HoRS LeS MuRS - Le 19 CRAC

Les Cahiers 2012 - n°3
Au-delà du
tabLeau
John M. aRMLeDeR
Cécile baRt
Juan Jose CaMbRe
Philippe DeCRauZat
Dominique DeHaIS
Beto De VOLDeR
Lucio DORR
Susanna FRItSCHeR
Didier MeNCObONI
Antoine PeRROt
Pascal PINauD
Andrés SObRINO
tILMaN
Véronique VeRStRaete
Le 19, Crac
15 sept. > 30 déc. 2012

Parti PRIS
14,8 x 10,5 Cm - 20 pAgEs - 5 Euros
tExtE : otto tEiChErt
Rémi uCHéDa
17 x 24 Cm - 64 pAgEs - 15 Euros
tExtEs : rAphAël BrunEl, CélinE piEttrE,
guillAumE mAnsArt
CoéDition : lE vog, lE 19, CrAC
Gasiorowski - peinture - fiction
éric SuCHèRe
14,5 x 21 Cm - 216 pAgEs - 22 Euros
tExtE : Eric suChèrE
CoéDition : FrAC AuvErgnE, lE 19, CrAC
a PaRaîtRe
Diana QuinBy
PubLICatIONS
Autour des expositions
• Levée de rideau, rencontre d’artistes
Les artistes présents à l’exposition évoquent leurs
démarches artistiques avec la participation de Philippe
CyrouLnik, commissaire de l’exposition. rDV au 19.
> Vendredi 14 septembre à 14h, entrée libre.
• LeS JournéeS européenneS du patrimoine,
“La face cachée d’une exposition”
Visite commentée et retour en image sur le montage
de “Au-delà du tableau”. Entrée libre.
> Samedi 15 et dimanche 16 septembre à 15h30, RDV
au 19, entrée libre.
• CLub SandwiCh vidéoS
une programmation de vidéos d’artistes à l’heure du
déjeuner, le dernier mardi du mois. Pensez à réserver
vos sandwichs par mail (agoetz@wnadoo.fr) ou par
tel : 03 81 94 43 58.
> Les mardis 25 septembre, 27 novembre - 12h30-
13h30, entrée libre - Sandwich : 2 euros.
• Le rdv deS profS et deS animateurS
Spécial enseignants, animateurs et responsables asso-
ciatifs. Découverte de l’exposition avec l’équipe du
service des publics. Ce rDV est suivi d’une lecture
à 18h.
> Mardi 2 octobre à 17h30, entrée libre.
• éCLairaGe#1
“Objet non identifiable” - Lecture
À travers une sélection de textes sera évoqué le
mélange des genres qui amène les artistes actuels
à aller au-delà des découpages traditionnels. Cette
lecture prendra la forme d’une “conversation” entre
Philippe CyrouLnik et Sylvie DAVAL.
> Mardi 2 octobre à 18h, entrée libre.
• éCLairaGe#2 : Conférence de Pierre Wat
“Extension du domaine de la peinture”
Pierre WAt est historien de l’art, critique, commissaire
d’exposition et professeur d’histoire de l’art contemporain
à Paris i.
> Jeudi 18 octobre à 18h30, entrée libre.
• La noCturne du 19
Performance de Claire SerreS
A l’occasion de la nocturne étudiante du Pays de
VISIteS au 19
LeS aCtIVItéS Du SeRVICe DeS PubLICS
• Visites des expositions
au 19 à 15h30, entrée libre
> Sam. 15, dim. 16 et mercredi 19 SePt.
Dimanche 21, mercredi 17 et 31 oCt.
Dimanche 11 et mercredi 7 noV.
Dimanche 16 et mercredi 19 DéC.
• Les matinées jeunes pubLics
Visites/ateliers pour les enfants 4-12 ans
Au 19, les mercredis de 10h à 12h
> 19 SePt, 17 et 31 oCt, 7 noV, 19 DéC.
Ces visites et ateliers sont proposés à tous les
enfants qui souhaitent exercer leur regard et
s’initier à une pratique – Entrée libre.
• Les Visites de groupes (enfants et aduLtes)
Visites àNeZ et ateliers MaIN-a-La-Pate
Des rencontres découvertes au plus proche des
œuvres d’arts. Adaptées à tous publics sur
réservation – Entrée libre.
NeZ
Pour toutes demandes de renseignements, réservations
ou pour préparer une visite, n’hésitez pas à
contacter Jean-Marie Boizeau au 03 81 94 43 58 ou
jmboizeau@orange.fr
Montbéliard, le Centre d’art ouvre ses portes toute la
soirée. Performance de Claire SErrES vers 21h45. Elle
proposera un de ses Dispositifs de résonnance.
Mise en scène de mise en abîmes, constructions
d’espace virtuels, ses performances sont des machines
boiteuses, des histoires sans chute, des fruits déguisés.
> Jeudi 25 octobre jusqu’à 23h.
• LivreS en StoCk !
Grande braderie d’art à l’approche des fêtes de Noël
Le 19 vous propose dans son hall, à des prix très intéressants,
une sélection de livres d’art.
> Du vendredi 23 novembre au 23 décembre.
• éCLairaGe#3 : Conférence de Cédric Loire
Cédric LoirE est docteur en histoire de l’art, critique,
commissaire d’exposition et enseignant à l’école supérieur
d’art de Clermont Métropole.
> Mardi 11 décembre à 18h30, entrée libre.

Au-delà du
tabLeau
15 sept. > 30 déc. 2012
une partie importante des artistes
actuels aborde la peinture sans en passer
uniquement par les matériaux et
techniques liés à celle-ci. Ainsi certains
rejouent les questions propres à la peinture
(couleur, grille, rythme, lumière,
composition) à partir de l’objet ou de
matériaux industriels. ils font dévier la
peinture vers le volume, emploient le
son, l’image multimédia ou encore la
dématérialisent voire l’intègrent à l’environnement
urbain. ils la travaillent au sol
comme dans l’espace. En quelque sorte,
ces artistes ont largué les toiles ou les
pinceaux en abandonnant la convention
du tableau pour conquérir une liberté
plus grande, tant en ce qui concerne les
supports, les matériaux que les outils de
l’oeuvre. ils renouvellent cette extension
du domaine de la peinture hors
de son champ à tel point que c’est en
l’abandonnant au profit de l’espace et de
l’architecture qui la perpétuent comme
l’avaient fait les constructivistes, les néoplasticiens
en leur temps ; mais avec le
moyen propre à l’ère du numérique, des
matériaux composites et de l’imbrication
entre le fonctionnel et l’ornemental
dans la société du décor et de l’objet qui
est la nôtre.
l’œuvre de John m. aRMeLeDeR dialogue
avec l’histoire de genres et des
avant-gardes. Elle mobilise les potentialités
linéaires et chromatiques du néon.
Cécile baRt, avec en particulier ses peintures/écrans,
ses fils et ses projections,
conçoit des propositions plastiques qui
abolissent la division entre le recto et le
verso et inscrivent couleur et forme dans
l’espace en jouant de la lumière et de la
transparence.
Juan Jose CaMbRe est passé de l’image
peinte à sa trame, de la trame à sa décomposition
en points puis du point au
monochrome. il réalise aussi des films
utilisant les incidences de la lumière sur
le réel pour produire des effets à caractère
abstrait en jouant du mouvement
pour perturber la structure et la composition
de l’image.
philippe DeCRauZat évide le tableau
n’en gardant que le cadre travaillé
comme un motif décoratif qui n’est pas
sans évoquer un ornemental industriel.
Dominique DeHaIS construit des
œuvres qui campent entre sculpture,
design et peinture. il interroge les liens
entre l’art et son contexte socio-politique.
Beto De VOLDeR compose sur le mur
des arabesques géométriques avec des
pastilles auto-collantes qui ont un fort
impact cinétique.
lucio DORR utilise des impressions textiles
industrielles qu’il suspend en jouant
de leur graphisme et de leur motif illustrant
une suite de réseaux urbains.
susanna FRItSCHeR évoque la couleur à
travers le son et l’espace.
Didier MeNCObONI, avec ses mobiles,
s’appuie sur la lumière et la couleur pour
déployer les mouvements de ce qui est à
la fois objet et surface, découpe et plan
dans l’espace.
Antoine PeRROt a fait le choix d’un
usage exclusif de matériaux industriels
pour interroger les relations entre forme
et couleur.
pascal PINauD fait partie de ces artistes
qui font appel à l’artisanat, au design et à
la production industrielle pour éprouver
leurs potentialités picturales.
Andrés SObRINO utilise de façon quasi-systématique
de l’adhésif de couleur
pour créer objets ou dispositifs picturaux.
tILMaN pratique la peinture à travers
le volume et la couleur, il lui donne
une architecture et l’espace de son bâti.
véronique VeRStRaete interroge valeur
esthétique et valeur d’usage dans des
réalisations qui campent entre peinture,
sculpture et mobilier.

Sans titre, 1993, installation au sol, tubes fluorescents, dimensions variables, CnAp, photographie : Jean Brasille
John M. aRMLeDeR
né en 1948, vit et travaille à genève, suisse
le cœur du travail de John M. aRMLeDeR se trouve dans l’interrogation
constante qu’il met en forme sur ce qui spécifie ou au contraire
entache l’identité de l’œuvre d’art. les références à l’histoire de la modernité
picturale sont évidentes et particulièrement aux avant-gardes
historiques européennes (Constructivisme style rodtchenko ou suprématisme
comme malevitch) mais aussi les américains de l’open Field
painting comme Jules olitski ou de l’Art minimal comme Dan Flavin. il
y a une dimension citationnelle très forte chez l’artiste, mais à l’égard
des traditions d’avant-garde de l’avant-garde il opère un travail qui relève
à la fois de la réplique et du détournement. il vient interroger les
statuts de l’œuvre et de son créateur. il déstabilise fortement l’idéal
« héroïque » de la tradition moderniste. on voit les citations mais cela
devient « autre chose ». il procède en deux temps : dans un premier,
tel le personnage du film Puce Moment réalisé dans les années 60 par
Kenneth Anger qui devenait le personnage
de chacune des robes qu’il revêtait,
Armleder s’approprie une forme ou une
problématique artistique très connue et
accepte de jouer le rôle du copiste ou plutôt
de l’épigone. mais il ne s’arrête pas là.
il commence par une variation puis opère
un double de déplacement : en exacerbant
la copie, en l’altérant et en la confrontant,
sur le mode ironique propre à certains
artistes de Fluxus, à un univers qui lui est
totalement antinomique. il le fait basculer
vers le grotesque ou le kitsch. mélangeant
délibérément art élitiste et arts populaires,
il procède à un collage visuel. une toile de
Kazimir malevitch est réinterprétée et associée
à des mobiliers bas de gamme pour
devenir un élément de décor qui relève à
la fois de l’Art-déco, d’une vitrine de grand
magasin et de l’art, parce que du coup,
même l’objet usuel est tendanciellement
arraché à sa valeur d’usage et réapproprié
comme forme. un certain nombre de ses
installations s’intitulent d’ailleurs Furniture–sculpture
(meuble/sculpture). il avait
procédé de même dans une exposition à
la galerie perrotin où le mur devenait une
sorte de wall-painting monochrome matiériste du plus kitsch mais qui
campait dans une ambiguïté visuelle entre mur peint et cimaise, et sur
lequel étaient fixés des papiers peints au style expressionniste abstrait
mais aux formes et aux giclées d’un lyrisme aux tons pastels.
l’installation sans titre (1993) est constituée de néons blancs et d’un
néon jaune. la référence aux structures en néons de Dan Flavin qui
revendiquait une rationalité, une rigueur extrême et une métaphysique
de l’œuvre est évidente. mais chez Armleder, les néons sont disposés
au sol dans un désordre qui suggère du matériel d’éclairage en
cours d’installation et renvoient plus à l’aménagement d’intérieur qu’à
l’icone. le dispositif évoque une situation de chaos organisé au regard
de l’épure de pièces de Flavin. mais le fait qu’Armleder y ait introduit
ce néon jaune vient introduire une dimension artistique suggérant une
composition minimum. Cela devient un chaos de néons corrodant
avec ironie l’image évoquant la mélancolie des peintures de chaos de
glaces de Caspar Friedrich. une sculpture du désenchantement à l’ère
des grands magasins.

Cécile baRt
née en 1958, vit et travaille à marsannay-la-côte
l’œuvre de Cécile baRt prend totalement en charge sa valeur décorative.
Elle compose harmonieusement avec l’architecture, fait corps avec elle, respectant
son rythme naturel tout en lui apportant un nouveau souffle. ses
peintures contaminent l’espace, le mettent en vibration, lui attribuant une
nouvelle profondeur visuelle et émotive. ses dispositifs transforment les
lieux en espaces de couleur dans lesquels nous déambulons. il y a chez elle
un usage de la couleur qui mobilise l’efficacité visuelle du monochrome avec
l’impact que peut avoir sur la vision sa transparence, sa translucidité ou son
opacité relative en fonction du déplacement du spectateur et de la lumière.
Car les tableaux de Cécile n’en sont pas vraiment ; il s’agit en effet de toiles
se rapprochant des toiles sérigraphiques tendues sur des écrans métalliques.
Ces écrans, en fonction de leur position, font obstacle ou sont traversés par
la lumière ; la polychromie se joue d’un écran à l’autre. les positionnements
des écrans dans le lieu leur donnent une position spatiale qui implique pour
certains que l’on puisse tourner autour et voir d’autres écrans à travers. Du
coup se produisent des interférences de couleurs et de valeurs. par leur disposition
dans l’espace et dans leur relation au mur, ils ont à la fois une fonction
chromatique, une dimension spatiale modifiant l’espace et la perception
de l’architecture des lieux investis, et une dimension visuelle qui joue de la
lumière entre transparence et opacité.
Cécile Bart présente au 19 trois maquettes (Models) et leurs jeux d’échantillons.
par l’augmentation de l’échelle de la maquette et sa mise en rapport
avec des échantillons conçus à l’échelle réelle, une mutation s’opère. tout
en ayant été conçue à l’origine pour des lieux spécifiques dont elle « reconstitue
» l’espace, la maquette acquièrt une part d’autonomie qui la fait fonctionner
à la fois comme un espace spécifique, comme un objet spéculaire
et le théâtre d’une scénographie abstraite. l’exposition de plusieurs de ces
mises en scène, institue de nouvelles perceptions tant dans les relations entre
chacune que celles qu’elles entretiennent avec le lieu. Models/Gammes est
ici constitué de trois maquettes à échelle 1/10, présentant trois expositions
qui se sont déroulées entre 1998 et 2012 (1998 Tanzen, 2003 La Ronde, 2012
Suspens at Geneva). Chacune met en scène des peintures/écrans. Chaque
maquette (model) se double du jeu d’échantillons de la gamme de couleur
correspondante (gamme). Depuis 1997, un échantillon est un carré de tissu
de 90 x 90 cm peint en même temps que chaque nouvelle peinture, servant
de test et de mémoire des couleurs utilisées. les relations entre surfaces,
couleurs et motifs jouent au sein de chaque lieu représenté à échelle réduite,
et tout autant en grandeur nature, et dans les échanges entre les trois sculptures
assemblages. les trois maquettes font partie d’un ensemble de cinq
maquettes exposées à la maréchalerie de versailles au printemps dernier.
Cécile Bart est représentée par la galerie Chez valentin, paris et par Catherine issert, saint-paul.
Models/Gammes, 2012, maquettes au dixième, jeux d’échantillons, supports métalliques (de haut en bas : Tanzen, Aargauer Kunsthaus, Aarau, 1998 ; Suspens at Geneva, mamco, genève, 2012)

Juan Jose CaMbRe
né en 1948, vit et travaille à Buenos Aires, Argentine
Au cours de son parcours, Juan Jose
CaMbRe s’est progressivement affirmé
comme un coloriste à travers la pratique
d’une peinture de paysage travaillée par la
couleur. le « sujet » paysage est traité avec
une gamme chromatique limitée aux couleurs
primaires et secondaires, donc, totalement
anti naturalistes et sans aucun effet
de couleur locale. la couleur, progressivement,
envahit l’espace de ses peintures en
dissolvant tendanciellement le motif paysager
dans le point de trame.
Ce grossissement du point plaçait le spectateur
dans une situation de basculement
où le motif était constamment à la lisière
de son apparition et à la limite de sa disparation.
Cela produisait une peinture
pointilliste néo-pop, un peu comme dans
le mec’art où l’image recherchée s’illustre
comme un constant va-et-vient entre le
flou et le net. Cette utilisation du point
trame sera d’ailleurs à l’origine d’œuvres
majeures de l’artiste français Alain Jacquet
qui en fut une des figures historiques.
Ce point de trame n’est pas sans évoquer la
reproduction industrielle de l’image imprimée,
induisant un effet de déréalisation
du sujet. Cambre va aller plus loin dans la
corrosion du réel par le point : il était dans
la logique de sa peinture que le point désagrège
l’image pour l’entraîner vers une pure
picturalité. Cela a débouché sur une problématique
du monochrome qui va s’affirmer
jusqu’à nos jours dans des modalités
variées. Cette pratique touche au tableau et
en particulier au tondo, qui chez lui configure
le passage du point au tableau, mais
aussi au tirage lithographique.
Dans l’usage de cette technique, il sollicite
une gamme chromatique limitée aux couleurs
primaires et aux secondaires avec des
variations sur des séries travaillées d’une
seule couleur. la lithographie étant la matrice
du multiple mais permettant aussi de travailler
ensuite sur le principe de l’association de
couleurs disjointes. les épreuves permettent
après coup de penser, couleur par couleur,
la relation du tout à la partie. nous sommes
là dans un registre de la variation et de la
combinaison qui recoupe les recherches des
artistes du monochrome et de l’abstraction
minimale comme Kees visser pour les paysbas
ou François perrodin pour la France ou
encore l’américain Alan Charlton.
Séquence 3, 2011, vidéo, 20’32
l’approche non compositionnelle qui caractérise
tout un pan de son travail l’a amené
à s’intéresser à la lumière et aux mouvements
dans leur incidence sur les processus
de dématérialisation du réel (sur la surface
d’un plan d’eau par exemple). De même
qu’Ellsworth Kelly s’est servi de photos des
reflets du soleil sur l’eau de la seine, Cambre
a filmé des étendues d‘eau où la lumière par
ses variations et dans sa relation aux mouvements
de l’eau peut lui donner l’homogénéité
d’un plan quasi monochrome, ou à
l’épreuve de ses ondulations, l’animer d’une
vibration voire la diffracter en une myriade
d’éclats de lumière. le mouvement et la réflexion
de la lumière vont déporter le plan
vers le point et réciproquement. ses deux
petits films (dont l’atmosphère fait penser à
Claude Debussy) saisissent dans une calme
lenteur ce double mouvement d’homogénéisation
et de fragmentation de la couleur
du monde ; comme en écho à celles de la
peinture.
Juan Jose Cambre est représenté par la galerie vasari,
Buenos Aires.

Philippe DeCRauZat s’emploie à revisiter le champ de l’abstraction et
en particulier l’Art optique (Bridget riley) et le cinétisme (Jesús-rafael
soto), des expériences filmiques des avant-gardes (hans richter, Fernand
léger, etc) mais aussi du pop’art (ou encore roy lichtenstein si on prend
l’œuvre exposée dans Au-delà du tableau). il en élargit le périmètre et
les différentes perspectives. mais on ne peut ignorer à son propos la
référence incontournable à marcel Duchamp, à ses rotoreliefs et de
l’Anémic Cinéma. Et ce, à double titre : d’une part pour l’aspect cinétique
de ses deux œuvres et d’autre part, pour des raisons qui anticipent certaines
des préoccupations de Decrauzat : marcel Duchamp considérait
ses rotoreliefs comme des jouets et le premier lieu où il les exposa fut
le Concours lépine, conçu à l’origine pour les fabricants de jouets puis
élargi à toutes sortes d’inventions. les altérations de la perception qu’ils
produisent, l’animation dynamique de lignes par le mouvement, leur expansion
virtuelle que le mouvement produit sont aussi des phénomènes
optiques qui intéressent Decrauzat. la déstabilisation du spectateur par
une perte de repères de sa vision aussi.
il faut y ajouter un autre aspect qui tient au statut de l’œuvre et aux
relations entre art de masse et art d’avant-garde. il y a bien évidemment
dans cette démarche une préoccupation que reprend à son compte
Decrauzat, à savoir, l’ambiguïté des objets produits entre dimension cognitive
et/ou dimension ludique de l’objet, entre œuvre d’art ou objet
décoratif (Duchamp voulait donner à ses créations le statut de jouet
et ainsi les vendre en tant quel tel « échec sur toute la ligne » avait-il
déclaré après cette tentative, mais l’intention indiquait le caractère fluctuant
des objets produits). on est un peu à l’inverse du ready-made :
infléchir l’œuvre vers l’objet de consommation, partir du spéculatif pour
aller vers le décoratif. mais Decrauzat reste sur le fil du rasoir dans un
constant basculement entre ces deux versants.
Dans Sans titre (cadre#1) que nous avons choisi, plusieurs de ces ques-
Sans titre (cadre#1), 2009, acrylique sur toile
tionnements sont abordés. un cadre vide qui n’encadre que le blanc du
mur et donc cerne ce qui est l’envers de l’art. mais ce cadre, en symétrie au processus précédent, la découpe qu’il opère sur le réel produit une
œuvre. Et pourtant, d’emblée, l’ombre d’un doute saisit le spectateur du fait du vide que ce cadre découpe ; le repli du pictural sur le cadre
évoque l’objet décoratif. la structure en faisceau de lignes colorées accentue un effet perspectif et le côté « ouverture » de l’objet qui rappelle
bien évidemment le tableau comme « fenêtre », mais qui n’ouvre sur rien d’autre que le mur qui le porte. un cadre peint qui n’encadre que le blanc
d’un mur vide. les moirages produits délibérément par la bichromie accentuent l’effet décoratif aux allures géo-pop que l’on retrouve dans le
motif décoratif de certains mobiliers type miroir (qui ne sont pas sans évoquer les Mirrors de l’ami lichtenstein). Et voilà aussi un miroir qui ne
réfléchit rien… reléguée sur ses bords, la peinture tend vers l’objet et le cadre peint qui enserre le blanc du mur le rabat vers l’œuvre. une façon
d’associer le ludique du jeu visuel à la mélancolie de la vanité.
philippe Decrauzat est représenté par la galerie praz Delavallade, paris
Philippe DeCRauZat
né en 1974, vit et travaille à lausanne, suisse

Dominique DeHaIS
né en 1956, vit et travaille à paris
Dominique DeHaIS dans son œuvre est à la
croisée des traditions de l’abstraction géométrique,
de l’Art minimal et de l’Art conceptuel.
sa pratique, tout en ayant été fortement marquée
par la peinture, en passe depuis autant
par la sculpture, l’installation, la photographie
que le design d’objet ou la vidéo. les deux
œuvres qu’il réalise ici associent à la fois des
références à la sémiotique, au formalisme
et aux liens possibles entre forme et objet,
structure symbolique et structure formelle,
production industrielle et production artistique.
Planches est constituée de quatre planches de
Dibond d’une taille identique. peintes d’une
laque automobile noire et vernie, elles se disposent
indépendamment l’une de l’autre avec
des configurations d’accrochage multiples
mais dans des rapports d’orthogonalité. Elles
peuvent évoquer des signes ou des codes appartenant
à une écriture ou un langage possible
(d’ailleurs il avait utilisé la signalétique
Planches, 2012, quatre planches Dibbon, laque et vernis
aéronavale antérieurement). les dimensions
anthropomorphiques des planches (174 x 46
cm) rappellent que l’engagement du corps
est une des conditions de la relation entre
la forme, l’espace et ceux qui lui font face.
leur surface laquée fait miroir et réfléchit son
environnement immédiat tout en incluant le
regardeur qui s’arrête ou passe devant.
Partir a la forme d’une mandorle. Dans l’iconographie
chrétienne, la mandorle a symbolisé
la gloire du Christ et le passage du monde
terrestre au monde céleste. Elle est aussi la
forme du sexe féminin et donc le lieu symbolique
d’une origine. C’est une amande gonflable
de grande taille accrochée dans les airs
au-dessus des têtes, comme un nuage. Elle est
suspendue au plafond comme une bulle de
pensée. le souffle des ventilateurs produit le
léger bourdonnement d’une chose en activité
(en anglais cela se dit «drone»…). son statut
est ambivalent entre figure de l’apocalypse
ou du salut. Elle est autant promesse que
menace. Entre apocalypse et rédemption. Au
plan symbolique, elle convoque à la fois le
messianisme religieux et le messianisme laïc.
sa surface métallisée reflète de façon floue et
déformée le lieu qu’elle occupe. Comme une
litanie y est imprimé « ils partirent à l’assaut
du ciel », le propos de Karl marx évoquant
le combat des insurgés de la commune de
paris. Partir est l’habitacle de ce qui est à la
fois commencement, passage et départ. le
souffle et le vide atmosphériques retenus
et contenus par la membrane donnent l’idée
d’un espace inaccessible tout en offrant en
creux l’image de l’espace réel de par l’effet
miroir de sa surface brillante. il est donc cet
espace où le possible porte son au-delà. Ce
qui, à l’aune de notre histoire commune, peut
en faire la forme d’un pari mélancolique sur le
principe d’espérance cher à Ernst Bloch.
Dominique Dehais est représenté par la galerie la ferronnerie,
paris.

Beto De VOLDeR
né en 1962, vit et travaille à Buenos Aires, Argentine
Beto De VOLDeR est maitre de la ligne et de
la couleur. Chez lui la couleur est au service
de la ligne mais en même temps elle lui donne
une vibration. souvent, elle est uniforme. pas
de polychromie mais la bichromie en mettant
le support blanc à profit. Au maximum trois
couleurs. Car ce qui prime, c’est l’intensité du
trait, la force du contraste. on comprend dès
lors l’importance centrale du dessin dans son
œuvre.
la ligne, chez Beto, est rebelle et joue autant
la courbe que l’angle. mais ce qu’elle ne
connaît pas c’est l’angle droit, car ce que sa
ligne porte c’est plus qu’une organisation de
l’espace, c’est aussi la dynamique d’un mouvement
serpentin, les tensions de la rupture,
ou enfin le dynamisme spatial de l’angle aigu
qui viennent dynamiser l’espace. Cette primauté
du linéaire inscrit son œuvre dans une
tradition qui va de Antoine pevsner à Jean Arp
et sol leWitt, particulièrement à celui des
wall-drawings, celui qui ouvre à l’arabesque le
champ de son dessin. mais De volder croise
dans son aire les lignes aériennes et versatiles
de gego, la dynamique spatiale de raul lozza,
deux grandes figures de l’abstraction géométrique
latino-américaine. Ce qui le différencie
et le singularise, c’est l’intégration du relief à
la ligne. il travaille ce qui fait passer de la ligne
au contour et du contour au plan. il permet
de joindre les parties en formant un tout. il va
interroger les potentialités formelles des relations
entre le tout et la partie dans certaines
de ses œuvres. la ligne vient ouvrir le plan
et dans certaines séries le compartimenter,
puis le fragmenter ; à l’image des structures
cellulaires. il y a une part de son activité plastique
qui relève du principe d’association et
de scissiparité.
si l’œuvre pour lui est cosa mentale, c’est sur
le mode d’une pensée vagabonde qui associe
le projet à l’intuition du faire. Ce n’est pas
étonnant qu’il ait été amené à s’attaquer au
point. on sait que la ligne est une multiplication
de points ou ce qui joint sur un plan
un point à l’autre. on sait aussi que le point,
ou plutôt la succession de points, quand elle
dessine en creux les circonvolutions du trait,
a un effet cinétique qui fait que la persistance
rétinienne de l’œil comble les blancs
qui parfait le dessin potentiel, que le pointillé
suggère la ligne tout en produisant un
effet kinesthésique qui produit une impression
de mouvement accusant le dynamisme
Sans titre (wall drawing), 2012, pastilles autocollantes, vue l’exposition PLC, Centre Borges, Buenos Aires
de la forme. mais le point est aussi le point
de trame, qui décomposant la ligne, vient en
troubler et brouiller la perception. une pratique
qui fait que le dessin simultanément se
constitue et se défait. Cette envie d’associer
le dessin à l’intuition l’a poussé à se délester
de l’objet pour s’attaquer directement au dessin
mural sans en passer par les outils traditionnels
que pourraient être le crayon ou le
pinceau ; cela pour éviter le carcan qu’impose
au dessin la soumission au croquis préparatoire.
C’est donc avec un matériau industriel,
aussi simple qu’efficace qu’il travaille : des
pastilles noires utilisées dans l’habillage intérieur
des automobiles ; ainsi, « à point levé »,
il monte des variations entre l’angulaire et le
serpentin qui nous emportent et nous immergent
dans le mouvement même de leur
conception. A suivre le fil et à interroger la
trame surgit la vision d’un dessin qui s’offre
et se dérobe constamment et qui nous place
entre devenir et souvenir dans des visions instables
que notre œil perçoit et perd.
Beto De volder est représenté par la galerie palatina, Buenos
Aires.

Lucio DORR
né en 1969, vit et travaille à Buenos Aires, Argentine
si le terme de production peut avoir une
pertinence, c’est bien dans le cas de l’œuvre
de Lucio DORR qui est parmi les plus
prometteurs de la nouvelle génération de
l’abstraction argentine. tout en ayant été
marqué par l’abstraction, en particulier
par l’Art concret et géométrique, il a
parfaitement assimilé la tradition utopique
et prospective issue du Constructivisme
et du productivisme ou encore la tradition
néo-géo avec des artistes comme peter
halley. mais lucio Dorr intègre des
éléments propres à la culture urbaine. En
abandonnant le support tableau, la toile et
les pinceaux, il donne une place centrale aux
techniques liées à la production en série.
son registre formel est lié aux schémas
de communication, à la signalétique et
aux objets. il utilise de façon centrale le
procédé sérigraphie mais sur des supports
verres ou plexis. il sollicite des matériaux
qui sont liés à la production d’objet et en
règle générale à l’imprimerie. ses formes
Sans titre, 2009 (version 2012), tissus imprimés et câbles, vue de l’exposition All boys, musée de santa Fe, Argentine
peuvent s’inspirer d’expériences abstraites
comme celle de Jean Arp, mais aussi à ce
design aux couleurs et aux dessins très
« pop » que l’on trouve dans la décoration et
le mobilier des grandes surfaces de vente.
son usage du matériau industriel (plastique
et verre) et des couleurs singulières qu’il
produit, peuvent évoquer les œuvres post
minimal d’un artiste de la côte ouest des
usA comme John macCracken. il n’y a pas
chez Dorr de dogme, tout type de ligne
est bon à prendre. il y a dans son travail
une contiguïté entre le dessin technique
et la forme, entre la grille abstraite et le
réseau urbain. ses formes campent entre le
plan, le prototype et l’objet sans vraiment
suggérer un usage mais plus en affirmant
leur plasticité, leur impact décoratif. Ainsi,
il garde une ambiguïté, flirtant avec le
mobilier.
Dans l’œuvre présentée il réutilise des tissus
imprimés à motif géométrique pour
les suspendre sur des étendoirs. la couleur
réduite au noir et blanc en augmente l’impact
visuel. Ces pièces de tissus aux motifs
en grille et aux trames de densités différentes
produisent un résultat très étrange
où les choses se tiennent sur le fil. pour le
dire en jouant sur le littéral et le figuré, on
est face à ce qui serait à la fois tissu, toile,
patchwork et peinture ; la toile ici joue de
ses deux dimensions, textile et picturale. Du
coup le dispositif part de l’objet (un accrochage
de tissus) pour faire tableau. une
composition linéaire qui reprend le motif
de la grille avec des resserrements ou des
élargissements, des zones denses et d’autres
plus aérées qui ne sont pas sans faire penser
au paysage urbain. sans jamais être dans le
descriptif et toujours suspendu à un fil…

Susanna FRItSCHeR
née en 1960, vit et travaille à montreuil
ses œuvres se construisent toujours à partir d’un lieu,
en son sein, et interrogent notre perception visuelle
et sensorielle. intrinsèquement liées au réel, elles produisent
un jeu d’alternance dans notre appréhension
entre l’œuvre elle-même et son environnement. les
éléments intérieurs ou extérieurs à l’œuvre, (matière,
surface, lumière, architecture), entretiennent une relation
réciproque. ses dispositifs se développent à partir
d’un travail de peinture, projetée au pistolet sur différents
supports (toile, verre, plexiglas, film plastique) ou
directement sur le mur. le blanc, dans toutes ses variations,
constitue au départ une alternative radicale. ses
recherches se déclinent alors, de l’introduction de la
couleur, à l’expérimentation d’autres matériaux, enduits,
revêtements ou vidéo projection luminescente. Ces
procédés sont autant d’outils permettant d’agir sur l’espace
- parois, sols, plafonds - afin de souligner les caractéristiques
architecturales de l’endroit, de les déplacer,
de les inverser, de les contredire.
laurence Dalloz, extrait
Depuis deux ans, Susanna FRItSCHeR fait usage du son
avec lequel elle réalise des dispositifs présentés dans
différents lieux qui peuvent leur faire écho sans les redoubler
en jouant sur l’écart et les liens entre ce qui se
voit et ce qui se décrit. Entre ce qui se perçoit et ce qui
se dit. s’il est question de dire le lieu ou la couleur, il
est aussi question ici d’une voix qui rend présente l’absence
de ce qu’elle nomme, décrit ou commente. mais
se jouent aussi la présence spatiale de la voix, sa rythmique
et sa tessiture qui donnent au texte l’amplitude
qu’autorise le phrasé de ce qui est proche d’un récitatif.
Ce qu’elle nous offre dans une forme épurée et sensuelle
c’est une poétique de la couleur à l’épreuve et à
l’écho de la voix. la « partition » proposée au 19 est une
suite de textes sur le blanc écrits par Charles pennequin
et mis en voix par helia samadzadeh, une soprano ; le
choix d’une cantatrice de préférence à une comédienne
traduit la volonté d’une rythmique à l’exclusion de l’interprétation
théâtrale plus chargée d’affect et d’effets.
Une autre pièce : blanc, 2012, installation sonore en quadriphonie, 13’

Didier MeNCObONI
né en 1959, vit et travaille à ivry sur seine
menant une activité de dessin et de peinture où la couleur,
la ligne et le point sont au centre de ses préoccupations,
Didier MeNCObINI a réalisé de très nombreux dessins
fonctionnant comme des constellations de couleurs en
expansions. la polychromie se faisait par association tendancielle
de multiples sphères (ou plutôt ovales) de couleurs
différentes dont la caractéristique était d’être non
saturées. Cela produisait un aspect aérien comme si la couleur
lévitait dans ses peintures sur papier ; une impression
accentuée par le fait que la couleur était dissociée (c’était
aussi le cas dans d’autres œuvres avec leurs ensembles de
traits fonctionnant comme des nuées de couleurs). Dans
cette dynamique spatiale de la couleur, le miroitement et
le scintillement produit par l’association des traits ou des
structures ovales et leur conjonction dans l’espace produisent
des volées polychromes. ils sont probablement
à l’origine de l’envie qu’a eue mencoboni de travailler
directement dans l’espace. De là, vient son intérêt pour
les mobiles et l’usage privilégié du plexiglas, ce matériau
léger facile à la découpe, d’une vive présence colorée, qui
se prête aux jeux de superpositions et de réflexions et
peut, en fonction de la lumière, aller de la transparence à
l’opacité. A son propos, olivier Kaeppelin écrivait : « Aussi
longtemps que je le connaisse je n’ai pas le souvenir que
Didier mencoboni ait envisagé la peinture à partir de la
seule question du tableau, si ce n’est pour affirmer, dès les
premiers gestes, les premiers accrochages que sa peinture
naissait du cadre pour s’en échapper… ». Depuis 2011, les
mobiles qu’il réalise dont le titre générique est Révolutions,
« enrichissent le propos central de l’œuvre, en donnant,
cette fois, une place majeure à la lumière, aux vibrations
d’une peinture vaporisée, au translucide du matériau,
à la dynamique du cercle, à la traversée des installations
par cette lumière permettant au spectateur d’aller au-delà
de l’objet, projetant sur le mur les existences innombrables
de cette peinture. Elle envahit physiquement l’espace où
nos déplacements la changeant multiplient les possibles
de ses états. nous sommes alors au cœur de l’expérience
picturale de Didier mencoboni, Mobilis in mobile ».
Didier mencoboni est représenté par la galerie Eric Dupont, paris.
Révolutions 21, 2012, acrylique, plexiglas, nylon, métal, vue de l’exposition
à la galerie Eric Dupont

Antoine PeRROt
né en 1953, vit et travaille à paris et Aubervilliers
- Flâner, regarder : prendre chaque jour un peu de temps pour regarder
les matériaux qui nous entourent, remuer les bacs dans les bazars,
comparer les couleurs des objets, des tissus, des matériaux — peut-être
leur parler de temps en temps pour les rafraîchir. ou encore faire l’expérience
suivante : sortir dans la rue et circuler en ne focalisant que sur
une couleur choisie au préalable : par exemple « rouge », ne regarder que
ce qui est rouge. surprendre le rouge, les rouges, en prendre possession,
faire remonter du fond de la mémoire tous les rouges déjà rencontrés….
- se demander comment un matériau coloré peut avoir ces qualités et
ces codes qu’on attribue généralement à la peinture, à la sculpture, à un
objet appelé « œuvre » ?
- provoquer des rendez-vous hasardeux avec des matériaux de la vie
quotidienne, les interroger sur leur forme, leur couleur, leur tactilité,
leur plasticité – et leur envie de devenir un de ces objets qu’on appelle
une œuvre.
C’est effectivement dans la logique de la relation avec les œuvres qu’il y
a inversion d’un autre principe du ready-made de Duchamp : interroger
le quotidien, s’approprier les formes et les couleurs qui le construisent
ne peut avoir pour but de les isoler dans le champ clos du monde de
l’art. Comment parler et faire parler ces matériaux communs pour qu’ils
parlent de ce qui est, de ce dont nous nous entourons pour être, nousmêmes
enfin ? il faudrait ici, pour compléter l’idée du désinvestissement
de la figure de l’artiste, examiner comment l’usage et les dispositifs choisis autour de
ces biens ordinaires déshabillent la revendication du « je » de l’artiste au profit d’un
« nous ». D’un nous au regard de ces couleurs et de ces formes que nous choisissons
ou qu’on nous impose ; d’un nous à la lecture de ce que raconte notre quotidien –
cette fabrique insensée de biens aux destinations sociales codées ; d’un nous à la
mesure des enjeux occultés de ce qui va tellement de soi.
Antoine pErrot, extrait
Antoine perrot est représenté par la galerie lahumière, paris.
En haut : Returning the reality of your life (to Gustave) / Révolutionnez votre vie (à Gustave), 2006, tampons abrasifs, tube métal
À gauche : Returning the reality of your life / Révolutionnez votre vie, n°6, 2010, raquettes, balles

Pascal PINauD
né en 1964, vit et travaille à nice
Je ne fais pas de différence entre les diverses pratiques
que j’utilise dans mon travail. même lorsque je délègue
la fabrication d’une pièce, cette fabrication fait partie
de ces pratiques. l’élaboration purement conceptuelle
d’un tableau entre dans une stratégie de diversification
des modes de production de la peinture (étant donné
que concevoir une peinture, c’est aussi la réaliser)… je
conçois pour mes expositions des pièces dont je dirais
qu’elles proviennent des banlieues du tableau et qui
interrogent.
la peinture et le tableau, Pascal PINauD en garde certains
des paramètres de base : la frontalité, un rapport à
la couleur, un sens de la composition. mais d’un certain
point de vue il la prolonge avec des matériaux qui ne
sont plus spécifiquement picturaux quant à la tradition
classique. il la tire vers un objet qui se trouble quant
à son statut de tableau. Certains comme la série des
Patères ne sont pas sans évoquer délibérément certains
moments des avant-gardes (comme le suprématisme)
mais avec des moyens qui renvoient au rayon sanitaire
et matériaux de décoration d’une grande surface. ils ont
beau être accrochés, ils affirment leur identité industrielle
et leur fonctionnalité potentielle. les patères
découpent sur le mur une dynamique formelle et spatiale.
le matériau réfléchit l’environnement (espace
et autres œuvres) et le spectateur ; ce qui produit un
effet de distanciation qui en altère l’autonomie ; mais
en même temps elles les intègrent comme images dans
l’œuvre. D’autres, comme Noir de Style Matt Citroën
« fabriquent » un tableau avec de la laque industrielle
et des stickers de logos de marques. il y dans ce rapport
à la peinture quelque chose qui relève à la fois de
l’échappé et du retour. il témoigne d’une intelligence à
prendre en charge des savoir-faire industriels ou artisanaux
dans le champ d’une problématique « picturale ».
Ce qui attire, surprend et trouble le spectateur, c’est ce
double lien de contiguïté et d’altérité à la peinture. Ces
deux paramètres s’entremêlent sans jamais se fondre
complètement l’un dans l’autre.
pascal pinaud est représenté par la galerie nathalie obadia, paris.
Noir de Style Matt Citroën (10A04), 2010, laque automobile sur tôle, monogrammes, photographie : François Fernandez

Andrés SObRINO
né en 1967, vit et travaille à Buenos Aires, Argentine
En terme « d’héritage », Andrés SObRINO
se revendique de l’avant-garde géométrique
mais en mettant à profit l’expérience
minimaliste et conceptuelle ; il y a dans son
travail une dimension optique. on pourrait
penser à un Joaquin torres garcia, un Carlos
Cruz-Diez ou à un Jésus-rafael soto revu
par Allan mcCollum ou Bridget riley. tout
d’abord, s’il travaille la couleur et la ligne,
sobrino a exclu les matériaux traditionnels
au profit du scotch de couleur et n’utilise
que des supports renvoyant à la production
industrielle : mDF, métal, dibbon, carton
plume, papier photographique. il ne fabrique
pas ses couleurs mais conçoit leur disposition
ou leur composition. il peut travailler des
formats qui évoquent le tableau. mais il
fonctionne par série et chaque pièce peut
fonctionner seule mais aussi participer d’un
ensemble. il va aussi dessiner avec la couleur
dans l’espace réel. C’est le cas avec ses grands
« x » qui fonctionnent à la fois comme une
partition de l’espace et un motif répétitif
dont la couleur change. il y a une dimension
décorative et formelle dans sa « peinture »
sans peinture. il faut souligner que, n’utilisant
Sans titre (installation in situ), 2012, bandeaux scotch couleur sur mur, vue de l’exposition All boys, musée de santa Fe, Argentine
que des rouleaux de scotch de couleur, il ne
mélange pas mais jouxte les couleurs, jouant
de leurs potentialités optiques. Ces couleurs
industrielles vont soit découper les murs
de leur dessin, soit dessiner dans l’espace,
tant au mur qu’au sol. Elles prennent ainsi
une dynamique spatiale et mettent à jour le
dessin de son architecture par la puissance
structurante de ses lignes polychromes.
Andrés sobrino est représenté par la galerie Foster Catena,
Buenos Aires.

tILMaN
né en 1959, vit et travaille entre la Belgique, l’italie et les usA
l’œuvre de tILMaN s’inscrit clairement dans la
tradition abstraite, du mouvement De stijl à l’Art
minimal. mais il s’en détache par plusieurs aspects.
tout d’abord, il prend en charge une part d’intuition
dans laquelle rentre la mémoire de ses pérégrinations
dans l’espace urbain. ses œuvres jouent
beaucoup sur l’ambiguïté de leur identité : peintures
? sculptures ? maquettes d’architecture ou
mobilier ? un peu de chaque sans doute. si la référence
à la peinture est immédiatement perceptible,
la frontalité du tableau est contredite par la
tendance de ses pièces à prendre la tangente vers
le relief ou vers des structures qui travaillent l’horizontal
et l’angulaire. Quand bien même elle est au
mur, l’œuvre se donne comme des blocs en relief
qui évoquent tant des réseaux de communication
que des bâtiments urbains.
les pièces au sol campent entre sculpture et peinture,
ou se donnent à voir comme des feuilletages de
plans colorés qui font à la fois élévation et surface. la
couleur revendique l’artifice des matériaux composés,
les couleurs vives et impures propres à l’univers de la
production d’objets en simili. on est d’ailleurs parfois
proche d’objets relevant du mobilier urbain ou d’intérieur
mais dont l’usage serait incertain et ne prendrait
forme qu’au gré de leur appropriation (ou pas) par
ceux qui les croisent ou les voient. Du coup tout en
étant abstraites, ses œuvres fonctionnent comme une
nature morte ou un paysage urbain sans en être. il produit
des objets hybrides aux identités incertaines qui
récusent le purisme moderniste mais sans pour autant
se soumettre au réel.
De haut en bas : Sans titre (Split), 2012, laque sur bois et planche mDF
Sans titre (lowrider), 2012, laque sur bois et planche mDF

Véronique VeRStRaete
née en 1961, vit et travaille à paris
le travail de Véronique VeRStRaete a progressivement évolué
d’une pratique se référant à la peinture (mais en étant
déportée tendanciellement vers le volume et l’objet), à la
production d’objets à la fois fonctionnels et autonomes. Elle
travaille l’altération de la frontière entre valeur d’usage et
valeur esthétique d’un « produit » artistique.
À propos des œuvres exposées dont l’une est une production
nouvelle, elle note : « une œuvre de ce type comporte des
signes identitaires la rattachant à la sphère artistique, comme
le tableau dont l’espace propre reste toujours signifié par le
châssis - ici celui du dossier - , son rapport au mur. par contre,
le tableau a un socle, une base sur laquelle le spectateur peut
prendre place et s’adosser sur la partie identifiable comme
tableau. Cette incitation à la fonctionnalité serait donc paradoxale.
Elle réduirait à la fois l’autonomie de l’œuvre, si
chère aux abstraits, et bousculerait l’identification de la pièce
comme œuvre d’art. »
Elle produit ainsi des œuvres dont l’identité est ambivalente
et qui témoignent d’une grande transversalité à l’égard de la
division entre les genres. Elle vient éroder la séparation entre
art et arts décoratifs reprenant la tradition inaugurée par les
avants-gardes historiques (gerrit rietveld pour le mouvement
De stijl ou les incursions des russes comme liubov popova,
Alexandra Exter dans le champ du design). Elle met à profit
l’expérience abstraite dans l’espace de la production de
formes qui sont à la fois objets et formes, tableaux-sculptures
ou mobiliers et décors. Elle récuse l’opposition entre l’orthogonalité
et l’arabesque, entre le pur et l’impur. il en est de
même pour le matériau qui, suivant l’inflexion qu’elle privilégie
va être choisi en fonction des possibilités qu’il offre, qu’il
s’agisse des formes, de ses qualités formelles (texture, matité
ou brillance) ou encore de son adéquation à un usage.
véronique verstraete est représentée par la galerie verney Caron, lyon.
De haut en bas : Tout pour l’image, 2008-2012, contre plaqué okoumé vernis palissandre,
médium recouvert d’une toile blanche pvc pour projection
(maquette réalisée pour l’exposition au 19, photographie : Casimir lejeune) ;
Les arts décoratifs, 2007, tôle ajourée, contre plaqué lasuré, vue de l’exposition à l’Espace
d’art contemporain les roches (en collaboration avec Arlette et marc simon)

HoRS LeS MuRS
Le GeSte et La COuLeuR
Christian bONNeFOI, Stéphane bORDaRIeR, bernard bOYeR, Franck CHaLeNDaRD,
alain CLéMeNt, Didier DeMOZaY, Gérard DuCHÊNe, adrienne FaRb, Serge FauCHIeR,
Fabienne GaStON-DReYFuS, Koyo HaRa, Zuzana HuLKa, Robert JaNItZ,
Maëlle LabuSSIèRe, alix Le MéLéDeR, Françoise PaReSSaNt, Christian ROtH,
Sylvie tuRPIN, Claude VIaLLat
école d’art Gérard Jacot, belfort
28 SePt. > 27 OCt. 2012
Le geste et la couleur
présente une
sélection d’œuvres
des collections
du Frac Franche
Comté, des musées
de montbéliard et
Belfort et de collections
privées
d’artistes et de collectionneurs.
De haut à bas : sylvie turpin, Flac bleu-blanc, 2009, mortier frais et pigment, Koyo hara, Sans titre, 2011, acrylique sur toile
Elle rassemble des artistes travaillant en France et qui participent
d’une histoire de la peinture non figurative. une de leurs caractéristiques
est d’associer au travail de la couleur le geste de son inscription
sur le tableau. Ce geste peut inscrire l’énergie d’un corps ou la
charpente d’une forme, concrétiser la matérialité de ce qui produit
le tableau ou le rythme d’une écriture picturale. Cette présence
du geste participe pour les uns d’une préférence pour l’incertain
et de la prise en charge d’un corps à l’œuvre. pour d’autres, elle
traduit la volonté d’intégrer dans le tableau le faire de la peinture
et par la mise à nu de ses procédés, d’introduire ce qui peut être
de l’ordre de la distance dans son exercice de la peinture. le geste
peut affirmer le choix de dessiner directement dans la couleur ou
déterminer l’acte qui marque le signe pictural dans une volonté
d’épure. le geste, ici, produit à la fois une couleur, une forme et un
espace. il se déploie dans un espace qui serait borné par la règle
et l’excès, l’analytique et le poétique. Entre le sens et le sensible.

Alain Clément, Jaune, 1983, acrylique sur toile, collection Frac Franche-Comté © Adagp paris
nous avons choisi de concevoir une exposition qui rendrait compte d’une disparité délibérée, qui intégrerait la part de
subjectivité et d’affinités électives propres à la collection particulière. Cela pourrait être celle d’un artiste, d’un amateur d’art
ou d’un critique. mais surtout nous avons souhaité un accrochage évoquant davantage la maison que le musée. une façon
d’inscrire l’intimité du rapport à l’œuvre dans l’espace publique. rappelons-nous qu’avant d’entrer au musée, les œuvres
habitent l’atelier des artistes, leur demeure, celles des amis et celles des passionnés.
philippe Cyroulnik

Christian roth, Sans titre, 2012, fibres de verre, résine, et peinture glycéro
De gauche à droite : Christian Bonnefoi, PL II, 1988-1990, acrylique sur toile, stéphane Bordarier, Sans titre, 1990, acrylique, colle et pigments sur toile. Coll. musées montbéliard

HoRS LeS MuRS
Sous toutes ses formes, L’HuMaIN
Diana QuINbY
Mathias MILHauD
& Charles beLLe, anne DuReZ, beverly SeMMeS, Djamel tataH, erwin WuRM
école d’art Gérard Jacot, belfort
15 NOV. > 13 DéC. 2012
Qu’en est-il de l’humain aujourd’hui, non
seulement dans sa représentation dans l’art
ou par l’art, mais aussi dans les modalités
selon lesquelles les artistes s’en emparent,
qu’ils soient peintres, dessinateurs, sculpteurs,
photographes ou vidéastes ?
Comment interroger ces figures, ces personnage
chair ? Donner à voir et percevoir
ces corps et visages marqués
des signes de leurs identités
complexes et contradictoires,
comment configurer ou saisir
les marques du genre et leurs
indices ? mais aussi mettre à
nu ce qui trouble les identités
et les genres. inscrire à la
fois le temps et l’immémorial
de l’archétype dans le corps ?
Donner un corps à ces dissociations
et fragmentations que
le désir et l’imaginaire traumatique
du corps peuvent produire
? Et enfin, comment penser
ce en quoi le corps peut
être objectivé ou au contraire
peut s’infiltrer dans l’objet ?
telles sont les multiples questions
qu’aborde cette exposition
en quelques propositions.
Diana Quinby, Sans titre (deux adolescentes assises), 2010, dessin au crayon graphite sur papier
nous avons choisi de présenter
des œuvres de deux artistes :
Diana QuINbY, dans ses
portraits et autoportraits
de nus, fouille dans les plis
et les replis de sa peau sous
le trait acéré de la mine de
plomb les distorsions mêmes
que la vie naissante inscrit dans la chair. se
configure dans ses dessins cette proximité
entre le sensuel, le flétri et le laid dont
le corps peut être porteur. s’inscrit dans
son grain la marque du temps comme
une destinée. mais cette ambivalence
de la représentation entre le beau et le
pathétique, au cœur de ce qui fait l’identité
d’une personne autant que dans cette
zone où se croisent les générations : entre
le « déjà plus de l’adolescence » et la « pas
encore de la femme », on la retrouve aussi
dans ses portraits de couple, et autres
figures saisies par sa mine de plomb.
l’adolescence est déjà grosse de sensualité
féminine. il y a aussi dans certains de ces
portraits quelque chose d’une ambivalence
entre le EllE et le JE dans le vis-à-vis entre
la fille/femme et la femme/mère. le
vêtement ici redouble et accuse même les
courbes et les arrondis riches des grossesses
potentielles du corps. il y a chez Diana
Quinby une façon de saisir le corps dans
ses plis intimes, dans les ambiguïtés et les
blessures dont il est porteur. Elle travaille
cette texture de la flétrissure dans la chair
même qui donne la vie et dans ces corps
d’hommes et de femmes. C’est un face à
face sans complaisance et sans concession
et pour cela d’une terrible humanité. Cette
contiguïté que la chair entretient avec sa
déchéance la rapproche d’artistes comme
John Coplans ou Donigan Cumming .

mathias milhaud, Sans titre (73, 75), 2012, éléments tissus et matériaux divers
Mathias MILHauD nous présente ses hybrides, qui sont
comme les parcelles d’un corps démembré et morcelé.
Formes informes, bouts de tissus entremêlés, ses fragments
de tissu évoquent les poupées martyrisées de hans Bellmer,
mais aussi les monstres et les protubérances sexuelles de
louise Bourgeois ou organiques d’Eleonora Carrington. C’est
un alphabet de l’informe que manipule mathias milhaud. il
s’inscrit dans un univers peuplé des figures déformées par les
couleurs de l’Angst (comme dans le Cri de munch), jusqu’aux
monstres de Cobra ou les œuvres « boules » de Jean-luc parant.
Entre choses et organes, ils sont à la fois des objets transitionnels,
des fétiches et des poupées sans queue ni tête.
ils peuvent s’associer comme l’incarnation de processus cellulaires
incontrôlés ou être seuls dans l’irréductible présence
de leur « informité ». ils sont présences mais non figures... si
figures ils sont, ce sont celles de nos hallucinations et angoisses,
celles de ces nœuds qui nous collent à l’imaginaire et
nous envahissent pour mieux nous nouer le cœur.
nous pourrions penser aux Ninis de gasioroswki ou aux bouts
de chiffon tuttle. ici il s’agit de ninis de la sculpture qui, parce
qu’ils sont en deçà de la nomination, nous entrainent au-delà
de la représentation ; dans ce qui relève de l’innommable.
A leur côté les œuvres de quatre artistes de la collection du
Frac Franche-Comté :
si Charles beLLe peint la flore et le végétal dans ce qu’ils
ont de présence physique et charnelle dans la peinture, il a
aussi représenté il y a quelques années des êtres qu’il plaçait
dans une proximité fragile à nous-mêmes par l’économie de
son dessin. il nous offrait des anonymes de la vie qui se donnaient
à notre regard comme les figures du temps qui passe.
Ces êtres modestes, à l’opposé du Monsieur Bertin d’ingres,
s’arrachaient au blanc du papier dans une timide et obstinée
présence.
Anne DuReZ dans « Figure-toi », met en scène le processus
de vieillissement progressif de son visage par un maquilleur
de cinéma jusqu’à un âge limite, voire une identité sans âge.
“une multitude de regards m’informait sur l’état de mon visage,
sur l’avancée du processus de vieillissement. les regards
insistaient, jusqu’à l’ultime étape où ils ont commencé à fuir.
le temps venait de basculer.” Elle nous montre une sorte de
« précipité » du temps sur l’être ; ou plutôt son anticipation.
l’œuvre de Beverly SeMMeS est habitée par la question du
corps et du vêtement. En sur-dimensionnant les « vêtementspersonnages
» qu’elle réalise, elle leur donne une fonction

statuaire et monumentale. Entre figure mythologique et
paysage du féminin elles associent matériau, forme et
espace. l’inversion des échelles réduit le spectateur au
statut d’objet et par le procédé de la métonymie et de
la métaphore interroge la question du genre et du statut
du féminin. Elles sont ici des figures tutélaires qui se
déploient entre apparition et hantise.
les sculptures d’erwin WuRM sont comme portées par
un corps en défaut ; faites en l’occurrence de vêtements
(pulls) mis en relation avec des objets, ils produisent
deux mouvements à la fois complémentaires et contradictoires
: du corps, il ne reste qu’un vide mais par sa
souplesse le tissu mis en forme par l’objet a tendance
à démentir la construction initiée par l’objet (étagère)
et la faire tendre vers un informe organique. situation
incongrue entre organe et structure.
nous y avons adjoint un tableau ancien de Djamel tataH
qui associe dans ses portraits et scènes de genre à la fois
de l’empathie et un désenchantement mélancolique à
l’égard du réel. il y a dans sa peinture une densité de la
matière picturale, une épure du trait et une économie
de la couleur qui lui donnent une qualité de présence et
une intensité exceptionnelle. Comme le notait Bernard
millet, les personnages de ses peintures ne témoignent
de rien, sinon de l’indéfinissable et de l’incertain ; plus
cette incertitude envahit l’espace et le regard, plus
les personnages apparaissent mystérieux et insistants.
Djamel tatah ne cesse de représenter des personnages
(qu’il a dans un premier temps photographiés et projetés
sur fond monochrome), silhouettes vêtues de noir, à la
peau très pâle, qu’il qualifie lui-même de beckettiennes,
se tenant sur le fil du rasoir entre hyperréalisme et
abstraction.
philippe Cyroulnik
Charles Belle, Tante Jeanne de profil, 1983, collection Frac Franche-Comté © Adagp paris

pRocHaineMent
HoRS LeS MuRS
tROIS FOIS RIeN
Des travaux d’aménagements du 19 devant avoir lieu en 2013,
les dates de cette exposition seront précisées ultérieurement...
bürkard bLümLein - françois bouiLLon - George breCht - marie-Claude buGeaud
pierre buraGLio - damien CabaneS - Jean-Loup CorniLLeau - patrick dekeYSer
daniel deZeuZe - noël doLLa - Stan douGLaS - robert fiLLiou - Jean-françois GuiLLon
Jean Laube - anca munteanu rimniC - pol pierart - anu tuominen - richard tuttLe
Cette exposition rassemble des artistes dont les œuvres fonctionnent
sur une économie du peu, comme si le moins permettait
le plus, tant au niveau des perceptions et des images que des associations
qu’ils peuvent provoquer chez le spectateur. ils nous proposent
une poétique de la discrétion et de la modestie qui a pourtant
les ambitions les plus
grandes : celles de nous
faire éprouver des expériences
essentielles, dans
un silence, une respiration
Anu tuominEn
ou l’espace d’un instant ; si
on y prête attention. Beaucoup de ces artistes viennent d’horizons
qui font se croiser Art minimal ou Art conceptuel, des mouvements
comme Fluxus, support-surface, Bmpt avec des générations plus
jeunes. Elles en sont les héritières, mais sans dogmatisme. Ce sont
patrick DEKEysEr
ces croisements de genres que traduira en œuvres l’exposition.
Marc CeLLIeR, aRt à L’HôPItaL
À partir d’octobre 2012
marc CElliEr en résidence au Centre hospitalier de Belfort/montbéliard.
le photographe pose son regard au sein des lieux et services.
Dominique DeHaIS
utbM, Site de Montbéliard
nov. > déc. 2012
Dominique DEhAis investit l’utBm de montbéliard en résonance à
l’exposition Au-delà du tableau au 19.
À gauche : vue de l’exposition Peur, Crédac, ivry sur seine, 2001
Sans titre, 2010-2011, photographie, issue de la série "Entre chien et loup"
19, avenue des Alliés
25200 Montbéliard
tél. 03 81 94 43 58
dix.neuf.crac@wanadoo.fr
www.le19crac.com
Direction
Philippe Cyroulnik
Administration
Frédérique Daniel
Action culturelle,
service des publics
Jean-Marie boizeau
Administration, communication,
graphisme
aurélie Goëtz
Accueil, médiation, régie
Céline babey
Régie, montage
Joffrey Guillon
Accueil, régie, montage
brice Decouchant
Assistant administratif
Jusuf Nezic
Montage de l’exposition
thomas billon
Le 19, entrée libre
ma-sa : 14h-18h, di : 15h-18h
ecole d’art G. Jacot,
entrée libre
lu-sa : 9h-12h, 14h-18h
Dépôt légal, 3ème trimestre 2012
issn : 1957-0856
Crédits photographiques
Dr
Couverture
Antoine perrot (détail), 2006