SOMMARIO n. 113-114 - Centro Studi Cinematografici

Anno XVII (nuova serie) 

n. 113-114 settembre-dicembre 2011 

Bimestrale di cultura cinematografica 

Edito 

dal Centro Studi Cinematografici 

00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6 

tel. (06) 63.82.605 

Sito Internet: www.cscinema.org 

E-mail: info@cscinema.org 

Aut. Tribunale di Roma n. 271/93 

Abbonamento annuale: 

euro 26,00 (estero $50) 

Versamenti sul c.c.p. n. 26862003 

intestato a Centro Studi Cinematografici 

Spedizione in abb. post. 

(comma 20, lettera C, 

Legge 23 dicembre 96, N. 662 

Filiale di Roma) 

Si collabora solo dietro 

invito della redazione 

Direttore Responsabile: Flavio Vergerio 

Direttore Editoriale: Baldo Vallero 

Cast e credit a cura di: Simone Emiliani 

Segreteria: Cesare Frioni 

Redazione: 

Marco Lombardi 

Alessandro Paesano 

Carlo Tagliabue 

Giancarlo Zappoli 

Hanno collaborato a questo numero: 

Veronica Barteri 

Elena Bartoni 

Maria Cristina Caponi 

Luca Caruso 

Tiziano Costantini 

Marianna Dell’Aquila 

Simone Emiliani 

Diego Mondella 

Fabrizio Moresco 

Danila Petacco 

Francesca Piano 

Silvia Preziosi 

Tiziana Vox 

Stampa: Tipostampa s.r.l. 

Via dei Tipografi, n. 6 

Sangiustino (PG) 

Nella seguente filmografia vengono 

considerati tutti i film usciti a Roma e 

Milano, ad eccezione delle riedizioni. 

Le date tra parentesi si riferiscono alle 

“prime” nelle città considerate. 

SOMMARIO n. 113-114 

Abduction – Riprenditi la vita ................................................................ 

Alba del Pianeta delle scimmie ............................................................. 

Avventure di Tin Tin e i segreti dell’unicorno ......................................... 

Baciato dalla fortuna ............................................................................. 

Bad Teacher: una cattiva maestra ......................................................... 

Benvenuti a Cedar Rapids .................................................................... 

Box Office 3D ........................................................................................ 

Captain America – Il primo vendicatore ................................................ 

Carnage ................................................................................................ 

Come ammazzare il capo….e vivere felice ........................................... 

Conspirator (The) .................................................................................. 

Contagion .............................................................................................. 

Dangerous Method (A).......................................................................... 

Debito (Il) .............................................................................................. 

Drive ...................................................................................................... 

Faccio un salto all’Avana....................................................................... 

Four Lions ............................................................................................. 

Giallo/Argento ....................................................................................... 

Harry Potter e I doni della morte – Seconda parte ............................... 

Horror Movie ......................................................................................... 

Io sono Li .............................................................................................. 

Jane Eyre .............................................................................................. 

Johnny English – La rinascita ............................................................... 

Melancholia ........................................................................................... 

Misura del confine (La) ......................................................................... 

Next Three Days (The) .......................................................................... 

Pelle che abito (La) ............................................................................... 

Pinguini di Mr. Popper (I) ....................................................................... 

Priest ..................................................................................................... 

Puffi 3D (I) ............................................................................................. 

Senza arte né parte .............................................................................. 

Separazione (Una) ................................................................................ 

Student Services ................................................................................... 

Terraferma ............................................................................................. 

This Must Be the Place ......................................................................... 

Tomboy ................................................................................................. 

Tourneè ................................................................................................. 

Transformes 3 ....................................................................................... 

Tutta colpa della musica ........................................................................ 

Ultimo terrestre (L’) ................................................................................ 

Venere nera .......................................................................................... 

Villaggio di cartone (Il) .......................................................................... 

World Invasion ...................................................................................... 

Tutto Festival – Pesaro Film Festival 2011 ....................................... 

Tutto Festival – Venezia Film Festival 2011 ...................................... 

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I 

CARNAGE 

(Carnage) 

Francia/Germania/Polonia, 2011 

Regia: Roman Polanski 

Produzione: Saïd Ben Saïd per SBS Productions/Constantin 

Film Produktion/SPI Poland 

Distribuzione: Medusa 

Prima:(Roma 16-9-2011; Milano 16-9-2011) 

Soggetto: tratto dall’ omonima pièce teatrale di Yasmina Reza 

Sceneggiatura: Roman Polanski, Yasmina Reza 

Direttore della fotografia: Pawel Edelman 

Montaggio: Hervé de Luze 

Musiche: Alexandre Desplat 

Scenografia: Dean Tavoularis 

Costumi: Milena Canonero 

Co-produttori: Oliver Berben, Martin Moszkowicz 

n un parco di New York due ragazzini 

si azzuffano: uno dei due 

sferra all’altro una bastonata in 

faccia che gli spacca due denti e gli ferisce 

un labbro. 

Qualche giorno dopo, Nancy e Alan 

Cowan, genitori del feritore, coppia altolocata 

appartenente all’establishment della 

città (lui è un grosso avvocato delle multinazionali 

farmaceutiche), fanno visita a 

Penelope e Michael Longstreet, genitori 

del ferito: lo scopo è quello di rasserenare 

gli animi di adulti e ragazzi per ripristinare 

un rapporto civile tra tutti e di preparare 

un incontro tra i due figli affinchè “depongano 

le armi” e riprendano, senza revanscismi, 

la loro amicizia. 

I Longstreet sono una coppia ben diversa: 

lui venditore di articoli per la casa 

Film Tutti i film della stagione 

e attrezzi vari, lei insegnante, scrittrice impegnata 

nelle associazioni di sostegno per 

i profughi del Darfour e in varie altre iniziative 

del genere, hanno per primi sollecitato 

l’incontro con l’altra coppia. 

In realtà nulla va per come era stato 

preparato e auspicato: la rissa tra i due 

ragazzini passa presto in secondo piano o, 

quantomeno, serve unicamente a far risaltare 

la terribile diversità non solo tra le 

coppie ma anche tra i singoli quattro; si 

incendia presto un carosello di accuse, disprezzo, 

offese, derisioni, isterie e rivendicazioni 

che portano tutti a mostrarsi per 

quello che sono, chiusi nel loro egoismo, 

incuranti e sordi alle parole dell’altro. 

L’avvocato Cowan dedica tutto il tempo 

al suo cellulare attraverso cui sta risolvendo 

un guaio in cui si è messa una so- 

2 

Direttori di produzione: Frédéric Blum, Vincent Lefeuvre 

Casting: Fiona Weir 

Aiuti regista: Mareike Engelhardt, Sophie Le Guénédal, Ralph 

Remstedt, Caroline Veyssière 

Arredatore: Franckie Diago 

Effetti speciali trucco: Alexis Kinebanyan 

Acconciature: Laurent Bozzi 

Supervisore effetti visivi: Mikael Tanguy 

Interpreti: Jodie Foster (Penelope Longstreet), Kate Winslet 

(Nancy Cowan), Christoph Waltz (Alan Cowan), John C. Reilly 

(Michael Longstreet), Eliot Berger (Ethan), Elvis Polanski 

Durata: 79’ 

Metri:2200 

cietà farmaceutica da lui assistita; Nancy, 

sempre più indispettita per l’indifferenza 

del marito sgretola il suo perbenismo a 

montare nei confronti di lui e dell’altra 

coppia una rabbia senza fine; per Penelope, 

l’ottusa convinzione della superiorità 

dei propri interessi sociali e culturali si 

manifesta presto in un disprezzo violento 

per i Cowan e per il marito, per il quale 

esprime una disistima senza precedenti; 

questi, in parte complessato dalla semplicità 

della propria vita senza ambizioni e 

senza profonde letture, fa la sua parte nello 

schernire e oltraggiare gli altri, mostrandosi 

superiore al buonismo imperante (non 

ha pensato due volte a liberarsi giù per le 

fogne del criceto amatissimo dalla figlia). 

Il diapason è raggiunto soprattutto in 

due momenti: Nancy, al culmine del malore 

vomita il vomitabile sui rari libri d’arte 

di Penelope e successivamente getta il telefonino 

del marito nell’acqua di un vaso 

di fiori che distruggerà poi alla fine sbattendoli 

violentemente sul tavolo. 

Tutto finisce senza una risoluzione, 

come era cominciato. 

P 

olanski era nel suo esilio parigino 

da cui praticamente non poteva 

muoversi a causa delle sue 

vicende giudiziarie ancora in bilico; ha voluto 

mettere mano all’opera teatrale di 

Yasmina Reza che l’aveva molto intrigato 

e che gli ha così permesso di girare “da 

fermo”. Ha, cioè, diretto nel chiuso di una 

stanza (cosa che aveva già fatto in passato 

e più di una volta) ciò che lui di solito 

gira in esterni e interni di maggiore respiro, 

usando la macchina da presa con la 

maestria di inquadrature e sequenze che 

conosciamo da sempre. Abbiamo, così, 

ancora una volta un prodigio che solo il

cinema, il buon cinema, il cinema ben fatto 

sa fare: la storia non si immiserisce ma 

si esalta, si dilata nel salotto dei Longstreet, 

peraltro piuttosto ingombro di oggetti 

(come se Polanski l’avesse fatto apposta 

a rendere la cosa più complicata), enfatizza 

ed esaspera i fendenti che i quattro protagonisti 

si appioppano senza pietà utilizzando 

la leggerezza dell’ironia, la violenza 

della provocazione, il peso del dramma. 

E se girare in un ambiente chiuso ha 

sempre costituito una speciale forza seduttiva 

per ogni regista che vi si è applicato, 

che ha visto così elevati a potenza incubi 

e frenesie, fallimenti, ansie e passio- 

TRANSFORMERS 3 

(Transformers: Dark of the Moon) 

Stati Uniti, 2011 

Regia: Michael Bay 

Produzione: Ian Bryce, Tom DeSanto, Lorenzo di Bonaventura, 

Michelle McGonagle, Don Murphy per Paramount Pictures/Hasbro/Di 

Bonaventura Pictures 

Distribuzione: Universal 

Prima: (Roma 8-6-2011; Milano 8-6-2011) 

Soggetto: basato sui Transformers Action Figures della Hasbro 

Sceneggiatura: Ehren Kruger 

Direttore della fotografia: Amir M. Mokri 

Montaggio: William Goldenberg, Joel Negron, Roger Barton 

Musiche: Steve Jablonsky 

Scenografia: Nigel Phelps 

Costumi: Deborah Lynn Scott 

Produttori esecutivi: Michael Bay, Brian Goldner, Steven 

Spielberg, Mark Vahradian 

Produttori associati: Matthew Cohan, Michael Kase, Linda 

Pianigiani 

Co-produttori: Kenny Bates, Allegra Clegg 

Direttore di produzione: Allegra Clegg 

Casting: Denise Chamian 

Aiuti regista: Steve Battaglia, Kevin Berlandi, Randin Brown, 

Eugene Davis, K.C. Hodenfield, Brian Relyea, Andy Spellman, 

Simon Warnock 

Operatori: Lucas Bielan, Brooks P. Guyer, Jacques Jouffret 

Operatore Steadicam: Jacques Jouffret 

Art directors: Benjamin Edelberg, Kevin Ishioka 

Supervisore art director: Richard L. Johnson 

Arredatore: Jennifer Williams 

“E 

ravamo una razza pacifica di 

esseri meccanici intelligenti. 

Ma poi venne la guerra, tra gli 

Autobot, che combattevano per la libertà, e 

i Decepticon, che sognavano la tirannia. Inferiori 

per numero e mezzi, la nostra sconfitta 

era pressoché certa. Ma nei giorni finali 

della guerra, una nave Autobot lasciò 

la battaglia. Trasportava un carico segreto, 

che avrebbe cambiato il destino del nostro 

pianeta. Una missione disperata, 

un’estrema speranza, che svanì...”. La nave 

si schiantò infatti sulla luna, e partì la cor- 


ni (Hitchcock e Lumet insegnano) non 

sempre i lavori realizzati sono risultati di 

prima grandezza. 

Polanski va oltre, dà lezione di alta 

scuola, diverte e si diverte, tiene avvinti con 

le sue virate in grottesco che lacerano e 

svergognano la convenzionalità borghese 

in una soluzione che comprende la tragedia, 

la commedia, la crudeltà e la parodia. 

Asseconda il regista un quartetto di 

attori sublimi che si starebbe a guardare 

per ore nel continuo e inesauribile svelarsi 

della loro violenza e intolleranza, del loro 

vuoto morale e intellettuale: un gioco al 

massacro che non mette in ludibrio solo i 

sa americana alla conquista del satellite. 

Su di esso gli astronauti americani ritrovarono 

quei reperti, ma li tennero segreti. Negli 

anni seguenti, gli Autobot hanno aiutato 

gli umani a impedire che si facessero del 

male tra di loro, lavorando in squadre segrete 

a varie missioni intorno al globo, cercando 

tracce del ritorno del loro nemico, i 

Decepticon. Optimus parla con il direttore 

dell’intelligence nazionale: nel vano di salvataggio 

dei reperti secretati v’era una tecnologia 

che avrebbe fatto vincere la guerra 

agli Autobot. È indispensabile trovarla pri- 

3 

loro personaggi ma una società intera, ormai 

sfatta e priva di futuro perchè da tempo 

in preda a pulsioni, avidità e obiettivi 

completamente avulsi e lontani dalla vita 

di esseri umani. Emblematiche le due inquadrature 

finali: nella prima vediamo il 

famoso criceto che tranquillo e sereno 

mangiucchia in un prato, forse lo stesso 

teatro della rissa; nella seconda i due ragazzi, 

incuranti e indifferenti ai piani degli 

adulti, hanno già ricucito la loro amicizia e 

sono intenti ai loro giochi come se nulla 

fosse accaduto. 


Trucco: Jacenda Burkett, Vivian Guzman, Elizabeth Hoel, Ann- 

Maree Hurley, Kathy Jeung, Vicki Vacca, Jonah Levy 

Acconciature: Matthew Petty, Emilie Cockels 

Supervisore effetti speciali: John Frazier 

Supervisori effetti visivi: Scott Farrar (ILM), Samir Hoon 

(Prana Studio), Scott Squires (Legend 3D) 

Coordinatori effetti visivi: Ryan Delaney (Prime Focus 

Film), Evan Fulton (Method Studios), Michelle Ledesma (Digital 

Domain), Lee Briggs, Rachel Galbraith, Bhavini Ashwinkumar 

Shah, K. Marie Walters, Jeff Winkle 

Supervisore costumi: Lisa Lovaas 

Supervisore animazione: Cedric Lo 

Interpreti: Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Josh Duhamel (Lennox), 

John Turturro (Simmons), Tyrese Gibson (Epps), Rosie 

Huntington-Whiteley (Carly Spencer), Patrick Dempsey (Dylan), 

Rich Hutchman (ingengnere), Frances McDormand 

(Marissa Faireborn), Kevin Dunn (Ron Witwicky), John Malkovich 

(Bruce Brazos), Julie White (Judy Witwicky), Ken Jeong 

(Jerry Wang), Glenn Morshower (generale Morshower), Lester 

Speight (Eddie), Buzz Aldrin (Buzz Aldrin), Bill O’Reilly 

(Bill O’Reilly), Ravil Isyanov (Voshkod), Dustin Dennard (tenente), 

Markiss McFadden (‘Baby Face’), Nick Bickle (Chapman), 

Ajay James (Atroui), Brett Lynch (Phelps), Chris a. Robinson 

(Bruno), Scott C. Roe (Nelson), James D. Weston II 

(Tuens), Brian Call (Taggart), Aaron Garrido (Mongo), Mikal 

Vega (Hooch), Kenny Sheard (Marc L), Alan Tudyk 

Durata: 157’ 

Metri: 4300 

ma che i Decepticon ne scoprano la posizione. 

Gli Autobot vanno sulla luna, trovano 

quel che cercano e tornano sulla terra, 

riportando in vita Sentinel. Sam vive nella 

casa della bellissima fidanzata Carly e trova 

lavoro grazie al capo di lei, Dylan. In 

ufficio viene riconosciuto da un collega, 

Jerry, che gli passa del materiale segreto 

per salvare gli alieni buoni. Jerry viene quindi 

ucciso da un mostro Decepticon, che ha 

il compito di eliminare tutti gli uomini informati 

delle missioni, e che poi distrugge 

l’ufficio. Ma perché adesso i Decepticon uc-

cidono gli uomini? Gli Autobot informano 

l’intelligence che se i nemici entrano in 

possesso del ponte spaziale da loro progettato, 

sarà la fine del mondo. I Decepticon 

nascondono intanto qualcosa sul lato 

oscuro della luna. Sentinel tradisce e distrugge 

Autobot, uomini e mezzi, poi ruba 

i 5 pilastri che si trovano sulla terra. Li 

attiva e così inizia il trasporto spazio temporale 

dalla luna alla terra di una moltitudine 

di Decepticon. Sentinel lotta con 

Optimus, che sostiene che ormai i loro alleati 

sono gli umani. Sentinel vuole invece 

allearsi coi Decepticon, l’unico modo per 

ricostruire il loro pianeta, accusando che 

prima erano ‘dei’, ora sono solo ‘macchine’. 

Carly viene presa in ostaggio da Dylan, 

che impone a Sam di fare la spia degli 

Autobot, affibbiandogli un bracciale trasmittente. 

Solo così Carly si salverà. Deve 

rintracciare Optimus, essendo l’unico umano 

di cui si fida, per carpirgli tattiche e 

strategie. I Decepticon pongono agli uomini 

una condizione non negoziabile: l’esilio 

degli Autobot ribelli. “Tu sei mio amico, 

Sam e lo sarai sempre. Ma d’ora in poi 

combatterete da soli”, dice Optimus, quando 

vengono esiliati. Dylan è il capo delle 

operazioni umane, il mondo adesso è in 

PRIEST 

(Priest) 


Regia: Scott Stewart 

Produzione: Shareena Carlson, Michael De Luca, Joshua Donen, 

Mitchell Peck per Buckaroo Entertainment/Michael De Luca Productions/Screen 

Gems/Stars Road Entertainment/TOKYOPOP 

Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia 

Prima: (Roma 15-6-2011; Milano 15-6-2011)- V.M.: 14 

Soggetto: tratto dalla graphic novel seriale Priest di Hyung Min- 

Woo 

Sceneggiatura: Cory Goodman 

Direttore della fotografia: Don Burgess 

Montaggio: Lisa Zeno Churgin 

Musiche: Christopher Young 

Scenografia: Richard Bridgland 

Costumi: Ha Nguyen 

Produttori esecutivi: Josh Bratman, Glenn S. Gainor, Steve 

Galloway, Stuart J. Levy 

Co-produttore: Nicolas Stern 

Direttori di produzione: Dawn Turner, Glenn S. Gainor 

Casting: Rick Montgomery 

Aiuti regista: Aaron Critchlow, Steve Danton, Ivan Kraljevic, 

Milos Milicevic, Janell M. Sammelman, Tessa Lyn Stephenson 

Operatori: Matthew Moriarty, Patrick B. O’Brien 

Operatore Steadicam: Matthew Moriarty 

Art directors: Andrew Max Cahn, A. Todd Holland, Christa Munro 

Arredatore: Robert Greenfield 

Effetti speciali trucco: Mark Garbarino, Jake Garber, Garrett 

Immel, Jamie Kelman, Andy Schoneberg 

Trucco: Steven E. Anderson, Jed Dornoff, Corinna Liebel, James 

MacKinnon, Bart Mixon, Ve Neill, Lufeng Qu 


mano ai Decepticon, che vogliono spostare 

sulla terra il loro pianeta Cybertron. 

Iniziano a uccidere gli uomini. Gli Autobot 

in realtà non se ne sono andati, ma sono 

rimasti sulla terra e aiuteranno gli umani 

a sconfiggere i Decepticon. Sam riesce a 

liberare Carly. Parte la controffensiva degli 

uomini, aiutati dagli Autobot. La battaglia 

che infuria tra le due parti avverse è 

violentissima. Dapprima i Decepticon sembrano 

prevalere, ma poi umani e Autobot si 

organizzano e riescono a fronteggiarli e a 

sopraffarli con l’astuzia. Sentinel ottiene la 

supremazia, ma viene infine ucciso da Optimus. 

Sam può finalmente baciare Carly e 

i due si giurano amore eterno. 

È 

una guerra civile aliena che si 

combatte sulla terra. Gli astronauti 

americani indagavano su 

una nave aliena caduta sulla luna, ma non 

vi tornarono più perché il padre di Dylan e 

altri traditori avevano manipolato i bilanci 

per far apparire le missioni troppo costose, 

così i programmi spaziali americani e 

russi erano stati interrotti. Dylan non ha 

avuto scelta: s’è dovuto alleare coi malvagi 

Decepticon e come lui altri uomini. Ma a 

fianco degli umani sono rimasti gli Auto- 

4 

bot e accanto a loro il giovane Sam, ardimentoso 

anti-eroe, lavoratore precario 

mantenuto dalla fidanzata (la crisi si avverte 

anche in America), benché abbia ottenuto 

una medaglia dal presidente degli 

States per aver salvato il mondo, ma che 

nessuno prende in realtà molto sul serio. Il 

ragazzo riuscirà però in corso d’opera a 

svelare le sue doti. Il cast umano rimane 

tuttavia piuttosto in secondo piano rispetto 

alle scintillanti automobili pronte a trasformarsi 

in robot ipertecnologici e alle loro 

avvincenti battaglie. Anche se durante queste, 

in verità, non è semplice distinguere 

Autobot da Decepticon. Film spettacolare 

e altamente complottistico (sfida tra americani 

e russi negli anni ’60, robot ‘buoni’ 

contro robot ‘cattivi’, umani coraggiosi e 

altri traditori), assicura un’immersione 

completa grazie al 3D “totale”, anche se 

l’effetto visivo è spesso preponderante rispetto 

alla trama del film. S’indaga il lato 

oscuro della luna: il mistero, ciò che non si 

vede, i numerosi tradimenti degli uomini e 

dei robot, i segreti della storia e dei governi, 

in un’opera alquanto movimentata e 

piuttosto lunga ma che non annoia. 

Luca Caruso 

Acconciature: Michael Moore, Gary J. Perticone, Terrie Velasquez 

Supervisori effetti speciali: John Frazier, Tommy Frazier 

Coordinatori effetti speciali: J.D. Schwalm, Jeffrey A. 

Wischnack 

Supervisori effetti visivi: Richard Higham (The Senate 

VFX),Jim Hillin (Gradient Effects), Jeff Campbell (SPIN VFX), 

Robert Nederhorst (Svengali FX), Marco Recuay (Scoundrel), 

Blair Clark, Michael Janov, Glenn Melenhorst, Rocco Passionino, 

Jonathan Rothbart 

Coordinatori effetti visivi: Kyle Ware (Svengali FX), Joey 

Bonander, Noelle P. Case, Sheila Giroux, Samantha Liss, 

Michael C. May, Georgia Smith 

Supervisore costumi:Dan Moore 

Supervisore animazione: James W. Brown 

Suono: Christopher T. Silverman 

Interpreti: Paul Bettany (prete), Karl Urban (‘Black Hat’), Cam 

Gigandet (Hicks), Maggie Q (sacerdotessa), Lily Collins (Lucy 

Pace), Brad Dourif (commerciante), Stephen Moyer (Owen Pace), 

Christopher Plummer (Monsignor Orelas), Alan Dale (Monsignor 

Chamberlain), Mädchen Amick (Shannon Pace), Jacob Hopkins 

(ragazzo), Dave Florek (Crocker), Joel Polinsky (dottor Tomlin), 

Josh Wingate, Jon Braver, Casey Pieretti, Theo Kypri, John Griffin, 

David Backus, Roger Stoneburner, David Bianchi (familiari), 

Tanoai Reed, Arnold Chon, Henry Kingi Jr., Austin Priester (sacerdoti), 

Kanin Howell (il marito), Julie Mond (la moglie), Michael 

D. Nye (capostazione), Reiner Schöne (ministro), Marilyn Brett 

Durata: 88’ 

Metri: 2400

“C’ 

è sempre stato l’uomo e ci 

sono sempre stati i vampiri 

– recita la voce narrante. 

Fin dall’inizio sono stati in conflitto. I 

vampiri erano più veloci, più forti, ma 

l’uomo aveva il sole. Non bastò. Le due 

razze si distruggevano a vicenda e distruggevano 

il mondo. Davanti all’incubo 

dell’estinzione, l’umanità si ritirò 

dentro città fortificate, sotto la protezione 

della Chiesa. Poi fu trovata l’arma 

definitiva: i sacerdoti. Guerrieri 

dalle capacità straordinarie, addestrati 

dalla Chiesa nell’arte di combattere i 

vampiri. Da soli, diedero la vittoria all’uomo. 

I vampiri rimasti vennero chiusi 

in riserve e, temendo l’arma che esso 

stesso aveva creato, il clero al potere 

ordinò che il gruppo dei sacerdoti fosse 

sciolto e che gli ex guerrieri fossero 

reintegrati in una società che non aveva 

più bisogno di loro. Col passare degli 

anni, i pochi sacerdoti superstiti svanirono 

nell’oscurità, come la minaccia 

dei vampiri prima di loro”. Alla 18enne 

Lucy la vita casalinga va stretta, ma il 

pericolo è reale. Durante la cena, infatti, 

arrivano i vampiri e la rapiscono. 

In una città buia e militarizzata, gli altoparlanti 

ripetono slogan catechistici: 

“Andare contro la Chiesa è andare contro 

Dio”. Un sacerdote, Ivan, va a confessarsi 

tramite schermo, denunciando 

il suo incubo: essere in un alveare e non 

riuscire a salvare un amico dai vampiri. 

Poco dopo, viene raggiunto dallo 

sceriffo Hicks, che chiede il suo aiuto: 

sua nipote Lucy è stata rapita e suo fratello 

Owen è gravemente ferito. I monsignori 

però non credono al pericolo dei 

vampiri e non autorizzano la missione, 

ritenendo piuttosto che si tratti di un attacco 

di delinquenti comuni. La loro autorità 

è indubbia, il rischio per Ivan è 

la scomunica. Lui però si ribella e parte. 

Raggiunge in moto la casa di Owen 

e si ritrova con lo sceriffo che lo conduce 

al capezzale, ove il fratello gli lascia 

il mandato di ritrovare Lucy, gli 

confida che la moglie Shannon non lo 

aveva mai dimenticato e poi muore. Altri 

quattro sacerdoti sono inviati dal clero 

sulle orme del prete dissidente, con 

l’ordine di riportarlo indietro vivo o 

morto. Ivan e lo sceriffo si recano in una 

riserva di vampiri e fanno una perlustrazione, 

parlando con dei famigli: 

umani che han deciso di farsi infettare 

dai vampiri, diventandone schiavi. Lot- 


tano coi famigli, poi il sole tramonta e 

riaffiorano i vampiri, ma Ivan li massacra. 

Mentre è con Hicks in mezzo a 

delle grandiose rovine, il prete scopre 

che lo sceriffo ha una relazione con 

Lucy. Gli assicura però che se è infetta 

la ucciderà, e lui se ne risente. Scalano 

un monte costellato di crani e si addentrano 

per dei cunicoli. Lì, Ivan incontra 

una collega sacerdote, che è sulle 

sue tracce e lo aiuta nella lotta. Poi i 

due parlano degli incubi che li tormentano, 

del confino cui sono stati relegati 

dopo la guerra, di come non abbiano 

più trovato lavoro. I vampiri scatenano 

frattanto il loro attacco mortale agli 

umani nella città di Gerico, al comando 

di Black Hat, un ex prete ora vampiro. 

Gli altri tre sacerdoti provano a fermarlo, 

ma inutilmente: Ivan e i suoi li 

trovano la mattina dopo morti crocifissi. 

Black Hat sta viaggiando con un 

esercito di vampiri su di un treno verso 

le città ove non sorge più il sole. Lucy è 

insieme a lui, il cui intento è attirare i 

sacerdoti. Lo sceriffo scopre dalla sacerdotessa 

che Lucy è figlia di Ivan. I 

tre si lanciano quindi all’assalto del 

treno. Ivan si trova di fronte a Black 

Hat, l’amico che non riuscì a salvare 

dai vampiri. Lui ha attraversato il confine 

tra la vita e la morte, venendo infine 

trasformato in un vampiro-umano. 

I due si affrontano con violenza, ma 

Ivan non lo può battere, è troppo forte. 

Black Hat lo invita a unirsi a lui, ma 

Ivan rifiuta. Prete e sceriffo ritrovano 

infine Lucy, ma interviene Black Hat, 

che li annienta e porta la ragazza con 

sé. Sta per morderla, ma Ivan lo ferisce 

e salva Lucy. Arriva la sacerdotessa 

in moto, ad altissima velocità, carica 

di esplosivo e fa saltare in aria il 

treno. Ivan e Lucy saltano giù un istante 

prima dell’esplosione e lei può ricongiungersi 

con Hicks. Anche la sacerdotessa 

è salva. Il vampiro invece è 

morto. Ivan si ripresenta al cospetto 

del clero, con in mano il suo cappello 

nero e la testa di un vampiro. Viene rimproverato 

di aver sfidato la Chiesa per 

la sua “egoistica crociata”, ma lui denuncia 

che ci sono centinaia di vampiri 

in giro. Viene accusato di essere un ciarlatano, 

un rischio per la sicurezza delle 

città. “I vampiri non rappresentano una 

minaccia: la guerra è finita, sacerdote!” 

gli urla un monsignore. “No – replica 

lui – è appena cominciata”, cor- 

5 

rendo poi a ricongiungersi in moto alla 

sacerdotessa e agli altri. 

I 

n un mondo fuori dalla storia e 

dal tempo, gli uomini vivono chiusi 

in delle roccaforti, sotto l’opprimente 

dominio di una Chiesa miope. È 

stata lei a debellare la minaccia dei vampiri 

e adesso non può credere che essi 

riaffiorino dalle tenebre. I valorosi sacerdoti-combattenti 

che eliminarono i vampiri 

vivono ai margini della società, riconoscibili 

per via di una croce tatuata sulla 

fronte: espletata la loro missione, sono 

stati segregati, così come i pochi vampiri 

sopravissuti, rinchiusi in delle riserve. Tuttavia 

gli incubi ritornano: al comando dell’unico 

vampiro-umano, il feroce Black 

Hat, i vampiri rapiscono la giovane Lucy, 

figlia di Ivan, uno dei preti guerrieri, avuta 

prima di scoprire la sua vocazione. La 

ragazza diviene allora un’esca per attirare 

i sacerdoti nella trappola. Ivan disobbedisce 

agli ordini dei superiori e si precipita 

alla ricerca della figlia. Altri quattro 

preti sono sguinzagliati sulle sue tracce. 

La loro ferrea morale è contrapposta al 

comportamento di una Chiesa verticistica 

e vigliacca, che si ostina a negare la 

minaccia, così come l’ambientazione 

cupa e notturna, nella quale si agitano i 

vampiri, è in forte opposizione con la luce 

accecante dei deserti ove sono disseminate 

le rovine delle precedenti città, tra le 

quali i preti e lo sceriffo sfrecciano colle 

loro moto. Il film è basato su un impianto 

fragile: i reduci tormentati dagli incubi, per 

i quali il nuovo assalto dei nemici appare 

come una liberazione; l’ex amico, Black 

Hat, che si è sentito tradito dai colleghi 

sacerdoti che non sono riusciti a salvarlo 

(è questa la prima scena del film, nonché 

l’incubo ricorrente di Ivan). Segue l’espediente 

della nipote rapita, Lucy, che si rivela 

essere figlia di Ivan, a sua volta fidanzata 

dello sceriffo Hicks. Un groviglio 

di legami senza profondità, in una pellicola 

tuttavia piena di simboli: un crocifisso 

cade e s’infrange all’arrivo dei vampiri, 

Ivan spezza il suo rosario allorquando 

decide di andare contro i dettami della 

Chiesa, frasi bibliche a effetto sostengono 

i sacerdoti nei momenti più difficili. Il 

film, in fondo, regge, perché non ha grandi 

ambizioni e si risolve nel giro di un’ora 

e un quarto senza però avvincere, né convincere. 

Luca Caruso

WORLD INVASION 

(Battle: Los Angeles) 

“I 


Regia: Jonathan Liebesman 

Produzione: Jeffrey Chernov, Ori Marmur, Neal H. Moritz per 

Columbia Pictures/Relativity Media/Original Film/Legion Entertainment 

Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia 


Soggetto e sceneggiatura: Chris Bertolini 

Direttore della fotografia: Lukas Ettlin 

Montaggio: Christian Wagner 

Musiche: Brian Tyler 

Scenografia: Peter Wenham 

Costumi: Sanja Milkovic Hays 

Produttore esecutivo: David Greenblatt 

Produttore associato: Lisa Rodgers 

Direttori di produzione: Tommy Harper, Scott Thaler 

Casting: Debra Zane 

Aiuti regista: J. Michael Haynie, Kevin O’Neil, Richard Oswald, 

Scott Thaler 

Operatori: Michael Applebaum, Lucas Bielan, Joe Chess, 

Brown Cooper, Nicholas Davidoff, BJ McDonnell 

Operatore Steadicam: BJ McDonnell 

Art directors: Andrew Neskoromny, Chris L. Spellman 

Supervisore art director: Thomas Valentine 

Arredatore: Bob Kensinger 

Effetti speciali trucco: Brian Demski 

Trucco: Cary Ayers, Kim Ayers, Gloria Belz, Steve Buscaino, 

Joel Harlow, Krystal Kershaw, Courtney Lether, Adrienne Lynn, 

Chrissy Morris, Jed Dornoff 

Acconciature: Pierce Austin, Gloria Pasqua Casny, Jules Holdren, 

Kent Richard, Tony Ward 

Coordinatore effetti speciali: Stan Parks 

Supervisori effetti visivi: Craig Barron (Matte World Digital), 

Jeff Campbell (SPIN VFX), Vincent Cirelli (Luma Pictu- 

l sergente Nantz è deciso a lasciare 

i marines dopo aver perso 

quattro uomini nella sua ultima 

missione, ma viene coinvolto in un 

nuovo incarico ufficiale. È previsto infatti 

– nell’arco di qualche ora – un attacco di 

meteoriti sulla Terra, in particolare sulla 

città di Los Angeles. Il sergente Nantz viene 

mandato alla nuova squadra, nonostante 

non circolino voci brillanti sul suo conto; 

il tenente Martinez e i suoi uomini sono 

costretti ad accettarlo. Intanto, però, le 

immagini dei telegiornali mostrano come 

queste meteoriti siano in realtà attacchi di 

altro genere, non ancora identificati. Martinez 

e i suoi uomini vengono mandati sulla 

costa di Santa Monica con il compito di 

mettere in salvo tutti i civili rimasti e di 

cercare, allo stesso tempo, di capire l’origine 

di questi attacchi che stanno colpendo 

il mondo intero. Hanno soltanto quattro 

ore a loro disposizione, poi la costa 

dovrà essere bombardata dall’alto per distruggere 

qualsiasi cosa provochi gli attacchi. 

La squadra parte all’attacco e – 


arrivata a Santa Monica –, si accorge che 

la città, avvolta nel silenzio, sembra completamente 

deserta. Mentre gli uomini si 

aggirano per le strade, vengono colpiti da 

un attacco dall’alto e finalmente riescono 

a individuare delle figure che sparano verso 

di loro: sono alieni. 

Intanto alcuni civili vengono ritrovati 

per le strade e nei locali ormai abbandonati 

di Santa Monica. Nantz, Martinez e la 

loro squadra sono pronti a combattere contro 

gli alieni, ma prima devono mettere in 

salvo i civili (una donna con due bambini 

e un uomo con il figlio) e cercare di capire 

come uccidere il nemico. Una donna dell’aeronautica 

si unisce a loro. Intanto, uno 

dei soldati riesce a colpire un alieno e così 

Nantz suggerisce di portarlo nel loro rifugio 

per riuscire a capire più velocemente 

quale sia il punto da colpire per ucciderli. 

Durante i vari combattimenti tra gli alieni 

e i marines, restano uccisi alcuni uomini 

(tra cui il tenente Martinez) e un civile; ed 

è proprio con la morte del padre del bambino 

che Nantz riesce finalmente a spiega- 

6 

res), Bryan Godwin (Shade VFX), Winston Helgason (The 

Embassy), Keith Sellers (Soho VFX), Ben Shepherd (Cinesite), 

Everett Burrell, Geoff D.E. Scott 

Coordinatori effetti visivi: Nicholas Elwell (Hydraulx), Katie 

Godwin, Catherine Hughes (Luma Pictures), Louise Hutchinson 

(Cinesite), Adam Jewett (SPIN VFX), Shane Strickman 

(Shade VFX), Daniel Chavez, Catherine Liu 

Supervisore effetti digitali: Justin Johnson 

Supervisore costumi: Camille Argus 

Supervisore musiche:Kier Lehman 

Supervisori animazione: Jeremy F. Butler, Pimentel A. 

Raphael 

Suono: Paul Ledford 

Interpreti: Aaron Eckhart (Sgt. Michael Nantz), Michelle Rodriguez 

(sergente Elena Santos), Ramon Rodriguez (tenente 

in seconda William Martinez), Bridget Moynahan (Michele), 

Ne-Yo (caporale Kevin Harris), Michael Peña (Joe Rincon), 

Cory Hardrict (caporale Jason Lockett), Noel Fisher (soldato 

Shaun Lenihan), Will Rothhaar (caporale Lee Imlay), Jim Parrack 

(caporale Peter Kerns), Gino Anthony Pesi (caporlare Nick 

Stavrou), James Hiroyuki Liao (caporale Steven Mottola), 

Adetokumboh M’Cormack (Jibril Adukwu), Bryce Cass (Hector 

Rincon), Joey King (Kirsten), Neil Brown Jr. (caporale Richard 

Guerrero), Taylor Handley (caporlare Corey Simmons), Lucas 

Till (caporlare Scott Grayston), Kenneth Brown Jr. (caporale 

Richard Oswald), Jadin Gould (Amy), Joe Chrest (John Roy), 

E. Roger Mitchell (capitano), Rus Blackwell (K.N. Ritchie), 

Susie Abromeit (Amanda), Brandi Coleman (Cherise), Elizabeth 

Keener (Kathy Martinez), Jessica Heap (Jessy), David 

Jensen (psichiatra), Stacey Turner, Tom Hillmann (giornalisti 

televisivi), Taryn Southern (reporter) 


Metri: 3300 

re agli altri cosa era accaduto durante la 

sua ultima missione e quanto fosse ancora 

sconvolto per la morte dei suoi ragazzi. 

Il bombardamento previsto dopo le 

quattro ore sembra essere saltato e, quando 

i marines arrivano alla stazione centrale, 

si accorgono che anche lì è tutto distrutto 

e che non c’è più nessuno che possa 

bombardare dall’alto per distruggere 

definitivamente gli alieni e il loro punto di 

coordinamento che si trova sottoterra. 

L’unica soluzione è di cercare questo centro 

da cui partono gli alieni e distruggerlo 

con le armi, ma intanto gli uomini vengono 

avvistati da un elicottero che li porta in 

salvo. Una volta sull’elicottero il sergente 

Nantz senza avvisare il resto della squadra 

si lancia per tornare a terra e cercare 

di distruggere definitivamente gli alieni. Un 

attimo dopo, sono di nuovo tutti con lui, 

mentre restano sull’elicottero i civili. 

Finalmente riescono a trovare il centro 

di coordinamento degli alieni e sebbene 

-per due volte- quando sembrava che lo 

avessero distrutto, ne nasceva un altro, alla

fine Nantz e i suoi uomini riescono a distruggerlo 

definitivamente e a salvare quel 

che resta di Santa Monica. 

La squadra di Nantz è in salvo, si ritrovano 

tutti insieme nel campo dei marines, 

tra i festeggiamenti degli altri che 

hanno saputo della loro impresa. Il riposo 

dura poco però: il sergente e poi uno a uno 

tutti gli altri uomini decidono di ripartire 

per continuare a distruggere gli alieni nel 

resto del mondo. 

G 

H 

li alieni che invadono la Terra, i 

marines che salvano il mondo. Un 

film visto e rivisto, scontato dal- 


l’inizio alla fine, con qualche finto colpo di 

scena che risulta soltanto fastidioso. Gli 

improvvisi attacchi che colpiscono gli Stati 

Uniti prima e il resto del mondo poi, sono 

stati raccontati così tante volte che già dalle 

prime sequenze del film si può immaginare 

come andrà a finire. La sceneggiatura 

non regge, non viene mai spiegato il motivo 

dell’attacco alieno, si accenna a una 

“questione dell’acqua”, ma non si capisce 

altro. Lo stesso vale per il sergente Nantz, 

non è molto gradito ai suoi uomini, ma sembra 

che neanche loro sappiano bene il perchè. 

L’unica donna tra i protagonisti è Michelle 

Rodriguez, che a quanto pare, non 

HARRY POTTER E I DONI DELLA MORTE – PARTE 2 

(Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II) 

Stati Uniti/Gran Bretagna, 2011 

Regia: David Yates 

Produzione: David Barron, David Heyman, J.K. Rowling per 

Heyday Films/Moving Picture Company (MPC)/Warner Bros. 

Pictures/Warner Bros. 

Distribuzione: Warner Bros. Pictures 


Soggetto:tratto dall’ omonimo romanzo di J.K. Rowling 

Sceneggiatura: Steve Kloves 

Direttore della fotografia: Eduardo Serra 

Montaggio: Mark Day 

Musiche: Alexandre Desplat 

Scenografia: Stuart Craig 

Costumi: Jany Temime 

Produttori esecutivi: David Heyman, Lionel Wigram 

Co-produttori: Tim Lewis, John Trehy 

Direttore di produzione: Simon Emanuel 

Casting: Fiona Weir 

Aiuti regista: Jamie Christopher, Arabella Constance-Churcher, 

Ben Dixon, Stewart Hamilton, Nick Heckstall-Smith, Ray 

Kenny, James Parry, Jane Ryan, Matthew Sharp, Vaughn Stein, 

Eileen Yip 

Operatori: Adam Dale, David Morgan, Stefan Stankowski, Alf 

Tramontin, David Worley 

Operatore Steadicam: Alf Tramontin 

Art directors: Andrew Ackland-Snow, Alastair Bullock, Martin 

Foley, Christian Huband, Molly Hughes, Hattie Storey, Gary 

Tomkins 

Arredatore: Stephenie McMillan 

Effetti speciali trucco: Barrie Gower, Claire Green, Göran 

Lundström, Waldo Mason, Barney Nikolic, Lauge Voigt, Josh 

Weston 

Trucco: Brian Best, Amanda Burns, Amy Byrne, Tilly Calder, 

Sarah Downes, Charmaine Fuller, Faye Garland, Charlotte 

Hayward, Belinda Hodson, Agnes Legere, Claire Matthews, 

Jessica Needham, Sharon Nicholas, Charlotte Rogers, Wakana 

Yoshihara, Nikita Rae 

Acconciature: Francesca Crowder, Hannah Edwards, Charlotte 

Hayward, Sophia Knight, Stephen Rose, Sophie Slotover, 

Luca Vannella 

arry, Ron e Hermione, dopo la 

morte di Dobby, continuano la 

ricerca degli horcrux. Harry è 

convinto che uno di questi sia nascosto 

nella camera blindata di Bellatrix alla 

Gringott. Per poterci entrare chiede aiuto 

7 

riesce a interpretare altri ruoli oltre quello 

della donna soldato e simili. Inutili e anche 

un po’ fastidiosi quei finti colpi di scena in 

cui, per almeno tre volte, gli alieni sembrano 

sconfitti (e il film finito) e invece tutto 

ricomincia. Cosa che accade anche alla 

fine, quando Nantz e i suoi uomini dopo 

essere tornati al campo sani, salvi e vittoriosi, 

decidono di ripartire per continuare 

a sconfiggere gli alieni e liberare il mondo. 

Il film -diretto da Jonathan Liebesmanè 

davvero noioso, ripetitivo e per niente 

interessante. 


Supervisore effetti speciali: Steve Hamilton 

Coordinatore effetti speciali: Lucile Abiven 

Supervisori effetti visivi: Olcun Tan (Gradient Effects), David 

Vickery (Double Negative), Clark Parkhurst (Lola VFX), Greg 

Butler (MPC), Dadi Einarsson (Framestore), Rudi Holzapfel 

(Baseblock), Sean Mathiesen (Rising Sun Pictures), Adam 

Gascoyne, Tim Burke, Matt Jacobs, John Moffatt,Chris Shaw 

Coordinatori effetti visivi: Sarah Smith (I.E. Effects), Marlene 

Nehls (MPC), Katy Mummery (Double Negative), Duncan 

Holland (Baseblack), Miles Friedman (Lola VFX), Anna 

Creasy (RSP), Kingsley Cook (Warner Bros.), Lucy Drewett, 

Daniel Booty (Framestore), Laia Alomar, Julian Bloomfield, 

Edward L. Dark, Jane Ellis, Sofus Graae, Gavin Gregory, Ross 

Johnson, Erin Eunsung Kim, Mel Martin, Abigail Mendoza, 

Sarah Middleton, Blaise Panfalone, Noga Alon Stein, Michelle 

Teefey-Lee 

Supervisori effetti digitali: Andy Robinson (Cinesite), Cam 

Langs (Rising Sun Pictures), Ed Hawkins 

Supervisori animazione: Ferran Domenech (MPC), Chris 

Lentz 

Interpreti: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Emma Watson (Hermione 

Granger), Rupert Grint (Ron Weasley), Ralph Fiennes 

(Lord Voldemort/Tom Riddle), Helena Bonham Carter (Bellatrix 

Lestrange), David Bradley (Argus Gazza), Jim Broadbent 

(Horace Lumacorno), Robbie Coltrane (Rubeus Hagrid), Michael 

Gambon (prof. Silente), Guy Henry (Pius O’Tusoe), John 

Hurt (Olivander), Kelly Macdonald (Dama Grigia), Rade Serbedzija 

(Gregorovitch), Alan Rickman (prof. Severus Piton), 

Miranda Richardson (Rita Skeeter), Adrian Rawlins (James 

Potter), Gary Oldman (Sirius Black), Bill Nighy (Rufus Scrimgeour), 

Peter Mullan (Yaxley), Miriam Margolyes (Pomona 

Sprite), Luke Newberry (Teddy Lupin), Helen McCrory (Narcissa 

Black in Malfoy), Devon Murray (Seamus Finnigan), Tom 

Felton (Draco Malfoy), Clémence Poésy (Fleur Delacour), 

Shefali Chowdhury (Parvati Patil), Afshan Azad (Padma Patil), 

Natalia Tena (Ninfadora Tonks), Andy Linden (Mundungus 

Fletcher), Ninette Finch (Augusta Paciock) 


Metri: 3600 

a Unci Unci che, in cambio, pretende di 

avere la spada di Grifondoro. 

Il mago accetta e insieme ai due amici

iesce a entrare nella banca magica e recuperare 

l’horcux: la coppa di Tosca Tassorosso. 

Unci Unci, però, non mantiene la 

promessa e dà l’allarme ciononostante i 

tre ragazzi riescono a scappare. 

Harry ha una visione e intuisce che un 

altro horcrux possa essere legato a Priscilla 

Corvonero; per questo chiede ai suoi 

compagni di viaggio di ritornare a Hogwards. 

Nella vecchia scuola, i tre maghi vengono 

accolti come degli eroi e, grazie al 

suggerimento di Luna, iniziano a esplorare 

ogni luogo dove possa nascondersi il 

diadema di Corvonero. Harry lo trova nella 

stanza delle necessità e, dopo averlo distrutto, 

ha una visione del serpente Nagini, 

probabilmente l’ultimo posto in cui il 

suo nemico ha messo un pezzo dell’anima. 

Immediatamente corre a cercare Nagini, 

ma assiste a una macabra scena: Lord Voldemort 

per ottenere l’invincibile bacchetta 

di sambuco appartenuta a Silente, uccide 

Piton e con la nuova arma sferra un 

attacco ad Hogwards. Harry, impietosito, 

si avvicina al suo odiato professore che, 

prima esalare l’ultimo respiro, gli chiede 

di conservare la sua lacrima e di metterla 

nel Pensatoio. 

Il ragazzo esegue le istruzioni e, mentre 

nella scuola si combatte una feroce 

battaglia, riesce a raggiungere la stanza 

di Silente e a mettere nel pensatoio la lacrima. 

Harry si ritrova ad essere spettatore 

della vita di Piton e realizza che ogni sua 

azione era finalizzata a proteggerlo, che 

non è mai stato dalla parte di Voldemort e 

che lo ha sempre aiutato per l’immenso 

amore che aveva per sua madre. Oltre a 

questo, però, scopre anche di essere lui 


stesso un horcrux a causa della maledizione 

che gli è rimbalzata addosso quando 

morirono i suoi genitori. 

Voldemort, intanto, annuncia alla scuola 

di voler ritirare le sue truppe per attendere 

Harry nella Foresta Proibita per lo 

scontro finale. Professori e alunni vogliono 

proteggere il loro compagno, ma il 

mago è consapevole che un suo rifiuto 

metterà a repentaglio la vita di troppe persone; 

per questo, senza esitare, si dirige 

dal suo nemico. Arrivato a destinazione 

viene prontamente colpito dall’anatema 

che uccide e si ritrova in una sorta di limbo 

dove incontra Silente che lo esorta a 

tornare alla vita. Voldemort convinto di 

aver ucciso Harry (in realtà aveva ucciso 

il suo horcrux) ritorna con il presunto cadavere 

ad Hogward e chiede a tutti di seguirlo. 

Gli studenti, capeggiati da Neville, 

si rifiutano e iniziano a combattere. Harry, 

allora, riapre gli occhi e sfida il suo 

nemico. Voldemort sembra avere la meglio 

fino a quando non viene indebolito dalla 

morte di Nagini. Il mago oscuro, disperato, 

raccoglie tutte le sue forze e scaglia 

l’Avada Kedavra su Harry, ma la maledizione, 

come in passato, si ritorce contro di 

lui uccidendolo. Il mondo magico è salvo. 

Passano 19 anni. Harry e Ginny sono 

al binario 9 e tre quarti insieme ai figli e 

tanti bagagli. Qui incontrano Ron e Hermione, 

anche loro sposati e in procinto di 

salutare la loro bambina in partenza per 

Hogwards. 

ono passati dieci anni da quan- 

S do il treno rosso di Hogwards ha 

accompagnato per per la prima 

volta milioni di spettatori nel mondo di Harry 

Potter. Qualcuno era trepidante, qual- 

8 

cun’altro scettico, ma nessuno all’epoca, 

forse, era consapevole di essere di fronte 

a un fenomeno culturale che avrebbe investito 

il nuovo millennio. Inclusa la sottoscritta, 

fermamente convinta che nessun 

nuovo autore avrebbe potuto competere, 

per genialità e scrittura, con i mostri sacri 

della letteratura per l’infanzia. 

Mi sbagliavo e mi resi conto dell’errore 

quando, alla fine della proiezione di 

Harry Potter e la pietra filosofale (il primo 

film), il commento unanime dei più piccoli 

fu “Il libro è più emozionante”. Questa osservazione, 

così inusuale per dei bambini, 

mi incuriosì talmente tanto da convincermi 

a leggere il libro. Avevano ragione 

loro, decisamente. La Rowlings, oltre ad 

essere un’ottima scrittrice, ha il raro talento 

di coinvolgere il lettore in storie sì fantastiche, 

ma allo stesso tempo intrise di quotidianità, 

specialmente emotiva. Non racconta 

di eroi senza macchia, di buoni assoluti 

o di modelli inarrivabili, ma di esistenze 

normali, sentimenti comuni in un 

contesto decisamente fuori dalle righe. Lo 

stesso Harry Potter non è perfetto, ma riesce 

a cavarsela grazie all’appoggio degli 

amici con cui condivide, e non senza screzi, 

una missione. 

Ma forse il segreto del successo di 

questa saga va ricercato altrove; a quella 

voglia di evadere che caratterizza i tempi 

“oscuri”, per usare le parole della stessa 

Rowling, e questi, purtroppo, lo sono parecchio. 

Dopo la lunga e doverosa premessa 

ritorniamo a parlare di cinema e più precisamente 

della seconda parte di Harry Potter 

e i doni della morte. 

È evidente, non lo si può analizzare 

come un semplice film, è la fine di un percorso, 

la chiusura di un cerchio che porta 

con sé anche un considerevole pathos, 

come tutti gli addii d’altronde. 

David Yates, forse il più bistrattato fra tutti 

i registi potteriani, in questa seconda parte 

riesce egregiamente a creare proprio questo 

senso di distacco, di conclusione utilizzando 

una grammatica epica che trasforma 

la battaglia finale in un evento solenne. Anche 

i numerosi tasselli della trama, che in 

passato gli hanno creato più di un grattacapo, 

questa volta, si inseriscono senza fatica 

nell’intreccio. Ma la vera “firma” di Yates, le 

scene in cui il regista dà il meglio si sé, sono 

quelle intimistiche, dove il silenzio e le emozioni 

catturano lo spettatore più di qualsiasi 

roboante effetto speciale. Il flashback onirico 

sul passato di Piton, ad esempio, dove 

un intenso Alan Rickman, grazie ad una interpretazione 

“di peso” riesce a mettere a 

nudo l’umanità di uno dei personaggi più 

controversi di tutta la saga e a trasformare

un breve frammento in un vero e proprio film 

nel film. Bellissimo. 

Eppure non bisogna lasciarsi fuorviare 

dalla critica (fin troppo) osannante. Nonostante 

i livelli altissimi del cast tecnico e 

attoriale, è doveroso ribadire che siamo di 

A 

THE NEXT THREE DAYS 

(The Next Three Days) 


Regia: Paul Haggis 

Produzione: Oliver Delbosc, Paul Haggis, Marc Missionier, Michael 

Nozik, Eugene Grandval per Fidelite Films, HWY61, Liongate 


Prima: (Roma 8-4-2011; Milano8-4-2011) 

Soggetto: Fred Cavaye, Guillaume Lemans 

Sceneggiatura: Paul Higgis 

Direttore della fotografia: Stephanie Fontaine 

Montaggio: Jo Francis 

Musiche: Danny Elfman 

Scenografia: Laurence Bennett 

Arredamento: Linda lee Sutton 

Casting: Randi Hiller 

Costumi: Abigail Murray 

Operatore: Mahdi Lepart 

Pittsburgh, la polizia irrompe in 

casa Brennan per arrestare Lara, 

accusata dell’assassinio della cognata, 

che era anche il suo capo al lavoro; 

ma la cosa non è vera. Le sue impronte 

sono trovate sulla giacca della morta, ma 

solo perché lei è arrivata in quel luogo, un 

punto dove c’è un bancomat, un istante 

dopo la conclusione del fatto: questo è 

quanto Lara ripete. Per il marito John, professore 

di lettere e il figlio Luke, bambino, 

inizia una vita di tensione costante poiché 

l’uomo, convinto dell’innocenza della moglie, 

non si ferma alla prima sentenza di 

condanna; nelle visite a Lara in carcere, 

la donna perde sempre più la speranza della 

liberazione, ma quando lo stesso avvocato 

difensore dice chiaro a John che neppure 

la Corte Suprema riconoscerà l’innocenza 

di lei e, soprattutto, quando Lara 

tenta il suicidio in carcere, John decide di 

fare da sé. 

Affida Luke ai propri genitori e come 

primo passo riesce a trovare un plurievaso 

e da lui si fa spiegare tutti i passi necessari 

per realizzare una fuga dal carcere; 

oltre a elencargli cosa occorre fare e come 

farlo, quell’uomo gli dice che dovrà indurire 

moltissimo il suo cuore, altrimenti non 

deve neppure iniziare il piano. Così, John 

percorre le strade cittadine studiando la 


fronte a uno spettacolo che non è cinema, 

ma utilizza magnificamente il cinema come 

mezzo di espressione. Una felice unione 

fra due arti giunta ormai al termine. 

E per il saluto finale Yates non poteva 

scegliere posto migliore, il binario 9 e tre 

via di fuga, prende immagini di vari punti, 

valuta tempi e costruisce nel suo studio una 

grande mappa della città, cui allega ogni 

informazione. La necessità di avere passaporti 

falsi lo porta a bazzicare ambienti 

loschi; ma intanto deve procedere con il 

suo lavoro e mantenersi tranquillo quando 

è con il figlio. I due delinquenti e spacciatori 

di droga che gli hanno procurato i 

passaporti lo derubano di tutto il denaro 

che gli serve per vivere in fuga, ma lui riesce 

a introdursi nel loro covo, stracolmo 

di metadone, e gli spara, recuperando il 

denaro. 

Appicca il fuoco a quel luogo, ma si 

lascia commuovere da uno dei due, ancora 

vivo, che lo supplica di non lasciarlo lì. 

Lo carica dunque in auto ma, quando quell’uomo 

muore, non può che abbandonarlo 

lungo una strada, in città. Lara è stata 

portata in ospedale perché lui ha alterato 

la sua cartella clinica, John è pronto per 

la fuga e, per prima cosa, passa a prendere 

Luke dai nonni, come per portarlo in 

una gita.. Intanto, la polizia indaga sull’incendio 

e sull’uomo trovato morto in 

strada e proprio questo ritrovamento fa 

scattare la ricerca di un’auto precisa. John 

affida il figlio a una giovane donna che ha 

una figlia, nella scuola di Luke: porterà i 

bambini a una festa; entra di nascosto nella 

9 

quarti, il luogo che ha cambiato la vita a 

un bambino orfano d’amore e soprattutto 

a una giovane scrittrice con tanta, tanta 

fantasia. 


Effetti speciali; Stephane Finocchio, Drew Jiritano, Andrew 

Mortelliti 

Interpreti: Russell Crowe (John Brennan), Elizabeth Banks (Lara 

Brennan), Brian Dennety (George Brennan), Lennie James (tenente 

Nabulsi), Olivia Wide (Nicole), Ty Simpkins (Luke), Helen 

Carey (Grace Brennan), Liam Neeson (Damon Pennington), 

Michael Bule (Mick Brennan), Moran Atlas (Erit), Remy Nozik 

(Jenna), Jonathan Tucker (David), Jason Beghe (Quinn), Tyron 

Giordano (Mike), Sean Huze (Barney), Nazarin Bonladu (Elaine), 

Kevin Corrigan (Alex), Lauren Haggis (Lyla), Leslie Merrill 

(Elizabeth Gesas), Rachel Deaon (Cherie), Denise Dal Vera 

(Eugenie), Katlyn Wilde (Julie), Allan Steele (Harris), Peyton 

Grace Allen (Carrie), Derek Cecil (Becsey), Aisha Hinds (Collero), 

Brenna Mc Donough (Brenda), James Ransone (Harv), 

Daniel Stern (Fisk), Trudie Styler (Byrdie Lifson) 


Metri: 3360 

camera di Lara in ospedale e fa scattare 

la fuga travestiti da infermieri; ma la polizia 

entra in ospedale, avendo riconosciuto 

l’auto di John e avendo intuito il suo piano. 

Ed egli riesce ad attuarlo comunque, 

anche se la fuga diventa un rocambolesco 

inseguimento che coinvolge tutta la città. 

Pur correndo, la coppia riesce a recuperare 

il figlio e a superare il confine dello 

Stato, nell’auto di una famiglia che li aiuta, 

cosa che li salva perché la polizia sta 

cercando un uomo, una donna e un bambino, 

da soli. 

P 

aul Haggis ha realizzato un film 

dalla doppia anima: tutta la prima 

parte, in cui John costruisce 

il suo piano, fino quando incendia il 

covo dei due spacciatori è senza dubbio 

un thriller psicologico; da quella scena sino 

alla fine è un vero film d’azione. Le scene 

della prima parte sono costruite con una 

grande abbondanza di primi piani e molte 

sono in interni (non solo quelle in parlatorio 

tra John e Lara); i dialoghi sono tutti 

condotti con un volume di voce basso, sia 

quelli tranquilli sia quelli ansiosi, sino ad 

arrivare più volte al mormorio. Nella costruzione 

del suo piano, John inizia a cambiare, 

le sue riflessioni sono più fredde, quando 

entra in contatto con i malavitosi sa te-

nere atteggiamenti duri e parlare allo stesso 

modo loro. Mette molto bene in pratica 

i suggerimenti del suo maestro. E tanto più 

è ammirevole la forza della sua determinazione 

a tentare qualunque cosa per salvare 

Lara, quanto più lei stessa perde la 

speranza. L’andamento della vicenda si 

concentra sempre più su di lui e non c’è 

un momento in cui lo spettatore non resti 

soggiogato dalla somma di sentimenti e 

razionalità che riesce a sorreggere John. 

Non si avvertono dettagli non realistici in 

questo puzzle, perché ci affascina il fatto 

che John lo costruisca e lo viva. 

Il professore parla in classe del Don 

Chisciotte e osserva che passiamo tanto 

tempo a organizzare razionalmente il mondo, 

ma quale parte della nostra vita è davvero 

sotto il nostro controllo? Razionalità 

e irrazionalità hanno entrambe elementi 

positivi e negativi e quel che conta è essere 

liberi, non importa come. Dopo questa 

riflessione, il professore inizia a elaborare 

il suo piano. Quella che poteva essere 

solo una simpatica e originale variazione 

all’uomo comune costretto ad azioni del 

FOUR LIONS 

(Four Lions) 

O 

Gran Bretagna, 2010 

Regia: Chris Morris II 

Produzione: Mark Herbert, Derrin Schlesinger per Film4/Wild 

Bunch/Optimum Releasing/Warp Films 

Distribuzione: Videa-CDE 

Prima: (Roma 1.6.2011; Milano 1.6.2011) 

Soggetto e sceneggiatura: Chris Morris (II), Jesse Armstrong, 

Sam Bain, Simon Blackwell 

Direttore della fotografia: Lol Crawley 

Montaggio: Billy Sneddon 

Scenografia: Dick Lunn 

Costumi: Charlotte Walter 

Produttori esecutivi: Angus Aynsley, Carole Baraton, Peter 

Carlton, Will Clarke, Rita Dagher, Mark Findlay, Caroline Leddy, 

Alex Marshall, Tessa Ross 

Produttori associati: Afi Khan, Faisal A. Qureshi 

Line producer: Rebekah Wray Rogers 

Direttori di produzione: Fiona Lamptey, Rebekah Wray 

Rogers, Alex Sutherland 

Casting: Des Hamilton 

mar, Waj, Barry e Faisal sono 

quattro ragazzi musulmani dello 

Sheffield, in Inghilterra, che sognano 

di entrare a far parte della Jiad e di 

compiere un atto terroristico in favore della 

loro causa. Omar e Waj in effetti riescono 

a entrare in un campo di addestramento 

per terroristi in Pakistan, mentre Barry 

recluta un quinto elemento, Hassan. L’addestramento 

di Omar e Waj finisce però 


tutto lontane dal suo quotidiano, e che 

quest’uomo sia un professore di lettere, 

diventa invece un particolare forte tanto 

che la polizia non potrebbe aspettarsi niente 

di simile da lui. Ma John non si è indurito 

tanto da non commettere un errore: portare 

sulla sua auto il malvivente che gli 

chiede di non lasciarlo nell’incendio. Da qui 

scatta la seconda parte della storia. E ci 

accorgiamo che l’inquadratura di spalle su 

John al posto guida, che volta un po’ la 

testa verso qualcuno che, dietro, si lamenta 

è la stessa con cui si apre il film; tutta la 

prima parte, quindi, può essere un suo 

flash-back, che, a questo punto, motiviamo 

solo perché John sta facendo la prima 

e unica disobbedienza all’ordine preciso 

di non lasciarsi commuovere da nulla. È 

inevitabile che ricordi tutto ciò che l’ha portato 

lì. 

Nella dimensione di ricordo, e quindi 

non chiare, ritornano fugacemente immagini 

veloci dell’assassinio, che forse sono 

il vero forse sono cose che Lara vuol far 

credere; non sapremo mai da cosa è stata 

provocata davvero quell’aggressione, ma 

molto male, perché Omar per sbaglio spara 

un missile e uccide i suoi compagni. Al 

loro ritorno in Inghilterra, i due ragazzi 

mentono a Barry e a gli altri convincendoli 

di essere ormai pronti a progettare un 

attentato. Se, da un lato, sembra facile produrre 

l’esplosivo in casa, dall’altro, però, 

nessuno riesce a decidere quale possa essere 

un obiettivo valido. Barry vorrebbe far 

esplodere la moschea, convinto che un si- 

10 

in fondo, come afferma John, non abbiamo 

un vero controllo sulle parti della nostra 

vita. Certamente, da una premessa di 

questo genere poteva svilupparsi un film 

completamente psicologico e riflessivo, 

che lo sceneggiatore di A Million Dollar 

BaBy e Nella valle di Elah poteva permettersi, 

ma l’autore ha poi scelto un’altra via, 

da cui è ugualmente attratto. 

Senza dubbio, la polizia sarebbe intervenuta 

comunque contro la coppa fuggiasca, 

dopo l’uscita d’ospedale, ma le cose 

sarebbero state meno angoscianti. E quindi 

meno avventurose: la seconda parte del 

film infatti non è sbagliata, rispetto alla premessa, 

è solo troppo incline allo standard 

degli inseguiimenti polizieschi dei film 

d’azione di questo genere, con tutti gli eccessi 

del caso. Solo la necessità di recuperare 

e portare via il figlio garantisce alla 

fuga della coppia momenti di tensione psicologica 

e non di movimento.Ridurre gli 

elementi di spettacolarità impossibile 

avrebbe giovato alla compattezza del film. 

Danila Petacco 

Aiuti regista: Paul Cathie, Louisa Dance, Samuel Donovan, 

Joe Geary, Richard Harris, Simon Hedges, Ian Hughes, Ainara 

Trigueros 

Operatori: Ole Bratt Birkeland, Simon Tindall 

Operatori Steadicam: James Little-Hales, John Taylor 

Art director: Julie Ann Horan 

Arredatore: Duncan Wheeler 

Trucco: Hannah Booth, Fiona Lobo-Cranston, Magi Vaughan 

Acconciature: Hannah Booth, Fiona Lobo-Cranston, Magi 

Vaughan 

Supervisore effetti speciali: Paul Gorrie 

Supervisore costumi: Hannah Walter 

Supervisore musiche: Phil Canning 

Interpreti: Riz Ahmed (Omar), Arsher Ali (Hassan), Nigel Lindsay 

(Barry), Kayvan Novak (Waj), Adeel Akhtar (Faisal), Benedict 

Cumberbatch (negoziatore), Julia Davis (Alice), Craig 

Parkinson (Matt), Preeya Kalidas (Sofia), Wasim Zakir (Ahmed), 

Mohammad Aqil (Mahmood) 

Durata: 94’ 

Metri: 2600 

mile atto possa far rigirare la colpa sugli 

infedeli e a far reagire i musulmani moderati. 

Intanto Faisal muore improvvisamente 

per un incidente mente cerca di spostare 

dell’esplosivo. Questo fa allontanare Omar 

dal gruppo, ritenendoli troppo stupidi per 

una simile missione. Si riuniscono poco 

dopo, decidendo come bersaglio di farsi 

esplodere durante la maratona di Londra. 

Intanto, la polizia che indaga sulle strate-

gie terroristiche degli islamici in Inghilterra, 

accusa e arresta ingiustamente il fratello 

di Omar e i suoi compagni. Sfruttando 

la situazione e convinti che ormai nulla 

li potrà fermare, i quattro ragazzi decidono 

di partecipare alla maratona nascondendo 

l’esplosivo in ridicoli costumi di carnevale. 

Scoperti dalla polizia e inseguiti 

dagli agenti di sicurezza della maratona, i 

ragazzi incominciano a rifugiarsi in mezzo 

alla folla. Waj sequestra un gruppo di 

persone all’interno di un locale gestito da 

alcuni compatrioti e si fa esplodere quando 

la polizia lo mette alle strette. Barry 

invece muore accidentalmente quando un 

passante cerca di soccorrerlo mentre sta 

soffocando. A Omar non resta che l’ultimo 

gesto, farsi esplodere all’interno di una 

farmacia. 

C 

I 

on Four Lions siamo davanti all’ennesimo 

caso di campagna 

promozionale sbagliata e devian- 

JANE EYRE 

(Jane Eyre) 

Gran Bretagna/Stati Uniti, 2011 

Regia: Cary Joji Fukunaga 

Produzione: Alison Owen, Paul Trijbits per Focus Features/ 

BBC Films/Ruby Films 

Distribuzione: VIDEA-CDE 


Soggetto: tratto dal romanzo omonimo di Charlotte Brontë 

Sceneggiatura: Moira Buffini 

Direttore della fotografia: Adriano Goldman 

Montaggio: Melanie Oliver 

Musiche: Dario Marianelli 

Scenografia: Will Hughes-Jones 

Costumi: Michael O’Connor 

Produttori esecutivi: Peter Hampden, Christine Langan 

Produttore associato: Hannah Farrell 

Co-produttori: Mairi Bett, Faye Ward 

Line producer: Sasha Harris 

Direttore di produzione: Sasha Harris 

Casting: Nina Gold 

Aiuti regista: Lee Grumett, Jude Harrison, Ursula Haworth, 

Alexander Holt, Tamara King, Carley Lane, Arif Maruthiyil, 

Barrie McCulloch, Jo Tew 

Operatori: Robert Binnall, Vince McGahon 

Operatore Steadicam:Vince McGahon 

Art director:Karl Probert 

Arredatore: Tina Jones 

Trucco: Bee Archer, Theresa Carey, Carolyn Cousins, Françoise 

Cresson, Julie Dartnell, Janita Doyle, Sarah Grispo, Lilly 

Hodson, Ameneh Mahloudji, Veronica McAleer, Belinda Parish, 

Tapio Salmi, Rupert Simon, Barbara Taylor, Xanthia White, 

Eve Wignall 

nghilterra, prima metà dell’800. 

La giovanissima Jane Eyre, malata 

e in fuga da un momento ter- 


te per il pubblico, almeno quello italiano. L’ultimo 

film di Christopher Morris infatti viene 

presentato come una commedia esilarante, 

capace di far ridere il pubblico come da anni 

non accade. Se anche immaginiamo che si 

possa fare dell’umorismo e della commedia 

nera su uno dei temi più tragici e complessi 

dell’attualità, il terrorismo islamico, sicuramente 

non possiamo attribuire queste definizioni 

a un film come Four Lions. La storia 

dei quattro ragazzi inglesi di origine islamica 

affonda le radici in una realtà vera e complessa, 

sicuramente messa in contrasto da 

Morris con quella parte di Islam moderato, 

rappresentato soprattutto nell’ultima parte 

del film, quella della maratona, in cui Waj sequestra 

un intero locale gestito e frequentato 

dai suoi compatrioti. Così come può essere 

credibile la convinzione tanto profonda 

di Omar: per lui la causa religiosa è più importante 

della sua stessa famiglia, che pure 

adora. Ma le cose di cui il pubblico dovrebbe 

ridere, quelle scene, in cui il gusto comico 

ribile della sua vita trova rifugio presso la 

casa del rev. Rivers e delle sue sorelle, dove 

presto si rianima grazie alle cure genero- 

11 

dovrebbe emergere rispetto al dramma della 

storia, vengono immediatamente schiacciate 

dall’immagine cruenta e incredula della 

stupidità dei suoi personaggi. Riesce davvero 

difficile, infatti, ridere quando un personaggio 

imbottito di esplosivo muore in un 

banale incidente provocato dall’essere inciampato 

su una pecora. Così come riesce 

davvero poco credibile in un film di questo 

genere che dei maldestri soldati della Jiad 

uccidano erroneamente dei compagni come 

se stessero in una scena di Mr. Bean. Non 

mancano certamente gli spunti interessanti 

che, tutto sommato, fanno riflettere il pubblico. 

Ma, tutto questo viene inevitabilmente 

sminuito dal mix poco riuscito tra dramma e 

commedia amara. Una struttura narrativa che 

forse sarebbe riuscita meglio se fossero 

mancate le scene delle esplosioni e se il regista 

avesse preso una posizione più chiara 

sul filone da seguire. 


Acconciature: Theresa Carey, Carolyn Cousins, Veronica 

McAleer, Tapio Salmi, Loulia Sheppard 

Supervisore effetti speciali: Tony Auger 

Supervisori effetti visivi: Angela Barson (BlueBolt), Sean 

Farrow (Lip Sync Post), Yanick Wilisky (Modus FX), 

Coordinatori effetti visivi: Marilyn Emond, Odile-Emmanuelle 

Auger (Modus FX), Lucy Tanner (Lip Sync Post), 

Supervisori costumi: Georgina Gunner, Catherine Lovett 

Supervisore musiche: Maggie Rodford (Air-Edel) 

Interpreti: Mia Wasikowska (Jane Eyre), Michael Fassbender 

(Edward Rochester), Jamie Bell (John Rivers), Judi Dench 

(signora Fairfax), Sally Hawkins (signora Reed), Romy 

Settbon Moore (Adèle Varens), Holly Grainger (Diana Rivers), 

Tamzin Merchant (Mary Rivers), Imogen Poots (Blanche 

Ingram), Amelia Clarkson (Jane ragazzina), Freya Parks 

(Helen Burns), Lizzie Hopley (signorina Abbot), Jayne Wisener 

(Bessie), Su Elliot (Hannah), Freya Wilson (Eliza Reed), 

Emily Haigh (Georgiana Reed), Simon McBurney (signor 

Brocklehurst), Sandy McDade (signorina Scatcherd), Edwina 

Elek (signorina Temple), Ewart James Walters (John), 

Craig Roberts (John Reed), Harry Lloyd (Richard Mason), 

Valentina Cervi (Bertha Mason), Joseph Kloska (pastore 

Wood), Ben Roberts (Briggs), Eglantine Rembauville 

(Sophie), Ned Dennehy (dottor Carter), Laura Phillips (signora 

Dent), Hayden Phillips (colonnello Dent), Joe Van 

Moyland (Lord Ingram), Sophie Ward (Lady Ingram), Rosie 

Cavaliero (Grace Poole), Sally Reeve (Martha), Georgia 

Bourke (Leah) 


Metri:3300 

se della famiglia; può così dar corso ai suoi 

ricordi presentati in un’alternanza di flashback.

Rimasta orfana poco più che ragazzina, 

Jane era stata dapprima affidata alle cure non 

troppo generose della zia Reed e poi a farsi le 

ossa nella durissima Lowood School, dove, 

oltre le privazioni e le angherie di ogni genere, 

era riuscita a ottenere un diploma. 

Diventata istitutrice della piccola Adele 

nell’imponente magione di Thornfield Hall, 

diretta dall’umana ed esperta signora Fairfax, 

viene finalmente a conoscenza del padrone, 

l’ombroso ed enigmatico Edward 

Rochester. 

Giorno per giorno, nonostante le convenzioni, 

le ritualità e i tabù dell’epoca, 

tra Rochester e la giovanissima governante 

nasce un’attrazione profonda che sembra 

sfociare un giorno nel matrimonio, ma, 

proprio quando i due stanno per pronunciare 

il fatidico “sì”, si presenta un individuo 

che svela che Rochester è sposato. Non 

solo, la moglie già esistente vive a Thornfield 

Hall, reclusa in una soffitta perchè 

completamente pazza. 

STUDENT SERVICES 

(Mes chères études) 

Francia, 2010 

Regia: Emmanuelle Bercot 

Produzione: François Kraus, Denis Pineau-Valencienne per 

Les Films du Kiosque 

Distribuzione: Bolero 

Prima:(Roma 26-8-2011; Milano 26-8-2011) – V.M.: 18 

Soggetto: tratto dal libro autobiografico Mes chères études di 

Laura D 

Sceneggiatura: Emmanuelle Bercot 

Direttore della fotografia: Christophe Offenstein 

Montaggio: Julien Leloup 

Scenografia: Éric Barboza 

Costumi: Marité Coutard 


La rivelazione di questo fatto terribile, 

l’avere visto la povera infelice, il riconoscere 

quanto grave e bugiardo sia stato il 

comportamento di Rochester spingono 

Jane Eyre alla fuga fino alla casa di Rivers 

vista all’inizio. Qui Jane Eyre riceve 

finalmente una buona notizia: uno zio dalle 

lontane Americhe le lascia tutto il suo 

ricco patrimonio che immediatamente divide 

con la sua nuova famiglia anche se 

non manca un ulteriore ostacolo alla serenità: 

il reverendo Rivers, in procinto di partire 

per una missione in India, le chiede di 

sposarlo ma la giovane rifiuta perchè il 

ricordo di Rochester è ancora vivo e la 

spinge a tornare a Thornfield Hall. Ritorno 

amaro perchè la grande dimora è pressocchè 

distrutta da un incendio causato 

dalla povera pazza e Rochester è un rottame 

ormai cieco. 

Forse a questo punto e in piena libertà 

può concretizzarsi tra loro quel rapporto 

così impossibile solo qualche tempo prima. 

12 

T 

utti coloro che hanno partecipato 

alla lavorazione di questo film 

hanno dimostrato un particolare 

piano professionale ben visibile in più livelli, 

dalle soluzioni di sceneggiatura all’accuratezza 

dei particolari scenografici e ambientali, 

all’intelligente direzione da parte del 

giovane e bravissimo americano di origini 

giapponesi Fukunaga, all’interpretazione 

degli attori, il nuovo divo Fassbender, la rivelazione 

Wasikowska e il grande, gustosissimo 

mestiere della Dench. 

Il prodotto mantiene così tutte le atmosfere 

goticheggianti del romanzo della 

Bronte, le emozioni dovute ai primi tentativi 

di affermazione dell’indipendenza femminile 

contro un’epoca bigotta e, per certi 

versi, oscura e, naturalmente, la forza e il 

tormento di una passione che si trascolora 

sul volto della giovane protagonista, verginalmente 

disponibile come la tavolozza 

di un pittore. 

Resta da vedere se per realizzare un 

film, pur valido, di questo genere sia lecito 

(cinematograficamente) mettere mano per 

la diciottesima volta (alcuni, conti alla mano, 

sostengono si sia arrivati a superare la ventesima) 

a una trasposizione del romanzo 

della Bronte portato sul grande e piccolo 

schermo in tanti modi, in tanti Paesi. 

La ristrutturazione linguistica dei dialoghi, 

pur approfondita, ha voluto rispettare 

l’originalità delle battute più celebri per 

mantenerne inalterato il fascino e che oggi, 

davvero, con tutta onestà, hanno il sapore 

dolciastro del fuori tempo e fuori luogo. 

Forse è il caso di utilizzare sceneggiature 

originali scritte oggi, anche quando si vuole 

raccontare storie fosche e tormentate ambientate 

nella brughiera inglese e lasciare 

le opere della Bronte (e altre) celebrate 

nella loro inamovibile lontananza. 


Direttori di produzione: Hervé Duhamel, Angeline Massoni 

Casting: Antoinette Boulat 

Aiuto regista: Armel Gourvennec, Alexandre Tisseyre 

Interpreti: Déborah François (Laura), Alain Cauchi (Joe), 

Mathieu Demy (Benjamin), Benjamin Siksou (Manu), Joseph 

Braconnier (cliente), Marc Chapiteau (fotografo), Pascal Bongard 

(Gérard), Anna Sigalevitch (Fanny), Lou Bohringer (Lou), 

Marthe Caufman (Elsa), Édith Le Merdy (assistente sociale), 

Frédéric Épaud (agente immobiliare) 


Metri:2850

L 

aura è una studentessa francese 

di soli 18 anni. Ha tutta la vita 

davanti, e tanta voglia di farcela 

e di studiare Lingue straniere all’università. 

Ma la vita da studentessa è difficile, 

soprattutto se devi lavorare per mantenerti 

gli studi. Laura infatti lavora part time 

in un call center, ma quello che guadagna 

non le basta per pagare tutte le spese quotidiane, 

i libri universitari e l’affitto di 

casa. Una sera, navigando in internet, incontra 

casualmente in una chat un uomo 

di mezza età. Quest’uomo si chiama Joe, è 

di bella presenza ed è in cerca di studentesse 

con cui trascorrere dei momenti d’intimità 

a pagamento. Joe offre a Laura cento 

euro per appena un’ora insieme, perché è 

un uomo convinto che “Con i soldi oggi 

puoi comprare tutto: bambini, organi e persone”. 

Nonostante le titubanze, la ragazza 

accetta, promettendo a se stessa però 

che quella sarà la prima e unica volta. 

Tuttavia, i facili guadagni e il repentino 

miglioramento delle sue condizioni di vita 

faranno in modo che Laura risponda prima 

ad un annuncio, poi a un altro e poi a 

un altro ancora, fino a diventare a tutti gli 

effetti una ragazza a pagamento. Intanto 

Laura prova anche ad avere una relazione 

stabile con un ragazzo che la ama davvero, 

Manu. Ma al suo fidanzato, Laura cerca 

di imporre una vita completamente 

sdoppiata tra la ragazza acqua e sapone 

Francia, 2010 

Regia: Mathieu Amalric 

Produzione: Laetitia Gonzalez, Yaël Fogiel per Les Films du 

Poisson. In coproduzione con Neue Mediopolis Filmproduktion/Arte 

France Cinéma/WDR-ARTE/Le Pacte and Film(s) 

Distribuzione: Nomad Film 


Soggetto e sceneggiatura: Mathieu Amalric, Philippe di 

Folco, Marcelo Novais Teles, Raphaëlle Valbrune 

Direttore della fotografia: Christophe Dutertre 

Montaggio: Annette Dutertre 

Scenografia: Stéphane Taillasson 

Costumi: Alexia Crisp-Jones 

Suono: Olivier Mauzevin 

Aiuto regista: Elsa Amiel 

Trucco: Delphine Jaffart 

J 

TOURNÉE 

(Tournée) 

oachim è un impresario teatrale 

francese che, dopo aver lavorato 

negli Stati Uniti, torna in patria 

con un gruppo di ballerine californiane di 

new burlesque. L’impresario, vecchia gloria 

del mondo della produzione televisiva, vuole 


di tutti i giorni e quella chiusa nell’hotel 

dove hanno luogo gli incontri clandestini. 

Tra situazioni ingestibili, clienti che pagano 

solo per un abbraccio e quelli che chiedono 

cose diverse, Laura capisce che la 

sua è in realtà una situazione di sudditanza 

fisica e psicologica alla quale non può 

più resistere. Tutto ciò la spingerà a decidere 

di uscire dal giro, ma presto capirà 

che interrompere, cambiare davvero strada 

sarà molto più difficile di quanto pensasse. 

È quello che lei stessa racconterà, 

alla fine, davanti alle telecamere di un programma 

televisivo, mascherata con una 

parrucca bionda e un paio di occhiali da 

sole. 

S 

tudent Services, firmato dalla regista 

francese Emmanuelle Bercort, 

è un film prodotto per la te 

levisione d’oltralpe da Canal +. In Italia invece, 

senza troppi interrogativi, è uscito 

solo nelle sale cinematografiche grazie alla 

Bolero ed è stato vietato ai minori di diciotto 

anni. La pellicola infatti tratta un tema 

delicato e scottante che ovunque rappresenterebbe 

una voragine nell’attualità riguardante 

le questioni giovanili: la prostituzione 

di giovani ragazze finalizzata al 

proprio mantenimento degli studi universitari. 

Tratto dal romanzo “Mes chères études”, 

Student Services racconta infatti di 

un fenomeno molto diffuso tra le studen- 

realizzare un spettacolo nuovo, sicuro di poter 

conquistare il pubblico francese. Ma il 

tour sembra destinato a toccare solo le città 

minori, dove le paghe sono più basse e le 

ragazze della compagnia non hanno nulla 

da fare, se non dormire e trascorrere il loro 

13 

tesse francesi. La regista ci fa sapere – 

attraverso la sua protagonista – che in 

Francia sono circa quarantamila le studentesse 

che si prostituiscono per mantenersi 

gli studi. Si tratta dell’esistenza di un vero 

e proprio mercato clandestino del corpo, 

in cui venditore e compratore non sono 

altro che giovani studentesse e uomini disposti 

a pagare anche per ricevere un semplice 

abbraccio, o per dare sfogo alle proprie 

fantasie più perverse. Il tutto è letteralmente 

incorniciato dal racconto che la 

protagonista fa davanti alle telecamere 

della tv. Si vede infatti Laura all’inizio del 

film e poi solamente alla fine, mascherata 

da una parrucca bionda e un paio di occhiali 

da sole, mentre rilascia un’intervista 

a un talk show televisivo. Il film della Bercort 

tuttavia, pur non lasciando un minimo 

di respiro alla consolazione e al perbenismo, 

denuncia soprattutto una condizione 

esistenziale di solitudine e incomunicabilità 

non solo tra generazioni diverse, ma 

anche tra coetanei. Nella pellicola infatti 

emerge, oltre che l’aspetto strettamente 

sessuale della vicenda (forse un po’ eccessivo 

proprio rispetto alla denuncia che 

sta alla base del film), soprattutto la solitudine 

dei suoi protagonisti, la totale incapacità 

(o impossibilità) di Laura di vivere 

con e come i suoi coetanei. 


Consulente ‘New burlesque’: Kitty Hartl 

Interpreti: Miranda Colclasure (Mimi Le Meaux), Suzanne 

Ramsey (‘Kitten on the Keys’), Linda Marraccini (‘Dirty Martini’), 

Angela de Lorenzo (Evie Lovelle), Julie Ann Muz (Julie 

Atlas Muz), Alexander Craven (Roky Roulette), Mathieu 

Amalric (Joachim Zand), Damien Odoul (François), Ulysse 

Klotz (Ulysse), Simon Roth (Baptiste), Joseph Roth (Balthazar), 

Aurélia Petit (ragazza alla pompa di benzina), Antoine 

Gouy (uomo d’affari software), André S. Labarthe (manager 

del cabaret), Pierre Grimblat (Chapuis), Jean-Toussaint Bernard 

(receptionist dell’hotel), Anne Benoît (cassiera del supermercato), 

Florence Ben Sadoun (signora in ospedale), 

Erwan Ribard (poliziotto), Julie Ferrer (se stessa) 


Metri: 3050 

tempo libero nelle hall di alberghi rumorosi 

e anonimi. Le ballerine della compagnia sono 

infatti donne giunoniche ed esuberanti, dal 

carattere molto forte, delle vere dive, difficili 

da tenere sotto controllo. A Joachim non resta 

che provare a ricontattare qualche vec-

chia conoscenza rimasta a Parigi, sperando 

di poter portare finalmente il suo spettacolo 

nella capitale francese. Ma qui l’impresario 

scopre che i rancori e le situazioni irrisolte 

che lo avevano allontanato dalla Francia 

sono ancora vive nelle menti e negli animi 

dei suoi vecchi colleghi. Inutile anche il tentativo 

di rivolgersi a una ex collega, una regista 

televisiva sua ex amante ora ricoverata 

in ospedale per un cancro al seno. Joachim 

capisce di essere davvero solo. Ad aggravare 

la situazione ci si mette anche la vita 

privata, con un matrimonio fallito e due figli 

che non gradiscono trascorrere neanche 

qualche giorno con il padre e la sua compagnia 

di ballerine. Il giorno in cui Joachim 

deve accompagnare i figli alla stazione 

per rimandali dalla madre, Mimi, una 

delle sue ballerine migliori, chiede di poter 

andare con loro perché deve fare degli acquisti. 

Tra di loro la tensione è forte. Nessuno 

dei due, infatti, ha il coraggio di confessare 

i propri sentimenti all’altro. Dopo 

aver perso più volte la strada per raggiungere 

il resto della compagnia in una sconosciuta 

località sulla costa, Joachim e Mimì 

arrivano in un albergo vuoto e silenzioso che 

si trova a ridosso del mare. Lontani da tutti e 

da tutto, i due amanti riescono finalmente a 

lasciarsi andare l’uno all’altro. Ad animare 

CONTAGION 

(Contagion) 


Steven Soderbergh 

Produzione: Gregory Jacobs, Michael Shamberg, Stacey Sher 

per Warner Bros. Pictures/Participant Media/Imagenation Abu 

Dhabi FZ/Double Feature Films/Regency Enterprises 



Soggetto e sceneggiatura: Scott Z. Burns 

Direttore della fotografia: Steven Soderbergh 

Montaggio: Stephen Mirrione 

Musiche: Cliff Martinez 

Scenografia: Howard Cummings 

Costumi: Louise Frogley 

Produttori esecutivi: Jonathan King, Michael Polaire 

Line producers: Zakaria Alaoui, Chen On Chu 

Direttore di produzione: David Brown 

Casting: Carmen Cuba 

Aiuti regista: Joey Coughlan, Yann Mari Faget, Ahmed Hatimi, 

Gregory Jacobs, Eric Richard Lasko, Lemon Liu, Florian 

Nussbaumer, Samar Pollitt, Sunni-Ali Powell, Mohammed 

Hamza Regragui, Jody Spilkoman 

Operatori: Duane Manwiller, Porter Versfelt III 

Operatore Steadicam: Duane Manwiller 

Art directors: Abdellah Baadil, Simon Dobbin, David Lazan 

Arredatore: Cindy Carr 

Trucco: Aurora Bergere, Kate Biscoe, Stephan Dupuis, Lisa Jelic, 

Cheryl Ann Nick, Suzi Ostos, Vicki Vacca, Nancie Marsalis 

Acconciature: Fríða Aradóttir, Vivian Guzman, Lun Yé Hodges, 

Laurel Kelly, Dominic Mango 


l’atmosfera l’arrivo della compagnia che, 

con il suo entusiasmo e la sua allegria, tra 

uno champagne caldo e alcune inaspettate 

confidenze, indurrà Joachim a non sentirsi 

finalmente più solo. 

A 

lcuni critici l’hanno definito come 

un ritratto dal carattere felliniano. 

Forse per la presenza di corpi 

femminili giunonici e sensuali, o forse per 

la sensazione di sospensione che si avverte 

in alcuni tratti del film. Eppure, con molta 

sincerità, dobbiamo ammettere che Tourneé, 

il film d’esordio alla regia dell’attore 

francese Mathieu Amalric non ha assolutamente 

nulla della poetica felliniana. Infatti 

sono troppo lontane le maschere burlesque 

delle ballerine californiane dal mondo onirico 

e sensuale rappresentato dalle donne 

di Federico Fellini, che mai avrebbero ostentato 

il loro corpi nudi a un pubblico di provincia, 

assetato di divertimento trash e 

chiassoso, come invece avviene in Tournée. 

Dal punto di vista della regia, tuttavia, 

Amalric mostra di avere, a ragione, una forte 

consapevolezza del suo sguardo dietro 

la macchina da presa. Sono molto interessanti, 

infatti, alcuni passaggi d’inquadrature 

da interni a esterni, filtrati attraverso lo 

schermo trasparente di un vetro o di uno 

14 

specchio. Così come lo sono i contrasti volutamente 

costruiti tra l’ambiente chiassoso 

delle hall d’albergo e delle chiacchiere 

nei treni rispetto alla solitudine e al silenzio 

interiore del protagonista (interpretato dalla 

stesso Amalric). L’attore-regista dimostra, 

inoltre, di avere una grande capacità di osservare 

se stesso come protagonista, riprendendosi 

e inquadrandosi al di là dell’obiettivo 

come un corpo esterno, al pari di 

tutti gli altri personaggi. Altro discorso per i 

suoi compagni di viaggio, le vere ballerine 

di new burlesque, a cui Amalric non chiede 

di interpretare nient’altro che quelle che 

sono nella vita reale. Anche in questo caso, 

va apprezzata la cura con cui il regista ha 

saputo riprendere alcuni dettagli, soprattutto 

dei corpi e degli sguardi, ma troppa narrazione 

viene affidata ad alcuni escamotage, 

come le danze improvvisate o le sigarette 

sempre accese, che hanno forse lo scopo 

di riempire dei vuoti drammaturgici. Cioè 

che stupisce e piace di più è il finale. Negli 

ultimi minuti di film, infatti, regnano il silenzio 

e lo stato di abbandono dell’ambiente 

come riflesso della solitudine interiore e incolmabile 

del protagonista, vero leitmotiv di 

tutto il film. 


Coordinatori effetti speciali: Ron Bolanowski, John D. Milinac 

Supervisori effetti visivi: Randy Goux, Thomas J. Smith 

Coordinatori effetti visivi: Gustavo A. Pablik, Raechel Rowland 

supervisore costumi: Jennifer Jobst, Richard Schoen, Dana 

Schondelmeyer 

Interpreti: Matt Damon (Mitch Emhoff), Laurence Fishburne 

(dott. Ellis Cheever), Jude Law (Alan Krumwiede), Marion 

Cotillard (dott.sa Leonora Orantes), Gwyneth Paltrow (Beth 

Emhoff), Kate Winslet (dott.ssa Erin Mears), Bryan Cranston 

(Lyle Haggerty), Jennifer Ehle (dott.ssa Ally Hextall), Elliot 

Gould (dott. Ian Sussman), Sanaa Lathan (Aubrey Cheever), 

Dan Latham (dott. Adam Ritmiller), Armin Rohde (Damian 

Leopold), Demetri Martin (dott. David Eisenberg), Stef Tovar 

(dott.Arrington), Tien You Chui (Li Fai), Josie Ho (sorella di Li 

Fai), Daria Strokous (Irina), Monique Gabriela Curnen (Lorraine 

Vasquez), Griffin Kane (Clark Morrow), John Hawkes 

(Roger), Teri McEvoy (infermiera della scuola), Sue Redman, 

Teri Campbell (infermiere Pronto Soccorso), Mary Jo Faraci 

(assistente sociale), Grace Rex (Carrie Anne), Joseph Anthony 

Foronda (funzionario della WHO), Phillip James Brannon 

(paramedico), Rebecca Spence (moglie di Jon Neal), 

David Lively (esaminatore medico), Andrew White (assistente 

esaminatore medico), Larry Clarke (Dave), Anna Jacoby-Heron 

(Jory Emhoff), Ira Blumen, Scott Stangland, Jimmy Chung, 

Yoshiaki Kobayashi 


Metri: 2900

U 

na turista americana, Beth 

Emhoff, è di ritorno da un viaggio 

a Hong Kong e si trova in 

aeroporto, a Chicago. È al telefono e nel 

frattempo, mette la mano in una ciotola 

di salatini, mangiandone un po’. Poco 

dopo, a Hong Kong, un ragazzo inizia a 

tossire e a sentirsi male, sempre peggio. 

Un uomo invece perde i sensi in un autobus 

affollato, prima di morire nel giro di 

pochi istanti. 

È il “giorno 2”, quello successivo al 

contagio del virus letale che Beth ha contratto 

e del quale ancora non è consapevole. 

Il suo ritorno a Minneapolis è traumatico, 

dopo la febbre alta scambiata per 

un effetto collaterale del jet lag arriva la 

morte improvvisa. Suo marito Thomas apprende 

la notizia dai medici e non si dà 

pace, ma nel frattempo anche il piccolo figlio 

di sua moglie Beth perde la vita nel 

medesimo modo. È solo l’inizio di un contagio 

su larghissima scala e i numeri di 

questa tragedia si moltiplicano in un tempo 

brevissimo a causa delle tantissime interazioni 

tra esseri umani nel corso di queste 

prime giornate di vita quotidiana. 

Al Centro USA per il Controllo e la 

Prevenzione delle malattie c’è una febbrile 

ricerca delle cause di tale virus e di un 

modo per interrompere la catena dell’agente 

patogeno in continuo mutamento. 

Il vice direttore Cheever cerca di placare 

il panico della gente, ma anch’egli è 

seriamente preoccupato e così chiama l’ottima 

dottoressa Mears, incaricandola di 

valutare tutti i rischi possibili. Nel frattempo 

anche la dottoressa Orantes dell’OMS 

lavora duramente per cercare un vaccino 

e la soluzione al problema. In questo clima 

di terrore, un blogger piuttosto noto, 

tale Alan Krumwiede sostiene che alla gente 

vengano nascoste le dovute informazioni 

sulla realtà dei fatti e contribuisce, così, 

a generare un’ondata di paura che si diffonde 

come il virus stesso. 

Per cercare di dimostrare le sue teorie, 

il blogger si dichiara contagiato, ma è 

convinto che ci sia un farmaco piuttosto 

comune in grado di curare questo male e 

così se lo inietta in diretta. La sua guarigione 

è finta, in quanto non è mai stato 

realmente contagiato ma ha solo cercato 

di trovare un sistema rapido e concreto per 

acquisire soldi e fama. Il suo tentativo è 

riuscito, così come quello di incrementare 

lo scompiglio nella povera gente, sempre 

più vittima del panico. 

Alcuni residenti di un villaggio rapiscono 

intanto la dott.ssa Orantes, nella 

speranza di ottenere presto il vaccino, ma 

l’accordo di riscatto che stipulano sarà per 

loro una truffa. 


Anche la dottoressa Mears, prima che 

riesca a trovare una soluzione, muore vittima 

del virus. 

Le istituzioni cercano di circoscrivere 

il contagio isolando alcune zone e nel frattempo 

riescono finalmente a creare un vaccino 

valido, scatenando però a questo punto 

il malumore della gente sulle priorità di 

ottenimento dello stesso. Il virus sarà stroncato, 

ma servirà ancora del tempo, mentre 

lo scenario di distruzione che porta con sé 

è qualcosa di apocalittico. 

L 

a paura è un sintomo che ogni 

volta che si manifesta riesce a 

rinnovare la sua essenza incredibilmente 

stupefacente. Risulta assai 

complicato gestirla e, nel più dei casi, non 

siamo in grado di controllarla, ma soprattutto 

dimentichiamo (anche fortunatamente) 

il suo aspetto, in modo che essa possa 

presentarsi in vesti differenti a seconda 

delle circostanze, impedendoci persino 

la giusta cura o prevenzione e agendo 

pertanto nella medesima maniera del contagio. 

Steven Soderbergh gioca proprio su 

questo: sulla sottile e insidiosa analogia tra 

il contagio e il terrore che esso provoca 

nella gente; ci regala una pellicola catastrofica 

che, pur rispettando gli standard 

del genere, cerca al contempo di portare 

un profumo di novità. 

In Contagion, come detto, la paura non 

è quindi un mero effetto collaterale, ma 

agisce come lo stesso virus, dando vita alle 

reazioni in una sorta di tremendo effetto 

domino. 

Quando compaiono i primi morti si accende 

il campanello d’allarme ed è proprio 

qui che viene messa in luce la fragilità 

umana di fronte a fenomeni sconosciuti 

15 

e dei quali si ignorano le cause. Non è affatto 

semplice prendere la strada giusta, 

ma il tentativo diventa una necessità sia 

per la speranza di trovare una cura, sia 

per addolcire le nostre fobie. 

Ma l’effetto domino prima enunciato è 

ciò che nutre ed incrementa il grande incubo, 

perché non appena ci si rende conto 

di essere da soli, allora la lotta alla sopravvivenza 

non passa più dallo scontro 

con il nemico diretto, il virus, troppo forte 

per essere annientato dalle persone comuni, 

bensì dalla guerra con i propri simili, 

la cosiddetta legge del più forte. 

Il tuo vicino di casa ora è un pericolo, 

o magari una fonte quando i beni di prima 

necessità iniziano a mancare: entrambi i 

casi rappresentano un valido motivo per 

farlo fuori. 

L’idea di Soderbergh è senz’altro intelligente, 

nonché vincente in partenza, anche 

in considerazione della paura scatenata 

recentemente dai virus dell’aviaria o 

dell’H1N1, situazioni in cui la soglia di allarmismo 

e il timore della gente si sono 

dimostrati enormi pur se fortunatamente 

ingiustificati. 

Pensato come un thriller, disposto 

come una sorta di noir e messo in atto 

nel pieno rispetto dei canoni del dramma 

catastrofico Contagion è un film dall’enorme 

potenziale, in grado di aprirsi come 

una grande cipolla dai numerosi strati, che 

una volta tolta la buccia ci mostra il nucleo 

e le lacrime, lasciandoci annusare 

soltanto tutto il resto, forse per paura che 

il cattivo odore possa espandersi proprio 

come il virus. Chi vedrà il film capirà senza 

dubbio il riferimento all’accusa troppo 

velata e accuratamente mascherata contro 

le case farmaceutiche. Le falle del sistema 

vengono messe sullo stesso pia-

no di un qualsiasi altro organo di potere 

o scala gerarchica, aprendo quindi una 

porta senza andare poi a curiosare cosa 

nasconda al suo interno. Un vero peccato, 

visto l’interesse dello spunto in questione. 

Al di là di questo, il lavoro compiuto dal 

I PUFFI IN 3D 

(The Smurfs) 

N 

Stati Uniti/Belgio, 2011 

Regia: Raja Gosnell 

Produzione: Jordan Kerner per Columbia Pictures/Sony Pictures 

Animation/Kerner Entertainment Company 



Soggetto: personaggi dei fumetti e dei cartoni animati ideati da Peyo 

Sceneggiatura: J. David Stem, David N. Weiss, Jay Scherick, 

David Ronn 

Direttore della fotografia: Phil Meheux 

Montaggio: Sabrina Plisco 

Musiche: Heitor Pereira 

Scenografia: Bill Boes 

Costumi: Rita Ryack 

Produttori esecutivi: Ben Haber, Paul Neesan, Ezra Swerdlow 

Direttore di produzione: Richard Baratta 

Casting: Richard Hicks, David Rubin 

Aiuti regista: Benita Allen Richard Hicks, David Rubin, David 

Catalano, Maura Kelly, Justin Ritson, Salvatore E. Sutera, Peter 

Thorell 

Operatori: Stephen Consentino, Lukasz Jogalla 

Operatori Steadicam: Stephen Consentino, Marc Ehrenbold 

Art directors: Chris Shriver, Christian Wintter 

Arredatore: Regina Graves 

Effetti speciali trucco: Martin Astles, John Caglione Jr 

Trucco: Vincent Schicchi 

Acconciature: Pamela May, Sarah Stamp, Inga Thrasher 

Supervisori effetti visivi: Trent Claus (Lola Visual Effects), 

Ivan Moran (Framesore New York), Blair Clark, Rob Engle, 

Richard R. Hoover, Joseph A. Zaki 

Coordinatori effetti visivi: Raven Sia (Framestore New 

York), Natalie DeJohn, Kasey Fagerquist, Kristy Lynn Fortier, 

Danny Huerta, Kevin Noel, Claire Sun, Johnna Todesco 

Supervisore effetti digitali: Daniel Kramer 

Suono: Steve Zaragoza 

el villaggio dei Puffi tutto scorre 

serenamente: Grande Puffo e 

i suoi 100 figli si preparano allegramente 

per la festa della Luna Blu. Intanto 

Gargamella e il suo gatto Birba cercano 

un modo per catturarli e – approfittando 

di una distrazione di Puffo Tontolone – riescono 

a entrare nel loro villaggio. Grande 

Puffo, che con una visione aveva capito che 

Puffo Tontolone li avrebbe messi nei guai, 

riesce a far scappare tutti i Puffi, ma di nuovo 

per un errore di Tontolone, Puffetta, Quattrocchi, 

Puffo Coraggioso, Brontolone e lo 

stesso Grande Puffo finiscono in un vortice 

dimensionale che li scaraventa a Manhattan. 

Lo stesso accade a Gargamella e Birba, che, 

dopo averli rincorsi, finiscono nel vortice. 


regista risulta davvero prezioso e impacchettato 

con stile, anche grazie ad un ottimo 

cast dove i numerosi attori ben figurano 

a dispetto di un misero minutaggio pro 

capite. Interessante, seppur prevedibile 

nella forma, anche la scelta compositiva 

del finale, che rappresenta il vero fiocco 

A New York intanto Johan è stato nominato 

vice direttore dell’azienda di cosmetici 

per cui lavora, ma, per confermare il suo 

ruolo, avrà due giorni per creare una nuova 

pubblicità e stupire la direttrice. Mentre 

i Puffi si aggirano per le strade della città 

inseguiti da Gargamella e Birba, Puffo Tontolone 

finisce nello scatolone che Johan 

deve portare a casa e così Grande Puffo e 

gli altri sono costretti a seguire la macchina 

per salvare Tontolone. Arrivato a casa, 

Johan comunica la notizia alla moglie incinta 

e si mette subito al lavoro. Tontolone 

intanto riesce a uscire dallo scatolone, ma 

viene visto dal cane che lo insegue per tutta 

casa, mentre gli altri Puffi riescono a entrare 

da una finestra aperta. Johan e Grace 

16 

del regalo di Soderbergh che mira a un 

pubblico più eterogeneo possibile, convincendolo 

così della sua buona forgia, ma 

non certamente ad abbandonare le proprie 

inquietudini. 


Animazione personaggi: Matthew Meyer, Tim Pixton (Sony 

Pictures Animation),Carl Vazquez (DDMG), Nick Starcevic, 

Alex Zemke (SPI), Jimmy Almeida, Bill Haller, Denis Samoilov, 

Paul Wood 

Animazione: Patrick Porter, Jaime Castañeda, Chris Caufield 

(Framestore New York), Louis Jones, Andy Hass, Danny Southard 

(Tippett Studio), Craig McPherson, Mark Pullyblank 

(Sony Pictures Animation), Robert Alves,Mike Beaulieu, Manuel 

Bover, Shad Bradbury, Eric Burnett, Tony Castro, Wesley 

Chandler, Trent Correy, Rahul Dabholkar, Mike Dharney, Jean- 

Dominique Fievet, Robert Fox, Émilie Goulet, Derek Gowland, 

Wade Hampton, Mike Jahnke, Blake Kenneth Johnson, Mariya 

Kalachova, Sebastian Kapijimpanga, Michael Kimmel, Kevin 

Labanowich, Yuri Lementy, Michael Lewicki, Victoria Livingstone, 

Cristin McKee, Clayton Mitchell, Paul Newberry, Yuhon 

Ng, Jeff Panko, Kevin Quaid, In-Ah Roediger, Troy Saliba, 

Benson Shum, Richard Smith, Alexander Snow, Jason Spilchak, 

Carolyn Vale, Dave Vasquez, Mitch Yager, Ryan Yee 

Interpreti: Hank Azaria (Gargamella), Neil Patrick Harris (Patrick 

Winslow), Jayma Mays (Grace Winslow), Sofía Vergara 

(Odile), Tim Gunn (Henri), Madison McKinley, Meg Phillips (modelle), 

Julie Chang, Roger Clark (conduttori del notiziario), Mark 

Doherty (uomo d’affari), Victor Pagan (Bum), Mahadeo Shivraj 

(Cabbie), Adria Baratta (impiegata di Anjelou), Paula Pizzi (madre 

di Odile), Andrew Sellon (cameriere), Bradley Gosnell (commesso 

negozio giocattoli), Heidi Armbruster, Finnerty Steeves 

(madri nel negozio di giocattoli), John Speredakos (genitore 

con bambina), Sean Ringgold (Bubba), Mario D’Leon (amico di 

Bubba), Jojo Gonzalez (custode della FAO), Tyree Michael Simpson, 

Scott Dillin (polizziotti), Minglie Chen, Sean Kenin, Julianna 

Rigoglioso, Daria Rae Figlo, Eric Redgate, Liz Smith 

Durata: 90’ 

Metri: 2470 

si accorgono che sta accadendo qualcosa 

in casa e improvvisamente si trovano davanti 

i sei piccoli Puffi! Grande Puffo spiega 

l’accaduto alla coppia, ma, mentre Johan 

resta un po’ diffidente, Grace è subito colpita 

dalla simpatia di questi buffi amici blu 

e decide di aiutarli a tornare al loro villaggio! 

Il giorno dopo, Johan va a lavoro, ma 

quando si accorge che tutti i Puffi lo stanno 

seguendo, riesce a nasconderli e a portarli 

nel suo ufficio. Puffetta, Grande Puffo, 

Brontolone, Quattrocchi e Puffo Coraggioso 

cantano e ballano nell’ufficio di Johan 

che – non riuscendo a lavorare – è costretto 

a chiamare Grace (rimasta a casa con 

Tontolone). Grace porta via i Puffi, ma, 

quando con la macchina passano davanti a

un negozio di giocattoli con il telescopio in 

vetrina, i Puffi scappano ed entrano nel negozio. 

Intanto Gargamella è riuscito a rintracciarli 

e arriva anche lui nel negozio; 

inizia così una caccia ai Puffi, sia da parte 

del mago cattivo, sia da parte dei bambini 

che vogliono a tutti i costi comprare 

quei “pupazzini blu”. Johan arriva in soccorso 

di Grace e insieme riescono a riprendere 

tutti i Puffi e salvarli da Gargamella. 

Tornati a casa, Johan scopre che la direttrice 

ha accettato il suo lavoro e per festeggiare 

si diverte a ballare e cantare insieme 

ai Puffi con la Playstation, mentre 

Grace aiuta Puffetta a trovarsi un nuovo 

vestitino. Intanto Grande Puffo, grazie al 

telescopio preso nel negozio di giocattoli, 

cerca di capire quando avverrà l’allineamento 

delle stelle che permetterà loro di far 

tornare la luna di colore blu e di tornare 

nel loro villaggio. Messi a letto gli altri Puffi, 

Johan confida a Grande Puffo di non sentirsi 

veramente pronto per la nascita del 

bambino, ma il saggio puffo dal cappello 

rosso riesce a tranquillizzarlo. Il giorno 

dopo, Johan si accorge che la pubblicità che 

appare sui grattacieli di New York non è 

quella che era stata approvata, ma è quella 

che aveva creato (raffigurante una luna blu) 

e poi lasciato da parte. Tontolone l’aveva 

inviata involontariamente, dopo essere passato 

sulla tastiera del computer. Grande 

Puffo intanto ha scoperto che l’allineamento 

avverrà quella stessa notte, ma prima ha 

bisogno di un libro di magia per avere la 

pozione che renderà la luna blu. Johan, arrabbiato, 

cerca di rimediare all’errore e si 

rifiuta di aiutare i Puffi e di accompagnarli 

alla biblioteca. Grande Puffo seguito dagli 

altri Puffi (mentre Tontolone viene nuovamente 

lasciato a casa con Grace), arriva 

alla biblioteca e riesce a copiare la formu- 

FACCIO UN SALTO ALL’AVANA 

Italia, 2011 

Regia: Dario Baldi 

Produzione: Marco Poccioni, Marco Valsania per Rodeo Drive 

Media 



Soggetto e sceneggiatura: Lorenzo De Marinis, Massimiliano 

Orfei 

Direttore della fotografia: Vittorio Omodei Zorini 

Montaggio: Alessio Doglione 

Musiche: Francesco De Luca, Alessandro Forti 

Scenografia: Davide Bassan 

Costumi: Patrizia Mazzon 

Direttore di produzione: Paolo Lucarini 


la per la pozione magica, appena prima dell’arrivo 

di Gargamella e Birba. Il mago 

cattivo cattura però Grande Puffo che riesce 

a far scappare gli altri Puffi e a consegnare 

a Quattrocchi la formula. 

Intanto Johan è tornato a casa e, dopo 

essersi chiarito con Tontolone e con sua 

moglie, decide di andare ad aiutare i Puffi 

nella loro missione. Arrivati alla biblioteca 

i tre però trovano Puffetta e gli altri senza 

Grande Puffo. Gargamella l’ha portato al 

Castello del Belvedere; così Johan organizza 

un piano di attacco al castello. Quattrocchi, 

mettendo in pratica la formula consegnatagli 

da Grande Puffo riesce ad aprire 

il vortice che li aveva portati a New York, 

così da far arrivare tutti gli altri novantacinque 

Puffi che erano rimasti al villaggio. 

Gargamella viene attaccato da tutti i 

Puffi, ma, proprio quando sta per catturarli 

grazie al potere di una bacchetta 

magica, questa gli sfugge e Tontolone riesce 

a prenderla e a salvare tutti i Puffi. 

Tontolone è ormai un eroe, Grande 

Puffo capisce di aver interpretato male la 

premonizione iniziale e Johan e Grace riportano 

tutti i Puffi nel luogo in cui si era 

aperto il vortice per permettere di tornare 

al loro villaggio. Tontolone, Puffetta, Coraggioso, 

Quattrocchi, Brontolone e Grande 

Puffo salutano Johan e Grace e – tornati 

al villaggio che Gargamella aveva distrutto 

– decidono di ricostruirlo prendendo 

spunto dalla Grande Mela. 

Intanto Johan scopre di non aver perso 

il lavoro, poiché la sua pubblicità con 

la luna blu sembra aver riscosso un enorme 

successo. 

I 

Puffi arrivano nella Grande Mela 

e fanno amicizia con una simpatica 

coppia di newyorchesi! Se da 

bambini avete amato questi pupazzini blu, 

17 

di sicuro avrete sognato di incontrarli per 

un giorno e magari chissà, di scoprire qualcosa 

in più sulla loro origine! Beh, il film fa 

rivivere questo sogno e appassiona quasi 

di più il pubblico adulto che quello dei più 

piccoli. 

Raja Gosnell ha realizzato il primo film 

in live action sui personaggi creati da Peyo 

negli anni ‘60, compiendo un ottimo lavoro 

sull’animazione digitale e coniugandolo ad 

una storia classica che appassiona ormai 

da anni grandi e piccini. Accompagnati dagli 

umani Johan e Grace – Neil Patrick Harris e 

Jayma Mays – i Puffi compiono il loro breve 

viaggio nella città di New York, inseguiti dal 

cattivo Gargamella (Hank Azaria) e dal suo 

buffo gatto Birba. La storia di Johan e Grace 

fa da cornice all’avventura di Grande Puffo 

e dei suoi Puffi: è leggera, scontata sicuramente, 

ma senza troppe pretese e comunque 

divertente poiché si inserisce bene nel 

contesto. Certamente a far sorridere lo spettatore 

sono Tontolone, Brontolone, Puffo Coraggioso, 

Puffetta, Quattrocchi e Grande 

Puffo, con il loro modo di parlare, le loro canzoncine 

e il loro simpatico aspetto, ma il ruolo 

di Harris e Jayma Mays funziona abbastanza 

bene. È anche grazie a loro infatti che 

lo spettatore scopre alcune cose sull’origine 

dei Puffi, che anche i più affezionati della serie 

dei cartoni animati, probabilmente non 

hanno mai saputo. 

Un film campione d’incassi, che deve 

il suo successo soprattutto alla popolarità 

del fumetto di Peyo, ai cartoni animati e a 

tutto il lavoro di marketing che gira intorno 

agli “omini blu”, ormai da tanti anni, ma 

anche a un ottimo mix di animazione e live 

action. Un film per tutti, per i bambini sicuramente, 

ma anche per quegli adulti che 

hanno voglia di “puffare” un po’! 


Aiuti regista: Elena Fiorenzani, Massimo Loi 

Operatore: Emiliano Fiore 

Supervisore effetti visivi: Pierfilippo Siena (Metaphyx) 

Coordinatore effetti visivi: Virginia Cefaly (Metaphyx) 

Interpreti: Enrico Brignano (Fedele), Francesco Pannofino 

(Vittorio), Aurora Cossio (Almadedios), Grazia Schiavo (Barbara), 

Paola Minaccioni (Laura), Isabelle Adriani (bionda misteriosa), 

Virginia Raffaele (Annaclara), Antonio Cornacchione 

(dottor Brancacci), Cosimo Cinieri (Siniscalco), Carolina 

Poccioni (ragazza romana) 

Durata: 96’ 

Metri: 2650

F 

edele e Vittorio sono due fratelli 

dal carattere opposto. Mite, rispettoso 

e dedito alla famiglia il 

primo, mascalzone, disonesto e fedigrafo il 

secondo. Sono sposati con due sorelle, le figlie 

di un grosso imprenditore che ha concesso 

loro di amministrare la società. Un giorno, 

però, l’auto di Vittorio viene trovata in un lago 

in condizioni tali da far presupporre la morte 

dell’uomo. Fedele, premuroso non nega l’appoggio 

alla cognata fino a quando non scopre 

sei anni dopo che suo fratello non è morto, 

ma vive a Cuba. Senza pensarci due volte, 

Fedele, prende il primo aereo convinto di 

riportare indietro Vittorio. All’Avana, ben 

presto, scopre che il fratello è famoso perché 

organizza truffe a turisti insieme alla bella 

Almadedios e proprio in una di queste, di cui 

lui è vittima, ritrova il congiunto scomparso. 

Inutili i rimproveri, Fedele non riesce a convincere 

Vittorio a seguirlo e fra un ballo e un 

bicchiere di rum si innamora ricambiato di 

Almadedios . L’Italia sembra lontana, ma 

l’idillio finisce quando Vittorio e Almadedios 

vengono arrestati dalla polizia locale. L’uomo 

cacciato da Cuba va a vivere in Svizzera 

con un vitalizio che gli ha passato il suocero 

a patto di non tornare in Italia, mentre la donna 

è costretta a fare alcuni mesi di carcere. 

A DANGEROUS METHOD 

(A Dangerous Method) 


Finiti i giorni di reclusione Almadedios ritrova 

all’uscita Fedele e con lui costruisce 

una numerosa famiglia. 

U 

na volta si diceva: “I bravi attori 

riescono a rendere favoloso anche 

un film mediocre”. Dopo aver 

visto Faccio un salto all’Avana , si può chiaramente 

affermare che è un luogo comune 

da sfatare. Assolutamente. 

La pellicola in questione, diretta da 

Dario Baldi, è una accozzaglia maldestra 

di siparietti pseudocomici che, partendo 

dall’intuizione pirandelliana della finta morte, 

sviluppa l’originalissima, si fa per dire, 

storiella dell’italiano all’estero. 

Gli elementi della “tragedia” ci sono tutti: 

la moglie petulante, i Caraibi da depliant, 

la bella indigena, i balli e i canti, il sogno 

perduto. E ovviamente l’italiano truffaldino. 

Manca solo la sceneggiatura, evidentemente 

arrivata tardi all’aeroporto, sostituita 

in extremis dall’audace arte dell’improvvisazione. 

Con questi elementi, è evidente, non 

si può chiedere il miracolo agli attori! Enrico 

Brignano e Francesco Pannofino ci provano 

e con quello che hanno, come facevano 

un tempo le brave massaie, “prepa- 

Gran Bretagna/Germania/Canada/Francia/Irlanda, 2011 

Regia: David Cronenberg 

Produzione: Jeremy Thomas per Recorded Picture Company 

(RPC)/Lago Film/Prospero Pictures/Astral Media/Canadian 

Film or Video Production Tax Credit (CPTC)/Corus Entertainment/Elbe 

Film/Millbrook Pictures/The Movie Network/Talking 

Cure Productions/Téléfilm Canada 

Distribuzione: Bim 


Soggetto: tratto dalla pièce teatrale The Talking Cure di Christopher 

Hampton e dal romanzo A Most Dangerous Method di John Kerr 

Sceneggiatura: Christopher Hampton 

Direttore della fotografia: Peter Suschitzky 

Montaggio: Ronald Sanders 

Musiche: Howard Shore 

Scenografia: James McAteer 

Costumi: Denise Cronenberg 

Produttori esecutivi: Stephan Mallmann, Karl Spoerri, Peter 

Watson, Matthias Zimmermann, Thomas Sterchi 

Produttori associati: Tiana Alexandra, Richard Mansell 

Co-produttori: Martin Katz, Marco Mehlitz 

Direttori di produzione: Robert Opratko, Imke Sommerkamp 

Casting: Deirdre Bowen 

Aiuti regista: Patrick Arias, Walter Gasparovic, Michaela Kluge 

Operatori Steadicam: Patrick de Ranter, Robert Patzelt 

Supervisore art director: Sebastian Soukup 

Art directors: Anja Fromm, Nina Hirschberg, Frances Soeder 

Arredatore: Gernot Thöndel 

18 

rano il pranzo”, un pranzo insipido però, 

che lascia i commensali, pardon gli spettatori 

con l’amaro in bocca. 

I più delusi, sicuramente, rimarranno i 

fanatici di queste commedie “scacciapensieri” 

(per usare una loro definizione), perché 

Faccio un salto all’Avana, pur avendo qualche 

rara trovata simpatica, è pieno di angoli 

bui e incomprensibili nonsense. Ecco, l’impressione 

che se ne ricava è di un lavoro 

frettoloso, arrangiato all’ultimo momento, 

buono solo a giustificare una trasferta all’Avana 

tutto incluso. Almeno quest’ultima fosse 

stata trattata decentemente! E invece i bellissimi 

scorci della città amata da Hemingway 

vengono continuamente sporcati dall’occhio 

misero del turista, che trasforma il popolo 

cubano in una caricatura sguaiata di se stesso. 

Una vera occasione mancata. 

Il regista Renè Ferretti, alter ego di Pannofino 

nella fortunata serie televisiva Boris, 

avrebbe una definizione “colorita” per questa 

pellicola..., la sottoscritta si limita solo a sconsigliarlo 

e nel contempo invita il giovane Baldi 

a usare più oculatezza nella scelta delle prossime 

pellicole da dirigere. Non si vive di solo 

pane, un po’ di (buon) cinema non guasta mai. 


Trucco: Manuela Antritter, Andrea Braun, Ulrike Gass-Flakowski, 

Gesa Gerersdorfer, Adriane Graeff, Andrea Hecking, Nadia 

Homri, Carla Hovenbitzer, Elisabeth Kaukal, Isabella Koppensteiner, 

Mary Liebsch, Martina Mariacher, Magret Payer, Ulrich 

Ritter, Katrin Silbernagel, Conny Ulatowski, Romy Voigtsberger, 

Sonja Wimmer 

Acconciature: Manuela Antritter, Andrea Braun, Ulrike Gass- 

Flakowski, Nadia Homri, Carla Hovenbitzer, Barbara Kichi, 

Mary Liebsch, Ulrich Ritter, Katrin Silbernagel, Conny Ulatowski, 

Romy Voigtsberger, Sonja Wimmer 

Supervisori effetti visivi: Joerg Bruemmer, Rolf Muetze, 

Wojciech Zielinski 

Coordinatori effetti visivi: Sarah Barber, Chris Ross, Laetitia 

Séguin 

Interpreti: Viggo Mortensen (Sigmund Freud), Keira Knightley 

(Sabina Spielrein), Michael Fassbender (Carl Jung), Vincent 

Cassel (Otto Gross), Sarah Gadon (Emma Jung), André Hennicke 

(Eugen Bleuler), Katharina Palm (Martha Freud), Andrea 

Magro (Jean Martin Freud), Arndt Schwering-Sohnrey (Sandor 

Ferenczi), Mignon Remé (segretaria di Jung), Mareike Carriere, 

Franziska Arndt, Sarah Marecek (infermiere), Wladimir Matuchin 

(Nicolai Spielrein), André Dietz (poliziotto medico), Anna 

Thalbach (paziente), Bjorn Geske (inserviente), Jost Grix (Leonhard 

Seif), Severin von Hoensbroech (Johan van Ophuijsen), 

Torsten Knippertz (Ernest Jones), Dirk S. Greis (Franz Riklin), 

Julia Mack (Mathilda Freud), Aaron Keller (Oliver Freud) 

Durata:99’ 

Metri: 2550

1 

904. Sabina Spielrein, una ragazza 

russa di elevata cultura, viene 

ricoverata in una clinica svizzera 

dopo che le è stata diagnosticata una forma 

di isteria aggressiva. Il dottor Jung che 

l’ha in cura adotta, con lei la ‘terapia delle 

parole’ da cui emerge un’infanzia segnata 

da maltrattamenti e umiliazioni da parte 

paterna, dalle quali però è emerso che 

provava piacere. Il dottor Jung è felicemente 

sposato e la moglie è incinta. Viene però 

colpito dalla personalità della ragazza 

anche se in clinica, in sua assenza, si rende 

protagonista di comportamenti eccentrici. 

Gioca, per esempio, in modo strano 

con il cibo o si getta nello stagno. Col tempo 

vede dei miglioramenti e le propone di 

fargli anche da assistente nella sua ricerca. 

Nel frattempo è nata la figlia di Jung. 

Passano due anni. Vienna 31/3/1906. 

Jung va a trovare Freud assieme alla moglie. 

Dopo aver mangiato, i due iniziano 

una lunghissima conversazione, durata 

circa 13 ore, dove affrontano anche il 

tema dell’interpretazione dei sogni. Poi 

Jung parla a Sabina, intanto decisamente 

migliorata, di quell’incontro e delle sue 

paure. Tra loro c’è sempre più complicità. 

Insieme ascoltano la musica di Wagner 

col grammofono e studiano le reazioni dei 

pazienti. Poi, un giorno, in una panchina 

su baciano. Jung desidera sempre di più 

Sabina e il suo sentimento e ricambiato. 

L’uomo passa sotto la sua abitazione per 

vedere se ci sono le finestre accese, poi 

non riesce a resistere e passa da lei. La 

loro intimità non è più solo mentale ma 

anche fisica. Lui però non vuole abbandonare 

la sua famiglia e va dalla giovane 

donna per dirle che non se la sente di 

andare avanti e che intende fermarsi. Inizialmente 

non riesce a rispettare i suoi 

propositi e la loro storia continua ad andare 

avanti anche nel corso degli anni. I 

due amanti proseguono la loro storia passionale 

tra forti rotture e immediate riconciliazioni. 

Un giorno, Sabina va nello 

studio di Jung e lo ferisce al volto con un 

tagliacarte. Poi però ritrovano la loro 

intimità sessuale con lei che si fa sculacciare 

da lui. Prosegue anche il difficile 

rapporto con Freud. Partono insieme per 

gli Stati Uniti in nave. Lui viaggia in 1° 

classe, l’anziano collega in 2°. Ed è lo 

stesso Freud che lo mette al corrente delle 

voci che circolano a Vienna su di lui e 

sul fatto che ha l’amante. A quel punto 

tronca con Sabine che reagisce piangendo. 

E nel 1912 scrive pure a Freud accusandolo 

del fatto di trattare gli amici come 

dei pazienti. Si rivede anche con Sabina, 

che intanto si è sposata. E la prima guerra 

mondiale è alle porte. 


L 

e visioni pericolose del cinema di 

David Cronenberg. Pulsioni faticosamente 

trattenute, sogni premonitori, 

lo scarto tra desiderio e realtà. 

Non c’è solo la ‘liason dangereuse’ tra 

Jung, Sabine e Freud in A Dangerous 

Method. Si mette in azione invece proprio 

il preciso teorema cronenberghiano 

che scava nell’inconscio, che mette a 

nudo la follia, gli abissi della perdizione. 

Con una metamorfosi nella figura simile 

a La mosca dove il personaggio di Sabina 

(resa con coraggiosa aderenza da 

Keira Knightley) muta dall’inizio, dalle 

sue urla sulla carrozza in apertura del 

film che la sta conducendo nell’ospedale 

psichiatrico in Svizzera alla ‘tranquilla 

fissità’ del finale, in simbiosi quasi con la 

piattezza del lago, dove rivede Jung, simile 

a quella di un’immagine che si immobilizza 

e diventa quasi istantanea fotografica. 

Oppure con le stesse illusioni, 

dal doppio concreto di Inseparabili ai volti 

di Jung e Freud che possono sovrapporsi, 

raddoppiare anche nella singola inquadratura: 

si trovano da soli, in una strada, 

dove la razionalità, il pensiero si disintegrano 

progressivamente. 

Bella sfida quella del grande regista 

canadese David Cronenbergh con A 

Dangerous Method. Dal romanzo A Most 

Dangerous Method di John Kerr e la 

pièce teatrale The Talking Cure di Christopher 

Hampton (anche sceneggiatore), 

il film vuole oltrepassare quello che mostra, 

sempre sulla linea tra vista e allucinazione 

che, per esempio, in Crash inghiottiva 

completamente. Sulla linea di 

un biopic disintegrato che vorrebbe farsi 

avvolgere dalle fiamme del mélo. Ma il 

cinema di Cronenberg stavolta non sfonda 

come in passato. I margini dell’inqua- 

19 

dratura restano intatti e, soprattutto, rimangono 

indelebili i segni compositivi. 

C’è un percorso nel tempo – dal 1904 

all’alba della prima guerra mondiale – 

che, nei salti spaziali, potrebbe essere 

quasi una produzione dell’inconscio. Ma 

a movimentarlo davvero c’è solo la sessualità 

incontrollata di Otto Gross, interpretato 

da uno splendido Vincent Cassel 

che, in pochi frammenti, sovrasta Michael 

Fassbender e Viggo Mortensen, 

qui più maschera che autentica emanazione 

cronenberghiana come in A History 

of Violence e La promessa dell’assassino. 

Il tempo resta elemento esteriore, 

elemento che segna le 13 ore di conversazione 

di Freud e Jung, la scena con le 

associazioni con le parole dove lo sguardo 

del cineasta canadese sembra stavolta 

più incantato dalla meccanicità degli 

oggetti, senza più renderli elementi di 

modifica/fusione come ancora le auto di 

Crash. E le stesse forme del desiderio, 

pur con squarci affascinanti come lo 

sguardo di Jung sulla finestra accesa o 

nel volto di Sabine sono slanci che partono 

ma poi hanno brusche sterzate rispetto 

l’esplosione totale miscuglio di fisicità, 

colore, musica di quel suo grandissimo 

film d’inizio anni ’90 che è M Butterfly. 

Senza voler assolutamente giustificare 

l’ingeneroso rifiuto di una parte della 

stampa alla presentazione all’ultimo Festival 

di Venezia, dove il film è stato presentato 

in competizione, ci si trova comunque 

davanti a una parziale battuta d’arresto 

nel cinema di Cronenberg: dove i personaggi, 

soprattutto Sabina, spingono per 

andare verso la loro mente, ma poi restano 

imprigionati in un quadro reso invalicabile 

dalla sua glacialità, evidente, per 

esempio, nella scena in cui la giovane

donna si fa sculacciare da Jung davanti 

lo specchio, di sfiatato decadentismo, con 

il sospetto che, in certi momenti, Hampton 

prevalga su Cronenberg; dove il contagio 

stavolta è rimasto spesso sulla carta 

tranne nel momento del viso ferito di 

Jung, troppo breve contatto/squarcio epidermico 

di un’opera che, senza avere ti- 

E 


more reverenziali nei confronti di quello 

che ha portato sullo schermo, non ha finito 

però di impossessarsene, caso rarissimo 

quasi unico per quello che riguarda 

l’autore canadese. C’è chi lo ha accostato 

anche a Prendimi l’anima di Roberto 

Faenza perché ci sono sempre Jung e 

Sabine, ma siamo comunque su due pia- 

BAD TEACHER-UNA CATTIVA MAESTRA 

(Bad Teacher) 


Regia: Jake Kasdan 

Produzione: Jimmy Miller per Columbia Pictures/Mosaic Media 

Group 



Soggetto e sceneggiatura: Lee Eisenberg, Gene Stupnitsky 

Direttore della fotografia: Alar Kivilo 

Montaggio: Tara Timpone 

Musiche: Michael Andrews 

Scenografia: Jefferson Sage 

Costumi: Debra McGuire 

Produttore esecutivo: Georgia Kacandes 

Produttori associati: Carey Dietrich, Melvin Mar 

Direttore di produzione: Georgia Kacandes 

Casting: Anya Colloff, Amy McIntyre Britt 

Aiuti regista:Audret Clark, Carey Dietrich, Bill Purple 

Operatori: Joseph V. Cicio, Anthony Cobbs, Monty Rowan 

Operatore Steadicam: Matthew A. Petrosky 

Art director: Andrew Max Cahn 

Arredatore: Ronald R. Reiss 

Trucco: Laurene Alvarado, Robin Fredriksz, Maggie Fung, Peter 

Robb-King 

lizabeth è un’insegnante al suo 

ultimo giorno di scuola, contenta 

di poter finalmente lasciare il 

suo lavoro perché sta per sposarsi con 

un uomo molto ricco. Arrivata a casa, 

però, trova il futuro sposo con la suocera 

pronti a comunicarle che il fidanzamento 

è annullato poiché l’uomo ha intuito 

le venali intenzioni della donna. Elizabeth 

è costretta così a tornare al lavoro 

e a dividere una piccola casa con un 

uomo piuttosto solitario. A scuola intanto, 

è arrivato Scott, il nuovo professore 

di matematica. Elizabeth scopre che il 

ragazzo, oltre a essere molto bello, è 

anche ricco di famiglia e da poco single, 

così inizia una serie di buffi tentativi per 

conquistarlo. Decide inoltre di rifarsi il 

seno per essere più attraente, ma – non 

avendo soldi per fare l’intervento – partecipa 

a varie iniziative scolastiche 

(come il lavaggio delle macchine) per ottenere 

dei soldi in contanti. Intanto in 

classe propone ogni giorno un film diverso 

ai suoi alunni, senza occuparsi mi- 

nimamente di loro e del programma scolastico; 

instaura una strana amicizia con 

la signorina Pavicic e con l’insegnante 

di ginnastica Russell, mentre inizia a 

scontrarsi con Amy, un’altra professoressa 

che è diventata la fidanzata di Scott. 

Una mattina, Elizabeth scopre che a breve 

si svolgerà un test per gli insegnanti 

e che il vincitore riceverà in premio 5000 

dollari. Improvvisamente Elizabeth decide 

di cambiare tutto e di puntare al premio, 

cercando di diventare la migliore 

professoressa e iniziando a far studiare 

i suoi alunni, interrogandoli e assegnando 

loro molti compiti. Ma questo non 

basta: per vincere i soldi dovrà infatti 

studiare e sapere tutte le risposte. Elizabeth 

decide così di sedurre il dottor Snur 

in quanto possessore delle domande; riesce 

infatti a rubargli il test e a vincere il 

premio come miglior insegnante. 

Dopo aver fatto ammalare la professoressa 

Amy con una pianta di ortica, Elizabeth 

riesce anche ad andare al campo 

scuola al suo posto, così da poter passare 

20 

neti differenti. Anche il peggior Cronenberg 

supera il miglior Faenza. Ma questo 

non c’entra niente ed è un’altra storia. E 

non basta per giustificare una reazione 

interlocutoria che, per fortuna solo marginalmente, 

sconfina con la delusione. 


Acconciature: Pierce Austin, Nina Paskowitz, Lona Vigi, Soo- 

Jin Yoon 

Supervisore costumi: Joseph T. Mastrolia 

Supervisori musiche: Manish Raval, Tom Wolfe 

Interpreti: Cameron Diaz (Elizabeth Halsey), Lucy Punch (Amy 

Squirrel), Jason Segel (Russell Gettis), Justin Timberlake 

(Scott Delacorte), Phyllis Smith (Lynn Davies), John Michael 

Higgins (preside Wally Snur), Dave Allen (Sandy Pinkus), Jillian 

Armenante (signorina Pavicic), Matthew J. Evans (Garrett 

Tiara), Kaitlyn Dever (Sasha Abernathy), Kathryn Newton 

(Chase Rubin-Rossi), Igal Ben Yair (Arkady), Aja Bair (Devon), 

Andra Nechita (Gaby), Noah Munck (Tristan), Finneas 

O’Connell (Spencer), Daniel Castro (Rodrigo), Adrian Kali 

Turner (Shawn), Eric Stonestreet (Kirk), Thomas Lennon (Carl 

Halabi), Paul Bates (sovrintendente scolastico), Jeff Judah 

(custode), Nat Faxon (Mark), Stephanie Faracy (signora Pubich), 

David Paymer (dottor Vogel), Alanna Ubach (Angela), 

Christine Smith (Danni), Deirdre Lovejoy (madre di Sasha), 

Melvin Mar (insegnante), Rose Abdoo (segretaria della scuola), 

Paul Feig 

Durata:92’ 

Metri:2550 

del tempo con Scott. La sera infatti i due 

trascorrono la notte insieme e – sebbene 

Elizabeth sia rimasta molto delusa da Scott 

– decide di chiamare Amy al telefono facendole 

così sentire tutto. 

Amy infuriata e rimasta in città, ruba 

la cattedra di Elizabeth, scoprendo così le 

domande del test; il dottor Snur confessa 

alla professoressa di aver passato la serata 

con lei, ma è ricattato dalla stessa Elizabeth, 

che gli aveva scattato delle fotografie. 

Così, davanti al preside della scuola 

e alla polizia, è costretto a ritirare la confessione 

che aveva fatto ad Amy. Elizabeth, 

dopo aver capito che Amy aveva scambiato 

le cattedre, e dopo averla fatta passare 

per bugiarda davanti a tutti, suggerisce anche 

agli agenti di perquisire la cattedra della 

professoressa nella quale trovano della 

marijuana. 

Ormai è finito l’anno scolastico e Scott, 

essendosi ormai lasciato con Amy, chiede 

ad Elizabeth di uscire insieme. Lei rifiuta 

l’invito e capisce che l’uomo che veramente 

la fa stare bene, che la diverte e che le pia-

ce è in realtà Russell, l’insegnante di ginnastica. 

A 

volte si generalizza troppo quando 

si definisce un film “commedia” 

e molto spesso capita che 

questo termine dia una connotazione negativa 

al film. In realtà esistono commedie 

belle, con sceneggiature ben costruite, 

dialoghi divertenti e intelligenti, scene 

girate con molta accortezza e magari una 

morale interessante. Purtroppo però non 

è il caso di Bad teacher, una commedia 

fin troppo leggera, scontata e – aggiungerei 

– poco intelligente. 

Cameron Diaz è un’insegnante fuori 

dagli schemi: veste in maniera sexy, ha 

un linguaggio non proprio adatto al ruo- 

B 

IL DEBITO 

(The Debt) 


Regia: John Madden 

Produzione: Eitan Evan, Eduardo Rossoff, Kris Thykier, Matthew 

Vaughn per Marv Films/Pioneer Pictures 

Distribuzione: Universal Pictures 


Soggetto: remake del film Ha-Hov di Assaf Bernstein (2007) 

Sceneggiatura: Matthew Vaughn, Jane Goldman, Peter Straughan 

Direttore della fotografia: Ben Davis 

Montaggio: Alexander Berner 

Musiche: Thomas Newman 

Scenografia: Jim Clay 

Costumi: Natalie Ward 

Produttore esecutivo: Tarquin Pack 

Co-produttore: Mairi Bett 

Direttore di produzione: Sasha Harris, Maria Ungor 

Casting: Michelle Guish 

Aiuto regista: Joey Coughlin, Robyn Glaser, Olivia Lloyd, 

Deborah Saban, Szonja Szekerák, Tamás Vass 

Operatore: Alastair Rae 

Operatore Steadicam: Alastair Rae 

Supervisore art director: Peter Francis 

erlino Est 1966. Tre giovani 

agenti del servizio segreto Mossad, 

Rachel, David e Stephan, 

vengono incaricati di catturare il criminale 

nazista Dieter Vogel, noto come “il chirurgo 

di Birkenau” e di farlo giungere in 

Israele per il processo. Ma qualcosa va 

storto e Rachel, per impedirne la fuga, è 

costretta a ucciderlo. Giustizia è fatta e per 

trent’anni i tre vengono celebrati come 

eroi, invitati a raccontare l’impresa in 

scuole e università. 

Tel Aviv 1997. La figlia di Rachel e Ste- 


lo di professoressa ed è completamente 

disinteressata ai suoi alunni, ai quali fa 

vedere soltanto film. I suoi unici scopi 

sono quelli di trovare un uomo ricco che 

possa mantenerla e trovare i soldi necessari 

per rifarsi il seno, per poter così 

far colpo su Scott (Justin Timberlake). 

L’idea del regista Jake Kasdan della “cattiva 

maestra” potrebbe sembrare inizialmente 

abbastanza originale, ma, dopo 

un po’, il personaggio di Cameron Diaz 

diventa davvero troppo ridicolo e impossibile. 

I suoi giochini per conquistare il 

bel professore e gli scherzi fatti alla sua 

collega per allontanarla da lui, sono infantili; 

piuttosto che l’insegnante, Cameron 

Diaz sembrerebbe un’adolescente 

che tenta di conquistare il più bello della 

phan, Sarah, presenta il libro di memorie 

che ha scritto sulla storia dei tre agenti dedicandolo 

a sua mamma presente in sala. 

Riavvolgendo i fili della memoria, Rachel 

inizia a ricordare quei tragici eventi del 

passato. 

Si torna alla Berlino Est degli ultimi 

mesi del 1965. Rachel conosce David 

e Stephan, i tre devono condividere 

un appartamento in vista di una delicata 

missione. Rachel è incaricata di ‘agganciare’ 

Vogel, ex criminale nazista 

che ora svolge la professione di gine- 

21 

classe, accorgendosi soltanto alla fine 

che c’è qualcuno che la ama veramente. 

Già, perché soltanto alla fine del film Elizabeth/Cameron 

Diaz sembra dimostrare 

un minimo di intelligenza, quando capisce 

che l’uomo che fa per lei è l’insegnante 

di ginnastica che aveva sempre 

ignorato. 

Bad teacher è insomma – nonostante 

un cast ricco di attori abituati alla commedia 

(oltre Justin Timberlake e Cameron 

Diaz ci sono infatti Jason Segel, John Higgins, 

Molly Shannon) e alcune brevi scene 

divertenti – un film scontato e che di 

certo non lascia il segno. 


Art director: Dominic Masters 

Arredatore: John Bush 

Trucco: Csilla Horváth, Jan Sewell 

Supervisoie effetti speciali: Stuart Brisdon, Gabor Kiszelly 

Supervisori costumi: Charlotte Sewell, Zsuzsa Stenger 

Interpreti: Helen Mirren (Rachel Singer), Tom Wilkinson (Stephan 

Gold), Ciarán Hinds (David Peretz), Jessica Chastain 

(Rachel giovane), Marton Csokas (Stephan giovane), Sam 

Worthington (David giovane), Jesper Christensen (dottor Bernhardt), 

Romi Aboulafia (Sarah Gold), Tomer Ben David (marito 

di Sarah), Ohev Ben David (figlio di Sarah), Jonathan Uziel 

(agente Mossad), Eli Zohar (autista di Stephan), Irén Bordán 

(moderatore del seminario), Brigitte Kren (infermiera), Christian 

Strassner, Alexander Jagsch (guardie), Alexander E. 

Fennon (postino), István Betz (capotreno), András Szurdi (soldato), 

Melinda Korcsog (Sarah giovane), Kátya Tompos (receptionist), 

József Rácz (fidanzato di Kátya), István Göz (Yuri 

Tiov), Igor Vovk (ufficiale di Babenko), Morris Perry (Ivan Schevchuk), 

Erika Szórádi (infermiera di Babenko), Bálin Merán, 

Nitzan Sharron, Adar Beck 

Durata: 114’ 

Metri: 3120 

cologo. La giovane donna comincia a 

frequentare lo studio medico sottoponendosi 

a diverse visite. Nel frattempo, 

pur attratta dall’introverso David, allaccia 

una relazione con Stephan. Un 

giorno durante una visita, Rachel immobilizza 

Vogel; poi, fingendo che il 

dottore ha avuto un malore, chiama 

un’ambulanza. Il mezzo è guidato da 

Stephan e David che rapiscono il medico. 

Ma il piano della cattura va storto e 

i tre sono costretti a tenere prigioniero 

Vogel nel loro appartamento sorveglian-

dolo a turno. Ma la notte di Capodanno, 

Vogel sfugge al controllo di Rachel 

che è costretta a sparare. Il criminale 

nazista riesce comunque a scappare. 

Dopo un duro confronto carico di tensione, 

Stephan, David e Rachel decidono 

che la verità di cui il loro popolo ha 

bisogno è un’altra. Per trent’anni i tre 

agenti racconteranno al mondo l’impresa 

di aver eliminato il criminale nazista 

diventando veri eroi del loro popolo. 

Si torna al 1997. Anni di bugie hanno 

portato David, il più sensibile dei tre, 

al suicidio. Dopo la presentazione del 

libro della loro figlia, Stephan rivela a 

Rachel la tragica fine di David. Poi le 

confessa che Vogel è stato rintracciato 

in un ospedale in Ucraina a 150 chilometri 

da Kiev. Ora tocca a lei stanarlo e 

eliminarlo, chiudendo definitivamente i 

conti con trent’anni di menzogne saldando 

il debito con la propria coscienza e 

con il suo popolo. Rachel si reca in 

Ucraina nell’ospedale dove è ricoverato 

Vogel. Dopo aver visto l’anziano criminale, 

Rachel telefona a Stephan e racconta 

che l’uomo ricoverato in quell’ospedale 

non è Vogel. Al contrario di 

Stephan, convinto che la verità sia un 

lusso che non possono permettersi, Rachel 

vuole che la gente sappia come sono 

andate realmente le cose. Ma Vogel la 

sorprende e la ferisce. Dopo una colluttazione, 

Rachel riesce a colpire il criminale 

e si avvia zoppicando fuori dall’ospedale 

raccontando la verità. 


I 

l dolore dello sterminio nazista, le 

profonde cicatrici inflitte a un popolo, 

un dramma collettivo rivissuto 

in una vicenda privata, costruita su toni 

che spaziano dal thriller di spionaggio al 

dramma di coscienza. 

John Madden (il regista del celebrato 

Shakespeare in Love) firma questo remake 

del film israeliano del 2007 Ha-Hov diretto 

da Hassaf Bernstein. 

Peccato, colpa, redenzione, il valore 

assoluto della verità, ragione di stato e ragioni 

del cuore, sono i perni su cui la storia. 

La sceneggiatura del film, firmata da 

Matthew Vaughn, Jane Goldman e Peter 

Straughan, non appare però perfettamente 

congegnata. Forse perché troppo preoccupata 

di spingere sul pedale del thriller, 

si perde tra le linee di una vicenda ricostruita 

attraverso lunghi flashback (che 

trascinano lo spettatore da una Berlino Est 

della guerra fredda, vista soprattutto dall’interno 

del claustrofobico e fatiscente appartamento 

– covo dei tre agenti del Mossad, 

a una solare Tel Aviv alla fine degli 

anni Novanta). 

Al centro della narrazione, anzi il suo 

punto migliore, il sofferto percorso del 

cuore di Rachel Singer, l’agente donna 

del terzetto, divisa tra l’amore per l’introverso 

David e la relazione con il più 

estroverso Stephan. Le sofferenze del 

cuore e dell’anima vanno di pari passo 

con quelle vissute sul corpo. La cicatrice 

sul suo volto, a distanza di trent’anni, 

ne è il simbolo evidente come sono ben 

chiare le ferite interiori di una vita fatta 

22 

di scelte sbagliate (un matrimonio infelice 

riscattato però una figlia amatissima, 

un grande amore soffocato troppo a lungo). 

Madden, regista di un cinema di attori, 

non si smentisce neanche questa 

volta, affidando il compito di raccontare 

la vicenda alla classe dei suoi interpreti, 

tutti e sei convincenti. Una menzione a 

parte merita Helen Mirren (la Rachel 

matura) la cui interpretazione supera di 

una spanna quella dei suoi colleghi. Buone 

comunque le prove dell’astro nascente 

Jessica Chastain (Rachel giovane) e 

di Tom Wilkinson (il maturo Stefan), mentre 

Sam Worthington (il giovane David), 

il muscoloso Perseo del kolossal Scontro 

tra titani divenuto star grazie all’Avatar 

cameroniano, svetta sul piano della 

prestanza fisica ma meno su quello dell’intensità 

emotiva. 

Nei panni del criminale nazista Vogel 

risulta indovinata la scelta del volto spigoloso 

dell’attore danese Jesper Christensen, 

già visto nei panni del ‘cattivo’ Signor 

White in 007 – Casino Royale e 007 – 

Quantum of Solace. 

Pur rischiando di cadere in un finale 

non perfettamente convincente che, anzi, 

risulta la parte più debole del film, Madden 

ne esce comunque bene riscattandosi 

con un incipit interessante. Quel “falso 

flashback” rivissuto dalla protagonista, 

procedimento che mette in discussione 

la sincerità contenuta quasi implicitamente 

nella forma visiva del ricordo 

fornendo allo spettatore resoconti perfettamente 

falsi, è una piccola ‘chicca’ che 

i palati più fini non mancheranno di apprezzare. 

Un procedimento spiazzante 

ed efficace, se pensiamo, un caso su 

tutti, all’uso che ne fece Bryan Singer nel 

sorprendente I soliti sospetti. Nell’economia 

del racconto di Il debito il “flashback 

menzognero” acquista uno spessore particolare, 

quasi un valore etico, se pensiamo 

alla riflessione sul valore assoluto 

della verità, tema centrale del film. 

L’ostentazione del falso ricordo si dimostra 

ancora una volta compatibile con le 

esigenze ideologiche ed espressive di un 

autore. Così ha fatto Madden con l’invenzione 

del passato che diventa vera “arma 

di sopravvivenza”, utile a sostenere il 

peso etico di una menzogna. La classe 

di un regista si fa notare anche per questo. 

Elena Bartoni

D 

opo cinque anni di vita eremita 

in Tibet per nascondersi in seguito 

al fiasco di una missione in 

Mozambico di otto anni prima e dove si 

sottopone a un “duro” addestramento, 

l’agente Johnny English viene convocato 

a Londra per un nuovo incarico. L’organizzazione 

per cui lavora, la MI7, ora è 

diretta da Pamela Head, nota come “Pegasus”, 

che dissuade l’agente dall’agire 

con i suoi vecchi metodi. English torna a 

lavorare con alcuni suoi colleghi come 

l’agente Ambrose, noto come Agente Uno, 

e con Patch Quartermain, esperto di armi 

e bloccato su una sedia a rotelle. Johnny 

è folgorato dalla nuova entrata nella 

squadra, la psicologa comportamentista 

Kate Sumner. La missione è delicata: English 

deve recarsi a Hong-Kong e incontrare 

l’ex agente CIA Fisher che è a conoscenza 

di un complotto per assassinare 

il Premier cinese Xiang Ping nel corso 

dell’imminente vertice anglo-cinese. Lo 

affiancherà il giovane agente Tucker. A 

Hong-Kong, Johnny scopre che dietro al 

complotto c’è la misteriosa organizzazione 

Vortex che possiede un’arma segreta. 

Dopo aver mostrato a English una chiave 

che, se usata insieme ad altre due, consente 

l’accesso alla potente arma, Fisher 

spiega che i membri del gruppo sono tre 


JOHNNY ENGLISH-LA RINASCITA 

(Johnny English Reborn) 

Gran Bretagna/Francia/Israele/Giappone, 2011 

Regia: Oliver Parker 

Produzione: Tim Bevan, Chris Clark, Eric Fellner per Universal 

Pictures/Relativity Media/Studio Canal/Working Title Films 



Soggetto: sequel del film Johnny English (2001) di Peter Howitt; 

personaggi di Robert Wade, Neal Purvis e William Davies 

Sceneggiatura: William Davies, Hamish McColl 

Direttore della fotografia: Danny Cohen 

Montaggio: Guy Bensley 

Musiche: Ilan Eshkeri 

Scenografia: Jim Clay 

Costumi: Beatrix Aruna Pasztor 

Produttori esecutivi: Rowan Atkinson, Liza Chasin, Will 

Davies, Debra Hayward 

Co-produttore: Ronaldo Vasconcellos 

Line producers: Raphaël Benoliel, Chiu Wah Lee 

Direttori di produzione: Nicky Earnshaw, Sasha Harris, Tim 

Wellspring 

Casting: Lucy Bevan 

Aiuti regista: Scott Bunce, James Chambers, Elle Crocker, 

Sekani Doram, Mark Hopkins, Ben Howarth, Andrew McEwan, 

Alex Oakley, Ben Quirk, Greg Tynan, Tracey Warren, Harriet 

Worth, Cindy Yu 

Operatori: Jason Berman (Phantom), Damian Daniel, Zac Nicholson, 

Luke Redgrave, Ben Wilson 

e che lui è uno di essi. English scopre che 

il Vortex è il vero responsabile della morte 

del Presidente Chambal in Mozambico. 

Subito dopo, Fisher viene ucciso da 

una cameriera. English e Tucker inseguono 

la donna che riesce a fuggire. Il complice 

della cameriera, Ling, ruba la chiave 

dal cadavere di Fisher. English insegue 

Ling e riprende la chiave. A Londra, 

English fa rapporto a Pegasus e quando 

sta per consegnare la chiave scopre che 

gli è stata rubata. English viene mandato 

alla ricerca di tutti i membri del Vortex. 

In cerca della cameriera assassina, Johnny 

la confonde con la madre di Pegasus e 

si avventa su di lei. Umiliato, English incontra 

la dottoressa Sumner che lo invita 

ad andare in analisi. Nel suo ufficio, Kate 

lo aiuta a ricordare chi fosse il secondo 

membro del Vortex. Si tratta di Karlenko. 

Detto fatto, English piomba nella lussuosa 

dimora di Karlenko e tenta di estorcergli 

informazioni. Ma anche Karlenko 

viene colpito dalla cameriera assassina. 

In ospedale Karlenko consegna a Johnny 

la seconda chiave e gli rivela che il terzo 

membro del Vortex è un uomo dell’MI7; 

subito dopo muore. Data la minaccia del 

Vortex, la conferenza anglo-cinese viene 

spostata in Svizzera in una fortezza tra le 

Alpi. English va a cena con l’agente Am- 

23 

Operatore Steadicam: Zac Nicholson 

Art directors: Paul Laugier, Mike Stallion 

Arredatore: Caroline Smith 

Trucco: Csilla Horváth, Sallie Jaye, Pippa Woods 

Acconciature: Sallie Jaye 

Supervisori effetti speciali: James Davis III, Mark Holt 

Supervisore effetti visivi: Robert Duncan 

Coordinatore effetti visivi: Akhila Namboodiri 

Supervisore musiche: Nick Angel 

Interpreti: Rowan Atkinson (Johnny English), Pierce Brosnan 

(Ambrose), Gillian Anderson (agente Pamela Head), Dominic 

West (Ambrose), Burn Gorman (Slater), Ben Miller (Bough), 

Mark Ivanir (Karlenko), Togo Igawa (Ting Wang), Christina 

Chong (Barbara), Joséphine de La Baume (Madeleine), Chris 

Jarman (Michael Tembe), Mandi Sidhu (addetta alla reception), 

Daniel Kaluuya (agente Tucker), Rosamund Pike (Kate),, 

Tim McInnerny (Quartermain), Williams Belle (Ling), Rupert 

Vansittart (Derek), Emma Vansittart (Margaret), Wale Ojo (Presidente 

Chambal), Burn Gorman (Slater), Isabella Blake-Thomas 

(Izzie), Janet Whiteside (madre di Pamela), Mark Ivanir 

(Karlenko), Gary Kane (Matov), Stephen Campbell Moore 

(Primo ministro), Lobo Chan (Xiang Ping), Benedict Wong (Chi 

Han Ly) 


Metri: 2800 

brose e gli rivela che il terzo membro del 

Vortex è uno dell’MI7. Durante la cena, 

il suo aiutante Tucker conduce Johnny in 

bagno e gli rivela che Ambrose è la talpa 

interna all’MI7. Ma English non gli crede 

e lo dimette dall’incarico. Ambrose lo 

convince che Quartermain è la vera talpa; 

alla fine della cena English consegna 

ad Ambrose la chiave. Non capendo che 

sta per cadere in trappola, English segue 

Quartermain in una chiesa. Rischiando di 

essere ucciso, Johnny scappa utilizzando 

la sedia a rotelle motorizzata di Quartermain 

e finisce a casa di Kate. La psicologa 

trova dei filmati in una videocamera 

di sorveglianza in Mozambico che provano 

l’innocenza di English. Nel frattempo 

Ambrose, in possesso di tutte e tre le chiavi, 

prende una pericolosa sostanza in una 

cassetta di sicurezza e incontra un uomo 

d’affari asiatico che paga 500 milioni di 

dollari affinché il Premier cinese venga 

assassinato. English finalmente capisce 

chi è il vero cattivo e convince Tucker ad 

aiutarlo nella missione a Le Bastion in 

Svizzera dove si tiene il vertice anglo-cinese. 

Nel maldestro tentativo di entrare 

nella fortezza, Johnny e Tucker vengono 

catturati dalla sorveglianza. Fingendosi 

morto, Johnny riesce a entrare nell’edificio. 

English cerca di arrestare Ambrose

ma per sbaglio beve la bevanda in grado 

di impadronirsi della mente preparata per 

Pegasus e diventa una pedina nelle mani 

di Ambrose che gli vuole far uccidere il 

Premier cinese. English cerca di non uccidere 

Xiang Ping, finché Tucker riesce a 

smascherare Ambrose trasmettendo con 

l’altoparlante le sue istruzioni. Ambrose 

scappa, mentre, grazie a un bacio “miracoloso” 

di Kate, Johnny torna in sé. Dopo 

aver inseguito Ambrose su una funivia, 

English riesce a farla esplodere. Missione 

compiuta. English si trova a Buckingham 

Palace per essere investito cavaliere 

dalla regina, ma, proprio mentre si inchina 

davanti al trono, viene quasi decapitato 

dalla cameriera assassina che si è 

travestita da regina. English la insegue 

per i corridoi e la attacca alle spalle ma, 

quando gira la testa, si accorge che l’assassina 

è fuggita di nuovo e che lui ha 

colpito a mazzate sulla testa nientemeno 

che Sua Maestà! 

A 

ttenzione! L’agente segreto più 

maldestro del mondo è tornato. 

Ed è più “infallibile” che mai! 

La rinascita infinita dei “cloni pasticcioni” 

del più famoso agente segreto 007 questa 

volta passa per l’inconfondibile talento 

comico di Rowan Atkinson che torna a vestire 

i panni dell’agente Johnny English, 

otto anni dopo il fortunato primo film. E le 

cose acquistano subito un sapore particolare. 

Ma va detto subito che Johnny English 

– La rinascita, più che una semplice 

parodia bondiana, è un thriller comico vero 

LA PELLE CHE ABITO 

(La piel que habito) 

Spagna, 2011 

Regia: Pedro Almodóvar 

Produzione: Agustín Almodóvar, Esther García per Canal+ 

España/El Deseo S.A./Instituto de Crédito Oficial (ICO)/Televisión 

Española (TVE) 


Prima: (Roma 23-9-2011; Milano 23-9-2011) – V.M.: 14 

Soggetto: tratto dal romanzo Tarantola di Thierry Jonquet 

Sceneggiatura: Pedro Almodóvar, Agustín Almodóvar 

Direttore della fotografia: José Luis Alcaine 

Montaggio: José Salcedo 

Musiche: Alberto Iglesias 

Scenografia: Antxón Gómez 

Costumi: Paco Delgado 

Produttore associato: Bárbara Peiró Aso 

Direttori di produzione: Sergio Díaz, Toni Novella 

Casting: Luis San Narciso 

Aiuti regista: Manuel Calvo, David Esquivel, Eva Sánchez 

Operatore Steadicam: Ramón Sánchez 


e proprio. Si, perché, questa volta, si è fatto 

“sul serio” (virgolette d’obbligo), ricreando 

un’avventura dal contesto più reale, 

insomma, a detta dei realizzatori, una storia 

più strutturata dove non avrebbe sfigurato 

il vero James Bond. L’attore comico 

Hamish McColl, che aveva già collaborato 

con Atkinson per Mr. Bean’s Holiday, ha 

scritto la sceneggiatura basandosi su una 

storia del produttore esecutivo William 

Davies. La posta in gioco questa volta è 

davvero alta per il povero Johnny come per 

un serio agente segreto, la ragnatela in cui 

si trova “legato” (nel vero senso della parola) 

infatti comprende CIA, KGB e persino 

la ‘sua’ MI7. 

Naturalmente si è giocato sul velluto, 

sfruttando le eccezionali doti di Atkinson, 

prima su tutte la sua ineguagliabile mimica 

facciale (vedere per ridere: i tic nervosi 

che fanno “impazzire” i suoi occhi al suono 

della parola “Mozambico”, o la vocina 

femminea che gli esce dopo aver inghiottito 

per sbaglio una delle magiche pastiglie 

da viaggio “cambia-voce”). 

E così via, tra inseguimenti a perdifiato 

(senza perdere troppo fiato in realtà) sui 

tetti di Hong-Kong, partite a golf con temibili 

spie russe, voli in elicottero ad ‘altezza 

autostrada’, inseguimenti a bordo di Rolls 

Royce a comando vocale, l’inglesissimo 

agente segreto ne combina, tanto per cambiare, 

di tutti i colori. 

Ad affiancarlo questa volta una squadra 

di attori di primo livello: Gillian Anderson 

(la star di X-Files) nei panni del capo 

“Pegasus”, Rosamunde Pike (apparsa tra 

24 

l’altro in La versione di Barney) in quelli di 

una bella psicologa di cui l’agente si innamora, 

Dominic West nel ruolo dell’affascinante 

Agente Uno e Daniel Kaluuya nei 

panni del fido agente in erba Tucker. Dietro 

la macchina da presa l’inglese Oliver 

Parker, regista che finora si è fatto notare 

per la capacità di passare da adattamenti 

di Oscar Wilde lievi ed eleganti (Un marito 

ideale, L’importanza di chiamarsi Ernesto) 

a divertenti commedie tratte da vignette satiriche 

(come St. Trinian’s e il sequel St. 

Trinian’s 2: The Legend of Fritton’s Gold ) 

per tornare ancora a Wilde nel 2009 con 

un originale quanto ardito adattamento di 

Dorian Gray con Ben Barnes e Colin Firth. 

Da Hong-Kong alle Alpi, da Londra a 

Macao, il temibile agente corre (si fa per 

dire) senza stropicciarsi troppo l’abito, saltella 

(e lo fa dentro a sacchi per cadaveri!), 

si nasconde (ma poi spara razzi segnaletici), 

ammicca e ... si mette perfino il 

rossetto! 

La palma delle sequenze più divertenti 

va alla corsa con la sedia a rotelle motorizzata 

(dotata del comando “fottutamente 

veloce”) per l’immenso viale davanti a 

Buckingham Palace. 

Per tutti coloro che amano e hanno 

amato Mr. Bean, ma anche per chi vuole 

farsi due “sane” risate. 

Un consiglio: non perdete d’occhio 

quella spietata killer cinese armata di aspirapolvere 

e mazze da golf. 

Elena Bartoni 

Art director: Carlos Bodelón 

Effetti speciali trucco: Tamar Aviv, David Martí, Montse 

Ribé 

Trucco: Silvie Imbert, Chass Llach, Karmele Soler 

Acconciature: Manolo Carretero 

Supervisore effetti speciali: Reyes Abades 

Suono: Iván Marín 

Interpreti: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya 

(Vera), Marisa Paredes (Marilia), Jan Cornet (Vicente), 

Roberto Álamo (Zeca), Eduard Fernández (Fulgencio), 

Blanca Suárez (Norma), Susi Sánchez (madre di Vicente), 

Bárbara Lennie (Cristina), Fernando Cayo (medico), 

José Luis Gómez (presidente dell’Istituto di Biotecnologia), 

Ana Mena (Norma), Buika (cantante), Violaine Estérez 

(collega del dottor Ledgard), Teresa Manresa (Casilda), 

Isabel Blanco 


Metri: 3300

T 

oledo, 2012. Robert Ledgard è un 

chirurgo plastico che ha perso la 

moglie e la figlia, entrambe suicide. 

La prima è rimasta carbonizzata a 

seguito di un incidente stradale e poi si è 

gettata dal balcone dopo aver visto allo 

specchio il suo volto deturpato. La seconda, 

invece, che ha assistito alla morte della 

madre, ha scelto di fare la sua stessa fine, 

per liberarsi da un altro trauma: lo stupro. 

Ledgard, da quando è venuta a mancare 

la moglie, si è dedicato alla sperimentazione 

della pelle artificiale (che ha chiamato 

proprio come la donna “Gal”). La 

sua scoperta, avvenuta grazie al processo 

della transgenesi, non viene vista però di 

buon occhio dalla comunità medica, che 

la ritiene illegale. Malgrado questo, lui 

continua le sue ricerche. 

Da 6 anni il dottore tiene reclusa in una 

stanza una giovane donna di nome Vera. La 

ragazza, che ha una tuta color carne che le 

copre tutto il corpo, vive segregata praticando 

yoga e leggendo libri. È controllata 

dalle telecamere e non ha contatti con 

l’esterno, se non tramite citofono: grazie a 

questo, esaudisce ogni sua richiesta (il cibo 

le viene portato con il passa vivande). 

Un giorno, la domestica Marilla riceve 

la visita a sorpresa del figlio Seca: quest’ultimo 

ha rapinato una banca e ha bisogno 

di nascondersi. La madre, che vuole 

mandarlo via, arriva a minacciarlo con 

la pistola quando il ragazzo si accorge 

della presenza di Vera. A quel punto, si introduce 

nella stanza della donna e la costringe 

ad avere un rapporto sessuale. 

Quando Robert ritorna a casa, lo uccide. 

Marilla confessa a Vera che Seca è il fratellastro 

di Robert. E che quest’ultimo, che 

è dunque anche figlio suo, non gli ha mai 

perdonato di avergli rubato la moglie. 

Sei anni prima. La figlia di Ledgard, 

Norma, viene violentata durante una festa 

da un ragazzo, Vicente, che realizza abiti 

nella bottega di famiglia. La ragazza viene 

messa in una clinica psichiatrica, e poco 

tempo dopo, si getta dalla finestra. Robert 

intanto sequestra Vicente rinchiudendolo 

in uno scantinato. Grazie a vari interventi 

di chirurgia plastica, lo trasforma in una 

donna di nome Vera. 

Oggi. Vera Cruz è legata sentimentalmente 

a Robert. Dopo aver fatto sesso con 

lui, si vendica uccidendolo con un colpo 

di pistola, e subito dopo, fa fuori anche Marilla. 

Scappa dalla casa e si presenta al 

negozio della madre per raccontarle la verità. 

P 

uò la medicina avere la facoltà illimitata 

di agire sul corpo umano 

mutandone completamente 


l’identità e arrivando a fabbricare dei “mostri”? 

La risposta è sì, se all’origine c’è un 

amore malato. La riflessione sulla transgenesi, 

vista come frontiera alternativa della 

scienza, è senz’altro interessante nei termini 

in cui è posta da Almodóvar, nonostante 

tutte le riserve della bioetica: il chirurgo 

stesso si chiede perché non utilizzarla 

sull’uomo (si potrebbero evitare molte 

malformazioni genetiche), quando si usa 

già per la carne, i vegetali e la frutta? 

Il problema è che nel caso di La pelle 

che abito, la controversa questione medica 

ha come matrice una vera e propria ossessione, 

quella cioè di volere a tutti i costi 

duplicare un individuo che non c’è più. 

Il professore Ledgard, che abita in una 

sorta di Xanadu wellesiana chiamata “El 

Cigarral”, con tanto di laboratorio al suo 

interno (una gabbia di vetro incastonata 

nella pietra), fa esperimenti sul sangue 

estratto da mammiferi ancora vivi nel tentativo 

di trovare la pelle più adatta da innestare 

nel corpo di un ragazzo. Tutto questo 

allo scopo di far “rivivere”, prima la 

moglie e poi la figlia. 

Detta così appare come una storia allucinante. 

In effetti, siamo di fronte a un 

film disturbante ed estremo, probabilmente 

il più radicale della filmografia di Almodóvar. 

Il regista spagnolo, ancora una volta, 

torna a confrontarsi con la morte e con 

i luoghi asettici, come gli ospedali e le sale 

operatorie, e ancora con i bisturi, i camici 

verdi e il sangue (vedi Parla con lei), attraverso 

una cura dei dettagli che sfiora la 

morbosità. 

Banderas riesce a dare forma tangibile 

all’ossessione che lo abita, muovendosi 

tra ambiguità e limpida freddezza, fragilità 

e ferocia. Il personaggio vive in una 

25 

casa piena di quadri che ritraggono nudi 

femminili e di monitor (compreso un megaschermo 

in camera), da cui osserva la 

sua cavia. La follia lo rende simile a un mostro, 

almeno quanto lo è Vera: quando lei 

gli chiede se è pronta per convivere col 

mondo, lui risponde: «Noi non siamo come 

gli altri». 

Colpi di scena da puro frequentatore 

del melodramma classico americano qual 

è l’autore, risvolti psicanalitici (la figlia del 

medico rifiuta di vedere il padre perché lo 

identifica con lo stupratore), inserti coloriti 

e grotteschi tipici del suo stile (il fratellastro 

ladro travestito da tigre!), infine, sottese 

rivendicazioni sulla mescolanza dei 

generi sessuali e il transgenderismo compongono 

un’opera estremamente complessa, 

ambiziosa e non del tutto riuscita. 

La virata temporale, a metà circa del 

racconto, lascia un po’ interdetti: un sogno 

del medico ci catapulta indietro di sei anni, 

aprendo, di fatto, un subplot dai contorni 

piuttosto opachi, che lo spettatore è costretto 

a rimettere a posto come se si trovasse 

davanti ai tasselli di un mosaico 

andato in mille pezzi. 

Se la fotografia, davvero notevole e gli 

impeccabili particolari scenografici (basta 

guardare l’arredamento della villa-clinica) 

possono sembrare di maniera, alla fine, il 

film trova comunque un parziale riscatto 

grazie alla “materia prima” del cinema di 

Almodóvar: le donne. E parliamo dei volti 

di Elena Anaya, che in alcune espressioni 

ricorda moltissimo Penelope Cruz, e della 

sublime Marisa Paredes, nella sua più intensa 

interpretazione dai tempi di Tutto su 

mia madre. 

Diego Mondella


CAPTAIN AMERICA-IL PRIMO VENDICATORE 

(The First Avenger: Captain America) 

N 


Regia: Joe Johnston 

Produzione: Kevin Feige, Amir Madani, Dan Masciarelli per 

Marvel Enterprises/Marvel Entertainment/Marvel Studios 



Soggetto: personaggi dei fumetti creati da Jack Kirby e Joe 

Simon 

Sceneggiatura: Stephen McFeely, Christopher Markus, Joss 

Whedon 

Direttore della fotografia: Shelly Johnson 

Montaggio: Robert Dalva, Jeffrey Ford 

Musiche: Alan Silvestri 

Scenografia: Rick Heinrichs 

Costumi: Anna B. Sheppard 

Produttori esecutivi: Louis D’Esposito, Alan Fine , Nigel 

Gostelow, Joe Johnston, Stan Lee, David Maisel 

Produttori associati: Mitchell Bell, Richard Whelan 

Co-produttori: Victoria Alonso, Stephen Broussard Direttori 

di produzione: Sam Breckman, Stratton Leopold, 

Suzie F. Wiesmann 

Casting: Sarah Finn, Randi Hiller, Priscilla John Aiuto regista: 

Laurie Deuters, Clare Glass, Alexandra Jordan, Eddie 

Micallef, Carolyn Milner, Douglas Plasse, Samar Pollitt, Nanw 

Rowlands, Glen Trotiner, Greg Tynan, Richard Whelan 

Operatori: Pete Cavaciuti, Kent Harvey, Jean-Baptiste Jay, 

David Knox, Jeff Muhlstock, George Peters, Henry Tirl, Des 

Whelan, Tim Wooster 

Operatori Steadicam: Pete Cavaciuti, Jeff Muhlstock, Henry 

Tirl 

Supervisori art directors: John Dexter, Chris Lowe, Andy 

Nicholson 

Art directors: Dean Clegg, Phil Harvey, Paul Kirby, Jason Knox- 

Johnston, Phil Sims 

Arredatore: John Bush 

Supervisore trucco e acconciature: Julia Vernon Trucco: 

Helen Barrett, Paul Boyce, Anita Brabec, Karen Cohen, 

Ann Fenton, Belinda Green-Smith, Sarah Grispo, Carmel Jackson, 

Olivia Jones, Sarah Jane Marks, Maralyn Sherman, Brian 

Waltsak 

Effetti speciali trucco: Jon Moore, Josh Weston 

Acconciature: Karen Cohen, Julie Dartnell, Cheryl Eckert, 

Ann Fenton, Linda D. Flowers, Belinda Green-Smith, Sarah 

el 1941 il mondo è lacerato dalla 

seconda guerra mondiale. Il 

giovane Steve Rogers, gracile e 

asmatico, cerca più volte senza successo 

di arruolarsi nell’esercito statunitense 

ma viene ripetutamente riformato. La sua 

determinazione viene notata dal dottor 

Abraham Erskine che lo fa entrare a far 

parte di un programma sperimentale, il 

Progetto Rebirth, che lo dovrebbe trasformare 

in un super-soldato. Arruolato 

nella Riserva Scientifica Strategica per 

cui lavora anche l’affascinante Peggy 

Carter, Steve viene sottoposto a un trattamento 

che, attraverso un siero speciale, 

lo trasforma in un ragazzo dal fisico 

possente. Ma nel gruppo di lavoro c’è 

una spia nazista infiltrata che apre il fuoco 

e uccide il dottor Erskine. Lanciatosi 

all’inseguimento, Steve uccide la spia. A 

causa della morte dell’inventore del siero, 

Steve resta l’esemplare unico di super-soldato. 

Intanto, la malvagia organizzazione 

Hydra, divisione di scienze 

avanzate capitanata da Johann Schmidt, 

sta assemblando un arsenale per annientare 

gli Stati Uniti. Schmidt, entrato 

in possesso di un prototipo del siero prima 

che Steve ricevesse l’iniezione per il 

potenziamento fisico, si trasforma nel 

mostruoso Teschio Rosso. Ormai Hydra 

non può più crescere all’ombra di Hit- 

26 

Grispo, Sarah Jane Marks, Maralyn Sherman, Nadia Stacey 

Supervisori effetti visivi: Craig Barron (Matte World Digital), 

Vincent Cirelli (Luma Pictures), Sean Andrew Faden 

(Method), Florian Gellinger (RISE Visual Effects Studios), 

Jonathan Harb (Whiskytree), Richard Higham (The Senate 

VFX), Dave Morley (Fuel VFX), Charlie Noble (Double Negative), 

Daniel P. Rosen (Evil Eye Pictures), Edson Williams (Lola 

Visual Effects), Christopher Townsend 

Coordinatori effetti visivi: Samantha Tracey, Emily Pearce 

(Double Negative), Jon Keene (Framestore), Michael Perdew, 

Katie Godwin (Luma Pictures), Max Leonard, Miles Friedman 

(Lola VFX), Nicholas Elwell (Hydraulx), Beverly Abbott, 

Amie Cox, Rachel Faith Hanson, Erin Eunsung Kim, Matthew 

Lloyd, Natalie Lovatt, Lisa Marra, Ruheene Masand, Lucie 

Ostrer 

Supervisori musiche: John Donovan, Dave Jordan 

Supervisore costumi: Ken Crouch 

Supervisore effetti digitali: Justin Johnson 

Supervisori animazione: Simone Kraus (Trixter Film), Pimentel 

A. Raphael 

Suono: Christopher T. Silverman 

Interpreti: Chris Evans (Captain America/Steve Rogers), 

Hayley Atwell (Peggy Carter), Sebastian Stan (James 

‘Bucky’ Barnes), Tommy Lee Jones (colonnello Chester 

Phillips), Hugo Weaving (Johann Schmidt /Teschio Rosso), 

Dominic Cooper (Howard Stark), Richard Armitage (Heinz 

Kruger), Stanley Tucci (dottor Abraham Erskine), Samuel 

L. Jackson (Nick Fury), Toby Jones (dottor Arnim Zola), Neal 

McDonough (Timothy ‘Dum Dum’ Dugan), Derek Luke (Gabe 

Jones), Kenneth Choi (Jim Morita), JJ Feild (James Montgomery 

Falsworth), Bruno Ricci (Jacques Dernier), Lex 

Shrapnel (Gilmore Hodge), Michael Brandon (senatore 

Brandt) Martin Sherman (assistente di Brandt), Natalie 

Dormer (Lorraine), Marek Oravec (Jan), David Bradley 

(guardiano della torre), Leander Deeny (Steve Rogers Double/Barman), 

Sam Hoare (recluta), Kieran O’Connor (Loud 

Jerk), Jenna-Louise Coleman (Connie), Sophie Colquhoun 

(Bonnie), Simon Kunz, Oscar Pearce, William Hope, Nicholas 

Pinnock 

Durata:125’ 

Metri:3430 

ler. Intanto la fama di Steve Rogers aumenta. 

Su tutti i giornali per il suo gesto 

eroico, il giovane riceve l’offerta di servire 

il suo paese sul campo di battaglia 

più importante. In breve Steve viene trasformato 

dai mass media in eroe nazionale: 

è il protagonista di spot pubblicitari 

e spettacoli in cui pronuncia forti 

proclami dell’esercito statunitense contro 

il nemico nazista. Preoccupato per le 

sorti del suo amico, il sergente Bucky 

Barnes, Steve si reca in Austria in cerca 

della divisione di cui faceva parte e lo 

salva insieme ad altri quattrocento uomini. 

Tornato trionfatore, Steve può arruolare 

la sua squadra che risponde ai

comandi del Colonnello Chester Phillips 

e in cui milita anche Peggy Carter. 

Steve diventa Captain America e si arma 

di uno scudo costruito con il vibranio, 

un materiale in grado di assorbire anche 

forti vibrazioni. Intanto Hydra perfeziona 

le sue armi con l’aiuto di Arnim 

Zola uno scienziato collaborazionista dei 

nazisti. Durante uno scontro con un mostro 

armato da Hydra, Bucky Barnes perde 

la vita: sentendosi responsabile, Steve 

giura di distruggere l’Hydra. L’ultima 

base segnalata dell’organizzazione 

criminale è sulle Alpi. La lotta con Teschio 

Rosso, terrificante nemesi di 

Johann Schmidt, è durissima; Captain 

America ha la meglio. Ma l’emergenza 

non è finita, perché Hydra ha lanciato 

un aereo pronto a distruggere l’intera 

città di New York. Steve si immola dirottando 

il velivolo in extremis. Tutti pensano 

che Captain America sia morto per 

salvare la sua patria, mentre Peggy lo 

attende invano a un appuntamento. Ma 

Steve si risveglia circa settant’anni dopo, 

è felice di essere vivo ma dispiaciuto per 

aver mancato l’appuntamento con la sua 

bella. 

U 

Un eroe buono e buonista. Captain 

America è certamente, tra i 

tanti supereroi nati dai fumetti, un 

personaggio sui generis. Un eroe ‘rosso, 

bianco e blu’ innanzitutto, contraddistinto 

dai colori della bandiera nazionale che 

trionfano sul suo particolarissimo scudo in 

vibranio. Un supereroe che non ha poteri 

particolari, come altri famosi colleghi, tranne 

appunto la sua arma. 

È un super buono perché la caratteristica 

del magico siero che gli è stato 

iniettato è quella di amplificare ogni attributo 

fisico e psichico di una persona. 

Interessante trovata che proietta diritto 

al tema dell’identità, qualcosa di molto 

problematico da sempre per ogni supereroe 

che si rispetti. Come per altri suoi 

colleghi (Superman - Clark Kent, Peter 

Parker - Spiderman) è lecito chiedersi se 

Steve e Captain America siano la stessa 

persona. Chi è tra i due quello vero? 

Come Jerry Siegel, il creatore di Superman, 

disse che Clark Kent era una rappresentazione 

di sé, confessando che il 

suo supereroe sarebbe stato la sua ‘potenzialità’, 

così si potrebbe dire di Captain 

America. Di più. La sua forza è quella 

repressa del ragazzo gracile e asmatico 

ma anche quella, scatenata, della 

sua fantasia e quindi fortemente desiderata. 


La copertina del primo numero di 

“Captain America Comics” uscito nel 

marzo 1941, otto mesi prima dell’entrata 

in guerra degli Stati Uniti, la dice lunga: 

mostrava l’eroe dare un pugno sulla 

mascella di Adolf Hitler. Vendette quasi 

un milione di copie ma fu anche aspramente 

criticato. I creatori Joe Simon e 

Jack Kirby pubblicarono il fumetto per la 

Timely Comics poi divenuta Marvel. Il 

vendicatore armato di scudo a stelle e 

strisce nacque come elemento di propaganda 

durante la seconda guerra mondiale 

rappresentando un’America libera 

e democratica che combatteva contro 

un’Europa imperialista. Dopo aver perduto 

la sua popolarità negli anni successivi 

alla guerra, il personaggio fu ripreso 

nel 1963 nella serie “The Avengers” e 

inserito in un super gruppo formato dai 

quattro personaggi più amati dell’universo 

Marvel: Iron Man, Thor, Hulk (tutti creati 

negli anni ’60) e appunto Captain 

America (cui spetta di diritto il titolo di 

“Primo Vendicatore”). 

Le avventure di celluloide del nostro 

eroe si inseriscono in una stagione cinematografica 

particolarmente affollata di 

supereroi dei fumetti: Thor, Lanterna verde, 

X-men – L’inizio e ora lui, Captain 

America. Sulle prime sarebbe tentati di 

non trovargli posto. Ma guardiamolo meglio. 

A dirigere l’ennesimo fumettone superoistico 

è Joe Johnston che, dopo 

l’esordio come designer e direttore artistico 

degli effetti visivi per due episodi di 

Guerre stellari e per due capitoli di Indiana 

Jones, ha debuttato come regista 

in Tesoro, mi si sono ristretti i ragazzi firmando 

in seguito piccoli ‘cult’ come The 

Rocketeer (tratto anch’esso da un fumetto) 

ma anche i più deludenti Jumanji, 

Jurassic Park III, Hidalgo – Oceano di 

fuoco, Wolfman. Ora cerca il rilancio nella 

‘serie A’ dei registi. Il cast lo ha aiutato, il 

protagonista Chris Evans (già ‘Torcia 

Umana’ ne I Fantastici Quattro e ne I 

Fantastici Quattro e Silver Surfer) si è 

rivelato scelta felice, ben supportato dalla 

bella Hayley Atwell e dal ‘duro’ Tommy 

Lee Jones. Una menzione particolare va 

al ‘cattivo’ Hugo Weaving (che già aveva 

convinto recitando dietro una maschera 

in V per vendetta) ‘Teschio Rosso’ dalla 

faccia scarnificata. Cameo per Stanley 

Tucci nei panni dello scienziato inventore 

del siero. 

Punto a sfavore, il solito 3-D, un effetto 

praticamente inesistente che ha dato la 

possibilità agli spettatori delle sale di ve- 

27 

dere il film con o senza l’uso degli abusati 

occhialini. 

Buone però sono le ambientazioni, 

la fotografia e i costumi in pieno stile 

anni ’40 ( epoca definita dal regista “cinematograficamente 

come una scatola 

di giocattoli”) . La prima parte, dove a 

dominare è proprio l’estetica anni ’40 

con i ragazzi in uniforme chiamati a 

combattere i nemico nazista, la propaganda 

urlata a mezzi stampa e radiofonici, 

le signorine con i capelli sempre a 

posto e le bocche colorate di rosso vermiglio, 

è la parte cinematograficamente 

più riuscita. 

Certo, il finale gioca facile promettendo 

un sequel e legami con gli altri film tratti 

dall’universo Marvel. Già nel 2012, Captain 

America farà parte del super-gruppo 

dell’annunciato The Avengers. 

Ma è anche vero che oggi l’America 

ha più che mai bisogno di tenere in vita i 

suoi supereroi. Eroe buonista dicevamo, 

come l’immagine degli Stati Uniti nell’epoca 

Obama. Un personaggio “proiezione 

di un’idea nazionale” (parole del regista) 

nell’America di ieri come in quella di oggi. 

Se poi ci si solleva un po’ più in alto, 

si trova qualcosa di interessante. Ciò che 

rende Captain America diverso dagli altri 

suoi colleghi è il messaggio di fondo 

che il regista, nonostante tutto, riesce a 

tenere in vita. Questi eroi di cartone dall’identità 

problematica ingaggiano una 

lotta per la propria integrazione nel mondo. 

Ma è la nostra lotta. Il fumetto di supereroi 

è un genere “di passaggio” verso 

l’età adulta (si leggono solo fino a una 

certa età, poi si diventa collezionisti o 

nostalgici): “passare attraverso” i supereroi 

significa compiere “il viaggio del 

diventare grandi” anche rendendosi conto 

che il nostro talento non è nient’altro 

che la nostra personalità. Captain America 

deve combattere contro il Male assoluto, 

la follia nazista, senza poteri particolari 

venuti da chissà quali pianeti ma 

usando la sua stessa arma ribaltandone 

la logica (la sua potenza fisica che altro 

non è che la traduzione dell’ideale del 

superuomo). Ma il bello è che, sotto il suo 

fisico possente e sotto quell’invincibile 

scudo, resta vivo il ragazzino fragile, ingenuo 

e testardo. Il suo talento è proprio 

la sua personalità. 

E questo gli vale, anche sul grande 

schermo, un punto in più rispetto agli altri 

colleghi di cartone. Nonostante i suoi settant’anni 

suonati. 

Elena Bartoni

T 

in Tin, giovane reporter d’assalto 

e disponibile a ogni avventura, 

trova in un mercato delle pulci 

il modellino dell’Unicorno, una nave del 

1600 che sembrerebbe fare gola a molti. 

Si presenta subito, infatti, la bieca figura 

di Sakharine che inizialmente tenta di comprare 

il modellino e poi lo fa rubare in casa 

di Tin Tin dai suoi sicari. Un pezzetto dell’albero 

maestro della nave caduto in casa 

svela però al giovane l’esistenza di una piccola 

pergamena contenente delle indicazioni 

che potrebbero portare a un tesoro; 

mancano però altri pezzi del rompicapo 

che sono contenuti in altri due modellini 

alla cui ricerca Tin Tin si lancia immediatamente 

con l’aiuto del comandante di un 

cargo, il capitano Haddock, grande amante 

del wisky e l’intelligente cagnolino Milou. 

Naturalmente non sono i soli sulle tracce 

delle pergamenne perchè i cattivi di Sahkarine 

sono bene addestrati e in più aiutati 

da un falco capace di rubare al volo mappe 

e pergamene di ogni tipo. 

In realtà, il capitano Haddock e Sahkarine 

sono i discendenti dei due nemici che si 

sono affrontati trecento anni prima per il 


LE AVVENTURE DI TINTIN: IL SEGRETO DELL’UNICORNO 

(The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn) 

Stati Uniti/Nuova Zelanda/Belgio, 2011 

Regia: Steven Spielberg 

Produzione: Peter Jackson Kathleen Kennedy, Steven Spielberg 

per Columbia Pictures/Paramount Pictures/Amblin Entertainment/WingNut 

Films/The Kennedy-Marshall Company/ 

Hemisphere Media Capital/Nickelodeon Movies 



Soggetto: tratto dai fumetti Le avventure di Tintin. Il segreto del 

liocorno e Le avventure di Tintin. Il tesoro di Rakam il Rosso di 

Hergé 

Sceneggiatura: Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish 

Direttore della fotografia: Janusz Kaminski 

Montaggio: Michael Kahn 

Musiche: John Williams 

Costumi: Lesley Burkes-Harding 

Produttori esecutivi: Ken Kamins, Nick Rodwell, Stephane 

Sperry 

Produttore associato: Adam Somner 

Co-produttore: Jason D. McGatlin 

Direttori di produzione: Georgia Kacandes, Frank Macfarlane, 

Brigitte Yorke 

Casting: Scot Boland, Victoria Burrows, Jina Jay 

Aiuti regista: Jenny Nolan, Adam Somner, Ian Stone 

Art director: Jeff Wisniewski 

Supervisore art director: Andrew L. Jones 

Trucco: Michele Perry, Tegan Taylor 

Supervisori effetti visivi: Matthias Menz, Keith Miller, Scott 

E. Anderson, Joe Letteri, Matt Aitken (Weta Digital) 

Coordinatori effetti visivi: Paul Marcus Wong, Stephen 

Nixon (Weta Digital) 

possesso del tesoro nascosto nella stiva 

dell’Unicorno e che ora ripropongono gli 

stessi duelli per raggiungere lo stesso 

obiettivo. 

Dalle dune del Sahara agli oceani infestati 

di squali, sotto i colpi di aerei e armi di 

ogni genere i nostri eroi arrivano in un’antica 

villa di periferia, il castello di Moulinsart, 

la casa dove Haddock abitava da 

bambino: il tesoro trovato sembrerebbe 

scarno, una piccola parte di ciò che dovrebbe 

essere. È senz’altro lo spunto per 

tutti di pensare al seguito di un’altra avventura. 

L’ 

interesse di Spielberg nacque nel 

1981, quando, a Parigi, per la 

promozione del suo primo India 

na Jones fu spinto a comprare i giornalini 

di Tin Tin da un critico che accostava il suo 

film a quei fumetti. Passarono anni di scambi 

epistolari tra il regista americano e l’autore, 

George Remi, conosciuto per lo più 

con il nome di Hergé, senza che il grande 

incontro tra i due riuscisse a concretizzarsi; 

Hergè morì poi improvvisamente e 

Spielberg proseguì la sua strada trionfale 

28 

Supervisore effetti digitali: Kevin Andrew Smith 

Supervisore costumi: Anthony Almaraz 

Animazione personaggi: Jacob Luamanuvae, Toby Haruno 

(Weta Digital), Barth Maunoury 

Animazione: Makoto Koyama, Marcus Alqueres, Graham 

Binding, Jonathan Paquin, Ignacio B. Peña, Mark Pullyblank, 

Jance Rubinchik, Jalil Sadool, Nick Fredin, Elizabeth 

Gray, Brad Lincoln, Chris Tost (Weta Digital), Alberto 

Abril, Michael Aerni, Andrew Calder, David Lam, Robyn 

Luckham, Chad Moffitt, Mark Stanger, Lindsay Thompson, 

Aaron Barlow, Moragot Bodharamik, Leggiero Carmelo, 

Eddie Chew, Julia Jooyeon Chung, Mike Clark, 

Gérald Clévy, Tom Del Campo, Jeffrey Engel, Anneka Fris, 

Daniel Gerhardt, Aaron Gilman, Martin Haughey, Danny 

Keller, Tim Kings-Lynne, Sandra Lin, Morgan Loomis, Sarath 

Madhavan, Jason Malinowsky, Anthony McIndoe, 

Adrian Millington, Vidya Raman, Carsten Seller, Jarom 

Sidwell, Rini Sugianto, Philip To, Sebastian Trujillo, Roland 

Vallet, Matt Weaver, Simon Westlake, Clare Williams, Daniel 

Zettl 

Interpreti: Jamie Bell (Tintin), Andy Serkis (capitano Haddock), 

Daniel Craig (Ivan Ivanovitch Sakharine), Nick Frost (Thomson), 

Simon Pegg (ispettore Thompson), Mackenzie Crook 

(Tom), Toby Jones (Silk), Daniel Mays (Allan), Gad Elmaleh 

(Ben Salaad), Joe Starr (Barnaby), Cary Elwes (pilota), Tony 

Curran (tenente Delcourt), Sebastian Roché (Pedro), Sonje 

Fortag (sig.ra Finch), Kim Stengel (Bianca Castafiore), Enn 

Reitel (sig. Cabtree) 


Metri:2930 

di avventure e successi. Naturalmente, 

come spesso avviene nell’immaginario di 

un cineasta, e di un cineasta come Spielberg, 

il fumetto di Tin Tin e la saga di Indiana 

Jones hanno da un lato proseguito 

la loro personale e separata realizzazione 

artistica, dall’altro hanno costituito una 

sorta di “unicum”, nutrendosi l’uno dell’altra: 

al punto che è oggi difficile sciogliere 

la matassa e individuare quanto un aspetto 

appartenga al fumetto e quanto al seriale 

dell’archeologo avventuriero. 

Fatto è che questo Tin Tin, girato in 

motion pictures cioè con attori in carne e 

ossa ad animare personaggi veri, ci dà il 

piacere puro e supremo dell’avventura e 

della sua ricerca continua: l’eroe con il 

ciuffo ha imparato gli ammaestramenti di 

Indiana per convincerci che solo nel superare 

la linea della sfida impossibile si 

tocca la magica consapevolezza del vivere 

e il fascino immenso di una fantasia 

che sempre si rinnova per il gusto di chi è 

spettatore. 

A tutto ciò aggiungiamo come la padronanza 

somma di effetti speciali e l’utilizzo 

di una musica sontuosa vadano a

comporre una grande opera di tecnica, di 

grafica, di ingegno cinematografico. 

Non solo; tutto questo non appesantisce 

l’espressione artistica di Spielberg che 

avrebbe potuto mostrare qualche soffocamento 

sotto il peso della realizzabilità tecnica, 

ma, anzi, la esalta perchè permette 

al cineasta, all’autore la possibilità immensa 

di rigenerarsi, di dare nuovo fuoco alla 

propria fantasia: è l’emozione stessa del 

fanciullo, dell’uomo, dell’uomo di cinema 

che continua a ritrovarsi in un gioco di visioni 

e soluzioni che nel momento in cui 

toccano la grandezza sono pronte a ripartire 

per nuove conquiste, proprio come il 

suo Tin Tin e il suo Indiana. 



L’ALBA DEL PIANETA DELLE SCIMMIE 

(Rise of the Planet of the Apes) 


Regia: Rupert Wyatt 

Produzione: Peter Chernin, Rick Jaffa, Amanda Silver, Dylan 

Clark per Twentieth Century Fox Film Corporation/Chernin Entertainment/Dune 

Entertainment 

Distribuzione: 20th Century Fox 


Soggetto: ispirato al romanzo Il pianeta delle scimmie di Pierre 

Boulle 

Sceneggiatura: Amanda Silver, Rick Jaffa 

Direttore della fotografia: Andrew Lesnie 

Montaggio: Conrad Buff IV, Mark Goldblatt 

Musiche: Patrick Doyle 

Scenografia: Claude Paré 

Costumi: Renée April 

Produttore esecutivo: Thomas M. Hammel 

Co-produttore: Kurt Williams 

Direttori di produzione: Bonnie Benwick, Wendy Williams, 

Frank Macfarlane 

Casting: Heike Brandstatter, Coreen Mayrs, Debra Zane 

Aiuti regista: Michael Bendner, Brendon Breese, Mathew 

Dunne, Gary Hawes, Cindy Smith, Haylee Thompson, Pete 

Whyte, Wainani Young-Tomich 

Operatori: Tim Bellen, Jim Van Dijk, Peter Wilke 

Operatori Steadicam: Harry K. Garvin, Peter Wilke 

Art directors: Dan Hermansen, Grant Van Der Slagt 

Supervisore art director: Helen Jarvis 

Arredatore: Elizabeth Wilcox 

Effetti speciali trucco: Emma Jacobs 

W 

ill Rodman è uno scienziato che 

lavora per una importante casa 

farmaceutica. Insieme alla sua 

equipe ha creato un farmaco, ALZ-112, per 

combattere l’alzheimer che sperimentato 

sugli scimpanzé rigenera e potenzia le cellule 

cerebrali. 

Entusiasta del risultato convoca i suoi 

superiori per convincerli alla sperimentazione 

umana, ma qualcosa va storto. Una 

delle scimmie, quella che aveva fatto più 

progressi, diviene inaspettatamente aggressiva 

e viene abbattuta. Il responsabile 

della casa farmaceutica, allora, ordina di 

sopprimere tutte le scimmie a cui è stato 

iniettato il farmaco. 

Will non riesce a comprendere cosa non 

abbia funzionato, poi però si accorge che 

nella gabbia della scimmia che ha aggredito 

i suoi colleghi c’è un cucciolo appena 

29 

Trucco: Emanuela Daus, Naomi Hirano, Emma Jacobs 

Coordinatore effetti speciali: Tony Lazarowich 

Supervisori effetti visivi: R. Christopher White (Weta Digital), 

Brooke Lyndon-Stanford, Justin Cornish (Atomic Arts), 

Gord Dunick, Dan Lemmon, Joe Letteri, Erik Winquist 

Coordinatori effetti visivi: Paul Marcus Wong (Weta Digital), 

Kim Menaster (Pixel Leberation Front), Rachel Faith Hanson, 

Blaine Lougheed, Jaydene Maryk 

Supervisori effetti digitali: Thrain Shadbolt (Weta Digital, 

Jeff Capogreco 

Supervisori costumi: Jana MacDonald, Susan O’Hara 

Supervisore musiche: Maggie Rodford 

Supervisori animazione: Daniel Barrett, Eric Reynolds 

Interpreti: James Franco (Will Rodman), Freida Pinto (Caroline 

Aranha), Andy Serkis (Cesare), John Lithgow (Charles 

Rodman), Brian Cox (John Landon), Tom Felton (Dodge Landon), 

David Oyelowo (Steven Jacobs), Tyler Labine (Robert 

Franklin), Jamie Harris (Rodney), David Hewlett (Hunsiker), 

Ty Olsson (John Hamil), Madison Bell (Alice Hunsiker), Makena 

Joy (Alice Hunsiker giovane), Jesse Reid (Donnie Thompson), 

BJ Harrison (Dottie), Leah Gibson, Tracy Spiridakos (ragazze 

alla festa), Ivan Wanis-Ruiz, Trevor Carroll (addestratori), 

Chelah Horsdal (Irena), Timothy Webber (custode Stan 

Timko), James Pizzinato, Robin Nielsen, Monica Mustelier (tecnici 

di laboratorio), Sean Tyson, Jack Kuris, Tammy Hui, Rufus 

Dorsey, Kyle Riefsnyder, Anthony McRae, Jeb Beach 


Metri:2850 

nato e capisce: non era stato il farmaco a 

renderla aggressiva, ma l’istinto di protezione 

materna. 

Senza pensarci troppo nasconde il piccolo 

in uno scatolone e lo porta a casa. 

Qui, ad attenderlo, c’è il padre Charles, 

malato di alzheimer, a cui Will fiducioso 

somministra ALZ-112. 

In poco tempo l’uomo si ristabilisce e 

Cesare, il cucciolo di scimmia, diventa a

pieno titolo un membro della famiglia mostrando 

doti cognitive straordinarie. 

Un giorno, però, Charles si aggrava 

inaspettatamente e in un momento di scarsa 

lucidità distrugge la macchina al vicino 

di casa. Quest’ultimo, dopo aver visto 

la scena, esce in strada e inizia ad insultare 

il vecchio. Cesare vedendo l’amico in 

pericolo corre in suo soccorso e ferisce il 

vicino. 

Will a malincuore è costretto dalla legge 

a separarsi dallo scimpanzé che viene 

rinchiuso in un centro per primati molto 

simile a un lager. 

Intanto Will inizia a sperimentare sulle 

scimmie un nuovo e più potente farmaco, 

ALZ-113, ottenendo risultati talmente 

stupefacenti da indurre il direttore della 

casa farmaceutica a dedicarsi solamente 

a questo prodotto. Ma qualcosa va storto, 

un collega di Will che aveva inalato il farmaco 

muore dopo aver infettato altre persone. 

Lo scienziato consapevole del danno 

implora il direttore di fermare la distribuzione 

del farmaco, ma non viene ascoltato 

e per questo si dimette. 

Cesare, intanto, nel rifugio per primati 

ha iniziato a covare rancore per il genere 

umano e consapevole dell’origine della 

sua superiorità intellettiva scappa dal gabbia 

per rubare l’ALZ-113 da casa di Will. 

Ottenuto il farmaco lo fa inalare ai suoi 

simili del centro e apre la gabbie. 

Le scimmie, consapevoli dei soprusi ricevuti, 

si dirigono verso la città seminando 

distruzione, mentre le forze dell’ordine 

si preparano ad attaccare. 

È una carneficina di umani e animali. 

Ciononostante un nutrito gruppo di prima- 

SENZA ARTE NE’ PARTE 

Italia, 2010 

Regia: Giovanni Albanese 

Produzione: Lionello Cerri per Lumiere & Co, in collaborazione 

con Raicinema 

Distribuzione: 01 Distribution 


Soggetto: Giovanni Albanese, Erminio Perrocco 

Sceneggiatura:Fabio Bonifacci, Giovanni Albanese 

Direttore della fotografia: Ramiro Civita 

Montaggio: Carlotta Cristiani 

Musiche: Mauro Pagani 

Scenografia: Sabrina Balestra 

Costumi: Grazia Materia 

Trucco: Raffaella Bigazzi 

Acconciature: Jerry Popolis, Katie Vernon 

Supervisore effetti visivi: John Bair 

Supervisore costumi:Donna Maloney 


ti capeggiati da Cesare riesce ad arrivare 

sano e salvo nel bosco. Qui ad attenderlo 

c’è Will che implora Cesare di ritornare con 

lui a casa. Lo scimpanzé lo guarda e con 

decisione gli risponde che lui è già a casa. 

C 

esare è a casa. Con questa frase, 

pronunciata da uno scimpanzé, 

Rupert Wyatt conclude magnificamente 

la sua nuova pellicola L’alba 

del pianeta delle scimmie. Una frase semplice 

e nella narrazione anche scontata 

che, però, costituisce la risposta perfetta 

agli interrogativi, anche celati, di ciascun 

personaggio del film. 

Will, interpretato da James Franco, 

sulla carta è il “buono”, colui che salva lo 

scimpanzé Cesare dalle grinfie del direttore 

della casa farmaceutica, il “cattivo”. La 

distinzione è semplice, netta, ma basta 

cambiare per un attimo la visuale per trasformare 

i contorni così marcati in sfumature, 

a tratti, impercettibili. 

Will rappresenta la presunzione umana 

che sfida costantemente la natura e, pur 

perseguendo il bene, non riesce ad andare 

oltre i paletti che la scienza gli ha inculcato. 

Nel crescere Cesare continua a paragonare 

il suo sviluppo cognitivo a quello umano 

senza considerare la sua diversità . Paradossalmente 

commette lo stesso errore del 

direttore che confonde diversità con inferiorità. 

Cesare nel dire “Sono a casa”non 

ha semplicemente detto “Sono fra i miei simili”, 

ma ha sottolineato che l’ambiente circostante 

non è proprietà esclusiva dell’essere 

umano e che ogni creatura essendo 

“a casa” non dovrebbe sentirsi costantemente 

minacciata da altri essere viventi. 

30 

Lo scimpanzé, inoltre, per rafforzare 

questo concetto utilizza il linguaggio umano 

che diviene, nell’accezione più ampia, 

il leitmotiv di tutta la ribellione. Infatti, come 

l’uomo distrugge per imporre il suo dominio 

così anche le scimmie devastano e uccidono 

per reclamare i loro diritti. Un’equazione 

evidentemente sbilanciata, qualsiasi 

sia il punto di vista da cui la si guarda, 

eppure efficace nel far comprendere la disperazione 

di una prigionia. 

Nel commentare la pellicola potremmo 

fermarci qui consigliandone, ovviamente, 

la visione, ma verremmo bacchettati pesantemente 

perché fra le tante considerazioni, 

forse non tutte condivisibili, abbiamo 

dimenticato di dire quella fondamentale: 

è il prequel del celeberrimo film del 

1968 con Charlton Heston Il Pianeta delle 

Scimmie. 

Un errore grave, ma voluto. 

Nonostante i continui richiami, le numerose 

citazioni, infatti, la pellicola “cammina 

con le sue gambe” come se fosse un 

film a sé e merita pertanto di essere analizzato 

come tale. 

È raro percepire questo, pur avendo 

come metro di paragone un cult, e ciò la 

dice lunga sulla qualità del prodotto. Volendo 

tirare le somme sicuramente buona 

parte del merito va alla solida struttura 

narrativa che ben si presta al dinamismo 

registico di Wyatt anche se, al si là dei tecnicismi, 

ciò che rende grande questa pellicola 

è l’epifania di una tragedia di cui gli 

occhi “brillanti” di Cesare sono l’inesorabile 

certezza. 


Supervisore musiche:Randall Poster 

Interpreti: Vincenzo Salemme (Enzo Gesumunno), Giuseppe 

Battiston (Carmine Bandiera), Donatella Finocchiaro (Aurora), 

Hassani Shapl (Bandula), Giulio Beranek (Marcellino), Ernesto 

Mahieux (Don Elio), Ninni Bruschetta (Ciccio Rizzuto), Mariolina 

De Fano (mamma di Carmine e Marcellino), Paolo Sassanelli 

(Alfonso Tammaro), Sonia Bergamasco (Giulia Manna), 

Alessandra Sarno (Egle Tammaro), Chiara Torelli (Angelique), 

Giusy Fallonardo (Annamaria), Elena Cantarone (Eva Saluzzo), 

Dante Marmone (Pinuccio), Guglielmo Ferraiola (notaio 

Varrone), Petro Cicirello (formaio), Sara Piccinna (figlia di Tammaro), 

Michele Trecca (battitore d’asta), Ippolito Chiarello (Nicotra), 

Franco Miccoli (capitano Finanza), Fabio Frasneda (imbianchino), 

Leonardo Pellegrino (Leo gesumunno) 

Durata: 90’ 

Metri: 2470

I 

l rinomato Pastificio salentino Tammaro 

chiude la vecchia fabbrica, in 

realtà con l’idea di riaprirne presto 

una nuova, completamente meccanizzata 

e all’avanguardia. Tutta la squadra di operai 

addetta allo stoccaggio manuale si ritrova 

disoccupata. Tra questi, ci sono Enzo, 

sposato con Aurora e con due figli da mantenere, 

Carmine, da poco separato a causa 

delle sue tante avventure extraconiugali 

e con una madre arteriosclerotica e, infine, 

Bandula, un immigrato indiano, rimasto 

senza soldi e senza un posto per dormire. 

La situazione è drammatica. Accomunati 

dal licenziamento e dallo stesso destino 

precario, i tre si concedono una piccola 

vendetta nella fabbrica a suon di musica, 

vanghe e picconi. Intanto la moglie 

di Enzo viene assunta come assistente personale 

per gli affari esteri dallo stesso Alfonso 

Tammaro. Dopo un’improduttiva ricerca 

di lavoro, i tre operai vengono reclutati, 

grazie all’intercessione della moglie 

di Enzo, dallo stesso Tammaro come 

custodi in un magazzino in cui si trova una 

preziosa collezione di opere d’arte contemporanea. 

Infatti l’arrogante impresario, 

consigliato dall’affascinante consulente finanziaria, 

ha deciso improvvisamente di 

investire sull’arte per “arrotondare” ed entrare 

nelle grazie della donna. Sconcertati 

dal valore delle opere di cui non comprendono 

la bellezza e per cui collezionisti privati 

sono disposti a spendere cifre da capogiro, 

Enzo e i suoi amici scoprono sbalorditi 

l’arte contemporanea. Dopo l’incerta 

reazione iniziale, spinti dalla disperazione 

e dalla voglia di riscatto, decidono 

di provare a imitare alcuni di quelle bizzarre 

opere. Ognuno fa la sua parte, aiutati 

anche dal fratello di Carmine, giovane 

esperto nell’arte dell’arrangiarsi. Avviato 

il processo di falsificazione, parte una 

truffa in grande stile e i quattro iniziano a 

vendere gli originali delle opere, riproducendo 

poi delle copie perfette per Tammaro. 

Con un misto di curiosità e incoscienza, 

iniziano a girare il mondo delle gallerie 

d’arte e dei collezionisti, fino ad arrivare 

a Roma, a un’asta in una prestigiosa 

galleria. Dopo numerose peripezie e fraintendimenti 

gli amici riescono a tirarsi fuori 

dai guai, soprattutto grazie all’aiuto 

della moglie di Enzo, che salda tutti i loro 

debiti. Gli unici soldi rimasti vengono regalati 

a Bandula per raggiungere la figlia 

in India che deve sposarsi. Dopo qualche 

tempo, ritroviamo Enzo e Carmine che 

sono entrati in affari, vendendo lo sciroppo 

di melograno e il fratello di Carmine, 

che, nel frattempo, si è trasferito in India, 

si è fidanzato con la figlia minore di Bandula. 


A 

otto anni dal suo debutto sul grande 

schermo con A.A.A. Achille, sul 

tema della balbuzie, Giovanni 

Albanese regista, ma prima ancora artista, 

professore di Decorazione all’Accademia 

delle Belle Arti di Roma, creatore e scenografo, 

torna dietro la macchina da presa 

ripartendo da un mondo a lui caro: l’arte. 

Il cinema non è così lontano dall’arte 

contemporanea come si può pensare; infatti 

il regista afferma di viverlo e intenderlo 

come se fosse una sorta di arte rinascimentale. 

In Senza arte né parte, Albanese 

affronta dapprima il discusso e annoso 

problema della soggettività dell’arte e della 

sua fruizione, di come un’opera possa 

essere giudicata diversamente a seconda 

di tempi, dei luoghi, delle società, a seconda 

del critico stesso. In secondo luogo, si 

tratta la questione del bello, del valore della 

cultura, del business creato intorno a un 

mondo elitario e di nicchia, nonché il problema 

della riconoscibilità di un’opera vera 

da una falsa. Insomma, Albanese ci mostra 

un aspetto attuale e interessante della 

società di oggi, alimentando dietro la 

provocazione superficiale alcune riflessioni 

di fondo. Prima di tutto, c’è l’incontro tra 

l’alto e il basso, tra il colto e il popolare, tra 

la classe operaia e i salotti dei ricchi collezionisti. 

Come in I soliti ignoti di Monicelli i 

protagonisti provano a mettere a segno il 

colpo del secolo, ai danni di colui che l’ha 

licenziati e alla faccia di facoltosi e superbi 

collezionisti. Convinti che per fare i “tagli” 

di Fontana, le “pagnottelle” caolinizzate 

di Manzoni e i cavalli vivi in salotto di 

TOMBOY 

(Tomboy) 

Francia, 2011 

31 

Kounellis non è più indispensabile chissà 

quale titolo o capacità. Gli onesti falsari trasformano 

la propria vita nell’arte, appunto, 

di arrangiarsi. La precarietà esistenziale 

dei protagonisti diventa, dunque, un 

mezzo per riscattare le loro vite e il dramma 

del licenziamento rappresenta invece 

il famoso “portone” che si apre quando si 

chiude una porta. Chiaramente il finale non 

poteva che essere all’insegna del buonismo. 

Gli italiani, brava gente, anche questa 

volta fanno quello che è più giusto: finanziano 

il viaggio aereo di un immigrato 

indiano e si consolano con un brindisi di 

sciroppo di melograno. Pur affidandosi alla 

tradizione tragicomica della commedia all’italiana 

e a un cast di primissimo ordine, 

Albanese finisce, tuttavia, per dar vita ad 

un prodotto spento, noioso, a volte scontato 

e dai tempi comici appesantiti da una 

sceneggiatura poco frizzate e raramente 

originale. Il film infatti non appassiona, o 

meglio, diverte solo a tratti, ma con un’ironia 

poco italiana e molto “british”, quasi da 

commediola forzata e arrangiata. Il cast 

sembra restare solo una trovata produttiva, 

senza vere giustificazioni narrative: a 

testimoniarlo l’incontro tra dialetti diversi, 

che stona e appare alquanto sopra le righe. 

Si va dal napoletano verace di Salemme, 

al friulano di Battiston, al tarantino 

di Giulio Beranek, al catanese di Donatella 

Finocchiaro, passando attraverso il messinese 

di Ninni Bruschetta e il milanese di 

Sonia Bergamasco. 


Regia: Céline Sciamma 

Produzione: Bénédicte Couvreur per Hold Up Films/Arte France Cinéma/Lilies Films 

Distribuzione: Teodora Film 


Soggetto e sceneggiatura: Céline Sciamma 

Direttore della fotografia: Crystel Fournier 

Montaggio: Julien Lacheray 

Musiche: Jean-Baptiste de Laubier 

Scenografia: Thomas Grézaud 

Direttore di produzione: Gaëtane Josse 

Casting: Christel Baras 

Aiuto regista: Valérie Roucher 

Trucco: Marie Luiset 

Suono: Benjamin Laurent 

Canzone estratta: “Always” di Para One 

Interpreti: Zoé Héran (Laure/Michael), Malonn Lévana (Jeanne), Jeanne Disson 

(Lisa), Sophie Cattani (madre di Laura), Mathieu Demy (padre di Laura), Ryan Boubekri 

(Ryan), Yohan Véro (Vince), Noah Véro (Noah), Cheyenne Lainé (Cheyenne) 

Durata: 82’ 

Metri: 2300

A 

ppena arrivata in un nuovo 

quartiere di Parigi con la sua 

famiglia, durante le vacanze 

estive, Laure è una bambina di dieci anni, 

costretta a un nuovo trasloco per via del 

lavoro del padre. La piccola francese ha 

una sorella minore di cinque anni, Jeanne, 

molto legata a lei e un fratellino in 

arrivo. Laure non ha l’aspetto di una 

femminuccia, porta abiti maschili e capelli 

corti. I suoi giochi preferiti non sono 

bambole, ma il calcio. Non conosce ancora 

nessuno nel quartiere e per caso fa 

a amicizia con Lisa, una coetanea vicina 

di casa. La bambina la scambia per 

un maschio e Laure decide di sfruttare 

la situazione e senza pensarci troppo dice 

di chiamarsi Michael. Così si crea una 

nuova identità e si ritrova improvvisamente 

“dall’altra parte”. Cerca pian 

piano di entrare nei meccanismi della 

sua nuova compagnia, dove i maschi giocano 

a calcio a petto nudo e le femmine 

devono stare a guardare. Superati i primi 

ostacoli (fare la pipì in piedi e crearsi 

un pene di pongo) Laure è sempre più 

a suo agio in questo suo nuovo universo, 

fino al punto di lasciarsi coinvolgere 

anche sentimentalmente da Lisa, che nel 

frattempo si è innamorata di lei. Gli adulti 

sono troppo impegnati per accorgersi 

della situazione; l’unica ad accorgersene 

è la Jeanne, che promette di mantenere 

il segreto, a patto di rimanere sempre 

con lei. Così Laure inizia a portar 

con sé anche la sorellina, ben contenta 

di ritrovarsi da un momento all’altro un 

fratello maggiore che la difende da tutti. 

Ed è proprio a causa di una lite per difendere 

la sorella che uscirà fuori la vera 

identità di Laure. La madre del bambino 

con cui Laure aveva fatto a botte si pre- 


senta a casa sua chiedendo di Michael. 

Laure si vede scoperta e denigrata da 

parte della madre, che anziché reggerle 

il gioco, è decisa a chiarire il malinteso 

e a svelare a tutti la verità. Le fa indossare 

un abito da femmina e la porta a 

casa di Lisa. Per Laure è il momento più 

umiliante, non riesce a reggere la situazione 

e scappa. Sono gli ultimi giorni 

delle vacanze prima dell’inizio dell’anno 

scolastico e nasce il fratellino di Laure. 

Dalla finestra, la bambina vede 

Lisa; sembra che abbia voglia di parlarle. 

Laure timorosa le va incontro e le due 

bambine, come se fosse la prima volta, 

si presentano. 

L 

a seconda opera di Céline Sciamma, 

Tomboy, conquista il pubblico 

francese, imponendosi per la 

sua straordinaria semplicità e naturalezza, 

ottenendo inoltre due riconoscimenti 

di tutto rispetto, il Teddy Award allo scorso 

Festival di Berlino e il premio del pubblico 

e della Giuria al 26° Film Festival 

di Torino. Un film poetico sull’infanzia, ma 

anche sull’identità, in particolare sulla 

formazione e affermazione del proprio 

“io” più intimo e profondo, un’autocoscienza 

personale, nel corso di una delle 

età più delicate e complesse. Con l’utilizzo 

della camera a mano la Sciamma 

cala il suo pubblico in un’atmosfera intensa. 

Lo fa dolcemente, con tocco materno 

e sensibile, che riesce a emozionare. 

La giovane regista gioca subito sull’identità 

ambigua della protagonista: con 

i capelli corti e i vestiti da maschiaccio 

(come recita lo stesso titolo inglese), si 

fa fatica a riconoscerla come una bambina. 

Già nel rapporto con gli altri componenti 

della famiglia è evidente la ma- 

32 

scolinità di Laure: molto attaccata al padre, 

che ammira e imita al punto da cercare 

in lui una complice solidarietà, distante 

e distaccata invece nei confronti 

della madre. La bambina appare protettiva 

nei confronti della sorella più piccola, 

dalla spiccata ed esibita femminilità. Ed 

ecco che l’attenzione si concentra proprio 

sul rapporto tra Laure e la piccola Jeanne. 

La macchina da presa gira intorno alle 

due bambine, regalandoci intensi primi 

piani e dettagli. Il loro interagire è caratterizzato 

da una notevole sintonia e complicità 

ed è così carico di un affetto incondizionato, 

che commuove per la totale purezza 

di sentimenti. Ma è fuori casa, però 

che la bambina avrà modo di sperimentare 

un’altra identità, un altro nome e, nei 

limiti del possibile, persino un altro corpo. 

Tuttavia si tratta di un gioco ambiguo 

e menzognero, destinato a essere rivelato. 

Solo confrontandoci con gli altri, riusciamo 

davvero a capire noi stessi o chi 

vorremmo essere. Violento e drammatico 

appare dunque lo scontro inevitabile con 

la “normalità” adulta. Ciò che è norma, è 

nello stesso tempo forma e costrizione 

della libertà. Se è la società a condizionarci, 

in ogni caso solo noi possiamo scegliere 

in quale veste e ruolo interagire. Dal 

neorealismo italiano alla nouvelle vague 

francese, passando attraverso I 400 colpi 

di Truffaut, Tomboy rappresenta un piccolo 

gioiello incontaminato, in mezzo a 

tanta meschinità. Il miracolo di questo far 

cinema sta nel dissimulare completamente 

la direzione degli attori, al punto che 

pare di osservare scene di vita. La regista 

spiega che prima di girare le scene 

con i giochi dei bambini li osservava senza 

riprenderli, nella loro naturalezza. Poi, 

quando il gioco era ormai avviato e loro 

non sapevano di essere ripresi, iniziava 

a filmare. L’opera ne guadagna in spontaneità 

e comunica quell’illusione di verità 

che è la naturalezza. I dialoghi non sono 

molti; la regista lascia spazio all’intensità 

degli sguardi e all’espressività dei volti, 

nonché alla splendida e nitida fotografia 

e alla bella colonna sonora. Le parole 

quindi appaiono spesso superflue. La 

mano della regista, leggera nel trattare il 

tema, ma incalzante nello sviscerarlo a 

fondo, unita alla straordinaria bravura delle 

piccole attrici, in particolare della protagonista 

Zoè Heran e della piccola Malonn 

Lévana, nel ruolo della sorellina, fanno 

di questo film un’autentica perla rara. 

Veronica Barteri

Francia, 2010 

Regia: Abdellatif Kechiche 

Produzione: Charles Gillibert, Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz 

per MK2 Productions/France 2 Cinéma/CinéCinéma/Canal+/ 

France Télévision/Centre National de la Cinématographie (CNC) 

Distribuzione: Lucky Red 


Soggetto: Abdellatif Kechiche 

Sceneggiatura: Abdellatif Kechiche, Ghalya Laroix 

Direttori della fotografia: Lubomir Bakchev, Sofian El Fani 

Montaggio: Camille Toubkis, Ghalya Lacroix, Laurent Rouan, 

Albertine Lestera 

Musiche: Slaheddine Kechiche 

Scenografia: Florian Sanson, Mathieu Menut 

Costumi: Fabio Perrone 

Direttori di produzione: Benjamin Hess, François Pascaud 

Casting: Anne Fremiot, Monya Galbi 

Aiuti regista: Yann Chemin, Monya Galbi, Julie Gouet, Sylvie 

Peyre, Aela Vaillant 

L 

VENERE NERA 

(Vénus noire) 

ondra, 1810. Saartjie Baartman, 

conosciuta anche come la Venere 

Ottentotta, per essere un’ esemplare 

di donna africana dalle dimensioni abnormi, 

viene esposta al pubblico in un numero 

circense. Qui, prima è rinchiusa in 

una gabbia, poi si muove dimenando i fianchi 

e il sedere su ordine del suo padrone, il 

bianco Caezar. Quest’ultimo, uomo cinico 

e senza scrupoli, la ospita nella sua casa 

dandole vitto e alloggio. In cambio, la donna 

lavora come domestica e alleva i suoi 

figli. 

Malgrado le proteste della stampa e 

delle società per i diritti dell’uomo, che definiscono 

il caso “una vergogna”, il signor 

Caezar continua a sfruttare la Venere Nera 

per ricavarne guadagni in denaro. Lei, pur 

consapevole che la sua condizione di sottomissione 

è funzionale alla riuscita dello 

spettacolo, inizia a dare i primi segni di 

insofferenza. Portati entrambi in tribunale, 

si difendono rivendicando la finzione 

dell’esibizione e, alla fine, vengono assolti. 

In una lunga testimonianza, la donna si 

presenta alla corte come un’attrice e non 

come una schiava. 

Un giorno, Réaux, un domatore di orsi, 

si offre di portarla con lui in Francia per 

introdurla nei salotti bene parigini. Qui ottiene 

un notevole successo, diventando in 

poco tempo la principale attrazione di festini 

privati organizzati da disinibiti rappresentanti 

della ricca borghesia locale. 

Nel 1815 la Venere Ottentotta viene invitata 

dal Museo dell’Uomo per essere analizzata 

e studiata nei minimi particolari. 


Ma si rifiuta di spogliarsi completamente 

per mostrare i genitali e per questo viene 

punita dal suo padrone, che sperava in un 

compenso economico dalla comunità 

scientifica. 

Intanto, Réaux costringe la donna a fare 

la prostituta d’alto bordo. Pur essendo malata 

(è sempre stata dedita all’alcool), non 

acconsente al ricovero che gli viene suggerito 

dal medico. La Venere Nera muore da sola, 

a 25 anni, in uno squallido appartamentino 

dove continua a ricevere i suoi clienti. Il suo 

corpo viene sezionato e fatto oggetto di studio 

dall’anatomista Georges Cuvier, che ne 

espone il calco agli studenti dell’Accademia 

Reale di Medicina di Parigi. 

Q 

ual è il sottile margine che separa 

la realtà dalla rappresentazione? 

E quale ancora è il confine 

(se vogliamo ancora più impercettibile) 

tra mercificazione del corpo e consapevolezza 

di essere l’oggetto della mercificazione? 

Se lo chiede il franco-tunisino Abdellatif 

Kechiche nel suo ultimo e passionale 

ritratto filmico di donna: Venus Noire 

(Venere Nera). 

La moderna “società dello spettacolo”, 

con la sua effimera ma spietata logica 

speculatoria, ha radici molto lontane. 

Già agli inizi dell’Ottocento – ci illustra il 

regista di Cous Cous – una donna, soltanto 

perché diversa fisicamente, “esotica”, 

e di colore, poteva essere usata 

come fenomeno da baraccone, essere 

data in pasto come una fiera selvatica 

da zoo al pubblico ludibrio, trasforman- 

33 

Operatori: Lubomir Bakchev, Sofian El Fani 

Arredatore: Olivia Bloch-Lainé 

Effetti speciali trucco: Nicolas Herlin, Frédéric Lainé, Pascal 

Larue 

Acconciature: Sebastián Deffontaines 

Supervisore effetti visivi: Stephane Bidault 

Suono: Nicolas Waschkowski 

Interpreti: Yahima Torrès (Saartjie Baartman), André Jacobs 

(Hendrick Caezar), Olivier Gourmet (Réaux), Elina Löwensohn 

(Jeanne), François Marthouret (Georges Cuvier), Michel Gionti 

(Jean-Baptiste Berré), Jean-Christophe Bouvet (Charles Mercailler), 

Jonathan Pienaar (Alexander Dunlop), Gilles Matheron 

(Théobald de Méry), Violaine Gillibert (Géraldine Rivière), 

Violaine de Carne (Diane de Méry), Philip Schurer (Peter Van 

Wageninge), Christian Prat (Monsieur Campanile), Olivier 

Loustau (capitano degli Ussari) 

Durata:159’ 

Metri: 4600 

dosi in vittima di odiosa discriminazione 

razziale. 

La toccante vicenda di Saartjie Baartman, 

così tristemente affine ai giorni nostri, 

appartiene a una verità storica di cui 

non tutti purtroppo sono a conoscenza. Ai 

tempi del colonialismo, questa giovane donna 

della tribù dei Khoikhoi dalle rotondità 

prorompenti e con una vagina di eccezionale 

fattezza, viene portata dal Sud Africa 

nella “civile” Europa per fare da serva a un 

crudele artista di strada con mire capitaliste. 

Dopo essere andata incontro a una 

squallida fine tra i postriboli parigini, non 

si sa se a causa di sifilide o di polmonite, 

nel 2002 le sue spoglie (esposte fino al 

1974 presso il Musée de l’Homme) sono 

state restituite al suo paese d’origine, su 

iniziativa di Nelson Mandela. 

La macchina da presa di Kechiche indugia 

volutamente sul corpo prominente 

della protagonista, sui suoi morbidi e burrosi 

particolari, con sequenze a tratti fin 

troppo dilatate, in cui movimenti e situazioni 

tendono a ripetersi in un morboso 

esercizio voyeuristico. 

L’eccessiva durata (pur essendo uscito 

in sala in una versione ridotta di circa 

10 minuti rispetto a quella originale di oltre 

due ore e mezzo) è senza dubbio l’handicap 

maggiore di questa ambiziosa pellicola 

sul fascino perverso dello sguardo 

che, forse, proprio per questo, è stata (ingiustamente) 

ignorata dai giurati della 

Mostra del Cinema di Venezia del 2010. 

Oltre ai borghesi libertini che affollano

i salotti per godere in prima fila dell’esibizione 

della Venere e per toccare con mano 

le sue forme, noi stessi diventiamo spettatori 

di un freak (peep)show in cui la dignità 

della donna finisce per essere irrisa e calpestata 

(ha il collo legato a una catena, è 

costretta a mettersi a quattro zampe e viene 

addirittura cavalcata). 

THIS MUST BE THE PLACE 

(This Must Be the Place) 

Italia/Francia/Irlanda, 2011 

Regia: Paolo Sorrentino 

Produzione: Francesca Cima, Andrea Occhipinti, Nicola Giuliano 

per Indigo Film/Lucky Red/Medusa Film/ARP Sélection/ 

Element Pictures/Pathé/Intesa San Paolo 



Soggetto e sceneggiatura: Paolo Sorrentino, Umberto 

Contarello 

Direttore della fotografia: Luca Bigazzi 

Montaggio: Cristiano Travaglioli 

Musiche: David Byrne, Will Oldham 

Scenografia: Stefania Cella 

Costumi: Karen Patch 

Produttori esecutivi: Ronald M. Bozman, Viola Prestieri 

Produttori associati: Carlotta Calori, Stefano Massenzi 

Co-produttori: Ed Guiney Laurent Pétin, Michèle Pétin, Andrew 

Lowe 

Direttori di produzione: Gennaro Formisano, Haley Sweet 

Casting: Maureen Hughes, Carrie Ray, Laura Rosenthal 

Aiuti regista: Davide Bertoni, Brinton Bryan, Daisy Cummins, 

Dave Halls, Anna Harrison, Kamen Velkovsky Operatori: 

Michael Alba, Ciaran Kavanagh 

Operatori Steadicam: Michael Alba, Alessandro Brambilla 

Art director: dooner 


Se da una parte quindi si instaura un 

regime visivo di puro piacere erotico (durante 

le pratiche quasi sadomaso con tanto 

di simbolo fallico, i partecipanti alle feste 

si eccitano a vicenda lasciandosi andare 

ad atteggiamenti lascivi), dall’altra si 

innesca una dinamica di partecipazionecompassione 

per le sorti del “mostro”, i cui 

34 

occhi rassegnati e gonfi di lacrime trattenute 

parlano da soli negli insistiti primi e 

primissimi piani. 

La parabola della Baartman, efficacemente 

interpretata dall’esordiente cubana 

Yahima Torres, testimonia che non c’è fondo 

alla brutalità umana e alla miopia del 

pregiudizio. Ma con un fastidiosa ammissione 

di colpa – si potrebbe dire – anche 

alla (tacita) volontà di assoggettamento: 

forse perché non ha alternative, o perché 

crede che sia la cosa giusta per lei (?), sta 

di fatto che la donna di colore sceglie quella 

vita dissoluta e pornografica sino all’ultimo 

dei suoi giorni. 

E alla fine, si ritrova sul lettino dell’anatomista, 

disaminata con freddezza chirurgica, 

proprio come il trovatello tedesco Kaspar 

Hauser. Se però nel film di Herzog era 

il cervello l’organo da analizzare e conservare 

nell’ampolla, qui invece è l’apparato 

genitale il simbolo della “diversità”, della 

straordinarietà. Entrambe questi personaggi-martiri 

sono l’emblema di un’alienazione 

senza via d’uscita, prodotta da secoli di 

presunta civilizzazione, che hanno sacrificato 

libertà e conquiste sociali in nome del 

progresso scientifico. 


Arredatore: Roya Parivar 

Trucco: Luisa Abel, Amber Crowe, Jessica Y. Hernandez, Jay 

Wejebe 

Acconciature: Eileen Buggy, Clifton Chippewa, Elizabeth Cortez, 

Lora Gianino, Diana Sikes, Jose Zamora 

Supervisore effetti speciali: Russell Tyrrell 

Supervisori effetti visivi: Stefano Marinoni, Rodolfo Migliari 

Coordinatore effetti visivi: Federica Nisi 

Supervisori costumi: Suzy Freeman, Heidi Higginbotham 

Interpreti: Sean Penn (Cheyenne), Frances McDormand 

(Jane), Judd Hirsch (Mordecai Midler), Eve Hewson (Mary), 

Kerry Condon (Rachel), Harry Dean Stanton (Robert Plath), 

Joyce Van Patten (Dorothy Shore), Olwen Fouere (madre di 

Mary), Shea Whigham (Ernie Ray), Liron Levo (Richard), Simon 

Delaney (Jeffery), Heinz Lieven (Aloise Lange), Seth 

Adkins (Jimmy), Peter Carey (impiegato di Saks), Bern Cohen 

(Rabbi Cohen), Tim Craiger (cowboy all’aereoporto), Nancy 

Doetsch, Kef Lee (partecipanti al concerto), Grant Goodman 

(Tommy), Robert Herrick (uomo d’affari all’aereoporto), Julia 

Ho (donna in ascensore), Sam Keeley (Desmond), Madge 

Levinson (Jackie),David Byrne, Sarah Carroll, Ron Coden, 

Davis Gloff, Kris Graverson, Jann Hight, Sarab Kamoo 


Metri: 3260

D 

ublino. Cheyenne è un ex rockstar 

di successo che non riesce a 

liberarsi del suo passato; infatti 

si veste, si trucca e si mette il rossetto 

come quando saliva sul palco. Giunto 

all’età di circa 50 anni, conduce una vita 

agiata e monotona assieme alla moglie 

Jane, alla quale è legatissimo, e gran parte 

del suo interesse è rivolto ai movimenti 

in borsa. È annoiato e crede di essere depresso. 

Trascorre le sue giornate giocando 

nella piscina vuota, tra supermercati e 

centri commerciali. Un giorno riceve una 

telefonata dove gli viene detto che il padre, 

con il quale ha interrotto i rapporti da 

30 anni, sta morendo. Parte così in nave e 

arriva a New York ma quando giunge sul 

posto, è già deceduto. Attraverso la lettura 

dei suoi diari viene a conoscenza che 

l’uomo aveva dedicato gran parte della sua 

vita alla ricerca di Aloise Lange, un criminale 

nazista che si è rifugiato negli Stati 

Uniti e che lo aveva umiliato in un campo 

di concentramento durante la seconda 

guerra mondiale. Decide allora di proseguire 

la missione del padre mettendosi alla 

ricerca di un uomo che potrebbe essere già 

morto. Per raggiungere il suo scopo, si 

serve dell’aiuto di Mordecai Midler, un 

facoltoso ebreo esperto nella caccia ai 

nazisti, anche se all’inizio i due non si intendono 

per niente. Nel corso del viaggio 

rivede il cantante David Byrne dopo aver 

assistito a un suo concerto, va a casa dell’anziana 

moglie di Lange che è stata professoressa 

di storia dicendole di essere un 

suo vecchio studente. Raggiunge poi Alomogordo, 

nel New Mexico e fa amicizia con 

Rachel, una ragazza che vive da sola col 

figlio. Poi si rimette in viaggio anche se 

deve fronteggiare l’imprevisto del pick-up 

che va a fuoco, imprestatogli da un ricco 

uomo d’affari. Giunge poi a Huntsville, 

nello Utah, dove s’imbatte in Robert Plath, 

l’uomo che ha inventato il trolley. In un 

motel, viene raggiunto da Mordecai e insieme 

riescono a ritrovare Lange che ora 

vive in una casa abbandonata in mezzo alla 

neve. Lì Cheyenne trova il modo di mettere 

in atto la sua vendetta costringendolo a 

girare nudo fuori, al gelo. Poi ritorna a 

casa. Senza più trucco, parrucca e rossetto. 

C’ 

è un salto improvviso tra passato 

e presente. Tra il cinema di 

Paolo Sorrentino da Le conseguenze 

dell’amore e Il divo fino a quest’ultimo 

This Must Be the Place. Ma, al tempo 

stesso, anche all’interno dello stesso film, 

tra Dublino e New York, il primo volontario 

luogo asettico e artificiale dove vive la rockstar 

Cheyenne. L’altro è il punto di partenza 

di un viaggio che si estende anche nel 


New Mexico e nello Utah, in cui lo sguardo 

del cineasta partenopeo non solo è 

costretto a confrontarsi ma proprio s’imbatte, 

come smarrito, nell’immaginario statunitense 

on the road con lo spazio prima 

quasi chiuso dai grattacieli e che poi invece 

si apre, dai riflessi del cielo e del deserto, 

sulla carrozzeria dell’auto alle stazioni 

di servizio, ai motel. Per arrivare allo splendido 

finale di un’opera in continua metamorfosi, 

che cambia pelle più volte, immagine 

del vecchio criminale nazista nudo 

sulla neve, che si sovrappone e s’impone 

a quelle dei campi di concentramento. O 

anche rovesciamento di Into the Wild dove 

Sean Penn, regista di quel film è diventato 

protagonista di questo. L’esperienza esistenziale 

al limite di Christopher McCandless 

di quel film si replica nel viaggio di 

Cheyenne alla ricerca di un punto di contatto 

col padre oltre la vita. Nel movimento 

fisico c’è la continua proiezione di un desiderio, 

ma anche un progressivo spogliarsi 

da se stessi che, nel caso del personaggio 

di Emile Hirsch in Into the Wild, 

avveniva nei confronti della sua estrazione 

sociale e della sua famiglia e qui invece 

dall’immagine fisica che l’ex-rockstar si 

è creato, fino all’immagine del suo volto 

finale che si è come liberato del peso della 

propria memoria, emozionante come nel 

volto di Marcello Mastroianni alla fine di 

Sostiene Pereira. 

Da Andreotti a Cheyenne. Il volto oltre 

il make-up. Come si riconosceva Toni 

Servillo in quello del protagonista in Il 

divo, così si riconosce Sean Penn nel 

personaggio principale di This Must Be 

the Place. Con le stesse esibite deformazioni, 

con accentuazione del respiro 

grottesco in una gestualità esasperata 

35 

ma anche disperata, materializzazione – 

come dice la moglie di Cheyenne – del 

confine tra noia e depressione. Il castello 

dove vive, con la cucina con la scritta 

e la piscina vuota, sono i segni di un tempo 

che si è fermato, proprio come la villa 

di Gloria Swanson in Viale del tramonto, 

spazio/tempo ancorati in un’epoca che 

non c’è più. Il cineasta gestisce This Must 

Be the Place con quello stile che segna 

la sua identità, tra passi rallentati, risate 

cariche di malessere, sguardi in macchina 

(quello di Cheyenne dopo aver ricevuto 

la telefonata del padre che sta morendo) 

e soprattutto quelli che si sentono 

addosso, come nelle soggettive nascoste 

nel fuori-campo e soprattutto in 

quelle dalla finestra. Servillo in Le conseguenze 

dell’amore guardava spesso 

verso l’esterno. Cheyenne in This Must 

Be the Place è guardato invece molte 

volte dall’esterno. Quello che è sempre 

stato il limite del cinema di Sorrentino è 

quello di esibire il suo indubbio talento 

cercando di controllare e, se serviva, 

anche manipolare, la vita dei suoi personaggi. 

Un rigore soffocante ben evidente 

nei compiaciuti ralenti di L’amico 

di famiglia e nei prolungati primi piani del 

sopravvalutatissimo Il divo. Qui, invece, 

quest’ultimo film gli sfugge da un controllo 

che vorrebbe essere assoluto ma 

a un certo punto non lo è più e il cinema 

di Sorrentino ha stavolta il coraggio di 

perdersi, impaurito e sedotto da un immaginario 

che lo inghiotte da cui emergono 

icone come Harry Dean Stanton – 

che arriva quasi tra Paris Texas e Una 

storia vera – nei panni di Robert Plath, 

l’uomo che ha inventato il trolley, oggetto 

essenziale che, in qualche modo, det-

ta la velocità di This Must Be the Place 

così come il tagliaerbe segnava quella 

del capolavoro di David Lynch. È sempre 

un cinema denso di dettagli quello di 

Sorrentino, da quello delle ruote alla bottiglia 

di birra gigante, oggetti che rappresentano 

come successivi ostacoli del 

percorso di Cheyenne prima di liberare 

totalmente lo spazio come avviene nel 

finale. Rispetto la filmografia precedente, 

l’ironia beffarda lascia il segno proprio 

nella sua istantaneità. E soprattutto 

THE CONSPIRATOR 

(The Conspirator) 


Regia: Robert Redford 

Produzione: Brian Falk, Bill Holderman, Robert Redford, Greg 

Shapiro, Robert Stone per The American Film Company/Wildwood 

Enterprises 



Soggetto: James D. Solomon, Gregory Bernstein 

Sceneggiatura: James D. Solomon 

Direttore della fotografia: Newton Thomas Sigel 

Montaggio: Craig McKay 

Musiche: Mark Isham 

Scenografia: Kalina Ivanov 

Costumi: Louise Frogley 

Produttori esecutivi: Joe Ricketts, Jeremiah Samuels, Webster 

Stone 

Co-produttore: James D. Solomon 

Direttore di produzione: Billy Badalato 

Casting: Avy Kaufman 

Aiuti regista: Richard Graves, Matt Rawls, Eric Sherman 

Operatori: Gregory Lundsgaard, Newton Thomas Sigel 

Operatore Steadicam: Gregory Lundsgaard 

Art director: Mark Garner 

Arredatore: Melissa M. Levander 

Trucco: John R. Bayless, Wendy Bell, Leo Corey Castellano, 

Theresa McCoy McDowell, Angela Rogers, Duane Saylor 

Acconciature:Deborah Ball,Gina Baran, Judith H. Bickerton, 

L 

a notte di Venerdì Santo del 1865, 

il presidente degli Stati Uniti 

d’America Abramo Lincoln si 

reca a uno spettacolo teatrale al Ford’s 

Theatre di Washington in compagnia della 

moglie Mary Todd. Durante la messa in 

scena della commedia musicale Our American 

Cousin, Lincoln viene ucciso con un 

colpo di rivoltella sparato dall’attore della 

Virginia John Wilkes Booth, al grido sudista 

di “Sic semper tyrannis!” (frase latina, 

traducibile con “Così sempre per i tiranni!”). 

Mentre l’esanime politico è trasportato 

in una casa adiacente al teatro e 

cade in uno stato di coma vegetativo per 

alcune ore prima di morire, il suo assassi- 


gli abbandoni sono finalmente autentici, 

con i momenti più alti presenti in tutto 

l’incontro della giovane donna col figlio 

nel New Mexico con un momento da brividi 

come quello in cui il ragazzino canta 

la canzone dei Talking Heads che dà il 

titolo al film o anche tutto il rapporto tra 

il protagonista e la moglie, con Frances 

McDormand perfetto doppio/contrario di 

Sean Penn, fatto anche di riti ripetuti ma 

soprattutto continui sguardi complici, 

come quello in cui lui la guarda lavorare. 

no riesce a dileguarsi in sella a un cavallo, 

nonostante si sia rotto una gamba gettandosi 

dal palco presidenziale. Al contrario 

di Booth, il cospiratore David Herold 

si rifiuta all’ultimo istante di togliere la vita 

al vice presidente Johnson. In seguito, Booth 

è individuato dall’esercito all’interno 

di un granaio, cui viene dato fuoco con 

delle torce. David Herold, George Atzerodt, 

Lewis Powell, Michael O’Laughlin, 

Samuel Arnold, il dottore Samuel Mudd e 

Edman Spangler sono arrestati e poi processati 

con l’accusa di cospirazione. Fra 

questi, è acciuffata pure una donna: tale 

Mary Surratt, proprietaria di una pensione 

dove i congiurati avevano macchinato 

36 

E ancora, non è più ossessionato dai propri 

tempi (compressi e dilatati) del racconto, 

come nello squarcio documentario 

musical dell’esibizione di David Byrne. 

Con L’uomo in più questo è il film migliore 

del regista, dove le zone d’ombra 

lasciano solo dei residui, dove lo stile non 

è essenzialmente forma(lismo) e in cui 

finalmente, anche nel cinema di Sorrentino, 

‘la parola amore esiste’. 


Susan Buffington, Gail Hensley, Patricia McAlhany Glasser, 

Evelyn Roach, Barbara Sanders, Betty Lou Skinner, Dawn 

Turner 

Supervisore effetti visivi: Tau Gerber (Catapult Reliance 

Mediaworks) 

Supervisore costumi: Richard Schoen 

Interpreti: James McAvoy (Frederick Aiken), Robin Wright 

(Mary Surratt), Kevin Kline (Edwin Stanton), Evan Rachel 

Wood (Anna Surratt), Tom Wilkinson (reverendo Johnson), 

Justin Long (Nicholas Baker), Danny Huston (Joseph Holt), 

James Badge Dale (William Hamilton), Colm Meaney (David 

Hunter), Alexis Bledel (Sarah Weston), Johnny Simmons 

(John Surratt), Toby Kebbell (John Wilkes Booth), Jonathan 

Groff (Louis Weichmann), Stephen Root (John Lloyd), John 

Cullum (giudice Wylie), Norman Reedus (Lewis Payne), John 

Michael Weatherly (George Atzerodt), Marcus Hester (David 

Herold), Chris Bauer (maggiore Smith), Jim True-Frost 

(Hartranft), Shea Whigham (capitano Cottingham), David 

Andrews (padre Walter), James Kirk Sparks (Edman Spangler), 

John Curran (generale Howe), Robert C. Treveiler (generale 

Harris), Brian F. Durkin (tenente), Cullen Moss (agente 

di Stanton), Jason Hatfield (Asa Trenchard), Kathleen 

Hogan (sig.ra Mountchessington), Gerald Bestrom (Abraham 

Lincoln) 


Metri: 3300 

il piano omicida e madre di John Surratt, 

ancora a piede libero. Nonostante la signora 

del Sud dichiari a gran voce la propria 

innocenza, anche lei dovrà sedere nel 

banco degli imputati in tribunale. A rappresentarla 

davanti alla corte è chiamato 

l’inesperto avvocato Frederick Allen, eroe 

di guerra e futuro marito dell’incantevole 

Catherine Morgan. Sin da subito, Frederick 

si dimostra alquanto scettico riguardo 

all’estraneità di Mary Surratt rispetto ai 

fatti, tuttavia è consigliato dal suo mentore 

Reverdy Johnson ad accettare il caso. 

Di parere completamente opposto, invece, 

sono la fidanzata e l’amico Nicholas Baker, 

che ha combattuto al suo fianco per il so-

gno di un paese finalmente unito. Nel frattempo, 

il treno con le spoglie mortali di 

Lincoln attraversa diversi stati degli USA. 

Con il passare dei giorni, i disaccordi 

tra l’accusata e il proprio legale non si 

decidono a cessare, quantunque Frederick 

ammiri inconsciamente la sensibilità e 

l’attaccamento alla fede cristiana palesato 

dalla donna dietro le sbarre. Il giovane 

difensore, però, si ricrede allorché percepisce 

il senso di vendetta a tutti costi che 

emana l’intero organo giudiziario e – in 

particolare – il pubblico ministero Joseph 

Holt. In verità, dietro a questo ultimo individuo 

è possibile percepire la “longa manus” 

del politico Edwin Stanton. In una 

seduta giudiziaria, un certo John Lloyd 

narra di come la signora Surratt si fosse 

recata il giorno prima del delitto Lincoln 

presso l’abitazione-taverna Lloyd, pregando 

il proprietario di nascondere da occhi 

indiscreti un quantitativo di armi e un po’ 

di whisky. Sempre in quell’occasione, la 

donna aveva posto nelle mani di Lloyd un 

pacchetto sigillato, contenente un piccolo 

binocolo. A dire dell’oste, qualche ora più 

tardi passarono degli uomini a ritirare siffatto 

quantitativo di merce. Il racconto reso 

volontariamente da Lloyd alla magistratura 

è poi avvalorato da Louis Weichmann 

che – secondo la versione ufficiale – si sarebbe 

aggregato alla vedova Surratt in simile 

occasione. La corte di giustizia sembra 

dare un peso rilevante sia alle affermazioni 

di Lloyd, sia a quelle di Weichmann, 

sebbene il primo abbia la fama di 

alcolista e il secondo risulti un personaggio 

piuttosto ambiguo. A nulla valgono 

neppure le parole di Anna Surratt (figlia 

di Mary), chiamata in qualità di test dalla 

difesa. All’avvocato Allen non rimane altro 

che scaricare tutte le colpe su John 

Surratt, al fine di salvare dalla forca la 

genitrice del giovane corriere della Confederazione. 

Sapendo che il prete con cui 

si confida Mary è a conoscenza del rifugio 

di John, Frederick esorta il sacerdote affinché 

il pastore persuada il ragazzo a tornare 

a Washington. Per non perdere altro 

tempo prezioso, il protagonista cerca di 

ottenere un nuovo appello per la Surratt, 

quando ormai il verdetto è stato proclamato. 

All’inizio, il legale la spunta; ma, 

successivamente, la sentenza di colpevolezza 

presa in precedenza è dichiarata 

inappellabile. Nell’estate del 1865 Mary 

Surratt, David Herold, Lewis Paine e George 

Atzerodt sono condannati a morte tramite 

impiccagione. Al Dott. Mudd, Samuel 

Arnold e Michael O’Lauglin spetta invece 

l’ergastolo. Due anni dopo il processo, 

John Surratt viene bloccato dalle forze 

dell’ordine e spedito in gattabuia. Il fato 


si dimostra particolarmente propizio per 

John, dal momento che la corte civile prende 

la decisione di rimetterlo in libertà per 

mancanza di prove. Dalle didascalie finali, 

il pubblico viene a conoscenza del fatto 

che Frederick abbandona il suo posto di 

lavoro come avvocato per divenire giornalista 

del quotidiano «Washington Post». 

I 

l conflitto che vide impegnati in lotta 

fra loro gli Stati del Nord e quelli del 

Sud dell’America settentrionale fu 

senza dubbio la prima guerra totale dei 

nostri tempi: la prima che avesse coinvolto 

così a lungo la società civile di un grande 

paese moderno, la prima in cui fossero 

stati utilizzati sistematicamente i nuovi 

mezzi offerti dallo sviluppo tecnologico e 

industriale, come il telegrafo, la ferrovia, 

ma anche armi a lunga gittata come i fucili 

di precisione, le mitragliatrici, le navi 

corazzate e i primi sommergibili. La guerra 

durò ben quattro anni, vide impegnati 

nelle operazioni belliche circa tre milioni 

di uomini e costò l’altissimo prezzo di oltre 

600.000 vite umane. La Guerra Civile 

americana vide pure l’ingresso delle donne 

sia sul campo di battaglia sia in politica. 

Molti rappresentanti del gentil sesso 

si spacciarono per uomini e andarono a 

combattere al fronte, spinte da un impeto 

patriottico oppure per seguire il marito. 

Alcune di loro furono addirittura delle spie. 

Chi andò sul campo di battaglia, quindi, 

non furono più solo i boys, ma anche le 

girls. Per questo motivo, la propaganda 

sudista descriveva le donne del nord 

come dure e poco femminili. Dal canto 

loro, i nordisti guardavano al sud come a 

una terra del peccato, capace di generare 

esseri femminili della stregua di Mary 

37 

Surratt: la prima donna a essere impiccata 

dal Governo Federale dei neonati Stati 

Uniti d’America. 

L’ultima fatica di Robert Redford si può 

leggere altresì come un attacco fortissimo 

al potere maschile, totalmente incapace di 

governare una nazione ai suoi primi vagiti 

di vita. Il segno rosso del coraggio traspare 

nella figura del protagonista, che nella 

difesa della sua assistita, mai si abbandona 

a un moto di codardia, tanto da scegliere 

di gettare nel fango gli ideali per cui 

ha valorosamente combattuto pur di non 

alienarsi la simpatia della cerchia dei propri 

conoscenti. Frederick Allen non è altro, 

perciò, che una sorta di alter ego dei due 

cronisti d’assalto Carl Bernstein e Bob 

Woodward del cult Tutti gli uomini del presidente 

di Alan J. Pakula: non a caso, quando 

Allen deciderà di congedarsi dalla carriera 

legale, sceglierà come sua futura professione 

quella di giornalista al «Washington 

Post». 

Quantunque il lungometraggio del regista 

che “sussurrava ai cavalli” non sia un 

vero e proprio courtroom drama ( infatti, 

non è completamente ambientato all’interno 

di un’aula di tribunale), le arringhe tintillano 

a lungo nella mente dello spettatore 

per la loro solenne epicità. Nel finale, 

poi, il settantaquattrenne regista d’idee 

progressiste fa sì che il climax della pellicola 

si avvicini allo zenit e che il tono di 

fondo di The conspirator si mantenga alto: 

un po’ come in certi grandi film del passato, 

che oramai Hollywood da anni non produce 

quasi più. L’ossatura estetica del film 

poggia, invece, sull’eccellente fotografia di 

Newton Thomas Sigel, un tempo pittore e 

regista sperimentale al Whitney Museum 

di New York City.

Con un budget di circa venti milioni 

di dollari, nel 2009 Redford ha iniziato in 

Georgia le riprese di The conspirator, riprendendo 

un certo discorso critico sul 

livello di degenerazione raggiunto dal 

suo Paese, iniziato nel precedente Leoni 

per agnelli. Da simili premesse parte 

anche il thriller The company you keep 

di Redford con il giovane divo di Transformers 

Shia LaBeouf. Essendo fondamentalmente 

un film a tesi, basato sul- 

BENVENUTI A CEDAR RAPIDS 

(Cedar Rapids) 


Regia: Miguel Arteta 

Produzione: Jim Burke, Alexander Payne, Jim Taylor per Ad 

Hominem Enterprises 

Distribuzione: 20th Century Fox 


Soggetto e sceneggiatura: Phillip Johnston 

Direttore della fotografia: Chuy Chávez 

Montaggio: Eric Kissack 

Musiche: Christophe Beck 

Scenografia: Doug J. Meerdink 

Costumi: Hope Hanafin 

Produttore esecutivo: Ed Helms 

Co-produttore: Brian Bell 

Direttore di produzione: Brian Bell 

Casting: Joanna Colbert, Richard Mento, Meredith Tucker 

Aiuti regista: Scott August, Richard L. Fox, Sebastian Mazzola 

Operatori: Lawrence Karman, Ted Lichtenheld, William Eichler 

Operatore Steadicam: Lawrence Karman 

Art director: Rob Simons 

Arredatore: Jeanette Scott 

Trucco: Roz Music, Sherri Zebeck, Mary Burton, Kimberly Jones, 

Vicki Vacca 

T 

im Lippe è un timido e ingenuo 

venditore di polizze assicurative 

dipendente della Brown Star Insurance 

che vive da sempre nella cittadina 

di Brown Valley nel Wisconsin. Impacciato 

e infantile, intrattiene una relazione con 

la sua ex insegnante Macy Vanderhei, suo 

unico svago in una vita monotona a tranquilla. 

Ma l’improvvisa morte del suo collega 

Roger Lemke lo mette di fronte a 

un’emergenza: deve sostituirlo all’annuale 

convention delle società di assicurazioni 

che si tiene a Cedar Rapids nello Iowa, 

dove viene assegnato il Premio “Two Diamonds” 

per il miglior venditore. Compito 

di Tim sarà di convincere il capo della convention 

Orin Helgesson che la Brown Star 

merita anche quest’anno il riconoscimento. 

Tim è intimorito dalla missione, dal suo 

primo volo in aereo, dall’albergo che ha 

un’enorme piscina nella hall e utilizza car- 


l’intenzione di voler dimostrare determinati 

enunciati ideologici, la seguente 

pellicola non è stata affatto un successo 

commerciale in patria. 

In The conspirator si può osservare un 

cast artistico di tutto rispetto, con grandi 

attori nel ruolo di comprimari e personaggi 

di contorno come Justin Long, Evan 

Rachel Wood, Tom Wilkinson, Kevin Kline 

e Toby Kebbell. Lo scozzese James McAvoy 

– ora al cinema anche nelle vesti del 

te magnetiche come chiavi e soprattutto 

dagli altri colleghi più smaliziati di lui. Il 

suo capo Bill lo mette in guardia da Dean 

Ziegler, collega di una compagnia concorrente 

dai modi piuttosto volgari, incline all’alcool 

e alle belle donne. Ma Tim finisce 

in camera proprio con Ziegler e Ronald 

Wilkes. I due gli presentano l’affascinante 

Joan Ostrowski-Fox. Tim stringe amicizia 

con la bella collega: i due vincono una 

caccia al tesoro il cui primo premio consiste 

in una cena. Tim passa una bella serata 

e sembra vincere la timidezza cantando 

a un talent-show e ballando fino a tarda 

notte. Ubriaco, fa il bagno nudo nella piscina 

dell’hotel con Joan e finisce a letto 

con lei. Poco dopo, assalito dai sensi di 

colpa, telefona a Macy e le confessa di aver 

fatto sesso con un’altra donna. Poi chiede 

a Macy di sposarlo ma la donna rifiuta dicendo 

che è stata già sposata e di volersi 

38 

professor Charles Xavier in X-Men: l’inizio 

– mostra la giusta grinta per eccellere nel 

ruolo dell’avvocato alle prime armi Frederick 

Allen. Parimenti Robin Wright (ex signora 

Penn dimostra di essere un’attrice 

puro sangue, scoprendo quanto basta la 

fermezza di volontà e amore materno della 

Surratt sotto uno strato di apparente 

freddezza congenita. 

Maria Cristina Caponi 

Acconciature: Kristin Berge, Dena Fayne, Kevin J Edwards, 

Joy Zapata 

Coordinatore effetti speciali: Larz Anderson 

Supervisore effetti visivi: Scott M. Davids (Level 256) 

Supervisore costumi: Carlane Passman 

Supervisore musiche: Margaret Yen 

Interpreti: Ed Helms (Tim Lippe), John C. Reilly (Dean Ziegler), 

Anne Heche (Joan Ostrowski-Fox), Isiah Whitlock Jr. 

(Ronald Wilkes), Stephen Root (Bill Krogstad), Kurtwood 

Smith (Orin Helgesson), Alia Shawkat (Bree), Thomas Lennon 

(Roger Lemke), Rob Corddry (Gary), Mike O’Malley 

(Mike Pyle), Sigourney Weaver (Macy Vanderhei), Inga R. 

Wilson (Gwen Lemke), Mike Birbiglia (Trent), Seth Morris 

(zio Ken), Chris DiAngelo (Kurt Gambsky), Lindsey Alexandra 

Hartley (Pam Gambsky), Welker White (Dione Krogstad), 

John Djurovski (barista), Tracey Maloney (assistente 

di volo), Steve Blackwood (Lindy), Ken Wood (cameriere), 

Lise Lacasse (Lila), Christopher Lemon, Sudhi Rajagopal, 

Charlie Sanders, Craig Janos, Carl Harry Carlson, James 

Howard Carr 

Durata: 87’ 

Metri: 2360 

godere la sua libertà. Macy lo sprona a 

diventare adulto. Intanto Orin, che ha assistito 

alle bravate notturne di Tim, chiama 

Bill e lo informa. Il capo chiama Tim e 

lo minaccia di licenziarlo. Poco dopo, Joan 

riferisce a Tim che Roger, il suo collega 

della Brown Star che ha vinto il premio 

“Two Diamond” per tre anni di seguito, 

aveva corrotto Orin. Poi gli dice che Roger 

era un depravato e confessa di aver 

avuto una storia con lui. Tim informa Dean 

Ziegler che gli dà un consiglio: è necessario 

giocare allo stesso gioco di Orin. Poco 

dopo Tim va da Orin, che lo minaccia dicendogli 

che si è rovinato da solo con il 

suo comportamento scandaloso. Tim dice 

che ha i soldi per pagarlo e gli dà 1.500 

dollari. Orin abbocca convinto di aver trovato 

il successore di Roger. Tim si sfoga 

passando una notte brava con la prostituta 

Bree e si mette nei guai prendendo dro-

ga e finendo a una festa piena di gente poco 

raccomandabile. Ma viene salvato dai suoi 

amici. In hotel intanto sopraggiunge Bill 

che ha saputo che il premio è loro: vincere 

per quattro volte li ha resi appetibili sul 

mercato. Mike Pyle vuole rilevare la Brown 

Star, chiudere l’agenzia di Brown Valley e 

trasferire Tim nella filiale di Milwaukee. 

Mentre Mike fa il suo discorso alla premiazione, 

Tim interviene confessando aver 

pagato Orin per il premio. Bill va su tutte 

le furie, ma Tim dice che ha chiamato i 

clienti che non seguiranno la compagnia 

se cambierà proprietario: diciassette di 

loro hanno già detto che passeranno a essere 

suoi clienti se la compagnia sarà venduta. 

Tim riesce a salvare la compagnia e 

festeggia il successo con i suoi amici. Ora 

è davvero un eroe e sull’aereo merita una 

doppia dose di noccioline. 

C 

on quella faccia un po’ così ... 

certo, a guardarlo si pensa davvero, 

stiamo parlando di Ed Helms, 

nuovo volto ‘qualunque’ della commedia 

a stelle e strisce. 

Simpatia di rimando ci viene da pensare. 

Certo se i due film Una notte da leoni, 

dove Helms interpreta Stu, il tranquillo 

dentista coinvolto in deliranti avventure dai 

suoi amici più pazzi di lui, non avessero 

Danimarca/Francia, 2011 

Regia: Lars von Trier 

Produzione: Meta Louise Foldager, Louise Vesth per Zentropa 

Entertainments/Memfis Film/Zentropa International Sweden/Slot 

Machine/Liberator Productions/Zentropa International 

Köln/Film i Väst/Danmarks Radio/Arte France Cinéma 

Distribuzione: Bim 


Soggetto e sceneggiatura: Lars von Trier 

Direttore della fotografia: Manuel Alberto Claro 

Montaggio: Morten Højbjerg, Molly Marlene Stensgaard 

Scenografia: Jette Lehmann 

Costumi: Manon Rasmussen 

Produttori esecutivi: Peter Garde, Peter Aalbæk Jensen 

Co-produttori: Bettina Brokemper, Rémi Burah, Madeleine 

Ekman, Tomas Eskilsson, Lars Jönsson, Marianne Slot 

Line producer: Marianne Jul Hansen 

Direttori di produzione: Jessica Balac, Maj-Britt Paulmann 

Aiuti regista: Jonas Eskilsson, Pontus Klänge, Anders Refn, 

James Velasquez 

P 

MELANCHOLIA 

(Melancholia) 

arte I: Justine. Justine e Michael, 

appena sposati, si presentano 

con due ore di ritardo al ricevimento 

di nozze, organizzato dalla sorella 


ottenuto il successo che hanno avuto, Benvenuti 

a Cedar Rapids magari non sarebbe 

neanche arrivato da noi. Lo dimostra il 

fatto che ha avuto una distribuzione ‘defilata’ 

in piena stagione estiva. 

Helms veste i panni di un eroe di pastafrolla, 

a metà strada tra Candido e Peter 

Pan, un ‘bambinone’ mai cresciuto e ancora 

‘vergine’, cullato dai ritmi sonnolenti e 

tranquilli di una piccola città di provincia 

americana. Il classico uomo regolare che 

assaggia la trasgressione. Un personaggio 

un po’ alla Jack Lemmon di L’appartamento, 

ma con molte sfumature in meno. 

Benvenuti a Cedar Rapids è una commediola 

che scorre piacevole infarcita di 

una comicità a tratti un po’ demenziale e 

ripetitiva. Lo schema non nuovo dei quattro 

amici che si fanno trascinare dalla baldoria 

di una notte può richiamate alla mente 

le ‘notti da leoni’ appena trascorse ma 

in versione molto più ingenua. Il nostro timido 

assicuratore si lascia prendere dalla 

goliardia dei colleghi più svegli di lui ma 

tiene fede al suo personaggio. Fa il bagno 

nudo in piscina, partecipa a un ‘drug party’ 

e fa sesso con una collega sposata; ma 

poi si pente e piagnucola. Insomma per la 

prima metà del film, uno Stu(pido) molto 

‘più Stu’ di quello delle sue notti ‘leonine’. 

Salvo poi salvarsi nella seconda parte, re- 

Claire e dal cognato in lussuoso maniero 

in Svezia. Appena arrivata, la ragazza 

apprende dal suo capo di essere stata 

promossa da copywriter ad art director 

39 

cuperando molto terreno e un po’ di malizia 

(ma a fin di bene), trovando il coraggio 

di opporsi ai ‘soliti’ superiori disonesti. 

A fare da spalla al protagonista, svetta 

John C. Reilly, perfetto nel ruolo del collega 

assicuratore volgarotto, ennesima prova 

convincente di un attore che meriterebbe 

davvero di entrare a pieno titolo nell’olimpo 

delle star (vedere la sua cristallina prova di 

attore drammatico nell’ottimo Carnage di 

Polanski). Nei panni della collega sposata 

in cerca di avventure extraconiugali ritroviamo 

Anne Heche (recentemente in TV con 

la serie “Hung”), mentre nel ruolo dell’altro 

compagno di bravate c’è Isiah Whitlock jr. 

(interprete della serie “The Wire”, citata 

espressamente dal suo personaggio che, 

in una divertente sequenza, se ne dichiara 

fan accanito). Piccolo ruolo per l’altera Sigourney 

Weaver. 

Diretto da Miguel Arteta (The Good Girl 

del 2002), il film è un divertimento leggero 

e senza sorprese dallo svolgimento banale 

e dal finale buonista che dispensa la 

solita morale facile facile (a onor del vero, 

però, qualche gag strappa il sorriso). 

Buono per una serata scacciapensieri. 

Ma non chiedete di più a un timido assicuratore 

di provincia. 

Elena Bartoni 

Operatori: Peter Hjorth, Luca Oltenau 

Art director: Simone Grau 

Arredatore: Louise Drake 

Trucco: Linda Boije af Gennäs, Camilla Eriksson, Dennis Knudsen 

Acconciature: Linda Boije af Gennäs, Camilla Eriksson, Dennis 

Knudsen 

Supervisore effetti speciali: Hummer Høimark 

Supervisori effetti visivi: Sven Martin (Pixomondo), Benni 

Diez (Kingz Entertainment), Peter Hjorth 

Coordinatori effetti visivi: Franzi Puppe (Pixomondo), 

Malin Persson 

Interpreti: Kirsten Dunst (Justine), Charlotte Gainsbourg (Claire), 

Kiefer Sutherland (John), Charlotte Rampling (Gaby), John 

Hurt (Dexter), Alexander Skarsgård (Michael), Stellan Skarsgård 

(Jack), Brady Corbet (Tim), Udo Kier (organizzatore di 

matrimoni), Deborah Fronko (madre di Michael), Cameron 

Spurr (Leo), Jesper Christensen, Brady Corbet 


Metri: 3600 

della società pubblicitaria dove è impiegata. 

Ma, durante i festeggiamenti, inizia a 

farsi sentire la tensione, in particolare fra

i genitori della sposa: la madre, “allergica” 

ai matrimoni, non sopporta l’atteggiamento 

infantile del marito che si intrattiene 

senza vergogna con le altre invitate. 

Justine, che appare apatica e a disagio, 

comincia ad assentarsi: prima si aggira per 

il campo da golf del cognato, poi si addormenta 

sul letto del nipotino, infine, si concede 

un rilassante bagno. Confusa e stordita, 

va della madre a chiedere aiuto, ma la 

donna la caccia via brutalmente. 

Invece di trascorre la prima notte assieme 

al marito, lo abbandona da solo in 

camera. Preferisce avere un rapporto occasionale 

in giardino col nipote del suo 

datore di lavoro, che la perseguita nel tentativo 

di estorcerle lo slogan della nuova 

campagna. Poco dopo, manda tutto in malora 

insultando il suo capo e, alla fine, dando 

il benservito anche al marito. 

Parte II: Claire. Claire porta la sorella 

malata di depressione a vivere a casa 

sua per prendersi cura di lei. Intanto la 

donna chiede informazioni al marito riguardo 

al pianeta Melancholia, che di lì a 

cinque giorni dovrebbe colpire la Terra. 

L’uomo però la rassicura. Quando osservano 

col telescopio il suo passaggio, in 

effetti la moglie pare convincersi che le sue 

paure sono infondate. 

La situazione però precipita quando trova 

morto il marito nella stalla. Accortasi 

che il pianeta si sta avvicinando sempre di 

più alla Terra, Claire cerca di mettersi in salvo 

scappando col figlio in direzione del villaggio. 

Ma presto è costretta a tornare indietro. 

A questo punto, lei, la sorella ed il 

bambino scelgono di rifugiarsi in una capanna 

costruita con bastoni di legno e di tenersi 

per mano, in attesa del tragico impatto. 

L’ 

ipocondriaco Lars Von Trier non 

è certo nuovo a incursioni nei territori 

della malattia, del dolore o 


della menomazione fisica: pensiamo agli 

strazianti Le onde del destino e Dancer in 

the dark, premiati entrambi a Cannes. Eppure, 

chi ha pensato che con Antichrist 

(2009) avesse toccato gli abissi del proprio 

inconscio disturbato, dovrà ricredersi 

dopo aver visto Melancholia. 

Il peccato, la carne, la morte ed il Male, 

simboleggiati da un grande albero che avvinghia 

le anime con le sue infinite ramificazioni, 

come in un’infernale selva dantesca, 

nel precedente film scandalizzò non 

poco il pubblico. Soprattutto per le scene 

di “castrazione” che si infliggono i coniugi 

Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg. 

E sono diversi i punti di contatto con 

la nuova pellicola. A partire dalla musa 

Gainsbourg (l’ennesima di una folta lista 

di attrici che si sono “masochisticamente” 

prestate alla follia di Von Trier), scelta 

questa volta per interpretare la sorella 

della protagonista, Claire. Un personaggio 

apparentemente sicuro di sé, ma che 

tradisce tutta la sua fragilità quando si 

rende conto della minaccia rappresentata 

da Melancholia, pianeta fratello di Saturno. 

Anche qui deve confrontare i propri 

timori e istinti con le certezze scientifiche 

del marito. 

Oltre alla tradizionale divisione in capitoli, 

c’è un altro aspetto in comune: il 

prologo con ouverture. Una sequenza al 

ralenty di immagini di grande impatto, accompagnate 

dalle musiche del Tristano e 

Isotta di Wagner (dalla sposa che attraversa 

il prato con i piedi avvolti da gomitoli 

di lana, alla disperata sorella col figlio 

in braccio impantanata nell’erba, passando 

per l’immensità del cosmo in omaggio 

a Solaris di Tarkovskij e 2001: Odissea 

nello spazio), ricorda infatti l’inizio di Antichrist. 

Diciamo subito che il catastrofismo di 

Melancholia riflette il profondo disagio esi- 

40 

stenziale del suo autore. E a portarne i 

segni in scena è la bravissima Kirsten 

Dunst, cupa come non mai, che, con questa 

interpretazione, ha fatto centro a Cannes 

conquistandosi la Palma d’Oro. Justine 

è una stupenda creatura, insofferente 

alla vita e alle regole, che si sforza di mostrarsi 

a tutti sorridente, mentre qualcosa 

di misterioso la logora dentro. Vive sotto 

l’influenza di questo pianeta nascosto dietro 

al Sole, quasi fosse stregata dalla sua 

vista, posseduta dalla sua energia. 

Non a caso, è l’unica a non rimanere 

impressionata negativamente dal passaggio 

di Melancholia vicino alla Terra: mentre 

la sorella si dimostra terrorizzata al 

punto da accusare un mancamento d’aria, 

lei, al contrario, è ammirata dinnanzi a 

quella visione spettacolare. 

Se la prima parte del film è piuttosto 

chiara nel presentare le dinamiche malate 

e non prive di ironia, di cui sono protagonisti, 

in stile Festen, i parenti-serpenti (il 

padre immaturo John Hurt, la cinica madre 

Charlotte Rampling e, ancora, il cognato 

irascibile Kiefer Sutherland), la seconda 

parte del film è un angosciante approssimarsi 

alla Fine. 

Con una Dunst sempre più in balia 

delle sue turbe psichiche che, al pari di 

altre sfortunate eroine dell’autore, sembra 

portare sulle proprie spalle tutto il 

peso del mondo. Quando un sinistro silenzio 

irrompe in questo incantevole paradiso 

scandinavo (anche i cavalli nelle 

stalle tacciono... ), non rimane altro che 

aspettare il momento della collisione. Con 

tragica serenità. 

Non sappiamo se il “volpone” danese 

abbia voluto cavalcare la moda catastrofista 

che da tempo viene rilanciata dalla rete. 

Certo è che quella sequenza finale, in cui 

assistiamo impotenti alla nostra estinzione 

(davanti a noi una gigantesca palla luminescente 

aumenta sempre più di volume, 

fino a travolgere e a polverizzare tutto), 

non può lasciare indifferenti. 

Von Trier realizza un’opera sulla paranoia 

dell’apocalisse che trasmette ansia e 

claustrofobia come se ne ricordano poche: 

se è vero che Melancholia sottrae atmosfera 

quando lambisce il nostro pianeta, 

anche il regista ha il potere di togliere man 

mano ossigeno a ogni inquadratura. Una 

“punizione” fin troppo dura per lo spettatore, 

che ha comunque il privilegio di poter 

godere di alcuni momenti di cinema molto 

forti, tra primi piani stranianti della Dunst e 

inquadrature rallentate naturaliste che hanno 

l’antico fascino della pittura preraffaellita. 

Diego Mondella

DRIVE 

(Drive) 


Regia: Nicolas Winding Refn 

Produzione: Michel Litvak, John Palermo, Marc Platt, Gigi Pritzker, 

Adam Siegel per Bold Films/Odd Lot Entertainment/ 

Drive Film Holdings/Marc Platt Productions/Seed Productions 



Soggetto: tratto dal romanzo omonimo di James Sallis 

Sceneggiatura: Hossein Amini 

Direttore della fotografia: Newton Thomas Sigel 

Montaggio: Matthew Newman 

Musiche: Cliff Martinez 

Scenografia: Beth Mickle 

Costumi: Erin Benach 

Produttori esecutivi: David Lancaster, Bill Lischak, Linda 

McDonough, Jeffrey Stott, Gary Michael Walters 

Co-produttori: Frank Capra III, Garrick Dion, James Smith 

Direttore di produzione: Jim Behnke 

Casting: Mindy Marin 

Aiuti regista: Dieter ‘Dietman’ Busch, Frank Capra III, Mark 

Carter, Ronan O’Connor 

Operatori: Greg Baldi, Gregory Lundsgaard, Newton Thomas 

Sigel 

Operatore Steadicam: Gregory Lundsgaard 

Art director: Christopher Tandon 

D 

river è un giovane silenzioso che 

lavora come meccanico collaudatore 

nell’officina di Shannon dove 

anni prima è capitato senza passato né 

identità alcuna. Per Shannon lavora anche 

come stuntman, con ottimi risultati, 

nelle produzioni cinematografiche in cui 

serve qualcuno che sappia pilotare veicoli 

nelle situazioni più difficili e spettacolari. 

La notte, poi, driver arrotonda la paga guidando 

automobili truccate al servizio di 

rapinatori che abbiano bisogno di un autista 

che li faccia scappare alla svelta: insomma 

guidare è davvero il suo mestiere. 

Il giovane conosce Irene che vive con 

il piccolo Benicio proprio nell’appartamento 

accanto al suo; lei è sola ma ha il 

marito, Standard che sta per uscire dalla 

galera. Driver sta vicino alla giovane e 

presto se ne innamora e aiuta il bambino 

in questo periodo senza padre. Non appena 

questi esce è pestato dagli uomini della 

mafia che lo hanno protetto in galera e che 

reclamano la restituzione del debito, i cui 

interessi aumentano giorno per giorno a 

cifre esponenziali. Standard è così costretto 

a rapinare un banco di pegni per chiudere 

il conto definitivamente; Driver si offre 

di aiutarlo risolvendo la parte automobilistica 

con relativa fuga. Il malloppo (un 

milione di dollari) è presto in macchina ma 

Standard resta sul terreno, crivellato di 


colpi dal gestore del banco; Driver riesce 

a fuggire. 

In realtà, il colpo era una trappola che 

serviva a incastrare un investitore venuto 

da fuori che voleva mettersi in affari con 

le famiglie mafiose: la morte di Standard 

era nel conto, non che i soldi sparissero 

con Driver. L’imbroglio è stato organizzato 

da Bernie, vecchio socio in affari di 

Shannon e da Nino, suo amico mafioso. I 

due gangster, per rimettere a posto le cose 

e rientrare in possesso del denaro danno 

inizio alla carneficina: Shannon che sta 

per fuggire è il primo a essere ucciso a 

colpi di rasoio mentre Driver si libera di 

Nino e fa fuggire Irene con Benicio ipotizzando 

un futuro per tutti e tre; non ci 

sarà, invece, nulla per nessuno. Driver e 

Bernie si affrontano in un parcheggio a 

colpi di pugnale, Bernie è al suolo, Driver, 

coperto di sangue, lascia il posto alla 

guida della sua macchina, presumibilmente 

verso il nulla; Irene bussa inutilmente 

alla sua porta. 

È 

in una bolla priva d’aria che vive 

il nostro protagonista, il biondino 

silenzioso con il giubbotto d’argento 

(diventato ormai un cult un po’ dappertutto), 

forse è meglio dire una specie di 

vuoto pneumonico in cui si è rinchiuso da 

solo, così ipotizziamo, in un periodo pre- 

41 

Arredatore: Lisa K. Sessions 

Trucco: Gerald Quist 

Acconciature: Medusah 

Coordinatore effetti speciali: James Lorimer 

Supervisori effetti visivi: Dottie Starling (Wildfire VFX), 

Jerry Spivack 

Coordinatore effetti visivi: Elbert Irving IV (Wildfire VFX) 

Supervisore costumi: Jean Rosone 

Supervisori musiche: Eric Craig, Brian McNelis 

Interpreti: Ryan Gosling (Driver), Carey Mulligan (Irene), Bryan 

Cranston (Shannon), Albert Brooks (Bernie Rose), Oscar 

Isaac (Standard), Christina Hendricks (Blanche), Ron Perlman 

(Nino), Kaden Leos (Benicio), James Biberi (cuoco), Russ 

Tamblyn (Doc), Joe Bucaro III (chauffeur), Tiara Parker (Cindy), 

Tim Trella, Jim Hart (cecchini), Tina Huang (cameriera), 

Andy San Dimas (spogliarellista), Craig Baxley Jr., Kenny Richards 

(uomini mascherati), Joe Pingue, Dieter ‘Dietman’ Busch 

(aiuto regista), Chris Muto (Jack), Rachel Belle (conduttore 

notiziario), Cesar Garcia (cameriere), Steve Knoll (star 

del film), Mara LaFontaine (fidanzata della star del film), Teonee 

Thrash (agente di polizia), Jeff Wolfe, John Pyper-Ferguson 


Metri: 2630 

cedente alla storia raccontata nel film. Naturalmente 

è un’ipotesi perchè nulla è specificato 

del passato del protagonista a sostegno 

di quanto detto, né se qualcosa o 

qualcuno gli abbia così scarnificato i sentimenti 

dall’anima da fargli preferire un’esistenza 

priva di slanci e di azione (nonostante 

tutte le azioni ad alta velocità che 

appartengono alle sue giornate), una sorta 

di “non vita”. È straordinario nel lavoro 

di officina ma, come apprendiamo nel corso 

del film è pagato al di sotto del suo reale 

valore; è disposto ad accettare le più 

pericolose peripezie di stuntman senza 

battere ciglio; guida la macchina come un 

dio ma non ne possiede una; quando la 

vita lo fa sbattere contro la possibilità di 

un sentimento, questo è espresso nella 

stessa maniera, in un’ambigua, incompiuta 

frustrazione così forte e avvolgente che 

per risolverla il nostro eroe mette in moto 

un meccanismo di sangue e di morte che 

può sfociare solo nel disastro. È a questo 

punto infatti che Driver accende quella violenza 

che, in qualche modo, gli appartiene 

(di qui la nostra ipotesi dell’inizio) e che, 

lungamente rimossa o addomesticata, può 

finalmente dare libero corso a una espressione 

così parossistica e ossessiva da far 

pensare sia stata, un tempo, motivata: “ho 

tentato, per difendermi, di vivere una non 

vita dentro un vuoto, ma non ce l’ho fatta

perchè l’unico modo che possa permettermi 

di toccare la realtà è una violenza cieca 

che non risparmia nessuno, tantomeno 

me stesso”. 

L’attore canadese Ryan Gosling e il 

regista danese Nicolas Winding Refn si 

sono reciprocamente voluti, come folgorati 

sulla via di Damasco, per realizzare 

questo film ricco di pathos e denso di una 

forza creativa ben visibile: nelle scene 

d’azione, nella raffinatezza e nella precisione 

delle atmosfere e degli ambienti 

descritti, nella sensibile padronanza con 

cui entrambi ci presentano uno stato pro- 

TERRAFERMA 

Italia, 2011 

Regia: Emanuele Crialese 

Produzione: Marco Chimenz, Fabio Conversi, Giovanni Stabilini, 

Riccardo Tozzi per Cattleya/Babe Film/France 2 Cinéma/ 

Rai Cinema/Canal+/CinéCinéma 

Distribuzione: Rai Cinema/01 Distribution 


Soggetto: Emanuele Crialese 

Sceneggiatura: Emanuele Crialese, Vittorio Moroni 

Direttore della fotografia: Fabio Cianchetti 

Montaggio: Simona Paggi 

Musiche: Franco Piersanti 

Scenografia: Paolo Bonfini 

Costumi: Eva Coen 

Produttore esecutivo: Matteo De Laurentiis 

Produttore associato: Fabio Massimo Cacciatori 

S 

ull’isola di Linosa, Filippo è un 

ragazzo diviso tra l’istinto a continuare 

il mestiere di pescatore 

del padre (defunto) e del nonno (ancora 

caparbiamente attivo nonostante le difficoltà 

economiche) e il desiderio di una vita 

“moderna”, come quella di zio Nino, che 

con la sua barca e il suo stabilimento è 

pronto a compiacere il turismo di massa, 

offrendo ai vacanzieri musica, gite e una 

spiaggia dotata di ogni comfort. Nel mezzo, 

Giulietta, madre di Filippo, che sogna 

di cambiare un destino che appare segnato 

e lasciare l’isola, per offrire un futuro 

migliore al figlio e anche a se stessa. 

Desiderando mettere i soldi da parte 

per andare sul continente, Giulietta decide 

di affittare la casa ai turisti per l’estate. 

Lei e Filippo dormiranno nel garage 

accanto a casa loro. Ma, proprio quando 

le cose sembrano andare come Giulietta 

non osava sperare, in una notte di pesca, 

Filippo e nonno Ernesto avvistano in mare 

dei clandestini. Li soccorrono. Nonostan- 


fessionale di grazia (premio per la regia 

a Cannes 2011). 

E se, nel corso della visione, abbiamo 

avuto in mente il sicario privo di emozioni 

di Jean Reno in Leon, o il granitico silenzio 

dei pistoleri di Clint Eastwood, o gli incubi 

esistenziali delle sceneggiature di 

Paul Schrader, bene, riconosciamo nel lavoro 

realizzato da questo regista e da questo 

attore la possibilità più attuale e moderna 

di esprimere la società di oggi: non 

si può modificare il male di vivere che si 

ha dentro a causa di uno sguardo, neanche 

il più disarmante, puro, coinvolgente 

te sappia che la legge lo vieti, Ernesto decide 

di seguire la “legge del mare” e li 

porta a riva con il suo peschereccio. Tra i 

migranti ci sono anche Sara, una donna 

incinta e il suo bambino, che Ernesto e 

Filippo portano da Giulietta. 

Giulietta è arrabbiata e preoccupata, 

ma aiuta generosamente la clandestina, 

che partorisce nel suo garage e la ricompensa 

dando alla figlia neonata il suo 

nome. 

Aver soccorso dei clandestini costa a 

Ernesto il sequestro del peschereccio: di 

fronte alle disposizioni nazionali che la 

Guardia di Finanza deve far rispettare, a 

nulla vale che da sempre la “legge del 

mare” imponga di soccorrere chi chiede 

aiuto, a nulla neppure che la barca sia 

l’unica fonte di sostentamento del vecchio. 

La situazione si fa quindi più difficile: 

Filippo va ad aiutare zio Nino, la salute di 

Ernesto risente degli anni, Giulietta resta 

come imprigionata dalla presenza nel suo 

garage, insieme a lei, di Sara e dei due 

42 

oltre ogni umano desiderio, oltre ogni orizzonte 

di tempo e di luogo, ma destinato 

alla sterilità, all’insoddisfazione nella totale 

impossibilità di avvicinarsi a chi di quello 

sguardo è portatore. 

Cosa resta? Resta la violenza, compatta, 

dilatata a occupare ogni infrastruttura 

della condizione umana; resta l’automobile 

alla cui guida ci si sente al posto 

giusto, meccanici sono solo i contatti, metallici 

i desideri; in questo modo non si può 

morire, mai. 


Direttore di produzione: Federico Foti 

Casting: Chiara Agnello 

Aiuto regista: Emiliano Torres 

Operatori: Luigi Andrei, Marco Tani 

Trucco: Alessandra Vita 

Supervisore effetti visivi: Stefano Marinoni 


Suono: Pierre Yves Lavoué 

Interpreti: Donatella Finocchiaro (Giulietta), Beppe Fiorello 

(Nino), Mimmo Cuticchio (Ernesto), Martina Codecasa (Maura), 

Filippo Pucillo (Filippo), Tiziana Lodato (Maria), Claudio 

Santamaria (Santamaria), Timnit T. (Sara), Filippo Scarafia (Marco), 

Pierpaolo Spollon (Stefano), Rubel Tsegay Abraha (Omar) 

Durata: 88’ 

Metri: 2460 

bambini. La donna continua – nella propria 

lingua – a ringraziarla, Giulietta insiste 

nel risponderle – in italiano – che deve 

andar via. Ma al di là delle parole, nei fatti 

le due donne sono unite dalla lotta per 

conquistare ciascuna la propria chance di 

una vita migliore. 

Quando si capisce che Sara e i bambini 

non possono più restare nascosti a Linosa 

e che Sara ha un marito a Torino che 

l’aspetta, Filippo decide di rischiare il tutto 

per tutto in prima persona e di avventurarsi 

sul mare, portandoli con sé sul piccolo 

peschereccio di famiglia alla volta 

della tanto sognata Terraferma... 

N 

el contesto di una Linosa aspra, 

meta di turisti e migranti che per 

opposte ragioni vi fanno rotta, 

Emanuele Crialese mette al centro il conflitto 

degli abitanti dell’isola, tentati dalla 

modernità del turismo e dei guadagni facili 

alcuni, convinti sostenitori dell’economia 

tradizionale (anche se faticosa) e della

solidarietà tra pescatori altri. Un conflitto 

che spesso ha la forma del confronto generazionale, 

rappresentato dal vecchio 

saggio Ernesto e dal giovane impulsivo 

Nino, e che il film inquadra in un contesto 

giustamente corale. 

Ma andando ancora oltre, si può vedere 

nel film che ha portato Crialese in 

concorso a Venezia 68 e tra i concorrenti 

all’Oscar per l’Italia la più atavica contrapposizione 

tra legge naturale e legge positiva. 

Come nel più classico Sofocle, Filippo 

come Antigone deve scegliere cosa 

seguire, se ciò che comanderebbe la pietas 

o ciò che è dettato dalla norma di diritto. 

Non c’è dubbio che la pellicola adotti 

la prospettiva del più debole, del migrante, 

del bisognoso, che metta lo spettatore 

di fronte alla disperazione e all’umanità di 

chi è costretto a lottare, anche fisicamente, 

per conquistarsi un futuro. Le immagini 

più forti, infatti, sono quelle delle due donne 

che, l’una di fronte all’altra, reclamano 

con la propria prorompete fisicità, con i 

primi piani ingombranti e il viso segnato 

dalle emozioni, il diritto a vivere. 

Eppure va riconosciuta a Terraferma 

un’onestà di fondo nel contestualizzare il 

tema controverso e attuale dell’immigra- 

GIALLO/ARGENTO 

Italia/Stati Uniti, 2009 

Regia: Dario Argento 

Produzione: Richard Rionda del Castro, Rafael Primorac, Claudio 

Argento, Adrien Brody per Hannibal Pictures/Giallo Production/Footprint 

Investment Fund/Media Films/Opera Film 

Produzione 

Distribuzione: Dall’Angelo Pictures 

Prima: (Roma 1-7-2011; Milano 1-7-2011)- V.M.: 14 

Soggetto e sceneggiatura: Dario Argento, Jim Agnew, Sean 

Keller 

Direttore della fotografia: Frederic Fasano 

Montaggio: Roberto Silvi 

Musiche: Marco Werba 

Scenografia: Davide Bassan 

Costumi: Stefania Svizzeretto 

Produttori esecutivi: Claudio Argento, Luis de Val, Billy Dietrich, 

Patricia Eberle, Oscar Generale, Nesim Hason, Donald 

A. Barton, Lisa Lambert, Martin McCourt, David Milner 

Produttori associati: Aitana de Val, John S. Hicks 

Line producer:Tommaso Calevi 

Direttore di produzione: Giorgio Turletti 

Casting: Morgana Bianco 

Aiuti regista: Roy Bava, Stefano Ruggeri 

Operatore: Gianni Aldi 

Operatore Steadicam: Gianni Aldi 


zione (e anche quello della crisi economica) 

dando voce a ogni istanza, tenendo a 

mente le ragioni di tutti, se pure servendosi 

di personaggi a tratti stereotipati. 

La regia, capace nel racconto corale, 

trova dei momenti emozionanti in alcune 

immagini visionarie e suggestive del mare, 

43 

via di fuga, pericolo e speranza; l’interpretazione 

intensa degli attori e, soprattutto, 

delle attrici arricchisce il film e compensa 

ampiamente qualche passaggio un po’ 

troppo didascalico nella sceneggiatura. 

Tiziana Vox 

Effetti speciali trucco: David Bracci, Francesca di Nunzio, 

Filippo Ferrazzi, Dario Rega, Sergio Stivaletti 

Trucco: Giancarlo Del Brocco, Alfredo Tiberi 

Acconciature: Romina Ronzani, Mauro Tamagnini 

Effetti: Sergio Stivaletti 

Suono: Roberto Sestito 

Interpreti: Adrien Brody (ispettore Enzo Avolfi), Emmanuelle 

Seigner (Linda), Elsa Pataky (Celine), Robert Miano (ispettore 

Mori), Valentina Izumi (Keiko), Sato Oi (Midori), Luis Molteni 

(Sal), Taiyo Yamanouchi (Toshi), Daniela Fazzolari 

(Sophia), Nicolò Morselli (Enzo giovane), Giuseppe Lo Console 

(macellaio), Anna Varello (moglie del macellaio), Franco 

Vercelli (Cabbie), Lorenzo Pedrotti (ragazzo delle consegne), 

Farhad Re (designer), Barbara Mautino (infermiera), 

Silvia Spross (donna russa), Lynn Swanson (guida turistica), 

Massimo Franceschi (coroner), Andrea Redavid, Alberto 

Onofrietti (agenti), Lorenzo Iacona (investigatore), Giancarlo 

Judica Cordiglia (sergente), Salvatore Rizzo (guardia 

di sicurezza), Lorenzo Ceppodomo (figlio di Enzo Avolfi ), 

Cristiana Maffucci (Violetta), Liam Riccardo (Giallo), Linda 

Messerlinker (vittima), Patrick Oldani, Maryann McIver, Cesare 

Scova 

Durata: 92’ 

Metri: 2500

T 

orino. Due ragazze straniere decidono 

di passare la loro ultima 

notte in città in discoteca. Mentre 

una delle due rimane a ballare, l’altra 

sale su un taxi per tornare in albergo. Il 

conducente, con la testa nascosta dal cappuccio 

di una felpa, la sequestra e la chiude 

in uno scantinato. Dopo averle legato 

mani e piedi, le scatta alcune fotografie. 

Il giorno dopo, la bellissima modella 

Celine esce da una sfilata per andare a 

cena con la sorella Linda, una hostess venuta 

a farle visita in Italia. Le due hanno 

appuntamento nell’appartamento di Celine, 

ma la ragazza non ci arriverà mai perché 

si imbatte nel tassista maniaco. Anche 

lei viene legata e rinchiusa nello scantinato, 

accanto ad altre ragazze brutalmente 

seviziate. 

Quando Linda si reca in questura per 

denunciare la scomparsa della sorella, incontra 

l’ispettore Enzo Avolfi. Il poliziotto 

lavora e vive in un ufficio del seminterrato, 

tappezzato di foto con donne deturpate 

dalle violenze del killer. Quest’ultimo, 

che rapisce solo ragazze belle e straniere, 

legge riviste porno, riguarda le immagini 

delle donne sul computer e intanto 

si masturba. 

Un giorno, l’assassino fa ritrovare 

una vittima giapponese vicino ad un convento. 

La giovane, prima di morire, rivela 

il nome del suo carnefice: “Giallo”. 

Avolfi e Linda scoprono che si chiama in 

quel modo perché è affetto da epatite C, 

malattia ereditata dalla madre, una tossicodipendente 

che, appena nato, lo ha 

abbandonato alle suore. Quando vanno 

in ospedale per scoprire la sua identità, 

UNA SEPARAZIONE 

(Jodaeiye Nader az Simin) 

Iran, 2011 

Regia: Asghar Farhadi 

Produzione: Asghar Farhadi 

Distribuzione: Sacher Distribuzione 


Soggetto e sceneggiatura: Asghar Farhadi 

Direttore della fotografia: Mahmoud Kalari 

Montaggio: Hayedeh Safiyari 

Musiche: Sattar Oraki 

Scenografia: Keyvan Moghaddam 

Costumi: Keyvan Moghadam 

Produttore esecutivo: Negar Eskandarfar 

Direttore di produzione: Keyvan Moghaddam 


per poco non ce la fanno a prenderlo: 

l’uomo, che si trova lì per farsi curare, 

riesce a farla franca. 

Intanto Celine si libera dalle corde e 

prova a scappare. Ma Giallo la raggiunge 

mentre è in cima a un gasometro. Avolfi si 

reca nella sua abitazione, ma la trova deserta. 

Il killer chiede aiuto a Linda per fuggire 

all’estero, ma l’ispettore riesce a fermarlo. 

Giallo precipita da un parapetto e 

muore. Celine, ancora viva, verrà rinvenuta 

da un vigilantes in un garage, rinchiusa 

nel bagagliaio del taxi. 

D 

opo tre anni ha visto finalmente 

la luce l’ultimo ed atteso lavoro 

di Dario Argento, maestro dallo 

sguardo sempre più stanco e appannato, 

insomma non all’altezza di regalarci brividi 

forti come accadeva una volta. La storia 

di Giallo è a dir poco travagliata: uscito 

prima in dvd, è stato bloccato per molto 

tempo a causa di un lungo contenzioso tra 

la produzione e Adrien Brody (il premio 

Oscar per Il pianista di Polanski aveva chiesto 

3 milioni di dollari di danni perché non 

era stato pagato). 

La vicenda, non molto originale, assomiglia 

a tanti altri thriller già visti e contiene 

tutti i classici stereotipi del film sui serial 

killer: protagonista con le sembianze 

di un mostro (ha la carnagione giallastra e 

il viso deforme); efferato modus operandi 

(l’uomo prima addormenta le sue vittime 

con un’iniezione e poi le mutila perché 

«odia tutto ciò che è bello»); trauma familiare 

come origine della psicosi (è orfano 

di madre malata); ambientazione cupa e 

degradata (nasconde i corpi in una canti- 

44 

na ingombra di arnesi e, non a caso, vive 

a Via del Lazzaretto!). 

Come di consueto, Argento insiste sui 

particolari più truculenti, mostrando amputazioni 

di dita, incisioni di labbra e sgozzamenti 

a non finire. Urla disumane e fiotti di 

sangue riempiono le inquadrature per il 

giubilo degli ultimi appassionati dell’horror 

“made in Italy” (ormai convertiti al dominante 

filone asiatico). Ma, sarà forse per 

la location torinese un po’ troppo sterile e 

brumosa o per la debolezza ed ingenuità 

della sceneggiatura, il film non convince 

completamente. 

Appena abbozzato il tentativo (interessante) 

di rendere l’ispettore e Giallo due 

figure speculari. 

I due uomini sono diventati assassini 

come risposta ad uno shock d’infanzia. 

Avolfi ha visto morire davanti ai suo occhi 

la madre e si è vendicato dell’omicida, un 

macellaio, uccidendolo con un coltello che 

conserva ancora nel cassetto della scrivania. 

Entrambi sono egoisti, solitari, ossessionati 

da un passato che ritorna con 

assillanti flashback. Soggetti ambigui di cui 

non ci si può fidare... . 

Adrien Brody nei panni del poliziotto 

non sfigura. Ha il portamento giusto, anche 

se quella sigaretta sempre in bocca lo 

rende un po’ caricaturale. Anche l’affascinante 

Emmanuelle Seigner si comporta discretamente 

nel ruolo della hostess americana: 

pur smarrita in una città che non 

conosce, ha carattere e possiede la determinazione 

necessaria per arrivare fino in 

fondo alla verità. 


Aiuto regista: Hamid Reza Ghorbani 

Arredatore: Keyvan Moghadam 

Trucco: Mehrdad Mirkiani 

Suono: Mahmoud Samakbashi 

Interpreti: Leila Hatami (Simin), Peyman Moadi (Nader), 

Shahab Hosseini (Hodjat), Sareh Bayat (Razieh), Sarina 

Farhadi (Termeh), Babak Karimi (giudice), Ali-Asghar Shahbazi 

(padre di Nader), Shirin Yazdanbakhsh (madre di Simin), 

Kimia Hosseini (Somayeh), Merila Zarei (signorina 

Ghahraei) 


Metri: 3400

U 

na città mediorentale, probabilmente 

Teheran, oggi. 

Simin vuole lasciare l’Iran con il 

marito Nader e la figlia undicenne Termeh 

per assicurare alla ragazza e a loro 

un futuro diverso da quello che il suo Paese 

può, allo stato dei fatti, offrire. Il visto 

sta per scadere dopo qualche settimana, 

ma Nader continua a tergiversare 

perchè non vuole abbandonare il padre 

malato di alzheimer; così Simin chiede 

il divorzio e, nell’attesa dello svolgimento 

delle pratiche, torna a vivere dalla 

madre. 

Nader è costretto allora ad assumere 

una donna, Razieh, che si prenda cura 

del padre durante la giornata; Razieh è 

incinta, cosa di cui nessuno, soprattutto 

Nader, sembra accorgersi e nasconde al 

marito, disoccupato e rissoso attaccabrighe, 

il lavoro trovato nella casa di un 

uomo solo e separato, comportamento 

sanzionato dalle leggi islamiche. All’inizio 

tutto sembra andare bene ma presto 

precipita nella catastrofe: Razieh è costretta 

un pomeriggio a lasciare il servizio 

per correre dal ginecologo per un 

malore; Nader al ritorno trova il padre 

caduto a terra svenuto, legato al letto per 

un braccio; non solo, rileva anche la 

mancanza di una certa somma di denaro 

da un cassetto. Ovviamente, quando Razieh 

riappare, Nader la affronta duramente, 

le intima di andarsene, le dà uno 

spintone che, almeno in parte, sembra 

procurare la successiva caduta della 

donna, il relativo malore, il ricovero 

d’urgenza in ospedale, la perdita del 

bambino. 

A questo punto la situazione si ingarbuglia: 

Nader è denunciato dal marito 

della donna che spera così di avere un risarcimento 

per pagare i creditori da cui è 

perseguitato; contemporaneamente Nader 

lo controdenuncia per falso, affermando 

di non sapere nulla della situazione di 

salute della moglie. La giovane Termeh è 

convinta invece che il padre fosse a conoscenza 

dello stato di Razieh e quindi 

menta per salvarsi dal carcere e dal risarcimento. 

L’intervento di Simin, stressata da tanti 

problemi e per paura di altri guai, sembra 

essere risolutorio: venga a patti il marito 

con la parte avversa, paghi in questo modo 

una somma concordata di minore impatto, 

ritirino tutti le rispettive denunce e vadano 

in pace. 

Tutto sembra filare liscio fino alla fine 

ma, quando tutto è firmato e sistemato, 


Nader pretende che Razieh giuri sul Corano 

che considera lui la causa del suo 

doloroso aborto e basta. Razieh non se la 

sente perchè sa che il suo malore era cominciato 

da prima dell’incidente e non 

vuole così macchiarsi del peccato di spergiuro 

e tutto va a monte. 

Non resta a Simin e Nader che divorziare 

sul serio: la figlia stabilirà da sola 

con chi dei due andare a vivere. 

F 

ilm faticoso, faticosamente diretto, 

interpretato e seguito dallo 

spettatore in sala. Dobbiamo anche 

dire splendidamente diretto e ugualmente 

interpretato da un gruppo di uomini 

e donne di cinema che hanno costruito 

un meccanismo inattaccabile e 

che procede fino alla fine nel tenere a 

bada un intrigo che mai mostra una sbavatura, 

un rallentamento o la benchè minima 

noia. 

È davvero una squadra compatta questa 

di Asghar Farhadi che si è meritata i 

grandi premi (al film e ai protagonisti) di 

Berlino 2011 con un’operazione semplice, 

cristallina che mette a nudo la complessità 

e le contraddizioni della società 

iraniana dibattuta come non mai tra le 

dure prese di posizione della legge islamica 

e le spinte sempre meno eludibili 

verso l’occidentalizzazione dei costumi, 

la riconsiderazione dei rapporti tra i sessi 

e la riorganizzazione del modo di vivere 

in generale. L’ossessione di dialoghi (perfetti!) 

continuamente interrotti e ripresi in 

una specie di modalità ciclica va a descrivere 

un reale continuamente sfaccettato 

45 

che si critica e contemporaneamente si 

rispetta ma che forma qualcosa da cui ci 

si sente sovrastati e pressati e che scena 

dopo scena ha sempre più il sapore del 

regime. 

Sappiamo bene che un regime si 

combatte non solo con una lotta senza 

quartiere dall’esterno, al cui costo di lutti 

e di sangue non tutti possono sentirsi 

disposti ma, anche e in maniera molto 

più sottile e non meno incidente dei colpi 

delle armi da fuoco, dall’interno, esasperandone 

il meccanismo, scoprendone 

il disinganno sociale, culturale, umano 

ed evidenziandone il lato grottesco e 

insensato che prepotente viene in superficie. 

Il gruppo di Farhadi si è così “limitato” 

a mettere in scena con cura maniacale i 

dettagli, ambientali, comportamentali, psicologici 

che legano lo svolgersi quotidiano 

della vita comune mettendo in risalto 

l’esasperazione prodotta dall’astrusa e 

inadeguata macchina dello Stato. Tutto è 

vero, tutto è riscontrabile, tutto può essere 

comprovato grazie a una sceneggiatura 

perfetta e irreprensibile, al punto che 

le occhiute autorità di censura non hanno 

trovato nulla da eccepire riconoscendo 

la veridicità cronachistica del lavoro! 

Che risulta invece politico che più politico 

non si può, in quanto regista e attori 

hanno percorso la strada più semplice e 

vera: quando si vuole dire che il re è nudo 

e il dirlo può essere pericoloso basta 

mostrarlo. 

Fabrizio Moresco



ABDUCTION – RIPRENDITI LA VITA 

(Abduction) 

Regia: John Singleton 

Produzione: Doug Davison, Ellen Goldsmith-Vein, Dan Lautner, 

Roy Lee, Lee Stollman per Lionsgate/Gotham Group/Vertigo 

Entertainment/Quick Six Entertainment/Mango Farms/ 

Tailor Made 

Distribuzione: Moviemax 


Soggetto e sceneggiatura: Shawn Christensen 

Direttore della fotografia: Peter Menzies Jr. 

Montaggio: Bruce Cannon 

Musiche: Ed Shearmur 

Scenografia: Keith Brian Burns 

Costumi: Ruth E. Carter 

Produttori esecutivi: Jeremy Bell, Anthony Katagas, Gabriel 

Mason 

Line producer: Anthony Katagas 

Direttore di produzione: Anthony Katagas 

Casting: Alan Lee, Joseph Middleton 

Aiuti regista: Walter E. Myal, Francisco Ortiz, Susan Ransom- 

Coyle, Michelle Skaneski, Doug Torres 

Operatori: Colin Hudson, Eric Wycoff 

Operatore Steadicam: Colin Hudson 

Art director: Liba Daniels 

Arredatore: Julie Smith 

Trucco: Mary Burton, Rachel Geary, Evelyne Noraz 

N 

athan è un adolescente che frequenta 

il liceo e vive una vita 

piuttosto normale. Qualche lieve 

discussione in famiglia, le classiche feste 

da teenager, una cotta per la vicina di casa, 

e soprattutto lo sport. Suo padre gli ha insegnato 

fin da piccolo ogni tipo di attività 

per la difesa personale, dalla boxe, al wrestling, 

alle arti marziali. Qualcosa cambia, 

però, quando il suo professore invita 

gli studenti a realizzare un lavoro di gruppo 

scolastico e la sua vicina Karen deve 

far coppia con lui. I due, dopo un primo 

imbarazzo, si mettono all’opera e durante 

la loro ricerca finiscono su un sito per persone 

scomparse da piccole, trovando proprio 

la foto di Nathan. I dettagli sono inequivocabili 

e così il ragazzo, seriamente 

turbato, chiede spiegazioni ai suoi genitori, 

che a questo punto non possono negare 

di non essere la madre ed il padre naturale 

di Nathan. Dietro questo sconvolgente 

evento c’è però qualcosa di molto pericoloso, 

ma i genitori adottivi del giovane non 

hanno neppure il tempo materiale di dargli 

spiegazioni che in casa loro fanno irruzione 

due uomini armati che hanno rintracciato 

Nathan tramite la visualizzazione 

del sito e sono pronti a tutto pur di prenderlo. 

I genitori muoiono, così come i due 

uomini in seguito all’esplosione della casa, 

mentre Nathan si salva e scappa via con 

Karen. Si rifugiano in un ospedale, dove li 

preleva la psichiatra del ragazzo e gli spiega 

tutta la storia: Nathan è il figlio di un 

importantissimo agente della CIA, il quale 

per dargli una vita normale lo ha affidato 

a due “custodi” e la stessa psichiatra 

fa parte dei servizi segreti. Kozlow, un 

agente segreto freelance di nazionalità russa, 

vuole metter mano su una lista con delle 

informazioni estremamente preziose e, 

poiché tale lista è in possesso del padre 

naturale di Nathan, il russo e i suoi scagnozzi 

lo stanno cercando. La psichiatra 

allora fornisce ai due giovani delle ulteriori 

indicazioni su dove possano intanto nascondersi, 

e così il ragazzo memorizza l’indirizzo 

di un appartamento dove trova proprio 

il cellulare con la lista e una macchina 

per gli spostamenti. In fuga da tutto e tutti, 

Nathan semina inizialmente i suoi inseguitori 

e persino la CIA, che però, in un secondo 

momento, lo bracca e lo convince quasi 

a consegnarsi alla loro custodia. Ma Nathan 

intuisce che forse l’agente Burton non 

è così irreprensibile come vorrebbe far credere, 

e pertanto scappa di nuovo. 

Decide allora di incontrarsi con 

Kozlow, con il celato intento di farlo fuori. 

Il luogo scelto è più che mai pubblico: uno 

stadio di baseball; ma l’agente è più esper- 

46 

Acconciature: Karen Lovell, Linda Williams 

Coordinatore effetti speciali: Drew Jiritano 

Supervisori effetti visivi: Nathan McGuinness, Mike Uguccioni 

Coordinatori effetti visivi: Rachel Faith Hanson, Gustavo 

A. Pablik, Ashley J. Ward 

Supervisore costumi: Darcie Buterbaugh 

Supervisore musiche: Tracy McKnight 

Interpreti: Taylor Lautner (Nathan), Lily Collins (Karen), Alfred 

Molina (Burton), Jason Isaacs (Kevin), Maria Bello (Mara), 

Michael Nyqvist (Kozlow), Sigourney Weaver (dott.ssa Bennett), 

Anthonique Smith (Sandra Burns), Denzel Whitaker 

(Gilly), Nickola Shreli (Alek),Allen Williamson (Billy),William 

Peltz (Jake), Jake Andolina (uomo della CIA), Oriah Acima 

Andrews (Riah), Derek Burnell (venditore di hot dog), Holly 

Scott Cavanuagh (signora Murphy), Radick Cembrzynski (tecnico 

di Kozlow), Richard Cetrone (Gregory), Mike Clark (giornalista), 

Rita Gregory (infermiera), Nathan Hollabaugh (poliziotto), 

Mike Lee (tecnico), James Liebro (usciere dello stadio), 

Christopher Mahoney (custode), William Peltz (Jake), 

Elisabeth Röhm (Lorna), Victor Slezak (Tom Shealey), Ken 

Arnol Steve Blass, Benjamin J. Cain Jr., Jack Erdie, Tim Griffin, 

Frank Lloyd, Emily Peachey, Mark Nearing 


Metri: 2900 

to e scaltro di lui e così dovrà intervenire 

il vero padre di Nathan, con il quale il ragazzo 

escogiterà un piano che porterà proprio 

alla morte di Kozlow. 

I 

l cinema americano degli ultimi anni 

ci ha abituato un po’ a tutto e ormai 

persino schiere di ex puritani iniziano 

ad apprezzare film di un registro più 

basso, classici blockbuster, nucleo assoluto 

di azione allo stato puro, nati senza la 

pretesa di finire nella videoteca personale 

dei cinefili. 

Molto spesso abbiamo criticato il nostro 

cinema, il suo modo sconfortante di 

tenersi troppi gradini più in basso rispetto 

a quello a stelle e strisce, anche nel paragone 

tra film di livello meno ambizioso, in 

un confronto comunque senza storia. 

Ci sbagliavamo: al peggio non c’è mai 

fine. Tenendo conto del potenziale a disposizione, 

partendo dalle considerazioni 

sul budget e finendo con quelle sugli 

effetti speciali e sul cast, l’unica espressione 

che viene fuori dopo aver visto Abduction 

è “raccapricciante”. In pochi sarebbero 

riusciti a tirar fuori qualcosa di 

peggio rispetto a ciò che ha fatto Singleton. 

Le inquadrature sembrano casuali, non 

contribuiscono mai a incrementare adre-

nalina o qualsiasi altra emozione, sono 

prive di uno scopo se non quello di riprendere 

i personaggi, che in tal modo però 

perdono il loro carisma. 

I dialoghi risultano a tratti imbarazzanti, 

senza alcun senso logico. Per intenderci 

meglio, l’effetto è quello delle più ridicole 

soap che, cercando ostentatamente un 

briciolo di serietà e dramma si dimostrano 

invece buffe al punto di far scattare l’ilarità, 

se non forse per lo stimolo di afflizione 

che tutto ciò trasmette. 

Un’ulteriore nota va spesa per il cast: 

introiti a parte, non è ben chiaro il motivo 

per il quale attori di una discreta levatura 

come Alfred Molina, Maria Bello, Michael 

Nyqvist si siano prestati ad un film del genere; 

così come non è del tutto spiegabile 

I 

IL VILLAGGIO DI CARTONE 

Italia, 2011 

Regia: Ermanno Olmi 

Produzione: Luigi Musini per Cinemaundici/Rai Cinema/Edison/Intesa 

San Paolo 



Soggetto e sceneggiatura: Ermanno Olmi 

Direttore della fotografia: Giuseppe Pirrotta 

Montaggio: Paolo Cottignola 

Musiche: Sofia Gubaidulina 

Scenografia: Giuseppe Pirrotta 

Costumi: Maurizio Millenotti 

Aiuti regista: Leopoldo Pescatore, Alessandra Gori 

Trucco: Giulio Pezza 

n una zona dell’Italia settentrionale, 

un anziano parroco sta assistendo, 

impotente, al trasloco forzato 

di tutti gli arredi e di tutti i segni che, per 

decenni, hanno identificato un luogo sacro 

come la sua chiesa, dove, per decenni, 

ha svolto la sua attività pastorale: l’altare, 

il crocifisso, i quadri, i paramenti sacri. 

Non sappiamo perché tutto questo stia 

avvenendo in maniera inesorabile, nonostante 

gli estremi tentativi del prete di opporre 

una sua resistenza estrema agli eventi. 

La chiesa sembra non servire più; al 

parroco viene concesso solo di continuare 

a vivere nel suo modesto appartamento in 

canonica, dove decide caparbiamente di 

finire i suoi giorni. 

Nel corso di una notte, tuttavia, un nutrito 

gruppo di clandestini africani entra 

nella chiesa e qui organizza la propria esistenza 

come in una sorta di villaggio, in 


come un attore come Taylor Lautner, tristemente 

monoespressivo, possa ottenere 

il successo che sta guadagnando soltanto 

per via di un fisico imponente e probabilmente 

poco natural che piace alle ragazzine, 

ma con doti attoriali sulle quali ci 

riserviamo parecchi dubbi. 

Su Lily Collins il giudizio è rimandato 

alla visione di Snow White, in quanto non 

è facile capire se l’interpretazione assai 

poco convincente è dovuta anche all’inutilità 

del suo personaggio (a proposito, perché 

mai deve seguire un ragazzo con il 

quale fino a poche ore prima del dramma 

nemmeno parlava, in un assurdo crocevia 

del terrore e intrighi internazionali?) o alle 

sue reali qualità. Attendiamo di vedere 

come sarà questa nuova Biancaneve (ma- 

attesa di trovare una sistemazione migliore. 

Per il parroco, tale inaspettata presenza 

assume il valore di una rinascita che, 

allo stesso tempo, fuga e alimenta dubbi 

sul senso della propria vocazione, Nel frattempo, 

mentre all’interno di questa comunità 

di derelitti accadono diversi episodi 

marcanti (nasce un bambino senza padre, 

arrivano oscuri personaggi che vendono 

permessi di transito per la Francia, si palesano 

potenziali terroristi), fuori dalla 

chiesa la legge si muove alla ricerca dei 

clandestini e, per ben due volte, i suoi rappresentanti 

hanno uno scontro diretto e 

crudo con il parroco, il quale rivendica il 

proprio diritto-dovere di dare assistenza a 

chi ne ha bisogno, clandestini o meno che 

siano. 

Dopo qualche tempo, i rifugiati riescono 

a partire. Nella chiesa, ormai di nuovo 

vuota, ne resta solo uno che, in qualche 

47 

gari senza quelle enormi sopracciglia), e 

ne riparleremo. 

Per il resto il film scorre piuttosto agevolmente, 

ma non è proprio un pregio considerando 

che il plot è basato soltanto sull’azione, 

e pertanto se sperate di vedere 

una nuova versione di Bourne (come qualcuno 

aveva lasciato intendere) siete totalmente 

fuori strada. Abduction – Riprenditi 

la tua vita è puro action senza logica, uno 

dei pochi thriller che, banalità a parte, non 

riesce neppure a mantenere quel minimo 

di suspance nello spettatore, che prevede 

e capisce tutto nel giro di pochi minuti. A 

poterlo fare prima magari eviterebbe anche 

di entrare in sala. 


Fotografo di scena: Kash Gabriele Torsello 

Suono: Francesco Liotard 

Interpreti: Michael Londsale (vecchio prete), Rutger Hauer 

(sacrestano), Massimo De Francovich (medico), Alessandro 

Haber (graduato), Elhadji Ibrahima Faye (soccorritore), Irima 

Pino Viney (Magdahà), Fatima Ali (Fatima), Samuels Leon 

Delroy (il Bardo), Fernando Chironda (il Cherubino), Souleymane 

Sow (l’Avverso), Linda Keny (madre famigliola), Blaise 

Aurelien Ngoungou Essoua (padre famigliola), Heven Tewelde 

(Miriam), Rashidi Osaro Wamah (ragazzo testimone), Prosper 

Elijah Keny (bimbo famigliola) 

Durata: 87’ 

Metri: 2400 

modo, si era rivelato come un leader della 

comunità, il quale, in silenzio, è testimone 

dei rumori, dei suoni, a volte violenti, di 

ciò che sta avvenendo fuori, nel mondo 

esterno. 

U 

n ritorno inaspettato! Nonostante 

avesse dichiarato che Centochiodi 

sarebbe stato il suo ultimo 

film, Ermanno Olmi è tornato dietro la 

macchina da presa per dirigere Il villaggio 

di cartone. 

Probabilmente, tale ripensamento è 

motivato da un’esigenza urgente di testimoniare, 

attraverso il cinema, il profondo 

disagio attraversato dal nostro tempo; un 

disagio che chiama in causa, in prima battuta, 

proprio la religione e il suo principio 

fondante, contenuto nel dettame di Cristo 

ama il prossimo tuo come te stesso; dettame, 

spesso, svuotato di senso dalla pras-

si e dai nostri comportamenti quotidiani, 

così come lo è la chiesa che, all’inizio del 

film, viene privata dei segni della sua riconoscibilità 

e ridotta a un edificio vuoto, inutile: 

non più una città sulla roccia – termine 

con cui è stata anche definita la Chiesa – , 

ma utile solo a ospitare un villaggio di cartone, 

come recita, appunto, il titolo del film. 

Come già era avvenuto per Centochiodi, 

probabilmente, la pressante spinta dei 

problemi caratteristici dalle condizione presente, 

ha spinto questo autore a rendere 

esplicita e senza equivoci di fondo la struttura 

ideale portante di tutto il film. In questo 

modo, il discorso di Olmi è diretto, non lascia 

spazi ad ambiguità di sorta, procede 

attraverso una parola, spesso ammantata 

di sentenze, di giudizi inappellabili, di prese 

di posizione, le quali non consentono 

obiezioni di sorta. Paradossalmente, tale atteggiamento 

di fondo costituisce, in un certo 

senso, un po’ il limite di questo film, ne 

frustra il suo divenire dialettico, sposta l’asse 

per uno stimolo a una meditazione che, 

al contrario, possiede in nuce motivi profondi 

attorno ai quali riflettere in maniera 

non banale. Di fatto, non si può non essere 

d’accordo sull’assunto fondamentale di quest’opera 

che ci chiama tutti a guardare responsabilmente 

a quanto sta accadendo 

intorno a noi, che respinge la via della violenza, 

che invoca la solidarietà verso gli 

oppressi e i diseredati, che richiama al vissuto 

di un cristianesimo integrale. La didascalia 

finale, impressa sullo schermo al termine 

del film è fin troppo di esemplare chiarezza: 

bisogna cambiare il corso della Storia, 

altrimenti sarà la Storia a cambiare noi. 

Eppure, questo film, costruito attraverso 

una impeccabile e affascinante struttura formale, 

è testimone di un percorso, diremmo 

cristologico, che, come nel migliore Olmi, si 

manifesta soprattutto – e in maniera mag- 


giormente convincente – ,attraverso i silenzi, 

gli indizi, i gesti, gli sguardi, i quali sono il 

segno eloquente, più di ogni parola, di un 

messaggio universale destinato soprattutto 

agli ultimi, alla pietra scartata dai costruttori 

che diventerà pietra angolare. Così, nel silenzio 

del villaggio di cartone, si ripercorrono 

le tappe di un cammino antico: assistiamo 

a una rinnovata natività (non a caso, il 

vecchio parroco, dopo la nascita del bambino, 

intona, di fronte a un umile presepe, Adeste 

fideles, cantico natalizio per eccellenza); 

una prostituta accudisce amorevolmente la 

LA MISURA DEL CONFINE 

Italia, 2010 

48 

puerpera (le prostitute e i pubblicani vi precederanno 

nel regno dei cieli); un uomo del 

gruppo di clandestini dichiara agli uomini 

della legge di essere il padre del bambino, 

accollandosi, come Giuseppe, una paternità 

non sua; un novello Giuda permette il riconoscimento 

del leader del gruppo, fornendo 

come segnale di individuazione il mettersi 

accanto a lui; il fonte battesimale, che viene 

divelto dalla sua ormai inutile posizione 

naturale, per essere messo al centro della 

chiesa e raccogliere quell’acqua – salvifica? 

– , proveniente dal cielo. Sono questi solo 

alcuni di quei segni che danno veramente 

forza a questo film, spazzando via tutti i dubbi, 

le angosce, i ripensamenti, incarnati e 

concentrati nella figura del vecchio parroco, 

ultimo testimone di una Chiesa che, forse, 

deve rinnovarsi e riscoprire la sua autentica 

vocazione. Di fatto, alla fine del film anche la 

sua figura scompare passando, quasi, il testimone 

ad altri: il leader del gruppo resta 

nel luogo sacro, non va via con il gruppo di 

diseredati, anche se prende coscienza che 

fuori imperversa una battaglia sempre più 

aspra. 

Come già in Centochiodi, Olmi non dà 

un nome ai protagonisti del film; non sappiamo 

come si chiamano; una scelta di stile 

che probabilmente coinvolge tutti noi, in 

maniera anonimamente cosciente, per riuscire 

a impegnarci nel cambiare il mondo 

in cui viviamo. 

Carlo Tagliabue 

Regia: Andrea Papini 

Produzione: Sandro Frezza, Ferdinando Vicentini Orgnani, Sergio Bernardi per Alba 

Produzioni SRL 

Distribuzione: Immagini Distribuzione 


Soggetto e sceneggiatura: Andrea Papini, Monica Rapetti (collaborazione) 

Direttore della fotografia: Benjamin Nathaniel Minot 

Montaggio: Maurizio Baglivo 

Musiche: Petra Magoni, Ferruccio Spinetti 

Scenografia: Roberto Conforti 

Costumi: Moris Verdiani 

Organizzatore di produzione: Mauro Sangiorgi 

Aiuto regista: Marco Cervelli 

Supervisore effetti visivi: Luciano Vittori Jr. 

Suono: Bernardetta Signorin 

Interpreti: Paolo Bonanni (Mathias Valletti), Peppino Mazzotta (Peppino), Thierry 

Toscan (Ulrich), Beatrice Orlandini (Beatrice), Giovanni Guardiano (Giovanni), Massimo 

Zordan (Bangher), Adriana Ortolani (Rosamaria), Tommaso Spinelli (Tommy), 

Luigi Iacuzio (Osvaldo), Rolando Alberti (Atti), Lorenzo Degli Innocenzi (Cunaccia), 

Gianluca Buonanno (sindaco Varallo), Monica Rapetti (Elodie), Elisabetta Bendotti 

(Dolcina), Filippo Cucchi (Antonio Botis), Manolo Bioni (Germano Botis), Roberto 

Bioni (Nicodemo Bangher), Massimo Tassan (pilota elicottero) 

Durata: 79’ 

Metri: 2200

S 

u un ghiacciaio del Monte Rosa, 

al confine tra Italia e Svizzera, 

viene ritrovato un cadavere mummificato. 

Vengono allertate due squadre, 

una svizzera, l’altra italiana, capeggiate 

rispettivamente da due topografi, il ticinese 

Mathias Valletti e il siciliano Giovanni 

Bruschetta. 

Mathias, preciso e rigoroso, è alla fine 

di una relazione, Giovanni, tipico ‘maschio 

italico’ sensibile alle tentazioni, è sposato 

con Rosa Maria. Incaricate dai rispettivi 

governi, le spedizioni partono verso il 

Monte Rosa. Il maltempo fa smarrire la 

spedizione svizzera e spinge la spedizione 

italiana a ripararsi in un rifugio gestito da 

Beatrice e Peppino. Mathias si ritrova in 

alta quota, nella nebbia, accanto ad un cadavere, 

con i colleghi italiani che non si 

fanno vedere; si consola con la passione 

per il lavoro del suo assistente, Tommy, e 

la professionalità delle due guide svizzere 

Atti e Ulrich. 

Nel rifugio, Giovanni, assieme alle due 

guide italiane Osvaldo e Cunaccia, conosce 

i due giovani gestori, giunti lì alla ricerca 

di un lavoro. Beatrice prepara 

l’Uberlekke, un pesante cibo locale e il 

gruppo italiano si mette a tavola. Giovanni 

è affascinato da Beatrice. Nel frattempo, 

scoppia un temporale e un fulmine colpisce 

la guida svizzera Atti. Nella notte la 

spedizione svizzera rientra trasportando la 

guida ferita. Dopo il trambusto, sul rifugio 

cala la quiete e fuori torna il sereno. 

Il mattino seguente l’elicottero del soccorso 

accompagna Atti in ospedale e porta 

in quota il sindaco Bangher, che spera 

nella scoperta della mummia per rilanciare 

il turismo del suo paesino. Insieme a lui 

arriva anche Rosa Maria che raggiunge 

Giovanni per festeggiare il loro anniversario 

di nozze. Col tempo sereno, la nuova 

spedizione composta dagli italiani e dagli 

svizzeri recupera la mummia. Giovanni stabilisce 

l’appartenenza del cadavere alla 

nazione italiana. Tra i due topografi nasce 

collaborazione e stima reciproca. Tutti 

riuniti attorno alla salma, ricostruiscono 

la data del decesso che risulta più recente 

della preistorica mummia tirolese 

Oetzi, sempre citata come paragone. Le 

nubi radioattive degli esperimenti nucleari 

del dopoguerra e di Chernobyl permettono 

una datazione abbastanza precisa: i 

personaggi del rifugio si ritrovano detective. 

Curiosando nel rifugio, Rosa Maria ritrova 

il vecchio cappello abbandonato dalla 

Regina Margherita di Savoia passata di 

lì agli inizi del Novecento. Mathias scopre 

l’arma di un probabile delitto: lo spillone 

d’argento del cappello. Rinvenuti nel so- 


laio i diari del rifugio, il gruppo si addentra 

nel passato. La montagna racconta la 

sua storia: le guerre, la vita delle popolazioni 

locali e le sue leggende. Come quella 

della processione degli scheletri dei peccatori 

che vanno a espiare sui crepacci dei 

ghiacciai la notte dei morti, illuminando il 

cammino con il dito mignolo acceso come 

une candela. Nelle pagine incollate di uno 

dei libri, Giovanni, sostenuto da Mathias, 

ricostruisce un delitto avvenuto nel dopoguerra 

che ha lasciato il suo sangue sulle 

pagine. Il delitto di Antonio, un giovane 

che ha cercato di costruire la sua vita assieme 

all’amata Dolcina e che l’avidità dei 

fratelli ha interrotto per sempre. Ma la ricostruzione 

si complica, poiché le guide del 

posto e il sindaco Bangher scoprono non 

solo di essere parenti tra di loro, ma anche 

tutti parenti dell’assassino, oltre che, ovviamente 

della vittima. 

A causa di un’indigestione di Rosa 

Maria, Giovanni e la moglie restano nel 

rifugio ancora per una notte. Anche Mathias 

non riparte subito. Le guide e il giovane 

assistente si allontanano riportando 

a valle la salma del loro sfortunato parente 

che finalmente potrà ricevere degna sepoltura. 

Giovanni, aiutato da un binocolo, 

osserva la piccola processione che accende 

le torce per farsi strada, trasformandosi 

così nella processione dei peccatori della 

leggenda. 

Affacciati alla finestra, Giovanni e Mathias 

guardano la notte che avanza sul 

mondo. Mondo che la loro cultura non permette 

di cambiare, ma del quale se ne può 

intuire la dimensione con un piccolo sforzo 

d’immaginazione. 

L 

a misura del confine è un film 

suggestivo. Racconta in primo 

luogo la montagna e il suo fascino. 

Luogo isolato, dall’atmosfera quasi irreale, 

fatta di silenzi, pause, grandi spazi. 

Un “intervallo” dove tutto è sospeso tra razionale 

e irrazionale. E qui la razionalità di 

due “uomini di scienza”, due topografi, viene 

a scontrarsi con l’irrazionalità delle passioni 

umane. 

Il mistero della mummia prima, del delitto 

poi e la fascinazione della montagna 

diventano tutt’uno. 

La misura del confine è un titolo carico 

di significati multipli: una linea virtuale ci 

divide, geograficamente ma non solo. La 

misura di un confine che divide due stati e 

che due topografi tanto diversi l’uno dall’altro 

sono chiamati a misurare. Ma anche 

la misura di un confine che divide opposte 

visioni: del proprio lavoro ma anche 

della vita e dei sentimenti. 

La storia è intrigante. Comincia con un 

49 

taglio documentaristico, la cronaca di una 

spedizione scientifica per stabilire a chi 

appartenga un cadavere mummificato ritrovato 

su una linea di confine, ma via via 

diventa un intrigante giallo dalle atmosfere 

rarefatte. Un gruppo eterogeneo di persone 

si ritrova in un luogo isolato e sospeso 

nello spazio e nel tempo, dove il ritmo 

quotidiano delle cose sembra arrestarsi. E 

l’indagine analitica (e non) può mettersi al 

centro della narrazione. 

A distanza di tre anni dal suo lungometraggio 

d’esordio, La velocità della luce, 

Andrea Papini firma un’interessante opera 

che ha il pregio dell’originalità e che procede 

in un efficace alterarsi di grandi spazi 

aperti e di spazi chiusi, intimi, privati. È 

una storia di ‘fredda’ montagna che accende 

‘calde’ passioni: la passione per l’investigazione 

di un mistero di molti anni prima 

(il ritrovamento di uno spillone appartenuto 

alla regina Margherita di Savoia 

“pungolerà” la curiosità degli ospiti del rifugio, 

spingendoli ad indagare sul mistero 

del cadavere mummificato) ma anche la 

passione per i luoghi e per la grande apertura 

sull’immensità dell’universo che aprono. 

E tra maltempo, superstizioni, antiche 

leggende, tradizioni culinarie (il pesantissimo 

piatto tipico di quei luoghi l’Uberlekke 

che provoca qualche indigestione di troppo), 

vecchi diari dalle pagine insanguinate, 

cappelli indossati da teste coronate, il 

regista riesce nell’intento di girare un film 

che quasi ipnotizza, mescolando bellezza 

della natura e fascino del mistero avvolgendo 

il tutto con una pregevole colonna 

sonora. 

La bellezza del rifugio Vigevano, sopra 

Alagna Valsesia, un piccolo comune nell’estremo 

nord del Piemonte, vicino alla Valle 

d’Aosta e al confine svizzero, aiuta l’esito 

del film come pure la bravura degli attori, tutti 

volti minori del cinema italiano che meriterebbero 

di essere valorizzati di più. 

Ricordiamo solo Paolo Bonanni (presenza 

costante nei film di Marco Tullio Giordana 

da La meglio gioventù a Sanguepazzo) 

nei panni del topografo svizzero e Giovanni 

Guardiano (noto al grande pubblico 

come il capo della scientifica Jacomuzzi 

della serie “Il commissario Montalbano”) 

nel ruolo del più “caliente” topografo siciliano, 

e poi Peppino Mazzotta (il fido agente 

Fazio di Montalbano in TV) e Beatrice Orlandini 

(già protagonista di La velocità della 

luce di Papini) nei panni dei gestori del rifugio. 

Da segnalare è la breve apparizione 

del deputato della Lega Nord Gianluca 

Buonanno, poliedrico e iperattivo sindaco 

di Varallo Sesia, noto per le sue originali 

iniziative. 

Il film è stato girato con un basso bud-

get e sfruttando il premio conseguito da 

Papini per il suo primo lungometraggio alla 

rassegna “Cinema domani. Esordi del Cinema 

Italiano Indipendente”, l’uso per due 

settimane della raffinata telecamera “HD 

Red 4k”. Merito del regista e dei suoi col- 

BOX OFFICE 3D 

Italia, 2011 

Regia: Ezio Greggio 

Produzione: Andrea Borella, Leonardo Recalcati per Mondo 

Home Entertainment/Talents Factory 

Distribuzione:Moviemax 


Soggetto:Ezio Greggio 

Sceneggiatura: Fausto Brizzi, Marco Martani, Ezio Greggio, 

Rudy De Luca, Steve Haberman 

Direttore della fotografia: Fabio Zamarion 

Montaggio: Valentina Mariani 

Musiche: Pivio De Scalzi, Aldo De Scalzi, Bruno Di Giorgi 

Scenografia: Andrea Faini 

Costumi: Ina Damyanova 

Produttori esecutivi: Ezio Greggio, Guglielmo Marchetti 

Direttore di produzione: Stefano Giannetti 

Aiuti regista: Asya Chakarova, Marco Garbuglia 

Arredatore: Monica Sironi 

Trucco: Daniela Avramova, Sofi Hvarleva 

Supervisore effetti visivi: Giuseppe Squillaci 

Coordinatore effetti visivi: Ludovico Bettarello 

N 

e Il Codice Teomondo Scrofalo 

Frank Strong è un famoso professore 

di simbologia che sta seguendo 

le indagini sul Codice in oggetto. 

Al suo fianco Liz Salamander, una hacker 

incarcerata a Parigi e famosa perché pare 

che abbia scoperto un carteggio amoroso tra 

il Papa e il suo assistente. Insieme si metteranno 

sulle tracce della temibile setta del 

Lacryma Christi. Poi c’è Twinight, in cui 

Bellabimba è una ragazza contesa da un vampiro 

e un lupo mannaro sempre pronti a fare 

a cazzotti. Non manca neanche il pianeta 

Panduro di Viagratar, dove gli strani abitanti 

ingeriscono pillole blu per lasciarsi coinvolgere 

nelle danze del Bunga Bunga. Erry Sfotter 

e gli amici Ronf ed Erniona sono invece i 

protagonisti di Erry Sfotter e l’età della pensione. 

Erry, Erniona e Ronf sono tre maghi 

ripetenti, tenuti segregati nella scuola di 

magia del Castello dei Sequels dall’intransigente 

Mago Silenzio. Tra trucchi e magie, 

nasce l’antagonismo tra Erry e il nuovo arrivato 

Frodolo, Signorino degli Anelli e del 

suo fedele servitore juventino Gobbum. Intanto 

l’equipaggio di un sottomarino da guerra, 

bloccato ventimila leghe sotto i mari, rischia 

il fatale attacco delle bombe di profon- 


laboratori è stato quello di effettuare le riprese 

in poco tempo affrontando anche le 

difficoltà pratiche che comporta realizzare 

film a tremila metri d’altezza. 

Auguriamo un brillante futuro al regista. 

E lo aspettiamo alla prossima mossa. 

dità tedesche. Il rischio di essere identificati 

e catturati è sempre in agguato ed è molto 

difficile mantenere il silenzio per restare al 

sicuro. Fino a quando, però, il gruppo di soldati 

italiani non riesce più a trattenere l’esultanza 

alla notizia radio che gli azzurri hanno 

vinto i mondiali. Zoppo, il vendicatore 

claudicante, è un abile spadaccino munito di 

maschera e mantello che, tra lamenti napoletani 

e imprevisti, riuscirà a conquistare 

Carmecita, la bella del villaggio. Ci si imbatte 

anche negli spietati mafiosi di Chi ha 

ucciso l’ultimo Padrino che nei sobborghi di 

Brooklyn si accusano l’un l’altro pur di non 

essere calati nel cemento e nelle macchine 

da corsa truccate di Corri fast che sono furius. 

Ma anche nell’ormai invecchiato agente 

segreto di Old Old 70 – L’Ospizio può attendere 

alle prese con pannoloni per incontinenti 

da usare come armi da combattimento 

e dentiere esplosive. Zoppo – il vendicatore 

claudicante, le macchine da corsa truccate 

sono protagoniste in Corri fast che sono 

furius. 

U 

50 

Con la speranza che il cinema indipendente 

in Italia sia sostenuto di più. Soprattutto 

quando, in casi come questo, lo meriterebbe 

davvero. 

Elena Bartoni 

Interpreti: Ezio Greggio (Frank Strong/Massimo/Biondo/Capitano/Erry 

Sfotter), Giorgia Würth (Liz Salamander), Mario 

Zucca (ispettore Michel/addestratore), Max Pisu (assistente 

Michel), Riccardo Miniggio (custode del museo/Marco Aurelio/Agente 

007/Buendia), Matilde Dondena (hostess), Alessandro 

Bianchi (Camerlengo/Pallidone/Uomo radar/Massimo 

Moratti), Mariano Rigillo (Officiante), Maurizio Mattioli (Bob/ 

Centurione), Enzo Salvi (Tony/Commodo/Moro), Gianfranco 

Jannuzzo (mafioso 1/ Montenero), Franco Neri (mafioso 2), 

Anna Falchi (Bellabimba/Erniona), Michelangelo Pulci (soldato 

1/militare 1/Gobbum), Mariano D’Angelo (soldato 2), Cesara 

Buonamici (passante), Gianni Fantoni (bookmaker/militare 

2/cuoco), Sergio Solli (Qu il tecnico), Daniele Giulietti (primo 

ufficiale/tecnico astronave), Biagio Izzo (Zorro), Rocco Ciarmoli 

(eroe), Claudia Pennoni (comandante/professoressa Stirling), 

Gigi Proietti (Mago Silenzio), Antonello Fassari (Ronf), 

Cristiano Militello (Frodolo), Bruno Pizzul (telecronista), Aldo 

Biscardi (giornalista), Gina Lollobrigida, Luca Giurato 

Durata: 90’ 

Metri: 2470 

na serie di parodie dei più popolari 

blockbuster degli ultimi anni 

che si susseguono sotto la regia 

di Ezio Greggio in Box Office 3D è quanto 

di più imbarazzante si sia visto nelle sale 

cinematografiche, firmate da un italiano, negli 

ultimi anni. Presentato all’ultimo Festival 

del Cinema di Venezia come film di apertura, 

la pellicola è un susseguirsi di gag stereotipate 

e prevedibili, ispirate a ben ventisette 

dei film più visti e seguiti degli ultimi 

anni, come Avatar di James Cameron, Il silenzio 

degli innocenti, Harry Potter, Fast and 

fourius, Zorro, 007 e ll codice Da Vinci. Si 

parte da una reinterpretazione piuttosto 

banale dei titoli, per arrivare a episodi che 

non hanno nulla della lezione che lo stesso 

Greggio dichiara di aver imparato dal genio 

di Mel Brooks. Di 3D non c’è quasi nulla, 

nonostante il film si presenti come il primo 

italiano del genere e si assiste ad una 

sequenza di episodi dal taglio filmico molto 

più simile a quello trailer, alternati in maniera 

sconnessa a episodi che sembrano 

invece più dei cortometraggi. Il linguaggio 

e il ritmo sono decisamente più televisivi 

che cinematografici, nonostante si avvalga 

di attori che, di cinema ne hanno fatto tanto. 

Occasione mancata anche per loro, dei 

quali non si è saputa sfruttare la bravura. Il 

cast infatti vanta nomi come Gigi Proietti e

Franco Nero, Maurizio Mattioli e Gina Lollobrigida, 

presente in un cameo nel finale 

del film. Ma questi nomi si perdono completamente 

nel calderone di personaggi e 

attori improvvisati; basti pensare alle comparsate 

di Luca Giurato e Cesara Buona- 


Regia: Seth Gordon 

Produzione: Brett Ratner, Jay Stern per New Line Cinema/Rat 

Entertainment 



Soggetto: Michael Markowitz 

Sceneggiatura: Michael Markowitz, John Francis Daley, Jonathan 

Goldstein 

Direttore della fotografia: David Hennings 

Montaggio: Andrew S. Eisen, Peter Teschner 

Musiche: Christopher Lennertz 

Scenografia: Shepherd Frankel 

Costumi: Carol Ramsey 

Produttori esecutivi: John Cheng, Michael Disco, Diana 

Pokorny 

Co-produttori: John Rickard, Mary Rohlich 

Direttore di produzione: Diana Pokorny 

Casting: Lisa Beach, Sarah Katzman 

Aiuti regista: Clark Credle, Jeremy Reisig, Darin Rivetti, Frank 

Tignini 

Operatori: Kris Krosskove, Daniel Nichols, Gregory W. Smith 

Operatore Steadicam: Gregory W. Smith 

Art director: Jay Pelissier 

Arredatore: Jan Pascale 

Effetti speciali trucco: Koji Ohmura (W.M. Creations) 

N 


mici. Occasione persa per Ezio Greggio che 

pure ha dato prova già altre volte di essere 

un buon attore, come in Il papà di Giovanna 

di Pupi Avati e che ogni sera riesce ad 

intrattenere il pubblico televisivo nazionalpopolare 

con toni graffianti e anche un piz- 

COME AMMAZZARE IL CAPO...E VIVERE FELICI 

(Horrible Bosses) 

ick, Dale e Kurt sono tre amici 

legati anche dall’odio nei confronti 

dei rispettivi capi. Nick infatti 

lavora in una compagnia finanziaria, 

dove accumula straordinario cercando di 

compiacere il suo capo per ottenere una 

promozione che non arriverà mai. Kurt 

invece lavora in un’azienda e ha un rapporto 

splendido con il suo datore di lavoro. 

Ma quando questi muore, l’azienda finisce 

nelle mani del figlio folle, cocainomane 

e corrotto che pensa solo a far soldi 

liberandosi illegalmente delle scorie prodotte 

dalla sua ditta chimica. Dale lavora 

come igienista presso lo studio dentistico 

di una dottoressa che lo molesta sessualmente 

minacciandolo continuamente di 

raccontare alla sua ragazza di avere con 

lui una presunta relazione. Ormai esasperati, 

i tre amici si ritrovano una sera al 

pub per sfogarsi l’uno con gli altri. Tra una 

birra e l’altra incominciano a convincersi 

che l’unico modo per risolvere la situazione 

sia assoldare un killer che uccida i loro 

capi. La ricerca del killer si rivela però più 

complicata di quanto immaginassero fino 

a quando, in un locale di periferia, incontrano 

un uomo che si propone di svolgere 

il compito. Ben presto, però, si scopre che 

l’uomo non è il killer che loro avevano creduto, 

ma un ex galeotto finito in galera per 

la semplice condanna di pirateria cinematografica. 

Ai tre ragazzi non resta che fare 

da sé ed escogitare il piano per uccidere il 

loro capi. Per una catena di fortuiti imprevisti 

il primo di cui si libereranno è il 

capo di Kurt. Grazie a una serie di casualità 

infatti, Harken il capo di Nick penserà 

che la moglie ha un amante e che questi 

sia proprio il capo di Kurt. Dopo averlo 

freddato con un colpo di pistola, tenterà di 

incastrare Kurt e i suoi amici che verranno 

però salvati in extremis dal servizio di 

assistenza automobilistica che, prima del- 

51 

zico di cinismo. Il film quindi si digerisce 

male, e si digerisce ancor peggio, pensando 

che è entrato dalla porta principale del 

Festival di Venezia. 


Trucco: Deborah La Mia Denaver, Kelcey Fry, Jamie Kelman, 

Angela Levin 

Acconciature: David Danon 

Supervisore effetti speciali: Jeremy Hays 

Supervisore effetti visivi: Paul Graff 

Coordinatore effetti visivi: Rachel Faith Hanson 

Supervisore effetti digitali: Luke McDonald (Crazy Horse 

Effects) 

Supervisore musiche: Dana Sano 

Interpreti: Jason Bateman (Nick Hendricks), Charlie Day (Dale 

Arbus), Jason Sudeikis (Kurt Buckman), Jennifer Aniston (Julia 

Harris), Colin Farrell (Bobby Pellitt), Kevin Spacey (Dave Harken), 

Donald Sutherland (Jack Pellit), Jamie Foxx (preside Jones), Steve 

Wiebe (Thomas capo della sicurezza), Lindsay Sloane (Stacy), 

Michael Albala (signor Anderton), Meghan Markle (Jamie), Celia 

Finkelstein (Margie Emerman), John Francis Daley (Carter), Scott 

Rosendall (Hank Preston), P.J. Byrne (Kenny Sommerfeld), Julie 

Bowen (Rhonda Harken), Reginald Ballard, Jennifer Hasty, George 

Back, Barry Livingston (colleghi di Kurt), Dave Sheridan 

(barman), Brian George (Atmanand), Chad Coleman (barman), 

Diana Toshiko, Carla Maria Cadotte (ragazze di Bobby), Peter 

Breitmayer (farmacista), Isaiah Mustafa (agente Wilkens), Wendell 

Pierce (detective Hagan), Ron White (detective Samson) 

Durata: 92’ 

Metri: 2700 

l’arrivo della polizia, aveva registrato la 

confessione di Harken. A questo punto a 

Dale non resta che frenare il suo capo incastrandolo 

e minacciandolo con le sue 

stesse armi. 

D 

iciamolo subito: chi non ha mai 

immaginato, anche solo per un 

attimo, di ammazzare il proprio 

capo? Quale spettatore, vedendo il film, 

non ha desiderato essere nei panni di Dale 

o Kurt o Nick e dare sfogo alle proprie frustrazioni? 

Allora ecco un film, in classico 

stile da commedia americana, che ci racconta 

il sogno dei suoi tre giovani protagonisti 

senza velature e inibizioni. Come 

ammazzare il capo... e vivere felici (nuovo 

caso di pessima trasformazione del titolo 

originale Horrible Bosses) è l’ultima pellicola 

diretta da Seth Gordon, già regista di 

film come Tutti insieme inevitabilmente. 

Con un cast da nomi ben noti come Colin

Farrel, Jannifer Aniston e Kevin Spacey, il 

film si sviluppa per intero con il susseguirsi 

di scene vivaci e a volte poco equilibrate. Il 

racconto si regge infatti completamente sul 

tema della vendetta e dei tentati omicidi ai 

danni dei capi, ma senza particolari elementi 

horror o noir. A reggere tutta la struttura 

del racconto troviamo una impalcatura di 

azioni e parole la cui vera resistenza sta 

nella bravura degli attori “storici” e più affermati, 

ma anche in quella degli attori nei ruoli 

I 

I PINGUINI DI MISTER POPPER 

(Mr. Popper’s Penguins) 


Regia: Mark Waters 

Produzione: John Davis per Twentieth Century Fox Film Corporation/Davis 

Entertainment/Centro Digital Pictures Ltd. 

Distribuzione: Twentieth Century Fox 


Soggetto: tratto dal romanzo omonimo di Richard e Florence 

Atwater 

Sceneggiatura: Sean Anders, John Morris (II), Jared Stern 

Direttore della fotografia: Florian Ballhaus 

Montaggio: Bruce Green 

Musiche: Rolfe Kent 

Scenografia: Stuart Wurtzel 

Costumi: Ann Roth 

Produttori esecutivi: Derek Dauchy, Joel Gotler, Jessica 

Tuchinsky 

Produttore associato: Linda Fields 

Co-produttore: Ira Napoliello 

Line producer: Jonathan Filley 

Direttore di produzione: John A. Machione 

Casting: Kathleen Chopin, Marci Liroff 

Aiuti regista: Adam Bernard, David Catalano, Matt Power 

Operatore: Thomas Lappin 

Art director:Patricia Woodbridge 

Arredatore: Ellen Christiansen 

Trucco: Felice Diamond 

Acconciature: Jerry DeCarlo 

Supervisore effetti visivi: Bill Kunin 

Coordinatori effetti visivi: My Linh Truong, Neh Jaiswal 

(Rhythm and Hues), Rachel Faith Hanson, William H.D. Marlett, 

Celine Chew, Chan Ee Jien 

l piccolo Tommy Popper è cresciuto 

a New York e ha conosciuto suo padre 

solo attraverso i racconti delle 

sue avventure in giro per il mondo che lui 

gli faceva via radio. Ma da grande Tommy 

è diventato Mr. Popper, un immobiliarista 

di successo e senza scrupoli. È divorziato 

(ma ancora segretamente innamorato della 

sua ex moglie) e ha due figli che vede solo a 

week end alternati. Un giorno apparentemente 

come tanti vissuti tra la casa a 

Manhattan e le stanze del suo studio, di cui 

spera di diventare socio, Mr. Popper si vede 

recapitare improvvisamente a casa una sca- 


dei tre ragazzi, Jason Bateman, Charlie Day 

e Jason Sudeikis. Nonostante il film sembri 

perdere l’equilibrio in più di una scena, l’attenzione 

viene subito attratta dai personaggi 

assolutamente sui generis dei tre capi, ma 

ben riusciti nella logica del film. Jennifer 

Aniston non è eccezionale nelle vesti di una 

dentista molestatrice, ma piace perché dimostra 

di saper divertire anche senza l’immagina 

ormai stereotipata di brava ragazza 

e fidanzata d’America. Così come Kevin 

tola dall’Antartide, l’ultimo omaggio di suo 

padre ormai defunto. Ma quando Mr. Popper 

apre la cassa, ciò che si palesa ai suoi 

occhi è molto di più di quanto immaginasse. 

Nella cassa, circondato da blocchi di 

ghiaccio, c’è un pinguino vivo che inizia a 

scorrazzare per casa emettendo strani striduli. 

L’idea immediata è di chiamare ogni 

ente possibile che possa aiutarlo a liberarsi 

di quell’animale, ma dopo una telefonata 

incomprensibile con l’Antartide, Mr. Popper 

se ne vede recapitare altri cinque. La 

situazione diventa sempre più incontrollabile, 

soprattutto perché nel lussuoso con- 

52 

Spacey nel ruolo di un finanziere affamato 

di successo e riconoscimenti, e Colin Farrel 

in quello di un cocainomane folle. Se, 

dal punto di vista strettamente recitativo, il 

divario tra i due gruppi di attori si avverte, è 

anche vero l’inverso: questo divario contribuisce 

simpaticamente a rafforzare il conflitto 

drammaturgico tra i “capi vessatori” e 

le loro giovani vittime. 


Supervisore effetti digitali: Will Telford (Rhythm and Hues) 

Supervisore costumi: Joseph La Corte 

Supervisore animazione:Alex Poei 

Animazione personaggi: Kevin Lan 

Animazione: Tony Mecca, Valerie Scheiber (Rhythm & Hues), 

David Apgar, Jason Behr, Jocelyn Cofer, Stephen Dahler, 

Aaron Deerfield, Ami DeLullo, Alex Jansen, Rohit Kolhe, Daniel 

Patrick Lane, Paul Ming Tak Lee, Casey McDermott, Teresa 

Nord, Spencer Ockwell, Jyoti Parasrampuria, Hunjin Park, 

Abhijit Parsekar, Dixie Pizani, John Paul Rhinemiller, Spencer 

Roberts, Ryan Sluman, Sreejit Sreedharan, Nicholas St. Clair, 

Wes Storhoff, Luis Carlos Uribe, John Velazquez, Amanda 

Wagner, Braden Walker, Leslie Watters, Lauren Wells, Robby 

Wong, Kirsten Yamaguchi 

Interpreti: Jim Carrey (Mr. Popper), Carla Gugino (Amanda), 

Angela Lansbury (signora Van Gundy), Ophelia Lovibond (Pippi), 

Madeline Carroll (Janie), Clark Gregg (Nat Jones), Jeffrey 

Tambor (signor Gremmins), David Krumholtz (Kent), Philip 

Baker Hall (Franklin), Maxwell Perry Cotton (Billy), James Tupper 

(Rick), Dominic Chianese (lettore), William Charles Mitchell 

(Yates), Kelli Barrett (madre di Tommy), Dylan Clark 

Marshall (Popper giovane), Elaine Kussack (segretaria di 

Gremmins), Desmin Borges (Daryl), Lee Moore (Reginald), 

Dominic Colon (Tito), Jeff Lima (Freddy), Frank Ciornei (Klaus), 

J.R. Horne (Arnold), James Chen (dirigente del Fish & Game), 

Brian T. Delaney, Harlin Kearsley, Matthew Wolf, Andrew 

Stewart-Jones, Rafael Osorio, Curtis Shumaker, Joe D’Onofrio 

Durata: 94’ 

Metri: 2600 

dominio in cui abita, c’è il divieto assoluto 

di avere animali. Tuttavia la presenza di quei 

pinguini permettono a Mr. Popper di trascorrere 

molto più tempo con i suoi figli e 

di recuperare tutti quei momenti persi fino 

ad allora. La presenza dei figli in casa (ormai 

trasformata in uno spazio glaciale) gli 

consente anche di rivedere spesso la sua ex 

moglie. Ma i pinguini non piacciono solo 

ai suoi bambini. Quei piccoli animali, infatti, 

fanno gola anche al gestore dello zoo 

di New York che vede in loro la possibilità 

di creare una nuova attrattiva. Ma la responsabilità 

che Mr. Popper sente verso

quelle piccole creature è ormai la stessa che 

incomincia a riscoprire nei confronti della 

sua famiglia, al punto di combattere per liberarli 

dalle gabbie dello zoo e di decidere 

di cambiare vita per trascorrere più tempo 

con le persone amate. 

I 

pinguini di Mr. Popper è innanzitutto 

il film che segna il ritorno di Jim Carrey 

allo stile personale e unico 

in cui l’attore mette in gioco soprattutto la 

sua straordinaria mimica facciale. E lo fa 

scegliendo di trasporre sul grande schermo 

un classico della letteratura infantile con 

una pellicola firmata da Mark Waters. Dal 

punto di vista narrativo ed estetico, la pellicola 

si muove su due binari, ognuno con le 

IO SONO LI 

Italia/Francia, 2011 

Regia: Andrea Segre 

Produzione: Francesco Bonsembiante, Francesca Feder per 

Jolefilm/Aeternam Films; in collaborazione con Rai Cinema, 

ARTE France e la partecipazione di Arte Cinema 

Distribuzione: Parthenos 


Soggetto: Andrea Segre 

Sceneggiatura: Marco Pettenello, Andrea Segre 

Direttore della fotografia: Luca Bigazzi 

Montaggio: Sara Zavarise 

Musiche: François Couturier 

Scenografia: Leonardo Scarpa 

Costumi: Maria Rita Barbera 

hun Li è di origine cinese e lavora 

come operaia in una fabbrica 

tessile dove si confezionano 

camicie. La fabbrica di trova a Roma, in 

periferia. Shun Li spera di ripagare un 

debito e di avere presto i documenti giusti 

per far venire in Italia anche il figlio di 

appena otto anni. Improvvisamente viene 

trasferita in Veneto, a Chioggia, una città 

nella laguna tra Venezia e Ferrara. Qui infatti 

i suoi datori di lavoro hanno comprato 

una osteria e hanno voluto che lei andasse 

a lavorarci come barista. Uno dei 

più assidui frequentatori del nuovo locale 

è Bepi, per gli amici “il Poeta”. Bepi è 

pescatore di origine rumena, vedovo con 

due figli grandi che vivono in un’altra città, 

a Mestre. Bepi è un uomo dai modi gentili; 

scopre subito di avere in comune con 

Shun Li una passione, quella della poesia 

e incomincia a condividere con lei la sua 

storia, il suo dramma e la sua sofferenza 


sue peculiarità stilistiche. Da un lato, si ha 

una comicità tipicamente infantile, condita 

di gag e battute a effetto che fanno presa 

su un pubblico molto piccolo, portato a vedere 

nelle scivolate e nello sgambettare dei 

pinguini la principale fonte di divertimento; 

dall’altro, invece, si ha una comicità un po’ 

più classica che si avvale della mimica facciale 

di Carrey, ma soprattutto di una costruzione 

perfetta di scene in cui regna la 

ripetizione linguistica a effetto. Molto ben costruite 

anche le gag che coinvolgono luoghi 

“intoccabili” come la scalinata del Museo 

Guggeneheim, trasformata per l’occasione 

in un enorme scivolo di acqua e cubetti 

di ghiaccio. I pinguini di Mr. Popper è 

quindi un film che nel suo insieme convin- 

S L 

per la lontananza dal figlio. Il loro incontro 

segna l’inizio di una storia intima e poetica, 

di un’amicizia caratterizzata dall’incrocio 

di culture diverse (ma in fondo simili) 

e dalla condivisione dalla stessa passione 

per la poesia. Sarà soprattutto un 

incontro che segna una cambiamento radicale 

e imprevedibile nelle loro vite. A 

turbare il loro rapporto non subentra, infatti, 

la differenza culturale e di provenienza, 

quanto invece la provincialità e la chiusura 

delle rispettive comunità: quella cinese 

e quella veneta del piccolo centro di 

Chioggia. Solo Shun Li e Bepi sanno di 

avere un linguaggio comune, quello dei 

sentimenti, che potrebbe permettergli di superare 

ogni distanza culturale. Costretti a 

separarsi nonostante tutto, Shun Li e Bepi 

troveranno ognuno una strada diversa, 

ognuno il proprio destino. Ma continueranno 

sempre a parlare la stessa lingua, 

quella che li aveva uniti nel loro amore. 

53 

ce il pubblico infantile, ma anche quello 

adulto. E se lo fa, non tanto per la sua eleganza 

estetica, ma per la sincerità con cui 

esprime i suoi veri intenti: lanciare un messaggio 

ambientalista e ecologista e tentare 

di unire (almeno davanti allo schermo, perché 

no) adulti e bambini nella scoperta dei 

sentimenti sinceri, del senso della responsabilità 

e della vicinanza alle persone amate 

da ognuno. Ma se non sono queste le cose 

che colpiscono altri tipi di pubblico, sicuramente 

lo saranno la simpatia e la freschezza 

del film in un panorama cinematografico, 

in cui l’effetto speciale sembra prevalere 

sul racconto e sulle emozioni. 


Produttore associato: Arnaud Louvet 

Organizzatore generale: Nicola Rosada 

Casting: Jorgelina Depetris Pochintesta 

Aiuto regista: Cinzia Castania 

Assistenti alla regia: Matteo Calore, Simone Falso 

Supervisore effetti visivi: Rodolfo Migliari (Chromatica) 

Coordinatore effetti visivi: Enrico Barone (Chromatica) 

Suono: Alessandro Zanon 

Interpreti: Zhao Tao (Shun Li), Rade Sherbedgia (Bepi il Poeta), 

Marco Paolini (Coppe), Roberto Citran (avvocato), Giuseppe 

Battiston (Devis) 

Durata: 96’ 

Metri: 2750 

a laguna veneta come difficilmente 

noi italiani potremmo immaginarla, 

cioè vista e filtrata attraverso 

gli occhi di una giovane immigrata 

cinese. È quello che si vede in Io sono 

Li, film per il quale il regista Andrea Segre 

esordisce al cinema a soggetto. Un’Italia 

piccola e provinciale, dove, in fondo in fondo, 

la paura per il diverso non è poi così 

nascosta. Presentato con discreto successo 

al Festival del Cinema di Venezia e a 

Cannes, Io sono Li si distingue innanzitutto 

per il cast internazionale di altissimo livello. 

Nei panni di Bepi, il poeta slavo, un 

magnifico Rade Serbedzija, attore di origine 

croata conosciuto anche nel cinema 

americano più popolare. Shun Li è invece 

interpretata da Zhao Tao, attrice già molto 

nota nel cinema cinese da cui proviene. 

Le loro interpretazioni offrono un ottimo 

supporto alla prima prova con in cinema 

di fiction firmata da Segre, conosciuto per

come regista di documentari con A metà, 

storie tra Italia e Albania (2001), Menzio- 

HORROR MOVIE 

(Stan Helsing) 

Canada/Stati Uniti, 2009 

Regia: Bo Zenga 

Produzione: Kirk Shaw, Scott Steindorff, Bo Zenga per Stone 

Village Pictures/Boz Productions/Insight Film Studios/Helsing 

Releasing/TADORA Filmproduktions 

Distribuzione: Eagle Pictures 


Soggetto e sceneggiatura: Bo Zenga 

Direttore della fotografia: Robert C. New 

Montaggio: Dennis M. Hill, Sterling Scott 

Musiche: Ryan Shore 

Scenografia: Chris August 

Costumi: Angelina Kekich 

Produttori esecutivi: Christian Arnold-Beutel, Scott M. Boggio, 

William G. Brown, Gregory R. Greenfield, Jere Hausfater, 

Mark S. Jacobs, Scott LaStaiti, Karen Lauder, Lindsay MacAdam, 

Lionel S. Margolick, Dylan Russell 

Produttori associati: Devon DeLapp, Stacey Shaw, Adam 

Voghell 

Co-produttori: Shannon McA’Nulty, Valeska Ramet, Ryan 

Scott Warren, Elek Hendrickson 

Line producer: Rob Lycar 

Direttore di produzione: Rob Lycar 

Casting: Tiffany Mak, Laura Toplass 

Aiuti regista: Peter Dashkewytch, Peter Dashkewytch, David 

Heimbecker, Melissa Patton, Quincy Wheeler-Hendren 

S 

tan Helsing, un pigro commesso, 

sta ultimando il suo turno presso 

la videoteca Schlockbuster. Nel 

negozio dove lavora deve affrontare clienti 

che cadono a terra dopo la visione di 

“The Ring” e uno scarafaggio gigante. As- 


ne e Marghera Canale Nord del 2003. Se 

per certi versi il film può risultare infatti 

sieme ai suoi amici Teddy e Mia e la sua 

ex Nadine (con la quale si è lasciato in 

modo piuttosto strano) hanno in programma 

di andare a festeggiare la notte di Halloween. 

Il suo prepotente capo però lo costringe 

a consegnare dei dvd all’anziana 

54 

un po’ didascalico, dall’altro lato, però 

esso riesce a raccontare l’evoluzione dei 

sentimenti dei suoi personaggi, il dramma 

di Shun Li per la lontananza dal figlio 

e il dolore del distacco dei due amanti in 

maniera molto delicata. Ciò in cui però 

Segre riesce meglio, sicuramente per le 

sue origini documentariste, è la descrizione 

e l’analisi sociologica delle comunità 

di cui ci parla nel film: quella cinese e 

quella della provincia veneta. Ne risulta 

un quadro preciso, dettagliato e misurato 

da cui emerge il disegno dell’incontro tra 

culture diverse, il dialogo comune che 

esse riescono a costruire con il linguaggio 

dei sentimenti e delle emozioni. A fare 

da sfondo a tutto questo dipinto di emozioni, 

anche quello della poesia come vero 

trait d’union delle vite dei protagonisti, uniti 

nella loro solitudine proprio dall’afflato 

poetico. 


Operatori: Paul Mitchnick, Lohengrin Zapiain 

Operatore Steadicam: Lohengrin Zapiain 

Art director: Anneke Van Oort 

Arredatore: Shirley Inget 

Effetti speciali trucco: Tibor Farkas 

Trucco: Kathy Howatt, Brittany Isaacs, Kristi Strang 

Acconciature: Charmaine Clark, Brittany Isaacs, Kristi Strang 

Coordinatori effetti speciali: Brant McIlroy, Martin Testa 

Supervisore effetti visivi: Richard Mintak 

Supervisori costumi: Christina Barry, Joi Kittredge 

Supervisore musiche: Liz Gallacher 

Interpreti: Steve Howey (Stan Helsing), Diora Baird (Nadine), 

Kenan Thompson (Teddy), Desi Lydic (Mia), Leslie Nielsen 

(Kay), Kit Zenga (orfano), Darren Moore (pazzo), Twan Holliday 

(Pleatherface), Ben Cotton (Fweddy), Travis MacDonald 

(Hitcher), Lee Tichon (Michael Crier), Ken Kirzinger (Mason), 

Charles Zuckermann (Needlehead), Jeff Gulka (Lucky), Chad 

Krowchuk (Sully), Nathan Dashwood (garzone), Derek Watt 

(Timmy), Ray G. Thunderchild (marito), Hilary Strang (signora 

hippie), Jeremy Crittenden (chierichetto), Robin Nielsen, 

Lara Babalola (dipendenti), John Burnside (guardia di sicurezza), 

Steven Garr (venditore), Denyc, Holly Eglington, Ildiko 

Ferenczi (spose), Aaron Rota, Zainab Musa, Alain Chanoine 

Durata: 95’ 

Metri: 2600 

madre del proprietario che abita dall’altra 

parte della città. Assieme agli altri Stan 

cerca di sbrigare prima possibile questo 

compito, in modo da avere poi tutta la serata 

libera per divertirsi. Sulla strada però 

s’imbattono nel traffico e lì già vedono

Chucky, la Bambola Assassina. Poi si fuma 

una canna assieme al gruppo e dopo la loro 

auto investe un cane, Sammy Boy, molto 

amato dalla comunità. Il proprietario, disperato, 

giura che gliela farà pagare. Durante 

il tragitto, poi, danno il passaggio a 

un omicida evaso di prigione ma, una volta 

scoperta l’identità, riescono a buttarlo 

fuori dal veicolo. Arrivano a un benzinaio 

dove c’è una donna hippie. Scoprono che 

lì vengono realizzati dei video con protagonisti 

gli ignari clienti mentre si trovano 

in bagno. A un certo punto giungono nel 

complesso residenziale “Notti tempestose” 

dove hanno girato i film horror più famosi 

e dove pensano di riconsegnare i video. Lì 

però l’atmosfera è sinistra; ci sono infatti 

delle tombe dove tutti i defunti sono morti 

il 31/10/1999 e proprio quella sera ricorre 

il 10° anniversario di un terribile incendio 

che era scoppiato lì. Arrivano in un 

locale dove vengono malvisti e serviti da 

un’anziana cameriera con lineamenti maschili. 

Ma le avventure della loro serata 

non sono ancora finite. Si trovano infatti 

in una continua situazione di pericolo e si 

rifugiano in una chiesa, dove c’è uno strano 

chierichetto, s’imbattono in affascinanti 

ragazze-vampiro anche protagoniste di uno 

striptease, vengono inseguiti da una giovane 

squadra di hockey, entrano accidentalmente 

nel set di un film porno-gay. Sul 

loro cammino ci sono tutti i più importanti 

mostri dell’horror moderno che vogliono 

farli fuori. Oltre a Chucky ci sono anche 

Freddy Krueger, Michael Myers, Jason 

Vorhees, Leatherface e Pinhead. Per riu- 

BACIATO DALLA FORTUNA 

Italia, 2011 

Regia: Paolo Costella 

Produzione: Rita Rusic, Lierka Rusic, Valeria Salemme per 

Medusa Film/Arella Film/Chi è di Scena 



Soggetto:Vincenzo Salemme 

Sceneggiatura: Vincenzo Salemme, Paolo Costella, Massimiliano 

Bruno, Gianluca Bomprezzi, Edoardo Bechis (collaborazione), 

Antonio Guerriero (collaborazione) 

Direttore della fotografia: Enrico Lucidi 

Montaggio: Patrizio Marone 

Musiche: Pasquale Catalano (I) 

Scenografia: Gianluca Gobbi 

Costumi: Nicoletta Ercole 

Direttore di produzione: Roberto Di Coste 

Organizzatore generale: Nicola Mastrorilli 


scire a salvarsi devono così affrontarli in 

una gara di karaoke dove riescono a prevalere 

grazie al consenso del pubblico che 

li ha decretati vincitori della sfida. 

L 

a presenza di Leslie Nielsen in 

una delle sue ultime apparizioni 

sembra essere fatta apposta per 

(provare a) chiudere definitivamente una 

saga che ormai è da qualche film a corto 

di idee, come si è visto negli imbarazzanti 

Epic Movie e Disaster Movie. Il celebre attore 

della trilogia di Una pallottola spuntata 

che è presente anche negli ultimi due 

Scary Movie nei panni del Presidente Harris, 

qui è travestito da cameriera modello 

Aretha Franklin con parruccone. Il suo volto 

non fa più scattare la gag. È piuttosto una 

maschera che guarda in modo impassibile 

e a distanza le ceneri del demenziale. 

Non si tratta di ritirare fuori Mel Brooks o 

John Landis. Neanche di riciclare L’aereo 

più pazzo del mondo o Top secret. Quelli 

erano gli anni ’80 quindi un’altra storia. 

Sull’onda di Scary Movie, non c’è solo un 

film a essere preso di mira, ma alcuni dei 

titoli più rappresentativi del genere. La citazione 

si sovraccarica ma si perde l’humour. 

Con Horror Movie invece ormai non 

resta più niente. Le più celebri icone horror 

come Freddy Krueger (Nightmare), 

Michael Myers (Halloween), Chucky (La 

bambola assassina), Jason Vorhees (Venerdì 

13), Leatherface (Non aprite quella 

porta) e Pinhead (Hellraiser) vengono 

mortificate e ridicolizzano anche la loro statura, 

girano ormai come zombie nella not- 

55 

te, quasi delle marionette senza più spessore. 

Realizzato nel 2009 e uscito solo ora 

nelle nostre sale, Horror Movie parte (come 

si vede dal titolo originale) a Van Helsing. 

Il ragazzo protagonista è Stan Helsing, si 

confonde dentro un negozio di videonoleggio, 

tanto per esibire la parodia cinematografica 

come all’inizio nel caso di The 

Ring dove tutti cascano dopo aver visto il 

film, si ritrova con uno scarafaggio gigante, 

gira la notte di Halloween, ritira fuori 

con i suoi amici Craven di L’ultima casa a 

sinistra in dialoghi sempre più agghiaccianti 

e passa come un rullo compressore pure 

su Johnny Cash quando canta Rings of 

Fire. Le situazioni comiche si accumulano, 

ma si chiudono dopo pochissimi secondi 

ma non fanno ridere neanche per 

sbaglio. Forse questa è la deriva del demenziale/parodia. 

Gli sguardi dentro la 

macchina da presa del protagonista con 

la frase “Ora sarebbe il momento di fare 

un controcampo da paura”, o l’apparizione 

di Michael Jackson nel chiosco dei gelati 

sottolineano che il serbatoio delle idee 

è finito da tempo. Bo Zenga e i suoi predecessori 

Jason Friedberg e Aaron Seltzer 

possono anche proseguire su questa linea. 

Ma a questo punto non interessa più di 

sapere, durante la visione, quale sarà il 

prossimo film a essere preso di mira per 

indovinarlo. Il giocattolo ormai è rotto. Provare 

ora a rifarlo funzionare può essere 

ancora peggio. 


Casting: Gaia Gorrini 

Aiuto regista:Chantal Toesca 

Trucco: Gino Tamagnini 

Acconciature: Adel Ben Mouldi Saada 

Supervisore effetti visivi: Stefano Marinoni 


Suono: Cinzia Alchimede 

Interpreti: Vincenzo Salemme (Gaetano), Asia Argento (Betty), 

Nicole Grimaudo (Anna), Alessandro Gassman (comandante 

Grandoni), Dario Bandiera (Nicola), Giuseppe Giacobazzi 

(Osvaldo), Marco ‘Baz’ Bazzoni (Antonio), Paola Minaccioni 

(Marisa), Elena Santarelli (Teresa), Isabelle Adriani (Clara), 

Valeria Graci (Virginia), Marzia Bolognini (sorella ex moglie), 

Maurizio Casagrande 

Durata: 97’ 

Metri: 2700

P 

arma. Gaetano è un vigile urbano 

di origine napoletana, pieno 

di debiti con la banca e giocatore 

abituale di quella che crede la sua 

sestina vincente per il Superenalotto. 

Croce e delizia di Gaetano è Betty, cuoca 

passionale che lui vorrebbe sposare ma 

che nicchia (in realtà è amante di Silvano, 

comandante dei Vigili Urbani, capo di Gaetano 

e popolare play-boy di fama comunale). 

Silvano ha anche un’avida ex moglie, 

la beghina Marisa, tutta casa, famiglia e 

chiesa. 

Amici e colleghi di Gaetano sono Nicola 

(emigrato siciliano anche lui con bella 

fidanzata fedifraga) e Osvaldo (vigile 

urbano di settentrionale e di rara pedanteria). 

In una tranquilla mattina di lavoro, Gaetano 

incontra Grazia una psicoterapeuta 

sua vecchia amica, che lo convince a essere 

il primo paziente dello studio che ha 

appena aperto. Durante la seduta, emerge 

chiaramente la fissazione del vigile per il 

gioco; Grazia cerca allora di persuaderlo 

a non affidare la propria vita a dei numeri 

e si fa promettere che smetterà di giocare. 

Gaetano finge di impegnarsi, ma poi Grazia 

deve seguirlo per strada per non farlo 

correre al solito bar dove gioca. Solo una 

L’ULTIMO TERRESTRE 

Italia, 2011 

Regia: Gian Alfonso Pacinotti 

Produzione: Domenico Procacci per Fandango in collaborazione 

con Rai Cinema 

Distribuzione: Fandango 


Soggetto: liberamente ispirato al romanzo a fumetti Nessuno 

mi farà male di Giacomo Monti 

Sceneggiatura: Gian Alfonso Pacinotti 

Direttore della fotografia: Vladan Radovic 

Montaggio: Clelio Benevento 

Musiche: Valerio Vigliar 

Scenografia: Alessandro Vannucci 

Costumi: Valentina Taviani 

Supervisione alla produzione: Valeria Licurgo 

Produttore delegato: Laura Paolucci 

C 

andido misogino e timidissimo, 

Luca è un giovane uomo innamorato 

della sua vicina di casa, cui 

non osa rivolgere la parola, impiegato 

mobbizzato presso il bingo cittadino e figlio 

amorevole di un burbero contadino rimasto 

solo da quando la madre di Luca se n’è andata. 

La vita di Luca si trascina stancamen- 


volta seminata la donna, Gaetano riuscirà 

a raggiungere il chiosco del bar, ma sarà 

ormai troppo tardi. 

Eppure proprio quella settimana escono 

i numeri di Gaetano. Il vincitore del Superenalotto 

è a Parma, annunciano in Tv. 

Alla notizia, Gaetano sviene. Quando si 

sveglia in un letto di ospedale, non ricorda 

nulla, ma tutti i suoi problemi economici 

e sentimentali sembrano magicamente 

risolversi: le banche gli fanno credito, gli 

amici lo adorano, il capo tenta di accattivarselo 

e le donne se lo contendono. A un 

tratto Gaetano ricorda di non essere arrivato 

in tempo per la consueta giocata: 

qualcun altro a Parma ha dunque vinto con 

i suoi numeri. Scoprire che li ha giocati 

Grazia e decidere di sposarla per interesse 

è tutt’uno per il vigile urbano, salvo poi 

restare nuovamente beffato dalla sorte... 

U 

na commedia leggera, un susseguirsi 

di gag e scenette cui è principalmente 

l’accento napoletano 

di Vincenzo Salemme a dare colore, questa 

la pellicola firmata da Paolo Costello. 

La storia è debolissima, del tutto appiattita 

su personaggi stereotipati la cui interpretazione 

è affidata a volti noti (soprattutto 

del piccolo schermo), che con il minimo 

dello sforzo rendono il massimo del ri- 

te, nemmeno l’annuncio del prossimo arrivo 

degli extra-terrestri lo scuote. D’altro canto, 

quasi nessuno sembra eccessivamente spaventato 

dall’avvenimento ormai dato per certo 

da televisione e istituzioni. 

C’è qualche setta che saluta l’avvento 

degli Ufo con speranza, altri lo temono, se 

pur molto tiepidamente. 

56 

sultato possibile, ovvero agendo da caratteristi. 

Con comicità di situazione annacquata 

in tempi troppo lunghi o situazioni 

prevedibili, il film intrattiene senza convinzione 

uno spettatore disposto a veder succedere 

ciò che già immagina. 

La presenza tra i protagonisti di Alessandro 

Gassman, Asia Argento, Maurizio 

Casagrande (storica spalla di Salemme), 

Nicole Grimaudo, Paola Minaccioni, 

Elena Santarelli, Giuseppe Giacobazzi 

e Valeria Graci, non basta per fare 

di Baciato dalla fortuna un film interessante: 

attingendo ai luoghi comuni (come 

l’indolenza dei meridionali e l’efficienza 

dei settentrionali) ed elevando a battute 

alcune freddure o certi giochi di parole 

si perde in verve e freschezza della narrazione. 

Considerando il cast nazional-popolare, 

le scelte scontate della regia, i ritmi lenti, 

i dialoghi che non brillano nonostante 

l’istrionico Salemme a fare da capocomico, 

viene il dubbio che Baciato dalla fortuna 

(già tratto dal soggetto teatrale dello 

stesso Salemme, Fiori di ictus) sia un prodotto 

confezionato seguendo più le regole 

e il pubblico del piccolo schermo che quello 

delle sale cinematografiche. 

Tiziana Vox 

Direttori di produzione: Luciano Lucchi, Attilio Moro 

Aiuto regista: Alessandro Casale, Simone Rosso, Emanuele 

Scaringi 

Trucco: Giovanna Jacoponi 

Supervisore effetti speciali: Franco Galiano 

Suono: Alessandro Bianchi (II) 

Animal Trainer: Claudio Mangini 

Interpreti: Gabriele Spinelli (Luca Bertacci), Anna Bellato 

(Anna Luini), Luca Marinelli (Roberta), Teco Celio (Giuseppe 

Geri), Stefano Scherini (L’Americano), Roberto Herlitzka (padre 

di Luca), Paolo Mazzarelli (Walter Rasini), Sara Rosa Losilla 

(Aliena), Vincenzo Illiano (Gabriele Del Genovese), Ermanna 

Montanari (Carmen), Ugo De Cesare (Joseph Palla) 

Durata:100’ 

Metri: 2750 

Quando però gli alieni arrivano davvero, 

sembra che il loro compito sia quello di 

rimediare alle ingiustizie che gli uomini 

oramai non riescono più a combattere. Così 

accade che siano gli extra-terrestri a far 

piazza pulita del fidanzato fedifrago della 

vicina di casa di Luca, che siano loro a donare 

una vita migliore al suo amico trans

(maltrattato proprio dai colleghi del Bingo 

e tradito da Luca stesso), e ancora che spetti 

a una extra-terrestre molto femminile colmare 

la solitudine del padre di Luca. 

Ma siccome anche gli alieni non fanno 

solo miracoli, il padre di Luca si comporta 

con l’extra-terrestre come aveva fatto con 

la moglie: lasciandola da sola per andare a 

ubriacarsi al bar del paese. Ma l’extra-terrestre 

non ci sta, e va via. Il dolore dell’abbandono 

e uno scontro con Luca, porteranno 

il padre a confessargli che la madre non 

l’ha abbandonato di sua volontà... 

L’epifania degli alieni diventa allora 

l’occasione provvidenziale per Luca di riscattarsi 

dal dolore passato e dalle insicurezze 

con l’altro sesso, aprendo alla possibilità 

dell’happy-end. 

TUTTA COLPA DELLA MUSICA 

Italia, 2011 

Regia: Ricky Tognazzi 

Produzione: Attilio De Razza per Tramp Limited, in collaborazione 

con Medusa Film e Sky 



Soggetto: Leonardo Marini, Simona Izzo 

Sceneggiatura: Simona Izzo, Leonardo Marini, Ricky Tognazzi, 

Silvia Ebreul (collaborazione) 

Direttore della fotografia: Fabio Cianchetti 

Montaggio: Lorenzo Peluso 

Musiche: Carlo Siliotto 

Scenografia: Mariangela Capuano 

Costumi: Germana Melodia 

Produttore esecutivo: Tore Sansonetti 

Organizzatore generale: Luca Bitterlin 

Casting: Marita D’Elia 

Aiuto regista: Marcello Izzo 

Operatore: Gianni Aldi 

Suono: Gianluca Costamagna 

G 

iuseppe è un ultracinquantenne, 

appena andato in pensione dopo 

una vita dedicata al lavoro. Ora 

si trova costretto a dover trascorrere le sue 

giornate a casa, tra la presenza soffocante 

della madre, convinta cattolica e della 

moglie Grazia, fervente seguace dei Testimoni 

di Geova. Ha anche una figlia, Chiara, 

introversa e problematica, che condivide 

con la madre il medesimo impeto religioso. 

I rapporti tra i membri della famiglia 

sembrano già da tempo essere andati 

in crisi e la distanza tra loro è sempre più 

evidente. L’uomo, stufo di trascorrere le 

sue giornate nel grigiore più assoluto, decide 

di dar retta al consiglio di Napoleone, 

amico di una vita e scapolone impeni- 


P 

rendendo spunto dai racconti di 

Giacomo Monti i Nessuno mi farà 

del male, L’ultimo terrestre porta 

su grande schermo una sorta di favola il cui 

protagonista, Luca, è un candido misogino 

e solitario, innamorato della propria vicina 

ma ostinatamente convito – a causa di un 

trauma infantile – che “le donne sono tutte 

uguali” e non ci si debba mai fidare di loro. 

Sebbene con qualche ingenuità, l’opera 

prima di Pacinotti è un esperimento interessante 

che si segnala per freschezza e originalità 

tra le opere in concorso a Venezia68. 

Stranezze di caratteri e girato si giustificano, 

infatti, facilmente, grazie alla fluidità 

del racconto e all’umanità dei personaggi 

rappresentati. Attenta e approfondita, nonostante 

l’evidente rifiuto del realismo, la 

tente, che lo esorta a lasciarsi alle spalle 

il passato e a cominciare a uscire e frequentare 

altra gente. Napoleone, detto 

Nappo, è un uomo completamente diverso 

da Giuseppe: è pieno di vita, sportivo e 

carismatico e frequenta donne molto più 

giovani di lui. Da poco ha perso la testa 

per una giovane ventenne bulgara, cacciatrice 

di dote, che si è piazzata con entusiasmo 

a casa sua, facendosi mantenere. Una 

sera, invita Giuseppe ad accompagnarlo 

al coro in cui canta, gestito con dedizione 

dalla ex moglie, Patrizia, ancora innamorata 

di lui. Qui, in una chiesa sconsacrata, 

i “ragazzi” della loro generazione possono 

ancora divertirsi liberamente e provare 

a conoscere gente nuova. Giuseppe si 

57 

descrizione della società italiana contemporanea, 

alle prese con difficoltà economiche 

e facilmente suggestionabile, pronta 

a credere che la salvezza possa solo 

“scendere dal cielo”, con o senza astronave. 

La freschezza del tratto dell’illustratore 

si produce in un’atmosfera da favola in cui 

Pacinotti descrive la parabola umana e sentimentale 

del suo protagonista, l’avvento 

degli extraterrestri come elemento che riequilibra 

– nel piccolo e nel grande – le situazioni 

critiche in cui tutti sembrano bloccati. 

Happy-end romantico e atmosfere serenamente 

surreali per l’opera prima dell’illustratore 

Gipi. 

Tiziana Vox 

Interpreti: Stefania Sandrelli (Elisa), Ricky Tognazzi (Napoleone 

“Nappo”), Marco Messeri (Giuseppe), Elena Sofia Ricci 

(Patrizia), Debora Villa (Renza), Monica Scattini (Grazia), 

Rosalba Pippa “Arisa” (Chiara), Diego Casale (Ippolito), Grazia 

Cesarini Sforza (Amelia), Carola Clavarino (Fiamma), 

Ronny Morena Pellerani (Flora), Claudio Sterpone (capo Alpino), 

Gianluca Belardi (alpino), Raffaele Pisu (Rolando), Mariapia 

Aricò (Ludovica), Andrea Beltramo (Marcello), Tiziana 

Buldini (infermiera Nappo), Christian Burruano (Luca), Felice 

Casciano (Antonio), Antonio Centola (fratello Giovanni), Giuseppe 

Centola (fratello Sebastiano), Martino Cipriani (Ivan), 

Sacha Maria Darwin (Irina), Lorenzo De Nicola (barista), Sergio 

Graziani (Zaccaria), Simonetta Guarino (signora locanda), 

Mario Ierace (fratello scafato), Carlotta Iossetti (Marisa), 

Gino La Monica (Eugenio), Giovanni Marchese (Adrian), Ugo 

Piva (Mazzinghi), Nicola Sorrenti (Gavino), Cristian Stelluti 

(medico Nappo), Luca Terracciano (Lorenzo) 

Durata: 97’ 

Metri: 2700 

fa travolgere dalla nuova esperienza, entra 

a far parte del coro e si innamora di 

Elisa, una fascinosa donna di mezza età, 

soprano del coro, che affoga i suoi problemi 

nel canto. La donna, pur non volendo 

staccarsi dalla propria famiglia, alla quale 

è legatissima, in particolar modo da 

quando il marito molto malato è costretto 

a letto, non potrà fare a meno di vivere con 

Giuseppe una coinvolgente e inaspettata 

notte d’amore. L’uomo, perdutamente innamorato, 

prende subito la decisione di 

lasciare la famiglia. Per Elisa la situazione 

è più difficile e la donna viene subito 

turbata dai sensi di colpa. Intanto piombano 

a casa di Nappo madre e fratelli della 

sua giovane amante. Chiara intanto co-

nosce un ragazzo farmacista e grazie a lui 

riesce a esprimere la sua affettività e a staccare 

il cordone ombelicale dalla madre. 

Nappo viene invece abbandonato dalla 

ragazza bulgara che fugge con un ragazzo 

più giovane. L’uomo si rifugia nell’alcool 

e, in seguito ad una faticosa pedalata fino 

alla cima di un colle, è colpito da un infarto. 

Prima di lasciare la vita, Nappo, però, 

sente il bisogno di avvicinarsi di nuovo a 

Patrizia. Dopo la morte dell’amico, Giuseppe 

continua a frequentare il coro e si 

accontenta di quei pochi momenti per vedere 

Elisa. 

G 

irato tra Torino, Biella e Ivrea 

Tutta colpa della musica è il film 

di Ricky Tognazzi sulle occasioni 

perdute e sulle seconde possibilità. 

Presentato nella sezione Controcampo Italiano 

alla 68a Mostra del Cinema di Venezia, 

la pellicola si riallaccia al tema musicale, 

che già aveva fatto da sfondo nel 2000 a 

Canone Inverso. Note e partiture ancora 

una volta diventano nel suo cinema luoghi 

nei quali rifugiarsi e linguaggi con i quali 

esprimersi e lasciare esprimere i propri 

personaggi, a cui il tempo sfugge dalle mani. 

Tutta colpa della musica è infatti una commedia 

intorno al concetto del “tempus fu- 

Abduction – Riprenditi la vita – consigliabile 

/ semplice 

Alba del Pianeta delle scimmie – consigliabile 

/ problematico 

Avventure di Tin Tin e i segreti dell’unicorno 

– consigliabile / semplice 

Baciato dalla fortuna – consigliabile / 

semplice 

Bad Teacher: una cattiva maestra – 

futile / superficialità 

Benvenuti a Cedar Rapids – n.c. 

Box Office 3D – futile / velleitario 

Captain America – Il primo vendicatore 

– consigliabile / semplice 

Carnage – consigliabile / problematico 

Come ammazzare il capo….e vivere 

felice – futile / grossolano 

Conspirator (The) – consigliabile / problematico 

Contagion – consigliabile / problematico 

Dangerous Method (A) – complesso / 

problematico 

Debito (Il) – consigliabile / problematico 

Drive – complesso / violento 


git” e la melodia prodotta dal coro è un invito 

a non scoraggiarsi e a inventarsi il modo 

per ricominciare da capo. Non si può certo 

dire che Ricky Tognazzi abbia prodotto dei 

capolavori nella sua filmografia, tuttavia in 

un contesto importante come quello del lido 

veneziano è triste pensare che il suo ritorno 

sul grande schermo sia segnato da questa 

piatta produzione dal taglio e dal cast 

poco più che televisivi. Già dal trailer del 

film, in effetti, non ci si era fatti troppe illusioni 

e si riusciva a prevedere che tipo di 

visione c’era da aspettarsi riguardo questa 

commedia. E il giudizio da spettatore dopo 

i titoli di coda non si discosta da quella prima 

impressione. La sceneggiatura, firmata 

da Simona Izzo, compagna del regista da 

anni, ci presenta personaggi poco caratterizzati, 

situazioni prevedibili e stereotipate; 

anche le battute sono poco divertenti e i 

dialoghi non troppo brillanti. La musica dovrebbe 

essere il motore del film e il vero 

codice espressivo e narrativo che muove 

le passioni dei personaggi, ma purtroppo 

riesce solo a fare da cornice a un meccanismo 

narrativo superficiale e approssimato. 

Bisognerebbe seguire la melodia, lasciarsi 

trascinare dalle passioni, ma nel film sembra 

che questo atteggiamento vitale non sia 

affatto presente, se è vero che tutti i perso- 

VALUTAZIONI PASTORALI 

Faccio un salto all’Avana – consigliabile 

/ semplice 

Four Lions – consigliabile-problematico 

/ dibattiti 

Giallo/Argento – n.c. 

Harry Potter e I doni della morte – Seconda 

parte – consigliabile / problematico 

Horror Movie – futile / grossolanità 

Io sono Li – n.c. 

Jane Eyre – consigliabile / problematico 

Johnny English – La rinascita – consigliabile 

/ semplice 

Melancholia – complesso-problematico 

/ dibattiti 

Misura del confine (La) – n.c. 

Next Three Days (The) – consigliabile / 

problematico 

Pelle che abito (La) – complesso / scabrosità 

Pinguini di Mr. Popper (I) – consigliabile 

/ semplice 

Priest – futile / violento 

Puffi 3D (I) – consigliabile / semplice 

58 

naggi restano alla fine con la bocca asciutta, 

cullati solo da un sentimento di eterna 

nostalgia che non li abbandona. Da un lato 

abbiamo un panorama caratterizzato da uomini 

in crisi che a sessant’anni cercano invano 

un riscatto. Dall’altro, un universo femminile, 

popolato da mogli virago, o pazienti 

angeli del capezzale (cercate solo quando 

la fine è imminente), apparentemente 

energiche, ma condannate a rimanere sole 

con sé stesse e succubi di uomini immaturi. 

Lascia a desiderare anche il cast. Attori 

notoriamente capaci sembrano limitarsi 

senza entusiasmo a fare la caricatura di 

se stessi, Elena Sofia Ricci e Stefania 

Sandrelli in primis. Incomprensibile la presenza 

di Rosalba Pippa, in arte Arisa, in 

una parte pressoché inconsistente dove, 

accantonate le qualità canore e gli enormi 

occhialoni, offre al pubblico un’interpretazione 

affettata e sopra le righe. Insieme a 

un suo brano inedito, invadente sottofondo 

a una lunga sequenza che avvia verso il 

drammatico finale. Si salva giusto la performance 

del bravo Marco Messeri, che, tra 

l’altro, recentemente abbiamo visto già in 

coppia con la Sandrelli nella Passione di 

Mazzacurati. 


Senza arte né parte – MANCA! 

Separazione (Una) – consigliabile-problematico 

/ dibattiti 

Student Services – sconsigliato-non 

utilizzabile / negativo 

Terraferma – consigliabile-problematico 

/ dibattiti 

This Must Be the Place – consigliabile 

/ problematico 

Tomboy – complesso-problematico / 

dibattiti 

Tourneè – complesso / problematico 

Transformes 3 – consigliabile / semplice 

Tutta colpa della musica – futile / velleitario 

Ultimo terrestre (L’) – futile / superficialità 

Venere nera – conplesso-scabrosità / 

dibattiti 

Villaggio di cartone (Il) – consigliabileproblematico 

/ dibattiti 

World Invasion – consigliabile / semplice


PESARO 47, 2010: 

IL CINEMA CHE RESISTE 

A cura di Flavio Vergerio 

Non bisogna stancarci di ripeterlo: non si costruisce 

il futuro senza investire in cultura. Da 

noi si fa invece esattamente il contrario di quanto 

si fa in Europa. Siamo agli ultimi posti nella 

classifica dei Paesi occidentali in ordine agli 

investimenti in formazione, ricerca, innovazione, 

cultura. In questo contesto drammatico i tagli 

dei finanziamenti ai festival non protetti dalla 

bolla mediatica (e dalle connivenze politiche) 

si sono fatti sentire anche a Pesaro. Il programma 

è stato forzatamente un poco ridotto, tanto 

che le proiezioni si sono svolte nella sola sala 

dello “Sperimentale”, oltre alla piazza del Popolo 

per le proiezioni serali all’aperto, del resto 

molto frequentate. Eppure la direzione della 

Mostra Internazionale del Nuovo Cinema, che 

fra tre anni celebrerà mezzo secolo di vita (un 

storia unica in Italia di lotte per la scoperta e la 

difesa di un cinema veramente indipendente e 

d’autore), è riuscita comunque a realizzare un 

programma di notevole interesse. Innanzitutto 

la retrospettiva dedicata a Bernardo 

Bertolucci, corredata da un corposo e puntuale 

volume collettaneo curato da Adriano Aprà. Ai 

vecchi cinefili come noi la retrospettiva ha permesso 

comunque di rivedere (e ripensare) o recuperare 

film altrimenti invisibili da tempo. 

Valga su tutti lo straordinario film “su commissione” 

La via del petrolio (1967), un 

“falso”documentario televisivo, capace di mettere 

in relazione la dura vita degli operai dell’ENI 

con una visione poetica del lungo percorso 

di un oleodotto dal deserto arabo verso il 

cuore dell’Europa. E di verificare la coerenza 

tematica e stilistica di un regista passato dallo 

sperimentalismo puro de La commare secca 

(1962) alle super-produzioni internazionali quali 

L’ultimo imperatore (1987) senza tradire la sua 

vocazione allo studio dell’ambiguità della condizione 

umana. Produttiva l’idea di riproporre 

per il pubblico della piazza, in questi tempi di 

montante immoralismo politico, Il conformista 

(1970), terribile parabola di un piccolo killer 

servo del potere fascista. 

I sette film del Concorso aprivano altrettanti 

sguardi inediti su realtà sociali spesso 

inesplorate, lontani dall’angusta miopia del nostro 

mondo. Frutto sicuramente di una ricerca 

difficile, si trattava di film che uniscono un 

forte impegno sociale a notevoli qualità di 

scrittura. 

Il taglio più doloroso del programma è rappresentato 

dalla scomparsa della sempre interessante 

sezione Bande à part, dedicata alle 

nuove forme narrative e agli autori emergenti 

posti ai margini del mercato. L’hanno sostituita 

in parte i due “omaggi” al gruppo Flatform 

e a Cosimo Terlizzi. Flatform è un collettivo 

di videoartisti (appare sempre più spesso in 

diversi festival) che indagano le trasformazioni 

fantasmatiche del paesaggio e delle azioni 

umane sottoposte allo scorrere del tempo, in 

una concatenazione onirico-realistico di immagini 

che perdono la loro identità nell’indeterminatezza 

della ripetizione e dell’astrazione. 

Terlizzi propone finti “documentari” sospesi 

fra un’improbabile etnologia, nostalgia 

e ironia alla ricerca della propria identità culturale 

in rapporto fra mitologie, costumi 

sociologici e paesaggi immoti (la sua Murgia). 

La sezione più significativa del programma 

era tuttavia costituita da una cospicua selezione 

di documentari russi che completavano 

la straordinaria scoperta del cinema russo 

di finzione, grande evento della Mostra 

dell’anno scorso. 

IL CONCORSO 

Messico,Thailandia, Corea del Sud, Sri 

Lanka, Brasile, la terra di nessuno del porto 

di Calais: l’origine dei film presentati e gli 

scenari evocati rappresentavano già in sé una 

precisa scelta culturale ed estetica. La salvezza 

del mondo forse va cercata ai margini di 

esso, nell’emarginazione e nella condizione 

di precarietà delle popolazioni più povere. 

Significativo il fatto che la giuria (Fabio Ferzetti, 

Isabella Ragonese, Marina Spada) abbia premiato 

due film di grande rigore morale e 

stilistico, dedicati appunto al tema 

dell’emarginazione e dell’immigrazione. Il diario 

di Musan dell’esordiente coreano Park Jungbum 

(assistente alla regia di Lee Chang-Dong 

per il delicato Poetry) descrive il calvario di un 

immigrato clandestino dalla Corea del Nord a 

Seoul, ove sopravvive in condizioni di totale 

povertà affiggendo manifesti pubblicitari. Il 

protagonista è un ometto alla Charlot (interpretato 

con dolore e ironia dallo stesso regista) in 

balia di una città cieca e violenta, che lo educa 

progressivamente all’immoralità. L’uomo si 

innamora di una corista conosciuta in una comunità 

religiosa, che in effetti fa l’entraîneuse 

in karaoke, introducendo indirettamente il ruolo 

di una malintesa religiosità che abitua alla 

doppiezza della condizione sociale e morale. 

L’asciutto realismo con cui il regista descrive il 

59 

dramma del protagonista richiama in qualche 

modo l’atmosfera di Umberto D di De Sica. La 

commozione e l’indignazione devono avere le 

ciglia asciutte. 

Di grande intensità documentaria e forza emotiva 

è apparso il secondo film premiato, Che 

riposino in rivolta del regista francese, attivista 

militante, Sylvain George, dedicato alle terribili 

condizioni di vita di immigrati clandestini 

accampati attorno al porto di Calais, nell’attesa 

vana di imbarcarsi per l’Inghilterra. Il lungo 

réportage si distingue dai molti prodotti analoghi 

per la totale adesione alla vita quotidiana 

dei clandestini, che cercano di sopravvivere 

nell’estenuante attesa senza perdere la propria 

dignità e la propria umanità, occultando la propria 

presenza con tutti i mezzi e la strategie più 

inventive, dopo aver perso ogni diritto e identificati 

tout court come criminali. Drammaticamente 

simbolica ad esempio la rinuncia alla 

propria identità attuata bruciando con una 

autolesionistica tortura le pieghe delle dita per 

evitare di essere individuati dalla polizia attraverso 

le impronte digitali. Significativo in opposizione 

a tante disperazione l’atteggiamento 

solidale di una parte della popolazione che tenta 

di alleviare le sofferenze degli immigrati e 

cerca inutilmente di opporsi allo sgombero di 

un accampamento clandestino. Dovrebbero rimbombare 

nelle nostre teste alcune affermazioni 

profetiche degli “invisibili”: “Il deserto è qui... 

Ma noi siamo qui. (...) Verrà il tempo in cui gli 

europei verranno a cercare lavoro in Africa.(...) 

Le frontiere sono soprattutto nelle nostra teste”. 

Il Premio Amnesty (dedicato alle opere che 

meglio rappresentano il tema della difesa dei 

diritti umani) è stato attribuito all’ambizioso 

spagnolo Tambien la lluvia (lett: “Anche la 

pioggia”) di Iciar Bollain, coprodotto con Francia 

e Messico e sceneggiato da Paul Laverty, 

collaboratore storico di Ken Loach (e si vede). 

Un regista messicano (la star Gael Garcia 

Bernal) si reca in Bolivia con una troupe per 

girare un film storico sul primo viaggio di 

Cristoforo Colombo in Sud America, già 

foriero di tutte le successive tragedie del 

colonialismo spagnolo. Ma la lavorazione del 

film verrà a scontrarsi con le sommosse di piazza 

a Cochabamba contro la privatizzazione 

dell’acqua da parte di una multinazionale. Il 

leader della protesta si identificherà con l’indio 

della finzione filmica che tenta di organizzare 

la resistenza contro gli spagnoli. Il regista 

avrà un salutare dilemma morale...

Film didattico e un poco consolatorio, il film 

è apprezzabile per le sue buone intenzioni di 

denuncia dello sfruttamento delle risorse 

energetiche dei Paesi più poveri da parte del 

capitale straniero. 

Più interessanti dal punto di vista della struttura 

narrativa The Rak (Eternity) del thailandese 

Sivaroj Kongsakul e Igillena maluwo (Flyng 

Fish) di Sanjeewa Pushpakumara, proveniente 

da un inedito Sri Lanka. The Rak illustra in un 

tempo puramente immaginario le peregrinazioni 

di un fantasma che si aggira nella sua casa contadina 

ai margini di una risaia rivivendo tre diverse 

fasi della sua vita. Ne esce una 

rivisitazione poetica di una condizione esistenziale 

che diventa un omaggio alla cultura tradizionale 

del Paese del regista. 

Anche Igillena maluwo dipana il proprio racconto 

attorno a segmenti di storie parallele immerse 

nell’inferno della guerra civile separatista 

scatenata dai Tamil. Storie di diseguaglianze 

sociali, vessazioni,violenze, stupri, suicidi in cui 

le parti contrapposte manifestano eguale disprezzo 

per la vita umana e la giustizia. Il rapporto 

con le credenze religiose si fa dialettico e 

le leggende buddiste vengono messe in discussione 

e giudicate consolatorie, utili solo a occultare 

il tragico presente. 

Interessante anche il plot di Trabalhar cansa 

(Lavorare stanca) dei giovani brasiliani 

Juliana Rojas e Marco Dutra: una casalinga 

in crisi economica e di identità avvia una piccola 

attività commerciale, ma tutto le si rivolterà 

contro, in una progressiva caduta verso 

il fallimento anche famigliare. Curioso il 

finale che volge verso l’horror, in cui si scoprono 

fantasmi non riconciliati annidati nei 

muri del piccolo supermercato (le anime dei 

commessi murati vivi che si ribellano...). 

DOCUMENTARI RUSSI, UN MONDO 

INESPLORATO. 

L’edizione di Pesaro 2010 ci aveva fatto scoprire 

un insospettabile produzione filmica indipendente 

che con molte difficoltà cerca da un 

decennio di affrancarsi dal potere centrale 

normalizzatore. Avevamo conosciuto soprattutto 

la corposa personalità di Aleksej 

Popogrebsky, che assieme ad altri giovani registi 

ha spostato la sua attenzione sui conflitti 

generazionali (fra i padri eredi del comunismo 

e i figli alla ricerca di una nuova identità) e sulle 

condizioni di vita delle popolazioni 

emarginate nelle campagne. La sostanziosa rassegna 

ha visto quest’anno il suo completamento 

con la proiezione di altri due film di finzione e 

di una significativa selezione di documentari, 

tanto più interessanti perché prodotti con minori 

vincoli economici, in collaborazione talvolta 

con canali televisivi indipendenti e case 

di produzione straniere. Quanto sia importante 

la produzione di documentari in Russia per la 

formazione ricerca di nuovi talenti e di nuove 

vie espressive è testimoniato ad esempio dalla 

lunga collaborazione, apparentemente libera 

nella sua straordinaria vicenda di 

sperimentazione linguistica, di Aleksander 

Sokurov all’inizio della sua carriera con gli studi 


televisivi prima di Gor’kij e poi di Leningrado. 

Il film di finzione Truce (Tregua) della 

combattiva Svetlana Proskurina articola la sua 

storia all’interno di un paesaggio sociale e 

umano che potrebbe essere argomento di molti 

documentari realistici. Il protagonista è un giovane 

camionista apparentemente senza radici 

e identità che sembra vagare lungo itinerari 

sconosciuti. Incontra sbandati e diseredati, 

uomini in attesa di qualcosa di indefinibile, 

sino ad arrivare a un villaggio senza storia, 

forse il suo territorio natale, scosso dal conflitto 

fra minatori e dirigenti di una miniera. 

Vi ritrova antichi amici d’infanzia, ora dediti 

a confusi affari illegali. L’uomo sente il bisogno 

di radicarsi e si lega così un ragazza locale, 

in un difficile rapporto. Il finale si apre alla 

fine su una dimensione inaspettatamente religiosa, 

quando il protagonista viene portato da 

un amico prete a una festa popolare attraversata 

dai canti della comunità. Il film è interessante 

per la sua atmosfera cupa e sospesa, 

corrispettivo di una condizione umana comunque 

aperta alla ricerca e alla speranza. 

Il secondo film narrativo proposto, Il walzer 

di Sorbi di Alena Semenova e Aleksandr 

Smirnov, propone invece una rilettura critica 

di una pagina di storia minore, ma significativa, 

della Seconda Guerra Mondiale. Dopo 

la fine del conflitto il governo sovietico invia 

alcuni militari in una regione agricola 

nord-occidentale (presso Vologda, a est di 

Leningrado) per insegnare ai pochi abitanti 

sopravvissuti – soprattutto donne – a bonificare 

le campagne dalle mine. La storia apparentemente 

lineare nasconde una verità occulta. 

Nulla è come appare: le mine anti-uomo 

sono un simbolo di un pericolo sempre incombente, 

lo stesso maggiore che guida le 

operazioni è in effetti un uomo nascosto sotto 

falso nome, ricercato dalla polizia militare. 

Il film mette così in dubbio le certezze 

della storia ufficiale, raccontandocene una 

ben diversa e più contradditoria. 

Il panorama non-fiction ha presentato alcune 

scoperte interessanti sia sul piano linguistico 

che su quello dell’atteggiamento critico nei 

confronti della società russa. Su tutti ci è apparso 

straordinario l’apparato visionario con 

cui l’ormai celebrato Viktor Kossakovskij 

osserva in Svyato la costruzione della propria 

immagine e identità del figlio (due anni) 

per la prima volta davanti a un grande specchio 

che ne riflette e problematizza il volto. 

Svyato è l’abbreviazione del nome Svyatoslav, 

ma significa anche “sacro”. E l’esperienza del 

riconoscimento di sé messa in scena dal regista 

appare appunto qualcosa di sacrale, tanta è 

l’intensità e la progressione, anche drammatica, 

con cui il bambino attraversa le diverse fasi 

di approccio alla realtà, a partire dal doloroso 

distacco dalla madre, sino al superamento della 

solitudine e dell’angoscia con il “gioco del rocchetto” 

freudiano, alla costruzione di un 

fantasmatico compagno di giochi, e infine alla 

drammatica accettazione di sé. Alla fine il bambino 

bacia i due specchi con cui il regista ha 

costruito la sua immagine... A conferma della 

genialità di Kossakovskij è stato riproposto il 

60 

più noto Tiše (Hush), implacabile sguardo sulla 

società russa, colta dall’unico punto di vista 

della finestra del regista, che ha osservato durante 

un intero anno quanto avveniva attorno 

all’inane tentativo di riparare una buca in una 

anonima strada di San Pietroburgo. 

Kossakovskij possiede la rara dote di saper osservare 

la realtà con metodo “scientifico”, precisione 

e umorismo, facendo assumere alla 

rappresentazione di quella realtà una dimensione 

“altra”, volta a cogliere l’aspetto poetico 

e persino metafisico dell’esistenza umana. 

Opere di denuncia sociale, non inquinate da 

schematismi ideologici o da pregiudizi 

sociologici, ma dotate di grande energia espressiva, 

sono apparse le opere di Aleksandr 

Rastorguev , che lavora talvolta in coppia con 

Pavel Kostomarov o Antoine Cattin: Giovedì 

puro descrive la paura e la solitudine dei giovani 

soldati russi spediti sul teatro di guerra 

ceceno; Il calore dell’offerta: spiaggia selvaggia 

selvaggia offre un panorama di bestiario 

umano di turisti che si accalcano su una spiaggia 

del Mar Nero, attratti dagli squallidi riti di 

un volgare neocapitalismo; I Love You 

assembla un ritratto della gioventù russa odierna 

attraverso filmati realizzati dagli stessi ragazzi; 

Life in peace è il ritratto doloroso di un 

vedovo ceceno che con figlio vive da esiliato 

ed emarginato in un villaggio agricolo 

raggelato dalla neve e dalla solitudine del Nord 

della Russia; La madre descrive con crudeltà 

non disgiunta da partecipazione umana la tragedia 

di una donna che in fuga dal marito 

alcolista lavora come contadina in una fattoria 

per mantenere nove figli. 

Altre opere avevano un notevole interesse 

etnologico: si veda la popolazione della remota 

regione di Arcangelo impegnata a raccogliere 

i resti metallici di test nucleari (Sul terzo pianeta 

dal Sole di Pavel Medvedev), i canti e le 

tradizioni culturali di un piccolo gruppo 

siberiano di origine ugro-finniche (Nove canzoni 

dimenticate di Galina Krasnoborova). 

Da segnalare poi Blokada (Assedio) di Sergej 

Laznica, montaggio di inediti materiali d’archivio, 

una esemplare lezione di come si fa una 

lezione di storia descrivendo non tanto il fronte 

dei combattimenti, quanto le conseguenze sulle 

condizioni di vita reale delle popolazioni civili. 

Il film descrive l’eroica incredibile lotta per 

la sopravvivenza della popolazione di 

Leningrado durante il lungo assedio dei nazisti 

(1941-44): indimenticabili le sequenze in cui 

nel silenzio spettrale della città deserta e 

innevata risuona incongruo il canto di un uccellino, 

i morti di freddo abbandonati per la strada, 

la ricerca dell’acqua dalle condotte congelate, 

le impiccagioni dei collaborazionisti... 

Di straordinario interesse infine due documentari 

dedicati al grande direttore della fotografia 

di Tarkowskij Georgij Rebberg (con la scoperta 

dei conflitti estetici e caratteriali durante la 

lavorazione di Stalker) e a Aleksandr Sokurov. 

Nel back-stage de L’arca russa, girato da 

Svetlana Proskurina, Sokurov afferma: “Solo 

l’arte rimarrà, il nostro lavoro di artisti... I governi 

cambieranno, saranno sostituiti, ci servono 

solo per evitare che viviamo come bestie...”.


MOSTRA DEL CINEMA 

DI VENEZIA 2011, 68: 

UN CANTIERE APERTO 

A cura di Flavio Vergerio con il contributo di Simone Emiliani, 

Silvio Grasselli, Luisa Ceretto 

Difficile (e forse vacuo) esercizio quello di 

formulareun giudizio sintetico sulla Mostra 

del Cinema veneziana, giunta alla sua 68.a 

edizione. Innanzitutto a causa della ricchezza 

quantitativa del programma costituito da 

ben 208 titoli, così distribuiti:24 film nel 

Concorso, 27 nella sezione Fuori Concorso 

(troppi, tanto da far sorgere il sospetto che 

esso costituisca sempre più uno spazio di 

consolazione per i “bocciati”), 59 a Orizzonti, 

29 a Controcampo, 29 nella Retrospettiva 

di Orizzonti, 10 alla Settimana della Critica, 

30 alle Giornate degli Autori. C’era ovviamente 

di tutto, nel bene e nel male, e non era 

facile orientarsi nella quotidiana scelta obbligatoria 

fra le diverse sezioni, visto che in 

10 giorni non era fisiologicamente possibile 

vedere più di un terzo del programma. Mi pare 

che Marco Müller, al suo ottavo anno di direzione 

(incarico che auspichiamo gli venga 

rinnovato), si sia mosso su un duplice binario: 

da una parte, nel Concorso, ha messoin 

vetrinaautori noti e affermati (Cronenberg, 

Polanski, Sokurov, Crialese) che, salvo alcune 

delusioni, hanno confermato il loro valore. 

Il Leone d’Oro a Sokurov in questo contesto 

ha paradossalmente rappresentato un 

riconoscimento tardivo a un autore già celebrato 

da tempo (si pensi che il Festival di 

Torino gli dedicò nell’ormai lontano 2003 una 

fondamentale retrospettiva). Tuttavia il Concorso 

non ha rivelato nuovi talenti - a meno 

che non si vogliano considerare tali l’hongkonghese 

Ann Hui o il giapponese Sono Sion, 

già ben noti alla critica, se non al grande pubblico 

-, mancando a mio avviso quella che 

dovrebbe costituire una fondamentale funzione 

di un grande festival: promuovere all’attenzione 

del pubblico opere di artisti emergenti 

e inediti che propongano sguardi nuovi 

e non riconciliati sull’uomo e sulla realtà in 

cui è immerso. L’altro limite del Concorso è 

stato quello di aver presentato una selezione 

italiana piuttosto debole. Forse non c’era di 

meglio, ma avere cedutol’ottimo Io sono Li 

di Andrea Segrealle Giornate degli Autori fa 

sorgere qualche dubbio sul lavoro dei selezionatori. 

Su un diverso binario, se l’impostazione del 

Concorsofa pensare al corretto e per così di- 

reobbligatorioassolvimento di un compito 

istituzionale, altre sezioni della Mostrahanno 

risposto a un diverso orientamento estetico 

e culturale, soprattutto nel caso di Orizzonti, 

di cui diamo conto a parte. Se il cinema 

ha il compito di riflettere sulle mille sfide 

del presente e di rappresentarle in modo mai 

connivente e consolatorio, ebbene,per il secondo 

anno la sezione ci ha fornito un panorama 

originale e problematico di nuove formule 

narrative e linguistiche. Peccato che 

sulla sezione sia pesato il silenzio quasi totale 

dei quotidianisti, rigorosamente obbedienti 

alle regole della catena mediatica, che privilegia 

i film del Concorso, spesso già acquisiti 

dalla distribuzione. 

I lavori interrotti per il nuovo Palazzo del 

Cinema (che probabilmente non si costruirà 

mai) e il conseguente tristo cratere abbandonato 

a causa della presenza di amianto davanti 

al Casinò mi suggeriscono la metafora 

di quello che dovrebbe essere la Mostra, un 

“cantiere aperto” a sempre nuove ricerche e 

scoperte di un cinema in perpetuo divenire. 

Mi preme infine tornare ad auspicare il ritorno 

alle grandi retrospettive del passato (a 

Venezia si sono studiatiqualche annetto fa 

Mizoguchi e Buñuel...), capaci di rilanciare 

il dibattito culturale sulla nascita e sullo sviluppo 

dei codici narrativi e linguistici. Una 

timida risposta in tale direzione è stata rappresentata 

dalla retrospettiva di Orizzonti 

dedicata al cinema “sperimentale” italiano 

degli anni 1960-78. Cinema che tentava in 

modo quasi sotterraneo e invisibile di rompere 

gli schemi imperanti della narratività 

codificata dei “generi”, con rotture di tempi 

e di spazi, di identità degli sguardi e di consequenzialità 

delle azioni. Cinema solo apparentemente 

inaridito e occultato, capace 

invece di far sentire la proprianatura vivificatrice 

e innovatrice in tanta parte del cinema 

moderno che doveva venire. (f.v.) 

IL CONCORSO 

Per l’ultima edizione da direttore – a meno 

di possibili ma non certo probabili riconferme 

-, l’ottava, Müller è riuscito a mettere insieme 

per il Concorso una selezione, almeno 

61 

sulla carta, formidabile: accanto ai grandi 

autori abbondantemente consacrati, alcune 

star col vizio (vezzo) della regia e una nutrita 

serie dei più quotati tra i nomi emergenti sulla 

scena internazionale del cinema di qualità. 

Aleksandr Sokurov - che nell’Europa occidentale 

e in Italia c’è arrivato e c’è rimasto 

anche grazie a lui, a Müller – ha presentato il 

quarto e ultimo capitolo della sua tetralogia 

sul potere. Dopo Moloch, Taurus e Il sole - 

rispettivamente dedicati a Hitler, alla coppia 

Lenin/Stalin, e all’imperatore Hirohito – Sokurov 

ha adattato per il grande schermo il 

Faustdi Goethe. In una messa in scena barocca, 

densa di segni e di simboli, di giochi 

linguistici e di accortezze tecniche – che diventano 

subito estetiche, come la lente anamorfica 

che in alcuni tratti del film distorce 

l’immagine similmente a quanto succede, 

guarda caso, nei foschissimi dipinti del Cinquecento 

e del Seicento – Sokurov muove i 

suoi due protagonisti: un Faust più giovane e 

lucido dell’originale letterario e un Satana 

capace di affascinare, ma anche dotato di un 

aspetto deforme e ributtante. Un meraviglioso 

film da contemplazione e un buon oggetto 

per studiosi in cerca di sfide. Una volta tanto 

un Leone d’Oro sacrosanto e senza obiezioni 

possibili. 

Non tutti i grandi hanno però confermato le 

legittime aspettative. Così il fin troppo acclamato 

Polanski ha portato al Concorso veneziano 

– a pochi giorni dall’uscita nelle sale 

nazionali – la sua commedia grottesca Carnage, 

pezzo di cinema da camera frutto dell’adattamento 

del testo teatrale Il dio della 

carneficina di Yasmina Reza, anche cosceneggiatrice 

del film. Costruito di pezzi di prima 

scelta – una sceneggiatura solida e affilata 

e quattro protagonisti dalle notevoli doti 

tecniche – il film è niente di più che un arguto 

svago, un intelligente argomentazione svolta 

in forma di commedia sul delitto e sul castigo, 

sulla logica della violenza, e, un po’ 

oltre, anche una critica salace alla filosofia 

dei buoni sentimenti, del pensare e dell’agire 

politicamente corretto che tanta fortuna ottiene 

nella pubblica opinione delle democrazie 

occidentali. Un fuoco fatuo, si potrebbe 

forse dire. Quasi al pari di Dark Horse, nuo-

vo film di Todd Solondz. Meno straniante ma 

soprattutto meno straniato del solito, Solondz 

tenta il racconto delle generazioni che stanno 

per prendere definitivamente in mano le 

redini del mondo: vecchi adolescenti – uomini 

e donne – incapaci di uscire dalla propria 

irresponsabile vita di giocherelloni ignavi 

e meschini per fare i conti con la vita, prima 

di tutto la propria. Anche questo un film corretto, 

votato principalmente a un’ispirazione 

ludica e in esso concluso, senza però nessun 

guizzo, nessuna scelta radicale, nessun assunto 

davvero originale.Ultime e più cocenti delusioni, 

i film della coppia Satrapi/Paronnaud 

e di Philippe Garrel. Poulet aux prunes – 

come Persepolis, tratto anch’esso da una 

graphic novel della fumettista e regista iraniana 

– tenta di portare nel cinema dal vero 

la libertà, l’ironia e il ritmo del precedente 

animato, inseguendo in modo appariscente 

uno stile estroso versato in un racconto cupo 

aspirante al grottesco. Tecnicamente sfarzoso, 

il film inanella scenette da diorama, triturando 

le qualità e il ritmo degli interpreti 

(Amalric, mai così fuori tono negli ultimi 

anni, e Maria De Medeiros ineditamente 

macchiesttistica) e asfissiando alcune trovate 

di scrittura nella geometria perfetta di una 

regia di cartapesta.Un été brulant è stato il 

ritorno a Venezia di Philippe Garrel. Il film – 

atteso dalla stampa più per la presenza della 

Bellucci tra gli interpreti protagonisti, che per 

l’attenzione al lavoro del regista francese – è 

una spenta galleria dei luoghi comuni di certo 

cinema parigino engagè e in modo particolare 

di quello di Garrel, che senza esitazione 

torna a raccontare giovani artisti intellettuali 

che si avvitano intorno a dissidi esistenzial-politico-filosofici, 

in perenne fuga dalla 

propria fragilità ma sempre voluttuosamente 

legati al sentimento della morte. Un film obliquamente 

autobiografico povero d’idee e di 

vita, e invece troppo irrigidito dalla presunzione 

di sé e della propria legittimità di “Autore” 

per poter evitare una inerte freddezza 

cadaverica. 

Veniamo ai premi, mai come quest’anno lucidamente 

aderenti ai meriti effettivi e anche 

per questo ampiamente condivisi dalle platee. 

Subito dopo il colosso Sokurov è stato 

premiato Shangjun Cai per il suo People 

Mountain People Sea, che ottenendo il Leone 

d’Argento contribuisce a confermare la 

tradizione di film sorpresa spesso destinatari 

di allori, nonché a dar ragione – ce ne fosse 

ancora bisogno – alla pervicace e coerente 

insistenza dello sguardo di Muller rivolto a 

Oriente. Unico premio degno di biasimo il 

Premio Speciale della Giuria concesso a Terraferma, 

nuovo prodotto di Cattleya ancor 

prima di essere il nuovo film di Emanuele 

Crialese. Costruito secondo uno schematismo 

obbligatorio, una “retorica del messaggio” 

che tutto volgarizza, semplifica, uniforma, 

Terraferma torna su molti dei temi e dei luoghi 

cari al cinema di Crialese, dai tortuosi 

legami intrafamiliari al mare, ma lo fa con la 


pesantezza tipica dei film pensati per il grande 

pubblico e che sono scritti intorno alla dimostrazione 

di una tesi. 

Le due Coppe Volpi invece non solo hanno 

reso merito a due ottimi interpreti; hanno anche 

concesso il giusto riconoscimento a due 

buoni film. Michael Fassbender è stato premiato 

per aver prestato il corpo e il volto al 

protagonista sessuomane di Shame, opera 

seconda del promettente inglese Steve Mc- 

Queen: una performance completa quella di 

Fassbender che sullo schermo passa da dialoghi 

in punta di fioretto ad amplessi crudi 

ed espliciti fino – coerentemente – alla lotta 

nel corpo a corpo. Tutt’altro genere d’interpretazione 

invece quella di Deanie Yip, cantante 

e attrice cinese protagonista dello straziante 

A Simple Life, brillante esempio di storia 

familiare classica ma non per questo banale 

diretta dalla veterana Ann Hui; senza 

dubbio uno dei migliori titoli di tutta la Mostra. 

Ultima menzione la dedichiamo a due dei titoli 

meno convenzionali, entrambi sintomi e 

rappresentati di due cinematografie in conclamata 

effervescenza, quella greca e quella 

israeliana: il greco Alpis, di Yorgos Lanthimos, 

frutto dello stesso gruppo d’ingegni che 

appena un anno fa portò a Venezia Attenberg, 

un dramma ironico sull’arte di arrangiarsi ma 

ancor più sulla gestione del lutto ai tempi della 

crisi economica e sociale; e The Exchange, 

estroso ma essenziale apologhetto sullo straniamento 

della vita moderna a firma dell’ebreo 

isrealiano Eran Kolirin, già noto alle 

cronache nostrane per il suo primo successo 

cinematografico, La banda. 

Silvio Grasselli 

ORIZZONTI 

Dopo il rilancio dello scorso anno la sezione 

Orizzonti ha proposto un programma monstre 

alla ricerca di tutte le possibili nuove forme 

del cinema che rispondono in modo creativo 

e problematico alle sfide di un mondo 

frantumato, impossibile ormai da rappresentare 

con modi di rappresentazione speculari. 

Nella succosa “premessa” al programma di 

sala Marco Müller teorizzala fine delle illusioni 

di un cinema normativo e classificabile 

in generi, codici, linguaggi e la necessità di 

rimettere ancora una volta in discussione le 

radici profonde del racconto cinematografico 

“senza negarne la dimensione emotiva e 

sensuale”. Il programma ha offerto un’estrema 

varietà di tipologie narrative e di “formati”, 

dal “film-saggio”, alla “meditazione dolorosa”, 

alla commedia, al film di genere reinterpretato 

e problematizzato, manifestando 

“una rinnovata fiducia nella forza della sintassi 

fondamentale del cinema”(non necessariamente 

quella fondata sulle teorie del 

montaggio). Se il cinema vuole tornare “arte” 

(nel senso di attività inventiva ed espressiva 

che modifica l’uomo e l’ambiente in cui opera) 

e non solo piatta riproduzione dell’esisten- 

62 

te, deve “scucire la realtà, smentendo così la 

pretesa che la sua essenza sia solo documentaria”, 

trasfigurando il reale, mettendo in discussione 

le false apparenze della presa in 

“diretta” di volti, azioni, paesaggi. Müller 

propone un superamento dell’elaborazione 

linguistica del cinema “sperimentale”, spostando 

la nostra attenzione su “modelli che 

rifiutano di appartenere a questo o a quel campo 

estetico, passando invece dall’uno all’altro, 

negandosi alla denominazione d’origine 

controllata”. Oggi, anche in virtù delle nuove 

tecnologie digitali di ripresa e di elaborazionelinguistica, 

il cinema contemporaneo 

assume una straordinaria duttilità e fluidità 

che è foriera di una sempre più radicale interpretazione 

e rappresentazione del reale. 

Il film premiato, Kotoko, illustra bene questa 

linea estetica del “rimescolamento” estetico. 

Il regista giapponese di “culto” (nel senso 

dell’ammirazione un poco esoterica di cinefili 

conventuali) Shinya Tsukamoto,sembra 

qui rinunciare ai compiacimenti visionari 

dell’opera d’esordio (Tetsuo, 1989) per giustificare 

sul piano narrativo e psicologico la 

follia (una forma di sdoppiamento visivo) 

della protagonista. Kotoko, ragazza madre 

che ri-vive sulla propria carne il ricordo delle 

violenze sessuali subite da bambina, ha un 

rapporto autopunitivo con il suo bambino che 

cerca di proteggere da minacce esterne e con 

l’uomo che vorrebbe amarla. La malattia 

mentale le impedisce di accettare se stessa e 

l’amore degli altri. Tsukamoto colloca la rappresentazionedei 

conflitti dolorosi della protagonista 

al confine incerto fra realtà e ossessione 

onirica. Il suo film diventa così una 

celebrazione dell’amore nella sofferenza, studiando 

il misterioso rapporto fra erotismo e 

dolore. Il regista utilizza diversecomponenti 

espressive, mettendo in scenacon ironia e distacco 

situazioni sado-masochistiche sanguinolente 

da film horror, alternandole con momenti 

poetici (la protagonista si riconcilia con 

se stessa cantando e ballando) e persino sentimentali, 

subito problematizzati dalla sua tipica 

crudeltà e violenza visive. Kotoko può 

essere preso ad esempio di un cinema “teorico” 

che cerca la sua ragion d’essere nello slittamento 

delle forme narrative, nella sospensione 

di senso, nella ricerca del lato doloroso 

e misterioso della condizione umana. 

Altro caposaldo del programma si è rivelato 

l’ipnotico (5 ore di immagini estatiche!) Siglo 

ng pagluluwal (Century of Birthing) del 

filippino Love Diaz, riflessione sui meccanismi 

di coercizione emotiva prodotta dai riti 

di una setta religiosa e sull’origine della creazione 

filmica. Il film narra in parallelo la 

vicenda della dissoluzione di un gruppo religioso 

plagiato da un falso predicatore (in effetti 

un intellettuale fondamentalista fallito) 

e la crisi esistenziale e artistica di un regista 

che tenta di raccontarne la storia, facendosene 

coinvolgere verso l’afasia e l’immutabilità 

della condizione umana. Arte e vita si confondono 

e si autoannullano. Il cinema può

essere un forma di fondamentalismo quando 

pretende di violentare la vita (il protagonista 

distrugge la sua musa, un’ adepta della setta, 

salvo poi salvarla avviandosi con lei in un 

cammino incerto nella natura immutabile). Il 

film è anche una testimonianza dolorosa sul 

profondo radicamento di una distorta religiosità 

filippina, retaggio di una cultura animistica 

su cui si è mal innestato un Cristianesimo 

superstizioso e rituale (il gruppo delle 

adepte ripete in modo ossessivo litanie quali 

“L’amore della casa è l’amore più grande al 

mondo”). Secolo della Nascita racconta in 

ultima analisi come l’estremismo e il fondamentalismo 

nella sue forme culturali e religiose 

possano “distruggere il mondo”. E 

come il cinema ne possa svelare in modo problematico 

e non necessariamente salvifico il 

pericolo incombente. 

Una diversa riflessione sulla cinefilia e sulla 

funzione del cinema nel modificare il rapporto 

fra l’artista e i poteri economici che ne 

commissionano l’opera viene proposta dal 

doloroso Cut dell’iraniano (residente negli 

USA) Amir Naderi, autore di film rigorosi 

sul piano della struttura narrativa. Qui Naderi 

supera il suo sperimentalismo per assumere 

le forme dell’apologo a forte impatto simbolico. 

Cut narra la vicenda di un giovane 

regista giapponese che si ispira all’opera di 

Ozu, Mizoguchi e Kurosawa e che accetta di 

farsi finanziare da una banda di Yakuza per 

produrre un film indipendente. Per restituire 

i soldi accetta di farsi picchiare (una certa 

somma per ogni pugno ricevuto) dai violenti 

mafiosi in una palestra, assumendo le stigmate 

di una sorta di figura cristologica (il regista 

lo definisce “l’ultimo samurai del cinema”). 

Naderi trasforma la seconda parte del 

film in un’interminabile ossessiva discesa 

verso la morte, il sacrificio e la resurrezione 

di un regista alla ricerca del cinema “puro” 

contro gli stereotipi volgari del cinema commerciale. 

Sul versante del “documentario”, ammirevole 

mi è sembrato l’approccio alla dolorosa materia 

trattata, il mondo della prostituzione, 

nell’implacabile Whores’ Glorydell’austriaco 

Michael Glawogger. Il regista non si limita 

a illustrare il paradigma del rapporto venale 

fra il padrone (il maschio) e la sfruttata 

(la donna, vittima della sua debolezza di genere 

e del bisogno), ma con un lungo lavoro 

di ricerca scopre le diverse modalità, i riti, i 

complessi rapporti psicologici fra clienti e 

prostitute, le culture che costituiscono il tessuto 

portante in cui i bordelli svolgono la loro 

attività. Dietro il rapporto sessuale mercenario 

si manifesta un misterioso meccanismo 

direlazioneinterpersonale, di cui un giudizio 

pregiudizialmente moralistico non riesce a 

dar conto. Le diverse culture e i diversi contesti 

sociali modificano profondamente le 

forme della prostituzione. Tre luoghi in diversi 

Paesi vengono messi a confronto. Nell’ 

“Acquario” di Bangkok (Tailandia) le donne 

sono “esposte” con un numero identificativo 


in una sorta di vetrina, separate dai clienti da 

un vetro specchiato che impedisce loro di 

vedere i clienti. Le donne sono messe così a 

confronto con se stesse, sottratte il più possibile 

al confronto con l’altro. L’atmosfera vi 

appare rilassata e cordiale, funzionale a un 

commercio da centro commerciale. Le prostitute 

vi appaiono come impiegate o commesse 

di un commercio rispettabile. Una vera 

caduta agli inferi appare invece la “Città della 

gioia” di Faridpur (Balgladesh) ove la miseria, 

il degrado e la precarietà sono assoluti. 

Le prostitute, spesso adolescenti se non preadolescenti 

accettano la loro condizione come 

consustanziale alla loro esistenza. Se nel primo 

episodio tailandese la figura cinematografica 

era quella dello specchio, come forma 

di riconoscimento e di separatezza, qui il 

regista fa emergere quella del labirinto entro 

cui le povere protagoniste e gli spettatori con 

esse si perdono nei meandri oscuri della propria 

psiche. Il terzo luogo di prostituzione 

indagato è quello della “Zona” della città 

messicana di Reynosa (al confine con il 

Texas) ove le misere stanze del “piacere” si 

apronosu strade buie e polverose. Il regista 

vi ha colto un diffuso desiderio di morte, elemento 

dominante della cultura messicana. 

Un’ interessante, ma diversa tipologia di “documentario 

di interviste” vienemessa in atto 

dalla francese Yolande Zauberman che in 

Would You Have Sex with an Arab? interroga 

ragazzi arabi e israeliani, nei luoghi del divertimento 

notturno a Tel Aviv e Gerusalemme, 

sui rapporti sessuali fra i rispettive gruppi etnici. 

La telecamera registra una varietà straordinaria 

di risposte, fra l’assertivo, l’imbarazzato, 

il divertito, il possibilista. Forse la strada 

della convivenza e della pace passa attraverso 

le vie della sessualità. Spiega significativamente 

la regista: “Mi hanno sempre affascinato le 

frontiere che solcano l’intimo, gli amori tra 

nemici che non si arrendono, le coppie che 

nascono per questo. Quando si conoscono, si 

conoscono come nessun altro. Illuminano il 

mondo di una luce diversa”. 

I pochi esempi che mi sono qui permessi dimostrano 

come le forme del cinema sono inesauribili, 

così come la realtà che esse tentano 

di rappresentare nelle sue contraddizioni e 

ambivalenze. 

Flavio Vergerio 

SETTIMANA INTERNAZIONALE 

DELLA CRITICA 

Anche nella ventiseiesima edizione della Settimana 

Internazionale della Critica, come era 

accaduto per la precedente, è prevalsa una 

scrittura attenta ad una quotidianità complessa 

e variegata, legata alla realtà odierna. I 

protagonisti che affollano i racconti, firmati 

da autori alla loro prima prova nel lungometraggio, 

sono spesso losers, solitari, personaggi 

che non necessariamente si trovano ai 

margini della società, tuttavia vivono in bilico 

tra una presunta normalità e il disagio psi- 

63 

cologico, tra l’osservanza delle regole e l’illegalità. 

Làs-bas (Italia/2011, 100’), di Guido Lombardi, 

è l’opera vincitrice del premio del pubblico 

Kino, oltre che del Leone del futuro. 

Girato a Castelvolturno, il film narra di una 

piccola comunità di immigrati. Prendendo 

liberamente spunto dalla strage avvenuta nel 

2008 in cui il clan dei casalesi uccise sei giovani 

clandestini, come atto deliberato di violenza 

razziale e monito sul controllo dei traffici 

illegali sul territorio, il regista napoletano 

costruisce un racconto dal punto di vista 

del giovane Yussouf, un artista pieno di speranze, 

alla ricerca dello zio, che si ritrova, 

dapprima a vendere fazzoletti, quindi esperto 

trafficante di droga. La mdp ne segue in 

maniera quasi documentaria i primi passi in 

Italia, per poi virare verso il noir. 

Louise Wimmer (Francia/2011, 80’) di Cyril 

Mennegun é il convincente ritratto di una cinquantenne 

clocharde suo malgrado, costretta 

a dormire nella propria automobile, unico 

bene rimastole, a seguito di una separazione 

dal marito, 

Egregiamente interpretata da Corinne Masiero, 

Louise Wimmer è una donna forte, in attesa 

che le venga assegnata una casa. Pur essendo 

piena di debiti che ripaga poco alla 

volta, non si lascia scoraggiare. Il suo corpo 

invade lo schermo: colpiscono la durezza e 

la severità con cui rifiuta di parlare della propria 

condizione, la determinazione nel riuscire 

a cavarsela da sola. Una regia sicura, che 

ne racconta il percorso di discesa e di lenta 

risalita in maniera discreta, mai invadente. 

Un altro ritratto femminile viene messo in scena 

in Totem (Germania/2011, 86’), per la regia 

di Jessica Krummacher. Fiona è una collaboratrice 

domestica e bambinaia assunta da una famiglia 

della Rühr, il cui arrivo sconvolge il già 

precario equilibrio, scatenando pulsioni contrastanti 

e gelosie da parte dei suoi componenti. 

Volendo raffigurare un “tranquillo e normale” 

ritratto di famiglia borghese, nel tentativo di far 

emergere alcuni aspetti deteriori di un gruppo 

monolitico inattaccabile, capace di distruggere 

e di espellere qualsiasi intruso tenti di farne 

parte, il film ha l’ambizione dell’indagine antropologica. 

Con chiaririferimenti al Teorema 

di Pasolini, anche se con un’opposta prospettiva, 

la regista con Totem, film di diploma alla 

scuola di cinema di Monaco, mette in scena il 

gioco al massacro che condurrà la giovane donna 

a sacrificarsi con un gesto estremo, senza 

tuttavia la forza, tanto meno l’intensità e la corrosività 

di quella pellicola. 

La terra outragée (tit. it. La terra oltraggiata, 

Francia-Germania-Polonia-Ucraina/2011, 

105’) di Michale Boganim racconta della tragedia 

nucleare in Ucraina, seguendo i percorsi 

di due abitanti di Prypiat, un villaggio 

poco distante da Chernobyl, il piccolo Valery 

e la giovane sposa, Anya, che festeggia il 

proprio matrimonio, 

È il 25 aprile 1986, poco prima dell’esplosione 

della centrale nucleare. Trascorsi dieci anni,

in uno scenario apocalittico, entrambi i protagonisti 

fanno ritorno in quei luoghi abbandonati, 

il giovane in cerca di un passato, la donna 

è accompagnatrice di visite guidate. 

Michale Boganin lascia che a parlare siano 

le situazioni, i luoghi, soprapponendo alle 

immagini di un “c’era una volta”, un immaginario 

bucolico, sereno, anche se già devastato 

dalla presenza della centrale, la visione 

di un paesaggio spettrale, deserto, costruendo 

una narrazione intensa e struggente. 

Lei, Ramona, cantante di un gruppo punk, lui, 

Ray, attivista politico, disposto a combattere 

per i diritti umani, insieme, decideranno di 

compiere un atto esemplare: si tratta del messicano, 

El lenguaje de los machetes (tit. Il 

linguaggio dei machete, Messico, 2011, 82’). 

Diretto da Kyzza Terrazas, è un film estremo, 

come lo sono i suoi protagonisti, una 

coppia di trentenni, frenetico, come lo è la 

loro storia d’amore, quel loro rincorrersi, perdersi 

e ritrovarsi. 

Bravi gli attori, Jessy Bulbo e Andrés Almeida 

nel dare corpo alle nevrosi che alimentano 

i due protagonisti, alla loro ostinata e cieca 

obbedienza ad una pulsione di morte, che 

li condurrà in una via senza ritorno. 

Ne El campo (Argentina, 2011, 82’), protagonista 

della vicenda è una giovane coppia 

che si trasferisce insieme alla propria figlia 

in una villa in campagna, un luogo ameno 

che ben presto diventa inquietante e destabilizzante. 

Hernàn Belòn è l’autore di questa 

opera prima in cui gioca col genere, riuscendo 

a spiazzare, ridefinendo continuamente 

i confini e i tracciati del racconto horror 

e thriller. 

Marécages (tit. it. Acquitrini, Canada/2011, 

111’) si svolge nella campagna del Québéc, 

dove la famiglia Santerre ha un allevamento 

di bestiame. Jean e Marie, insieme al figlio, 

Simon, lavorano tutti indefessamente per cercare 

un nuovo bacino d’acqua, che potrebbe 

risollevare le loro sorti. 

Ma alle difficoltà economiche, si aggiunge 

un tragico incidente nel quale perde la vita il 

padre. Guy Edoin dimostra di aver fatto propria 

la lezione dei fratelli Dardenne, per quella 

capacità di osservare le tragedie che si consumano 

davanti alla mdp, di saper raccontare 

e restituire nel dettaglio attimi di verità, di 

quella realtà autentica colta in una gestualità 

ripetitiva, di riuscire a cogliere quell’asprezza 

che si riflette inevitabilmente nei comportamenti 

e nei rapporti tra gli esseri umani. 

L’elaborazione del lutto, la difficoltà di sopravvivere 

alla perdita di un proprio caro, è 

un tema che si ripresenta anche nel film fuori 

concorso che ha aperto la sezione della SIC. 

Stockholm Östra (tit. it. Stoccolma Est, Svezia/2011, 

95’) si apre con un’imminente tragedia 

di due coppie i cui destini saranno inesorabilmente 

incrociati. Johan vive con la 

propria compagna a Stoccolma nello stesso 

quartiere dove vivono Hanna, il marito e la 

figlia di nove anni. Un tragico incidente causerà 

la morte della piccola. Diretto da Simon 


Kaijser da Silva, autore di serie tv, alla sua 

prima prova nel cinema, Stockholm Östra 

mette in scena un dramma intenso, ben interpretato, 

dove forse una maggiore linearità alla 

trama avrebbe giovato all’efficacia della vicenda. 

A chiudere la sezione, presentato fuori concorso, 

Missione di pace (Italia/2011, 90’), una 

commedia farsesca di Francesco Lagi.Il film 

si svolge nella ex-Jugoslavia, dove un veterano 

militare, a caccia di un criminale di guerra, 

si troverà a confrontarsi col figlio, un pacifista 

convinto. 

Luisa Ceretto 

CONTROCAMPO ITALIANO 

Consueto ‘viaggio in Italia’ nella sezione, tra 

fiction e documentari, tra generi e sperimentazione. 

Vince meritatamente Scialla! – termine 

romano che significa ‘stai tranquillo – 

bell’esordio dietro la macchina da presa dello 

sceneggiatore Francesco Bruni (stretto 

collaboratore di Paolo Virzì ma che ha lavorato 

più volte anche con Mimmo Calopresti), 

che porta sullo schermo la vicenda di un irrequieto 

quindicenne e uno scrittore svogliato 

che scrive le biografie degli altri (ora si sta 

occupando di una famosa pornostar polacca 

diventata produttrice di film hard) che scopre 

che il ragazzo è suo figlio. Con una scrittura 

solida e con attori particolarmente ispirati 

(non solo Fabrizio Bentivoglio e Barbora 

Bobulova ma anche l’esordiente Filippo 

Scicchitano), uno sguardo alla commedia all’italiana, 

dove la deformazione però è umana 

con dentro anche un’euforia contagiosa. 

C’era attesa anche per Cose dell’altro mondo, 

terzo lungometraggio di Francesco Patierno 

dopo il notevole Pater familias e Il 

mattino ha l’oro in bocca con protagonisti 

Diego Abatantuono, Valerio Mastandrea e 

Valentina Lodovini. Le forme del grottesco 

deformano la realtà di una cittadina Nord-est 

dove gli immigrati spariscono all’improvviso 

dopo ‘l’invito ad andarsene’ fatto in tv da 

parte di un rozzo industriale. Le basi per la 

satira a sfondo sociale c’erano ma sono restate 

solo a livello teorico in un film incapace 

di spingere a fondo la propria dimensione 

fantastica e anche la metafora politica è rimasta 

debole. Piuttosto grossolano è apparso 

Maternity Blues su quattro donne rinchiuse 

in un istituto psichiatrico giudiziario devastate 

dal senso di colpa per aver commesso 

l’infanticidio. Chiusura solo di facciata, 

viaggio interiore dove invece i demoni privati 

sono fin troppo espliciti con un lampo 

thriller nella sera della festa poi presto soppresso. 

In Qualche nuvola di Saverio Di Biagio 

si incontrano invece universi sociali differenti. 

Lui è un ragazzo cresciuto in un quartiere 

popolare all periferia di Roma che lavora 

duro in un quartiere edile ed è prossimo al 

matrimonio. Il suo destino è così disegnato 

fino a quando gli viene commissionato di restaurare 

la casa della nipote del suo capo che 

64 

vive nel centro storico. I Manetti Bros., con 

L’arrivo di Wang esempio di ‘fantascienza 

all’italiana’ chiusa in uno spazio ristretto 

come il precedente Piano 17 dove un alieno, 

giunto sulla terra per uno scambio con la razza 

umana, viene catturato dai servizi segreti 

e sottoposto a un duro interrogatorio in cui è 

coinvolta anche un’interprete di cinese. Tra i 

protagonisti del film c’è Ennio Fantastichini. 

Sceglie invece la strada della commedia 

sentimentale Ricky Tognazzi con Tutta colpa 

della musica su due amici che hanno superato 

i 50 anni diversissimi tra loro. Uno, 

infelicemente sposato, ha un colpo di fulmine 

per una donna incontrata nel coro, l’altro 

è un inguaribile dongiovanni. Sembra si sentire 

troppo la mano di Simona Izzo. La nostalgia 

del tempo perduto è solo di facciata e 

la leggerezza rasenta l’inconsistenza. Con 

Cavalli di Michele Rho infine si fa un salto 

temporale e precisamente alla fine dell’800, 

in un paesino degli Appennini, su due fratelli 

legatissimi fra loro ma che hanno diverse 

ambizioni. Tratto dall’omonimo romanzo di 

Pietro Grossi, ha il respiro di un western rurale 

con una ricerca visiva nel dare forma alla 

dimensione epica che non è mai banale. 

Molto ricca poi la materia narrativa dei documentari 

presentati nella sezione. Si entra 

nella lavorazione di Il villaggio di cartone 

con il metodo Olmi durante le riprese in Un 

foglio bianco di Maurizio Zaccaro, nel dramma 

privato attraverso le testimonianze di chi 

ha vissuto personalmente le violenze nel blitz 

alla scuola Diaz e alla caserma di Bolzaneto 

a Genova nel 2001 in cui emerge soprattutto 

la figura di Muli in Black Block di 

Carlo Augusto Bachschmidt, nelle speranze 

e nello sfruttamento di un gruppo di immigrati 

che hanno dovuto pagare cifre enormi 

per arrivare in Italia per poi lavorare in nero 

e sottopagati in Io sono. Storie di schiavitù di 

Barbara Cupisti, nel road-movie da Bergamo 

a Teano tra passato e presente di Piazza 

Garibaldi di Davide Ferrario o in quello vibrante 

e sentito nel rapporto vivissimo tra 

Catania e il panorama musicale (con Carmen 

Consoli, Franco Battiato) nell’ottimo Andata 

e ritorno di Donatella Finocchiaro, nella 

lotta collettiva e nel cambiamento nel corso 

del tempo di un gruppo di operai della Vinyls 

in cassa integrazione che ha occupato il carcere 

dell’Asinara in Pugni chiusi di Fiorella 

Infascelli, nella fuga dei tre ragazzi e il professore 

in fuga dall’Iran in Out of Tehran di 

Monica Maggioni, nella memorie di alcuni 

bambini del meridione ospitate da famiglie 

del Centro-nord subito dopo la fine della Seconda 

guerra mondiale in Pasta nera di Alessandro 

Piva. 

Tra i cortometraggi infine, per qualità e continua 

ricerca visivo-sonora, spicca su tutti Eco 

da luogo colpito di Carlo Michele Schirinzi, 

in cui un vecchio opificio sembra riprendere 

vita attraverso i suoi rumori e i suoi suoni, 

come un respiro che ricomincia a riavviarsi. 

Simone Emiliani

SOMMARIO n. 113-114 - Centro Studi Cinematografici

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