XC Stagione dei ConCerti - Rovereto - Associazione Filarmonica ...

ASSOCIAZIONE FILARMONICA DI ROVERETO 

ORCHESTRA “HAYDN” DI BOLZANO E TRENTO 

XC 

Stagione dei ConCerti 

2011-2012 

INIZIATIVA REALIZZATA CON IL SOSTEGNO DI: 

MiniStero Per i Beni e Le attiVitÀ CULtUraLi 

ProVinCia aUtonoMa di trento - aSSeSSorato aLLa CULtUra 

CoMUne di roVereto - aSSeSSorato aLLa ConteMPoraneitÀ

ASSOCIAZIONE FILARMONICA DI ROVERETO 

Fondatore Pietro Marzani (1889-1974) 

Presidente Onorario Silvio de Florian (1908-1995) 

Presidente andrea Condini 

Vice Presidente Mauro Bondi 

Direttore artistico Mariano andreolli 

Consiglieri Luisa Canal 

renato Filippi 

Flavio Martinelli 

giuseppe Mocatti 

Lorenza Soave 

Mauro tonolli 

Revisori dei conti anna gianmoena 

Carlo guarinoni 

Maurizio Setti 

Segreteria Bianca gaifas 

Segreteria: 

38068 Rovereto (TN) - Italia 

Corso Rosmini, 78 - Tel. e Fax 0464·435255 

E-mail: associazionefilarmonica1@tin.it 

www.filarmonicarovereto.it

2011 

STAGIONE 2011-2012 - CALENDARIO DEI CONCERTI 

lunedì roberto Cappello, pianoforte 

24 ottobre Schubert-Liszt 

Sala Filarmonica 

sabato orCheStra haydn 

29 ottobre Luigi azzolini, direttore 

Sala Filarmonica giulio tampalini, chitarra 

ensemble Vocale Continuum 

Musiche di A. Pärt, M. Castelnuovo-Tedesco, G. Sollima 

ConCerto Straordinario in oCCaSione deL 90° deLLa FondaZione deLLa 

aSSoCiaZione FiLarMoniCa di roVereto 

In memoria di J. Novák (1921-1984) 

sabato anna Boschi, 

5 novembre emilia Campagna, pianoforte 

Sala Filarmonica aldo Campagnari, violino 

Lucia Comandella, 

alessandro Cotogno, violino 

Maria de Stefani, pianoforte 

martedì emanuele Buono, chitarra 

15 novembre Musiche di V. Asencio , J. Rodrigo, 

Sala Filarmonica A. Barrios, D. Aguado, M. Giuliani

mercoledì Clara Lotti, voce recitante 

23 novembre Sergio La Vaccara, violino/violino elettrico 

Aula Magna di Mauro tonolli, chitarra/chitarra elettrica 

Palazzo Piamarta Alfabeto apocalittico di E. Sanguineti 

detto dell’Istruzione Musiche di N. Straffelini 

corso Bettini 84 Immagini Istituto d’Arte “A.Vittoria” 

Le lettere degli amici 

Musiche di C. Rastelli, A. Giannotti, 

G. Fiorini, M. Zanotti, M. Pagotto 

mercoledì orCheStra FiLarMoniCa di BeLgrado 

14 dicembre Charles olivieri, direttore 

Auditorium Melotti Stefan Milenkovi, violino 

Musiche di R. Wagner, N. Paganini, 

C. Saint-Saëns, F. Liszt 

2012 

sabato aira Maria Lehtipuu, violino 

21 gennaio Petra Somlai, fortepiano 

Sala Filarmonica Musiche di W. A. Mozart, J. S. Bach 

giovedì QUartetto taLiCh 

26 gennaio Jan talich e Petr Maecek, violini 

Sala Filarmonica Vladimir Buak, viola 

Petr Prause, violoncello 

Musiche di L. van Beethoven, D. Šostakovi

mercoledì dUo SitkoVetSkiJ 

1 febbraio aleksandr Sitkovetskij, violino, 

Sala Filarmonica Wu Qian, pianoforte 

Musiche di W. A. Mozart, J. Brahms, C. Franck, M. Ravel 

martedì trio aikoVSkiJ 

14 febbraio Pavel Vernikov, violino 

Sala Filarmonica aleksandr Chaushian, violoncello, 

konstantin Bogino, pianoforte 

Musiche di A. Dvoák , P. I. aikovskij, D. Šostakovi 

lunedì QUartetto ProMeteo 

20 febbraio giulio rovighi e aldo Campagnari, violini 

Sala Filarmonica Massimo Piva, viola 

Francesco dillon, violoncello 

Musiche di A. Zemlinsky, F. Schubert 

giovedì yundi, pianoforte 

1 marzo Musiche di F. Chopin 

Sala Filarmonica 

lunedì i Fiati deLL’orCheStra haydn 

12 marzo Francesco dainese 

Sala Filarmonica gianni olivieri, oboe 

Stefano ricci, clarinetto 

Flavio Baruzzi, fagotto 

andrea Cesari, corno 

Stefano guarino, pianoforte 

Musiche di L. van Beethoven, P. Hindemith, F. Poulenc 

martedì Barry douglas, pianoforte 

20 marzo Musiche di L. van Beethoven, M. Musorgskij 

Sala Filarmonica

mercoledì orCheStra haydn 

28 marzo günter Pichler, direttore 

Sala Filarmonica Markus Placci, violino 

Musiche di W. A. Mozart 

martedì Luigi Piovano, violoncello 

3 aprile aldo orvieto, pianoforte 

Sala Filarmonica Musiche di C. Saint-Saëns, 

S. Rachmaninov, J.Brahms 

venerdì i Fiati deLL’orCheStra haydn 

20 aprile hansjörg Schellenberger, direttore 

Sala Filarmonica Musiche di R. Strauss, A. Dvoák, 

W. A . M o z a r t 

 

27 aprile Marco grisanti, pianoforte 

Sala Filarmonica Musiche di G. Hüe, F. Schubert, 

L. van Beethoven, S. Prokof’ev 

giovedì gLi arChi deLL’orCheStra haydn 

3 maggio Stefano Ferrario, direttore e violino 

Sala Filarmonica Bruna Pulini, pianoforte 

Musiche di F. Mendelssohn, O. Respighi, 

P. M a s c a g n i , N. Ro t a 

L’Associazione Filarmonica di Rovereto si riserva la facoltà di apportare variazioni al calendario 

della stagione concertistica 2011-2012 per cause di forza maggiore.

Anche nella Stagione 2011-2012 dell’Associazione Filarmonica di Rovereto l’Orchestra Haydn si inserisce, con 

cinque importanti e variegati concerti, in un bellissimo cartellone cameristico per il quale possiamo soltanto 

congratularci. 

Il primo nostro appuntamento a Rovereto sarà diretto dal nostro Luigi Azzolini, che ci ha già procurato in 

molte passate occasioni grandi onori come direttore e soprattutto come esigentissimo preparatore di formazioni 

corali. Giulio Tampalini, uno dei chitarristi italiani più noti, suonerà il Concerto n. 1 per chitarra e orchestra 

di Mario Castelnuovo Tedesco, mai eseguito finora dall’Orchestra Haydn. Di grande rilievo saranno anche i 

“Canti rocciosi” di Giovanni Sollima per coro maschile e orchestra d’archi. 

I fiati dell’Orchestra Haydn saranno presenti il 13 marzo con un programma che va dal classico ai grandi del 

secondo Novecento, Paul Hindemith e Francis Poulenc. 

Il 20 aprile i fiati dell’Orchestra Haydn eseguiranno, sotto la direzione del famoso ex primo oboista dei Berliner 

Philharmoniker, Hansjörg Schellenberger, la Gran Partita di Mozart preceduta dalle Serenate di Richard 

Strauss e Antonín Dvoák. 

Il 28 marzo un programma puramente mozartiano sarà diretto da Georg Pichler, ex primo violino dell’Alban 

Berg Quartett, già presente con grande successo nella Stagione roveretana 2009-2010. 

La presenza dell’Orchestra Haydn si concluderà con le Antiche Danze e Arie di Ottorino Respighi precedute 

dal Concerto per violino, pianoforte e archi di Mendelssohn, con Stefano Ferrario nel ruolo di direttore e violino 

solista e con Bruna Pulini al pianoforte. 

Come ho già avuto modo di scrivere l’anno passato, la riapertura del Teatro Zandonai sarà per l’Orchestra 

Haydn una grande occasione per offrire al pubblico roveretano l’esecuzione di opere liriche particolarmente 

adatte a questo gioiello architettonico. 

Franz von Walther 

Presidente della Fondazione Orchestra Haydn di Bolzano e Trento

Orchestr

a haydn

Fondazione orchestra haydn di Bolzano e trento. Istituzione Concertistica Orchestrale riconosciuta dal Ministero del Turismo 

e dello Spettacolo, l’Orchestra Haydn si è costituita nel 1960 per iniziativa delle Province e dei Comuni di Trento e Bolzano. 

L’Orchestra è stata ospite dei principali sodalizi concertistici italiani ed ha preso parte a numerosi Festivals, esibendosi in 

vari stati europei, negli usa e in Giappone. 

Nel corso di cinquant’anni di attività l’Orchestra si è fatta interprete di un ampio catalogo di opere che ha spaziato in tutti 

i generi musicali, dal barocco fino ai compositori contemporanei. In più occasioni autori come Dallapiccola, Nono, Berio e 

Donatoni le hanno affidato lavori in prima esecuzione assoluta. Attenta alla valorizzazione di un repertorio spesso trascurato, 

l’Orchestra Haydn si è fatta promotrice anche della riscoperta di preziosi manoscritti, come il Dixit Dominus di Cimarosa, 

oppure la Messe solennelle di Berlioz proposta nel 2002 in prima esecuzione moderna italiana. Innumerevoli le presenze di 

grandi artisti alla guida della formazione sinfonica del Trentino Alto-Adige, sul cui podio sono saliti fra gli altri Claudio 

Abbado, Riccardo Chailly, Eliahu Inbal, Alain Lombard, Jesús López-Cobos, Riccardo Muti, Daniel Oren e Alberto Zedda. 

Dal 2003 ne è direttore artistico Gustav Kuhn. Sotto la sua direzione l’Orchestra ha eseguito nella stagione 2006/07 tutte 

le Sinfonie di Brahms e nella stagione 2005/06 le nove Sinfonie di Beethoven, riproposte nel dicembre 2007 al Mozarteum di 

Salisburgo ed accolte da un grande successo di pubblico e di critica. 

Dopo il felice debutto nel 2006 al Rossini Opera Festival, l’Orchestra Haydn ha preso parte anche nel 2007 e nel 2008 alla 

prestigiosa manifestazione pesarese, partecipando alle produzioni de La gazza ladra (premio Diapason d’or), Il Turco in Italia, 

Edipo a Colono, Le nozze di Teti e di Peleo, Maometto II e L’Equivoco stravagante. Nel settembre 2008 l’Orchestra ha inaugurato 

a Perugia la LxIII edizione della Sagra Musicale Umbra proponendo la Missa solemnis di Beethoven sotto la direzione di 

Gustav Kuhn. In collaborazione con il Rossini Opera Festival la Haydn ha presentato nel novembre 2008 alla Biwako Hall 

di Otsu e alla Bunkamura Orchard Hall di Tokyo l’Otello e il Maometto II, nonché un concerto con ouvertures e la Cantata 

Le nozze di Teti e di Peleo di Rossini sotto la guida di Gustav Kuhn e Alberto Zedda. Nel dicembre 2008 l’Orchestra è tornata 

nuovamente ad esibirsi al Mozarteum di Salisburgo, dove ha eseguito le quattro Sinfonie di Brahms, la Missa solemnis e la 

Nona Sinfonia di Beethoven; sul podio Gustav Kuhn. Nello scorso agosto l’Orchestra è stata impegnata al 30° Rossini Opera 

Festival nella Scala di seta e nel Viaggio a Reims. 

Numerose le registrazioni radiofoniche e televisive per la rai. Ampio il catalogo discografico realizzato per Agorá, Arts, Camerata, 

Col legno, CPO, Dynamic, Multigram, Naxos, RCA, Universal, VMC Classic e Zecchini.

I CONCERTI 

2011-2012

SALA FILARMONICA 

LUNEDì 24 OTTOBRE 2011 

roBerto CaPPeLLo 

pianoforte 

SCHUBERT-LISZT Schwanengesang R 245 

– La ville [Die Stadt] 

– [Das Fischermädchen] 

– [Aufenthalt] 

– Au bord de la mer [Am Meer] 

– [Abschied] 

– [In der Ferne] 

– [Ständchen] 

– Son image [Ihr Bild] 

– [Frühlingssehnsucht] 

– Le message d’amour [Liebesbotschaft] 

– L’Atlas [Der Atlas] 

– Vision [Der Doppelgänger] 

– L’oiseau messager [Die Taubenpost] 

– Pressentiment d’un soldat [Kriegers Ahnung]

oberto Cappello - Una tecnica trascendentale, una raffinatissima sensibilità artistica e spirituale, un costante impegno 

culturale ed intellettuale nella scelta del repertorio volto ad esaltarne i più alti contenuti, pongono l’arte interpretativa di 

Roberto Cappello ai vertici del concertismo contemporaneo. 

Dopo la vittoria del Premio Busoni (1976), ha iniziato una grande e nobile carriera che lo ha visto acclamato protagonista 

nelle sale più prestigiose di tutto il mondo, sia nelle vesti di solista, che con orchestra e formazioni da camera. 

All’intensa e aristocratica attività concertistica, affianca con esemplare rigore ed impegno quella didattica, che prevede 

numerosi master-class, seminari e corsi di perfezionamento. 

In virtù della sua riconosciuta capacità di un giudizio sereno ed obiettivo è costantemente invitato a presiedere le giurie di 

concorsi pianistici nazionali ed internazionali. 

note aL PrograMMa 

Nello sterminato catalogo delle opere di Ferenc Liszt il settore riservato agli adattamenti di musiche altrui è così vasto e imponente da 

non potere in alcun modo essere rubricato come impegno occasionale o di puro mestiere: esso va invece recepito come esercizio assiduo, 

partecipe, rispettoso che vale tanto come atto di omaggio, se non di affetto, verso le opere di tanti maestri del presente e del passato che 

egli, nel suo entusiasmo di apostolo della musica, intendeva divulgare attraverso la sua personale rielaborazione, quanto come chiave 

per entrare nella logica compositiva di quelle opere e penetrarne i processi creativi più sottili ed ineffabili. 

Normalmente questo ramo dell’attività lisztiana viene distribuito nei tre momenti della trascrizione, della parafrasi e dell’arrangiamento, 

graduandoli a seconda dell’intervento che va dal più fedele al più invasivo. Il procedimento della trascrizione, che conserva per intero 

la lettera del testo, ha i suoi punti culminanti nelle Nove Sinfonie di Beethoven e nella Sinfonia fantastica di Berlioz, che hanno 

costituito i suoi impegni massimi in tal senso, dovendo racchiudere in un solo strumento la complessità della tessitura sinfonica. A 

queste imprese si deve aggiungere l’opera in programma stasera, e cioè il ciclo liederistico dello Schwanengesang di Schubert (1838- 

 

Le tematiche di sradicamento, vagabondaggio, esilio, sofferenza amorosa rendono questi testi quanto mai prossimi alla sensibilità 

 

 

 

loro importanza nello svolgersi di questa peripezia in quanto contribuiscono caratteristicamente alla creazione del clima psicologico. 

Lasciata la città ostile, il poeta si volge dapprima alla desolata distesa marina, poi al bosco con i suoi misteri notturni e il ruscello 

 

garzone della Schöne Müllerin e del giramondo della Winterreise nell’esprimere la caratteristica condizione della Wandererung 

sentimentale così cara alla cultura tedesca. Vi si sovrappongono anche immagini più nuove e inquietanti sul piano psichico come 

quella del Doppelgänger, il sosia, che suggerisce uno sdoppiamento della personalità e rimane una delle intuizioni più sconvolgenti 

dell’ultimo Schubert. 

Questo Canto del cigno non era nato come un ciclo organico ma era stato realizzato, morto l’autore, mettendo insieme non senza 

forzature quattordici Lieder del suo estremo periodo produttivo: parte su testi di Ludwig Rellstab, parte su testi di Heinrich Heine, 

fortemente divergenti per natura e contenuto e tali da determinare una certa incoerenza interna tra l’elemento tenero-nostalgico e quello 

 

incongruo. 

 

ne occuperà trascrivendo molti dei suoi più celebrati Lieder; in questo suo impegno allo Schwanengesang si serve di un trattamento 

pianistico evoluto e sapiente e lo mette al servizio dell’incontaminata bellezza delle melodie originarie traendo da esse tutto il loro 

contenuto emozionale. 

Diego R. Cescotti


SABATO 29 OTTOBRE 2011 

orCheStra haydn 

Luigi azzolini, direttore 

giulio tampalini, chitarra 

ensemble vocale Continuum 

ARVO PäRT Orient&Occident per orchestra d’archi 

(1935) 

MARIO CASTELNUOVO-TEDESCO Concerto n. 1 in re maggiore op. 99 

(1895-1968) per chitarra e orchestra 

Allegretto 

Andantino alla romanza 

Ritmico e cavalleresco 

GIOVANNI SOLLIMA Canti Rocciosi per coro maschile e orchestra d’archi 

(1962) Sono vere oppure è un sogno (Allegro) 

La montagna grave (Moderato) 

Anguane e altre streghe (Allegro) 

Madonie (Moderato) 

Quel lungo treno (Largamente) 

Guerra (Moderato) 

Sono vere oppure è un sogno (Allegro)

L’ensemble Vocale Continuum nasce nel 2003 sulla base di un progetto culturale, concepito e promosso da Luigi Azzolini, volto 

allo studio e alla valorizzazione di composizioni corali moderne e contemporanee per lo più inedite e alla riscoperta di pagine 

classiche poco frequentate. Tra queste si ricordano le Liriche greche di Bruno Maderna, eseguite nel 2004 nell’ambito del Festival 

Musica Novecento il di Renato Dionisi l’anno successivo per la stagione Filarmonica roveretana. Nella rassegna «I 

Suoni delle Dolomiti», edizione 2006 viene affidata all’Ensemble la prima esecuzione assoluta della composizione Vijidaes di 

Giorgio Battistelli, cui seguiranno Arcipelago di Marco Giommoni, e La Passion di Armando Franceschini. L’esecuzione della 

Messa da Requiem di Verdi sotto la direzione di Gustav Kuhn, del Trionfo del Tempo e della Verità di G.F. Händel, dell’Oratorio 

L’ombra della luce vivente di Armando Franceschini, nonché della Messa di Gloria di Puccini, dell’Adelia di Donizetti e del Messiah 

di Händel sotto la direzione di Gustav Kuhn, oltre che del Salmo op. 42 di Mendelssohn con l’Orchestra Haydn completano 

l’attività concertistica più recente. L’Ensemble è preparato e diretto, fin dalla sua costituzione, da Luigi Azzolini. 

Luigi azzolini ha iniziato la propria carriera artistica come strumentista, diplomandosi brillantemente in violino e in viola presso 

il Conservatorio di Padova, intraprendendo successivamente studi di analisi, composizione e di direzione di coro e d’orchestra, 

ottenendo la Laurea in Musica Corale e Direzione di Coro presso il Conservatorio di Trento. Da più di 25 anni affianca all’attività 

strumentale la direzione di coro ed orchestra: dal 1985 è direttore del Coro Polifonico Castelbarco, compagine corale fra le 

più conosciute ed attive, tanto da essere chiamata da Gustav Kuhn come complesso costitutivo del Coro Haydn per produzioni 

sinfonico-corali dell’Orchestra Haydn. Dal 2000 è direttore del Coro del Teatro Sociale di Trento e nel 2003 fonda l’Ensemble 

Vocale Continuum. Ha collaborato con numerose formazioni orchestrali tra cui: I Virtuosi Italiani, Orchestra Accademia I 

Filarmonici, Orchestra Filarmonia Veneta, Orchestra Carlo Coccia di Novara, Orchestra Sinfonica Savaria di Szombathely, 

lavorando a fianco di direttori di fama internazionale. L’attività concertistica, molto intensa sia in qualità di strumentista che 

di direttore, lo vede impegnato in festival e stagioni concertistiche in Italia, Germania, Austria, Belgio, Francia, Inghilterra, 

Svizzera, Russia e Giappone. 

Ha curato inoltre la preparazione e l’esecuzione di musiche di Giorgio Battistelli, Roger Davidson, Orlando Dipiazza, Carlo 

Galante, Cosimo Colazzo, Felix Resch, Giovanni Carli Ballola, Louis Bacalov, Ottone Tonetti, Emilio Galante, Riccardo Giavina, 

Valter Sivilotti, Angelo Mazza, Marco Uvietta. È docente presso il Conservatorio di Musica “C. Monteverdi” di Bolzano. 

giulio tampalini, uno dei chitarristi italiani più noti sulla scena concertistica, ha vinto alcuni tra i maggiori concorsi internazionali 

del suo strumento, a cominciare dal primo premio al Concorso Internazionale “Narciso Yepes” di Sanremo (presidente 

della giuria Narciso Yepes), al “Fernando Sor” di Roma, al Torneo Internazionale di Roma nel 1996 e nel 2000, al “De Bonis” 

di Cosenza, fino alle affermazioni al “Pittaluga” di Alessandria e al “Segovia” di Granada. Nel 2003 ha ricevuto la “Chitarra 

d’Oro al Convegno Internazionale di Chitarra di Alessandria. Tiene concerti da solista e accompagnato da orchestre sinfoniche 

in tutta Italia, Europa ed America, figurando in importanti rassegne concertistiche e nei maggiori festival musicali. Numerose 

sono le sue collaborazioni musicali, tra cui quella con le prime parti dell’Orchestra del Teatro alla Scala di Milano. La sua attività 

si svolge con interesse anche nel campo della musica contemporanea, grazie ad un sodalizio con numerosi compositori che 

gli hanno dedicato loro opere.

SABATO 5 NOVEMBRE 2011 


ConCerto Straordinario in oCCaSione deL 90° deLLa FondaZione 

deLLa aSSoCiaZione FiLarMoniCa di roVereto 

In memoria di Jan Novák 

(1921-1984) 

anna Boschi, 

emilia Campagna, pianoforte 

aldo Campagnari, violino 

Lucia Comandella, 

alessandro Cotogno, violino 

Maria de Stefani, pianoforte 

JAN NOVÁK Sonata super Hoson Zes 

(1921-1984) 

Allegro moderato 

Andante 

Vivace 

Sonata Solis Fidibus 

per violino solo 

Allegro 

Lento 

Vivace 

Grave 

Sonata Tribus 

 


Lento 

Allegro assai


MARTEDì 15 NOVEMBRE 2011 

eManUeLe BUono 

chitarra 

VICENTE ASENCIO Collectici intim 

(1908-1979) 

JOAQUÍN RODRIGO Invocación y danza (Homenaje a Manuel De Falla) 

(1901-1999) Tres Piezas Españolas 

AUGUSTÍN BARRIOS Un sueño en la floresta 

(1885-1944) 

DIONISIO AGUADO Andante e Rondò op. 2 n. 2 

(1784-1849) 

MAURO GIULIANI Rossiniana n. 1 op. 119 

(1781-1829)

emanuele Buono è nato a 

Torino nel 1987 e ha iniziato 

giovanissimo gli studi 

di chitarra classica. Nel 

2005 si è diplomato a al 

conservatorio «G. Verdi» di 

Milano. Dal settembre 2005 

ha approfondito gli studi di 

chitarra con Paolo Pegoraro 

all’accademia «Francisco 

Tarrega» di Pordenone, dove 

ha conseguito il Diploma di 

specializzazione triennale di 

alto perfezionamento. Ha 

frequentato inoltre i corsi di 

perfezionamento all’Accademia 

Chigiana di Siena, tenuti 

da Oscar Ghiglia, ottenendo 

il diploma di merito e una 

borsa di studio. Nel suo 

percorso chitarristico ha ottenuto 

il primo premio in diversi 

concorsi internazionali: 

Gargnano (2008), “Ruggero 

Chiesa” di Camogli (2008), 

Spalato (2009), “Parkening” 

di Malibu (2009), “Fernando 

Sor” di Roma (2010), “Città 

di Seveso” (2010). Viene 

regolarmente invitato a tenere 

recital in vari festival 

chitarristici. Nel settembre 

2008 ha ricevuto, nell’ambito 

del xIII Convegno Internazionale 

di Alessandria, 

il prestigioso riconoscimento 

“La chitarra d’oro” quale 

migliore giovane concertista 

dell’anno. Di recente ha 

tenuto un recital al Konzerthaus 

di Vienna, ottenendo 

ottime recensioni di critica 

nonché inviti ad importanti 

eventi musicali.


Vicente Asencio, noto pianista e compositore valenziano (29 Ottobre 1908 - 4 Aprile 1979), cominciò a comporre agli inizi del 

1920 e il suo primo grande successo fu il balletto Fuego de Fiesta (1926). La sua musica, inizialmentente, mostra un’evidente 

 

musica propria, evocando gli aspetti che rendono riconoscibile la musica valenciana, utilizzando armonie impressioniste tipiche dei 

 

erano esponenti di rilievo. Le sue opere più note di questo strumento sono Elegia a Manuel de Falla (1946), Sonatina (1949), e 

Colletici Intim (1965). 

Joaquín Rodrigo, marchese dei giardini di Aranjuez (Sagunto, 22 novembre 1901-Madrid, 6 luglio 1999), è stato un compositore 

e pianista spagnolo. 

Musicista classico, è noto principalmente per il suo Concerto d’Aranjuez(1939 - Parigi), un concerto per chitarra solista e orchestra. 

Il secondo movimento, l’adagio, è uno dei più conosciuti della musica classica del XX secolo, con il dialogo della chitarra con l’oboe. 

 

Galway e il violoncellista Julian Lloyd Webber. Il suo Concerto Andaluso, per quattro chitarre e orchestra, fu commissionato da 

 

Egli vinse diversi premi per le sue composizioni. Le opere più note per chitarra sola sono Tres Piezas Espanolas, Sonata Giocosa, 

Invocación y Danza (1961 - Primo premio Coupe International de Guitare dell’ORTF (radio televisione francese). 

Agustín Pio Barrios Mangoré, nato a Misiones in Paraguay nel 1885, morto a San Salvador nel 1944, è uno dei grandi maestri 

 

musicisti, scrittori e poeti che seppero riunire, nella loro opera, l’eredità della tradizione europea e gli aspetti vitali delle culture 

originarie dei paesi in cui erano nati e nel caso di Barrios di tutto il continente. 

La sua gloria è legata alle composizioni per chitarra sola che egli scrisse nelle diverse epoche della sua avventurosa esistenza. Molte 

di esse sono pagine a ispirazione popolaresca, sapientemente depurate e ricche di fascinosi effetti strumentali; altre si rivolgono alla 

 

Dionisio Aguado y García (Madrid, 8 aprile 1784 – Madrid, 29 dicembre 1849) è stato un chitarrista e compositore spagnolo. 

Dopo aver studiato in Spagna ed essersi perfezionato alla scuola di Federico Moretti si recò a Parigi dove cominciò la sua intensa 

carriera da concertista. Le sue doti chitarristiche richiamarono l’attenzione di diversi maestri del tempo: Gioacchino Rossini, 

Vincenzo Bellini e Niccolò Paganini. 

Fu riconosciuto come virtuoso dalla stesso Fernando Sor, che gli dedicò uno dei suoi più celebri brani per due chitarre, Les deux amis 

op. 41. 

Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliani (Bisceglie, 27 luglio 1781 – Napoli, 7 maggio 1829) è stato un chitarrista, 

compositore e violoncellista italiano. 

Il “Paganini della chitarra”, come venne ribattezzato, divenne famosissimo e si conquistò la stima e l’amicizia di Paganini stesso, 

 

i tre concerti per chitarra e orchestra, alcune sonate per chitarra sola e brani destinati ad ensemble di vario tipo. 

Degne di nota sono le sei Rossiniane, fantasie su alcuni motivi di Rossini come omaggio al grande compositore e amico. La forma 

però che Giuliani coltivò di più è sicuramente il tema con variazioni, dove non solo dimostrava di saper creare una linea melodica 

 

suonati in pubblico da chitarristi di grande talento per dimostrare la loro bravura. 

Emanuele Buono

AULA MAGNA PALAZZO PIAMARTA 

MERCOLEDì 23 NOVEMBRE 

CLara Lotti 

voce recitante 

Sergio La VaCCara 

violino / violino elettrico 

MaUro tonoLLi 

chitarra / chitarra elettrica 

Immagini realizzate dagli studenti dell’Istituto d’Arte «A. Vittoria» di Trento 

NICOLA STRAFFELINI Alfabeto apocalittico di Edoardo Sanguineti 

(1965) 

Le lettere degli amici 

Claudio Rastelli J di Pier Giorgio Rauzi 

Alessandro Giannotti K di Lello Voce 

Giovanni Fiorini W di Giuseppe Caliceti 

Maurizio Zanotti X di Nanni Balestrini 

Mario Pagotto di Tommaso Ottonieri

Sergio La Vaccara, violino 

Nato nel 1979, si diploma nel 2001 al Conservatorio 

di Riva del Garda. Si classifica 

ancora studente in numerosi concorsi nazionali 

ed internazionali. 

Successivamente si perfeziona in musica 

da camera sotto la guida di Giancarlo Guarino 

e si laurea in Discipline Musicali ad 

indirizzo orchestrale con Alberto Martini, 

ottenendo il massimo dei voti in entrambe 

le discipline. Sempre negli stessi anni 

ha avuto modo di studiare con maestri 

quali Valter Daga, Giuliano Carmignola, 

Cristiano Rossi, Domenico Nordio, Pavel 

Bermann. 

Da anni svolge un’intensa attività concertistica. 

Ha al suo attivo diverse esibizioni 

in varie formazioni cameristiche e 

orchestrali e ha suonato per importanti 

enti in tutta Italia e all’estero. Violinista 

eclettico, è uno dei fondatori del “Quartetto 

degli affetti”, gruppo impegnato nella 

produzione di musica antica su strumenti 

originali. 

È inoltre impegnato nella valorizzazione 

e nella divulgazione della musica contemporanea. 

Affianca all’attività concertistica quella 

didattica. Nel 2007 ha pubblicato il libro 

“Il mio amico violino” (editrice gaia), metodo 

per lo studio del violino per bambini. 

Attualmente insegna violino presso la 

Scuola Musicale delle Giudicarie, la Scuola 

Musicale C. Eccher e l’Accademia San 

Carlo di Salò (BS). 

Mauro tonolli, chitarra 

Dopo il diploma in chitarra presso il Conservatorio 

di Trento con Mariano Andreolli, 

consegue con il massimo dei voti e la 

lode la Laurea Specialistica in Chitarra al 

Biennio Superiore Concertistico-Solistico 

indirizzo ‘900. Nel 2009, presso il Conservatorio 

“C. Monteverdi” di Bolzano, si

laurea al Biennio di secondo livello per la formazione dei docenti nella classe di concorso di strumento musicale. 

Si perfeziona partecipando a masterclass e seminari con chitarristi di fama internazionale tra cui Matteo Mela, Oscar Ghiglia, 

Andrea Dieci, Massimo Lonardi, Pietro Bonaguri, Paolo Cherici, Leopoldo Saracino, Florindo Baldissera, Simone Fontanelli, 

Bruno Giufferdi. 

Svolge attività concertistica sia come solista che in varie formazioni cameristiche. Dedica particolare attenzione alla musica 

moderna e contemporanea collaborando con musicisti e compositori per l’esecuzione e composizione di nuove opere. Ha curato 

prime esecuzioni assolute di Massimo Priori, Nicola Straffelini, Alessandro Giannotti, Giovanni Fiorini, Maurizio Zanotti, 

Daniele Lutterotti, Raul Masu, Claudio Rastelli e Mario Pagotto. 

Insegna chitarra classica alla Civica Scuola Musicale “R. Zandonai” di Rovereto e alla Scuola Secondaria ad indirizzo musicale 

“G. Bresadola” di Trento. 

Clara Lotti, voce recitante 

Compie gli studi classici e si laurea in Lettere indirizzo classico presso l’Università degli Studi di Bologna nel 1990 con una 

tesi sugli strumenti musicali nella Grecia antica. 

Approfondisce anche la conoscenza della musica, teorica e pratica, attraverso lo studio del pianoforte, dell’armonia e lettura 

della partitura, della storia della musica. Fa esperienza come soprano in cori rinascimentali, d’opera e di musica contemporanea. 

Scrive per molti anni su alcuni quotidiani e riviste, in particolare come critico d’arte e musicale, ma anche come redattore 

di cronaca locale. 

Dal 1991 insegna nei licei materie letterarie, latino e greco. Nel 2000 è vincitrice di concorso nazionale per l’insegnamento di 

materie letterarie e latino nei licei. Insegna presso il liceo “A. Maffei” di Riva del Garda. 

Fa parte dell’associazione culturale Quadrivium per la diffusione della musica contemporanea, con la quale progetta manifestazioni 

ed eventi. È voce recitante in alcuni spettacoli che fondono musica, letteratura e videoarte. 


Lo spettacolo presenta la serie di 21 ottave in endecasillabi a rima baciata scritte da Edoardo Sanguineti nel 1982 per l’Apocalisse 

del pittore Enrico Baj. In questo grandioso Alfabeto apocalittico ogni poesia, dalla A alla Z, è composta solo di parole che iniziano con 

la lettera dell’alfabeto scelta. Tale costrizione linguistica ha portato l’immaginazione di Sanguineti a creare, inventare, contaminare, in 

 

Seguendo gli spettacolari effetti visivi e uditivi della sequenza, l’opera è stata musicata nel 2007 da Nicola Straffelini, che ha 

scritto 21 quadri musicali per violino e chitarra a commento delle poesie, come preludi, postludi o accompagnamenti alle letture. Gli 

strumenti sono utilizzati sia in maniera tradizionale che nella loro versione elettrica, dando luogo a svariate combinazioni timbriche. 

Dopo la scomparsa del poeta genovese l’evento è stato arricchito dall’omaggio che alcuni amici poeti (Pier Giorgio Rauzi, Lello Voce, 

 

personale ogni autore ha saputo ricamare una nuova ottava collegata all’originale, integrata dalla musica di altri cinque compositori: 

Claudio Rastelli, Alessandro Giannotti, Giovanni Fiorini, Maurizio Zanotti e Mario Pagotto. 

La produzione dello spettacolo è di Quadrivium, associazione per la diffusione della musica contemporanea, la cui poetica, nell’ottica 

della visione sanguinetiana, è tesa a coniugare arte, letteratura e musica. Il video dello spettacolo è stato realizzato dagli studenti 

dell’Istituto Vittoria di Trento, coordinati da Michela Eccli. 

Mauro Tonolli

AUDITORIUM MELOTTI 

MERCOLEDì 14 DICEMBRE 2011 

orCheStra FiLarMoniCa di BeLgrado 

Charles olivieri, direttore 

Stefan Milenkovi, violino 

RICHARD WAGNER Der Fliegende Holländer, ouverture 

(1813-1883) 

NICCOLò PAGANINI Concerto n. 2 in si minore (“La Campanella”) 

(1782-1840) Allegro maestoso 

Adagio 

Rondò 

CAMILLE SAINT-SAëNS Danse macabre, poema sinfonico op. 40 

(1835-1921) 

FERENC LISZT Les Préludes, poema sinfonico R414 

(1811-1886) Mephisto-Walzer n. 1 

Rapsodia ungherese n. 9 “Pester Karneval” R106

L’orchestra Filarmonica di Belgrado è stata fondata nel 1923, nel momento in cui quasi tutte le principali città europee 

vantavano già da tempo le loro orchestre filarmoniche. Il suo fondatore, primo direttore e direttore principale è stato Stevan 

Hristi, uno dei più importanti compositori e direttori serbi. Artisti eminenti come Lovro von Matai, Oskar Danon, 

Kresimir Baranovi, Zivojin Zdravkovi, Angel Surev, Anton Kolar, Horst Ferster, Jovan Sajnovi, Vasilij Sinajski, Emil 

Tabakov, Uros Lajovi e Dorian Wilson hanno seguito la tradizione del fondatore, guidando nei decenni l’Orchestra fino ad 

una graduale acquisizione di un livello eccezionale di esecuzione musicale, che ha raggiunto il suo apice negli anni Sessanta. 

Sotto la direzione di Zivojin Zdravkovi, la Filarmonica di Belgrado è stata classificata da parte di esperti internazionali la 

quinta migliore orchestra europea. L’Orchestra, ora leader a livello nazionale, ha condiviso brillanti esecuzioni con celebri 

direttori e solisti quali Raphael Kubelik, Malcolm Sargent, André Navarra, Karl Bohm, Leopold Stokowski, Kirill Kondrašin,

Mstislav Rostropovi, Arthur Rubinstein, Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Rudolph Kempf, Gidon Kremer, Ivo Pogoreli, 

Gustav Khun, Ivan Fischer, Maksim Vengerov, Valerij Afanasev, ecc. 

Dopo i tragici eventi bellici degli anni ’90 nei paesi della ex-Jugoslavia, che hanno fortemente compromesso la realtà musicale 

serba, il nuovo secolo ha visto il ritorno della Filarmonica di Belgrado sulla scena internazionale, anche grazie a tournée in 

vari paesi europei. Nella stagione 2003-04 l’Orchestra si è riappropriata della sua sede nel centro cittadino, modernamente 

attrezzata dopo la ricostruzione. Giovani musicisti di formazione internazionale si sono uniti alla Filarmonica di Belgrado 

creando una nuova immagine dell’Orchestra e rinnovando l’entusiasmo e la qualità di questa compagine anche attraverso 

la collaborazione con la neonata Fondazione Filarmonica di Belgrado, costituita con l’obiettivo di migliorare la situazione 

finanziaria dell’Orchestra, attraverso una rete di sponsor e sostenitori. Nella stagione 2005-06, sotto l’incentivo di Zubin 

Mehta, è stato stabilito un fondo speciale con lo scopo di rinnovare continuamente gli strumenti in dotazione all’orchestra.

Stefan Milenkovi, nativo di Belgrado, ha iniziato lo studio del violino all’età di tre anni, dimostrando subito un raro talento 

che lo ha portato alla sua prima apparizione con l’orchestra, come solista, all’età di sei anni, incominciando una carriera 

che lo ha portato in tutto il mondo. A sedici anni teneva già il suo millesimo concerto pubblico. Milenkovi ha partecipato a 

diversi concorsi internazionali, risultando vincitore in molti casi: al Concorso di Indianapolis, al “Tibor Varga” in Svizzera, al 

“Queen Elizabeth” di Bruxelles, allo “Yehudi Menuhin”in Gran Bretagna, al “Lipizer”di Gorizia e al il “Paganini” di Genova, 

e ancora al “Ludwig Spohr ed al Concorso di Hannover. Riconosciuto a livello internazionale per le sue eccezionali doti 

artistiche, ha suonato come solista con l’Orchestra Sinfonica di Berlino, l’Orchestra di Stato di San Pietroburgo, l’Orchestra 

del Teatro Bol’šoj, la Helsinki Philharmonic, l’Orchestra di Radio-France, l’Orchestra Nazionale del Belgio, la Filarmonica 

di Belgrado, l’Orchestra di Stato del Messico, l’Orchestra Sinfonica di Stato di San Paolo, l’Orpheus Chamber Orchestra, le 

Orchestre di Melbourne e del Queensland in Australia, l’Indianapolis Symphony Orchestra, la New York Chamber Symphony 

Orchestra, la Chicago Symphony Orchestra, collaborando con direttori del calibro di Lorin Maazel, Daniel Oren, Vladimir 

Fedoseeev, Neville Marriner. Nell’ ambito della musica da camera, è invitato regolarmente alle Jupiter Chamber Music 

Series, ed è fondatore e membro del Corinthian Piano Trio e più recentemente del Formosa Quartet. Stefan Milenkovi è 

profondamente impegnato anche in cause umanitarie: per queste gli è stato attribuito a Belgrado nel 2003 il riconoscimento 

“Most Human Person”. Ha inoltre partecipato a numerosi concerti patrocinati dall’UNESCO a Parigi, esibendosi al fianco 

di Placido Domingo, Lorin Maazel, Alexis Weissenberg e Yehudi Menuhin. Dedito all’insegnamento, nel 2002 è stato assistente 

di Itzhak Perlman alla Juilliard School di New York, prima di accettare l’attuale incarico all’Università dell’Illinois 

Urbana-Champaign (USA).


 

 

diabolico, e arrivare quindi a due tipiche rappresentazioni ottocentesche della morte tra loro omologhe per la ricorrenza del valzer e del 

volino come riferimenti musicali obbligati e consolidati anch’essi nell’immaginario collettivo in senso demoniaco. 

WAGNER – Il racconto di Heine che narra del navigatore costretto da un’antica maledizione a vagare per i mari senza poter mai 

 

che diede ne L’Olandese volante, opera ricca di accensioni romantiche e di momenti esaltanti, la misura del suo genio in formazione. 

Il lavoro, che è del 1841 e inaugura la serie delle tre cosiddette “opere romantiche” completato poi da Tannhäuser e Lohengrin, segna 

nelle stesse parole dell’autore l’inizio della sua carriera di musicista-poeta che decide di abbandonare i soggetti convenzionali con i 

 

nelle saghe, possono meglio attingere ad aspetti di verità universali e rendersi comprensibili per via intuitiva. 

Gli elementi della fosca ambientazione nordica dominata dal mare minaccioso e sconvolto sono convogliati nell’Ouverture in una 

musica tumultuosa e vibrante che offre un saggio eloquente del sinfonismo di Wagner e del suo ruolo preminente all’interno di tutti i 

suoi lavori. Di questa stessa turbolenza è parte l’immagine sinistra del personaggio che dà il titolo all’opera e la connota con il destino 

 

PAGANINI – 

a chiamare demoniaco si trasferisce ad occasioni e pratiche più mondane, ove si impone il fenomeno di artisti dotati di tecnica 

 

forze umane. Avviene così che nella Parigi di quegli anni si trova concentrato il meglio del virtuosismo musicale in tutti i suoi aspetti: 

dall’operista Rossini, al sinfonista Berlioz, ai pianisti Liszt e Chopin e tutta la numerosa schiera di talenti chiamati a misurarsi in 

competizioni concertistiche davanti a pubblici in delirio. A dar vita per primo a questi fenomeni di costume era stato però il violinista 

 

modo in cui sapeva forzare il suo strumento ad esiti stupefacenti sul piano della tecnica più impervia, e che in sovrappiù alimentava 

 

Con il bagaglio dei Capricci per violino solo, le Variazioni con accompagnamento di pianoforte o chitarra, poi anche con i Concerti, 

 

 

 

stupire, superarsi ogni volta in originalità e fantasiosità. Il divismo, che l’opera italiana delle primedonne e dei castrati aveva già 

sperimentato nel secolo dei lumi, si accompagnava adesso anche al campo strumentale, e non a caso Paganini utilizzava nelle sue 

musiche evidenti modalità teatrali, quando addirittura non si serviva di arie d’opera famose per costruirvi sopra delle pirotecniche 

variazioni. 

Dei sei Concerti da lui scritti, il secondo in si minore (1826) è rimasto famoso per la trovata della “campanella” (un triangolo, 

 

assoluta, che però colpì prontamente nel segno e ancora oggi ha il potere, se non di entusiasmare, almeno di rallegrare come di 

ogni cosa che esca dalla norma consueta. Liszt, come noto, colse l’occasione per scriverne una versione pianistica. Nel suo insieme 

il concerto rivela qualche debolezza strutturale e d’invenzione e qualche scelta non calibratissima riguardo all’orchestrazione, che 

 

virtuosismo paganiniano è qui dispiegato alternando soluzioni funamboliche a momenti di ampia ariosità operistica svelando con 

ciò l’intera gamma delle possibilità tecniche ed espressive del violino ottocentesco. 

 

momenti che, come la Marcia alla turca di Mozart, riescono ad attingere a effetti di festosità pur mantenendosi stabilmente nel modo 

minore.

SAINT-SAëNS – 

moltiplicate in tutto il mondo cristiano come perpetuo ammonimento a perseguire la virtù e la morigeratezza. Da queste stravaganti 

imagineries 

 

approssimative è quello che si sente per l’appunto in questa geniale fantasmagoria gotica di Camille Saint-Saëns (1874) che 

costituisce un duraturo favourite nel genere dei pezzi caratteristici per orchestra. La morte qui rappresentata è beffa, ghigno, irrisione, 

trionfo sinistro, in coerenza con il racconto che emerge dalla poesia di Jean Lahor il quale parla della ridda infernale avente luogo 

 

notoria, della Notte sul Monte Calvo che Musorgskij ricavò da un racconto di Gogol’. Non può mancare in orchestra la citazione 

della sequenza del Dies Iræ in iterazioni grottesche, che richiama a sua volta un momento della Symphonie fantastique di Berlioz 

e il Totentanz di Liszt. Altri effetti naturalistici si aggiungono: i rintocchi della mezzanotte, il turbine del vento, l’onomatopea 

delle ossa agitate nella danza oscena. La scrittura orchestrale di Saint-Saëns è magistrale e si lascia gustare anche da sola, senza 

 

Con LISZT 

Faust di Gounod e al Mefistofele 

tratti burleschi, perversamente gioiosi e decisamente teatrali. Liszt, poi, sembra aver avuto per questo soggetto una vera e duratura 

ossessione testimoniata, oltre al resto, dal Mephisto-Walzer che ricompare periodicamente attraverso la vicenda delle sue quattro 

versioni e il corollario ulteriore di una Mephisto-polka. Nel caso di questa pagina scoppiettante, la fonte utilizzata è il dramma 

 

violino e con esso dare l’avvio a una danza orgiastica che coinvolge, oltre a Faust e la sua occasionale conquista, i diversi personaggi 

lì presenti. Si è poi constatato che Liszt, per mitigare la crudezza dell’immagine, ha operato una curiosa commistione con il testo di 

 

idillio in cui la insistita sensualità originaria si muta in estasi amorosa. Palestra di virtuosismi davvero diabolici, il Mephisto- 

Walzer della prima versione (1860) mantiene intatto il suo fascino sulfureo. 

Di Liszt sono compresi in programma due altri titoli: uno è Il carnevale di Pest (1848, II vers. 1853) dalla raccolta pianistica delle 

Ungarische Rhapsodien, che è pezzo brillante e piuttosto esteriore; l’altro è Les Préludes, il più rinomato dei tredici poemi sinfonici 

da lui composti, mutuato da un poema di Alphonse de Lamartine che ne offre il ‘programma’ interno. Brano nobile, solenne, ricco 

di umori, che a taluno piace tacciare di pomposità esteriore, è una lunga peripezia che attraverso una varia e stringente articolazione 

interna descrive l’itinerario del poeta romantico che si confronta con la complessità della vita passando attraverso vari sentimenti e 

atteggiamenti. Eccolo dapprima invocare la musa, poi abbandonarsi a pensieri amorosi ed elegiaci, quindi invocare una maggiore 

 

 

separarsi dalla musa. Ascoltata senza pregiudizi, questa popolare pagina lisztiana svela al meglio la natura del suo sinfonismo ed 

insieme l’altezza della sua ispirazione nutrita di alta cultura e il calore della sua anima palpitante. 

Diego R. Cescotti 

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SABATO 21 GENNAIO 2012 

aira Maria LehtiPUU 

violino 

Petra SoMLai 

fortepiano 

WOLFGANG AMADEUS MOZART Sonata in mi minore K 304 per violino e pianoforte 

(1756-1791) Allegro 

Tempo di menuetto 

Sonata in si bemolle maggiore K 333 per 

pianoforte 

Allegro 

Andante cantabile 

Allegretto grazioso 

Sonata in re maggiore K 306 per violino e 

pianoforte 

Allegro con spirito 

Andantino cantabile 

Allegretto 

JOHANN SEBASTIAN BACH Ciaccona in re minore BWV 1004 per violino solo 

(1685-1750)

aira Maria Lehtipuu ha studiato in Finlandia e a Budapest presso l’Accademia Ferenc Liszt. Si è laureata nel 2002 in pedagogia 

del violino al Conservatorio Lahti, dedicandosi poi al violino barocco nel quale si è laureata dapprima a Helsinki 

e quindi al Conservatorio dell’Aia. Dal 1988 fa parte del Finnish Early Music Ensemble e, dal 2005, della European Union 

Baroque Orchestra. Ha avuto la possibilità di suonare con musicisti importanti in ensembles quali Capriccio Stravagante, 

L’Arpeggiata, Helsinki Baroque Orchestra, Holland Baroque Society e Al Ayre Español. Attualmente si sta dedicando alla 

musica da camera. Nel 2010 ha partecipato al Premio Bonporti ottenendo il terzo premio. Oltre alla musica barocca, Aira 

Maria Lehtipuu ama suonare musica folklorisica della Scandinavia. 

Petra Somal è nata in Ungheria nel 1981. Dopo essersi laureata in direzione e pianoforte al Conservaorio Béla Bartók di 

Budapest, ha completato lo studio del pianoforte presso l’Accademia Liszt della stessa città. Durante questi anni la sua 

attenzione si è focalizzata gradualmente sugli strumenti barocchi e ha cominciato a studiare clavicembalo e fortepiano in 

Inghilterra e presso il Conservatorio Reale di Amsterdam e dell’Aia. Si è esibita nei Festival di Bodensee, Tartu, Bruges, 

Irsee e Esterháza e ha tenuto concerti in tutta Europa e Giappone. È spesso invitata a suonare come solista nelle orchestre. 

Si occupa di ricerche musicologiche orientate ai repertori barocco e classico. Nel 2010 ha vinto il primo premio speciale del 

pubblico all’International Fortepiano Competition di Bruges. 

Note al programma 

MOZART 

- Sembra certo che la composizione della Sonata in mi minore k 304 vada fatta risalire all’estate parigina del 1778, nel pieno clima 

di dramma determinatosi con la morte improvvisa della madre che veniva a coronare un’esperienza di viaggio per molti versi tragica. 

E se è pur vero che nella stessa occasione il compositore seppe produrre un lavoro all’apparenza sereno e spigliato come l’omologa 

Sonata in re maggiore K 306, è altrettanto innegabile che lo spirito di questa in mi minore riposa su un tono di tristezza trattenuta 

che può, laddove più marcate ricorrono le insistenze su unisoni e sincopi, accendersi di una sorta di battagliera ribellione. 

Formalmente la Sonata rispecchia l’uso parigino dei due tempi con il Minuetto a concludere; ma qui la danza galante per eccellenza 

conserva ben poco del suo alone mondano ed espressivamente indifferente, per caricarsi invece di uno struggimento insolito che sembra 

parlare di un’anima allo sbando. 

Per questa sua sostanza umana profondamente sentita, la Sonata K 304 campeggia come un capolavoro nel suo genere e si pone tra 

le opere di questo autore più presaghe del futuro clima romantico. 

- Dello stesso periodo è la Sonata in si bemolle maggiore k 333 per pianoforte, che appartiene al gruppo delle cinque cosiddette 

 

 

una lettera in cui l’Autore rivela di averle scritte per ricavarne un guadagno buono e immediato. 

L’op. 333 un lavoro di ampio respiro, che nel suo contemperare armoniosamente tratti di eleganza mondana e profondità di contenuti 

segna una felice ricomposizione dell’equilibrio classico. 

Mannheimer, ma più chiare sono le tracce che riconducono a 

Johann Christian Bach, il caro amico dei lontani giorni londinesi appena ritrovato a Parigi: tracce da cui Mozart prende le mosse e 

subito supera in direzione di una maggior elaborazione dei materiali e di una diversa consapevolezza espressiva che attinge talora al 

patetico. Qualcuno ha anche suggerito che la tendenza ad arricchire la scrittura pianistica introducendo soluzioni di maggior effetto 

sonoro possa essere stata una conseguenza della recente scoperta, da lui fatta ad Augsburg, dei nuovi perfezionati strumenti della 

ditta Stein. 

Nei primi due tempi non sfugge il ricorso ad accenti dolorosi e appassionati, particolarmente evidenti nella sezione centrale del 

secondo movimento; mentre il grazioso e originale Finale in forma di Rondò riconduce alla bonomia consueta, ma con la sorpresa di 

alcune cadenze solistiche (una particolarmente estesa) che normalmente ci si attende di trovare in un Concerto con orchestra.

- Si colloca in questi anni un’abbondante produzione violinistica, dalla quale Mozart si riprometteva di offrire prodotti brillanti e di 

pronto consumo che conciliassero ragioni di gusto corrente e superiori esigenze espressive. Nel 1778 comparvero in pregiata edizione a 

 

soprattutto per l’acquisto in esse di un respiro musicale e di una sostanza strumentale, che già le pone al di fuori dal ristretto ambito 

di fruizione dilettantistica. 

La Sonata in re maggiore k 306 

si presenta, per carattere spigliato e perfezione formale, come esempio di perfetto equilibrio tra fantasia e ingegno. La scrittura reca 

tracce del gusto francese nel frequente impiego di trilli e altre ornamentazioni e nel prevalere dello stile concertante. La svolta stilistica 

si evidenzia, come si diceva, nel generale arricchimento della scrittura, che pone i due strumenti in rapporto ormai paritario per 

responsabilità concertante e dignità musicale. 

 

nel gioco di alternanze tra episodi in tempi diversi e nell’attrattiva di un’estesa cadenza per entrambi gli strumenti introdotta 

sorprendentemente verso la conclusione, la quale richiama allo stile estroverso dei Concerti per violino scritti solo pochi anni prima. 

BACH – Il pezzo solistico per violino senza accompagnamento era conosciuto e praticato in Germania ai tempi di Bach; tuttavia nello 

scrivere le sue 6 Sonate e Partite il maestro di Eisenach superò di molto l’originaria funzione liturgica in uso creando lavori di ardua 

concezione ed esecuzione, che si pongono come oggetti musicali puri, portatori di un’idea musicale organizzativamente complessa e 

 

di cui egli estremizzò i limiti e la portata. Specie nelle tre grandi fughe, che costituiscono il cuore delle tre Sonate, mise a frutto ogni 

risorsa del violino per quanto riguarda la tecnica d’arco e delle corde doppie o triple, onde permettere il giusto equilibrio strutturale e 

sonoro tra le voci portanti e quelle che realizzano l’integrazione contrappuntistica. 

Sull’impianto normativo del sonatismo tardo-barocco, Bach intercala dunque nella sua raccolta 3 Sonate in quattro movimenti nella 

versione “da chiesa” con 3 Partite nella versione “da camera” che recano nei tempi la terminologia delle danze in uso. 

La Ciaccona, che il nome denuncia come facente parte delle danze della suite, è posta a conclusione della Seconda Partita in re 

minore; ma si tratta di una pagina che si regge benissimo da sola, e lo conferma il fatto che come tale è spesso eseguita in sala da 

concerto. 

È evidente che qui il carattere cordiale e ‘consumistico’ della suite è completamente disatteso dal livello concettuale non meno che 

dallo stesso impianto colossale che il brano assume. Nello svolgersi delle sue 257 battute la composizione si dipana su una serie di 32 

variazioni concatenate, sostenute da un basso ‘obbligato’ a condotta piuttosto libera. Secondo una tecnica di progressiva, continua 

 

a formare un organismo dinamico e composito continuamente spinto in avanti dalla sua stessa forza interna. La Ciaccona conta 

indubbiamente tra le creazioni più alte del genio bachiano. Per essa lo storico Spitta trovò un commento quanto mai calzante parlando 

di «trionfo dello spirito sulla materia». 

Diego R. Cescotti


GIOVEDì 26 GENNAIO 2012 

QUartetto taLiCh 

Jan talich, violino 

Petr Maceek, violino 

Vladimir Buak, viola 

Petr Prause, violoncello 

LUDWIG VAN BEETHOVEN Quartetto in si bemolle maggiore op. 130 

(1770-1827) Adagio ma non troppo - Allegro 

Presto 

Andante con moto ma non troppo. 

Alla danza tedesca (Allegro assai) 

Cavatina (Adagio molto espressivo) 

Finale (Allegro) 

DMITRIJ šOSTAKOVI Quartetto n. 2 in la minore op. 68 

(1906-1975) Ouverture (Moderato) 

Recitativo e Romanza (Adagio) 

Waltz (Allegro) 

Tema con variazioni

Foto: Guy Vivien

Il Quartetto talich è fra i più apprezzati 

quartetti d’archi nel mondo e 

rappresenta la cultura musicale ceca in 

Europa, negli USA e in Giappone. La 

formazione attuale è stata costituita 

da Jan Talich, nipote del celebre Vaclav 

Talich, fondatore dell’Orchestra 

Filarmonica Ceca, quando era studente 

al Conservatorio di Praga. 

Fin dal 1964, anno di esordio, il Quartetto 

Talich seppe ritagliarsi un ruolo di 

leader fra i grandi quartetti dell’epoca, 

conquistando moltissimi riconoscimenti. 

A metà del 1990 ci fu un graduale 

cambiamento nella composizione dei 

membri del quartetto, e da allora il 

Talich si presenta con gli attuali artisti, 

che hanno saputo conservare intatta 

tutta la maestria e l’arte interpretativa 

dei colleghi fondatori. Il Quartetto ha 

riscosso straordinari consensi in Francia, 

Germania, Olanda, Portogallo, 

Inghilterra, Svizzera, Giappone, e 

Americhe, ed è regolarmente invitato 

dai Festival di musica da camera più 

prestigiosi: Prades, Valencia, Primavera 

di Praga, Europalia Festival, 

Primavera delle Arti a Monte Carlo, 

Festival Internazionale dei Quartetti di 

Ottawa e di Sion. Unanime il giudizio 

della critica musicale internazionale 

che sottolinea il grande virtuosismo del 

gruppo, sempre tuttavia al servizio del 

pensiero musicale, la formidabile comunione 

di spirito che sublima il discorso 

musicale e la rara capacità degli interpreti 

di andare al cuore dell’essenza 

della musica da camera. Il Quartetto 

è stato coinvolto dalla Fondazione 

Steven Spielberg nella registrazione di 

alcuni lavori di autori classici per il film 

documentario sull’olocauso dal titolo 

Hell on the Earth diretto dal regista 

V. Jasny. 


BEETHOVEN – Opera di vasta concezione, Il Quartetto in si bemolle maggiore 

op. 130 fu scritto nell’estate del 1825 con dichiarati intenti di impegno concettuale, 

tale da determinarne il parziale insuccesso iniziale, tanto più comprensibile se si 

pensa che in origine era fatto terminare da una Grande Fuga dalle dimensioni 

sproporzionate che l’editore Artaria ritenne utile sopprimere e che da allora sopravvive 

 

 

 

l’impianto del Quartetto travalica la norma classica, con il suo procedere episodico e 

i suoi movimenti (sei) tra loro non integrati e di struttura decisamente originale, se 

non eversiva, e comunque ben lontana da quella sintesi formale che era così spontanea 

nel Beethoven precedente e che invece viene spesso meno nei lavori dell’ultimo periodo 

che seguono altri tragitti del pensiero. 

Già il primo movimento, con quel suo lento inizio in cui l’idea si forma poco per 

volta e quel continuo, irrequieto trapassare da brevi sezioni in Allegro ad altrettante 

 

genere e lo avvicina allo spirito della suite o della rapsodia. 

Tale caratteristica è stata interpretata dagli studiosi non come indice di disagio 

o sofferenza, ma viceversa come un’espressione di massima libertà di spirito e di 

gioia interiore, come chi attinge alle vette del sublime affrancato da ogni impaccio di 

 

libero alternarsi di tratti felici, commossi, scherzosi, popolareschi, arditi non sarebbe 

altro che segno di salute interiore, di fantasia incorrotta, di superamento del dolore 

esistenziale. 

Il secondo movimento (Presto), di impronta popolare, sorprende per la sua brevità 

e leggerezza; l’Andante con moto che segue, invece, persegue intenti più profondi 

 

 

concludere in un’atmosfera assai preziosa. 

Al quarto posto troviamo un’altra concessione al gusto popolare con una danza tedesca 

più complessa di quanto non sembri al primo colpo, seguita da una lenta Cavatina 

che intenzionalmente costituisce il cuore del componimento ed era stata composta 

sotto l’effetto di una particolare commozione. Niente di operistico in essa, salvo il 

nome, ma una lunga, svagata linea melodica che procede libera da schemi formali e 

ripetizioni di convenienza, terminando in modo quanto mai suggestivo. È a questo 

punto che nel progetto originario doveva innestarsi la Grande Fuga, sostituita poi da 

un Finale di marca tradizione ma ben condotto e tale da riconciliare il pubblico più 

riottoso nei confronti di questo Quartetto che può mettere a dura prova l’ascoltatore 

sprovveduto, oggi come ieri. 

šOSTAKOVI – Da tempo i quindici Quartetti per archi di Šostakovi sono 

pienamente inseriti nei cartelloni delle società cameristiche e acquisiti come 

testimonianze importanti di un certo Novecento problematico negli assunti ma 

 

incomprensioni.

La costruzione secondo un sostanziale rispetto dei canoni formali del sonatismo tradizionale è il principio di disciplina che l’autore 

sovietico ha adottato più per una sua personale esigenza di ordine che per ottemperare a dei canoni estetici imposti, trovando anzi il 

varco per tentare attraverso di essi delle forme di comunicazione più sottili. 

Il mondo espressivo di questo corpus di quartetti è costituito dalla quintessenzializzazione di quegli elementi che si riscontrano in veste 

sonora più smagliante anche nelle Sinfonie, vale a dire una compresenza di umori diversi e contrastanti, divisi tra plaghe di ombrosa 

rimuginazione ed esplosioni agrodolci di violenta carica sarcastica. 

Il Secondo dei quindici Quartetti risale al 1944 e si pone dunque agli inizi dell’esperienza quartettistica di Šostakovi, che era però già 

 

le tante diverse opportunità del genere quartettistico per veicolare al meglio il proprio pensiero, le proprie idee, la propria umanità 

spesso sofferta. 

Il I movimento, chiamato dall’autore Ouverture, attacca in modo franco e ben scandito, e crea un clima abbastanza simile a quello 

usato da Prokof’ev all’inizio del suo Secondo Quartetto di soli pochi anni prima, accogliendone anche il vago sapore popolare. 

Il tempo lento reca la dizione operistica di Recitativo e Romanza ed è infatti su un inedito stile ‘parlante’ che si presenta, costituendosi 

a tratto sperimentale nella scrittura strumentale di questo autore. La situazione che si impone non è però infrequente in Šostakovi, 

consistendo in una di quelle erratiche melopee appoggiate su una prolungata stasi armonica che abbastanza spesso gli vediamo usare 

ogni volta che ha bisogno di creare un’atmosfera sospesa e carica di tensione latente. 

Assai originale è lo Scherzo, che procede circospetto tra gli strumenti con sordina ingenerando un clima inquieto ed enigmatico che 

anche quando più avanti si accalora non perde il carattere serpeggiante di fondo. 

 

avere il carattere riepilogativo e liberatorio di un ultimo tempo ma si espande attraverso l’evidenza dei suoi molti materiali tematici 

 

conclusione il pezzo su un tono solenne e tragico. 

Diego R. Cescotti


MERCOLEDì 1 FEBBRAIO 2012 

dUo SitkoVetSkiJ 

aleksandr Sitkovetskij, violino 

Wu Qian, pianoforte 

WOLFGANG AMADEUS MOZART Sonata in la maggiore K 305 

(1756-1791) Allegro molto 

Tema (Andante grazioso) con 6 Variazioni 

JOHANNES BRAHMS Sonata n. 2 in la maggiore op. 100 

(1833-1897) Allegro amabile 

Andante tranquillo 

Allegretto grazioso 

CéSAR FRANCK Sonata in la maggiore 

(1822-1890) Allegretto moderato 

Allegro 

Recitativo-Fantasia (Moderato) 

Allegretto poco mosso 

MAURICE RAVEL Tzigane (Rapsodia da concerto) 

(1875-1937)

Aleksandr Sitkovetskij e Wu Qian suonano insieme da una decina d’anni. 

Hanno tenuto recital in varie stagioni concertistiche in Germania, Italia, Estonia, alla Wigmore Hall di Londra e per 

altre società concertistiche inglesi e a New York. I prossimi concerti includono un altro tour nel Regno Unito ed una 

programmazione concertistica in Germania ed in Italia. 

Entrambi i musicisti coniugano l’attività cameristica con un’importante carriera solistica. 

aleksandr Sitkovetskij (violino) è nato a Mosca nel 1983 da una famiglia di musicisti famosi ed ha fatto il suo debutto 

in pubblico a otto anni suonando a Montpellier con l’Orchestra da Camera. 

Poco dopo è stato ammesso alla prestigiosa Scuola di Yehudi Menuhin, dove ha studiato con Natalia Boyarskij e con 

Hu Kun. 

Ha partecipato a corsi di specializzazione tenuti da Yehudi Menuhin, Dmitrij Sitkovetskij, Mauricio Fuks, Georgy 

Pauk, Maya Glezarova, Zvi Zeitlin, Abram Stern e nel 1998 ha seguito una master class di Maksim Vengerov trasmessa 

da molte tv europee. 

Attualmente sta studiando con Pavel Vernikov a Vienna. Sin dal loro primo incontro a Mosca nel 1990, Menuhin è stato 

fonte di grande ispirazione per Aleksandr e lo ha sempre appoggiato durante tutti gli anni della scuola. 

Hanno suonato insieme il Doppio Concerto di Bach in Francia e in Belgio, e il Duo di Bartók al St James’s Palace di 

Londra. 

Ha partecipato a molti Festival internazionali (Montpellier, Antibes, Torino, Tours, Oldenburg, Verbier, Rhode Island. 

Ha suonato in molte delle più importanti sale europee: la Royal Festival Hall, la Queen Elizabeth Hall, la Wigmore 

Hall, St John’s Smith Square, il Barbican Centre e St Martin-in-the-Fields a Londra, il Conservatorio di Milano, il 

Palais des Congrès di Antibes e in Israele, alle Hawaii e a Mosca. 

Aleksandr Sitkovetskij è anche un compositore affermato: due sue musiche da balletto hanno avuto la loro prima esecuzione 

alla Queen Elizabeth Hall di Londra in collaborazione con la Royal Academy of Dance. 

Il suo debutto a New York è avvenuto alla Frick Collection Series sotto l’egida di Bella Davidovich. 

Qui ha suonato con l’Orchestra da Camera di Mosca sotto la direzione di Constantin Oberlian. 

Si è prodotto poi con l’English Chamber Orchestra in Gran Bretagna e nuovamente con l’Orchestra da Camera di Mosca 

a San Pietroburgo, prima di imbarcarsi per un tour comprendente Bangkok, le Bermuda e molte città degli Stati Uniti. 

Wu Qian (pianoforte) è nata nel 1984 a Shanghai, dove ha iniziato giovanissima lo studio del pianoforte. 

A 13 anni ha ottenuto una borsa di studio per la Yehudi Menuhin School nella classe di Irina Zaritskaija, e successivamente 

ha proseguito gli studi con Arnaldo Cohen e Christopher Elton alla Royal Academy of Music. 

A 15 anni ha debuttato con un Concerto di Mozart alla Queen Elizabeth Hall e al Menuhin Festival in Svizzera. 

Ha suonato il Concerto n. 2 di Saint-Saëns con l’Orchestra Filarmonica a St. John’s Smith Square e tenuto due importanti 

recital nella South Bank Purcell Room, ottenendo entusiastiche recensioni dalla critica. 

Si è esibita quindi alla Wigmore Hall, alla Royal Festival Hall a Londra, alla Bridgewater Hall di Manchester, alla City 

Hall di Hong Kong, ad Hannover, Amsterdam e nella Steinway Hall di Amburgo, oltre che a New York. 

Nell’ottobre 2009 Qian ha rappresentato la Cina al Festival Europalia, interpretando il Secondo Concerto di Chopin 

con la Brussels Philharmonic. 

Di recente ha debuttato alla Chamber Hall del Concertgebouw di Amsterdam e al Kennedy Center di Washington, e 

tenuto recital a Francoforte, Berlino e Coblenza.


MOZART – La Sonata in la maggiore K 305 (1778) fa parte di un blocco di cinque Sonate scaturite dai contatti del Mozart 

ventiduenne con lo stimolante mondo della corte di Mannheim (da cui il nome di Sonate palatine con cui sono anche conosciute), 

 

 

prevalenza del pianoforte sul violino ‘ad libitum’ a quello appunto prussiano in cui i due strumenti dialogano in sostanziale parità 

 

da Johann Christian Bach, tra un primo tempo energico e slanciato e un secondo tempo dal carattere più gentile sviluppantesi in 

forma danzante ovvero sotto forma di tema e variazioni. 

Inutile rilevare che Mozart, nel far proprio il modello sonatistico dei Mannheimer lo supera portandolo a un livello artisico di gran 

lunga più alto e originale. 

BRAHMS – A fare della Sonata in la maggiore op. 100 una delle creazioni brahmsiane dalla riuscita artistica più mirabile è, 

assieme all’altezza d’ispirazione che la governa, la straordinaria unitarietà della concezione, che svela al fondo uno stato d’animo 

 

La cornice esterna che ne propiziò la creazione fu, una volta di più, quella di un ameno luogo di natura, in questo caso il villaggio 

 

nascere. 

Immerso in quella natura benevola, Brahms trascorreva i suoi giorni in ottima disposizione di spirito e in una condizione di 

tranquilla, operosa concentrazione assai propizia ai voli dell’ingegno, come testimonia la contemporanea ideazione della Sonata per 

violoncello op. 99 e del Trio op. 101. Ma a differenza di queste altre opere in divenire, nella Sonata per violino op. 100 mancano di 

proposito i gesti forti, le espressioni virili ed eroiche, i drammi, le inquietudini e le asprezze. A prevalere è invece il tono nobilmente 

 

Schubert e apparenta il brano a un côté prettamente liederistico. 

 

maggiore che lo rende di coloratura decisamente smagliante. Il registro espressivo non muta nel movimento che segue, ove si assiste 

a un’inedita combinazione di Andante e Scherzo, quest’ultimo tenuto sui toni di una leggerezza capricciosa, quasi danzante. La 

Sonata si conclude con un Rondò che conferma, pur tra rapidi passaggi più intensi e nostalgici, il senso di amabilità intimistica 

 

FRANCK – Nell’ultimo scorcio di Ottocento, prima che l’astro di Debussy sorgesse ad aprire alla musica orizzonti nuovi, la Francia 

produsse una generazione di musicisti di solida preparazione accademica i quali si impegnarono a sollevare le sorti delle forme 

 

 

ancor più di Wagner, l’esempio di autori meno eversivi nel trattamento delle forme come Brahms e Liszt, dal quale ultimo egli 

imparò la condotta assai evoluta dell’armonia cromatica e l’innovativa ideazione di principî costruttivi e di trasformazione tematica. 

Attraverso questi procedimenti arrivò poi ad adottare con sistematicità la forma ciclica, consistente nel modellare i vari movimenti di 

 

di riconoscibilità per chi ascolta. 

La giustamente famosa Sonata in la per violino e pianoforte (1886), che è presente stabilmente nel repertorio di tutti i grandi 

solisti, costituisce un cimento importante per la sua architettura complessa, la monumentalità di concezione e l’eloquenza discorsiva 

fra i due strumenti. Rigore e pathos si equilibrano in questa lunga pagina, che spazia tra aperture liriche di grande tenerezza e sfoghi 

di intensa tensione drammatica, tra divagazioni di tipo improvvisativo quale evidente retaggio del Franck organista (si veda nello 

Recitativo-fantasia) e la ricerca di un più spazioso melodizzare, tale da conferire al brano la sua ampia 

arcata.

RAVEL – Tzigane, che accanto al Boléro è indubbiamente la composizione più popolare di Ravel, testimonia la sorprendente 

capacità di questo autore, per altri versi delicato e controllatissimo, di ricercare e ottenere il successo più plateale attraverso offerte 

musicali che hanno nell’esuberanza coloristica e nella sfrenatezza dionisiaca la loro ragion d’essere e come tali sanno sortire un effetto 

infallibile sugli istinti più genuini del pubblico. 

Riservando più sottili ricerche di linee e fraseggi a opere di maggior impegno culturale come la Sonata per violino e pianoforte 

del 1923-27, egli rivolge qui la sua attenzione a un modello di “pezzo caratteristico” assai libero e disinvolto nella forma che si 

propone di ricreare fantasiosamente quell’affascinante universo gitano (ispanico o slavo poco importa) che l’immaginario collettivo 

inevitabilmente collega alla modalità esecutiva sul violino, recuperandone l’anima appassionata e gli irrefrenabili spiriti vitali. 

Fu il puro istinto a determinare la decisione di Ravel di scrivere questo pezzo: rimasto affascinato dall’arte della violinista ungherese 

Jelly d’Aranyi, che gli aveva fatto conoscere su richiesta alcuni ardenti exempla del repertorio magiaro, concepì una “rapsodia da 

Tzigane e che la stessa d’Aranyi eseguì per la prima volta a Londra nel 1924. 

 

 

 

 

quadro sonoro e permette al discorso di avanzare in un seguito inarrestabile di preziosità. 

Ravel allinea in questo sviluppo una serie di situazioni miranti a rendere il senso di un’improvvisazione che concresce sotto l’unico 

stimolo della fantasia: eccolo allora alternare atmosfere e climi espressivi diversi, tra languidi glissandi, scivolate di note in terze e 

seste, passaggi in tempo rubato, utilizzo di sonorità aggressive o al contrario contenute in una rarefatta iridescenza: il tutto condito 

da una sontuosa mèsse di tutte le acrobazie che si possono richiedere a un violino virtuoso. 

Va aggiunto a titolo di curiosità che Ravel aveva pensato per l’accompagnamento a uno strano strumento chiamato piano-luthéal, il 

quale negli intenti doveva imitare il suono del cimbalom ungherese. 

È nota poi la brillante versione con orchestra che lo stesso Ravel approntò e che presso il pubblico contende i suoi favori con quella con 

pianoforte. 

Diego R. Cescotti


MARTEDì 14 FEBBRAIO 2012 

trio aJkoVSkiJ 

konstantin Bogino, pianoforte 

Pavel Vernikov, violino 

aleksandr Chaushian, violoncello 

ANTONÍN DVOÁK Trio n. 4 in mi minore per pianoforte e archi 

(1841-1904) op. 90 (“Dumky” ) 

Lento maestoso (Dumka I) 

Poco adagio (Dumka II) 

Andante (Dumka III) 

Andante moderato (Dumka IV) 

Allegro (Dumka V) 

Lento maestoso (Dumka VI) 

ALEKSANDR EREPNIN Trio op. 34 

(1899-1977) Moderato tranquillo 

Allegretto 

Allegro molto 

DMITRIJ šOSTAKOVI Trio n. 2 in mi minore op. 67 

(1906-1975) Andante - Moderato 

Allegro non troppo 

Largo 

Allegretto

Considerato un punto di riferimento nel 

panorama internazionale della musica da 

camera, il trio ajkovskij nasce a Mosca nel 

1975 dall’incontro artistico di Pavel Vernikov, 

Konstantin Bogino e Anatolij Liberman. Nel 

2009 il violoncellista Aleksandr Chaushian è 

stato invitato quale successore di Liberman. 

Nei primi anni di attività il Trio ha suonato nei 

maggiori centri di Francia, Italia, Giappone, 

Stati Uniti e Canada e nel 1979 si è stabilito 

in Europa. 

Numerosi sono stati i premi ottenuti ai Concorsi 

Internazionali tra i quali il Vittorio Gui 

di Firenze (1979) e il Viotti di Vercelli (1991). 

Tra le numerose sale in cui ha suonato figurano 

la Wigmore Hall di Londra, il Teatro alla Scala 

di Milano, la Salle Gaveau e il Musée d’Orsay di 

Parigi, la Herkulessaal di Monaco, la Carnegie 

Hall e il Lincoln Centre di New York, il Concertgebouw 

di Amsterdam, il Conservatorio 

di Mosca e il Filarmonico di S. Pietroburgo. 

Il Trio ha inoltre partecipato ai maggiori 

Festival europei tra cui Santander, Menton, 

Naantali e Kuhmo, Brescia e Bergamo, MiTo. 

In veste di solisti, gli artisti collaborano regolarmente 

con Julian Rachlin, Tabea Zimmermann, 

Yurij Bašmet, Natalia Gutman, Miša 

Maiskij, Emmanuel Pahud, Emmanuel Ax, 

Pinchas Steinberg, Yuri Temirkanov e Maksim 

šostakovi. Una relazione molto speciale lega il 

Trio ajkovskij al compositore Rodion šedrin, 

che ha loro dedicato il suo Piano Terzetto 

(1995). Oltre ad essere chiamati come membri 

nei principali concorsi internazionali, gli artisti 

si dedicano all’insegnamento, tenendo corsi e 

masterclass nei più prestigiosi istituti musicali 

del mondo come i Conservatori di Parigi e di 

Lione, l’Università e il Conservatorio di Vienna, 

l’Accademia Sibelius di Helsinki, l’Accademia 

Rubin di Tel Aviv, la Musikhochschule di 

Stoccarda e molti altri. Pavel Vernikov suona 

il violino Guadagnini “Ex Contessa Crespi ex 

Brengola” (1747), gentilmente messo a disposizione 

dalla Fondazione Pro Canale Milano.


DVOÁK – Nelle culture slave il termine Dumka rimanda a una forma di poesia epica che celebra gli eroi della patria e in particolare 

 

ambito musicale, il concetto acquista tutta una sua connotazione espressiva caratteristicamente spaziante tra gli estremi del malinconico 

e del gioioso, motivando un’estrema variabilità della struttura generale che poco deve ormai alla normatività del sonatismo mitteleuropeo 

e alla sua classica logica elaborativa. Nelle sei parti di cui si compone, il Trio Dumky di Dvoák (1891) lascia cogliere l’estesa gamma 

di atteggiamenti messa in campo dal piano generale, che ogni volta organizza la materia in una prima parte di natura pensierosa/ 

nostalgica e in una seconda sprigionante umori più festosi e popolari, seppur con frequenti ritorni variati delle parti nel corso di ciascun 

brano. L’architettura originale di questo Trio è funzionale al progetto, sì che tutto si snoda quasi come in una narrazione. L’elemento 

folklorico, che Dvoák, da uomo del suo tempo, usa ancora come innesto caratteristico nel contesto colto senza porsi il problema di un 

utilizzo critico, accresce il fascino e l’attrattiva di queste pagine e le rende espressive dell’anima slava, sempre in bilico tra la naturale 

malinconia e la genuinità popolare che invoglia alla danza. 

EREPNIN – erepnin è un nome che attraversa tre generazioni, dal capostipite Nikolaj, che fu un nome di rilevo nel periodo di 

 

 

 

soprattutto della musica elettronica. 

Aleksandr erepnin 

organizzatore. Il suo stile compositivo deve abbastanza poco alla tradizione russa, che fu da lui mediata attraverso Prokof’ev, e si mostrò 

invece aperto ad esperienze originali come lo studio e l’assimilazione della musica dell’estremo Oriente, prima di approdare al melting 

 

particolare si sentono liberi di esprimersi nel termini di un sostanziale eclettismo stilistico, con fasi più avanzate di ricerca ed altre di 

ritorno a modi più battuti. Il Trio in programma stasera risale al 1925 ed appartiene dunque al periodo giovanile quando l’autore si era 

 

šOSTAKOVI – È sorprendente la fortuna che incontra ai nostri giorni il Trio in mi minore di Šostakovi, pagina del 1940 un tempo 

tenuta un po’ in sospetto per ragioni sia estetiche che ideologiche ed ora presente stabilmente nel repertorio di tutti i trii, come abbiamo 

potuto constatare anche nei concerti della nostra Filarmonica attraverso le sue numerose riproposizioni. Evidentemente, superati certi 

funesti dogmatismi del passato che stabilivano come si dovesse essere moderni e attuali, l’arte di questo compositore solido e di ottima 

 

comunicativa riconosciuta all’autore sovietico sta ovviamente e prima di tutto nel suo muoversi entro le forme della tradizione e nell’usare 

un linguaggio sempre comprensibile anche quando poco concede alla gradevolezza immediata e affonda nei vortici di una tetra ombrosità 

 

 

Il Trio op. 67 

 

morte. Il Trio infatti nacque come pagina in memoria di Ivan Sollertinskij, già animatore della vita musicale leningradese e amico 

personale di Šostakovi 

ricorre, nell’attacco del tempo iniziale (Andante), alle timbriche astratte e disincarnate degli archi in armonici acuti, mantenendosi 

in una sorta di stupore raggelato e spettrale che le poche aperture liriche più avanti stemperano appena in un accento di rimpianto 

scevro da concessioni sentimentalistiche. Il breve ed energico secondo movimento (Allegro non troppo) ha più che altro la funzione 

di un intermezzo; mentre il Largo in forma di passacaglia riporta a plaghe di desolata meditazione e di statica pensosità non prive 

di accenti funerei. Il superamento dell’angoscia è tentato nell’Allegretto 

avvia in modo furtivo e sfocia ben presto nei parossismi fonici e gestuali di cui si diceva, con al centro un lacerante inciso all’unisono 

 

riescono ad avere il sopravvento, prima che anch’esse si avviino verso un progressivo sfaldamento e si perdano nel silenzio. 

Diego R. Cescotti


LUNEDì 20 FEBBRAIO 2012 

QUartetto ProMeteo 

giulio rovighi, violino 

aldo Campagnari, violino 

Massimo Piva, viola 

Francesco dillon, violoncello 

ALExANDER ZEMLINSKY Quartetto n. 2 op. 15 

(1871-1942) Sehr mäßig - Heftig und leidenschaftlich 

Moderato - Andante mosso - Allegretto 

Adagio 

Schnell 

Andante - Mit energischer Entschlossenheit 

Allegro molto - Langsam - Andante 

FRANZ SCHUBERT Quartetto in re minore D810 

(1797-1828) (“Der Tod und das Mädchen”) 

Allegro 

Andante con moto 

Scherzo - Allegro molto 

Presto

Vincitore della 50 a edizione del Concorso 

Internazionale Primavera di Praga nel 

1998, il Quartetto Prometeo è stato insignito 

del Premio Speciale Bärenreiter 

per la migliore esecuzione fedele al testo 

originale del Quartetto K 590 di Mozart, 

del Premio Città di Praga come migliore 

quartetto e del Premio Pro Harmonia 

Mundi. Nel 1998 il Quartetto Prometeo 

è stato eletto complesso residente della 

Britten-Pears Academy di Aldeburgh e 

nel 1999 ha ricevuto il premio Thomas 

Infeld dalla Internationale Sommer 

Akademie Prag-Wien-Budapest per le 

«straordinarie capacità interpretative di 

una composizione del repertorio cameristico 

per archi» ed è risultato secondo al 

Concours International des Quatuors di 

Bordeaux. Nel 2000 è stato nuovamente 

insignito del Premio Speciale Bärenreiter 

al Concorso ARD di Monaco. 

È stato ospite del Concertgebouw di 

Amsterdam, del Musikverein, della Wigmore 

Hall, del Festival di Mecklenburg, 

dell’Accademia di Santa Cecilia a Roma, 

della Società del Quartetto di Milano, 

della Settimana Musicale Senese, delle 

Settimane Musicali di Stresa, della Società 

Veneziana dei Concerti, del GOG 

di Genova, dell’Associazione Scarlatti 

di Napoli, degli Amici della Musica di 

Firenze. Collabora con musicisti quali 

Mario Brunello, David Geringas, Veronika 

Hagen, Alexander Lonquich, Stefano 

Scodanibbio, il Quartetto Belcea. 

Particolarmente intenso il rapporto 

artistico con Salvatore Sciarrino, che 

ha dedicato al Prometeo gli Esercizi di 

tre stili e il nuovo Quartetto n. 8 commissionato 

dalla Società del Quartetto 

di Milano. Prosegue la collaborazione 

con Ivan Fedele, di cui ha eseguito ha 

interpretato Morolòja, commissionato 

dall’Accademia Filarmonica Romana. 


ZEMLINSKY – Questo autore, che fu un protagonista della vita viennese tra 

Otto e Novecento mettendosi in luce attraverso le sue molteplici attività pubbliche 

di esecutore, compositore, organizzatore e soprattutto direttore d’orchestra (uno 

dei massimi del suo tempo), è sempre stato, in quanto compositore, posto nel 

cono d’ombra dei suoi grandi contemporanei: Mahler anzitutto, ma ancor più 

i tre innovatori Schönberg, Berg e Webern, con i quali era in stretto contatto e i 

cui percorsi favorì per un’adesione convinta, risultando però, al loro paragone, 

meno ‘necessario’ per non aver saputo assecondare i presunti destini storici della 

musica occidentale attraverso i passaggi traumatici della sospensione tonale 

e poi della dodecafonia. Egli trovò invece più idonea alla propria natura una 

collocazione mediana tra la linea Brahms-Wagner da un lato e le nuovissime 

tendenze dall’altro, sviluppando una sua tipica propensione alla tensione lirica 

 

Lyrische Symphonie con testi di Tagore e in 

genere nei repertori cameristici, tra cui spicca il suo Quartetto del 1915, secondo 

dei sei da lui scritti. 

Si osserva in questo brano quella tendenza alla monumentalità che era propria 

 

variabilissima e nella scrittura densa e in continuo sviluppo che abbisogna di 

grande spazio per poter espandersi nelle sue complete potenzialità. 

Il lirismo acceso dalla forte componente nevrotica si esaspera in vibranti sonorità, 

anche con attacchi rudi e suoni aspri, senza alcuna concessione al mondano o a 

 

condizione interiore di sofferenza psichica nella quale poteva riconoscersi più di 

un intellettuale viennese del tempo. 

A livello strettamente tecnico si è rimproverato a questa musica di essere 

dispersiva, erratica nei percorsi, autocompiaciuta di un tematismo annegato nel 

contrappunto: di certo non si tratta di una musica riposante o rasserenata, ma 

alla quale non si può negare di essere una testimonianza di verità in un mondo 

in sfacelo. 

SCHUBERT – Il genere del Quartetto fu coltivato da Schubert in proporzione 

maggiore di qualsiasi altro genere cameristico, considerando le opere compiute, 

quelle incompiute e i frammenti sparsi, con una produzione abbondante seppur 

tuttora poco nota nel periodo giovanile e un blocco di grandi quartetti nell’ultimo 

periodo che sono invece stabilmente in repertorio e tra i capolavori del genere. 

Tale produzione matura prese le mosse a partire dal 1824, quando Schubert, 

assieme al famoso Ottetto, mise in cantiere due quartetti, quello in la minore 

 

per questo considerati come complementari nelle intenzioni dell’autore. Il secondo, 

che non ebbe l’onore delle stampe e fu pubblicato postumo, poi fu catalogato con 

la sigla D810. Esso costituisce una pietra miliare nella produzione schubertiana 

non meno che della letteratura quartettistica tout-court.

Il titolo con cui si è reso famoso («La morte e la fanciulla») denuncia l’impiego al suo interno di un Lied la cui melodia ricorre in 

modo esplicito nei primi due movimenti ed è presente in forma germinale anche negli altri due, caratterizzando l’intera opera in senso 

 

 

grande meditazione sul tema della morte. Ciò le fa assumere una caratura emozionale e una inedita statura epica, a cui deve il suo 

successo duraturo. Fin dall’incipit con il motto dei quattro strumenti all’unisono è chiara l’impronta angosciosa che si imposta 

attraverso la concitazione, le sonorità tese, le tessiture alte: caratteristiche che hanno fatto parlare di una scrittura pre-espressionistica 

che in qualche modo sarà ereditata vari decenni dopo da Schönberg e dalla sua scuola. Assolutamente indimenticabile è il secondo 

movimento (Andante con moto), che riporta il motivo del Lied facendolo seguire da cinque variazioni di grande magistero inventivo. 

È questo il vero cuore del Quartetto e la sua più autentica chiave di interpretazione. La caratteristica pulsazione ritmica conferisce 

alla pagina un andamento da marcia funebre annettendole un ingrediente fatalistico. Al terzo posto si trova uno Scherzo che non 

abbandona il carattere tragico ed anzi lo accentua con attacchi rudi, sincopati; ma è solo una transizione al grandioso Finale che, 

 

il senso di ineluttabilità. 

Diego R. Cescotti


GIOVEDì 1 MARZO 2012 

yUndi 

pianoforte 

FRYDERYK CHOPIN Cinque Notturni: 

(1810-1849) op. 9 n. 1 in si bemolle minore 

op. 9 n. 2 in mi bemolle maggiore 

op. 15 n. 2 in fa diesis maggiore 

op. 27 n. 1 in do diesis minore 

op. 48 n. 1 in do minore 

Andante spianato e grande Polonaise brillante 

in mi bemolle maggiore op. 22 

Quattro Mazurke op. 33: 

n. 1 in sol diesis minore 

n. 2 in re maggiore 

n. 3 in do maggiore 

n. 4 in si minore 

Sonata n. 2, op. 35 in si bemolle minore 

“Marcia funebre”, 

Polonaise n. 6 in la bemolle maggiore op. 53 

“Eroica”

yundi è nato a Chongquing nella 

parte Centrale della Cina manifestando 

fin dall’età di tre anni uno 

spiccato amore per la musica che 

ha espresso iniziando a suonare 

la fisarmonica. A dodici anni ha 

avuto il suo debutto dopo il superamento 

di una rigorosa selezione 

che lo ha condotto ad entrare a 

far parte della Scuola di Musica 

della Provincia di Sichuan. A 

seguito della decisione di entrare 

a far parte della Scuola delle Arti 

di Shenzen, nel Sud della Cina, la 

famiglia di Yundi si è conseguentemente 

trasferita per consentire 

al giovane il proseguimento della 

propria carriera, nell’ambito della 

quale egli ha ottenuto come riconoscimento 

numerose borse di studio 

che lo hanno posto nella condizione 

di proseguire nello studio 

del pianoforte. È all’età di tredici 

anni che avviene la vera svolta, 

allorché Yundi vince la “Stravinsky 

Competition” negli Stati 

Uniti e successivamente consegue 

la vittoria alla “Gina Bachauer 

International Piano Competition” 

(USA) e contemporaneamente alla 

“Franz Lizst International Piano 

Competition” (Paesi Bassi), proseguendo 

nell’ascesa con le vittorie 

in concorsi internazionali e l’assegnazione 

del primo premio avvenuta 

all’indomani della vittoria 

ottenuta presso la Second China 

International Piano Competition 

a Pechino. Nel 2000, a diciotto 

anni, Yundi vince il primo premio 

al Concorso Internazionale Chopin 

di Varsavia. Attualmente continua 

il suo perfezionamento musicale in 

Germania.


Il recital di stasera ha scelto di prendere il via con delle pagine di immediata presa e di assoluta magia che introducono al retaggio 

più lirico e intimista di Chopin. 

Il genere del notturno 

si trasformò nelle sue mani in una libera incursione nella vita interiore fatta di attimi sognanti, di slanci appassionati, di momenti 

intrisi di tenerezza e malinconia e che per quanto semplice nella sua concezione svela, nella una struttura formale sostanzialmente 

bipartita, l’intenzione di giocare sul contrasto tra una prima parte dal carattere lirico e una seconda dagli accenti più drammatici. I 

Notturni eseguiti stasera appartengono agli anni dal 1830 al 1841. 

Non altrettanto caratterizzata per elementi innovativi è la Grande polonaise brillante op. 22 in mi bemolle maggiore, opera notissima 

 

assumono la gestualità vigorosa, l’impulso ritmico ben sostenuto e la ricca ed elegante ornamentazione che la decora. Cinque anni 

Andante spianato 

e che continuò ad esistere isolatamente dalla Polonaise dopo che quest’ultima fu accantonata dalla prassi esecutiva. 

Le Mazurche rappresentano il genere che forse più di tutti appassionò Chopin in quanto voce privilegiata dell’anima polacca. Ben 

sessanta sono le Mazurche da lui scritte e ripensate in modo originale rispetto sia al modello contadino che a quello urbano nelle sue 

 

da salon. 

Notevoli per impegno strumentale, armonie evolute e varietà ritmica, le Mazurche richiedono un controllo assoluto dello stile che 

reclama sonorità spesso delicate e tenui. Le quattro dell’op. 33 (1837-38), forse non le più rappresentative del genere, appaiono meno 

brillanti del consueto per un certo umore introspettivo che le pervade tutte salvo la seconda, in modo maggiore, che attinge a modalità 

più popolaresche. Schumann le vedeva come esempi di luminosità e grazia mentre Liszt osservava che erano molto più profonde di 

 

Rispetto al successo incontrato dal resto della produzione, le Sonate di Chopin hanno conosciuto fortune alterne, anche con pesanti 

fraintendimenti di tipo formalistico. Sono note le vicende della Sonata in si bemolle minore op. 35 (1839) con la sua Marcia 

funebre che ne costituisce il nucleo germinativo oltre che il fondamento espressivo da cui si diparte ogni piega del discorso musicale. 

La marcia era stata scritta isolatamente nel 1837 e il resto della Sonata era seguito due anni più tardi conformandosi al tono tragico 

di quella prima ispirazione, sì che l’intera opera va a comporre una meditazione protratta sul tema della morte. Qui l’intento di 

Chopin è di adeguare le istanze soggettive di un acceso romanticismo con la misura e l’ordine richiesti dalla forma classica: per 

 

fondamentali. Particolarmente sconcertante in questa Sonata appare il tempo conclusivo su un furioso scatenamento di passaggi 

veloci in ottave alle due mani, che pur rientra nel clima spirituale tormentato della Sonata con quel suo fascino un po’ inquietante 

che la connota. 

In chiusura avremo modo di riascoltare la Polonaise op. 53 (1842), brano impostosi con l’appellativo di «Eroica» per via del suo 

piglio solenne e maestoso, che le esecuzioni mediocri posso rendere fuorviante (è stato detto che l’autore la affrontava con tempo 

moderato e suono contenuto). Anche le Polonaises erano, come le Mazurche, al centro della creatività chopiniana per la loro forte 

connessione ideale alla sua patria d’origine: nell’uno e nell’altro caso egli seppe ricrearle in forme artistiche elevandole a vertici della 

sua produzione. 

Questa Polacca in particolare ha avuto una grande rinomanza, affermandosi addirittura come la migliore da lui composta per i suoi 

valori squisitamente musicali che fanno dimenticare ogni riferimento vero o presunto a realtà o pretesti contingenti. 

Diego R. Cescotti


LUNEDì 12 MARZO 2012 

i Fiati deLL’orCheStra haydn 

Francesco dainese, 

gianni olivieri, oboe 

Stefano ricci, clarinetto 

Flavio Baruzzi, fagotto 

andrea Cesari, corno 

Stefano guarino, pianoforte 

LUDWIG VAN BEETHOVEN Quintetto in mi bemolle maggiore op. 16 

(1770-1827) Grave - Allegro ma non troppo 


Rondò (Allegro ma non troppo) 

PAUL HINDEMITH Kleine Kammermusik op. 24 n. 2 

(1895-1963) Lustig. Mäßig schnell Viertel 

Walzer. Durchweg sehr leise 

Ruhig und einfach 

Schnelle Viertel 

Sehr lebhaft 

FRANCIS POULENC Sextuor 

(1899-1963) Allegro vivace 

Divertissement (Andantino) 

Finale (Prestissimo)

Francesco dainese ha studiato al Conservatorio di Padova con Clementine Hoogendoorn diplomandosi con il massimo dei 

voti. Ha proseguito gli studi frequentando la Scuola di alto perfezionamento di Saluzzo con András Adorjan, Conrad Klemm, 

Alain Marion e nel 1988 è entrato nella classe di Jean-Claude Gérard a Hannover. 

Ha maturato esperienze in orchestra con il Teatro dell’Opera di Roma, I Solisti Veneti e il Teatro Comunale di Treviso; ha 

inoltre collaborato con l’Azzolini Ensemble e la Philharmonia di Vienna. 

Dal 1990 è primo flauto dell’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento. 

gianni olivieri si è diplomato presso l’Istituto musicale «Luigi Boccherini» di Lucca sotto la guida di Angelo Bianchi, perfezionandosi 

successivamente con Paolo Pollastri, con Pietro Borgonovo presso la Scuola di Musica di Fiesole e con Hansjörg 

Schellenberger presso l’Accademia Musicale Chigiana di Siena. 

Ha collaborato come primo oboe con l’Orchestra Giovanile Italiana, l’Orchestra Internazionale d’Italia, l’Orchestra Regionale 

Toscana, le Orchestre dei Pomeriggi Musicali di Milano, dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e del Teatro dell’Opera di 

Roma, la Sinfonica di San Remo, la RAI di Torino e l’Orchestra del Teatro La Fenice di Venezia. 

Dal 1991 al 1993 ha collaborato come solista con I Solisti Veneti. Dal 1997 è primo oboe dell’Orchestra Haydn di Bolzano e 

Trento. 

Stefano ricci ha svolto i suoi studi presso il Conservatorio «Rossini» di Pesaro (sede di Fermo), dove si è diplomato nel 1985. 

Successivamente si è perfezionato con Gaspare Tirincanti e si è diplomato all’Accademia Superiore di Musica di Biella sotto 

la guida di Anthony Pay. 

Ha suonato nelle Orchestre del Teatro Lirico di Cagliari e della Svizzera Italiana di Lugano, nell’Orchestra da camera di 

Mantova, la Filarmonica Marchigiana, la “Toscanini” di Parma, la Filarmonica Italiana di Piacenza, l’Internazionale d’Italia 

e la Sinfonica della RAI di Torino, partecipando a stagioni di concerti e festivals quali le Settimane Mahler di Dobbiaco, il 

Festival Pontino di Latina, il Rossini Opera Festival di Pesaro, i concerti da camera dell’Accademia di Santa Cecilia di Roma, 

del Mozarteum di Salisburgo e Settembre Musica di Torino. 

Dal 1995 è primo clarinetto dell’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento. 

Flavio Baruzzi si è diplomato con lode presso il Conservatorio «Giuseppe Verdi» di Milano, sotto la guida di Evandro Dall’Oca. 

Dal 1993 al 1999 è stato primo fagotto presso l’Orchestra Sinfonica Giuseppe Verdi di Milano. 

Nel 1996 ha partecipato al Festival di Ravenna con i Wiener Philharmoniker diretti da Riccardo Muti ed ha iniziato a collaborare 

con l’Orchestra del Teatro alla Scala. Come prima parte ha suonato sotto la direzione di numerosi direttori, fra i quali 

Riccardo Muti, Riccardo Chailly, Carlo Maria Giulini, Daniele Gatti, Georges Prêtre e Valerij Gergiev. 

Ha collaborato con l’Orchestra del Teatro La Fenice di Venezia e con il Teatro Comunale di Bologna. 

Nel febbraio 2000 ha vinto il concorso di primo fagotto presso l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento. 

andrea Cesari si è diplomato nel 2004, sotto la guida di Ivano Venturini al Conservatorio di Bologna, perfezionandosi poi con 

Guido Corti alla Scuola di Musica di Fiesole e a Portogruaro, con Luciano Giuliani a Gallodoro, con Radek Baborak, Luca 

Benucci e Ignacio García a Santafiora e con Dale Clevenger, Rex Martin e Charles Vernon a Chicago. 

Nell’ottobre del 2004 ha vinto l’audizione per l’Orchestra Giovanile Italiana, dove ha ricoperto il ruolo di primo corno; ha 

inoltre suonato nell’Orchestra Filarmonica Marchigiana, nell’Orchestra del Teatro alla Scala, nell’Orchestra “Giuseppe Verdi” 

di Milano e con I Virtuosi Italiani. 

Ha suonato altresì con l’Orchestra dello Schleswig-Holstein Musik Festival, ricoprendo il ruolo di primo corno, e con l’Orchestre 

des Jeunes de la Méditerranée, vincendo il posto di primo corno nella Qatar National Symphony Orchestra. Nel campo 

della musica da camera suona con lo Scharf Brass Quintet, con il quale ha vinto il Concorso “Paolo Spincich” di Trieste. 

Nel 2008 si è classificato primo nella categoria corno al Concorso Audi-Mozart di Rovereto; ha quindi eseguito il Quarto

Concerto per corno di Mozart e la Sinfonia concertante con l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, di cui dal febbraio 2009 

è primo corno. 

Stefano guarino, pianista e violoncellista, si è diplomato con il massimo dei voti in ambedue le discipline. 

È vincitore in ambito solistico e cameristico, sia col pianoforte che con il violoncello, di numerosi premi nazionali ed internazionali, 

tra cui Caltanissetta, Castelfranco Veneto, Vittorio Veneto, il “Tonelli” a Carpi, il “Valentino Bucchi” di Roma, lo 

“Speranza” a Taranto. Suona stabilmente in duo ed in trio con i fratelli (trio con pianoforte, duo violino-pianoforte, quattro 

mani, duo violoncello-pianoforte, duo violino-violoncello e canto da camera). 

Collabora in qualità di primo violoncello con l’Orchestra da camera di Mantova, I Solisti di Pavia, l’Orchestra del Teatro Regio 

di Torino, la Mahler Chamber Orchestra, di cui è stato membro effettivo dalla fondazione, e l’Orchestra Sinfonica Toscanini 

diretta da Lorin Maazel. Suona nella Lucerne Festival Orchestra diretta da Claudio Abbado. 

Dal 2006 è primo violoncello dell’orchestra “Archi” di Torino e professore “tutor” dell’Accademia De Sono Associazione per 

la Musica (Torino), collaborando come primo violoncello ospite con la Camerata Academica Salzburg. 

Si dedica assiduamente al violoncello barocco. 

È da oltre un decennio primo violoncello e direttore artistico dell’Orchestra da camera di Trento “Ensemble Zandonai”.


MARTEDì 20 MARZO 2012 

Barry doUgLaS 

pianoforte 

LUDWIG VAN BEETHOVEN Sonata in si bemolle maggiore op. 106 

(1770-1827) (“Hammerklavier”) 

Allegro 

Scherzo - Assai vivace 

Adagio sostenuto 

Largo - Allgro risoluto 

MODEST MUSORGSKIJ Kartinki s vystavki (Quadri di un’esposizione) 

(1839-1881)

Foto: Mark Harrison

Barry douglas ha cominciato la sua carriera internazionale 

quando ha vinto la medaglia d’oro 

al Concorso Pianistico Internazionale Cajkovskij 

di Mosca nel 1986. 

Nel 1999 ha fondato la Camerata Ireland, un’orchestra 

da camera composta esclusivamente da 

musicisti irlandesi del Nord e del Sud, per celebrare 

«la ricchezza del talento musicale irlandese» 

e di cui è attualmente direttore artistico. Egli è 

anche direttore artistico del Clandeboye Festival 

e dei Castletown Concerts, entrambi in Irlanda. 

Come solista, ha vissuto come momenti importanti 

il suo ritorno alla London Symphony Orchestra, 

alla City of Birmingham Symphony Orchestra, 

alla Cincinnati Symphony, alla Singapore Symphony, 

alla Filarmonica di Duisburg, alla RSB 

Berlin e alla Ulster Orchestra. È riapparso ai 

BBC Proms con la BBC Symphony Orchestra 

eseguendo l’anteprima mondiale di un concerto 

scritto per lui da Kevin Volans per festeggiare il 

suo 50° compleanno. 

Nelle ultime stagioni ha tenuto concerti con la 

Seattle Symphony Orchestra, la Halle Philharmonic, 

la Radio Sinfonie Orchester Berlin, la Melbourne 

Symphony, la Royal Liverpool Philharmonic, 

l’Orchestra nazionale Ceca e altre ancora. 

La fama di Barry Douglas come pianista e direttore 

d’orchestra si è accresciuta da quando ha 

fondato la Camerata Ireland, e prossimamente 

farà il suo debutto con la RTE National Symphony 

Orchestra nella loro principale serie di 

concerti e tornerà all’Orchestra Sinfonica di San 

Pietroburgo. Ha anche debuttato con successo 

con l’Academy of St. Martin-in-the-Fields, la 

Indianapolis Symphony, la Vancouver Symphony, 

l’Orchestra da camera della Radio nazionale Rumena 

al Festival Enescu, la Bangkok Symphony 

Orchestra, i Pomeriggi Musicali di Milano e la 

Filarmonica di Mosca. 

Barry Douglas è famoso soprattutto per le sue 

esecuzioni del grande repertorio Romantico 

(Brahms, Rachmaninov e ajkovskij), ma eccelle 

anche in concerti meno eseguiti quali quelli di 

Reger, Britten e Corigliano. 


BEETHOVEN – Tra tutte le Sonate di Beethoven, l’op. 106 (1819) è 

 

penetrarne il mistero, con la frustrante consapevolezza che nessuna parola 

potrà mai spiegare il senso compiuto di questa avventura dell’ingegno e 

dello spirito umano tanto entusiasmante quanto intimorente, che sembra 

richiedere, in chi vuol accedervi, una sorta di iniziazione o quantomeno 

delle facoltà superiori e un speciale stato di grazia. 

 

commentatori nel corso del tempo, la misconoscenza che ha gravato a lungo 

 

Lo riconosceva lo stesso autore dichiarando: : «Ecco una Sonata che darà 

 

 

 

nervosa. Proiettarsi in un futuro immaginario destinando idealmente le 

proprie creazioni a un’umanità più colta ed evoluta che possieda le facoltà 

per penetrarle e farle proprie era un atteggiamento ricorrente nell’ultimo 

Beethoven, che così segnava l’avvenuto superamento dell’ottimismo 

 

suoi tempi in trasformazione e già per lui incomprensibili. 

Tanto sublime è il segno complessivo di questo componimento che il 

nomignolo di “Hammerklavier” con cui si è imposto suona inappropriato 

 

germanizzazione del termine ‘pianoforte’ era stata voluta da Beethoven a 

suggerire come tra le intenzioni sottese al pezzo vi fosse una problematica 

di ordine squisitamente tecnico-organologico legata alle nuove potenzialità 

tecniche e sonore che lo strumento stava avendo in quegli anni presso ditte 

rinomate ditte come la Broadwood di Londra, che aveva appunto omaggiato 

il compositore di uno dei suoi prototipi ove si abbinava la forza del suono 

alla grazia del timbro. 

Per Beethoven il cimento in quest’opera capitale aveva costituito una presa 

di coscienza del suo stesso ruolo di artista creativo, se è vero che, una volta 

 

previsto, il pezzo non ebbe nel corso del secolo alcuna circolazione: tanto più 

va ascritto il merito ai pochi che se ne fece carico come Clara Schumann e 

Ferenc Liszt, che ne fu il divulgatore più appassionato. 

Con i suoi cinquanta minuti di durata, la Sonata op. 106 tradisce il 

principio dell’estrema dilatazione dei tempi riscontrabile in quasi tutti i 

 

interni dovuti alla mancanza di un disegno unitario che li connetta l’un 

 

movimento (Adagio sostenuto) che procede senza alcuna preoccupazione 

 

sottoposte a una sottile e continua logica variativa.

Le analisi condotte sulla Sonata si sono spesso aggrovigliate in astruse formule tecniche che poco giovano alla sua comprensione e 

anzi denunciano la sostanziale impossibilità a ridurla a concetti sintetici. L’unico possibile appoccio è dunque quella dell’esperienza 

diretta. 

MUSORGSKIJ – Chi volesse, sull’esempio di Milan Kundera, occuparsi dei “testamenti traditi” dei musicisti, troverebbe 

 

 

 

 

ricondurlo a una tradizione di scuola, che egli avrebbe aborrito, costituisce un vero abuso non più accettabile dalla nostra sensibilità. 

Non è sfuggita agli interventi censorî nemmeno la sua più nota pagina pianistica, che solo da pochi decenni è stata restituita alla sua 

lezione originaria. Rimane il fatto incontestabile che i Quadri di una esposizione sono una composizione di un pianismo impervio e 

 

eppure il suo fascino è tale che è diventata una pagina immancabile nel repertorio di tutti i pianisti e riproposta con la frequenza 

riservata ai pezzi popolari. 

Esteriormente la si potrebbe intendere come una suite, ma la titolazione delle varie sequenze la farebbe quasi avvicinare alla poetica 

 

logica della pagina romantica ‘caratteristica’, e difatti il modello sembra si possa far risalire al Carnaval di Schumann. 

Si sa che le didascalie naturalistiche che accompagnano il brano non furono volute da Musorgskij (un altro “tradimento” fra i tanti), 

ma vennero apposte successivamente da Vladimir Stasov, probabilmente riducendo in senso illustrativo quello che era stato in origine 

 

 

voce agli archetipi di cui si nutre la sua cultura e il suo mondo immaginativo e che si compendiano di volta in volta in scene popolari, 

in elementi fantasmagorici, in universi infantili, in meditazioni sulla morte, in omaggio alla maestosa epicità della grande madre 

Russia. 

Nella struttura musorgskijana i pannelli sono collegati da un intermezzo pentatonico “in modo russico” variamente armonizzato, 

Promenade, che garantisce alla vasta composizione l’unità strutturale. In successione si ascoltano i seguenti pezzi: Gnomus, 

dal carattere grottesco e quasi demoniaco, Il vecchio castello, emanante un senso di lontananza arcana, di atemporalità leggendaria, 

Tuileries, capriccio brillante e leggero che evoca giochi di bambini, Bydlo, una marcia lenta e pesante su un movimento ostinato, 

Balletto dei pulcini nei loro gusci, bozzetto naturalistico dal tono gaio e comico da suonarsi tutto pianissimo, Samuel Goldenberg e 

SchmuyleIl mercato di Limoges, affresco di vita popolare 

realizzato con molta animazione e colore, Catacumbæ. Sepulchrum romanum, pagina meditativa condotta su accordi quasi 

organistici di diversa risonanza, La capanna su zampe di gallina 

La grande porta di Kiev, solenne scampanìo in accordi che porta al risuonare di un corale ortodosso ove 

l’elemento epico e quello religioso si fondono inglobando anche il tema della Promenade e concludendo la composizione in tono di 

festosa apoteosi. 

Diego R. Cescotti


MERCOLEDì 28 MARZO 2012 


günther Pichler, direttore 

Markus Placci, violino 

WOLFGANG AMADEUS MOZART Serenata in fa maggiore K 101 

(1756-1791) Gavotte 

Andantino 

Presto 

Gavotte 

Concerto in la maggiore K 219 

per violino e orchestra 

Allegro aperto, Adagio, Allegro aperto 

Adagio 

Rondò 

Sinfonia n. 41 in do maggiore K 551 (“Jupiter”) 

Allegro vivace 


Minuetto (Allegretto) 

Molto allegro

günter Pichler ha iniziato gli studi musicali al Conservatorio di Vienna; a diciott’anni è stato nominato primo violino 

dei Wiener Symphoniker e a ventuno Herbert von Karajan lo ha voluto come primo violino dei Wiener Philharmoniker. 

Fin dal 1963 ha insegnato al Conservatorio di Vienna e nel 1969 ha vinto il Premio Mozart. 

Nel 1970 ha fondato il Quartetto Alban Berg e da allora ne è stato il primo violino per quasi quarant’anni, apparendo in 

tutte le più prestigiose sale da concerto. 

Il suo debutto in veste di direttore ha avuto luogo nel 1989 alla Konzerthaus di Vienna con la Wiener Kammerorchester. 

È stato poi invitato da varie orchestre in Germania e Olanda, tra cui la Netherlands Chamber Orchestra e la Nieuw 

Sinfonietta Amsterdam. 

Ha compiuto tournées in Giappone con i London Mozart Players, dirigendoli poi in molti concerti nell’ambito del festival 

di Londra e di altri festivals inglesi. 

Nel 1995 ha debuttato alla guida della Hallé Orchestra a Manchester e ha girato l’Europa con la Israel Chamber Orchestra, 

che lo ha poi invitato a dirigerla in Israele nel dicembre 1997. 

In anni più recenti è stato impegnato con la Irish Chamber Orchestra, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, l’Orchestra 

da Camera norvegese, l’Orchestra da Camera di Padova e del Veneto e la Leipziger Kammerorchester. 

Ha eseguito in prima mondiale opere di Berio e Del Corno con l’Accademia Bizantina al Festival di Lucerna. Altre cllaborazioni 

ha avuto con la Nieuw Sinfonietta Amsterdam, la Wiener Kammerorchester, la Deutsche Kammerphilharmonie 

e l’Irish Chamber Orchestra, con la quale ha compiuto una tournée in Italia. 

Qui ha diretto anche l’Orchestra della Toscana e l’Orchestra d’Archi Italiana. Al Théâtre des Champs-Elysées e allo 

Châtelet ha tenuto concerti con la Wiener Kammerorchester e con l’Ensemble Orchestral de Paris. 

In Giappone ha diretto le Filarmoniche di Osaka e Tokio e l’Orchestra Ensemble Kanazawa, di cui dal 2001 è Principal 

Guest Conductor. 

Markus Placci (Bolzano 1981) dopo il brillante diploma al Conservatorio di Bologna ha studiato con Zakhar Bron in 

Germania, e negli Stati Uniti per perfezionarsi con Zinaida Gilels al Boston Conservatory. 

Qui gli è stata assegnata la Michael A. Alaura Scholarship, mentre a New York ha ottenuto il Graduate Performance 

Diploma e l’Artist Diploma. 

Vincitore del xxvi Premio Biennale Città di Vittorio Veneto, Placci ha ricevuto il Brahms-Preis e il Premio della Fondazione 

della Baden-Baden-Philharmonie, il Jules C. Reiner Violin Prize a Tanglewood e un premio alla Washington 

International Competition. 

Sin dal suo debutto con l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna all’età di soli anni, Placci ha collaborato con le 

orchestre di Baden-Baden, Barcellona, Bologna (Filarmonici), del Friuli-Venezia Giulia, di Milano (Pomeriggi Musicali), 

Napoli (San Carlo) e San Pietroburgo (Orchestra di Stato), apparendo tra l’altro alla Sala Mozart di Bologna, alla Seully 

Hall di Boston, al Richardson Auditorium di Princeton, alla Sala šostakovi e alla Sala Glinka di San Pietroburgo, alla 

Ozawa Hall di Tanglewood e al Kennedy Center di Washington. 

Nel 2005 ha dato la prima esecuzione assoluta del Concerto per violino e orchestra del compositore catalano Jordi Cervelló, 

in collaborazione con l’Orchestra della Radiotelevisione spagnola. 

Placci è attivo anche in ambito cameristico con concerti che spaziano dai recitals in duo ai concerti in trio quale membro 

fondatore del Fortuna Piano Trio, formazione che ha vinto il Villecroze Academy Award 2007 in Francia sotto l’egida 

di Emanuel Ax e che ha recentemento effettuato una tournée in Sud America. Inoltre, Placci ha dato concerti in formazioni 

di quartetto e quintetto collaborando con la Mistral Chamber Society e il Ludovico Contemporary Chamber Music 

Ensemble a Boston. 

Recentemente Placci è stato invitato al Boston Conservatory per tenere delle masterclasses, e conseguentemente assumere 

la cattedra di violino principale. Suona un violino J. B. Vuillaume del 1871, copia dello Stradivari “Alard”.


MARTEDì 3 APRILE 2012 

LUigi PioVano 

violoncello 

aLdo orVieto 

pianoforte 

CAMILLE SAINT-SAëNS Le cygne, da Le carnaval des animaux 

(1835-1921) Sonata n. 1 in do minore op. 32 

Allegro 

Andante tranquillo sostenuto 


SERGEI RACHMANINOV Vocalise 

(1873-1943) 

JOHANNES BRAHMS Sonata n. 1 in mi minore op. 38 

(1833-1897) Allegro non troppo 

Allegretto quasi Minuetto 

Allegro

Luigi Piovano è primo 

violoncello solista dell’Orchestra 

dell’Accademia 

Nazionale di S. Cecilia e 

primo violoncello ospite 

delle orchestre filarmoniche 

di Tokyo e di Seoul, si 

è diplomato sotto la guida 

di Radu Aldulescu. Premiato 

in diversi concorsi 

internazionali, nel 1999 è 

stato scelto per partecipare 

al “Progetto Pollini” 

al Festival di Salisburgo, 

ripreso poi alla Carnegie 

Hall di New York, a Tokyo 

e all’Accademia di S. Cecilia. 

È regolarmente ospite 

del Festival di Newport 

(USA). Ha tenuto concerti 

di musica da camera 

con Wolfgang Sawallisch, 

Myung-Whun Chung, Alexander 

Lonquich, Dmitrij 

Sitkovetskij, Michel Dalberto, 

Katia e Marielle 

Labeque. Dal 2007 suona 

regolarmente in duo con 

Antonio Pappano e dal 

2009 fa parte del Trio “Latitude 

41”. Con la Tokyo 

Philharmonic si è esibito 

come solista nel Concerto 

in do di Haydn, nel Doppio 

Concerto di Brahms sotto 

la direzione di Chung e nel 

Concerto di Dvoák. 

Dal 2002, fondata l’Orchestra 

da Camera della 

Campania (OCC), affianca 

a quella di solista anche 

l’attività di direttore, con 

importanti rassegne e in 

tournée in Giappone.

Dal 2004 è direttore artistico del Festival 

Internazionale di Pompei e dal 2008 dell’Estate 

Musicale Frentana a Lanciano. Dal 

gennaio di quest’anno è solista-direttore 

residente presso l’Istituzione Sinfonica 

Abruzzese. Fra i suoi impegni più recenti, 

un concerto con il Tokyo Philharmonic 

String Ensemble, una tournée in USA e 

altri impegni con l’Orchestra della Magna 

Grecia e concerti in Thailandia. Suona un 

Alessandro Gagliano del 1710 ca. 

aldo orvieto, dopo gli gli studi al Conservatorio 

di Venezia, ha svolto intensa attività 

concertistica con i violinisti Luigi Alberto 

Bianchi e Felix Ayo, il violoncellista 

Arturo Bonucci, i pianisti John Tilbury 

e Marco Rapetti, le cantanti Monica Bacelli, 

Gemma Bertagnolli, Sara Mingardo 

e Christa Meyer. Ha partecipato a molte 

prime esecuzioni assolute ed è dedicatario 

di diversi brani contemporanei. Di particolare 

rilievo la prima esecuzione assoluta 

nel 2009 del ritrovato Concerto (1946) per 

pianoforte e Orchestra di Bruno Maderna, 

e la prima esecuzione in tempi moderni 

delle Variazioni (1946) per pianoforte e 

orchestra di Camillo Togni; inoltre prime 

esecuzioni di lavori di Aldo Clementi, 

Salvatore Sciarrino, Claudio Ambrosini, 

Stefano Gervasoni, Fabio Nieder, Luis 

De Pablo, Ivan Vandor. Nel 1979 è stato 

tra i fondatori dell’Ex Novo Ensemble e, 

nel 2004, della rassegna concertistica Ex 

Novo Musica. Ha suonato come solista con 

molte orchestre tra cui quelle del Teatro 

La Fenice di Venezia, dell’Arena di Verona 

e del Comunale di Bologna, nonché 

in formazioni da camera con prestigiosi 

complessi. È presente ai nei più importanti 

Festival dedicati alla musica moderna e 

contemporanea a Venezia, Milano Monaco, 

Berlino, Salisburgo, Lisbona, Ginevra, 

Avignone, Amsterdam.


Due brani ‘maggiori’ della letteratura violoncellistica si alternano in questo programma a due brani ‘minori’ in trascrizione ma ricchi 

di fascino duraturo come spesso accade ai prodotti non capitali ma irrinunciabili. 

Chi non è disposto a dedicare una minima parte del proprio deposito sentimentale a una pagina come Il cigno, che sa ricreare con 

 

Le carnaval 

des animaux nata dall’immaginazione di quel sapido creatore di effetti che era Camille SAINT-SAëNS, il quale con quest’opera 

apparentemente per bambini crea una specie di unicum, dotto abbastanza per non dispiacere nemmeno ai padri e ai nonni. Che dire? 

 

serraglio in cui si son visti agitarsi asini e leoni, uccelli e canguri, elefanti e... pianisti. 

Ancora più catturante è, se possibile, la melodia di RACHMANINOV che, scritta per voce come si conviene a un Vocalizzo, è 

stata poi sfruttata dagli organici più diversi assurgendo al rango di hit classico fra i più noti. Anche chi non stima particolarmente 

 

patetismo malinconico, nel suo alone vagamente orientale, gli elementi che gli possono assicurare una lunga sopravvivenza al di là 

di ogni critica, beninteso se si è disposti a deporre per un momento la convinzione che la musica abbia da essere sempre e comunque 

una sublime avventura dello spirito. 

 

ragione di chicchessia, se non per quell’appello al sentimento che in Rachmaninov è imprescindibile in ogni cosa da lui scritta e che 

per certi spiriti puri può suonare come disdicevole cedimento a una misura ‘bassa’ dell’arte musicale. 

Ciò che si può dire di questo Vocalizzo è che si tratta della testimonianza di un autore serio, nobile, interiormente ricco: un conservatore 

di gran scuola, pianista di prim’ordine, compositore ispirato e introverso, il quale è sopravvissuto a due realtà che non potevano essere 

più incompatibili per il suo animo schivo e aristocratico: il modernismo novecentesco e l’illusoria, luccicante industria di Hollywood 

alla cui ombra trascorse gli anni dell’esilio americano. 

Il nome di SAINT-SAëNS ritorna con un compiuto brano cameristico, la Sonata op. 32, che lo conferma attratto più che mai dal 

Concerto in la minore, che è uno dei lavori più 

Questa Sonata è invece di raro ascolto e tuttavia costituisce un probante esempio del pensiero musicale 

dell’autore di Samson et Dalila, che fu sempre estraneo alle impetuose ondate di cambiamento di cui pure fu testimone diretto, per 

attestarsi in un’estetica neoclassica regolata dai principî di chiarezza formale e di controllo espressivo quali furono rivendicati dalla 

 

Ascoltata con la consapevolezza storica di quello che faranno di lì a non molto Debussy e tutti gli altri, questa Sonata del 1873 appare 

inevitabilmente datata, ad onta dei suoi pregi di scrittura, della sua tenuta sicura, del suo sfoggio di ottimo artigianato. 

Energico, impositivo, serrato appare il I tempo (Allegro), formalmente ossequiente ai modelli classici e portatore di un tematismo 

non peregrino. La stazionatura del solista nella tessitura mediana lo dimostra poco interessato a quel tanto di virtuosismo che un 

maggiore smanicamento nei registri acuti arrecherebbe a un eloquio così castigato. Il discorso procede con continuità schumanniana, 

senza soste o tregue, serio nel tono e privo affatto di ironie, ammicchi e sorprese. Di tutto rilievo è l’impiego del pianoforte, alquanto 

animato e laborioso, che trasmette ai tempi veloci un che di febbrile. Peraltro l’interazione tra i due strumenti è regolata più sulla 

divisione di ruoli e compiti che non sulle formule di un vero dialogo. Del tutto libero da concessioni intimistico-sentimentali è anche 

il tempo centrale, che scorre ritmico e senza indugi su una linea melodica dall’arcata discreta; mentre l’ultimo Allegro riesce a 

 

L’opera – vero esempio di “ars gallica” – ne risulta così ben costruita ma piuttosto convenzionale, accreditando al suo autore la 

 

netto.

Con BRAHMS e la sua Sonata in mi min. op. 38 (1865) siamo invece nei distretti dell’arte-capolavoro. Artista quanto mai 

scrupoloso e autocritico, l’Amburghese arrivò a licenziarla solo al termine di una lunga meditazione sui problemi formali e sonori 

che l’organico a due, per lui inedito, gli poneva. Il fatto poi che scegliesse per questo suo primo cimento la voce brunita del violoncello 

 

confessione troppo esplicita. 

Tale scrupolo estetico è qui tanto più comprensibile in quanto la pagina si colloca nel cono d’ombra di un evento luttuoso (la morte 

della madre), che altre conseguenze avrà sulla creatività brahmsiana, come rivelano i primi abbozzi del Requiem tedesco stesi nello 

stesso periodo. 

Il fatto che la Sonata si imposti su moduli di controllato rigore architettonico e di calibratissima asciuttezza espressiva dice molto 

sulla qualità del dolore in Brahms, che è sempre espresso nel tono nobile e virile dell’elegia. Conformemente agli assunti etici di fondo, 

il violoncello si adegua a una condotta che, sfuggendo le tessiture brillanti, si riporta insistentemente alla tessitura mediana, con 

qualche pregiudizio forse per l’equilibrio sonoro tra i due strumenti. Sul piano del trattamento tematico e della scrittura armonica la 

 

in quanto è articolata in soli tre tempi senza il movimento lento. 

L’Allegro non troppo iniziale è la parte più sviluppata ed eloquente della partitura, con i suoi tre temi dal diverso carattere che si 

intrecciano: dolente e tenero il primo, più incisivo e drammatico il secondo, raccolto e soffuso il terzo, con una coda che riconduce il 

discorso emotivo a una sorta di intima rassegnazione. 

Nell’Allegretto quasi Menuetto centrale, la materia tematica è quanto mai semplice e sobria, il tono sorridente e grazioso; ma il 

carattere dell’insieme, nelle sue movenze di valse tristeTrio si riscalda in 

momenti di aperto lirismo, con il violoncello impegnato in un patetico canto disteso. 

Il riferimento ideale a Bach, che percorre gran parte del lavoro, si rende più esplicito nel movimento conclusivo (Allegro), dove viene 

tentato l’innesto di una fuga a tre soggetti nella struttura di forma-sonata: un procedimento già usato da Beethoven nella sua Sonata 

per violoncello op. 102 e qui condotto ad esiti di autentica bravura. 

Diego R. Cescotti


VENERDì 20 APRILE 2012 

i Fiati 

deLL’orCheStra haydn 

hansjörg Schellenberger, direttore 

RICHARD STRAUSS Serenata in mi bemolle maggiore op. 7 

(1864-1949) per 13 strumenti a fiato 

ANTONÍN DVOÁK Serenata in re minore op. 44 

(1841-1904) Moderato quasi marcia 

Minuetto - Trio (Presto) 

Andante con moto 

Finale (Allegro molto) 

WOLFGANG AMADEUS MOZART Serenata in si bemolle maggiore per 13 strumenti 

(1756-1791) «Gran Partita» K 361 

Largo - Allegro molto 

Menuetto 

Adagio 

Menuetto (Allegretto) 

Romanze (Adagio) 

Tema con variazioni 

Rondò

hansjörg Schellenberger ha ottenuto il suo primo successo come direttore all’età di diciassette anni vincendo il secondo 

premio al Concorso per direttori ad Interlochen, Michigan. Contemporaneamente agli studi di matematica e dell’oboe, ha 

preso lezioni di direzione d’orchestra a Monaco con Jan Koetsier e a Detmold con Martin Stephani. Dopo gli studi e diverse 

esperienze come direttore in orchestre giovanili, ha deciso di dedicarsi all’oboe. 

Oboe solista della Filarmonica di Berlino per più di vent’anni, è diventato celebre sia come solista sia come camerista, dedicando 

particolare attenzione alla musica contemporanea. 

Nel 1991 ha fondato l’Haydn Ensemble Berlin, costituito dalle prime parti dei Berliner Philharmoniker e musicisti di altre 

note orchestre berlinesi, del quale è direttore artistico e con il quale esegue il repertorio originale per orchestra di Haydn, al 

tempo in cui il compositore era direttore musicale al Castello di Eszterháza. 

Con l’Haydn Ensemble, Schellenberger ha eseguito circa sessanta Sinfonie di Haydn e diretto numerose composizioni contemporanee, 

specializzandosi nel repertorio del classicismo viennese (Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert). 

Nel 1995 ha iniziato la carriera di direttore ospite – sovente nella doppia veste di direttore e solista – con diverse orchestre 

italiane e tedesche. Nell’ottobre 1997 ha diretto l’Orchestra di Padova e del Veneto in tournée in Giappone. 

È stato quindi invitato da molte istituzioni quali l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, l’Orchestra della Galizia, la 

Jerusalem Symphony, l’Orquesta de la Comunidad di Madrid, le Orchestre Verdi e dei Pomeriggi Musicali di Milano, del San 

Carlo di Napoli, di Santa Cecilia e la Sinfonica di Roma, la Camerata di Salisburgo, la Tokyo Philharmonic, le Orchestre 

della Toscana, di Valencia, dell’Arena di Verona e l’Orchestra Nazionale di Spagna, con la quale ha instaurato un rapporto 

di collaborazione continua. 

Nel 2006 ha debuttato con l’Orchestra Cherubini diretta da Riccardo Muti suonando il Concerto per oboe di Mozart al Festival 

di Perelada in Spagna. 

Recentemente è tornato sul podio dell’Orchestra Nazionale di Spagna ed ha debuttato con i Düsseldorfer Symphoniker, la 

Berner Sinfonieorchester e l’Orchestra della Radio di Saarbrücken; inoltre è stato invitato da Vladimir Ashkenazy e da Zoltán 

Kocsis a dirigere l’Orchestra Sinfonica NHK di Tokio e l’Orchestra Filarmonica di Varsavia.


VENERDì 27 APRILE 2012 

andrea oLiVa 

 

MarCo griSanti 

pianoforte 

GEORGES HÜE Fantaisie 

(1858-1948) Assez lent 

Très vif 

FRANZ SCHUBERT Introduzione e Variazioni in mi minore 

(1797-1828) (da “Trockne Blumen”), op. post. 160 D802 

Introduktion (Andante) 

Thema und Variationen 

Andantino/Allegro 

LUDWIG VAN BEETHOVEN Serenata in re maggiore op. 8 (arr. Theobald Böhm) 

(1770-1827) Marcia 

Adagio 

Menuetto 

Polonaise 

Tema con variazioni 

SERGEJ PROKOF’EV Sonata in re maggiore op. 94 

(1891-1953) Moderato 

Scherzo (Allegretto) 

Andante 

Allegro con brio

andrea oliva (flauto), attualmente primo flauto solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di S. Cecilia, è nato a Modena 

nel 1977 dove si è diplomato all’Istituto Musicale «Vecchi-Tonelli», perfezionandosi poi con C. Montafia, G. Cambursano, J. 

C Gérard e J. Galway e avviandosi a una brillante carriera. Già membro effettivo dell’Orchestra Giovanile Gustav Mahler, 

dopo aver frequentato l’Accademia Herbert von Karajan, è stato invitato, a soli 23 anni, come Primo flauto dai Berliner 

Philharmoniker sotto la direzione di prestigiose bacchette quali Claudio Abbado, Lorin Maazel, Valerij Gergiev e Bernard. 

Haitink. Invitato da Claudio Abbado, ha suonato con l’Orchestra Mozart di Bologna e collabora stabilmente come docente 

all’Accademia dell’Orchestra stessa. 

È stato per due anni primo flauto al Teatro dell’Opera di Roma e attualmente collabora con orchestre quali la Scala di 

Milano, il Bayerische Rundfunk, l’Orchestra da Camera di Monaco, l’ORT di Firenze e la Mahler Chamber Orchestra. Si è 

esibito varie volte in veste di solista con l’Orchestra Nazionale di S. Cecilia, dove ha eseguito il Concerto di Carl Nielsen sotto 

la direzione di Antonio Pappano. 

Fra i numerosi premi vinti spiccano quelli al Concorso Internazionale di Kobe e al Concorso Internazionale ARD di Monaco. 

Apprezzato docente, tiene i corsi di alto perfezionamento all’Accademia S. Cecilia, e masterclasses in vari paesi del mondo. 

Marco grisanti (pianoforte) si è diplomato al Conservatorio di S. Cecilia di Roma perfezionandosi successivamente al Corso 

Superiore in Musica da Camera dell’Accademia di S. Cecilia. Parallelamente ha approfondito gli studi pianistici con Fausto 

Zadra ed Eduardo Hubert. 

Ha collaborato per molti anni col Coro stabile e con i Corsi di Perfezionamento dell’Accademia di S. Cecilia. Attualmente è 

docente di Musica da Camera del Conservatorio di Campobasso e direttore artistico dell’“Operefestival” che si tiene annualmente 

presso il Castello Odescalchi di Bracciano. 

La sua ventennale esperienza di camerista lo ha visto impegnato in un’intensa attività concertistica al fianco di artisti quali 

Felix Ayo, Uto Ughi, Sayaka Shoji, Domenico Nordio, il Residenz-Quartet di Würzburg ed il Beethoven Piano-Quartett, 

tenendo recitals in Italia, Svizzera, Francia, Spagna, Germania, Austria, Romania, Lussemburgo, Grecia, Irlanda, Canada, 

Stati Uniti, Argentina e Giappone in sale quali il Teatro Bibiena, Teatro Olimpico di Vicenza, l’Auditorium di Roma, l’Atenaeum 

di Bucharest, il Teatro Colón di Buenos Aires e l’Oji Hall di Tokyo.


HÜE – 

Les pantins, comica), 

indulgendo ai soggetti antirealistici di carattere magico-leggendario come nella leggenda sinfonica Rubezahl e nel dramma musicale 

Titania, che si ebbe una recensione positiva da Debussy; senza trascurare il genere intimistico della lirica da camera, che trattò per 

tutta la sua lunghissima vita. Nel decennio tra il 1910 e il 1920 il suo linguaggio armonico subì un adeguamento modernistico, e 

nondimeno egli rimase essenzialmente un autore tradizionale. Assieme al Nocturne del 1901, la Fantaisie in programma stasera è 

 

SCHUBERT – l’Introduzione e 

Variazioni 

 

che mentre questo secondo ha trovato modo di affermarsi in repertorio per l’intrinseca qualità musicale sposata allo stile brillante, 

 

si muoveva con poca disinvoltura. 

 

un materiale tematico serio quale è il motivo Trockne Blumen (Fiori appassiti), ricavato pari pari da un Lied appartenente alla sua 

precedente raccolta Die schöne Müllerin, il più triste e sconsolato del ciclo. Ci si è chiesti insomma come mai egli abbia voluto creare 

un pezzo dal dichiarato intento salottiero su un simile materiale di partenza, dato che il trattamento di ornamentazione tipicamente 

Biedermeier non riesce a liberarlo dal tono luttuoso di fondo, come anche testimonia il fatto che cinque variazioni su sette sono in 

modo minore. La situazione, pur nella diversità dei valori, è dunque molto simile a quella del Quartetto «La morte e la fanciulla». 

Non a tutti questo innesto è piaciuto, e ad esempio osservava Alfred Einstein che «per chiunque ami la musica di Schubert è 

deprimente assistere all’avvilimento in termini virtuosistici di un Lied che è unico per la sua intensità e la sua tensione espressiva, 

 

 

BEETHOVEN – In un catalogo artistico costellato di capolavori imperituri com’è quello di Beethoven, non è sempre facile trovare 

 

che rimandano a pratiche d’intrattenimento tipiche della musica all’aperto settecentesca, nelle quali si rinvengono gli unici contributi 

Serenata op. 41 (derivata dalla Serenata op. 25) e il Duetto WoO26. Tanto 

Serenata (ovvero 

 

e pianoforte con il titolo di Notturno 

Flauto” compare anche in una inedita edizione ottocentesca nel catalogo dell’editore Giuseppe Lorenzi (Firenze 1817 ca.), che però 

si limita a due soli tempi. 

Nella sua accezione originaria per trio d’archi, il pezzo riporta alla forma in sei tempi tipica del Divertimento settecentesco aperto 

e concluso da una Marcia e con il secondo Minuetto sostituito da una più vigorosa Polacca, evidenziando già tratti di personale 

originalità nei caratteri musicali. 

La valutazione critica non si perita di ritenere questo pezzo un piccolo capolavoro di eleganza e frivolezza, sicuramente lontano 

dal Beethoven della maturità, ma già espressione di un ingegno sicuro e non poco scaltrito nell’individuare e soddisfare i gusti 

 

 

PROKOF’EV – 

all’interno della stessa produzione cameristica del compositore sovietico.

dell’eversione, e si pone invece nell’ambito di una nuova semplicità conquistata con l’esperienza e l’adesione alle direttive di politica 

culturale del suo Paese, mirando a perseguire un’idea artistica di pronta comunicativa senza cadere nel risaputo o nel banale. 

Si tratta di un’opera concepita secondo una larga campitura in quattro movimenti, in cui alla solidità della struttura sonatistica si 

 

Questo particolare procedimento lo si nota subito nel primo movimento (Moderato), che presenta due temi ben scolpiti e di immediata 

presa, i quali, nel loro sviluppo, si colorano dei caratteri di un’improvvisazione capricciosa. 

Lo Scherzo che segue è una pagina di grande brillantezza strumentale, impostata su un motivo ritmico trattato magistralmente, su 

 

nel corso del movimento. 

Nell’Andante si segnala soprattutto un divagante passaggio cromatico che subentra a un certo punto con carattere quasi di evocazione 

danzante. 

Con lo stesso spirito di volubilità fantasiosa l’Allegro con brio 

indimenticabile tema dal festoso tratto popolare, che attraverso variazioni virtuose conclude nel modo più convincente la Sonata. 

Diego R. Cescotti


GIOVEDì 3 MAGGIO 2012 


Stefano Ferrario, violino e direttore 

Bruna Pulini, pianoforte 

FELIx MENDELSSOHN Concerto in re minore per violino, pianoforte e archi 

(1809-1847) Allegro 

Adagio 

Allegro molto 

OTTORINO RESPIGHI Antiche danze ed arie per liuto 

(1879-1936) III Suite (sec. xVI-xVII) 

Italiana (Ignoto) 

Arie di corte (G. B. Besardi) 

Siciliana (Ignoto) 

Passacaglia (L. Roncalli) 

PIETRO MASCAGNI Cavalleria rusticana: intermezzo 

(1863-1945) 

NINO ROTA Concerto per archi 

(1911-1979) Preludio (Allegro ben moderato e cantabile) 

Scherzo (Allegretto comodo) 

Aria (Andante quasi adagio) 

Finale (Allegrissimo)

Stefano Ferrario, allievo di Salvatore Accardo all’Accademia Stauffer di Cremona e di Bianca Battistoni, si è laureato a Vienna 

sotto la guida di Dora Schwarzberg. 

Vincitore di numerose borse di studio che gli hanno permesso di frequentare le classi di Rainer Kussmaul e di studiare con 

l’Amadeus Quartet e l’Alban Berg Quartet, Ferrario ha suonato come solista e primo violino del quartetto Andriani e successivamente 

del quartetto Magadis in numerose sale italiane ed estere tra cui la Sala dei Cinquecento del Lingotto, la Sala 

del Conservatorio di Torino, la Dukes Hall di Londra, il Palacio de Festivales di Santander, la Kurhaus di Merano per le Settimane 

Musicali Meranesi, la Sala dell’Accademia Nazionale di Riga e a Dobbiaco per il Festival Mahler. Con il clarinettista 

Karl Leister ha eseguito il quintetto di Mozart per clarinetto, trio d’archi e corno di bassetto e ha suonato con Accardo il 

concerto in si minore di Vivaldi. 

Come membro dell’European Union Youth Orchestra e di numerose altre orchestre tra cui l’Orchestra del Teatro alla Scala, 

ha suonato nelle più prestigiose sale da concerto d’Europa, Asia ed America, ed ha ricoperto il ruolo di primo violino con le 

orchestre Arpeggione Kammerorchester Hohenems, Teatro La Fenice, Teatro lirico di Cagliari, Solisti di Pavia, Pomeriggi 

musicali di Milano, Orchestra sinfonica di Udine, Orchestra Haydn di Bolzano e Trento. Con l’Orchestra Haydn si è anche 

esibito numerose volte come solista e come maestro concertatore. 

Bruna Pulini, diplomatasi con lode sotto la guida di Rachele Marchegiani, ha frequentato l’école Normale de Musique «Alfred 

Cortot» di Parigi conseguendovi il Diplome d’Exécution. Si è poi perfezionata presso l’Universität für Musik di Vienna 

conseguendo il titolo accademico di “Magistra Artium”. 

Ha inoltre studiato con Sergio Marengoni presso la Fondazione “R. Romanini” di Brescia e con Pavel Gililov presso la Hochschule 

für Musik di Colonia. 

Fin da giovanissima è stata premiata in numerosi concorsi nazionali e internazionali tra cui: Internazionale di Roma, Premio 

Venezia, Concours International de Piano Paris, “Città di Pisa”, Coppa Pianisti d’Italia Osimo, Internazionale “Silvio Bengalli”, 

Internazionale “Città di Sulmona”, Europeo “Giulio Mosconi” Parma, Concurso Internacional de Piano “Fundación 

Guerrero” Madrid, Europeo “Luciano Gante”. Nel 2002 le è stato conferito il Premio “Dante Alighieri” come riconoscimento 

per aver svolto con successo la sua attività artistica all’estero. 

La sua attività concertistica l’ha portata ad esibirsi, oltre che in numerose città italiane, in Lettonia, Francia, Germania, 

Spagna e Austria. Si dedica anche alla musica da camera, essendosi perfezionata con il Trio di Trieste, l’Altenberg Trio, Marielena 

Fernandes, Bruno Canino, Salvatore Accardo, Dora Schwarzberg, il Quartetto Alban Berg. 

Suona in diverse formazioni (duo, trio, quartetto,quintetto) e vanta collaborazioni con diversi musicisti tra cui Dora Schwarzberg, 

Domenico Nordio, Stefano Ferrario e Patrick De Ritis. È la pianista del Trio Bettinelli e dell’Ensemble dei due Mondi.

ALTRE INIZIATIVE

BIBLIOTECA CIVICA “G. TARTAROTTI” - ROVERETO 

NOVEMBRE 2011 - APRILE 2012 

Ingresso libero. Inizio ore 18.00 

Musica in Biblioteca 

MOMENTI MUSICALI 

A CURA DI INSEGNANTI ED ALLIEVI 

Scuola Musicale dei QuattroVicariati Operaprima venerdì 25 novembre 2011 

Scuola Musicale Jan Novák venerdì 16 dicembre 2011 

Civica scuola musicale Riccardo Zandonai venerdì 20 gennaio 2012 

Scuola Musicale dei QuattroVicariati Operaprima venerdì 17 febbraio 2012 

Scuola Musicale Jan Novák venerdì 23 marzo 2012 

Civica scuola musicale Riccardo Zandonai venerdì 13 aprile 2012 

Associazione Filarmonica di Rovereto 

Biblioteca Civica “G. Tartarotti” - Comune di Rovereto - Assessorato alla Contemporaneità 

Civica Scuola Musicale “R. Zandonai” - Rovereto 

Scuola Musicale “J. Novák” - Villa Lagarina 

Scuola Musicale dei Quattro Vicariati “OperaPrima” - Ala

CiviCa SCuola MuSiCale “RiCCaRdo Zandonai” - RoveReto 

GIORNATA APERTA 

La Civica per la Città 

attività didattiche aperte al pubblico 

Sabato 12 novembre 2011, ore 15 - 18 

Civica Scuola Musicale “Riccardo Zandonai” 

Rovereto - C.so Rosmini, 78 

Memorial Lidia Carli 

Concerto in memoria di Lidia Carli Corrà (1934-2010) 

docente della Civica Scuola Musicale “R. Zandonai” 

Sabato, 26 novembre 2011 - ore 17 

Saletta Auditorium Civica Scuola Musicale “R. Zandonai” 

INGRESSO LIBERO

Le mal du pays 

 

pianoforte Maria De Stefani, 

 

 

 

 

INGRESSO LIBERO 

CONCERtO DEL CORO 

Col Hakolot 

della Comunità Ebraica di Milano 

in occasione delle manifestazioni per la ricorrenza della “Giornata della Memoria” 

 

 

INGRESSO LIBERO 

INFORMAZIONI: Civica Scuola Musicale “Riccardo Zandonai” 

Corso Rosmini, 78 - 38068 Rovereto (TN) 

Tel e Fax 0464·452164 

E-mail: scuolamusicale@comune.rovereto.tn.it

LARGO AI GIOVANI! 

SCUo L a MUSi C a L e Jan noVÁk 

A peri t ivi in musica 2 0 11 

Gentile e affezionato pubblico degli aperitivi, quest’anno due concerti della nostra rassegna sono “capitanati” da due giovani 

 

benvenuto a queste due valenti giovani che si sono poi brillantemente diplomate in Conservatorio e hanno proseguito gli studi 

musicali. Da non perdere il concerto che vede insieme le due anime “barocche” della Novák, il violino di Andrea Ferroni e il 

 

un viaggio musicale nella musica di Geminiani e dei suoi contemporanei e maestri. 

La rassegna normalmente comprendeva quattro appuntamenti: quest’anno la Scuola musicale Jan Novák è impegnata con 

l’Associazione Filarmonica di Rovereto e la Civica Scuola Zandonai nell’organizzare il concerto dedicato a Jan Novák 

nel 90° della nascita, il 5 novembre a Rovereto, presso la Sala Filarmonica: un appuntamento speciale che virtualmente 

annoveriamo come quarto momento della rassegna di quest’anno. 

Vi aspettiamo al termine dei concerti per il consueto brindisi con lo spumante della Cantina d’Isera! 

Marco Bruschetti 

DOMENICA 13 NOVEMBRE 2011, ORE 11 - PALAZZO LIBERA (INGRESSO € 5) 

sabato 12, ore 18: anticipo per gli studenti delle classi di cultura musicale 

Sara Cazzanelli clarinetto 

Sebastiano evangelista pianoforte 

Márta Szabó violino 

Aram Khaaturjan (1903-1978) Trio per clarinetto, violino e pianoforte 

Igor’ Stravinskij (1882-1971) Suite dall’Histoire du Soldat 

Darius Milhaud (1892-1974) Suite op. 157b

DOMENICA 20 NOVEMBRE 2011 ORE 11 - PALAZZO LIBERA (INGRESSO € 5) 


andrea Ferroni violino 

gioele gusberti violoncello 

tiziana angheben clavicembalo 

Francesco Geminiani (1687-1762) e la sua epoca, da allievo di Corelli a precursore dello stile galante, 

da «L’arte di suonare il violino» al «Trattato sul buon gusto» 

Musiche di: Arcangelo Corelli, Alessandro Scarlatti, Georg Friedrich Händel, 

Georg Philip Telemann, Francesco Geminiani 

DOMENICA 27 NOVEMBRE 2011 ORE 11 - PALAZZO LIBERA (INGRESSO € 5) 


QUintetto a Fiati oPUS V 

anna Boschi 

andrea agostini oboe 

Manuel Michelini fagotto 

andrea omezzolli clarinetto 

Manuel Cester corno 

Valeria Cefalù voce recitante 

György Ligeti (1923-2006) Sei bagatelle 

Sergej Prokof ’ev (1891-1953) Pierino e il lupo 

Luciano Berio (1925-2003) Opus number zoo 

Per gli appuntamenti della domenica è necessaria la prenotazione presso la segretria della Scuola Musicale “J. Novák” 

entro il venerdì precedente il concerto (tel. 0464 411893)

Musica a Palazzo - Xi edizione 

Maggio e giugno 2012 - ala 

Concerti nei palazzi storici 

sPettacoli della scuola Musicale Per il territorio 

21 aprile 2012 - avio 

Guajira, Takirari e altro ancora 

Spettacolo dei/per i bambini 

12 Maggio 2012 - Brentonico 

Concerto del Coro di Voci Bianche 

26 Maggio 2012 - ala 

Gracias a la Vida (la strada dell’anima) 

Spettacolo multimediale delle formazioni orchestrali e degli altri ensemble della Scuola Musicale 

1 giugno 2012 - Mori 

OperaPrima Live 

concerto rocklab & Jazzlab 

INFORMAZIONI 

OperaPrima - Scuola Musicale dei Quattro Vicariati - Via Zandonai, 1 – 38061 Pilcante di Ala (TN) 

tel. 0464 680000 - 349 0542909 - E-mail: info@operaprima.org - www.operaprima.org

Musicagiovane 

concerti di primavera 

Rovereto - Sala Filarmonica - ore 11 

Associazione Filarmonica di Rovereto, Biblioteca Civica G. Tartarotti, 

Civica Scuola Musicale Riccardo Zandonai, Scuola Musicale Jan Novák 

per i nuovi interpreti 

DOMENiCA 26 FEBBRAiO 2012 

Pietro Gatto pianoforte 

DOMENiCA 11 MARzO 2012 

Ayumi Tovazzi violino 


Chiara Brun arpa 


Antonio Anastasio pianoforte 

DOMENiCA 1 ApRilE 2012 

Luciano Turella viola

tutti i concerti avranno inizio alle ore 20.45. 

Gli abbonati sono tenuti a prendere possesso dei loro posti entro le ore 20,40: 

trascorso questo termine i posti potranno essere messi in vendita. 

* * * 

Si ringraziano i redattori delle note ai concerti: 

Diego Cescotti 

Emanuele Buono 

Mauro Tonolli 

Realizzato e stampato in Italia, nel mese di ottobre 2011, 

tiPoFFSet MoSChini 

38068 Rovereto (TN) - Via G. Tartarotti, 62 - tipmoschini@fastwebnet.it 

Stampato su carta ecologica sbiancata senza cloro.

XC Stagione dei ConCerti - Rovereto - Associazione Filarmonica ...

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