CANTA NAPOLI - Egea Distribution

www.mondomix.com 

primavera 2011 


10 

musiche e culture nel mondo 

GRATUITO primavera 2010 

AMBROGIO SPARAGNA 

ORCHESTRA POPOLARE ITALIANA 

N o a 

caNta Napoli 

ALI FARKA TOURE • ELENA LEDDA • SQUILIBRI • BRASILE IN MUSICA 

Tango . Persia . Roberto De Simone . Dakar . Bob Marley . Recensioni 

07

Sommario 

Mondomix Italia — n°10 primavera 2011 

04 EDITORIALE 

05 / 13 ATTUALITÀ 

05 - ATTUALITÀ-SEI DOMANDE A 

MIRCO MENNA 

SEBASTIANO BELL'ARTE 

06 - ATTUALITÀ-BABELE 

07 - ATTUALITÀ-PROFILI 

07 - MAHMOUD AHMED 

08 - ROBERTO DE SIMONE 

09 - TROBAIRITZ D'OC 

10 - MASSIMO FERRANTE 

12 - MARTIN CARTHY 

13 - ENRIQUE MORENTE 

14 / 21 MUSICA 

14 - TANGO 

17 - I TANGHI DI PINA 

18 - TANGO NEGRO TRIO 

20 - NOA 

23 / 39 360° 

23 - DAKAR 

28 - SUONI PERSIANI 

30 - RAMIN SADIGHI 

31 - VISIONI PERSIANE 

34 - CHENNAI 

35 - RENNES 

36 - CULTURA POPOLARE 

37 - MANRESA 

38 - THE STREET FOODIE 

40 / 50 RECENSIONI 

40 - AFRICA 

42 - AMERICHE 

43 - EUROPA 

44 - FUSION 

46 - ASIA 

48 - LIBRI 

49 - VISIONI 

50 - LA WORLD MUSIC CHE NON SAPEVAMO DI AVERE 

Periodico gratuito 

Editore FM2 

Direttore responsabile Luca Rastello 

Redazione Elisabetta Sermenghi, Renzo Pognant, David Valderrama, Luca Vergano 

redazione@mondomix.com 

Hanno collaborato Antonello Lamanna, Ciro De Rosa, Cristina Amodeo, Eddy Cilia, 

Emanuele Enria, Enrico Verra, Fabrizio Giuffrida, Fulvio Luciani, Gian Franco Grilli, 

Giancarlo Susanna, Giovanni De Zorzi, Giulio Cancelliere, Joelle Caimi, Luisa Perla, Mauro 

Zanda, Paola Valpreda, Paolo Ferrari, Piercarlo Poggio, V. Ramnarayan, Valerio Corzani 

Pubblicità redazione@mondomix.com 

Impaginazione Chiara Tappero / Volumina info@volumina.net 

Redazione Corso Moncalieri 331, 10133 Torino (nuovo recapito) 

Stampa Ages Arti Grafiche Corso Traiano 124, 10127 Torino 

Registrazione al tribunale di Torino n° 49 del 9 luglio 2008 (periodico culturale) 

Il logo e il marchio Mondomix sono registrati e di esclusiva proprietà di Mondomix Media SAS. Il 

logo e il marchio Mondomix in Italia sono licenziati in esclusiva a FM2. 

Solo Mondomix Media SAS e i suoi licenziatari possono utilizzare il logo Mondomix in pubblicazioni, 

pubblicità e materiali promozionali. 

11 

Mahmoud Ahmed 

14 

Tango 

23 

Dakar 

31 

Persia 

47 

Lalgudi GJR Krishnan 

50 

Bob Marley - Catch A Fire 

Lillo Miccichè

04 Mondomix.com 

eDITORIALE 

Fuoco e fiamme. 

Mentre andiamo in stampa in Nord Africa e Medio Oriente si levano alte le fiamme, bandiere bruciate, grida di giubilo, di 

dolore e di sofferenza. 

Il mondo come lo abbiamo conosciuto sta cambiando, ancora una volta. 

Un nuovo ’89. Un altro muro sta cadendo. 

Speranze stanno nascendo. 

Il Nord del mondo, noi, a livello di governi e istituzioni è preoccupato solo a difendere i propri confini, il proprio recinto da 

fantomatici fondamentalisti e/o epocali invasioni barbariche. 

Il massacro libico agli occhi del nostro Potere significa solo fondamentalismo o immigrazione clandestina. 

E le radici cristiane per le quali si è sempre pronti a battersi quando conviene? 

Sotto terra a riposare. Siamo in inverno. No? 

Siamo solo un piccola rivista musicale ma ogni tanto ci piacerebbe essere qualcos’altro. 

Il caso ha voluto che l’Iran (il prossimo?) luogo in cui sotto la cenere brucia una forte spinta di cambiamento occupi largo 

spazio in questo numero. Il cinema e la musica. Un modo per saperne di più di questa terra culla della nostra storia e 

civiltà. 

Noa Canta Napoli. La città dell’immondizia, ormai ridotta a simbolo e pattumiera di questo nostro paese. Ma Napoli è 

stata anche altro, molto altro. Da Vico a Croce, da Eduardo a De Simone (vedi pagina 8) a Carosone a Nino D’Angelo. È 

bello che una grande cantante internazionale dedichi un progetto alla musica di questa città. 

Ogni tanto bisogna fermarsi a ricordare da dove veniamo. 

Lo hanno fatto a Dakar dove in uno sfavillìo di luci, suoni e colori si è tenuto il Festival Mondial Des Arts Negres. Anche 

l’Africa, ogni tanto, si ricorda di cosa è, da dove viene e dove può andare. 

E poi ci vuole passione. E Tango. Ecco, cerchiamo di indicare una possibile via a questa che più che una danza è una 

filosofia di vita. 

E certamente anche molto altro, ma questa volta vi lasciamo il piacere della scoperta. 

Anche questo numero oltre alla versione in PDF scaricabile gratuitamente dal sito www.Mondomix.com e disponibile 

nella versione interattiva sperimentale sul sito www.mondomix.com con link ad esempi, musicali, negozi online e altro. 

Venite a trovarci. 

Anche se ci riteniamo assolti siamo pur sempre coinvolti 

(libero adattamento da Fabrizio De Andrè) 

La redazione 

redazione@mondomix.com 

Mirco Menna 

Cantante e compositore 

Che cosa stai ascoltando in questo periodo? 

Rumori, alcuni consueti ed altri allarmanti, Gheddafi che 

dice resterò fino alla morte, le canzoni di Sanremo mio 

malgrado, e per rifarmi le orecchie Jacques Brel che è 

meno vecchio di Vecchioni. E Macareu, de Los Gaiteros 

de Lisboa. 

Quali sono i tuoi dischi preferiti? 

Quelli, con tutto il rispetto per la filologia, commistionati 

nei “generi”, nel carattere melodico armonico, nei suoni, 

nelle liriche: ma sempre radicati nell’“etno”, o folk come si 

diceva un tempo e come preferisco dire. Nel popolare, che 

è un concetto in continua mutazione. 

Due esempi tra tutti: Creuza de ma per quella invenzione di 

un “tradizionale” inesistente eppure ben credibile (e per le 

parole formidabili, nel suono e nel senso), e Soy Gitano, del 

Camaron de la Isla con la London Simphony Orchestra. 

Qual’è il musicista che ammiri di più? 

Quello che condivide il suo talento e non se la tira. Fermo 

restando il talento, certo. 

Con chi ti piacerebbe collaborare, se si creasse l’occasione? 

Mah, domanda difficile… Con le persone che ammiro (vedi 

sopra) ma non necessariamente con musicisti, comunque. 

Con Alessandro Robecchi, per dire un nome a me caro, o 

con il Gruppo delle Ocarine di Budrio che è dalle parti di 

casa mia. 

Quali concerti ricordi con più piacere? 

Alcuni dove io stavo sul palco. 

Uno dei Police e uno di Pino Daniele a Bologna all’inizio 

degli Ottanta. Michel Camilo in provincia di Ferrara verso la 

fine degli Ottanta. Peppe Barra, e Trilok Gurtu con gli Arché 

tra i Novanta e i Duemila. 

E poi molti “minori”, straordinari concerti di straordinari 

amici, tutta gente che poi si trova a suonare nei miei dischi, 

che bello. 

Hai artisti giovani che conosci o ascoltato e che ci 

consigli di seguire? 

La mia amica Silvia Donati che è, come molti di noi, 

un’artista giovane di lunghissima esperienza. Una cantante 

che supera il canto, diciamo così. Ha appena ultimato un 

bellissimo lavoro con Sandro Gibellini nuovo di zecca, 

mentre rispondo non ha ancora nemmeno un titolo. 

Sei domande a 

10 PRIMAVERA 2011 10 PRIMAVERA 2011 

05 

Che cosa stai ascoltando in questo periodo? 

Ascolto sempre tutto, dalla musica classica al jazz. Ad 

esempio a pranzo ho ascoltato l’Offerta Musicale di Bach, 

questa sera ho ascoltato Chet Baker. 

Quali sono i tuoi dischi preferiti? 

Ho ascoltato tantissima musica sinfonica, operistica e jazz. 

Tra le opere La Bohème di Puccini e Cavalleria Rusticana 

di Mascagni, come musica sinfonica la sinfonia Dal 

Nuovo Mondo di Antonin Dvorak e Sherazade di Rimsky 

KorsaKov. Tra i dischi jazz quello che ho ascoltato di più è 

Kind of Blue di Miles e il celebre quartetto di Mulligan con 

Baker alla tromba. Tra i cantanti italiani… De Andrè e Pino 

Daniele. 

Qual’è il musicista che ammiri di più? 

Il musicista che ammiro di più è Chet Baker. Altri sono 

Paquito D’ Rivera, Arturo Sandoval ecc… 

Con chi ti piacerebbe collaborare, se si creasse l’occasione? 

Mi piacerebbe collaborare con Caparezza. Le sue canzoni 

e il suo stile li trovo molto vicino alla banda. 

Quali concerti ricordi con più piacere? 

Se ci si riferisce a concerti in cui ho partecipato ricordo 

con piacere Il concerto che ho fatto con la Banda Ionica 

al Regio di Torino, con la Banda di Avola e Mirco Menna 

a Maison Musique di Rivoli e al Teatro Greco di Siracusa 

con l’Orchestra Sinfonica di Washington diretta da Mitslav 

Rostropovich. Se invece debbo pensare a concerti di altri 

ricordo, allo stadio di Caltanissetta, Pino Daniele con Pat 

Metheny. 

Hai artisti giovani che conosci o ascoltato e che ci 

consigli di seguire? 

Ho avuto modo di ascoltare al Tenco una ragazza, Carlotta. 

Fantastica. Poi conosco Beatrice Campisi, si è esibita con 

Banda di Avola al MEI e so che sta cercando di far uscire 

un suo lavoro discografico. È giovane e ha un buon gusto 

musicale. 

Titolo ...e l'italiano ride 

Etichetta Felmay / Egea 

Online www.mircomenna.com 

Sebastiano 

Bell' Arte 

Compositore, musicista, 

direttore della Banda di Avola

6 Mondomix.com / ATTUALITÀ 

FELMAY 

Drop Out 

and Tune In 

di Valerio Corzani 

Timothy Leary, 1il padre della cultura 2 psichedelica, diceva: 

“Drop Out and Tune In”, stacca la spina dal mondo e 

sintonizzati con te stesso. Una dimensione spirituale che 

ha il suo fascino e il suo perché anche senza l’ausilio 

dell’LSD e delle filosofie orientali. “Unplugged” in effetti 

è diventata una parola chiave delle società tecnologiche 

d’inizio millennio. Tenere la spina staccata, o meglio trovare 

il coraggio di staccarla, è una delle grandi scommesse della 

7 

8 

civiltà odierna. Prendersi una pausa da tutte le “connessioni” 

dalle quali dipendiamo. Staccare momentaneamente i fili 

che ci legano al mondo, che spesso ci aiutano a vivere 

meglio e ancora più spesso finiscono per opprimerci e 

congestionare i nostri “voli”. C’è di mezzo anche la “moda” 

ovviamente: le nuove spiritualità, l’ecologismo snob, le 

bevande diet (o più semplicemente idiot), il tabacco light 

e tutte le varie 9menate 

di cui i nostri 10 rotocalchi televisivi 

si appropriano prontamente. Ma scava scava, se si va a 

fondo, è indubbio che l’esigenza che muove la patina di 

queste mode è scossa da un impeto autentico, sincero. 

Succede anche nella musica, un ambito nel quale si è 

dovuto scavare con pazienza. Aspettare la fine degli anni 

novanta e lo spegnersi del malinteso new age (chitarre 

morbide, melodie 11 alla melassa etc…), 12 lasciar decantare 

XP• Mondomix marzo 2010 4-03-2010 13:25 Pagina 2 

ly 

w.felmay.it 

FELMAY 

P Felmay 2009 

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16 

18 

EGEA 

10 PRIMAVERA distributore esclusivo 2011 

per l’Italia 

1 2 

17 

19 

FELMAYTRADIZIONE&INNOVAZIONE 

Babele 

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il flusso trendy del cosiddetto new-acoustic mouvement 

d’inizio millennio (quando a staccare la spina si sono 

catapultati in troppi), prepararsi all’arrivo di un’essenza più 

autentica. Chiamiamola pure ancora unplugged, ma non 

come definizione di stile, piuttosto come pura “esigenza”. 

Anche solo come semplice optional potrebbe ricoprire una 

funzione importante e piacevole - come la cartina della 

Rizla che ti avvisa che sei a “dieci dalla fine del pacchetto” 

(e dio solo sa quanto è utile quell’avviso…) - ma qui c’è 

3 4 5 6 

dell’altro, qualcosa più del galateo, qualcosa più di una 

gentilezza, sonora e non. Staccare la spina dai vincoli 

della tecnologia è una sorta di boccaglio che ti permette 

di gustare appieno il tuo personalissimo snorkeling 

biografico e culturale. Ascoltare il suono purissimo delle 

voci bulgare o la filigrana aguzza delle corde vocali di 

Dona Dimitru Siminică equivale a partire alla scoperta del 

Rio delle Amazzoni in canoa o attraversare l’Islanda coi 

racchettoni da sci. Rivalutare il suono avvolgente di un 

pianoforte acustico può diventare un’avventura estrema, 

mentre riscoprire il calibro del rumore puro (provocato da 

un tamburo o da un bidone) è un altro esercizio di grande 

coraggio un-plugged. Un’estensione della percezione che 

utilizza antenne analogiche o meglio, biologiche: minerali, 

vegetali, animali. 

Potete partire da Souad Massi o da Stephan Micus, dal 

Dem Trio o dalla Vegetable Orchestra... non ha molta 

importanza. L’importante è che dopo il salutare tuffo 

neoacustico, non perdiate la curiosità del riattaccare la 

spina per ascoltare anche una cumbia elettrificata, Mercan 

Dedé o i Konono No.1... 

13 14 15 


thiopiques 

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new 

new 

3 4 5 6 

«Sto ascoltando dal mio Monferrato […] questo magnifico disco degli Yo Yo Mundi 

dedicato a queste terre (loro e mie). 

[…] Su questi antichi sobbalzi in due quarti e tre quarti, gli Yo Yo hanno lavorato 

con eccellenti orchestrazioni che infiammano e corteggiano la scatola magica, la 

fisarmonica, torre di Babe e regina di Saba.» 

(Paolo Conte) 

20 21 22 23 24 

25 

7 

8 

Yo Yo Mundi 

Munfrâ 

Trobairitz d'Oc 

vol. 1 - L'age d'or de la vol. 5 - Tigrigna Music vol. 10 - Tezeta - Ethiopian vol. 15 - Europe meets 

musique ethhiopenne 1970-75 

Blues and Ballads 

Ethiopia - Jump to Addis 

moderne 1969-1975 

Trobairitz d’Oc voci 

Valeria Benigni 

vol. 6 - Mahmoud Ahmed vol. 11 - Alèmu Aga - The vol. 16 - Asnaqètch Wèrqu 

Paola Lombardo 

vol. 2 - Azmaris urbains 

Almaz 1973 

Harp Lo of King mau David Claudio d'amor 

Carboni The Lady sax with the Krar 

1. Colorina de ròsa Tradizionale 3.47 

des annèes 90 

2. La cançon e la pluma Valeria Benigni / Gaël Princivalle 2.52 

3. La femme d’un tambour Tradizionale vol. 12 - Konso Music vol. 2.29 17 - Tlahoun Gèssèssè 

4. Lo mau d’amor Tradizionale 4.22 

vol. 3 - L'age d'or de la 

9 vol. 7 - Mahmoud 10 Ahmed 

5. Lo rossinhòu messatgier Tradizionale 4.25 

& Songs 

6. Intro luerda Claudio Carboni 1.12 

7. La femna luerda Tradizionale 3.13 

musique ethiopienne Erè mèla mèla 1975 

vol. 18 - Asguèbba ! 

8. Miton Paola Lombardo 2.31 

Una formazione originale, due voci e sassofono, 9. Serpol che Paola Lombardo da nuova / Sergio Berardo vita 4.01 ad un 

moderne 1969-1975 

vol. 13 - The Golden 10. Sinfonia de Margòt Paola Lombardo vol. 1.45 19 - Mahamoud Ahmed 

vol. 8 - Swinging Addis 

repertorio 11. La masurca de Sant popolare Andiòu Tradizionale / Charlon secolare. 

Rieu 2.46 

12. Minon-minauna Tradizionale 2.44 

Seventies - Ethiopian 13. L’aiga de Groove 

ròca Tradizionale 4.07 1974 - Alèmyè 

vol. 4 - Mulatu Astatke 1969-1974 La musica Occitana come 14. A stacada non d’Brelh, l'avete valsa finala Tradizionale mai 3.25sentita. 

1-02-2011 12:04:43 

Ethio Jazz & Musique 

vol. 14 - Gètatchèw Mèkurya vol. 20 - Either Orchestra & 

Instrumentale, 1969-1974 vol. 9 - Alèmayehu Eshété 

Felmay • strada roncaglia16 • 15033 san germanoAL • italy 

FELMAY 

ph. +39 0142 50577 fax +39 0142 50780 info@felmay.itwww.felmay.it Negus of Ethiopian Sax Guests - Live in Addis 

fi le under 

trobairitz d’oc 

occitany 

italy 

world music 

11 12 13 14 15 

vol. 21 - Emahoy Tsegué 

& Maryam Guèbrou 

Piano Solo 

vol. 22 - Alèmayèhu Eshèté 

1972/1974 

vol. 23 - Orchestra Ethiopia 


musique ethiopienne 

moderne 1969-1975 

vol. 25 - Modern Roots 

1971/1975 

felmay distribuzioni • vendita per corrispondenza • richiedete il catalogo 

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P Felmay 2009 

2010 

fy 8180 

Le origini 

Di origine gurage, ceppo etnico minoritario radicato 

nel Sud Ovest del paese, Mahmoud si arrangia da 

ragazzino con un mestiere che davvero più blues si 

muore: lustrascarpe, per le velleità da City e da capitale 

notturna della “swingin’Addis”. Quel mondo lo seduce, e 

la maniera più semplice di metterci piede è farsi assumere 

in un locale. Gli riesce con l’Arizona Club: basti il nome 

per farsi un’idea dell’aria cosmopolita che si respirava 

nella capitale negli anni compresi tra il 1955 e il 1974, 

quelli dell’ottimismo e dello swing, delle tentazioni latine 

e dell’eredità melodica italiana, dei ricami di scuola araba 

e del soul di fonte americana. Lì Ahmed parte dal basso, è 

una sorta di factotum addetto alle pulizie, alle riparazioni, 

alla tinteggiatura. Ma canta bene, molto. La proprietà 

se ne accorge, e tra il 1960 e il 1961 gli offre le prime 

chance di esibirsi di fronte al pubblico. Il tempo di onorare 

l’appuntamento con Sua Maestà, mancato di poche ore 

nel 1941, è maturo: nel 1962 il ventunenne Mahmoud viene 

aggregato alla Imperial Bodyguard Band, fiore all’occhiello 

del paese non solo per blasone regale. 

i favoLosi anni 70 

Ascoltare le quattordici tracce del volume 26 della collana 

Éthiopiques, curato come sempre con rigore, passione 

e ricchezza di informazioni dal direttore Francis Falceto 

per Buda Musique, illumina quanti, come noi occidentali, 

sono abituati a vedere le guardie del corpo come persone 

lontane dall’idea stessa d’arte, quanto estranee alle 

dinamiche innovative. La voce di Ahmed, carica di soul, 

d’Oriente e swing, colori e sapori senza passaporto, 

è scortata da arrangiamenti stupefacenti. Il periodo in 

questo caso è l’ultimo col sodalizio imperiale, ma il succo 

non cambia; in assenza di capitali privati, come spesso 

accade nel Sud del Mondo, lo stato (radio, bande militari, 

balletti ufficiali) è stato per molti lustri l’unico riferimento 

affidabile sotto il profilo della qualità dei materiali. Oltre 

al cd, testimone però del periodo 1972 – 1974, la serie 

ha dedicato alla star di Addis altre due monografie, né 

potrebbe essere altrimenti: Falceto non fa mistero di 

dovere a Mahmoud l’idea stessa dell’impresa discografica 

etiope, il cui germe nacque in seguito all’ascolto di una 

sua vecchia cassetta. 

Profili 

Mahmoud Ahmed 

Voce dall'Etiopia 

di Paolo Ferrari 

È il 5 maggio 1941. A bordo dell’Alfa Romeo del colonnello inglese Wingate, Sua Maestà il Negus Hailé Selassié I 

percorre le strade di Addis Abeba tra due ali di folla festante: sconfitta, l’Italia si è ritirata. Il dominio di Roma sull’Abissinia 

è finito, e l’Inghilterra riconsegna il trono al suo alleato etiope. Tre giorni dopo, l’8 maggio, nella stessa città nasce Alemye 

Mahmoud Ahmed. I destini dell’Imperatore e del neonato si sfiorano; le loro strade si incroceranno ventuno anni dopo. 

aLLa conquista deL mondo 

Prima dei suoi studi e delle sue pubblicazioni, l’unico album 

di musica etiope noto all’Occidente era Ère Mèla Mèla, 

gioiello pubblicato nel 1975 come riuscito esame di maturità 

dopo l’uscita dalla Imperial Bodyguard Band, meritoriamente 

proposto in Europa nel 1986 dalla Crammed e rilanciato, con 

le estensioni e le note in stile Éthiopiques, come volume 7 del 

percorso, dopo un sesto ellepi intitolato Almaz, incisioni con 

la Ibex Band parallele all’ultimo periodo imperiale. Ère Mèla 

Mèla: il disco decisivo nell’anno della morte di Hailé Selassié, 

ancora un incrocio fatale. Il più “americano” e internazionale 

dei dischi di Ahmed resta Alèmyé, targato 1974 e al centro del 

volume 19 della saga Falceto, con soluzioni esplicitamente 

soul. Se altre tracce dell’uomo danno soddisfazione nei cd 

3, 8 e 10 della collana, farciti di 45 giri delle varie epoche, è 

bene ricordare l’attualità di Mahmoud Ahmed, tra i pochissimi 

artisti etiopi (con Aster Aweke, però migrata negli States, 

con Gigi, aiutata da sodalizio con Bill Laswell, e con l’icona 

rock Mulatu Astatqe) entrati nell’Olimpo della musica africana 

di peso globale. Ecco allora l’Award per la World Music, 

conferitogli nel 2007 da BBC Radio 3, e un maturo Live In 

Paris, messo in circolazione nel 1998 dalla Long Distance. 

Éthiopiques intanto annuncia l’imminente pubblicazione di 

Shèkla, ultimo vinile pubblicato dal cantante nel 1978 sulla 

propria etichetta Mahmoud Records prima di arrendersi al 

formato cassetta. Meno seducente, ma più economico e 

adatto a filtrare tra la gente negli anni bui della censura. Tra 

storia e futuro, il presente di Mahmoud Ahmed si chiama 

attualità permanente. 

Online www.budamusique.com 

Ethiopiques volume 6 

Buda / Egea 





10 PRIMAVERA 2011 

7


Con queste note dolenti sulla scomparsa di una cultura 

millenaria che già trent’anni fa era in declino si apre il 

nuovo lavoro di Roberto De Simone, Son sei sorelle. 

Compositore, scrittore, regista teatrale, drammaturgo 

e musicologo, De Simone è stato la mente della Nuova 

Compagnia di Canto Popolare, che fonda nel 1967 assieme 

a Giovanni Mauriello, Eugenio Bennato e Carlo d'Angiò. 

Grazie a ricerche sul campo nei luoghi dove in quegli anni 

le tradizioni ancora sopravvivono, e allo studio delle fonti 

scritte che descrivono forme poetico-musicali del passato, 

come strambotti, villanelle e laudi, De Simone e la NCCP 

sviluppano un ricco repertorio musicale che sarà poi 

alla base di opere teatrali come La cantata dei pastori e 

La gatta Cenerentola del 1976. In quegli anni De Simone 

incide i repertori musicali incontrati durante le sue ricerche, 

chiedendo agli interpreti tradizionali di eseguirle in studio. 

Il frutto di quelle registrazioni viene pubblicato nel 1979 in 

un cofanetto di sette LP, La tradizione in Campania, ormai 

da lungo tempo esaurito. 

La tradizione in campania 

Son sei sorelle ripropone quelle preziose registrazioni in 

studio, con l’aggiunta di numerose altre effettuate sul 

campo, raddoppiando di fatto la durata dell’edizione del 

1979: “si tratta di nastri incisi proprio nel momento rituale 

delle feste, magari privi di perfezione tecnica, ma ricchi di 

una coralità dirompente, di una verità espressiva, di uno 

spessore rituale, religioso, rappresentato al massimo”. 

Ed effettivamente da questi CD emergono brani di rara 

intensità, eseguiti da cantatori e suonatori che avevano 

profonda conoscenza della loro tradizione, per averla 

vissuta tutta una vita nel suo contesto originario, al di 

fuori di qualsiasi intenzione spettacolare o tentazione 

di protagonismo. Cantatori e suonatori il cui ruolo era 

riconosciuto dalla comunità per l’altissimo livello che essi 

avevano raggiunto: Antonio Torre, Giovanni Coffarelli, Rosa 

Nocerino, Giulia Ciletti, per citarne solo alcuni. Musica 

rurale, eseguita nei momenti e nei contesti prescritti e non 

Son sei sorelle 

Rituali e canti 

della tradizione in Campania 

di Fabrizio Giuffrida 

“Saranno queste registrazioni la celebrazione dell’assenza. Ma 

saranno, esse, la cartina di tornasole per evidenziare le innumerevoli 

mistificazioni e contraddizioni, operate in nome di un mondo estinto?” 

occasionalmente, secondo il capriccio dell’interprete. È 

questo il segno dell’autenticità del canto, sigillo di verità di 

un’emozione espressa tramite una ritualità e una sacralità 

che purtroppo scompaiono con la morte di questi grandi 

esecutori. Emozione e intensità che traspaiono anche dalle 

splendide foto scattate da Mimmo Jodice, riportate sulla 

copertina dei singoli CD e del volume. 

musica e testo 

Son sei sorelle rovescia il consueto rapporto esistente in 

questo tipo di pubblicazioni: di solito il centro del progetto 

è il libro, “corredato” da uno o più dischi “illustrativi”. Qui 

è l’esatto contrario: il testo è un prezioso commento alla 

musica contenuta nei CD, vera protagonista di quest’opera 

di De Simone. Il libro si apre con una sezione dedicata alla 

descrizione degli strumenti, delle forme poetiche e delle 

forme musicali esistenti in area campana, fornendo gli 

elementi di base per un ascolto consapevole dei dischi. La 

seconda sezione, che da sola costituisce il 90 % del testo, 

è un’analisi approfondita dei singoli brani, con indicazione 

di interpreti, data e luogo dell’incisione, seguita dalla 

trascrizione e traduzione dei testi cantati. In un arco di 

tempo che va dal 1973 al 2003, De Simone ha raccolto 

testimonianze sonore in buona parte del territorio campano, 

spaziando dai canti sul tamburo, ai lamenti funebri, dalle 

fronne ai canti di lavoro, dalle tarantelle ai canti religiosi. In 

appendice, quattro articoli che De Simone ha scritto per 

il quotidiano Il Mattino, nei quali constata dolorosamente 

la scomparsa di tradizioni che aveva documentato negli 

anni ’70, come il pellegrinaggio a Montevergine, ma 

scopre anche con entusiasmo il perdurare di altre, come 

a Montemarano, dove la processione resiste, malgrado 

tutto. 

Titolo Son sei sorelle. 

Rituali e canti della tradizione in Campania 

Etichetta Squilibri 

Online www.squilibri.it 

Profili 09 

Le Trovatrici D’Oc(ccitania) 

Trobairitz d'Oc alle prese con il mal d'amore 

di Ciro De Rosa 

Dopo aver esordito nel 2007 con Margot voupadançar, 

album che ha riscosso ampi consensi di critica di settore, 

soprattutto in Francia, le “trovatrici” del XXI secolo Paola 

Lombardo e Valeria Benigni, attive come duo vocale 

dal 2004, si riconfermano come una delle proposte più 

significative di quel variegato universo sonoro che si 

riconosce nella area culturale occitanica. Lo mau d‘amor è 

frutto del loro incontro con il soffio dei sassofoni di Claudio 

Carboni, pilastro di Banditaliana. 

trobairitz 

In lingua occitana trobairitz significa per l’appunto trovatrici. 

Le due cantanti sono state ammaliate dalle gentildonne 

poetesse d’epoca medievale che componevano nell’idioma 

d’oc. Valeria, di formazione jazzistica, è divenuta la voce 

degli alfieri della musica occitanica d’Italia Lou Dalfin, 

Paola ha un lungo un percorso artistico di matrice folk. 

Quest’ultima ci dice: “La lingua occitana è molto sonora, 

con fonemi che sono veramente piacevoli da cantare. La 

osserviamo e la studiamo, cercando di cogliere i colori e le 

diversità delle varie parlate. Pur vivendo a Torino, ai piedi 

delle valli occitane, abbiamo acquisito familiarità con una 

lingua che non è quella natìa respirando l’atmosfera delle 

valli e ascoltato i vinili di ricerca e riproposta di questo 

repertorio”. 

Le Trobairitz d’Oc non attingono al repertorio duecentesco 

della grande poesia in lingua d’oc, matrice della tradizione 

lirica dell’Europa moderna, ma riprendono materiali 

trasversali, riconducibili agli ultimi due secoli, dalla 

Linguadoca al Delfinato, fino alla piemontese Val Chisone. 

In questo album, inoltre, si cimentano nella composizione 

in lingua occitana, senz’altro una svolta rispetto all’esordio 

costellato di brani tradizionali. “Per ora i nostri brani sono 

legati al vissuto individuale, sia per la musica che per i 

testi”, aggiunge Paola. “Le canzoni sono state scelte prima 

di andare in studio, dove abbiamo apportato modifiche 

se sentivamo la vocina che ci diceva: 'Magari suona 

meglio così…!' Ricordo che il primo incontro con Claudio 

è avvenuto a casa sua sull’Appennino, per l’occasione 

avevamo portato un abbozzo del primo brano Colorin de 

ròsa, un tradizionale che ci ha rapito quando lo abbiamo 

ascoltato dalla voce di Rosina De Peira. Lui, che è un 

entusiasta di natura, ha iniziato a buttare giù qualche nota 

con il baritono. Le cose sono più o meno proseguite così 

per gli altri brani... Per la maggior parte dei brani abbiamo 

lavorato insieme, in alcuni casi invece chi aveva già in 

mente l’architettura della canzone ha portato le parti”. 

Se Claudio Carboni ha conosciuto la musica occitana 

suonando con Patrick Vaillant e incontrato, tramite 

Riccardo Tesi, il repertorio del gran cantore Jean-Marie 

Carlotti, quali sono i punti di riferimento occitanici di Paola 

e Valeria? “Per l’audacia e la fantasia ci hanno ispirato i 

Lo Còr de la Plana, per l’innovazione nella tradizione i 

Perlimpinpin Folk e Patrick Vaillant, per l’espressività e il 

calore vocale Rosina e Martina De Peira”. 

daL duo aL trio 

Tra i pregi di Lo Mau d‘Amor, l’abilità che hanno i tre artisti 

di interagire secondo modalità assolutamente inusitate. 

Claudio Carboni ha raccolto la sfida con curiosità ed 

entusiasmo: “Quello che ho cercato di fare è di plasmare 

il mio linguaggio, adattandolo ai brani, creando un gioco 

di affinità e di contrasti che sfocia in quella che veramente 

io intendo per world music. Non scimmiotto gli strumenti 

abituali di questa musica, ma cerco di inserire quella 

che è la mia dialettica musicale nella poesia di queste 

splendide melodie”. I sax soprano e baritono incrociano 

superbamente la compattezza vocale delle due cantanti 

che si avvalgono qua e là di percussioni e del battito delle 

mani. Gli strumenti di Carboni sono ora rinforzo ritmico ora 

terza voce, diventano controcanto o morbido appoggio 

su cui ricamano le splendide ugole. Tutto ciò, mettendo 

sempre al centro il suono d’insieme. Lasciamo ancora la 

parola a Claudio: “Col baritono eseguo parti più ritmiche 

e incalzanti, quasi come se fosse una batteria. Mi piace 

utilizzare molto anche lo slap, così che non si senta la 

mancanza di altri strumenti anche nei brani di maggior 

groove. Col soprano diventiamo una sorta di trio vocale, 

la voce del sax dialoga e contrasta con le voci e si prende 

spesso la libertà di improvvisare”. 

Le tracce 

Le quattordici tracce iniziano con la già citata Colorina 

de ròsa, dove il sax sottolinea il canto o agisce da 

controcanto ritmico. Atmosfere morbide jazzate in La 

cançon e la pluma, musicata da Valeria Benigni su testo 

di Gael Princivalle. Nel tradizionale La famme d’un tambur, 

storia del suonatore di tamburo che preferisce i piaceri 

dell’osteria ai doveri familiari, le voci incalzanti trovano 

sponda facile nel guizzo ritmico e nello slancio melodico 

del sax. Si libra piacevole e leggiadro Lo mau d’amor, 

distinto dalla solarità dei sassofoni che ora ornano le voci 

ora si producono in terza voce. L’accompagnamento 

lirico del pianoforte impreziosisce il canto trovadorico 

Lo rossinhòu messatgier. Dopo il bel solo introduttivo di 

Carboni parte La femna luerda, versione occitana della 

Maria Giuana piemontese. Miton è un gustoso elogio 

della zuppa di contadini e pastori fatta con latte e pane 

raffermo del giorno prima. Si parla del timo serpillo dal 

quale si produce un distillato, in Serpol, siglata da Paola 

Lombardo su liriche di Sergio Berardo, dai passaggi vocali 

che riprendono i modi del canto sardo. Sinfonia de Margòt 

richiama il disco di debutto. Ancora gioco di incastri 

sonori ne La masurca de Sant Andiòu, col sax di Claudio 

che si ritaglia un gustoso assolo. I tamburi a cornice sono 

protagonisti nella ninna nanna percussiva Minon-minauna 

che profuma di Mediterraneo, mentre nella scottish L’aiga 

de ròca il trio divide la scena con gli archi di Santa Vittoria, 

protagonisti di sequenze bartokiane. Finale col tradizionale 

A stacada d’brelh, dove il sax soprano oscilla tra sognante 

impronta garbarekiana e valzer di sapore appenninico. 

Titolo Lo mau d’amor 


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10 PRIMAVERA 2011 10 PRIMAVERA 2011


Sei in piena tournée con tutta la band, come sta andando? 

La tournée è già partita da un pezzo e sta andando molto 

bene, se consideriamo che è iniziata questa estate. Le 

tappe ora diminuiscono sia perchè in questo periodo vivo 

a Napoli e quindi diventa tutto problematico, e sia perchè 

in inverno la richiesta di live entra in una specie di letargo 

stagionale. Nel disco ci sono molte collaborazioni artistiche 

importanti come quelle con Antonello Paliotti, Lutte Berg, 

Lello Petrarca, Enrico del Gaudio Angelo De Falco insieme 

agli E Zezi. Attualmente, però, sto presentando Jamu con 

delle riduzioni del gruppo: in duo, o trio, a seconda del 

club in cui suono. 

In Jamu c’è una sorta di sintesi della tua esperienza 

artistica, come nasce l’idea di questo nuovo viaggio 

nel Sud Italia, è nostalgia o voglia di scoprire altro? 

Le mie ricerche sono sempre legate un po’ al territorio, 

quindi prendo qualcosa dalla mia terra, dalla mia Calabria 

dalla zona dell’Alto Cosentino, e poi ascolto molti 

vecchi nastri e dischi introvabili che non hanno nessuna 

distribuzione. È un materiale interessante, fonte non 

esclusiva delle mie produzioni musicali. 

Quando si crea un nuovo lavoro, si pensa sempre ad una 

struttura, e la mia idea è stata quella di un viaggio nei 

repertori musicali poco esplorati, un viaggio intimo nei suoni 

e nelle storie di un’Italia che rischia di essere dimenticata, e 

dove un patrimonio culturale molto vasto rischia di essere 

sminuito e snaturato. Creare per me significa appunto 

ascoltare la propria sensibilità e lasciarsene guidare. Jamu 

è un progetto basato su un attento e accurato lavoro di 

recupero e rielaborazione di brani editi ed inediti in vario 

modo reperiti, in cui metto in evidenza la ricerca di un 

equilibrio fra tradizione e modernità. 


Il folksinger in cerca 

di forme poetiche 

Intervista a Massimo Ferrante sul nuovo cd 

Jamu: sonorità tradizionali del Sud Italia 

di Antonello Lamanna 

Ai due successi discografici U Ciucciu del 2005 e Ricùordi del 2006 ora si aggiunge Jamu il nuovo lavoro di Massimo 

Ferrante distribuito dalla Felmay. Jamu in calabrese significa “andiamo” che rimanda in un certo senso a “come on”, 

uno dei riff più famosi del blues di Chicago. Ferrante è un affermato musicista calabrese che vive a Napoli dagli anni 

Settanta, e da allora ha assimilato tutto di questa terra: la sensibilità, la creatività, e la versatilità qualità con le quali è 

riuscito ad appropriarsi di una cultura antica attraverso la sua anima popolare. Dodici brani incastonati tra due parti di 

una nota poesia di Ignazio Buttitta, Lingua e dialettu, tramutata in canzone grazie all’arrangiamento e ai corposi interventi 

strumentali di Antonello Paliotti. Il resto del disco si gusta brano dopo brano come un piacevole mosaico sonoro. Lo 

abbiamo raggiunto telefonicamente mentre era impegnato in una delle sue presentazioni del nuovo disco. 

Ci puoi fare un esempio? 

Mi riferisco a un recupero importante che ho voluto inserire 

in questo disco: la Strina du judeo, un canto calabrese 

tradizionale atipico proposto con un bel arrangiamento di 

Lutte Berg alla chitarra elettrica, di Lello Petrarca al basso 

e di Enrico Del Gaudio alla batteria. Le strine sono canti 

augurali eseguiti durante il periodo natalizio, ma questa che 

ho raccolto a Joggi (in provincia di Cosenza) si caratterizza 

invece per i toni provocatori e caustici verso tutti, e in 

particolare verso le istituzioni. 

In tutti i tuoi dischi, e soprattutto in questo, si nota la 

ricerca di forme musicali originali e poco conosciute, 

come mai questa scelta? 

É una battaglia che combatto da molti anni. Diffido molto e 

ho sempre mantenuto una certa distanza da certe tendenze 

modaiole che si consumano velocemente e che offuscano 

il vero patrimonio musicale tradizionale. Mi interessano 

le forme dei dialetti calabresi e i diversi aspetti legati alle 

minoranze linguistiche che fanno parte della nostra identità 

culturale. Non inseguo mode, ma tento di far emergere 

forme musicali poco conosciute. Nel Sud non ci sono solo 

le tarantelle, le tammurriate e le pizziche. 

So che stai lavorando ad un interessante progetto, di 

che si tratta? 

Si, ci sto lavorando da diverso tempo. Dopo gli impegni 

per la tournée del disco in Italia, vorrei dedicarmi a formare 

una corposa band popolare di fiati, zampogne, tamburelli, 

per presentarla all’estero. 

Titolo Jamu 


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Profili 


11

12 Mondomix.com / MUSICA 

Martin Carthy 

Il re del folk inglese 

di Giancarlo Susanna 

Il secondo folk revival inglese, letteralmente esploso nella 

seconda metà degli anni ’60, ha dimostrato come non solo 

fosse possibile riprendere la tradizione in modo corretto e 

credibile, ma anche scrivere canzoni nuove usando quel 

linguaggio poetico e musicale. Forse qualche intellettuale 

conservatore considerò con sufficienza cantautori come 

Nick Drake, John Martyn, Allan Taylor e Sandy Denny o 

gruppi come i Pentangle e i Fairport Convention, ma quello 

che questi giovani musicisti facevano non era poi così 

distante dal lavoro prezioso del grande (e severo) padre del 

folk revival britannico Ewan MaColl, che nel 1973 aveva 

vinto il prestigioso premio Ivor Novello con la sua The 

First Time I Ever Saw Your Face. È quasi inutile ricordare 

quanto fosse difficile in quegli anni seguire tutto quel che 

accadeva oltremanica, ma il fascino di certi dischi – da 

Liege & Lief dei Fairport a Basket of Light dei Pentangle, 

per citarne appena un paio - era troppo forte per chi aveva 

avuto l’occasione di scoprirli. 

La scoperta 

Il primo album di Martin Carthy che acquistai è un’antologia 

della serie This is… della Philips. Si intitola The Bonny 

Black Hare and Other Songs e sulla copertina c’è un bel 

disegno della bella lepre nera protagonista dell’omonima 

canzone. Lo trovai nel ‘74 nell’unico negozio romano che 

all’epoca aveva dischi d’importazione. Qualche mese 

dopo partii per il mio primo viaggio a Londra e fu all’ombra 

della Roundhouse, a Camden, in uno dei tanti club che 

all’epoca richiamavano piccole schiere di appassionati, 

che assistetti a un suo concerto. Carthy era già una 

star del folk revival. Famoso per una lunga e brillante 

collaborazione con il violinista Dave Swarbrick e per la 

sua decisiva presenza nei primi Steeleye Span, aveva la 

dote più importante dei performer solitari: il carisma. Fu 

preceduto dai “residents” del club e tenne un concerto 

bellissimo. Mi colpì non solo per la voce e per lo stile 

chitarristico, ma anche perché utilizzò un diapason per 

accordare la sua Martin e per prendere l’intonazione giusta 

nei pezzi solo vocali. In Italia non avevo mai visto e sentito 

niente del genere. Noi non avevamo nessuno che fosse in 

grado di riproporre la tradizione in un modo tanto efficace. 

Due anni dopo lo rividi, sempre a Londra: la serata fu 

aperta come consuetudine dai “residents”, ma prima del 

set di Carthy cantarono anche i Watersons, il quartetto 

solo vocale formato da Mike Waterson e dalle sue sorelle 

Lal e Norma, cui si aggiunse, al posto di John Harrison, lo 

stesso Carthy. 

La carriera 

Nato il 21 maggio del 1941 a Hatfield, nell’Hertfordshire, 

Carthy cominciò a coltivare il suo amore per la musica 

cantando nel coro della scuola e studiando pianoforte e 

trombone. Come molti giovani inglesi (compresi i Beatles), 

Carthy fu contagiato dalla moda dello skiffle e mentre 

lavorava come stage manager per alcune compagnie 

teatrali fece le sue prime esperienze come chitarrista nei 

club dell’area di Londra. Fu un concerto di Sam Larner, 

un anziano pescatore e folksinger di Norfolk, a spingerlo 

verso il revival. Da allora la sua vicenda artistica non ha 

conosciuto soste. 

Con i Thameside Four e in duo con il prodigioso Dave 

Swarbrick, con gli Steeleye Span (in cui suonava anche la 

chitarra elettrica) e la Albion Country Band, con i Watersons, 


i fenomenali Brass Monkey (insieme a John Kirkpatrick) e 

i Waterson Carthy (essenzialmente un trio con la moglie 

Norma Waterson e la figlia Eliza Carthy), Martin ha lasciato 

un segno indelebile nel “suono” inglese. 

Già ai tempi del duo con Swarbrick e dei suoi dischi da 

solo – Carthy è un chitarrista dallo stile inconfondibile, 

percussivo ed essenziale – la sua musica aveva influenzato 

personaggi immensamente più noti di lui come Bob Dylan 

e Paul Simon. Con quest’ultimo, che si era appropriato 

senza mai dichiararlo dell’arrangiamento di Scarborough 

Fair, ha avuto una controversia durata decenni e conclusa 

con una rappacificazione solo in tempi recenti. Nominato 

dalla Regina Elisabetta “Member of the British Empire”, 

Martin Carthy è giustamente considerato come uno dei più 

importanti e influenti folksinger della sua generazione. 

Online www.watersoncarthy.com 

Martin Carthy 

Signs of Life 

Topic, 1998 

Waterson Carthy 

Common Tongue 

Topic, 1997 

Brass Monkey 

Sound & Rumour 

Topic, 1998 

Martin Carthy 

The Carthy Chronicles 

Box antologico di 4 cd, Free Reed, 2001 

Il giorno di Natale avrebbe compiuto sessantotto anni 

ma il destino ha voluto che la vita del cantante flamenco 

Enrique Morente si fermasse prima. Alla notizia della sua 

scomparsa, lo scorso tredici dicembre, una profonda 

commozione ha attraversato in lungo e in largo la Penisola 

Iberica. Basti leggere i titoli dei principali quotidiani 

spagnoli: l’ultimo poeta flamenco titolava El Mundo, morte 

di uno sciamano per El Pais, o il cantante che rinnovò il 

flamenco per il quotidiano Publico. Ma è a Granada che il 

tributo popolare al suo illustre cittadino è diventato pianto 

collettivo con oltre seimila persone accorse alla camera 

ardente in un susseguirsi di amici, di vicini di casa, di 

parenti e di colleghi di una vita andati a salutare per l’ultima 

volta il maestro. Quando la figlia Estrella, su versi di Lorca, 

ha intonato l’ultimo saluto recitando Il pianto della chitarra, 

un brivido ha scosso l’intera sala. 

L'apprendistato 

La sua storia artistica ha inizio presto, quando appena 

quindicenne viaggia a Madrid facendo da apripista a 

tanti altri artisti, da Camaron a Paco de Lucia, alle sorelle 

Utrera, soltanto per citarne alcuni. Nel fermento musicale 

e artistico della capitale Enrique muoverà i primi passi da 

interprete e conoscerà i maestri del tempo Don Antonio 

Chacón e Pepe de la Matrona. 

Più ancora delle sue innate qualità, del registro vocale 

e della capacità di affinare il canto, sarà la curiosità e il 

desiderio di imparare e di esplorare nuove strade a offrire 

la chiave del successo al cantante granadino. A differenza 

della spontanea e vulcanica bravura di Camaron, Enrique 

Morente sarà sempre un artista dedito alla ricerca e al 

perfezionamento quasi maniacale della propria opera. 

iL successo 

Il successo non tarda ad arrivare. Già nel 1964 viaggia a 

New York e Washington, l’anno successivo è in tournée 

europea; ingaggiato presso i prestigiosi tablaos Zambra 

e Caffé de Chinitas si guadagna l’ammirazione di un 

pubblico esperto ed esigente. Con il primo premio al 

Festival di Malaga e la pubblicazione del primo album, 

Cante flamenco, arriva anche la notorietà al grande 

pubblico. Gli anni successivi saranno caratterizzati dal 

sodalizio musicale con il chitarrista Manolo Sanlucar che 

gli consentirà di qualificare maggiormente la propria opera 

e lo porterà a concepire ambiziosi spettacoli dal vivo 

come Andalucia hoy nel 1981 o il monumentale El loco 

romantico basato sul Chisciotte de la Mancha presentato 

a Granada nel 1988. Gli anni novanta si apriranno con 

la pubblicazione di Misa flamenca, prima di una serie di 

opere dedicate al conterraneo Federico Garcia Lorca. 

Profili 

Enrique Morente 

l’ultimo profeta flamenco 

S c o m p a r s o a l l ’ e t à d i 6 7 a n n i u n o d e i m a s s i m i e s p o n e n t i 

della canzone andalusa 

di David Valderrama 


13 

iL maestro 

Insieme ai tanti successi personali non va dimenticato 

il grande impegno profuso dall’artista in favore della 

diffusione del flamenco a livello internazionale e del 

sostegno ai giovani talenti. La sua naturale curiosità l’ha 

condotto a esplorare e spingere il flamenco dove nessuno 

aveva mai osato. E l’ha fatto non per compiacere se stesso 

ma perché convinto e della versatilità e della necessità 

di aggiornare il flamenco al proprio tempo. Ad esempio, 

Morente è arrivato a tentare esperimenti stravaganti come 

suonare con la rock band underground dei Sonic Youth o a 

promuovere incontri con musicisti africani e latinoamericani. 

D’altronde, al costante impegno per la ricerca artistica ha 

sempre affiancato una forte propensione alla ribellione. In 

un’occasione andò a cantare a Parigi nella sede dell’allora 

esiliato partito comunista spagnolo, anni dopo accettò di 

cantare di fronte al re Juan Carlos e gli dedicò una canzone 

repubblicana. 

L’ultima intervista rilasciata al settimanale Vanity Fair, poco 

prima di morire, è un commuovente ritratto di Enrique e 

di sua figlia, la cantante Estrella Morente, vera erede del 

cantante andaluso. La morte di Enrique Morente giunge 

a meno di un mese dal riconoscimento del flamenco, 

da parte dell’UNESCO, quale Patrimonio Culturale 

Immateriale dell’Umanità. Un bel congedo per un artista 

che a quest’arte ha dedicato la vita. 

Online www.enriquemorente.com 

Cante flamenco 

Hispavox 

Omega 

Acqua 

Homaje a D. Antonio Chacon 

Emi


Guida minima al TangoTanghi a ritroso 

di Emanuele Enria 

È la vita condensata in tre minuti. C’è chi lo racconta così 

un tango. Una interpretazione estetica della vita, direbbe il 

poeta Horacio Ferrer, magazzino in cui si sono accumulati, 

in azzardoso e tumultuoso stivaggio, esseri umani, stili di 

vita, modi d’amare un dio o un altro, modi di fare il pane, 

l’amore, il commercio e le case. 

origini 

Nato pellegrino tra le rive del Rio de la Plata, mescolando 

nella sua ibridazione, figlia dell’immigrazione di fine 

Ottocento in Sud America, la voce italiana, spagnola, 

tedesca, ebrea, polacca (e qui non si può non prestare 

subito orecchio alla voce rauca e inconfondibile di Roberto 

Goyeneche accompagnata dal bandoneon di Annibal 

Troilo) all’Africa degli schiavi presenti soprattutto in 

Uruguay. È la sua stessa parola a dircelo: tango, come il 

battito delle percussioni, come il suono del tamburo (tangò 

venivano chiamati) nel candombe, come il luogo in cui 

danzavano su questi ritmi (Tangò), fino al nome del Dio 


Xangó, il Dio guerriero secondo il culto afroamericano degli 

Orixa. Senza tralasciare il tango andaluz. Sarà Juan Carlos 

Caceres a rievocare mirabilmente nel suo Tango Negro del 

2003 questa parte negra del tango, ricercandone il suono 

che facevano i tre tamburi, tambor piano, tambor chico, 

tambor repique: borocotò-borocotò-borocotò-chaschás. 

Candombe che diventa milonga, milonga che si tuffa 

dentro il più ampio universo che oggi chiamiamo tango, tra 

generi, stili, nuovi meticciaggi. 

iL bandoneon 

I suoi albori con la voce dei payadores, i cantastorie, 

accompagnati da chitarra, flauto e violino. Il viaggio di uno 

strumento come il bandoneon, creato in Germania intorno 

al 1835, ad opera probabilmente di un tale Heinrich Band, 

per sostituire l’organo delle chiese di campagna, che 

finisce invece nella Pampa, trasportato forse per la prima 

volta da un marinaio brasiliano di nome Bartolo, forse da 

un inglese di nome Moore o semplicemente venduto da un 

immigrato tedesco in una balera. Storie dentro una storia 

che fanno capire perché oggi tango sono anche le parole 

di Paolo Conte, innamorato di queste cavalcate mitiche tra 

il caso, il nome di un perfetto sconosciuto e gli afrori di un 

luogo. È quella sua massima: “Così come la lucertola è il 

riassunto del coccodrillo, il tango è il riassunto della vita”. 

La solitudine della Pampa, i quartieri di Buenos Aires, 

Montevideo danno a uno strumento nato in Germania, 

il bandoneon, la giusta tonalità. Come se il canto 

dell’Europa, ormai imbalsamato nelle sue macerie, avesse 

avuto bisogno di partire ancora una volta per cantare la 

sua nostalgia, che oggi non è più soltanto “un pensiero 

triste che si balla” come lo definiva il più sublime paroliere 

del tango, Enrique Santos Discepolo, ma è anche, e di 

nuovo, ritmo, gioia, sensualità, danza nell’apertura delle 

sue sfumature, dei luoghi in cui il tango si ferma: Giappone 

o Turchia, Inghilterra come Finlandia. E dei generi con cui 

si incontra. 

iL tango 

Per questo è da salutare con gioia l’uscita del libro di 

Elisa Guzzo Vaccarino, Il tango, edito da L’Epos, che 

riesce finalmente a leggerne, grazie alla sua enorme 

competenza come critico di danza, ballerina lei stessa di 

tango, la complessità contemporanea, fornendo quei punti 

di contatto che ancora mancavano per capire come entri 

anche in un balletto di Bejart, di Pina Bausch, nella musica 

elettronica così come nella psicanalisi. 

Gli anni Venti Trenta sono legati alla voce di Carlos Gardel, 

l’usignolo del tango, che incide alcuni dei brani più celebri 

della storia del tango, come Volver, Mi Buenos Aires 

Querido, dando alla sua voce quel qualcosa che Horacio 

Ferrer paragona al chamuyo, termine lunfardo che indica il 

corteggiamento con le parole. 

Si contano qualcosa come millesettecento autori e 

centomila registrazioni, di cui settantamila realizzate 

tra il 1902 e il 1995, prima dell’era digitale. Il rischio 

è che molte di queste vadano perdute: per questo il 

musicista e compositore Ignacio Varchuasky ha costituito 

l’associazione Tango Via (www.tangovia.org) con cui le 

trasferisce da disco in formato digitale contattando i vari 

collezionisti e possessori. 

Se in Europa dici tango, si pensa subito al genio di Astor 

Piazzola, mentre c’è invece tutto un ascolto da percorrere 

tra le grandi orchestre, elaborazione del sexteto tipico 

(bandoneones, violini, pianoforte, contrabbasso) che 

appare dai primi decenni del ’900 in poi e tocca la sua 

epoca d’oro negli Anni Trenta Quaranta: quella di Osvaldo 

Fresedo (e quella chicca che è la versione di Vida mia con 

Dizzy Gillespie alla tromba), Juan D’Arienzo, Rodolfo 

Biagi, Francisco Canaro, fino a quegli autentici giganti 

che sono Annibal Troilo, non a caso maestro anche di 

Piazzola, Osvaldo Pugliese e Carlos Di Sarli. Senza 

tralasciare l'armonica di Hugo Diaz. 

Difficile davvero fare una scelta dentro a un repertorio 

OSVALDO PUGLIESE 

From Argentina to the world 

Emi 

Il pianista Osvaldo Pugliese ci porta 

con la sua orchestra a toccare 

le vertigini della sua epressività 

poliritmica. Cambi di tempo, 

impetuose accelerazioni, pause come 

respiri. Un capolavoro assoluto 

FRANCISCO CANARO 

Poema 

Suramusic 

Musicista autodidatta, nato dal 

nulla, ha sofferto molto riuscendo 

poi a giungere alla vetta con una 

produzione quasi sconfinata. È 

considerato uno dei capisaldi della 

tradizione, con un’orchestra che 

arriva a superare i 50 elementi. 

CARLOS DI SARLI 

100 años 

RCA Victor 

La pura eleganza di un’orchestra 

come questa, tra ritmo e melodia, 

regala le più belle versioni di Bahia 

Blanca, Don Juan, Verdemar 

JUAN D'ARIENZO 

Instrumental Vol. 1 

BMG 

Scoppiettante. Era bellissimo da 

vedere mentre dirigeva come un 

indemoniato il coro di bandoneon 

della sua orchestra. Da ballare, 

camminare, una musica che marca 

il passo con precisione millimetrica 

OSVALDO FRESEDO 

Rendezvous porteno 

Acqua Records 

Uno dei grandi maestri della prima 

generazione, riconoscibile per un 

suono allegro, ritmato, nel suo 

incontro con la tromba di Dizzy 

Gillespie. Una versione di Vida mia 

che rimarrà in eterno. 

Tango 

così vasto. Ringrazio Dario Moffa e 

la sua associazione Essentia (www. 

tangosensibile.it/chi_siamo.php), 

che propone interessantissimi corsi 

di tango e ascolto della musica, per 

aver accettato di “giocare” con me a 

comporre questa selezione. Da abbinare 

alla lettura di: 

Elisa Guzzo Vaccarino, Il tango, 

L’Epos, Palermo, 2010 

ANNIBAL TROILO 

Yo soy el tango 

BMG 


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ANNIBAL TROILO PICHUCO 

ROBERTO GOYENECHE 

El gordo y el polaco 

DBN 

Il bandoneon per eccellenza, quello di Annibal Troilo, 

detto el Pichuco, forse il musicista che più di tutti ha 

saputo far uscire da questo strumento quell’inconfondibile 

lamento, come recita uno dei tanghi più celebri, Quejas 

de bandoneon. Da ascoltare sia con la sua orchestra che 

mentre accompagna la voce grumosa e sotterranea di 

Roberto Goyeneche. 

HUGO DIAZ 

Tangos 

Acqua Records 

L’armonica di Hugo Diaz che 

reinterpreta i più celebri tanghi di 

Gardel, da Volver a Arrabal amargo, 

Melodia de arrabal, Por una 

cabeza. Accompagnata da piano, 

contrabbasso e chitarra è una 

musica che sorprende chiunque ancora non lo conosca. 

ASTOR PIAZZOLLA 

Libertango 

Gold collection 

Una carrelata da brivido dei classici 

piazzoliani. Da Fuga y mysterio, 

Adiós Nonino a Jeanne y Paul, uno 

dei pezzi più belli in assoluto del 

genio di Piazzola. 

JUAN CARLOS CACERES 

Tocá Tango 

Discos CNR 

Il viaggio che compie Caceres da 

anni verso le radici africane del 

tango arriva qui a toccare la parte 

più nera del suo lavoro, grazie 

all’attenzione che dedica alla parte 

ritmica. Non a caso il titolo prende 

spunto dai tamburi del candombe.


E non vi fossero bastati… 

AA VV 

The Tango Lesson 

Sony Classical 

Un modo facile per avere un piccolo 

riassunto di alcuni dei più bei tanghi da 

ballare ed ascoltare. Colonna sonora del 

film Lezioni di Tango di Sally Potter, regala all’ascolto il 

valzer Amor y celos di D’Arienzo, la Yumba di Pugliese, 

Quejas de bandoneón di Troilo e molto altro. 

ASTOR PIAZZOLLA / HORACIO FERRER 

Edición crítica: en persona 

RCA Victor 

La poesia di Horacio Ferrer recitata dallo 

stesso e accompagnata dal bandoneon 

di Astor Piazzolla. Poesia per le orecchie 

e il cuore, oltre che una lezione di musicalità tra voce e 

strumento. 

AA VV 

Sulle rive del tango 

Microcosmodischi 

Una compilation composta di tanghi per 

così dire “involontari”. Il disco è un viaggio 

che inizia da Napoli e tocca le sponde 

dell’America Latina, Sicilia, Sardegna, dei Balcani, ma è 

capace di trovare spunti anche in Norvegia e in Polonia. 

Un viaggio che racchiude esperienze e generi musicali 

molto diversi tra loro. 

RICARDO TANTURI Y SU ORQUESTA TÍPICA 

Tangos de mi ciudad 

BMG 

Pianista, direttore e compositore, la 

produzione di Tanturi è sempre associata 

ai suoi cantanti, in questo caso la voce 

di Alberto Castello. Una piacevolissima carrellata di 

tanghi, milonghe e vals da parte di uno dei maestri della 

tradizione. 

ASTOR PIAZZOLLA / GERRY MULLIGAN 

Reuníon cumbre 

Music Hall 

Il connubio tra Astor Piazzolla e Gerry 

Mulligan è quanto di più straordinario 

potesse produrre l’incontro tra due generi 

musicali: tango e jazz. Ne nasce una musica che affonda, 

all’interno di due voci così importanti come quella del 

bandoneon e del sax baritono, il tango dentro il ritmo 

sincopato del jazz, senza tralasciare gli impeti sonori di 

uno Stravinskij 


RODOLFO BIAGI 

La Orquesta Y Sus Cantores 

Emi 

Un altro maestro della tradizione. La 

semplicità delle melodie al suo massimo 

livello, meravigliosi sono i suoi vals. 

Inconfondibile il suo piano che dialoga con l’orchestra, un 

vero ballo tra gli strumenti. 

ENRIQUE RODRIGUEZ 

Tangos con Armando Moreno 

Emi 

Ha una grandissima produzione. Quella con 

Armando Moreno sembra rappresentare 

al meglio il suo timbro, la sua sonorità, 

un’orchestra all’unisono incentrata sulla melodia degli 

strumenti e la voce del cantante. 

GOTAN PROJECT 

La revancha del Tango 

XL, 

Inutile negarlo. C’è un prima e dopo Gotan 

Project. Un autentico rinnovamento del 

tango attraverso la musica elettronica 

attuata da un gruppo di musicisti, quasi 

tutti residenti a Parigi, che ha dimostrato che si poteva 

riesplorare l’intero repertorio del tango e le sue radici con 

un linguaggio nuovo. 

DANIEL MELINGO 

Santa Milonga 

Mañana 

Inconfondibile la voce di Melingo. Il suo 

Narigon è una delle milonghe più eccitanti, 

africane, suburbane. Ma è tutto l’album 

a disegnare una perfetta ricerca tra la 

sonorità urbana, il ritmo africano e l’uso del lunfardo nel 

cantato. 

TITA MERELLO 

Milongón Porteño, da Grandes del Tango 40 

Pattaya 

Una delle figure femmili più importanti 

e rappresentative dei primi decenni del 

Novecento (che ha vissuto fino in fondo, 

essendo morta solo nei primi anni del Duemila) a Buenos 

Aires. Attrice e cantante, la sua è un’interpretazione quasi 

giocosa, gorgheggiante, di tanghi in cui c’è sempre chi 

scappa, si lamenta o si vanta. Come nella milonga Se 

dice de mi, dove per una volta a giocare la parte dello 

“spaccone” è una donna. 

Wilfried Krüger 

Uno dei primi giorni di luglio del 2009 Pina Bausch se ne 

è andata all’improvviso. La sua compagnia, il Wuppertaler 

Tanztheater, silenziosamente preparata a quel momento, 

ha continuato con grande amore e coraggio a portare in 

giro per il mondo l’universo bauschiano: “..Certe cose si 

possono dire con le parole, altre con i movimenti. Ma ci 

sono anche dei momenti in cui si rimane senza parole, 

completamente perduti e disorientati, non si sa più che 

fare. A questo punta comincia la danza, e per motivi del 

tutto diversi dalla vanità… Si deve trovare un linguaggio 

– con parole, con immagini, movimenti, atmosfere – che 

faccia intuire qualcosa che esiste in noi da sempre”, aveva 

detto la stessa Pina Bausch durante il discorso per la 

laurea ad honorem assegnatale dall’Università di Bologna 

nel 1999. 

iL metodo 

Dopo i primi lavori ancora legati al linguaggio della danza 

tradizionale (e comunque già straordinari), con una musica 

che ha una storia da raccontare (Ifigenia in Tauride, Orfeo 

ed Euridice, le Sacre du Printemps) svilupperà, dal 77’ in 

poi, il suo celebre metodo di improvvisazioni che nascono 

da domande, tante domande, evocazioni, che ad ogni 

nuova creazione, pone ai suoi ballerini: di che cosa hai 

paura? Che cos’è la primavera? Tenerezza. Presentati. 

Cosa fai quando ti piace qualcuno? A cui ogni ballerino 

risponde con parole e gesti, consegnando parte del suo 

vissuto personale a Pina. Solo lei sa dove vuole arrivare 

ogni volta. “...Le domande che poniamo ci conducono 

a esperienze che sono molto più antiche, che non 

appartengono soltanto alla nostra cultura e al qui e ora. È 

come se ritornasse a noi una conoscenza che da sempre 

ci appartiene, ma della quale non siamo più consapevoli 

e contemporanei. Ci fa ricordare qualcosa che è comune 

a tutti noi”. La musica è parte di questa scatola magica, 

deve evocare paesaggi, sentimenti, stati d’animo. Non è la 

stessa dall’inizio delle prove fino allo spettacolo compiuto, 

ma va componendosi pian piano, per assemblaggio, 

montaggio, estrazione di tutto il materiale sonoro che è 

stato raccolto. Questo significa che i ballerini non provano 

su una musica già stabilita, ma che musica e danza sono 

come due compagni che si cercano e si scoprono nel 

tempo della creazione. 

un incontro 

Mi è sembrato doveroso rendere un piccolo omaggio a Pina 

Bausch andando ad incontrare Matthias Burkert e Andreas 

Eisenschneider durante il passaggio del Wuppertaler 

Tanztheater a Montecarlo, nel mese di dicembre, mentre 

riportava in scena Cafè Muller, creato nel lontano 1978, 

il solo dove Pina Bausch abbia anche danzato, e Le 

Sacre du Printemps. Sono loro i volti che hanno dato ad 

ogni spettacolo le musiche: un lavoro da antropologo, 

musicologo, artigiano, artista. Un autentico viaggio nelle 

musiche del mondo, soprattutto da quando la compagnia ha 

iniziato a lavorare su invito nei vari paesi, creando spettacoli 

ispirati ai luoghi: come Viktor a Roma, Palermo Palermo, 

Wiesenland all’Ungheria, Masurca Fogo a Lisbona, Agua 

al Brasile, Nefés alla Turchia, e ancora. 

Tango 

I tanghi di Pina 

U n p i c c o l o v i a g g i o t r a l e m u s i c h e d e g l i 

spettacoli di Pina Bausch e il suo 

Wuppertaler Tanztheater 

di Emanuele Enria 


17 

un pò di tango 

Dentro questa ampissima scelta, mi piace ricordare 

quanto il tango sia stato un “luogo” preferenziale (a cui 

ha anche dedicato un intero spettacolo, Bandoneon) 

in cui Pina Bausch ha esplorato la possibilità di incontro 

tra individui, tra uomo e donna, attraverso un codice 

di gesti, camminate, abbracci. Nel 1978 porta in scena 

Kontakthof, un lavoro che riproporrà poi nella versione 

con intepreti di età over 60 e in una terza versione con 

ragazzi sotto i 18 anni, documentata poeticamente nel 

recente documentario Les reves dansant di Anne Linsel 

et Rainer Hoffmann (e a breve da un lavoro più ampio di 

Wim Wenders). Rimangono, come in un film di Fellini, quei 

motivetti di tutto lo spettacolo. La melanconica melodia 

estratta dal film il Terzo Uomo di Carol Reed e composta 

da Anton Karas, suonatore di zither. O i tanghi tedeschi 

di Juan Llosas, come Oh, Fräulein Grete, Blonde Claire... 

Ascoltandoli, sembrerà di entrare sempre in quel mondo 

che ci ha regalato Pina Bausch, dove anche una semplice 

carezza è già danza. 

Online www.pina-bausch.de/en/index.php 

www.juanllossas.de/Discher%20CD1.htm 

Angelos Giotopoulos


"Borocotó, borocotó, chas chas,… Tango negro, tango 

negro, los tambores no suenan más,… los gringos fueron 

cambiando tu manera de bailar". In questi versi ritmati 

di Tango Negro, brano lievemente ritoccato per il nuovo 

album No Me Rompas Las Bolas, c’è tutta l’essenza e 

l’estetica dell’audace ed eretico progetto del poliedrico 

Juan Carlos Cáceres, pianista, trombonista, compositore, 

cantautore e leader del Tango Negro Trio che punta: 

primo, a dimostrare la facciata invisibile del tango, quella 

nera, dimenticata, con il tambor africano in cattedra 

(omaggiato anche in Suena el tambor e Toca tango, 

tracce 1 e 13) scomparso, assieme ad altri elementi con 

l’estinzione della popolazione afroargentina, e sostituito 

da tonalità e timbriche occidentali (dei gringos = europei) 

come recitano i versi suddetti; secondo, a valorizzare altri 

protagonisti della regione rioplatense, tra Buenos Aires e 

Montevideo, come murga, candombe, milonga, habanera, 

musiche europee e il rapporto che intercorre con le altre 

espressioni popolari afro-americane. 

iL tango negro 

Il terzo CD appena pubblicato – davvero dirompente, fin 

dal titolo, a quattro anni di distanza da La Vuelta del Malon 

e a sei da Tango Negro Trio - colpisce più che mai il centro 

del bersaglio estetico che l’artista argentino, residente a 

Parigi dal 1968, va ricercando da molto tempo. E stavolta 

il maestro Cáceres scuote sia i tangueros più ortodossi, sia 

la moltitudine di semplici appassionati o musicisti (tra cui 

anche tanti cultori di sound latino, credetemi), gente che 

non aveva mai saputo di altre verità o conoscenze sul tango 

oltre quelle imperanti e inossidabili ricevute attraverso il 

mito di Carlos Gardel, Osvaldo Pugliese, il nuevo tango 

del bandoneonista Astor Piazzolla, quello elettronico dei 

Gotan Project, eccetera. Così il tango, che un tempo parlò 

e ritmò mandinga, congo e mina, l’indomabile e combattivo 

cantautore - oltre che jazzista - porteño lo fa nuovamente 

rivivere in queste quindici coinvolgenti tracce mediante 

l’originale racconto storico-sociale, cantato e musicato 

in chiave milonguera (il punto di partenza dei suoi viaggi) 

e incrociato con altri linguaggi. Una specie di itinerario 

sonoro camaleontico, in cui è facile perdersi perché l’opera 

si trasforma di continuo, assorbendo le diverse modalità 

ritmico-melodico-armoniche imbarcate lungo la infinita 

navigazione del Tango Negro Trio, che arriva a toccare le 

foci caraibiche dova sbocca il Mississippi con le tinte jazz 

del trombone di Cáceres intersecate dall’accordeon nella 

malinconica Camila (tr.11). 

i caraibi 

Difficile a volte stabilire i punti di confine dell’indagine 

musicale, ma la sintassi, gli accenti e i ritmi incorporati nel 

Hace unos meses decidimos emprender la realizacion del 3 CD del TANGO 

solido concetto milonguero che si distaccano NEGRO TRIO. A con la iniciativa un y bajo la ruolo 

supervision de Hideto “Panchito” 1 Suena el tambor 

3.53 

Nishimura, desde Japon una nueva experiencia. 

2 Mandinga milonga 

4.05 

Con nuevos temas y algunos clasicos de nuestro repertorio. 

3 No me rompas las bolas 4.43 

importante in questo progetto provengono Siguiendo con la dalla propuesta de la reivindicacion scuola de los ritmos olvidados, 4 La Maga 

3.15 

nuevos sonidos y una fuerte impronta milonguera han mantenido latente 5 Paso el tiempo 

4.24 

la linea comenzada hace anos en pro de hacer conocer un repertorio inedito 

afrocubana, con i cicli ritmici di clave, di cascara rumbera 

6 Que milonga mi amor 3.48 

en el ambito de la musica rioplatense. 

7 En Paris me quedo 

4.15 JUAN CARLOS CACERES 

El tango, la milonga, la habanera, la murga, y el candombe representan las 

8 Quemaste todo (solo piano) 2.20 MARCELO RUSSILLO 

formas emblematicas de la cultura urbana de Buenos Aires y Montevideo, 

e montuno. Figurazioni e concetti che el trio TANGO esercitano NEGRO TRIO se siente comprometido una con esa estetica. 

9 Tango negro 

3.50 CARLOS el tero BUSCHINI 

Quiero agradecer la participacion de Melingo, Tero, Marcelo, Javier, Olivier, 10 Sudacas 

3.30 feat 

Natalio, Martin y Alejandrito. musicos comprometidos en la difusion de 11 Camila 

4.29 Javier Girotto 

sorta di dittatura nella musica popolare nuestra cubana, musica en el mundo. poi, per 

12 Murga cruel 

3.06 David Pecetto 

J C Caceres. 13 Toca tango 

2.51 Olivier Manoury 

estensione, nell’afrocuban-jazz (oggi latin jazz), modalità 

14 La Pulpera de Santa Lucia 2.46 Alejandro Caraballo 

info & comments 

bonus track 

Martin Bruhn 

+39- 437 - 434 8130 

15 Plaza de Mayo 

4.10 Natalio Mangalavite 

tangonegrotrio@gmail.com 

adottate anche da altre scuole afrolatine e non solo. E 

www.myspace.com/tangonegrotrio 

Titolo No Me Rompas Las special guest Bolas 

DANIEL MELINGO 

booking europe 

contact for Asia 

ora questi elementi di grammatica musicale www.cultureworks.at afro-latino- 

NPO Tiempo Iberoamericano Japan Etichetta Felmay / Egea 

+ 43 - 664 -5132367 

ph 81-92-762-4100 fax 81-92-762-4104 

All tracks Buschini / Caceres 

except 9,10,11,12,13 Caceres; 8,15 Buschini; 14 Maciel / Blomberg 

+43 - 1- 5223522 

santiago@tiempo.jp www.tiempo.jp 

caraibica si ritrovano spesso a condurre le Felmay Felmay • strada onde • strada •Felmay strada roncaglia roncaglia • strada 16 • 15033 16 16 roncaglia • 15033 •ritmiche 15033 san germanoAL san 16san •germanoAL 15033 germanoAL san • italy germanoAL • italy • italy • italy 

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FELMAY FELMAY 

FELMAY 

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FELMAY FELMAY 

www.felmay.it 

• italy 

FELMAY 


Daniel Melingo courtesy Mañana 

recorded at 

4ur studio - Angera Italy by Davide Primiceri 

Orfeo studio - Buenos Aires, Argentina by Edgar Gonzales 

mixed & mastered at 

R&R studio - Civitavecchia Italy by Max Rosati 

supervision by Hideto panchito Nishimura 

cover image Juan Carlos Caceres 

photos Francesco Truono 

produced by Tango Negro Trio & Ass. Cult. Musica dei Popoli 

ph.+39 ph.+39 0142 0142 50577 0142 ph.+39 50577 fax +39 0142 fax fax 0142 +39 50577 +390142 50780 0142 fax 50780 +39 50780 info@felmay.it 0142 info@felmay.it 50780www.felmay.it info@felmay.it www.felmay.it 

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No Me Rompas 

Las Bolas 

Tango Negro Trio 

di Gian Franco Grilli 

di No Me Rompas Las Bolas. Un disco che suona diverso 

da quelli precedenti, che miscela con equilibrio il sound 

serioso del tango con l’allegria caraibica, in modo marcato 

e in modo sorprendente per il sabor gioioso di Girotto (di 

solito il suo linguaggio è più triste, ma stupendo) con la 

vibrante voce del sax baritono che contrappunta il canto 

nel cadenzato calypso-son di Que Milonga mi amor (tr. 6). 

Latin jazz 

Che dire ancora, che il timoniere Cáceres va avanti con la 

forza di un fiume in piena che a mio avviso lo porta dritto 

e in modo deciso nel comparto molto variegato del jazz 

latino, e in cui i progetti di Tango Negro Trio meritano di 

stare e per le ragioni poc’anzi descritte, e per le strutture 

jazzistiche disegnate dal piano del leader, e per le articolate 

spirali e i ricami dell’inconfondibile sassofonista Javier 

Girotto, e per il solido groove del multipercussionista 

uruguaiano Marcelo Russillo e del bassista Carlos “el tero” 

Buschini, binomio fisso della band che si destreggia alla 

grande tra le più diverse sonorità del mondo. Un esempio, 

tra i tanti, che tutti possiamo ascoltare qui, è il raffinato 

incastro ritmico creato con due diversi disegni di cascara 

(tipico della rumba), volta a sollecitare l’elegante piano e a 

stimolare la narrazione vocale che guida Sudacas (tr.10), 

composizione dedicata agli argentini, cileni e uruguaiani 

esiliati in Spagna (ma non solo) negli anni Settanta, quando 

il “Sudamerica era triste e stava piangendo”. 

Per concludere. Alla realizzazione di questo album hanno 

contribuito numerosi ospiti di ottimo livello, tra i quali, oltre 

al già citato Javier Girotto, l’eccellente improvvisatore e 

bandoneonista David Pecetto e l’ex rocker, polistrumentista, 

Daniel Melingo, oggi considerato il moderno ambasciatore 

del tango-canción con vocalità che scende tra i registri più 

profondi, virile, un artista che ricorda un po’ Tom Waits e 

Nick Cave. 

Unico neo di questo affascinante disco (altrimenti 

sarebbe perfetto) è la mancanza di un booklet, con i testi 

e qualche dettaglio informativo in più, sul tango negro e 

sulla distribuzione degli strumenti impiegati nei vari pezzi. 

La completezza ci aiuta a saperne di più su sonorità che 

meritano di essere riscattate, e che speriamo altri giovani 

sappiano poi continuare le ricerche dell’ultrasettantenne 

pianista e cantante argentino che piace a buona parte del 

pubblico nostrano per la somiglianza con Paolo Conte, ma 

se la mettiamo così ogni tanto spunta anche il Bongusto 

che fa Fred! 

P Felmay 2009 

P Felmay 2009 

P Felmay 2009 

Tango Negro Trio No Me Rompas Las Bolas fy 8175 

P Felmay 2009 

fi le under 

tango negro trio 

italy 

world music 

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info@felmay.itwww.felmay.it P Felmay 2009 

P Felmay 2009 

PP Felmay Felmay 2009 2009 

P Felmay 2009 

P Felmay 2011 


P Felmay 2009 

special guest 

DANIEL MELINGO speaking voice 


JUAN CARLOS CACERES piano, voice, trombon 

MARCELO RUSSILLO drums, percussion 

CARLOS el tero BUSCHINI bass 

feat 

Javier Girotto sax 

David Pecetto bandoneon, accordeon 

Olivier Manoury accordina 

Alejandro Caraballo bombo murguero 

Martin Bruhn cajon 

Natalio Mangalavite choir 


No Me Rompas Las Bolas 

8175 digipack.indd 1 18-11-2010 18:27:18 


19


NOA CANTA NAPOLI 

Intervista alla cantante israeliana simbolo del pacifismo internazionale 

di David Valderrama 

Noa, al secolo Achinoam Nini, è una delle cantanti più celebri d’Israele e contemporaneamente una delle artiste di fama 

internazionale più impegnate in favore della causa del popolo palestinese. Lo confermano il suo costante impegno in 

favore della Pace e le sue tante dichiarazioni che lancia costantemente dal suo blog. Per questo ha ottenuto grandi 

riconoscimenti internazionali e nel 2007 il Presidente della Repubblica Napolitano l’ha insignita del Cavalierato della 

Repubblica. 

Nata a Tel Aviv da una famiglia di origini yemenite è cresciuta tra New York - dove attualmente vive insieme al marito e ai 

tre figli - e Israele, dove a diciassette anni si trasferì per prestare servizio militare. Dotata di una voce vellutata e cristallina 

e di una genuina quanto instancabile volontà di sperimentare e conoscere culture, stili, generi, ha all’attivo tredici dischi in 

studio e una infinità di collaborazioni. La sua carriera artistica è legata a doppio filo con quella del compositore, arrangiatore 

e produttore israeliano Gil Dor. E a giudicare dal successo ottenuto Gil è un vero e proprio portafortuna. 

Nel 1997 debutta in Italia prestando la sua voce nella canzone portante della colonna sonora del film La vita è bella di 

Roberto Benigni e nel 2006 partecipa al Festival di Sanremo in duo con Carlo Fava, ottenendo il Premio della Critica. 

Oggi, quasi a restituzione del calore e l’affetto che il pubblico le ha sempre riservato nel nostro Paese, torna con un nuovo 

incantevole album: Noapolis. Un’opera che da prova della disinvolta versatilità che da sempre la contraddistingue e che l’ha 

portata a studiare con rigore il vernacolo partenopeo. Il disco è un vero e proprio tributo alla canzone classica napoletana e 

include brani indimenticabili come, tra gli altri, Era de maggio e Torna a Surriento. Gli arrangiamenti, a firma di Gil Dor e dei 

napoletani Solis String Quartet, sembrano un vestito di seta confezionatole su misura. 

L’abbiamo raggiunta a poche settimane dall’uscita italiana del disco ed è emersa una conversazione a tutto tondo sulla sua 

musica, sugli affetti ma anche sulla questione mediorientale e sulla necessità di uno scatto d’orgoglio per la bella Napoli… 

Ai tanti riconoscimenti artistici ricevuti si sono anche 

aggiunte numerose onorificenze pubbliche per il tuo 

impegno in favore della Pace e il dialogo interreligioso. 

In particolare, nel 2007, il Presidente Giorgio Napolitano, 

ti ha insignita del Cavalierato della Repubblica. Cosa 

comporta un simile impegno? 

Sono molto orgogliosa di essere Cavaliere della 

Repubblica italiana. L’Italia è diventata da oltre quindici 

anni la mia seconda casa, amo profondamente il vostro 

Paese e la vostra cultura. Detto questo, devo dire che i 

riconoscimenti non sono così importanti per me. É più 

importante la mia attività e il mio impegno. Mi onora 

sapere che attraverso il mio ruolo di artista possa catturare 

l’attenzione della gente per cercare di trasmettere quelle 

idee e quei valori in cui credo... 

Credo nell’importanza della comunicazione e della 

compassione, nel sogno della pace e nella strada da 

imboccare per raggiungerla. 


La tua partecipazione, nel maggio del 2009, al 54° 

Eurofestival come rappresentante di Israele e le tue 

dure prese di posizione contro Hamas sono state 

accompagnate da dure critiche da parte di esponenti 

del mondo arabo e del pacifismo israeliano. Come 

rispondi a queste prese di posizione? 

Sono molto orgogliosa di aver partecipato all’Eurofestival 

insieme alla mia collega israelo-palestinese Mira Awad. 

La nostra canzone, There must be another way, ha 

avuto un forte impatto su migliaia e migliaia di persone 

in tutto il mondo e tantissime sono le lettere ricevute di 

apprezzamento e sostegno. Per quanto riguarda la mia 

posizione su Hamas posso dire che sono e resto contro 

Hamas rimanendo una grande sostenitrice della necessità 

di aiutare il popolo Palestinese nella sua missione per 

l’Indipendenza, l’autodeterminazione e la pace. Se credete 

potete leggere sul mio blog un mio intervento intitolato 

“alcuni chiarimenti sulla mia infamante lettera durante la 

guerra di Gaza del 2009”. Credo che lì troverete le risposte 

a questa domanda. 

Sarei felice se voleste leggere altri articoli del mio blog, 

anche più recenti, come “life” o “an important petition..” 

Parliamo del tuo nuovo album, Noapolis. Com’è nata 

l’idea di interpretare i grandi classici della canzone 

napoletana? 

Ho incominciato a cantare canzoni napoletane tanti 

anni fa, chiudendo alcuni concerti in Italia. La prima 

canzone che ho arrangiato insieme a Gil Dor è stata 

Torna Surriento, si sono poi aggiunte I’te Vurria Vasà e 

Santa Lucia Lontana. É stato un modo per ringraziare 

il pubblico italiano per l’affetto e il supporto che ci 

dimostrava ad ogni esibizione. La reazione del pubblico 

è stata straordinariamente positiva. Alcuni anni più tardi 

abbiamo ricevuto una proposta da Caserta per dare vita 

a un progetto su canzoni napoletane in compagnia del 

Solis String Quartet con cui stavamo già lavorando. Il 

quartetto Solis ha quindi arricchito il nostro repertorio 

con altre canzoni e con degli arrangiamenti meravigliosi. 

Gil Dor aggiunse nuovi arrangiamenti e tradusse i brani 

in ebraico, così nacque il disco Napoli - Tel Aviv. Ora, 

finalmente, abbiamo registrato le canzoni in dialetto 

napoletano originale e il risultato, Noapolis, è davanti a 

voi. 

Come ha fatto una madrelingua inglese a diventare 

una perfetta “scugnizza” napoletana capace di 

interpretare alla perfezione brani come I’te Vurria 

Vasà o Torna a Surriento? 

Grazie assai! Beh, innanzitutto ricordo che sono una 

madrelingua inglese che parla un ebraico dal background 

yemenita! Quindi un mix di culture è già nel mio DNA. A 

parte questo, ho un buon orecchio musicale capace di 

cogliere le sfumature del linguaggio e ottimi amici come 

Solis, Pompeo Bennincasa, Lauro Attardi, Massimo 

Torrefranca e tanti altri che mi hanno aiutato a migliorare 

il mio dialetto, tutt’altro che perfetto. Ma, al di la di tutto, 

sono l’amore e il rispetto ad avermi aiutato. Ai miei occhi 

sono questi gli elementi più importanti. Il grande amore 

e il profondo rispetto che nutro per queste canzoni, per i 

loro creatori, per la gente di Napoli e dell’Italia intera. 

Il tuo legame con Napoli parte da lontano, nel 2006 hai 

pubblicato Napoli-Tel Aviv. Cosa unisce il mezzogiorno 

d’Italia alla cultura ebraica? 

Tantissime cose.. L’essere entrambi di piccole dimensioni, 

con una popolazione non troppo grande che ha patito per 

le guerre, le conquiste e altre tragedie come la povertà, 

l’oppressione e le epidemie rimanendo sempre ottimisti. 

Uno spirito che rifiuta la morte! Si tratta di genti che hanno 

dovuto emigrare, attraversando il mare alla ricerca di un 

futuro migliore e che hanno conservato ostinatamente la 

propria cultura ovunque la vita li portasse, arricchendo 

quelle società che li accettava. Quell’inguaribile 

romanticismo, quella nostalgia per la propria Patria e quel 

raro senso dell’umorismo che si sviluppa dalla sofferenza. 

Tutto questo unisce le nostre culture. 

Oltre alla presenza del tuo inseparabile amico e 

musicista Gil Dor, in questo album collabori con il 

quartetto napoletano Solis String Quartet. Raccontaci 

di questo sodalizio… 

I Solis sono degli incredibili musicisti e delle persone 

meravigliose. Il loro stile è inimitabile. Loro ci hanno 

proposto una selezione di canzoni stupende che non 

conoscevamo prima. Insieme a loro abbiamo scelto il 

repertorio che più ci interessava e, insieme a Gil, hanno 

fatto degli arrangiamenti unici e meravigliosi. 

Noa 


21 

Parliamo di Napoli. L’emergenza rifiuti, i numerosi 

scandali, la mala vita organizzata hanno ammaccato 

l’immagine di questa città. Credi che la musica possa 

contribuire al suo riscatto? E come? 

La musica, come ogni arte, è l’elevazione dello spirito 

sopra la materia. È il culto della bellezza, della purezza, 

dell’integrità e dell’indipendenza espressiva. Di certo 

il popolo di Napoli ha bisogno ora più che mai di tutto 

questo. Ma, al tempo stesso, invito il popolo di Napoli, a 

me tanto caro, a prendere il proprio destino in mano senza 

lasciarlo a quelle forze che minacciano di distruggere 

questa stupenda città. 

L’anno scorso è nata Yum, la tua terza figlia. É difficile 

conciliare la vita familiare con gli impegni lavorativi? 

Si, è molto difficile ma fortunatamente sono circondata 

da tante persone che mi aiutano: da mio marito, ai miei 

genitori, ai colleghi e gli amici. Per i miei bambini darei 

volentieri la mia vita.. 

Diamo spazio ai sogni nel cassetto. Quali sono i 

progetti o le collaborazioni che vorresti realizzare in 

futuro? 

In realtà è molto semplice. Il mio desiderio è di continuare 

a produrre musica e di farlo sempre con il cuore, di vedere 

crescere i miei figli sani e felici e di poter essere presente, 

cantando, al momento della firma ufficiale del trattato di 

Pace tra Israele e Palestina. Inshallah! 

Prima di congedarci ci racconti qualche aneddoto 

della tua carriera? 

Ce ne sono tanti... Quello che posso dirvi è che sono stata 

molto fortunata al di la delle mie personali convinzioni e 

che fino ad ora la mia vita è stata molto interessante e 

piena di amore e di avventure. Per saperne di più dovrete 

attendere la mia biografia ufficiale che la casa editrice 

Rizzoli sta preparando e che verrà pubblicata alla fine 

dell’anno. 

Titolo Napoli - Tel Aviv 

Etichetta Sud Music / Egea 

Online www.noasmusic.com

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JUAN CARLOS CACERES piano, voice, trombon 

MARCELO RUSSILLO drums, percussion 

CARLOS el tero BUSCHINI bass 

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Javier Girotto sax 

David Pecetto bandoneon, accordeon 

Olivier Manoury accordina 

Alejandro Caraballo bombo murguero 

Martin Bruhn cajon 

Natalio Mangalavite choir 

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9 

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19 


Cuba Dakar 23 

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The Bollywood Brass 


Band 

«Il mio lavoro di ricerca si 

Chaiyya Chaiyya 

1 

radica profondamente nel mio 

patrimonio culturale. Sono 

estremamente 2 affascinato dalla 3 

vitalità della cultura popolare 

argentina» 

4 

Trombe e sassofoni, le melodie 

degli hits attuali e classici della 

5 6 

filmografia di Bollywood, la voce di 

Rafaqat Ali Khan. Un piacere. 

FELMAY 

Felmay Juan • strada roncaglia Carlos 16 • 15033Caceres san germanoAL • italy 

Mamud Band 

thiopiques 

La tradizione musicale irlandese 

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interpretata in un modo originale 

di origini spagnole. Una serie di 

20 ed innovativo. 21 22 23 brani 24 originali nel più puro 25 stile 

flamenco. 

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Ustad Shujaat Husain 

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Dil 8 

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Nuovo CD del più comunicativo 

ed affascinante musicista del Nord 

India di oggi. 

Emin Yagci 

Tulum 

A sound from the Black Sea 

Uno dei pochi, se non l'unico, CD 

Da Samarcanda a Costantinopoli 

11 disponibile 12 sul nostro mercato 13 14 15 

che illustra la musica del Tulum, 

Brani della Tradizione Classica 

cornamusa del Mar Nero. Una 

Ottomana e Persiana interpretati 

piccola scoperta. 

da un ensemble arricchito dalla 

voce di Sepideh Raissadat 

Opposite People 

17 

The Music of Fela Kuti 

11 classici del compositore 

nigeriano in versioni originali, 

sorprendentemente fresche 

Birkin Tree 

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vol. 7 - Mahmoud Dopo le Ahmed intense esplorazioni & Songs del 

Erè mèla mèla repertorio 1975 balcanico i Tri Muzike 

coniugano in questo vol. nuovo 13 - CD The la Golden 

vol. 8 - Swinging tradizione Addis dell’Est con Seventies quella - della Ethiopian Groove 

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BLACK HISTORY IN ACTION 

FESTIVAL MONDIAL DES ARTS NEGRES 

testo di Mauro Zanda 

foto di Joelle Caimi 

«Questo festival è la celebrazione di ciò che siamo oggi in quanto africani e figli della diaspora, ma anche un simposio su 

ciò che saremo tra 20 o 30 anni. This is history in action». 

Non teme i toni enfatici il drammaturgo afro-britannico 

Kwame Kwei-Armah - coordinatore artistico del Festival 

Mondial des Arts Negres - nel tracciare un profilo storicista 

dell’attesa terza edizione. L’epocale kermesse panafricana, 

dopo 44 anni, è tornata infatti lo scorso dicembre nel luogo 

in cui venne originariamente concepita dal presidentepoeta 

Leopold Sedar Senghor: Dakar, Senegal. Sette 

miliardi di euro spesi, 6000 artisti coinvolti, delegazioni 

provenienti da 80 paesi del mondo. Un evento sontuoso, 

non c’è dubbio. A ben guardare, non solo in termini storici 

o numerici; rappresentazione ipertrofica e ambiziosa 

di un’Africa differente, fiera e programmaticamente 

“rinascimentale”. 

Per questo ritorno in grande stile, la rassegna ha scelto 

infatti uno sguardo contemporaneo, legato con orgoglio alle 

proprie radici, ma rivolto senza troppa nostalgia alla forza 

propulsiva del qui e ora africano. Un fermento culturale, 

artistico e in parte economico, che per molti prefigura 

ormai un autentico rinascimento. Uno sguardo rivolto 

scientemente all’intera diaspora, sorta di internazionalismo 

nero che ha visto coinvolti anche artisti e intellettuali cubani, 

afro-americani e brasiliani; quest’ultimi ospiti d’onore di un 

Les Go de Koteba 

Festival che – tra le altre cose – anticipava l’apertura del 

Centro de Música Negra a Salvador de Bahia, prevista per 

luglio 2011. 

È un carattere inscritto nel suo Dna sin dalla prima edizione, 

1966, che ospitava Duke Ellington, Clementina de Jesus 

e il grande capoeirista bahiano Mestre Pastrinha; così 

come nella seconda, FESTAC 77 a Lagos, che vide tra i 

suoi protagonisti Stevie Wonder e Gilberto Gil. Altri 

due aspetti rilevanti sono stati il taglio multidisciplinare, 

e la dislocazione multifocale. Fedele alla sua vocazione 

universalista, la kermesse ha inteso infatti raccontare la 

contemporaneità delle arti nere nella sua accezione più 

ampia. E così, accanto al potentissimo vettore musicale, 

hanno goduto di piena cittadinanza anche moda, 

letteratura, poesia, cinema, design, arte visuale e urbana, 

architettura tradizionale, artigianato, danza, teatro, nuove 

tecnologie e sport (con la mitica lotta senegalese in prima 

fila). Una giostra d’espressività nera a 360°, completamente 

gratuita, che non poteva che prender forma secondo una 

disposizione a macchia di leopardo che ha invaso tutta la 

città, ma anche la vicina Isola di Gorèe e la celeberrima 

Saint Louis, località turistica a circa 4 ore a Nord di Dakar. 

10 PRIMAVERA 2011

24 Mondomix.com / 360° 

Per ovvie ragioni di sintesi, in questa sede ci limiteremo a 

menzionare solo i luoghi principali che hanno animato le 

tre settimane: in primis la Place de l’Obélisque nel quartiere 

popolare della Medina dove - dal principe mandingo Salif 

Keita al giovane Seun Kuti, passando per il pioniere del 

reggae africano Alpha Blondy - si sono alternati tutti o 

quasi i grandi nomi della musica africana; con il pieno di 

presenze (oltre 100.000) fatto registrare durante la sera del 

29 dicembre, che ha sfoderato una micidiale coppia d’assi 

come Youssou N’Dour (nato proprio a Medina), e il profeta 

del conscious reggae Tiken Jah Fakoly, tornato a Dakar 

dopo circa due anni e mezzo d’interdizione, all’indomani 

di una controversia con le autorità senegalesi che ha finito 

per etichettarlo persona non grata. 

In mezzo a tanta grandeur, il pubblico - appassionato e 

partecipe come non ci capitava di vedere da tempo – ha 

inevitabilmente incarnato un meraviglioso spettacolo in sé: 

giovani e giovanissimi fan pronti a cantare ogni strofa, a 

ballare ogni singolo passo di danza, a godere fino all’ultimo 

respiro quei benedetti giorni di festa. Un misto di gioia, 

sfogo ed esuberante follia che non si è mai tradotto in un 

attimo di tensione, sempre alimentato piuttosto dall’amore 

smodato di chi, da troppo tempo, conosce figure di 

riferimento sempre e solo in ambito musicale. 

Altro luogo cardine attorno al quale si sono tenuti concerti, 

mostre e performance di danza tradizionale è stata la 

Maison de la Culture Douta Seck, anch’essa a Medina; 

in particolare val la pena segnalare un paio di eventi: 

lo spettacolare contest di danza e percussioni sabar e, 

soprattutto, la strepitosa installazione audio/video sulla 

storia della musica nera curata dai nostri fratelli maggiori 

di Mondomix Francia; un percorso interattivo che muoveva 

dalle icone nere di ogni tempo e luogo, raccontava nel 

dettaglio la musica africana (attraverso una scelta di tipo 


geografico e antropologico), e approdava infine in un 

non-luogo animato dai frutti prelibati dei sincretismi afrodiasporici. 

Un excursus altamente suggestivo pensato e 

realizzato in sinergia con i partner senegalesi e brasiliani, 

che si trasferirà presto armi e bagagli proprio nel nascente 

Centro de Música Negra a Salvador de Bahia. 

Impossibile non citare poi la Biscuiterie nel quartiere Grand 

Dakar, ex fabbrica di biscotti riconvertita in stile berlinese a 

centro polifunzionale underground, con ristorante, musica 

e mostre permanenti. Proprie queste ultime - al di là dello 

spazio musicale, trasformato durante le tre settimane in 

una vetrina sui nuovi stili urbani, comprese performance di 

slam poetry – hanno rappresentato la principale attrattiva 

del posto: afro-design da adattamento creativo, visual arts, 

esposizioni fotografiche e brillanti installazioni letterarie 

hanno di fatto costituito l’epicentro culturale dell’intero 

Festival. Che però prevedeva anche l’area cinema a Place 

du Souvenir lungo la Corniche ouest, e un importante stage 

musicale presso il Monumento de la Renaissance Africaine, 

totalmente appannaggio dei Black Virtuoses; lì il 27 

abbiamo assistito ad una serata realmente speciale che ha 

visto alternarsi dapprima il balafonista ivoriano Aly Keita, 

poi il delizioso quartetto afro-jazz di Toumani Diabate e 

infine l’immenso Sekou ‘Diamond Fingers’ Diabate, 

chitarrista fondatore dei leggendari Bembeya Jazz, che 

assieme ad un pirotecnico quintetto (3 chitarre, basso e 

batteria) ha dato vita all’esibizione forse più divertente, 

geniale e trascinante dell’intera rassegna musicale; un 

concentrato di perizia tecnica, istrionismo teatrale ed 

improvvisi cambi di registro che ha letteralmente finito 

per infiammare la folla, fino a poco prima impietrita suo 

malgrado da un’improvvisa ventata d’aria gelida. 

Rinascimento africano si diceva. Più o meno il sottotesto 

esplicito di questa terza, sfarzosa edizione del Festival. 

Salif Keita 

Uno slogan d’impatto, va da sé; di certo a forte rischio 

retorico. All’interno delle mille round-table aperte sul tema, 

però, se ne è provato a discutere anche in seri termini 

economici. In particolare si è mostrato particolarmente 

fiducioso l’economista egiziano Samir Amin, direttore del 

Third World Forum, che ha sostenuto con forza la «crescita 

dolce e costante» del motore economico continentale 

e ribadito con assoluta convinzione l’idea che l’Africa 

rivestirà un ruolo di primaria importanza negli scenari 

mondiali prossimi venturi. 

Dunque tutti contenti, tutto perfettamente calibrato e 

riuscito? Ad onor del vero, no. Con un presidente a dir poco 

ingombrante come Abdoulaye Wade - 84 anni, fama da 

boss e prossimo alla terza candidatura - le polemiche non 

mancano mai. Perché è vero che il Senegal rappresenta 

una delle governance africane storicamente più stabili, ma 

è altrettanto vero che nella classifica della corruzione di 

Transparency è piazzato decisamente male: quota 105 su 

178 Paesi. Un paese che vive attorno alla soglia di povertà 

(740 euro l’anno di reddito procapite) e che, dinanzi alla 

maestosa opulenza dispiegata dalla macchina del Festival, 

ha giustamente chiesto conto dei costi di quest’abile 

operazione di marketing culturale. Il presidentissimo, dal 

canto suo, si è affannato più volte a sottolineare che una 

Dakar 

25 

Seun Kuti 

parte di essi era stata coperta dagli sponsor privati e che 

c’era comunque stato un importante indotto turistico; 

ovviamente magnificato e amplificato ogni ora all’unisono 

dalle generose tv di Stato. La cosa però, a conti fatti, si è 

rivelata solo parzialmente vera, perché di turisti in giro se ne 

sono visti pochini e le stanze negli alberghi sono sembrate 

per lo più disponibili durante tutte e tre le settimane. Tutto 

ciò non ci esime però dall’esprimere, seppur dall’esterno, 

un concetto netto, senza perifrasi: l’assoluto bisogno di 

siffatti azzardi culturali. Lo necessita il resto del mondo, 

intrappolato in una visione dell’Africa troppo spesso 

artefatta o manichea, tutta fame, carestie, povertà e carità 

pelose; lo necessitano forse gli africani stessi, logorati nel 

migliore dei casi da politiche di aggiustamento strutturale 

che han finito tutt’al più per conservare l’esistente. C’è 

bisogno di rilanci spavaldi e forse anche un po’ incoscienti 

per ricordare al globo intero l’ineluttabile centralità africana: 

le sue incommensurabili ricchezze culturali, l’inesauribile 

fucina di talenti, l’influenza diretta o indiretta che il 

continente continua ad esercitare su artisti d’ogni risma e 

luogo. Certi che non passeranno altri 23 anni per assistere 

alla quarta edizione, curiosi di capire se si tradurranno in 

realtà i rumours che oggi indicano nel Brasile la prossima 

casa mondiale delle arti nere. 

10 PRIMAVERA 2011


Abruzzo 

Gong (Pescara) 

Basilicata 

Shibuya (Matera) 

Hobby Music (Potenza) 

Calabria 

Il Pentagramma (Crotone) 

Campania 

Top Dischi Di Minicozzi Luigi (Benevento) 

Juke Box (Caserta) 

Casa Del Disco (Faenza – Ra) 

Diapason (Napoli) 

Tattoo Records (Napoli) 

Disclan (Salerno) 

Idea Disco (Sorrento – Na) 

Emilia Romagna 

Disco Frisco (Bologna) 

Max Records (Modena) 

Folk Studio (Ravenna) 

Discoland (Reggio Emilia) 

Friuli Venezia Giulia 

Musicatelli (Pordenone) 

Vilevich Fausto (Trieste) 

Angolo della Musica (Udine) 

Lazio 

Arion Z (Roma) 

Gelmar Novamusa (Roma) 

L'Allegretto (Roma) 

Discoteca Laziale (Roma) 

Libreria Mel Bookstore (Roma) 

Liguria 

Music Store (Genova) 

Jazzanto (Genova) 

Casa Del Disco (Rapallo – Ge) 

Lombardia 

Cavalli Strumenti Musicali (Castrezzato – Bs) 

F.Lli Frigerio (Como) 

Carù (Gallarate – Va) 

Buscemi Dischi (Milano) 

La Cerchia (Milano) 

Libreria Carla Sozzani (Milano) 

Norma Libri (Milano) 

Casa Del Disco (Varese) 

Marche 

Musiquarium (Porto Sant'elpidio - AP) 

Dove trovare Mondomix 

Piemonte 

Costanzo (Casale M.to – Al) 

Musica (Cuneo) 

Pace Music (Nizza Mto – At) 

Merula Marco (Roreto Di Cherasco - Cn) 

Onde (Torino) 

Puglia 

Centro Musica (Bari) 

Youm! Youmusic (Lecce) 

Sicilia 

Graffagnini Distribuzione (Catania) 

Magic Music (Ragusa) 

Sardegna 

Alta Fedeltà (Cagliari) 

Travelling Music (Oristano) 

Toscana 

Alberti (Firenze) 

Twisted (Firenze) 

Materiali Sonori (San Giovanni Valdarno – Ar) 

Discolaser (Siena) 

Trentino Alto Adige 

Altri Suoni (Bolzano) 

Diapason Music Point (Rovereto – Tn) 

Umbria 

Egea Store (Perugia) 

Mipatrini 1962 (Perugia) 

Valle d'Aosta 

Il Disco (Aosta) 

Veneto 

Discoteca Pick Up (Bassano del Grappa – Vi) 

Drop Sound (Conegliano - Tv) 

Disco Frisco (Treviso) 

Gabbia (Padova) 

Musical Box (Portogruaro – Ve) 

Mezzoforte (Treviso) 

Saxophone (Vicenza) 


27 

Bari Via Melo, 119 

Bologna Via Ugo Bassi 1/2 

Brescia C.so Zanardelli 3 

Catania Via S. Euplio 38 

Firenze Via Brunelleschi 8R 

Genova Via Fieschi 20 r 

Mestre Centro Le Barche P.zza XXVII Ottobre 1 

Milano Piazza Piemonte 1 

Milano C.so Buenos Aires 33/35 

Milano Via Ugo Foscolo 3 (Gall. Vitt. Emanuele II) 

Monza Via Azzone Visconti, 1 

Napoli Via Santa Caterina a Chiaia, 23 

Padova Piazza Garibaldi 1 

Roma Via del Corso 506 

Roma Galleria A. Sordi, Piazza Colonna 31/35 

Roma Largo Torre Argentina, 7/11 

Roma Viale G. Cesare, 88 

Roma C. Comm.le Forum Termini 

Roma Viale Marconi 184,186,188,190,192,194 

Roma Viale Libia 186 

Roma Via Camilla 8/C 

Salerno C.So Vittorio Emanuele I, 230 

Salerno C.so Vittorio Emanuele 131/133 

Torino Piazza C.L.N. 251 

Firenze Via San Quirico 165 (Campi Bisenzio) 

Genova Via XX Settembre, 46/R 

Milano Via della Palla, 2 

Napoli Via Luca Giordano, 59 

Roma Via Alberto Lionello, 201 

Torino Via Roma, 56 

Torino Shopville Le Gru 

Verona Via Cappello, 34 

Consulta la versione 

digitale interattiva di 

Mondomix Italia 

da www.mondomix.com

28 Mondomix.com / 360° Persia 

Suoni Persiani 

di Giovanni De Zorzi 

La musica e la poesia sono state nei millenni il fiore 

della cultura di lingua persiana, di riferimento in un’area 

geoculturale che va dal Caucaso al mondo ottomano/turco 

sino all’Asia centrale, ai territori afgani e indopakistani, alla 

Cina nord occidentale. 

Per poter entrare in quest’area si consiglia al viaggiatore 

di non farsi confondere da due cartelli stradali: “Iran” 

e “Persia”. Il primo nasce poco fa, il 22 Marzo 1935, e 

non porta molto lontano: in quei tempi ribattezzare “Iran” 

il paese noto sin dal VII a.C. come “Persia” (Fars) aveva 

soprattutto un valore politico; ricollegarsi alle remote genti 

indoeuropee dette “arie” o “ariane” (ârya), giunte dalla 

piana indogangetica verso il terzo millennio a.C., significava 

invece voler ritornare alle proprie “origini”, mitiche e 

mitizzate, per ricominciare giovani e forti lasciando da 

parte il lungo passato culturale “persiano” finito il giorno 

prima. Qualcosa di simile era successo quando nel 1923 

la Turchia si ribattezzava Turkiye Cumhuryieti rifacendosi 

alle antiche genti turche (türk) d’origine centroasiatica, 

cancellando d’un solo colpo il suo plurisecolare passato 

ottomano. In entrambi i casi, però, le arti si erano formate 

durante il periodo persiano, oppure ottomano. Ora, benché 

da alcuni decenni gli iraniani definiscano la loro musica 

come “musica iraniana”, generalmente si considera più 

corretto parlare di musica, di poesia, di calligrafia, di 

miniatura “persiana”, integrando eventualmente il termine 

con “iraniano” ad indicare gli svolgimenti post-1935 e la 

contemporaneità. 

Come per le tradizioni musicali di quelle società che gli 

antropologi definiscono “società complesse”, anche per 

la musica persiano/iraniana si distinguono oggi alcune 

correnti principali che questa guida minima può solo 

indicare come farebbe una Lonely Planet: la raffinata 

tradizione di musica “classica”, “colta” (dastgâhi, radifî); 

i generi e le composizioni sorte per animare gli incontri 

spirituali dei dervisci (samâ, zekr); i repertori “della 

moschea”; la tradizione delle zurkhâne; le tradizioni 

“regionali” o “etniche”; la musica urbana leggera (motrebî) 

e il vitalissimo “pop” sviluppatosi nella diaspora iraniana 

di Los Angeles (losanjelesî), importato e consumato più o 

meno di nascosto in Iran. 

La tradizione cLassica 

La musica classica persiana viene detta “del radîf” (radîfî), 

termine che significa “sistema, struttura, ordinamento” ed 

indica l’ordinamento sistematico dello sparso materiale 

melodico preesistente di tradizione orale. Un simile 

ordinamento iniziò verso la seconda metà del XIX secolo, 

quando alcuni grandi maestri formularono il proprio 

particolare radîf nel quale sistematizzavano le molte melodie 

dette gushe (“sezione”), giunte loro dal proprio maestro, in 

un sistema di dodici/quattordici modi musicali detti dastgâh 

e avâz. Di solito si trova il termine radîf accompagnato dal 

nome del maestro al quale si deve la raccolta, preceduto dal 

nome dello specifico dastgâh adottato, che può contenere 

dalle 10 alle 60 gushe. Si avrà, ad esempio: dastgâh-e 

Shur, radîf di Sabâ; dastgâh-e Mahûr, radîf di Aqâ Hossein 

Qoli, e così via. 

Tra i leggendari maestri vanno ricordati ‘Ali Akbar Farahâni 

(m. 1857), famoso suonatore di liuto târ, i suoi due figli 


Hoseyn Qoli (m. 1915) e Mirzâ ‘Abdollâh (1845-1918) 

insieme a suo fratello Aqâ Gholâm Hoseyn che li educò 

dopo la sua prematura scomparsa. Tra i maestri della 

generazione seguente vanno ricordati Darvish Khân (1872- 

1926) e Abolhasan Sabâ (1902-1957). La loro scuola fu 

continuata da Hâjji Aqâ Mohammad Irâni (1871-1971), 

Yusof Forutan (1901-1979), Musâ Ma‘rufi (1889-1964), Nur 

‘Ali Borumand (?-1976), Dariush Talâ‘i (n. 1952). Come per 

la maggioranza delle tradizioni musicali classiche sorte in 

area islamica, anche nel radîf è fondamentale il concetto di 

“forma ciclica”, o di “suite” così che in un concerto i vari 

brani sono inanellati fra loro. 

tradizioni dei dervisci 

Nel IX secolo d.C., tra i circoli di dervisci che si riunivano 

nella vicina Baghdad, nasceva un particolare tipo di 

incontro cerimoniale detto samâ (audizione, ascolto, 

concerto spirituale) assai diffuso ancor oggi tra le molte 

confraternite sufi che percorrono il mondo islamico. Durante 

i primi samâ si ascoltava soprattutto la cantillazione del 

Corano in uno stato di profondo raccoglimento interiore. In 

quest’atmosfera sospesa, per diversi motivi gradualmente 

l’ascolto si spostò sulla poesia e sul suono di strumenti 

musicali ascoltati “con un altro orecchio”, come avrebbe 

detto più tardi Mowlana Jalâl ud-Dîn Rûmî (1207-1273). 

Da un simile ascolto potevano nascere stati alterati di 

coscienza sui quali si sofferma la trattatistica. Nella 

concezione sufi sviluppatasi nei secoli il samâ è gadhâ-yi 

rûh, (“nutrimento dello spirito”) e la pratica della musica 

è una via di affinamento interiore. Al di fuori di singole 

confraternite, l’estetica della musica persiana è sempre 

permeata dal sufismo (tasavvof) sin dagli stessi testi 

cantati, prevalentemente composti su temi di carattere 

erotico/mistico. 

Oltre al samâ l’altra grande tradizione sonora diffusa tra 

i dervisci è lo zekr (arabo classico dhikr) traducibile con 

“ricordo, ripetizione, menzione”. Nel corso dei secoli 

all’interno di ogni confraternita si venne formando un 

proprio autonomo e particolare tipo di zekr, vocale (jâhri) 

o silente (khâfi), individuale o collettivo, caratterizzato 

da determinate sequenze di nomi divini, inframmezzati 

da invocazioni, preghiere, canti, poesie e spesso 

accompagnati da strumenti musicali. Vanno ricordati gli 

specifici repertori per il samâ e per lo zikr sorti in seno a 

confraternite quali la qâdiriyya o gli ‘Ahl-i Haqq, entrambe 

centrate nel Kurdistan iraniano, oppure tra i qalandari del 

Baluchistan. 

tradizioni “deLLa moschea” 

Repertori vocali come la recitazione del Corano oppure il 

richiamo alla preghiera (azan) non sono considerati “canto” 

e ancor meno “musica” dai religiosi. Per quanto riguarda la 

sofisticata, melodizzata, recitazione del Corano gli studiosi 

adoperano allora il termine “cantillazione”, ad indicare una 

pratica che sta tra canto e recitazione. Nell’Islam iraniano 

la cantillazione coranica è stata il modello estetico di 

riferimento per ogni tipo di “canto” secolare e molti tra i 

maggiori cantanti professionisti ebbero una formazione 

iniziale come qâri‘ (“recitatore coranico”) o proseguirono 

parallelamente questa loro attività. 

Particolari ed esclusivi della tradizione sciita sono 

alcuni rituali come la Rowzeh, ciclo lirico di carattere 

devozionale dedicato agli episodi di martirio dei primi 

imam sciiti, eseguiti da cantori specialisti, durante incontri 

che si tengono all’interno di moschee o in case private 

e che conducono i presenti a forti stati emozionali. Più 

complesso e articolato è il “dramma sacro” ta‘ziyeh, nel 

quale vengono ripercorsi (e rivissuti) alcuni episodi relativi 

al martirio dell’Imam Hossein, eseguiti da gruppi di devoti 

o da compagnie di cantori e musicisti professionisti 

La tradizione deLLe zurkhâne 

Zurkhâne significa letteralmente “casa della Forza” e 

indica un luogo paragonabile al ginnasio del mondo greco 

ellenistico, nel quale gli atleti si impegnano ancor oggi in 

esercizi ginnici e in arti marziali di remota tradizione. Gli 

esercizi sono tutti ritmati da un tamburo “a calice” zarb più 

grande del normale detto zarb-e zurkhâne. Sullo strumento 

si accompagna un cantore (morshed) depositario di un 

patrimonio di versi provenienti dalla poesia medioevale e 

dall’epica preislamica. 

Le tradizioni etniche o “regionaLi” 

Nell’attuale Iran esistono numerosi gruppi etnici, spesso 

nomadi, e le musiche regionali sono strettamente correlate 

con le molte lingue parlate. La lingua persiana (farsi) non è 

l’unica lingua indoeuropea parlata in Iran: vi sono le lingue 

kurde Sorani e Kurmanji e il Baluch. Molte sono le lingue 

turche: tra esse l’azero, assai diffuso nel Nord Ovest del 

paese, ai confini con l’Azerbaijan, così come la lingua dei 

Qashqa’i, tribù che vivono nell’Iran centrale, o quella dei 

turkmeni, che vivono tra il Mar Caspio e il Khorasan. A 

prescindere dalle rispettive lingue, questi gruppi etnici 

sono legati al concetto di “area” più che di nazione, e 

vivono al di là, o al di qua, di dati confini sorti in tempi 

recenti. La musica dei Baluchi, ad esempio, risuona tra 

Iran e Pakistan; quella del Khorasan tra Afghanistan 

e Iran nordorientale. Le musiche dei kurdi d’Iran sono 

comuni con quelle dei kurdi di Turchia, Siria, Armenia e 

Iraq. Trasversale alle svariate culture musicali regionali è 

la presenza del cantastorie/bardo/trovatore detto spesso 

ashıq (“amante, folle d’amore”). 

Di recente le tradizioni “etniche” - vive, ritmate, colorate 


29 

e dai contenuti “leciti” - hanno conosciuto una vera e 

propria moda, così che per la prima volta nella storia vi 

sono registrazioni e Festival interamente dedicati a questi 

generi. Strumenti musicali dei repertori “regionali” vengono 

ora accolti negli ensembles di musica classica, con effetti 

curiosi che solo il tempo saprà valutare. 

La musica urbana Leggera (motrebî) e iL LosanjeLesî 

Sin dai primi decenni del 1900 nacque un “genere urbano 

leggero” detto motrebî di gran successo sino alla rivoluzione 

islamica del 1979 che lo considerò “riprovevole”. Da allora 

sino a pochi anni fa l’Iran ha infatti esercitato una stretta 

censura sulla musica che nasceva all’interno del paese 

così come sulle musiche che giungevano dall’estero, con 

punte paradossali sull’import/export di strumenti musicali. 

Oggi il mercato musicale sembra essere più aperto, o 

forse più permeabile, nonostante rimangano vive forti 

censure verso generi come l’hard rock, il rap o certo pop. 

Una prova di questa permeabilità è data dalla diffusione 

in Iran di un genere nato tra le comunità della diaspora 

iraniana negli USA come quella di Los Angeles. Di fronte 

all’invasione della canzone losanjelesî in Iran, via etere o 

tramite la rete, si è finito per autorizzare la produzione di 

una “musica per i giovani” che è tutta “Made in Iran”, ma 

con testi “corretti” secondo i canoni esposti qui a fianco 

da Sadighi, che lasciano il tempo che trovano mentre tutto 

scorre e muta sull’amato altipiano. 

Iran. Les maîtres de la musique 

traditionnelle, Volume 1 

Ocora Radio France 







Iran. Mohammad Reza Shadjarian. 

Musique classique Persane 


Iran. Bardes du Khorassan 

a cura di Ameneh Youssefzadeh 


Jean During 

Musiche d’Iran. 

La tradizione in questione 

Ricordi / BMG

30 Mondomix.com / 360° Persia 

Chiacchierando con Ramin Sadighi 

di Giovanni De Zorzi 

Quando e com è nata l’etichetta Hermes? 

La musica è sempre stata la mia occupazione principale; 

avendo un padre musicista, Fereydoun Sadighi, posso dire 

di aver cominciato sin dall’infanzia. Più tardi, notando come 

l’intera industria discografica di qui fosse concentrata solo 

sulla musica classica persiana, su quella Folk e sul Pop, 

mi sono reso conto di come esistesse una vasta area di 

musiche che semplicemente non avevano la possibilità 

di raggiungere un pubblico. Pensando che il tesoro 

musicale persiano potesse essere un ottimo trampolino 

per sperimentazioni e approcci nuovi, mi sono tuffato, e 

invece di fare musica io stesso ho cominciato a cercare 

di facilitare gli altri. Ho cominciato nel 1999 esponendo la 

mia visione ai molti amici musicisti; l’idea piaceva a tutti e 

con quegli amici collaboro ormai da molti anni. Ci fu anche 

un forte incoraggiamento da parte dei musicisti amici di 

mio padre. Insomma: molti di quelli che collaborano con 

la Hermes sono miei amici oppure artisti che provengono 

dalla cerchia di mio padre. 

Quali sono i generi musicali che intende registrare? 

Difficile da dire. Direi che so solo cosa non voglio fare: 

Pop, musica classica persiana e Folk. Il resto è campo 

aperto. Se oltre al lato estetico vogliamo comprendere 

negli obiettivi anche l’aspetto amministrativo, allora direi 

che l’obiettivo è quello di proteggere i diritti dei musicisti 

e facilitarli nell’essere creativi in un contesto gioioso. 

Ma altri direbbero che più che altro facciamo musica 

d’avanguardia… 

D’avanguardia? 

Sì, so bene che il termine è stato usato e logorato nelle 

maniere più diverse, ma non saprei descrivere altrimenti 

quello che facciamo. Il nostro slogan è: “Musica per la 

Musica” ed è l’unica cosa in cui credo. Per sperimentazione 

intendo il cercare di non fare musica classica persiana 

standard ma, invece, tentare nuove interpretazioni che 

possono accogliere influenze jazz, musica moderna, 

cercare commistioni, fusioni… 

Com’è la vita di un’etichetta nell’Iran contemporaneo? 

Ci sono regole che rendono il fare musica una cosa molto 

burocratica! E talvolta problematica. Dalla rivoluzione 

islamica in poi per pubblicare un disco serve un permesso 

che dev’essere accordato dal Dipartimento per la Musica 

del Ministero della Cultura. Per poter pubblicarlo devi 

innanzitutto spedire il lavoro al comitato. Se danno il loro 

benestare, ti viene data una licenza di stampa e puoi 

passare alle fasi successive: stampa e distribuzione. I 

criteri fondamentali per la commissione giudicatrice del 

Ministero sono quattro, e sono connessi soprattutto con la 

musica vocale: i contenuti del testo non devono offendere 

la religione; non devono offendere il governo; non devono 

essere troppo erotici e non possono essere cantati da 

una voce di donna (…ma se la melodia viene cantata da 

due donne, o da un coro misto di uomini e donne allora 

è lecito!...) Naturalmente nei decenni c’è stata una grande 

battaglia su questo punto, ma il governo proibisce ancor 

oggi alle cantanti di cantare in pubblico: non chiedermene 

la ragione, non la sappiamo nemmeno noi! Al di là della 

censura, l’altra grande guerra è quella di tutte le altre 

etichette del mondo: il mercato, le basse percentuali di 

guadagno e la pirateria…pensa che l’Iran non ha firmato 


nessuna delle norme sul diritto d’autore…la pirateria 

è davvero il problema maggiore. È triste come proprio il 

settore governativo del mercato sia quello che beneficia 

maggiormente di questa situazione lacunosa: le emittenti 

nazionali (in Iran non ci sono emittenti private) usano 

musica senza autorizzazione e senza pagare diritti. 

Com’è la situazione musicale nell’Iran contemporaneo? 

Creativa e in movimento. All’inizio non pensavo che ci 

fosse un simile entusiasmo tra i musicisti persiani per la 

sperimentazione, ma oggi la scena è davvero carica e 

anche l’interesse all’estero sta crescendo. 

Chi sono tra i giovani i solisti e gli interpreti che 

preferisci? 

Nella mia lista di musicisti favoriti ci sono: Peyman 

Yazdanian, Hooshyar Khayam, Martin Shamoonpour, 

Ankido Darash, Ali Boustan e Christophe Rezai. 

Visioni Persiane 

Agit prop all’iraniana 

di Enrico Verra 

Iran 1979: sotto i colpi della rivoluzione komeinista cade il 

regime dello Scià. 

Nel 1980 la neonata repubblica teocratica lancia la 

rivoluzione culturale per affermare il sogno, totalizzante, di 

una cultura islamica, nazionale e indipendente, in radicale 

opposizione alle tendenze filo occidentali che avevano 

caratterizzato il regime di Reza Pahlavi. 

A partire dalla fine degli anni 80 il cinema iraniano, prodotto 

dalle strutture pubbliche dello stato degli ayatollah, conosce 

uno sviluppo e un successo senza precedenti sul piano 

internazionale. Non c’è festival, da Berlino a Cannes, a 

Venezia, che non selezioni e premi i film della new wave 

iraniana. Nomi del calibro di Abbas Kiarostami, Dariyush 

Mehrijui, Moshen e Samira Makhmalbaf, Jafar Panahi 

diventano i nuovi idoli della cinefilia internazionale. 

Nel dibattito teologico sulle arti figurative che caratterizza 

il mondo mussulmano, l’islam sciita iraniano, a differenza 

dell’islam sunnita dei paesi arabi, ritiene che nel Corano 

non ci sia esplicita proibizione di creare immagini di esseri 

umani. Inoltre molti religiosi sciiti rivendicano una specificità 

nazionale che affonda le sue radici nella straordinaria cultura 

figurativa persiana e nella tradizione della miniatura. 

Per lo stato iraniano il cinema diventa così lo strumento 

ideale per dare visibilità al nuovo ordine islamico,ordine 

che il vecchio regime “ateo” e “immorale” aveva rinnegato. 

Il sogno della dirigenza komeinista è quindi l’invenzione e 

la diffusione massiccia di un cinema che non è lo specchio 

antropologico della società, ma la proiezione ideale della 

società iraniana. 

Abbas Kiarostami 

censure 

La rivoluzione komeinista, per dare visibilità al suo nuovo 

ordine ha bisogno di produrre un cinema islamico che non 

esiste da nessuna parte e impone al cinema il diritto di 

cittadinanza in cambio della sua islamizzazione. 

Questo si traduce in una sola parola: censura. O meglio, 

censure, perché investe ogni fase della realizzazione di un 

film, dalla sua scrittura alla sua uscita in sala. 

La sceneggiatura deve essere sottoposta al vaglio di 

specifiche commissioni per poter essere finanziata e 

realizzata. Sul set membri della polizia di controllo dei 


31 

costumi verificano che un uomo non stia per troppo tempo, 

e da solo, vicino a una donna, nemmeno per ragioni 

professionali, che non discutano, che non ridano. 

La rigida separazione dei sessi impone una sala trucco per 

gli uomini e una per le donne, un truccatore per gli attori e 

una truccatrice per le attrici. 

Davanti alla cinepresa non si possono riprendere le donne 

senza velo e quindi è quasi impossibile girare scene con 

donne in interni, perché in casa le donne stanno a capo 

scoperto. Non si possono inquadrare contatti fisici di 

nessun genere tra uomo e donna perché, se nella finzione 

sono ad esempio marito e moglie, nella realtà i due attori 

che li interpretano non sono consanguinei. 

Si arriva al surreale con lo scandalo che suscitò nel 

regime la premiazione di Kiarostami a Cannes quando 

la Deneuve lo baciò consegnandoli la Palma d’Oro. Un 

contatto inamissibile secondo le regole correnti in Iran, 

con l’aggravante di essere stato ripreso dalle telecamere di 

mezzo mondo. 

E da un paradosso all’altro va fatto notare che, nelle sale 

cinematografiche iraniane, anche nei momenti di più forte 

contrasto con il satana americano hanno continuato ad 

essere proiettati i western hollywoodiani. Il western è il 

cinema americano per eccellenza ma agli ayatollah andava 

benissimo: è molto maschile e le donne non solo hanno ruoli 

secondari ma sono sempre castigatissime. 

Ovviamente il controllo sulla vita privata degli attori è 

fortissimo. 

E quando il film arriva in sala i manifesti che lo promuovono 

non devono avere figure femminili in primo piano. La sala, 

poi, è divisa, come i ristoranti, in un settore per uomini e 

in uno per donne accompagnate da un consanguineo. Non 

sono previste donne sole. Un rappresentante della polizia 

islamica circola con una pila nel buio della sala di proiezione 

per verificare che non si realizzino strani contatti tra i 

sessi… 

Attraverso la censura lo stato si concentra sui comportamenti 

e sull’apparenza fisica, una generazione di registi di 

grande talento si è trovata ad inventare un proprio stile e 

un linguaggio confrontandosi e scontrandosi con i limiti 

imposti dalla censura. Sono nate così specifiche immagini e 

particolari modi di raccontare che sono diventati il marchio 

di fabbrica della nuova ondata iraniana.. 

strategie 

Il sistema politico iraniano è un sistema bicefalo. Accanto 

agli elementi classici (parlamento, presidente della 

repubblica, governo) c’è una Guida della rivoluzione, figura 

con una vocazione di orientamento spirituale, il cui peso 

politico supera enormemente quello attribuitogli dalla 

costituzione. Questo crea un parallelismo di poteri, dai piani 

alti dello stato fino alle più lontane ramificazioni. Parallelismo 

che si traduce nella costituzione di una serie di organi e 

gruppi islamici, che verificano ossessivamente la conformità 

dei comportamenti, in tutti gli ambiti, pubblici e privati, ai 

dettati dell’islam. Una vera e propria polizia esecutiva del 

verbo della guida. Esempio di questo dualismo è il controllo 

sul cinema che è diviso tra il Ministero della Cultura e 

dell’Orientamento Islamico, statale, e il Gran Consiglio della 

Rivoluzione Culturale alle dirette dipendenze della guida. 

Ovviamente ogni istituzione cerca di difendere la propria

32 Mondomix.com / 360° 

autonomia rispetto all’altra e questo contrasto ha permesso 

l’apertura di spazi di confronto e opposizione atipici in un 

sistema autoritario 

Di fronte a una censura imperante , sfruttando abilmente 

i contrasti istituzionali, spesso si è potuto avere da un 

istituzione il denaro e l’autorizzazione a realizzare un film 

che un’altra aveva proibito. 


Jafar Panahi 

jafar panahi 

Queste strategie nel corso degli anni, in contemporanea con 

lo sclerotizzarsi del sistema, hanno spinto la situazione a un 

punto di rottura. 

I successi internazionali si sono rivelati, per la repubblica 

islamica, un inatteso strumento diplomatico da sfruttare a 

fondo per dare un immagine diversa dell’Iran all’estero, al 

punto che film proibiti in patria erano scaltramente inviati 

a rappresentare il paese nei festival internazionali. Ma ora 

la maggior parte degli autori iraniani sono stati costretti 

all’esilio per poter continuare a esprimersi. Il grande cinema 

porta con sè lo spettro della libertà, spettro diventato troppo 

ingombrante e terrificante per Ahmadinejad e Khamenei. 

Al punto tale che il 10 Marzo 2010 i servizi di sicurezza 

hanno arrestano il più interessante e provocatorio dei registi 

iraniani contemporanei Jafar Panahi voce e cinepresa 

dell’opposizione “verde” iraniana. 

Panhai è il regista che più di tutti ha sfruttato il suo stile per 

giocare a rimpiattino con la censura. 

Esordisce con Il Palloncino Bianco nel ’95, su sceneggiatura 

di Kiarostami e si aggiudica subito la Camera d’Or al festival 

di Cannes. 

Razieh, una bambina di sette anni, riceve dalla madre dei 

soldi per comprare un pesce rosso con cui festeggiare il 

capodanno, ma lungo la strada tra casa e il negozio perde 

il denaro in un tombino. Il film racconta la lotta per riuscirlo 

a recuperare. Comincia 85 minuti prima dello scoccare 

dell’anno nuovo, dura 85 minuti ed è ritmato da questo 

angosciante conto alla rovescia. 

Ma l’angoscia che il film racconta dietro l’apparente 

leggerezza è quella della controllatissima quotidianità 

iraniana in cui la bambina porta una boccata di liberatoria 

e anarchica aria fresca. Scegliere come protagonista una 

bambina è un perfetto escamotage per dribblare lacci 

e lacciuoli della censura. Una bambina può permettersi 

un’infinità di cose proibite a una donna adulta. A cominciare 

dal vestito: una gonna rossa (colore vietatissimo dalla 

censura perché troppo sensuale ) e sopra il ginocchio che si 

oppone alle lunghe e informi tuniche nere cui sono obbligate 

le donne. È un cinema del sottinteso che usa l’infanzia come 

alibi per parlare degli adulti. 

Ma il non detto del primo film diventa l’urlato de Il Cerchio, 

il film con cui Panahi si aggiudica il Leone d’Oro a Venezia 

nel 2000. 

Nel cinema iraniano c’è ovviamente una difficoltà di 

costruzione del personaggio femminile. Le donne sono 

il proibito per eccellenza e tuttavia hanno i ruoli principali 

in più di metà dei film prodotti in Iran ultimi venti anni. 

Per superare la censura i registi si sono trovati obbligati a 

costruirle come personaggi assolutamente positivi e questo 

ha finito per trasformarle nel motore dei racconti, facendo di 

loro delle protagoniste. 

Ma Panahi va oltre e attraverso la storia di otto donne, quasi 

tutte uscite dal carcere, redige un crudo e straordinario 

racconto sulla maledizione che è nascere donna in Iran. Tutto 

girato in esterni e in luoghi pubblici perché Panahi si rifiuta di 

filmare la surreale situazione delle donne coperte dal velo in 

casa propria. È un film di fughe continue. Sempre di corsa: 

contro il tempo (bus da prendere o aborto da fare) e contro 

gli ostacoli (poliziotti da evitare, barriere amministrative da 

superare) in uno stato di tensione emotiva quasi intollerabile. 

La cinepresa di Panahi non si posa mai su niente. Resta 

incollata alle sue protagoniste che ansiogenamente sono 

sempre intente a scappare da qualcosa. Arriva come una 

ventata d’aria fresca la spavalderia dipinta sul viso della 

prostituta che chiude il film. 

Una spavalderia che nasce tutta dallo stile con cui è girato. 

I dispositivi della censura preventiva iraniana mostrano, 

come in altri sistemi autoritari, una grande attenzione alla 

sceneggiatura e trascurano il potere evocatore dell’immagine 

filmata. La censura ha cercato di regolamentare l’immagine 

della donna sullo schermo ma Panahi è giunto attraverso il 

suo stile a restituire la sensualità del corpo femminile. 

Come conseguenza bloccano sine die l’uscita del film che a 

tutt’oggi è stato visto in Iran solo in rare proiezioni private. 

Genere classico del cinema iraniano nato dopo la rivoluzione 

komeinista è il dramma sociale che con realismo duro e 

spesso sordido evoca i temi legati alla miseria in cui lo scià 

aveva lasciato il paese. 

Questo realismo non sembra fatto per glorificare il regime 

nonostante caratterizzi film prodotti dallo Stato. Ma la 

rivoluzione si è fatta a nome dei diseredati (mostaz’afân) 

e sarebbe stato politicamente scorretto fare film sui ceti 

benestanti.. 

Come conciliare diseredati e ottimismo politico? È una 

contraddizione irrisolvibile che Panahi sfrutta a suo 

vantaggio per realizzare Oro Rosso nel 2003, film che è 

il suo capolavoro. Sceneggiato da Kiarostami, un po’ film 

noir nel suo prendere spunto da un episodio di cronaca 

nera, un po’ Taxi Driver per come racconta la solitudine nel 

mondo (iraniano) contemporaneo è costruito come un lungo 

flash back. Il film inizia con la fine: una tragica rapina in una 

gioielleria in cui Hussein, il protagonista, resta imprigionato 

da una grata attivata dal sistema antifurto e si uccide 

Attore non professionista, afflitto da leggeri disturbi mentali, 

il protagonista ha qualcosa di Thelonius Monk: un berretto 

sempre schiacciato in testa, un fisico grassoccio da adultobambino, 

un’attitudine di opposizione muta al mondo e 

all’ingiustizia. Proletario dei quartiere poveri di Teheran, 

vive consegnando pizze a domicilio nelle zone ricche della 

città. Con il suo stile peculiare Panahi non molla un attimo il 

pedinamento del suo protagonista e ci obbliga a un viaggio 

incubo nelle disfunzioni dell’Iran contemporaneo. Portando 

pizze Hussein intravede al di là degli usci l’opulenza di una 

borghesia nascente che fa in casa quello che gli è proibito 

fuori. Tipica schizofrenia iraniana uno spazio pubblico 

costantemente controllato e uno spazio privato in cui si 

leggono i libri proibiti, si vedono i film occidentali comprati 

al mercato nero e si fa festa. Ma ciò che Hussein vede non 

gli piace per nulla. Vede il fallimento delle illusioni di una 

rivoluzione che aveva promesso il riscatto dei diseredati. 

Vede il paradosso di un sistema sclerotizzato che cerca di 

fare rispettare un ordine assurdo a una società, anche in Iran, 

ormai totalmente dominata dal denaro. Vede il disprezzo dei 

ricchi verso i poveri. 

Con il procedere del film nasce una formidabile empatia 

Persia 


33 

esistenziale tra lo spettatore e il protagonista. Arriviamo a 

condividere un sentimento di ingiustizia e solitudine senza 

via d’uscita. 

L’unica uscita possibile è una rapina fallimentare. E non 

resta che spararsi. 

Jafar Panahi più in là non poteva andare. Il film viene 

totalmente proibito in Iran e Panahi gira il suo ultimo 

lavoro praticamente in clandestinità, realizzando in video 

una sceneggiatura diversa rispetto a quella che aveva 

consegnato alle autorità: Off Limits 

Otto giugno 2006 partita di qualificazione per i mondiali di 

calcio: Iran contro Bahrein. 

Le donne non possono entrare nello stadio. Quelle che 

riescono ad infiltrarsi clandestinamente vengono acciuffate 

e trattenute in una sorta di recinto costruito a ridosso dello 

stadio stesso sotto l’occhio vigile di alcuni soldati. Scandito 

dalla cronaca della partita che si svolge a pochi metri da 

loro ma che non possono vedere il film racconta il rapporto 

che si costruisce tra questo manipolo di donne e i soldati 

che le tengono in arresto. Donne ben diverse da quelle del 

Cerchio, donne che non accettano la loro condizione e 

cercano di ribellarsi. Donne di un possibile Iran futuro. 

Ultima tappa della coraggiosa ribellione di un regista. 

Il dieci marzo 2010 Panahi è arrestato sotto l’accusa di 

attentare alla sicurezza dello stato. Dichiara ai giudici : 

“Non capisco il delitto di cui sono accusato. Se queste 

accuse sono vere, non sono solo io a essere processato, 

ma la coscienza sociale e artistica del cinema iraniano, un 

cinema che cerca di tenersi al di là del bene e del male, un 

cinema che non giudica, né si arrende al potere o denaro, 

ma cerca di riflettere onestamente un’immagine realistica 

della società.” 

Il 20 dicembre 2010 Jaffar Panahi è stato condannato a 6 

anni di carcere e al divieto di dirigere, scrivere e produrre 

film, viaggiare e rilasciare interviste sia all’estero che 

all’interno dell’Iran per 20 anni.

34 Mondomix.com / 360° Chennai / Rennes 

La stagione musicale di Chennai 

Per orientarsi in quella che è forse la più ricca stagione 

musicale del mondo. 

di V. Ramnarayan 

Tutto cominciò nel 1927 come parte dell’Incontro Annuale 

dell’Indian National Congress che quell’anno si tenne nella 

città a quei tempi chiamata Madras e che oggi è Chennai. 

Alcuni dei principali leader del partito nazionalista pensarono 

che fosse venuto il momento di introdurre ai delegati la 

grande tradizione musicale della regione, conosciuta come 

musica Carnatica. Venne imbastito il programma di una 

settimana durante la quale i migliori cantanti e strumentisti 

del tempo tennero diversi concerti ognuno dei quali aveva 

una durata di almeno tre ore. Quella serie di concerti portò 

alla nascita della Stagione Musicale della Music Academy di 

Madras ed ha continuato ad aumentare, in quantità e durata, 

fino a raggiungere l’odierna edizione che prevede due 

settimane di incontri e dimostrazioni ogni mattino e quattro 

concerti al giorno i quali, seguendo un ordine crescente 

di importanza e anzianità degli artisti, vanno dal primo 

pomeriggio fino a sera. Inoltre molte altre organizzazioni 

chiamate sabhas (letteralmente congregazioni), si sono 

aggiunte alla Music Academy ed oggi la famosa Stagione 

Musicale di Chennai inizia ai primi di novembre e dura quasi 

due mesi distribuendosi in molteplici locali della città e del 

suo circondario. 

gLi strumenti 

Il tipico concerto di musica Carnatica dura 

approssimativamente due ore e mezza. Un concerto vocale 

– l’evento più comune – presenta un cantante, uomo o 

donna, a volte un duo di cantanti, accompagnato da un 

violinista, seduto alla sinistra, e uno o più percussionisti, 

posti alla destra. Lo strumento a percussione più 

importante è un tamburo cilindrico, il mridangam, posto 

orizzontalmente di fronte al musicista. 

Il ghatam, una vaso di terracotta e la kanjira, piccolo 

tamburello a cornice, completano il gruppo. Il numero 

degli strumenti sul palco può variare ma il mridangam è 

obbligatorio. Il formato standard minimo del gruppo è 

costituito da voce-violino-mridangam. 

Mentre il violino occidentale si è adattato con successo 

alla musica Carnatica, altri strumenti molto popolari come 

il nagaswaram, un lungo oboe di legno, la veena, strumento 

a corde, il venu, flauto di bambù, sono da considerarsi tipici 

dell’India. Questi strumenti solisti non accompagnano i 

cantanti e per quanto la musica strumentale abbia nel corso 

degli anni perso popolarità, strumenti occidentali come 

chitarra, mandolino, clarinetto e sassofono compaiono 

sempre più spesso nei concerti anche se sono ben lungi 

dall’aver raggiunto il livello di diffusione del violino. 

Tutti i musicisti sul palco stanno seduti, a gambe incrociate, 

in genere su cuscini. Un concerto comprende sia musica 

composta che improvvisata dando la possibilità a ciascun 

musicista sul palco di mostrare la sua creatività durante le 

varie fasi del programma musicale. 

iL repertorio 

Oggi il programma di un concerto di musica Carnatica 

inizia con un varnam, una breve composizione con un testo 

ed una parte di vocalizzi (sol-fa) cantata a diverse velocità. 

Seguono alcune composizioni conosciute come kritis o 

kirtanas, canzoni in genere di contenuto devozionale o 

spirituale in Sanscrito o in una delle lingue dell’India del 

Sud, generalmente in Telugu (lingua dell’Andhra Pradesh). 


T. M. Krishna 

Ciascuna di queste composizioni contiene elementi 

improvvisati incluse elaborazioni senza parole del raga, 

variazioni su una singola riga del testo o combinazioni 

ripetute delle sillabe sol-fa. 

Tutte queste componenti creative sono rese in misura 

più estesa nella composizione principale del concerto, 

la cui durata può superare l’ora, e che offre anche al 

percussionista (o ai percussionisti) la possibilità di mostrare 

la sua (loro) maestria tecnica e creatività in assolo non 

accompagnati da voce o violino. 

La composizione è spesso seguita da quello che i puristi 

considerano il piatto forte della musica Carnatica, il ragamtanam-pallavi, 

che è costituito da musica completamente 

improvvisata. 

Brani più leggeri seguono il corpo principale del programma 

o il ragam-tanam-pallavi ed il concerto termina con un 

mangalam, un brano conclusivo di buon auspicio. 

december season 

La Stagione di Dicembre (December Season), come 

continua ad esser chiamata malgrado la sua durata 

trascenda questo limite temporale, è il momento in cui gli 

appassionati locali ma anche gli Indiani- non-Residenti 

(NRI) che ogni inverno arrivano a frotte a Chennai, 

corrono di sala in sala per assistere ad uno o più kutcheri 

(la definizione locale dei concerti di musica Carnatica) 

organizzati con logistica e programmazione più che 

collaudate. La competizione fra le sabhas per presentare 

la miglior musica Carnatica al pubblico della città crea una 

sorta di frenesia di programmi che porta una buona parte 

dei musicisti ad esibirsi ogni giorno durante la stagione 

del festival. Unico deterrente la temperatura, fresca 

secondo qualsiasi standard e piuttosto ingannevole, con la 

raucedine che purtroppo può colpire in qualsiasi momento 

provocando diverse cancellazioni. 

Le cucine chiudono in molte case. Non c’è tempo per 

cucinare o per pulire, neppure durante la sosta fra un 

concerto e l’altro, se poi si tiene conto dei deliziosi 

manicaretti ed aromatici pranzi disponibili presso i punti 

di ristoro organizzati nelle varie parti della città, cucinare 

diventa superfluo. 

C’è un considerevole eccitamento nell’aria, questa è 

l’occasione per artisti affermati, come per i nuovi arrivati, 

di dare il meglio di sé e del proprio repertorio, a volte 

preparando programmi speciali per l’occasione. 

Molte sabhas conferiscono premi e riconoscimenti agli 

artisti o agli insegnanti più affermati. Il Sangita Kalanidhi, 

conferito dalla Music Academy, è sicuramente il più 

prestigioso e paragonabile all’Oscar. 

Ogni quotidiano aggiunge supplementi speciali per 

l’occasione mentre i canali televisivi estendono la loro 

copertura degli eventi principali ed alcuni organizzano 

addirittura a loro volta dei concerti. 

La critica 

I critici, sempre pronti a stroncare o esaltare questo 

o quel musicista, oggi si trovano di fronte degli artisti 

colti, estremamente preparati tecnicamente, in grado di 

controbattere alle critiche ricevute. 

Il pensiero che accomuna la maggior parte dei critici è 

che oggi la musica Carnatica sia viva e che goda di ottima 

salute anche se a fungere da contraltare permane tuttavia 

una schiera di nostalgici che continua a lamentare la 

scomparsa dei grandi miti del passato. 

Fra i musicisti stessi le opinioni sullo stato attuale della 

musica Carnatica sono divergenti. Alcuni di loro parlano 

dei «bei tempi in cui i rasika (appassionati) erano veramente 

seri e competenti e non frequentavano i concerti solo per 

moda come invece accade oggi visto che ormai quel tipo 

di pubblico non esiste più», mentre altri sostengono che 

«oggi il pubblico è più esigente. Ci sostiene tutto l’anno a 

fare bene, a dare il nostro meglio». 

Coloro che hanno preso parte a una o più edizioni 

della Stagione Musicale di Chennai saranno d’accordo 

nell’affermare che oggi in India non esiste nulla di 

paragonabile a questa manifestazione sia per il 

livello musicale che per la grande varietà e lo spirito 

particolarmente festaiolo che la caratterizza. Forse 

addirittura a livello mondiale non esiste oggi qualcosa di 

Les Transmusicales 


Mai si erano visti tanti live extra anglosassoni né 

riconducibili strettamente al rock e alla techno nel festival 

bretone giunto alla 32° edizione. Buon segno, il concetto 

di «musiche attuali» su cui si basa la kermesse da 50.000 

persone per 95 concerti si amplia. E il gusto ci guadagna. A 

fine manifestazione, tutti concordano sull’eleggere Oy, un 

ragazza proveniente dal Ghana via Svizzera, a rivelazione: 

tra giocatoli trasformati in strumenti, suoni tradizionali e 

digitali il suo show è frizzante e seducente. Come pure dal 

Ghana arriva Blitz The Ambassador: un rapper residente a 

New York, è vero; ma nel cui set irrompono l’hi-life di casa, 

citazioni esplicite di Miriam Makeba e Fela Kuti, adrenalina 

e consapevolezza. Mélange sontuoso anche quello dei 

Donso, che dal Mali portano gli ngoni da incrociare alla 

black statunitense più sanguigna, senza house per turisti 

35 

simile in quanto a dimensione e diversità. Anche questo fa 

di Chennai una destinazione per eccellenza sia per il turista 

che per quegli Indiani residenti all’estero che provano 

nostalgia della loro immensa cultura. 

Dove Chennai, India 

Quando novembre - dicembre 2011 

Online www.sruti.com 

tra i piedi. C’è da riflettere. E da ballare la Colombia 

analogica di Bomba Estereo, come pure la cumbia 

digitale, tellurica dei Systema Solar. Scortati dal kuduro 

di Mpula, persino, con l’Angola touch a soppiantare lo 

storico french locale. Ma non è finita, perché con i Dengue 

Fever il funk reggae americano è inopinatamente cantato 

in khmer dalla cambogiana Chhom Nimol, tra le stelle 

indipendenti del festival. Ci sarebbero anche i Filewile, 

ma che siano in parte sudafricani lo si evince solo dalla 

lingua; e la Phenomenal Handclap Band, debole però 

rispetto agli Antibalas di cui è cugina prima. Un consiglio, 

infine, al gruppo pop inglese Egyptian Hip Hop: vadano al 

Cairo a suonare il loro indie neo rave di maniera, magari là 

l’ingiustificata strafottenza del nome che hanno scelto sarà 

più apprezzata. 

Dove Rennes, Francia 

Quando dicembre 2011 

Online www.lestrans.fr 


U. Srinivas

36 Mondomix.com / 360° Manresa 

La giornata nazionale della Rete 

Italiana di Cultura Popolare 

di Luisa Perla 

La cultura popolare ci ricorda chi siamo, la nostra identità, 

rappresenta un patrimonio di alto valore, è storia viva, 

l’anima dei luoghi e delle persone, memoria collettiva 

delle tradizioni e delle radici che tessono l’esistenza e la 

peculiarità di un territorio. In un mondo dove tutto è veloce 

e molti aspetti della vita sono insicuri il 13 dicembre ci 

fermiamo e ritroviamo noi stessi, riscopriamo il piacere di 

raccontarci storie e di vivere emozioni forse dimenticate… 

13 dicembre 2010 

4° Giornata nazionale della rete italiana di cultura popolare 

Durante il giorno di Santa Lucia riaccendiamo le luci sulla 

cultura popolare: migliaia di persone, che sono alla base di 

una rinata volontà, scelgono di sostenere la salvaguardia 

delle proprie identità e della cultura che la esprime, nel 

continuo confronto con le altre. La Rete Italiana di Cultura 

Popolare è un organismo di soggetti locali che svolge un 

lavoro di sistema, e che, nel rispetto delle singole peculiarità, 

attua politiche culturali nazionali ed internazionali, nelle 

quali i territori condividono azioni, risorse e valori in 

progetti comuni, creando sinergie tra soggetti diversi. La 

Rete Italiana svolge contemporaneamente attività di studio 

e ricerca, di progettazione e programmazione di azioni 

mirate alla individuazione, tutela e valorizzazione, nel solco 

della modernità, delle tradizioni e delle diverse espressioni 

di socialità culturale. La Rete è dunque una realtà, un 

punto di riferimento essenziale per chi voglia affrontare in 

Italia il tema della cultura popolare. Proteggere ciò che è 

particolare, attraverso la sua comunicazione e fruizione, 

attraverso il sistema di “territori in rete” (che non ha eguali 

in Italia), per veicolare quei saperi che vengono spesso 

trasmessi solo oralmente, ma al tempo stesso farlo uscire 

dall’isolamento intessendo relazioni che costruiscono un 

sistema. Di più. Non solo valorizzare saperi volatili, ma 

affermare la Cultura dei territori, il rispetto per i Maestri 

del sapere popolare, il rinnovato interesse dei giovani 

per la Tradizione: adoperarsi affinché si affermi una vera 

globalizzazione delle diversità culturali. In un luogo in cui i 

saperi si sono sedimentati, reinventati, sovrapposti a quelli 

di molti altri, il compito della Rete è quello di comunicare 


portando in piazza e in ogni luogo d’Italia danze, musiche, 

teatro, artigianato ed enogastronomia per rappresentare, 

trasmettere alcuni principi della tradizione, che in sé 

avevano già il germe del “tradimento”. Il tradimento è un 

modello positivo nella costruzione di un rapporto con la 

propria o qualsivoglia radice: nel momento in cui un “attore” 

riporta al pubblico un racconto o un canto, ometterà alcuni 

particolari e ne includerà altri, lo trasformerà in una sua 

personale interpretazione. Diversa la grana della voce e 

diversa la fisicità di chi agisce. 

Lunedi 13 Dicembre in Italia si riaccendono le luci.... 

Proclamata la “Giornata Nazionale della Rete Italiana di 

Cultura Popolare” il 13 Dicembre è una giornata di festa 

e di feste, nel quale si celebra la cultura popolare e nel 

quale si illumina la Tradizione attraverso la sua tutela, la 

reinterpretazione e l’innovazione. Associazioni, artisti, 

scuole, musei, enti locali, biblioteche e singoli cittadini, 

tutta la cultura in rete non solo virtuale, si attivano sul 

proprio territorio. Ogni manifestazione si unisce alla miriadi 

di espressioni organizzate e distribuite sull’intera penisola 

italiana, lanciando un forte messaggio per la valorizzazione 

di una componente fondamentale del nostro patrimonio 

culturale: La Cultura Popolare e i beni immateriali. 

Molteplici eventi in contemporanea ramificati in tutta Italia 

evocano, raccontano e registrano rituali, comportamenti, 

prodotti dell’immaginario ed espressività, a dimostrazione 

di come la cultura popolare sia radicata ai territori, con 

usi, costumi, tradizioni che mutano da area ad area. Ma 

nell’insieme c’è vitalità, c’è relazione, un unicum dei saperi 

popolari. Incontri, spettacoli, racconti, poesie, musiche 

e danze in musei, biblioteche e una miriade di spazi di 

Piemonte, Toscana, Veneto, Lazio, Abruzzo, Campania, 

Puglia e Sicilia. Una vivacissima giornata che unisce 

zampogne, pupi, poeti a braccio, arpe celtiche e courente 

occitane. 

Online www.facebook.com/profile.php?id=1796947704 

XIII Fira Mediterrània 


Per metà dedicata alla musica e per il resto atomizzata 

tra teatro, circo, attività pedagogiche e turistiche, la Fiera 

Mediterranea invade la cittadina catalana a una sessantina 

di chilometri da Barcellona con l’appeal del festival folk di 

livello europeo e la forza fisica della sagra di paese. Una 

miscela che conquista fin dal primo assaggio, quando 

si attraversano gli stand gastronomici e artigianali per 

raggiungere il teatro Kursaal, sede dei live di punta che 

fanno regolarmente registrare il tutto esaurito. 

È lì che sfilano due delle tre regine del festival: venerdì 

sale sul palco la palestinese Rim Banna, combattiva 

nei contenuti a favore del suo popolo, magnetica nella 

presenza scenica, impeccabile nelle esecuzioni vocali 

ma un po’ penalizzata da arrangiamenti innocui; sabato 

sale in cattedra Franca Masu, che incanta scalza con la 

sua Sardegna di casa in Catalogna, con un soul senza 

passaporto che si tinge di jazz, swing, lirica e trova nel 

piano di Mark Harris un formidabile compagno di viaggio 

sorretto dal contrabbasso di Salvatore Maltana e dalle 

percussioni di Roger Soler. La terza sovrana la incontriamo 

giovedì all’aeroporto di El Prat, da cui raggiunge con noi il 

gruppo per lo show della sera stessa. È l’algerina Hasna 

El Becharia, e il suo concerto nel tendone più suggestivo 

per collocazione, sulla Plaça del Milcentenari, si presenta 

diviso in due. La prima parte sciorina blues arabo, con la 

chitarra elettrica tra le mani della signora; il secondo tempo 

sale verso la trance, con la sciantosa a dettare il ritmo sul 

guembri e la sontuosa ballerina del gruppo scesa in mezzo 

al pubblico per guidare le danze. Lo stesso spazio compete 

venerdì sera alla sempre convincente Amsterdam Klezmer 


37 

Band, il cui rodato set non ha problemi a sganciarsi dal 

Danubio e dal Mare del Nord per immergersi nel bacino 

del Mediterraneo. Scenario comune anche a Moussu T 

E Lei Jovents, vecchi animali notturni per nulla intimoriti 

all’idea di esibirsi sabato notte alle 2, e che gigioneggiano 

mischiando i brani del disco più recente a quelli dei tre 

precedenti, ormai classici a tutti gli effetti della nuova 

canzone d’autore glocal europea. 

Questa cittadina a saliscendi di 75.000 abitanti, dominata 

da monumenti imponenti come la Basilica di Santa Maria 

de la Seu e la Cova in cui visse Sant’Ignazio di Loyola, è in 

realtà un paese dei balocchi per i bambini. Ci sono giochi 

ovunque, e 1.300 scolari partecipano alle attività ludico 

educational della Fiera. Né mancano i piccoli spettatori 

al live pomeridiano di Mimmo Epifani & Epifani Barbers, 

catapultati con pizzica e mandolino sul palco dell’area 

gastronomica. Tra birre artigianali e crocchette di baccalà, 

il loro set conquista un’audience trasversale; ci sono 

curiosi, ballerini d’istinto e gran feeling diffuso, mentre 

sotto il profilo artistico piace l’utilizzo contemporaneo 

di fisarmonica e organetto diatonico. Tra le glorie locali, 

guidate dallo scontato bagno di folla per Miquel Gil, la vera 

sorpresa sono gli itineranti Residual Gurus, riciclatori di 

materiali in disuso che con i loro strumenti inediti giocano 

alla riproduzione meccanica dei ritmi techno. 

Il resto è Loggia Professionale, ovvero stand, contatti, 

presentazioni, incontri. Lì ci imbattiamo nello spazio 

M.E.I., kermesse nostrana sempre più attenta alla galassia 

world, come pure nell’edizione numero 44 del colombiano 

Festival de la Leyenda Vallenata, spettacolare kermesse 

di organetti diatonici in programma a Valledupar dal 26 al 

30 aprile 2011. Nonché nel lancio in grande stile dei suoi 

targati Baleari e in un meccanismo della Fira Mediterrania 

molto apprezzato dai delegati: gli iscritti sono obbligati a 

richiedere i biglietti gratuiti spettacolo per spettacolo, in 

modo che ciascun promoter sappia quali degli operatori 

presenti hanno scelto il suo artista e possa contattarli in 

futuro per feedback, proposte e nuovi progetti. 

Dove Manresa, Spagna 

Quando 3-6 novembre 2011 

Online www.firamediterrania.cat


Un incontro piccante 

di Luca Vergano 

illustrazioni Cristina Amodeo 

Per favore, mi porta un’altra ciotola di peperoncino? 

Non sono ancora arrivate le prime portate che Shujaat ha 

già finito una ciotola di peperoncino. Qualche cucchiaio 

accompagnato da nuvole di drago, altri accompagnati 

soltanto da schiocchi di labbra di piena soddisfazione. Non 

male, penso, ma non così sorprendente visto che il titolo di 

un suo disco è Ammoré (sic) e in copertina è raffigurato un 

grande cuore fatto di peperoncini. 

Non posso farci niente – mi dice – mi piace mangiare 

speziato. Sono cresciuto così, la cucina di casa nostra era 

molto speziata, persino per le abitudini indiane. 

Un istante dopo Shujaat è di nuovo immerso nella 

conversazione. Al tavolo ci sono Renzo, che sta producendo 


il suo disco, Fabio (che si occupa della registrazione), 

Federico, che sul disco suonerà le tabla e che si rivolge 

come ogni allievo deve fare chiamando Shujaat guruji. 

Loro parlano di raga, di tempi, battono le dita sul tavolo e 

contano. Io continuo ad osservare affascinato la quantità 

di peperoncino che Shujaat continua ad ingurgitare. 

Shujaat suona il sitar, per capirci quello strumento a corde 

che a un certo punto l’hippie Franchino sfoggia in Fantozzi 

Subisce Ancora. Solo che, a differenza di Franchino, 

Shujaat proviene da una delle dinastie di musicisti classici 

più famose ed importanti dell’India, addirittura risalente al 

musicista di corte dell’imperatore Moghul Akhbar, attorno 

1600. Lui stesso è un Ustad, un maestro. Un po’ come 

essere a tavola con Benedetti Michelangeli, ecco. 

A tavola però il peso di tutta questa 

dinastia scompare. Ustad Shujaat è 

molto molto divertente, in un modo 

asciutto e anche un pò sarcastico. 

Qualche tempo fa gli è stato 

presentato un ragazzo italiano che 

suona il sitar e che si era esibito in 

Vaticano. 

Shujaat stringendogli la mano lo 

guarda e gli dice, estremamente 

serio, So, I am classic sitarist and you 

are pope sitarist. C’è voluto un attimo 

per tutti per capire la battuta. Ma 

poi c’era gente a cui il peperoncino 

usciva dal naso, dal ridere. 

Ovviamente il peso della dinastia 

si sente quando Ustad Shujaat si 

siede e comincia a registrare. Non 

capisco niente di musica indiana, 

ho l’approccio contadinesco mi 

piace/non mi piace. Ma lui è davvero 

entusiasmante. Per la sua capacità 

di rendere i lunghissimi brani tipici di 

questa musica qualcosa che passa 

alla velocità della luce, per la sua 

capacità di far seguire una dietro 

l’altra frasi morbide, estremamente 

melodiche. Come uno che spiega il 

Mahabarata ad un bambino senza che 

il linguaggio semplice ne diminuisca 

di un grammo la forza poetica. 

Nel frattempo arrivano i piatti e su 

ogni raviolo cinese Ustad Shujaat 

mette due cucchiaiate di peperoncino. 

Ne aggiunge persino sul pollo in 

agrodolce, che già aveva specificato 

desiderare very spicy. 

Improvvisamente capisco perché 

mi faccia così sorridere la sua 

propensione al peperoncino. Il 

maestro mi ricorda moltissimo il 

personaggio di un libro che ho appena 

finito, il detective Vish Puri. Vish Puri, 

della Investigatori Privatissimi Ltd. ha 

una passione notevole per il cibo, grande classico della 

letteratura poliziesca. Ma è in altre cose che Ustad Shujaat 

e Vish Puri si assomigliano. 

Anche il detective Vish Puri ha una grande cultura classica. 

Anche Vish Puri tende ad una certa pinguedine. E anche 

Vish Puri adora il peperoncino, in particolare la qualità 

Naga Morich, che sembra essere quella più piccante del 

mondo. Non so se Ustad Shujaat li coltivi sul tetto di casa 

sua come Vish Puri. Ma non oso del tutto chiederglielo. 

D’altronde nessuno chiederebbe a Benedetti Michelangeli 

se mangia la caponata come Montalbano, no? Però gli 

chiedo delle spezie. 

Le spezie in India ovviamente hanno un valore igienico 

altissimo – dice. Aiutano a conservare il cibo, aiutano a 

digerire meglio, aiutano a stare bene in un posto che a 

livello climatico è molto difficile. 

Ma la questione è ancora più ampia a quanto pare. Shujaat 

si rivela abbastanza ferrato e in grado di approfondire il 

discorso gastronomico. Ovviamente senza interrompere 

di mangiare, aggiungendo cucchiaiate di peperoncino su 

ogni piatto. 

Anche il mangiare seduti con la schiena dritta, come viene 

insegnato fin da bambini, è per far sì che la digestione 

incominci immediatamente. E poi tutte le regole su cosa 

mangiare in quale stagione… L’alimentazione è una 

questione complessa in una cultura complessa come 

quella indiana, mi dice mentre avvicina alla bocca una 

cucchiaiata di riso. 

Effettivamente, mentre ero ad Ahmedabad qualcuno mi 

aveva detto, ad esempio, che è meglio non mangiare 

cibo fritto nella stagione dei monsoni. Perché l’umidità 

e i cambi di tempo improvvisi rendono estremamente 

difficile digerire i cibi più pesanti. Io ovviamente me ne ero 

guardato bene adorando in maniera smodata i Samosa 

ed essendo curioso di assaggiare le ricette di uova degli 

eunuchi raccontate nel capitolo uno. Ma Ustad Shujaat di 

questa regola sembra non saperne niente. 

Questa cosa non l’ho mai sentita – dice – ma potrebbe 

essere. D’altronde ogni stato ha le sue particolarità 

culturali. 

E non solo ogni stato, mi sembra. Gli chiedo del curry, 

che qui molti considerano una spezia mentre è in realtà 

un metodo di cottura basato su una miscela di spezie, che 

addirittura cambia di casa in casa. 

Sì è vero! E a casa mia era sempre molto piccante. 

Non ne dubitavo, a dire il vero, ma mi trattengo dal dirlo. 

Però questo mi dà qualche indizio sul perché della scarsa 

attrattiva della cucina italiana nei confronti degli indiani. 

Scarso entusiasmo riscontrato più di una volta, soprattutto 

quella volta che, ad Ahmedabad, io e altri italiani 

decidemmo di ringraziare la nostra amica Mansi – che 

aveva cucinato per noi strepitose Aloo Paratha e altre cose 

buonissime – con la più tradizionale delle spaghettate. 

Eravamo persino riusciti a trovare il parmigiano, anche se 

quello già grattuggiato. 

Buono – aveva detto Mansi, molto gentile ma poco 

convincente. 

Sei sicura? - le abbiamo chiesto – non sembri così 

contenta… 

The Street Foodie 

È solo che è un po’… tasteless (insipido). 

So long, orgoglio italo-centrico. 

Quando lo racconto a Shujaat, si mette a ridere. Sì, 

probabilmente è vero – dice. 

Anche mio padre amava magiare molto speziato – mi dice 

quando la discussione al tavolo si sposta dalla musica. 

Il cibo a casa nostra ha sempre avuto un forte valore 

simbolico. Mia madre cucinava moltissimo quando mio 

padre tornava dalle tournée, cucinava quando riceveva 

qualche riconoscimento particolare. E ovviamente cucinava 

nelle grandi occasioni. 

Ma allora qual è il suo piatto preferito? 

39 

Il Biryani che faceva mia madre. Era il piatto delle occasioni 

più speciali. Da piccolo quando sentivo che si avvicinava 

il momento di mettersi a tavola. Ancora adesso non sono 

riuscito a trovare nessuno che riuscisse a rendere la carne 

così saporita, così morbida. Si scioglieva in bocca. 

Ecco. La cucina di mammà. E mentre Ustad Shujaat 

si alza per ritornare in studio di registrazione penso al 

titolo del suo disco. E penso che forse, sarebbe stato più 

appropriato That’s Amoré. 

Cosa The Street Foodie è un progetto di Luca Vergano e 

Cristina Amodeo. Luca scrive e Cristina illustra. 

Online www.thestreetfoodie.com 

Chi Shujaat suona, canta, viaggia, compone. Potete leggerel 

la recensione di Dil, il suo ultimo CD, a pagina 46 

Dove Il ristorante in cui è avvenuta questa conversazione è a 

Torino, si chiama La Via Della Seta ed è molto buono, non il 

solito cinese convenzionale.. 

10 PRIMAVERA 2011

40 Mondomix.com / RECENSIONI 

mA r i o lu c i o 

Kreol 

Lusafrica / IRD 

Recensioni 

Harry Belafonte, Pablo Milanés, 

Cesaria Evora, Toumani Diabate, 

Teresa Salgueiro, Milton Nascimento, Mario Canonge, 

Ralph Thamar, Awa Sangho, Gorée Afro Djembé. Questa 

la lista dei partecipanti al viaggio del musicista, autore, 

avvocato e parlamentare di Capo Verde che in diciassette 

tracce, maturate lungo 92.482 chilometri, cuce Africa e 

Sudamerica nell’ideale cerniera lampo culturale, sonora e 

umana dell’Oceano Atlantico. Al grande mare, Matrimonio 

dell’Umanità, è dedicato l’ambizioso colossal, esaltazione 

della natura creola delle persone e delle cose come 

moltiplicatore di ispirazione e opportunità. Un concept album 

limpido negli intenti e, ovviamente, assai articolato nello 

svolgimento. Si resta a bocca aperta di fronte all’incanto 

eterno della voce di Milton Nascimento, vinificato in purezza 

nella liquida Mar di Tarrafal; e ci si culla nel languore di una 

Hora de Andorinha sospesa in cielo da Teresa Salgueiro e 

Pedro Joia. Affonda nello spirito il Planet con voce narrante 

engagé di Harry Belafonte; nuota in onde fresche il Mar 

azul, proprio quello, condiviso con la maestra Evora. Vive di 

grandi intrecci a tutta corda la Mae Mother di cui è complice 

Toumani Diabate; e muore in cielo all’inizio la sontuosa 

produzione da messa creola senza strumenti Na Capella. 

Quando c’è da infondere brio a Santa Catarina Ossiana o 

a Come Black, ecco pronti i disinibiti Gorée Afro Djembé, 

dalla memoria lunga. Kreol è un disco che a ogni ascolto 

rivela nuovi dettagli, sfumature, colori; non scadrà mai. 

Paolo Ferrari 

Puoi scaricare gratuitamente il PDF di 

Mondomix Italia dal sito 


rA b i h Ab o u-Kh A l i l 

Trouble In Jerusalem 

Enja / Egea 

Un piccolo miracolo quello che si 

verificava nel 1996 quando, in archivi 

russi, veniva rinvenuto un esemplare di un classico del 

cinema muto tedesco, Nathan il saggio, opera del 1922 di 

Manfred Noa che era stata messa al bando dal nazismo per 

il suo invito alla tolleranza religiosa. Accusata di simpatie 

per l’ebraismo, tutte le copie rintracciate venivano distrutte. 

Restaurato con il patrocinio di ZDF e Arté, il film è tornato 

recentemente a nuova vita anche grazie alle musiche qui 

contenute. Non si sarebbe potuto scegliere un autore più 

adatto alla bisogna di questo compositore libanese virtuoso 

dell’oud, da sempre propenso alla contaminazione della 

tradizione mediorientale con influssi europei e di jazz. 

Questa immersione in un ambito sinfonico patisce qualche 

momento un po’ ingessato, ma nel complesso regala 

suggestioni non banali. 

Eddy Cilìa 

lë K sè n 

Burn 

Black Eye 

Brucia davvero il talento del giovane 

cantautore senegalese, in rampa di 

lancio per un exploit in Francia e non solo. Da quelle parti 

lo sta aiutando la fiducia di Tiken Jah Fakoli, che se lo 

porta spesso e volentieri in tour: ovunque pesa l’attestato 

di stima di Amadou Bagayoko, la metà maschile della 

coppia d’assi Amadou & Mariam, qui presente come ospite 

in Massamba, ossessiva progressione in mirabile equilibrio 

tra groove da club, profondità blues e ispirazione rurale. 

Il ragazzo arriva infatti da un contesto extra urbano, un 

villaggio di pescatori dalle parti di Dakar chiamato Ngor; 

transitato dalla capitale, è subito approdato a Parigi. Dove 

gli incontri sono stati tanti e proficui. Il reggae, innanzitutto: 

senza essere un artista di genere, Sèn vi attinge sia per 

piglio vocale, a partire dai primi secondi dell’iniziale, 

calorosa e radiofonica Life, che per connessione diretta 

con la Giamaica, il cui temperamento è rappresentato da 

Kiddus I, a sua volta agile nel districarsi in contesti ritmico 

melodici spiazzanti come quelli che lo mettono alla prova 

in Sa Nitee, intrisa di mala, e Nekaal, addirittura una ballata 

acustica il cui approccio rimanda a Buju Banton o Anthony 

B. Spalle larghe sotto il profilo della formazione musicale, e 

grana vocale di impressionante maturità: Burn è la canzone 

giusta, tra sufferin alla Burning Spear e poetica alla Pierre 

Aquendengué, per apprezzare il peso specifico di un 

ragazzo ben sostenuto in produzione dai Dirty District e da 

una band imbottita di ospiti di prima scelta. 

Paolo Ferrari 

AA VV 

Capo Verde Terra d’Amore 2 

Microcosmo Dischi / Edel 

Capo Verde Terra d’Amore. Basta solo il 

titolo per richiamare alla mente suoni e 

immagini assolutamente inconfondibili. Voci di morna, voci 

dal suono carezzevole che cantano della malinconia vestita 

di gioia caratteristica dell’arcipelago. Voci indimenticabili 

che abbiamo conosciuto nel corso degli anni fra le quali 

spicca, regina incontrastata, quella di Cesaria Evora, ma 

anche quelle della giovane Lura e del grande compositore 

Teofilo Chantre. Questo album è ricco di collaborazioni 

con importanti figure della scena pop nostrana e non solo. 

Da Ron (che duetta con Cesaria Evora) a Bruno Lauzi o 

al duo Magoni-Spinetti (Musica Nuda). Da Peppino di 

Capri a Frankie Hi-Nrg Mc, da Massimo Ranieri a Franca 

Masu includendo anche il pianista cubano Omar Sosa e la 

cantante polacca Kayah che qui canta in italiano duettando 

con Teofilo Chantre. Un ponte musicale fra la melodia 

cantata in lingua italiana e i suoni creoli capoverdiani. Se 

può essere utile a dischiudere le orecchie ottuse di alcuni 

nostri compatrioti ben venga, anche se personalmente non 

potremmo mai rinunciare agli originali. 

Elisabetta Sermenghi 

AFRICA 

As m A r A All stA r s 

Eritrea Got Soul 

Out / Here 


41 

musiques et cultures dans le monde 

MONDOMIX 

Mi ama 

Sono pienamente giustificate le ambizioni internazionali 

implicite nel titolo dell’album in cui il produttore francese 

Bruno Blum fa confluire una ricca messe di fonti di 

ispirazione, per un risultato finale multicolore, cosmopolita 

e di grande attualità. Tutto con un retrogusto inconfondibile, 

quello delle scene reduci da recenti tragedie belliche 

e dunque cariche di entusiasmo e motivazioni derivati 

dalla sensazione diffusa di essere fuori da un periodo di 

surgelamento artistico. Le stelle di questo intraprendente 

firmamento indipendente provengono da esperienze 

differenti, e il nome del combo lo sottolinea. Non deve 

quindi stupire se l’umido e sensuale dub reggae Amajo, 

condotto dalla voce di Faytinga, convive senza stridori 

con il sanguigno blues Ykre Beini, cantato da Temasgen 

Yared, mentre lo spirito da club espresso dal titolo del cd 

si esalta nel travolgente funky jazz rap Adunia. Esperienze 

trasversali, come del resto la selezione generazionale 

operata da Blum sul posto, che spazia da personaggi 

di grande esperienza come Brkti Weldeslassie e Ibrahim 

Goret ad altri recentemente emersi. Per quanto concerne 

la band, Blum ha puntato sulla massima fedeltà al suono 

analogico locale, incidendo all’Asmara con ampio utilizzo 

di fiati e organo da funky americano. Sotto, brucia il fuoco 

di una scuola jazz etiope che dagli Anni Cinquanta ha 

pochi rivali nel continente; sopra, il governo dell’Asmara 

può essere soddisfatto dell’incarico affidato al produttore 

francese per contribuire alla fine dell’isolamento culturale 

del paese. 

Paolo Ferrari 

no u r - e d d i n e 

Desert contemporain 

Helikonia / Egea 

Autore, multistrumentista (sentir, guimbri, 

tbal, dumbak, bouzouki) e vocalist, 

Nour-Eddine Fatty incarna in modo originale l’espressione 

contemporanea della musica marocchina aperta e attenta al 

resto del mondo. Marcato in buona sostanza dalla presenza 

della trance gnawa, personificata dal contributo eccellente 

del quartetto Gnawa Bambara, il disco si avvale anche 

dell’apporto del fiatista Davide Grottelli per indirizzare il 

suono verso i territori dell’improvvisazione. È dall’apparente 

contrasto tra fissità della tradizione e libertà di movimento 

che sgorgano i momenti migliori dell’incisione. Le incursioni 

delle tabla di Sanjay Kansa Banik concorrono ad ampliare 

il quadro d’insieme. Desert contemporain è un ulteriore 

esempio di produzione world, però ben congegnata. 

Piercarlo Poggio

42 Mondomix.com / RECENSIONI AMERICHE 

EUROPA 43 

AA VV 

Bossa Nova 

Soul Jazz / Family Affair 

Puoi scaricare gratuitamente il PDF di 

Mondomix Italia dal sito 



MONDOMIX 

Mi ama 

Può capitare che sia un libretto a fare imperdibile un 

prodotto discografico? Con i signori della Soul Jazz 

è quasi la norma e non certo perché musicalmente le 

loro uscite risultino deficitarie. Al contrario! Pur con 

qualche assenza inevitabile (una però è clamorosa) 

dovendo comprimere in due CD una storia tanto ricca, 

come manuale di bossa nova – presenti da Elis Regina 

a Joao Gilberto, da Jorge Ben a Edu Lobo passando 

per Sérgio Mendes e Baden Powell, Gilberto Gil e Maria 

Bethânia, Vinícius de Moraes e Milton Nascimento – 

questo doppio è uno dei migliori immaginabili e dire che 

in commercio ce ne sono a decine, o più probabilmente 

a centinaia. Nessuno dei quali può però farsi forte di 

settantasei pagine di narrazione e analisi minuziose di 

come nacque la musica pop brasiliana più sofisticata di 

sempre, come conquistò il mondo, perché declinò. 

Eddy Cilìa 

mA r iA be t h â n iA 

Amor, Festa e Devoção ao Vivo 

Biscoito Fino / Family Affair 

Doppio cd dal vivo per celebrare la più 

recente tournée mondiale della sovrana 

del Tropicalismo e salutarne al tempo stesso 45 anni di 

carriera. E Doppio merito: due cd secchi, senza il solito 

pasticcio del cd + dvd; e un recital di classe immortalato 

per intero.Va da sè che non sono queste li circostanze in 

cui rinvenire aperture verso il futuro o ardite scommesse. 

La cantante e discografica carioca incastra nel programma 

qualche canzone recente, tratta dai cd complentari 

Encanteria e Tua, per dare fiato nella cavalcata di 55 tutoli 

a un uragano di classici. Ci sono ovviamente Explode 

coração e O que é, o que é, come pure perle del fratello 

Caetano Veloso della caratura di Dama do Cassino, Não 

identificado e Queixa. Tutto inciso nel corso della data 

casalinga del tour, tenuta il 12 e 13 marzo a Rio. 

Paolo Ferrari 

lA Zu r d A 

Acá y Ahora 

Pirca - Live Global / Self 

Con questo nuovo album, prodotto da 

Fabrizio Barbacci, La Zurda si ripropone 

alla platea mondiale con un sound più intenso, efficace, 

trasversale tra gli stili e senza quelle lievi sbavature che 

erano presenti in La Zurda e Para Viajar, i primi due progetti 

discografici del giovane gruppo argentino, con il quale il 

pubblico italiano ha stabilito un ottimo feeling durante le 

varie tournée della band nel Belpaese. Empatia dovuta al 

sangue italiano che questi ragazzi hanno ricevuto dai loro 

bisnonni emigrati in Sudamerica all’inizio del Novecento? 

Forse, ma ciò che colpisce e piace è la modernissima 

cifra stilistica di questa formazione, che si caratterizza 

per un levare latineggiante molto contagioso, per delle 

contaminazioni azzardate mescolando e frullando a ritmo 

giusto rock alternativo, rockblues, ska, reggae, world 

music, balada, accenti di tango, milonga, chacarera o 

versi di bolero latino. Un percorso certamente contromano 

che si evince sia dall’ampia sperimentazione di linguaggi 

ma anche dal panorama di strumenti impiegati: da quelli 

moderni (chitarra elettrica, batteria, piano, effetti hammond, 

samples, contrabbasso, fiati) a quelli tipici sudamericani 

(cuatro, charango, ronroco, cajón, bombo legüero). 

Presente e passato, modernità e tradizione sono gli 

ingredienti base amalgamati nella realizzazione di Acá Y 

Ahora, un cd che offre un ventaglio musicale molto ampio e 

variegato. A mantenere in alto lo spirito di questo piacevole 

viaggio ci aiuta Paolo “Pau” Bruni, il cantante dei Negrita 

intervenuto a duettare in italiano nello stupendo Como 

El Rio (tr. 12, bonus track), un brano acustico energetico 

con un refrain che ti conquista e comincia a canticchiarti 

in testa “ogni giorno passa e va rubando il nostro tempo 

/ tutto scorre e passa come il fiume”. Beh, per un po’ 

di giorni sei fritto, ti svegli e ti addormenti cantando o 

fischiettando questa strepitosa melodia che chiude l’ottimo 

Acà y Ahora. 

Gian Franco Grilli 

ce l s o Fo n s e c A 

Voz e Violao 

Microcosmo Dischi / Edel 

Una voce che canta in una lingua 

molto dolce (il portoghese brasiliano) e 

il suono della chitarra che l’accompagna. Celso Fonseca 

con questo suo nuovo lavoro Voz e Violao (CD + DVD) 

riesce a creare un’atmosfera talmente intima che più 

che alla registrazione live di un suo concerto tenutosi a 

Rio de Janeiro nel settembre 2009, si ha la sensazione 

di partecipare ad una serata fra amici con un omaggio ai 

successi dei più grandi nomi della musica brasiliana. Una 

volta tanto, l’affermato compositore anziché cantare brani 

di sua produzione si diverte a rileggere la musica altrui. Dei 

diciannove brani presenti, infatti, solo tre sono stati scritti 

da lui (Slow Motion Bossa Nova, Sorte e Febre). Pescando 

nell’immenso mare delle produzioni brasiliane Fonseca 

propone brani di Vinícius Cantuária, Erasmo e Roberto 

Carlos, Gilberto Gil e molti altri, oltre a una versione bossa 

di The fool on the hill dei Beatles. La colonna sonora ideale 

per un uggioso pomeriggio d’inverno. 


AA VV 

Calabria 1 strumenti. 

Zampogna e doppio flauto 

Taranta / Felmay 

La riedizione di questo disco, lungamente attesa, 

testimonia della prima robusta ricognizione su strumenti 

folklorici calabresi, condotta da Tucci, etnomusicologa 

e etno-organologa, oltre 30 anni fa. L’originale 

LP, corredato di un ricco apparato documentale - 

conservato e ampliato nella riedizione -, fu pubblicato 

ne I Suoni, collana ideata da Diego Carpitella, uno dei 

padri della moderna etnomusicologia. Ascoltare oggi le 

zampogne e i doppi flauti suonati da maestri della musica 

contadina calabrese dei tardi anni ‘70 e comprenderne 

l’orizzonte culturale di riferimento, è esperienza unica e 

possibile - in modo consapevole e libero da arcaismi o 

esotismi interni - proprio grazie alla riedizione. L’opera è 

disponibile anche in forma di libro con CD, pubblicato 

da Taranta-Besa. 

Daniele Sestili 

lA bA n d A d i ru V o d i Pu g l iA 

Musica sacra della 

Settimana Santa 


La scrittura bandistica dell’Italia del 

Sud, rivalutata in anni recenti, ha suscitato un inaspettato 

interesse nel mondo discografico e festivaliero legato alla 

musica world. Gli effetti dell’onda lunga sono percepibili 

anche nella presente produzione (tedesca), testimonianza 

di un live andato in scena nel 2009 nella basilica di Saint- 

Denis. In programma sei marce funebri di Luigi Cirenei e 

dei fratelli Antonio e Alessandro Amenduni affidate alle 

cure della Banda di Ruvo di Puglia (con Pino Minafra al 

flicorno) diretta da Michele di Puppo. Le esecuzioni 

sono di alta qualità e non soffrono l’estrapolazione dal 

contesto originario della processione. Pathos, emozione e 

sentimento del dolore si intersecano e si sovrappongono 

senza sosta, innescando quel connubio tra sacro e profano, 

spirituale e materia a cui è impossibile restare indifferenti. 

Piercarlo Poggio 

cA l i cA n t o 

Mosaico 

Calicanto / Felmay 

Sceglie una veste volutamente 

sobria, Calicanto, nel presentare il 

quattordicesimo lavoro in trent’anni di prestigiosa carriera. 

Primi a scavare nelle storiche relazioni sonore tra le 

sponde settentrionali dell’Adriatico, con accorto rigore 

da ricercatori, ma senza atteggiamento pedantemente 

filologico, intenti a riadattare la tradizione senza complessi 

(si ascoltino Pairis/Scottish saumonée e soprattutto O fia 

mia) ma non inseguendo effimere mode musicali. In più 

c’è la forza onirica, simbolica, visionaria di composizioni 

che sovente hanno come destinazione la scena teatrale. 

Ulteriore grande novità in Mosaico l’incontro riuscito con 

l’Orchestra Regionale Filarmonia Veneta e la scrittura del 

compositore Gianluca Baldi. L’iniziale Grechesca, ispirata 

a danze adriatiche dei secoli XV e XVI su testo plurilingue, 

o la speziata Vento di tramontana/Moresca arcana sono 

emblemi di un bel disco di gusto raffinato e fortemente 

stratificato sotto il profilo timbrico, contenente liriche 

tradizionali o di autori del territorio veneto (Andrea Zanzotto, 

Biagio Marin, Hugo Pratt): storie di ieri e di oggi di Venezia, 

della laguna, di genti adriatiche e mediterranee. 

Ciro De Rosa 

Je A n A le s l i e & 

si o b hA n miller 

Shadows Tall 

Greentrax / IRD 

Sono alla seconda prova discografica, 

dopo l’interessante debutto del 2008, le 

due pluripremiate giovani folksinger scozzesi uscite dalla 

Royal Scottish Academy Of Music. Isolana delle Orkney 

Jeana (voce, violino, Hardanger, piano, armonium), originaria 

dell’area di Edimburgo Siobhan (voce, piano, danza). Il duo 

si concentra su un repertorio di ballate tradizionali scozzesi 

ed irlandesi e di canzoni contemporanee. Non difettano 

di personalità vocale le due cantanti, accompagnate da 

chitarre, mandolino, contrabbasso e percussioni. Shadows 

Tall guadagna pienezza e fantasia negli arrangiamenti, di 

piglio quasi sempre energico. Cattura l’apertura di Johnnie 

o’ Braidisleys, protagonista il pianoforte. Si prosegue con 

i passaggi aggressivi di chitarra elettrica in Trooper and 

the Maid. Ancora sequenze vincenti di piano nell’antiwar 

song The King’s Shilling e in Alexander, dove splende 

l’ugola di Jeana. Armonie vocali perfette in Buttermilk Hill, 

ma altrove cala un po’ il tasso di creatività e trapela un 

certo accademismo. Segna ancora un picco il medley 

strumentale orcadiano The Giant Set, dove svetta il violino, 

mentre nelle splendide Who Will Sing Me Lullabies? e The 

Great Valerio, rispettivamente firmate da Kate Rusby e 

Richard Thompson, restiamo ammaliati dalla superba voce 

di Siobhan. 

Ciro De Rosa 



MONDOMIX 

Mi ama

44 Mondomix.com / RECENSIONI FUSION 

ASIA 45 


MONDOMIX 

AA VV 

Tradi – Mods vs. Rockers 

Crammed / Materiali Sonori 

La moderna tradizione dell’arcipelago Konono N° 1 

e Kasai Allstars faceva gola a dj, produttori e remixer 

di tutto il mondo, per cui l’etichetta titolare dell’onda 

Congotronics ha pensato di organizzare la materia in 

un’uscita dal titolo un po’ stiracchiato ma dalla sicura 

resa emotiva. Ci sono nomi importanti del rinnovamento 

conosciuto nelle ultime stagioni dal mondo dei club, 

di cui si percepiscono gioia e rispetto nell’affrontare i 

manufatti d’Africa: Animal Collective in punta di piedi, 

Juana Molina in stile artigianato intergalattico, Skeletons 

enfatico nel sottolinearne i pregi ipnotici. Nel secondo 

disco, dominano la scena i 10’ di Shackleton su Kasai 

Allastars, seguiti da Eye contro Konono; ma in generale 

l’assortimento è vario e le soddisfazioni fioccano, non 

solo sulla pista da ballo. 

Paolo Ferrari 

lu i g i cA m P o c c iA 

On the way to Damascus 

Dodici Lune / IRD 

Mi ama 

Da millenni la via di Damasco 

suggerisce ispirazioni a chi la percorre, 

anche solo con la fantasia. Nonostante questi tempi di 

disorientamento, restano gli artisti ad indicarci la direzione 

e Luigi Campoccia guarda verso est. Dopo avere acquisito 

strumenti e metodo dell’occidente, il pianista , tastierista 

e compositore toscano, usa gli ampi margini espressivi 

del jazz per inserirvi profumi e suoni che riportano ad una 

tradizione più antica, quella mediterranea, di cui Damasco è 

il simbolo e che affonda le sue radici nelle terre d’oriente. Da 

laggiù, dalla Turchia in particolare - Paese che si è sempre 

distinto per fattori linguistici, religiosi e sociali dal resto 

del Vicino Oriente - giungono il chitarrista Önder Focan (di 

formazione montgomeryana) e lo specialista di ney (antico 

flauto anatolico) Aziz S. Filiz, i quali adattano le rispettive 

tecniche e ispirazioni ad un progetto ibrido (oltre al jazz, 

echeggia il tango), contaminato e variegato. Da ascoltare 

sorseggiando te alla menta. 

Giulio Cancelliere 

PA o l o Fr e s u, A Fi l e t tA 

co r s i cA n Vo i c e s, dA n i e l e 

d i bo n AV e n t u r A 

Mistico Mediterraneo 

Ecm / Ducale 

In Corsica la corale A Filetta rappresenta una delle migliori 

espressioni della polifonia isolana. L’ensemble diretto 

da Jean-Claude Acquaviva nell’occasione incontra in 

campo aperto le improvvisazioni di Paolo Fresu e Daniele 

di Bonaventura. L’etnojazz che ne scaturisce è piuttosto 

lontano dalle solite forme di crossover e punta con decisione 

verso il dettaglio delle coloriture e la cura dei particolari 

timbrici. Situazioni ad effetto non ve ne sono: l’interazione 

fra le voci incantatorie di A Filetta, il flicorno di Fresu e il 

bandoneon di Di Bonaventura è improntata a un’intimità 

fatta di ascolti reciproci. E se Mistico Mediterraneo può 

per certi versi essere accostato a esempi illustri (Garbarek/ 

Hilliard, ad esempio) per altri se ne distacca decisamente 

in virtù di una maggiore concretezza. 


re n A u d gA r c íA-Fo n s 

Méditerranées 


Nato per mischiare musiche e unire 

e trascendere mondi il francese (di 

origini spagnole e italiane qui orgogliosamente rivendicate) 

Renaud García-Fons, “il Paganini del contrabbasso a 

cinque corde”, come lo ha soprannominato qualcuno: studi 

classici al conservatorio (e prima ancora di entrarvi suonava 

pianoforte e chitarra), un flirt con il rock nell’adolescenza, la 

passione per il jazz che finisce per prendere il sopravvento 

ma è un jazz in sempiterno dialogo con altre musiche. 

Principalmente etniche ma non solo, principalmente del 

Mediterraneo ma non solo. Qui invece sì ed è un viaggio 

straordinariamente fascinoso, che dal punto più a sud della 

penisola iberica giunge sino al Bosforo, per poi andare 

in Egitto e completare il cerchio tornando a Gibilterra. 

Eccellenti i musicisti che si rendono complici del Nostro, 

ma è il suo strumento il mattatore. 

Eddy Cilìa 

le e "s c r At c h" Pe r r Y 

Revelation 

Politur / Egea 

L’instancabile settantaquattrenne 

Lee “Scratch” Perry, una delle ultime 

icone del reggae internazionale, nel 2010 è tornato nelle 

sale d’incisione per proporci la sua Revelation. Grazie ai 

musicisti Steve Marshall e George Clinton il disco è ricco di 

arrangiamenti in perfetto stile dub ma l’eclettismo generale 

legato a un turbine infinito di parole buttate alla rinfusa non 

rende giustizia delle glorie passate del suo autore. Rispetto 

al precedente The Mighty Upsetter il vecchio Scratch 

sembra aver perso parecchio smalto. 

David Valderrama 


ViJ AY iY e r / Pr A s A n n A / 

nitin mi t tA 

Tirtha 

Act 

FELMAY 


MONDOMIX 

Mi ama 

AA VV 

The Roots of Chicha 2 – 

Psychedelic cumbias 

from Peru 

Barbès Records / Crammed / Materiali Sonori 

Strepitoso secondo volume di cumbias peruviane risalenti 

alla fine degli anni sessanta. Questa raccolta, che prende il 

nome da un liquore a bassa gradazione alcolica di origine 

Inca (Chicha), in realtà non è da considerarsi un sequel 

del precedente The roots of Chicha – 2007 ma piuttosto 

una integrazione al già pregevole lavoro uscito tre anni 

fa. In questo secondo volume, a dispetto delle originali 

sonorità amazzoniche, vengono presi maggiormente 

in considerazione l’aspetto urbano e le prime influenze 

cubane e andine che hanno avuto un ruolo fondamentale 

nell’evoluzione di questo tipo di musica. Esplosa alle fine 

degli anni sessanta nella città disseminate lungo la parte 

amazzonica del Perù, la cumbia amazzonica (poi chicha) 

fu un fenomeno profondamente urbano, incorporava 

folklore andino, musica creola di discendenza hispanica, 

guajira cubana e sintetizzatori moderni. Sedici brani 

molto gradevoli e trascinanti che ci condurranno a zonzo 

fra epoche e altitudini diverse. 


file under 

emin yağci 

turkey 

world music 

Felmay • strada roncaglia 16 • 15033 san germanoAL • italy 


Lunghissimo, storicamente consolidato 

e nondimeno sempre fonte di sorprese il rapporto fra jazz 

e musica indiana, “due etichette inadaguate – ricorda Iyer 

stesso nelle note di copertina – a racchiudere una massa di 

informazioni e un archivio di conoscenze immensi… orizzonti 

di possibilità sconfinati”. Pianista di genitori indiani ma nato 

e vissuto sempre a New York, Vijay Iyer getta su questi 

orizzonti uno sguardo ovviamente precipuo, ben diverso – 

per dire – da quello di un John McLaughlin ma per certo 

non lo stesso nemmeno del pianista Prasanna, originario 

di Madras, o del tablista Nitin Mitta, di Hyderabad. Risiede 

probabilmente proprio nel confronto fra sensibilità diverse, 

ma capaci di trovare un’armoniosa sintesi, il segreto del 

successo di un disco che innesta le spigolosità del bebop 

nel contesto di intimismo cameristico che è del raga. 

Eddy Cilìa 

P Felmay 2011 

fy 8173 

P Felmay 2009 

em i n YA g c i 

Tulum. 

A sound from the Black Sea 

Felmay / Egea 

L’anno si apre per la Felmay con un 

disco pionieristico, tutto dedicato ad uno strumento 

poco noto e ben poco registrato come la zampogna 

(organologicamente un “aerofono a sacco con bordoni”) 

tulum, diffusa in Turchia lungo coste del Mar Nero. Il tulum 

risuona soprattutto, ma non esclusivamente, tra i Lazi 

(Lazlar) gruppo etnico che vive lungo le regioni costiere del 

Mar Nero a cavallo tra Turchia e Georgia, in repertori per 

la festa e la danza. All’ascolto del primo brano si è colpiti 

dalla vicinanza con il mondo macedone, bulgaro, quasi 

il tulum fosse un testimone sonante dell’antica Tracia. 

Riporta al presente l’energia e l’intensità dello straordinario 

performer, cantore e poeta Emin Yagci, spesso affiancato 

da altri strumenti tradizionali come il liuto baglama o la viella 

kemençe, registrato ad Ankara grazie ad una complessa 

iniziativa coordinata da Francesco Martinelli e Cenk Güray 

ai quali si devono le esaustive note di copertina. 

Giovanni De Zorzi 

8173_digipack0236.indd 1 24-11-2010 14:41:04 


MONDOMIX 

Mi ama 

en s e m b l e mo s h tA q 

14 Cheerful Pieces. 

Quatorze morceaux pour un 

redécollage 

Buda Records / Felmay 

Nuova, fresca, giovane musica fiorita nello spirito 

del radîf classico, così che ritorna alla mente il verso 

del poeta Mowlana Jalâl ud-Dîn Rûmî (1207-1273): 

“In realtà dal frutto è nato l’albero”. Nella sua chiara 

sobrietà si dispiega qui quella naturalezza, elegante 

e senza tempo, dalla quale si sono allontanate le 

artificiose composizioni di certi gruppi alla ricerca di 

“nuovi approcci”. I brani composti dal direttore e solista 

Reza Ghassemi rifulgono in due suites – la prima in 

Bayat-e Tork, la seconda in Rast Panjgah – grazie ad 

un organico insolito: quattro liuti setâr (Ghassemi, Aydin 

Bahramlou, Babak Moayedoddin, Sepideh Raissadat) 

e il flauto ney haftband suonato da Javid Yahyazadeh. 

Su questo tessuto svettano i versi della poesia persiana 

classica (Mowlana, Sa’di, Hafez, e il più recente Savoji) 

cantati dalla giovane, toccante, magistrale voce di 

Sepideh Raissadat. 

Giovanni De Zorzi

46 Mondomix.com / RECENSIONI 

rAV i sh A n K A r 

L’extraordinaire leçon 

DVD 

FELMAY 

Accord Croisés / Ducale 

Raffinate e insieme croccanti, le produzioni Accord 

Croisés accontentano anche stavolta la clientela. La 

nuova proposta è un documento del settembre 2008 

realizzato da Frédéric Le Clair: Ravi Shankar a Parigi, 

per quello che era stato programmato essere l’addio 

del maestro all’Europa. Nella capitale francese, che 

lo aveva visto esibirsi in passi di danza a undici anni, 

Shankar chiude il cerchio offrendo a un rapito uditorio 

una speciale “lezione” sulla musica classica indiana. 

Sul palco della Salle Pleyel, ironico e brillante nel 

linguaggio, Shankar racconta e spiega differenze e 

similitudini sonore tra il nord e il sud del suo paese. 

Attorno a lui, a esemplificarne il pensiero, la figlia 

Anoushka (sitar), Tanmoy Bose (tabla), Sanjeev Shankar 

(shehnai), Ravichandra Kulur (flauto), Sanjay Sharma e 

Kenji Ota (tanpura). Il dvd contiene in aggiunta altri due 

filmati. In uno viene tratteggiata una rapida biografia 

dell’artista mentre nel secondo troviamo sintesi di 

concerti presentati di recente al Ravi Shankar Centre di 

Nuova Delhi. In tale contesto si segnalano le esibizioni 

di Manjiri Asanare-Kelkar, cantante khayal, e dei fratelli 

Lalgudi, violinisti carnatici. 


ho s s e i n Al iZ A d e h 

Pejman Hadadi 

Hermes Records / Egea 

Hossein Alizadeh (1950) è forse il 

più popolare solista (liuti târ e setâr), 

compositore e didatta della nuova musica persiana. 

La fama gli deriva soprattutto dalle composizioni assai 

amate in patria. Monad, invece, è tutto incentrato 

sull’improvvisazione e sull’irripetibile, unico, istante senza 

tempo che Alizadeh definisce “monade” con termine della 

filosofia classica. La registrazione coglie l’incontro con il 

più giovane, sensibile e attento percussionista Pejman 

Hadadi (1969) avvenuto nella primavera del 2007 in due 

sessioni dal vivo: la prima in avâz-e Dashti, la seconda in 

avâz-e Isfahan. L’incontro viene poi suddiviso in 15 tracce/ 

quadri impressionisti dalla mirabile resa sonora (marchio 

Hermes). Svincolata dall’aspetto funzionale che essa può 

svolgere in una suite, l’improvvisazione dilatata sembra 

qui illustrare il motto della Hermes “musica per la musica” 

e, allo stesso tempo, il particolare gusto – appassionato, 

tutto di chiaroscuri – con il quale Alizadeh si allontana dalla 

sobrietà dei classici. 


fy 81676 


MONDOMIX 

Mi ama 

8176 digipack.indd 1 

file under 

ustad shujaat 

husain khan 

india 

world music 

Felmay • stradaroncaglia16 • 15033sangermanoAL • italy 

ph.+39 014250577fax +39 014250780info@felmay.itwww.felmay.it 8176 digipack.indd 1 22-11-2010 14:36:49 

P Felmay 2011 

fy 8176 

P Felmay 2009 

fy 8165 

FELMAY 

file under 

lalgudi GJR krishnan 

anil srinivasan 

south india 

world music 

Felmay • strada roncaglia 16 • 15033 san germanoAL • italy 


8165 digipack copia.indd 1 22-11-2010 12:45:19 

ustAd shuJAAt husAin KhAn 

Dil 


Shujaat Husain Khan (1960) è un celebre compositore 

e solista di sitar con una sessantina di incisioni 

all’attivo. Non dev’essere facile portare sulle spalle una 

genealogia come la sua: figlio del leggendario sitarista 

Ustad Vilayat Khan, il nonno era Ustad Enayat Khan, 

il bisnonno Ustad Imdad Khan, il bis-bisnonno, Ustad 

Sahebdad Khan. Tutti esponenti della nobile genealogia 

musicale (garana) Imdadkhani. Di questa responsabilità 

Shujaat Khan sorride amabilmente sin dalla copertina 

interna del mirabile disco articolato in tre brani: i primi 

due (Alap e Gat) in Raga Gujiri Todi mentre il terzo, Ek 

Prakar, è una ninna nanna toccante ed ispirata in Raga 

Todi. Ovunque, le sue improvvisazioni dimostrano uno 

stile fluente, articolato e personalissimo. Ogni parametro 

dello strumento è padroneggiato, la dinamica va 

dall’infrasuono alla strappata e il virtuosismo non è mai 

fine a se stesso. L’invenzione è costante e profonda. 

Eppure, come se non bastasse, ecco arrivare dal 

nulla la sua voce sognante, rotonda e ammaliante su 

versi in urdu di ispirazione sufi. Nel disco il maestro è 

accompagnato dal tablista Federico Sanesi, ammirato 

e lodato dai maestri indiani, faro di riferimento per ogni 

musicista italiano che si confronti con una tradizione 

orientale. 


nAV à en s e m b l e 

Hilat 

FinisTerre / Felmay 


MONDOMIX 

Mi ama 

Navà è un Ensemble che riunisce 

iraniani e italiani nell’amore per la 

musica persiana. Il repertorio del disco è costituito quasi 

esclusivamente da nuove composizioni di Pejman Tadayon 

(voce, liuti târ, setâr, bamtâr, ‘ud e…calligrafie) che si 

ispirano al genere vocale tasnîf, misurato ritmicamente, di 

carattere classico/leggero e affine alla “canzone”. Il gruppo 

è composto poi da Reza Mohsenipoor (târ, bamtâr), 

Hamid Mohsenipoor (tamburo a calice zarb/tombak), 

Paolo Modugno (tamburi a cornice daf, dayereh; tamburo 

cilindrico dohol) e Martina Pelosi (voce). Ospite in un 

brano Shideh Fazaee al daf. I testi provengono dai maestri 

della poesia persiana (Hafez, Rumi, Khayyam) e dal più 

recente Nima. Registrato a Roma, all’Oasi Studio di Paolo 

Modugno, il disco è un ottimo esordio per un Ensemble 

nato da poco e a cui si fanno i migliori auguri. 


fy 81676 

P Felmay 2011 

fy 8165 

P Felmay 2009 

lA l g u d i gJr Kr i s h nA n 

& An i l sr i n iVA s A n 

Eternal light 


Anil Srinivasan è uno dei più interessanti musicisti dell’India 

del Sud. Ha studiato la musica classica Occidentale e è 

cresciuto con quella Carnatica (dell’India del Sud), conosce 

e risponde ai due oceani musicali. 

La sua collaborazione con Sikkil Gurucharan ha creato 

molta attenzione e questo CD, Eternal Light, con Lalgudi 

Krishnan al violino, è un esempio del livello che Anil ha 

raggiunto nell’ambito della musica Carnatica nella sua 

forma più classica e nello stesso tempo aperta alle armonia 

Occidentali. 

ASIA 47 

L'incontro fra due strumenti tipici della tradizione classica 

occidentale, pianoforte e violino, qui nelle mani di due musicisti 

indiani alle prese con un repertorio di musica Carnatica ci ha 

spinto a chiedere a due diversi recensori, uno Occidentale e 

l'altro Indiano, la loro opinione sul progetto. 

Come molti italiani, non sono amico delle lingue straniere. 

Cerco di scherzarci su, dicendo che sono rigidamente 

monoglotta, ma è una maniera di dissimulare il fastidio per 

una cosa che, naturalmente, mi disturba. Tuttavia, sono 

attratto dalle situazioni in cui la comunicazione non può 

svolgersi secondo il meccanismo abituale. Quando accade, 

ho l’impressione di essere in un mondo che non è proprio 

quello solito. Cerco di spiegarmi. Una volta un amico voleva 

convincermi a presentarmi fingendomi un altro ad un liutaio 

che mi aveva promesso un violino che non arrivava mai. 

Eravamo ad un punto morto: secondo il liutaio il violino 

non era mai quello giusto per me ed io, che di violini invece 

ne avrei concupito più d’uno, non mi sentivo di far forza 

sulla situazione per il rispetto che avevo per lui. Quel che 

sosteneva il mio amico era che se avessi osservato la realtà 

con gli occhi di un altro forse avrei intravisto una soluzione. 

Il primo brano, Sudhamayi di Muthiah Bhagavatar, nel 

raga pentatonico Amritavarshini, che annuncia l’arrivo 

della pioggia, inizia con un ciclo armonico punteggiato dal 

violino di Lalgudi. La sequenza, per qualche ragione, non 

sembra Felmay funzionare •strada – il violino roncaglia di Krishnan 16 •15033 non sanè germano così sciolto AL •italy 

FELMAY 

come ph. nel +39 resto 0142 dell’album 50577 fax and +39il 0142 piano 50780 è sovraccaricato. 

info@felmay.it www.felmay.it 

Per fare le cose per bene, suggeriva di fingersi straniero - io, 

Quando arrivano al Kriti (composizione) le cose si sono appunto, che parlo solo l’italiano -, e per rendere credibile la 

sistemate e il suono diventa accattivante. 

recita incominciò, in un incredulo scompartimento di treno, 

Il seguente raga, Saramati, è il brano migliore dell’album ad allenarmi a parlare una lingua inventata lì per lì. Buffo, no? 

basato sulle ricche armonie di Anil e sul grande controllo Del resto, tutti noi conosciamo anche lingue inconsapevoli. 

di che il violino di Lalgudi ha sul raga. 

Ho assistito al dialogo tra un bambino così piccolo da non 

E’ interessante che il Cd comprenda una rara composizione saper ancora parlare e una bimba appena più grandicella. 

di Dandapani Desikar, Arulla vendum. Il violino attraversa La bimba aveva da dirgli non so cosa, il piccolo sgranava gli 

la struttura asimmetrica del raga con grande bellezza occhioni, ma non si intendevano. Alla fine la bimba è stata 

atterrando al momento e nel modo giusto, e il piano è li, costretta alla resa e ha chiesto aiuto a un terzo, piccolo 

insieme a lui sottolineando così perfettamente le peculiarità altrettanto: “Spiegaglielo tu, che parli la sua lingua”. E i 

di Saramati. 

due, a ruttini e squittii, si sono intesi benissimo. Capirete 

Le percussioni Carnatiche tendono a modellare le bene che non potrei nemmeno volendo avere la pretesa di 

composizioni con ritmi molto ornati. Scegliendo i leggeri spiegarvi su quale terreno si sia potuta realizzare l’intesa 

sussurri della kanjira (percussione simile ad un tamburello) tra un illustre violinista dell’India meridionale, erede di una 

di BS Purushottam invece che il rimbombo del più classico tradizione secolare, e un pianista che ha fatto quelli che 

mridangam, Anil ha trovato la formula giusta per questo potremmo chiamare “studi regolari”. O, piuttosto, su quale 

tipo di musica. 

terreno si sia potuta realizzare l’intesa tra i loro strumenti, 

In Akhilandeswari , il brano che segue, i tre musicisti che non si erano mai incontrati e che forse hanno guidato i 

insieme creano un affascinante ambiente sonoro in cui la loro esecutori. Certo, né l’uno né l’altro, parlo del violinista 

melodia a tratti, ma molto raramente, è punteggiata della e del pianista, sono stati in questa occasione quel che 

battito della kanjira. 

sono abituati ad essere. Solo dopo aver ascoltato il disco 

per intero ho letto le note, e ho imparato di aver ascoltato 

Il brano successivo, il corposo Meenakshi in raga Purvi composizioni dei più importanti musicisti della tradizione 

Kalyan di Muthuswami Dikshitar è preceduto da una breve carnatica. Potevano essere improvvisazioni del violino, per 

introduzione (alapana). l’accompagnamento in questa il mio orecchio di musicista classico, sostenute e in un certo 

porzione toglie all’alapana la sua caratteristica mancanza senso “spiegate” dalla trama armonica del pianoforte e di 

di forma, che costituisce il suo ossigeno. Quando si arriva qualche discreta percussione, racchiuse in un involucro che, 

alla composizione (kriti) un senso di fatica si impossessa solo per rassicurare, conserva - o assume - della tradizione 

dell’ascoltatore – non c’è abbastanza in termini di varietà occidentale qualche segnale narrativo. Per il resto, non 

nell’album da mantenere l’interesse. Molte delle canzoni saprei trovare parole per descrivere il senso di sospensione 

sono nello stesso tempo, molti ornamenti sono ripetitivi. di questa musica, che lungo l’ascolto si muove su un 

sentiero armonico dolcissimamente arcuato, per le ripetizioni 

L’album si conclude con un Thillana in Mishra Maund, continue e mai ossessive, per quel tanto di indulgenza che 

composizione del padre di Krishnan, Lalgudi G Jayaraman. mi pare di cogliere nel track 7, che inizia col solo pianoforte 

Qui il piano lascia che l’alapana sia più piacevole, leggera. in un’atmosfera notturna quasi da jazz club, a cui il violino 

Purtroppo l’accompagnamento del Thillana non sottolinea si unisce rinunciando ad essere la guida e, per una volta, 

a dovere la struttura ritmica mancando le giuste cadenze. accompagnando. Non so, e non colgo il senso dell’inizio e 

della fine in questa musica che non so se esisteva prima e 

Eternal Light si rivela così un album con i suopi momenti se esiterà in futuro, e che mi sembra potrebbe continuare 

e cerco solo per la superlativa resa di Arulla Vendum e ancora chissà quanto; io l’ascolterei volentieri. 

Akhilandeswari, vale il suo costo 

Fulvio Luciani 

è un violinista con “studi regolari”. Concepisce la sua 

V. Ramnarayan attività come un piccolo e specializzato laboratorio di 

Caporedattore di Sruti, ricerca, ed è curioso di tutto. Suona quel che gli piace e lo 

la più importante rivista di musica classica indiana 

interessa e insegna al Conservatorio di Milano. 


world music 

file under 

ustad shujaat 

husain khan 

india 

P Felmay 2011 

fy 8176 

P Felmay 2009

48 Mondomix.com / RECENSIONI LIBRI 

VISIONI 49 

le d o n n e d i m i o PA d r e 

José Eduardo Agualusa 

La Nuova Frontiera 2010 

370 pp., € 17,50 

Una donna portoghese parte per 

l’Africa sulle tracce di quello che le 

dicono essere il suo vero padre. Un 

avventuriero contrabbassista sciupa 

femmine, defunto senza per questo 

impedire a lettore di innamorarsene 

a prima vista. Per contarne i figli, o i 

presunti tali, ci va il pallottoliere; per 

accogliere l’uragano di sensazioni musicali che flagella i 

brevi capitoli occorrerebbe un iPod da 16 giga. Faustino 

Manso e lo swing suonato con il suo saggio pianista senza 

mani, lo spirito caciarone delle marrabenta mozambicane, 

la furia del kuduro angolano che uno dei tre viaggiatori 

porta nel cuore dai sound system d’Angola. Le due grandi 

ex colonie di Lisbona sono tratti essenziali di questo 

romanzo on the road, dove le piste rosse della savana si 

alternano ai grandi viali sudafricani, al tratto da guscio 

di noce che porta alla Ilha de Moçambique, tappa finale 

(preziosa la mappa dettagliata del tour in apertura del 

volume) della giovane e lacerata ciurma partita da quello 

specchio dell’Africa lusofona che è il Brasile. Tra rapper 

ubriachi per le strade di Luanda e inni politici, orchestrine 

male in arnese e mito di Casablanca, barzellette sul 

contrabbasso e vecchi 78 giri introvabili, la narrazione 

scorre attuale e nervosa. Ci si affacciano persino le Brigate 

VpS A5-10-10:manchette Rosse, si bevono 25/10/10 cocktail 12:39 energetici, Pagina 1 

si cita Bilal; in bilico 

Poste Italiane S.p.A. - Sped. in abb. post. DL. 353/2003 (conv. in L. 27/02/2004 n.46) art.1, comma 1 CNS/CBPA/TORINO - agosto settembre 2010 - anno XXV - foto: Bilderberg 

La sfida alle oligarchie del cibo Credito ai contadini Sovranità alimentare in Italia 

DIVORATORI DI FUTURO 

Come riappropriarci di quel che mangiamoVpS 


Volontari per lo sviluppo 

La rivista di chi abita il mondo 

www.volontariperlosviluppo.it 

VpS 

è social: Ci trovi anche su 

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tra vecchio e nuovo, storia e fiction, guerre civili e civiltà 

dell’arrangiarsi, il cinquantenne autore portoghese di natali 

angolani balla con maestria su una storia inevitabilmente 

intrisa della propria natura intercontinentale. 

Paolo Ferrari 

ViA g g i e A lt r i V iA g g i 

Antonio Tabucchi 

I narratori – Feltrinelli 2010 

272 pp., € 17,50 

Uno strano libro di viaggi che non 

parla solo di viaggi in senso stretto 

ma soprattutto di emozioni e della loro 

perenne trasformazione al contatto con 

le situazioni che tocchiamo durante lo 

spostamento. Ecco quindi un luogo 

apparirci piacevole o inadeguato a 

seconda della nostra disposizione 

interiore verso l’incontro. Lo stesso 

vale anche per le persone o le parole scritte. Un libro per 

chi ama curiosare col cuore e con la mente universi attigui 

filtrati dalla propria esistenza e perdersi nei meandri delle 

suggestioni, dei ricordi e delle assonanze che l’autore 

riesce continuamente ad evocare creando, in pratica, un 

ulteriore viaggio dentro al viaggio. 


La rivista 

di chi abita il mondo 

Reportage e notizie dai cinque continenti, progetti di 

solidarietà, ricerca volontari delle associazioni, proposte 

di turismo alternativo, viaggi responsabili e molto altro... 

Sfoglia anche online il nostro numero speciale su 

alimentazione e agricoltura: dalle sfide italiane a 

quelle mondiali, con esempi e indicazioni pratiche 

per passare dall’idea di sicurezza alimentare (avere 

cibo) a quella di sovranità alimentare 

(avere il controllo su come procurarselo). 

Cosa trovi in questo numero: 

PRIMO PIANO ITALIA AFFAMATA 

Latifondi e cementificazione mettono a rischio il Belpaese 

REPORTAGE SEMI-LIBERTÀ 

Gli effetti dei brevetti sulle sementi 

DOSSIER PALATI FINI 

La sovranità alimentare in Italia riconquistata dalla società civile 

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Per ricevere la rivista tutto l’anno il contributo è di 28 Euro, da versare sul ccp 37515889 intestato a: Volontari per lo Sviluppo, Corso Chieri 121, Torino 

he r e A F t e r 2010 

Regia Clint Eastwood 

Sceneggiatura Peter Morgan 

Musica Clint Eastwood 

Attori Matt Damon, Cécile de France, Bryce Dallas Howard 

Jay Mohr, Mylène Jampanoï 

Per avere il coraggio di infrangere il tabù per eccellenza 

e domandarti e domandarci:‘ma cosa c’è dopo la morte?’ 

devi essere una leggenda vivente ottantenne che ha diretto 

di tutto, dal western al biopic, alla fantascienza epica, 

alla tragedia shakespeariana moderna, alla commedia 

romantica, al thriller, per citare alcuni dei generi frequentati 

dall’Eastwood regista, dal 1971 a oggi. Forse dopo c’è un 

altro stato in cui ci ricongiungeremo alle anime dei nostri 

cari, non più limitati dal corpo: così sembrano dirci le visioni 

premorte di una giornalista (Cécile De France), quelle di un 

sensitivo (Matt Damon) o la speranza di parlare col gemello 

morto di un bambino. Non ci sono certezze nel vagare e 

soffrire dei personaggi, che scoprono che si può contare 

solo sulla comprensione e l’amore che ci possiamo dare 

l’un l’altro finché siamo vivi. Certo il film è molto di più. 

È la straordinaria sequenza in cui viviamo uno tsunami 

improvviso con la giornalista Marie e ci sentiamo travolti e 

sbattuti contro ogni genere di ostacolo. È il mesto George 

che non vorrebbe più sentire i segreti della gente solo 

prendendo loro le mani e ricevendo le voci dei loro morti 

(come la veggente del bel romanzo di Matteo B. Bianchi 

Apocalisse a domicilio). È la storia di Marcus, che ha perso 

il fratello, affidato a una nuova famiglia, perché la madre è 

tossicodipendente. Ma non temete: Eastwood continua a 

saper raccontare i sentimenti con pudore e misura, senza 

faciloneria. Questo bel film si interroga con onestà sulle 

occasioni perdute nella nostra vita terrena e sulla speranza 

nella sopravvivenza dell’anima; su un forse e su quello che, 

almeno qui e ora, possiamo cercare di conquistarci. 

Paola Valpreda 

tFF 28 

Il 28esimo Torino Film Festival (diretto da Gianni Amelio) 

ha ben colto lo spirito dei nostri difficili tempi: arti 

mozzati o personaggi incompleti e dolenti, amputati 

psicologicamente, sono elemento comune a tanti film. 

I 16 film in concorso, però, sono stati di qualità altalenante. 

Si va dalla banalità da fiction televisiva di Henry di Piva, 

all’ideuzza da corto strascicata a lungometraggio (Vampires, 

mockumentary sulla vita quotidiana dei vampiri) alle storie 

già viste e riviste (White Irish Drinkers), a lavori interessanti 

come Four Lions (amara commedia su quattro scalcinati 

terroristi islamici) o Las marimbas del infierno (docudrama 

guatemalteco) fino a due film molto belli: Winter’s Bone 

di Debra Granik (che ha vinto) e Portretul luptatorului la 

tinerete di Popescu. Il primo è un ritratto di un’America 

povera, violenta e brutta, pur con qualche speranza 

affidata a una giovane donna e alla solidarietà femminile, 

in un desolato Missouri le cui atmosfere ricordano Frozen 

River. Il secondo, ambientato nella Romania degli anni 

‘50, è una toccante riflessione sul tentativo di mantenere 

la dignità umana sotto una dittatura; intercala disposizioni 

ufficiali su come spiare tutti i cittadini e utilizzare i delatori 

alle avventure di un gruppo di partigiani. Eroi giovani, 

belli e coraggiosi, in mezzo a una montagna ostile ma 

affascinante, braccati da un intero esercito, consapevoli 

che la loro ribellione è destinata alla sconfitta. Uno di loro, 

che desidera avere dei figli, dice che non vuole dover 

rispondere loro, quando gli chiederanno cosa ha fatto 

sotto la dittatura, un umiliante ‘niente’: riflessione che dà 

da pensare anche a noi, in tempi e luoghi diversi. 

Tra i film non in concorso segnaliamo, oltre a Hereafter , 127 

hours di Boyle, sui limiti umani e la spettacolarizzazione, con 

James Franco che, bloccato in un canyon da un masso sul 

braccio, filma la sua agonia, immaginandosi protagonista 

di un talk show; Kaboom di Araki, divertente, autoironica 

e rutilante girandola sulla passione e paura americana per 

e dei complotti planetari; The Ward di Carpenter, in cui il 

maestro riesce a farci tremare con un horror vecchio stile; 

Suck di Stefaniuk, con i musicisti di una band disposti per 

il successo a diventare vampiri, mentre il roadie fa sparire 

i cadaveri (tra gli attori Henry Rollins, Alice Cooper e Moby 

come cantante di una band metallara i cui fan gettano 

carne cruda sul palco); infine Caterpillar di Wakamatsu, su 

un reduce di guerra giapponese che ha perso tutti gli arti, 

la parola e l’udito, ridotto a un pezzo di carne e ai suoi 

bisogni elementari: sua moglie, indottrinata all’orgoglio 

di avere in casa un eroe di guerra, inizia a dubitare della 

propaganda patriottica, quella stessa che fa credere ai 

Giapponesi che vinceranno la seconda guerra mondiale 

fino alla vigilia di Hiroshima. 

Paola Valpreda 

10 PRIMAVERA 2011


La World Music che non sapevamo di avere in casa 

Catch A Fire 

Bob Marley & The Wailers 

di Eddy Cilìa 

Sui perché della fama globale di Bob Marley ci si interroga 

da quando nulla sembrava potesse fermarlo. Questione 

certo di canzoni di poesia e innodia straordinarie e di una 

presenza scenica rimarchevole, ma soprattutto una faccenda 

di carisma. Predicatore sul palco con parole semplici che 

tutti potevano comprendere, eppure di una profondità tale 

da prestarsi a letture metaforiche. Portatore di una visione 

spirituale condivisibile come afflato anche da chi è lontano 

dalla fede rasta. Esempio insuperato del levarsi in piedi di 

quella parte di pianeta demograficamente dominatrice ed 

economicamente e culturalmente prevaricata che domanda 

che la sua dignità venga infine riconosciuta. Ecco perché, 

in Africa come in Asia o nell’America Latina, Robert Nesta 

Marley è un simbolo di riscatto prima ancora che un divo 

del pop. Nella nostra parte di mondo alla sua sopravvivenza 

hanno contribuito invece il fascino romantico dell’artista 

che muore giovane e la trasversalità dell’impatto. A cavallo 

fra Settanta e Ottanta Marley era l’unico che metteva tutti 

d’accordo: veniva ballato in discoteca ed era amato dai 

punk che disprezzavano la dance ed erano stati catturati 

dal reggae via Clash, era colonna sonora di feste come di 

cortei, interiorizzato da ciascuno come tesoro personale, 

eppure capace di riempire gli stadi. Andarono in centomila 

ad ascoltarlo a San Siro nell’estate 1980, il suo concerto più 

affollato e uno degli ultimi, e chi non c’era non potrà mai 

capire appieno l’impatto che ebbe in quegli anni. Nondimeno 

l’universalità del messaggio ha trasceso i decenni e chi si 

accosta oggi alla sua musica ne può certamente restare 

emozionato come chi ne fu stregato in diretta. 

Anche avendo l’età giusta, pochi possono però raccontare 


1) che a fare scoprire loro Marley fu Catch A Fire e, 2), che 

accadde proprio nell’anno in cui veniva pubblicato, il 1973. 

Il disco in realtà non vendeva che quattordicimila copie in 

Gran Bretagna nei primi dodici mesi nei negozi e molte 

meno nei restanti paesi europei. Se il patron della Island 

Chris Blackwell non avesse avuto una fede assoluta in un 

artista che conosceva da ben prima del giorno in cui si era 

presentato nel suo ufficio londinese, la storia della popular 

music come oggi la conosciamo sarebbe incredibilmente 

diversa. Ma Blackwell perseverava. Se Catch A Fire sul 

momento vendeva pochino era perché costituiva una 

novità che richiedeva tempo per essere metabolizzata. 

Se non poteva in compenso che divenire in prospettiva la 

pietra d’angolo della leggenda marleyana è perché in esso 

gli elementi costitutivi di codesta già ci sono tutti. Ci sono 

le canzoni. C’è il suono. 

Saggia decisione in ogni caso, quella di Mister Island, di 

mettere le mani nel missaggio. Sapeva bene, e Marley 

evidentemente concordava, che le platee euro-americane 

non erano avezze alle ruvide sonorità giamaicane e che, 

dovendo già fare digerire loro la battuta in levare, sarebbe 

stato opportuno levigarle, insaporendo nel contempo la 

pietanza con le familiari spezie del rock. Se era un piccolo 

colpo di genio la pensata di introdurre il cupo paesaggio 

di desolazione urbana di Concrete Jungle con un preludio 

di gusto psichedelico, che per qualche secondo cela 

all’ascoltatore l’incedere reggae, rappresentavano intuizioni 

non meno brillanti il sistemare piuttosto avanti le tastiere, 

evidenziandone il piglio rhythm’n’blues, e la sovraincisione 

di assoli di chitarra nella stessa title-track, nella ninna 

nanna Rock It Baby, nella sinuosa e sessualmente 

esplicita Stir It Up. Scrematura del repertorio dei cinque 

anni precedenti con poco di nuovo in assoluto, l’album 

è un’ininterrotta sfilata di classici e il ritratto più accurato 

immaginabile, in nove canzoni e trentasei minuti, di quei 

Wailers: qui maliziosi e là moralisti; qui evocanti la tragedia 

della schiavitù sciorinando gospel su sincopi radenti il funk 

(Slave Driver) e là censori su una scansione dondolante 

delle drogate lordure di Londra (Kinky Reggae). Quando 

non Impressions caraibici (Stop That Train) con l’astuzia 

di rubare una linea di basso a Isaac Hayes e un verso ai 

Beatles (No More Trouble). 

Cuba 


51

Ossigeno Digital Distribution 

alcune nostre promozioni 

Mirco Menna & Banda di Avola 

…e l’italiano ride 

Best record of 2010 - Mondomix 

Bregada Berard 

bon nadal occitania 

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Paula Morelenbaum 

telecoteco 

(um s a m b i n h a c h e i o de bossa…) 


Massimo Bubola & Circolo 

Sociale del Liscio 

ro m a g n a n o s t r a 

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Various Artists 

tr a n c e gamelan in bali 

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Merle-Anne Prins-Jorge 

& Raul Colosimo 

VoicelinK 

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Brusco 

l'erb a della gioVinezza 

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Mamud Band 

opposite people 

th e music of fela Kuti 

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Lucilla Galeazzi 

an c o r a bella ciao 


sir oliVer sK a r dy 

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Grande Bidello 4° Classifica Album Reggae Italia - iTunes 

Gai Saber 

an g e l s pastres miracles 


Remo Anzovino 

igloo 

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Birkin Tree 

Virginia 

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Gamelan of Central Java 

XiV. ritual sounds of seKaten 

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Alessio Lega & Rocco Marchi 

E ti chiamaron m at ta d i 

Gi a n n i nEbbiosi 

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