques artistiques et techniques des matériaux. Il
participait en mars dernier à la foire.
Comment avez-vous lancé
UPPERCUT ?
« UPPERCUT résulte d’une passion
pour le design de collection.
Je vendais auparavant du
design vintage français et italien,
mais un univers tout neuf
s’est ouvert à moi lorsque j’ai
visité Collectible, il y a quelques
années. J’ai été très impressionné
par le talent de la scène
belge et européenne contemporaine
en design. Après avoir
étudié ce domaine pendant plusieurs
années, j’ai décidé de me
lancer. UPPERCUT demeure une
galerie ‘‘nomade’’, qui présente
de temps à autre une exposition
de groupe, dans divers endroits,
souvent en combinaison avec
d’autres off-spaces. J’essaie
toujours de trouver un endroit
doté d’une certaine valeur
architecturale parce qu’il me
paraît important d’exposer dans
un contexte plus résidentiel.
Nous organisons, par exemple,
pendant l’Antwerp Art Weekend,
une exposition de groupe dans
un bâtiment Art déco situé dans
la Turnhoutsebaan à Deurne,
avec comme thème central la
chaise. Des pièces de designers
sont, en outre, exposées dans
L’Appartemento, appartement
sis au cinquième étage d’un
bâtiment Art déco des années
1930, au sud d’Anvers. Cet
endroit sert provisoirement
de showroom que l’on peut
visiter sur rendez-vous, mais
aussi de lieu de rencontre pour
nos clients, collectionneurs et
artistes/designers. »
Comment garantir la visibilité
d’une jeune galerie et se
positionner sur le marché
de l’art ?
« En mars dernier, notre participation
à Collectible fut le tremplin
qui a permis à UPPERCUT
de se faire connaître du public.
Elle a généré d’innombrables
contacts et nouveaux clients. J’ai
obtenu le soutien de diverses
personnes du monde du design
et de l’art pour une sélection
spécifique, essentiellement
axée sur le design artistique
contemporain. »
Selon quels critères
sélectionnez-vous ces artistes
et designers ?
« Je souhaite avant tout collaborer
avec des designers et
artistes qui expérimentent des
techniques et matériaux neufs
ou qui créent une suite à des
œuvres plus historiques. En tant
que galeriste, j’ai choisi de ne
proposer que du design ou de
l’art fonctionnel et, en ce sens,
il ne s’agit jamais uniquement
d’esthétique ou de forme. Les
pièces que je présente doivent
faire passer un certain message
dans un intérieur. Les collaborations
avec des designers
concernent aussi, en général,
des œuvres commandées où
© photo : Tom Delaisse
« J’estime important d’exposer
des pièces dans un contexte
plus résidentiel »
cette vision se conjugue avec la
liberté artistique du créateur. Le
processus créatif débute parfois
avec un matériau donné, mais
il nous arrive aussi de souhaiter
un objet spécifique et le
choix du matériau s’en ressent.
Nous préparons ainsi pour l’été
un duo avec Yoon Shun et LS
Gomma, au Château de Spycker
à Sint-Kruis (Bruges). Shun
n’utilise qu’un seul matériau
et opte pour une approche
poétique comme dans sa série
waves, dans laquelle la forme
l’emporte sur la fonction. LS
Gomma utilise du caoutchouc
et laisse beaucoup intervenir
le hasard en le transformant,
tandis que Yoon Shun se livre
à des calculs très précis pour
obtenir des mesures et des
formes exactes. Deux artistes,
à la méthode de travail très
différente, qui se complètent
parfaitement. »
Comment voyez-vous l’avenir
de votre jeune galerie ? De quoi
rêvez-vous ?
« J’aimerais avoir un jour mon
propre espace afin d’y organiser
des expositions régulières et
d’inviter aussi les passants à découvrir
les œuvres. Je souhaite
aussi collaborer avec d’autres
galeries, musées ou fondations
artistiques pour susciter des
dialogues entre divers artistes et
designers, ou avec des espaces
architecturaux. À terme, je
voudrais aussi me développer à
l’international. »
Exposition collective
Antwerp Art Weekend
du 17 au 20-05
Turnhoutsebaan 277,
Deurne (Anvers)
Exposition collective
Yoon Shun et LS Gomma
du 02 au 18-08
Château de Spycker,
Spijkerwegel 13,
Sint-Kruis (Bruges)
www.uppercut.space
62

Sélection Galeries
Rétro Mania
#2. Malmezat / Gosti
jusq. 18-05
Bruno Matthys Gallery
Bruxelles
www.brunomatthys.art
Romana
Londi
jusq. 25-05
Galerie Nathalie Obadia
Bruxelles
www.nathalieobadia.com
Ensemble, Isabelle Malmezat
et Jean Yves Gosti
offrent une double vision
du monde, de ses failles
et de ses efforts pour les
camoufler. Très différentes,
leurs pratiques nous
emmènent dans des univers
improbables... Isabelle
Malmezat (1958) utilise la
peinture pour appréhender
le monde. Dans ses
toiles sombres et délicates,
des créatures semblent
errer, se chercher les unes
les autres et se rencontrer
parfois. À la fois désincarnées
et terriblement sensuelles,
elles évoquent des
âmes, détachées de leurs
corps mais parées d’une
peau d’un velouté spectral.
De son côté, c’est en trois
dimensions que Jean Yves
Gosti (1960) travaille la matière. Et la bonhomie apparente de ses personnages
cache une fracture aussi sombre. Reconstitués, cicatrisés et faits d’assemblages
improbables, ils sont les fruits de tous les drames qui les ont balafrés. Ces personnages
cachent toute la douleur du monde dans leurs corps meurtris, alors même
que l’étonnement de leur regard les rend profondément touchants. (gg)
Isabelle Malmezat, Sans titre, n. d., 65 x 50 cm. © de l’artiste / Courtesy Bruno Matthys Gallery –
Prix : entre 400 et 8.000 €
La première exposition de Romana Londi (1985)
en l’espace bruxellois réunit un ensemble de
peintures récentes. Toutes s’inscrivent dans la
continuité de la série Jetlag, terme d’origine
anglaise utilisé pour désigner l’ensemble des
troubles liés à la désynchronisation des horloges
biologiques lors d’un voyage rapide. Ce
néologisme symbolise à merveille notre époque
contemporaine soumise à des mutations spatiotemporelles
majeures. Avec l’émergence des
nouvelles technologies, les corps traversent des
lieux et des mondes en permanence, jusqu’à se
dématérialiser entièrement par la prolifération du
numérique. Partant de cette constatation, Romana
Londi élabore des œuvres où s’entrelacent différentes
temporalités. Les formes suggèrent des
images en pleine transformation, en état transitoire,
mobiles et instables sur la surface peinte.
Certaines de ces variations optiques résultent de
l’application de films photochromiques, sensibles
à la lumière UV, sur ses peintures. (gg)
Romana Londi, Thoughts, 2023-2024,huile, acrylique,
peinture en aérosol, huile solide, film photochromique
peint sur toile de lin et cadre en aluminium, 180 x 180 cm.
© de l’artiste / Courtesy Galerie Nathalie Obadia – Prix :
entre 5.000 et 25.000 €
Christian Hidaka – Godo
jusq. 19-05
Galerie Michel Rein
Bruxelles
www.michelrein.com
Christian Hidaka, Niche with Magic Rhombi,
2024, huile sur panneau de bois, 74,5 x 46,2 cm.
© de l’artiste / Courtesy Michel Rein –
Prix : entre 2.000 et 13.500 €
Le peintre Christian Hidaka (1977) renouvelle le genre du paysage. Son travail est irrigué d’une
multitude de sources : des paysages japonais, de la science-fiction, du psychédélisme, du
surréalisme, de la peinture de la Renaissance… De son travail naît une poésie, une invitation
à voyager à travers des univers irrationnels et fantaisistes. L’accrochage est intitulé Godo, en
référence au village près de Ravenne où se trouve le museo dell’Arredo Contemporaneo. Ettore
Sottsass et Johanna Grawunder y ont conçu un pavillon d’entrée, composé d’une grande mosaïque
dans un espace et d’un cloître fermé, peint en bleu cobalt et en blanc. L’artiste : « Attiré
par cet endroit, en partie à cause de ma fascination pour les arches, j’ai escaladé la clôture de
ce site abandonné pour voir l’œuvre architecturale de Sottsass. Les arcs hauts et minces des
cloîtres perpétuent les arcs byzantins trouvés dans les églises de Ravenne. » (gg)
63

Sélection Galeries
IN CARNE
jusq. 26-05
POELP
Bruxelles
www.poelp.be
Nadine Fiévet
jusq. 26-05
Galerie Koma
Mons
www.asblkoma.be
Dans un même mouvement,
les œuvres de
Tatiana Bohm (1979) et
de Manon Bara (1985)
abordent une certaine
fureur à dire la fragilité
du vivant, l’animalité
intérieure, le derme de
la réalité. Narrer la peau
humaine des choses
engage une certaine
forme de cruauté au
sens qu’Artaud pouvait
donner au concept
du Théâtre de la
Cruauté : « Un théâtre
qui nous réveille nerfs
et cœur, cependant,
cette cruauté n’est pas
celle du sang et de la
barbarie. Il ne s’agit
pas de celle que nous
pouvons exercer les uns
contre les autres, mais
celle beaucoup plus
terrible que les choses
peuvent exercer contre
nous. » (Le Théâtre et
son double) ‘‘Pulsion de
vie’’ versus ‘‘Pulsion de mort’’, la représentation du schème est assurément reliée
à la décomposition des cellules. De quoi engager les deux artistes en territoire
sépulcral comme une trajectoire inéluctable mais sur laquelle il est toujours envisageable
de ne pas chercher à estomper la couleur. (gg)
Manon Bara, Still alive (grande huître), 2024, peinture laquée sur toile, 150 x 100 cm. © de l’artiste
Quatre expositions accompagnent la sortie du
livre Entre les strates, matières et pigments,
témoignage du travail de Nadine Fiévet. La
publication couvrant cinq décennies de pratique
artistique, chaque accrochage est dédié
à une période identifiée dans la production de
l’artiste, par rapport à un thème expérimenté
ou une technique spécifique. Le Magasin de
Papier (Mons) présente des œuvres réalisées
sur film-calque, avec pour thème ‘‘l’envol’’,
incarné par un oiseau mythique, le faucon. La
Galerie des Capucins présente des acryliques
récentes. La Galerie Koma éclaire une période
ayant marqué l’artiste : Au-delà des signes
se construit autour du souvenir d’un voyage
en Amérique du Sud et de la découverte de
tombes précolombiennes dans le désert de
NASCA. Des momies, des poteries, des tissus
en charpie inspirent l’artiste. Enfin, le dernier
opus, au centre culturel de Colfontaine, intitulé
Le retour du pigeon voyageur, explore la
colombophilie. (gg)
Nadine Fiévet, Dérive de l’anamorphose, 2022,
70 x 85 cm. © de l’artiste – Prix : entre 400 et 4.000 €
Treize de Flandres
du 08 au 24-05
SOFACQ Gallery
Merelbeke
www.sofacqgallery.com
Ilse Monkerhey, Love is in the house, 2023,
techniques mixtes sur toile, 195 x 145 cm.
© Courtesy Collection R., SOFACQ Gallery,
Merelbeke / photo : Phaedra Cremmery –
Prix : œuvres de Monkerhey : de 1.500 à
4.500 €
Peu de gens savent que l’ancienne manufacture de chaussures SOFACQ, à Merelbeke, est
devenue un lieu destiné aux amateurs d’art, où se côtoient brasserie, pâtisserie, café artistique
et galerie d’art présentant la collection de Peter Rodrigues. On y rencontre parfois de jeunes
artistes belges, même si la place manque pour des installations comme le crash d’avion de
Rinus Van de Velde et la tribune de Kelly Schacht. Treize de Flandres en est la première grande
exposition temporaire. Le collectionneur a invité treize artistes féminines, parmi ses ‘‘coups
de cœur’’. Il a ainsi acquis les œuvres de dix d’entre elles. Ces dernières, qui présentent de
nouvelles créations en dialogue avec celles de la collection, sont Nel Aerts, Leyla Aydoslu, Elke
Andreas Boon, Rut Buelens, Silke Catteeuw-De Smul, Louise Delanghe, Liza François, Karin
Hanssen, Ilse Monkerhey, Kelly Schacht, Griet Troch, Sharon Van Overmeiren et Ada Van
Hoorebeke. (cv)
64

Sélection Galeries
Léon Devos.
Peintre de la joie
jusq. 02-06
Lancz Gallery
Bruxelles
www.lanczgallery.be
Herman Asselberghs.
Time Wasted
jusq. 30-06
Argos
Bruxelles
www.argosarts.org
Léon Devos (1897–1974) place son activité créatrice sous le signe d’une forme particulière
de bonheur qui consiste à ressentir des impulsions intuitives et à les traduire
plastiquement, sans littérature, sans rejet des matériaux traditionnels et sans
remise en question du monde. En lui, s’impose une volonté quasi obsessionnelle
de manifester son enthousiasme pour les épidermes humains accrochant bien la
lumière ou encore pour la matité ou la brillance de surfaces végétales et minérales.
Par l’utilisation d’une technique éprouvée, brillante et sensuelle, par un sens
inné de la composition et des rythmes, Léon Devos offre à ses contemporains un
modèle permanent de peinture pure et généreuse. D’un coup d’œil, le peintre voit
comment ordonner un ensemble. Et comme il ordonne ses objets, il ordonne ses
couleurs, faisant se confronter des teintes saines, franches et appétissantes. (gg)
Léon Devos, Nu endormi, 1935, huile sur toile, 60 x 100 cm. © Lancz Gallery – Prix : entre 3.000 et
25.000 €
Au cours des dernières décennies, Herman
Asselberghs (1962) a méticuleusement construit
une œuvre audiovisuelle internationalement
diffusée, dont le travail se concentre sur le
questionnement des relations complexes entre
son et image, monde et médias, poétique et
politique. Avec cette exposition monographique,
l’artiste bruxellois présente quatre
nouvelles œuvres : Time Wasted s’inspire de la
formation en cinéma sur le campus bruxellois
de LUCA, où l’artiste travaille depuis un quart
de siècle. La proposition de réaliser un documentaire
de format cinéma, dans et autour de
l’école, s’est transformée, au bout de quatre
ans, en trois œuvres cinématographiques sous
forme d’installation, réalisées avec des jeunes
diplômés, et une publication qui peut être
emmenée par le visiteur. La question initiale
des différences et des similarités, entre la salle
de classe et le cinéma, a graduellement laissé la
place à la question de l’attention, qu’il n’est pas
évident de susciter ou de maintenir. (gg)
Herman Asselberghs, Leçon d’objet - Object Lesson 11,
image tirée du documentaire. © de l’artiste
Nouvel espace pour Ibasho
du 16-05 au 16-06
IN-DEPENDANCE
Anvers
www.in-dependancegallery.com
A Anvers, Ibasho continue de miser sur la photographie japonaise, ou inspirée du Japon, avec une
exposition monographique de Naohiro Ninomiya. Une autre aventure débute, en même temps,
avec le nouvel espace IN-DEPENDANCE. L’inauguration officielle, en septembre, est précédée
d’une ouverture pendant l’Antwerp Art Weekend afin de faire découvrir l’espace et l’exposition
Where Silence Meets Me d’Elizabeth Alderliesten (1972) et Vera van Almen (1986), deux talents
néerlandais. La première vit à Anvers et expose des images en noir et blanc de la série Remember
Who You Once Were. Plantes, paysages, corps, souvent fragmentaires : il s’agit d’une quête
de l’identité originelle. La seconde explore également le potentiel de la photographie, mais sans
appareil photo. Une façon pour les deux artistes d’étreindre le silence. (cv)
Elizabeth Alderliesten, Viola, 2021. © de l’artiste / Courtesy IN-DEPENDANCE – Prix : œuvres d’Alderliesten :
de 925 à 5.000 €, œuvres de Van Almen : de 700 à 11.000 €
65

Sélection Galeries
Premier solo belge pour
Kevin Osepa
du 16-05 au 29-06
Stieglitz 19
Anvers
www.stieglitz19.be
Denis
De Gloire
jusq. 09-06
Galerie Azur
Spa
www.galerieazur.be
Photographie,
film
et installations,
Kevin
Osepa (1994)
connaît une
ascension
fulgurante
avec ses
images
lourdes de
sens qui
montrent
souvent de
jeunes Afroantillais
dans
le présent
postcolonial :
« Mon œuvre
jongle en
continu avec
le présent et
le passé. ».
Il est né et
a grandi sur l’île de Curaçao, qui appartenait jusqu’en 2010 aux Antilles néerlandaises.
En 2017, il terminait ses études de photographie aux Pays-Bas, où il
réside aujourd’hui. En 2022, son premier court-métrage La Última Ascensión était
récompensé par un Veau d’Or et acquis par le musée Boijmans Van Beuningen.
En 2023, il remportait deux prestigieux prix néerlandais. Selon le texte de
l’exposition, il ambitionne de transformer la galerie Stieglitz 19 en maison remplie
d’histoires afro-spirituelles. Par le biais de récits populaires, d’histoires de
fantômes et de rituels, il étudie l’identité actuelle de l’île. Les histoires recueillies
sur place sont nourries d’expériences et d’interprétations personnelles. Il tente
ainsi d’établir un lien entre son existence actuelle et un passé collectif souvent
douloureux. (cv)
La puissance
des
œuvres
de Denis
De Gloire
(1959)
réside dans
cette énergie
folle,
qui happe
notre
regard et
nous propulse
dans
un expressionnisme abstrait moins chaotique
qu’il n’y paraît. Sous l’influence assumée de
l’héritage de Jackson Pollock, l’étonnante profusion
de couleurs, orchestrée autour de projections
incroyablement méthodiques, captive
et déroute. On se laisse prendre sans retenue
au jeu d’une profondeur infinie, laissant notre
imaginaire plonger dans une abondance
de couleurs qui révèle, selon la lumière, des
univers fascinants débordant d’énergie, de vie
et de générosité. À propos de ses peintures, la
critique d’art Stéphanie Grilli écrit : « Elles sont
le résultat de vingt ans de peinture, mais aussi
de vingt ans d’évolution. En commençant là où
Jackson Pollock s’est arrêté, Denis De Gloire a
donné à l’action painting un cachet qui lui est
propre, une allure toute personnelle. » (gg)
Denis De Gloire, All Over Sunday, 130 x 160 cm. © de
l’artiste / Courtesy Galerie Azur – Prix : entre 1.000 et
5.000 €
Kevin Osepa, Untitled. © de l’artiste / Courtesy Stieglitz 19 - Prix : de 2.000 à 3.000 €
Fearful Symmetry.
Stefan Peters
du 05-05 au 30-06
Galerie Zwart Huis
Bruxelles
www.galeriezwarthuis.be
Stefan Peters, Sans titre, 2023, huile et
acrylique sur panneaux, 80 x 160 cm chaque.
© de l’artiste / Courtesy Galerie Zwart Huis –
Prix : de 2.500 à 15.000 €
Le titre fait référence au poème The Tyger de William Blake dans lequel ‘‘Fearful Symmetry’’ fait
allusion à la nature paradoxale du tigre, magnifique et effrayant. De même, ces paysages imaginaires
sont à la fois vastes, terrifiants et d’une beauté écrasante. Tout comme le poème incite
le lecteur à réfléchir à la dualité de la beauté et du mal dans le monde, les peintures de Stefan
Peters obligent le spectateur à réfléchir aux résultats de l’activité humaine sur cette planète.
Ces conséquences sont parfois magnifiques, avec des avancées technologiques et des réalisations
architecturales stupéfiantes, parfois terrifiantes avec la destruction de la nature. L’artiste
présente ici de nouvelles œuvres, dont une série de diptyques qui peuvent être exposés, à la
fois horizontalement et verticalement. Autre particularité de ces œuvres, les deux panneaux
ont toujours été peints simultanément, dans une symétrie apparemment parfaite de la main
gauche et de la main droite. (gg)
66

Parole de galeriste
Annie Gentils Gallery – #063
« La qualité prime
pour moi, pas les
tendances »
Annie Gentils Gallery, fondée en 1985, est gérée par
une femme, initiative pionnière dans le monde de
l’art belge. Sa fondatrice suit sa propre voie depuis
plus de 35 ans, une référence pour les collectionneurs
soucieux de qualité.
Durant votre carrière, vous avez
travaillé avec un grand nombre
d’artistes. Que recherchiez-vous
chez eux ?
« J’ai toujours recherché et
exposé des artistes dont l’œuvre
recèle une certaine dimension
intellectuelle ou interculturelle.
Nous privilégions les artistes
conceptuels : autrefois Jacques
Vieille (F), Pistoletto (I), Van
Snick, Luc Deleu, Leo Copers ;
plus tard, Marc Rossignol, Marc
De Blieck, Marie Cloquet, Lise
Duclaux, Wesley Meuris, Herman
Van Ingelgem, Stefaan Dheedene
ou Andrew Webb. Les
œuvres spatiales, installations et
réalisations tridimensionnelles
ont d’emblée eu ma préférence.
Je me suis ensuite intéressée
davantage à la peinture, même
si j’ai exposé très tôt Guy Van
Bossche avec lequel nous avons
repris une collaboration après
trente ans d’interruption. Nous
collaborons avec Marc Vanderleenen
depuis 2009. Jacqueline
Peeters est la dernière arrivée
parmi les peintres de notre écurie.
Kati Heck faisait partie aussi
de ‘‘nos’’ artistes lorsque nous
l’avons lancée en 2006. »
Pouvez-vous nous en
dire plus sur le processus
organisationnel ?
« Nous suivons évidemment
les artistes de près, mais le
devenir de leur évolution et
la décision d’organiser une
exposition dépend entièrement
d’eux. Ils choisissent en général
eux-mêmes les œuvres qu’ils
souhaitent présenter au public.
L’exposition constitue souvent
l’étape finale d’une évolution
à laquelle nous aspirons aussi.
Dans la galerie, il s’agit d’un
point final et, en même temps,
d’un point de départ vers
l’étape suivante de la carrière
d’un artiste. »
Quelle est la force d’une galerie
établie ?
« Mon expérience dans le
monde de l’art remonte en fait à
ma prime jeunesse : j’ai suivi de
près la carrière de mon père, Vic
Gentils. Je connais parfaitement
cet ‘‘esprit artistique’’, la vie
d’artiste et les éventuels caprices
inhérents à cette expérience. J’ai
trouvé, par exemple, regrettable
que certains artistes choisissent
de quitter la galerie. Ce n’est
plus le cas aujourd’hui, mais
cela signifie que mon travail
n’était pas assez apprécié et la
collaboration s’est donc arrêtée.
La porte demeure ouverte à
d’autres relations, et c’est très
bien ainsi. Cela permet à la galerie
de se renouveler et sa spécificité
s’en trouve renforcée. Il n’y a
pas, selon moi, d’inconvénients à
exister ensemble dans la durée,
sauf quand les artistes troquent
le temporaire contre l’éternel.
Si c’est déplorable sur un plan
personnel, la gestion d’une succession
signifie que la mort n’est
parfois pas une fin, comme dans
le cas d’Andrew Webb, décédé
en février 2019. Nous avons ainsi
Annie Gentils en 1986, dans les premières années de la galerie. © D. R.
pu organiser une petite rétrospective
au M HKA, ce qui n’avait
pas pu avoir lieu de son vivant. »
Estimez-vous qu’il soit
nécessaire de regarder au-delà
des frontières nationales ?
« Il est crucial qu’un artiste avec
lequel je travaille, à condition
que son œuvre s’y prête, ait aussi
une galerie à l’étranger, comme
Marie Cloquet (Jason Haam à
Séoul) et Wesley Meuris (Poggi à
Paris). J’ai, dès le début, travaillé
avec des artistes étrangers, mais
le problème est, parce que je suis
une galerie de promotion, le peu
ou le manque d’intérêt de la part
des commissaires, des musées
ou du grand public lorsque
j’invite ou expose des artistes de
l’étranger. Ces expositions sont
également très coûteuses. »
Comment vous positionnezvous
sur cette scène artistique
en évolution constante ?
« Nous nous sommes toujours
situés à la ‘‘marge’’, car nous
étions et sommes encore une
galerie de premier marché. L’art
que nous défendons n’est pas
directement populaire et facile
à assimiler. Lorsqu’un artiste
gagne bien sa vie et qu’il est
acquis par de nombreux collectionneurs,
il se tourne parfois
vers une galerie au rayonnement
plus large. Suivant notre
expérience, ce n’est pas toujours
au profit de la qualité. Celle-ci
est primordiale pour moi, pas les
tendances, tout comme pour de
nombreux collectionneurs. Je ne
fais pas partie des coteries anversoises,
ni hier, ni aujourd’hui.
Je tiens trop à mon indépendance
et ne souhaite pas trop
dépendre de prétendus ‘‘papes’’
de l’art. Comme Frank Demaegd
de Zeno X l’a déclaré en mettant
la clé sous la porte : une galerie
est un projet très personnel.
Je désire que ma galerie vive
encore un certain temps, car
c’est l’œuvre de ma vie et je
pense que je m’en sors bien. Je
ne souhaite toutefois pas que
mes enfants suivent mes traces
parce que ce n’est pas possible.
Ils choisiront eux-mêmes la voie
qu’ils souhaitent emprunter. La
mienne, entamée dans les années
1980, n’a pas été aisée et ne
l’est d’ailleurs toujours pas. Je me
réjouis de l’intérêt grandissant
pour les contributions d’artistes
féminines. Il serait agréable que
le travail de galeristes féminines
(qui n’ont pas de gros capitaux)
soit davantage apprécié. »
Bow A Head, exhibition
curated by Tamara Beheydt
& Guy Van Bossche
du 16-05 au 14-07
Annie Gentils Gallery
Anvers
www.anniegentilsgallery.com
67

Agenda Galeries
Une oeuvre d'Emmanuelle Castellan. © de l'artiste / Courtesy La Verrière Hermès, Bruxelles
Antwerpen
Annie Gentils Gallery
△ Bow A Head
16-05 till 14-07
△ Wesley Meuris.
Preferability
til 05-05
Art Partout
△ Mathieu V; Staelen.
Sustainable Love 4 Life
till 21-05
Fred&Ferry
△ Leyla Aydoslu. Helene
Müllers Balcony
till 04-05
Galerie Art Forum
△ Ena Lindenbaur en
Bruno Guihéneuf
till 28-06
Galerie De Zwarte
Panter
△ Michael Bastow -
Mugo - Fres Bervoets
till 23-06
Mia-Art Gallery
△ Beyond The Lines
till 04-05
Nadya Kotova Gallery
Antwerpen
△ Jean Philippe Duboscq.
Taras yoom. Jolie Alien
till 31-05
PONTI
△ Ellen Meers & Maxim
Renard
till 04-05
Ronny Van De Velde
△ J.J. Grandville (1803-
1847)
till 14-07
Tim Van Laere Gallery
△ Marcel Dzama. Wild
Kindness
till 11-05
FOMU
△ Dirk Braeckman.
Echtseit
till 19-01-2025
Newchild Gallery
△ The Salt of Two Seas
till 08-05
Stieglitz 19
△ From The Back. Vue
de Dos
till 11-05
Baardegem
De Loereman
△ Fragiel & Solido
till 11-05
Brugge
Galerie Pinsart
△ Mieke Teirlinck. Where
are we now?
till 19-05
Brussels
Almine Rech
△ Ryoji Ikeda
06-06 till 27-07
△ Chloe Wise. Torn Clean
till 25-05
Atelier Triphasé
△ ORA
till 05-05
Ballon Rouge
△ Lucie Mercier. I'm Just
A Girl
till 18-05
Baronian / Isidore
Verheyden
△ Seyni Awa Camara.
Shaping Spirits
till 01-06
Baronian/ Concorde
△ Baronian invites
Parliament Gallery
till 01-06
Belfius Art Gallery
△ inspired by Love
till 22-06
Bernier Eliades
△ Martin Margiela
till 11-05
Bruno Matthys Gallery
△ Rétro Mania
till 18-05
Centre D'Art De
Rouge-Cloître
△ Bara prend le large, du
comic strip à la peinture
till 26-05
Chez Olivia
△ Elodie Antoine.
Souplesses
16-05 till 06-07
Contretype
△ Kryztal. Sébastien
Reuzé & Sybren
Vonoverberghe
till 07-07
Damien & the Love
Guru
△ Melanie Kitti & Mickael
Marman
till 29-06
dépendance
△ Haegue Yang
till 25-05
Elevensteens
△ Alchemist
till 26-05
Esther Verhaeghe
△ Sabine Tress. JIGGY
till 30-05
Galeria Jaqueline
Martins
△ Jota Mombaca.
Saberà/The Daughters of
The Driest Rain
till 11-05
△ Suzanne Themlitz.
Boiler Room with Galeria
Vera Cortês
till 25-05
Galerie de la
Béraudière
△ A private collection of
photographs. human
beings by ann Ray
till 28-06
Galerie La Patinoire
Royale Bach
△ Hell'O. Icons
till 18-05
△ Casper Brindle.
California Light
till 08-06
△ Thomas Devaux. Cet
Obscur Objet du Désir
till 27-07
Galerie Martine
Ehmer
△ Jef Aérosol. Au bord
des mots
till 05-05
Galerie Nathalie
Obadia
△ Romana Londi
till 25-05
Galerie Partage
△ Marie-Christine Penelle
& Stéphanie Penelle
till 26-05
Galerie Templon
△ Abdoulaye Konaté.
L'âme des signes
till 15-06
Galerie Zwart Huis
△ Stefan Peters. Fearful
Symmetry
05-05 till 30-06
Gallery Nosco
△ Magdalena Fernández.
Pintura Móvile
til 15-06
Gallery Sofie Van den
Bussche
△ Griet Dobbels. On a
zéro en histoire
till 19-05
Gauli Zitter
△ Josefine Reisch.
Pseudo
till 01-06
Hangar
△ Unique. Beyond
photography
till 08-06
Harlan Levey Projects
△ Emmanuel Van der
Auwera. Studio II: Nine
Florida Stories
till 15-06
68

△ Ella Littwitz. The day
the Sky Hung Low
till 15-06
Hubert & Breyne
Gallery
△ Bastien Vivès. Héritage
till 11-05
△ BXL
17-05 till 15-06
Irène Laub Gallery
△ Nina Tomàs Candy
Floss Planet
till 01-06
△ Tatiana Wolska
till 02-06
Jan Mot
△ Philippe Thomas
till 18-05
KIN
△ Michaël Van den
Abeele
till 25-05
La Galerie Esther
Verhaeghe
△ Sabine Tress. Jiggy
till 30-05
La Peau De l'ours
△ Francois Bauer. Le
jardin extraordinaire
05-05 till 06-07
La Verrière
△ Emmanuelle Castellan.
Spektrum
16-05 till 27-07
Lancz Gallery
△ Leon Devos. Peintre
de la joie
till 02-07
L'Enfant Sauvage
△ Isabelle Vaillant
till 19-05
LMNO
△ Pep Vidal
till 18-05
Marc Minjauw Gallery
△ Eric luc Maquet. Envol
Onirique
till 04-05
Maruani Mercier
△ Hermann Nitsch.
Das Orgien Mysterien
Theater
till 01-06
Meessen
△ Benoit Maire. Pierrots
till 01-06
Mendes Wood DM
△ Paulo Monteiro. The
color of distance
till 18-05
Michèle Schoonjans
Gallery
△ Amélie Scotta. End
Paper
05-05 till 29-06
Nausbaum Reding
Bruxelles
△ Stefaan De Croock. In
Limbo
till 13-07
Nino Mier
△ André Butzer & Adrian
Altintas
till 08-06
△ Mònica Subidé
till 08-06
Pierre Marie Giraud
△ Masaomi Yasunaga
till 01-06
Rodolphe Janssen
△ Genesis Belanger. One
more good day
till 18-05
Spazio Nobile
△ Asa Jungnelius, solo
show - Desire Utensil
Container
till 16-06
Stems Gallery
△ Pharaoh Kakudji. Amor
a mor
till 01-06
Studio 84
△ Ferran Sanchez Castillo
till 19-05
Wouters
△ Guardians
till 01-06
Wouters Sablon
△ Anna Zemánková
till 04-05
Xavier Hufkens
△ Nick Cave. The Devil
A Life - Zhang Enli. A
Traveller
till 11.05
△ Joan Semmel. An
Other View
till 15-06
Galerie Albert Ier
△ Jivko. Bronzes
till 05-05
Galerie Emilie Dujat
△ Marc Vandewalle.
Urbex
till 11-05
Gallerie La Forest
Divonne
△ Jean-Bernard Metais.
Résonnance
till 11-05
Michel Rein
△ Christian Hidaka.
Godo
till 18-05
Stieglitz 19
△ Chad Moore. Oh, You
till 18-05
Charleroi
Galerie Jaques
Cerami
△ Vincen. Beeckman.
Vincen Notre Histoire
till 15-06
Diest
Putttenaers Gallery
Bar Antik
△ Elien Jansen. Feminine
essence
till 26-05
Durbuy
Galerie Brachot
△ Poker Face
till 30-06
Gent
Francis Maere Fine
Arts Gallery
△ Isidoor Goddeeris. BUZZ
till 12-05
galerie s. & h. de buck
△ Frozen reality
05-05 till 31-05
Galerie St-John
△ Kabinet 2.Elex Michels.
Ladscapes/Mindscapes.
Works 1999-2023
till 19-05
Rufus Gallery
△ Stien Bekaert
till 12-05
Zebrastraat
△ Belvédère. Marie Cloquet
till 08-06
Grand-Leez
Centre d'Art Exit11
△ Fragile
09-06 till 04-08
△ Impressions#3
till 02-06
Kalmthout
Kloser Contemporary
Art
△ Kiro Urdin
till 12-05
Knokke
Maruani Mercier
△ Arne Quinze. The
forbidden paradise
till 21-05
QG Knokke
△ L'art et son concept ıı
till 30-06
Stephane Simoens
△ David Murphy. Never
Even
till 13-05
Knokke-Heist
De Brock Gallery
△ David Ostrowski
till 30-05
Guy Pieters Gallery
△ Koen Vanmechelen
- Bernar Venet - Karel
Appel. Paintings 1958-
1983 - Paul Delvaux.
Early watercolours and
drawings from a private
collection
till 13-05
Kortrijk
rhizome_
△ Francis Vanhoonacker.
The nearest exit may be
behind you
till 05-05
Liège
Galerie Christine
Colon
△ Mutantx
till 05-05
Galerie Les Drapiers
△ Intangibles. Les
Aethers & Claire Williams
till 11-05
Louvain-la-
Neuve
Escpace 001
△ Matière Grise
till 05-05
Meerhout
Tarmac
△ Bow A Head
04-05 till 26-05
Merelbeke
Sofacq Gallery
△ Treize de Flandres
08-05 till 26-05
Mons
Espace Culturel
△ Nadine Fiévet
till 19-05
Galerie de l'Atelier
des capucins
△ Nadine Fiévet
till 12-05
Oosteeklo
William Wauters
Galerie
△ Nico De
Guchtenaere
till 05-05
Oostende
Galerie du Rat Mort
△ Tekeningen van
Roland Devolder
till 30-08
Sint-
Martens-
Latem
Gallery Ysebaert
△ Steven Peters
Caraballo. The Vorce
23-05 till 30-06
Spa
Galerie Azur
△ Denis De Gloire
till 09-07
Wijnegem
Axel Vervoordt
Gallery
△ Layered
Realities, Group
Exhibition - Inspired
by the work of Mario
Schifano
till 25-05
Terrace Gallery
△ Angel Vergara. What
happens
till 31-08
Une oeuvre de Masaomi Yasunaga, à voir chez Pierre Marie Giraud, Bruxelles. © de
l'artiste
△ Que reste-t-il
11-08 till 22-09
△ Bioscope
29-09 till 27-10
Envoyez vos informations, pour les
mois de juin à août, à collect@ips.be
avant le 5 mai !
69

Emiel
Veranneman
Coloré, poétique et robuste
Avec ses créations colorées, Emiel
Veranneman a offert un nouveau
souffle à la création mobilière
flamande. Ses meubles, en édition
limitée, se sont retrouvés dans les
intérieurs d’amis artistes, ministres
et industriels. Alors que de rares
pièces trouvent acquéreur pour des
sommes considérables, l’œuvre
n’en demeure pas moins sousévaluée,
comme celle de nombreux
Belges.
TEXTE : ELIEN HAENTJENS
La vie d’Emiel Veranneman (1924-
2004) ne fut guère ordinaire. Il travaillait
comme architecte d’intérieur
pour le compte de riches clients
dans le monde entier, dirigeait une galerie
d’art et concevait ses propres meubles. S’il
caressa d’abord l’ambition, après ses études,
de créer des meubles en série, il se heurta à
une industrie rétrograde. En étroite collaboration
avec un menuisier, il lançait donc
des armoires en édition limitée. Pieterjan
Deblauwe, collectionneur et architecte
d’intérieur : « Comme il travaillait sur commande,
chaque exemplaire n’a pas été véritablement
produit. Il ne reste que quatre
exemplaires connus à l’heure actuelle de
l’armoire jaune citron, notamment dans la
collection du musée du Design de Gand ».
Après sa formation d’architecte à Gand,
Emiel Veranneman part étudier à La
Cambre à Bruxelles. Si Henry van de Velde
n’y enseigne déjà plus, sa vision artistique
y est toujours vivace et il y revient régulièrement
pour y examiner, entre autres,
les œuvres de Veranneman. S’inspirant du
célèbre adage ‘‘la forme suit la fonction’’, ce
dernier invente des meubles originaux, robustes
et colorés, se qualifiant d’« apprenti
spirituel de Van de Velde ». En dépit de
leur asymétrie apparente, ses tiroirs sont
parfaitement fonctionnels. Dries Vanlandschoote,
marchand de mobilier vintage :
« Pour produire ces armoires ingénieuses, il
travaillait avec les maîtres menuisiers d’un
atelier de Courtrai. Ces meubles réalisés
Les meubles solides
de Veranneman,
aux lignes épurées,
s'inscrivent dans la
tradition artistique
flamande
en chêne ou frêne massif sont donc très
difficiles à contrefaire. » Ces constructions
robustes, aux lignes épurées, s’inscrivent
dans la tradition artistique flamande. La
robustesse évoque, non seulement, les traditionnels
meubles malinois, mais aussi les
expressionnistes flamands, tel son oncle
Constant Permeke. Le critique d’art Ludo
Bekkers a un jour écrit : « les meubles du
même paysage primitif que celui glorifié
par Permeke semblent avoir grandi » et
« présentent les même traits puissants,
durs et authentiques ». Veranneman
parvint toujours à conférer à ses meubles
une certaine légèreté, grâce à l’assemblage
ingénieux des divers éléments.
70

Armoire haute bleue (détail), 1972, pièce unique,
bois laqué, 143 x 68 cm. © Courtesy Dries
Vanlandschoote / photo : Jana Pollet
71

Si ses tiroirs
paraissent
asymétriques, ils
sont pourtant
parfaitement
fonctionnels.
NOUVELLES FORMES
L’œuvre d’Emiel Veranneman se compose
en substance de trois périodes. Au
début des années 1950, il remporte divers
concours qui, dans le cadre du Plan Marshall,
doivent encourager la mise en place
d’une société de consommation moderne.
En dépit de ses succès, il atteint très vite
les limites des modèles à standardiser et
de l’ouverture d’esprit de l’industrie du
meuble. En 1952, il déclarait à ce propos :
« Des groupes comme Nieuwe Vormen
ont, par bonheur, déjà produit aujourd’hui
pareilles œuvres et déploient des efforts
infatigables pour obtenir, avec des moyens
simples et donc à des conditions avantageuses,
un effet susceptible de satisfaire les
personnes les plus difficiles : pourtant, ils
ne reçoivent pas d’encouragement suffisants
de la part des fabricants de meubles
qui s’obstinent à conserver les modèles
anciens, traditionnels, et refusent de faire
le moindre sacrifice en faveur de nouvelles
formes contemporaines. » Entretemps,
Veranneman s’est plongé dans la philosophie
zen et la dynastie chinoise des Ming,
concevant pour le maître zen japonais
Oshawa diverses salles de sport en Europe.
Il se rend aussi célèbre par l’aménagement
de salons de coiffure pour Ciné Coiffure
et de quinze magasins pour les Filatures
des 3 Suisses. Après avoir créé une série
d’armoires uniques, en bois massif, mais
aussi la célèbre chaise Osaka, il s’aventure
dans une ligne plus commerciale. En 1958,
ses œuvres sont exposées au palais des
Beaux-Arts de Bruxelles, aux côtés des
tableaux de son ami Octave Landuyt. A
partir des années 1960, il crée pour ce dernier,
mais aussi pour des artistes comme
Bram Bogart, Roger Raveel et Emile Gilioli,
des intérieurs complets. Alain Hens, galeriste
: « Pour une exposition, j’ai associé
les pièces de la collection d’un baron du
textile de Renaix à une table de salon en
bronze et à des lampes qui appartenaient
jadis à Gilioli, à un tableau de Vic Gentils
et à de l’art africain. Les lampes trouvèrent
acquéreur, contrairement à la table de
salon. Ce qui est un peu incompréhensible,
car il s’agit d’une pièce unique en bronze
pour laquelle Veranneman a collaboré
avec Octave Landuyt. Alors que les œuvres
de qualité égale de créateurs français se
vendent très bien et pour des montants
beaucoup plus élevés, celles des designers
Armoire jaune citron, 1979, bois laqué. © Courtesy Dries Vanlandschoote / photo : Jana Pollet
« Dans les catalogues
qu'il publiait avec sa
galerie, il associait
volontiers ses
meubles à des œuvres
de Picasso, Miró ou
Vasarely »
PIETERJAN DEBLAUWE
72

Table basse, 1964, de la collection d’Emile Giolioli, bronze, 109 x 47 cm. Courtesy Alain Hens
belges demeurent sous-évaluées. En ce
sens, j’estime qu’il n’y a pas de marché
pour elles. Comme Veranneman travaillait
exclusivement sur la base de projets, peu
de ses œuvres atterrissent sur le marché.
Mais lorsque cela se produit, les maisons
de vente fixent parfois des prix démesurément
élevés, ce qui empêche ces pièces
de se vendre et décourage les collectionneurs
potentiels. De plus, aucune galerie
ne représente pleinement ses œuvres, il n’y
a eu aucune grande exposition rétrospective
ni de catalogue raisonné de ses pièces.
On ne sait pas toujours très bien ce qu’il a
réalisé et son œuvre, qui recèle pourtant
bien des qualités, demeure surtout connue
des initiés. »
TRANQUILLITÉ SENSUELLE
S’il a dirigé une galerie à succès, avec des
antennes avenue Louise à Bruxelles et à
Kruishoutem, Verraneman a continué à se
consacrer à sa propre création. Au début
des années 1970, il évolue ainsi vers une
forme plus ludique, avec des éléments
colorés et graphiques qui irradient d’une
sensuelle tranquillité. Ses meubles sur mesure
accrochent le regard, mais peuvent
Suivant l'adage "la forme suit la fonction",
Veranneman a conçu des meubles originaux,
robustes et colorés. Il se définisait lui-même
comme "élève spirituel de Van de Velde"
s’inscrire dans de nombreux intérieurs.
Dries Vanlandschoote : « Lorsqu’une pièce
se vend, elle atterrit chez des collectionneurs
belges qui connaissent toute
son histoire ou chez des Américains qui
s’intéressent uniquement à la couleur et à
la forme parce que cela convient parfaitement
dans leur nouvel intérieur. » Compte
tenu de la rareté de ses œuvres sur le marché,
il n’est pas toujours facile de prévoir
d’évolution de prix : « Fort de vingt ans
d’expérience, j’ose affirmer que les pièces
conservent leur valeur, à condition que
vous les ayez payées au juste prix. Pour
les œuvres précoces, des années 1950,
en bois massif, fabriquées en édition très
limitée, on débourse entre 5.000 et 30.000
euros. Les modèles les plus embléma-
73

Siège de la série Osaka, 1970, bois et cuir. © Courtesy Dries Vanlandschoote / photo : Jana Pollet
« Alors que ds pièces équivalentes de designers
français se vendent à des prix plus élevés, le
travail des designers belges demeure sousévalué
»
ALAIN HENS
tiques de cette période, de couleur unie,
se vendent entre 10.000 et 30.000 euros.
La valeur d’une œuvre exceptionnelle, à
la provenance prestigieuse, dans un état
irréprochable et reprise dans différentes
publications peut atteindre 50.000 euros.
Les pièces de mobilier des années 1960 et
1970, à motifs géométriques, s’adjugent
à des montants inférieurs. Les premiers
sièges baquets, en bois exotique wenge
et cuir, réalisée dans les années 1950,
rapportent bien entendu davantage que
leur version ultérieure, en cuir et acier. Le
prix des fauteuils et sièges varient de 2.000
à 6.000 euros. Le caractère vivant du bois
influe sur la laque. Son état détermine sa
valeur. Il est hors de question de restauration.
Dans ses derniers meubles, Veranneman
utilisait du plastique. Ces pièces ont
aussi une valeur inférieure. » Pour Pieterjan
Deblauwe, « le coût de la production
elle-même, due entre autres à De Coene,
était élevé, ce qui se répercute sur l’évolution
de la cote. Veranneman réalisait en
fait du design de collection avant la lettre.
Dans les catalogues, publiés par sa galerie,
il plaçait ses meubles aux côtés d’œuvres
de Picasso, Miró ou Vasarely, pour la
fondation duquel il a créé, dans le sud de
la France, des chaises et un intérieur. La
Galerie Patrick Fourtin, à Paris, s’intéresse
aux œuvres de Veranneman et aussi à
celles de son ami Pieter De Bruyne. Mais
leurs œuvres de grande qualité demeurent
un secret belge. »
74

« Pour une pièce d'une
qualité exceptionnelle,
de bonne provenance
et sans dommage,
incluse dans des
publications, le prix de
vente peut atteindre
50.000 euros »
DRIES VANLANDSCHOOTE
Armoire bleu foncé, 1979, bois laqué, 150 x 63 cm. © Courtesy Dries Vanlandschoote / photo : Jana Pollet
Dressoir, ca. 1960, chêne, 315 x 55 x 76 cm. Courtesy Alain Hens
75

Après le Covid…
Alberto Giacometti, Oiseau, dit communément Albatros (ca. 1937), sculpture d’applique, plâtre. Coutau-Bégarie, Paris, 30-10-2023. © Coutau-Bégarie – 3.965.000 €
L'épisode du confinement lié
à la pandémie a poussé les
maisons de vente à réinventer le
mode opératoire des enchères
et à adapter leurs liens avec les
acheteurs. Si le tout numérique n'a
eu qu'un temps, il a eu un impact
majeur sur la marché de l'art et sur
tous ses acteurs.
TEXTE : GILLES BECHET
C'était il y a quatre ans. Cela semble
déjà une éternité. Début 2020, le
monde était balayé par la pandémie
de Covid-19 et contraint
au confinement. Dans l'incapacité d'organiser
des enchères en salle, les maisons de
vente se tournaient alors vers des ventes
exclusivement en ligne. Dès le milieu des
années 1990, le marché de l'art avait entamé
sa transition vers le digital et beaucoup
de maisons de ventes avaient adopté un
système hybride qui leur a permis de passer
au full digital sans trop de problèmes.
Dans le dernier rapport d'Artprice, Thierry
Erhmann, CEO d'Artmarket.com notait
que cette migration vers le digital a été
spectaculaire : « On a constaté un accroissement
de 2700 % des annonces d'enchères
sur Internet, et dans le même temps une
augmentation de 810 % des ventes en live
stream, entre 2019 et 2022. On n'attendait
pas de tels chiffres avant 2025-2027 » Après
l'euphorie, il y a eu l'inévitable descente.
Comme le note le dernier rapport Art Basel
UBS, après le peak de 2020, la proportion
de ventes live-only était en 2022 de 16 % du
marché total, soit une diminution de 4 %
par rapport à 2021 et de 9 % par rapport à
2020. Il n'en reste pas moins qu'aujourd'hui,
on peut dire qu'il y a eu un marché de l'art
avant et un après le Covid. Contraints de
faire les premiers pas, les acheteurs en ont
très vite fait une habitude qui, chez certains,
s'est muée en addiction.
RÉVOLUTION
De nouveaux acheteurs ont été séduits,
notamment parmi les digital natives. « On a
eu des progressions de 200 % par an sur les
ventes online. Dès 2023, on a eu neuf fois plus
de comptes comparé à 2019. Aujourd'hui,
on a 1,5 million de comptes sur Drouot.com.
76

« Si on faisait 60 à 70
lots par heure avant la
pandémie, on en fait
aujourd'hui 40 à 50 »
ALEXANDRE GIQUELLO
Mary Cassatt, Portrait de jeune femme au chapeau
blanc, 1879, huile sur toile. Ader, Paris, 24-11-2023. © Ader
1.216.000 €
Atelier de Joseph Deschamps, Deux groupes de jeunes filles portant des cornes d’abondance, groupes en
plâtre patiné et rechampi d’or. Coutau-Bégarie, Paris, 19 & 20 02-2024. © Coutau-Bégarie – 205.400 €
Ce n'est plus une petite évolution, c'est une
révolution », précise Alexandre Giquello,
commissaire-priseur habilité et président de
Drouot.com. Si la plateforme a enregistré des
connexions depuis des lieux aussi éloignés
que la Nouvelle-Zélande ou l'Alaska, 58 % des
acheteurs sont encore originaires de France,
suivi par les acheteurs localisés aux USA, au
Royaume Uni et en Belgique. Le mix entre les
ventes physiques et les enchères online s'est
largement généralisé : « On peut désormais
enchérir depuis son canapé dans des conditions
de fluidité et de rapidité qui n'ont rien à
envier à celles de la salle. Quand vous arrivez
à la tribune chez Drouot aujourd'hui, vous
avez 80 personnes en salle et 800 derrière
leur écran. » Si l'outil informatique a changé
les habitudes des acheteurs, il a aussi demandé
une adaptation du côté des commissaires-priseurs
: « Sans contact visuel avec
l'acheteur en ligne, on n'a pas de retour. Du
coup, quand les gens réfléchissent, les ventes
sont considérablement ralenties. Si on faisait
60 à 70 lots par heure avant la pandémie, on
en fait aujourd'hui 40 à 50. »
RÉFLEXE ‘‘AMAZON’’
Avec la dispersion géographique des
acheteurs, de moins en moins enclins
à se déplacer, la question du transport
est devenue fondamentale : « Certains
nouveaux clients ont une sorte de réflexe
‘‘Amazon’’ : j'achète, je paie et je suis livré
tout de suite. Mais, en vente publique, ça
ne fonctionne pas comme cela, puisqu'on
ne peut pas délivrer de lot sans avoir la
garantie absolue du paiement, ce qui peut
parfois ralentir les choses. Derrière, il faut
avoir un système de logistique très efficace,
que l'on développe énormément via notre
filiale Drouot Logistic, en tenant compte
de l'inflation des tarifs des transporteurs,
devenus incontournables. » Avec la mondialisation
des échanges et transactions,
Drouot.com est devenu un acteur global.
En 2023, la plateforme a ainsi rassemblé 785
maisons de vente, dont un tiers ne sont pas
françaises et 56 originaires d'une dizaine de
pays hors Union Européenne. Ceci étant,
la plateforme est peu présente dans le
monde anglo-saxon : « Nous sommes très
forts en Europe, tandis qu’Invaluable est
très forte aux Etats-Unis et en Angleterre.
Ce sont deux marchés qui ont du mal à
s'interconnecter. Et il reste très compliqué
d’inverser la tendance. » Pour l'année en
cours, Alexandre Giquello s'attend à une
grande stabilité du marché : « Ce qui m'a
marqué dans les mois qui ont précédé,
c'est la grande résilience du marché, dans
un contexte international très tendu. Mais
tout dépend de ce que l'on propose. Si une
collection extraordinaire est mise en vente,
elle trouvera preneur et cela va pousser les
chiffres à la hausse. »
SURFER
www.drouot.com
77

L’avis de l’experte
Nathalie Van de Wiele, à propos du Neptune françois
Carte Nouvelle de la Mer Méditerranée où sont Exactement Remarqués tous les Ports, Golfes, Rochers, Bancs de Sable & c à l’usage des Armées du Roy de la Grande
Bretagne – Dressé sur les Mémoires les Plus Nouveaux par Romain de Hooge. – A Amsterdam chez Pierre Mortier Avec Privilège 1694 – Avec 38 vues de ports, 58,5 x 139 cm –
échelle : 1 :5 mill. © Van de Wiele - Est. 40.000 €
Le 25 mai, la salle brugeoise Van
de Wiele Auctions mettra en vente
Le Neptune françois, le plus bel et
exceptionnel atlas des mers qui ait
été édité au XVIIe siècle,
à Amsterdam.
TEXTE : BEN HERREMANS
Pieter Mortier (1661-1711) était le
fils d’un réfugié politique français.
Dans le dernier quart du XVIIe
siècle, il devint l’un des plus riches
libraires d’Amsterdam et fit, avant tout,
florès avec ses ouvrages géographiques. En
1690, il eut le privilège d’éditer les cartes et
atlas d’éditeurs français aux Pays-Bas. Le
Neptune françois en est un parfait exemple.
À la fin du XVIIe siècle, le ministre des
finances de Louis XIV Jean-Baptiste Colbert
(1619-1683) chargeait les Ingénieurs du Roi
de dresser la carte des côtes européennes,
de la Norvège au Finisterre portugais. Un
groupe de mathématiciens et d’astronomes
de l’Académie Royale des Sciences unit
donc ses forces à celles d’hydrographes de
la marine française. En résultait un atlas
gravé de 29 pages, sorti des presses de
l’Imprimerie Royale à Paris, en 1693. Le Neptune
françois, sous-titré Atlas nouveau des
cartes marines, levées et gravées par ordre
exprés du roy, pour l’usage de ses armées
de mer, reproduisant avec une précision
extrême les hauts-fonds, bancs de sable,
anses, états des marées, balises, mouillages
et points d’amarrage. Lui était adjointe,
une carte en trois parties, avec indication
de l’échelle, fournissant une aide précieuse
à la navigation. La rose des vents inscrite
sur celle-ci renseigne que le Nord ne se
trouve pas en haut, les côtes se déployant
suivant la manière dont un bateau en suit
les contours. « La cartographie française
était le nec plus ultra de l’époque », souligne
l’antiquaire et directeur Marc Van de Wiele.
« Au XVIIe siècle, si les Pays-Bas donnaient
le ton, les Français reprirent le flambeau au
XVIIIe siècle et modernisèrent la cartographie.
Louis XIV attira nombre de savants,
ce qui suscita un formidable renouveau. »
Le Neptune françois fut édité par Charles
78

Pené, mais réalisé sous la responsabilité du
géographe royal Alexis-Hubert Jaillot (1632-
1712), coéditeur parisien de Pieter Mortier.
CONTREFAÇON
Entre 1693 et 1700, Pieter Mortier publiait,
sous le même titre, une contrefaçon (pastiche).
Son Neptune françois se compose
de deux parties. La première imite les
cartes françaises, mais comme il n’avait
pas accès aux plaques de cuivre originales,
il les fit graver à nouveau et adapter pour
camoufler son plagiat. La partie française
commence par une introduction et une
table des matières avec le récapitulatif
des 29 cartes reprises dans l’atlas, exhaustivité
garantie. Dans la seconde partie,
Atlas Maritime, Cartes Marines à l’usage
du Roy de la Grande Bretagne, Mortier a
ajouté neuf cartes des côtes françaises et
néerlandaises, deux des côtes anglaises et
la célèbre carte dépliante de la mer Méditerranée.
Cette seconde partie constitue
davantage un ornement décoratif qu’un
instrument maritime. Une troisième partie,
Suite du Neptune françois de 1700, fut exclue
de la composition du Neptune françois.
Elle contient des cartes d’eaux non-européennes
que N.P. d’Ablancourt a copiées
au départ d’originaux conservés dans les
archives portugaises. Le Neptune françois
paraît en juin 1693, à la fois en français,
anglais et néerlandais. Les 38 cartes sont
superbement colorisées à la main. Il s’agit
de l’édition la plus coûteuse d’un atlas
maritime à Amsterdam, au XVIIe siècle. Si
Mortier réalisa son Neptune françois à Amsterdam,
il conserva l’impressum de Jaillot et
la page de titre mentionne Paris, argument
de vente visiblement imparable.
GLORIEUSE RÉVOLUTION
Pieter Mortier a dédié Le Neptune françois
à Guillaume III d’Orange. En 1688, lors de
la Glorieuse Révolution, ce dernier montait
avec son épouse (et nièce), Mary II Stuart,
sur le trône d’Angleterre. En qualité de protestant,
il prit part à diverses guerres contre
le catholique Louis XIV, jusqu’à son décès en
1702, des suites d’une chute de cheval. Il n’a
laissé aucune descendance. Cet Atlas Maritime
doit son exceptionnelle valeur avant
tout à Romeyn de Hooghe (1645-1708), graveur
baroque, caricaturiste majeur et prolixe
(3.500 gravures à son actif). De père gantois,
il employa jusqu’à trente-six assistants dans
son atelier et s’est rendu célèbre par ses caricatures
politiques de Louis XIV et son soutien
propagandiste à Guillaume d’Orange.
« Il est de
notoriété publique
que Le Neptune
françois contenait
les plus belles
cartes de la mer
Méditerranée de
son temps. »
NATHALIE VAN DE WIELE
DOUBLE SUMMUM
Fin mai, Van de Wiele Auctions mettra
donc en ventes Le Neptune françois. Si
l’identité du vendeur n’a pas été révélée, il
s’agirait d’un industriel français et navigateur
passionné qui a décidé de mettre
de l’ordre dans ses affaires, car il estime
plus aisé de partager une somme d’argent
entre des héritiers qu’une œuvre de grande
valeur. Nathalie Van de Wiele : « Cet atlas
est mondialement connu. Il est de notoriété
publique qu’il contenait les plus belles
cartes de son temps relatives à la mer Méditerranée.
Tout, à son époque, était colorisé à
l’aquarelle. Une tache d’oxydation apparaît
ici et là au revers de la page, due à une sorte
d’acide inclus dans le papier confectionné à
la main. Dans ce cas précis, on ne peut parler
de détérioration. Ces taches témoignent
plutôt de l’authenticité de l’atlas. Il arrive
aussi de s’apercevoir que certaines cartes
ont été colorisées à un stade ultérieur. Ici, le
dépôt d’oxydation prouve que ce ne fut pas
le cas, même si le risque de falsifications
de ce type d’atlas est minime, les faux étant
si coûteux à fabriquer que cela n’en vaut
guère la peine. Ces cartes conservent aussi
l’empreinte de la plaque de cuivre ayant occasionné
une ligne aveugle. Dans le cas d’un
fac-similé, c’est toujours mentionné. Les
fac-similés n’ont du reste pas la profondeur
de l’original. Dans le cas d’un atlas, il vaut
mieux vérifier qu’il ne s’agit pas d’un pastiche.
Le seul faux serait l’atlas en lui-même.
Car une contrefaçon est comme un faux
déguisé. Mortier n’a pas copié servilement
des cartes, même pour éviter un plagiat. Il
en a sensiblement amélioré la qualité : des
cartouches plus beaux, mieux gravés, des
vignettes avec des ornements baroques, des
illustrations allégoriques et des blasons, des
images d’anges ; des instruments de mesure,
des panoramas... Pour la seconde partie,
Pieter Mortier a travaillé avec l’éditeur
Covens & Mortier, duo fondé par son deuxième
fils Cornelis (1699-1783) et Johannes
Covens (1697-1774). Covens & Mortier
était, au XVIIIe siècle, le plus célèbre éditeur
de cartes européen. Le format royal
représente un atout supplémentaire. Pour
obtenir ce type de format, il fallait disposer
plusieurs feuilles l’une sur l’autre. Mais sa
valeur réside bien entendu dans ses cartes
illustrées. Celles-ci constituent le summum
de la cartographie néerlandaise, adaptation
d’un joyau de la cartographie française. Les
deux fusionnant ici en un double summum.
» Qui sera le futur propriétaire de ce
Neptune françois ? Nathalie Van de Wiele :
« Un riche collectionneur de cartes et d’atlas,
un amateur fasciné par la cartographie
historique, de ce qui avait été découvert
et pas encore à une époque déterminée.
L’estimation basse est fixée à 40.000 euros.
Soit un prix déjà conséquent. Peut-être cet
atlas restera-t-il en Belgique ou aux Pays-
Bas ? Mais il pourrait aussi s’envoler pour
l’Amérique, où il y a beaucoup de connaisseurs
fortunés. Il y a également de riches
collectionneurs en Chine, même si l’absence
de la troisième partie – contenant les cartes
du reste du monde – peut, en l’occurrence,
constituer un handicap. À noter que les
côtes de ce pays n’y figurent pas, mais peutêtre
les Chinois y ont-ils moins intérêt qu’à
celles de nos contrées ? »
VENTE
Van de Wiele Auctions
Bruges
le 25-05
www.vdw-auctions.com
79

Vente : les 12-13 juin 2024
Exposition : les 6 – 7 – 8 – 9 juin 2024
Tous les jours de 10h à 17h
Horloge de table Art déco Cartier, avec
quartz rose, émail guilloché et aiguilles en
diamant. Est. 2.000-3.000 €
Collection de 600 pièces d’horlogerie dont
une montre de poche en or Audermars
Fréres répétition. Est. 1.500-2.000 €
Collection de sacs à main et de bagagerie
de marque : Louis Vuitton, Delvaux, ...
Collection de bijoux
dont un bijou flamand
en or et argent.
Est. 2.000-3.000 €
Vous avez jusqu’au 10 mai pour déposer vos bijoux / horloges à inclure dans notre vente aux enchères internationale de juin 2024.
Vente aux enchères en septembre 2024
Huile sur toile
Fernand Toussaint
Est. 6000-8000 €
Francois Musin “Tempête en mer” Est. 6.000-8.000 €
Horloge en bronze Napoléon III Est. 6.000 - 8.000 €
Vases Empire parisiens Est. 1.500-2.000 €
Buffet en pietra dura Napoléon III Est. 5.000-7.000 €
Bronze Diana Aizelin Est. 3.000-4.000 €
Vases Canton de Famille rose Est. 2.000-3.000 €
Cage à oiseaux Bontemps Est. 1.000-1.500 €
Coupe impériale Sevres Est. 3.000-4.000 €
Cat Quimper Nam Est. 200-300 €
Bronze Art-Deco T. Lemoyne Est. 600-800 €
Vous avez jusqu’au 30 juin pour déposer vos antiquités, objets vintage et asiatiques à inclure dans notre vente
aux enchères internationale de septembre 2024.
Estimation gratuite
Ostantix Auctions BV | Torhoutsesteenweg 553 | Belgie – Oostende 8400
info@ostantix-auctions.com | www.ostantix-auctions.com

Résultats de Février 2024
Importante et grande
sculpture chryséléphantine et
bronze patiné.
Est. 12.000-15.000 €
Prix marteau : 29.000 €
Pièce en porcelaine
néoclassique, France,
XIXe siècle.
Est. 1.500-2.000 €
Prix marteau : 9.000 €
Figure de Dame Fortune en
porcelaine de Meissen.
Est. 3.000-5.000 €
Prix marteau : 5.750 €
Sculpture en bronze à patine
brune de George Minne
(1866-1941).
Est. 1.500-2.000 €
Prix marteau : 4.400 €
Groupe de sculptures
en bronze patiné de José
Vermeersch (1922-1997).
Est. 1.200-1.500 €
Prix marteau : 3.200 €
Vase chinois en porcelaine
polychrome Qianjiang cai.
Est. 1.500-2.000 €
Prix marteau : 9.000 €
Fine paire de vases chinois
en porcelaine Qianjiang et
de famille rose.
Est. 2.000-3.000 €
Prix marteau : 4.600 €
Magnifique groupe, Chine,
représentant un Immortel et
des jeunes, corail rouge.
Est. 1.500-2.000 €
Prix marteau : 5.100 €
Rare collier de perles
égyptiennes en argent par
Vivianna Torun.
Est. 1.500-2.000 €
Prix marteau : 3.500 €
Vase Art déco du Val Saint
Lambert.
Est. 600-800 €
Prix marteau : 2.600 €
Résultats d’Octobre 2023
Importante boussole
allemande en argent et laiton
plaqué or de Johan Hillebrand
(1658 - 1723).
Est. 1.200-1.500 €
Prix marteau : 4.000 €
Calice en argent et vermeil.
Est. 400-500 €
Prix marteau : 3.600 €
Statue en bronze de
Thésée et Bienor par
Antoine-Louis Barye.
Est. 3.000-4.000 €
Prix marteau : 4.400 €
Salon serpent par Cassina, modèle DS 600, en cuir.
Est. 3.000-4.000 €
Prix marteau : 9.500 €
Ostantix Auctions BV | Torhoutsesteenweg 553 | Belgie – Oostende 8400
info@ostantix-auctions.com | www.ostantix-auctions.com

Focus
International
266.500 € (avec frais)
Gustave Van de Woestyne,
Adrienne De Zutter au violon,
1920, huile sur toile, 208 x 110 cm.
Aguttes OVV, Neuilly-sur-Seine,
13-03. © Aguttes
98.403 € (frais inclus)
Isaak Soreau, Corbeille de raisins, fleurs dans un verre, noisettes, abricots et
grenades sur un entablement, XVIIe siècle, huile sur panneau, 54,5 x 75 cm.
Nantes Enchères Talma OVV, Nantes, 14-03. © Nantes Enchères
123.500 € (frais inclus)
Ecole flamande, Portrait d’une
fillette de six mois, première moitié
du XVIIe siècle, huile sur panneau,
62,5 x 49 cm. Neumeister, Munich,
20-03. © Neumeister
ON A VENDU
Belle enchère pour
un portrait chez
Aguttes
Le 13 mars, chez Aguttes à Neuillysur-Seine,
la vente Art impressionniste
et moderne, qui mettait
entre autres à l’honneur la scène
belge, totalisait plus d’1 million
d’euros (frais inclus). Dans leur
ensemble, les amateurs ont
apprécié le caractère inédit des
œuvres et le travail de valorisation
qui fut fait avant la vente. Un
éclairage tout particulier avait été
mis sur Adrienne De Zutter au
violon, tableau de Gustave Van de
Woestyne, exposé en avant-première
à Bruxelles en contrepoint
de la BRAFA. Son estimation de
80.000-120.000 euros a été pulvérisée
avec un résultat de près de
267.000 euros (frais inclus). Cette
huile sur toile, qui représente la
fille de Marguerite Taelman et
de Charles De Zutter, industriel
du textile de la région de Gand,
aura suscité une longue bataille
d’enchères entre trois téléphones
français et étrangers. Inspiré par
les préraphaélites, Gustave Van
de Woestyne (1881-1947) réalisa ce
portrait de l’adolescente accompagnée
de son violon. Adrienne
épousera quelques années plus
tard le neveu de l’artiste. Parmi les
portraitistes belges les plus brillants,
Gustave Van de Woestyne
délivrait, ici, une œuvre à la fois
majestueuse et irréelle.
Une nature morte
du XVIIe siècle
double la mise à
Nantes
Isaak Soreau (1604-1644), né à
Hanau, en Allemagne, et mort
dans la même ville, appartenait au
style artistique baroque et fut principalement
actif durant la période
classique au XVIIe siècle. Son
travail, plutôt rare aux enchères et
qui invite à la lecture d’un monde
silencieux dans lequel la beauté de
la vie éclot au rythme des détails
qu’elle dévoile, ne fut redécouvert
qu’au XXe siècle. Expertisée par le
cabinet Turquin, et estimée entre
40.000 et 60.000 euros, une nature
morte de cet artiste protestant
d’origine wallonne, qui fut actif
à Anvers dans l’atelier de Jacob
Van Hulsdonck, était proposée à
Nantes, le 14 mars. Cette Corbeille
de raisins, fleurs dans un verre,
noisettes, abricots et grenades sur
un entablement qui fleure bon
les quatre saisons, avec ses fleurs
printanières, ses fruits d’été et
d’automne, ses libellules et ses
papillons, était emportée 98.403
euros avec les frais.
Une fillette
flamande
enflamme
Neumeister
Deux amateurs faisaient preuve
d’opiniâtreté, lors de la vente
cataloguée organisée le 20 mars
dernier à Munich en la salle
Neumeister. De fait, ils se sont
acharnés à enchérir sur le portrait
anonyme d’une fillette de six
mois, une école flamande de la
première moitié du XVIIe siècle,
estimée modestement entre
3.000 et 5.000 euros, mais emportée
finalement par un Belge à
123.500 euros, soit plus de 40 fois
l’estimation, contre un enchérisseur
londonien. Il semblerait que
l’acheteur final soit un marchand
qui a peut-être reconnu la signature
d’un grand atelier anversois.
D’aucuns penchent pour le
prestigieux cercle d’Antoine van
Dyck, eu égard à l’habit et à la
parure de la fillette, arborant un
riche collier de corail rouge et qui
agite un hochet d’argent sommé
d’une dent de loup, privilège des
hautes sphères aristocratiques
de l’époque. Ce qui expliquerait
le prix déboursé. Un allégement
des vernis devrait percer à jour le
mystère de cette œuvre.
Un dessin de Van
Dyck chez Christie’s
A l’occasion de la semaine
parisienne du dessin, Christie’s
France présentait, le 20 mars, sa
vente annuelle de Dessins anciens
et du XIXe siècle. Cette année,
aux côtés des œuvres sur papier
du XVIe au XIXe siècles, la vente
offrait également une sélection
de terres cuites. La section des
dessins comportait des œuvres
des artistes les plus célèbres des
écoles flamandes, néerlandaises,
italiennes et françaises, tels
Antoine van Dyck, Lambert Doomer,
Giovanni Domenico Tiepolo,
Georges Lallemand, Gustave
Moreau ou Rosa Bonheur. Parmi
les sculpteurs, on mentionnera
Clodion, Bernard Lange et Christophe-Gabriel
Allegrain. Au total,
la vente générait 2,13 millions
d’euros (frais inclus). Estimé
entre 100.000 et 150.000 euros, un
dessin à la pierre noire, rehaussé
de blanc, sur papier gris (anciennement
bleu), représentant Un
moine franciscain, assis, levant
les yeux, œuvre de l’Anversois
Antoine van Dyck (1599-1641) était
82

189.900 € (frais inclus)
Antoine van Dyck, Un moine franciscain,
assis, levant les yeux, pierre noire,
rehaussé de blanc, sur papier gris,
35,5 x 25 cm. Christie’s, Paris, 20-03.
© Christie’s Images Ltd.
181.183 $ (167.799 €)
Une carte de visite signée de Steve Jobs, alors président
d’Apple. RR Auction, Boston, 21-03. © RR Auction
62.500 CHF (63.900 €)
Cornelis van Cleve (atelier), Marie et l’Enfant
Jésus, saint Jean-Baptiste et les anges, huile
sur panneau, 63,7 x 51,2 cm. Koller, Zurich,
22-03. © Koller
finalement adjugé 189.900 euros.
Une signature en
or chez RR Auction
Le gouvernement américain a
beau avoir intenté, le jour même,
une vaste action antitrust contre
Apple, la réputation de l’entreprise
reste quasiment irréprochable
dans l’esprit des aficionados.
Le 21 mars, la salle spécialisée
de Boston, RR Auction, proposait
ainsi une vente intitulée Steve
Jobs and the Apple Computer
Revolution. Six lots portaient la
signature du fondateur de la
firme à la pomme, décédé en
2011. Deux d’entre eux partaient
pour un montant à six chiffres.
Le premier, une carte de visite de
1983 avec la version arc-en-ciel
du logo de l’octet d’Apple, était
adjugé 181.183 dollars (frais inclus),
pulvérisant sa modeste estimation
de 10.000 dollars. Outre des
memorabilia liés à son fondateur,
figurait une carte Apple-1
entièrement fonctionnelle, signée
par le cofondateur Steve Wozniak.
Connu sous le nom de numéro
100, cet ordinateur personnel
était l’un des premiers à ne pas
nécessiter de soudure de la part
de l’utilisateur final. Il était adjugé
323.789 dollars.
‘‘Sotte Cleef’’ fait
florès chez Koller
Les scènes bibliques suscitaient
les plus âpres batailles d’enchères
lors de la vente du 22 mars, à
Zurich, chez Köller. Ainsi, une
composition à l’huile de l’atelier
de Cornelis van Cleve (1520-
1567), intitulée Marie et l’Enfant
Jésus, saint Jean-Baptiste et les
anges, composition fréquemment
produite par le peintre
anversois, obtenait pas moins
de 62.500 francs suisses (63.900
euros), contre une estimation
basse de 7.000 francs. Stylistiquement
proche de son père, Joos
van Cleve (1485-1540), auprès
duquel il fut apprenti, Cornelis
se laissa volontiers influencé par
les maîtres italiens, notamment
Andrea del Sarto (1486-1531), dont
la présente composition s’inspire
largement de la Madonna
Corsini, très populaire au XVIe
siècle. L’Anversois, qui finit sa vie
dément, leur emprunta dégradés
chromatiques et expressivité des
visages. Emigré en Angleterre,
sa production y fut abondante
durant 14 ans, avant un retour
forcé dans la métropole flamande
pour cause de folie. D’où son
surnom de ‘‘Sotte Cleef’’…
Beau résultat pour
Rops à Drouot
Dans le cadre de la semaine
parisienne du dessin, l’étude Ader
proposait, le 22 mars à Drouot,
une vente consacrée aux dessins
de la Renaissance au XXe siècle.
La vedette en était une œuvre de
notre compatriote Félicien Rops
(1833-1898). Inspirée du monde
circassien, cette aquarelle intitulée
Le Cirque : répétition était estimée
entre 15.000 et 20.000 euros. Arrivé
à Paris en 1874, Rops est attiré par
l’atmosphère de liberté qui émane
du cirque de Paris, dont il commence
à fréquenter les coulisses.
Plutôt que le point de vue du
public, l’artiste a préféré immortaliser
les équilibres précaires et les
jolis corps dévêtus des circassiennes.
Sa ‘‘répétition’’, dont une
version est conservée au musée
Rops de Namur, se hissait jusqu’à
44.200 euros.
Le surréalisme a la
cote chez Bonhams
Une importante huile sur panneau
de l’artiste polonais Zdzislaw Beksinski
atteignait 91.840 euros lors
de la vente surréaliste organisée
par Bonhams Cornette de Saint
Cyr, le 27 mars à Paris. Cette vente
de 90 lots réalisait un total de plus
d’un million d’euros avec 85 %
de lots vendus et 95 % de lots
vendus en valeur. Emilie Millon,
responsable du département d’art
impressionniste et moderne de
Bonhams à Paris : « Les acheteurs
du monde entier, en ligne, au téléphone
et dans la salle, ont reconnu
la qualité de chaque pièce de
cette vente. (…) Nous sommes
absolument ravis des résultats,
en particulier des prix fantastiques
atteints par des œuvres de
femmes artistes telles que Jane
Graverol, Leonor Fini et Dorothea
Tanning. » Comme la loi française
l’y autorise, le musée d’Arts de
Nantes (France), exerçant son droit
de préemption, est intervenu pour
devancer l’enchère finale sur trois
tableaux : Le bon bout de la raison
de Jane Graverol, adjugé 71.250
euros, Le tombeau de Mallarmé
de la même artiste emporté 8.320
euros et Sans titre (série Aurelia)
de Leonor Fini, vendu 12.000 euros.
Magnifique
enchère pour BVRB
à Drouot
Provenant du château de Sassy,
demeure ducale perchée sur
les collines de l’Orne, qui fut
occasionnellement le séjour de
83

Focus
International
44.200 € (frais inclus)
Félicien Rops, Le Cirque : répétition,
aquarelle sur trait de crayon noir et
rehauts de gouache, 23,5 x 16,5 cm.
Ader OVV, Paris, 22-03. © Ader
71.520 € (frais inclus)
Jane Graverol, Le bon bout de la raison, 1962, huile sur
toile. Bonhams, Paris, 27-03. © Bonhams
787.199 € (frais inclus)
Bernard II Van Risen Burgh, armoire d’époque Louis
XV, ca. 1750, bois de placage marqueté, bronzes dorés,
estampillés deux fois ‘‘BVRB’’, 162 x 197 x 54 cm. Baron
Ribeyre & Associés, Paris, 29-03. © Baron Ribeyre &
Associés
la reine d’Angleterre Elizabeth
II, un ensemble de pièces de
mobilier de grande qualité était
dispersé, le 29 mars, à Drouot
par l’étude Baron Ribeyre &
Associés. Outre une commode
tombeau d’époque Louis XV aux
bronzes remarquables, estampillée
Mathieu Criaerd, l’un des
ébénistes les plus prolifiques du
XVIIIe siècle (lire COLLECT n°533,
avril 2024), estimée entre 12.000
et 18.000 euros, on proposait une
importante armoire d’époque
Louis XV, vers 1750, estampillée
de l’ébéniste d’origine hollandaise
Bernard II Van Risen Burgh
(1705-1766), dont l’estimation
plus élevée (50.000 à 100.000
euros) fut pourtant pulvérisée,
l’étonnant meuble s’adjugeant au
montant astronomique de 787.199
euros (frais inclus). Le meuble de
Criaerd était, quant à lui, adjugé
33.919 euros (frais inclus).
ON VENDRA
Un exceptionnel
Bacon chez
Sotheby’s
Lors de sa vente du soir en art
contemporain, à la mi-mai,
Sotheby’s New York met aux
enchères un grand portrait de
son amant George Dyer, réalisé
par Francis Bacon (1909-1992).
L’œuvre de 1966, Portrait of George
Dyer Crouching, est décrite par la
maison de vente comme « le tout
premier portrait de Dyer à l’échelle
réelle, et le premier portrait monumental
de Dyer à être vendu aux
enchères depuis une dizaine d’années
». Le tableau, estimé entre 30
et 50 millions de dollars, montre
un Dyer nu, accroupi comme un
prédateur au-dessus de sa chemise
élimée. Sa tête est montrée
trois fois alors qu’elle se tourne
vers le spectateur ; notamment
en une combinaison du visage de
Dyer avec celui de Bacon, ce que
Sotheby’s décrit comme « un clin
d’œil à leur indivisibilité ». Alors
que Dyer servit de muse à l’artiste
dans plus de quarante peintures,
ce dernier deviendra également
« progressivement allergique » aux
« épisodes volatiles de manque de
but, d’alcoolisme et de comportement
erratique » de son amant. Le
Portrait of George Dyer Crouching
fut le premier d’une série de dix
portraits grandeur nature, réalisés
entre 1966 et 1968, dont il ne reste
que neuf, l’un d’entre eux ayant été
détruit lors d’un incendie en 1979.
Ce tableau fut présenté pour la
première fois lors de l’importante
exposition personnelle de Bacon
en la Galerie Maeght de Paris, en
1966, et fut également exposé lors
de la rétrospective de l’artiste au
Grand Palais, en 1971-1972. George
Dyer décédait deux jours avant
l’inauguration de cette rétrospective.
L’œuvre a été acquise par son
propriétaire actuel directement
auprès de la Marlborough Gallery,
en 1970, et restée dans la même
collection familiale depuis plus de
cinq décennies, n’a jamais été vue
sur le second marché.
Le monde de
Basquiat chez
Phillips
Témoignant de l’engagement indéfectible
de la maison de vente aux
enchères envers l’héritage de Jean-
Michel Basquiat, Phillips propose,
ce printemps, trois magnifiques
tableaux de l’artiste, tous issus de
la collection de Francesco Pellizzi
et de la famille Pellizzi. Le professeur
Pellizzi était le cofondateur et
l’éditeur de la revue Res, Anthropology
and Aesthetics, publiée par
Peabody à Harvard et aux Chicago
University Press. Chacune de ces
œuvres fut acquise par Pellizzi
auprès d’Annina Nosei, au début
des années 1980, à un moment
charnière de la carrière de l’artiste,
et demeurée dans sa collection
durant des décennies. La première
vente, qui verra les deux premières
œuvres dispersées, se déroule
à New York le 14 mai, la seconde
proposera la troisième œuvre, à
Hong Kong le 31 mai. En tête du
groupe d’œuvres proposées figure
Untitled (ELMAR), créée en 1982 et
acquise par la famille Pellizzi deux
ans plus tard. Avec ses près de
deux mètres de large, cette œuvre
monumentale (estimée entre 40
et 60 millions de dollars) constitue
l’une des pierres angulaires de
l’année où Basquiat est passé de
l’art de la rue au succès commercial.
Emblématique des meilleures
œuvres de Basquiat, Untitled
(ELMAR) est riche en iconographie
et en images autoréférentielles,
reflètant l’exploration par l’artiste
de sa double identité et résumant
l’essence de son pouvoir créatif.
Cette œuvre fut récemment incluse
dans la rétrospective historique de
l’artiste, présentée en 2018 par la
Fondation Louis Vuitton, à Paris.
Depuis que Phillips est devenu
un opérateur-clé en Asie, en 2015,
l’auctioneer s’est attaché à présenter
les meilleures œuvres d›art
occidentales aux collectionneurs
et amateurs de la région. Sa croissance
significative en Asie souligne
l’activité des collectionneurs asiatiques
qui acquièrent des œuvres
des artistes internationaux les plus
importants. Jean-Michel Basquiat
84

EST. 30.000.000-
50.000.000 $
(27.600.000-46.000.000 €)
Francis Bacon, Portrait of George
Dyer Crouching, 1966, huile sur toile.
Sotheby’s, New York, mi-mai.
© Sotheby’s Art Digital Studio
EST. 40.000.000-60.000.000 $
(36.900.000-55.300.000 €)
Jean-Michel Basquiat, Untitled (ELMAR), 1982, huile
sur toile, 172,7 x 236,5 cm. Phillips, New York, 14-05.
© Phillips
EST. 30.000-50.000 £ (38.000-63.000 €)
Robe impériale ‘‘aux douze symboles’’, Chine, dynastie
Qing, début du XIXe siècle, soie bleue et or. Dreweatts,
Newbury, 21-05. © Dreweatts
en constitue un parfait exemple,
les collectionneurs asiatiques étant
attirés par son œuvre qui résonne
profondément avec les riches
traditions artistiques de la région.
C’est pourquoi l’œuvre intitulée
Native Carrying Some Guns, Bibles,
Amorites on Safari (1982) sera
proposée à la vente à Hong Kong,
le 31 mai. Dans cette œuvre, une
figure noire domine la toile, les bras
levés, face à un braconnier colonial.
L’œuvre fusionne un dessin
complexe à la gestuelle de la rue et
aborde des sujets aussi importants
que l’esclavage et l’impérialisme.
Par une représentation directe et
l’incorporation de texte, Basquiat
critique le colonialisme et son
rapport à l’histoire afro-américaine.
Réduits à l’état de caricatures, ses
personnages symbolisent l’indigène
et le colonisateur, évoquant
des critiques explicites de l’impérialisme
blanc. L’œuvre reflète ainsi
sa conscience aiguë des questions
sociétales et capture l’intensité de
sa vision artistique. On l’estime
entre 12 et 18 millions de dollars.
Un trésor impérial
chinois retrouvé par
Dreweatts
Tel l’habit de la Belle au Bois
Dormant, une rare robe impériale
de dragon, en soie bleue à douze
symboles, datant du début du
XIXe siècle, était récemment découverte
rangée dans une boîte
en carton dormant au fond d’un
tiroir depuis 100 ans. Cette tenue
d’apparat, créé spécialement pour
l’empereur de Chine, qui ne la
portait que deux jours par an, à
l’occasion des festivals organisés
au Temple du Ciel, à l’extérieur
de la Cité interdite de Pékin,
provient de la famille Villiers, l’une
des familles aristocratiques les
plus distinguées d’Angleterre,
dont les liens historiques avec
la royauté remontent au XVIIe
siècle. Cette robe fut acquise en
Chine en 1913 par Eric Hyde Villiers
(1881-1964), petit-fils de George
Villiers, quatrième comte de
Clarendon (1800-1870), au cours
d’un voyage commercial dans
l’Empire du Milieu pour le cognac
Martell. Ce vêtement dormait
dans une boîte jamais ouverte,
poussée au fond d’un tiroir... Dans
la culture chinoise, l’Empereur
était considéré comme le ‘‘fils
du ciel’’ et, durant deux jours
précis de l’année, installé sur une
chaise à porteurs, il conduisait
une procession de musiciens, de
nobles et de fonctionnaires de la
Cour, accompagnés d’éléphants
et de chars jusqu’au Temple du
Ciel, où il offrait des sacrifices
et vénérait le Dieu du Ciel, les
dieux du soleil, de la lune, des
étoiles, des nuages, de la pluie,
du vent et du tonnerre. A cette
occasion, il portait une robe
spéciale, brodée de symboles
et motifs spécifiques représentant
les dieux et les symboles
de sa fonction. A fond bleu, ce
vêtement s’orne ainsi des douze
symboles de l’autorité impériale
disposés en trois groupes de
quatre autour du cou : le soleil, la
lune, la constellation et le rocher.
Elle est brodée de fils d’or de trois
couleurs selon la technique du
Kesi, utilisée pour sa légèreté et la
clarté de ses motifs. Neuf dragons
impériaux à cinq griffes enserrent
des perles de sagesse enflammées,
métaphore visuelle du bon
souverain qui agit avec sagesse
pour le bien-être de ses sujets.
Des herbes aquatiques, des
grains de millet et des flammes
se nichent sur l’écume des vagues
roulantes, appelées Lishui ruyi,
tandis qu’un faisan doré s’enroule
autour du corps principal de la
robe. Elle comporte également
une paire de bonnets de temple
et des extensions de manches
rayées bleu foncé et or. Protégée
dans une boîte en carton, à l’abri
de la lumière, elle a conservé ses
couleurs d’origine et est donc en
très bon état. Son estimation, de
30.000 à 50.000 livres sterling,
devrait attirer les amateurs
chinois, férus de souvenirs
impériaux, lors de sa vente chez
Dreweatts, le 21 mai.
Design chez
Christie’s
Le 23 mai, Christie’s Paris proposera
quelque deux cents lots
mettant en lumière des pièces remarquables
et emblématiques de
plusieurs grands noms du design.
Au cœur de cet événement, une
sélection de pièces proviendra
de collections privées de renom.
Un accent particulier sera mis sur
les femmes designers françaises,
telles Charlotte Perriand, avec
son projet novateur réalisé pour
la famille Borot, Maria Pergay et
ses créations audacieuses des
années 1970 jusqu’à ses œuvres
les plus récentes, mais également
l’incontournable Line Vautrin,
représentée dans la vente par
une dizaine de miroirs et la
créativité contemporaine d’Ingrid
Donat. Parmi les autres temps
forts de la vente, une sélection
d’œuvres rares d’André Arbus des
années 1940 à 1960, provenant
d’une famille proche de l’artiste,
sera mise en avant, ajoutant une
dimension historique à l’événement.
85

On a vendu
Belgique
08-03 Ladies first chez MJV Soudant
14.000 €
Jenny Montigny, Nature morte
aux fleurs, 1909, huile sur
toile, 44 x 40 cm. Est. 1.500-
2.000 €. © MJV Soudant
6.800 €
Elvire Coisne, Champs
de fleurs, huile sur toile,
avec dossier réalisé par
l’historien Laurent Stevens,
35,5 x 55 cm. Est. 4.000-
6.000 €. © MJV Soudant
6.000 €
Alfredo Morelli, sculpture
Art déco, représentant une
danseuse égyptienne, XXe
siècle, marbre, H. 92 cm.
Est. 6.000-8.000 €. © MJV
Soudant
5.500 €
Anna Boch, L’entrée de la ferme
animée, huile sur panneau, 43 x 37 cm.
Est. 2.000-3.000 €. © MJV Soudant
4.200 €
Théo Van Doesburg, Buste
de femme nue, 1904, huile
sur papier épais plaqué
sur carton, 43 x 27 cm.
Est. 3.000-4.000 €. © MJV
Soudant
15 & 16-03 Belles illustrations chez Damien Voglaire
9.000 €
Ivan Tovar, Le Soleil Noir,
1974, illustration intégrée
dans un livre-objet, édition
originale, 1/99 ex. Est. 1.000-
1.500 €. © Damien Voglaire
7.000 €
Willy Maltaite (dit Will),
Isabelle. Le Tableau enchanté,
Dupuis, 1972, encre de Chine
sur papier, grande planche originale,
46 x 37 cm. Est. 5.000-
7.500 €. © Damien Voglaire
3.200 €
Edgar Tytgat, Quelques images de
la vie d’un artiste, Londres, 1916-
1917, quelques gravures en hommage
à son ami Rik Wouters. Est.
850-1.000 €. © Damien Voglaire
2.800 €
Claude Viallat, deux aquarelles originales de l’ouvrage de
poésie L’Homo Sapiens de Jean-Pierre Verheggen, 2002.
Est. 1.200-1.500 €. © Damien Voglaire
16-03 Singulières affiches chez Lhomme
10.500 €
Léon Wuidar, Abstraction, 1986, huile
sur toile marouflée sur panneau, 55 x
55 cm. Est. 6.000-8.000 €. © Lhomme
8.500 €
Marius Rossilon dit O’Galop,
Nunc est bibendum ''à votre
santé''. Le pneu Michelin boit
l’obstacle, ca. 1896, grande affiche
couleur, 161 x 121 cm. Est.
800-1.000 €. © Lhomme
8.500 €
Armand Rassenfosse, Portrait
de femme, 1928-1930,
huile sur panneau, 52 x 37
cm. Est. 2.500-3.000 €.
© Lhomme
7.500 €
Marius Rossilon dit
O’Galop, Le coup de la
semelle Michelin, Paris,
1914, Affiches-Camis. Est.
700-800 €. © Lhomme
3.900 €
Marcello Dudovich, Fabrique
Nationale d’armes
de guerre. Herstal-Liège,
1913, affiche couleur, 145 x
105 cm. Est. 400-600 €.
© Lhomme
86

17-03 Tintin en forme chez Dagoty Auction
3.200 €
Hergé/Tintin, album
T3 Tintin en Amérique,
édition originale Casterman
P6 bis de 1935,
belle et très rare pièce
de collection ayant subi
des restaurations. Est.
2.000-2.500 €. © Dagoty
Auction
2.600 €
Hergé/Tintin, sculpture C’est vraiment
dommage ! illustrant la scène de l’escalier
tiré de l’album Les bijoux de la Castafiore,
Atelier Fariboles, édition de 2006 n°/400,
résine, plomb et ciment peint, état neuf,
jamais exposé, emballage d’origine et
certificat, 30 x 30 x 20 cm. Est. 1.500-2.000 €.
© Dagoty Auction
2.200 €
Hergé/Tintin, modèle réduit du wagon Loch
Lomond whiskey avec Tintin et Milou, tiré de
l’album L’île noire, Atelier Aroutcheff daté
04-10-95, numérotation 50, édition limitée à
environs 125 ex., bois laqué, métal et résine
peint, 50 x 20 x 22 cm. Est. 1.500-2.000 €.
© Dagoty Auction.
1.900 €
Hergé/Tintin, album T16 Objectif lune,
EO belge de 1953 qui contient un dessin
signé et dédicacé par le maître. Est.
1.000-1.500 €. © Dagoty Auction
18 & 19-03 Les bijoux ont la cote chez Horta
33.000 €
Bracelet, Art déco, style ''retour d’Egypte'', ca. 1915, platine
agrémenté de diamants taille ancienne pour ca. 14 carats au
motif de fleurs de papyrus, poinçons français, L. 17,5 cm. Est.
9.000-10.000 €. © Horta
28.000 €
Cartier, parure se composant d’une
paire de boucles d’oreilles, d’un
collier et d’un bracelet en or jaune,
agrémentés de petits diamants taille
brillant dans les boucles d’oreilles,
avec certificats et écrins d’origine,
poids brut ca. 149 gr. Est. 8.000-
9.000€. © Horta
20.000 €
Cartier, parure se composant
d’un collier, d’un bracelet et
d’une bague panthère en or
jaune, avec certificats et écrins
d’origine, poids brut ca. 159 gr.
Est. 8.000-9.000 €. © Horta
14.500 €
Vase à col étranglé,
Chine, porcelaine blanche
au décor en bleu de
paysage, H. 36 cm. Est.
300-400 €. © Horta
19-03 La porcelaine de Sèvres crée la surprise chez Loeckx
8.500 €
Statue bouddhiste Yamantaka,
XVIIe/XVIIIe siècle,
bronze doré. Est. 1.500-
1.700 €. © Loeckx
8.000 €
Paire d’assiettes, Sèvres, XIXe siècle, porcelaine à décor
‘‘fleurs’’. Est. 150-200 €. © Loeckx
6.500 €
Théière paestum, Sèvres, 1809, porcelaine à ‘‘décor de camées’’.
Est. 200-300 €. © Loeckx
87

On a vendu
Belgique
19 & 20-03 La peinture s’envole chez Vanderkindere
25.000 €
Oscar Dominguez, Composition au chat,
au crabe et au cheval, gouache sur papier,
dédicacé «Pour ma très chère Madeleine.
Très amicalement», 49 x 64 cm. Est. 18.000-
24.000 €. © Vanderkindere
.
21.000 €
Grand plat rond profond, Chine,
XVIe siècle, porcelaine bleue et
blanche à décor floral, voir sous
la base plusieurs anciennes étiquettes
dont de la collection A.
de Curte à Anvers et de Eug. van
Herck à Anvers, D. 40,4 cm. Est.
5.000-7.000 €. © Vanderkindere
20.500 €
Théo Van Rysselberghe, La rade des
Bormes (Nuages rouges), 1917, huile sur
carton entoilé, 32,8 x 41 cm. Est. 15.000-
20.000 €. © Vanderkindere
12.000 €
Travail italien, Ephèbe en pied,
Florence, XVIe siècle, d’après
l’Antique, comporte des similitudes
stylistiques avec l’Idolino de
Pesaro, bronze à patine brune,
base en marbre vert et rouge
postérieure, on y joint un document
de l’expert Vincent Laloux
(1977) le nommant Antinoüs et le
reliant aux ateliers de Padouans,
H. 27,5 cm (hors base). Est.
6.000-8.000 €. © Vanderkindere
19 & 26-03
Monnaies anglaises au Mont-de-Piété
20-03
Joli résultat chez Flanders Auctions
80.500 €
Lot de 210 pièces de monnaie, Angleterre, or jaune 916/1000 (anglaises
souveraines), ca. 1678 gr, avec farde. Est. 73.000 €. © Mont-de-Piété
9.500 €
Georges De Sloovere, Les Baigneuses, huile sur toile, 120 x
130 cm. Est. 2.400-3.400 €. © Flanders Auctions
1.500 €
Antoine Barye, sculpture en bronze,
cachet du fondeur Colin Paris, 14 x 25
cm. Est. 400 €. © Mont-de-Piété
1.200 €
Damien Hirst, Forever, impression
sur aluminium, 39 x 39 cm. Est.
400€. © Mont-de-Piété
88

Collect-1/2pQ - mai FR+NL.qxp_320 10/04/24 10:53 Page1
PROCHAINES VENTES
Lundi 13 mai
14h Arts d’Asie
16h Collections
Mardi 14 mai
15h Bijoux & Montres
VENTE PUBLIQUE
14 & 15 MAI à18h30
France - Ordre du Saint-Esprit
CONTACT
EXPOSITION
Rodolphe de Maleingreau d’Hembise
rdm@haynault.be
Edouard Wyngaard
ew@haynault.be
02 842 42 43 - www.haynault.be
Vendredi
Samedi
Dimanche
10.05
11.05
12.05
9 rue de Stalle
1180 Uccle
10 à 18h
10 à 18h
10 à 18h
"Divinité" en grès polychromé
Travail chinois. Epoque: XIXème
Huile sur panneau de chêne
"Vierge à l'enfant”
Atelier de Jan Brueghel Le Jeune
"Chien" en terre cuite. Travail chinois
Epoque: circa 206 - 220 avant JC. Période Han
H.V. Wolvens. Huile sur toile "Nu féminin allongé"
Signé en bas à droite et daté en bas à gauche 1951
EXPOSITION
VENDREDI 10, SAMEDI 11 ET DIMANCHE 12
MAI DE 10 À 18H
HOTEL DE VENTES VANDERKINDERE S.A.
CHAUSSÉE D’ALSEMBERG 685-687-1180 BRUXELLES
PARKING PRIVÉ • TÉL. 02 344 54 46
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On a vendu
Belgique
23-03 Monnaies belges chez Elsen
48.000 €
Belgique, Léopold Ier, module de 100 francs, 1853,
commémorant le mariage du Duc de Brabant.
Est. 25.000 €. © Elsen
34.000 €
Liège, Everard de la Marck, protecteur (1488-
1489), florin d’or. Est. 15.000 €. © Elsen
13.000 €
Tournai, Les Etats en révolte, demi-écu Philippe,
1581, au nom de Philippe II. Est. 2.500 €.
© Elsen
24-03 Deux-roues d’époque chez Bernaerts
La fin du Sprangers Museum de Minderhout fut
scellée par la vente de 74 motos. Ces enchères
de deux-roues anciens se déroulaient sur le site
même, l’après-midi du 24 mars, et portaient sur
la seconde partie de la collection de l’industriel
Marcel Sprangers. 74 deux-roues rutilants (et moins
rutilants) datant du début du XXe siècle jusqu’aux
années 1990 étaient le point d’orgue de cette vente.
Quelques rares motos belges (Minerva, Flandria,
FN, Gillet) étaient proposées, mais des marques
allemandes, italiennes et britanniques l’étaient
également (NSU, DKW, Ducati, MV Agusta, Moto
Guzzi, New Hudson). Les modèles Indian Scout
(18.000 euros) et, bien sûr, Harley Davidson (30.000
euros), parmi les plus chers, consolidaient leur
statut de favoris. Les marques belges suscitaient
également plus d’intérêt qu’escompté. Ainsi, les
huit motos Flandria s’adjugeaient en un clin d’œil,
tandis que la Minerva de 1903 trouvait preneur à
16.000 euros.
30.000 €
Harley Davidson J/D Series, 1912. Est. 22.000-
26.000 €. © Bernaerts
16.000 €
Motocyclette Minerva, 1903. Est. 15.000-
20.000 €. © Bernaerts
25-03 Un Vaccaro chez Haynault
6.500 €
Attribué à Andrea Vaccaro, Artémise,
huile sur toile. Est. 3.000-5.000 €.
© Haynault
6.000 €
Gilles Lambert Godecharle, Putti jouant aux cartes sous une tente,
1770, bas-relief en terre cuite. Est. 2.000-3.000 €. © Haynault
1.900 €
Présentoir à fruits confits ou sucre, Maastricht,
XVIIIe siècle, argent, piètement tripode, plateau
à bord mouvementé, tige soutenant la coupe
ajourée, bordure ouvragée formant porte-cuillers.
Est. 800-1.200 €. © Haynault
90

Paul Delvaux
Frits Van den Berghe
VENTE AUX
ENCHÈRES
ART CONTEMPORAIN,
MODERNE & MAÎTRES ANCIENS
Samedi 18 mai 2024 - 13 h & 19 h 30
Exposition : 8 au 15 mai - 10 h - 19 h
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Contactez Christophe Fedele : +32 9 348 54 40
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Rendez-vous à domicile.
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On a vendu
Belgique
25-03 Des pièces d’horlogerie chez Millon Belgique
640 €
Oméga, Seamaster, ca. 1960, montre d’homme,
métal doré sur cuir et boucle ardillon, mouvement
mécanique à remontage automatique.
Est. 150-200 €. © Millon Belgique
540 €
Cartier, Must, ca. 1990/2000, montre de
type Tank, argent 925 plaqué or, montre mécanique
à remontage manuel, bracelet cuir
et boucle ardillon Cartier en métal doré. Est.
50-150 €. © Millon Belgique
500 €
Pendentif en forme d’hippocampe, or
jaune 14 carats et opale reconstituée,
présentant de très beaux flashs, L. 4,7 cm.
Est. 100-200 €. © Millon Belgique
27 & 28-03 La porcelaine au sommet chez Coronari Auctions
La vente d’art et d’antiquités
asiatiques, européennes et islamiques
organisée en mars par la
maison Coronari Auctions surprenait
une fois de plus positivement.
Dans la section asiatique,
les prix de la porcelaine chinoise
de Canton étaient remarquables
: les collections de tasses et de
soucoupes s’envolaient ainsi plusieurs
fois l’estimation maximale,
tandis qu’un singulier bol de
Canton du XIXe siècle surprenait
en s’adjugeant au prix marteau
de 9.000 euros. Plusieurs pièces
de collection atteignaient également
des prix élevés : un modèle
Tang, en faïence peinte polychrome,
représentant un cheval
et un petit bol en klapmuts de
style Imari avec pagodes, provenant
de la collection d’Auguste le
Fort, atteignaient respectivement
6.000 et 2.800 euros. Les arts
traditionnels européens n’étaient
pas en reste. Citons, entre autres,
un portrait de noble du XVIIe
siècle et une œuvre de David
Vinckboons représentant la lutte
de l’homme et de la bête contre
la mort et le temps, séduisaient
de nombreux collectionneurs
(adjugés 17.000 et 16.500 euros).
16.500 €
David Vinckboons (entourage), L’homme et l’animal luttent contre la mort et
le temps, 1624, huile sur toile. Est. 15.000-25.000 €. © Coronari Auctions
La peinture plus récente obtenait
également de bons résultats,
notamment pour Albrecht De
Vriendt, Constant Permeke et
Albert Saverys. Enfin, il convient
de mentionner une tapisserie de
Marie Dambiermont, qui changeait
de mains après une bataille
acharnée contre 5.500 euros.
15.000 €
Albrecht De Vriendt, Othello et Desdémone,
huile sur toile. Est. 12.000-
18.000€. © Coronari Auctions
92

DESIGN, KUNST & ANTIEK
VEILINGEN
Geoffrey Harcourt (1935)
Een rood gestoffeerde
‘Cleopatra’ chaise longue,
uitvoering Artifort, model
C248, ontwerp 1970.
DESIGN
VEILING
27 MEI
KUNST
& ANTIEK
VEILING
28 MEI
Een fragment van een muurreliëf
afkomstig van een graftombe,
omgeving Asyut, 11e dynastie,
Egypte, na ca. 2134 v. Chr.
Start 3 mei
Kijkdagen zijn op 24, 25 en 26 mei
Exposition des lots du 23 au 25 mai.
Vente le samedi 25 mai à 13h.
Enchérissez en salle, par téléphone,
par ordre d’achat ou en LIVE sur Drouot.
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On vendra
Belgique
04 & 05-05 Vente d’un intérieur chez DVC Anvers
Un mélange d’art classique,
d’antiquités, d’art moderne et
contemporain est proposé chez
DVC Anvers, lors de la vente de
début mai. Un magnifique intérieur
louvaniste des années 1960 et
1970, incluant du design intemporel
de Charles et Ray Eames, Florence
Knoll, Eero Saarinen, Gae
Aulenti et des œuvres commandées
par le notaire Coppieters, en
fait partie. On y trouve également
des bijoux, de l’argenterie et
d’autres arts décoratifs, des pièces
archéologiques (asiatiques) et
une collection de sculptures et de
boucliers de Papouasie-Nouvelle-
Guinée.
EST. 24.000-28.000 €
Karel Appel, une composition de 1991, huile sur papier marouflé sur toile,
avec certificat, 63 x 103 cm. © DVC
08-05 Des grandes oeuvres pour Flanders Auctions
Lors de sa vente d’art et
d’antiquités du 8 mai, Flanders
Auctions annonce deux grandes
œuvres : un triptyque de taille
exceptionnelle intitulé Hélas Avril,
I, II et III, peint par Michel Buylen,
auteur de peintures incroyablement
photo-réalistes. Ces trois
œuvres, qui mettent en scène sa
fille Binou, sont d’une très grande
qualité. Ce triptyque a fait partie
de l’exposition Making my past au
Mudel, en 2021. La seconde œuvre
est une peinture monumentale
réalisée par Luis Caballero
(Colombie), A Astride Leaning
Torso, technique mixte sur toile
datée de 1974. Un grand nombre
de ses œuvres campent la beauté
du corps masculin.
EST. 5.000-7.000 €
Michel Buylen, Hélas Avril, I, II en III, 2001, triptyque, acrylique sur panneau, 35 x
60 cm chaque. © Flanders Auctions
13 & 14-05 Des billets de banque chez Haynault
EST. 1.200-1.800 €
Billet de 1.000 francs du Congo belge. © Haynault
Haynault propose, les 13 et 14
mai, pas moins de trois ventes à
thématiques diverses. La vente
Collections est constituée en
grande partie d’une impressionnante
sélection de billets de
banque du monde entier, dont
un beau billet de 1.000 francs du
Congo belge, estimé 1.200-1.800
euros, un rare billet de 20 francs,
daté du 1er septembre 1914,
estimé entre 1.000 et 1.500 euros,
ainsi qu’un billet anglais de 100
livres, datant de 1937 proposé à
300 euros. Dans la section phaléristique,
l’attention porte sur une
jolie plaque brodée de l’Ordre du
Saint-Esprit français pour laquelle
les enchères débuteront à 2.500
euros ; on y trouvera un important
ensemble de décorations
anciennes d’Europe. Le second
jour, on mettra en vente un large
choix de bijoux et montres, dont
un important bracelet Napoléon
III richement décoré, estimé très
raisonnablement 2.000 à 3.000
euros, une montre d’homme
automatique signée Audemars
Piguet, estimée 8.000 à 10.000
euros, une sélection de bagues
serties de diamants, dont un très
beau toi et moi, des broches Belle
Époque aux élégantes volutes,
ainsi que des bagues anciennes
et contemporaines.
94

Fine Jewels
Watches
Works of Art
& Art Nouveau
Fine Art
Vente:
15–17 mai 2024
Exposition publique:
10 –13 mai 2024
BAGUE SOLITAIRE
1 brillant | 6,50 carat | D/VVS2
Estimation : 60,000 – 90,000 €
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On vendra
Belgique
18-05 De l’art ancien au Pop art chez De Vuyst
Plus de 600 œuvres seront mises en vente
à Lokeren, le 18 mai. L’offre ira des maîtres
anciens à l’art contemporain, des peintures et
sculptures à la photographie et aux installations.
Avec des artistes tels que Guillermo
Kuitca, Fernando Botero, Lin Fengmian et
Yoshimoto Nara, la crème du marché de l’art
international sera proposée. Le catalogue
comprend des sculptures remarquables.
L’impressionnante Colonna I (1989) d’Arnaldo
Pomodoro s’élève ainsi jusqu’à 240 cm. De
Pol Bury, on verra une fontaine mobile de
1994, qui fit partie d’une exposition dans les
jardins du musée Van Buuren, en 2009. Le plaisir
de l’eau se poursuit avec la sculpture ludique
La pluie (1999) de Jean-Michel Folon. Les objets
emblématiques du Pop art devraient également
attirer un large public : Robert Indiana
présente LOVE (1966-1998), sculpture en acier
inoxydable poli et brossé ; Study for bedroom
blonde (1995) est une œuvre originale de Tom
Wesselmann dans son iconographie typique.
Une sélection pointue de grands maîtres
flamands complète l’offre, dont une importante
aquarelle de Paul Delvaux et une remarquable
gouache expressionniste-surréaliste de Frits
Van den Berghe.
EST. 380.000-500.000 €
Fernando Botero, Still life with bananas, 1981, huile
sur toile, 106,7 x 91,4 cm. © De Vuyst
25-05 Récits de voyage et atlas maritime chez Van de Wiele Auctions
Plusieurs récits de voyage
mémorables seront mis sous le
marteau lors de cette vente. Par
exemple, le récit du voyage de
Jules Dumont d’Urville, explorateur
français parti en 1826 avec
la corvette l’Astrolabe vers le
Pacifique Sud-Ouest. Il a ainsi
cartographié les côtes de la Nouvelle-Guinée,
de la Nouvelle-Zélande
et d’autres îles, y menant
d’importantes recherches ethnographiques,
comme avec les
Maoris, créant un dictionnaire de
traduction, sans négliger sa tâche
de biologiste : aucune plante,
aucun mollusque, aucun insecte
n’échappait à son attention. Il
fut, bien sûr, épaulé par toute
une équipe, dont le dessinateur
Louis Auguste de Sainson, qui
croqua de beaux paysages et
mit en scène les habitants. Ce
carnet de voyage se compose
de 12 volumes de texte et de
cinq grands atlas avec cartes et
planches, magnifiquement reliés
en demi-maroquin rouge. Si
Jules Dumont d’Urville survécut
à ce voyage aventureux à travers
les océans, il périt tout de même
dans un accident de train à l’âge
de 51 ans. Le volume 1 de la
bibliothèque du professeur Jean-
Marie Duvosquel (1946-2023)
est également attendu, avec un
accent particulier sur la période
bourguignonne.
EST. 45.000-50.000 €
Natai, chef Maori in Dumont
d’Urville, Voyage de la Corvette
l’Astrolabe, carnet de voyage composé
de 12 sections de texte et de
cinq grands atlas. © Van de Wiele
Auctions
26-05 Un intérieur de collectionneur chez MJV Soudant
Johan Bretschneider, Un intérieur de collectionneur, n. d., huile
sur toile, 87 x 121 cm. © Soudant
Parmi l’offre annoncée par Soudant dans sa vente cataloguée d’antiquités,
tableaux, mobilier et objets d’art du 26 mai, on annonce une très importante
toile de Johann Bretschneider (1680-1729), intitulée Un intérieur de collectionneur.
Situé au croisement des XVIIe et XVIIIe siècles, ce peintre allemand est
connu pour ses nombreuses représentations d’intérieur, notamment des lieux
savants, caractérisés par de spacieux espaces d’exposition, dans lesquels se
regroupent objets astronomiques, mobilier et toiles. La composition annoncée,
expertisée par le Cabinet Turquin à Paris, peut être rapprochée de celle de
la Gemäldegalerie, possession de l’Etat de Bavière et actuellement exposée
dans la résidence de Bamberg. Ces œuvres démontrent une omniprésence
de tableaux, mis en valeur par un parfait agencement des décors permis par
une parfaite symétrie des sujets. Natures mortes, portraits, scènes de genre et
d’Histoire y sont alors exposés. La présence récurrente de personnages dans les
productions de Bretschneider est notable et contribue à ancrer les décors dans
un certain dynamisme, traduisant la curiosité suscitée chez les spectateurs dans
ces lieux de richesse.
96

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Anno 1897
Vente classique 28 mai à 14h
Exposition du 23 jusqu’au 26 mai de 10h à 18h
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On vendra
Belgique
27-05 Art belge chez Bonhams Cornette
EST. 6.000-8.000 €
Léon Spilliaert, Paysage de rivière, 1931, aquarelle sur papier. © Bonhams Cornette
Bonhams Cornette de Saint Cyr
rendra à nouveau hommage aux
artistes belges avec une nouvelle
vente d’Art belge moderne et
contemporain, le 27 mai, proposant
des tableaux signés Emile
Claus, Jo Delahaut, Paul Delvaux,
Jean-Michel Folon et bien sûr
Jane Graverol. Une très belle
sculpture élancée de Jean-Michel
Folon ne manquera pas de
piquer l’intérêt des collectionneurs.
Haut de 268 centimètres,
ce bronze de L’oiseau (1990) est
estimé entre 80.000 et 120.000
euros. On poursuivra avec une
très belle aquarelle de Paul
Delvaux. Intitulée Camping dans
les dunes (1937), elle est annoncée
entre 20.000 et 30.000 euros.
Côté classique, on pointera
aussi deux petites aquarelles sur
papier signées Léon Spilliaert,
dont un Paysage de Rivière (1931),
estimé 6.000 à 8.000 euros, un
magnifique dessin ‘‘pointilliste’’
d’Emile Claus, datant de 1915,
un ‘‘effet de nuit à Londres’’, qui
date de sa période en Angleterre,
durant la Première Guerre mondiale.
Il faut également pointer
quatre superbes émaux sur
plaque de cuivre de Kurt Lewy.
Ces petites œuvres sont des trésors
de raffinement qui brillent
par leur rareté sur le marché de
l’art. L’héroïne du Surréalisme,
Jane Graverol, sera elle aussi
bien représentée, entre autres
par une œuvre intitulée Judith et
Holopherne, montrée en 2002 au
musée des Beaux-Arts d’Anvers
dans une exposition qui faisait
dialoguer son œuvre avec celle
de Rachel Baes (est. 8.000-12.000
euros).
27 & 28-05 Varia chez Horta
Annoncée pour les 27 et 28 mai (une vente de vins fins
est également prévue le 29 mai), la vente cataloguée
d’art et d'antiquités en la salle Horta comportera,
comme c’est souvent le cas, quelques beaux bijoux
dont un important bracelet Art déco, en platine agrémenté
de cinq rubis Birman non chauffés (origine Mogok)
pour +/- 10,38 carats, de diamants taille ancienne
pour +/- 10 carats et de calibrés d’onyx. (est. 44.000-
46.000 euros). On annonce aussi quelque œuvres
d’artistes modernes et contemporains, notamment
Hongyi Zhuang, Gilbert Decock, Victor Servranckx,
Henri Michaux, Bernard Lorjou et Sha Qi ‘‘Sadji’’. Les
maîtres anciens ne seront pas en reste, notamment ce
tryptique anversois du XVIe siècle attribué à Marcellus
Coffermans (1520-1575), estimé entre 8.000 et 12.000
euros. Ancrée dans la tradition brugeoise, la manière
archaïque de cet artiste est inspirée de celle des primitifs
flamands. Il utilisa aussi fréquemment les modèles
classiques d’Albrecht Dürer et Martin Schongauer, tout
en leur restant très fidèle. Parmi les caractéristiques
de son style, on reconnaît son idéal féminin, avec un
visage ovale et des yeux mi-clos ainsi que l’utilisation
de couleurs émail où dominent les tons bleus.
EST. 8.000-12.000 €
Marcellus Coffermans (att.), Ecole anversoise, XVIe siècle, La crucifixion flanquée de La bénédiction
de la Vierge sur le volet gauche et du Noli me Tangere sur le volet droit, 22,5 x 35 cm.
© Horta
98

Week-end de Pentecôte
au Château de Deulin
Brocante de charme
antiquités - décoration -
mobilier de jardin (intérieur et extérieur)
18, 19 et 20 mai 2024
de 10 h à 19 h
Entrée : 5 € (libre pour les moins de 12 ans)
Possibilité de restauration sur place.
70 exposants dans un lieu classé patrimoine exceptionnel
de Wallonie, dont les extérieurs ont été entièrement restaurés en 2016.
www.terborg.com
Pièces Exclusives, Tableaux Indonésiens et Art d’Asie
14 - 15 mai 2024
Exposition:
Vendredi 10 mai 11 à 15 h.
Samedi 11 mai 11 à 15 h.
Lundi 13 mai 11 à 15 h.
Mardi 14 mai 11 à 12 h.
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On vendra
Belgique
28-05 Un tondo italien chez Campo & Campo
EST. 50.000-70.000 €
Suiveur de Lorenzo di Credi, Italie, Tondo.
© Campo & Campo
EST. 5.000-7.000 €
Rare tunique précolombienne
du début de la
période intermédiaire
900-1000. © Campo &
Campo
La vente d’art classique que
proposera Campo & Campo, le
28 mai, comprendra une belle
collection d’objets d’art et de
peintures anciennes et du XIXe
siècle. Le clou en sera un magnifique
tondo d’un maître italien,
disciple de Lorenzo di Credi,
estimé entre 50.000 et 70.000
euros. Il convient également
de mentionner une œuvre sur
toile de Jacobus Seldenslach,
une grisaille représentant Marie
entourée de guirlandes florales.
Pour le pendant de cette œuvre,
la salle avait obtenu un résultat
record de 21.000 euros, en 2017.
Une rare tunique précolombienne
du début de la période
intermédiaire 900-1000 sera proposée
contre une estimation de
5.000 à 7.000 euros. Les artistes
du XIXe siècle sont également
bien représentés b : la famille
Portielje (Jan, Edward et Gérard)
avec la Lettre (est. 2.000-4.000
euros), Jan Kruseman, Constant
Cap, Henry Leys, Jef Lambeaux
ou Ignace Van Bree. Comme
toujours, cette vente sera complétée
d’une belle collection
de verrerie et d’argenterie, de
tapis orientaux, de bijoux et de
quelques beaux objets Art déco
et Art nouveau, dont une figurine
de Chiparus, Danseur du Gange
(est. 4.000-6.000 euros).
28-05 Beaux bijoux chez Millon Belgique
EST. 1.500-1.800 €
Broche, or jaune 18 carats, platine, diamants, émeraude. © Millon
EST.
1.500-2.500 €
Montre dissimulée en
forme de coléoptère,
or jaune 18 carats,
émail, diamants, rubis.
© Millon
La vente cataloguée du 28 mai,
organisée par Millon Belgique,
sera constituée de quatre parties:
perles fines et de qualité, horlogerie
(collection de montres des
XVIIIe et XIXe siècles), bijoux de
créateurs et joaillerie. Le lot le
plus important en est une perle
fine d’eau de mer, en forme de
goutte, sans traitement, de couleur
gris clair au lustre bon, demi-percée
pour être montée sur
un pendentif des années 1880, en
platine surmonté d’un diamant
de taille old mine d’environ 1,10
carats. La perle provient d’une
famille de la noblesse belge et
date très probablement du XVIIIe
siècle, alors montée en boucle
d’oreille (est. 15.000-30.000
euros). Amusante est cette
montre dissimulée, en or jaune
18 carats, en forme de coléoptère
aux élytres en émail vert intense
transparent sur guilloché et
soulignés de diamants de taille
rose, principalement de Brabant,
quelques touches d’émail noir
sur le pronotum et la tête. Les
élytres s’ouvrent en poussant sur
la queue ce qui laisse apparaître
le cadran de la montre et la
partie supérieure de l’abdomen
qui est gravée à la pointe. Les
yeux sont en rubis naturels (est.
1500-2.500 euros). Signalons
encore cette broche en or jaune
18 carats et platine figurant les
ailes d’un aviateur pavées de
diamants taille rose et d’éclats de
diamants facettés, dans un serti
aux lignes perlées très finement
réalisé. Au centre, une émeraude
naturelle ovale d’un vert intense
présentant de belles inclusions
bi-phasées laisse supposer une
origine sud-américaine (est.
1.500-1.800 euros).
100

du 28 au 30-05
Offre variée chez Carlo Bonte Auctions
EST. 30.000-40.000 €
Willem De Kooning, Sans titre, 1964,
huile sur papier journal, 56 x 37 cm.
© Carlo Bonte
EST. 8.000-12.000 €
George Minne, Baigneuse I, bois, H.
40 cm. © Carlo Bonte
La vente de mai présentera une
intéressante collection d’œuvres
modernes et contemporaines.
Willem De Kooning est représenté
avec une figuration de 1964,
caractéristique de l’artiste. De
Karel Appel, on propose Head,
sculpture en céramique colorée.
Jim Dine fera une apparition avec
Nancy’s car, gouache de 1960.
Les maîtres de Laethem seront
présents avec, entre autres,
Splendide journée d’automne
de Modest Huys, des Valerius
de Saedeleer, Albert Saverys,
Constant Permeke et, enfin, les
dames Anna De Weert et Jenny
Montigny. De la main de George
Minne, une sculpture en bois
intitulée Baigneuse I, ainsi qu’une
version en plâtre de Les saintes
femmes au tombeau. La vente
se poursuivra avec une œuvre
de jeunesse de Floris Jespers,
des dessins de James Ensor et,
enfin, d’Henri Victor Wolvens. Elle
inclura également une intéressante
collection de bronzes de
Jan Desmarets. La salle propose,
étalé sur les années 2024-2025, le
fond d’atelier de l’artiste brugeois
Pol Spilliaert (1935-1923). Une
première série sera proposée lors
de cette vente. On annonce aussi
des maîtres anciens : Roelant
Savery (att.) avec un paysage
paradisiaque avec animaux, peint
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101

Auction calendar may—june 2024
Belgium
MAY
3 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
4 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
4-5 DVC Antwerpen
Kunst en antiek ANTWERPEN
6 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
6 Salle de ventes Uccle
Saint-Job
Design ONLINE
8 Flanders Auctions
Kunst, antiek en design
WINGENE
10 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
11 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
13 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
13 Haynault
Arts d'Asie BRUXELLES
13 Haynault
Monnaies et collections
BRUXELLES
13-21 Antenor Auction
The World of René &
Barbara Stoetie ONLINE
14 Haynault
Bijoux et Montres BRUXELLES
14 Berg van Barmhartigheid
Juwelen en numismatiek
BRUSSEL
14-15 Vanderkindere
Art et antiquités BRUXELLES
23 Hôtel des ventes Legros
Art et antiquités VERVIERS
24 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
25 Berg van Barmhartigheid
Speciale verkoop BRUSSEL
25 Van de Wiele Veilingen
Boeken, reisverhalen en zeeatlassen
BRUGGE
25 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
26 MJV Soudant
Antiquités, tableaux, mobilier
et objets d'art, art nouveau &
art déco GERPINNES
26 Galerie La Régence
Art et antiquités CHARLEROI
27 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
27 Bonhams Cornette
de Saint Cyr
Art belge BRUXELLES
27 Ventes Elysée
Vente spéciale: Tableaux et
mobilier GRIVEGNÉE-LIÈGE
27-28 Horta
Art et antiquités BRUXELLES
27-2 Salle de ventes Rops
Art et antiquités ONLINE
28 Campo & Campo
Klassieke kunstveiling
ANTWERPEN
28 Berg van Barmhartigheid
Muziekinstrumenten,
stripverhalen en juwelen
BRUSSEL
28 Ventes Elysée
Art et antiquités ONLINE
28 Millon Belgique
Joaillerie & Horlogerie
BRUXELLES
10 Haynault
Tableaux, Mobilier et Objets
d'art BRUXELLES
10 Antenor Auction
Luxe II: Jewels, watches and
bags BRUXELLES
10 Amberes
Kunst en antiek ANTWERPEN
11 Berg van Barmhartigheid
Fietsen, meubilair,
verzamelobjecten en juwelen
BRUSSEL
Netherlands
APRIL
29-6 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door I ONLINE
29-7 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door II ONLINE
MAY
1-2 Ald Fryslân
Kunst en antiek ONLINE
1-17 Veilinggebouw De Zwaan
Kunst en antiek ONLINE
3-20 Venduehuis Den Haag
Collectie Caroline van der
Vegt ONLINE
6-7 Van Zadelhoff
Themaveiling Ex Libris
HILVERSUM
6-9 Van Spengen
Kunst en antiek ONLINE
7-8 Burgersdijk & Niermans
Boeken, prenten, tekeningen
etc LEIDEN
8-29 Venduehuis Den Haag
Old Masters, 19th Century &
Early Modern Art II ONLINE
8-30 Venduehuis Den Haag
Old Masters, 19th Century &
Early Modern Art III ONLINE
28 Venduehuis Den Haag
Old Masters, 19th Century &
Early Modern Art DEN HAAG
28 Vendu Rotterdam
Kunst en antiek ROTTERDAM
30 Richard Terborg
Voorjaarsveiling GRONINGEN
JUNE
3 Veilinghuis Bouwman
Speelgoed ONLINE
3-10 Veilinghuis Korendijk
Kunst en antiek ONLINE
4-6 Veilinghuis De Jager
Kunst, antiek, juwelen en
aziatica GOES
10 ADAMS Amsterdam
Auctions
Kunst en antiek AMSTERDAM
11 ADAMS Amsterdam
Auctions
Kunst en antiek ONLINE
Luxembourg
MAY
25 Goldfield Auctions
Online auction ONLINE
15 Morel de Westgraver
Livres ONLINE
17 Phoenix Auctions
Antiquités WAVRE
17 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
18 De Vuyst
Hedendaagse, moderne en
oude meesters LOKEREN
18 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
20 Salle de ventes Uccle
Saint-Job
Brocante ONLINE
20-21 Galerie Moderne
Art et antiquités BRUXELLES
21 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
21 Berg van Barmhartigheid
Juwelen en numismatiek
BRUSSEL
21-22 Jordaens
Kunst en antiek MORTSEL
22 Hôtel des ventes Legros
Vente spéciale: Tableaux et
mobilier VERVIERS
28-30 Carlo Bonte Auctions
Kunst en antiek BRUGGE
29 Horta
Vins fins BRUXELLES
JUNE
1 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
1 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
2 Millon Belgique
Bandes dessinées BRUXELLES
3 Amberes
Burgerveiling ANTWERPEN
4 Berg van Barmhartigheid
Juwelen en numismatiek
BRUSSEL
8 ABS Veilingen Mechelen
Deurwaarderstukken
MECHELEN
8 Maison des Huissiers de
Justice
Vente aux enchères judiciaire
BRUXELLES
9 Antenor Auction
Paintings, furniture and
works of art from Antiquity to
contemporary BRUXELLES
13-18 Heritage Auctions
Europe
Coins, Currency and Medals
IJSSELSTEIN
14 Zeeuws Veilinghuis
Exclusive Items MIDDELBURG
14-17 Bubb Kuyper
Boeken, prenten, tekeningen
en schilderijen HAARLEM
15 Zeeuws Veilinghuis
Aziatica ONLINE
15 Zeeuws Veilinghuis
Indonesian Art ONLINE
15 Veilinghuis De Ruiter
Diamanten en horloges
KLAASWAAL
16 Veilinghuis De Ruiter
Juwelen KLAASWAAL
20 Veilinghuis Bouwman
Speelgoed ONLINE
27 Vendu Rotterdam
Design ROTTERDAM
27-3 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door I ONLINE
27-4 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door II ONLINE
27-5 Venduehuis Den Haag
Vendue Next Door IIImodelbouw
en miniaturen
ONLINE
102

Fair calendar may—june 2024
Belgium
Portugal
The Netherlands
United Kingdom
United states
MAY
MAY
MAY
MAY
MAY
5 Zilvermarkt
Laarne
16-19 Antwerp Art Weekend
Antwerpen
18-20 Brocante Deulin
Deulin
19-20 Marché Céramique
Andenne
Andenne
24-26 ART3F
Kortrijk
France
MAY
23-26 ARCO Lisboa
Lisboa
Scotland
JUNE
7-23 Glasgow Contemporary
Art Fair
Glasgow
Switzerland
JUNE
10-16 VOLTA Basel
Basel
9 Art on Paper
Amsterdam
17-20 Pinkstereditie: Kunst en
Antiek Weekend
Zeist
24-26 Huntenkunst
Ulft
29-2/6 Amsterdam Art Week
Amsterdam
JUNE
7-9 Het Juweel
Driebergen
7-12 The Decorative Fair
Spring
London
9-14 The Decorative Antiques
& Textiles Fair
London
16-19 Photo London
London
16-19 London’s Rare Book Fair
London
16-19 Firsts London 2024
London
1-5 Frieze New York
New York
2-5 NADA New York
New York
2-12 AKAA
Los Angeles
9-12 Independent New York
New York
9-14 TEFAF New York
New York
9-12 Focus Art Fair New York
London
31-2/6 BAD+ Art Fair
Bordeaux
10-16 Photo Basel
Basel
JUNE
6-13 Printemps Asiatique
Paris
Paris
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php?id=100080201273036
Recherche : En collaboration avec
Richard Overstreet, ayant-droit de
Leonor Fini et co-auteur du Catalogue
Raisonné des peintures à l’huile de
l’artiste, paru en 2021, nous recherchons
activement les tableaux qui
n’auraient pas été repris dans la première
version de cet ouvrage pour
une actualisation de celui-ci. Nous
sommes également à la recherche
de toute oeuvre originale (dessin ou
aquarelle) ayant été réalisée entre 1940
et 1955, car plusieurs des séries réalisées
à cette époque figureront également
dans le Supplément actuellement
en cours de rédaction. Les
propriétaires de ces oeuvres peuvent
prendre contact avec nous à l’adresse
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