Art Nouveau e Fauves - Liceo Wiligelmo

Appunti di Storia dell’Arte
Art Nouveau e Fauves
Con il termine Art Nouveau nei paesi di lingua francese si identifica un movimento diffuso
in tutta Europa, tra ottocento e novecento, le cui caratteristiche si esprimono in una
affermazione del decorativismo, del simbolismo e del linearismo. I termini, Art Nouveau in
Francia, Modern Style in Inghilterra, Jugendstil in Germania, Sezezzionstil in Austria,
Liberty o Floreale in Italia, indicano tutti la medesima esigenza di uscire dalla tradizione
figurativa classica, già evidente nelle intenzioni romantiche di inizio ottocento, e di
affermare la novità e la modernità. Il progresso tecnologico e scientifico all'inizio del
novecento, sembra poter garantire migliori condizioni economiche e grandi vantaggi per
l'Europa, che importa materie prime dalle colonie e sperimenta le prime produzioni
industriali su larga scala. L'architetto non operando più separatamente, disegna i più
disparati oggetti d'arredamento, dai mobili ai soprammobili alle vetrate e si formano scuole
specializzate nell'attività decorativa allo scopo di nobilitare con la bellezza della forma
oggetti d'uso comune.
Oggetti in vetro e in metallo, come caraffe o posate, si caratterizzano attraverso la linea
elegante e la tecnica realizzativa raffinata e complessa, come i vasi di Gallé e Lalique.
Intorno al 1900 praticamente ogni oggetto d'uso comune, dalla carta da parati alla stoffa,
dall'orologio al vaso, dalla lampada alla spazzola per i capelli, dal ventaglio al cucchiaio,
dalla teiera alla cornice, dalla fotografia al vassoio, alla targa, al candeliere ecc. Era
disponibile nello stile nuovo.
L'Architettura di Victor Horta e Antoni Gaudí.
A Bruxelles Victor Horta realizza Casa Solvay, un edificio le cui parti strutturali si fondono
con la decorazione producendo un effetto di armoniosa integrazione tra l'allestimento degli
ambienti e la forma dell'edificio.
In Francia Hector Grimaud realizza gli ingressi della metropolitana di Parigi in forme
stilizzate in ghisa, che riprendono la forma ondulata deI fiori.
In Spagna a Barcellona, tra il 1900 e il 1914, l'architetto Antoni Gaudí realizza diverse
opere come Casa Batló, Casa Milá e Parco Güel. Queste opere sono caratterizzate da
profili ondulati e mossi in opposizione alle linee rette dell'architettura convenzionale, che
all'esterno richiamano le forme semplici di natura organica di piante e animali e all'interno
producono effetti avvolgenti di continuità muraria. Ma l'opera più significativa dell'architetto
modernista è la Sagrada Familia, tempio espiatorio ispirato al verticismo gotico, ma non
privo di novitá strutturali, come i pilastri che si divaricano nel processo ascensionale come
i tronchi di un albero, a sostenere porzioni di volta indipendenti. Nelle opere di Gaudí
interviene inoltre l'utilizzo di materiali come i cocci di maiolica catalana in continuitá con la
tradizione locale.
Pittura. Gustav Klimt.
Esponente della secessione, termine con il quale si intende una scuola avversa alle
accademie e allo stile tradizionale della pittura. Klimt, nelle sue opere nasconde la figura
all'interno di complesse trame decorative, esprimendo un pensiero decadente in cui è
ravvisabile la crisi dei valori tradizionali e un'aspirazione all'arte per l'arte, quindi capace di
trovare in se stessa la propria ragione. (riferimenti: fine dell'impero austriaco, "L'uomo
senza qualità" di Musil ...)
Nell'opera "Giuditta" del 1909, Klimt mostra richiami al simbolismo e al decorativismo, la
linea elegante e fluida, la bidimensionalitá, l'accostamento sapiente dei colori, in un
preziosismo che richiama i mosaici di Ravenna, e che esprime una sottile inquietudine
interiore. Vedi anche "Il bacio", dove i corpi degli amanti sono avvolti in una dorata veste
che ne nasconde i profili, alternando la decorazione con forme rettangolari e circolari. Nel

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fregio della sala da pranzo di Palazzo Stoclet, realizzato a Bruxelles tra il 1905 e il 1911,
dalla Wiener Werkstatte (Arte e Artigianato di Vienna) Klimt raffigura i momenti dell'attesa
e dell'abbraccio tra i coniugi, momenti intimi profusi di gusto estetizzante, dietro il quale si
celano i sentimenti e una sottile angosciosa previsione del futuro.
Pittura. I Fauves.
Nel 1905 la mostra annuale del Salon d'automne, comprendeva le opere di coloro che
sarebbero stati definiti con spregio "Fauves" , in quanto si esprimevano con colori
accesi, e dal violento impatto visivo. Questi artisti erano: Henri Matisse, Maurice de
Vlaminck, André Derain. Matisse espone due opere, "Lusso Calma e Voluttá" e "Ritratto
con la riga verde", il primo dipinto con la tecnica puntinista di Seurat e Signac, il secondo
caratterizzato da un uso irreale del colore steso per ampie campiture piatte ma funzionale
a rendere il rilievo della testa di donna e lo sguardo intenso e espressivo.
L'opera che più testimonia la poetica di Matisse é forse "La danza" dove cinque figure
nude di uomini e donne, rese con un disegno sintetico e colori piatti, danzano
simbolicamente per mano su un terreno verde e e su di uno sfondo blu profondo. Lo
stesso Matisse ebbe a dire di desiderare un'arte serena e pura, e questa caratteristica
finirà con il distinguere la sua pittura da quella più drammatica dell'espressionismo del "Die
Bruke" tedesco.
Questa opera ci permette di capire cosa significhi per Matisse decorativismo: da intendersi
come l'organizzazione razionale degli elementi espressivi, linea e colore, in uno studiato
equilibrio compositivo.
Nella "Ballerina del Rat Mort" de Vlaminck intende rappresentare la solitudine, la tristezza,
la rassegnazione di una giovane donna nel contesto illusoriamente allegro della Belle
Epoque.
De Vlaminck, di origini olandesi come Van Gogh, sembra volessi ispirare al maestro nella
tecnica di stesura del colore con pennellate spesse e sovrapposte, capaci di animare i
vuoti attorno alla figura, anch'essa resa con linee marcate e essenziali. Al contrario, André
Derain in un quadro di soggetto molto simile "Donna in camicia", stende il colore per
campiture piatte e quasi strofinando il pennello magro di vernice sulla tela, per valorizzare
il gesto istintivo nel dipingere e cosí istintivamente cogliere la fragile essenza del soggetto.