L - Centro Studi Cinematografici

Anno XVII (nuova serie) 

n. 112 luglio-agosto 2011 

Bimestrale di cultura cinematografica 

Edito 

dal Centro Studi Cinematografici 

00165 ROMA - Via Gregorio VII, 6 

tel. (06) 63.82.605 

Sito Internet: www.cscinema.org 

E-mail: info@cscinema.org 

Aut. Tribunale di Roma n. 271/93 

Abbonamento annuale: 

euro 26,00 (estero $50) 

Versamenti sul c.c.p. n. 26862003 

intestato a Centro Studi Cinematografici 

Spedizione in abb. post. 

(comma 20, lettera C, 

Legge 23 dicembre 96, N. 662 

Filiale di Roma) 

Si collabora solo dietro 

invito della redazione 

Direttore Responsabile: Flavio Vergerio 

Direttore Editoriale: Baldo Vallero 

Cast e credit a cura di: Simone Emiliani 

Segreteria: Cesare Frioni 

Redazione: 

Marco Lombardi 

Alessandro Paesano 

Carlo Tagliabue 

Giancarlo Zappoli 

Hanno collaborato a questo numero: 

Elena Bartoni 

Maria Cristina Caponi 

Luca Caruso 

Tiziano Costantini 

Marianna Dell’Aquila 

Elena Mandolini 

Diego Mondella 

Fabrizio Moresco 

Francesca Piano 

Silvia Preziosi 

Tiziana Vox 

Stampa: Tipostampa s.r.l. 

Via dei Tipografi, n. 6 

Sangiustino (PG) 

Nella seguente filmografia vengono 

considerati tutti i film usciti a Roma e 

Milano, ad eccezione delle riedizioni. 

Le date tra parentesi si riferiscono alle 

“prime” nelle città considerate. 

SOMMARIO n. 112 

Amici miei – Come tutto ebbe inizio ...................................................... 

A sud di New York ................................................................................. 

Avventure di Sammy (Le) ...................................................................... 

Balla con noi – Let’s Dance ................................................................... 

Beastly .................................................................................................. 

Boris – Il film .......................................................................................... 

Cars 2 ................................................................................................... 

Dalla vita in poi ...................................................................................... 

Due presidenti (I) .................................................................................. 

Esp – Fenomini paranormali ................................................................... 

Faccio un salto all’Avana ....................................................................... 

Fast and Furious 5 ................................................................................ 

Faster .................................................................................................... 

Goodbye Mama .................................................................................... 

Hai paura del buio ................................................................................. 

Housemaid (The) .................................................................................. 

Illegal ..................................................................................................... 

Isola 10 ................................................................................................. 

Ladri di cadaveri – Burke & Hare .......................................................... 

Libera uscita .......................................................................................... 

Limitless ................................................................................................ 

London Boulevard ................................................................................. 

Mia moglie per finta ............................................................................... 

Michel Petrucciani – Body & Soul ......................................................... 

Noi, insieme adesso – Bus Palladium ................................................... 

Paul ....................................................................................................... 

Perfetto gentiluomo (Un) ....................................................................... 

Pezzo mancante (Il) .............................................................................. 

Scream 4 ............................................................................................... 

Sotto il vestito niente – L’ultima sfilata ................................................... 

Source Code ......................................................................................... 

Street Dance 3D ................................................................................... 

Sucker Punch ........................................................................................ 

13 assassini .......................................................................................... 

Uomini senza legge .............................................................................. 

X-Men – L’inizio .................................................................................... 

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13 Assassini 

(Jûsan-nin no hikaku) 

Giappone/Gran Bretagna, 2009 

Regia: Takashi Miike 

Produzione: Minami Ichikawa, Tôichirô Shiraishi, Michihiko 

Yanagisawa per Sedic International/Recorded Picture Company 

(RPC)/Asahi Broadcasting Corporation (ABC)/The Asahi 

Shimbun Newspaper/Dentsu/Higashinippon Broadcasting Co./ 

Hiroshima Home TV/Hokkaido Television Broadcasting Co. 

(HTB)/Kyushu Asahi Broadcasting Co./Nagoya Broadcasting 

Network (NBN)/Shizuoka Asahi Television Co. (SATV)/Shogakukan/TV 

Asahi/Toho Company/Tsutaya Group/Yahoo Japan 

Distribuzione: BIM 

Prima: (Roma 24-6-2011; Milano 24-6-2011) 

Soggetto: remake del film Jûsan-nin no shikaku (1963) di Eiichi 

Kudo con la sceneggiatura di Kaneo Ikegami 

Sceneggiatura: Daisuke Tengan 

Direttore della fotografia: Nobuyasu Kita 

Montaggio: Kenji Yamashita 

Musiche: Kôji Endô 

Scenografia: Yuji Hayashida 

L 

a storia si svolge in Giappone a 

metà ‘800, ancora così radicalmente 

feudale, nonostante la non 

lunga distanza temporale dai nostri giorni. 

Naritsugu è fratello dello Shogun, capo 

politico e militare supremo e sfrutta questa 

sua intoccabile posizione parentale per 

commettere qualsiasi angheria sulla popolazione 

inerme e per macchiarsi di orribili 

delitti nei confronti dei suoi servi, considerati 

carne da macello per il divertimento 

del signore. Contro questo orrore si 

muove Shimada, uno degli ultimi samurai, 

pronto a formare un gruppo di guerrieri 

affidandosi al giovane entusiasmo di suo 

Film Tutti i film della stagione 

nipote Shinrokuro e di una decina di compagni 

sbandati disposti a tutto. Lungo il 

cammino che precede il contatto con il piccolo 

esercito di Naritsugo, dopo una serie 

di feroci scaramucce tra acquitrini e villaggi, 

si unisce a loro anche Koyata, un 

uomo del popolo e dei boschi, scanzonato 

e irridente, lontano dalla compostezza ieratica 

di un samurai ma svelto e preciso 

con i colpi della sua infallibile fionda. 

La battaglia occupa tutta la seconda 

parte del film in una immersione completa 

nel sangue dei duelli, degli assalti, dei corpo 

a corpo senza pietà. Tutti soccombono, 

buoni e cattivi, si salvano solo il giovane 

2 

Costumi: Kazuhiro Sawataishi 

Produttori esecutivi: Takashi Hirajô, Toshiaki Nakazawa, 

Jeremy Thomas 

Arredatori: Akira Sakamoto, Osamu Kubota 

Effetti: Misako Saka 

Interpreti: Kôji Yakusho (Shinzaemon Shimada), Takayuki 

Yamada (Shinrouko), Yusuke Iseya (Koyata), Gorô Inagaki 

(Lord Naritsugu Matsudaira), Masachika Ichimura (Hanbei Kitou), 

Mikijiro Hira (Sir Doi), Hiroki Matsukata (Kuranaga), Ikki 

Sawamura (Mitsuhashi), Arata Furuta (Sahara), Tsuyoshi Ihara 

(Hirayama), Masataka Kubota (Ogura), Sosuke Takaoka (Hioki), 

Seiji Rokkaku (Otake), Kôen Kondô (Horii), Yûma Ishigaki 

(Higuchi), Kazuki Namioka (Ishizuka), Kazue Fukiishi (Tsuya/ 

Upashi), Koshiro Matsumoto (Yukie Makino), Mitsuki Tanimura 

(Chise Makino), Shinnosuke Abe (Genshiro Deguchi), Takumi 

Saitô (Uneme Makino), Masaaki Uchino (Zusho Mamiya), 

Ken Mitsuishi (Asakawa) 

Durata: 126’ 

Metri: 3900 

Shinrokuro e quel mattacchione di Koyata, 

che pensano subito a una nuova vita 

più allegra e spensierata dopo tanti massacri. 

P 

er il Giappone il tempo non passa 

mai, almeno sullo schermo o, 

quantomeno, sembra appartenere 

solo a due grandi fasce epocali: un medioevo 

(della durata di circa mille anni), bagnato 

dal sangue delle lotte tra clan rivali 

dove emerge unicamente la fedeltà, la lealtà, 

la giustizia e il comportamento eroico 

dei samurai e la società moderna del 

dopo Hiroshima, in continua resa dei conti 

con l’incubo atomico sia passato che presente 

e le conseguenze devastanti sulla 

popolazone. 

Questa ennesima, epica riproposizione 

del medioevo giapponese sembra, in 

ogni caso, mettere un punto fermo e per 

più di un motivo. 

Intanto il regista Takashi Miike, pur con 

un bagaglio di lavoro alle spalle che lo ha 

posizionato tra i cineasti più ricchi di talento 

e originalità del firmamento giapponese, 

e non solo, ha preferito mettere 

mano a una materia considerata ancora 

sacrale nel suo Paese, affidandosi a un 

remake (l’omonimo film di Eichi Kudo), 

come per evitare gli impegni e gli oneri dell’ispirazione 

e dedicarsi all’accademia. E 

di accademia qui ne troviamo in abbondanza, 

a cominciare dalla lunga preparazione 

(tecnica, psicologica, militare) del 

gruppo che tenterà di fermare il sadico fratello 

dello Shogun, una specie di internato

tutto in ambienti bui, in stanze sempre più 

anguste man mano che si procede nell’apprendimento 

e che si aprono l’una sull’altra 

con porte che scorrono come lame di 

una ghigliottina: quasi un saggio d’alta 

scuola che dimostra come l’autore tenga 

sotto controllo lo sviluppo materiale dei fatti 

in un alveo oppressivo, mortuario, privo di 

sbocchi, di speranza, già nella convinzione 

della strage da cui non si salverà nessuno. 

Poi l’omaggio a tutti coloro che hanno 

influenzato il cinema di Miiki cioè Tarantino, 

Leone, Corbucci e tutto il western 

italiano con l’inchino sentito, privo di supponenze 

e sberleffi al maestro Kurosawa. 

L’accademia ancora trionfa nella se- 

PAUL 

(Paul) 

Stati Uniti/Gran Bretagna, 2011 

Regia: Greg Mottola 

Produzione: Tim Bevan, Eric Fellner, Nira Park per Universal 

Pictures/Relativity Media/Working Title Films/Big Talk Productions 

Distribuzione: Universal Pictures 


Soggetto e sceneggiatura: Nick Frost, Simon Pegg 

Direttore della fotografia: Lawrence Sher 

Montaggio: Chris Dickens 

Musiche: David Arnold 

Scenografia: Jefferson Sage 

Costumi: Nancy Steiner 

Produttori esecutivi: Liza Chasin, Robert Graf, Debra 

Hayward, Natascha Wharton 

Direttore di produzione: Robert Graf 

Casting: Jo Edna Boldin, Allison Jones 

Aiuti regista: Ryan Craig, Valerie Johnson, Denise Anderson 

Poore, Jonathan Watson 

Operatori: Greg Baldi, Daniel C. Gold, George Peters, Michael 

Stumpf 

Operatori Steadicam: John Joyce, Michael Stumpf 

Art director: Richard Fojo 

Arredatore: Carla Curry 

Effetti speciali trucco: Gregory Nicotero 

Trucco: Georgia Allen,Nathalie Allen, Mary Burton, Tarra D. Day, 

Vanessa Jaramillo, Sheila Trujillo 

Acconciature: Geordie Sheffer 

Supervisore effetti speciali: Larz Anderson 

Coordinatore effetti speciali: Steve Cremin 

Supervisore effetti visivi: Jody Johnson 

D 

ue nerd inglesi, Graeme e Clive, 

dopo aver partecipato al Comi- 

Con di San Diego, decidono di 

continuare il loro viaggio negli Stati Uniti 

visitando tutti i luoghi legati all’ufologia. 

I due amici sono euforici, scattano 

foto, comprano gadget e, proprio vicino 

all’Area 51, incontrano un alieno, Paul, 

che chiede loro aiuto per sfuggire ai fe- 


conda parte del film: un massacro condotto 

con l’andamento di una violenza danzante, 

un’esplosione di duelli continui, 

estenuanti, sempre senza alcun accompagnamento 

musicale, essendo l’unico rumore 

dato dallo sfrigolio delle lame quando si 

incrociano e del loro penetrare nei corpi 

dopo l’affondo. Un grande mestiere, una 

grande padronanza del mezzo visivo trattato 

con profondità, eleganza, senso del 

ritmo. 

Considerazione finale: Miiki ha raccontato 

con la sua opera un mondo che muore: 

i 13 samurai infatti tali non sono, ma 

piuttosto Ronin, cioè samurai senza più 

padrone da servire e difendere, uomini di 

derali che vogliono sezionarlo per studi 

scientifici. 

Graeme e Clive dopo l’esitazione iniziale 

fanno salire il nuovo amico sul camper 

e ripartono. Durante il tragitto, si accorgono 

di essere seguiti e decidono di 

fermarsi in un camping gestito da Ruth, 

una ragazza cieca da un occhio e molto 

bigotta. Quest’ultima, inavvertitamente, 

3 

ventura in difesa di valori e fedi che si stanno 

sempre più sfilacciando Per finire, gli 

unici superstiti della mattanza sono il giovanissimo 

nipote del capo, Shinrokuro e il 

pazzo Koyala; entrambi vogliono andare 

via subito da quella terra di morte e dedicarsi 

a un tema su cui non sono mai stati 

in dubbio, le donne. La vita, la giovinezza, 

la voglia di esserci sono lì davanti, a portata 

di mano, nell’allegro disincanto di due 

ragazzi proiettati nel futuro. 

I massacri, il sangue, l’onore dei samurai 

appartengono sempre più a un passato 

che si sbiadsce. 


Coordinatori effetti visivi: Darryl Li (Double Negative), 

Cayley Bell, Amie Cox, Lucie Ostrer 

Supervisore costumi:Linda Matthews 

Supervisore musiche: Nick Angel 

Supervisore animazione: Anders J.L. Beer 

animazione personaggi: Jonathan Macintosh, Nathan Mc- 

Connel, Michael Hull, Prothais Nicolas (Double Negative), Darren 

Rodriguez, Gianluca Fratellini, Jeff Schanz 

Animazione: Emanuele Pavarotti (Double Negative), Jason 

Martinsen, Lisa Mauvre, Elizabeth Gray, Stafford Lawrence, 

David Lowry, Nigel Rafter, Nicolas Seck, Paul A. Davies, Aldo 

Gagliardi, Patrick Giusiano, Nicolas Gueroux, Scott Holmes, 

Arne Kaupang, Daniele Mieli, Terence P. Reilly, In-Ah Roediger, 

Alli Sadegiani, Nicolas Seck 

Interpreti: Simon Pegg (Graeme Willy), Nick Frost (Clive Gollings), 

Jason Bateman (agente Zoil), Kristen Wiig (Ruth Buggs), 

Sigourney Weaver (Tara), Seth Rogen (voce di Paul), Bill 

Hader (Haggard), Jane Lynch (Pat Stevens), Jeffrey Tambor 

(Adam Shadowchild), John Carroll Lynch (Moses Buggs), 

Blythe Danner (Tara Walton), David Koechner (Gus), Joe Lo 

Truglio (O’Reilly), Jesse Plemons (Jake), Mia Stallard (Tara 

piccola), David House (guardia di sicurezza), Mike Miller (poliziotto), 

Jeremy Owen (venditore di spade), Jennifer Granger 

(fan di Adam Shadowchild), Nelson Ascencio (Jorge), Bobby 

Lee (Valet), Mark Sivertsen (militare), Joe Berryman (custode), 

Steven Spielberg J., Todd Anderson (commesso negozio 

di fumetti), William Arute, Paula LaBaredas, Corey Drake, Brandon 

Hillock, Joey Wolf 


Metri: 2850 

scopre Paul e considerandolo una presenza 

demoniaca inizia a pregare. L’alieno 

le fa comprendere che è semplicemente un 

essere di un’altra galassia e che non tutto 

quello in cui crede corrisponde a verità; 

poi, per convincerla, le ridona la vista. 

Ruth sconvolta, abbandona il padre 

e la sua religione, per accompagnare i 

ragazzi nella loro avventura: portare Paul

nel luogo in cui lo attende la navicella 

spaziale. 

Le giornate per lo strano quartetto 

scorrono veloci fra canti, risate e discorsi 

pseudo-filosofici, ma Paul ha un rimpianto: 

vuole salutare per l’ultima volta Tara, 

la bambina che anni prima lo ha salvato 

dalla sua navicella in fiamme. 

Tara, ormai una signora, alla vista dell’alieno 

scoppia in lacrime e gli confessa 

di essere stata derisa da tutti e considerata 

pazza dopo aver raccontato del loro incontro. 

L’idillio fra i due è presto interrotto 

dai federali che fanno irruzione in casa. 

Fortunatamente il gruppo di amici, inclusa 

Tara, riesce a scappare e raggiungere 

il luogo designato all’incontro con la navicella 

spaziale. Qui, però, trovano il capo 

dei servizi segreti e altri agenti che non 

esitano a fare fuoco. Graeme e Clive con 

qualche mossa rubata ai telefilm riescono 

a sconfiggerli, ma l’esultanza dura poco: 

nascosto fra i cespugli c’è il padre di Ruth 

che, senza esitare, apre il fuoco sui due 

giovani. Graeme colpito al petto muore. 

Paul, impietosito, usa tutta la sua energia 

per far resuscitare l’amico che dopo pochi 

minuti riapre gli occhi. Nello stesso istante 

arriva la navicella, l’alieno saluta tutti 

e chiede a Tara di andare con lui per vivere 

una nuova vita. La donna accetta e insieme 

a Paul sparisce nell’universo. 

Passano due anni Graeme e Clive sono 

diventati scrittori famosi grazie a un fumetto 

su un alieno dal titolo: Paul. 

L 

e scene di panico alla minaccia 

aliena di Orson Wells sono ormai 

un lontano ricordo. Da quando 

Spielberg con E.T. (1982) ha fatto conoscere 

il lato umano degli extraterrestri, nell’im- 

ISOLA 10 

(Dawson Isla 10) 

Cile/Brasile/Venezuela, 2009 

Regia: Miguel Littin 

Produzione: Cristián de la Fuente, Miguel Littin per Azul Films/Efetres/VPC 

Cinema Video 

Distribuzione: Nomad Film 


Soggetto: ispirato all’autobiografia di Sergio Bitar 

Sceneggiatura: Miguel Littin 

Direttore della fotografia: Miguel Joan Littin 

Montaggio: Andrea Yaconi 

Musiche: Juan Cristóbal Meza 

Scenografia: Carlos Garrido 

Costumi: Marisol Torres 

Direttore di produzione: Julio Jorquera Arriagada 

Aiuti regista: Ivan Fuentes Hagar 


maginario comune è avvenuta una rivoluzione 

iconografica che ha completamente 

ribaltato la percezione degli alieni. Non più 

temibili creature, ma amici da salvare. 

Ogni tanto qualche regista ci riprova a 

dare agli alieni un piglio più arcigno e bellicoso, 

Tim Burton in Mars Attack per citarne 

uno, ma, pur con discreti risultati cinematografici, 

nessuno è mai riuscito a 

scalfire l’appeal dell’icona di Spielberg. 

Simon Pegg e Nick Frost nella loro pellicola 

Paul non ci provano neppure, anzi 

saccheggiano a piene mani dai classici di 

genere per creare una commediola senza 

pretese che, nonostante qualche caduta 

di stile, riesce a far sorridere in maniera 

intelligente. 

I primi a essere messi alla berlina sono 

i nerd e, nel caso specifico, i nerd appassionati 

di ufologia che, visti dall’esterno, 

con i loro raduni e manie, si prestano egregiamente, 

come ogni gruppo di fanatici 

d’altronde, alla battuta e alle situazioni 

demenziali. Non a caso il duo Pegg- Frost 

si è ritagliato per sé proprio questo ruolo 

nella commedia. 

Ma le punzecchiature al fanatismo non 

si limitano solo al mondo dei nerd, piuttosto 

si estendono, e con più cinismo, anche 

all’universo religioso personificato da 

Kristen Wig, una ragazza bigotta con tante 

certezze e altrettanti problemi. E poi c’è 

lui, Paul, l’alieno sboccato e irriverente a 

capeggiare l’insolita banda di amici nel 

deserto del Nevada, mentre la macchina 

da presa di Greg Mottola, come in una gita 

scolastica, riprende le situazioni più imbarazzanti. 

Effettivamente, senza nulla togliere alla 

professionalità del cast, vedendo il film si 

ha come l’impressione di assistere a un 

4 

esperimento cinematografico partorito da 

un gruppo di amici in un pomeriggio noioso. 

Non ci sono veri e propri tempi comici 

e tutto sembra affidato all’improvvisazione. 

Sicuramente la versione italiana, rispetto 

all’originale, perde tanto a livello di 

traduzione ( molto dell’umorismo è concentrato 

sulla diversità-rivalità fra inglesi e 

americani), ma, grazie, a un buon adattamento, 

risulta piacevole da vedere anche 

per un pubblico non avvezzo agli stereotipi 

anglosassoni. 

Un po’ meno piacevoli e, forse, eccessive 

le volgarità usate come “tappabuchi”nei 

momenti di stanchezza che non trovano 

giustificazione neanche nel colorito slang 

giovanile di cui Pegg e Frost si fanno portabandiera. 

Il vero nervo scoperto della pellicola, 

però, non è questo. Più fastidioso del linguaggio 

scurrile c’è l’imbarazzante doppiaggio 

del protagonista Paul a opera del 

leader di Elio e le storie tese. Nulla da ridire 

su Elio come artista ovviamente, ma il 

doppiaggio non è il suo forte. 

Purtroppo da diversi anni è consuetudine 

“impreziosire” i film, spesso d’animazione, 

con voci lontane dal mondo del cinema 

che, però, hanno presa sul pubblico. 

Il risultato? Tranne rare eccezioni si 

rasenta la mediocrità più assoluta. E pensare 

che abbiamo una schiera di doppiatori 

che il mondo ci invidia. Peccato siano 

un po’ troppo anonimi. Forse dovremmo 

convincerli a partecipare a qualche reality 

così, magari, la prossima animazione digitale 

ci riserverà una recitazione accettabile. 

È solo un’idea. 


Art director: Carlos Garrido 

Trucco: Guadalupe Correa 

Suono: Nicolas Hallet, Simone Dourado 

Interpreti: Benjamín Vicuña (Sergio Bitar), Cristian De La 

Fuente (tenente Labarca), Pablo Krögh (José Tohà), José 

Bertrand (Lawner), Sergio Hernández (comandante Fellay), 

Luis Dubó (sergente Figueroa), Matias Vega (Osvaldo Puccio 

padre), Horacio Videla (dottor Arturo Giron), Alejandro Goic 

(capitano Salazar), Caco Monteiro (Fernando Flores), Andres 

Skoknic (Orlando Letelier), Elvis Fuentes (Clodomiro Almeyda), 

Pedro Villagra (sottoufficiale Barriga), Jose Martín 

(Osvaldo Puccio padre) 


Metri: 3200

C 

ile 1973. Dopo il colpo di stato e 

con l’inizio della dittatura di Pinochet, 

molti degli uomini del governo 

Allende vengono fatti prigionieri 

e deportati nel campo di concentramento 

nell’isola di Dawson, al sud della Patagonia. 

Ex ministri, ex deputati, dottori, giudici, 

avvocati e militanti del Partito Comunista 

cileno si ritrovano così a vivere 

in baracche, maltrattati dai militari, costretti 

ai lavori forzati, ma soprattutto 

privati della loro identità. Appena arrivati 

all’isola infatti, il tenente Labarca 

comunica loro che da quel momento verranno 

chiamati con il nome della baracca 

in cui andranno a vivere seguito da 

un numero. Isola 1, Isola 2, Isola 3 e così 

via. Tutti rinchiusi insieme. I prigionieri 

-costretti a marce e lavori forzati- trascorrono 

il loro tempo libero coltivando 

quelli che erano i loro interessi, alcuni 

disegnano, altri scrivono, altri ancora 

cercano di costruire una zattera per poter 

scappare. Sergio Bitar (Isola 10), 

ministro delle miniere e consigliere economico 

del presidente Allende, scrive 

appunti e racconta quello che accade 

ogni giorno. 

Accanto a loro si alternano varie forze 

militari: l’esercito, l’aviazione, la marina. 

Tra loro -almeno inizialmente- prevale 

l’idea di uccidere i prigionieri, ma non 

avendo ricevuto nessun ordine e non riuscendo 

a comunicare facilmente con gli 

uomini della terraferma, li costringono a 

lavorare, anche sotto la neve. 

Gli uomini di Allende non si arrendono, 

lottano e sopravvivono, cercano di 

mantenersi attivi, istituiscono dei corsi 

di politica, di grammatica e di lingue ai 

quali partecipano, seppur come controllori, 

anche i militari. Ristrutturano perfettamente 

una chiesa dell’Isola, riparano 

la televisione per avere notizie dal 

Cile e festeggiano il Natale con brevi 

spettacoli teatrali. Vedendo la forza e il 

coraggio di questi uomini anche alcuni 

dei militari si mostrano più sensibili, primo 

fra tutti il comandante Fellay, che di 

nascosto dagli altri militari, porta cibo 

ai prigionieri e si ritrova con loro a fe- 


steggiare la fine della ristrutturazione 

della chiesa. 

Arriva intanto il 1974 e dopo più di 

anno di resistenza e grazie alle pressione 

delle Nazioni Unite, della Croce Rosse 

e del senatore democratico statunitense 

Ted Kennedy, gli ex ministri del governo 

Allende vengono liberati. La maggior 

parte di loro fa oggi parte del governo 

democratico, Sergio Bitar ha scritto 

un libro in cui racconta la prigionia 

nell’Isola di Dawson. 

U 

na storia drammatica e poco conosciuta, 

raccontata in maniera 

eccelsa da Miguel Littin, cineasta 

cileno affermato a livello internazionale. 

Tratto dalle memorie scritte dal ministro e 

prigioniero Sergio Bitar (Isla 10), il film racconta 

la prigionia di questi uomini andando 

oltre il messaggio politico. C’è infatti più 

di ogni altra cosa la volontà di raccontare 

una storia umana e personale, nella quale 

un gruppo di uomini si ritrova coinvolto. 

Uomini che vedono crollare i loro ideali 

tanto da chiedersi “Dove abbiamo sbagliato?”; 

uomini che hanno sempre combattuto 

per i diritti umani che invece gli vengono 

negati. Uomini senza più un nome, senza 

identità, ma che non si danno per vinti 

5 

e decidono di lottare e resistere. La forza 

del film sta proprio in questo, nel mostrare 

non soltanto le difficili condizioni di sopravvivenza, 

ma anche e soprattutto la reazione 

di un gruppo di persone che non dimentica 

la propria di identità e che conosce 

il valore di una matita, di un foglio o di 

una lettera da leggere. 

Miguel Littin ha restituito a queste persone 

la dignità che per alcuni anni avevano 

perso, ha fatto in modo che la loro 

storia venisse conosciuta in tutto il mondo, 

impressionandola su una pellicola. 

Una regia che segue i prigionieri, un montaggio 

che amalgama bene i filmati d’archivio 

con le ricostruzioni storiche, un’ottima 

interpretazione degli attori (Benjamin 

Vicuna, Cristian De La Fuente, Sergio 

Hernandez) che incarnano perfettamente 

il dolore, lo smarrimento, ma anche l’intelligenza 

di quegli uomini. Tutto questo 

rende Isola 10 un film da vedere assolutamente, 

almeno per conoscere una vicenda 

di cui purtroppo non si è mai saputo 

molto e che appartiene a un capitolo 

della storia mondiale -quello della dittatura 

di Pinochet- tra i più oscuri e sanguinosi. 

Silvia Preziosi

FAST AND FURIOUS 5 

(Fast Five) 

D 

Stati Uniti, 2011 

Regia: Justin Lin 

Produzione: Vin Diesel, Michael Fottrell, Neal H. Moritz per 

Universal Pictures/Original Film/One Race Productions 

Distribuzione: Universal Pictures 


Soggetto: personaggi ideati da Gary Scott Thompson 

Sceneggiatura: Chris Morgan 

Direttore della fotografia: Stephen F. Windon 

Montaggio: Christian Wagner, Kelly Matsumoto, Fred Raskin 

Musiche: Brian Tyler 

Scenografia: Peter Wenham 

Costumi: Sanja Milkovic Hays 

Produttori esecutivi: Amanda Lewis, Justin Lin, Samantha 

Vincent 

Produttori associati: Thomas Hayslip, Leeann Stonebreaker 

Line producer: Fernando Serzedelo 

Direttori di produzione: Vincent Agostino, Fernando Zagallo 

Casting: Debra Zane 

Aiuti regista: James Currier, Janaina Ferreira, Jully Irie, Spencer 

Jarvis, Matti Klutz, Vincent Lascoumes, Christophe Le 

Chanu, Malu Miranda, Justin Ritson, Leonardo Rocha, David 

Sardi, Terrence B. Zinn 

Operatori: Greg Baldi, Ken Fisher, Ian Forsyth, Geoffrey Haley, 

Raphy Molinary 

Operatore Steadicam: Geoffrey Haley 

Art directors: Beat Frutiger, Andrew Neskoromny 

Arredatore: Bob Kensinger 

Trucco: John Blake, Loretta James-Demasi, Margarita Pidgeon, 

Yolanda Sheridan, Nicole Sortillon, Christien Tinsley, Denise 

Tunnell 

Acconciature: Pierce Austin, Margarita Pidgeon 

ominic Toretto è condannato a 25 

anni di carcere. Due auto da cor- 


sa, guidate da sua sorella Mia e dall’amico 

Brian, provocano però il ribaltamento del 

6 

Supervisori effetti speciali: Garry Elmendorf, Rick Thompson 

Coordinatore effetti speciali: David Fletcher 

Supervisori effetti visivi: David Wallace Allen (TeamWorks 

Digital), Adam Avitabile (Look Effects), Angela Barson (Blue- 

Bolt), David Burton (With A Twist Studio), Rainer Gombos 

(Pixomondo), Ian Hunter, David Sanger (New Deal Studios), 

Jeffrey Kalmus (ICO VFX), Guillaume Rocheron (MPC), Rick 

Sander (HOAX Films), Justin Jones, Björn Mayer, Kelvin McIlwain, 

Mike Wassel 

Coordinatori effetti visivi: Briana Aeby (Pixomondo), Jack 

Lilburn (Method Studios), B.J. Farmer, Mohan Sangeeth 

Supervisore effetti digitali: Piet Hohl, Jörn Großhans, Sven 

Martin, Juri Stanossek (Pixomondo), Jeffrey Jasper, Robert 

Zeltsch (New Deal Studios), Juan Melgoza 

Supervisore costumi: Nick Scarano 

Interpreti: Vin Diesel (Dominic Toretto), Paul Walker (Brian 

O’Conner), Jordana Brewster (Mia Toretto), Tyrese Gibson (Roman 

Pearce), Ludacris (Tej Parker), Elsa Pataky (Elena Neves), 

Gal Gadot (Gisele Harabo), Tego Calderon (Tego Leo), Don 

Omar (Rico Santos), Matt Schulze (Vince), Dwayne Johnson 

(Luke Hobbs), Sung Kang (Han Lue), Joaquim de Almeida (Hernan 

Reyes), Michael Irby (Zizi), Fernando Chien (Wilkes), Alimi 

Ballard (Fusco), Yorgo Constantine (Chato), Geoff Meed (Macroy), 

Joseph Melendez (capitano della polizia), Jeirmarie Osorio 

(Rosa), Mark Hicks (Capa), Esteban Cueto (Berto), Corey 

Michael Eubanks (Lanzo), Luis Da Silva Jr. (Diogo), Pedro 

García (direttore), Arturo Gaskins (croupier), Jay Jackson (reporter), 

Luis Gonzaga, Carlos Sanchez, Benjamin Blankenship 


Metri: 3600 

bus sul quale viaggiano i detenuti, per 

favorire la sua evasione. Tutti i telegiornali 

ne parlano. Brian e Mia si uniscono 

a Vince in una favela brasiliana. Di Dom 

non hanno notizie: i tre sono nella lista 

dei ricercati. Vince propone loro un lavoro: 

alcune auto da rubare e rivendere. 

Mia e Brian viaggiano sul treno ove si 

trovano le auto, aiutando la squadra a 

mettere a segno il colpo. Durante l’operazione, 

si ritrovano con Vince e anche 

Dom. Alcuni della gang però tradiscono, 

l’operazione fallisce e due agenti di 

polizia vengono uccisi dai disertori, che 

sono in realtà sgherri del boss di Rio 

Hernan Reyes, oltremodo interessato a 

una delle auto rubate, che rimane a Mia. 

La polizia federale si mette alla ricerca 

dei tre fuggitivi, additati come molto pericolosi, 

mentre Reyes cattura Brian e 

Dom e li minaccia. I due riescono a fuggire, 

smontano l’auto e trovano un chip, 

che contiene tutta la rete di attività ille-

gale di Reyes e i luoghi ove sono occultati 

i suoi soldi. Vince prova a rubare il 

chip e viene cacciato. La favela viene militarizzata 

dall’Fbi, che ha uno scontro 

a fuoco con una banda. V’è una violenta 

sparatoria, ma Brian, Mia e Dom si mettono 

in salvo; la ragazza rivela loro di 

essere incinta di Brian. Dom e Brian decidono 

di fare un ultimo colpo, rubando 

tutti i soldi di Reyes, l’uomo più potente 

di Rio, per poi sparire e farsi una nuova 

vita. Gli occorre però una squadra. Il 

gruppo si compone. Reyes gestisce il traffico 

di droga a Rio, ma non è mai stato 

preso, perché non lascia alcuna traccia: 

i suoi soldi non sono in banca, ma in 

depositi segreti, che loro dovranno svaligiare 

uno a uno, per un totale di 100 

milioni di dollari. Questo l’obiettivo al 

quale è chiamata la squadra, che dividerà 

il bottino. Mentre l’Fbi cerca di 

capire cosa manchi dall’auto rubata, il 

gruppo entra nel primo deposito e incendia 

il monte di banconote che contiene. 

Gli uomini di Reyes, pedinati dagli emissari 

di Dom, prelevano allora sotto suo 

ordine tutto il denaro e lo concentrano 

in un punto solo, una stazione di polizia. 

La missione si complica; per giunta, 

l’Fbi ha già identificato al computer 

Dom e i suoi: sono tutti ricercati. Loro 

studiano il piano per entrare nella centrale, 

ov’è depositata la montagna di 

soldi di Reyes. Riescono a introdurre 

un’auto telecomandata con telecamera 

nel deposito segreto. S’intrufolano poi 

nella stazione di polizia e iniziano ad armeggiare. 

Quindi si procurano un’auto 

velocissima, perché sfugga al controllo 

delle telecamere. Arrivano alla cassaforte, 

ma occorrono le impronte della mano 

di Reyes, che riescono a ottenere con 

l’arma della seduzione. L’Fbi è sulle loro 

tracce, al comando di Luke Hobbs, che 

non ha mai fallito una missione. Luke e i 

suoi agenti scovano la banda, ma vengono 

circondati da centinaia di uomini, 

in aiuto di Dom e dei suoi; così sono costretti 

a battere in ritirata. Rientrando a 

casa, Elena Neves, interprete di Luke, vi 

trova Dom, che si riprende la croce che 

lei porta al collo. Lei gli dice: “Hobbes 

ti troverà. Non hai motivi per restare qui, 

perché lo fai?”. Lui le gira la domanda, 

e lei racconta che suo marito, poliziotto, 

è stato ucciso. Rubano 4 auto velocissime 

alla polizia. Mia sta per essere rapi- 


ta dagli uomini di Reyes al mercato, ma 

Vince la salva e la riporta alla base, ove 

si riappacifica cogli altri e Dom lo assolda 

per il furto. La banda si organizza 

e parte per il colpo. Ma arrivano i federali 

e, dopo una violenta colluttazione, 

arrestano Dom, Mia, Brian e Vince. Tuttavia, 

mentre passano dalla favela, subiscono 

un’imboscata da parte di Reyes. 

Gli uomini di Luke vengono uccisi. Elena, 

però, ha liberato i criminali, che salvano 

Luke. Vince muore, affidando a 

Dom la cura del figlio Nico. Dom vuole 

finire il colpo, anche per vendicarsi di 

Reyes, i sodali lo invitano però a scappare. 

Ognuno è libero di fare come vuole, 

ma con loro si allea Luke, per uccidere 

Reyes. Alla fine aderiscono tutti. 

“Prendiamo i soldi e prenderemo lui” 

proclama Dom. La stazione di polizia è 

superpresidiata. Il blindato con Luke ed 

Elena sfonda il muro, gli altri gli sono 

dietro colle auto. V’è una sparatoria colla 

polizia. Dom e Brian agganciano e 

trascinano via con due auto la cassaforte, 

inseguiti da tutti i poliziotti corrotti 

di Rio. Fuga travolgente e alquanto rocambolesca, 

tra incidenti e sparatorie. 

Reyes gli è dietro con tutti i suoi uomini. 

Sul ponte sono quasi in trappola. Dom 

sgancia il cavo di Brian, per lasciarlo 

libero e far sì che si salvi e rimane solo. 

Fa slalom tra le auto nemiche distruggendole 

e travolgendo, alla fine, anche 

Reyes. Brian salva Dom da uno degli scagnozzi 

di Reyes, che sta per sparargli. 

Reyes, ferito, è ancora vivo: Luke arriva 

e lo finisce, vendicando così i suoi uomini. 

Poi dice a Dom e Brian che non 

può lasciarli andare. Gli concede però 

24’ore di tempo, a patto che abbandonino 

lì i soldi. Luke scopre però che la cassaforte 

è vuota, durante la fuga è stata 

infatti sostituita e ride di gusto. La banda 

apre la cassaforte, trovandosi innanzi 

una montagna di banconote. Dom 

guarda in alto. Parte del bottino la fa 

pervenire nella favela a Rosa e Nico, 

come promesso a Vince. Nel finale vediamo 

gli ‘eroi’ qualche tempo dopo, su 

auto lussuosissime e in compagnia di 

bellissime donne. Brian e Mia sono su 

una spiaggia tropicale. Lei ha il pancione. 

Arriva Dom con Elena. Brian e Dom 

si lanciano in una nuova sfida di velocità 

sulle loro auto. Luke è invece nel suo 

studio. Un’assistente gli porta il fasci- 

7 

colo di un dirottamento a Berlino. “Toretto?” 

chiede Luke. No, è Mia: “Credi 

nei fantasmi?” gli chiede la donna. 

F 

ilm d’azione, tra motori superpotenti 

e delinquenza con un cuore, 

imprese assai rischiose e 

altissima velocità. Dopo aver procurato 

l’evasione di Dominic, la coppia costituita 

da sua sorella Mia e Brian ricovera in 

Brasile, ove sono assoldati per rubare 

delle auto da un treno in corsa. Il vero 

mandante del furto è il ricchissimo e corrotto 

affarista brasiliano Hernan Reyes, 

che desidera recuperare un microchip 

custodito in una delle auto. Questo finirà 

però nelle mani della banda di Dom, che 

se ne servirà per tracciare la mappa dei 

depositi milionari di Reyes e tentare di 

impossessarsene. Serve una squadra all’altezza 

di questa missione, che viene 

prontamente costituita, ricordando le 

imprese di Ocean’s eleven, senza averne 

tuttavia il glamour. Oppositori della 

banda, oltre Reyes e i suoi scagnozzi, 

sono gli agenti della polizia federale al 

comando dell’implacabile Luke Hobbs, 

deciso ad arrestarli. In un riuscito capovolgimento 

dei ruoli, però, è Dom che 

salva la vita a Luke, che lo ha appena 

malmenato e arrestato. In seguito a questo 

evento, che ha comportato il massacro 

dei suoi uomini. Violenta e spettacolare, 

questa pellicola presenta però un 

forte anelito religioso: dal Cristo redentore 

di Rio, ai racconti giovanili di Dom 

(il cui padre invitava al barbecue festivo 

tutti gli amici che avessero partecipato 

alla messa domenicale), alla sua impresa 

per recuperare la croce che Elena 

porta al collo, al suo sguardo verso il cielo 

in chiusura di film. Per i critici è sicuramente 

l’episodio più riuscito dell’intera 

saga: avvincente, adrenalinico, permette 

alla serie di evolversi e maturare. 

V’è un po’ di tutto: donne e motori, azione 

e inseguimenti d’ogni genere, sparatorie, 

gare clandestine, tradimenti e riappacificazioni, 

panorami brasiliani, umorismo, 

ma affiorano anche momenti di 

poesia, in mezzo a questa banda di criminali, 

che più volte manifesta un forte 

carico di umanità. Si pecca forse in verosimiglianza, 

ma questo è spettacolo, 

cinema puro. 

Luca Caruso

LIMITLESS 

(Limitless) 


Regia: Neil Burger 

Produzione: Leslie Dixon, Ryan Kavanaugh, Scott Kroopf per 

Relativity Media/Virgin Produced/Rogue/Many Rivers Productions/Boy 

of the Year/Intermedia 

Distribuzione: Eagle Pictures 


Soggetto: tratto dal romanzo The Dark Fields di Alan Glynn 

Sceneggiatura: Leslie Dixon 

Direttore della fotografia: Joe Willems 

Montaggio: Naomi Geraghty, Tracy Adams 

Musiche: Paul Leonard-Morgan 

Scenografia: Patrizia von Brandenstein 

Costumi: Jenny Gering 

Produttori esecutivi: Bradley Cooper, Jason Felts, Tucker 

Tooley 

Co-produttori: Adam Fields, Ken Halsband 

Line producers: Ricardo Del Río, Patty Long, Patrick Peach 

Direttori di produzione: Mark Kamine, Arturo Del Rio 

Casting: Douglas Aibel 

Aiuti regista: Timothy Bird, H.H. Cooper, Richard L. Fox, Nate 

Grubb, Nate Grubb, Frederic Henocque, Hiromi Kamata, Dale 

M. Nielsen, Jennifer Roberts, Brad Robinson, Mark Shandley, 

Dana Zolli 

Operatori: Kent Harvey, Guillaume Renberg, Richard 

Rutkowski, David J. Thompson 

Operatore Steadicam: David J. Thompson 

Arredatore: Diane Lederman 

E 

ddie Morra è uno scrittore senza 

soldi e alla ricerca del colpo di 

genio che lo aiuti a scrivere il 

romanzo della vita, ma la creatività non è 

un interruttore che si accende nel cervello 

quando si vuole. A complicare le cose anche 

la fidanzata che lo lascia perché non 

riesce più a sopportare la sua apatia. L’in- 


contro casuale con Vernon, il suo ex cognato 

che gli fa provare un farmaco sperimentale, 

l’NZT-48, gli cambia radicalmente 

la vita. L’NZT-48 infatti è in grado di 

sbloccare e amplificare le potenzialità della 

mente umana, di aumentare le capacità dei 

recettori neuronali e attivare tutte le aree 

del cervello. Insomma, è proprio quello che 

8 

Effetti speciali trucco: Keith R. Palmer 

Trucco: Ruth Bermudo, Diane Heller, Keith Sayer, Janeen 

Schreyer 

Acconciature: Diane Dixon, Pamela May, Lori McCoy-Bell 

Coordinatore effetti speciali: Connie Brink 

Supervisori effetti visivi: Tim Carras (Comen VFX), Anthony 

‘Max’ Ivins (Look FX), Rocco Passionino, Dan Schrecker, 

Christopher Scollard 

Coordinatori effetti visivi: Matt Kushner (Look FX), Joey 

Bonander, Sheila Giroux 

Supervisore musiche: Season Kent, Happy Walters 

Interpreti: Bradley Cooper (Eddie Morra), Robert De Niro (Carl 

Van Loon), Abbie Cornish (Lindy), Andrew Howard (Gennady), 

Anna Friel (Melissa), Johnny Whitworth (Vernon), Robert John 

Burke (Pierce), Darren Goldstein (Kevin Doyle), Ned Eisenberg 

(Morris Brandt), T.V. Carpio (Valerie), Richard Bekins 

(Hank Atwood), Patricia Kalember (signora Atwood), Cindy 

Katz (Marla Sutton), Brian Anthony Wilson (detective), Rebecca 

Dayan (Rebecca Dayan), Ann Marie Green (conduttrice 

TV), Damali Mason, Chris McMullin (poliziotti), Meg Mc- 

Crossen (assistente), Tom Bloom (Dunham), Nina Hodoruk 

(agente immobiliare), Tom Teti (Tailor), Stephanie Humphrey 

(giornalista televisiva), Joseph McCarthy, Peter Pryor (operatori 

di borsa), Dave Droxler (tecnico), Luisina Quarleri 

(cameriera),Tomas Arana, Daniel Breaker, Piper Brown 


Metri: 2880 

serve allo scrittore per recuperare la fiducia 

in se stesso è la creatività che aveva 

perduto del tutto. Dopo aver rubato l’ultima 

dose del farmaco nell’appartamento di 

Vernon, morto ammazzato da qualcuno interessato 

alla stessa sostanza, lo scrittore 

incomincia una nuova vita. Riesce a scrivere 

il suo romanzo in soli quattro giorni, 

ma, soprattutto, incomincia a capire che 

l’NZT-48 può permettergli di arrivare lì 

dove non avrebbe mai immaginato: il mondo 

dell’alta finanza. Eddie infatti riesce a 

guadagnare presto milioni di dollari partendo 

da una cifra molto bassa, ma soprattutto 

conosce Carl Van Loon, il magnate 

che gli affida il duro compito di trattare la 

mediazione per la più grande fusione nella 

storia delle corporation. Nonostante 

l’NZT-48 incominci a far vedere i suoi effetti 

collaterali, Eddie riesce a farla franca 

su molti fronti: riesce a sfuggire a misteriosi 

inseguitori che mettono in pericolo 

anche la sua fidanzata, ma, soprattutto, 

riesce a sfuggire a un’indagine di polizia 

in cui è il sospettato numero uno dell’assassinio 

di un’indossatrice. Ormai lanciato 

nel mondo della finanza, Eddie continua 

la sua rincorsa al successo. Lo vediamo 

alla fine candidato come senatore degli 

Stati Uniti e libero, ormai, dal control-

lo di Carl Van Loon, che si scoprirà essere 

il vero artefice dell’NZT-48. 

P 

op. È sicuramente questa la definizione 

più adatta a Limitless, 

l’ultima pellicola di Neil Burger, 

già regista di The illusionist. Un film che 

non brilla per originalità nella sceneggiatura 

e nella storia che appare, in qualche 

tratto, al limite del paradossale. Ma, già dal 

titolo, si capisce che al centro di tutto il film 

c’è proprio l’indagine drammaturgica e 

estetica di questa idea del limite. Non si 

tratta infatti solo di raccontare la storia di 

scrittore impantanato nella sua depressione 

e autocommiserazione (Bradley Coo- 


Regia: Robert Pulcini, Shari Springer Berman 

Produzione: Anthony Bregman, Stephanie Davis per 3 Arts 

Entertainment/Likely Story/Tax Credit Finance/Wild Bunch 



Soggetto: tratto dal romanzo Io e Henry di Jonathan Ames 

Sceneggiatura: Robert Pulcini, Jonathan Ames, Shari Springer 

Berman 

Direttore della fotografia: Terry Stacey 

Montaggio: Robert Pulcini 

Musiche: Klaus Badelt 

Scenografia: Judy Becker 

Costumi: Suttirat Anne Larlarb 

Produttori esecutivi: Jonathan Ames, Stefanie Azpiazu, 

Shari Springer Berman, Vincent Maraval, Agnès Mentre, Robert 

Pulcini 

Co-produttore: Rebecca Rivo 

Direttore di produzione: Rebecca Rivo 

Casting: Ann Goulder 

Aiuti regista: Mariela Comitini, Kara Doherty, Justin Ritson, 

David Catalano 

Operatore: Oliver Cary 

L 

UN PERFETTO GENTILUOMO 

(The Extra Man) 

ouis Ives è allontanato dall’insegnamento 

di una scuola media 

privata di Princeton perché scoperto 

mentre si provava indumenti femminili 

davanti allo specchio. Louis giunge a 

New York e trova lavoro presso una rivista 

ambientalista e un alloggio nell’appartamento 

di Henry Harrison, un gentiluomo 

eccentrico, bizzarro, esperto di bon ton, accompagnatore 

di vecchie ricche a Manhattan, 

molto richiesto nei salotti un po’ retrò 

per la sua conversazione sempre forbitissima, 

ma con una sola mancanza: quella 

di non avere un soldo in tasca. 

Effettivamente Louis è dotato di una 

particolare sensibilità e di una sessualità 


per), che riesce a stimolare nuove aree del 

suo cervello grazie a un farmaco sperimentale, 

ma soprattutto di utilizzare liberamente 

e, appunto, senza limiti la macchina da 

presa. Obiettivo principale: dare vita a effetti 

visivi caleidoscopici e vertiginosi lì 

dove, proprio dal punto di vista drammaturgico, 

è la mente del personaggio a non 

avere più limiti grazie all’NZT-48. Burger si 

serve con maestria di espedienti tecnici più 

all’avanguardia, come fisheye, morphing 

e zoom. Già solo l’infinita zoomata in avanti 

dei titoli di testa, che ci fa attraversare con 

gli occhi tutta Manhattan, dà senso estetico 

a tutto il film e ci fa capire da subito 

quale sarà il taglio stilistico della regia. 

equivoca e comunque non espressa, cosa 

che lo opprime e lo deprime in una ricerca 

senza punti fermi. Anche l’opzione del sesso 

a pagamento con una abilissima maitresse 

dominatrice lo soddisfa fino a un 

certo punto, così come i contatti con le vecchione 

o grassone appartenenti al mondo 

di Henry. Che davvero comprende una illimitata 

congerie di personaggi di ogni 

tipo, ruffiani, scrocconi, squattrinati, falsi 

intellettuali, vecchi conservatori, poeti 

stranieri da strapazzo oltre, naturalmente, 

alle tardone nobili e meno nobili che 

tengono ben stretto il loro peculio. A tutto 

ciò aggiungiamo Gershon, un irsuto e silenzioso 

coinquilino di Henry dalla voce 

9 

Insomma, la regia e la sceneggiatura sono 

strettamente collegate e non si riesce a 

capire quale delle due sia principalmente 

funzionale all’altra. Il risultato finale è comunque 

molto interessante e riesce a tenere 

incollato lo sguardo dello spettatore 

anche se la storia è prevedibile in molti 

tratti del film. Bravissimo Bradley Cooper 

a interpretare il doppio ruolo dello scrittore 

depresso e del manager della finanza. 

Una duplicità supportata da un Robert De 

Niro nei panni di uno dei personaggi più 

facili che gli siano mai capitati di interpretare. 


Art director: Charles Kulsziski 

Arredatore: Carrie Stewart 

Effetti speciali trucco: Michael Marino 

Trucco: Joseph Farulla, Tina LaSpina 

Acconciature: Sherry Heart, Jeffrey Rebelo, Nicole Tucker 

Supervisore effetti visivi: John Bair (Phosphene) 

Supervisore musiche:Linda Cohen 

Interpreti: Paul Dano (Louis Ives), Kevin Kline (Henry Harrison), 

Katie Holmes (Mary Powell), John C. Reilly (Gershon Gruen), 

John Pankow (George), Celia Weston (Meredith Lagerfeld), Patti 

D’Arbanville (Katherine Hart), Lynn Cohen (Lois Huber), Marian 

Seldes (Vivian Cudlip), Dan Hedaya (Aresh), Victoria Barabas 

(Daisy), Lauren Weisman (studentessa), Lisa Brescia (insegnante), 

Beth Fowler (signora Marsh), John Leighton (cameriere), 

Lewis Payton Jr. (usciere), Elizabeth Blancke-Biggs (Diva), Betty 

Hudson (domestica), Jean Brassard (cameriere), Alex Burns 

(Brad), Peter Kybart (Maitre D), Jason Butler Harner (Otto Bellman), 

Marisa Ryan (Tanya), Jonathan Ames (gentiluomo), Gisele 

Alicea (signorina Pepper), Alicia Goranson (Sandra), Graeme 

Malcolm, Justis Bolding, Jackie Hoffman, Rafael Sardina 


Metri: 2880 

flautata e Otto, un ex compagno di stanza 

di Henry e da questi accusato di avergli 

rubato un capolavoro letterario, cioè l’unico 

romanzo che sia riuscito a scrivere nella 

sua vita. 

Comunque, proprio grazie alla loro indecisione, 

al disorientamento e alla mancanza 

di identità, Louis ed Henry decidono 

di mettere a punto le esperienze del loro 

continuo girovagare insieme con il proponimento 

di approfondire la loro bizzarra 

esistenza continuando a vivere sotto lo stesso 

tetto e accomunando l’indecifrabile 

Gershon che, per l’occasione, si presenta 

rasato, pettinato e ripulito. Chissà, forse 

potranno trovare in tre quella strada da

sempre cercata in una rinnovata “l’unione 

fa la forza”. 

I 

l cinema è il mezzo più adatto per 

esprimere quello che non c’è e per 

suggerire allo spettatore le possibilità 

per decifrare ciò che sullo schermo 

può limitarsi a ispirare, alludere, indicare: 

come se entrambi (spettatore e film) facessero 

lo stesso cammino verso un obiettivo 

illuminante, culturale, sociale, umano, fantastico. 

Ogni spettatore poi può trovare in 

questo obiettivo finale tutto ciò, o almeno 

una parte, che cercava o credeva di cercare, 

indipendentemente dal risultato ottenuto 

da altri; il film, può, a questo punto, 

dirsi soddisfatto. 

Quello che accade invece in questo 

I DUE PRESIDENTI 

(The Special Relationship) 

Stati Uniti/Gran Bretagna, 2010 

regia: Richard Loncraine 

Produzione: Frank Doelger, Tracey Scoffield, Ann Wingate per 

Rainmark Films/HBO Films/BBC Films 

Distribuzione: Medusa 


Soggetto e sceneggiatura: Peter Morgan 

Direttore della fotografia: Barry Ackroyd 

Montaggio: Melanie Oliver 

Musiche: Alexandre Desplat; musiche eseguite da London Symphony 

Orchestra 

Scenografia: Maria Djurkovic 

Costumi: Consolata Boyle 

Produttori esecutivi: Andy Harries, Kathleen Kennedy, Christine 

Langan, Frank Marshall, Peter Morgan 

Direttori di produzione: Patricia Anne Doherty, Tim Porter, 

Elena Zokas 

Casting: Nina Gold 

Aiuti regista: Dan Channing-Williams, Chris Croucher, Michael 

Elliott,Zoe Liang, Alison C. Rosa, Charlie Waller, Anthony Wilcox 

Operatori: Cosmo Campbell, Donald Russell 

Supervisore art director: Tom Brown 

Art director: Dean Clegg 

Arredatore: Tatiana Macdonald 

Trucco: Angharad Barry, Beverley Binda, Molly Grayson, Amy 

Holt, Joanne Hopker, Ameneh Mahloudji, Tapio Salmi, Xanthia 

White 

1 

992. Tony Blair è una giovane 

promessa del partito laburista 

britannico quando frequenta la 

“scuola” democratica di Clinton, già presidente 

degli Stati Uniti. In una sessione 

di lavori in cui non incontra mai il presidente, 

Tony impara la ricetta dei democratici 

americani per vincere resistenze e paure 

degli elettori più conservatori. Anni 

dopo, Tony Blair è candidato nelle elezio- 


lavoro di Shari Springer Berman e Robert 

Pulcini, nomi sconosciuti al grande circuito, 

è ben diverso: gli autori, nel decidere di 

raccontare l’intima evoluzione di alcuni 

personaggi, di uno almeno (il giovane 

Louis) nell’ambito di un certo contesto sociale 

visto secondo alcuni parametri ben 

precisi hanno privilegiato la strada dell’educazione 

sentimentale, della formazione 

umana, quasi della vivisezione e successiva 

ricostruzione antropologica. Tutto è 

possibile se si hanno le idee chiare e la 

mano ferma; altrimenti una conduzione filmica 

che tratti l’indecisione, l’irresolutezza 

e l’indeterminatezza dei protagonisti è 

destinata a frammentarsi in una mancanza 

completa di personalità e di dimensione 

spettacolare. 

ni politiche del 1997. In piena campagna 

elettorale, Bill Clinton lo invita alla Casa 

Bianca. Cherie Blair assiste alla soggezione 

del marito, emozionato mentre prepara 

la valigia, e preoccupato di fare bella figura. 

Cherie, invece, non sente il peso dell’incontro, 

ma continua piuttosto a preoccuparsi 

del suo lavoro di avvocato e del 

consueto menage familiare. Il fatto che 

Clinton in persona riceva Blair alla Casa 

10 

Così la bizzarria, l’eccentricità che all’inizio 

fanno sorridere, man mano finiscono 

per annoiare e procurare un vago senso 

di ribellione gonfio di interrogativi su 

quale tipo di film gli autori avessero in testa 

di realizzare. Si ha l’impressione che 

un attore del calibro di Kevin Kline abbia 

percepito tutto ciò nel corso della lavorazione 

e abbia voluto supplire con l’esagerato 

sfoggio di un istrionismo sempre più 

debordante in una occupazione manu militari 

della scena. Risultato: la cannibalizzazione 

dei suoi partner in una identificazione 

completa con l’assunto filmico. 

Siamo convinti che neanche questo 

fosse l’obiettivo degli autori. 


Acconciature: Angharad Barry, Beverley Binda, Molly Grayson, 

Amy Holt, Joanne Hopker, Janice Kinigopoulos, Ameneh 

Mahloudji, Tapio Salmi, Xanthia White 

Supervisore effetti speciali: Paul Dunn 

Coordinatore effetti speciali: Tom Turnbull 

Supervisori effetti visivi: Mark Nelmes, Dennis Michelson 

Supervisori costumi: Sally Crees, Marion Weise 

Supervisore musiche: Evyen Klean 

Interpreti: Michael Sheen (Tony Blair), Dennis Quaid (Bill Clinton), 

Hope Davis (Hillary Clinton), Helen McCrory (Cherie Blair), 

Adam Godley (Jonathan Powell), Mark Bazeley (Alastair 

Campbell), Marc Rioufol (Jacques Chirac), Kerry Shale (consulente 

dei Clinton), Demetri Goritsas (stratega), Nancy Crane 

(addetta al cerimoniale), John Schwab, James Fiddy, Robert 

Roman Ratajczak (giornalisti), Lara Pulver (stagista), Eric 

Meyers (giornalista americano), Rufus Wright (giornalista inglese), 

Matthew Marsh (consigliere politica estera), Roarke 

Alexander (fotografa), Stewart Alexander (Tom, elettricista della 

Casa Bianca), Riccardo Bacigalupo (cameriere), Joe Golby, 

Nick Shaw (agenti di polizia), Jefferson King (laburista inglese), 

Martyn Moore (passeggero aereo), Simon O’Connell (pilota 

elicottero), Adam Robinson (autista limousine), Emily 

Robinson (agente dell’aeronautica Militare Britannica), Pam 

Rose, Mark Barrows, Robert Harrison O’Neil 

Durata: 89’ 

Metri: 2550 

Bianca, riservandogli il protocollo solito 

dei capi di stato, dà una spinta decisiva 

alla sua elezione. Di lì a poco, infatti, Blair 

diventa il più giovane primo ministro britannico. 

La relazione iniziata con quella 

visita formale e di carattere politico viene 

col tempo suggellata e approfondita da frequenti 

visite dei coniugi Blair ai coniugi 

Clinton. Le due firs-lady appaiono subito 

molto diverse: Hillary, consigliera del ma-

ito in ogni passo della sua presidenza, è 

abituata a condividerne il potere, mentre 

Cherie resta estranea alle manovre politiche, 

di cui diffida, e ancorata alla vita pre- 

Dowining Street. 

La relazione speciale che si instaura 

tra Tony e Bill è voluta inizialmente da 

Clinton, convinto di poter cancellare le politiche 

conservatrici dal pianeta grazie alla 

consonanza di colore con il governo della 

Gran Bretagna. Tony, entusiasta del progetto 

politico che gli si offre, è disposto a 

tutto pur di realizzarlo. Così affronta gli 

anni del suo governo con la convinzione 

di lavorare per una giusta causa e di trovare 

in Clinton un aiuto certo. Così succede, 

ad esempio, nel processo di pace nell’Irlanda 

del Nord. La “relazione speciale” 

che si è consolidata tra i due capi di 

governo, però, crea imbarazzo a Blair 

quando l’affaire Levinsky emerge proprio 

durante una visita ufficiale del primo ministro 

britannico al collega statunitense. 

In questo caso, è Tony ad aiutare Bill in 

una conferenza stampa. Altro scoglio che i 

due presidenti affronteranno insieme è 

quello dell’intervento in Bosnia, in cui Tony 

Blair trascina Bill Clinton, usando tutte le 

armi a sua disposizione e dando mostra di 

aver superato il maestro nei giochi della 

politica. L’autonomia ormai acquisita rispetto 

al “mentore” Clinton, viene dimostrata 

appieno, quando Blair allaccia rapporti 

cordiali anche con il suo successore 

repubblicano, George Bush, della cui vittoria 

Bill e la moglie apprendono durante 

l’ultima visita ufficiale ai coniugi Blair. 

C 

oprodotto da HBO e BBC, The 

special relationship, di Richard 

Loncraine, racconta appunto del 

la relazione speciale (teorizzata a suo tempo 

da Churcill) tra presidente americano e 

primo ministro inglese, e che si sarebbe 

venuta a creare tra Bill Clinton e Tony Blair. 

Loncraine sceglie di segnare l’evoluzione 

della relazione tra i due protagonisti 

focalizzando il punto di vista su Blair, giovane 

laburista ambizioso e ingenuo, e di 

narrarla offrendo allo spettatore una serie 

di incontri, in occasioni pubbliche e private, 

che hanno costruito la “relazione speciale” 

di cui dice il titolo. Una relazione che 

si costruisce nell’alternanza continua tra 

pubblico e privato dei due presidenti, ambiti 

che si intrecciano inevitabilmente. Anche 

la regia mostra una particolare consapevolezza 

dell’operazione che il racconto 

conduce, di mostrare occasioni ufficiali 

e momenti di vita matrimoniale e familiare 

dei protagonisti, usando le inquadrature 

con primi piani e campi lunghi a sottolineare, 

rispettivamente, ora il vissuto del per- 


sonaggio ora la caratura “storica” del contesto. 

Loncraine firma un film dal buon ritmo, 

e in cui i dialoghi sono al tempo stesso piani 

e limatissimi, rendendo la narrazione fluida 

e interessante. 

La lettura delle ambiguità dei personaggi 

sono lasciate intendere allo spettatore 

che deve leggere i fatti, le parole e il loro 

sottotesto, traendone le conseguenze. 

Italia, 2010 

11 

Un unico neo si può imputare alla 

sceneggiatura: a tratti indulge sulla caratterizzazione 

più semplice dei protagonisti 

(la buona fede di Blair, la debolezza 

di Clinton, il rigore di Hillary) contraddicendo 

l’intenzione di puro resoconto e 

tradendo la destinazione televisiva del 

prodotto. 

Tiziana Vox 

SOTTO IL VESTITO NIENTE – L’ULTIMA SFILATA 

Regia: Carlo Vanzina 

Produzione: Medusa Film/Sky/International Video 80 



Soggetto: sequel del film Sotto il vestito niente (1985) di Carlo Vanzina e Enrico Vanzina 

Sceneggiatura: Carlo Vanzina, Enrico Vanzina, Franco Ferrini 

Direttore della fotografia: Carlo Tafani 

Montaggio: Raimondo Crociani 

Musiche: Pino Donaggio 

Scenografia: Serena Alberi 

Costumi: Grazia Materia 

Direttore di produzione: Claudio Mncini 

Aiuto regista: Luca Anzellotti 

Operatore: Sascia Ippoliti 

Operatore Steadicam: Sascia Ippoliti 

Arredatore: Vivien Russo 

Trucco: Maurizio Nardi, Barbara Pellegrini 

Suono: Marco Grillo 

Interpreti: Francesco Montanari (ispettore Vincenzo Malerba), Vanessa Hessler 

(Britt), Richard E. Grant (Federico Marinoni), Giselda Volodi (Daria Marinoni), Virginie 

Marsan (Cris), Claudine Wilde (Heidi), Paolo Seganti (Beppe Luini), Mario Cordova 

(Max Liverani), Alexander Doetsch (Bruce), Elena Cotta (Pina), Vincenzo Zampa 

(Mancuso), Francesco Barilli (commissario), Alexandra Burman (Alexandra), Ernesto 

Mahieux (Viganotti), Stefano Molinari (Tanino Andò) 

Durata: 96’ 

Metri: 2650

A 

Milano è arrivata la consueta settimana 

della moda. Alexandra, 

una famosissima e bionda modella, 

è il fiore all’occhiello della sfilata di 

Federico Marinoni, uno degli stilisti più 

apprezzati e attesi dell’evento milanese. 

Il pubblico, in evidente visibilio per l’arrivo 

di Alexandra, non sa ancora che quella 

sarà l’ultima passerella. L’indossatrice, 

infatti, quella sera stessa viene travolta 

da un’auto in corsa mentre si recava ad 

una festa per celebrare il successo della 

sfilata e la sua consacrazione come star 

della moda. Giunto sul posto, l’ispettore 

siciliano Vincenzo Malerba, incaricato di 

indagare sul caso, sospetta da subito che 

non si tratti di incidente casuale, ma di 

omicidio. Le sue ipotesi vengono avvallate 

dalla scoperta di un altro fatto clamoroso. 

Due anni prima, infatti, un’altra 

indossatrice molto famosa che aveva lavorato 

per griffe di Marinoni come 

Alexandra, era morta misteriosamente 

lanciandosi giù da un palazzo. Nel frattempo, 

giunge a Milano, come nuova 

musa della casa di moda, una fioraia svedese 

senza esperienze il cui nome è Britt. 

A lei Marinoni promette subito di renderla 

una nuova star della moda, scatenando 

le gelosie e le invidie di tutte quelle 

indossatrici che speravano di prendere il 

posto della modella uccisa, tra cui Cris, 

la migliore amica di Alexandra, che, molto 

presto, viene inserita nella rosa dei sospettati. 

Nonostante questo, Cris viene 

misteriosamente uccisa e insieme a lei 

molte altre persone che, per un motivo o 

per un altro, ruotano intorno alla casa di 

moda, come Bruce, il modello e amante 

HAI PAURA DEL BUIO 

Italia, 2010 

Regia: Massimo Coppola 

Produzione: Francesca Cima, Nicola Giuliano per Indigo film/ 

BIM Distribuzione/MTV Italia 



Soggetto e sceneggiatura: Massimo Coppola 

Direttore della fotografia: Daria D’Antonio 

Montaggio: Cristiano Travaglioli 

Scenografia: Paolo Bonfini 

Costumi: Roberta Nicodemo 

Produttore esecutivo: Viola Prestieri 

Produttore associato: Carlotta Calori 

Line producer: Gennaro Formisano 


di Marinoni. A questo punto, per l’ispettore 

Malerba tutti sono potenzialmente 

possibili assassini: Daria, la sorella di Federico 

Marinoni; Beppe Luini, il suo ex 

marito coinvolto in vari giri di droga, Max 

Liverani, socio dello stilista: Ma anche 

Giorgio Viganotti, il giornalista di moda 

ossessionato dalla bellezza femminile o 

Tanino Andò, lo stilista della casa di moda 

rivale, come lo stesso Marinoni che sembra 

avere molte cose da nascondere e da 

raccontare nella storia. Intanto Britt, alla 

quale l’ispettore resiste con fatica, è andata 

a vivere provvisoriamente nell’appartamento 

di Alexandra. Proprio qui si 

nasconde la chiave di svolta nelle indagini 

che porteranno Malerba sulla strada 

della soluzione del caso. 

D 

opo ventisei anni, Carlo Vanzina 

dirige il remake di Sotto il vestito 

niente, il thriller con l’ex top 

model danese Renée Simonsen, ambientato 

nel mondo della moda e del glamour 

della Milano “da bere”. Scritto a sei 

mani con il fratello Enrico Vanzina e con 

Franco Ferrini, già co-autori e co-sceneggiatori 

del film del 1985, anche Sotto il 

vestito niente - L’Ultima sfilata è un giallo 

ambientato nel mondo modaiolo delle 

sfilate, dei party, del lusso e dei vizi. Se 

a qualcuno venisse in mente di pensare 

a Sotto il vestito niente - L’Ultima sfilata 

come a un trhiller dall’atmosfera alla 

Stieg Larsson, cambia subito idea. Il film, 

al contrario, catapulta lo spettatore negli 

anni ’80 sin dalle prime scene e dai primi 

abiti. Al di là di questo e del fatto che 

i fratelli Vanzina, piacciano o non piac- 

12 

ciano, sono in qualche modo l’emblema 

del cinema italiano popolare non solo di 

trent’anni fa, ma anche di oggi, il film è 

assolutamente privo di qualsiasi spunto 

originale. Sceneggiatura, regia e recitazione 

formano un assemblaggio ben riuscito 

(almeno questo) di tutto ciò che di 

piatto, banale e noioso il cinema italiano 

può tirar fuori. Difficile quindi farne 

un’analisi basata su quelli che sono gli 

strumenti della critica e dell’estetica cinematografica, 

ma anche della sociologia. 

Se, dal punto di vista della regia, 

Carlo e Enrico Vanzina, come altre volte, 

non dimostrano grande originalità con 

la macchina da presa, non ne parliamo 

dal punto di vista della sceneggiatura e 

della storia che stancano sin dall’inizio. 

Colpo mancato invece quello del cast. 

Se, da un lato, infatti ci si dimentica presto 

chi siano le attrici-modelle e risulta 

chiaro che la regia è riuscita ad appiattire 

anche lo spessore di attori come Ernesto 

Mahieux e Giselda Volodi, dall’altro 

si apprezza, senza esagerare, Francesco 

Montanari nel ruolo dell’ispettore 

Vincenzo Malerba e di Richard E. Grant 

nel ruolo dello stilista Federico Marinoni. 

Dal punto di vista della sociologia del 

cinema, invece, risulta sempre più complicato 

credere che il pubblico ami davvero 

questo tipo di film, che si spacciano 

per racconti degli spaccati della società 

contemporanea, propinandone invece 

quanto di più trash e grossolano ci 

sia. Allora ci domandiamo: c’è davvero 

bisogno di un film all’anno dei Vanzina? 


Direttore di produzione: Daniela Gentili 

Casting: Barbara Braconi 

Aiuto regista:Berenice Vignoli 

Operatore: Bruno Pappalettera 

Trucco: Massimo De Pellegrino 

Supervisore effetti visivi: Rodolfo Migliari 

Suono: Emanuele Cecere 

Interpreti: Alexandra Pirici (Eva), Erica Fontana (Anna), Antonella 

Attili (madre di Anna), Alfio Sorbello (Bruno), Manrico 

Gammarota (padre di Anna), Lia Bugnar (Katia), Andrea Bolea 

(amica), Marcello Mazzarella (Mirko), Angela Goodwin (nonna) 

Durata: 95’ 

Metri: 2470

E 

va è rumena e ha venti anni. Il 

suo lavoro è giunto al termine ed 

esce per l’ultima volta dalla fabbrica 

in cui fa l’operaia perché non le hanno 

rinnovato il contratto. A Bucarest, la città in 

cui è nata e vive, non c’è nient’altro da fare. 

L’unica possibilità è partire per una Paese 

straniero, alla ricerca di un lavoro migliore. 

Eva arriva a Melfi, un paese del Sud Italia. 

Non sapendo dove trascorrere la prima notte 

per ripararsi dal freddo, entra nell’automobile 

di Anna, una sua coetanea che deciderà 

di darle ospitalità in casa sua. Grazie a 

lei, Eva incomincerà anche a lavorare come 

operaia nello stabilimento della Fiat di Melfi, 

uno dei più grandi d’Italia, emblema di 

quel Sud pieno di contraddizioni tra le radici 

della terra e l’industria. Eva e Anna sono 

ragazze molto simili, entrambe chiuse nella 

claustrofobia della loro condizione sociale e 

lavorativa, da cui sembra che non possano 

sfuggire. Eva soprattutto, nonostante abbia 

legato con un gruppo di colleghe, trascorre 

le sue giornate tra l’apatia e la noia. La sua 

unica attrattiva è studiare il comportamento 

di una donna misteriosa, della quale spia 

tutto: vita, spostamenti, abitudini. La donna 

che Eva pedina e insegue è, in verità, la madre, 

partita circa nove anni prima dalla Romania 

per cercare una vita migliore lontano 

da Bucarest e mai più tornata. Eva riuscirà 

ad avvicinarla e a parlarle (in rumeno) sfogando 

su di lei tutto il suo rancore. Solo dopo 

un lungo monologo di rabbia e frustrazione, 

la ragazza riuscirà a lanciare contro la madre 

l’accusa più terribile: quella di averla 

abbandonata solo per soldi, preferendo questi 

a lei e al suo affetto. Risolto il suo passato, 

Eva può finalmente affrontare il sue destino. 

Anna invece, anche a causa delle condizioni 

dell’azienda, decide di tentare un 

nuovo futuro lontana dalle sue radici, dal 

luogo in cui è nata e cresciuta. Solo così potrà 

diventare finalmente padrona della sua 

vita. 

H 

ai paura del buio, primo lungometraggio 

dell’autore televisivo Massimo 

Coppola è innanzitutto 

un film che offre molti spunti e tante tematiche 

per riflettere: dall’immigrazione alla 

condizione degli operai, da certe realtà 

provinciali del Sud Italia, al problema della 

disoccupazione, lo sfruttamento della 

donna e della prostituzione. Insomma, di 

carne al fuoco ce n’è molta e anche la regia 

è piuttosto interessante, soprattutto alla 

luce del fatto che si tratta di un’opera prima. 

Molto valido quell’utilizzo della macchina 

da presa che lavora con le inquadrature 

per mascherare la sua stessa presenza. 

È il caso, ad esempio, di quelle 

inquadrature che mostrano il buio completo 

perché uno dei personaggi si è posto “casualmente” 

davanti all’obiettivo. Lo stile è 


quindi dichiaratamente realistico non solo 

nella storia e nelle tematiche affrontate, ma 

anche nella regia nonostante si voglia apparentemente 

nasconderla. In realtà, infatti, 

è proprio l’eccesso di questo stile a palesare 

la presenza di un preciso disegno registico 

dietro la storia. Il pathos delle scene 

più importanti, il dramma che si nasconde 

dietro alle protagoniste di Hai paura del buio 

(interpretate da Alexandra Pirici, Erica Fontana 

e Antonella Attili), dovrebbe essere 

supportato proprio dalla regia. Invece, risulta 

più come il risultato di un esercizio di stile 

che uno strumento funzionale alla narra- 

DALLA VITA IN POI 

DALLA VITA IN POI 

Italia, 2010 

13 

zione. Se nel suo complesso, sempre alla 

luce del fatto che si tratta di un’opera prima, 

Hai paura del buio è un film interessante, 

proprio la lentezza della sua regia, 

della sua sceneggiatura e la complessità 

della struttura filmica fanno in modo che si 

tratti di un film adatto ai cinefili che non a 

un pubblico più numeroso. Ottima la scelta 

della colonna sonora, ma non poteva essere 

altrimenti visto che Massimo Coppola 

è stato uno dei volti più noti del canale televisivo 

Mtv. 


Regia: Gianfrancesco Lazotti 

Produzione: Pierpaolo Paoluzi per Rosa Film. In collaborazione con Rai cinema e 

Facciapiatta 

Distribuzione: 01 Distribution 


Soggetto e sceneggiatura: Gianfrancesco Lazotti 

Direttore della fotografia: Alessandro Pesci 

Montaggio: Federico Aguzzi, Andrea Bonanni, Francesca Masini 

Musiche: Pietro Freddi 

Scenografia: Fabio Vitale 

Costumi: Alessandra Cannarozzi 

Produttori esecutivi: Massimiliano Leone, Claudio Parmigiani 

Direttore di produzione: Chiara Budano 

Aiuto regista: Giorgio Voyatzakis 

Suono: Roberto Alberghini 

Canzoni estratte: “Il passo silenzioso della neve” e “Voglio quello che sento” di 

Valentina Giovagnini 

Interpreti: Cristiana Capotondi (Katia), Filippo Nigro (Danilo), Nicoletta Romanoff 

(Rosalba), Carlo Buccirosso (direttore del carcere), Gianni Cinelli (Vitale), Pino Insegno 

(Ciarnò), Carlo Giuseppe Gabardini (assistente sociale), Arcangelo Iannace 

(Don Paolino) 

Durata: 85’ 

Metri: 2330

K 

atia è una ragazza costretta sulla 

sedia a rotella dalla distrofia 

muscolare. Per aiutare la sua 

migliore amica, Rosalba, scrive lettere 

d’amore al ragazzo di quest’ultima, Danilo, 

finito in carcere per omicidio. Mentre le 

lettere dichiarano fedele e imperitura devozione 

all’amato, Rosalba, in realtà, pian 

piano si disaffeziona, concretamente presa 

dalla vita fuori dal carcere, mentre Katia, 

come nel Cyrano de Bergerac, inizia a ricambiare 

l’affetto con cui Danilo risponde. 

Quando Rosalba dichiara di non voler più 

scrivere a Danilo, e quindi che Katia può 

smettere di farlo per lei, quest’ultima si rende 

conto di non poter farne a meno: quella 

corrispondenza dà un senso alla sua vita. 

Per questo, affatto scoraggiata e caparbiamente 

decisa a far diventare suo quell’amore 

nato “per corrispondenza”, si presenta 

in carcere e fa di tutto per ottenere un colloquio 

con il detenuto. Inizialmente spaesato 

dalla presenza della ragazzina in sedia 

a rotelle, Danilo ne scopre a ogni visita 

la determinazione e finalmente si lascia andare 

al sentimento che li lega. È sempre Katia 

a suggerire di sposarsi, e così i due convolano 

a nozze nella cappella del carcere e 

Danilo ha diritto a due ore a casa per “licenza 

matrimoniale”. Mentre i poliziotti lo 

aspettano sotto il portone di casa di Katia, 

i due per la prima volta si trovano soli, come 

due innamorati veri, parlano, litigano, fanno 

pace e si amano e alla fine Danilo, mette 

in atto la fuga organizzata per lui da Katia 

con la complicità di Rosalba e di un suo 

amico. 

Tutto va come previsto: Katia cade in 

bagno e distrae i poliziotti impegnati a soc- 


correrla, Rosalba tiene impegnato in un incontro 

d’amore il capo servizio (che di solito 

apre per dispetto tutte le lettere di Danilo) 

e lo lega a un termosifone con le sue 

stesse manette (procurandogli guai giudiziari) 

e Danilo scappa per i campi. A rincorrerlo, 

l’unico poliziotto gentile. Quando 

ormai dovrebbe essere libero, Danilo 

si lascia prendere: l’unica cosa che chiede 

in cambio è di scrivere a Katia una lettera 

che leggerà solo lei e spiegarle che preferisce 

stare in carcere che doversi nascondere 

e perderla per sempre. 

I 

spirato a una storia realmente accaduta, 

Dalla vita in poi racconta 

l’amore tra due persone che non 

chiedono pietà, non vogliono la compassione 

altrui e vivono ciascuno la propria prigione: 

la malattia e la reclusione. Entrambi con 

un caratteraccio (lei ostinata e capace di 

sfruttare biecamente la propria disabilità pur 

di ottenere quello che vuole, lui orgoglioso, 

pronto a menare le mani per un nonnulla e 

caparbiamente contrario a lasciarsi aiutare 

dagli altri), i protagonisti scelti da Lazotti vivono 

in un perimetro poco esplorato dal cinema, 

in cui nascono dinamiche relazionali 

interessanti: il “per sempre” dell’amore promesso, 

della condanna di Danilo e della 

malattia di Katia fa risuonare su un solo tempo 

le esistenze dei personaggi ma, allo stesso 

tempo, amplifica il contrasto tra la gioia 

di amarsi e la disperazione della prigione 

in cui ciascuno, a suo modo, è costretto. 

La posta in gioco è la libertà, la questione 

di fondo se si possa essere liberi 

rinunciando all’amore o se sia l’amore a 

rendere liberi. 

AMICI MIEI-COME TUTTO EBBE INIZIO 

Italia, 2011 

Regia: Neri Parenti 

Produzione: Luigi De Laurentiis Jr., Aurelio De Laurentiis per 

Filmauro 

Distribuzione: Filmauro 

Prima:(Roma 16-3-2011; Milano 16-3-2011) 

Soggetto: prequel della serie Amici miei; Piero De Bernardi, 

Leo Benvenuti, Tullio Pinelli, Neri Parenti 

Sceneggiatura: Piero De Bernardi, Neri Parenti, Fausto Brizzi, 

Marco Martani 

Direttore della fotografia: Luciano Tovoli 

Montaggio: Luca Montanari 

Musiche: Andrea Guerra 

Scenografia: Francesco Frigeri 

Costumi: Alfonsina Lettieri 

Produttore esecutivo: Maurizio Amati 

Line producer: Giulio Gallozzi 

14 

Il dramma di Gianfranco Lanzotti è, in 

fondo, una piccola storia, ma che racchiude 

in nuce molti spunti di riflessione. La 

prigione metaforica o reale, la speranza di 

un futuro migliore, la capacità di apprezzare 

la vita come viene, la forza dirompente 

dell’amore che riesce a dare un senso a 

ogni esistenza. “Quando sei in un tunnel e 

non hai via di uscita, arredalo!”, questo 

motto di un ergastolano che Danilo fa suo, 

è la battuta che suggella il lieto fine, smorzato 

nei toni ma capace di strappare un 

sorriso allo spettatore. 

Cristiana Capotondi, chiamata a un ruolo 

inconsueto per lei, è brava nei panni della 

cattiva ragazza, che non ha niente da 

perdere ed è abituata a conquistare tutto 

lottando. Ruolo abbastanza consueto, invece, 

per Filippo Nigro, ugualmente convincente 

come bel tenebroso dal passato oscuro 

e il cuore d’oro. Nicoletta Romanoff e Pino 

Insegno sono alter ego dei protagonisti principali 

e, come funzione narrativa impone, ne 

esasperano vizi e difetti, aprendo il racconto 

a qualche istante di (amara) commedia. 

La narrazione, che procede per lo più 

tra flash-back e presente, ha un buon ritmo 

e ricorre ai rumori significativi dei luoghi 

(in primis lo sbattere metallico dei cancelli 

del carcere), per dare allo spettatore 

la sensazione di condividere la storia con 

i suoi protagonisti. 

Il risultato complessivo è forse un po’ 

acerbo, peccando in qualche caso di ingenuità, 

ma il film è gradevole e sa toccare 

con onestà e sensibilità le corde romantiche 

dell’animo umano. 

Tiziana Vox 

Direttori di produzione: Edmondo Amati Jr., Maurizio Gallozzi 

Aiuto regista:Filippo Orobello 

Operatore: Roberto Marsigli 

Operatore Steadicam: Valerio Evangelista 

Trucco: Federico Carretti, Vincenzo Mastrantonio, Ferdinando 

Merolla 

Acconciature: Giuliano Mariano 

Supervisore effetti visivi: Giuseppe Squillaci 

Interpreti: Christian De Sica (Filippo), Michele Placido (Duccio 

Villani di Maso), Giorgio Panariello (Cecco Alemari), Paolo Hendel 

(Jacopo), Massimo Ghini (Manfredo Alemanni), Massimo 

Ceccherini (Alderighi), Alessandro Benvenuti (Lorenzo Il Magnifico), 

Barbara Enrichi (Margarita), Pamela Villoresi (Piccarda), 

Alessandra Acciai (Madonna Isabetta), Chiara Francini (Tessa) 


Metri: 2960

N 

el Palazzo dei Priori della Repubblica 

di Firenze, si dibatte se fare 

guerra o meno. Messer Duccio, 

annoiato dalle discussioni, si svicola 

dal consesso e raggiunge il suo amico oste 

Cecco. Si uniscono alla comitiva anche il 

cerusico Iacopo e il nullafacente Manfredo. 

Il gruppo è solito trovarsi la mattina 

presto alla gabbia dei leoni, senza un programma 

preciso, per poi stabilire lì come 

impegnare il tempo. Decidono di andare dal 

nano Brunetto. Lo mettono in una cesta vestito 

da bebè, e lo portano senza brache in 

un convento, per scandalizzare le suore. 

Queste escono arrabbiate inseguendo il 

nano, mentre Cecco le invita a tenerselo per 

sollazzarsi. I quattro passano poi davanti il 

palazzo dell’amico Filippo, ricordandone le 

idee brillanti, come quando fece in modo 

che il cavallo sul quale incedeva il Papa 

durante una processione montasse una cavalla 

davanti a tutto il popolo divertito. Di 

lui, cacciato di casa per un tradimento, non 

si è saputo più nulla. Per le strade gira intanto 

predicando fra’ Girolamo Savonarola, 

che invita i fiorentini a preservare la purezza 

e a fuggire il diavolo tentatore. Cecco 

trova la sua locanda ridotta sottosopra dai 

seguaci del frate. Mentre mette ordine cogli 

amici, arriva Manfredo a informare gli altri 

che Filippo è tornato, ma è in fin di vita. 

Gli amici, tranne Manfredo che non ne ha 

il coraggio, accorrono da lui, trovandolo in 

stato catatonico. In realtà, Filippo sta benissimo, 

sta solo fingendo per farsi assolvere 

dalla moglie. Quando lei lo avrà perdonato, 

lui urlerà al miracolo. Gli amici, 

messi al corrente di ciò, ne approfittano per 

fargli degli scherzi feroci: dal clistere alle 

sanguisughe, banchettando davanti a lui che 

digiuna da 10 giorni. Infine gli fanno bere 

la pipì di un bambino. La sera gli viene amministrata 

l’estrema unzione, lui poi si scusa 

con la moglie, che sì lo perdona, rivelandogli 

però che nel frattempo l’amico Manfredo 

l’ha consolata. Filippo la caccia di 

casa. Poi va in osteria, ove trova gli amici e 

schiaffeggia Manfredo. Tutto torna quindi 

come prima. Manfredo ha però 7 mesi di 

affitto in arretrato e sta per essere sfrattato. 

Ma gli amici, per aiutarlo, ordiscono un 

piano astuto. Fanno credere al proprietario 

che nella cantina ove Manfredo alloggia 

vi sia un ricchissimo tesoro. Per mandar 

via Manfredo, quello gli offre in cambio 

un palazzo in vitalizio per lui e la sua 

numerosa famiglia. Mentre gli amici si fanno 

prestare un carretto dal boia per il trasloco, 

il proprietario e i suoi figli cercando 

il tesoro abbattono un pilone portante, facendo 

crollare tutto il palazzetto. Manfredo 

invece può finalmente stabilirsi in una casa 

vera e bella grande. 


V’è una partita di pallone. Approfittando 

del fatto che Alderighi il legnaiolo è in 

campo, Filippo va a trovare la di lui moglie. 

Alderighi è tra i più violenti, ma rimane 

ferito e gli amici, per divertirsi, propongono 

di riportarlo a casa. Il legnaiolo 

trova chiuso, mentre Filippo, che è a letto 

con sua moglie, finge d’essere Alderighi. 

Lo fanno passare per scemo, facendogli 

credere che lui sia Matteo Servelloni, provocandogli 

una crisi d’identità. Lo denunciano 

pure per insolvenza, poi sono loro 

stessi a scagionarlo mediante una farsa 

nella quale si fingono suoi fratelli – anche 

se lui è figlio unico. Tornano tutti in bottega 

e trovano Filippo al suo posto. Temendo 

una vendetta dell’Alderighi, qualora 

scoprisse il raggiro, lo fanno poi maritare 

con la Silvestra, madre nubile di due gemelli. 

Filippo rimane invece con Tessa, 

focosa e insaziabile moglie dell’Alderighi, 

per soddisfare la quale ricorrerà all’aiuto 

di Manfredo, retribuendolo. 

Filippo e Duccio scoprono che Iacopo 

è diventato sodomita. Vanno da Manfredo 

e lo convincono a mandare suo figlio, giovane 

e bello, nella bottega dell’amico. A 

Cecco muore invece la serva e va al porto 

a comprare una nuova schiava. Gli amici 

lo aiutano a superare le reticenze della 

moglie e a prendere la più bella, Alyssa, a 

patto però di goderne a turno i favori. Iacopo 

è stato intanto messo alla gogna, in 

quanto sodomita. Così anche Manfredo 

scopre il segreto dell’amico. 

Scoppia la peste a Firenze. Cecco si 

serra nella sua locanda. La moglie scopre 

che ha una liaison con Alyssa e la caccia 

di casa. Lei si rifugia da Duccio, ma lui e 

gli amici ordiscono uno scherzo a Cecco. 

Fanno passare Alyssa sul carro dei monatti, 

come fosse morta di peste, sotto casa di 

Cecco, che inizia a temere d’essere stato 

contagiato. Gli amici quella sera vanno in 

locanda a giocare a carte. Quando arriva 

Cecco, che rivela loro del contagio, lo tengono 

a distanza, convincendolo poi ad andare 

al lazzaretto. Mentre sono per via, 

Cecco si avventa contro il Savonarola, che 

tiene una predica furiosa nella quale parla 

del castigo di Dio che sta abbattendosi 

sulla città. Per tale motivo Cecco viene 

condannato a morte. Gli amici allora si 

sentono in colpa. Duccio va a chiedere la 

grazia al Magnifico, confidandogli che era 

una beffa. Il Magnifico concede la grazia, 

ma Cecco lo saprà solo sul patibolo. La 

notte dell’esecuzione, però, Cecco appare 

fiero e sprezzante della scure, che preferisce 

a una morte di peste e denigra il Magnifico. 

Siccome si mette male, gli amici 

gli rivelano che quello della peste era uno 

scherzo, lui allora si dispera che non vuol 

15 

morire. Tutta la piazza ride fragorosamente, 

anche il Magnifico, ma Cecco intanto è 

morto di spavento. Gli amici, in piedi attorno 

a lui, sono esterrefatti. Al suo funerale 

giurano di cambiar vita: mai più burle. 

Incontrano tuttavia l’Alderighi, che, felice, 

rivela loro di aspettare un nuovo bambino 

con la Silvestra. Loro però non lo 

chiamano più Matteo, ma Alderighi il legnaiolo, 

sommergendolo infine di parole 

incomprensibili. “E così nacque la prima 

geniale, beffarda, meravigliosa supercazzola”. 

P 

er contrastare la noia della Firenze 

umanista, cinque amici s’inventano 

“zingarate, bischerate 

e cazzeggio” recita il trailer del film. Con 

troppa disinvoltura e senza alcuna remora, 

questi cinque fannulloni perdigiorno, incuranti 

dei doveri familiari e del lavoro, creano 

situazioni paradossali o s’inventano 

burle per deridere, a turno, i vari membri 

del gruppo. Quasi assistessero di volta in 

volta alla performance artistica di uno dei 

compagni, gli altri si accomodano su spalti 

ideali per osservare come quello se la 

cavi in un contesto rischioso. Tuttavia l’affetto 

tra i cinque è profondo e la burla è in 

certo senso il prezzo da pagare per ottenere 

il sostegno degli amici, che riescono 

a salvare l’altro da problemi più o meno 

grandi. A turno ci cadono un po’ tutti: Filippo, 

Iacopo, Manfredo, Cecco. Solo Duccio 

ne è immune, forse per il suo contegno aristocratico, 

o perché tra i cinque è il più 

potente, con accesso personale al Magnifico. 

Unica occupazione fissa della brigata 

è sovrintendere alle deiezioni della coppia 

di leoni fiorentini, per trarne auspici e 

presagi. Pensiero predominante, invece, 

non è né la famiglia, né il lavoro, la fede o 

la patria, ma il sesso, vero tormentone attorno 

al quale ruotano gran parte degli 

scherzi, dal nano superdotato nel convento, 

al cavallo del Papa, dalla farsa dell’Alderighi 

all’irrisione di Iacopo. L’antitesi a 

questa ossessione oscena è rappresentata 

dalle prediche di fra’ Girolamo Savonarola, 

castigatore severo dei costumi licenziosi 

e immorali, che gira per Firenze 

insieme al suo seguito, pronunciandosi con 

foga contro “fornicatori, sodomiti, barattieri, 

adulteri”. 

I cinque lottano con un umorismo spesso 

cinico contro la drammaticità della vita 

quotidiana. Quasi volessero prolungare oltremodo 

una leggerezza irresponsabile e 

la felicità della gioventù e fuggire i doveri 

della vita adulta, si compiacciono delle proprie 

trovate e sorridono goliardici. Neanche 

la peste li fa desistere dai loro intenti

– l’unico che si sottrae alla comitiva, Cecco, 

morirà. Alla fine le bravate si risolvono 

per il meglio, sortendo spesso l’effetto 

di tirare il malcapitato fuori da un guaio. 

Fuorché nell’ultimo episodio, quando lo 

scherzo sfugge al controllo, diviene davvero 

intollerabile e Cecco per la paura ne 

rimane vittima. Malgrado i propositi di ravvedimento 

formulati durante il suo funerale, 

però, la voglia di scherzare ai quattro 

non passa. 

Nonostante attori di prim’ordine, in forma 

e a loro agio nei ruoli, e una realizzazione 

tecnicamente perfetta, dall’ambientazione, 

alla scenografia, ai costumi, alla 

SUCKER PUNCH 

(Sucker Punch) 


Regia: Zack Snyder 

Produzione: Deborah Snyder, Zack Snyder per Warner Bros. 

Pictures/Legendary Pictures/Cruel & Unusual Films/Lennox 

House Films 

Distribuzione: Warner Bros. 


Soggetto: Zack Snyder 

Sceneggiatura: Steve Shibuya, Zack Snyder 

Direttore della fotografia: Larry Fong 

Montaggio: William Hoy 

Musiche: Tyler Bates, Marius De Vries 

Scenografia: Rick Carter 

Costumi: Michael Wilkinson 

Produttori esecutivi: Wesley Coller, Christopher DeFaria, 

Jon Jashni, Thomas Tull 

Line producer: Jim Rowe 

Direttori di produzione: Brendan Ferguson, Jim Rowe 

Casting: Michelle Allen, Kristy Carlson, Lora Kennedy 

Aiuti regista: Paul Barry, Misha Bukowski, Philip Nee Nee, 

Rhonda Taylor 

Art directors: Patrick Banister, Todd Cherniawsky 

Supervisori art director: Stefan Dechant , Grant Van Der Slagt 

Effetti speciali trucco: Suma Adams, David DeLeon, Thomas 

Floutz, Céline Godeau, Kelly Golden, Rachel Griffin, Kevin 

Kirkpatrick, Louis Kiss, Harlow MacFarlane, Justin Raleigh, 

Geoff Redknap 

Trucco: Emanuela Daus, Vanessa Giles, Leslie Graham, Naomi 

Hirano, Amanda Kuryk, Christopher Mark Pinhey, Michele Tyminski 

Acconciature: Anji Bemben, Diane Holme, Sharon Mosley, 

Jessica Rain 

Supervisore effetti speciali: Scott R. Treliving 

A 

nni cinquanta. Babydoll è una ragazza 

di vent’anni che di recente 

ha perso la madre. Il patrigno 

scopre che la donna ha lasciato tutto a lei 

e alla sua piccola sorellina; arrabbiato, 

l’uomo decide di riversare le sue frustrazioni 

sulla piccola, ma Babydoll interviene 

e spara un colpo alla cieca. Purtroppo 


recitazione, a un’atmosfera ricreata ad 

arte, nel complesso il film è parecchio 

modesto e risulta, oltre che diseducativo, 

perfino anacronistico: forse è troppo ambizioso 

il modello di riferimento, quell’Amici 

miei divenuto simbolo di una stagione cinematografica 

e ormai consacrato da 30 

e più anni di storia, del quale quest’opera 

vorrebbe costituire l’antefatto. Senza ritmo, 

piuttosto volgare, povera di contenuti, la 

pellicola è un tentativo non riuscito; probabilmente 

il sintomo di una crisi di idee 

della cinematografia nostrana, che si ostina 

in calchi, rimandi, remake, prequel e 

rivisitazioni. Per ribaltare il contrasto dram- 

uccide per sbaglio la sorella. Il patrigno 

ne approfitta e decide di farla internare in 

un manicomio per sole ragazze; ma questo 

non gli basta. Corrompe il capo infermiere 

Blue per assicurarsi che a Babydoll 

venga praticata una lobotomia totale. La 

ragazza avrà cinque giorni di tempo per 

scappare e portare con sé le sue nuove 

16 

matico di un funerale, che mal concluderebbe 

una commedia del genere, il regista 

Neri Parenti vi piazza un finale brioso 

con ‘supercazzola’ (frase priva di alcun 

senso logico, piena di parole inventate, 

usata per confondere la persona cui ci si 

rivolge) ante-litteram, inutile plagio dell’originale 

monicelliano. Tanti mezzi per un prodotto 

che non lascia segno, non fa ridere, 

non regge proprio, non aggiunge nulla, 

anzi sottrae credito a se stesso, rimanendo 

inesorabilmente schiacciato dal confronto. 

Luca Caruso 

Coordinatore effetti speciali: Joel Whist 

Supervisori effetti visivi: Andy Brown (Animal Logic), Rainer 

Gombos (Pixomondo), Bryan Hirota (Prime Focus Visual 

Effects), Guillaume Rocheron (MPC), John ‘D.J.’ Des Jardin 

Coordinatori effetti visivi: Damien Carr, Brent Armfield, 

Debbie Steer (Animal Logic), Jan Fiedler, Lisa Hansen, Christoph 

Zollinger (Pixomondo), Matt Magnolia (Warner Brothers), 

Shandy Lashley, Michelle Ledesma, Blaine Lougheed, Mo 

Mohamoud, Andrew Poole, Yi Yang 

Supervisori effetti digitali: Chad Wiebe (Prime Focus Visual 

Effects), James Cochrane 

Supervisori costumi: Dana Kay Hart, Jana MacDonald, 

Heather Osborne 

Supervisori musiche: Tyler Bates, Marius De Vries 

Supervisori animazione: Kenn McDonald (Animal Logic), 

Daryl Sawchuk (The Moving Pictures Company), Kenn Mc- 

Donald 

Interpreti: Emily Browning (Babydoll), Abbie Cornish (Sweet 

Pea), Jena Malone (Rocket), Vanessa Hudgens (Blondie), 

Jamie Chung (Amber), Carla Gugino (dottoressa Vera Gorski), 

Oscar Isaac (Blue Jones), Jon Hamm (High Roller), Scott 

Glenn (saggio), Richard Cetrone (CJ), Gerard Plunkett (patrigno), 

Ron Selmour (Danforth), Kelora Clingwall (madre di 

Babydoll), Frederique De Raucourt (sorella di Babydoll), Monique 

Ganderton, Lee Tomaschefski (infermiere), Brad Kelly, 

Peter Bryant (guardie), Patrick Sabongui (conte), John R. Taylor 

(dottore), Chris Nowland (poliziotto), Christine Willes, Gina 

Garenkooper (infermiere), Michael Adamthwaite, Malcolm 

Scott, Alan C. Peterson, Revard Dufresne, Eli Snyder, Cainan 

Wiebe, Danny Bristol, Phillip Mitchell 


Metri: 2880 

amiche: Sweetie, sua sorella Rocket, Blondie 

e Amber. Per sopportare tutto l’orrore 

del manicomio, Babydoll inventa una realtà 

alternativa, dove il manicomio è una 

casa d’appuntamenti d’alto bordo e le pazienti 

sono le ballerine e prostitute del locale. 

Le ragazze per riuscire a scappare 

dovranno procurarsi un coltello, un accen-

dino, la mappa del manicomio, la chiave 

passepartout e una quinta cosa misteriosa. 

Babydoll diventa la star del locale e 

grazie alle sue danze, in cui la ragazza si 

rifugia in una seconda realtà alternativa, 

consente alle sue amiche di recuperare gli 

oggetti mancanti. In quei cinque giorni 

Rocket, Blondie ed Amber perdono la vita 

nel tentativo di realizzare il piano di fuga. 

Alla fine Babydoll comprende la verità: è 

lei il quinto elemento che deve essere sacrificato. 

Babydoll decide così di rimanere 

nel bordello per consentire a Sweetie la 

fuga. Ora tornata nella realtà, Babydoll 

viene lobotomizzata. La direttrice del manicomio 

scopre il giro di denaro di Blue, 

che viene prontamente arrestato, e le violenze 

che le ragazze subivano da parte di 

tutti gli infermieri. Sweetie è finalmente 

libera. 

U 

n progetto cullato da circa dieci 

anni. Zack Snyder, già regista di 

300, Watchmen e Ga’Hoole, è 

tornato nei cinema con un nuovo film visionario. 

A differenza dei precedenti lavori, 

tratti da fumetti o romanzi, Sucker Punch 

nasce da un’idea originale del regista 

che aveva come primo obiettivo quello di 

realizzare un film tutto al femminile che 

UOMINI SENZA LEGGE 

(Hors-la loi) 

Francia, 2010 

Regia: Rachid Bouchareb 

Produzione: Jean Bréhat per Tessalit Productions/Agence Algérienne 

pour le Rayonnement Culturel (AARC)/EPTV/Tassili 

Films/Studio Canal/France 2 Cinéma/France 3 Cinéma/Kiss 

Films/Novak Production/Radio Télévision Belge Francophone 

(RTBF)/uFilm/Quinta Communications/Eagle Pictures 



Soggetto e sceneggiatura: Rachid Bouchareb, Olivier Lorelle 

Direttore della fotografia: Christophe Beaucarne 

Montaggio: Yannick Kergoat 

Musiche: Armand Amar 

Scenografia: Yan Arlaud, Taïeb Jallouli 

Costumi: Edith Vesperini, Stephan Rollot 

Co-produttori: Olivier Dubois, Adrian Politowski, Gilles Waterkeyn 

Direttori di produzione: Vincent Canart, Sylvain Monod 

Casting: Justine Léocadie 

Aiuti regista: Marie Levent, Matthieu Maunier-Rossi 

L 

8 maggio 1945, le due città algerine 

di Sétif e Guelma sono protagoniste 

di una sanguinosa 

rivolta popolare contro il regime francese. 

La famiglia dei tre fratelli Saïd, Messaoud 

’ 


contrastasse il testosterone di 300. Questa 

sua ultima fatica non è pane per tutti i 

denti; per chi ama il fantasy e gli effetti speciali 

sarà una vera manna dal cielo, ma 

per gli altri sarà un guazzabuglio incomprensibile, 

con una trama decisamente 

semplice. Gotico, visionario, ma anche 

cupo e triste, Sucker Punch racconta una 

storia di ragazze interrotte, con un nuovo 

piglio immaginifico. Pur essendo un tema 

sfruttato in più salse, Snyder riesce, infatti, 

a donare nuovo vigore allo scenario dei 

disturbi mentali e delle case di cura. Tutto 

si gioca sulla fantasia di Babydoll che ci 

conduce in più sottolivelli, il cui primo è la 

casa d’appuntamenti d’alto bordo; il secondo 

è una guerra fuori dallo spazio e dal 

tempo, dove lei e le sue amiche sono spietate 

guerriere. Non a caso, il film comincia 

con il sipario di un teatro che si apre di 

fronte a noi: tutto quello che stiamo per 

vedere è pura finzione. Il gioco regge e vieni 

coinvolto in questo rimando di mondi 

fantastici, che porta inevitabilmente a parteggiare 

per le ragazze e sperare nella loro 

fuga. Perché la storia è tutta qui: queste 

cinque ragazze vogliono fuggire dal manicomio 

e questa è la storia della loro fuga. 

Ciò che veramente colpisce del film è la 

grafica, la scenografia e la martellante co- 

e Abdelkader, costretti anni prima dalle 

leggi dei coloni a lasciare la propria casa 

a uno dei signori locali, viene in parte sterminata. 

Intanto, proprio a causa delle proteste, 

Abdelkader viene arrestato e porta- 

17 

lonna sonora; da questi punti di vista sembrerebbe 

di assistere a un videoclip di due 

ore. Fantastica, in tal senso, è la prima lunghissima 

sequenza del film; con un ralenti 

dietro l’altro veniamo immersi nello spirito 

drammatico della vicenda attraverso un 

racconto per immagini e voce fuori campo. 

La scenografia, firmata da Rick Carter, 

nome spesso associato a registi come 

Steven Spielberg o Robert Zemeckis, è un 

capolavoro, che accosta retrò e modernità 

con ambienti a volte claustrofobici a volte 

ariosi. La colonna sonora annovera remix 

creati per l’occasione, come la celebre 

“Army of me” di Björk, “Sweet Dreams” (are 

made of this) degli Eurythmics o “We will 

rock you” dei Queen; remix che calzano a 

pennello e vengono sempre inseriti nei giusti 

attimi. Tante le potenzialità di questo 

film, che vengono messe da parte in favore 

di una regia che offre un concerto per 

immagini e suoni. Poteva essere un film 

femminista, ma in realtà si rivela un fantathriller 

sparatutto con guerriere dai visi di 

bambola e vestiti in lattice neri. Insomma 

Sucker Punch rientra nella categoria delle 

“americanate”, ma che tanto possono piacere 

agli italiani. 


Operatore: Patrick de Ranter 

Operatore Steadicam: Patrick de Ranter 

Art director: Yan Arlaud 

Trucco:Aurélie Elich, Lisa Schonker, Michelle Van Brussel, Kaatje 

Van Damme 

Coordinatore effetti speciali: Romain Rosier 

Supervisori effetti visivi: Alain Carsoux, Hugues Namur 

Coordinatore effetti visivi: Chauvet Florian 

Supervisore musiche: Elise Luguern 

Interpreti: Jamel Debbouze (Saïd), Roschdy Zem (Messaoud), 

Sami Bouajila (Abdelkader), Bernard Blancan (colonnello 

Faivre), Chafia Boudraa (madre), Sabrina Seyvecou 

(Hélène), Assaad Bouab (Ali), Thibault de Montalembert (Morvan), 

Samir Guesmi (Otmani), Jean-Pierre Lorit (Picot), Ahmed 

Benaïssa (padre), Larbi Zekkal (il capo), Louiza Nehar 

(Zohra), Mourad Khen (Sanjak), Mohamed Djouhri (Trainer), 

Mustapha Bendou (Brahim), Abdelkader Secteur (Hamid) 


Metri: 3800 

to nelle prigioni francesi. Anni dopo, mentre 

Messaoud combatte con l’Esercito francese 

nella guerra in Indocina, Saïd si trasferisce 

a Parigi con la madre per cercare 

fortuna nei club di spogliarelliste a Pigal-

le, anche se la sua vera passione è la boxe. 

I loro destini si riuniscono quando tutti e 

tre i fratelli, finalmente insieme a casa, 

incominciano a costruire ognuno il proprio 

destino in Francia. Formatosi in galera e 

diventato leader del Fronte per la Liberazione 

Nazionale per l’indipendenza algerina, 

Abdelkader convince anche il fratello 

Messaoud a unirsi alla causa. Il movimento 

incomincia a trasformarsi sempre 

di più gruppo terroristico organizzato e 

armato, al punto di seminare il vero e proprio 

terrore per le strade di Parigi. Sempre 

più impegnati nella loro lotta, Abdelkader 

e Messaoud cercano di convincere anche 

il loro fratello minore Saïd, soprattutto 

perché temono ritorsioni da parte dei 

Fratelli algerini che lo vedono troppo inserito 

nella vita parigina. Saïd infatti è diventato 

il menager di un giovane pugile di 

origine algerina e vuole farlo partecipare 

ad un campionato europeo con la bandiera 

della Francia. A tradire i due fratelli 

invece sarà proprio un loro compagno che, 

arrestato dalla polizia francese, riferirà i 

dettagli dell’attacco terroristico imminente. 

Raggiunti dalla polizia proprio mentre 

si stanno preparando, i due fratelli maggiori 

vengono uccisi. Il primo a morire è 

Messaoud, mentre Abdelkad viene ucciso 

dopo un disperato tentativo di salvarlo da 

parte di Saïd. È il 1962. Poco tempo dopo 

viene proclamata l’indipendenza dell’Algeria. 

I 

n concorso agli Oscar 2010 come 

Miglior film straniero, Uomini senza 

legge (Hors – la – loi nel titolo originale) 

è l’ambiziosa pellicola di Rachid 

Bouchareb, il regista franco-algerino di 

Poussières de vie, il film che ottenne la 


stessa candidatura nel 1955. Uomini senza 

legge è un film che ha in sé la lezione 

del grande cinema americano da Brian de 

Palma a Francis Ford Coppola, come 

emerge soprattutto dalla coralità della storia 

e dagli intrecci della narrazione. La storia 

dei tre fratelli algerini è montata sullo 

sfondo della realtà drammatica della lotta 

terroristica per l’indipendenza dell’Algeria 

dalla Francia. Un tema che non ha eluso 

polemiche e contestazioni, ma che nel film 

FACCIO UN SALTO ALL’AVANA 

Italia, 2011 

18 

si mantiene sempre sul delicato equilibrio 

tra il bene e il male, tra i buoni e i cattivi, 

senza scadere nella banalità di una condanna 

per una o per l’altra parte in causa. 

Ci si domanda continuamente cosa sia giusto, 

quale sia il senso della vendetta e se 

veramente la forza vince sulla diplomazia. 

La violenza in ogni sua forma è l’unica a 

essere condannata, la violenza degli uomini 

senza legge dominata dall’istinto alla 

vendetta, come appunto suggerisce il titolo 

del film. Una vendetta che, quasi, sembra 

non avere più ragion d’essere se non 

quella della cieca ostinazione (come emerge 

non solo nella lotta dei nazionalisti algerini, 

ma anche nel comportamento degli 

ispettori della polizia francese). Uomini 

senza legge è un film che tiene incollati 

allo schermo per il ritmo incalzante, anche 

se le scene di sparatorie e inseguimenti 

ogni tanto risultano un po’ invasive 

rispetto alla sceneggiatura, e per la riuscitissima 

definizione dei personaggi. È infatti 

la caratterizzazione dei tre fratelli (interpretati 

dai tre bravissimi Jamel Debbouze, 

Sami Bouajila e Roschdy Zem) a dare 

il vero sostegno al film. Sono loro tre a muovere 

le fila della trama e ad azionare il pathos 

del dramma con le proprie scelte e i 

propri destini di uomini legati dal sangue e 

dalla terra. 


Regia: Dario Baldi 

Produzione: Marco Poccioni, Marco Valsania per Rodeo Drive Media 



Soggetto e sceneggiatura: Lorenzo De Marinis, Massimiliano Orfei 

Direttore della fotografia: Vittorio Omodei Zorini 

Montaggio: Alessio Doglione 

Musiche: Francesco De Luca, Alessandro Forti 

Scenografia:Davide Bassan 

Costumi: Patrizia Mazzon 

Direttore di produzione: Paolo Lucarini 

Aiuti regista:Elena Fiorenzani, Massimo Loi 

Operatore:Emiliano Fiore 

Supervisore effetti visivi: Pierfilippo Siena (Metaphyx) 

Coordinatore effetti visivi: Virginia Cefaly (Metaphyx) 

Interpreti: Enrico Brignano (Fedele), Francesco Pannofino (Vittorio), Aurora Cossio 

(Almadedios), Grazia Schiavo (Barbara), Paola Minaccioni (Laura), Isabelle 

Adriani (bionda misteriosa), Virginia Raffaele (Annaclara), Antonio Cornacchione 

(dottor Brancacci), Cosimo Cinieri (Siniscalco), Carolina Poccioni (ragazza 

romana) 

Durata: 96’ 

Metri: 2650

F 

edele e Vittorio sono due fratelli 

dal carattere opposto. Mite, rispettoso 

e dedito alla famiglia il 

primo, mascalzone, disonesto e fedigrafo 

il secondo. Sono sposati con due sorelle, 

le figlie di un grosso imprenditore che ha 

concesso loro di amministrare la società. 

Un giorno, però, l’auto di Vittorio viene 

trovata in un lago in condizioni tali da far 

presupporre la morte dell’uomo. Fedele, 

premuroso non nega l’appoggio alla cognata 

fino a quando non scopre sei anni 

dopo che suo fratello non è morto, ma vive 

a Cuba. Senza pensarci due volte, Fedele, 

prende il primo aereo convinto di riportare 

indietro Vittorio. All’Avana, ben presto, 

scopre che il fratello è famoso perché organizza 

truffe a turisti insieme alla bella 

Almadedios e proprio in una di queste, di 

cui lui è vittima, ritrova il congiunto scomparso. 

Inutili i rimproveri, Fedele non riesce 

a convincere Vittorio a seguirlo e fra 

un ballo e un bicchiere di rum si innamora 

ricambiato di Almadedios. L’Italia sembra 

lontana, ma l’idillio finisce quando Vittorio 

e Almadedios vengono arrestati dalla 

polizia locale. L’uomo cacciato da Cuba 

va a vivere in Svizzera con un vitalizio che 

gli ha passato il suocero a patto di non tornare 

in Italia, mentre la donna è costretta 

a fare alcuni mesi di carcere. Finiti i gior- 

Bulgaria/Italia, 2010 

Regia: Michelle Bonev 

Produzione: Michelle Bonev, Giuseppe Corasaniti, Licia Nunez 

per Romantica Entertainment/Bulgarian National Film 

Center/ Rai Cinema/ Ministero per i Beni e le Attività Culturali 

(MiBAC) 



Soggetto e sceneggiatura: Michelle Bonev 

Direttore della fotografia: Emil Topuzov 

Montaggio: Massimo Quaglia 

Musiche: Kiril Donchev 

Scenografia: Nasko Yanakiev 

Costumi: Sonia Despotova 

Line producer: Irene Masiello 

Direttori di produzione: Zahari Paunov, Paolo Rosada 

Casting: Elisabeth Radeva 

Aiuti regista: Vessela Bannzurkova, Peter Mechkoff 

Operatori: Hristo Genkov, Neven Mihailova 

Supervisore trucco: Diego Prestopino 

L 

GOODBYE MAMA 

(Goodbye Mama) 

ettera alla madre: “Non ci siamo 

scelte, né mai amate, ma resteremo 

per sempre madre e figlia”. 


ni di reclusione Almadedios ritrova all’uscita 

Fedele e con lui costruisce una 

numerosa famiglia. 

U 

na volta si diceva: “I bravi attori 

riescono a rendere favoloso anche 

un film mediocre”. Dopo aver 

visto Faccio un salto all’Avana, si può chiaramente 

affermare che è un luogo comune 

da sfatare. Assolutamente. 

La pellicola in questione, diretta da 

Dario Baldi, è una accozzaglia maldestra 

di siparietti pseudocomici che, partendo 

dall’intuizione pirandelliana della finta morte, 

sviluppa l’originalissima, si fa per dire, 

storiella dell’italiano all’estero. 

Gli elementi della “tragedia” ci sono 

tutti: la moglie petulante, i Caraibi da depliant, 

la bella indigena, i balli e i canti, il 

sogno perduto. E ovviamente l’italiano truffaldino. 

Manca solo la sceneggiatura, evidentemente 

arrivata tardi all’aeroporto, sostituita 

in extremis dall’audace arte dell’improvvisazione. 

Con questi elementi, è evidente, non 

si può chiedere il miracolo agli attori! Enrico 

Brignano e Francesco Pannofino ci provano 

e con quello che hanno, come facevano 

un tempo le brave massaie, “preparano 

il pranzo”, un pranzo insipido però, 

Bulgaria 2005. Un bus percorre strade 

di montagna. La giovane Teodora scende 

tra la neve. Bussa a un casermone in 

19 

che lascia i commensali, pardon gli spettatori 

con l’amaro in bocca. 

I più delusi, sicuramente, rimarranno 

i fanatici di queste commedie “scacciapensieri” 

(per usare una loro definizione), 

perché Faccio un salto all’Avana, pur 

avendo qualche rara trovata simpatica, 

è pieno di angoli bui e incomprensibili 

nonsense. Ecco, l’impressione che se ne 

ricava è di un lavoro frettoloso, arrangiato 

all’ultimo momento, buono solo a giustificare 

una trasferta all’Avana tutto incluso. 

Almeno quest’ultima fosse stata 

trattata decentemente! E invece i bellissimi 

scorci della città amata da Hemingway 

vengono continuamente sporcati 

dall’occhio misero del turista, che trasforma 

il popolo cubano in una caricatura 

sguaiata di se stesso. Una vera occasione 

mancata. 

Il regista Renè Ferretti, alter ego di 

Pannofino nella fortunata serie televisiva 

Boris, avrebbe una definizione “colorita”per 

questa pellicola..., la sottoscritta si limita 

solo a sconsigliarlo e nel contempo invita 

il giovane Baldi a usare più oculatezza 

nella scelta delle prossime pellicole da dirigere. 

Non si vive di solo pane, un po’ di 

(buon) cinema non guasta mai. 


Trucco: Diego Prestopino, Simone Gregoris 

Supervisore costumi: Irina Stoycheva 

Interpreti: Michelle Bonev (Jana), Licia Nunez (Virginia), Tatyana 

Lolova (Maria), Nadia Konakchieva (Teodora), Marta 

Yaneva (Elena), Julian Vergov (Bogdan), Vesselina Panova 

(Rositza Doneva), Giuseppe Maria Corasaniti (Giorgio), Petia 

Silianova, Vyara Kolarova, Elizabeth Radeva (infermiere), Ilka 

Zafirova (Kira), Ani Bakalowa (Vessa), Alexandrina Kushinchanova 

(Elena a 6 anni), Krasimir Rankov, Yanko Lozanov 

(giudici), Meglena Karalambova (insegnante), Dobrin Dosev 

(allenatore), Stanislav Pishtalov (Pavel), Ivan Petruchinov (Dragan), 

Vesselin Rankov (Vladimir), Lilia Mostrova (Lilyana), 

Nadia Tosheva (venditrice di arance), Dian Hristov (amante), 

Ivaylo Zahariev (amante), Lazarina Kotkova (Dora), Alissa 

Atanassova (Mariana), Jeni Alexandrova Lecheva (Zeza), Ivan 

Kotsev (Pesho), Rozalie Abgaryan (fidanzata di Bogdan), Stefano 

Davanzati (fidanzato di Elena) 


Metri: 2900 

mezzo al bosco, l’ospizio statale dov’è ricoverata 

la nonna Maria. Un’infermiera 

osserva che è la prima persona che va a

trovare i vecchi. 5 mesi prima, Jana aveva 

accompagnato la madre svampita in ospizio, 

abbandonandola con un freddo “Addio 

mamma!”. 

Teddy incontra la nonna, che ha un livido 

sul volto. Gli anziani divorano i cioccolatini 

che Teddy ha portato alla nonna: 

è un ospizio lager, sono tutti magrissimi. 

Teddy vive a Sofia, sua sorella Elena sta 

invece in Italia e presto verrà a trovare la 

nonna. Maria vuole tornare a casa, dal 

marito Pawel (che in realtà è morto). Ha 

fame, è piena di cicatrici. La sua amica 

Vessa nota: “Nessuno esce vivo da qui”. 

Teddy fotografa la nonna, poi fugge via, 

intimorita dalle infermiere. Burgas 1968. 

Si gioca una partita di pallavolo. La giovane 

Jana sbaglia e viene buttata fuori 

dalla squadra nazionale. Il mister la umilia: 

le manca la disciplina ed è una perdente. 

Lei si ubriaca durante un festino. 

La mattina dopo si presentano senza preavviso 

i genitori. Jana litiga col padre adottivo 

Pawel, che la sbatte fuori di casa, 

mentre la madre non la difende. Roma 

2005. Elena riceve una telefonata da Teodora: 

la nonna è ancora lucida – il suo 

Alzheimer è all’inizio, ma la sua condizione 

è grave, l’ospizio è come un lager e ha 

il più alto tasso di mortalità della nazione. 

Flashback: Jana conosce e concupisce un 

uomo in un locale, poi si presenta a casa 

di lui affermando “Aspetto un figlio”. Si 

celebra il matrimonio riparatore tra lei e 

Bogdan. I genitori di lui gli regalano una 

casa. Lei però, sentendo che dovrà prendersi 

cura del bestiame, fugge. Sofia 2005. 

Teddy si reca in uno studio legale: per trasferire 

la nonna, la tutela legale deve passare 

a lei, che vuole salvarla. Jana nega 

però l’autorizzazione e apostrofa così l’avvocato 

Virginia Kirova: “Dica alle mie figlie 

che rimango la loro madre”. C’è il rischio 

che le ragazze portino la donna in 

tribunale, ma lei le avverte: “Io sono più 

forte”. Nel refettorio dell’ospizio, intanto, 

tutti i vecchi vomitano cibo avariato, poi 

sono condotti in una squallida doccia comune. 

A Roma si tiene una festa in onore 

di Elena, ma lei piange pensando alla nonna 

che l’ha cresciuta e che ora soffre, chiedendosi: 

“Perché il mondo è così ingiusto?”. 

Burgas 1977. Jana è in auto con 

Elena. La piccola sbaglia una tabellina e 

la madre l’abbandona nel bosco. Poi torna 

indietro: “Hai visto che succede se non 

studi? Nessuno ti aiuta, sai?”. Quindi la 

percuote con una verga. Ma ciò avviene in 

contrapposizione colle sue feste licenziose. 

Il marito Bogdan, marinaio, consola 

invece la figlia Elena, che piange. Durante 

una festa tra amici, Jana, ubriaca, offre 

uno spettacolo indecoroso: lei e Bogdan si 


separano, a Jana restano l’appartamento 

e la figlia. Le ragazze e il loro avvocato 

parlano col viceministro della salute, che 

definisce “agghiacciante” la vicenda di 

Maria. Le due nipoti vanno a trovarla, promettendole 

che la porteranno fuori di lì. Si 

torna quindi indietro a uno spaccio comunista 

anni ’70, con Elena che non riesce a 

ottenere una doppia razione delle arance 

che tanto le piacciono. Sofia 1989. Nel 

bagno del liceo, Elena e un’amica vengono 

duramente richiamate sia per delle sigarette 

estere, che per il crocefisso che 

Elena indossa: “Dio non esiste”. Suo padre 

ha intanto un’altra compagna, Milena, 

che è incinta. Ha una nuova famiglia e 

non può più vedere Elena. La ragazza va a 

piangere dalla madre, che la rimprovera 

di avere sempre preferito il padre, mentre 

è stata lei a crescerla ed educarla. “Sei 

talmente inutile che anche tuo padre ti ha 

rifiutato”. Jana vorrebbe mandarla in un 

ospedale psichiatrico. Elena tenta di avvelenarsi 

coi farmaci e il gas, ma sopravvive, 

mentre sua madre scompare. Burgas 

2005. Elena va a trovare la madre per parlare 

della nonna, ma Jana non ci sta a fare 

la parte del mostro: anche lei sta male, ma 

a loro non importa niente. Teddy va in 

municipio: si può fare poco, occorrono le 

prove e un certificato medico. L’avvocato 

Kirova dimostra però che Jana attende il 

decesso della madre per ottenerne l’appartamento, 

mentre intanto ha proceduto alla 

sua locazione, da cui ricava un affitto, la 

qual cosa costituisce reato. L’avvocato 

chiede che la tutela di Maria passi alle nipoti. 

Jana va a trovare la madre, ma questa 

non la riconosce. Teddy ed Elena ottengono 

la tutela provvisoria, ma Jana le 

apostrofa: “Avete sbagliato avversario”. 

L’uccellino di Maria muore, lei viene dimessa. 

Teddy si rivolge alle infermiere: 

“Non fate più del male a quei poveri vecchi: 

ricordate che tutto si paga nella vita”. 

Maria cerca Pawel, come 5 anni prima, 

quando lui ebbe un infarto e, poiché l’ambulanza 

non arrivava, chiamò la figlia per 

soccorrerlo. Ma Jana perdette intenzionalmente 

tempo e Pawel morì. Maria è in 

ospedale, piena di lividi da maltrattamento. 

Il tribunale accusa Jana di aver incassato 

la pensione della madre e di non averla 

mai visitata in ospizio. Jana recita che 

non aveva i soldi per mantenerla, ma il 

giudice le rinfaccia che è proprietaria di 6 

appartamenti e la madre poteva farla curare 

meglio. Ha anche dato il locazione 

l’appartamento di Maria, che è reato. “Signor 

giudice, io amo mia madre”, si difende 

Jana. Maria in ospedale rivede nella 

nipote Teodora la figlia Jana… 5 anni 

prima: Teddy rientra a casa, ha preso un 

20 

brutto voto in pagella. Jana le fa una doccia 

fredda, poi la chiude fuori in balcone 

mentre nevica. Lei intanto si sollazza con 

un amante. Arriva Elena. Jana le chiede 

più soldi per mantenersi. Elena vuole portare 

Teddy in Italia e offre a Jana 40mila 

euro. Le due sorelle rammentano quell’episodio 

in ospedale: Teddy pensava al suicidio. 

Ancora hanno incubi, forse non dimenticheranno 

mai, però sono sopravvissute 

e, qualsiasi cosa accadrà, loro ce la faranno 

sempre. Vengono consegnati i fascicoli 

in tribunale. Jana accusa le figlie di 

averla umiliata. Hanno dimenticato che lei 

vince sempre. Mentre attendono il pronunciamento 

del giudice, Jana confida un suo 

pensiero: “Siete come me”, vede in loro la 

stessa grinta e “voglia di vendetta”. “Giustizia” 

precisa Elena. Il giudice assegna 

alle ragazze la tutela definitiva della nonna 

e l’appartamento a Maria. “Il caso è 

chiuso”. 5 anni dopo: Jana adesca un giovane 

in stazione. Elena è una star del cinema 

in Italia. “Cosa ci da la forza di andare 

avanti in una vita che lascia solo briciole 

in mano? – si chiede. L’amore! Ponte 

tra la vita e la morte, unica ragione, 

unica sopravvivenza”. 

F 

ilm davvero intenso sull’abbandono 

e il maltrattamento degli anziani, 

sui legami familiari conflittuali 

e i rapporti intergenerazionali. La 

storia, tutta al femminile, attraversa quattro 

decenni, dagli anni ’60 ad oggi, presentandoci 

tre generazioni di donne a confronto, 

la nonna Maria, sua figlia Jana e le nipoti 

Elena e Teodora, fino a uno scontro durissimo. 

Il titolo deriva dal saluto, troppo frettoloso, 

che ciascuna generazione di donne 

riserva alla precedente: “Addio, mamma!”. 

Lo sentiamo due volte nel film: quando Jana 

lascia la madre in ospizio e, alcuni anni prima, 

quando Elena riscatta la sorella minore 

Teodora, vessata dalla madre. Per comprendere 

le ragioni delle protagoniste, si indaga 

nelle loro vite, a ritroso nel tempo. 

Negli anni ’60 i sogni giovanili di Jana si 

frantumano: viene cacciata dalla nazionale 

bulgara di volley per cattiva condotta, trova 

consolazione nell’alcol e in amori occasionali, 

ma è sbattuta fuori di casa dal padre 

adottivo, senza che la madre Maria pronunci 

una parola in sua difesa. Col tempo il suo 

cuore si indurisce fino a renderla una donna 

malvagia e senza scrupoli. Jana ha una 

vita tormentata e assume con le figlie un 

comportamento molto autoritario, rivolgendo 

loro continui rimproveri e dure punizioni, 

per forgiarne il carattere, in netta contrapposizione, 

però, con la sua condotta, 

sia presente che passata. Appena la madre 

da i primi segni di demenza senile, arri-

va la vendetta inesorabile: Jana la abbandona 

in uno dei peggiori ospizi di stato, lasciandole 

solo l’abito per il funerale. Rimane 

quindi ad attendere il decesso dell’anziana 

donna, per impadronirsi della sua 

casa. Ma ai suoi cinici intenti si frappongono 

le due figlie, che tanto la temono quanto 

adorano la nonna. Anche loro hanno sofferto. 

Elena, martoriata dalla madre e abbandonata 

dal padre che tanto amava, 

scontratasi fin da piccola cogli orrori del 

regime comunista, ha trovato redenzione 

in Italia, ov’è divenuta una famosa attrice. 

Teodora, più giovane, è stata salvata a caro 

prezzo dalla sorella e conduce in Bulgaria i 

suoi studi. Nonostante la distanza, il rapporto 

tra le due è costante. Entrambe sono 

sopravvissute a prove durissime, per colpa 

delle malversazioni della madre: se Teodora 

è stata sfiorata dall’idea del suicidio, Elena 

ha invece provato a uccidersi. Il film si 

basa su un montaggio molto nervoso, che 

oscilla tra l’oggi della storia e continui flashback 

a episodi del passato, dalla gioventù 

FASTER 

(Faster) 


Regia: George Tillman Jr. 

Produzione: Tony Gayton Liz Glotzer, Martin Shafer, Robert 

Teitel per TriStar Pictures/CBS Films/Castle Rock Entertainment/State 

Street Pictures 

Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia 


Soggetto e sceneggiatura: Tony Gayton, Joe Gayton 

Direttore della fotografia: Michael Grady 

Montaggio: Dirk Westrvelt 

Musiche: Clint Mansell 

Scenografia: David Lazan 

Costumi: Salvador Pérez Jr. 

Produttori esecutivi: Joe Gayton, Dara Weintraub 

Direttore di produzione: Dara Weintraub 

Casting: Sarah Finn 

Aiuti regista: Casey Mako, Darrin Prescott, Scott Andrew 

Robertson, Jonas Spaccarotelli 

Operatori: Will Arnot, Darin Moran 

Operatore Steadicam: Will Arnot 

Art director: Andrew Murdock 

Arredatore: Jan Pascale 

Effetti speciali trucco: Hiroshi Yada 

D 

river è un galeotto d’acciaio e 

poche parole che ha finito di 

scontare la sua pena. Conserva 

gelosamente con sé una foto in cui è insieme 

a un altro ragazzo, entrambi sorridenti 

e a pesca. Uscito di prigione, si procura 

una lista delle persone a causa delle quali 

è finito dentro e che, (giura alla foto del 


di Jana alla crescita delle figlie. I poli del 

presente sono invece l’ospizio lager ove è 

rinchiusa Maria, e la capitale Sofia, ove 

Teodora ed Elena si attivano in ogni modo 

per salvarla. La nonna infatti è in preda ad 

infermiere violente e cattive, che danno cibo 

avariato agli anziani per accelerarne la 

morte, costringendoli poi ad umilianti docce 

comuni, durante le quali spruzzano su 

di loro dell’acqua con una pompa come fossero 

delle piante, scene che intristiscono 

davvero il cuore e provocano un intimo turbamento 

al pensiero che si possa arrivare 

a tanto. Gli ospiti del ricovero non hanno 

più un nome né una dignità, costretti al silenzio 

e all’abbrutimento, mentre dominano 

il buio, lo sporco e alleggia un onnipresente 

sentore di morte. Durante tutto il film, 

pur all’interno di quello che dovrebbe essere 

lo strettissimo legame tra madre e figlie, 

volano parole come macigni. Certe scene 

trasmettono una tristezza assoluta, perché 

la vita cambia e talvolta rende dei mostri, 

senza che se ne sia consapevoli. Alla fine, 

ragazzo che si capisce subito essere morto), 

ucciderà per vendetta. Come nome vuole, 

Driver inizia quindi la sua corsa alla 

guida di una coupé nera e sportiva, sfrecciando 

veloce per i deserti americani che 

collegano una città all’altra. Sulle sue tracce, 

per motivi diversi, “Poliziotto”, agente 

di polizia eroinomane, rozzo e poco sti- 

21 

però, è la sostanziale bontà delle ragazze 

che s’impone: ottengono la tutela legale 

della nonna, mentre Jana rimane ad arringare 

come una matta in un’aula di tribunale 

ormai deserta. La vediamo 5 anni 

dopo, vestita in modo sempre più appariscente, 

ad adescare un ragazzo in una 

stazione di notte. Tutta la sua vita si è svolta 

in modo esagerato: amava le feste, il 

lusso, i divertimenti, pur imponendo alle 

figlie una disciplina ferrea, che inconsciamente 

avrebbe desiderato seguire anche 

lei. Innanzi a tante brutture, azioni così crudeli 

e insensate, l’inaridimento dell’anima 

e della coscienza, un senso di speranza 

del film si ritrova probabilmente nella frase 

che un amico italiano dona a Elena 

mentre ragionano sul senso della vita, paragonata 

al volo di un aereo che non si sa 

donde venga e neanche dove vada: “Forse 

la bellezza è in quel viaggio, in quel taglio 

del cielo”. 

Luca Caruso 

Trucco: Bill Myer 

Acconciature: Jules Holdren, Rachel Solow, Terrie Velasquez 

Coordinatore effetti speciali: Eric Rylander 

Supervisore effetti visivi: Dottie Starling (Wildfire VFX) 

Coordinatori effetti visivi: Elbert Irving IV (Wildfire VFX), 

Diane Macke 

Supervisore costumi:Gala Autumn 

Interpreti: Dwayne Johnson (Driver), Billy Bob Thornton (poliziotto), 

Oliver Jackson-Cohen (killer), Maggie Grace (Lily), 

Moon Bloodgood (Marina), Carla Gugino (Cicero), Mike Epps 

(Roy Grone), Tom Berenger (guardia), Jennifer Carpenter (donna), 

Mauricio Lopez (guardia carceraria), Jim Gaines (detenuto), 

Jan Hoag (receptionist), Courtney Gains (venditrice televisiva), 

Michael Blain-Rozgay, Michole Briana White (conduttori 

TV), Sidney S. Liufau (Kenny), Xander Berkeley (sergente 

Mallory), Matt Gerald (fratello di Driver), Aedin Mincks 

(Tommy), Stephanie Nash (giornalista TV), Geraldine Keams 

(moglie del pastore), Buzz Belmondo (pastore), Michael Irby, 

Josh Clark, Aaron Behr, Jeffrey Daniel Phillips, John Cirigliano, 

Jonna Walsh, Kiyomi Calloway, Clint J. Palmer 

Durata: 98’ 

Metri: 2700 

mato dai colleghi, e “Killer”, giovane, avvenente 

e raffinato professionista di uccisioni 

su ordinazione dal passato pieno di 

dolore e a un passo dal matrimonio. 

Man mano che Driver rintraccia le persone 

nella lista dei morituri, ricorda la sua 

storia e quindi la colpa per cui deve ucciderli: 

autista occasionale per un colpo in

anca dell’amato fratellastro (il ragazzo 

della foto), Driver è l’unico superstite dell’imboscata 

che un’altra banda ha teso 

alla loro e in cui il fratellastro è stato barbaramente 

sgozzato (oltretutto a favore di 

videocamera, scopo raccapricciante filmino 

amatoriale). Per questo Driver non 

fa sconti. 

Nella corsa alla vendetta (per Driver), 

all’omicidio su commissione (per Killer), 

o all’arresto del pericoloso criminale (per 

Poliziotto), i personaggi si fronteggiano a 

due a due e Driver mostra il suo lato umano: 

sebbene possa farlo, non uccide né Killer 

nè Poliziotto, ma, in entrambi i casi, si 

limita a fermarne la corsa per continuare 

la propria. 

L’animo “buono” di Driver si svela del 

tutto quando decide di non uccidere l’ultimo 

della lista dei responsabili dell’imboscata: 

diventato predicatore della religione 

del perdono, quell’uomo in fondo non 

ha preso parte né gusto a quanto hanno 

fatto i suoi complici uccidendo il fratello. 

Per questo Driver lo grazia. 

Dopo quest’atto di magnanimità, Driver 

ha finito la sua missione. Depone le 

armi. Viene raggiunto allora da Killer, intenzionato 

a sparargli. Ma di fronte al rifiuto 

di Driver di duellare ad armi pari, 

Killer non riesce a sparargli. Preme il gril- 


letto per lui Poliziotto, appena arrivato sulla 

scena. L’agente spiega quindi a Killer 

che nella lista dell’ex-galeotto c’era un 

nome mancante: il suo. Era lui, poliziotto 

corrotto, l’ultimo componente della banda 

e, sempre lui, la persona che aveva incarcato 

Killer di far fuori Driver. Killer va 

via, rifiutando di essere pagato per un lavoro 

che non ha concluso. Poliziotto si sente 

finalmente sereno, ma viene colpito alle 

spalle: Driver non era morto e ha completato 

così la sua vendetta. 

F 

aster vuole essere un film sulla 

vendetta, sulla giustizia e sul perdono. 

Il protagonista, infatti, è un 

buono apparentemente cattivo, cerca giustizia 

nella vendetta, ma pian piano (sembra) 

inizia a dubitare se sia davvero quello 

il modo per ritrovare la pace perduta, o se il 

perdono non possa essere una via migliore. 

A fianco di Driver, uguamente costriuti 

ad arte, sono i personaggi di Killer e Poliziotto: 

entrambi convivono con un doloroso 

passato e coltivano il desiderio di avere 

una famiglia. 

Come evidente sin dalla scelta dei 

nomi dei protagonisti, Faster gioca esplicitamente 

con il genere del film d’azione, 

ne individua gli elementi fondamentali e 

ricorre a tutti i trucchi del mestiere per con- 

BURKE & HARE – LADRI DI CADAVERI 

(Burke & Hare) 

Gran Bretagna, 2010 

Regia: John Landis 

Produzione: Barnaby Thompson per Aegis Film Fund/Ealing 

Studios/Fragile Films/Prescience/Quickfire Films 

Distribuzione: Archibald Film 


Soggetto e sceneggiatura: Piers Ashworth, Nick Moorcroft 

Direttore della fotografia: John Mathieson 

Montaggio:Mark Everson 

Musiche: Joby Talbot 

Scenografia: Simon Elliott 

Costumi: Deborah Nadoolman 

Produttori esecutivi: James Atherton, Paul Brett, Jan Pace, 

Tim Smith, James Spring 

Co-produttore: Alexandra Ferguson 

Direttori di produzione: Bobby Prince, Tim Wellspring 

Casting: Daniel Hubbard 

Aiuti regista: Tom Browne, Stephen Carney, Chris Foggin, 

Jamie Gavin, Mark Hopkins, Liam Lock, Andy Madden, George 

Nelson, Alex Oakley 

E 

dimburgo, 1828. William Burke e 

William Hare sono due imbroglioni 

che cercano di sbarcare il lunario. 

Dopo l’ennesima truffa fallita, ritornano 

alla pensione della moglie di Hare, 

Lucky, e scoprono che un anziano inqui- 

22 

fezionarne un “esempio tipico”. I personaggi 

sono stereotipicamente identificati sin 

dal nome e interpretati da attori il cui physique 

du rôle non lascia possibilità di smentita 

(l’ex galeotto dal fisico massiccio e tatuato 

e dal collo taurino, il poliziotto esile, 

sciatto e con la barba mai fatta, il killer 

bellissimo, ricco ed elegante). La storia 

intreccia classici dei classici, si ambienta 

tra periferie cittadine e infinite strade nei 

deserti americani, dove le auto sfrecciano 

veloci. La fotografia, che rende fredde le 

scene più violente, esaspera i chiaroscuri 

sul volto del protagonista e si accende di 

colori appena più caldi solo nei ricordi felici 

del passato, è al servizio della narrazione 

accentuandone le atmosfere. 

La musica che “pompa” il ritmo, acuisce 

la suspence e connota in modo deciso 

personaggi e scene, le inquadrature, 

che esasperano il racconto, iperbolicamente 

teso all’azione, servono a reggere un 

film tutto action e pallottole. 

La pellicola di George Tillman jr. è quindi 

senza dubbio ben confezionata in forma 

e struttura, ma corre qualche rischio 

nella sostanza, a causa dello svolgimento 

che può risultare scontato e prevedibile 

soprattutto agli amanti del genere. 

Tiziana Vox 

Operatore Steadicam: Paul Edwards 

Art director: Nick Dent 

Supervisore art director: Bill Crutcher 

Arredatore: Annie Gilhooly 

Trucco: Helen Conroy, Lucy Friend, Monica MacDonald, Chloe 

Meddings, Stephanie Lynne Smith 

Supervisore effetti visivi: Angela Barson 

Supervisore costumi:Gordon Harmer 

Interpreti: Simon Pegg (William Burke), Andy Serkis (William 

Hare), Isla Fisher (Ginny), Jessica Stevenson (Lucky), Tom 

Wilkinson (dottor Knox), Ronnie Corbett (capitano Tam McLintock), 

Tim Curry (dottor Monroe), Michael Smiley (Patterson), 

Christopher Lee (Joseph), Hugh Bonneville (lord Harrington), 

Georgia King (Emma), Bill Bailey (Angus), David Schofield 

(Fergus), Pollyanna McIntosh (Mary), Allan Corduner (Nicephore), 

David Hayman (Danny McTavish), Reece Shearsmith 

(McKenzie) 

Durata: 91’ 

Metri: 2500 

lino è venuto a mancare il giorno in cui 

doveva pagare l’affitto. Mentre decidono 

di come liberarsi del corpo, un amico

li persuade che un morto può fruttare del 

denaro. 

Edimburgo è la capitale mondiale della 

ricerca medica e i dottori cercano disperatamente 

cadaveri per le loro lezioni 

di anatomia. Tra questi, gli spietati rivali 

Monroe e Knox. Con quest’ultimo i due 

impostori entrano subito “in affari”: dopo 

avergli portato il primo corpo, si accordano 

per 5 sterline a cadavere. 

Inizialmente frenato dai sensi di colpa, 

Burke cambia idea dopo aver incontrato 

Ginny, una bella e intraprendente 

attrice, che cerca finanziamenti per un allestimento 

al femminile del Macbeth. Intanto 

Sua Maestà indice una competizione, 

che mette in palio il prestigioso Sigillo 

Reale e un allettante premio in denaro per 

chi compierà il maggior progresso in campo 

clinico. 

La rivalità professionale tra i due luminari 

s’intensifica, creando una domanda 

crescente di cadaveri. Burke & Hare 

iniziano a garantire a Knox un flusso costante 

di salme, utili per il suo archivio fotografico 

sul corpo umano. 

Ma il signore del crimine locale McTavish 

esige la metà dei loro profitti, in cambio 

del proprio silenzio con le autorità. E 

il Capitano della Milizia McLintock, nel 

frattempo, stringe il cerchio delle indagini 

intorno ai due. Così Hare si inventa 

un nuovo piano, ispirato dalla moglie: 

aprire un’impresa di pompe funebri. 

Quando però McTavish finisce sul tavolo 

di Knox per essere sezionato, il medico 

viene arrestato e coinvolge i suoi due “fornitori”. 

Per salvare il buon nome della facoltà 

di medicina, frutto di guadagno per l’intera 

città per via dei suoi numerosi iscritti, 

il Rettore corrompe McLintock convincendolo 

a non processare il dottore. 

I due ladri (assieme a Ginny e Lucky) 

finiscono in cella, accusati di aver ucciso 

16 persone. Con un gesto folle, ma romantico, 

Burke decide di confessare e addossarsi 

tutta la colpa per salvare la donna di 

cui è innamorato. 

D 

ue gaglioffi nord-irlandesi in cerca 

di fortuna in Scozia provano a 

spacciare la muffa da formaggio 

come cura per tutti i mali! Della 

serie: fin dove è disposto ad arrivare l’essere 

umano per fare soldi? Così ha inizio 

l’ultima esilarante commedia dark di John 

Landis, che non può non ricordare La signora 

omicida, girata anch’essa nei famosi 

Ealing Studios di Londra. 

Certo la pellicola con Alec Guinness e 


Peter Sellers era tutta un’altra cosa… Ma 

allora anche Un lupo mannaro americano 

a Londra era di un’altra categoria, perché 

lo smalto purtroppo non è più quello di una 

volta… Eppure la storia (realmente accaduta) 

e narrata dal “becchino” addetto alla 

fossa dove finiscono i giustiziati a morte, 

tra sprazzi di umorismo macabro e zampilli 

di sangue, regala novanta minuti di piacevole 

intrattenimento. Si ride, insomma, 

anche se forse non abbastanza. 

E non solo però. Perché, oltre alle comiche 

alla “Benny Hill Show” e alle atmosfere 

cupe e nebbiose da Jack Lo Squartatore, 

appare fin troppo evidente la denuncia, 

in chiave ironica e salace, della 

vampiresca professione medica e dei suoi 

presunti fini “umanitari”. Non tutti sanno infatti 

che, agli inizi del XIX secolo, gran parte 

dei furti di cadaveri veniva compiuta dagli 

studenti di medicina e dai dottori! 

Mentre Monroe è un chirurgo tradizionalista 

fissato con i piedi (gli piace amputarli 

con una sega!), lo spregiudicato Knox 

(un ottimo Tom Wilkinson) decanta ai suoi 

allievi lo sviluppo delle scienze, della società 

e della libertà nel suo Paese, salvo 

dimenticarsi che la gente condannata finiva 

nelle piazze col cappio al collo! «Le 

magnifiche sorti e progressive» - diceva il 

buon Leopardi. 

Due campioni di cinismo, al cui cospetto 

gli assassini “seriali” Burke & Hare sono 

due poveri sfigati che lottano per la sopravvivenza, 

tra il lerciume e il lezzo del ghetto 

di West Port. Sperimentano le soluzioni più 

23 

improbabili e divertenti per ammazzare le 

loro vittime, quasi sempre vecchi che vendono 

cara le pelle! 

Grazie a un’originale e coraggiosa 

scelta di sceneggiatura, vengono trasformati 

addirittura in eroi romantici, in mecenati 

dal cuore tenero, con cui è impossibile 

non simpatizzare. Del resto, come si può 

non “fare il tifo” per la strana coppia formata 

da Simon Pegg e Andy Serkis, una sorta 

di moderni Stanlio e Ollio, dotati di un 

invidiabile carisma e di tempi comici perfetti. 

Assieme a loro, brillano Jessica Hynes, 

nel ruolo della moglie calcolatrice e perennemente 

ubriaca di Hare e, soprattutto, 

Ronnie Corbett, il piccolo ma coriaceo colonnello 

scozzese McLintock, capo di una 

Milizia composta da soldati pavidi e imbranati 

che svengono alla vista di un cadavere! 

Molto realistica infine la ricostruzione 

d’epoca, in virtù di una accurata scenografia 

e dei bellissimi costumi, ancora una 

volta firmati dalla moglie di Landis, Deborah 

Nadoolman, una delle migliori artiste 

in circolazione. 

Due ultime curiosità: nel film compare 

in un cammeo anche il grande Christopher 

Lee, nei panni di un ex eroe dell’esercito 

inglese moribondo; mentre, l’inquadratura 

conclusiva è dedicata nientemeno che allo 

scheletro vero di William Burke, conservato 

nel Museo di Anatomia dell’Università 

di Edimburgo! 

Diego Mondella

X-MEN - L’INIZIO 

(X-Men: First Class) 


Regia: Matthew Vaughn 

Produzione: Gregory Goodman, Simon Kinberg, Lauren Shuler 

Donner, Bryan Singer per Bad Hat Harry Productions/Donners’ 

Company/Marv Films/Marvel Enterprises/Marvel Studios/ 

Twentieth Century Fox Film Corporation 

Distribuzione: 20 th Century Fox 


Soggetto: personaggi della serie a fumetti ideata da Stan Lee 

Sceneggiatura: Jane Goldman, Jamie Moss, Ashley Miller, 

Zack Stentz 

Direttore della fotografia: John Mathieson 

Montaggio: Lee Smith, Eddie Hamilton 

Musiche: Henry Jackman 

Scenografia: Chris Seagers 

Costumi: Sammy Sheldon 

Produttori esecutivi: Stan Lee, Josh McLaglen, Tarquin Pack 

Direttori di produzione: Vincent Agostino, Janine Modder, 

Jeremiah Samuels 

Casting: Roger Mussenden, Jeremy Rich, Lucinda Syson 

Aiuti regista: Maria Battle-Campbell, Veronica Hampton, Glyn 

Harper, Nora Henderson, Aiman A. Humaideh, Angharad Jones, 

Josh McLaglen, Michael Musteric, Jane Ryan, Chad Saxton, Nick 

Starr, Lee Tailor, Jeff Taylor, Tavin Marin Titus, Greg Tynan, Kevin 

Westley, Kim H. Winther, Heather Wusterbarth, Gareth Lewis 

Operatori: Chas Bain, Ken Fisher, Peter Gulla, Ronald Hersey, 

Clive Jackson, Daniele Massaccesi 

Art directors: Grant Armstrong, Paul Booth, Alex Cameron, 

Steve Cooper, Tom Frohling, Alan Gilmore, James Hambidge, 

Marc Homes, Joe Howard, Adam O’Neill, Su Whitaker 

Supervisore art director: John King 

Arredatori: Erin Gould, Sonja Klaus 

Supervisore trucco: Dave Elsey, Fran Needham, Conor 

O’Sullivan, Christine Whitney 

Effetti speciali trucco: Sally Alcott, Sarita Allison, Liz Briseno, 

Jessica Brooks, Thomas Floutz, André Freitas, Alec Gillis, 

Nikkie Grimshaw, Jo Grover, Kati Hood, Ann McLaren, Bill 

Myer, Steve Winsett 

Trucco: Michael F. Blake, Sophia Burnage, Nana Fischer, 

Frances Hannon, Sue Ignatius, Nicky Knowles, Amy Leder- 

P 

olonia, 1944. In un campo di concentramento 

il giovane Erik 

Lehnsherr riesce a distruggere, 

rimanendone a distanza, un compatto 

cancello di metallo con la sola forza del pensiero, 

mentre i suoi genitori vengono portati 

via. Il Dottor Schmidt, avendo assistito 

all’inverosimile scena, gli ordina di ripete 

tale prodigio spostando una moneta: in caso 

contrario sua madre morirebbe davanti ai 

suoi occhi. Il ragazzo non sa gestire il suo 

potere, e la donna cade per via di un colpo 

a bruciapelo esploso dallo stesso Schmidt. 

Il gesto dell’uomo scatena l’impressionante 

rabbia di Erik, che in pochi attimi distrugge 

interamente la stanza sotto lo sguardo 

divertito e trionfante di Schmidt. 


Nello stesso periodo, a Wenchester 

County, New York, il piccolo telepate Charles 

Xavier incontra la coetanea Raven, una 

mutaforma. La bambina è sola al mondo e 

Charles la invita ad entrar a far parte della 

sua famiglia. 

1962. Erik è ormai un uomo ed il suo 

unico scopo è quello di trovare colui che 

ha ucciso sua madre, e in tal modo vendicarla. 

Xavier invece si è appena laureato 

alla Oxford University, con una tesi sulla 

mutazione. Raven, ovviamente, vive con lui. 

A Las Vegas la bella agente della CIA 

Moira MacTaggert è sulle tracce del colonnello 

Hendry, e lo segue fino a dentro 

un club, dove però assiste incredula a delle 

fantastiche mutazioni. Qui infatti, oltre 

24 

man, Gemma Richards, Jan Sewell 

Acconciature: Justin Ditter, Nana Fischer, Vincent Gideon, 

Nicky Knowles, Patricia McAlhany Glasser, Gemma Richards, 

Jan Sewell, Randa Squillacote, Jeanette Redmond 

Supervisori effetti speciali: Chris Corbould, Ian Lowe 

Supervisori effetti visivi: Nicolas Aithadi (MPC), Jay Barton 

(Digital Domain), Stephane Ceretti, Rob Hodgson (Fox), 

Vincent Cirelli (Luma Pictures), Jon Cowley (Prime Focus), 

Laurens Ehrmann (PLUG), Florian Gellinger (Rise Visual Effects 

Studios), Matt Johnson (Cinesite), Greg Steele (Rhythm 

& Hues), Shailendra Swarnkar, Guy Williams, Anton Yri 

Coordinatori effetti visivi: Ryan Delaney (Prime Focus), 

Nicholas Elwell (Hydraulx), Katie Godwin, Catherine Hughes, 

Michael Perdew (Luma Pictures), C.J. Longhammer (Digital 

Domain), Mark Sum (Cinesite), Sofus Graae, Joe Carhart, 

Alexa Hale, Rachel Faith Hanson, Carolyn Martin, Abigail 

Mendoza, Clair Stewart, Celine Chew 

Supervisori effetti digitali: Justin Johnson, Nikos Kalaitzidis 

Supervisori costumi: Ivo Coveney, Wendy M. Craig, Tom 

Hornsby, Nicole Young 

Supervisori animazione: Michael Cozens, Pimentel 

A.Raphael, Bernd Angerer 

Interpreti: James McAvoy (Charles Xavier), Laurence Belcher 

(Charles Xavier a 12anni), Michael Fassbender (Erik Lehnsherr 

/ Magneto), Bill Milner (Magneto da piccolo), Kevin Bacon (Sebastian 

Shaw), Rose Byrne (Moira MacTaggert), Jennifer Lawrence 

(Raven), Beth Goddard (signora Xavier), Morgan Lily (Raven 

a 10 anni), Oliver Platt (l’uomo in nero), Álex González (Janos 

Quested / Riptide), Jason Flemyng (Azazel), Zoë Kravitz (Angel 

Salvadore), January Jones (Emma Frost), Nicholas Hoult (Hank 

McCoy), Caleb Landry Jones (Sean Cassidy), Edi Gathegi (Armando 

Muñoz), Corey Johnson (capo delle guardie), Lucas Till 

(Alex Summers), Demetri Goritsas (Levene), Glenn Morshower 

(colonnello Hendry), Matt Craven (McCone), James Remar (generale 

statunitense), Ludger Pistor, Wilfried Hochholdinger (tedeschi), 

Greg Kolpakchi, Andrei Zayats, Rade Serbedzija (russi), 

Ray Wise (segretario di stato), Michael Medeiros 


Metri: 3650 

al colonnello c’è Sebastian Shaw, la nuova 

idendità del Dottor Schmidt, insieme ad 

Emma Frost, Janos Questad, e Azazel. 

Quest’ultimo è un teleporta, e scomparirà 

improvvisamente insieme ad Hendry, che 

si ritroverà nella War Room, dopo esser 

stato persuaso dai quattro mutanti a far 

installare dei missili nucleari in Turchia. 

Poco dopo Hendry verrà ucciso da Shaw, 

che gli spiegherà di essere un mutante in 

grado di assorbire energia e riutilizzarla 

in maniera potenziata. 

L’agente MacTaggert convince Charles 

e Raven a seguirla nella CIA, dove i 

due spiegheranno al direttore McCone che 

i mutanti esistono e che Shaw è una minaccia. 

Tuttavia McCone non è disposto a

lavorare al loro fianco, ma un misterioso 

uomo in nero decide di aiutarli portandoli 

nella sua agenzia. 

Nel frattempo Erik trova finalmente 

Shaw e prova ad ucciderlo, ma questi è in 

compagnia della telepate Emma Frost, per 

cui il risultato è pessimo, e Shaw fugge a 

bordo di un sottomarino, nonostante Erik 

provi a fermarlo con i suoi poteri, rischiando 

perfino di annegare. Viene salvato da 

Charles, che lo porta così alla Divisione X 

della CIA dove insieme a Raven incontrano 

Hank McCoy, un giovane scienziato che 

in realtà è un mutante dotato di una spiccata 

intelligenza e con i piedi da scimmia. 

Hank ha messo a punto una macchina, che 

ha chiamato Cerebro, in grado di localizzare 

tutti i mutanti del pianeta. Decidono 

quindi di reclutarli, per far sì che si uniscano 

alla loro causa e non si sentano più 

soli. Così alla divisione X giungono Angel, 

una ragazza in grado di volare e di 

sputare palle di fuoco; Armando Munoz 

detto Darwin, il cui potere è quello dell’adattamento; 

Sean Cassidy, ovvero Banshee, 

un ragazzo che grazie alla potenza 

delle sue corde vocali riesce persino a volare, 

urlando; e Alex Summers, detto Havok, 

che assorbe radiazioni cosmiche 

espellendole sotto forma di raggi energetici; 

Raven, invece, decide di chiamarsi 

Mystica. 

Intanto Charles ed Erik catturano 

Emma Frost e la consegnano alla CIA, 

mentre Shaw, Janos e Azazel attaccano la 

Divisione X uccidendo tutti gli agenti tranne 

i giovani mutanti, proponendogli anzi 

di entrare a far parte del loro “club”. Solo 

Angel scende a patti con Shaw, e ne nasce 

un duello nel quale Darwin perde la vita. 

I mutanti si rifugiano allora a Wenchester 

County, a casa di Charles, e qui decidono 

di allenarsi tutti insieme per poter 

sconfiggere Shaw, che però nel frattempo 

dà l’imput per la Crisi dei missili di Cuba. 

Hank intanto crede di aver trovato la 

cura per normalizzare il suo aspetto, ma 

qualcosa va storto e si trasforma in un peloso 

mostro blu, da cui il soprannome Bestia. 

Il gruppo parte poi a bordo di un jet 

con lo scopo di fermare (riuscendoci) la 

guerra nucleare tra Russia e Stati Uniti, 

dando poi vita ad un’elettrizzante battaglia 

tra mutanti proprio davanti alle flotte 

delle due nazioni. Erik si trova di nuovo a 

tu per tu con Shaw, che però è in possesso 

di un elmetto grazie al quale i poteri telepatici 

di Charles non hanno su di lui alcun 

effetto; ma Erik riesce a privarlo di tale 

espediente, indossando poi a sua volta l’el- 


mo per far sì che Charles non entri nella 

sua testa e poter finalmente realizzare il 

suo desiderio di vendetta, uccidendo Shaw. 

I missili delle corazzate russe e americane 

sono ora rivolti verso di loro, ed Erik 

cerca allora di convincere gli altri che il 

vero pericolo per i mutanti sono gli esseri 

umani. Egli blocca così i missili, con l’intento 

di rispedirli al mittente, ma Charles, 

grazie all’aiuto di Moira, glielo impedisce, 

rimanendo però accidentalmente ferito alla 

schiena. A questo punto il gruppo si divide: 

Azazel, Janos e Angel seguono Erik, al 

quale si unisce anche Raven, ed Emma 

Frost, prontamente liberata. Charles è invece 

ormai sulla sedia a rotelle, e decide 

di fondare una scuola per giovani mutanti: 

gli X-Men. 

R 

ealizzare un prequel presenta il 

più delle volte ostacoli anche 

maggiori rispetto ad un sequel. 

In una saga che su cinque capitoli ha avuto 

a che fare con quattro registi diversi, la 

scelta dell’assegnazione di un progetto che 

ha come tracciante l’idea di raccontare il 

seme della mutazione degli uomini X, rappresenta 

senza dubbio un pericolo. La 

Marvel e la 20th Century Fox scelgono 

Matthew Vaughn, cineasta relativamente 

giovane ma con alle spalle lavori interessanti 

come The Pusher e Stardust, e soprattutto 

lo spumeggiante Kick-Ass 

Il regista californiano rappresenta, a 

conti fatti, l’arma vincente di quest’ennesima 

ma paradossalmente iniziale battaglia, 

ed è il vero deus ex machina di un lavoro 

tanto complesso quanto adrenalinico. 

La storia, come sappiamo, deve prestar 

fede al fumetto, e tutto sommato riesce 

a camminare in equilibrio su quella linea 

tra realtà e finzione che è divenuta un 

essenziale marchio di fabbrica per tutte le 

trasposizioni cinematografiche da basi 

Marvel, DC, e non solo. Qui, in particolar 

modo, l’aderenza dei supereroi al mondo 

reale ha una solida struttura, motivando la 

matrice della mutazione con l’alterazione 

del DNA, e facendo collimare avvenimenti 

storici con eventi centrali alla saga: una 

miscela perfetta per l’attenzione dello spettatore, 

e anche del lettore. 

Uno dei risvolti più interessanti è senza 

ombra di dubbio il dualismo tra i due 

personaggi chiave, il Professor Charles 

Xavier, interpretato da James McAvoy, e 

Magneto, ovvero Michael Fassbender. Dal 

punto di vista analitico la sfida è vinta nel 

giro di poche riprese dal secondo, troppo 

ammaliante e risoluto perché l’attore scozzese 

possa sperare di competere con lui. 

25 

Inoltre McAvoy appare ancora una volta 

inefficace e poco credibile nel ricoprire un 

ruolo così carismatico come già era accaduto 

ne L’ultimo Re di Scozia. 

Tra Magneto e il Dottor X nasce un rapporto 

di amore-odio, un’amicizia che muta 

in una rivalità generata da obiettivi totalmente 

discordanti che al culmine dello 

scontro vengono fuori in maniera troppo 

profonda per pensare di suggellare un accordo. 

Il sentimento, in senso generale, viene 

a fasi alterne trascinato a riva dalle 

onde del flusso narrativo, ed emerge particolarmente 

nella sua accezione positiva 

all’interno del gruppo di Xavier, ed in 

maniera negativa tra i seguaci di Shaw, 

unendosi poi in una considerazione più 

vasta sull’accettazione di sé stessi e soprattutto 

del “diverso” da parte del nostro 

mondo. Per via di questo l’attualità di 

X-Men è qualcosa di incredibilmente 

estremo. 

Finalmente inoltre la sceneggiatura 

prevede un gran numero di personaggi, 

molti dei quali, da Bestia ad Emma Frost, 

rappresentano icone assolute della serie 

a fumetti, e il modo in cui la troupe di Vaughn 

riesce a descriverli e a farli inserire in 

un così complesso organigramma è ammirevole 

e calzante, seppur - come spesso 

accade - l’incremento quantitativo comporta, 

anche per esigenze di budget, un 

calo qualitativo. A discapito del loro indubbio 

status di buone promesse, i giovani mutanti 

mancano infatti dell’esperienza necessaria 

per poter reggere sulle spalle il 

peso dei “big” che li circondano. 

A tutti loro è affidato il delicato ruolo 

di gestire l’epico duello finale, in cui la 

spettacolarità e la mole di tecnologia, dal 

monumentale numero di navi missilistiche, 

ai razzi, fino al curatissimo jet progettato 

da Hank, garantiscono il giusto 

appeal, soprattutto per chi adora l’effetto 

“dolby”. 

In linea generale comunque la storia 

scivola speditamente, con la giusta commistione 

tra i colpi d’occhio e quelli adrenalinici, 

con isolate scene che rimarcano 

la genialità di Vaughn e i meriti dell’intero 

cast tecnico (il cameo di Hugh Jackman/ 

Wolverine vale da solo il prezzo del biglietto), 

ed ora, dopo il riuscito incanalamento 

del film nel binario della scorrevolezza, i 

prossimi episodi (dovrebbe essere l’inizio 

di una nuova trilogia) partono con delle 

premesse positive già dalla fase embrionale. 

Tiziano Costantini

SCREAM 4 

(Scream 4) 


Regia: Wes Craven 

Produzione: Wes Craven, Iya Labunka, Kevin Williamson per 

Dimension Films/Corvus Corax Productions/ Outerbanks Entertainment/ 

Midnight Entertainment 

Distribuzione: Moviemax 


Soggetto: personaggi creati da Kevin Williamson 

Sceneggiatura: Kevin Williamson 

Direttore della fotografia: Peter Deming 

Montaggio: Peter McNulty 

Musiche: Marco Beltrami 

Scenografia: Adam Stockhausen 

Costumi: Debra McGuire 

Produttori esecutivi: Ehren Kruger, Marianne Maddalena, 

Ron Schmidt, Bob Weinstein, Harvey Weinstein, Kevin Williamson 

Co-produttore: Carly Feingold 

Casting: Avy Kaufman, Nancy Nayor 

Aiuti regista: Brian Bettwy, Maria Mantia, Nicholas Mastandrea, 

Anastacia C. Nemec, David Rimer 

Operatori: George Billinger III, Bill Hong, Patrick Rousseau 

Operatore Steadicam: George Billinger III 

Art director: Gerald Sullivan 

Arredatore: Helen Britten 

T 

rudy e Cherry sono a casa. Suona 

il telefono, una voce di uomo 

chiede: “Chi parla?”. Il tizio telefona 

più volte. Trudy da un po’ viene tampinata 

su Facebook e via sms da un tale 

che dice che la ucciderà. Suonano alla 

porta, ma non v’è nessuno. Spunta però 

all’improvviso Ghostface e le uccide entrambe. 

In realtà è un film, Squartati 6, che 

due amiche stanno seguendo in Tv. Una 

delle due è ipercritica e lo smonta. L’altra 

la accoltella allo stomaco, perché parla 

troppo. È un film anche questo, che altre 

due amiche, Jenny e Marny stanno guardando. 

Suona il telefono, la stessa voce e, 

alla domanda “Chi è?”, la solita risposta: 

“L’ultima persona che vedrai prima di morire”. 

In realtà è uno scherzo di Jenny, ma 

Marny viene uccisa realmente. Telefona il 

vero Ghostface, dicendo a Jenny che lei si 

trova sul set di un film horror. Quindi irrompe 

in casa e la uccide. Nuova ambientazione: 

è giorno, Rebecca, promotrice editoriale, 

accompagna in libreria Sidney 

Prescott, per l’uscita del suo libro “Fuori 

dall’oscurità”, (alle reali disavventure di 

Sidney sono ispirati i primi tre film della 

serie “Squartati”). Altre tre amiche, Olivia, 

Jill e Kirby, sono in auto. Jill riceve 

una telefonata inquietante. I lampioni della 

città sono stati intanto ricoperti con i 

costumi di Ghostface, in occasione dell’an- 


niversario della tragedia del massacro di 

Woodsboro. A scuola Robbie e Charlie realizzano 

interviste in diretta. Gale va a 

complimentarsi con Sidney in libreria, 

quando arriva suo marito Linus, lo sceriffo. 

Il luogo viene circondato e tutti sono 

bloccati, perché la polizia sta cercando un 

telefonino. L’apparecchio mobile viene rinvenuto 

nel bagagliaio dell’auto di Sidney, 

insieme a un coltello e del sangue. E non è 

uno scherzo. A scuola, i ragazzi ricevono 

la notizia che, nel giorno dell’anniversario, 

due ragazze sono state uccise, Jenny e 

Marny. E proprio nel giorno in cui Sidney 

ha deciso di tornare nella sua città. Emerge 

intanto una certa rivalità tra Gale, giornalista 

che ha aiutato a risolvere i casi 

precedenti e vi ha scritto su un libro, e la 

vicesceriffo Judy. Lo sceriffo non può coinvolgere 

la moglie Gale nelle indagini, pertanto 

lei indagherà da sola. In commissariato 

arrivano le tre amiche. Due di loro, 

Olivia e Jill, hanno ricevuto telefonate minatorie 

dai cellulari delle vittime, con la 

voce del killer dei film. Le indagini vanno 

avanti. Jill e Kirby sono in casa con Sidney, 

mentre Olivia sta nella casa di fronte. 

A Jill arriva una telefonata. Appare il nome 

di Trevor, il suo ex che le corre perdutamente 

dietro e che poco prima si era introdotto 

in casa sua, ma in realtà è il killer, 

che sostiene di essere nell’armadio. La po- 

26 

Trucco: Maggie Fung, Kimberly Greene, Brigette A. Myre, Peter 

Robb-King, Bree Shea 

Acconciature: Shannon Bakeman, Elizabeth Cortez, Norma 

Lee, Dawn Mattocks, Brant Mayfield, Joy Zapata 

Supervisore effetti speciali: Ron Bolanowski 

Supervisori effetti visivi: Jon Cowley (Prime Focus), Jamison 

Scott Goei, Reupal D. Rawal 

Supervisore musiche: Liza Richardson 

Interpreti: Neve Campbell (Sidney Prescott), Courteney Cox 

(Gale Weathers-Riley), David Arquette (sceriffo Dewey Riley), 

Emma Roberts (Jill Roberts), Hayden Panettiere (Kirby Reed), 

Mary McDonnell (Kate Roberts), Rory Culkin (Charlie Walker), 

Nico Tortorella (Trevor Sheldon), Adam Brody (detective 

Hoss), Anna Paquin (Rachel Milles), Kristen Bell (Chloe Garrett), 

Lucy Hale (Sherrie Marconi), Shenae Grimes (Trudie), 

Brittany Robertson (Marnie Cooper), Alison Brie (Rebecca Walters), 

Aimee Teegarden (Jenny Randall), Marielle Jaffe (Olivia 

Morris), Marley Shelton (Judy Hicks), Nancy O’Dell (presentatrice 

TV), Erik Knudsen (Robbie Mercer), Justin Michael 

Brandt (fanatico dei film), Anthony Anderson (Perkins), Gordon 

Michaels (Jenkins), John Lepard (Baker), Kim Adams, 

Devin Scillian, Julia Ho (giornalisti), Mark Aaron Buerkle (dottor 

Orth), Roger Jackson, Dane Farwell 


Metri: 2830 

lizia è fuori che presidia la zona. Ghostface 

massacra Olivia nella casa di fronte. 

Quindi telefona a Sidney, augurandole 

“Bentornata!” e annunciandole che la ucciderà. 

Ghost irrompe sulla scena e aggredisce 

Jill. Sidney lo colpisce e lo schianta 

a terra, ma quando arriva la polizia è 

scomparso. Gale si allea coi due giovani 

giornalisti della Woodsboro, Robbie e 

Charlie, per condurre le indagini. Rebecca 

invece, spregiudicata e insensibile, chiede 

in ospedale a Sidney di scrivere nuovi 

libri. Sidney licenzia però la sua agente, 

che poco dopo viene aggredita da Ghost e 

il suo cadavere precipitato giù durante una 

conferenza stampa della polizia davanti 

l’ospedale. Sidney si presenta al Cineclub 

insieme a Gale. E lì i ragazzi discutono con 

competenza sul genere horror. La sera è in 

programma la maratona a inviti dei 7 film 

della saga “Squartati”, cui assomigliano 

gli omicidi che si stanno svolgendo in questi 

giorni. La maratona cinematografica ha 

inizio. Tra i vari ospiti mascherati da 

Ghost, v’è anche Gale che, non essendo 

stata ammessa alla proiezione, installa 

delle telecamere, che vengono però oscurate. 

In sala infatti v’è il killer. Gale invita 

Linus ad accorrere: lei avrà una storia da 

narrare e lui una traccia da seguire. Quindi 

viene aggredita da Ghost, ma l’intervento 

tempestivo del marito la salva. Scoprono

intanto che c’è una webcam: il killer sta 

filmando gli omicidi. Frattanto, mentre 

presidiano la casa di Sidney, i due poliziotti 

di turno vengono uccisi da Ghost. 

Sidney riceve a casa una telefonata del 

killer, che le chiede: “A che ti serve sopravvivere 

in questa piccola tragedia se 

tutti quelli che ami sono morti?”. La invita 

poi ad accendere la Tv, ove viene data 

la notizia del ferimento di Gale, minacciando 

quindi un attacco a sua cugina Jill: 

“Gli amici sono importanti, ma i legami 

familiari fanno più male”. Sidney e Kate, 

madre di Jill, vogliono provare a metterla 

in salvo, ma irrompe Ghost e uccide 

Kate. Arriva il vicesceriffo. I ragazzi sono 

a casa di Kirby. Ci sono Robbie e Charlie, 

che nota come quanto stia accadendo 

sia come un remake, nel quale si vuole 

superare l’originale. Arriva anche Trevor, 

che ha ricevuto un sms dal cellulare di 

Jill. Ma lei non lo ha inviato. Robbie viene 

ucciso da Ghost. Arriva Sidney, che 

riesce a chiamare Linus. Tutte le unità di 

polizia accorrono verso la casa. Charlie 

viene aggredito da Ghost, poi uccide Kirby: 

si è accorta di lui solo adesso, dopo 

quattro anni, ma è troppo tardi. Quindi 

attacca Sidney, che viene infilzata da 

Ghost, che si leva la maschera e si rivela 

sua cugina Jill. Trevor, intanto, è incatenato, 

Jill lo uccide, accusandolo ancora 

una volta di averla tradita e con l’intento 

di scaricare su di lui la colpa di tutti gli 

omicidi, che lei e Charlie hanno commesso 

e ripreso. Entrambi delirano: hanno 

visto troppi horror e stanno realizzando 

un remake. Jill ha vissuto un complesso 

d’inferiorità rispetto alla cugina Sidney, 

ma adesso è lei quella speciale. Uccide 

quindi Charlie, perché i media adorano 

l’unico sopravvissuto. Lei ha solo bisogno 

di fama. Dice a Sidney: “La questione 

non è mai stata uccidere te, ma diventare 

te. L’assurdo è la nuova realtà. Hai 

avuto il tuo momento di gloria, ora io voglio 

il mio”. Per questo ha ucciso anche 

sua madre… Quindi colpisce a morte Sidney. 

Lascia poi dei segni di sé sul cadavere 

di Trevor (sangue, capelli) e si ferisce, 

sia con una coltellata che con del vetro, 

per simulare un’aggressione. Si accascia 

infine accanto a Sidney, mentre si 

odono le sirene della polizia che arriva. 

V’è tutta una serie di cadaveri. Jill viene 

portata via in barella, tra una tempesta 

di domande, flash, giornalisti e fotografi. 

Jill è in ospedale e parla con lo sceriffo: 

sua moglie Gale ce la farà, Sidney è in 

rianimazione e potrebbe salvarsi. Jill 

chiede di vederla. Poi va nel suo letto per 

strangolarla, però Sidney riesce a difendersi. 

Arriva Linus, ma Jill colpisce an- 


che lui e prende la sua pistola. Arriva Gale 

e subito dopo Judy, ma Jill minaccia di uccidere 

Linus. Jill spara a Judy. Mentre Jill 

tiene sotto mira Gale, Sidney la fulmina 

con una scarica. E obietta: “Hai dimenticato 

la prima regola dei remake: non cambiare 

l’originale”. Jill si rialza. Sta per colpire 

con una lastra di vetro Sidney, ma 

questa ha la prontezza di spararle. Judy 

intanto è ancora viva, salvata dal giubbotto 

antiproiettili. I giornalisti di tutto il mondo, 

in diretta dall’ospedale, in attesa delle 

sue prime dichiarazioni parlano di Jill, sopravvissuta 

al “nuovo terribile massacro 

di Woodsboro”, “un nome che ora tutto il 

mondo conoscerà”, colei “che da sola è 

riuscita a fermare la furia omicida di Woodsboro, 

in questo nostro XXI secolo”, 

“una ragazza che ha toccato il cuore di 

tutti noi questa notte, una eroina americana, 

di quelle che si vedono solo nei film”. 

C 

ommistione tra fiction e realtà, 

continuo gioco di rimandi metacinematografici, 

Scream 4 è una 

sconvolgente e surreale parabola dell’era 

internettiana e del rapporto che le giovani 

generazioni sviluppano al confine tra 

l’immaginario e la tecnologia, quando 

s’immettono pericolosamente su derive di 

onnipotenza e supervisibilità mediatica. 

Domina infatti una tecnologia imperversante: 

social network, cellulari, ripresa e 

trasmissione della realtà in diretta (come 

il video blog di Robbie), stampa sul luogo 

degli eventi un istante dopo che accadono. 

Inquietante e terribile fenomeno, la 

morte viene sempre anticipata alle vittime 

via cellulare. E aleggia un’ossessione 

continua per i film horror: quasi tutti i 

protagonisti ne sono appassionati, oltre 

che cultori del genere. Finché scoprono 

di ritrovarsi anche loro sul set di un film, il 

problema è che si tratta proprio di un horror 

e che loro ne sono le vittime. L’horror 

diviene allora la chiave di lettura del quotidiano. 

Una generazione smaliziata e 

assuefatta a violenza e omicidi comporta 

una rilettura della saga “Scream” in chiave 

contemporanea, nella quale all’horror 

‘analogico’ di Sidney, narrato più che vissuto, 

viene contrapposto un horror ‘digitale’, 

quello di Jill, che riprende tutto in 

diretta per propalarlo al mondo, trovando 

un senso di forza nell’efferatezza degli 

omicidi. “La tragedia di una generazione 

è uno scherzo per quella successiva”, 

commenta amaro lo sceriffo, riferendosi 

alla tragedia di Woodsboro, vedendo numerose 

maschere di Ghostface appese 

ai lampioni. L’impronta del film si può rinvenire 

nel delirante monologo che Jill rivolge 

a Sidney, poco dopo che il suo per- 

27 

verso inganno omicida è stato svelato e 

qualche istante prima del drammatico e 

concitato epilogo finale: “Con te il mondo 

ha solo sentito quello che era successo, 

ma con noi potranno vederlo. Sarà 

uno scoop mondiale: la gente deve vedere 

queste cose, nessuno legge più 

ormai. Saremo famosi come tu non riesci 

nemmeno a immaginare… Sono stata 

così credibile oggi, ho detto così tante 

bugie che ho cominciato a crederci 

anch’io. Non ho bisogno di amici, ma di 

fama. L’assurdo è la nuova realtà. Hai 

avuto il tuo momento di gloria, ora io voglio 

il mio. Che cosa dovrei fare? Andare 

al college, laurearmi, lavorare? Guardati 

intorno: viviamo tutti in pubblico, siamo 

tutti su internet, e come si fa a diventare 

famosi, ormai? Non devi guadagnarti 

niente, deve solo esserti capitata qualche 

tragedia. Quindi devi morire, Sidney, 

sono le regole: nuovo film, nuovi sequel, 

c’è spazio per una sola protagonista e i 

tuoi giorni da ragazzina ingenua sono finiti”. 

Non contano più i rapporti familiari, 

le amicizie, i legami, la voce della coscienza 

e il peso d’innumerevoli morti efferate: 

il piano di Jill ha funzionato alla perfezione, 

la scaletta è stata rispettata all’istante, 

la sua sceneggiatura pare aver trovato 

pieno compimento. Ma anche una mente 

così fredda e crudele si tradisce, quando 

con lo sceriffo Linus nota in ospedale 

che vorrebbe scrivere un libro insieme a 

sua moglie Gale, poiché hanno ferite identiche… 

Questo è vero, ma Jill – obietta 

l’arguta giornalista Gale – come fa a saperlo? 

Nel finale si scatena il circo mediatico 

attorno al nosocomio, senza conoscere 

ciò che è realmente accaduto, 

essendo anzi convinti dell’opposto, cioè 

dell’innocenza e dell’indiscusso valore di 

Jill. È un film di eccessi, basato su personaggi 

esagerati, che covano progetti e intrattengono 

dialoghi al limite del verosimile, 

e continue citazioni, dai film horror 

e dai libri di Sidney e di Gale. L’opera però 

regge bene e avvince. Non è propriamente 

un horror, ma su di esso riflette e fa 

riflettere, grazie a una struttura complessa, 

che con la serie “Squartati” presenta 

anche dei film dentro al film. Lo spettatore 

tuttavia non si smarrisce nel groviglio 

narrativo, rimane semmai stordito dalla 

vertigine di crudeltà e perversione che 

anima la protagonista assoluta di un film 

prevalentemente corale, il vero genio demoniaco 

del male, Jill. “Un’eroina americana 

di quelle che si vedono solo nei film” 

commenta un giornalista… E per fortuna, 

aggiungeremmo noi! 

Luca Caruso

THE HOUSEMAID 

(Hanyo) 

Corea del Sud, 2010 

Regia: Im Sang-soo 

Produzione: Jason Chae per Sidus FNH-Benex Cinema Fund 

1/Michigan Venture Capital/CJ Venture Investment/Stareast 

Digital Laboratory/Hanwha Entertainment Fund No. 1/Mirovision/Sidus 

FNH 

Distribuzione: Fandango 

Prima: (Roma 27-5-2011; Milano 27-5-2011) – V.M.: 14 

Soggetto: remake del film omonimo del 1960 con la sceneggiatura 

di Kim Ki-young 

Sceneggiatura: Im Sang-soo 

Direttore della fotografia: Lee Hyung-deok 

Montaggio: Lee Eun-soo 

Musiche: Kim Hong-jip 

Scenografia: Lee Ha-jun 

E 

un-yi è una ragazza coreana che 

lavora in un ristorante. Una sera, 

poco distante dal locale, una giovane 

donna si getta da un balcone, suicidandosi. 

Eun-yi e la sua amica, con la quale 

vive e lavora, si recano sul posto per 

vedere. 

Qualche giorno dopo Eun-yi incontra 

la signora Byung-sik per un colloquio di 

lavoro come bambinaia/domestica presso 

una ricchissima famiglia per la quale la 

stessa signora Byung-sik lavora da anni 

come governante. Eun-yi conosce Hae-ra 

e Hoon, genitori della piccola Nami, viene 

assunta inizia subito il suo lavoro stabilendosi 

presso di loro e occupandosi della 

bambina in attesa della nascita dei due gemelli. 

Eun-yi è allegra, gentile e molto disponibile, 

tutti sono soddisfatti di lei. Una 


sera però, il signor Hoon – attratto dalla 

ragazza – scende nella sua stanza offrendole 

del vino e riuscendo a sedurla, i due 

hanno un rapporto sessuale. Alcune sere 

dopo la scena si ripete, ma questa volta la 

signora Byung-sik che già aveva sospettato 

qualcosa, si accorge di quello che sta 

accadendo. La situazione va avanti ancora 

per qualche tempo, poi la signora decide 

di incontrarsi con la madre di Hae-ra e 

raccontarle l’accaduto, sostenendo inoltre 

che, visti i cambiamenti del suo corpo, Eunyi 

potrebbe essere incinta. 

L’indomani, mentre la ragazza è sulla 

scala per pulire il lampadario, la signora 

madre la spinge facendola cadere e fingendo 

un incidente. Eun-yi viene portata in 

ospedale e dopo essersi salvata per puro 

caso, scopre di essere incinta. Intanto la 

28 

Costumi: Choi Se-yeon 

Produttori esecutivi: Pyung-ho Choi, Bumseok Seo 

Co-produttori Dong-won Kim, Kyung Hyun Kim 

Arredatore: Yang Hyeon Mi 

Trucco: Eun-ju Lee 

Effetti: Effect Storm, Mage FX 

Suono: Suk-won Kim 

Interpreti: Jeon Do-Youn (Eun-yi), Lee Jung-jae (Hoon), Youn 

Yuh-jung (Byung-sik), Seo Woo (Hae-ra), Park Ji-young (madre 

di Hae-ra), Ahn Seo-hyun (Nami), Hwang Jung-min (Soonbun), 

Moon So-ri, Kim Jin-ah (dottori) 


Metri: 2900 

signora Byung-sik, con lei in ospedale, 

conferma tutto alla signora che lo riferisce 

alla figlia. 

Tornata a casa e dopo aver scelto di 

tenere il bambino, Eun-yi decide di lasciare 

il lavoro, ma dopo averne parlato con 

Hae-ra, quest’ultima inizia a schiaffeggiarla, 

facendole così capire di essere a conoscenza 

di tutto. Sua madre interviene lasciando 

un assegno a Eun-yi e dicendole 

con sarà costretta ad abortire e poi a sparire. 

Eun-yi è però decisa, vuole tenere il 

bambino e lo comunica alle signore, che 

concordano un altro piano. Mentre il signor 

Hoon è fuori per lavoro e Eun-yi rinchiusa 

in un’altra stanza, Hae-ra sostituisce 

alcune medicine della ragazze con altre 

avvelenate. 

Mentre la donna è in clinica per partorire, 

Eun-yi e la signora Byung-sik (che 

nonostante la sua severità vuole bene alla 

ragazza) si godono i piaceri della splendida 

villa. Eun-yi ha però preso una delle 

medicine e così, mentre si sta facendo il 

bagno nella vasca di Hae-ra, viene colpita 

da forti dolori e ha una perdita di sangue. 

Prima di essere portata in ospedale ha il 

tempo di raccontare ad Hoon l’accaduto, 

appena tornato dalla clinica dopo la nascita 

dei gemelli e da sempre all’oscuro di 

tutto. All’ospedale Eun-yi, sedata e con 

alcuni medici pagati dalla madre di Haera, 

subisce l’operazione con la quale perde 

definitivamente il bambino. 

Dopo l’intervento, Eun-yi riceve la visita 

della signora Byung-sik che le confessa 

di essere stata lei a iniziare tutto. Eunyi 

capisce anche che l’incidente della scala 

era stato voluto e che -come le aveva 

detto anche Nami- era stata la signora madre 

a spingerla.

Qualche giorno dopo, con la famiglia 

riunita davanti al camino, Eun-yi -aiutata 

dalla signora Byung-sik- entra nella villa 

e dalla scala parla con Hae-ra, sua madre 

ed Hoon. È sconvolta, ormai non ha più 

nulla da perdere e vuole soltanto vendicarsi 

con loro che le hanno per sempre rovinato 

la vita. Così, dopo aver salutato Nami, si 

mette una corda al collo e si getta dalle 

scale sotto gli occhi di tutti. 

I 

m Sang-soo dirige The Housemaid, 

remake dello storico ed omonimo 

film di Kim Ki-Young del 1960. Il regista 

coreano distrugge l’immagine della 

società borghese raccontando l’ipocrisia, 

l’arroganza e la mancanza di sensibilità 

di una famiglia benestante nei confronti 

di un ceto più umile. Una trama in realtà 

MIA MOGLIE PER FINTA 

(Just Go with It) 


Regia: Dennis Dugan 

Produzione: Jack Giarraputo, Heather Parry, Adam Sandler 

per Columbia Pictures/Happy Madison Productions 

Distribuzione: Sony Pictures Releasing Italia 


Soggetto: remake del film Fiore di cactus (1969) di Gene Saks 

tratto dalla pièce teatrale omonima di Abe Burrows (versione 

americana di Fleur de cactus di Pierre Barillet e Jean-Pierre 

Gredy) 

Sceneggiatura: Allan Loeb, Timothy Dowling 

Direttore della fotografia: Theo van de Sande 

Montaggio: Tom Costain 

Musiche: Rupert Gregson-Williams 

Scenografia: Perry Andelin Blake 

Costumi: Ellen Lutter 

Produttori esecutivi: Barry Bernardi, Allen Covert, Tim Herlihy, 

Steve Koren 

Direttore di produzione: Daryl Kass 

Casting: Roger Mussenden, Jeremy Rich 

Aiuti regista: Conte Matal, Daniel Silverberg, Bryan Snodgrass, 

Kathryn Francis Tucker 

Operatore: Candide Franklyn 

Operatore Steadicam: Candide Franklyn 

Art directors: Alan Au, John Collins 

Arredatore: Claire Kaufman 

Effetti speciali trucco: Steven E. Anderson, Gabriel De Cunto, 

Mark Garbarino, Will Huff, Alexei O’Brien, Yoichi Art Sakamoto 

D 

anny Maccabee dopo una cocente 

delusione amorosa decide di 

non avere più relazioni serie 

con le donne e, per scoraggiare le varie candidate, 

indossa una finta fede nuziale al dito. 

Un giorno, però, incontra Palmer, una 

ragazza di cui si innamora e, per non rac- 


abbastanza semplice: il ricco padrone di 

casa, che riesce sempre a ottenere ciò 

che desidera, ha una relazione con la 

giovane domestica e bambinaia. La ragazza 

resta incinta ed è costretta ad 

abortire per non creare nessuno scandalo 

alla famiglia. Donne senza scrupoli, 

persone cattive ed egoiste che risolvono 

tutto con i soldi, calpestando i sentimenti 

degli altri. La bravura di Im Sangsoo 

sta nel rendere una storia di per sé 

semplice, un buon film e questo grazie 

ad un’ottima regia e a una costruzione 

dell’immagine studiata e precisa. Il regista 

coreano è inoltre riuscito a mettere 

in luce gli aspetti più oscuri dell’uomo, 

dalle pulsioni sessuali alla violenza, mantenendo 

viva l’attenzione dello spettatore. 

Un film anche molto femminile: la pro- 

contarle la verità, dice di essere in procinto 

di divorziare dalla compagna. 

La ragazza non convinta chiede di incontrarlo 

per sincerarsi della cosa. Danny 

in preda al panico chiede alla sua assistente, 

Katherine, di impersonare sua moglie 

per qualche ora. La messinscena fun- 

29 

tagonista è Eun-yi, ma la sua vita dipende 

dalle scelte di altre donne, dalla signora 

Byung-sik, ad Hae-ra e sua madre. 

Hoon, il solo uomo della storia, benché 

causa di tutta la violenza -anche psicologica- 

che Eun-yi subisce, è in realtà 

un personaggio secondario. Le uniche 

due donne oneste e pulite del film sono 

proprio la giovane domestica e Nami, la 

bambina di cui lei si occupa. Ma nonostante 

la loro dolcezza, saranno le donne 

che soffriranno di più, Eun-yi con la 

sua vita, Nami perdendo l’unica persona 

di cui riusciva a fidarsi. 

The Housemaid è una storia semplice 

e allo stesso tempo estremamente forte, 

raccontata con grande intensità. 


Trucco: Corrina Duran, Ann Pala, Denise Paulson, Alex Proctor, 

Laine Rykes, Kendal Shannon, Alexis Walker 

Acconciature: Brian Steven Banks, Kelsie Gigandet, Thomas 

Real, Larry Waggoner, Kerry Warn 

Supervisore effetti speciali: Larz Anderson 

Coordinatore effetti speciali: Valek Sykes 

Supervisori effetti visivi: Rocco Passionino, Ryan Tudhope 

Coordinatore effetti visivi: Niki Hillier 

Supervisore costumi:Valerie Zielonka 

Supervisori musiche: Brooks Arthur, Michael Dilbeck, Kevin 

Grady 

Interpreti: Adam Sandler (Danny Maccabee), Jennifer Aniston 

(Katherine), Nicole Kidman (Devlin Adams), Nick Swardson 

(Eddie), Brooklyn Decker (Palmer), Bailee Madison (Maggie), 

Griffin Gluck (Michael), Dave Matthews (Ian Maxtone 

Jones), Kevin Nealon (Adon), Rachel Dratch (Kirsten Brant), 

Allen Covert (Soul Patch), Dan Patrick (Tanner Patrick), Minka 

Kelly (Joanna Damon), Jackie Sandler (Veruca), Rakefet Abergel 

(Patricia), Dana Goodman, Julia Lea Wolov, Colby Kline, 

Jana Sandler (damigelle), Michael Laskin (signor Maccabee), 

Carol Ann Susi (signora Maccabee), Gene Pompa (tipo delle 

consegne), Mario Joyner (Henderson), Keegan Michael Key 

(Ernesto), Heidi Montag (moglie di Adon), Elena Satine (Christine), 

Jonathan Loughran, Peter Dante, Jillian Nelson, Andy 

Roddick 


Metri: 3200 

ziona fino a quando non compaiono i due 

figli della donna che, approfittando della 

situazione, chiedono al finto padre Danny 

di portarli in vacanza alle Hawaii. Palmer, 

molto sensibile alle esigenze dei bambini, 

per alleviare il disagio della separazione 

propone un viaggio tutti insieme.

Danny, messo alle strette, accetta. La 

vacanza procede bene, fin troppo. Kathrine 

e Danny, infatti, scoprono di avere una 

particolare alchimia che va oltre la stima 

lavorativa e che mette in discussione il ruolo 

della giovane fidanzata nel terzetto. 

Danny, in particolare, è talmente confuso 

da mandare a monte il matrimonio, programmato 

proprio alla Hawaii, con Palmer. 

Quest’ultima, delusa, torna a casa e 

sull’aereo conosce un uomo con cui ben 

presto si consola. Danny e Kathrine, intanto, 

confessano di amarsi e decidono di 

sposarsi con la benedizione dei due figli. 

D 

a una parte Ingrid Bergman, 

Walter Matthau e Goldie Hawn 

dall’altra Jennifer Aniston, Adam 

Sandler e Brooklyn Decker capeggiati rispettivamente 

da Gene Saks e Dennis 

Dugan. Non c’è partita. Un po’ come succede 

sempre per ogni remake con conseguente 

valanga di elogi per l’originale e 

critiche su quello più recente. È la prassi, 

LONDON BOULEVARD 

(London Boulevard) 

Gran Bretagna/Stati Uniti, 2010 

Regia: William Monahan 

Produzione: Quentin Curtis, Tim Headington, Graham King, 

William Monahan per GK Films/Henceforth/Projection Pictures/ 

London Boulevard 



Soggetto: tratto dal romanzo omonimo di Ken Bruen 

Sceneggiatura: William Monahan 

Direttore della fotografia: Chris Menges 

Montaggio: Dody Dorn, Robb Sullivan 

Musiche: Sergio Pizzorno 

Scenografia: Martin Childs 

Costumi: Odile Dicks-Mireaux 

Produttori esecutivi: Redmond Morris, Colin Vaines 

Produttori associati: Justine Suzanne Jones, Jacob Rush 

Co-produttore: Theodore Suchecki 

Direttore di produzione: Rachel Neale 

Casting: Nina Gold 

Aiuti regista: Tom Brewster, Carlos Fidel, Todd Lent, Candy 

Marlowe, Candy Marlowe, Jae-sung Oh, Richard Styles 

Operatori: Luke Menges, Michael Stumpf 

Operatori Steadicam: John Hembrough, Alastair Rae, 

Michael Stumpf 

Art director: Sarah Stuart 

L 

ondra. Dopo tre anni di galera, 

Mitchel esce di prigione con tante 

buone intenzioni. Purtroppo il 

suo passato lo insegue. L’amico Billy, infatti, 

tenta in tutti i modi di farlo rientrare 

nel giro della malavita. Mitchel, pur di non 


funziona così. Siccome diamo tutti per 

scontato che Fiore di Cactus film del ’69 

diretto da Saks sia migliore rispetto al suo 

recente remake Mia moglie per finta regia 

di Dugan, ci occuperemo di quest’ultimo 

liberi dal giogo dei paragoni, analizzandolo 

come se fosse un’opera originale. 

Da questa nuova prospettiva la pellicola 

assume un aspetto differente, certo 

Dugan non ci ha mai abituati ai capolavori, 

ma questa volta è riuscito a portare sul 

grande schermo una commedia leggera, 

divertente e non eccessivamente goliardica. 

È già un inizio. 

La trama, una classica burla amorosa, 

di per sé, non ha particolari pregi, ma è 

resa accattivante da una sceneggiatura 

che sembra uscita dal Saturday Night Live 

(versione americana ovviamente) con in 

più un tocco di romanticismo che rende 

digeribili le diverse situazioni da “bar dello 

sport”. 

Praticamente l’habitat naturale di Jennifer 

Aniston, e si vede. Se Adam Sandler, 

ricadere in vecchi errori, accetta di fare 

da guardia del corpo all’attrice Charlotte. 

Fra i due nasce subito un’intesa particolare. 

Mitchel, intanto, rincontra un vagabondo, 

suo vecchio amico, al quale regala 

per difendersi prima un coltello e poi 

30 

a tratti, sembra in conflitto con il personaggio, 

la “fidanzatina d’America” lo piega alle 

sue esigenze rubando platealmente la scena 

al più impacciato compagno, messo 

definitivamente all’ angolino quando in scena 

entra anche un’agguerritissima Nicole 

Kidman pronta a sfidare la Aniston a suon 

di hula e terrorismo psicologico tutto al femminile. 

Per la povera, ma pur sempre bellissima 

Brooklyn Decker, è evidente, non c’è 

spazio se non nei favori del pubblico maschile, 

quasi a riconferma del suo ruolo 

cinematografico. E pensare che per la stessa 

parte Goldie Hawn ha vinto un Oscar. 

È vero, si era detto, niente paragoni, ma 

questo era troppo ghiotto per lasciarselo 

scappare. Chiaramente per Mia moglie per 

finta di premi all’orizzonte non se ne vedono, 

però non è da disdegnare per una serata 

fra amici (possibilmente non cinefili). 

Sufficit. 


Arredatore: Celia Bobak 

Trucco: Teri Galati, Gemma Low, Monica MacDonald, Chloe 

Meddings, Charlotte Thompson, Lesa Warrener 

Supervisore effetti speciali: Stuart Brisdon 

Supervisori effetti visivi: David Altenau, Phil Attfield, Simon 

Carr, Simon Frame, Paul Norris 

Coordinatore effetti visivi: Liam Tully 

Supervisore costumi: Nigel Egerton 

Supervisore musiche: Jen Monnar 

Interpreti: Colin Farrell (Mitchel), Keira Knightley (Charlotte), 

David Thewlis (Jordan), Anna Friel (Briony), Ben Chaplin (Billy 

Norton), Ray Winstone (Gant), Eddie Marsan (Bailey), Sanjeev 

Bhaskar (dottor Raju), Stephen Graham (Danny), Ophelia 

Lovibond (Penny), Jamie Campbell Bower (ragazzino 

bianco),Velibor Topic (Storbor), Lee Boardman (Lee), Alan Williams 

(Joe), Jonathan Cullen (Anthony Trent), Tony Way, Tim 

Plester, Jake Abraham (paparazzi), Damir Koluder (amico di 

Storbor), Nick Bartlett (Beaumont), Matt King (Fletcher), Jamie 

Blackley (giocatore di football), Sarah Niles (caposala), Elly 

Fairman (moglie di Gant), Robert Willox, Gregory Foreman, 

Jonathan Coyne, Bob Mercer, Oliver Wood, Jonny Leigh Wright 


Metri: 2820 

una pistola. Nonostante le armi a sua disposizione, 

il vecchio viene ucciso dal giovane 

Whiteboy e da un suo amico per puro 

divertimento. Billy coinvolge Mitchel nell’ennesimo 

malaffare; purtroppo il ragazzo 

si scontra violentemente col potente boss

Gant che è anche deviato mentalmente, 

perché assiste a un omicidio. Mitchel e 

Charlotte si innamorano. Mitchel scopre 

che il mandante dell’omicidio del vecchio 

vagabondo è proprio il boss e che Whiteboy 

è una promessa del calcio. Mitchel 

decide di non vendicarsi e lo lascia vivere. 

Intanto Charlotte parte per Los Angeles: 

si trasferirà per un nuovo lavoro. Mitchel 

vorrebbe seguirla. Proprio mentre prepara 

le valigie per andarsene da Londra, viene 

assassinato da Whiteboy. 

W 

illiam Monahan, già sceneggiatore 

premio Oscar per il The Departed 

di Martin Scorsese, per il 

suo esordio dietro alla macchina da presa 

ha scelto un gangster movie dal sapore 

noir. Il racconto è tratto dall’omonimo romanzo 

di Ken Bruen che Monahan sfrutta 

abbastanza fedelmente, pur aggiungendo 

comunque un po’ di humor. Il film ha delle 

forte incertezze: è evidente che il regista 

Gran Bretagna, 2010 

Regia: Max Giwa, Dania Pasquini 

Produzione: Allan Niblo, James Richardson per Vertigo Films/ 

BBC Films/Little Gaddesden Productions/Paradise F.X. Corp. 


Prima:(Roma 16-3-2011; Milano 16-3-2011) 

Soggetto e sceneggiatura: Jane English 

Direttore della fotografia: Sam McCurdy, Max Penner 

Montaggio: Tim Murrell 

Scenografia: Richard Bullock 

Costumi: Abrew Cox 

Produttori esecutivi: Arnab Banerji, Paula Jalfon, Christine 

Langan, Rupert Preston 

Produttore associato: Neil Hardy 

Line producer: Jim Spencer 

Direttore di produzione: Alison Banks 

Casting: Gary Davy 

Aiuti regista: Jamie Macdermott, Adam Morris, Tom Mulberge, 

Tom Fenwick Smith 

L 

STREET DANCE 3D 

(StreetDance 3D) 

a ballerina di street dance Carly 

viene mollata dal suo ragazzo Jay 

subito dopo aver ricevuto la 

notizia che la loro crew di amici ballerini 

è riuscita a imporsi per le finalissime nazionali 

inglesi. Dopo aver incassato la 

batosta amorosa, Carly si autonomina leader 

del gruppo e promette di trovare un 

luogo che abbia le caratteristiche giuste 

per poter provare in santa pace i passi di 

danza. Date le ristrettezze economiche di 

tutti i componenti della crew, i danzatori 


non riesce a gestire contemporaneamente 

sceneggiatura e regia. Ancora inesperto, 

crea una forte discrepanza tra la costruzione 

della storia in quanto tale e la 

successiva realizzazione. In questo modo, 

il film ha comunque un forte valore visivo, 

ma London Boulevard risente di una oscillazione 

ritmica che non passa di certo inosservata. 

L’ironia e il sarcasmo ben si accostano 

alle caratteristiche della gangster 

story, ma l’evoluzione narrativa cede il passo 

di fronte a scelte registiche che tanto 

sono superficiali e inutili. Questo difetto 

così preponderante, ovviamente, si riversa 

anche sull’andamento dei personaggi 

e del loro l’utilizzo all’interno della storia. 

Naturalmente sarebbe facile e prevedibile 

far calare Colin Farrell nei panni del cattivo 

ragazzo irlandese dal cuore d’oro che 

viene contrapposto all’eterea Keira Knightley, 

che ricopre il banale ruolo della notorietà 

negativa (fan maniaci, gossip, paparazzi 

insistenti). Onestamente i due attori 

si adeguano a ballare in qualsiasi spazio 

gli capiti, compresi parcheggi pubblici all’aperto 

e centri commerciali. Ma, in entrambi 

i casi, la fortuna non li assiste: giacché 

sono colpiti da un temporale improvviso, 

oppure devono darsela a gambe, in 

quanto inseguiti da una schiera di poliziotti 

imbufaliti. La situazione si fa ancora più 

destabilizzante, quando vari membri della 

crew dichiarano apertamente il fallimento 

della conduzione di Carly e abbandonano 

il campo con risentimento. Nel frattempo, 

31 

non riescono neanche a entrare nella parte: 

la Knightley risulta alquanto antipatica 

nella sua freddezza, mentre Farrell risulta 

insipido e insignificante; ma c’è da pensare 

che non sia tutta colpa loro. Da sottolineare 

è sicuramente fotografia e la ricostruzione 

ambientale in stile anni Settanta 

che è evidente fin dai titoli di testa. Bella 

l’immagine di una Londra, ben lontana 

dagli stereotipi troppo utilizzati in altri film, 

caratterizzata da elementi inconsueti e irriconoscibili. 

Bravo, quindi, il direttore della 

fotografia Chri Menges, già visto all’opera 

nei film The Reader e Mission, che sembra 

seguire l’immaginario filo rosso della 

London downtown. Per un pubblico che in 

questo periodo paga un caro biglietto per 

vedere un film, mostrargli solo una bella 

fotografia è un po’ poco. Noioso e scontato, 

non regala assolutamente nessuna 

emozione. 


Art director: Sophie Hervieu 

Arredatore: Alex Marden 

Trucco: Darren Evans 

Acconciature: Karen Scott 

Supervisore effetti speciali: Chris Reynolds 

Supervisore effetti visivi: Florian Obrecht 

Coreografie: Will Tuckett, Kenrick Sandy 

Interpreti: Charlotte Rampling (Helena), Nichola Burley (Carly), 

Richard Winsor (Tomas), Jeremy Sheffield (Michael), Eleanor 

Bron (Madame Fleurie), Jennifer Leung (Bex), Sacha Chang 

(Aimee), Lex Milczarek (Boogie), Ukweli Roach (Jay), Rachel 

McDowall (Isabella), Stephanie ‘Lil Stef’ Nyguen (Steph), Danielle 

‘Rhimes’ Lecointe (Justine), Sianad Gregory (Chloe), Teneisha 

Bonner (Shawna), Hugo Cortes (Gabe) Kofi Agyemang 

(Mack), Tameka Empson (Sharonda), George Sampson (Eddie), 

Frank Harper (Fred), Patrick Baladi (Sig. Harding) 

Durata: 96’ 

Metri: 2700 

la giovane ballerina cerca di sbarcare il 

lunario, lavorando come cameriera per un 

fast-food. Inviata dal proprio datore di lavoro 

a consegnare dei sandwich presso la 

Ballet Accademy, Carly si presenta alla 

celebre insegnante Helena Fitzgerald, che 

rimane estremamente colpita dal forte temperamento 

della ragazza. Prima di congedarla, 

Helena si destreggia nell’arte dello 

scambio ben riuscito: propone alla breakdancer 

di affittarle gratis la sala più 

grande di cui la scuola dispone; ma, in

cambio, Carly dovrà insegnare quel particolare 

tipo di danza ad alcuni elementi del 

corpo di ballo della Ballet Accademy. La 

protagonista ride sotto i baffi per via di una 

proposta così scriteriata e oltremodo avventata; 

sennonché, quando capisce che Helena 

non la sta affatto prendendo in giro, accetta. 

Lo scambio interculturale si rivela 

difficile sin dal primo istante, sia da una 

parte che dall’altra. Infatti, per le ballerine 

in tutù e i danzatori in calzamaglia accettare 

le regole dell’hip hop significa rinnegare 

tutti i valori che si sono sentiti ripetere e 

ripetere e ancora ripetere dal loro primo ingresso 

in una palestra. Dal canto suo, anche 

la direttrice dell’accademia (la vecchia 

signora Fleurie) riesce a malapena a dissimulare 

una certa disapprovazione per quello 

che reputa un folle progetto. Pian piano, 

però, la situazione tende ad appianarsi sotto 

l’egida dell’arte come valore assoluto e 

il coreuta Tomas mostra di apprezzare tanto 

le lezioni impartite a ritmo di danza contemporanea, 

quanto la poco convenzionale 

docente. Durante una serata di libera uscita, 

Carly e il suo gruppo conducono i nuovi 

amici in un locale alla moda di Londra, dove 

solitamente le crew rivali si sfidano a colpi 

di freestyle. Qui assistono a una performance 

dei preparatissimi “Surge”, notando con 

sgomento un volto sconosciuto all’interno 

del team antagonista: si tratta di Jay, l’ex 

di Carly. Sentendosi apostrofare a male 

parole dai compagni di un tempo, il traditore 

esaspera il suo atteggiamento strafottente, 

ricordando in pubblico la notte precedente 

trascorsa nella stanza da letto di 

Carly. Quest’ultima allora scappa via il più 

lontano possibile da lui e dalla sua cerchia 

di conoscenti. Tomas la rincorre e, per un 

soffio, le salva la vita, evitando che la giovane 

finisca sotto le ruote di un’automobile. 

Il pupillo della Fitzgerald si ripromette 

di condurre Carly nel proprio appartamento 

poco distante, offrendosi come spalla perfetta 

su cui versare le lacrime per un amore 

finito. E, invece, stregati dalla luna e dallo 

skyline londinese che è possibile ammirare 

dal terrazzo di casa di Tomas, i due si scambiano 

un bacio romantico. Il ballerino la 

attrae a sé con la promessa che la nuova 

crew si aggiudicherà il primo posto alla 

prossima competizione, a patto che la danza 

classica si accordi in perfetta armonia 

con il sound metropolitano. Una volta perfezionata 

la formula vincente, ahimè, spunta 

una nuova grana: a quanto pare la data 

del torneo di street dance e quella per i provini 

del Royal Ballet coincidono e, dato che 

nessuno di loro è dotato del dono dell’ubiquità, 

sembra quasi impossibile riuscire a 

onorare entrambi gli appuntamenti. La corsa 

contro il tempo pur di partecipare all’”Uk 

Street Dance Championship” spinge i bal- 


lerini della Ballet Accademy a una scelta 

tatticamente sbagliata per il loro futuro 

come rinunciare alle audizioni. Niente paura: 

a quanto pare, colui a cui è stato demandato 

il compito di esaminarli è stato 

in passato un allievo di Helena, quindi si 

dimostra incline a seguire la sua ex insegnante, 

pure in capo al mondo. Intanto, il 

giovane Eddie irrompe sul palcoscenico e 

si esibisce a sorpresa in un numero da lui 

stesso coreografato, in modo da rimandare 

di qualche minuto lo spettacolo della 

crew di Carly. Grazie all’intervento tempestivo 

di Eddie, Tomas e gli altri arrivano 

nell’istante esatto in cui lo speaker convoca 

la crew di Carly sul palco. Inizialmente 

fischiati dalla platea, i ballerini danno 

il loro meglio, coniugando volteggi e 

piroette a capriole, improvvisazione e tante 

evoluzioni. Una standing ovation decreta 

la vittoria a furor di popolo per Tomas, 

Carly & Co.; mentre, dall’alto di una tribuna, 

Helena annuncia sorridente ai suoi 

discepoli che si sono aperte per loro le 

porte del Royal Ballet. 

È 

facile, quasi scontato, irritarsi al 

cinema di fronte a un film come 

Streetdance 3D. Innanzitutto, la 

storia nella sua scorrevole e rigorosa linearità 

risulta poco credibile da qualsiasi 

punto la si cerchi di pigliare. Il mondo testuale 

presentato al pubblico dalla coppia 

di registi Max Giwa e Dania Pasquini 

(esperti in videoclip musicali) è talmente 

ovvio che, per contrappasso, dimostra l’esigenza 

di un avvento di natura innovativa, 

al fine di calibrare in controluce un genere 

oramai dato per esangue. Streetdance 3D 

concorre così per la palma d’oro di “sup- 

CARS 2 

(Cars 2) 


32 

plemento per eccellenza”, dal momento 

che si propone come il supplemento di un 

supplemento… Insomma, un qualcosa di 

cui avremmo fatto volentieri a meno. 

L’adozione della tecnologia in 3D è - 

pertanto - legata all’esigenza di porre un 

freno all’imminente “disfatta di Caporetto” 

prevista per tutti i fratelli di primo e secondo 

letto di un successo di cassetta quale 

Step Up. Ma, non basta più puntare su questa 

logica di mercato, se poi lo spettatore 

non ha nulla da elaborare ed esce dalla sala 

cinematografica per ritornare nella banalità 

del proprio universo quotidiano senza 

aver ampliato i confini della propria mente. 

Tuttavia, se la posta in gioco si riduce 

al puro divertimento di due orette scarse 

di fronte alle mosse che farebbero impallidire 

i televisivi “Amici di Maria De Filippi”, 

l’audience giovanile accetterà di buon grado 

l’assurdità di una trama piena zeppa di 

stereotipi. Eppure, anche qui, ogni focolare 

di emozioni acceso dalla musica hip hop 

è destinato a spegnersi, in regione delle 

latenti istanze ideologiche. 

Al posto di madrina d’eccezione di 

Streetdance 3D, ritroviamo una Charlotte 

Rampling ritornata a rimirar i flash del 

neon, dopo essersi auto-imposta tanti anni 

di esilio dal grande schermo. Il desiderio 

di ammirare l’attrice inglese ancora di fronte 

alla macchina da presa si trasforma, 

però, in un misto di risentimento e sdegno 

inesprimibile. Si raccomanda, quindi, di ricordarla 

al meglio della sua forma, ovvero 

ai tempi dei grandi capolavori come Il portiere 

di notte, La caduta degli dei o Yuppi 

Du del “molleggiato” Celentano. 

Maria Cristina Caponi 

Regia: John Lasseter, Brad Lewis 

Produzione: Denise Ream per Walt Disney Pictures/Pixar Animation Studios 

Distribuzione: Walt Disney Studios Motion Pictures 


Soggetto: John Lasseter, Brad Lewis, Dan Fogelman 

Sceneggiatura: Ben Queen 

Musiche: Michael Giacchino 

Art director: Jay Shuster 

Supervisori animazione: Arik Ehle, Dave Mullins 

Animazione: Simon Allen, Jude Brownbill, Curran W. Giddens, Aaron J. Hartline, 

Tsung-Yin Hsieh, Bruce Kuei, Rich McKain, Michelle Ohana, Jay Rennie, Bob Scott, 

Matthew Strangio, Benjamin Su, Raphael Suter, Kristoff Vergne, Royce Wesley, Ricky 

Wight 


Metri: 3300

L 

agente Finn McMissile si trova in 

azione su una piattaforma petrolifera. 

Intanto il celeberrimo 

Saetta McQueen torna a casa, nella sua 

Radiator Springs, dopo aver vinto un prestigioso 

trofeo. Qui ritrova il suo amico fidato 

Carl Attrezzi detto Cricchetto, la sua 

fidanzata Sally e tutti gli altri membri della 

compagnia e del suo team. Le intenzioni 

di McQueen sono quelle di godersi un 

po’ di meritato riposo; tuttavia, un ricco 

petroliere, tale Miles Axelrod, ha creato da 

poco un carburante alternativo, ovvero 

l’Allinol, in grado di sostituire proprio il 

petrolio e organizza il World Grand Prix 

per dimostrare l’affidabilità di questo nuovo 

prodotto, fornendolo a tutte le auto in 

gara. Tra le “stelle” della manifestazione 

brilla quella di Francesco Bernulli, auto 

italiana che oltre a scatenare il desiderio 

di tutte le automobili femmine per via delle 

sue ruote scoperte, è senza dubbio una 

delle macchine più potenti in circolazione. 

Egli, durante una trasmissione televisiva, 

sfida apertamente Saetta McQueen, il quale, 

a questo punto, non può più astenersi 

dal partecipare e decide anche di portare 

con sé il suo amico Cricchetto. 

Il torneo si sviluppa in tre gare, in 

Giappone, in Italia e in Inghilterra, e il 

team di McQueen raggiunge gli altri nella 

spettacolare cornice di Tokyo, dove si tiene 

l’apertura della competizione. Alle spalle 

di questo Grand Prix, c’è però in atto 

un pericoloso complotto, il cui scopo è 

quello di mandare a monte l’affidabilità 

dell’Allinol per poter continuare a usare 

lucramente il petrolio. 

Gli agenti dell’inteligence McMissile 

e Holly Shiftwell lavorano al caso, supportati 

da un altro agente americano, il quale 

però è in incognito e ne ignorano quindi 

l’idendità. Proprio l’informatore americano 

viene raggiunto da due sicari che lo catturano, 

ma non prima che questi sia riuscito 

ad applicare sotto il carro attrezzi 

Cricchetto il dispositivo di informazioni. 

Così Cricchetto viene scambiato proprio 

per l’agente sotto copertura, e McMissile 

e Holly iniziano ad affidargli pericolose 

missioni. Durante una di queste, Carl Attrezzi, 

avendo dimenticato accesa la comunicazione 

radio con McQueen, genera un 

malinteso con l’amico pilota, che crede che 

le parole di Cricchetto siano consigli in riferimento 

alla gara, e sbaglia così inesorabilmente 

facendosi superare da Francesco 

all’ultimo giro. 

Saetta McQueen va su tutte le furie e 

decide di allontanare l’amico. Tuttavia il 

nuovo impiego di Cricchetto lo porta 

ugualmente in terra italiana, in compagnia 

di McMissile e Holly (della quale si è tra 

’ 


l’altro perdutamente invaghito). Qui lo scopo 

dei partecipanti al complotto è quello 

di far fondere il motore al maggior numero 

possibile di auto in gara: l’avevano già 

fatto in Giappone, ma in numero minore. 

In Italia il laser dei “cattivi” distruggerà 

tutte le vetture a eccezione di quelle di 

McQueen e di Francesco, i quali non si 

accorgono neppure di ciò che accade alle 

loro spalle; se ne rendono conto soltanto 

dopo che Saetta McQueen taglia il traguardo 

da vincitore. Nel frattempo, Cricchetto, 

grazie a una mutazione generata da un 

computer, riesce a intrufolarsi all’interno 

di una riunione segreta tra i membri del 

complotto, ovvero un mare di vecchi “catorci” 

stanchi di farsi chiamare in tal modo 

e pronti a ribellarsi al sistema. Questi sono 

guidati da una temibile vettura, che gli 

parla però tramite un monitor e con il cofano 

sollevato e la voce modificata, per non 

farsi riconoscere. 

Tuttavia, la sbadataggine di Cricchetto 

fa sì che venga scoperta la sua vera identità 

e debba correre ai ripari. Al termine 

della gara, Saetta McQueen dichiara di 

voler continuare a usare l’Allinol, nonostante 

tutto, poiché crede che gli incidenti 

avvenuti non siano determinati dal nuovo 

carburante. 

La notizia spinge tutti i membri del 

complotto a stabilire la distruzione di Mc- 

Queen durante l’ultima gara, il G.P. della 

Gran Bretagna. Qui Cricchetto e i suoi 

nuovi amici dell’intelligence vengono catturati 

e chiusi all’interno del Big Ben, finendo 

vittime del meccanismo dell’orologio, 

a causa del quale ogni giro di lancette 

è per i tre un passo verso la morte. Nel 

frattempo il laser distruttore non ha effetto 

su Saetta McQueen e così i cattivi decidono 

di passare al piano B, che consiste in 

una bomba piazzata su Carl Attrezzi, il 

quale si è liberato e sta andando ad avvi- 

33 

sare McQueen. Quando Holly avvisa Cricchetto 

della bomba sembra già troppo tardi, 

in quanto Saetta si lancia verso l’amico, 

il quale, a sua volta, lo vuole allontanare 

scappando via. Alla fine sarà proprio 

Cricchetto a capire, grazie alle sue conoscenze 

tecniche, che dietro il motore visto 

dallo schermo nelle riunione dei complottisti 

si nasconde incredibilmente Axelrod, 

il creatore dell’Allinol, e lo obbliga quindi 

a disattivare la bomba mettendo a rischio 

la vita di entrambi. Il petroliere aveva infatti 

organizzato tutto ciò per continuare a 

utilizzare il petrolio con spropositati guadagni. 

Cricchetto viene insignito del titolo 

di “Sir” e torna a casa raggiante insieme 

a McQueen, raccontando tutto agli amici 

di Radiator Springs. Proprio qui si tiene 

intanto un nuovo grand prix celebrativo, 

al quale partecipa anche Francesco Bernulli, 

ormai amico di Saetta. 

T 

ra i suggestivi prodotti firmati 

Pixar probabilmente Cars è quello 

che gode di una considerazione 

minore, nonostante i buoni incassi anche 

per quello che riguarda il secondo 

capitolo. 

I registi Lewis e Lasseter mettono su un 

film idealmente innovativo, un lungometraggio 

d’animazione in cui si intrecciano due 

storie (o forse è il caso di dire piste) parallele, 

una legata al mondo del Grand Prix e l’altra, 

più sdrucciolevole, allo spionaggio. 

Accogliere l’Intelligence in un film d’animazione 

è una scelta mirabile e che richiede 

una giusta dose di coraggio, tuttavia il 

modo in cui viene inserita non fa che generare 

rabbia e disapprovazione. Infatti 

Lewis, Lasseter & co. si dimostrano mancanti 

di audacia, non hanno la forza di osare 

a sufficienza, e così anche Cars 2 è privo 

del giusto carisma, non riuscendo a incanalarsi 

verso la strada del successo.

I minuti iniziali fanno ben sperare, grazie 

a una serie di inseguimenti (ripresi poi 

raramente all’interno del film), fortificati da 

musiche calzanti e scenari alla 007 che 

poi si perdono dietro una storia eccessivamente 

banale e troppo carica di stereotipi 

per colpire lo spettatore. Inoltre, l’idea 

di incentrare buona parte dell’action sulle 

vicende di un personaggio altamente ridicolo, 

e probabilmente poco entusiasmante 

persino per i bambini, come Carl Attrezzi 

“Cricchetto”, a svantaggio di un meno visibile 

Saetta McQueen, non fa che indebolire 

ancor di più un plot che passa con 

estrema facilità dall’innovativo al trito. 

Poteva invece esser meglio sviluppato 

il Grand Prix, che sembra piuttosto poggiarsi 

sulle spalle della storia parallela e 

non saper entusiasmare a sufficienza il 

pubblico. Se la cornice di Tokyo rende bene 

l’idea di una grande manifestazione sportiva, 

con una presentazione godibile an- 

SOURCE CODE 

(Source Code) 

Stati Uniti/Francia, 2011 

Regia: Duncan Jones 

Produzione: Mark Gordon, Philippe Rousselet, Jordan Wynn 

per Vendome Pictures/The Mark Gordon Company 



Soggetto e sceneggiatura: Ben Ripley 

Direttore della fotografia: Don Burgess 

Montaggio: Paul Hirsch 

Musiche: Chris P. Bacon 

Scenografia: Barry Chusid 

Costumi: Renée April 

Produttori esecutivi: Jeb Brody, Fabrice Gianfermi, Hawk Koch 

Produttore associato: Sarah Platt 

Co-produttori: Stuart Fenegan, Tracy Underwood 

Direttore di produzione: Manon Bougie 

Aiuti regista: Julie Bougie-Boyer, Buck Deachman, Bethan 

Mowat, W. Michael Phillips 

Operatori: Francois Archambault, Geoffroy Beauchemin, 

Sylvaine Dufaux, Joe ‘Jody’ Williams 

Operatore Steadicam: Marc Ehrenbold 

Art director: Pierre Perrault 

Arredatore: Suzanne Cloutier II 

Effetti speciali trucco: Adrien Morot 

Trucco: Marianne Bobet, Kathy Kelso, Suzi Ostos, Morag Ross, 

Diane Simard 

I 

l capitano Colter Stevens è su un 

treno diretto a Chicago. Christina, 

la ragazza seduta vicino a lui 

sembra conoscerlo bene, ma lui non ricorda 

nulla tranne di essere un pilota di elicotteri 

in missione di guerra. Passano pochi 

minuti e il treno esplode. Colter si risveglia 

in una base militare dove gli viene 


che dal punto di vista estetico, non si può 

dire lo stesso di Londra, che, essendo l’ultima 

gara del G.P. viene del tutto accantonata, 

e anche l’illustrazione del territorio 

italiano lascia molto a desiderare; soprattutto 

gli abitanti della penisola rimarranno 

basiti di fronte ad un’immaginaria 

location come Porto Corsa, un’oscena 

mescolanza tra Montecarlo e la costiera 

amalfitana, nella quale si intravedono 

persino strutture che ricordano S. Pietro 

e il Colosseo: roba da far accapponare la 

pelle. 

In tutto ciò ci mette del suo anche il 

detestabile doppiaggio italiano, che non ci 

chiarisce il motivo per cui, eccezion fatta 

per Marco Franzelli e la sua troupe, a cui 

viene affidata la conduzione tv del Grand 

Prix, non abbiano seguito il refrain originale 

che prevede per buona parte dei piloti 

le voci di personaggi realmente appartenenti 

al mondo delle corse e, soprattut- 

spiegato che è lì per scoprire l’identità del 

terrorista che ha fatto saltare in aria il treno 

quella mattina. Grazie a uno strumento 

sofisticato, il “source code”, verrà continuamente 

rimandato indietro nel tempo per 

8 minuti fino a rintracciare il pericoloso 

criminale e evitare che possa fare altri attentati 

in futuro. Colter accetta, ma qual- 

34 

to, non si riesce a intuire il perché a Francesco 

Bernulli, che negli U.S.A. ha la voce 

di Turturro, l’Italia abbia preferito l’accento 

napoletano di Alessandro Siani, tra l’altro 

del tutto fuori luogo e neppure così divertente. 

Rimanendo in tema di accostamenti è 

invece geniale la riproposizione della Regina 

d’Inghilterra sotto forma di automobile 

ed è ancor più eccezionale lo scambio 

di battute della stessa con uno dei suoi nipoti. 

Tuttavia questo è il classico colpo di 

coda sul rettilineo finale, quando ormai è 

troppo tardi per pensare di tagliare il traguardo 

assicurandosi il podio e ci si accontenta 

di un piazzamento un po’ più dignitoso. 

È veramente un peccato, perché 

da Pixar ci si aspetta sempre moltissimo, 

e anche stavolta c’erano le basi e le premesse 

per un ennesimo gioiello. 


Acconciature: Lyne Calvert, Nathalie Garon, Lyne Lapiana, 

Martin Lapointe, Dominic Mango, Johanne Paiement 

Supervisori effetti speciali: Ryal Cosgrove, K. C. Capek 

Supervisori effetti visivi: Sébastien Moreau (Rodeo FX), 

Erik Nordby (MPC), Wayne Brinton, Alexandre Lafortune, Louis 

Morin 

Supervisore costumi: Blanche-Danielle Boileau 

Supervisori animazione: Marcus Alqueres (Modus FX), 

Daryl Sawchuk (The Moving Picture Company) 

Interpreti: Jake Gyllenhaal (Colter Stevens), Michelle Monaghan 

(Christina Warren), Vera Farmiga (Colleen Goodwin), 

Jeffrey Wright (Rutledge), Michael Arden (Derek Frost), Cas 

Anvar (Hazmi), Russell Peters (Max Denoff), Brent Skagford 

(George Troxel), GolGordon Masten (conduttore), Susan Bain 

(infermiera), Lincoln Ward (ministro Sudoku), Kyle Gatehouse 

(studente del college), Anne Day-Jones (capo della polizia), 

Clarice Byrne (segretaria), Joe Cobden (tecnico di laboratorio), 

Tom Tammi (conduttore della CNN), Kyle Allatt (Aide), 

Pierre Leblanc (capostazione), Joti Nagra (medico), Laura 

Atwood (madre di famiglia), Raynald Lapierre (medico militare), 

Samuel Meadows, Craig Thomas, Paula Jean Hixson, 

Albert Kwan, James A. Woods, Matt Holland, Jasson Finney, 

Scott Bakula, Frédérick De Grandpré 

Durata: 93’ 

Metri: 2560 

cosa nel comportamento dei suoi superiori 

lo insospettisce. Visto che tutti nel treno 

lo credono un’altra persona chiede a Christina 

di fare una ricerca su internet sul 

nome “capitano Colter Stevens” che lui 

spaccia per un suo amico. La ragazza imbarazzata 

gli comunica che l’uomo in questione 

è morto in guerra. Colter ritornato

alla base dopo l’ennesima esplosione chiede 

spiegazioni. Gli viene confermato che è 

morto, così come lo sono tutti i passeggeri 

del treno, ma che può continuare a servire 

la patria per l’ultima volta prima di lasciare 

definitivamente la terra. L’uomo è sconvolto, 

ma deciso a continuare la sua missione, 

ritorna sul treno e riesce a incastrare 

il terrorista che aveva già in programma 

un secondo e più atroce attentato. La 

missione è finita, ma lui chiede di ritornare 

sul treno per provare a salvare tutte quelle 

vite umane. Il suo capo gli nega categoricamente 

il permesso dato che il programma 

può solo ricevere informazioni e non 

interferire con il passato, ma Carol, una 

giovane ufficiale con cui condivideva il 

progetto, contravvenendo a tutti gli ordini 

lo rispedisce indietro nel tempo. Qui Colter, 

oltre a salvare tutti, fa una lunga telefonata 

a suo padre dove, sotto mentite spoglie, 

gli parla dell’amore che suo figlio 

aveva per lui e invita Christina a uscire 

con lui. Per sicurezza manda una e-mail a 

Carol spiegandole tutto quello che ha fatto 

e soprattutto che il “source code” può 

realmente cambiare il passato. 

D 

uncan Jones è un nome da segnarsi 

sul taccuino. Dopo l’acclamatissimo 

esordio alla regia con 

BEASTLY 

(Beastly) 


Regia: Daniel Barnz 

Produzione: Susan Cartsonis per CBS Films/Storefront Films 

Distribuzione: VIDEA-CDE 


Soggetto: tratto dal romanzo omonimo di Alex Flinn 

Sceneggiatura: Daniel Barnz 

Direttore della fotografia: Mandy Walker 

Montaggio: Thomas J. Nordberg 

Musiche: Marcelo Zarvos 

Scenografia: Rusty Smith 

Costumi: Suttirat Anne Larlarb 

Produttore esecutivo: Michael Flynn 

Co-produttore:Roz Weisberg 

Direttori di produzione: Manon Bougie, Michael Flynn 

Casting: Sarah Finn, Andrea Kenyon, Randi Wells 

Aiuti regista: George Bamber, Richard L. Fox, Caroline Landry, 

Evelyne Renaud, Andrew M. Robinson 

Operatori: Francois Archambault, Geoffroy Beauchemin, 

Mathieu Charest, Alfonso Maiorana 

Art director: Jean-Pierre Paquet 

K 

yle è un arrogante, bellissimo e 

ricco ragazzo che frequenta un 

liceo d’elite. Attualmente è impegnato 

nella campagna elettorale per farsi 


Moon, un omaggio alla science fiction degli 

anni Settanta-Ottanta, riconferma il notevole 

talento dietro la macchina da presa 

con una nuova pellicola: Source Code. 

Il titolo non è particolarmente accattivante, 

la trama, impregnata di fisica quantistica, 

lo è ancor meno, eppure sono sufficienti 

un paio di secondi per entrare nell’universo 

cervellotico di Jones e rimanere-felicemente- 

intrappolati in un’avventura 

surreale. 

Il regista, infatti, ha la rara abilità di 

fondere gli elementi di genere con un velato 

lirismo filosofico che, nel divenire, 

costituisce la vera anima della pellicola. 

Non a caso il protagonista, un bravissimo 

Jack Gyllenhaal, viene portato sì in 

una dimensione anonima fuori dal tempo 

e dallo spazio, ma contemporaneamente 

in un posto che esalta ogni singolo 

istante del suo vissuto in un crescendo 

di domande dalla risposta semplicemente 

abbozzata. 

Il non-luogo, gli estranei e, soprattutto, 

il pericolo imminente diventano così il 

pretesto per un analisi profonda, smarcata 

da ogni banalizzazione, dell’esistenza 

stessa. 

I meccanismi emotivi, si può ben dire, 

hanno la meglio sulla matematica che inesorabilmente, 

dopo una lotta sfiancante, 

eleggere Presidente del Comitato Verde. 

Per lui, è solo un gradino in più per la sua 

popolarità: non gli interessa realmente la 

condizione del pianeta. Apparentemente 

35 

esce di scena a un passo dalla conclusione 

deliziosamente imperfetta. 

Volendo essere pignoli questo è l’unico 

vezzo che si concede Jones: il finale aperto. 

Proprio nel momento in cui la x trova la 

collocazione ideale nei complessi calcoli di 

analisi, infatti, viene fatta crollare ogni razionalità 

per lasciare spazio a una “sbavatura” 

di troppo. Eppure la trama, fino a quel 

momento rigorosa, non perde di forza, anzi 

se possibile ne acquista di nuova, offrendo 

allo spettatore l’opportunità di analizzare 

soluzioni fino a quel momento ignorate. 

È indiscutibile: dietro a Source Code c’è 

tecnica e soprattutto amore per il cinema 

stesso. Jones, infatti, nonostante la giovane 

età, non si lascia condizionare dalla voglia 

di sconvolgere che anima i suoi coetanei, 

ma dimostra di aver studiato e di saper personalizzare 

la lezione dei maestri del passato 

creando lavori stilisticamente impegnati, 

ma, allo stesso tempo, di facile fruizione. 

Che aggiungere? Il ragazzo ha stoffa, 

se non si lascerà incantare dalle “sirene” 

di Hollywood, potrà tranquillamente riprendersi 

il suo vero cognome Bowie senza 

venire ogni volta associato al più famoso 

padre. E questo, per un figlio d’arte con un 

po’ di talento, vale più di un Oscar. 


Supervisore art director: Isabelle Guay 

Trucco: Annick Chartier, Jamie Kelman, Fanny Vachon 

Acconciature: Sandro Di Gioacchino, Corald Giroux, Gaétan 

Landry 

Supervisore effetti speciali: Ryal Cosgrove 

Supervisore effetti visivi: Kevin Quatman 

Coordinatori effetti visivi: Sarah Barber, Paulina Kuszta 

Supervisore costumi: Blanche-Danielle Boileau 

Supervisore musiche: Linda Cohen 

Interpreti: Alex Pettyfer (Kyle), Vanessa Hudgens (Lindy), Peter 

Krause (Rob), Mary-Kate Olsen (Kendra), Lisa Gay Hamilton 

(Zola), Dakota Johnson (Sloan), Neil Patrick Harris (Will), Erik 

Knudsen (Trey), Karl Graboshas (insegnante), David Francis 

(dottor Davis), Steve Godin (Junkie), Gio Perez (Victor), Roc 

LaFortune (padre di Lindy), Miguel Mendoza (fratello di Victor), 

Julie Dretzin (assistente di Rob), Justin Bradley, Shannon 

Buckel (studenti), Cristina Franco, Lydia Moore, Jonathan 

Dubsky, Rhiannon Moller-Trotter 

Durata: 86’ 

Metri: 2360 

freddo e distaccato, Kyle disdegna i brutti 

e coloro che non curano il proprio aspetto 

fisico; in realtà, è un ragazzo infelice, il cui 

padre, importante anchorman tv, lo lascia

sempre da solo a casa con Zola, governante 

extracomunitaria come unica compagnia. 

Completamente differente da lui è la compagna 

di classe Lindy, che ama interessarsi alla 

natura e all’ambiente; dolce e sensibile, si 

occupa sempre del padre tossicodipendente. 

Kyle vince le elezioni. Kendra giovane ragazza 

dark, che tutti sospettano essere una 

strega, non ama i comportamenti del giovane. 

Nonostante questo, tenta di dargli una 

seconda possibilità al ballo del Comitato Verde. 

Kyle noncurante dei poteri di Kendra, la 

deride davanti a tutti. A quel punto Kendra 

rivela la sua vera natura di fata. Per fargli 

comprendere che la bellezza non è tutto, gli 

lancia una maledizione: il suo corpo viene 

ricoperto di tatuaggi e piercing che gli deformano 

l’aspetto e resta totalmente calvo. 

Kyle avrà un anno di tempo per trovare una 

persona che lo ami per come è dentro. Il padre, 

non credendo nella magia, lo porta da 

tutti i chirurghi plastici per cercare di farlo 

operare, ma tutti danno lo stesso responso: 

sono interni alla pelle per cui impossibili da 

eliminare. Il padre vergognandosene lo abbandona 

in uno splendido appartamento, 

dove, a fargli compagnia, c’è la governante 

e il simpatico e saggio istitutore cieco Will. 

Kyle si rende conto che in realtà i suoi amici 

lo frequentavano solo per i suoi soldi. Inizia 

così a interessarsi alle vite degli altri. Incuriosito 

dal ricordo di Lindy, l’unica che non 

gli ha mai sparlato alle spalle, decide di seguirla 

di nascosto. Una sera, pedinandola, 

scopre che il padre della ragazza è minacciato 

da una coppia di fratelli spacciatori, a 

cui deve dei soldi. Lindy resta ferita nel difendere 

il padre, che intanto ha ucciso uno 

dei due spacciatori. Kyle, che inizia a nutrire 

un sentimento per la ragazza, stipula un 

patto con il padre: vista la minaccia dello 

spacciatore che medita vendetta per la morte 

del fratello, lui si prenderà cura della ragazza 

che dovrà restare per sempre segregata 

in casa sua. Lindy, frustrata e arrabbiata, 

va a vivere da Kyle che si farà chiamare 

Hunter per non farsi riconoscere. Le reticenze 

iniziali della ragazza, lasciano man mano 

spazio alla curiosità e la compassione verso 

il suo strano carceriere. Kyle, aiutato da Zola 

e Will, cerca di conquistarla: si è realmente 

innamorato di lei. Il tempo stringe, l’anno 

sta per scadere e Kyle chiede più tempo a 

Kendra, che rifiuta. Lindy, intanto, inizia a 

innamorarsi di lui, che finalmente è cambiato 

nell’animo. Proprio mentre stanno per 

baciarsi, arriva una telefonata importante: 

il padre è in overdose e lo spacciatore è stato 

arrestato. Non avendo cuore di lasciarla prigioniera 

con sé, Kyle la lascia andare dandole 

una lettera in cui le dice che la ama. 

Quando il padre si riprende, Lindy cerca di 

mettersi in contatto con lui; pensando di non 

essere ricambiato, Kyle non risponde alle sue 

telefonate. È l’ultimo giorno della maledizione 

e Lindy sta per intraprendere il tanto 

sospirato viaggio a Matchu Pitchu. Spinto 


dai suoi amici, Kyle la raggiunge in aeroporto 

e le dice nuovamente che la ama. I due 

si baciano, ma ormai l’anno è scaduto. Mentre 

lei sta per entrare nell’aereo si volta e gli 

dice che lo ama. Nonostante il tempo sia scaduto, 

Kendra chiude un occhio e lo libera 

dall’incantesimo. I due ragazzi sono liberi 

di amarsi. Inoltre, Kyle riesce tramite Kendra 

a far avverare i sogni dei suoi amici: Zola 

riceve la carta verde per la sua famiglia e 

Will riacquista la vista. 

L 

a favola di La Bella e La Bestia 

ha da sempre il suo indiscusso 

fascino. In qualsiasi epoca la si 

ambienti, in qualsiasi modo la si interpreti, 

è sempre indimenticabile. Beastly, tratto dall’omonimo 

romanzo di Alex Flinn e girato dal 

regista Daniel Barnz, non fa eccezione. Anzi, 

Barnz riesce persino a migliorare il romanzo, 

laddove l’autrice languiva di situazioni o 

non riusciva a sfruttare al meglio il potenziale 

della storia. Qui siamo nell’ambito urban, 

più precisamente nella New York dei nostri 

giorni. Kyle è il tipico adolescente che ama 

la bellezza e il successo. Si alza la mattina e 

fa le flessioni; persino la sua campagna elettorale 

si fonda sull’esteriorità e il ribrezzo per 

i brutti. Dentro di sé, però, c’è ben altro; solo 

che gli resta più facile non mostrarlo. Solo e 

con un anchorman famoso come padre, si 

cresce praticamente da solo; è proprio il padre 

ad avergli insegnato tutto quello che è e 

che si rivelerà un grosso errore. Il sentirsi 

brutto e la vicinanza di Lindy, generosa e 

gentile ma non stupida, contribuiscono a fargli 

comprendere e cogliere il bello dentro di 

sé. Interessante la scelta di come rappresentare 

la bestia. Assieme al regista, l’ad- 

Francia/Germania/Italia, 2011 

36 

detto agli effetti speciali Tony Gardner, che 

ha esordito nel video Thriller di Michael Jackson, 

ha deciso di lavorare su una Bestia che 

andasse contro tutti gli stereotipi. Via i vecchi 

cliché di corna e la folta pelliccia. Il corpo 

di Kyle si ricopre di tutto ciò che ha sempre 

odiato: piercing e tatuaggi. Persino al posto 

delle sopracciglia gli vengono incise le due 

parole che più usava per additare i brutti: suck 

e embrace. Interessante anche il personaggio 

della fata – strega Kendra, che diventa 

una ragazza in chiave dark e che sfoggia 

più completi gotici, con tanto di tacco dodici. 

Gli attori Alex Pettyfer, Vanessa Hudgens e 

Mary – Kate Olsen, pur essendo giovani 

sono tutti bravi e riescono a sostenere le 

quasi due ore di film; non male anche Neil 

Patrick Harris, che interpreta l’insegnante 

cieco, a cui sono affidate tutte le parti comiche. 

Come il precedente e recente Cappuccetto 

Rosso Sangue, Beastly segue l’attuale 

moda di rimodernare le classiche favole 

per farle conoscere alle generazioni più giovani. 

In questo caso, l’esperimento è riuscito. 

L’atmosfera romantica, il gioco fra i due 

personaggi principali e duetti comici sono 

ben calibrati e dosati. La sceneggiatura non 

tocca sicuramente picchi di elevata estrosità, 

ma ha comunque la sua dignità. Il messaggio 

della storia, è sempre quello: la bellezza 

esteriore non è tutto, bisogna coltivare 

il nostro carattere, la nostra cultura, il nostro 

cervello. Mai come in questa epoca, fatta di 

ossessioni sul peso, di disturbi alimentari, di 

stress da bisturi e ricerca ossessiva di fama, 

messaggio è più azzeccato. E non solo per i 

più giovani. 

MICHEL PETRUCCIANI BODY & SOUL 

(Michel Petrucciani) 


Regia: Michael Radford 

Produzione: Gunnar Dedio, Martina Haubrich, Serge Lalou,Bruce Marks, Andrea 

Stucovitz per Les Films d’Ici/Looks Filmproduktionen/Partner Media Investment/Liaison 

Films/arte France Cinéma/Eden Joy Music/Noa Noa Film 

Distribuzione: PMI Distribuzione 


Soggetto e sceneggiatura: Michael Radford 

Direttore della fotografia: Sophie Maintigneux 

Montaggio: Yves Deschamps 

Direttori di produzione: Sascha Lienert, Gilana Lobel, Réjane Michel 

Aiuto regista: Victoire Gounod 

Trucco: Delphine Birarelli 

Suono: Olivier Le Vacon 

Interpreti: Michel Petrucciani (immagini di repertorio), Alexandre Petrucciani, Aldo 

Romano, Frank Cassenti, Joe Lovano, John Abercrombie, Charles Llyod, Francis 

Dreyfus, Ron McClure (se stessi) 

Durata: 90’ 

Metri: 2480

1 

962. Michel Petrucciani nasce in 

un paesino della provincia francese. 

Un minuto dopo la sua 

venuta al mondo, le sue ossa sono già in frantumi: 

l’osteogenesi imperfetta da cui è afflitto, 

infatti, lo rende fragilissimo sin dalla nascita 

e segna per sempre la sua vita. Michel, 

troppo delicato per frequentare la scuola 

come i suoi due fratelli, dalla statura decisamente 

inferiore rispetto alla norma, e dal 

fisico deformato dalla malformazione congenita, 

cresce per lo più in casa, ma sembra 

non patire la sua natura “diversa” rispetto 

agli altri. Alla vista di un pianoforte, 

all’età di quattro anni, decide che quello è 

ciò cui vuole dedicarsi. Al pianoforte spenderà 

quindi la sua vita, e attraverso il pianoforte 

esprimerà la sua natura speciale. 

Se inizialmente Michel si esibisce con il 

complesso del padre, pian piano emerge la 

sua bravura e acquista popolarità. L’incontro 

con Kenny Clarke, di cui sostituisce il 

pianista nel tour in Francia , segna l’inizio 

di una carriera internazionale. Dopo aver 

accompagnato anche il sassofonista Lee 

Konitz, nel 1981 Petrucciani vola a Big Sur, 

in California, sposa la sua prima moglie e 

viene notato da Charles Lloyd, che lo invita 

a diventare membro del suo quartetto. Tre 

anni dopo, con il gruppo di Lloyd, da Big 

Sur Michel approda al Blue Note, tempio 

del jazz di New York. L’avventura nella 

Grande mela gli farà incontrare la sua seconda 

moglie e lo consacrerà sull’altare 

della musica. Durante una tournèe successiva, 

Michel si innamorerà di quella che 

diverrà la sua terza moglie, madre del suo 

unico figlio (anche lui affetto dalla stessa 

malattia del padre). 

La carriera di Petrucciani continua 

collaborando con nomi del calibro di Dizzy 

Gillespie, Jim Hall, Wayne Shorter, Palle 

Daniellson, Eliot Zigmund, Eddie Gomez 

e Steve Gadd. 

Michel Petrucciani, che nonostante la 

sua condizione fisica “speciale” vuole vivere 

esattamente come i suoi compagni di 

avventura, sperimentando tutto, provando 

tutto, muore nel 1999 a New York, in seguito 

alle complicazioni di una banale influenza, 

contratta per la testardaggine di 

voler andare a festeggiare un capodanno 

camminando al freddo nella neve. 

I 

l regista Michael Radford firma un 

documentario sulla vita intensa e 

decisamente fuori dal comune di 

uno dei più grandi protagonisti della scena 

del jazz. Lo fa raccogliendo video dei concerti, 

interviste a parenti, amici e colleghi, 

filmati di repertorio, ma non solo. Radford inquadra 

il personaggio di Petrucciani lasciando 

parlare lo stesso protagonista: gli spezzoni 

in cui Michel parla guardando in macchina 

in alcune interviste rende autentico il 

racconto perché svelano il carattere deter- 


minato, orgoglioso, arrogante, sensibile e generoso 

del grande pianista. La costruzione 

filmica, infatti, inanella una dietro l’altra le 

diverse versioni di una stessa vicenda, mostrando 

come Michel avesse l’abitudine di 

ingigantire o modificare a suo piacimento i 

racconti su di lui e come lo stesso avvenimento 

venisse vissuto in modo diverso da 

Michel e da chi gli stava accanto. 

Body&soul testimonia efficacemente in 

immagini e musica la vicenda esistenziale 

di un uomo condannato dall’handicap a 

essere diverso, ma che è stato capace di 

fare della propria diversità un vantaggio, 

dedicandosi anima e corpo a coltivare quel 

talento che gli avrebbe permesso di non 

vivere di rimpianti. 

La testardaggine con cui Michel Petruc- 

IL PEZZO MANCANTE 

Italia, 2010 

37 

ciani vuole suonare, con cui vuole essere 

sul palco, con cui vuole vivere il più possibile 

e provare tutto (foss’anche l’alcool o le 

droghe che, in quel periodo storico e in quell’ambiente, 

provavano tutti), lo rendono un 

personaggio decisamente attraente, ammirabile, 

ma a tratti anche detestabile, quando 

la voglia di vita sconfina nell’egoismo (sconcerta 

la volubilità con cui cambiasse moglie). 

Il film è un tributo a un grande jazzista 

costretto in un corpo inadeguato, un omaggio 

alla magnanimità d’animo che può travalicare 

i limiti imposti dal fisico, un collage 

dei momenti salienti della vita di Petrucciani 

consegnata al grande schermo al ritmo 

incostante, raffinato e sorprendente del jazz. 

TIZIANA VOX 

Regia: Giovanni Piperno 

Produzione: Gabriella Buontempo, Massimo Martino, Maria Teresa Tringali per Goodtime 

Distribuzione: Cinecittà Luce 


Soggetto e sceneggiatura: Giulio Cederna, Giovanni Piperno 

Direttori della fotografia: Giovanni Piperno, Raoul Torresi 

Montaggio: Paolo Petrucci 

Musiche: Rinneradio 

Direttore di produzione: Isabella Manzollino 

Suono: Maximilien Gobiet 

Interpreti: Gelasio Gaetani Lovatelli, Taki Theodoracopulos, Vendeline Von Bredow, 

Giulia Graglia, Nicola Lazzari, Marella Caracciolo Chia, Giovanni Sanjust Di Teulada, 

Klaus Von Bulow, Afdera Franchetti, Ira Von Fürstenberg, Marco Bava, Pietro 

Perotti, Marco Bernardini, Marta Vio, Daphne Vio Ninchi, Bert Hellinger, Giuseppe 

Lancia, Roberto Prinzio 

Durata: 71’ 

Metri: 1960

L I 

a disponibilità di Gelaso Gaetano 

Lovatelli, grande amico di 

Edoardo Agnelli, ha permesso al 

regista Giovanni Piperno la composizione 

di questo documentario con spezzoni 

originali d’archivio, scarne interviste e, 

appunto, tanti ricordi di famiglia: la fondazione 

della FIAT negli ultimi anni 

dell’800, il potere del nonno Giovanni, la 

scarsa presenza della generazione successiva 

con le morti premature sia di Edoardo 

(padre di Gianni) che della moglie, il 

forte imprimatur della seguente che ha 

contribuito alla storia del ‘900 italiano 

con il comando determinato e l’intransigenza 

aristocratica del capofamiglia, 

Gianni Agnelli, l’Avvocato. 

Pubblico e privato collegati insieme da 

un unico filo che cuce ora l’uno ora l’altro 

dei settori, nella composizione di una storia 

lunga un secolo e che, volendo o non 

volendo, appartiene alla vita personale e 

alle svolte professionali e pubbliche di una 

nazione intera. 

Naturalmente, come sempre accade, 

tanta fortuna, tanta importanza e tanto denaro 

si sono accompagnati passo dopo passo 

a uguali dosi di dolore, rovesci e misteri 

che hanno costituito dei veri buchi neri 

nella storia della famiglia che il carisma, 

la riservatezza e la personalità di Gianni 

Agnelli non sono riusciti a coprire; questi 

potranno essere inquadrati nella giusta ottica 

forse tra molti anni, grazie all’aiuto 

che solo può fornire un forte distacco temporale 

e sentimentale. 


pezzi mancanti a cui fa riferimento 

il titolo risultano certamente più 

d’uno man mano che l’accostamento 

alle vicende degli Agnelli si fa più accurato, 

nel tentativo di approfondirne problematiche 

e dubbi. A cominciare da Giorgio, 

fratello di Gianni, figura controversa e disturbata, 

sensibile, avulsa dall’obligato sviluppo 

centrale della famiglia, sicuramente 

ammalato ma quanto?, schizofrenico sembra, 

quindi allontanato poi rinchiuso in una 

clinica svizzera per malattie mentali e lasciato 

morire di nascosto, dimenticato, comunque 

rimosso, oggetto di un tabù, alla 

cui totale chiusura hanno contribuito tutti i 

componenti della famiglia, a cominciare da 

Gianni e Susanna. 

Probabilmente il pezzo mancante che 

il titolo considera in maniera primaria è Edoardo, 

figlio di Gianni (effettivamente il telaio 

portante di tutto questo lungo racconto cinematografico), 

un tempo erede designato 

a sostenere i compiti della continuità dinastica, 

poi sempre più tormentato e lontano 

dal progetto industriale per il quale dimostrò 

presto l’assoluta inconsistenza manageriale, 

preferendo agli obblighi del nome 

la strada della spiritualità, dell’islamismo, 

molto probabilmente delle droghe fino all’isolamento 

completo e al suicidio. 

E comunque il significato del pezzo che 

manca può essere riferito in linea generale 

all’erede che è mancato, nel nome, nel 

disegno dinastico e progettuale di Gianni 

Agnelli, essendo il suicidio di Edoardo successivo 

di soli tre anni alla morte tristissi- 

NOI, INSIEME, ADESSO-BUS PALLADIUM 

(Bus Palladium) 

Francia, 2010 

Regia: Christopher Thompson 

Produzione: Cyril Colbeau-Justin, Jean-Baptiste Dupont per 

LGM Productions/Studio Canal/France 3 Cinéma 

Distribuzione: Bolero Film/Brave Film 


Soggetto e sceneggiatura: Christopher Thompson, Thierry 

Klifa 

Direttore della fotografia: Rémy Chevrin 

Montaggio: Célia Lafitedupont 

Musiche: Yarol Poupaud 

Scenografia: Emmanuelle Duplay 

Costumi: Emmanuelle Youchnovski 

Produttore esecutivo: David Giordano 

Casting: Brigitte Moidon 

Aiuti regista: Emilie Cherpitel, Mathieu Thirion 

Operatore: Éric Brun 

Arredatore: Emmanuelle Duplay 

38 

ma di quello che sarebbe stato l’erede ufficiale, 

Giovannino, figlio di Umberto, a soli 

trentatre anni. 

Per Piperno è centrale questo fatto; 

come la storia degli Agnelli degli ultimi decenni 

sia stata schiacciata sotto il peso di 

questo desiderio immane, anche se sacrosanto: 

riuscire a individuare e avere 

l’erede che potesse accogliere nelle sue 

braccia il peso e la grandezza di una dinastia 

da traghettare verso i traguardi industriali, 

esistenziali e societari del nuovo 

millennio. Così non è stato e ciò ha 

certamente contribuito a confinare la famiglia 

in una lontananza siderale, spoglia 

di sentimenti e desideri. A tutto ciò si accompagna 

l’andamento del film, fatto soprattutto 

di tanti dubbi e interrogativi e 

basato su tante ipotesi e risposte date in 

solitudine, quasi sussurrate. 

A un giornalista che gli faceva questa 

domanda: “Ha mai desiderato di avere o 

fare qualcosa che non è riuscito a fare?” 

Edoardo non ha risposto. I suoi occhi hanno 

risposto per lui: uno sguardo spesso, 

scuro, incredibilmente duro e spietato, 

così lontano dalla sensibilità sempre dimostrata 

verso tutto e tutti, una fissità indecifrabile 

verso qualcosa che solo lui 

vedeva e che a lui è mancata. Forse questa 

è una chiave possibile per squarciare 

l’enigma; Piperno lo ha capito senz’altro, 

a questo si è affidato per la conduzione 

del film. 


Trucco: Laurence Grosjean, Irène Jordi 

Acconciature: Loli Avellanas, Jane Milon 

Supervisore effetti speciali: Grégoire Delage 

Supervisore effetti visivi: Stephane Bidault 

Suono: Cyril Moisson 

Interpreti: Marc-André Grondin (Lucas), Arthur Dupont (Manu 

Pedraza), Elisa Sednaoui (Laura), Géraldine Pailhas (Prune 

Angelli), François Civil (Mario), Jules Pelissier (Jacob), 

Abraham Belaga (Philippe), Karole Rocher (Françoise, madre 

di Manu), Dominique Reymond (Marina, madre di Lucas), 

Naomi Greene (Rizzo), Noémie Lvovsky (Psy Militare), Solange 

Najman (Babcia), Agathe Bonitzer (Myriam), Zara Prassinot 

(Sandra), Katinka Ostasenko-Bogdanoff (Katinka), Clara 

Ponsot (Nathalie), Xavier Pottier (Fifi) 


Metri: 2740

“ 

C 

he cos’è il rock? Il rock è noi, 

insieme, adesso!”. È quello che 

dice Manu, il cantante dei Lust, 

la giovane band nata dalla passione per 

la musica rock di cinque amici fraterni: 

Manu, Lucas, Philippe, Mario e Jacob. Inquadrato 

dalla cinepresa Super8 nel viaggio 

verso la prima tappa della loro prima 

tournée, Manu è il vero leader di una band 

cresciuta con il grande rock. Sono gli anni 

’80, è il periodo di David Bowie e dei Rolling 

Stones e i Lust sono una giovane rock 

band francese molto promettente. Tra di 

loro anche un altro leader, Lucas il chitarrista, 

che è rientrato da Londra, dove aveva 

lavorato come architetto, proprio per 

realizzare il suo sogno insieme agli amici. 

Lucas è il migliore amico di Manu, con il 

quale trascorre notti intere sul tetto del suo 

studiolo a parlare e a comporre testi e 

musica per il loro gruppo. Il successo incomincia 

a non sembrare tanto lontano, 

soprattutto quando Mario, diventato il loro 

manager, trova un ingaggio per suonare 

dal vivo al Bus Palladium, celebre locale 

di Pigalle. Qui vengono notati da un’impresaria, 

che offre loro di incidere il loro 

primo EP. Ma quella è anche la sera in cui 

Lucas e Manu notano la stessa ragazza, 

Laura, che comincia una storia col cantante, 

ma nel frattempo continua a lanciare 

sguardi all’altro. A incombere sul loro 

BORIS – IL FILM 

Italia, 2010 

Regia: Giacomo Ciarrapico, Mattia Torre, Luca Vendruscolo 

Produzione: Mario Gianani, Lorenzo Mieli per Wildside in collaborazione 

con Rai Cinema/Sky Cinema 



Soggetto: tratto dall’omonima serie TV 

Sceneggiatura: Giacomo Ciarrapico, Mattia Torre, Luca Vendruscolo 

Direttore della fotografia: Mauro Marchetti 

Montaggio: Massimiliano Feresin 

Musiche: Giuliano Taviani, Carmelo Travia. Musiche eseguite 

dalla Czech National Symphony Orchestra 

Scenografia: Michele Modafferi 

Costumi: Fiorenza Cipollone 

Produttori esecutivi: Olivia Sleiter 

Direttore di produzione: Andrea Tavani 

Casting: Stefania Rodà 

Aiuti regista:Giuseppe Bonito, Emanuele Tammaro 

Operatore:Timoty Aliprandi 

Operatore steadicam: Manuel Incagnoli 

Coordinatori effetti speciali: Tiberio Angeloni, Franco 

Galiano 


successo e sui loro rapporti anche la droga. 

Proprio a causa di una overdose, Manu 

sarà costretto a rimanere in ospedale per 

qualche giorno. Nonostante l’avvicinamento 

tra Lucas e Laura, la ragazza deciderà 

prima di rimanere con Manu, poi di lasciarlo 

per diventare la groopie di una 

band più famosa di loro. Ma ormai i ragazzi 

sembrano sempre più presi ognuno 

dai propri problemi e dalle proprie aspirazioni; 

il destino dei Lust sembra ormai 

segnato. Solo qualche anno dopo, la band 

si ritroverà unita al funerale di Manu. Sarà 

allora che, anche grazie al ritorno di Lucas 

dall’Inghilterra, la band deciderà di 

riunirsi e continuare a inseguire il sogno 

del successo. 

A 

nni ’80, musica, droghe, gioventù 

e tanti sogni. Sono questi i temi 

principali intorno ai quali gira Noi, 

insieme, adesso - Bus palladium, il film 

d’esordio dietro la macchina da presa dell’attore 

e produttore inglese Christopher 

Thompson. Un film da cui ci si aspetterebbe 

di trovare il grande rock di quegli 

anni, sullo sfondo di storie di amicizie e 

di amori. Ma non è così. Non è un film per 

nostalgici rockettari né per i ventenni di 

oggi, che potrebbero trovare in questa 

pellicola l’occasione per vedere come vivevano 

i loro coetanei trent’anni fa. Noi, 

39 

insieme, adesso - Bus palladium, come 

si evince già dal titolo, è un film che racconta 

l’amore e l’amicizia, ma non sullo 

sfondo del grande rock, piuttosto dei conflitti 

familiari, della droga, delle insicurezze 

giovanili che riguardavano i ragazzi 

degli anni ’80 esattamente come potrebbe 

essere per qualsiasi ragazzo di oggi 

in qualunque parte del mondo. Seppur 

non particolarmente originale nella storia 

e nella caratterizzazione dei ruoli, ciò 

che comunque colpisce di questo film è 

la chiara volontà del regista di raccontare 

i suoi personaggi. La storia ruota intorno 

all’amicizia tra Manu (Arthur Dupont) e Lucas 

(Marc-André Grondin), che inizia a incrinarsi 

l’arrivo di Laura (Elisa Sednaoui). 

I due ragazzi rappresentano due personalità 

differenti e incompatibili, unite solo 

da una passione, quella per la musica. 

Sono tanti i cliché che purtroppo costellano 

il film del regista inglese, anche nell’estetica 

dei personaggi (Manu, ad esempio, 

sembra un po’ troppo una sorta di Jim 

Morrison francese), eppure il risultato finale 

è gradevole nel suo insieme. E semmai 

non piacesse il film, si potrà sempre 

dire di aver ascoltato una bella colonna 

sonora con brani degli Stonses, di Bowie 

e dei Doors. 


Suono: Filippo Porcari, Federica Ripani 

Canzoni estratte: “Pensiero stupesce” di Elio e Le Storie Tese; 

il brano “La vita è bella” di Nicola Piovani 

Interpreti: Francesco Pannofino (Renè Ferretti), Carolina Crescentini 

(Corinna), Caterina Guzzanti (Arianna Dell’Arti), Alessandro 

Tiberi (Alessandro), Antonio Catania (Diego Lopez), 

Pietro Sermonti (Stanis), Ninni Bruschetta (Duccio Patanè), 

Alberto Di Stasio (Sergio), Paolo Calabresi (Biascica), Carlo 

De Ruggieri (Lorenzo), Roberta Fiorentini (Itala), Luca Amorosino 

(Alfredo), Valerio Aprea (Aprea), Massimo De Lorenzo 

(Max), Andrea Sartoretti (Zachia), Giorgio Tirabassi (Glauco), 

Paolo Bessegato (Emilio Baranes), Massimo Popolizio (Massimo), 

Claudio Gioè (Francesco Campo), Thomas Trabacchi 

(Fabio Carli), Eugenia Costantini (Cristina), Vanni De Lucia 

(Dante Milonga), Rosanna Gentili (Marilita Loy), Monica Samassa 

(Carolina De Luca), Vanessa Compagnucci (Elisabetta), 

Massimiliano Bruno (Martellone), Adelmo Togliani (Tullio), 

Karin Proia (Karin), Federico Pacifici (Brusini), Lavinia Biagi 

(Giovanna), Ivan Urbinati (comico), Barbara Folchitto (giornalista) 


Metri: 2960

“ 

Q 

uesta è la storia di un regista e 

della sua troupe… Il regista è un 

uomo che sogna il cinema fin da 

bambino”. 

Renè Ferretti ha fatto sempre tanta te- 

levisione, in particolare fiction di basso livello, 

soprattutto a causa delle ridotte capacità 

professionali della sua troupe artistica, 

di quella tecnica e della produzione. 

Un giorno però, di fronte alla richiesta di 

girare un rallenti del giovane Ratzinger che 

corre per i prati, Ferretti decide di lasciar 

perdere tutto e tutti. Rinchiuso in casa insieme 

allo stagista Alessandro, a cui affitta 

una stanza, e al suo fedelissimo pesce rosso 

Boris, Renè passa le giornate sul divano o 

al cinema a vedere assurdi cinepanettoni. 

Di tanto in tanto, incontra i suoi vecchi 

amici, da Biascica (e famiglia) ad Arianna 

(l’assistente alla regia), tutti gli chiedono 

di ritornare a lavorare insieme, ma Ferretti 

si rifiuta sempre. Almeno fin quando Sergio 

-amico e produttore- gli propone un grande 

progetto: girare insieme il film La Casta, 

l’adattamento cinematografico del famoso 

best-seller. Per Renè arriva il momento della 

svolta; finalmente può lavorare a una pellicola 

impegnata, finalmente può fare cinema 

d’autore, dopo tanta brutta televisione. 

Ferretti ha poche settimane per scrivere 

la sceneggiatura prima che inizino le riprese. 

Dopo aver cercato disperatamente qualche 

buon scrittore, si vede costretto a lasciare 

tutto nelle mani dei tre sceneggiatori con i 

quali ha lavorato per la televisione. I tre si 

mettono al lavoro, ma questa volta sono super 

attrezzati! Lavorano alla sede di Sceneggiatura 

Democratica, serviti da un ragazzo 

filippino e con un campo da tennis all’interno 

della struttura, ma, soprattutto, hanno un 

team di giovani scrittori che lavora per loro. 

Quando Renè torna per leggere insieme la 

sceneggiatura resta quasi commosso. Intanto 

Sergio si è accordato con Lopez per la pro- 

A SUD DI NEW YORK 

Italia, 2010 


duzione e decide di organizzare una festa di 

inizio riprese, richiamando tutta la vecchia 

troupe, ma Renè, che questa volta è deciso a 

fare sul serio un buon lavoro, annuncia a tutti 

che non lavorerà più con loro. Vuole puntare 

al massimo. Tutti restano delusi e sconvolti 

dalla notizia e così la festa finisce. 

Ferretti inizia a scegliere il nuovo staff, 

dal direttore della fotografia, al tecnico del 

suono, dall’elettricista alla segretaria di 

edizione, compresi gli attori. Gli unici che 

resistono al cambio tecnico sono Arianna 

e Alessandro, mentre Stanis prova disperatamente 

a ottenere la parte di Gianfranco 

Fini che però non è neanche prevista 

dalla sceneggiatura. 

Iniziano le riprese e con esse i primi 

problemi per Renè: l’attrice incompresa, 

il direttore della fotografia che non lo 

ascolta, le bombe americane del set americano 

che si trova proprio accanto. Poi 

una sera, a fine riprese, Renè ascolta involontariamente 

una conversazione fra 

alcuni degli attori e dello staff che parlano 

male di lui e del suo Boris. La mattina 

seguente, sul set, Renè litiga con il direttore 

della fotografia e, uno a uno, manda via 

tutti, salvando soltanto l’attrice. È così che, 

in macchina, dietro la collina, si vedono 

arrivare -esultanti e carichi come sempre- 

Biascica, Duccio, Lorenzo e tutti gli altri. 

Si ricomincia! Di nuovo tutti insieme, 

questa volta però per il grande schermo e 

per un film d’autore. Renè è convinto di 

poterci riuscire, ma deve ricredersi: Stanis, 

Corinna (la cagna maledetta), Karin, e poi 

Duccio e tutti gli altri… Nessuno di loro è 

adatto per un film impegnato e alla fine 

anche Renè è costretto a cedere al sistema e 

realizza l’ennesimo cinepanettone. 

B 

Regia: Elena Bonelli 

Produzione: Claudio Lido Orlandini per Show Service Distribuzione: 

Show Service 


Soggetto e sceneggiatura: Elena Bonelli 

Direttore della fotografia: Blasco Giurato 

Montaggio: Yuri Zarabini 

Musiche: Sasà Flauto 

Scenografia: Cinzia Di Mauro 

Costumi: Graziella Pera 

oris nasce come serie tv prodotta 

da Fox nel 2007. Dopo l’enorme 

successo della prima stagio- 

40 

ne, dove Renè e la sua troupe lavorano 

alle riprese di “Gli occhi del cuore”, ne nascono 

una seconda e infine una terza. Sull’onda 

del successo e come giusto finale 

per la banda di Boris, nasce il film. 

Il cast è lo stesso della serie tv, così 

come gli sceneggiatori e i registi Giacomo 

Ciarrapico, Mattia Torre e Luca Vendruscolo 

. Anche la storia è più o meno la stessa: 

un regista pieno di entusiasmo alle prese 

con le difficoltà produttive che gli impediscono 

di realizzare lavori buoni, siano essi 

per la televisione o per il cinema. Un regista 

che deve competere con l’incapacità 

di alcuni uomini dello staff tecnico, con i 

problemi esistenziali degli attori, con la 

segretaria di edizione quasi alcolizzata, 

con il direttore della fotografia che non è 

più in grado di fare il suo lavoro, con uno 

stagista sfruttato e sottopagato. Un regista 

che, alla fine, come già accadeva nella 

serie tv, è costretto a cedere, a lavorare 

poco e male, a realizzare un prodotto poco 

culturale, poco elaborato, ma con un ottimo 

successo di pubblico. 

Un film divertente che ironizza, ma forse 

neanche troppo, sia sulle difficoltà di fare 

del buon cinema, sia sui gusti degli spettatori 

che a volte si accontentano di poco. La 

sceneggiatura e i dialoghi sono ben scritti, 

divertenti e mai volgari, come invece spesso 

accade nei famosi cinepanettoni, il cast 

è eccezionale, da Francesco Pannofino, a 

Ninni Bruschetta, da Pietro Sermonti a Paolo 

Calabresi, da Antonio Catania ad Alberto 

Di Stasio, da Caterina Guzzanti ad 

Andrea Sartoretti e tantissimi altri. 

Boris – Il film è godibile anche per chi 

non ha ancora mai visto la serie tv, ai quali 

però consiglio vivamente di rimediare, perché 

è davvero uno dei migliori prodotti televisivi 

degli ultimi anni. 


Operatore: Fabio Lanciotti 

Trucco: Frédérique Foglia 

Interpreti: Elena Bonelli (Jenny), Carmen Napolitano (Carmelina), 

Franco Neri (Nick), Francesco Paolantoni (Salvatore), Patrick 

Rossi Gastaldi (Ron), Gianfranco Gallo (Maciste), Luca Napolitano 

(Marco), Nunzio De Luca (Carmine), Marina Marchione 

(Monica), Gianluca Di Gennaro (Paolo), Federica Sammarco 

(Rosy), Fioretta Mari (Zia Alida) 

Durata: 85’ 

Metri: 2330

C 

armelina è una ragazza pugliese 

che sogna di fare la cantante, ma 

intanto è costretta a lavorare 

come cameriera in un piccolo bar dove, 

servendo tra i tavoli ogni giorno, canticchia 

le sue canzoni d’amore preferite. Anche 

il suo fidanzato Marco sogna di fare il 

musicista e insieme si danno sostegno per 

affrontare una vita piena di difficoltà, cantando 

e suonando ogni tanto insieme agli 

amici in un pub di paese. Intanto, dall’altra 

parte dell’oceano, a New York, vive 

Jenny (ma il suo vero nome è Gennarina) 

una cinquantenne di origine italiana che 

fa la talent scout nel mondo dello star system 

musicale. Nella città dove tutti i sogni 

sembrano possibili, Jenny invece ha 

perso tutto: il lavoro, il figlio che aspettava 

e il marito. Vedova e in difficoltà economiche, 

la donna prende il primo volo per 

l’Italia quando viene a sapere che un suo 

zio molto ricco è morto. La speranza di 

aver ereditato molti soldi, svanisce quando 

la donna scopre che lo zio le ha lasciato 

solo un mucchio di debiti e una vecchia 

automobile tutta rotta. Sempre più depressa 

e minacciata da uno strozzino che rivendica 

i soldi prestati allo zio morto, per 

Jenny sembra proprio che non ci sia una 

via d’uscita. Solo quando si trova per caso 

ad ascoltare la voce di Carmelina, la donna 

vede in lei la sua nuova speranza e decide 

di portarla negli Stati Uniti per lan- 

LIBERA USCITA 

(Hall Pass) 


Regia: Bobby Farrelly, Peter Farrelly 

Produzione: Mark Charpentier, Bobby Farrelly, Peter Farrelly, 

J.B. Rogers, Bradley Thomas, Charles B. Wessler per Conundrum 

Entertainment/New Line Cinema 

Distribuzione: Warner Bros. Pictures 


Soggetto: Pete Jones 

Sceneggiatura: Pete Jones, Peter Farrelly, Kevin Barnett, Bobby 

Farrelly 

Direttore della fotografia: Matthew F. Leonetti 

Montaggio: Sam Seig 

Scenografia: Arlan Jay Vetter 

Costumi: Denise Wingate 

Produttori esecutivi: Merideth Finn, Marc S. Fischer 

Co-produttori: Kris Meyer, John Rickard 

Casting: Rick Montgomery 

Aiuti regista: John Bonaccorse, Jessica Franks, Greg Guzik, 

Heidi Hinzman, J.B. Rogers, Gregory J. Smith 

Operatori: Marc Dobiecki, Jacques Jouffret, Mario Eugene 

Page 

Operatore Steadicam: Jacques Jouffret 

Art director: Dan Morski 

Arredatore: Cindy Carr 


ciarla nel mondo dello spettacolo. Letteralmente 

rimessa a nuovo, con un nuovo 

trucco e una nuova acconciatura, Carmelina 

sembra destinata sempre di più a sfondare 

nel mondo dello spettacolo. Tutto fila 

liscio, fino a quando però la scalata al successo 

della ragazza viene frenata improvvisamente 

da un fatto: il suo look è identico 

a quello della pop star Tina Sparrow. 

Intanto, mentre Carmelina tenta la sua fortuna 

a New York, Marco decide di partire 

anche lui per ritrovarla e dirle semplicemente 

che la ama, cosa che non le aveva 

mai detto. Ma saranno tanti i problemi che 

dovrà affrontare. 

S 

ullo sfondo di una New York rappresentata 

come la città dei sogni, 

il luogo in cui tutto è possibile, 

soprattutto diventare una star dello 

spettacolo, si muovono i personaggi di 

A Sud di New York, la commedia scritta e 

diretta dall’attrice romana Elena Bonelli. 

Attingendo al calderone dei reality show 

televisivi, che ormai da anni popolano anche 

le pagine delle riviste con le decine 

di personaggio più o meno talentuosi che 

ogni anno partecipano, il film della Bonelli 

racconta una storia prevedibile e a tratti 

molto scontata. Nei panni di Marco il giovane 

Luca Napolitano, star delle edizioni 

passate di Amici di Maria De Filippi. Concorrente 

della scuola televisiva più ama- 

41 

ta dai ragazzini, Napolitano sbarca al cinema 

come autore dell’intera colonna sonora. 

Decisamente poco male per un giovanissimo 

cantante frutto del successo di 

un programma televisivo. Ma al di là della 

professionalità della Bonelli, il film pecca 

nella recitazione, ancora, troppo acerba 

per i giovani protagonisti, e nella scelta di 

un’immagine un po’ eccessiva nel suo insieme. 

I colori troppo accesi e i look sono 

poco credibili, soprattutto nel caso di Carmelina 

(Carmen Napolitano) nei panni di 

una pop star esordiente. Dietro tutto questo, 

purtroppo, manca anche una sceneggiatura 

forte. La storia, ovviamente, mette 

in risalto le difficoltà che bisogna affrontare 

nella vita per raggiungere i propri 

obiettivi, i sacrifici che bisogna compiere 

e le rinunce da fare. Ma tutto ciò non 

solo sembra messo lì giusto perché “si 

deve fare”, ma sembra soprattutto molto 

semplice da superare e da risolvere. Non 

si può parlare di occasione perduta, anche 

perché le voci dei giovani cantanti 

meritano il giusto riconoscimento e Luca 

Napolitano, nonostante la sua ancora giovane 

carriera, dà prova di buone e promettenti 

capacità. Ciò che non piace, insomma, 

è il fatto che la musica non sia 

supportata da una sceneggiatura migliore 

e più strutturata. 


Effetti speciali trucco: Toby Sells, Lilo Tauvao 

Trucco: Sarah Mays, Susan Ransom, Denise Tunnell, Patty York 

Acconciature: Andrea C. Brotherton, Vanessa Davis, Shunika 

Terry 

Supervisore effetti speciali: Robert Vazquez 

Supervisore effetti visivi: Richard Malzahn 

Supervisore costumi: Hope Slepak 

Supervisori musiche: Manish Raval, Tom Wolfe 

Interpreti: Owen Wilson (Rick), Jason Sudeikis (Fred), Jenna 

Fischer (Maggie), Christina Applegate (Grace), Nicky Whelan 

(Leigh), Richard Jenkins (Coakley), Stephen Merchant (Gary), 

Larry Joe Campbell (Hog-Head), Bruce Thomas (Rick Coleman), 

Tyler Hoechlin (Gerry), Derek Waters (Brent), Alexandra 

Daddario (Paige), Rob Moran (Ed Long), Lauren Bowles 

(Britney), Christa Campbell (Emma), Macsen Lintz (Gunnar), 

Kristin Carey (zia Meg), Joy Behar (dottoressa Lucy), Landon 

T. Riddle (figlio di Ed), Halli-Gray Beasley (figlia di Ed), J.B. 

Smoove (Flats), Vanessa Angel (Missy), Andrew Wilson (Larry 

Bohac), Alyssa Milano (Mandy), Danny Murphy (Boshane), 

Al Wisne (Clyde), Susan Sandberg (dottoressa), Mike Meldman, 

Kaliko Kauahi Carly Craig 


Metri: 2880

R 

ick e Fred sono due mariti che 

hanno oltrepassato la trentina, e 

non riescono a tenere a freno il 

loro desiderio verso l’altro sesso, più precisamente 

verso tutte le donne che non siano 

le loro mogli, le quali dal canto loro 

gettano benzina sul fuoco, inventando quotidianamente 

le scuse più strampalate pur 

di non far nulla sotto le lenzuola, se non 

dormire. Così i due uomini vivono di ricordi, 

alimentando la propria ossessione 

e immaginando love stories con le donne 

dei loro sogni. Il culmine viene raggiunto 

durante un party a casa di un amico di famiglia, 

dove Fred e Rick, presi dai loro 

discorsi e annoiati dalla festa, si perdono 

all’interno della grande residenza, mentre 

il resto del gruppo si trova in un caveau 

insonorizzato da cui si ha l’accesso alle 

numerose telecamere presenti in casa. Così 

gli astanti osservano i due sbadati mariti 

lanciarsi in volgari sproloqui a sfondo sessuale 

sui proprietari di casa, e vengono 

immediatamente cacciati. 

Visibilmente scosse, le mogli di Rick e 

Fred, rispettivamente Maggie e Grace, si 

rivolgono a un’amica più grande di loro, 

la quale gli consiglia una cura infallibile: 

la libera uscita. 

Le donne fanno i bagagli e i due scapestrati 

hanno a loro disposizione una settimana 

per togliersi ogni cruccio, nella speranza 

di “guarire” e tornare alla normale 

vita matrimoniale. 

L’entusiasmo di Rick e Fred è alle stelle, 

tanto da comunicare immediatamente 

ai loro amici la stupefacente notizia. La 

comitiva così si riunisce, garantendo loro 

il supporto morale e sperando di ammirare 

una numerosa serie di avventure. 

Nonostante le buone premesse e la decisione 

di affittare una stanza d’albergo per 

non far entrare estranee nella propria casa, 

la prima serata si rivela un fiasco: una 

cena troppo pesante e la stanchezza accumulata 

convincono i due che forse è meglio 

concedersi un giorno di riposo e cominciare 

la “vida loca” il mattino seguente. 

La seconda giornata si apre in un circolo 

di golf, luogo frequentato da molte 

ragazze interessanti. Il loro amico Gary 

porta dei brownies al cioccolato farciti di 

marijuana, ma una degustazione esagerata 

provoca nel gruppo una totale perdita 

della lucidità, portandoli a compiere una 

serie di assurdità all’interno del circolo. 

La terza sera, Fred e Rick decidono di andare 

in un locale più adatto alla vita da 

single, però i loro stratagemmi risultano 

piuttosto antiquati per le giovani ragazze. 

Capiscono, pertanto, che la via migliore è 

ubriacarsi, azzerando così tutti i freni inibitori, 

ma, ancora una volta non si regola- 


no nelle quantità, e collezionano l’ennesimo 

insuccesso, oltre a una terribile sbronza 

che li costringerà ad un sonno profondo 

anche durante tutto l’arco della giornata 

seguente. Il quinto giorno le loro strade 

si dividono: Fred cerca la via più facile 

in un centro massaggi orientale, chiedendo 

alla giovane assistente dei favori sessuali, 

ovviamente rimediando l’ennesima 

gaffe, mentre Rick fa quasi di peggio, iscrivendosi 

alla palestra della bella Leigh, una 

cameriera di cui si è invaghito e con la 

quale è riuscito persino a concordare un 

appuntamento al termine dell’allenamento. 

Peccato, però, che Rick rovini il tutto 

addormentandosi nella vasca idromassaggio 

per delle ore. 

La sesta sera forse è quella giusta: c’è 

il gran ritorno di Coakley. Egli è un loro 

amico che ha superato i cinquanta, ma che 

è un noto playboy e una vera enciclopedia 

di tattiche da “rimorchio”. Coakley aiuta 

i due a farsi strada e Fred riesce persino a 

portare in albergo una ragazza piuttosto 

attraente, la quale però ha poi un terribile 

inconveniente di tipo intestinale. Subito 

dopo suona alla sua porta l’avvenenente 

Meg, zia della baby sitter dei figli di Rick, 

che a sua volta ha una cotta per quest’ultimo. 

Zia Meg, pur non avendolo mai visto, 

ha sentito parlar molto bene di Rick 

da parte di sua nipote e, vista la sua natura 

non propriamente casta, cerca di sedurlo. 

Quello che non può sapere è che davanti 

a lei ci sia invece Fred. Il vero Rick 

si trova a una festa, dove incontra Leigh e 

la convince a salire in una stanza, ma quando 

la bellissima ragazza si spoglia l’uomo 

inizia a pensare alla moglie e a come, nonostante 

la libera uscita questo sarebbe 

comunque un tradimento. Sale così subito 

in macchina di Fred dove riceve una telefonata 

da parte della polizia, che gli comunica 

che Grace ha fatto un incidente con 

la macchina. Nel frattempo, infatti, le loro 

mogli non sono rimaste a guardare e si 

sono godute la vacanza in compagnia di 

una squadra di baseball. Meggie sembra 

molto presa dall’allenatore, ma sul punto 

di concludere, comprende che, in realtà, 

questa settimana che hanno deciso di concedere 

ai loro mariti serviva probabilmente, 

in maniera inconscia, più a loro che non 

a Rick e Fred. Grace invece fa persino sesso 

con il giovane capitano della squadra, 

pentendosene amaramente subito dopo; 

sulla strada del ritorno, in lacrime e in 

preda alla disperazione, perde il controllo 

della sua vettura. 

Ricevuta la notizia, Rick torna si precipita 

in albergo dove trova Fred in compagnia 

di zia Meg, che scopre quindi la 

magagna e va su tutte le furie. Non appe- 

42 

na Rick comunica all’amico dell’incidente 

della moglie, questi si dirige all’ospedale, 

dove apprende che per fortuna la 

moglie sta abbastanza bene. Alla fine, come 

in ogni commedia romantica, tutto torna 

alla normalità, più o meno... 

L 

a commedia americana (e non 

solo) si è ormai persa all’interno 

di un vorticoso labirinto dove 

l’esorbitante sovraccarico di pellicole ha 

generato una tripudio di ridondanza tematica 

che non lascia spazi a novità. Uno dei 

prodotti più riusciti degli ultimi quindici anni 

è senz’altro Tutti pazzi per Mary, film scritto 

e diretto proprio dai Farrelly bros. I fratelli 

della Penssylvania hanno lì sostenuto 

un genere comico che, sulla base di contenuti 

lievemente finalizzati a una morale, 

creasse il giusto feeling con lo spettatore 

principalmente grazie a un gusto per il 

trash non oltremodo marcato, ma presente 

in quantità misurate: la volgarità giusta 

al momento giusto. Tale espediente torna 

con calibrato dosaggio anche in Libera 

uscita, ma qui a mancare è tutto il resto. In 

primo luogo, difetta di originalità, in quanto 

l’avvicinamento agli standard della commedia 

romantica risulta quanto mai pressante, 

e anche le stesse gag che dovrebbero 

dare brio e azione alle sfrontate avventure 

dei due mariti in “permesso”, scadono 

invece in una serie di banalità quasi 

riprovevoli e assai poco divertenti. 

Se si vuole trovare un pregio all’opera 

dei fratelli Farrelly possiamo invece disquisire 

di una efficace scorrevolezza a discapito 

di una trama che, nonostante sia appesantita 

da un trionfo di cliché, non annoia 

mai, pur se tantomeno si prende la 

briga di coinvolgere un pubblico decisamente 

stordito da tanta confusione. 

Analizzando poi più dettagliatamente 

il lavoro dei Farrelly si può passare a considerazioni 

maggiormente dirette sul significato 

intrinseco della Libera uscita. A finire 

sotto la lente clinica dei registi è l’ormone 

maschile sempre in subbuglio, e la tendenza 

mentale al tradimento, la voglia di 

evadere anche soltanto con la fantasia da 

quell’invalicabile prigione costituita da una 

fede nuziale, che genera disagi maggiori 

di quelli causati dall’anello della saga di 

Tolkien. Tutto sommato però il dito (l’indice, 

non l’anulare) di Peter e Bobby Farrelly 

finge solamente di puntare dritto al genere 

maschile, che, nonostante l’universale 

indole smargiassa e una sfilza di parole 

destinate a perdersi nel vento, ne esce con 

il disegno dell’eterno Peter Pan, con la 

coscienza pulita, anzi, con le ossa quasi 

rotte. Dietro questo specchio per le allodole 

si nasconde invece una velata incri-

minazione della moglie, troppo spesso 

pronta a giudicare gli sproloqui del marito 

e troppo presa a nascondersi dietro il ruolo 

della vittima per rendersi conto di quanto, 

in realtà, sia anche per lei così labile il 

confine tra fedeltà e tradimento; anzi, forse 

proprio per via di questo suo costante 

ripararsi dietro lo scudo, resta priva di difese 

non appena scopre leggermente la 

guardia. 

L’aspetto sfrontato ma al contempo 

goffo dei mariti in “libera uscita” viene ben 

Belgio/Lussemburgo/Francia, 2010 

Regia: Olivier Masset-Depasse 

Produzione: Jacques-Henri Bronckart, Olivier Bronckart per 

Versus Production/Iris Productions/Dharamsala/Prime Time 

Distribuzione: Archibald Film 


Soggetto e sceneggiatura: Olivier Masset-Depasse 

Direttore della fotografia: Tommaso Fiorilli 

Montaggio: Damien Keyeux 

Musiche: Lingo, André Dziezuk, Marc Mergen 

Scenografia: Patrick Dechesne, Alain-Pascal Housiaux 

Costumi: Magdalena Labuz 

Co-produttori: Antonino Lombardo, Isabelle Madelaine, Nicolas 

Steil, Arlette Zylberberg 

Direttori di produzione: Cyrille Bragnier, Jesus Gonzalez- 

T 

ILLEGAL 

(Illégal) 

ania, immigrata clandestina proveniente 

dalla Russia, vive in Belgio 

da otto anni con il figlio Ivan 

e lavora per un’impresa di pulizie. Fermata 

per strada dalla polizia che le chiede 

i documenti, la donna cerca di opporre resistenza. 

Tania viene condotta al commissariato 

dove non riescono a prenderle le 

impronte digitali perché ha i polpastrelli 

bruciati. Interrogata, la donna nega di avere 

un figlio. Portata in un centro di espulsione, 

Tania continua a rifiutarsi di fornire 

il suo nome. Parla al telefono con Ivan 

che ha lasciato alle cura dell’amica Zina 

e lo prega di non andare a trovarla. Un 

giorno, il bambino si presenta davanti al 

centro di detenzione: dalla finestra Tania 

lo manda via. Dopo 18 giorni, la donna 

viene condotta a un nuovo interrogatorio 

dove le dicono che se continua a rifiutare 

di dire il suo nome finirà in prigione. Tania 

parla con il suo avvocato che la informa 

che se non hanno prove a suo carico, 

come ad esempio documenti falsi, non possono 

perseguirla legalmente. La donna 


rappresentato dagli “scemo e + scemo” in 

versione light, ovvero la coppia Wilson - 

Sudeikis, nonostante il primo appaia (e 

questa è una novità) un po’ in debito d’ossigeno 

e annaspi, a volte, in mezzo al mare 

di gag, non riuscendo a essere troppo convincente. 

A tal proposito, è meglio evitare 

la versione italiana, in quanto la scelta del 

doppiatore di Owen Wilson risulta del tutto 

pessima e inspiegabile. 

Nel complesso la prova attoriale dell’intero 

cast artistico non rappresenta nul- 

subisce al telefono le minacce di un mafioso 

russo, Nowak, che la ricatta dicendole 

di voler far lavorare il figlio Ivan. Disperata, 

Tania implora Ivan di non lavorare 

per quell’uomo. Dopo l’ennesimo pressante 

interrogatorio, la donna dichiara la falsa 

identità dell’amica Zina e chiede asilo 

politico. L’avvocato ha scoperto che Tania 

nel 2002 aveva chiesto asilo in Polonia 

e le dice che dovrebbe tornare in quel 

paese: tutto è contro di lei. Dopo trenta 

giorni di reclusione, Tania viene informata 

che sarà rimpatriata a Varsavia l’indomani, 

ma Aïssa, una sua compagna di detenzione, 

la informa che non la potranno 

costringere. L’indomani Tania viene messa 

su un aereo, ma oppone ferma resistenza 

e viene riaccompagnata al centro. La 

situazione nel centro diventa drammatica 

quando Aïssa, dopo essere stata picchiata 

brutalmente, si toglie la vita impiccandosi 

nella doccia. Spaventata, la compagna di 

cella di Tania firma per il ritorno volontario 

nel suo paese. Pochi giorni dopo, Tania 

viene portata di nuovo in aeroporto e, 

43 

la di esaltante, se non per via di qualche 

rara eccezione costituita da personaggi 

bizzarri come Coakley, interpretato da Richard 

Jenkins. 

Libera uscita è sostanzialmente un prodotto 

che poteva anche evitare di finire fagocitato 

dagli stereotipi della commedia 

americana, ma che probabilmente non ne 

è stato allontanato dalle grinfie proprio 

perché nato con tali prospettive. 


Elvira 

Casting: Kadija Leclere, Katja Wolf, Tatiana Vialle, Michael Bier 

Aiuti regista: Jean-François Ravagnan, Caroline Tambour 

Effetti speciali trucco: Saskia Verreycken 

Trucco: Fabienne Adam 

Acconciature: Cèline Vh 

Audio: Philippe Kohn, Marc Bastien, François Dumont, Thomas 

Gauder 

Interpreti: Anne Coesens (Tania), Essé Lawson (Aïssa), Gabriela 

Perez (Maria), Alexandre Gontcharov (Ivan), Christelle 

Cornil (Lieve), Olga Zhdanova (Zina), Tomasz Bialkowski (Sig. 

Nowak) 

Durata: 95’ 

Metri: 2480 

questa volta, viene condotta di forza nell’aereo 

con le mani legate. Ma la donna 

chiede aiuto ai passeggeri ottenendo la solidarietà 

del comandante che la fa scendere 

opponendosi ai poliziotti. Sul pullman 

del ritorno, Tania viene picchiata duramente. 

In ospedale il suo avvocato la informa 

che hanno parlato di lei alla televisione e 

di essere in possesso di documenti che ne 

attestano il pestaggio. Soprattutto ora, riferisce 

il legale, dopo il suicidio di Aïssa, 

le forze dell’ordine sono nell’occhio del 

ciclone. L’avvocato si dice convinto che si 

sistemerà tutto. Ma, poco dopo, approfittando 

di una guardia che si è addormentata, 

Tania fugge dall’ospedale. Per strada 

riabbraccia suo figlio. 

I 

llegale. Una parola sola, che pesa 

come un macigno. Nel nostro mondo 

i confini di questa parola sono 

diventati sempre più sfumati. Chi è illegale? 

I migranti che raggiungono mezza Europa 

(sono drammatica attualità di questi 

giorni gli sbarchi massicci sulle nostre co-

ste siciliane) che non si esita a bollare nella 

categoria di “clandestini”? Oppure, come 

ha dichiarato il regista Olivier Masset-Depasse, 

a essere illegale è proprio il sistema? 

I tristemente famosi Centri di Detenzione 

Amministrativa sono illegali proprio 

perché violano il rispetto dei più elementari 

diritti umani. In questi centri gli immigrati 

clandestini spesso vengono trattati 

alla stregua di criminali. E il caso del Belgio, 

condannato per quattro volte dalla 

Corte Europea dei Diritti dell’Uomo per trattamento 

disumano e degradante, è uno dei 

più eclatanti. 

È diventato un emblema il caso di Semira 

Adanu, nigeriana morta a vent’anni il 

22 settembre 1998. La giovane era in coma 

da parecchie ore dopo il sesto tentativo di 

espellerla a forza effettuato dalla gendarmeria 

su ordine dell’Ufficio Stranieri. Samira 

era fuggita dalla Nigeria perché la 

famiglia la voleva far sposare contro la sua 

volontà con un anziano poligamo. Nel 

mese di marzo, la giovane era arrivata in 

Belgio e l’accesso al territorio le era stato 

immediatamente rifiutato. Tutto ciò che 

Semira aveva conosciuto del Belgio era 

l’aeroporto e un Centro di Detenzione per 

“stranieri illegali”. Molte sono le domande 

che non hanno trovato risposta sulle circostanze 

che hanno portato alla sua morte: 

non è mai stata fatta chiarezza su cosa 

sia successo nel tragitto tra il Centro e l’aereo, 

non è mai stata fatta luce su cosa sia 


avvenuto all’interno dell’aereo, ma è stato 

confermato l’uso di un cuscino (perché 

gridare è proibito dalla legge sulle espulsioni) 

e di manette ai polsi. Sulla scia dell’emozione 

suscitata da questa morte, è 

sorto un Comitato contro le espulsioni di 

Bruxelles che chiede che si faccia luce 

sulla verità di una morte così assurda e la 

condanna verso coloro che ne ebbero la 

responsabilità politica e poliziesca. Perché 

nessuna Semira debba ancora morire a 

vent’anni perché considerata un “paria dei 

giorni nostri”, “un’indesiderabile”, “una vittima 

sacrificale” come ha scritto Floriana 

Lipparini nel suo libro “Per altre vie. Donne 

tra guerre e nazionalismi”. 

Non è un caso che proprio un regista 

belga abbia voluto scendere negli inferi 

di quel mondo girando un film di finzione, 

che ha le caratteristiche del documentario; 

una scelta registica indovinata proprio 

perché, evitando il semplice documentario, 

si è potuto scendere più in profondità 

nell’esplorazione della soggettività dei 

personaggi (accentuata dall’uso frequente 

di primi piani e della macchina a mano). 

Un atto di accusa verso gli errori di certe 

politiche in materia di immigrazione, che 

mantiene un certo equilibrio lasciando 

anche spazio per alcune caratterizzazioni 

interessanti di guardie e poliziotti, dipinti 

in qualche caso come vittime di un 

sistema più grande. 

Ma che senso ha questa guerra con- 

LE AVVENTURE DI SAMMY 

(Sammy’s avonturen: De geheime doorgang) 

Belgio, 2010 

Regia: Ben Stassen 

Produzione: Gina Gallo, Mimi Maynard, Domonic Paris, Ben 

Stassen, Caroline Van Iseghem per nWave Pictures/Illuminata 

Pictures/uFilm 



Soggetto: Ben Stassen, Domonic Paris 

Sceneggiatura: Domonic Paris 

Musiche: Ramin Djawadi 

S 

ammy ha 50 anni e sta per diventare 

nonno. Non è strano, trattandosi 

di una tartaruga marina. 

Sammy si trascina pesante e saggio sulla 

sabbia della cittadina della California, 

dove aspetta il lieto evento insieme all’amico 

Ray (anche lui 50enne e a breve nonno) 

e si domanda perché gli esseri umani va- 

dano sempre di fretta, pur non sapendo 

bene dove… Le tartarughe, invece, vanno 

con lentezza, per questo Sammy ha tutto il 

tempo per raccontare agli spettatori la sua 

vita. Nato su quella stessa spiaggia, insieme 

ad altre centinaia di piccoli, Sammy si 

è presto reso conto della difficoltà della 

vita, rischiando subito di essere preda di 

44 

tro gli illegali? Una guerra più sporca di 

altre che il coraggioso film di Oliver Masset-Depasse 

spiattella in faccia allo spettatore. 

E forse è proprio questo il senso 

del film in cui, dalla prima all’ultima scena, 

corre sotterranea una grande domanda 

sul senso e sul prezzo di questa guerra. 

Ma anche sull’esistenza e sul prezzo 

dell’amore. 

Tania è una donna, un’immigrata clandestina, 

una prigioniera, ma soprattutto 

una madre. Una madre drammaticamente 

divisa da suo figlio. Ed è questa “linea narrativa 

universale”, come l’ha definita il regista, 

che corre sotterranea per tutto il film, 

una linea pura e chiara che ha messo volutamente 

in primo piano un personaggio 

duro, a volte freddo, spesso silenzioso, una 

donna pronta a tutto, cui l’attrice belga 

Anne Coesens (al suo quarto film con Masset-Depasse) 

offre il suo scarno e intenso 

volto. 

E i calci e i pugni dati nello stomaco 

alla povera Tania sono un pugno nello stomaco 

dello spettatore comodamente seduto 

in poltrona. 

Per tornare alla nostra guerra, è forse 

davvero senza senso. Ma le guerre bisogna 

vincerle tutte, quasi a seguire una specie 

di principio gerarchico che governa la 

terra, la gerarchia terrena degli stati sovrani. 

Elena Bartoni 

Produttori esecutivi: Jeremy Burdek, Eric Dillens, Nadia 

Khamlichi, Adrian Politowski, Gilles Waterkeyn 

Casting: Gallo Maynard, Mimi Maynard 

Art director: Jeremy Degruson 

Supervisore effetti visivi: Jérome Escobar 

Animazione: Evan Coolen,Brecht Debaene, Sébastien Ebzant, 

Marco La Torre, Gregory Naud, Berry Olivier,Jack Vandenbroele, 

Eitan Vineshtock 

Durata: 85’ 

Metri: 2450 

un uccello, da cui lo salva solo un caso (e 

un po’ di intraprendenza, visto che il volatile 

lo lascia cadere solo perché il piccolo 

lo acceca con della sabbia). In quel pericoloso 

frangente, Sammy incontra Shelly, 

tartarughina della stessa nidiata a sua volta 

presa da un altro rapace che si scontra 

con quello che tiene in volo Sammy. I due,

quindi, si salvano insieme, ma lei prende 

il mare prima di lui, che atterra male e 

prende il largo solo il giorno seguente. 

Ritardatario incolpevole, Sammy si lascia 

portare dalla corrente al largo abbarbicato 

su una zattera ed è solo mentre tutti gli 

altri cuccioli di tartaruga formano gruppi 

numerosi. Ma il protagonista non resta a 

lungo isolato: un altro tartarughino sembra 

essere rifiutato da tutti per la sua esuberanza 

(prima di tutto fisica): Ray. Sammy 

lo ospita sulla zattera e i due diventano 

amici per la pelle, condividendo “base 

d’appoggio” e correnti fino a quando non 

diventano adulti. I due imparano insieme 

a difendersi dalle insidie del loro habitat, 

e insieme vedono anche la prima nave, con 

il petrolio che sporca il mare e rende invivibile 

fondali prima bellissimi. Un giorno, 

per colpa di alcuni pescatori, Ray e Sammy 

vengono catturati da reti da pesca diverse 

e separati. Sammy riesce a fuggire, 

ma non a liberare l’amico. Di qui inizia il 

suo viaggio in solitaria: verrà ospitato da 

alcuni hippy, salvato da una grossa e grassa 

testuggine dalle buste di plastica che 

inquinano l’acqua, incontrerà di nuovo 

Shelly, scoprendo che è “quella giusta”, 

la tartaruga della sua vita, inizierà con lei 

un’avventura che lo porterà per acque di 

ogni latitudine, la perderà, rischierà la vita 

per cercarla, ritroverà Ray, e infine riabbraccerà 

anche Shelly… Insomma, come 

ogni “nonno”, Sammy racconta una lunga 

storia, fino alle uova che stanno per schiudersi 

e che ne rappresentano il lieto fine. 

L 

e avventure di Sammy è una favola 

ambientalista destinata ai 

bambini. La regia di Ben Stassen 

sembra far riferimento al documentario L’incredibile 

viaggio della tartaruga (Nick Stringer, 

2009), di cui riprende il gusto di rappresentare 

l’immensa varietà colorata dei 

fondali marini e della fauna oceanica, ma 

rende l’ambiente un posto affascinante e 

interessante, animandolo con protagonisti 

simpatici e caratterizzati in modo semplice, 

così che il pubblico dei più piccoli li 

segua nelle loro avventure. 

Le animazioni, lontane dalla perfezione 

Disney (immediato ma inutile il parallelo 

con La ricerca di Nemo che raccontava 

peraltro un tema del tutto diverso), sono 

ben fatte e disegnano un protagonista molto 

tenero, simile, nelle espressioni, ai piccoli 

spettatori. Lo spirito di scoperta che 

anima Sammy è lo stesso che spinge i giovanissimi 

a relazionarsi con il mondo, la 

differenza sostanziale è che, trattandosi di 

una tartaruga, l’istinto gioca il ruolo dell’educazione 

e i pericoli maggiori vengono 

proprio dagli esseri umani adulti. 


Sfruttando la longevità delle tartarughe, 

la pellicola mostra il cambiamento 

del pianeta e dei suoi mari in mezzo secolo 

di storia, induce inevitabilmente ad 

alzare l’attenzione sui comportamenti da 

tenere, e ha il merito di sviluppare un 

senso critico ambientalista (cosa per cui, 

nonostante la semplicità di storia e racconto, 

sa parlare anche agli adulti in 

sala). 

Oltre al rispetto dell’ambiente, amicizia, 

amore e fedeltà sono gli altri valori 

su cui il film fa perno, in modo garbato e 

BALLA CON NOI 

Italia, 2011 

45 

molto piano, immediatamente comprensibile. 

Per angoli del pianeta diversi, in tempi 

diversi (come ben sottolineato dalle diverse 

colonne sonore e dagli abiti degli “umani” 

inquadrati), Le avventure di Sammy 

sono quelle vissute in oceani sottoposti al 

riscaldamento globale e il cartone animato 

di Stassen che le racconta, se non può 

responsabilizzare i genitori, cerca almeno 

di far amare l’ambiente ai figli. 

Tiziana Vox 

Regia: Cinzia Bomoll 

Produzione: Giannandrea Pecorelli, Tore Sansonetti per Aurora Film/Barter in collaborazione 

con Rai Cinema 

Distribuzione: Nomad Film 


Soggetto:Giannandrea Pecorelli, Massimiliano Bruno, Cinzia Bomoll 

Sceneggiatura: Massimiliano Bruno, Pierpaolo Piciarelli. Con la collaborazione di 

Cinzia Bomoll, Francesco Di Salvia 

Direttore della fotografia: Marco Bassano 

Montaggio: Lorenzo K. Stanzani 

Musiche: Alessandro Tamburrini, Federico Ferretti, Stefano Tartaglini 

Scenografia: Valentina Scalia 

Costumi: Cinzia Lucchetti 

Suono: Luca Bertolin 

Coreografie: Moreno Mostarda, Cristina Ramella 

Interpreti: Alice Bellagamba (Erica), Andrea Montovoli (Marco), Guido Branca (Congo), 

Sara Santostasi (Antonella), Mascia Musy (Valeria), Massimo Ciavarro (Giancarlo, 

il papà di Erica), Fiorenza Tessari (Rossana, la mamma di Erica), Mauro “Cico” 

Peruzzi (Cico), Elisabetta “Betty Syle” Di Carlo (Betty), Francesca Pompei (Sara), 

Samuel Terracina (Aziz), Ons Ben Raies (Najat), Giuseppe “Kacyo” Di Mauro (Manga), 

Roberto Stocchi (Enzo), Matteo Urzia (Ferruccio) 

Durata: 90’ 

Metri: 2480

R 

oma. Erica è una ballerina dell’Accademia 

Nazionale di Danza. 

Per superare l’esame di diploma 

finale, si impegna al massimo ma è 

deconcentrata: durante una prova, cade e 

si infortuna a una caviglia. Ormai crede 

di aver perso tutto. Marco, invece, è il capo 

degli Avengers, una crew di ballerini hip 

hop multietnica, fra cui spicca Congo; il 

gruppo è in competizione con la crew di 

Cico, il nuovo ragazzo della ex di Marco, 

Betty. Erica e Marco sono fratelli. Marco 

se ne è andato via di casa per aver scelto 

uno stile di vita diverso dalla sua famiglia. 

Erica, che ancora non si è ripresa dalla 

delusione, cerca il fratello per trovare un 

po’ di aiuto in un momento di crisi e conosce 

Congo, che la invita alla sfida tra la 

crew di Cico e quella del fratello. Erica 

entra così in un universo a lei finora sconosciuto. 

Purtroppo il rapporto con Marco, 

nonostante Erica tenti in più di un’occasione 

di avvicinarlo, continua a restare 

superficiale. Nel frattempo, tra Erica e 

Congo nasce una sincera simpatia. Marco 

capisce che deve cambiare qualcosa nel 

suo modo di porsi di fronte alla vita: decide 

così di chiedere scusa alla sorella e di 

reagire cercando di recuperare il suo rapporto 

con Betty, dopo alcuni tentativi un 

po’ ingenui per riconquistarla. Marco, per 

dimostrare che vale più del suo nuovo ragazzo, 

decide di iscrivere la sua crew alla 

I 


Battle, la sfida più importante dell’anno. 

Erica, per stare con Congo, salta le lezioni 

all’Accademia e la sua insegnante, Valeria, 

scopre che frequenta i ballerini di 

hip hop, ai quali tenta di dar loro dei consigli: 

i ragazzi li ignorano. Marco, intanto, 

cerca di aiutare la sorella a ritrovare la 

passione per la danza. Le organizza, quindi, 

una sorpresa: una serata all’Opera. 

Proprio lì, Erica e Congo si daranno il loro 

primo bacio. Per la ragazza è arrivato il 

momento di riprendere le lezioni con Valeria; 

contemporaneamente prepara la coreografia 

per la Battle con la crew del fratello. 

Purtroppo, la data del saggio di fine 

anno coincide con quella della Battle. Erica 

vorrebbe restare con i ragazzi, ma sono 

loro stessi a convincerla che il suo posto è 

l’Accademia. Il gran giorno: Erica comprende 

che per essere veramente se stessa, 

deve essere sia una ballerina di danza classica 

che di hip hop. Erica li aiuta nel preparare 

una formidabile coreografia. Marco, 

vincerà la sua battaglia. 

C 

on Balla con noi, Cinzia Bomoll 

tenta l’impossibile. Girare un film 

italiano e con cast italiano di un 

genere a totale appannaggio degli americani: 

musical con tanto di parte romance. 

E non ci riesce. Dirty Dancing, Flashdance 

Footloose, i più recenti Save the lance 

dance e la trilogia Step Up sono classici 

ESP – FENEMONI PARANORMALI 

(Grave Encounters) 

Canada, 2011 

Regia: Colin Vicious, Stuart Vicious 

Produzione: Shawn Angelski per Twin Engine Films/Digital 

Interference Productions 



Soggetto e sceneggiatura: Colin Vicious, Stuart Vicious 

Direttore della fotografia: Tony Mirza 

Montaggio: Colin Vicious, Stuart Vicious 

Musiche: Quynne Craddock 

Scenografia: Paul McCulloch 

Costumi: Natalie Simon 

Produttore associato: Michael Karlin 

Aiuti regista: Michael Bendner 

l direttore di una società di produzioni 

video californiana introduce 

il reality “Esp – Fenomeni 

paranormali” di Lance Preston, osses- 

sionato dal paranormale, sul quale indaga 

insieme alla sua squadra di investigatori, 

per dimostrare che è tutto reale. 

“Quello che vedrete non è un film – 

46 

indimenticabili. La Bomoll prende a prestito 

elementi da un po’ tutti i film e cerca 

di shakerarli come meglio riesce. La ragazza, 

ballerina classica, che incontra il 

dancer hip hop e la grande gara di ballo 

dove tutti avranno il riscatto finale sono 

elementi di successo dei succitati film. Il 

ballo come riscatto, come integrazione ha 

sempre il suo fascino e la sua forza; purtroppo 

la regista non riesce a distaccarsi 

da tutta questa filmografia di genere, 

diventando solo la brutta copia di storie 

di successo. Disagio esistenziale e la vita 

di borgata sono il corollario di una pellicola 

che non decolla, che non preme mai 

l’acceleratore e che resta prepotentemente 

insipida. Belle le sequenze dance 

con professionisti ad hoc. Peccato per 

la regia della Bomoll che il più delle volte 

sembra non capire come utilizzare il 

mezzo: troppo statica nei momenti di ballo 

e troppo mobile in scene di semplice 

dialogo. I due protagonisti, Andrea Montovoli 

e Alice Bellagamba, sono due giovani 

attori ancora acerbi ma che dimostrano 

di avere doti attoriali su di cui lavorare. 

Sostanzialmente è un film che non aggiunge 

nulla alla cinematografia nostrana; 

un film da vedere a casa sul divano e 

non di certo al cinema dopo aver comprato 

il biglietto. 


Effetti speciali trucco: Amber Makar 

Trucco: Amber Makar 

Effetti: Brant McIlroy, Colin Vicious, Stuart Vicious 

Interpreti: Sean Rogerson (Lance Preston), Juan Riedinger 

(Matt White), Ashleigh Gryzko (Sasha Parker), Mackenzie 

Gray (Houston Gray), Merwin Mondesir (T.C. Gibson), Shawn 

MacDonald (Morgan Turner), Arthur Corber (Dott. Arthur 

Friedkin), Bob Rathie (Kenny Sandivol), Ben Wilkinson (Jerry 

Hartfield), Max Train (Mike), Marita Eason (Kelly), Fred 

Keating (Gary Crawford), Luis Javier (Javier Ortega), Luis 

Javier 

Durata: 92’ 

Metri: 2530 

precisa il direttore. È il risultato del montaggio 

di circa 76 ore di riprese fatte con 

videocamera digitale per il programma 

di Lance. Non è stato ritoccato un foto-

gramma, non è stato manipolato niente: 

è il materiale girato, montato cronologicamente”. 

Sesta puntata di Esp. Lance 

è fuori da un ex ospedale psichiatrico, 

che tra il 1895 e i primi anni ’60 ha 

ospitato più di 80mila persone, tra le più 

mentalmente malate del Maryland. Dopo 

la sua chiusura, sono state segnalate apparizioni 

di fantasmi, oggetti che si muovevano 

da soli, risate deliranti dei pazienti. 

Questa notte Lance e la sua troupe 

(Sasha, Matt e Tc) sono pronti a barricarsi 

per 8 ore lì dentro. Sulla porta 

d’ingresso è scritto: “La morte ti aspetta”. 

Seguono alcune interviste: uno storico, 

che definisce l’ospedale “una sorta 

di discarica per familiari imbarazzanti”, 

e narra la storia di un neurologo che 

praticava la lobotomia, il dr. Friedkin, 

che venne ucciso dai pazienti; poi il custode 

della struttura, che lì ha la sensazione 

di non essere solo e accompagna 

il gruppo in una perlustrazione, informandolo 

che le luci non funzionano. Mostra 

loro una vasca macchiata di sangue, 

ove si sarebbe suicidata una ragazza tagliandosi 

le vene; poi li conduce nei sotterranei. 

Lance spiega la distinzione tra 

l’energia residua, una sorta di eco dal 

passato che continua a manifestarsi a 

ciclo continuo, e l’energia intelligente, 

uno spirito che agisce intenzionalmente. 

Poi raccoglie la testimonianza di ragazzi 

che, durante le superiori, passavano 

del tempo lì dentro e che giurano di aver 

visto qualcuno con un camice bianco aggirarsi 

per i corridoi. Infine il giardiniere, 

che Lance corrompe perché dichiari 

di aver visto un fantasma. Arriva quindi 

Houston, un sensitivo, che assisterà la 

troupe durante le indagini. Anche lui finge 

e afferma di avvertire molte voci e la 

presenza di demoni. Matt installa 10 telecamere 

fisse in vari punti, poi illustra 

tutta l’attrezzatura di cui dispongono per 

rilevare presenze paranormali. Il custode 

va via e li chiude dentro, fino all’indomani 

alle 6. La struttura è molto simile 

a una prigione, non possono uscire 

neanche volendo: lavoreranno al buio, 

filmando tutto con 3 videocamere a visione 

notturna, oltre che con quelle statiche. 

Iniziano ad aggirarsi per i corridoi 

abbandonati, alla ricerca di spiriti 

inquieti. Dapprima non trovano nulla, 

ma intanto, una finestra si apre da sola, 

una sedia a rotelle si muove, si avverte 

del freddo (sintomo degli spiriti), il cameraman 

Tc riprende una porta che sbatte. 

Qualcosa tocca i capelli di Sasha e 


tutti iniziano ad aver paura. Non si orientano 

bene per i corridoi, vorrebbero andarsene. 

Mentre sono nell’ingresso a preparare 

i bagagli, Matt va a recuperare 

le telecamere fisse. Siccome non torna, gli 

altri vanno a cercarlo. Rinvengono la sua 

attrezzatura buttata per terra. Tc viene 

spinto giù dalle scale. Il tempo passa, ma 

il custode non arriva. Sfondano la porta 

d’ingresso, però l’uscita non c’è. È giorno, 

ma non si scorge la luce del sole. Ancora 

una volta la scritta: “La morte aspetta”. 

Capiscono di essere intrappolati e cominciano 

ad agitarsi. Si addormentano un 

po’. È sera, vengono risvegliati dalla caduta 

dei riflettori, mentre le scorte di cibo 

sono tutte marce. Escogitano di salire fino 

al tetto e fuggire mediante la scala 

d’emergenza, ma, arrivati in cima, scoprono 

che l’uscita è sbarrata da un muro. 

Si sentono delle urla, poi un letto con le 

ruote si solleva e vola. Lance capisce che 

lì dentro è un labirinto, come se tutto cambiasse 

di continuo. Si addormentano di 

nuovo. Al risveglio, scoprono una scritta 

sulla schiena di Sasha: “Hello”. Mentre 

cercano Matt, vedono una ragazza di spalle 

con il camice e la faccia al muro, che 

poi si gira improvvisamente con 

un’espressione mostruosa. Vi sono tracce 

di sangue sui muri, in una stanza le 

impronte di un’infinità di mani. Houston, 

rimasto solo all’ingresso, viene strangolato 

da una forza invisibile. Lance confessa: 

continuano a sentire rumori intorno, 

non sono soli, non sa per quanto riusciranno 

a resistere. Si risvegliano con dei 

braccialetti ai polsi. Ritrovano Matt, con 

un camice e impazzito, anche lui con un 

braccialetto, che dice: “Potremo uscire 

tutti, quando staremo meglio”. Ancora 

urla e corse disperate. Arrivano nella 

stanza colla vasca da bagno, che adesso 

è piena di sangue: qualcuno tira dentro 

Tc. La svuotano, ma Tc non c’è più. Pensano 

di scendere nei sotterranei grazie all’ascensore, 

che però è bloccato. Lance 

va a cercare una sbarra. Entra in una 

stanza e cade una lingua sul pavimento. 

Guarda in alto e scorge un fantasma con 

il camice che urla. Matt si suicida buttandosi 

nella tromba dell’ascensore. Lance 

e Sasha scendono nei tunnel sotterranei. 

Sasha vomita sangue, poi una nebbia 

avvolge lei e Lance mentre dormono e se 

la porta via. Lance rimane solo, senza torcia. 

Massacra un topo e se lo mangia. 

Ormai pazzo, si aggira in una specie di 

macelleria umana, tra crani e libri. Si ritrova 

in un’operazione del dr. Friedkin. 

47 

Viene aggredito e subisce anche lui una 

lobotomia. Si risveglia e sostiene di star 

meglio e che ora può andare a casa. “Da 

Esp Fenomeni paranormali e Lance Preston 

è tutto”. 

C 

laustrofobico, angosciante, senza 

scampo. Una troupe di investigatori 

del paranormale si ritrova 

a girare l’ultima puntata del suo reality 

in un enorme ospedale psichiatrico ormai 

dismesso. Da quel che si intuisce, finora, 

non è che abbiano assistito a grandi fenomeni. 

Ciò che però sta per accadere in 

quella struttura supererà ogni loro attesa. 

Il lungometraggio è introdotto dal produttore 

americano del reality, che specifica 

non si tratta affatto di un film, ma del 

montaggio del materiale grezzo girato da 

Lance e dalla sua troupe. Materiale amatoriale 

ritrovato – espediente cinematografico 

recente, che ha raggiunto l’apice con 

The Blair witch project, Rec e Paranormal 

activity –, che si sposa a un’inveterata ossessione 

del cinema horror: le case infestate 

da spiriti e fantasmi. Già le interviste 

preliminari hanno un che di inquietante e 

introducono tutti i temi che saranno svolti 

nel corso dell’opera, comprese le lobotomie 

praticate da un redivivo dr. Friedkin. 

Poi Lance decide di barricarsi nell’edificio 

e trascorrervi dentro l’intera notte. Il conduttore 

e i suoi colleghi non riusciranno 

più a uscirne: è come se il palazzo si animasse 

e mutasse forme e orientamento 

per inghiottirli nei suoi bui meandri. Non 

v’è luce al suo interno, alcuni oggetti si 

muovono da soli, gli spiriti iniziano a tormentare 

Lance e i suoi colleghi, fino a ucciderli, 

o a farli sparire. La troupe si aggira 

per i corridoi, ma non ritrova più una 

strada: le uscite sono sbarrate, il tempo 

passa ma fuori continua a far buio. Lentamente 

prendono coscienza che sono in 

trappola e iniziano a sospettare che non 

ne usciranno vivi. È un film inquietante, 

non solo per la presenza palpabile di un 

nemico invisibile, gli spiriti delle migliaia 

di pazienti folli morti lì dentro (solo due di 

essi si manifestano, ed è una visione terrificante), 

ma anche per l’ambientazione 

e le idee di regia: enormi corridoi abbandonati, 

stanze in disordine, tracce di sangue, 

pareti ricoperte da scritte umane, 

ombre che si aggirano senza pace, una 

stanza piena di impronte di mani. Dapprima 

il film ha un impianto molto didascalico: 

le interviste, la spiegazione delle sofisticate 

apparecchiature che i ragazzi si 

portano dietro, la creazione di un’atmo-

sfera di mistero in cui qualsiasi cosa può 

accadere, magari pompando un po’ le dichiarazioni 

dei testimoni e anche grazie 

alla già cupa location di un ex manicomio. 

Fin qui è tutto sotto controllo, ma poi la si- 

Amici miei – Come tutto ebbe inizio – 

consigliabile / semplice 

A sud di New York – futile / superficialità 

Avventure di Sammy (Le) – consigliabile 

/ semplice 

Balla con noi – Let’s Dance – consigliabile 

/ semplice 

Beastly – consigliabile / semplice 

Boris – Il film – consigliabile / semplice 

Cars 2 – consigliabile / brillante 

Dalla vita in poi – consigliabile / superficialità 

Due presidenti (I) – consigliabile-problematico 

/ dibattiti 

Esp – Fenomini paranormali – n.c. 

Faccio un salto all’Avana – consigliabile 

/ semplice 


tuazione sfugge loro di mano. Con troppa 

leggerezza intendevano realizzare un prodotto 

televisivo accattivante, senza immaginare 

che stavano solleticando forze oscure 

e malefiche pronte a scaraventarsi con- 

VALUTAZIONI PASTORALI 

Fast and Furious 5 – n.c. 

Faster – futile / violento 

Goodbye Mama – futile / velleitario 

Hai paura del buio – consigliabile-problematico 

/ dibattiti 

Housemaid (The) – complesso / scabroso 

Illegal – n.c. 

Isola 10 – n.c. 

Ladri di cadaveri – Burke & Hare – consigliabile 

/ brillante 

Libera uscita – futile / volgare 

Limitless – consigliabile / semplice 

London Boulevard – futile / violento 

Mia moglie per finta – futile / grossolanità 

Michel Petrucciani – Body & Soul – consigliabile-realistico 

/ dibattiti 

48 

tro di loro. La ricerca di un senso di verità 

aumenta all’inverosimile l’immedesimazione 

degli spettatori. Paura in sala. 

Noi, insieme adesso – Bus Palladium 

– n.c. 

Paul – consigliabile / brillante 

Perfetto gentiluomo (Un) – futile / superficialità 

Pezzo mancante (Il) – n.c. 

Scream 4 – futile / violento 

Sotto il vestito niente – L’ultima sfilata 

– consigliabile / semplice 

Source Code – consigliabile / semplice 

Street Dance 3D – n.c. 

Sucker Punch – futile / velleitario 

13 assassini – complesso / violento 

Uomini senza legge – consigliabile / superficialità 

X-Men – L’inizio – consigliabile / semplice 

IL RAGAZZO SELVAGGIO è l’unica rivista in Italia che si occupa di 

educazione all’immagine e agli strumenti audiovisivi nella scuola. Il suo 

spazio d’intervento copre ogni esperienza e ogni realtà che va dalla scuola 

materna alla scuola media superiore. È un sussidio validissimo per insegnanti 

e alunni interessati all’uso pedagogico degli strumenti della comunicazione 

di massa: cinema, fotografia, televisione, computer. In ogni 

numero saggi, esperienze didattiche, schede analitiche dei film particolarmente 

significativi per i diversi gradi di istruzione, recensioni librarie 

e corrispondenze dell’estero. 

Il costo dell’abbonamento annuale è di euro 30,00 - periodicità bimestrale. 

SCRIVERE 

di Cinema 

direttore Carlo Tagliabue 

Luca Caruso 

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ScriverediCinema, rivista trimestrale di informazione sull’editoria cinematografica, 

offre la possibilità di essere informati e aggiornati in 

questo importante settore, segnalando in maniera esaustiva tutti i libri di 

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La rivista viene inviata gratuitamente a chiunque ne faccia richiesta al 

Centro Studi Cinematografici, Via Gregorio VII, 6 - 00165 Roma - 

Telefono e Fax: 06.6382605. e-mail: info@cscinema.org

L - Centro Studi Cinematografici

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