ARTE PER LA VITA - Fondazione Dino Zoli

Arte per lA vitA 

Asta di beneficenza per la raccolta fondi a favore di Telethon 

Fondazione Dino Zoli Arte Contemporanea 

Forlì, 11 Dicembre 2008

BNL e TELETHON contro le malattie genetiche 

ARTE PER LA VITA 


Giovedì 11 Dicembre 2008 

Fondazione Dino Zoli Arte Contemporanea

ARTE PER LA VITA 

Asta 

Forlì 

Fondazione Dino Zoli 

Viale Bologna, 288 

Giovedì 11 Dicembre 2008 

ore 20,30 

Esposizione 

Forlì 

Fondazione Dino Zoli 

Viale Bologna, 288 

Martedì 2 - Mercoledì 10 Dicembre 2008 

orario 11,00 - 19,00 

Cura del catalogo e dell’asta 

Flora Rovigo 

Organizzazione e Segreteria 

Fondazione Dino Zoli Arte Contemporanea 

Coordinamento 

Elisabetta Neri 

Maurizio Vanni 

Giacomo Varone 

Testi 

Susanna Agnelli 

Fabio Gallia 

Maurizio Vanni 

Dino Zoli 

Editing 

Michela Cicchinè 

Progetto grafico e 

realizzazione stampa 

La Greca Litografia 

Ufficio Stampa 

Paola Manfredi 


11 Dicembre 2008 

Media partner 

In collaborazione con 

Ringraziamenti 

Davide Aldovrandi, Orietta Amadori, Rachele Di Palma, Fabio 

Fornaciai, Luigi Frignani, Cristina Guardigli, Roberto Milani, 

Gianfilippo Pandolfini, Alberto Petrucco, Giancarlo Piovaccari, 

Andrea Prada, Ermanna Zoli.

BNL e Telethon: 

una partnership che ha fatto 

molta strada in diciasette anni 

Insieme abbiamo intrapreso un viaggio che ha visto BNL raccogliere fondi, con 

il contributo fondamentale di oltre 100.000 donatori, e Telethon finanziare 

la ricerca scientifica sulle malattie genetiche, all’insegna della trasparenza ed 

efficienza dei fondi impiegati. 

Sono più di 276 i milioni di euro che Telethon ha destinato al finanziamento della 

ricerca biomedica e tecnologica dal 1991 ad oggi. 

I traguardi di Telethon sono ormai una certezza: 400 malattie genetiche studiate, 

2.140 progetti di ricerca finanziati, tre istituti di ricerca e un laboratorio di ricerca 

tecnologica, 6.200 pubblicazioni su riviste scientifiche internazionali, 11 bambini 

curati dall’ADA-SCID. 

Per questo Vi invitiamo a continuare questo cammino insieme a noi, contribuendo alla 

ricerca scientifica. 

Vi aspettiamo per la Maratona Televisiva 2008, senza di voi non può cominciare! 

Susanna Agnelli 

Presidente Comitato Telethon 

Fondazione Onlus 

Fabio Gallia 

Amministratore Delegato BNL SpA

Cultura contemporanea e solidarietà 

Arte e artisti per scommettere sulla vita 

S 

ensibilizzare il territorio, portare eventi d’arte a Forlì, creare progetti didattici 

per bambini e avere una particolare attenzione per il sociale: questi sono i 

presupposti che mi hanno spinto a creare una Fondazione d’arte contemporanea 

a Forlì. Quando si è presentata l’opportunità di avere un rapporto, attraverso BNL 

Gruppo BNP PARIBAS, con TELETHON ho colto l’occasione per approfondire l’aspetto 

legato alla raccolta fondi per poter aiutare le persone meno fortunate. Una serata con 

un noto comico, un concerto acustico per un pubblico di adolescenti, un concorso 

per studenti di ogni età e un’asta di beneficenza: sono solo alcuni degli appuntamenti 

che abbiamo organizzato per poter dare in beneficienza una ragguardevole somma di 

denaro. Aiutare il prossimo ci fa sentire meglio, combattere contro le malattie genetiche 

è un dovere per noi e per le generazioni successive. TELETHON è ormai un’istituzione 

nota a livello nazionale che ha intrapreso da molti anni la battaglia contro terribili 

malattie. Sostenere i medici e i ricercatori, in fondo, è un po’ come sostenere gli artisti e 

permettere loro di farsi conoscere. Una struttura come la nostra ha bisogno di muoversi 

in modo trasversale, necessita di eventi collaterali in grado di proporre l’arte in modo 

non consueto. Un’asta di beneficenza permette a una persona di acquistare un dipinto a 

un prezzo vantaggioso, di portarsi a casa un frammento della creatività contemporanea 

e di aiutare il prossimo. Arte e solidarietà possono coesistere per chi, come me, crede 

nel futuro e ama la vita. 

Dino Zoli 

Presidente

Arte per la Vita 

Cultura e solidarietà per un mondo migliore 

Ci sono persone fortunate, dotate di capacità non comuni e di una sensibilità 

particolarmente accentuata che, se messe in condizioni ideali di creare, sono 

in grado di comunicare attraverso un’espressione artistica. Fare il pittore, lo 

scultore, il fotografo, il video-artista, il designer spesso non è una scelta oculata, ma 

una vera e propria esigenza da parte di chi percepisce l’urgenza di ideare un qualcosa 

dal nulla, di ri-creare una o più forme di vita, di dare un senso nuovo alla realtà che 

lo circonda e di riscrivere le pagine della nostra storia. Artisti si nasce, professionisti 

o artigiani si diventa. L’artista del terzo millennio, un po’ come succedeva molti secoli 

fa, è un individuo speciale, consapevole di ciò che rappresenta e cosciente della propria 

missione. Uno dei suoi stimoli principali è legato al concetto dell’immortalità e di poter, 

pian piano, avere la possibilità di cambiare il mondo. 

L’evento “Arte per la vita”, in fondo, potrebbe offrire in una sola volta entrambe le 

opportunità sia agli artisti, sia a tutti coloro che interverranno alla manifestazione 

benefica; infatti, pensare di fare del bene al prossimo, adoperarsi per far sì che qualcuno 

meno fortunato di noi possa condurre una vita migliore è di per sé talmente importante, 

profondo ed eccitante che potrebbe renderci “immortali” a cospetto dei beneficiari del 

nostro impegno socio-economico. 

Se per modificare le sorti del mondo dobbiamo partire dal particolare, ecco che 

l’aiuto per la ricerca contro le malattie genetiche potrebbe fornire un’occasione utile 

e irripetibile: dando aiuto ai centri di ricerca aumentiamo la possibilità di guarigione 

di molti esseri umani. Sostenere il prossimo migliora il nostro umore, ci fa sentire 

importanti e positivi a tal punto da spingere tutte le persone che ci stanno intorno a un 

comportamento migliore. 

Con la manifestazione “Arte per la vita”, Telethon ci offre una grande opportunità: 

contribuire alla ricerca per le malattie genetiche, salvare molte vite umane e, da un 

certo punto di vista, liberare anche noi stessi dal grigiore di una vita materialista e 

opaca. Solidarietà è vita, Arte è vita e Telethon significa vita! Noi ci crediamo e saremo 

i primi a dare un segno forte con la consapevolezza che ognuno è artefice del proprio 

destino, ma, spesso, potrebbe esserlo anche per quello degli altri. 

Dott. Maurizio Vanni 

Direttore Fondazione Zoli 

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CATALOGO 

ASTA

001 Senza titolo 

Olio e tecnica mista su tela riportata su tavola, cm 2 x 34 

Luca Alinari 

Nasce a Firenze nel 1943, ma vive e lavora a Rignano sull’Arno. Ventenne, si iscrive alla Facoltà di Lettere, dove si avvicina al mondo della critica d’Arte. 

Nel 1968 organizza la sua prima esposizione personale presso la “Galleria Inquadrature” di Firenze. 

I suoi primi riferimenti stilistici sono alla corrente “Neodada”, in adesione alla quale utilizza le tecniche più diverse: disegno con uso di colori 

fluorescenti, decalcomania, collage, trasposizioni fotografiche. Nella seconda metà degli anni ’ 0 inizia a diffondersi il suo nome tra critici e pubblico 

e viene invitato ad ordinare sue personali in varie gallerie d’arte italiane. Nel 1982, viene invitato alla Biennale di Venezia. 

L’elemento fondamentale della sua pittura è l’assenza assoluta di piani prospettici, le sue composizioni si richiamano all’innocenza della fanciullezza, 

sono dei viaggi immaginifici nei ricordi della nostra infanzia, veri e propri mondi fiabeschi. 

Si è dedicato con molto successo alla grafica d’arte, realizzando, soprattutto in serigrafia ed in litografia, una serie di opere originali per uso dei 

materiali e per formati. Dal 1989 espone in sedi molto prestigiose: nel Palazzo Lanfranchi di Matera, a Lubiana, nella Galleria Fogola di Torino, nel 

Palazzo Reale di Milano, alla Casa del Masaccio nel Valdarno, al Museo d’Arte Contemporanea di Villa Croce a Genova, alla Tour Fromage di Aosta, 

nella Galleria Il Bisonte a Firenze. Da ricordare anche le grandi antologiche presso il Museo Civico d’Arte Contemporanea di Genova, Villa Croce (199 ), 

Palazzo Medici Riccardi di Firenze (2000), Galerie Adler di Parigi (2003). Nel 1999 il Museo degli Uffizi di Firenze ha acquisito un suo Autoritratto, oggi 

inserito nella famosa raccolta collocata anche nel Corridoio Vasariano. 

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Manlio Allegri 

002 Riflessione 1 

Tecnica mista, cm 10 x 9 , 2006 

Nasce a Lucca nel 194 , ma vive e lavora a Livorno. Ha frequentato la scuola d’arte “Villa Trossi Uberti” dal 19 0 al 19 6, sotto la guida del Maestro 

Voltolino Fontani e successivamente del Maestro Marco Sardelli. Per alcuni anni lavora a scopo di studio, ma dal 19 9 inizia l’attività artistica con 

numerose personali, collettive e concorsi. 

Ha dato continuamente il suo contributo organizzativo a una lunga serie di manifestazioni culturali per molte delle quali è stato il vero e proprio 

promotore. È stato alla presidenza o nel comitato di gestione di gruppi artistici livornesi e non, come: “Arti Visive Palazzo del Portuale”, Accademia “Il 

Machiavello” di Firenze e Associazione Culturale “La Ragnatela”. Attualmente svolge una intensa attività nell’Associazione Culturale “Studio Etra”, ed 

è il segretario del Premio Nazionale di Pittura e Scultura Mario Borgiotti “Rotonda” di Livorno. 

Tra gli eventi a cui ha partecipato, alcune mostre collettive come Rifiuti Preziosi – Il Nouveau Réalisme e la Cultura Contemporanea allestita presso 

Palazzo Strozzi a Firenze nel 2006, evento curato dal critico d’arte Maurizio Vanni, ed esposizioni personali come Dal Pannolenci alla Juta ospitata nel 

Museo della Bambola di Suvereto nel 200 . Ad oggi ha al suo attivo oltre quaranta personali ed innumerevoli collettive in tutta Europa. 

Le sue opere oltre a contare molti estimatori in tutta Italia, sono in collezioni private di tutto il mondo, come ad esempio Parigi, Londra, New York, 

San Francisco, Colonia, Forst, Monaco, ecc. 

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003 Agero 

Tela estroflessa, cm 8 x 38 

Giuseppe Amadio 

Nasce a Todi nel 1944 dove vive e lavora attualmente. Dopo aver frequentato scuole tecnico-artistiche, si iscrive a corsi liberi di design e grafica pubblicitaria, 

occupandosi di cartellonistica su scala industriale. Alterna l’attività di pittore a quella di designer nel settore dell’arredo di interni. Per oltre 

un ventennio ha collaborato assiduamente come tecnico di studio con l’artista Piero Dorazio. Da lavori caratterizzati da una poetica materico-gestuale, 

si è spostato ad un linguaggio di matrice concettuale attraverso la produzione di tele estroflesse monocrome. Ha esposto in numerose mostre personali 

e collettive e negli ultimi anni ha allestito eventi a Perugia, San Sepolcro (Arezzo), Viterbo, Forlì e Milano. Nel 2004 ha esposto al Museo d’Arte 

Contemporanea “A e M”, di Bologna e alla fiera Contemporanea di Forlì. Dello stesso anno sono le mostre personali alla Galleria Miralli di Viterbo e 

presso la Galleria Free Time Club di Cesena. 

1

Cosimo Andrisano 

004 Edicola 

Tecnica mista su tavola, cm 140 x 100, 200 

È nato a Mesagne (Brindisi) nel 19 1, attualmente vive e lavora a Salvaterra (Reggio Emilia). Si è diplomato in Scultura presso l’Accademia di Belle 

Arti di Lecce. Dal 1990 espone in diverse collettive di gruppo partecipando alle Esperienze estetiche della Provincia Artistica sotto la guida del critico 

d’arte Massimo Guastella e dall’artista Uccio Biondi. Nel 199 si sposta a Roma dove collabora con un prestigioso laboratorio orafo. Due anni dopo 

si trasferisce in provincia di Reggio Emilia dove si inserisce nel design ceramico presso una multinazionale. Grazie alla collaborazione con la galleria 

Casa d’Arte San Lorenzo espone in diverse fiere italiane come all’Expo Arte Bari, Arte Padova e Artefiera Montichiari. Nel 2004 partecipa alla mostra 

collettiva Il Guardiano dei Sogni, allestita presso Villa Demidoff a Firenze e curata dal critico d’arte Maurizio Vanni. L’anno seguente vengono presentati 

i suoi lavori nelle mostre personali Icone, a Milano e Prato, e La Storia tra le Mani, ai Musei di Porta Romana sempre a Milano. 

Del dicembre 2006 è la personale Codice d’Accesso ospitata dalla Galleria Cont@iner di Sassuolo (Modena), sempre in collaborazione con Casa d’Arte 

San Lorenzo. 

Negli ultimi anni le sue opere sono state presentate più volte all’interno dell’evento Settimana dell’Arte organizzato presso l’IGV Club Santa Giusta 

a Castiadas in Sardegna e in altri appuntamenti artistici a Casciana Terme (Pisa) e ad Artimino (Prato). Nel 200 ha esposto le sue creazioni nelle 

personali Le tracce della storia – I colori della materia”, presso la Galleria d’Arte Spazio Design di Bellinzona, e Muri Parlanti alla Galleria San Lorenzo 

di Milano. 

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005 Turbolenza 

Tecnica mista e smalti su tela, cm 60 x 80, anni Ottanta 

Franco Angeli 

Nasce a Roma nel 193 e qui muore nel 1988. Non frequenta scuole di pittura, ma è autodidatta. Nel 19 nascono i primi lavori: l’esigenza di dipingere 

esplode come affermazione di libertà. Del 1960 è prima personale allestita alla Galleria La Salita di Roma. Nello stesso anno partecipa con Lo 

Savio, Festa e Schifano alla mostra Nuove prospettive della pittura italiana, a Palazzo Re Enzo di Bologna. 

Diviene amico di Schifano, conosciuto nella sezione del Partito comunista: li accomuna l’estrazione popolare, il senso radicato della realtà, l’esigenza 

di andare oltre le esperienze informali. Si tratta di una generazione di artisti unita da uno stretto legame esistenziale segnato dalla guerra: per questo 

sono stati definiti “maestri del dolore”, una qualifica che li distanzia dall’Arte Pop. Nel 1963, alla Galleria J di Parigi, le sue opere sono di fianco a quelle 

di Bruce Conner, Michael Todd, Christo e Kudo. Alla Galleria La Tartaruga di Roma, partecipa ad una storica collettiva: 13 pittori a Roma. Nel 1964 

partecipa alla Biennale di Venezia, presentato da Calvesi: è la storica Biennale della Pop Art in Italia, lui presenta La lupa e Quarter Dollar. 

È invitato alla IX Quadriennale romana: di questo periodo sono I Cimiteri partigiani, corredati di stelle e falci e martello. È anche presente alla Biennale 

di San Paolo del Brasile con Half dollar. Del 19 8 è la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, curata da Bonito Oliva, nella sezione L’iconosfera 

urbana. Vi presenta anche un cortometraggio. 

Nel 1986 partecipa alla XI Quadriennale romana e due anni dopo gli viene dedicata una retrospettiva alla Casa del Machiavelli (19 8- 2) nei pressi di 

Firenze. Viene invitato al Circolo Culturale “Giovanni XXIII” per la Biennale di Arte Sacra: con lui, Enzo Cucchi, Sandro Chia, Mimmo Paladino e Mario 

Schifano. 

1

Claudia Ballesio 


Carboncino su carta, cm 4 x 33, 2008 

È nata a Genova nel 1961, ma vive e lavora a Firenze. Ha cominciato sperimentando vari settori artistici, dall’architettura alla moda, alla poesia, alla 

pittura fino ad arrivare alla video arte. 

Sono degli anni Ottanta le prime esposizioni di opere in contesti legati alla moda. Alla fine degli anni Novanta decide di lasciare definitivamente il 

mondo del costume per dedicarsi in modo continuativo alla pittura. Nel 1999 crea alcune installazioni per tutte le suites del Grand Hotel Cavour di Firenze 

e per due delle “Grandi Navi veloci” del Gruppo Grimaldi. In questi ultimi anni ha partecipato a numerose mostre in diverse città italiane ottenendo 

consensi e riconoscimenti da parte di critica e di pubblico. Tra le più importanti ricordiamo quelle di Genova, Firenze, Roma, Pietrasanta e Mantova. 

Nel 2002 è stata selezionata per partecipare alla III Biennale Postumia Giovani e successivamente una sua opera è entrata a far parte della collezione 

del Museo d’Arte moderna di Gazoldo degli Ippoliti (Mantova). Ha presentato opere di video arte all’interno di eventi collettivi quali Il Guardiano dei 

Sogni (2004), presso Villa Demidoff a Pratolino (Firenze), ad Art Tour-O a Firenze (2006) ed a Segni di confine, nella Fiera d’Arte di Istanbul (200 ). 

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Carboncino su carta, cm 4 x 33, 2008 

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Vincenzo Balsamo 

008 Blues note 

Tempera acrilica su cartone, cm 40 x 30, 200 

Nasce a Brindisi nel 193 . Nel 19 4, per migliorare le tecniche del disegno, si iscrive alla Scuola d’Arte di via San Giacomo, che frequenterà per tre anni 

consecutivi. Nel 19 allestisce la prima mostra pubblica nella città natale. Fra il 19 e il 19 9 conosce i maestri della Scuola Romana e si stabilisce in 

un piccolo atelier di via Margutta. Nel 1961 espone con una personale a Roma e nello stesso anno è impegnato come scenografo presso gli studi cinematografici 

di Cinecittà. È a Zurigo nel 196 e nel 1966, esponendo alla Galleria Burdeke. Viaggia spesso. Conosce André Verdet, César e Hartung, facendosi 

un’idea chiara della condizione dell’arte moderna europea. Così, a partire dalla metà degli anni Sessanta, le figure si frammentano e i piani si intersecano 

smembrando le prospettive. Intorno al 19 il doppio processo di astrazione e di concrezione delle forme è compiuto. Fra il 19 6 e il 19 esegue il ciclo 

delle Decomposizioni. Compaiono tecniche miste, collages e olii a combustione. Degli anni 19 8- 9 sono invece le Evocazioni, una serie di tele e carte di 

grande formato lavorate con l’aerografo. In questi anni pensa di abbandonare l’attività. Ma l’artista torna a dipingere, recuperando in pieno le proprie tradizioni. 

Nel 1980 si trasferisce a Velletri. Tra il 1986 e il 1988 torna ad esporre nelle gallerie italiane e nelle fiere di Amburgo e Nizza. Del 1990 è la grande 

retrospettiva a Venezia, nel Centro d’Arte Sant’Apollonia. Nel 1993 si stabilisce a Parigi e dopo due anni va ad abitare a Verona. Dal 1996 al 1999 espone a 

L’Aquila, Roma, Ravenna, Mantova, Atlanta, Parigi e Verona. Nel 2001 espone a Torino, Bruxelles ed a Nagahama in Giappone. Nel 2003 è nominato Artista 

dell’Anno dal “World Art Celebrities Journal and Humanities Committee” e dal “The Readers of the World Art Celebrities Journal”. Nel 2004, in Australia, 

tiene una mostra personale, presso il Greg James Studio Gallery di Fremantle (Perth). Negli ultimi anni ha presentato le sue opere in molte fiere straniere, 

come la Shanghai Art Fair, l’Art Miami (Florida, USA), l’Artexpo a New York e al Kiaf di Seoul e in alcune personali a Modena, Iseo e Mantova. 

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009 Le forme... ...i colori (Arancio) 

Acquaforte/acquatinta, incisione cm 1 ,3 x 10,3, 2002 

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010 Le forme... ...i colori (Ocra) 

Acquaforte/acquatinta, incisione cm 16,2 x 10,2, 2002 

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011 Le forme... ...i colori (Verde) 

Acquaforte/acquatinta, incisione cm 16 x 16, 2002 

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012 Le forme... ...i colori (Celeste) 

Acquaforte/acquatinta, incisione cm 1 x 10, 2002 

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013 C’è e si vede 

Tecnica mista su tela, cm 12 x 100 

Christian Balzano 

Nasce il 12 febbraio a Livorno, dove vive e lavora. Nel 1986 vince una borsa di studio per il diploma di maestro d’arte e, nel 1988 consegue il diploma 

di Maturità Artistica presso l’Istituto d’Arte di Pisa. Negli ultimi anni ha intensificato la sua attività artistica supportata da numerose mostre personali 

e collettive. Tra il 2001 e il 2004 espone a Livorno, Milano, Roma e Pietrasanta. Del 200 è la personale Effetto Venezia tenuta a Livorno. L’anno 

successivo partecipa, grazie alla Casa d’Arte San Lorenzo, al Week end dell’Arte d’Autunno presso la Villa Medicea La Ferdinanda ad Artimino (Prato), 

al Week end dell’Arte di Primavera tenutasi al Green Park Resort di Tirrenia e alla Settimana dell’Arte nell’IGV Club Le Castella in Calabria. Sempre nel 

2006 espone in una mostra collettiva nello Spazio Tiberti di Rovato. Anche negli anni seguenti partecipa alle stesse manifestazioni organizzate dalla 

Casa d’Arte San Lorenzo allestite anche presso il Grand Hotel San Marco di Casciana Terme a Pisa, nel Poggio dei Medici Golf Resort i Toscana e nell’IGV 

Club Santa Giusta di Castiadas in Sardegna. Nel 2008 allestisce la mostra personale Non è vero ma ci credo alla Galleria San Lorenzo di Milano, 

evento curato da Mimmo Di Marzio. 

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Renzo Borella 

014 Quel giorno in cui Vincent... 

Acrilico su tavola, cm 63 x 8 , 2008 

Figlio del noto artista-paesaggista Giuseppe Borella, è nato a La Spezia nel 1948. Nel 1968 si diploma al Liceo artistico di Carrara. Dal 199 dirige a La 

Spezia una scuola d’arte, “Officina-Botteghe d’Arte”, che, tutt’oggi, conta numerosi iscritti. La sua prima esposizione si è tenuta nel 19 1 alla Galleria 

La Sprugola di La Spezia. Nel 19 ha preso parte alla Rassegna internazionale della giovane pittura italiana al Palazzo delle Esposizioni di Roma, ha 

partecipato alle mostre internazionali “Città di Faenza” e di Torre Pellice, ed è stato premiato alla Rassegna nazionale di pittura di Campi Bisenzio e a 

quella di “Borgate della Lunigiana”. Altri riconoscimenti e premi sono arrivati l’anno successivo con la partecipazione alla Rassegna dei giovani artisti 

liguri nella Biennale di Castelnuovo Magra e nel 19 con la IX Biennale di pittura “Colori della Lunigiana” a Sarzana, nel 19 8 vincendo il primo premio 

al concorso nazionale di pittura di Cutigliano (Pistoia). Nel 19 9 viene inaugurata una sua mostra al Palazzo della Permanente a Milano, città dove 

l’artista si trasferisce per un decennio per poi tornare, all’inizio degli anni Novanta, a La Spezia. 

In questi ultimi trent’anni ha esposto nelle maggiori città italiane (Roma, Milano, Venezia, Genova, Verona, Chiavari, Savona, Viareggio, Carrara, Imperia, 

Portovenere, Sarzana, Forte dei Marmi, ecc.) e alcune sue opere sono ospitate in permanenza nel Museo d’Arte Contemporanea di Busto Arsizio, 

di Gallarate e in quello di La Spezia. Tra il 200 e il 2008 si è tenuta la sua mostra personale Il tempo ritrovato, nel Palazzo dell’Abbondanza di Massa 

Marittima. Attualmente, insieme alla nota galleria Menhir Arte Contemporanea di La Spezia, partecipa alle fiere d’arte contemporanea più prestigiose 

a livello europeo. 

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015 Io e la luna 

Tecnica mista su tela, cm 40 x 40, 2008 

Marco Borgianni 

Nasce a Vico d’Elsa (Firenze). Si iscrive all’Istituto d’Arte di Siena dove si diploma come maestro d’arte in ceramica. In questo periodo entra in contatto 

con il pittore Emilio Montagnani e lo scultore Plinio Tammaro. A metà degli anni Sessanta esordisce con la prima mostra alla Galleria Nuova Aminta 

di Siena. Nel 196 frequenta la Facoltà di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Nel 19 0 fonda, insieme ad altri compagni, la rassegna d’arte 

contemporanea “Vico Arte”: tra gli altri espongono grandi artisti come Guttuso, Treccani, Maccari, Murer e Zancanaro. Negli anni Ottanta iniziano le 

esposizioni all’estero: a Rabat, in Marocco (1981), a Auverse sur Oise (1983), a Parigi (dal 1984 al 1988), a Reims (1986), in Svizzera (198 e 1988), a 

Ginevra (dal 1988 al 1993), fino alle personali in Canada e in Giappone del 198 . Nel 1992, dopo varie mostre in tutta l’Italia, l’artista espone a San 

Francisco. Impressionato dal Gran Canyon e dai paesaggi selvaggi americani comincia a dipingere opere ispirate a questi luoghi. Nel 199 dipinge il 

drappellone per il Palio dell’Assunta di Siena. L’anno seguente espone a Madrid e in Inghilterra. Il 2000 è l’anno della sua mostra antologica a Palazzo 

Pretorio di Certaldo, mentre nel 2001 pubblica la sua monografia Viaggi nella Natura. Tra il 200 ed il 200 presenta i suoi lavori a Mosca, al Palagio 

di Parte Guelfa di Firenze, a Saint Brice in Francia, all’Arte Fiera Verona, a Carrara ed a Boca Raton in Florida. Del 2008 è la sua personale al Castello 

dei Conti Guidi, sede della Fondazione Giuliano Ghelli, a Poppi (Arezzo). 

2

Roberto Braida 

016 Linea d’Acqua 

Tecnica mista ed olio su tela, cm 0 x 0, 2008 

È nato a La Spezia nel 19 3 dove vive e lavora. Inizia a dipingere giovanissimo e a 14 anni partecipa alla sua prima collettiva insieme ad altri artisti 

liguri. Studia tutte le tecniche pittoriche dalla tempera all’acquarello, dall’incisione alla pittura ad olio che continuerà a perfezionare con accurata 

precisione. 

Tutta la sua vita artistica è caratterizzata dalla ricerca, che Braida conduce in modo totalmente autonomo, attraverso fasi caratterizzate da tematiche 

diverse. 

Gli strumenti che Braida usa per creare l’incanto sono la luce, il colore, una grandissima padronanza della tecnica, l’animo limpido e malinconico ed 

un amore sconfinato per la pittura. 

Tra il 2000 ed il 200 espone in collettive ed eventi personali a Pisa, Venezia, Brescia, Padova, Bari e Miami (Florida). Dell’ottobre 2006 è la personale 

Nei Segreti dell’Orizzonte allestita presso la Galleria San Lorenzo di Milano a cura di Luigi Meneghelli. Sia nel 200 che nel 2008 partecipa ai Week end 

dell’Arte d’Autunno e di Primavera, organizzati dalla Casa d’Arte San Lorenzo, allestiti ad Artimino (Prato), a Castiadas in Sardegna, a Casciana Terme 

(Pisa), e al Poggio dei Medici Golf Resort in Toscana. Sempre nel 2008 tiene la personale La linea d’acqua, nel Museo Tecnico Navale di La Spezia, 

curata da Anna Caterina Bellati. 

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Acrilici su carta telata riportata su tela, cm 0 x 0, 1966 

Ennio Calabria 

Nasce a Tripoli nel 193 e attualmente vive e lavora a Roma. È del 19 8 la sua prima personale alla Galleria La Feluca di Roma. Fu allora individuato 

dalla critica d’arte fra i pittori più significativi della generazione emersa tra il 19 0 e il 1960, esponente impegnato di una pittura rivolta al sociale. 

Nel 1963 insieme ai pittori Attardi, Farulli, Gianquinto, Guccione e Vespignani, e ai critici Del Guercio, Micacchi e Morosini, fonda il gruppo Il pro e il 

contro che diventa un forte punto di riferimento per le nuove ricerche figurative e realiste in Italia nel periodo dell’egemonia del mercato informale. 

Sue opere sono presenti al Metropolitan di New York, al Museo di San Paolo del Brasile, al Museo Puskin di Mosca, al Museo Wroclaw di Cracovia, al 

Museo di Arte moderna di Eliat (Israele), al Museo d’Arte Contemporanea di Sofia, alla Galleria Gucci di New York, alla Colombe d’Or di St. Paul-de- 

Vence (Francia). 

Ennio Calabria ha inoltre illustrato diversi volumi di poesia, racconti, nonché copertine per libri, e ha prodotto circa 0 manifesti. Un’antologica di suoi 

manifesti è stata esposta in varie città: Livorno, La Spezia, Forlì, Civitavecchia, Roma e, all’estero, a Helsinki, Budapest, Bucarest, Sofia, Kerni (Lapponia). 

Nel 1981 è uscito un volume antologico della sua produzione grafica dal 19 3 al 1981. 

È stato inoltre protagonista di vari filmati tra i quali: Lotta contro i mostri (documentario), 1964, regia di Gigi Di Gianni; Special 1975, regia di Sergio 

Pastore; Artisti d’oggi, programma di Franco Simongini; Un pittore la Sua città, 1986, regia di Roberto Locci; La città dentro, 198 , realizzato da Aldo 

Cimaglia e Alessandra Pedonesi. 

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Fabio Calvetti 

018 Piccola attesa 

Dipinto su tavola, cm 30 x 40, 2008 

Nasce nel 19 6 a Certaldo, in provincia di Firenze. Si diploma al Liceo Artistico e successivamente si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Qui 

segue la Scuola di Fernando Farulli che lo inserisce in un ristretto gruppo di studenti che attueranno una serie di esperienze pittoriche a contatto con 

diverse realtà sociali. Nel 19 8 si diploma all’Accademia di Belle Arti. Le tematiche della sua pittura sono indirizzate soprattutto all’analisi interiore 

e alle difficoltà di comunicazione indotte dal veloce modificarsi degli schemi sociali. Nel 198 al “SIAC” di Firenze viene inserito dal critico Tommaso 

Paloscia in Onda verde, una selezione di giovani artisti italiani. Con l’inizio degli anni Novanta comincia ad esporre all’estero, sia in Oriente che in 

Europa, grazie a collaborazioni permanenti con gallerie di grande importanza internazionale come la Shiraishi Gallery di Tokyo e la Schortgen Galerie 

di Lussemburgo. In questi anni è ricca e costante la sua presenza anche alle fiere internazionali di Ginevra, Amsterdam, Strasburgo, Gand, Den Haag e 

Kortrijk. Dopo questa esperienza internazionale le sue opere cominciano a trovare spazio anche in Italia e arrivano le significative personali di Napoli, 

alla Casina Pompeiana, a Genova presso la Galleria Guidi, a Certaldo nel Palazzo Pretorio ed a Ercolano, alla Villa Campolieto. Il lavoro internazionale 

continua anche negli anni più recenti attraverso le personali a Brest, Tokyo, Weimar, Nomea, in Nuova Caledonia, Osaka e Lione. Di rilievo la sua 

esposizione a Kwangju, Repubblica di Corea, al City Art Museum. Dal 2003 lavora in esclusiva per l’Italia con le gallerie “Artesanterasmo” di Milano 

e “Guidi” di Genova. 

30

019 Notre dame 

Olio su cartone, cm 40 x 0 

Maceo Casadei 

Nasce a Forlì nel 1899 dove muore nel 1992. Inizia a dipingere giovanissimo nello studio del pittore forlivese Giovanni Marchini. Nel 1912 si stabilisce 

a Lione dove studia presso l’Accademia Libera di Nudo. Qui frequenta l’artista concittadino Pietro Angelini. 

Dopo aver partecipato alla prima guerra mondiale, fa ritorno a Lione e successivamente rientra in Romagna per dedicarsi attivamente alla pittura. Le 

ristrettezze economiche lo obbligano a lavorare anche come ritoccatore fotografico. Nel periodo compreso tra gli anni Venti e Trenta, durante i quali 

ritorna di frequente a Lione, esegue scene teatrali, ornati e fregi murali. 

Nel 1934 accetta l’assunzione all’Istituto Nazionale Luce di Roma come disegnatore e pittore nel reparto trucchi cinematografici. È anche progettista, 

per conto dell’ente romano, di numerosi padiglioni fieristici. 

Nel 193 , due sue opere vengono acquistate dal Ministero dell’Educazione Nazionale ed esposte alla Galleria d’Arte Moderna di Roma. Durante la 

seconda guerra mondiale, dal 1941 al ’43, come reporter al fronte, scatta migliaia di fotografie ed esegue oltre quattrocento “impressioni” di guerra, 

alcune delle quali, nel 1942, vengono esposte alla Galleria Il Milione di Milano. Tra il 1946 ed il 194 è a Venezia dove frequenta Filippo de Pisis. 

Dall’inizio degli anni Cinquanta opera assiduamente a Forlì. Durante frequenti soggiorni in Francia, esegue dipinti ed acquerelli ispirati in particolare 

al paesaggio urbano parigino ed alla campagna lionese. Nel 19 9 realizza una delle sue maggiori opere decorative nella Chiesa dei Servi di Maria a 

Roma. Nel 1968 dona alla Pinacoteca comunale di Forlì un’ingente raccolta di sue opere. Maceo Casadei va considerato tra i principali continuatori 

della tradizione figurativa ottocentesca in ambito romagnolo. 

31

Giuseppe Chiari 


Tecnica mista su carta, cm 100 x 0 

Nasce a Firenze nel 1926 e vi muore nel 200 . È l’unico accreditato esponente italiano di “Fluxus”, è performer d’eccezione ed esploratore di una 

nuova dimensione, visiva e minimale, dell’esperienza musicale cui unisce da sempre pratiche più propriamente “artistiche” quali il collage, la pittura, la 

contaminazione di esperienza gestuale e di espressione verbale. Il suo background è fatto di pianoforte, di composizione musicale e matematica. 

Nel 1964 si affianca al “Gruppo 0” che gli suscita interesse per l’inedito e coraggioso tentativo di coniugare materiali ready-made estrapolati da 

rotocalchi, ma invertiti dal punto di vista del significato mediante il deviato e deviante utilizzo della parola: si tratta dell’atto di nascita della poesia 

visiva. Chiari non rinuncia mai a scrivere, sfornando testi considerati oggi veri e propri “pezzi di culto” delle neo-avanguardie e dei loro estimatori, e a 

produrre video-tape, autentici momenti di compenetrazione di immagine e suono. 

Le sue performances vengono ospitate fra l’altro, alla Biennale di Venezia nel 19 2, a Documenta di Kassel nello stesso anno, al Kunstmuseum di 

Lucerna e al Kunstverein di Hannover nel 19 3, al Royal College of Art di Londra nel 19 , al Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris nel 19 6, alla 

Galleria Comunale d’Arte Moderna di Bologna nel 19 , al Centre d’Art Contemporain di Ginevra nel 19 9, al Centre Pompidou di Parigi nel 1980, al 

Museum of Modem Art di New York nel 1989 e alla Rocca di Umbertine – Centro per l’Arte Contemporanea nel 1996. 

Realizzava concerti ed esecuzioni in teatri, centri musicali e spazi artistici di tutto il mondo. 

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021 Diana 

Carboncino, cm 100 x 0, 1990-91 

Antonio Ciccone 

È nato a San Giovanni Rotondo, in Puglia, e attualmente vive e lavora a Firenze. Nel 19 4 si è trasferito nel capoluogo toscano dove ha frequentato 

gli studi d’arte di Pietro Annigoni, Nerina Simi e la Scuola Libera del Nudo all’Accademia delle Belle Arti. Nel 19 8 ha eseguito il famoso affresco San 

Francesco nel Convento dei Cappuccini di San Giovanni Rotondo (Foggia). Nel 1962 ha dipinto l’affresco della Resurrezione nel Battistero di Santa 

Maria delle Grazie a San Giovanni Rotondo. Il cartone per l’affresco si trova nell’Oratorio della Beata Vergine Maria a Castagno d’Andrea a Firenze. Dal 

1963 al 1980 ha vissuto tra l’Italia e gli Stati Uniti. Nel 1964 ha eseguito il drammatico affresco Le stigmate di San Francesco nel Battistero di Santa 

Maria delle Grazie, sempre a San Giovanni Rotondo. Nella Sala di Lettura “Padre Pio” della cittadina pugliese si trova esposta un’importante collezione 

di sue opere dedicate a Padre Pio ed eseguite negli anni Settanta. Dal 1986 al 198 ha presentato una mostra itinerante in Inghilterra e Irlanda: Padre 

Pio e il Gargano. Nel 198 ha eseguito l’affresco La Natività, a Ponte Buggianese (Pistoia), l’anno seguente il dipinto La Resurrezione, collocato nel 

Chiostro del Palazzo di Città di San Giovanni Rotondo, e nel 1992 l’opera Composizione 1992-1993 per la Cassa Rurale ed Artigiana della medesima 

località. Le sue opere si trovano in musei e collezioni private. Considerato tra i principali ritrattisti mondiali, Ciccone è rinomato per i suoi maestosi 

ritratti in carboncino e in acrilico. Celebri sono le sue serie dedicate a personalità come The Lydia series e Omaggio a Pietro Annigoni. Molti i critici 

che hanno scritto su di lui: John T. Spike, Alberto Maria Fortuna, Giovanni Scarale, Roberta Fiorini, Paola Bortolotti, Maurizio Vanni, Antonio Paolucci 

e Tommaso Paloscia. 

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Goffredo Civitarese 

022 Dualismo 

Olio su tela, cm 0 x 0, 2004 

È nato a Chieti nel 1938. Si forma come autodidatta dedito alla figurazione: tra i suoi soggetti preferiti abbiamo nature morte e figure femminili 

realizzate con la tecnica a olio e ad acquerello. 

All’attività di pittore alterna quella di musicista, è infatti un ottimo chitarrista: esegue brani jazz e sud-americani. L’amore per la musica latina si 

rispecchia anche nella sua pittura: c’è sicuramente un parallelo fra la “saudad” e le sue modelle sensuali ed esotiche. 

Sull’artista hanno scritto: Bartorello, Della Loggia, Filoso, Freschi, Gatto, Graziani, Iorlando, Murolo, Orlando, Pellegrini, Ventinardi. 

34

023 Calore che orienta 

Olio su masonite, cm 0 x 34, 

Silvano D’Ambrosio 

È nato ad Hayange (Francia) nel 19 1, attualmente vive e lavora a Forlì. Ha studiato incisione col maestro Tono Zancanaro all’Accademia di Belle Arti 

di Ravenna tra il 19 4 ed il ’ 6. Del 19 è la sua prima mostra collettiva. Ha partecipato alla XIII Quadriennale di Roma. 

Ha esposto in numerose mostre personali e collettive a Cesena, Forlì, Bologna, Rimini, Ravenna e Roma. Negli ultimi anni ha partecipato anche a varie 

fieri tra le quali Arte Fiera Padova (2000) ed Expoarte Bari (2001). Tra le ultime mostre personali è da segnalare Passaggio fra i mondi, a cura di Alessandro 

Riva, presso lo Studio Vigato ad Alessandria. Nel 2002 espone nella collettiva Tutto l’odio del mondo presso Palazzo Reale di Milano ed è presente 

in altri eventi ad Ischia, Napoli e Pesaro. L’anno seguente partecipa alla mostra L’ebbrezza di Noè. Sedici Artisti per San Gimignano, a cura di Marisa 

Zattini, allestita alla Galleria Comunale d’Arte “Raffaele De Grada” di San Gimignano (Siena). Negli ultimi tre anni ha esposto a Salerno, Cesena, Cervia 

e Forlì. Nel 2006 è presente alla collettiva La collana bianca si colora, a cura di Agata Altavilla e Michele Saponaro, nel Palazzo Lanfranchi di Matera. 

Molti suoi disegni sono stati inseriti in diversi libri di narrativa, didattica e di favole, ad esempio: ventisette pitture su carta pubblicate nel volume Eden, 

Santi e qualche disastro, testi di Arnaldo Romani Brizzi e Claudio Spadoni (1996), copertina dell’Antologia italiana per scuola superiore, Libro d’angolo, 

di Iside Giambi, Edizioni F.lli Ferraro, Napoli e le illustrazioni de Il Narratore girovago – Favole, di Mirka Righi, Edizioni Area Sismica, Forlì (2006). 

3

Elio De Luca 

024 Ascoltando il tempo della vita 

Pastello su tela, cm 48, x 68, , 2008 

Nasce nel 19 0 a Pietrapaola, in Calabria. Giovanissimo si trasferisce a Prato, dove attualmente vive e lavora. Si diploma presso la Scuola d’Arte 

“Leonardo da Vinci” e nel 19 2 allestisce la sua prima personale alla Galleria Muzzi di Prato. Negli anni collabora con numerose gallerie tra le quali 

la Galleria Tornabuoni di Firenze, “L’immagine” di Arezzo, “Il Tetto” di Roma, “La Telaccia” di Torino, “Faustini” di Forte dei Marmi e “Paoli” di Prato. 

Molte le città in cui l’artista ha presentato i suoi lavori tra le quali Firenze, Roma, Pietrasanta, Massa, Lecce, Verbania, Brescia, Milano, Siena, Crotone, 

Forte dei Marmi e Prato. Sue opere entrano a far parte di collezioni pubbliche e private in Germania, Francia, Olanda, Belgio, Australia e Stati Uniti 

d’America. Nel 2001 espone presso la Galleria Arte Capital di Brescia. Nel 2002 è chiamato a realizzare l’VIII Palio della Costa Etrusca. Lo stesso anno, 

alla Galleria Comunale del Castello Aragonese di Taranto presenta la mostra itinerante Fermate il tempo, successivamente espone con due personali 

presso lo storico Palagio di Parte Guelfa e in Palazzo Panciatichi di Firenze. Nel 2004 allestisce l’evento Il palcoscenico dell’esistenza a Castelfiorentino. 

Nel 200 espone al M’ARS Contemporary Art Museum di Mosca, insieme ad un selezionato gruppo di artisti internazionali. Nel 2006 partecipa alla 

mostra collettiva Rifiuti preziosi – Il Nouveau Réalisme e la cultura contemporanea, tenutasi a Firenze nei prestigiosi locali di Palazzo Strozzi. Nel 200 

è stato uno degli artisti selezionati per rappresentare l’Istituto di Cultura Italiana all’Artist Istanbul Art Fair di Istanbul. Ha esposto di recente anche 

a Lecco, Cento (Ferrara) e Forte dei Marmi 

Ha inoltre intrapreso un’intensa attività espositiva negli Stati Uniti d’America: ha esibito le sue opere al Washington Convention Center di Washington 

DC, al Miami Beach Convention Center di Miami e al Boca Raton Gallery Centre, in Florida. 

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025 Misura 

Tecnica mista su tavola, cm 60 x 0 

Lucio Del Pezzo 

Nasce a Napoli nel 1933, ma vive e lavora a Milano. Nel 19 si diploma nel corso di Arte applicata, all’Istituto d’arte di Stato di Napoli. Frequenta, 

allievo di Emilio Notte, il corso di pittura all’Accademia di Belle Arti di Napoli. Tiene la sua prima personale a Padova. 

Nel 19 8 partecipa alla fondazione del Gruppo 58 di Napoli, collegato con il Movimento Nucleare guidato da Enrico Baj a Milano e con i gruppi Phases 

a Parigi, Spur a Monaco e Boa a Buenos Aires. 

Aderisce al “Manifeste de Naples” e partecipa attivamente alla creazione della rivista “Documento Sud”, rassegna di arte e di cultura di avanguardia. 

Negli anni ’60 si trasferisce a Milano ed espone alla Galleria Schwarz. Nel 1961 presenta la sua prima personale a New York. Nel 1964 realizza insieme 

ad altri artisti, tra cui Baj e Fontana, il Labirinto del Tempo Libero alla XIII Triennale di Milano, ottenendo uno dei premi internazionali. Partecipa sia 

alla XXXII che alla XXXIII Biennale di Venezia. 

Successivamente espone a Ginevra e Parigi. Lo Stato francese acquisisce due sue opere e gli commissiona due grandi sculture all’aperto. Nel 1969 è 

invitato a Cuba al Festival Mondiale dei Popoli dove presenta la scultura La Tomba di Marat. L’anno seguente una sua retrospettiva è ospitata all’Università 

di Parma a cura di Arturo Carlo Quintavalle. Nei primi anni del 19 0 collabora con la Olivetti e la Renault, insegna alla “Sorbonne” di Parigi e 

lavora per il Centre Pompidou. 

Negli anni Novanta i lavori importanti gli vengono commissionati dalla casa di moda Ferré e dal Comune di Napoli. Del 2000 è la sua prima grande 

retrospettiva in Germania. 

3

Giovanni Erbabianca 

026 Folletto curioso 

Scultura luminosa con assemblage di metalli di recupero, cm 32 x 81, 2006 

L’artista nasce nel 19 a Firenze. Interessato alla comunicazione e al mondo dell’infanzia, si diploma presso l’Istituto magistrale ”Gino Capponi” nel 

1994. Autodidatta nel campo della realizzazione artistica, ha cominciato ad interessarsi alla creazione di sculture luminose fin dagli anni giovanili e 

soltanto dal 2001 in modo continuativo. Partecipa, insieme alla moglie, al concorso “Nuove idee per nuove imprese”, indetto dal Comune di Firenze, 

e viene selezionato fra i primi cinquanta progetti presentati, aggiudicandosi la possibilità di accedere ai finanziamenti per l’attività. Sulla scorta di 

questa esperienza nasce l’atelier ”Fiori di luce” prima in via Romana e poi in Borgo San Frediano. Questa esperienza è determinante per farlo conoscere 

e per incontrare artisti che si muovono nel suo stesso ambito di interesse, cioè l’impiego di materiali di recupero. Nei primi anni del 2000 intensa è l’attività 

espositiva: partecipa infatti a molte mostre collettive: Art Tour - O presso Palazzo Coveri a Firenze (200 ), Rifiuti preziosi – Il Nouveau Réalisme e 

la cultura contemporanea, tenutasi sempre nel capoluogo fiorentino presso Palazzo Strozzi e TusciaElecta - Arte contemporanea nel Chianti (2006). In 

occasione dell’Estate Fiorentina del 2006 crea l’installazione G8 per l’acqua in Piazza Ghiberti. Nel 2008 partecipa all’evento collettivo Fragile, presso 

il Palazzo Comunale di Siena, e una sua opera entra a far parte della collezione permanente dell’azienda “Quadrifoglio S.p.A” di Firenze. Tutte le sue 

opere hanno una doppia valenza: quella espressiva e, soprattutto, quella ideale con cui vuole comunicare il possibile riutilizzo dei materiali. L’oggetto 

così creato fa rientrare “vecchi” oggetti nel ciclo vitale, senza che siano stati innescati ulteriori ed inquinanti passaggi di produzione. 

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Scultura luminosa con assemblage di oggetti di recupero, cm 99 x 124, 2008

028 Migrazioni 

Tecnica mista su tela, cm 0 x 0, 2008 

Paolo Fiorellini 

È nato a Sarzana (La Spezia) nel 1961, dove vive e lavora. Nel 198 frequenta l’Accademia d’arte di Carrara. Nel periodo iniziale, il suo lavoro artistico 

è caratterizzato da un linguaggio figurativo/espressionista, ma a partire dagli anni Novanta, con la conoscenza di maestri come Francesco Vaccarone 

e Giuliano Tomaino, la sua pittura approda a un gesto più informale, ricco di materia. Negli anni seguenti si cimenta anche in installazioni strutturate 

con vari materiali tra cui il silicone, nel quale include elementi spesso presi dalla natura, come fiori, erba o pesci. La pittura di Fiorellini si interessa 

alla sostanza e alla materialità del pigmento cromatico integrato alle superfici. Lui privilegia il colore per l’energia assorbita o irradiante, ma la sua 

vera trasgressione – desiderio di disorientamento del limite reale – è quella di proporre delle icone concrete utilizzate per suggerire un concetto, per 

significare una nozione astratta o un principio di ordine morale. Dentro il suo lavoro la simbolizzazione si presenta come un tessuto di superfici e 

oggetti sui quali nasce una sorta di filosofia degli sprofondamenti e degli affioramenti, per cui, attaccando una sua opera ci sentiamo invischiati in 

un continuo moto di segni che rivela la presenza di alcuni archetipi. Per Paolo l’arte è comunicazione e duplice incontro: introiezione ed esternazione 

– intesa come scambio dialettico del dato sensibile – dove dipingere diventa un tentativo di far slittare l’esistenza altrove, attraverso un desiderio di 

analisi e di riflessione. 

È attraverso il pensiero e l’azione che Paolo crea progressivamente un lavoro che potrebbe corrispondere al riflesso della società in cui vive: il pensiero 

attraverso i suoi gradi di libertà può rendere possibile ciò che sembra irraggiungibile. 

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Stefano Gattelli 

029 A immagine del cielo 


È nato nel 1962 a Forlì dove vive e lavora. Si è diplomato in decorazione all’Istituto d’Arte di Forlì e in pittura all’Accademia di Bologna. Si è occupato 

di incisione calcografica, decorazione murale, scenografia. Nel 1984 esordisce con la prima esposizione personale a Forlì. Nel 198 partecipa all’esposizione 

collettiva Eclissi: l’unione di ciò che deve rimanere separato, tenuta alla Galleria Mascarella di Bologna. Nello stesso anno prende parte a Ferrara, 

nelle “Sale Boldini”, alla mostra Estensioni e all’Italian Festival for multi-media work a New York. Nel 1986 concentra la propria ricerca essenzialmente 

sul tema del paesaggio; viene invitato dal critico Claudio Spadoni ad esporre alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia. Partecipa a numerose 

collettive e personali fino alla più recente, tenutasi a S. Agostino di Ferrara nel novembre del 2000. Nel 1996 collabora con la compagnia “Accademia 

Perduta”, dipingendo le scenografie per lo spettacolo itinerante Il bosco delle storie presso il Teatro Il Piccolo di Forlì. Nel 1999 riceve il “Premio Nella 

Versari” per la sua attività artistica e di ricerca, con la quale si è rivelato in grado di affermare compiutamente e riconoscibilmente una propria cifra 

stilistica e poetica. Ha tenuto lezioni di storia dell’arte e tecnica della pittura ad olio presso l’Università degli Studi di Bologna (“Scuola Superiore per 

Interpreti e Traduttori di Forlì”). Saggi sulla sua opera sono apparsi sulla rivista “Arte Mondadori” (aprile 1992 e agosto 1996). Ultimamente ha partecipato 

all’esposizione storica sugli Aspetti e figure del ‘900 in Romagna a Cesena e ha inaugurato la personale Isola sulla sorgente presso la Galleria 

Spazionove Arte Contemporanea di Faenza. Del 2004 è la mostra personale Luoghi senz’ombra a Forlì. 

40


Olio su tela, cm 0 x 90 

Mimmo Germanà 

È nato a Catania 1944 ed è morto a Milano nel 1992. Autodidatta, emerge all’inizio degli anni Ottanta con la Transavanguardia, termine col quale il 

critico Achille Bonito Oliva designa un gruppetto di artisti italiani, tra i quali Cucchi, Chia, Clemente, Paladino, De Maria, che rilanciano una pittura di 

figurazione visionaria, dai colori fauve, che recupera spunti e citazioni senza progetto, anche dall’arte del passato. 

Nel 1980 partecipa alla Biennale di Venezia. Nel 198 gli viene assegnato il “Premio Gallarate”. Espone in molte mostre personali in città italiane ed internazionali 

come: Modena, Düsseldorf, Vienna, Lecco, Parigi, Verona, Amburgo, Sidney, Milano, Genova, Roma, Torino, Il Cairo ed Alessandria d’Egitto, 

Bruxelles, Damas in Siria, Atene e Amman in Giordania. Tra le mostre retrospettive ricordiamo quella allestita nel 1994 al Museo d’arte contemporanea 

e Fondazioni Orestiadi a Gibellina, curata da Achille Bonito Oliva, e quella presso la Galleria Boxart di Verona, a cura di Francesco Gallo. 

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Giuliano Ghelli 

031 Sensazionale mare verticale 

Acrilico e pomice su tela, cm 40 x 30 x 4, 2008 

Nasce a Firenze nel 1944. La sua prima personale viene allestita nel 1961 alla Galleria Numero di Milano. Nel 19 4 pubblica Il Portapaesaggi, un volume 

di disegni con testi di Lara Vinca Masini. Nello stesso anno espone a Parigi e successivamente a New York. Seguono altre esposizioni all’estero: 

Los Angeles, Francoforte, Sidney, Brema, Siviglia, Bruxelles e Barcellona. In Italia espone alla X Quadriennale di Roma e alla X Biennale di Mentone. 

Arriva presto a superare le cento mostre personali. Nel 1992 espone nella “Sala del Tesoro” del Castello Sforzesco a Milano. La Mercedes Benz gli 

commissiona nel 199 venti opere per la nuova sede di Roma. Nel 2000 vince il concorso per la realizzazione di un murale su Pinocchio a Collodi. 

Anche il Museo Pecci ospita, nel 2001, una sua personale intitolata La Parola Colorata, riallestita alla Galleria d’Arte Moderna ad Arezzo. Nell’inverno 

dello stesso anno, Palazzo Panciatichi, sede del Consiglio Regionale toscano a Firenze, ha ospitato le sue opere. Nel 2002 uno dei suoi busti dipinti 

viene scelto come “Premio Milano per la Moda 2002”. Tra il 2004 e 200 espone a Miami, Portsmouth, Furnes (Belgio), Francoforte, Palermo, Cosenza, 

Firenze e Mosca. Esce la sua monografia Le vie del tempo, curata da Maurizio Vanni. Nel Febbraio 2006 è presente nuovament al M’ARS Contemporary 

Art Museum di Mosca. Personali recenti: Palazzo Coveri di Firenze, Castello dei Conti Guidi e Galleria d’Arte Contemporanea Palazzo Giorni di Poppi, 

Museo Archeologico di Massa Marittima, dove ha anche dipinto il palio di Agosto, Teatro Romano di Fiesole. Nell’agosto dello stesso anno gli è stata 

assegnata la “Vela d’Oro” della critica alla omonima Rassegna Internazionale di Marina di Ravenna. Tra il 200 ed il 2008 ha tenuto personali a Miami, 

Montevarchi, Carrara, Bredene (Belgio), Iseo e Jade (Germania), Tokyo, Kyoto, Miami, Mosca, Liegi, Anversa. Nel 2008 ha istituito la Fondazione 

Giuliano Ghelli a Poppi, in Casentino. 

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032 San Giorgio 

Olio su cartone, cm 1 x 2, , 19 2 

Virgilio Guidi 

Nasce a Roma nel 1891. Segue i corsi dell’Istituto tecnico a Roma e quelli serali della Scuola Libera di Pittura. Nel 1911 si iscrive all’Accademia di Belle 

Arti a Roma, nel corso di pittura tenuto da Aristide Sartorio. Comincia a riflettere sulla luce, elemento determinante dei propri dipinti. Nel 191 espone 

alla III Secessione romana. Nel 1922 e nel ‘24 è presente alla Biennale di Venezia. Sia nel 1926 che nel 1929 prende parte alla mostra del Novecento 

Italiano a Milano, al Palazzo della Permanente. Nel 192 è chiamato a insegnare pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia, sostituendovi Ettore 

Tito. Alla fine degli anni Venti si dedica alla pittura di paesaggi veneziani e asolani. Nel 1931 riprende i rapporti con Filippo de Pisis, già conosciuto a 

Roma. L’anno seguente tiene una prima mostra personale a Firenze ed espone alla XVIII Biennale di Venezia. Nel 1933 soggiorna a Parigi, dipingendovi 

paesaggi. A distanza di due anni si trasferisce a Bologna, dove insegna all’Accademia di Belle Arti. Sempre nel 193 partecipa alla II Quadriennale 

romana, dove è premiato. È presente alle biennali veneziane del ’36 e del ’40. Nel 1944 si stabilisce nuovamente a Venezia. Nel 19 0 prende parte 

al Movimento Spaziale, animato da Lucio Fontana. Dal 19 2 al 19 la sua ricerca pittorica procede per cicli tematici: Figure nello spazio, Angoscia, 

Presenze, Teste, Marine, Figure emblematiche e Tumulti. Dopo tre anni inizia il ciclo delle prime Architetture cosmiche, delle Marine astratte e dei 

Grandi occhi. Nel 1964 tiene una personale alla XXXII Biennale di Venezia. Del 19 1 è la sua antologica al Palazzo dell’Archiginnasio di Bologna. Nel 

19 2 comincia a dipingere i Grandi alberi, suggestionato dal paesaggio marchigiano conosciuto in occasione del viaggio a Recanati. L’anno seguente 

tiene una mostra nel Museo d’Arte Moderna Ca’ Pesaro di Venezia. Successivamente espone a Bologna, a Villa Simes a Piazzola sul Brenta, a Lugano e 

a Treviso. Nel 1980 si inaugura, nel Palazzo Fortuny di Venezia, il Museo Guidi. Muore a Venezia nel 1984. 

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Joseph Kaliher 

033 A pesca del sé 


Nasce nel 19 0 in Texas, vicino Ranger. A soli due anni si trasferisce a Firenze. Trascorre l’adolescenza tra l’Italia, gli Stati Uniti e l’Inghilterra. Ritorna 

nel capoluogo toscano nel 198 , qui segue lezioni private di disegno. Prosegue i suoi studi artistici in Belgio, frequentando il prestigioso Institut 

Superieur Van der Kelen et Logelain di Bruxelles, dove si specializza nella tecnica del trompe l’oeil e del faux bois et marble fiammingo. Lavora prima 

come ritrattista e poi come decoratore d’interni accanto all’architetto Michele Bonan. Molti i clienti importanti per cui l’artista americano crea, come 

ad esempio il principe Colonna di Napoli, Walfredo Della Gherardesca, i conti Branca, il marchese Ludovico Antinori, le famiglie Ferragamo, Modestini, 

fino a Paloma Picasso per la quale disegna prodotti d’alta moda. È nel 199 che Kaliher decide di dedicarsi unicamente alla pittura arrivando ad 

allestire mostre a Firenze, Prato e all’estero. Da ricordare le sue personali alla Fifth Season Gallery a Xania (Creta), al Club La Commedia a Marbella 

in Spagna, a Laguna Beach, a San Francisco, a Miami e a Santa Rosa in America. Nel 1998 si stabilisce a Milano dove partecipa ad alcuni concorsi 

artistici. A Firenze vince il III premio del concorso Acqua Arte, organizzato dalla Fondazione Enrico Coveri e presieduto dal prof. Vittorio Sgarbi; proprio 

nella collezione privata della famiglia Coveri è conservata un’opera del giovane artista. Alla fine degli anni Novanta si susseguono le mostre personali 

a Firenze, Milano, Genova ed in Inghilterra; nello stesso periodo partecipa alle fiere d’arte di Bologna, Udine e Montichiari. Nel 1999 Kaliher prende 

parte ad alcune collettive a Novara e a Genova. Il 2000 vede la sua collaborazione con la Galleria Paviglianiti di Firenze. Molte sue opere sono presenti 

in importanti collezioni private come quella della contessa Branca di Milano. 

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034 The mustard club 


Mark Kostabi 

L’artista e compositore nasce a Los Angeles nel 1960. Cresciuto a Whittier, California, studia disegno e pittura presso la California State University 

di Fullerton. Nel 1982 si trasferisce a New York e nel 1984 diviene una figura leader del movimento artistico “East Villane”. Sviluppa un personaggio 

provocatorio per i media attraverso la pubblicazione di articoli propri in cui commenta l’evoluzione dell’arte contemporanea. Nel 1988 fonda il “Kostabi 

World”, studio, galleria d’arte ed ufficio insieme in uno stesso complesso che apertamente impiega assistenti pittori e giovani creativi. Nel 1992 

il Mitsukoshi Museum ospita una sua mostra retrospettiva a Tokyo. Le sue opere si trovano nelle collezioni permanenti del Museum of Modern Art, il 

Metropolitan Museum of Art, il Guggenheim Museum, il Brooklyn Museum ed il Groninger Museum in Olanda. Recentemente l’artista ha realizzato un 

murale nel Palazzo dei Priori ad Arezzo e ha completato la scultura To See Through is not to See Into commissionata dalla città di San Benedetto del 

Tronto. La musica di Kostabi è stata eseguita a New York, Giappone, Italia ed Estonia da varie orchestre e pianisti fra i quali Rein Rannap, Kristjan Jarvi, 

Maano Mani, dall’Orchestra Sinfonica Nazionale dell’Estonia e dallo stesso Kostabi. Il suo primo CD è uscito nel 1998. Kostabi ha disegnato copertine 

di album (Use Your Illusion dei Guns N’ Roses, Adios Amigos dei “The Ramones”) e vari altri prodotti inclusi degli Swatch Watch, tirature limitate di 

vasi ed accessori per computer. L’artista ha pubblicato sette libri tra cui Sadness Because the Video Rental Store Was Closed, Kostabi: the early years e 

Conversations with Kostabi. Kostabi vive tra Roma e New York. 

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Julia Landrichter 


Tecnica mista su compensato marino, cm 0 x 90 e 30 x 90, 2008 

È nata a Vienna (Austria) nel 19 . Dopo alcuni anni di studio di Medicina presso l’Università di Vienna, segue corsi di disegno del nudo (Accademia 

di Vienna) e, una volta trasferitasi a Firenze, corsi di disegno, acquerello e tempera d’uovo presso la scuola dello “Studio Passeri”. Tra il 1998 e il 

1999 frequenta dei corsi singoli di Storia dell’arte presso la Facoltà di Lettere di Firenze finché non viene ammessa all’Accademia di Belle Arti di 

Firenze dove consegue nel 200 la laurea in Arti visive e Discipline dello Spettacolo e dove presta attualmente la sua collaborazione per le relazioni 

internazionali. 

Ha esposto in gallerie e sedi pubbliche a Firenze (Palazzo Strozzi, Stazione Leopolda), Prato, Lastra a Signa, Montecatini, Pistoia, Roma, Livorno, Belgrado 

e Vienna. 

Nel 200 è stata selezionata, insieme ad altri artisti, per rappresentare l’Istituto Italiano di Cultura all’Artist Istanbul Art Fair di Istanbul. Nell’estate 

del 2008 ha partecipato al “Premio nazionale di pittura Ciuffenna”, indetto dal Comune di Loro Ciuffenna, vincendo il premio della “Menzione speciale 

della critica”. Le sue opere fanno parte delle collezioni “Coface Austria” (Vienna), di “Quadrifoglio S.p.A.” (Firenze) e del Comune di Livorno. 

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036 Light emotion 

Olio su tela riciclata, cm 64 x 41 x 6, 2008 

Renato Li Vigni 

Renato Li Vigni nasce a Barinas, in Venezuela, nel 19 0, nella stessa città frequenta l’Accademia di Belle Arti. Nel 19 9 si trasferisce in Italia stabilendosi 

a Bagheria, in Sicilia. A Palermo si diploma nel 1933 all’Accademia di Belle Arti. Negli anni Ottanta comincia a partecipare a concorsi ed a mostre 

collettive nell’hinterland palermitano. Nel decennio successivo si dedica a rappresentazioni religiose realizzando nel 1993 un paliotto d’altare per la 

Chiesa Madonna della Catena a Palermo e nel 199 un fonte battesimale per la Cattedrale della stessa città. Nel 2000 crea una serie di dipinti narranti 

la vita di Padre Pio per la “Casa di Preghiera” a Ficazzari (Palermo). Dopo due anni si trasferisce a Lastra a Signa (Firenze), dove attualmente vive e lavora. 

Continua il suo interesse per le tematiche religiose, ma affrontate con un nuovo linguaggio, quello astratto e materico. Nel 2002 espone a Firenze, 

Certaldo e Montespertoli. L’anno seguente viene selezionato per partecipare al “Premio Arte 2003 Giorgio Mondadori” dedicato ai giovani artisti. Nel 

2004 partecipa al “I Concorso Nazionale Alberto Sordi” presso la Biblioteca Nazionale di Roma. In questo stesso anno è presente all’Expo Arte Bari ed 

espone le sue creazioni nella collettiva Il Guardiano dei Sogni presso Villa Demidoff a Pratolino. Nel 200 partecipa al concorso di pittura indetto dal 

Ministero delle infrastrutture e dei trasporti a Palermo e nel 2006 partecipa alla mostra collettiva Strumenti di Speranza. La musica nelle arti visive, 

allestita presso la Civica Pinacoteca Amedeo Modigliani a Follonica (Grosseto), curata dal critico d’arte Maurizio Vanni. Alcune sue opere si trovano in 

collezioni private in Italia e all’estero come nella Collezione del Presidente della Repubblica Carlo Azeglio Ciampi e in quella dei Principi di Savoia. 

4

Marco Lodola 

037 Ballerini 

Luminaria in perspex e neon, cm 136 x 1 x 12, 2002 

Nasce a Dorno (Pavia) nel 19 . Frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e di Milano. 

Agli inizi degli anni ’80 fonda con un gruppo di artisti il movimento del Nuovo Futurismo, di cui il critico Renato Barilli è stato il principale teorico. 

Dal 1983 ha esposto in grandi città italiane ed europee quali Roma, Milano, Firenze, Bologna, Lione, Vienna, Madrid, Barcellona, Parigi e Amsterdam. 

Ha partecipato ad esposizioni e a progetti per importanti industrie quali Swatch, Coca Cola, Vini Ferrari, Harley Davidson, Ducati, Riva, Illy (collana di 

tazzine d’autore), Dash, Valentino, Coveri, Fabbri, I Mirabili, Shenker, Seat e Lauretana. 

Nel 1994 espone a Pechino, mentre nel 1996 inizia a lavorare negli Stati Uniti. Partecipa alla XII Quadriennale di Roma e alla VI Biennale della Scultura 

di Montecarlo. Nel 2000 realizza a Palermo Gli avidi lumi, quattro totem luminosi alti sei metri, e l’anno seguente cura l’immagine del Carnevale di 

Venezia. Nel giugno 2002 crea la scultura luminosa A tutta birra, dedicata alla figura dell’imprenditore Venceslao Menazzi Moretti, e nel 2003 realizza 

la luminosa Venerea nell’ambito della mostra Venere svelata di Umberto Eco tenutasi al Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles. Nel 200 realizza un manifesto 

per le Olimpiadi invernali di Torino, una collezione di mobili per Mirabili, la maglia rosa per l’88° Giro d’Italia, il logo per la trasmissione “Speciale 

per voi...” di Renzo Arbore, nonché la nuova immagine di “Roxy bar” per Red Ronnie. Nel 2006 è stata collocata una scultura luminosa all’aeroporto 

internazionale di Città del Messico. 

Tra le altre cose ha realizzato anche l’immagine del centenario del movimento pacifista di Gandhi, dei cento anni di Fiat Avio e dei cento anni della 

fondazione della Juventus, il marchio Air One, la facciata dell’Ariston e del Casinò in occasione del 8° Festival di San Remo. 

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Carta dipinta applicata su tela grezza, cm 80 x 60, 2002 

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Enrico Lombardi 

039 Inizio della fuga 

Acrilici su tela, cm 60 x 40, 2004 

Pittore e scrittore, nasce nel 19 8 a Meldola (Forlì-Cesena), dove vive e lavora. Diplomato al Liceo Classico di Forlì e all’Accademia di Belle Arti di 

Bologna, da anni svolge un’intensa attività espositiva in Italia e all’estero. Dopo l’esordio a Ferrara nel 19 9, espone a Bologna (Galleria Mascarella, 

1984-198 ), Ravenna (Galleria Il Patio, 198 -1989), Milano (Spazio Noa, 1992-1993-1994) ed a Rimini. 

Tra le mostre più importanti vi sono le tre recenti antologiche a Bologna (Galleria delle Arti, 199 ), a Montpellier (Galerie Wimmer, 1999) ed a Meldola 

(Chiesina Ospedale, “Premio Nella Versari”, 2002) e le personali alla Galleria Forni di Milano, nel 2000, ed a Bologna nel 2002. 

Numerosi critici di rilevanza nazionale (Marco Goldin, Nicola Micieli, Michele Loffredo, Alessandro Riva, Claudio Spadoni) lo invitano dal 1984 a importanti 

rassegne collettive, premi e fiere d’arte. Fra questi eventi si possono ricordare la recente Sui Generis (PAC, Milano 2000), la Biennale Giovani 

(GAM, Bologna, 198 ), Tendencies (Barcellona, 198 ), Iª Biennale dell’Emilia Romagna (Bologna, 1993), Biennale Romagnola (Cesena, 199 , 3° Premio), 

Biennale della Figurazione Fantastica (Poppi – Arezzo, 199 ). 

Viene invitato due volte a partecipare al “Premio Campigna” (Santa Sofia – Forlì, 198 -1990) ed a numerose altre mostre a Venezia, New York, Sofia, 

St. Etienne, Honfleur, Treviso, Conegliano Veneto. 

Il nuovo Museo di Conegliano Veneto e la Pinacoteca di Forlì possiedono una sua opera. 

0

040 Nel verde della collina 

Acrilici su carta riportata su masonite, cm 33, x 4 , 19 

Pompilio Mandelli 

Nasce nel 1912 a Villarotta di Luzzara (Reggio Emilia) e muore a Bologna nel 2006. Frequenta il Liceo Artistico a Bologna, dove si trasferisce nel 1928 

e conosce Giorgio Morandi, suo insegnante. Dal 1932 frequenta l’Accademia di Belle Arti di Bologna dove, oltre a Morandi (titolare della cattedra di 

Incisione), gli è maestro Virgilio Guidi, di cui diventerà assistente e a cui succederà nel 1963, nella cattedra di Pittura, restandone titolare fino al 19 8. 

Nel 1940 espone alla Biennale di Venezia (partecipa complessivamente a nove edizioni, con sale personali nel 19 6, nel 1962 e nel 19 2). La prima 

mostra personale è, nel 1946, alla Galleria di Cronache a Bologna. Da allora molte, e di rilievo, sono state le mostre, con presentazioni e recensioni di 

critici autorevoli (si possono citare, tra gli altri, Francesco Arcangeli, Carlo Volpe, Giuseppe Raimondi, Carlo Munari, Alberto Martini, Franco Russoli, 

Lamberto Priori, Duilio Courir, Attilio Bertolucci, A. Carlo Quintavalle, Renato Barilli, Maurizio Calvesi, Andrea Emiliani, Flavio Caroli, Marco Valsecchi, 

Franco Solmi, Luciano Anceschi, Pier Giovanni Castagnoli, Luigi Carluccio, Roberto Tassi, Claudio Spadoni, Adriano Baccilieri, Eugenio Riccomini, Dario 

Trento, Marilena Pasquali, Fabrizio D’Amico, Flaminio Gualdoni). Tra le tante esposizioni, bisogna ricordare l’antologica dedicatagli dal Comune di 

Reggio Emilia nel 19 6 (con testi in catalogo di Barilli, Tassi e Castagnoli), quella di tempere, studi e disegni promossa dai Civici Musei nel 1988 e la 

mostra antologica di Bologna (199 ), a cura di Pier Giovanni Castagnoli. 

1

Mattia Moreni 

041 Umanoide gonfio di computer. Perchè?... 

Pastelli su carta, cm 0 x 0, 199 

Nasce a Pavia nel 1920 e muore a Brisighella nel 1999. Si forma all’Accademia Albertina di Torino. Nel ’4 è tra i promotori del “Premio Torino”, prima mostra “di 

rottura” nel capoluogo piemontese. Dipinge le prime “angurie”, motivi d’elezione della sua iconografia. Attorno al ’ 0 soggiorna ad Antibes e nelle isole della laguna 

veneta innestando nella sua pittura più espliciti riferimenti naturalistici. Dal 19 3 dipinge opere che traducono le scansioni della fase geometrica in elementi oggettivi 

di paesaggio e da quella data il suo linguaggio converge verso un ambito astratto informale e gestuale. Dal 19 6 al 1966 vive a Parigi. Allestisce una sala personale 

con nove tele alla Biennale di Venezia del 19 6 (vi esporrà ancora nel ’60, nel ’ 2 e alla mostra del centenario nel ’9 ). Attorno al ’ 8 dipinge sul tema di Nuvole: il 

dato di natura che diventa paesaggio rimane il principale riferimento iconografico di Moreni, anche nelle opere degli anni ’60. Dal 1964 dipinge quasi esclusivamente 

sul tema dell’anguria: il frutto viene letto in chiave simbolico esistenziale, come segnale di morte, d’incubo, di violenza, di disfacimento. Il motivo diventa progressivamente, 

lungo gli anni ’ 0, quello di un sesso femminile, considerato incapace di generare nuovi frutti, puro “oggetto di consumo”. La successiva trasformazione delle 

“angurie” lo spinge verso una materia sfatta e virulenta. Negli anni ’80 il suo linguaggio recupera una nuova carica di violenta gestualità espressionista che si manifesta 

in grottesche immagini visionarie. Dal 1983 pratica nella pittura quello che egli stesso definisce “il regressivo consapevole”: ne nasce una figurazione elementare e 

beffarda, condotta spesso su grandi dimensioni e disegnata direttamente col tubetto del colore, con interventi di scrittura graffita o ripresa a colore. Si tratta di opere 

fortemente trasgressive e dichiaratamente provocatorie. Vastissimo il curriculum espositivo dell’artista: prime personali al “Milione” di Milano nel 194 e 1949; ampie 

antologiche al Kunstverein di Leverkusen e al Museo Civico di Bologna nel 1964-196 ; mostre alla Pinacoteca Comunale di Ravenna nel 19 ; al Padiglione d’arte 

contemporanea di Milano nel 1980; antologiche a S. Sofia di Romagna nel 198 , alla Galleria Comunale di Arezzo nel 1989, al Centro d’arte CL di Milano nel 1992. 

2

042 Collina dalmata 


Anton Zoran Music 

Nasce nel 1909 a Gorizia, dove muore nel 200 . Tra il 1930 e il 193 frequenta l’Accademia di Belle Arti a Zagabria. Sempre nel 193 , conclusi gli 

studi, soggiorna a Madrid e a Toledo. L’anno seguente risiede in Dalmazia. Partecipa a due mostre collettive a Zagabria e Lubiana (1941-1942). Nel 

1944 le SS lo arrestano e lo deportano a Dachau. Dall’aprile del 194 dopo la lunga odissea del viaggio di ritorno è libero e nel 1946 torna a Venezia. 

In questo periodo lavora intensamente ed incomincia a vendere le sue opere a prestigiosi collezionisti come la contessa Pecci-Blunt e la principessa 

Caetani. Soggiorna spesso in Svizzera, specie a Zurigo, e vi esegue le prime litografie (1948), incide per la prima volta a puntasecca nel 1949. Nel 1948 

espone per la prima volta alla Biennale di Venezia. Vince, assieme a Corpora, il “Premio Parigi” per la pittura (19 1); espone alla Galérie de France a 

Parigi (19 2). Si fa conoscere a New York e Londra. Nel 19 e partecipa alla Quadriennale romana con una sala personale. Ottiene il “Premio della 

Grafica” alla Biennale Internazionale di Venezia (19 6), alla Biennale di Lubiana (19 ) e il “Premio UNESCO” alla Biennale veneziana (1960). Nel 

frattempo incrementa l’attività d’incisore e, più tardi, di litografo. Nel 1962 viene pubblicato il catalogo completo dei suoi disegni dal 194 al 1961. 

Vanno citate le ampie retrospettive svoltesi a Parigi (19 2), Darmstadt (19 ), Venezia (1980), con particolare menzione della mostra veneziana Music 

opere 1946-1985 e Zoran Music all’Accademia di Francia a Roma (1992), poi presentata a Palazzo Reale di Milano. Nel 1994 espone al Centro Culturale 

Bancaixa a Valencia. Nel 199 si inaugura una grande retrospettiva a Parigi a cura del commissario dell’esposizione Jean Clair. Alla fine dell’anno la 

Bayerische Akademie di Monaco ospita l’esposizione personale Gli anni della maturità. Del 199 è la mostra che abbraccia tutta l’opera dal 194 al 

199 , allo Schirn Kunsthalle di Frankfurt. 

3

Ugo Nespolo 

043 Sempre avanti 

Acrilici su legno, cm 40 x 30 

È nato a Mosso Santa Maria (Biella) nel 1941. Si diploma all’Accademia Albertina di Belle Arti con Enrico Paulucci. I suoi esordi nel panorama artistico 

italiano risalgono agli anni Sessanta. La sua produzione si caratterizza subito per un’accentuata impronta ironica, trasgressiva, per un personale 

senso del divertimento che rappresenterà sempre una sorta di marchio di fabbrica. Negli anni Settanta Nespolo ha il primo approccio con il cinema e 

incomincia anche la sperimentazione con diverse tecniche (ricamo, intarsio) e materiali inconsueti (alabastro, ebano, madreperla, avorio, porcellana, 

argento). Nasce in questo momento L’albero dei cappelli poi prodotto in serie come elemento d’arredo. Negli anni Ottanta l’artista trascorre parte dell’anno 

negli Stati Uniti. In questi stessi anni si dedica al settore dell’arte applicata: lo testimoniano i circa cinquanta manifesti realizzati per esposizioni 

ed avvenimenti vari, il calendario Rai dell’86, le scenografie per l’allestimento americano della Turandot di Busoni, le videosigle Rai (come Indietro Tutta 

con Renzo Arbore). Nel 1990 il Comune di Milano gli dedica una grande mostra a Palazzo Reale. Dello stesso anno è la campagna pubblicitaria per la 

Campari. Nel 1991 partecipa in Giappone al Festival internazionale di ceramica. L’anno successivo espone a New York. Del 199 sono l’antologica Casa 

d’Arte Nespolo al Palazzo della Permanente di Milano e la personale Pictura si instalatu di Bucarest. Nel maggio 1996 assume la direzione artistica della 

Richard-Ginori. Espone anche a Malta, Buenos Aires, Cordoba, Mendoza e Montevideo. Nel 2003 realizza la maglia rosa del Giro d’Italia. Nel 200 , a 

Torino, realizza delle opere tematiche nelle stazioni della metropolitana. Nel 200 dipinge il drappellone del Palio di Siena del 16 agosto e firma scene 

e costumi per l’opera Madama Butterfly che inagura la 3ª stagione del Festival Puccini di Torre del Lago Puccini. 

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Tecnica mista, collage e zanzariera, cm 110 x 80, 2000 

Mimmo Paladino 

È nato a Paduli (Benevento) nel 1948. Si iscrive al Liceo Artistico, che frequenta dal 1964 al 1968. Nel 19 realizza un grande pastello sul muro della 

galleria di Lucio Amelio a Napoli e partecipa inoltre alla rassegna Internationale Triennale für Zeichnung organizzata a Breslavia. Gli anni a cavallo tra il 

’ 8 e l’80 sono da leggersi come un periodo transitorio tra le posizioni concettuali sulle quali era assiso inizialmente e la rinnovata attenzione per la pittura 

figurativa. Gli inizi degli anni Ottanta, però, si identificano sempre maggiormente con l’affermazione delle potenzialità di una pittura referenziale. Rientra 

nel gruppo della Transavanguardia, di cui fanno parte Chia, Clemente e Cucchi. Grazie a mostre itineranti l’arte di Paladino viene conosciuta all’estero 

dove riscuote immediatamente larghi consensi. Paladino si dedica anche all’attività incisoria. Tra il 1990 ed il 199 espone a Benevento, Trento, in cinque 

musei brasiliani (Museo de Arte de Sau Paulo, Museo da Gravura di Curitiba, Museo de Arte Moderna di Belo Horizonte, Museo de Arte Moderna di Brasilia, 

Museo de Arte Moderna di Rio de Janeiro), Firenze, Pechino e Napoli, il capoluogo campano gli dedica infatti una grande mostra alle Scuderie di Palazzo 

Reale, a Villa Pignatelli Cortes e in piazza Plebiscito. Del 1999 è la grande mostra personale alla South London Gallery. Tra il 2002 e il 2003 il Centro di 

arte Contemporanea “Luigi Pecci” di Prato gli dedica, a cura di Bruno Corà, la più completa mostra retrospettiva organizzata da un museo italiano. Sempre 

nel 2003 espone con Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi e Nicola De Maria alla mostra Transavanguardia 1979-1985 al Museo di Arte Contemporanea 

Castello di Rivoli. L’anno seguente esegue le porte per la chiesa di Renzo Piano in onore di Padre Pio a San Giovanni Rotondo. Negli ultimi anni 

ha esposto alla Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro a Venezia, al Museo Capodimonte di Napoli, alle gallerie “Cardi” e “Christian Stein” di 

Milano e alla Waddington Galleries di Londra, al MADRE a Napoli, alla Galerie Thaddaeus Ropac di Parigi, alla Galleria Civica di Modena.

Pierclaudio Pantieri 



Nasce a Meldola (Forlì-Cesena) nel 192 . Studia all’Istituto d’Arte di Faenza ed all’Accademia di Belle Arti di Ravenna. Fin dai primi anni Cinquanta 

svolge un’intensa attività artistica prevalentemente in campo ceramico ottenendo importanti riconoscimenti a livello nazionale. Opera anche come 

mosaicista. È presente alla Triennale di Milano ed alla Quadriennale romana nel 19 1. Soggiorna a Parigi e a Colonia. Come pittore, dal 19 9, è presente 

in diverse rassegne d’arte nazionali ed internazionali. 

Nel 1960 si tiene la sua prima importante esposizione personale alla Galleria Paul Ambrosie di Parigi. 

Inizialmente attratto dalle esperienze post-cubiste, alla pari di altri giovani coetanei romagnoli, e quindi dalla militante pittura neorealista, Pantieri 

opera dalla fine degli anni Cinquanta nel solco di un decorativismo ricco di cifre simboliste e di spunti allegorici. 

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046 Mezzaluna fertile 

Tecnica mista e acrilico su tela, cm 80 x 80, 2008 

Fiorella Pierobon 

È nata a Somma Lombardo (Varese) nel 1960. Pittrice autodidatta, sin da giovanissima sceglie di rappresentare la vita quotidiana attraverso l’uso 

della matita e dei colori. Partecipa a diverse mostre collettive di pittura in Italia nella prima metà degli anni Ottanta. Il lavoro come presentatrice in 

televisione non le lascia però il tempo necessario per continuare a dipingere. Nel 2003 lascia la carriera intrapresa a Canale e, avendo più tempo 

libero, ritorna ai suoi primi amori: pittura e fotografia. 

Nel 200 partecipa in qualità di membro della giuria, a diverse esposizioni di quadri e sculture nel sud della Francia e questo la conduce a riprendere 

a dipingere. Nel 200 il suo sogno di sempre si realizza: apre a Nizza, in Francia, il suo atelier d’arte al 31 di rue Droite, la via degli artisti nella vecchia 

Nizza. 

Proprio in quell’anno partecipa a numerose esposizioni e fiere d’arte a Londra, Nizza, Mentone, St. Jean-Cap Ferrat, Hyères, Valbonne, Breil sur Roya, 

Ventimiglia, Cannes. Nel 2008 presenta le proprie opere a Madonna di Campiglio, Mapello (Bergamo) ed a Osaka in Giappone. Sempre del 2008 è la 

mostra personale Percorsi di luce allestita ad Altopascio (Lucca) ed a Aspremont. Negli ultimi anni ha ricevuto prestigiosi premi e riconoscimenti come 

il “Diploma d’onore” per l’originalità delle opere dell’Academie des Beaux Arts de Provence Côte d’Azur e la “Targa d’argento” del Presidente della 

Repubblica al “XXIV Premio Agazzi” di Mapello (Bergamo).

Antonio Possenti 

047 I pesci d’oro 

Olio su cartone telato, cm 40 x 30 

È nato nel 1933 a Lucca, dove vive e lavora attualmente. Dopo la laurea in Giurisprudenza conseguita a Pisa, avvia la sua carriera di avvocato, ma ben 

presto si dedica all’insegnamento delle materie giuridiche. All’arte si avvicina come autodidatta, dipingendo e dedicandosi sia al disegno che all’illustrazione. 

Dal 1960 si dedica completamente alla pittura, utilizzando le tecniche dell’acquerello e dell’olio. Fondamentali per la sua carriera sono stati 

gli incontri con Chagall a Vence nel 19 8. Successivamente è stato il suo interesse per l’arte classica e per tutta l’arte contemporanea ad influenzare il 

suo stile. Entra a far parte del catalogo Bolaffi grazie alle segnalazioni di Dino Buzzati, nel 19 2, e di Pier Carlo Sestini, nel 1982. Nel 1984 allestisce 

varie personali: alla Galleria Comunale di Grosseto, alla Galleria Davico di Torino, alla Galleria Il Minotauro di La Spezia. Del 198 sono le mostre al 

“Tempietto” di Brindisi e alla Galleria Arco di Madrid. Numerose le sue presenze alle rassegne nazionali ed internazionali: alla Quadriennale di Roma, al 

“Premio Fiorino” di Firenze, al Salone Internazionale di Parigi e alla Biennale di Madrid. Ha inoltre esposto nelle principali gallerie nazionali ed estere: 

“Gianferrari”, “Il Milione”, “Appiani Arte 32” a Milano; “Marescalchi” e “Forni” a Bologna; “Davico” e “Biasutti” a Torino, “Poggiali e Forconi” a Firenze, 

“Aminta” a Siena; “L’Immagine” ad Arezzo; “East West Gallery” di Londra; “Art Diagonal” a Barcellona, “Rutzmoser” a Monaco di Baviera, “Philippe Gumiot” 

a Bruxelles. Ha presenziato ad importanti fiere internazionali come a Bologna, Parigi, Miami, Los Angeles, Istanbul, Barcellona, New York, ecc. 

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048 Reperto 34 

Tecnica mista su carta cotone, cm 3 x 2 , 200 

Rudy Pulcinelli 

È nato a Prato, la città dove attualmente vive, nel 19 0. Nel 1990 consegue il diploma di Maturità d’Arte Applicata come disegnatore di Architettura e 

Arredamento. Nel 1990 si iscrive alla Facoltà di Architettura presso l’Università degli studi di Firenze; inizia così una interessante e feconda reciprocità 

fra cultura architettonica e sensibilità artistica. Nell’avvicinarsi alla pittura inizia la ricerca materica associata ad una volontà di sintesi che lo porterà 

verso l’informale e l’astrazione. 

Nel 199 espone negli Stati Uniti ed in particolare in Arkansas, Louisiana e Virginia. Dal 1998 tiene corsi di decorazione e discipline plastiche presso 

Istituzioni ed Enti privati. Negli ultimi anni, senza tralasciare la sperimentazione pittorica, sente la necessità di misurarsi anche con altre forme 

espressive e con altri materiali: nascono così le sculture in cemento, in pietra leccese e le opere ceramiche e in vetroresina. Nel 2000, la città di Firenze 

gli conferisce il “Fiorino d’Oro” del Premio Firenze, nella sezione scultura. Nel 2004 viene invitato, con altri artisti contemporanei toscani, dall’Assessorato 

alla Pubblica Istruzione e Cultura del Comune di Pontedera, in collaborazione con “Matithyàh servizi per la cultura e l’arte”, a partecipare ad 

un progetto per curare un laboratorio di educazione all’immagine da svolgere nelle scuole elementari e medie del comprensorio cittadino: all’interno 

di questo progetto, l’artista gestisce due laboratori di pittura ed uno di scultura. Nel 2008 riceve l’invito ad esporre al Museo Stauròs d’Arte Sacra 

Contemporanea di Teramo in occasione della XIII Biennale di Arte Sacra Contemporanea. Le sue opere figurano in importanti collezioni pubbliche e 

private, italiane ed estere. 

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Alfredo Rapetti 

049 Lettera privata 

Acrilico su tela, cm 80 x 80, 2004 

Nasce a Milano nel 1961. Giovanissimo, attraverso il nonno materno Alfredo de Pedrini (Presidente dell’Associazione Arti Grafiche) conosce e frequenta 

molti pittori milanesi degli anni Sessanta e Settanta e inizia a dipingere. A sedici anni frequenta per due anni la Scuola del Fumetto a Milano. Nel 

1996 è invitato dai maestri Alessandro Algardi e Mario Arlati, a condividere il loro studio milanese con cui collabora per quattro anni. Nel 1998 inizia 

a collaborare con il fotografo Fabrizio Ferri a dei progetti multimediali. Dal 1999 inizia ad esporre in numerose personali e collettive sia in Italia che 

all’estero (Boca Raton, Lugano, Montecarlo, Berlino). Dal 2004 fa parte del gruppo Signes et traces, fondato a Parigi dal maestro Riccardo Licata. Nel 

200 vince il Premio Provincia di Roma. Nel 2006 espone in eventi personali a Milano, Roma, Como, Firenze, Brescia, Bologna, Palermo e Napoli Tra le 

ultime collettive a cui ha partecipato possiamo ricordare: Rifiuti preziosi - Il Nouveau Réalisme e la cultura contemporanea, tenutasi in Palazzo Strozzi 

a Firenze, Dreaming al Foreign Art Museum di Riga, Art en Capital al Grand Palais di Parigi (2006), Segni di confine alla Fiera d’Arte di Istanbul (200 ). 

Dal 2000 sono stati pubblicati sette libri monografici sulle sua opere, l’ultimo dal titolo Alfredo Rapetti. S’i fossi foco, uscito nel 2006. 

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050 Maternità 


Gregorio Ravaioli 

Nasce a Mercato Saraceno (Forlì-Cesena) nel 19 2. Si forma come autodidatta e negli anni Settanta segue le esperienze della nuova figurazione, con 

un occhio particolare alla pittura popolare e votiva di cui capta la spontaneità che spesso vela d’ironia (guarda molto le opere di Daumier e Rops). 

Nei vari anni affronta temi ricorrenti come: il filosofo, Ulisse, le croci ed i rosari, gli eroi della modernità, con citazioni colto-primitive da Mondrian a 

Fontana. Le sue creazioni appaiono un caleidoscopio, col tempo più misurato e consapevole, in cui fra colori acidi e esplosivi spesso fanno capolino 

danze macabre (gotico-messicane), prodotti di consumo appesi al vuoto, santi risibili. 

Sembra quasi che la pittura di Gregorio si realizzi nell’incessante ricerca di se stessa mentre si domanda il senso delle cose. 

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Piero Ruggeri 


Acrilici su tela, cm 80 x 60, 2002 

È nato a Torino nel 1930, qui frequenta il corso di pittura all’Accademia Albertina di Belle Arti e si diploma nel 19 6. Ancora studente partecipa a 

numerose esposizioni, ottenendo ben presto diversi riconoscimenti ufficiali. Tra i primi ad occuparsi del suo lavoro sono Francesco Arcangeli e Luigi 

Carluccio. Inizia una numerosa serie di mostre personali e collettive che vedono le sue opere esposte, oltre che in Italia, in Austria, Svizzera, USA, Belgio, 

Brasile, Francia, Russia, Australia, Egitto. Partecipa a numerose edizioni di Italia-Francia, della Biennale di Venezia e della Quadriennale di Roma. 

Vince premi nazionali e internazionali tra cui sono da ricordare il premio “Morgan’s Paint”, “Solomon Guggenheim”, “Marzotto” e “Fiorino”. 

Tra le mostre personali sono da citare le antologiche di Palazzo dei Diamanti a Ferrara, nel 1984, alla Villa Reale di Monza, nel 198 , e al Circolo degli 

Artisti di Torino, nel 1986. Dal 1963 al 198 insegna figura al Liceo Artistico di Torino. Dal 19 1 Ruggeri si trasferisce a Battagliotti di Avigliana dove 

vive e lavora. 

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Olio su tela, cm 40 x 20 

Ernesto Treccani 

È nato a Milano il 26 agosto del 1920. È entrato giovanissimo, mentre ancora seguiva gli studi di ingegneria, nei gruppi di avanguardia artistica e di 

opposizione nei confronti della cultura fascista. 

Direttore della rivista “Corrente”, espose per la prima volta nel 1940, con gli amici Biroli, Guttuso, Migneco, Sassu e gli altri membri del gruppo. 

Nel 1949 la Galleria Milanese presentava la sua prima personale. In quel periodo incominciò a dipingere anche a Parigi, da allora significativo punto 

di riferimento per il suo lavoro. 

Nel 19 0 partecipò con opere in bianco e nero alla Biennale di Venezia e, successivamente, nel 19 2 e nel 19 6, con mostre personali di disegno e di 

pittura alla XVI e XVIII edizione; nello stesso 19 6 prese parte alla mostra dei Realisti organizzata presso la Leicester Gallery di Londra e tenne una personale 

alla Heller Gallery di New York. Nel 19 fece parte di una delegazione culturale in Cina, da cui riportò un centinaio di disegni e acquerelli. 

Tra i lavori degli anni Sessanta sono da ricordare le cinque grandi tele ispirate a La Luna e i falò di Pavese (1962-63), il ciclo di opere Da Melissa a Valenza 

(1964-6 ), i dipinti sul tema del giardino e delle siepi e la serie di acquerelli dedicata a un viaggio a Cuba; più tardi, nel 19 6, la grande mostra 

a Volgograd, Mosca e Leningrado, organizzata dal Ministero della Cultura Sovietico. 

Nel 19 8 Treccani ha dato vita alla “Fondazione Corrente”, con un programma mirante, oltre alla raccolta e allo studio di documenti, testimonianze e 

opere del periodo storico compreso tra la nascita del movimento di Corrente e gli anni del Realismo, all’organizzazione di incontri, dibattiti, seminari 

e mostre sui temi più attuali della cultura contemporanea. 

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Massimo Venturi 

053 Mille occhi 2 

Tecnica mista polimaterica su tela di yuta, cm 0 x 30, 2008 

Nasce a Firenze nel 19 0. Mostra fin da giovane una particolare attitudine alla pittura e al disegno, tanto che inizia a dipingere a sedici anni. 

La svolta artistica avviene con la conoscenza di alcuni artisti pistoiesi. Sono proprio i paesaggi dei dintorni di Pistoia a influenzare i suoi soggetti 

artistici: il contatto con la natura e le vacanze trascorse ad Orsigna incidono sulla sua concezione informale della realtà. 

Espressione segnica e costruzioni formali convivono sulle tele delle prime esperienze artistiche. Nel 2001 entra a far parte del “Centro d’Arte Modigliani” 

e ne diviene, l’anno seguente, membro del consiglio direttivo. Negli ultimi anni ha partecipato a numerose mostre ed esposizioni in Toscana. 

Nel 200 prende parte ad un’importante asta di benefica organizzata dal Lions Club Firenze Michelangelo a Villa Viviani ed inizia a collaborare con la 

galleria “Arte Sì” e con la Chiodini Consulting Divisione Arte di Firenze. Nel febbraio 2006 partecipa alla mostra collettiva Strumenti di Speranza. La 

musica nelle arti visive, allestita presso la Civica Pinacoteca Amedeo Modigliani a Follonica (GR), curata dal critico d’arte Maurizio Vanni. Nello stesso 

anno allestisce due mostre personali, una all’Impruneta e l’altra nella galleria fiorentina “Arte Sì” intitolata Macro Tecne, inoltre partecipa, sempre nel 

capoluogo toscano, ad una mostra collettiva presso la galleria “Art Point” e prende parte all’Arte Fiera di Padova. Nel 200 tiene la mostra personale 

Graffiti a Firenze. Nell’estate del 2008 ha partecipato al “Premio nazionale di pittura Ciuffenna”, indetto dal Comune di Loro Ciuffenna. 

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Finito di stampare nel mese di dicembre 2008 presso Litografia La Greca, Forlì

ARTE PER LA VITA - Fondazione Dino Zoli

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