BIOGRAFIE IMPRESSIONISTI EDOUARD MANET ... - Istituto Canossa

EDOUARD MANET   

(Parigi, 1832 ‐ id., 1883)   

BIOGRAFIE IMPRESSIONISTI  

In  Manet, ancora più che in Courbet, si notano le novità dell'arte moderna, nello sviluppo di  

un'opera che,  agli  inizi,  appartiene ancora per tecnica e per soggetti all'arte tradizionale.  

Appartenente a una famiglia della colta borghesia, Manet deve, per diventare artista, lottare  

contro i pregiudizi  della  famiglia.  Dopo aver rifiutato di seguire gli studi di diritto, si iscrive al  

concorso di ammissione all'Accademia navale. Come allievo ufficiale compie un viaggio a Rio de  

Janeiro, ma  non  riesce  a  superare  gli  esami  di ammissione. Riesce allora a far accettare alla  

famiglia la sua propensione all'arte. Il padre, nel 1850, gli impone di frequentare lo studio di  

Thomas Couture (1815‐79), accademico, che, dopo aver ottenuto un enorme successo al Salon del  

1847 con I Romani della decadenza, aveva aperto uno studio. Alle teorizzazioni del  maestro,   

tuttavia,  Manet  si  ribella  molto presto asserendo che non è arte quella che ha per soggetto  

copie e modelli in vesti di antiche divinità; arte  è,  invece,  appercezione, raffigurazione della vita  

contemporanea.  

Non rifiuta la lezione dei grandi maestri del passato, ma la sua predilezione ricade su Giorgione,  

Veronese, Tiziano (che avrà ben presente nell'esecuzione di Le dèjeuner sur l'herbe), Velazquez e  

gli spagnoli, e soprattutto Frans Hans, del quale lo attrae il tocco ampio, sensuale e nervoso.  

Manet, infatti, non rinnega mai  la  lezione  della  tradizione,  anzi auspica che il rinnovamento  

dell'arte avvenga proprio nell'ambito di essa. Manet conobbe Baudelaire, che gli  ispira  uno  dei   

suoi  primi soggetti, il Bevitore d'assenzio (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenaghen), e figura nella  

prima tela importante dell'artista, la Musica alle Tuileries (1860, National Gallery, Londra).  

Completamente libero dall'insegnamento accademico e costrittivo di Couture (da cui era rimasto  

otto anni), Manet si affida all'ebbrezza della luce: spontaneità precoce nella maniera di rendere  

uno spettacolo direttamente osservato, e che la critica dell'epoca  confonde  con  un grossolano  

scarabocchio. Ben presto, infatti, Manet diventerà il bersaglio dei critici e del  pubblico,  che  lo   

vilipendono.  La  sua carriera sarà segnata da scandali e da un incessante equivoco tra ciò che egli  

è e ciò che appare agli occhi della gente: un provocatore.  E tuttavia non vi è alcun compiacimento  

provocatorio in questo artista, che anzi resta fedele al suo ambiente borghese. I futuri  

«impressionisti», che sono prima di tutto i giovani artisti dell'epoca aventi in comune la  

preoccupazione di sottrarsi all'accademismo, lo considereranno il capofila della loro  rivolta.  

D'altronde,  Manet  è consapevole che il Salon è la sola manifestazione che a quel tempo permetta  

agli artisti di affermarsi,  proprio  in  quanto  istituzione ufficiale. Tuttavia, il Salon lo rifiuta, e  

perciò Manet è costretto e forzato a manifestare con gli irrequieti artisti che si raggruppano nel  

1863 al Salon  des  refusès.  Quasi  suo  malgrado,  diventa  il protagonista di questa  

manifestazione; su di lui si concentra la disapprovazione del pubblico. Egli  espone  Le  dèjeuner   

sur  l'herbe (museo del Louvre, Jen de Paume), opera di sorprendente fattura, ma ancora saggia. Il 

quadro scandalizzò per la presenza di una donna nuda tra uomini vestiti. Questa nudità realistica,  

che dalla  foggia  dell'abbigliamento  degli uomini risulta essere contemporanea, cristallizza i  

sarcasmi: il nudo era ammesso solo deformato da veli  mitologici. Uno  scandalo  ancora maggiore  

scoppia nel 1865, quando presenta l' Olympia (Jeu de Paume). Manet, questa volta, è recidivo,  

tuttavia l'opera è presentata dal Salon ufficiale.  

Ma mentre si allontana sempre più  dal  pubblico  che vuole sensibilizzare e dagli artisti amici che  

lo faranno accedere agli onori ai quali  aspira  (Degas  glielo  rimprovererà),  l'artista raduna  

intorno a sé tutti coloro che ricevono dal pubblico gli stessi sarcasmi. Dipinge in questo periodo  

relativamente «cupo»,  seguendo  i precetti tratti dalla Scuola; Pissarro, Sisley, Monet, tutti coloro  

che si schiereranno sotto l'egida  dell'impressionismo  dipingeranno allora secondo criteri  

nettamente più innovativi. È strano constatare che il pubblico confondesse questi artisti,  

effettivamente rivoluzionari per l'epoca, con Manet e Degas, così tesi ancora alla nitidezza e al  

mestiere. Sarà il contatto  con  gli  impressionisti  a portare questi due pittori a liberarsi  

completamente dalla tentazione accademica che li avrebbe resi apprezzabili al pubblico del  

momento. La critica contemporanea  si  scaglia  contro  Manet  soprattutto  per l'abolizione del  

chiaroscuro, della prospettiva e dei volumi. L'eccezione è impersonata dal giovane Zola, che ha  

ventisei anni ed è già conosciuto dal pubblico. Egli  incontra  Manet  nel  1866,  quando  

quest'ultimo ha appena subito la delusione di vedersi rifiutare al Salon il suo Piffero di reggimento  

(Jeu de Paume) in  cui  è  evidente l'assimilazione e la rielaborazione della pittura spagnola. Nel  

1867, il pittore, così come aveva già fatto Courbet nel  1855,  battezza  il suo «Louvre personale»  

nei pressi dell'Esposizione universale, e vi raccoglie cinquantuno opere. Nel  catalogo,  egli  spiega:   

«L'artista oggi non dice «venite a vedere opere senza difetti», bensì "venite a vedere opere  

sincere"». In questa osservazione tocca il reale problema posto dalla sua arte, rifiutata  perché   

indirizzata  a  una  immagine reale della vita, più che al bello convenzionale.  

Di fatto, Manet è un perfetto testimone del suo tempo. Mentre Cézanne si cimenta in problemi  

tecnici,  inventando,  come  Degas,  una  nuova grammatica plastica, egli si preoccupa poco di  

questi problemi e dipinge gli amici, la città, l'ambiente sociale. Come Baudelaire, è un vero  

cittadino e un voluttuoso; come Zola, è interessato a  tutto  ciò che una città nasconde; come  

Mallarmè, di cui frequenta i cenacoli, è raffinato. L'artista, dunque, rifiuta i principi accademici per  

dipingere ciò che vede, fino alla semplice indicazione sommaria.  

Questo criterio  fa  sì che la spontaneità venga accettata come valore primo. Come Zola, Manet  

scopre l'ebbrezza della velocità su di una locomotiva; come Degas, si pone degli interrogativi  

sull'effettiva espressione del movimento. Testimone della sua epoca in ciò che essa ha  di   

specifico,  cioè  la «modernità», non vuole, tuttavia, essere il pittore dell'evento. Così, durante la  

Comune di Parigi, fa il suo dovere di cittadino, ma si astiene dal prendere una posizione di  

osservatore in quanto pittore. Come Toulouse‐Lautrec e  Degas  lascerà  stupendi  frammenti  di   

vita parigina: la Cameriera di birreria (Jeu de Paume) e Il bar delle Folies‐Bergère (1882, Courtauld 

Institute, Londra) sono tra le migliori notazioni che traducono il fremito di questa vita cittadina alla  

quale,  con  temperamenti  differenti,  Manet, Toulouse‐Lautrec, Degas e Baudelaire erano così  

sensibili, e immortalata da Maupassant nei romanzi. Convertito a questo impressionismo da cui,  

suo  malgrado, è stato preparato, Manet dipinge ben presto scegliendo una tavolozza molto chiara  

con colori tenui. Lavora con i suoi giovani  amici  sulle rive della Senna: qui nascono tele come  

Coppia in tenuta da canottaggio (1874, Museo delle Belle Arti, Tournai) o Coppia in  barca a vela  

(1874, Metropolitan Museum, New York) da cui si può rilevare come l'interesse  precipuo   

dell'artista  sia  ancora  e  comunque  la figura.  

Il suo tocco, schiarendosi, mette in evidenza ciò che già esso aveva di vivo, di saldo, di moderno  

insomma. Lo testimoniano Monet che dipinge nel suo bateau‐atelier (1874, Bayerische  

Staatsgalerie, Monaco) come il Ritratto di Mallarmé (1876, Jeu de Paume). Ma, accanto a opere di  

una libertà in grado di entusiasmare gli  impressionisti  e di giustificare la sua presenza al loro  

fianco (anche se egli non partecipa ancora alle loro esposizioni), Manet  realizza  dipinti  più  

controllati, continua a mantenere un atteggiamento ambiguo: mentre Degas abbandona  

progressivamente il suo bagaglio scolastico, Manet  vi ritorna. Al Salon del 1881, riceve infine la  

medaglia tanto desiderata.  

  

CLAUDE MONET   

(Parigi, 1840 ‐ Giverny, 1926)  

Personalità di primo piano dell'impressionismo,  Monet  domina  questo movimento artistico sia  

per l'autorità con la quale impone teorie e tecniche nuove, sia per i fecondi sviluppi presenti anche  

nelle ultime tele della sua lunghissima carriera. Il XX secolo ha  sistematicamente contrapposto  

l'estetica ispirata a Cézanne (concretezza costruttiva, cubismo, astrazione geometrica) a quella  

ispirata a  Monet  (fluidità, musicalità, astrazione lirica). Il procedere di quest'ultimo rappresenta  

una prodigiosa continuità nella volontà  di  inseguire  la forma fino alla sua disintegrazione, la  

realtà fino all'impalpabile.  

Nel momento in cui Monet inizia a dedicarsi alla pittura, questa raggiunge sotto l'egida  di   

Courbet il  realismo  più  vigoroso,  la compattezza estrema. Il giovane artista non sfuggirà a tale  

influenza, ma saprà poi superarla. Due elementi fondamentali segnano la sua formazione artistica:  

in primo luogo la conoscenza del preimpressionismo grazie a  Boudin,  «il re dei cieli» secondo la  

definizione di Baudelaire, e d'altro canto le impressioni di luce e colore ‐ «germi delle mie ricerche  

successive» come riconoscerà più tardi ‐ raccolte in Algeria, durante il  servizio militare.  

Boudin volle conoscere l'adolescente autore delle caricature esposte presso un incorniciatore di Le  

Havre, città nella quale  Monet  viveva con i genitori; lo conduce a dipingere en plein air, gli  

consiglia di andare a studiare a Parigi indirizzandolo presso alcuni amici (Constant Troyon, 1810‐ 

65; Charles Monginot, 1825‐1900). Parigi non significherà per Monet nè l'Ecole des Beaux Arts,  nè  

gli  studi  dei maestri accademici, ma il lavoro libero presso l'Acadèmie Suisse e nei sobborghi  

parigini, l'ascolto attento dei teorici del realismo al ritrovo dei Martyrs, i primi contatti con Camille  

Pissarro.  

Gli studi, interrotti nel 1860 con  il  servizio  militare  nei  corpi dislocati in Africa (lasciato a causa  

di una pleurite), riprendono nel 1862 presso lo studio di Charles Gabriel Gleyre. Nel frattempo, ha  

luogo a Le Havre un altro incontro decisivo, quello con Jongkind, al quale, affermerà Monet, «devo  

l'educazione definitiva del mio occhio». Da questo periodo, Monet si impone quale  personalità  

chiave del futuro gruppo impressionista. Per suo tramite, gli amici conosciuti da Gleyre (Bazille,  

Renoir, Sisley) entreranno in  contatto con quelli dell'Acadèmie Suisse (Pissarro, Guillaumin,  

Cézanne). Egli comunica loro il suo gusto per  il  lavoro  en  plein  air  e  il  suo disprezzo per gli  

studi accademici, incoraggiato dall'entusiasmo per i quadri di Manet esposti alla Galerie Martinet.  

Alcuni paesaggi di Chailly‐en‐Biére e di Honfleur, il ritratto di Camille in abito  verde (1866,  

Kunsthalle, Brema) notato dai critici realisti (Zola, Thèophile Thorè detto Bürger) al Salon del 1866,  

già rivelano la sua grande maestria. Seguito e incoraggiato su  questa  via  dall'amico  Bazille, egli  

tenta di unire lo stile monumentale di Courbet alla tavolozza più chiara di Manet e, novità  

assoluta, di eseguire en plein air le grandi composizioni che lo affascinano.  

L'immenso Déjeuner sur l'herbe (6,40 m 4,65 m), dipinto  nel  1864‐65  a  Chailly,  è  andato   

parzialmente distrutto. Il museo del Louvre (Jeu‐de‐Paume) ne conserva uno dei frammenti e il  

museo nazionale di Belle  Arti  di  Mosca  conserva  lo schizzo del quadro che Monet, scoraggiato e  

demotivato, aveva lungamente lasciato in pegno al suo  albergatore,  Femmes au  jardin  ( Donne  

in giardino , Jeu‐de‐Paume), rifiutato dalla giuria del Salon del 1867, mostra ugualmente il modo   

in  cui  l'artista  affronta  con maestria il problema delle figure poste nel paesaggio. Ragioni  

finanziarie lo costringono ad abbandonare queste grandi  tele,  troppo costose, per quadri di  

dimensioni più ridotte in cui il paesaggio occupa un ruolo predominante.  

Dal 1869, nell'opera di colui che Manet, successivamente definirà  (il Raffaello delle acque), le  

ardite semplificazioni, le pennellate evidenti, il plein aire brulicante di La Grenoullière (1868,  

Metropolitan Museum, New York), viene definendosi la nuova estetica impressionista. Alla fine  

della guerra del 1870, i soggiorni  in  Gran Bretagna, poi in Olanda, patrie d'elezione dei pittori  

paesaggisti, lo arricchiscono a diverso titolo: nel gennaio 1871, attraverso Daubigny, anch'egli  

rifugiatosi a  Londra,  conosce  Paul Durand‐Ruel, primo grande mercante d'arte che si interessa  

alla nuova scuola; scopre l'opera di Turner, della quale in  seguito  minimizzerà l'influenza sulla  

propria evoluzione artistica, ma che tuttavia lo porterà all'acquisizione di una  tecnica  più  fluida  e   

alla  scelta deliberata di soggetti immateriali come la nebbia o il fumo; si interessa sempre più alla  

tradizione delle stampe giapponesi, già note a Parigi, ma ancor meglio ad Amsterdam.  

Dal  1872,  le tappe della sua carriera possono essere rintracciate attraverso i nomi delle sue  

residenze successive. Argenteuil, Vètheuil, Giverny. La scelta dei luoghi risponde sia ad esigenze di  

ordine finanziario ‐ Monet, sposato  a  Camille  Doncieux, che morirà di tubercolosi nel 1879, per 

diversi anni si dibatterà in gravissime difficoltà finanziarie ‐  sia  a  un  certo  gusto  per  la  

solitudine già evidente in queste righe scritte all'amico Bazille nel 1868: «Per forte che uno sia, è  

troppo sensibile  a  ciò  che  vede  e sente a  Parigi,  e ciò che intendo fare qui [a Fècamp] avrà  

almeno il merito di non  assomigliare  a  nessuno,  poiché  sarà  il  frutto  di un'impressione vissuta  

da me soltanto».  

Utilizzato per definire uno dei suoi quadri (Impression. Soleil levant, museo Marmottan,  Parigi,  

rubato nel 1985) esposto alla prima Mostra del gruppo nel 1874, il termine impression sarà  

all'origine di un neologismo  che  avrà  molta fortuna. Per combattere la reticenza dei giudici del  

Salon ufficiale e tentare di catturare l'attenzione del pubblico, Monet decide di promuovere,  

insieme a Renoir e  Degas,  l'idea  di  mostre  collettive lanciata da Bazille. E sarà proprio lui a  

soffrire maggiormente della derisione assurda e delle critiche ottuse  del  pubblico  al  quale  i  

numerosi quadri vengono offerti in prima visione: cinque nel 1874, diciotto nel 1876, trenta nel  

1877, ventinove nel  1879  e  trentanove alla settima e penultima manifestazione del gruppo, nel  

1882. Il 1880 segna una svolta nella sua carriera: alcuni mercanti d'arte,  oltre  a Durand‐Ruel,  

cominciano a interessarsi alla sua opera e, seguendo l'esempio di Renoir, egli decide di tentare   

nuovamente  la  sorte  al Salon.  

Lo stesso anno si svolge la sua prima mostra personale alla galleria, fondata dall'editore Georges  

Charpentier e diretta da Edmond Renoir. Commentando con i giornalisti il suo atteggiamento nei  

confronti dei vecchi amici e dei nuovi partecipanti alle loro manifestazioni (Gauguin, Raffaëlli,  

ecc.), afferma: «Sono sempre e voglio essere  sempre  impressionista,  ma  la  piccola congrega è  

divenuta oggi una banale scuola che apre le porte dal primo imbrattatele». Una retrospettiva della  

sua opera presso Georges Petit (1889) rivela al contempo l'evoluzione e  l'unità  della  sua  arte.   

Le  pennellate vibranti, l'intensità luminosa e la schematizzazione dei quadri di Argenteuil (1872‐ 

78),  a  volte  eseguiti  su  di  un  battello‐studio sistemato a foggia di quello di Daubigny, si  

sviluppano contemporaneamente alle  ricerche  compositive  ispirate  alle  stampe giapponesi. A  

queste stesse Monet deve il gusto per le (serie), inaugurate alla  fine  del  periodo  con  le  diverse   

versioni  della Stazione di Saint‐Lazare (inverno 1876‐77). A Vètheuil (1878‐81), ove si stabilisce  

grazie alla generosità di Manet e del dottor  de  Bellio (uno dei suoi primi amatori insieme a Victor  

Chocquet e Gustave Caillebotte), insegue nel suo lavoro en  plein  air  gli  effetti  più effimeri della  

brina e della rottura improvvisa del ghiaccio sulla Senna.  

Ricerca ancora la loro fugace bellezza dopo il suo trasferimento a Giverny, insieme ad Alice  

Hoschedè, sua seconda sposa nel 1892 e precedente moglie di uno  dei  suoi  primi  acquirenti.  Le  

famose serie, Pagliai (1890‐91), Pioppi ai bordi dell'Epte (1891‐92), Cattedrali di  Rouen  (1892‐93),   

Ninfee  (1899‐1926),  rispondono  al desiderio, sempre rinnovato, di catturare l'istante.  Dal 1886,  

un successo sempre crescente circonda questo artista in  precedenza  così disprezzato, e un  

caloroso sostegno gli viene da O. Mirbeau, Gustave Geffroy, Oscar Maus e G. Clemenceau.  

Grazie a quest'ultimo, verranno create due  stanze  all'Orangerie  per ospitare la serie delle Ninfee, 

superamento del mondo sensibile e decorazione quasi astratta ispirata al giardino  di  Giverny,  le   

cui variazioni floreali sono elementi ricorrenti nelle tele di Monet. Il successo non accompagna  

tuttavia l'ultimo periodo del pittore,  poiché le nuove generazioni si interessano solamente alla  

geometria delle forme rivelate  da  Cézanne.  Trent'anni  dopo  la  morte,  una  nuova evoluzione  

del gusto ha riportato in auge l'arte di Monet, doppiamente prezioso per le premesse al fauvisme  

(splendore senza eguali nelle vedute di Bordighera, 1884) e all'astrattismo, ma che rimane  

soprattutto l'incarnazione assoluta dell'impressionismo nella sua evoluzione dal realismo vibrante  

delle Donne in giardino  allo  spazio bidimensionale delle Ninfee, passando attraverso i fremiti di  

colore delle vedute di Antibes, a proposito  delle  quali  Mallarmé  scriveva all'artista: «È da molto  

tempo che pongo ciò che voi fate sopra a tutto».  

  

AUGUSTE RENOIR   

(Limoges, 1841 ‐ Cagnes‐sur‐Mer, 1919)  

Renoir occupa un posto preponderante nell'ambito dell'impressionismo. Infatti si devono a lui e a  

Monet (del quale seguì l'esempio) i primi quadri dipinti secondo questa tecnica che si chiamerà  

«impressionista», nei quali la luce crea spazi vibranti e dove gli impulsi del sentimento generano  

una freschezza nuova. Ma, contrariamente a Monet, Renoir quasi non può concepire un quadro  

senza la presenza umana. Così, pur dedicandosi completamente al paesaggio è innanzitutto un  

pittore di figure e in special modo il  pittore  della donna. Presenta attitudini che fanno pensare a  

Boucher, a Fragonard, che avvalorano la grazia carnale in maniera squisita. Gli  stessi  colori, di  

grande finezza, partecipano all'ambiente agrodolce dei motivi, che lo sguardo dei personaggi, privi  

di desiderio d'amore, «sensualizza». Figlio di un modesto  sarto  del  Limousin,  stabilitosi  nel   

1844  a Parigi, Auguste Renoir trascorre l'infanzia nei vari quartieri della capitale. Alla scuola  

comunale, rivela attitudine per il disegno, ma è anche dotato per il canto e la musica, il che attira   

l'attenzione  di Charles Gounod, maestro di cappella della scuola, che consiglia al padre di  

orientarlo verso  una  carriera  musicale.  Ma  Renoir  padre giudica più adatto trarre partito dalla  

vocazione plastica del figlio. A tredici anni, lo mette come apprendista in una bottega, dove egli si  

applica nella decorazione, dipingendo mazzetti di fiori, di piatti e tazze di porcellana. Grazie alla  

sua abilità, dopo pochi mesi dal  suo arrivo, ha compiuto tali progressi che gli affidano i pezzi più  

delicati. Ma le ordinazioni si fanno sempre più rare,  e  la  fabbrica che l'impiega, lo licenzia nel  

1857. Prima di avere una occupazione stabile, in una casa specializzata nella confezione di  tende,   

svolge vari mestieri: orna principalmente ventagli e decora con pitture murali numerosi caffè di  

Parigi. Per  mezzo  di  prolungate  economie, Renoir può finalmente realizzare il suo sogno più  

caro: seguire i corsi della Scuola nazionale delle belle arti. Promosso agli inizi del 1862 al concorso  

d'ammissione, s'iscrive allo studio di Charles Gleyre (1806‐74). Sebbene  sia  studioso,  i  suoi   

professori  lo  giudicano indisciplinato, e gli rimproverano uno stile ardito, non abituale in quel 

luogo. Infastidito dai suoi  colori  vivi  e  dalla  sua  maniera realista di vedere il motivo, Gleyre un  

giorno gli domanda: «È senza dubbio per divertimento, che voi dipingete?». «Ma certamente»,  

risponde Renoir, «e se non mi divertisse, vi prego di credere che non lo farei.» Nell'autunno del  

1862, Renoir  fa  amicizia con Alfred Sisley, Claude Monet e Frèdèric Bazille, nuovamente entrati  

nello studio di Gleyre; tutti e tre professano apertamente la loro ammirazione per i pittori  

anticonformisti dell'epoca. Ed  è  grazie  a Monet che Renoir e i suoi nuovi amici guardano ciò che  

sta accadendo nel mondo dell'arte, perché  Monet  ha  goduto  di  una  buona  scuola conoscendo  

Boudin e Jongkind, i pittori all'aria aperta, così come Camille Pissarro, e si avventura fino alla  

birreria dei Martyrs, luogo d'incontro dei partigiani  del  realismo,  discepoli  di  Courbet.  Il gruppo  

che dieci anni dopo costituirà il nucleo fondamentale degli impressionisti si trova riunito, quando  

Bazille, nel giro  di  qualche mese, presenta ai compagni Cézanne e Pissarro, che lavorano  

all'accademia svizzera. È doveroso ricordare  che  Renoir  non  è,  in quest'epoca, alla testa della  

battaglia per la nuova arte. Il desiderio di uscire dal percorso battuto appare più nei suoi propositi  

che nelle opere.  Certo  il  suo  talento  e  l'intuizione  gli  hanno permesso di evitare i luoghi  

comuni accademici, ma non resta meno attaccato ad alcuni valori tradizionali e  spesso  si  reca   

anche  al Louvre per fare delle copie dei pittori francesi del XVIII secolo ch'egli predilige. Con la  

chiusura dello studio di Gleyre nel  gennaio  del  1844  Renoir supera un ultimo esame per la  

Scuola di belle arti, e non vi rimette più piede. Si reca allora, su iniziativa di Monet e  in  compagnia   

di Sisley e Bazille, a Chailly‐en‐Bière, vicino Fontainebleau, per dipingere ogni aspetto della natura.  

Inizialmente vi incontra Narcisse Diaz de la Peña, in seguito Thèodore Rousseau, Corot e infine   

Charles François Daubigny e Millet. Nel Salone del 1864, Renoir è accettato e figura nel catalogo  

come allievo di Gleyre. In seguito, non avrà sempre questa possibilità  anche  se  eviterà  di inviare  

le tele più audaci. Se la sua arte ancora non volta le spalle alla tradizione, egli lascia già trasparire  

quella  grazia  venata  di sensualità che impregnerà tutta la sua opera. Dal 1866, si fanno sentire gli  

accenti moderni, soprattutto  visibili  nei  ritratti,  ma essi sono più improntati verso il realismo di  

Courbet che all'esaltazione della luce dei pittori all'aperto ( Diana  cacciatrice, 1867, National  

Gallery of Art, Washington). Per vederlo compiere il passo decisivo, bisogna aspettare l'anno 1869,  

quando, avendo raggiunto Monet a Bougival, esegue con quest'ultimo numerose versioni di una  

trattoria di campagna, La  Grenouillère  (collezione  Reinhart, Winterthur). Come lui, egli analizza  

allora il fenomeno luminoso con occhi nuovi, impiegando nuovi procedimenti, come la  

soppressione dei dettagli e  la frammentazione del tocco. Senza che i due pittori se ne rendano  

conto, il loro modo di interpretare la natura, abbandonando il contorno, dà il segnale al grande  

movimento che rivoluziona la pittura: l'impressionismo. Dopo qualche anno Renoir vive nella  

peggior miseria sostenendosi solo grazie alla generosità di qualche amico, soprattutto di Bazille,  

che godeva di una certa agiatezza. Al caffé Guerbois, dove egli ritrova Cézanne, fa la conoscenza di  

Degas,  di  Zola,  di  Louis Edmond Duranty (1833‐80). Discreto, egli ascolta, più che partecipare,  

alle animose discussioni di questi acuti conversatori. Dopo la guerra del 1870, Renoir incontra Paul 

Durand‐Ruel (1831‐1922)  che  diventerà suo mercante, e il critico Thèodore Duret (1838‐1927).  

Risale a quest'epoca il quadro La rosa (museo del Louvre, Parigi), che rappresenta una giovane  

donna, a seno nudo, che tiene in mano una rosa. Si può, per la prima volta, vedervi l'immagine che   

Renoir  darà della donna: un corpo dalle forme piene, un viso rotondo con gli occhi stretti e a  

mandorla e un'aria di innocenza nell'atteggiamento. Nel 1874 partecipa alla prima mostra degli  

impressionisti, che si tiene al boulevard des Capucines. Le tele di Renoir sono, come quelle dei   

suoi amici, vivamente criticate, ma tuttavia esistono anche degli amatori. Il funzionario del  

ministero Victor Chocquet (1821‐98) a cui  farà  il ritratto, poi l'editore Georges Charpentier (1846‐ 

1905), che gli compra un quadro e gli  commissiona  dei  ritratti  della  famiglia  ( Madame  

Charpentier con i figli, esposto con successo al Salone del 1879; Metropolitan Museum, New York).  

Renoir  dipinge  durante  questi anni le sue tele migliori. Queste esaltano la bellezza del corpo  

umano e l'armonia della natura, mettendo l'accento sulla gioia di vivere: La loggia (1874, Tate  

Gallery, Londra), Il  mulino  della  Gallette  e L'altalena (1876, museo Jeu de Paume, Parigi). Alcuni  

visi gli ispirano queste tavole luminose, nelle quali fa affiorare  il  fascino segreto della donna ( La  

lettrice , 1875‐76, museo Jeu de Paume, Parigi), dipinge I canottieri a Chatou (1879, National  

Gallery of Art, Washington), riflesso cangiante degli  svaghi  all'aria  aperta  sulla Senna. Ma ben  

presto Renoir interrompe per un certo tempo la sua ricerca impressionista, stimando di non poter  

andare oltre  su  questa strada. Questo ritorno alla tradizione classica si realizza nel corso di un  

viaggio in Italia (1881‐82) dove, dopo Venezia,  scopre  a  Roma gli affreschi di Raffaello e a Napoli  

la pittura pompeiana. Sentendo di non saper «né dipingere, né disegnare», si concentra sulla   

qualità del disegno, sulla raffigurazione dei dettagli per rendere più precisi i contorni delle forme,  

più netti i volumi. Una buona parte di ciò che costituiva il fascino del suo modo di dipingere viene  

abbandonato. I suoi toni diventano severi e la luce fredda, e la sua arte non  è  più animata dalla  

magia. Questo periodo è segnato da opere che non hanno ricevuto altra definizione che quella di  

«solide»: Gli ombrelli (1881‐86, National Gallery, Londra), La danza a  Bougival (1883, Museum of  

Fine Arts, Boston). Dopo aver partecipato alla settima manifestazione degli impressionisti nel  

1882, l'anno  seguente fa una mostra presso Durand‐Ruel. Talvolta evade da Parigi per dipingere a  

Guernesey, o all'Estaque in compagnia di Cézanne. Non ha più preoccupazioni finanziarie  grazie  a   

Durand‐Ruel  che  si accanisce nel diffondere le sue opere, così come quelle degli altri  

impressionisti, organizzando mostre a Parigi, Londra, Bruxelles, Vienna e New York. Ma Renoir,  

avendo un temperamento più dionisiaco che apollineo, si lascia indietro le costrizioni pittoriche  

che si era volontariamente imposto e, dopo questi  anni  di  disciplina,  ritorna verso il 1889 agli  

antichi amori. Allora nascono, nel ritrovato splendore, tele vivaci dove sono rese  tutte  le  sottili   

dispersioni della luce. I raggi si impigliano alle forme, accentuano la pienezza e la freschezza delle  

carni, caricandole d'un potere di suggestione quasi magico (La dormiente , 1897, collezione  

privata). A partire dal 1898, l'artista è colpito da  un  reumatismo  articolare che lo fa soffrire  

terribilmente e gli impedisce di lavorare. Decide anche di ritirarsi nel sud della Francia, a Cagnes, 

dove acquista  una casa (Les Colettes). Il Salone d'autunno del 1904, gli consacra una importante  

retrospettiva. A partire dal 1912, il suo stato  di  salute peggiora, dipinge solo con grande difficoltà.  

La mano non può afferrare i pennelli e deve far  ricorso  all'aiuto  di  membri  della famiglia per  

riuscire a fissarli alle dita. Tuttavia continua a dipingere molto. La sua arte afferra sempre,  con  lo   

stesso  slancio comunicativo, i momenti più caldi della vita, che sembrano anche acquistare una  

maggiore intensità nei colori, perché i rossi sontuosi, che non gli erano abituali, appaiono in  

questo periodo. Renoir prende allora per modelli i suoi familiari: la moglie, i  figli Pierre, Jean e  

Claude, detto Coco, e anche Gabrielle Renard, la governante, che ritrae in diverse pose: Gabrielle  

con la  rosa  (1911, museo Jeu de Paume, Parigi), Donna nuda sdraiata (collezione Jean Walter‐ 

Paul Guillaume, 1906 e 1908). Verso la  fine  della  sua  vita, Renoir si dedica maggiormente alla  

scultura, con l'aiuto di un giovane alunno di Maillot, Richard Guino (1890‐1973). Sono interamente  

suoi solo un medaglione e un busto del  figlio  Coco  (1907‐1908). Al  suo ritorno a Cagnes dopo un  

viaggio a Parigi, dove ha ancora visitato il Louvre, Renoir si spegne il 3 dicembre 1919.  

  

EDGAR DEGAS  

 (Parigi, 1834 ‐ id., 1917)  

Ammesso, nel 1855, alla Scuola  nazionale  superiore  di  Belle  arti, preferisce frequentare il  

laboratorio privato di un allievo di Ingres, Louis Lamothe, che lo presenta al maestro. Nel 1853  

Degas soggiorna a Napoli, presso i suoi parenti. Ritornerà più volte in  Italia  tra  il 1855 e il 1860,  

copiando nei musei di Napoli, di Firenze, di Roma, i maestri del Rinascimento. Su richiesta  della   

famiglia  di  sua  zia, Laura Bellelli, eseguirà la sua prima grande composizione, La famiglia Bellelli  

(Louvre). A Roma incide il suo ritratto e, all'Accademia di Francia, frequenta Léon Bonnat,  Gustave   

Moreau,  Auguste  Clésinger, Georges Bizet. Malgrado l'esempio di Ingres, ammira Delacroix. Egli  

aspira infatti a unire nella sua arte il  classicismo  dell'uno  e  il romanticismo dell'altro.  

Le stampe giapponesi poi, da poco rivelate al mondo occidentale, lo incantano per la vivacità della  

grafia e la libertà dell'impaginazione. A questo periodo  (1862‐63)  risalgono  in particolare i ritratti  

di Ruelle (museo di Lione), cassiere della banca Degas, di Léon Bonnat  (museo  di  Bayonne) e di  

sua sorella Thérese Degas (Louvre). Regolarmente ammesso al Salon académique, si cimenta nella  

pittura a soggetto storico tentando di rinnovarla: Esercizi di giovani spartani (1860, National  

Gallery, Londra), Semiramide (1861). Fa la conoscenza del critico Louis Edmond Duranty (1833‐80)  

e di Manet, frequenta il caffé Guerbois,  luogo  di ritrovo dei «realisti»,  accalorandosi a tal punto  

nelle discussioni da meritarsi, a opera di Manet, l'appellativo  «di  grande esteta». Intanto,  

continua a eseguire principalmente ritratti (una cinquantina dal 1865 al 1870), con uno  spirito  di   

cui  egli  stesso precisa il significato: «Ritrarre la gente nel suo atteggiamento familiare e tipico, e  

soprattutto dare  al  volto  la  stessa  varietà d'espressione che si dà al corpo». Sostiene inoltre che  

occorre inserire il modello nel suo ambiente quotidiano, e che è più interessante mostrare 

l'effetto, e non la fonte, della luce. In questo periodo realizza i suoi primi pastelli.  

La sua formazione è ora completa. Alcuni ritratti costituiscono vere e proprie scene d'interni. Finita  

la guerra il pittore realizza, in collaborazione con Manet, alcune tele a Boulogne, nei dintorni di  

Trouville e di Saint‐Valery‐sur‐Somme. Con All'ippodromo (1869‐72 circa, Louvre)  si afferma con la  

massima originalità la sua concezione del paesaggio, che Degas vuole popolato di figure in  

movimento:  fantini  e  cavalli, colti sul vivo, nei loro movimenti naturali. Ritrae inoltre le ballerine  

sulla scena, o  nei  ridotti  di  teatro,  nell'istante  più caratteristico della loro attività artistica.  

Degas proclama che i suoi quadri sono innanzitutto «una combinazione originale di  linee  e toni».  

Egli intende realizzare composizioni ben ordinate, simili a quelle di Poussin; geometria e calcolo  

sottile entrano prepotentemente nelle sue opere, solo in apparenza spontanee.  

Dotato di una straordinaria memoria visiva, organizza, nel suo studio, il meglio delle sensazioni  

colte direttamente «davanti al motivo d'ispirazione». Contrariamente all'impressionista, teme la  

luce naturale e ama soprattutto sfumare gli effetti della luce artificiale. Ciononostante Degas è una  

figura molto importante nella genesi e  nella  storia  del gruppo impressionista, alla prima mostra  

del quale partecipa, nel 1874, con dieci sue opere. Resterà fedele al movimento fino all'ultima  

mostra impressionista del 1886, nella quale propone in particolare una serie di pastelli intitolata  

Suite  de  nus  femmes  se  baignant,  se lavant, se séchant, s'essuyant, se peignant ou se faisant  

peigner, che inspira a Huysmans un commento nel quale si rallegra di vedere Degas «buttare in  

faccia al suo secolo l'oltraggio più eccessivo, ribaltando l'idolo da sempre risparmiato, la donna...».   

Si  mostra  invece  meno aspro nei confronti delle ballerine arrivando perfino a idealizzarle  

(Mademoiselle Fiocre nel balletto de «La  sorgente»,  1868,  museo  di Brooklyn).  

Al Salon degli impressionisti del 1881 espone una delle sue prime sculture, Ballerina  di   

quattordici  anni  (cera),  in  cui  la severità del realismo lascia il posto all'emozione e alla  

sensibilità. Ippodromi e teatri offrono lo spunto per mostrare la sua bravura nella  

rappresentazione delle forme in un movimento ininterrotto che ne suggerisce lo sviluppo oltre i  

limiti  della  tela.  I  suoi  cavalli vanno al passo, trottano o galoppano in piena verità. Superando il  

modo convenzionale di rappresentare il cavallo in azione, grazie anche alla fotografia, Degas riesce  

a precisare, simultaneamente, la posizione di ogni zampa dell'animale nel corso delle diverse  

andature: niente è dovuto al caso e all'improvvisazione. Nel 1872‐73 soggiorna per sei mesi a New  

Orleans,  dove  due  dei  suoi  zii  esercitano  il commercio del cotone. Lì esegue L'ufficio dei cotoni  

a New Orleans (museo di Pau), manifestando il suo gusto per la modernità nell'arte e la sua  

tendenza a poetizzare, senza mentire, le scene di vita comune. Di ritorno a Parigi,  realizza  tutta   

una  serie  di  capolavori  che rinnovano la suggestione dello spazio per l'audacia delle  

inquadrature e dell'uso della luce. Classe di danza (1874, Louvre) e Due stiratrici (1884, Louvre)  

sono destinate a riscuotere enorme successo. In seguito Degas avrà gravi problemi di salute con la  

vista e rinuncerà per questo a dipingere a olio, dedicandosi invece al pastello e realizzando  

carboncini e litografie. Riesce comunque a dar vita a una serie di capolavori e a scolpire numerose 

statuette di ballerine. La naturalezza, è stato detto, nasconde la novità dell'artista come la tecnica  

nasconde l'audacia del mestiere. Renoir considerava  Degas  il primo scultore del suo tempo.  

Incisore di acqueforti, ha realizzato soprattutto scene di danza.  

  

CAMILLE PISSARRO  

Camille Pissarro nasce nelle Antille danesi il 10 luglio 1830; il padre è un ebreo francese di origine  

portoghese, mentre la madre è creola. Con il permesso della famiglia si reca a Parigi nel 1842 per  

studiare presso il Collegio Savary di Passy. Cinque anni dopo, finiti gli studi, il giovane Camille torna  

nella sua terra natale per aiutare la famiglia a gestire l'emporio.   

Per  quattro  anni  resta  a  Saint  Thomas,  lavorando  insieme  al  padre  come  commesso,  ma  la  sua  

vera passione è l'arte. Presto abbandona Saint Thomas e si reca in Nicaragua, dove si guadagna il  

denaro per partire alla volta dell'Europa con i primi dipinti realizzati.   

Nel 1853 lascia la sua patria, affrontando un lungo viaggio insieme al pittore danese Fritz Melbye.  

Due anni dopo decide di tornare in Francia, recandosi a Parigi, in cui si stabilisce per sempre. Nella  

capitale  parigina  approfondisce  gli  studi  artistici,  frequentando  l'Ėcole  des  Beaux‐Arts  e  

l'Accademie de Suisse. Durante gli studi ha modo di approfondire a fondo lo studio delle opere di  

grandi artisti come Jean‐Baptiste Camille Corot, Jean‐François Daubigny e Gustave Courbet.   

Durante  gli  anni  dell'Ėcole  e  dell'Accademie,  Pissarro  conosce  Manet,  Courbet  e  Corot,  che  gli  

consiglia di dipingere all'aria aperta per rendere unico il suo stile pittorico.   

Nel  1859  espone  presso  il  Salon  una  sua  opera,  "Montmorency"  che  ritrae  una  veduta  

paesaggistica. Nei due anni seguenti si lega sentimentalmente a Julie Vellay da cui avrà sette figli e  

ha modo di conoscere artisti di grande fama come Guillaumin, Suisse e Cézanne con cui partecipa  

a numerose esposizioni che si tengono presso le Salon des Refusés.   

Nel 1866 per motivi economici il pittore lascia Parigi per trasferirsi a Pontoise, cittadina che sarà  

oggetto ricorrente dei suoi dipinti.   

L'anno  successivo  riceve  il  rifiuto  dal  Salon  a  esporre  le  sue  opere  e  nel  1868  riesce  a  far  

partecipare  due  sue  opere  paesaggistiche.  In  questi  anni  partecipa  agli  incontri  tra  artisti  e  

intellettuali che si tengono nel Café Guerbois e nel locale di Batignolles per discutere di questioni  

sull'arte.   

Due anni dopo Camille Pissarro è costretto a lasciare la Francia, a causa dell'occupazione da parte  

dei prussiani della sua abitazione; tutte le opere da lui realizzate sono distrutte. L'artista si reca a  

Londra, in cui soggiorna, dipingendo numerose vedute e paesaggi di Norwood e di Londra. Molti  

dipinti da lui realizzati sono esposti nella Galleria londinese di Paul Durand‐Ruel. Durante il suo  

soggiorno a Londra, Camille Pissarro sposa la compagna Julie Vellay.   

Nel  1871  l'artista  torna  in  Francia,  a  Pontoise,  ma  le  difficoltà  economiche  che  deve  affrontare  

sono tante,al punto che è aiutato da molti protettori e grandi collezionisti come Arosa e Murar. 

Dopo avere rincontrato gli amici Monet e Guillaumin, tre anni dopo l'artista partecipa alla prima  

mostra impressionista.   

Nel  1877  conosce  Paul  Gauguin,  con  il  quale  negli  anni  successivi  ha  dei  rapporti  di  lavoro  a  

Pontoise. Cinque anni dopo si trasferisce per un breve periodo di tempo a Osny. L'anno seguente il  

suo  amico  Paul  Durand‐Ruel  gli  organizza  la  prima  mostra,  in  cui  vengono  esposti  solo  i  suoi  

dipinti.  Dopo  avere  soggiornato  per  un  breve  periodo  a  Rouen,  nel  1884  il  pittore  si  stabilisce  

definitivamente a Eragny‐sur‐Epte.   

Nel  1885  conosce  Paul  Signac  e  Georges  Seurat,  esponenti  del  nuovo  stile  artistico  chiamato  

puntinismo.  L'artista  rimane  affascinato  da  questo  nuovo  linguaggio  pittorico,  al  punto  di  

realizzare varie opere con questa nuova tecnica fino ai primi anni Novanta del 1800.   

Nel 1886 conosce Vincent Van Gogh e negli anni successivi viene invitato a Bruxelles per prendere  

parte alla mostra Les XX e a Parigi per partecipare all'esposizione universale di Georges Petite.   

Trascorre  gli  ultimi  anni  della  sua  vita  in  Belgio  a  causa  delle  sue  manifeste  idee  anarchiche.  A  

causa di una brutta malattia agli occhi è inoltre costretto a dipingere a casa.   

Dal 1893 al 1900 dipinge solo opere con lo stile impressionista. L'oggetto delle sue opere sono  

vedute paesaggistiche, strade e piazze di Parigi. Dipinge inoltre anche la facciata del Museo Louvre  

e la Senna. Camille Pissarro muore a Parigi il 13 novembre 1903, all'età di 73 anni.  

  

ALFRED SISLEY  

Alfred Sisley nasce a Parigi il 30 ottobre 1839 da una famiglia inglese che si è trasferita a Parigi; il  

padre è un importante commerciante di cotone e di caffè. Finiti gli studi in Francia, il padre vuole  

che Alfred si occupi degli affari familiari ed è per questo motivo che lo manda a studiare economia  

a Londra.   

Durante il suo soggiorno a Londra, il giovane si rende conto di non essere interessato agli studi  

economici,  scoprendo  presto  la  sua  passione  per  l'arte.  A  Londra  si  reca  nei  musei  e  studia  

attentamente  le  opere  artistiche  di  William  Turner,  John  Constable  e  Richard  Bonnington.  Nel  

1861 torna a Parigi, deciso a intraprendere la carriera artistica. Fortunatamente ottiene l'appoggio  

morale e finanziario della famiglia, accortasi del grande talento artistico del ragazzo.   

Nello stesso anno inizia a partecipare ai corsi tenutisi nel celebre atelier di Charles Gleyre. I corsi  

sono seguiti anche da altri futuri artisti impressionisti come Pierre Auguste Renoir, Frédéric Bazille  

e  Claude  Monet  con  i  quali  stringe  una  forte  amicizia.  L'artista  fa  delle  passeggiate  lungo  la  

capitale parigina e nei pressi della Foresta di Fontainebleau con i suoi amici pittori con l'intento di  

dipingere  le  spettacolari  vedute  paesaggistiche.  Essi,  per  dipingere,  si  recano  spesso  anche  a  

Marlotte e a Chailly.   

Tre  anni  dopo  lo  studio  artistico  di  Gleyre  chiude  e  il  pittore  diventa  allievo  dell'artista  Camille  

Corot,  celebre  per  la  realizzazione  di  dipinti  aventi  come  oggetto  i  paesaggi  naturali.  Nel  1866 

partecipa  al  Salon  con  due  dipinti.  In  questo  periodo,  conosce  Eugénie Lescouezec,  fiorista  e  

modella con cui ha una relazione amorosa e che sposa nello stesso anno. Dalla relazione tra i due  

nascono  due  bambini,  Pierre  e  Jeanne  Adèle.  Il  padre  non  accetta  la  relazione  tra  il  figlio  e  

Eugénie, per cui non lo sostiene più dal punto di vista finanziario, togliendogli la rendita.   

Nonostante le gravi difficoltà finanziarie, il pittore riesce a partecipare con alcune opere al Salon  

nel 1868 e nel 1870. In questo biennio la Francia è coinvolta nel conflitto franco‐prussiano, evento  

che sconvolge la vita dell'artista e dei suoi amici impressionisti in seguito alla morte sul fronte di  

guerra dell'amico Frédéric Bazille, il quale si è arruolato.   

In questi anni, non avendo l'appoggio economico della famiglia, si rende conto che la pittura per  

lui  deve  diventare  una  professione  che  gli  deve  procurare  il  sostentamento  per  sé  e  per  la  sua  

famiglia. Per questo motivo decide di lasciare Parigi e di stabilirsi ad Argenteuil per risparmiare.   

Ad  Argenteuil  si  è  stabilito  anche  il  suo  amico  Claude  Monet,  che  nel  1872  gli  presenta  il  

proprietario  della  Galleria  d'arte  londinese  Paul  Durand‐Ruel,  che  acquista  alcune  tele  di  Alfred  

Sisley. L'anno seguente sono esposte nella Galleria di Durand‐ Ruel quattro sue opere.   

Il  pittore  per  ben  due  volte  tenta  invano  di  ottenere  la  cittadinanza  francese,  che  però  non  gli  

viene concessa. Nel 1874 partecipa alla prima mostra impressionista presso lo studio fotografico di  

Nadar  e  poi  trascorre  alcuni  mesi  in  Inghilterra.  L'anno  dopo  cambia  residenza,  stabilendosi  a  

Marly‐le‐Roi.  Insieme  agli  altri  artisti  impressionisti  espone  nuove  opere  d'arte  nei  due  anni  

successivi e nel 1882.   

A  causa  del  fallimento  finanziario  di  Paul  Durand‐Ruel,  Sisley  e  gli  altri  artisti  impressionisti  si  

trovano in difficoltà finanziarie, per cui sono costretti a vendere molte delle loro opere all'asta. Le  

aste però si rivelano fallimentari.   

Alfred  Sisley  cambia  più  volte  residenza,  trasferendosi  prima  a  Sèvres  e  poi  a  Veneux‐Nadon.  

Grazie  al  miglioramento  della  situazione  economico‐finanziaria  di  Durand‐Ruel,  che  gli  acquista  

alcune tele, migliora sensibilmente la sua situazione economica.   

Nello stesso anno si trasferisce a Moret‐sur‐Loing e il gallerista londinese organizza un'esposizione  

personale dell'artista, presentando circa settanta opere. La mostra si rivela fallimentare e Alfred  

Sisley, deluso, non partecipa all'ultima mostra impressionista tenutasi nel 1886.   

Paul  Durand‐Ruel  però  continua  a  organizzare  nuove  mostre  contenenti  sue  opere  sia  nella  

Galleria di Parigi sia nella Galleria di New York. Dal 1892 il pittore inizia a esporre le sue opere  

presso il Salon de la Société Nationale des Beaux‐Arts.   

Alfred Sisley muore a 59 anni a Moret Sur Loing il 29 gennaio 1899 da cittadino britannico.  

  

  

BIOGRAFIE POST‐IMPRESSIONISTI 

PAUL CÉZANNE (Aix‐en‐Provence, 1839 ‐ id., 1906)  

Senza dubbio non esiste nessun artista moderno che sia stato tanto disprezzato dalla maggioranza  

dei suoi contemporanei e che sia divenuto in  seguito  una fonte d'ispirazione alle più diverse  

correnti per oltre mezzo secolo, e la cui opera abbia suscitato tante difficoltà d'interpretazione.  

Accusati talvolta di piattezza e povertà, i suoi dipinti sono, per  la maggior parte degli  

«intenditori», nonostante l'apparente o reale mancanza di abilità, di una ricchezza e pienezza  

eccezionali.  

L'opera ebbe, a suo tempo, meno riconoscimenti di quella  degli  altri impressionisti (nel senso più  

ampio del termine), ma edificò progressivamente, senza le violente rotture che seguiranno,  un   

nuovo rapporto con la natura e con l'espressione pittorica, primo in ordine di tempo dei due  

grandi poli attorno ai quali si muoverà l'arte del XX secolo, mentre il secondo è rappresentato dalla  

contestazione culturale del movimento dada. Eccettuati i pochi esercizi accademici del periodo  

degli studi di disegno, fin dagli inizi e alla maniera di Doumier, Cézanne evase dalla  

rappresentazione tradizionale trasgredendo contemporaneamente alcuni principi di prospettiva  

«scientifica» istituti dal Rinascimento e sfuggendo alla «finitezza» degli accademici della sua  

epoca.  

Cézanne intese, secondo i propositi che hanno raccolto i suoi  diversi interlocutori, realizzare nelle  

sua arte un’«armonia parallela alla natura» e fare dell'impressionismo qualcosa di solido e  

duraturo come l'arte dei musei. Questo rifiuto dell'arte «effimera» dell'opera di un Monet e di un  

Pissarro, mette in evidenza i conflitti interiori che caratterizzano la personalità di Cézanne e che  

determinarono non solo la vocazione di pittore, non spiegabile in base a una  probabile  

«sublimazione», ma anche il corso della sua opera e la sua fecondità. Cézanne è generalmente  

giudicato inquieto, un uomo immaturo dal punto di vista affettivo che «vive in disparte dalla  

società e le manifesta inopportunamente la sua aggressività» (Gaston Ferdiére).  

Indifeso nei confronti della noia della vita quotidiana e della difficoltà dei rapporti umani, quindi  

sempre insoddisfatto, sceglie la fuga cambiando continuamente residenza.  Sempre alla  ricerca di  

rifugi e con alle spalle un matrimonio infelice, dichiarò nella sua vecchiaia: «Mi appoggiò su mia  

sorella Maria, che si appoggia sul suo confessore, che a sua volta si appoggia su Roma». Geloso  

della sua libertà «nessuno metterà  le  mani  su  di me», che trova il miglior conforto nel lavoro in  

solitudine. Oltre alle incertezze manifestate per lungo tempo e le crisi di scoraggiamento (tele  

distrutte o lasciate incompiute), nella solitudine mostrò una volontà che alla luce di un'analisi  

dell'intera evoluzione della sua opera si può giudicare lucida e inflessibile. Ribelle alle teorie e non  

attingendo, dei pittori che ammirava,  nulla che non fosse conforme al suo autentico sentimento  

interiore, passò dall'espressione provocatoria  della  sua  soggettività  a  successive sintesi che gli  

permisero, riprendendo il contatto con la realtà sensibile e poi superandola, di risolvere  le  sue   

ossessioni  in  un movimento creativo. Pur distinguendo quattro fasi nell'evoluzione della carriera  

artistica di Cézanne è necessario non perdere di vista i rapporti tra le varie tappe e la dualità 

sostanziale dell'ispirazione  complessiva  presente anche nelle opere considerate nella loro  

individualità.  

Cenni biografici su Paul Cézanne:  

19 gennaio 1939 ‐ Nascita di Paul Cézanne, figlio naturale riconosciuto da Louis Auguste Cézanne,  

modesto cappellaio di Aix‐en‐Provence, e  di Elisabeth Aubert.  

1841  ‐ Nascita di Marie, la prima delle due sorelle di Paul, che avrà un posto importante nella sua  

vita.  

1844  ‐  Matrimonio dei genitori di Cézanne.  

1848 ‐ Louis Auguste, uomo abile e autoritario, che ha avuto successo negli affari, fonda una  

banca. Il successo non gli  apre  tuttavia  le porte degli ambienti borghesi più agiati della città.  

1852‐58 ‐ Paul Cézanne segue con profitto gli studi al College Bourbon e diviene un virtuoso della  

poesia latina. Amicizie, soprattutto con Emile Zola; scampagnate nei dintorni di Aix ed esaltazione  

poetiche. Corso serale alla scuola di disegno di Aix.  

1859 ‐ Inizio degli studi di diritto, secondo i desideri del padre. Questi acquista, a un chilometro e  

mezzo da Aix, la villa aristocratica del Jas de Bouffan, dove il giovane inizia a dipingere.  

1861 ‐ Ottiene, in aprile, l'autorizzazione a recarsi a Parigi, dove Zola lo attende per studiare  

pittura. Crisi di scoramento e ritorno ad Aix in dicembre.  

novembre 1862 ‐ luglio 1864 ‐ Secondo soggiorno a Parigi. Lavora all'Accademia Suisse (dal nome  

del proprietario) dove fa la conoscenza di Amand Guillaumin e di Camille Pissarro. È respinto al  

concorso di ammissione all'Ecole des beaux‐arts (motivo: dipinge con eccesso). Al Louvre, dove  

per tutta la vita continuerà a ritornare di tanto in tanto, ammira e copia le opere dei Maestri  

veneziani, di Rubens, degli Spagnoli, di Michelangelo e di Delacroix.  

1864/70 ‐ Lavora alternativamente a Parigi e Aix. I ritratti inviati  al Salone ufficiale di esposizione  

vengono rifiutati.  

Estate 1870/estate 1871 ‐ Vive all'Estaque con la sua compagna, Hortense Fiquet operaia tessile e  

modella, di diciannove anni, nascondendo il legame a suo padre.  

1872 ‐ Il 4 gennaio Hortense dà alla luce il loro figlio Paul. Più tardi si trasferiscono a Saint‐Ouen‐ 

l'Aumône, raggiungendo Pissarro che si è stabilito nei pressi, a Pontoise.  

1873 ‐ A  Auvers‐sur‐Oise,  presso  il  dottor  Paul  Ferdinand  Gachet, Cézanne lavora in compagnia  

di Pissarro, che gli fa conoscere il mercate di colori Julien Tanguy. Questi gli fornirà il materiale  e  i  

colori in cambio di qualche tela.  

1874/77 ‐ Si divide tra Aix e Parigi, dove lascia Hortense e suo figlio. Partecipa alla prima (1874) e  

terza (1877) esposizione degli «impressionisti». Rifiuterà di partecipare a  quelle  successive  (dal  

1879 al 1886), preferendo tentare il successo al Salone Auguste Renoir gli presenta un modesto  

amatore Victor Chocquet; la comune ammirazione per Delacroix lega i due uomini e Chocquet  

diventerà l'appoggio più sicuro di Cézanne.  

1878 ‐ Fa la spola tra Marsiglia, dove ha trasferito Hortense, l'Estaque, e Aix.  Suo padre che si è 

accorto del suo legame, gli diminuisce l'assegno mensile, ma dopo una riconciliazione che avviene  

alla fine  dell'anno, glielo aumenta.  

marzo 1879/ottobre 1882 ‐  Vive soprattutto a Parigi e in Ile‐de‐France: Melun nel 1879, Pontoise  

nel 1881, presso Pissarro cui anche Gauguin fa frequenti visite; molti soggiorni da Zola a Mèdan.  

Inverno  1881‐82 all'Estaque, visita di Renoir. Nella primavera del 1882 una delle sue tele è  

«ripescata» per il Salone, ma nessuno la nota.  

1882/85 ‐ Si ritira al  Jas  de  Bouffan,  poi  all'Estaque.  Redige  un testamento. Amicizia con il  

pittore Adolphe Monticelli.  

1885 ‐ Amore infelice per una domestica del Jas de Bouffan: le corrispondenze con Cézanne e i  

frequenti  spostamenti  tradiscono  una grande agitazione. In giugno‐luglio soggiorna dai Renoir, a  

La Roche‐Guyon. Autunno e inverno a Gardanne.  

1886 ‐ La pubblicazione del libro  di  Zola  L'oeuvre,  ritratto  di  un artista fallito in cui si scorge la  

figura di Cézanne, segna la fine dell'amicizia tra i due uomini. 28  aprile:  matrimonio  con   

Hortense Fiquet. Estate a Parigi e visita alla bottega di Tanguy, dove le tele di Cézanne sono  

sempre più ammirate dai giovani pittori (Emile Bernard in primo luogo). 23 ottobre:  morte  del   

padre  che  gli  lascia  una consistente eredità.  

1888/90 ‐ Vive soprattutto a Parigi e, nel 1888 trascorre molti mesi a Chantilly.  

1891/93 ‐ In cattive condizioni di salute da  qualche  anno,  scopre  di essere diabetico. Viaggio in  

Svizzera nel 1891. Diversi altri spostamenti: Jas de Bouffan, regione parigina...  

autunno 1894  ‐ A Giverny, Claude Monet lo presenta a  Rodin,  a  Goerges Clemenceau, al critico  

Gustave Geffroy, che gli dedica un articolo elogiativo.  

autunno 1895 ‐  La sua prima mostra personale,  organizzata  da  Ambroise Vollard fa sensazione.  

1896 ‐ Amicizia con il giovane poeta di Aix, Joachim Gasquet. Cura a Vichy in giugno, poi Talloires  

(lago di Annecy) e Parigi.  

1897 ‐ Vive a Parigi (dove moglie e figlio vivono ormai  stabilmente)  e ad Aix a fine maggio. Affitta  

una casa al Chatueau Noir, vecchia fattoria sulle colline del Tholonet, presso la cava Bibemus. Due   

tele di Cézanne su questi soggetti si trovano nella sala del museo del Lussemburgo riservato ai  

lasciti del pittore e  collezionista  Gustave Caillebotte. Morte della madre il 25 ottobre.  

autunno 1898/autunno 1899 ‐ Parigi e regione parigina. Vende il Jas de Bouffan e affitta un  

appartamento ad Aix. Espone tre tele al Salon des Indèpendants. La Galleria nazionale di Berlino   

acquista  due  Cézanne (mentre la città natale continua a ignorarlo) 1900 Partecipa, grazie a Roger  

Marx, all'Esposizione centennale dell'arte francese.  

1901 ‐ Maurice Denis espone il suo Hommage a Cézanne.  

1902 ‐ Visita di Charles Camoin e di Leo Larguier. La Legion d'Onore domandata da Octave  

Mirabeau, gli è negata.  

1904 ‐  Visita di Emile Bernard ad Aix.  Ultimo soggiorno a Parigi e Fontainbleau. Omaggio di una  

intera  sala al Salon d'Automne.  

1906 ‐ Morte di Cézanne, all'età di sessantasette anni.  

Impulsività romantica  

Tentennamenti iniziali e poi la padronanza assoluta: i primi dieci anni circa della carriera di   

Cézanne  sono  dominati  dall'ipertrofia degli effetti, la proiezione di un'immaginazione romantica  

di carattere sensuale e sovente macabra,  tradotta  in  una  tavolozza  a dominanti cupe. Il rifiuto  

del mestiere accademico assicura già l'unità del contenuto mentale e dalla forma plastica. Tutta  

una  serie di ritratti sono caratterizzati dalla grande robustezza dell'impasto di colore, steso  sulla   

tela  con  la  spatola  e  molto  denso,  che sostituiscono il chiaroscuro. Le scene con figure, che  

sembrano talvolta avere ispirato le stampe della vita contemporanea  pubblicate da giornali come  

il Magazin pittoresque, trovano la loro unità in certi artifici compositivi:  contorni  netti,   

trattamento  per  piani nettamente differenziati in profondità (Paul Alexis lisant un manuscrit a  

Zola, 1869‐70, Museo di Sao Paulo), composizioni vertiginose come quelle dell'Orgie (1864 ca ‐  

1866) o della tela chiamata Don Quichotte sur les rives de Barbarie (1870), e  anche  nel colore,  

sovente di elevata qualità ( Le dèjeuner sur l'herbe ), 1868 ca ‐ 1870) [queste tre tele  

appartengono a collezioni private]. Le figure, barocche in modo sorprendente nelle tre ultime tre  

opere, non hanno rapporti tra loro, né con lo spazio in cui sono  ambientate. Così nei quadri  

allucinati in cui si proiettano i fantasmi soprattutto sessuali del giovane pittore, questo ambiente,  

scrive l'esperto di estetica Jean Paris, «non è di  tipo  fisico.  [...]  Se  è  retto  da regole, queste  

sono le stesse che Freud scopre nell'attività dell’inconscio...». Nello stesso periodo, tuttavia,  

traendo profitto dagli esempi di Courbet o di Manet, Cézanne afferma la volontà di opporre al  

soggetto immaginario il motivo attinto  nella  comprensione del mondo visibile e di imporgli una  

architettura molto rigide, come in Paul Alexis e Zola , già citato. Ancor più che in questi ritratti e  

nei primi paesaggi, nei settore più limitato delle nature morte il pittore giunge a risolvere le   

relazione tra superficie, forme e spazio in puri ritmi pittorici, come si può verificare nella Pendola  

nera (1869‐70), Collezione  privata (Stati Uniti).  

Incontro con l’Impressionismo  

Nel 1872 e 1873, Cézanne lavora in Ile de France presso Camille Pissarro («qualcosa come il Buon  

Dio», scriverà più tardi). Schiarisce la sua tavolozza, rende  più  breve  il  tocco  della  tela,   

comincia sostituire il modello con lo studio dei toni. Continua a coltivare però le sue intuizioni  

visive, la sua «piccola sensazione», e evita di lacerare lo spazio con la prospettiva lineare e di far  

occhieggiare la luce come fanno  Monet  e  Pissarro. La casa dell'impiccato (1873, Louvre) ha  

forme raccolte e una materia densa, posata con lentezza scrupolose. Il tocco più brillante è posto  

però  al  servizio  di  una vana immaginifica fertile nella turbinosa seconda versione di Una nuova  

Olimpia (1873, Louvre). Verso il 1876, Cézanne  ha  pienamente assimilato l'insegnamento  

impressionista. Ne utilizza il tocco breve e vario nelle direzione, e osserva i giochi di riflessi che 

nelle sue vedute del Jas de Bouffan, si ripercuotono tra i piani  d'acqua  della casa e il fogliame.  

Tuttavia, la tendenza costruttive si esprime nuovamente nel ritratto di Madame Cézanne au  

fontenil rouge (1877, Collezione  privata, Stati Uniti), opera quasi bidimensionale come le nature  

morte della stessa epoca, in cui l'aria non circola. Infatti, dal 1875 al 1882 circa,  il pittore torna  

incessantemente a esperienze anteriori (il che rende le datazioni delle sue opere particolarmente  

difficili), sembra indugiare, ma giunge in tal modo a sviluppare una tecnica originale. Il tocco  

acquista un orientamento unitario che svolga, nei paesaggi tra le forme, il ruolo di un  

accompagnamento. I piani  si  organizzano con altrettanta precisione e complessità, il colore è  

intenso: «Quando il colore si esprime con la sua ricchezza, la forma giunge alla sua pienezza». La  

trasformazione si esprime in tutta la sua ampiezza nelle nature morte: oltre il trattamento delle  

celebri mele (di cui Meyer Shapiro sottolinea il significato sessuale) in tante piccole facce i cui  

volumi sono determinati ricorrendo ben poco  al  modello  classico delle ombre e delle luci, vi si  

scopre una riformulazione dello spazio dovuto al trattamento identico dei piani in profondità e alle  

deformazioni del disegno in prospettive; gli oggetti  sembrano  essere visti da diverse angolature. I  

contorni, contemporaneamente fermi e allusivi permettono al tocco di colore di svolgere la  

propria funzione ritmica e unificatrice dei vari elementi della composizione: è  quello che Cézanne  

chiama modulazione. È interessante constatare, con Thèodore Reff, che l'innovazione di questo   

tocco  costruttivo  sembra essere intervenuto dapprima in una nuova serie di opere di fantasia,  

come il parodistico Eterno femminino del 1875‐76 (Collezione  privata, Stati Uniti). Il  

procedimento avrebbe dunque avuto una funzione non tanto analitica rispetto al  reale,  ma  di   

controllo  del  contenuto pittorico sul terreno stesso che è minacciato dalle più turbolente  

impulsioni; e, in una  dualità  risoluta,  questo  sarebbe  dunque  il versante romantico  

dell'ispirazione del pittore che avrebbe dotato di materiali determinanti la fase classica della sua  

arte.  

  

Sintesi «classica».  

All'Estaque, nel 1883, Cézanne  scruta  con  occhi  nuovi  la  natura mediterranea, ne scopre la  

permanenza e la maestà. Si impegna però a trasporre il suo motivo, a strutturarlo rimodellando  

secondo l'esigenza organica del quadro gli elementi troppo poco accentuati e gerarchizzati dal  

reale. Ha l'audacia,  proprio  lui  che  rifiuta  di effetti atmosferici, di far riferimento, con nella  

diverse versioni del Golfo di Marsiglia visto dall'Estaque, a un panorama di  cieli  e acque,  

riuscendo a imporre la sensibilità di oggetti lontani che sono correlati contemporaneamente alla  

loro profondità e  al  primo  piano, pur partecipando alla realtà bidimensionale della tela.  

Attraverso questa speculazione plastica che prende la realtà come pretesto, si fa strada una  

tendenza all'estrazione che culmina con il severo trattamento geometrico delle case nei paesaggi  

di Gardonne. Combinando le sue diverse esperienze, il pittore giunge fino ad agire, con una  

disinvoltura sempre maggiore, sulle coppie di  tensione  rappresentate da rigore e lirismo, stabilità 

e movimento, esattezza e deformazione. La composizione con il Vase bleu (1883 ca ‐ 1887, Louvre)  

fonda così la sua ricchezza, la sua flessibilità, sul coordinamento di un insieme di mezzi complessi  

(soprattutto una conversione equilibrata delle verticali e delle orizzontali), mentre i balzi sottili, la  

scansione e l'arabesco della Montagne Sainte‐Victoire au grand pin (1885 ca ‐ 1887, Londra,  

Istituto Courtauld) suggeriscono uno spazio dilatato, contemporaneamente vicino e lontano,  

ideale e reale. Verso la fine del 1880, Cézanne, che ha appreso a fondare nel paesaggio le sagome  

pretestuose dei Bagnanti, si dedica, assieme alla produzione di autoritratti, a numerose  

composizioni con figure bene individuate, che ora è in grado di collocare nell'ambiente  

circostante. Se i processi costruttivi impiegati nel Mardi gras (1888, Mosca, Museo Puskin) creano  

uno spazio un po’ artificiale, del resto adatto all'immaginario del soggetto teatrale, la serie dei  

Giocatori di carte (1885‐92) raggiunge una pienezza classica, almeno nella  versione  del Louvre,  

con due soli personaggi. Una rete di tensioni compensate dà il proprio equilibrio a quest'opera  

ridotta all'essenziale, piena di calma energia e di armonia monumentale. Cézanne mantiene però  

in sé, al di là di questo sereno  umanesimo,  le risorse di una vita più esplosiva, di una più grande  

esaltazione.  

  

Sintesi «lirica».  

Dal 1888 al 1895 l'ideale (costruttivo) diviene una realtà sufficientemente assimilata; sottintesa,  

fino a lasciare libero  corso ad altri impulsi, all'esplosione dei colori e talvolta e un barocchismo  

che può essere opulenza ma anche, talvolta, espressione di angoscia. Nel Garçon au gilet tauge  

della collezione Bührle  a  Zurigo (1890 ca ‐ 1895) lo schema astratto si riveste di tonalità brillanti,  

e il tocco nervoso, il modello delicato del viso, la straordinaria vibrazione di certi contorni (tracciati  

intermittentemente o ripassati) danno tutta la loro vita  al  giovane  personaggio.  Questa nuova  

libertà del tocco e l'apertura delle forme allo spazio ambientale danno, alle tele di  quel  periodo,  

l'apparenza  di  rapida  fattura, spontanea ‐ nonostante le innumerevoli sedute di posa che l'artista  

impone ai suoi modelli, lamentandosi sempre di non poter creare ‐, e questo può essere  collegato   

all'importanza  assunta  dall'acquerello nell'opera di Cézanne: tecnica che permette la notazione  

rapida delle sensazioni cromatiche e tende allora a sostituirsi al disegno. Cariche di simbolismo  

come la Nature morte à l'Amour en  plâtre (1895 ca, Istituto Courtauld), austere o arricchite di  

pesanti tendaggi damascati, le nature morte riflettono con perfezione tutte le acquisizioni di quel  

periodo e sono, secondo molti critici, una delle cause dell'ammirazione che il pittore comincia a  

suscitare. A partire dal 1900 e fino alle morte, Cézanne si consacra alle tre tele delle Grandi  

bagnanti che dimostrano  l'ambizione  di  confrontarsi  con  le grandi composizioni della pittura  

classica. Il nudo femminile non ha altra ragione che quella di concorrere all'edificazione dell'opera   

in quanto sistema costruito e ritmato, fatto di forme e colori; a partire da questa condizione  

tecnica realizzata, l'immagine di Cézanne può amplificarsi in una sorte di simbiosi universale che 

include lo spazio del reale e quello del pensiero. Un accordo tra conoscenza razionale e lirismo,  

minerale e vegetale, eternità e vita si afferma nelle tele di Bibemus e del Château Noir, per  

culminare nel gioco di  macchie  e  di sfaccettature degli ultimi Sainte‐Victoire, che sembrano  

trarre ispirazione da un vero e proprio sentimento cosmico. «Sono il primitivo di un'arte nuova»  

diceva Cézanne durante gli ultimi anni della sua vita. E sicuramente egli è al primo posto tra gli  

iniziatori di questa «pittura pura», liberata dal concetto di imitazione, di  cui pertanto occorre non  

dimenticare che, lungi dall'essere chiusa nel suo formalismo, si apre in lui su un mondo di  

implicazioni psichiche, di prolungamenti immaginari.  Se, a fianco di un Matisse, o di un Kandinskij,  

i suoi più ferventi ammiratori (Emile Bernard, Maurice Denis, Henri Lhote) non furono i più grandi,  

il  suo  messaggio  si  è rivelato abbastanza multiforme per irrigare, in un flusso vastissimo, la  

maggior parte dei campi indagati dopo di lui.  Attraverso Gauguin, al quale rimproverò di aver  

fatto solo «quadri cinesi» (!), egli influenzò il movimento dei nabis e il fauvisme; il  suo  precetto   

sul trattamento della natura mediante «il cilindro, la sfera e il cono» si ripercuote sul cubismo che  

egli senza dubbio non avrebbe approvato; il suo modo di trattare il colore è stato usato con  

profitto da Delaunay e dal Blaue Reiter; l'espressionismo stesso gli deve molto  e,  certo, anche  

l'astrattismo nelle sue diverse manifestazioni. Complessivamente, benché la lenta maturazione  

della sua opera contrasti con le mode del nostro tempo,  è  forse  la  sua  concezione dell'arte  

come ricerca incessante sui mezzi e i contenuti che le sono propri che ha dato a Cézanne il posto  

preminente che egli occupa nella sensibilità del XX secolo.  

  

VINCENT VAN GOGH  

Vincent Willem Van Gogh nasce il 30 marzo 1853 a Groot Zundert (Olanda) ed ebbe, a causa della  

sua estrema sensibilità di artista, una vita molto tormentata.   

Figlio di un pastore protestante, mentre ancora vive a Zundert, Vincent esegue i suoi primi disegni.  

Inizia invece le scuole a Zevenbergen. Impara il Francese, l'Inglese, il Tedesco e per la prima volta  

inizia a dipingere.   

Terminati gli studi, va a lavorare come impiegato nella succursale della casa d'arte parigina Goupil  

e Cie, successivamente nelle sedi dell'Aja (dove compie frequenti visite ai musei locali), di Londra e  

di Parigi. Nel maggio del 1875 viene definitivamente trasferito a Parigi.   

Il  trasferimento  nella  città  francese,  dove  già  risiede  il  fratello  Theo,  segna  l'inizio  del  periodo  

appunto francese, interrotto solo da un breve viaggio ad Anversa alla fine dello stesso anno. Molto  

del  suo  tempo  lo  spende  assieme  al  fratello  e  i  due,  da  quel  momento,  iniziano  una  

corrispondenza  che  durerà  tutta  la  vita  e  che  rappresenta  ancora  oggi  il  mezzo  migliore  per  

studiare le opinioni, i sentimenti e lo stato d'animo di Vincent.   

Durante il soggiorno parigino l'artista scopre la pittura impressionista e approfondisce l'interesse  

per l'arte e le stampe giapponesi. Conosce molti pittori tra cui Toulouse Lautrec e Paul Gauguin  

che  apprezza  particolarmente.  La  loro  sarà  una  relazione  assi  turbolenta,  con  esiti  anche 

drammatici,  come  testimonia  il  famoso  episodio  del  taglio  dell'orecchio  (si  suppone  infatti  che  

Vincent  abbia  assalito  Gauguin  con  un  rasoio.  Fallito  l'attacco,  in  preda  ad  una  crisi  di  nervi,  si  

taglia il lobo dell'orecchio sinistro).   

Intanto, il rendimento di Vincent alla Goupil & Cie si deteriora mentre, allo stesso tempo, la sua  

dedizione  agli  studi  biblici  raggiunge  un  livello  ossessivo.  Dopo  essersi  dimesso  da  Goupil  al  

principio  della  primavera,  si  reca  a  Ramsgate,  in  Inghilterra,  dove  viene  assunto  in  un  piccolo  

collegio.  Più  avanti  nel  corso  dell'anno  Vincent  assume  un  nuovo  incarico  quale  insegnante  e  

coadiutore  presso  il  Reverendo  T.  Slade  Jones,  un  pastore  Metodista.  Il  29  Ottobre  Vincent  

pronuncia  il  suo  primo  sermone  domenicale.  Man  mano  che  il  fervore  religioso  di  Vincent  

aumenta, il suo stato di salute fisico e mentale volge al peggio.   

Il 1880 è un punto di svolta nella vita di Vincent. Abbandona i suoi propositi religiosi e si dedica  

esclusivamente  a  dipingere  poveri  minatori  e  tessitori.  Theo  inizia  ad  appoggiarlo  

finanziariamente, una situazione che si protrarrà fino alla fine della vita di Vincent. Più tardi nel  

corso dell'anno, intraprende studi formali di anatomia e prospettiva all'Accademia di Bruxelles.   

Incontra Clasina Maria Hoornik (detta "Sien"), una prostituta gravata fra l'altro dal mantenimento  

di una figlia di cinque anni ed incinta di un altro figlio. Mentre continua i suoi studi e dipinge in  

compagnia di alcune nuove conoscenze, il suo stato di salute va nuovamente deteriorandosi, tanto  

da  dover  essere  ricoverato  in  ospedale  per  gonorrea.  Una  volta  dimesso,  inzia  alcune  

sperimentazioni  pittoriche  e,  dopo  più  di  un  anno  trascorso  insieme,  pone  termine  alla  sua  

relazione con Sien. Più tardi nel corso dell'anno, Vincent si trasferisce a Nuenen dai suoi genitori,  

mette in piedi un piccolo studio per lavorare e continua a fare affidamento sul sostegno di Theo.   

Estende  i  suoi  esperimenti  fino  ad  includere  una  maggiore  varietà  di  colori  e  sviluppa  un  

grandissimo  interesse  per  le  incisioni  su  legno  giapponesi.  Tenta  di  intraprendere  una  qualche  

formazione  artistica  alla  Ecole  des  Beaux‐Arts,  ma  respinge  molti  dei  principi  che  gli  vengono  

insegnati.  Desiderando  continuare  con  qualche  tipo  di  educazione  artistica  formale,  sottopone  

qualcuno dei suoi lavori all'Accademia di Anversa, dove viene posto in una classe per principianti.  

Come ci si aspetterebbe, Vincent non si trova a suo agio all'Accademia ed abbandona.   

Intanto,  sopravviene  il  1888,  un  anno  fondamentale  nella  vita  di  Van  Gogh.  Lascia  Parigi  in  

febbraio  e  si  trasferisce  ad  Arles,  nel  Sud.  All'inizio,  il  cattivo  tempo  invernale  gli  impedisce  di  

lavorare, ma una volta arrivata la primavera inizia a dipingere i paesaggi in fiore della Provenza. Si  

trasferisce infine nella "Casa Gialla", una dimora che ha preso in affitto dove spera di stabilire una  

comunità di artisti. E' il momento in cui riesce a dipingere alcune delle sue opere migliori ma anche  

il momento delle sue già accennate violente tensioni con Gauguin.   

Durante  la  prima  parte  dell'anno,  lo  stato  di  salute  mentale  di  Vincent  oscilla  paurosamente.  A  

volte  è  completamente  calmo  e  lucido;  altre  volte,  soffre  di  allucinazioni  e  fissazioni.  Continua  

sporadicamente  a  lavorare  nella  sua  "Casa  Gialla",  ma  la  frequenza  crescente  degli  attacchi  lo  

induce,  con  l'aiuto  di  Theo,  a  farsi  ricoverare  presso  l'ospedale  psichiatrico  di  Saint  Paul‐de‐ 

Mausole  a  Saint‐Rémy‐de‐Provence.  Per  ironia  della  sorte,  mentre  lo  stato  mentale  di  salute  di  

Vincent  continua  a  peggiorare  nel  corso  dell'anno,  la  sua  opera  inizia  infine  a  ricevere 

iconoscimenti presso la comunità artistica. I suoi dipinti "Notte stellata sul Rodano" e "Iris" sono  

in mostra al Salon des Indépendants in settembre, e in novembre viene invitato ad esibire sei dei  

suoi lavori da Octave Maus (1856‐1919), segretario del gruppo di artisti Belgi "Les XX".   

Dopo una serie incredibile di alti e bassi, sia fisici che emotivi e mentali, e dopo aver prodotto con  

incredibile energia una serie sconvolgente di capolavori, muore nelle prime ore del 29 luglio 1890,  

sparandosi in un campo nei pressi di Auverse. Il funerale ha luogo il giorno dopo, e la sua bara è  

ricoperta di dozzine di girasoli, i fiori che amava così tanto.  

  

PAUL GAUGUIN  

Paul  Gauguin  nasce  a  Parigi  il  7  giugno  1848.  I  suoi  genitori  sono  il  giornalista  francese  Clovis  

Gauguin e Aline Marie Chazal, figlia di André Chazal, che svolge la professione di incisore, e di Flora  

Tristàn, una scrittrice peruviana, fervente femminista e socialista. I genitori del piccolo Paul sono  

grandi oppositori del regime politico di Napoleone III, per cui sono condannati all'esilio e nel 1849  

devono lasciare la Francia, per partire alla volta del Perù.   

Il padre di Paul muore durante il viaggio e Aline Chazal e i figli giungono in Perù da soli, venendo  

accolti dalla famiglia materna a Lima. Gauguin trascorre parte della sua infanzia in Perù insieme  

alla sorella Marie Marceline e solo sei anni dopo torna in Francia insieme alla madre e alla sorella,  

poiché  è  morto  il  nonno  paterno  che  ha  lasciato  loro  l'eredità.  Dopo  essere  arrivati  in  Francia,  

ricevono ospitalità dallo zio paterno Isidore Gauguin.   

Gauguin, dal 1859, studia nella città di Orléans presso le Petit‐Sèminaire e sei anni dopo effettua il  

test per entrare a far parte della Marina Militare, che però non supera. Nello stesso anno decide di  

imbarcarsi  in  un  mercantile  come  allievo  pilota,  partendo  nel  mese  di  dicembre  dal  Porto  di  Le  

Havre. Giunge poi in Brasile, nella città di Rio de Janeiro. E' contento di rivedere l'America Latina e  

svolge  vari  viaggi  a  Panama,  nelle  Isole  polinesiane  e  nelle  Indie.  Durante  questi  viaggi  fa  visita  

anche alla tomba del padre.   

Nel 1867, durante le sue avventure, viene a conoscenza della morte della madre in Francia e viene  

affidato  a  Gustave  Arosa.  Dopo  questo  evento  doloroso,  l'anno  successivo  decide  di  arruolarsi  

nella Marina militare francese, svolgendo le sue mansioni sulla nave francese Jéröme Napoleon e  

partecipando alla guerra franco‐prussiana.   

L'anno  dopo  viene  congedato  dalla  Marina  militare  e  torna  a  Parigi.  Ha  ventitré  anni  e  inizia  a  

lavorare  presso  l'agenzia  di  cambio  francese,  Bertin.  Dopo  aver  conosciuto  il  pittore  Ėmile  

Schuffenecker  e  su  consiglio  del  suo  tutore  Gustave  Arosa,  inizia  a  dedicarsi  alla  pittura,  

intraprendendo  la  professione  da  autodidatta.  Il  suo  tutore  possiede  un'importante  collezione  

d'arte contenente dei dipinti di Eugéne Delacroix, da cui Paul trae ispirazione.   

Nel 1873 conosce Mette Sophie Gad, una giovane ragazza danese, con cui si unisce in matrimonio  

nello stesso anno. I due coniugi avranno cinque figli: Ėmile, Aline, Clovis, Jean‐René e Paul. L'anno  

dopo frequenta l'Accademia Colarossi e conosce Camille Pissarro, pittore impressionista francese,  

che  gli  da  consigli  importanti  che  influenzeranno  il  suo  modo  di  dipingere.  In  questo  periodo 

acquista  tele  impressioniste  e  espone  una  sua  opera  paesaggistica  presso  il  Salon  di  Parigi.  In  

questo  periodo  realizza  numerose  opere,  tra  cui  "Etude  de  nu  ou  Suzanne  cousant".  Nei  suoi  

dipinti, uno dei soggetti più rappresentati è quello delle nature morte, in cui trae ispirazione da  

Claude Monet e dal suo stile pittorico.   

Nel 1883 lascia il suo lavoro impiegatizio per dedicarsi completamente alla pittura, non ottenendo  

però dei grandi successi. In questa circostanza decide di vendere tutta le sue opere per mantenere  

economicamente la sua famiglia.   

Dopo  aver  esposto  delle  opere  in  occasione  dell'ultima  mostra  organizzata  dal  movimento  

impressionista tre anni dopo, lascia la famiglia in Danimarca, per trasferirsi in Bretagna, regione  

francese.   

In questo periodo realizza numerosi dipinti presso Pont Aven, uno dei luoghi della regione in cui si  

reca spesso. In Bretagna conosce anche un pittore molto giovane, Ėmile Bernard, che usa lo stile  

pittorico  chiamato  "cloisonnisme",  il  quale  ricorda  l'arte  dei  vetrai.  In  questo  periodo  conosce  

anche  i  fratelli  Theo  e  Vincent  Van  Gogh.  Nei  due  anni  successivi  parte  alla  volta  di  Panama  

insieme al pittore Charles Laval e poi si reca nella Martinica. Al suo ritorno in Francia, trascorre un  

breve periodo ad Arles con Vincent Van Gogh. Grazie all'arrivo di Paul Gauguin, lo stato di salute  

mentale di Van Gogh migliora sensibilmente. Questo miglioramento di salute dura poco, perché il  

pittore  olandese  il  23  dicembre  1888  si  taglia  una  parte  dell'orecchio  con  un  rasoio.  In  questa  

drammatica circostanza, Gauguin lascia Arles.   

Continua a dedicarsi alla sua attività artistica e una delle opere che realizza in questo periodo è "La  

visione dopo il sermone", in cui utilizza uno stile pittorico simbolista, rompendo definitivamente  

con l'impressionismo. Il suo grande estro creativo lo induce a dipingere delle nuove tele come "Le  

Christ  Jaune",  "La  Belle  Angèle"  e  "le  Calvaire  breton",  in  cui  l'influenza  dello  stile  pittorico  di  

Vincent Van Gogh è molto evidente.   

Tra  il  1889  e  il  1890  torna  in  Bretagna  e  l'anno  dopo  parte  alla  volta  di  Tahiti,  dove  riesce  a  

vendere uno dei suoi quadri, "La Belle Angèle". Durante questo suo soggiorno prova un grande  

interesse  per  la  cultura  maori  e  per  le  sue  usanze,  dipingendo  nelle  sue  tele  scene  di  vita  

quotidiana e le persone del luogo. Tra le tele che dipinge in questo periodo si ricordano "Paroles  

du diable" e "La Fille à la mangue".   

Nel giugno 1893 lascia Tahiti per far ritorno in Francia. Qualche mese dopo espone quarantuno  

opere  realizzate  durante  il  soggiorno  tahitiano,  tre  tele  dipinte  in  Bretagna  e  alcune  sculture  

presso la Galleria d'arte francese di Paul Durand‐Ruel. Non ottiene un giudizio artistico positivo  

dalla critica francese in merito alle sue opere tahitiane, per cui rimane molto deluso.   

L'anno dopo, dal mese di aprile al mese di novembre, soggiorna nuovamente in Bretagna, a Pont  

Avene, diventata molto celebre per l'affermarsi di molti artisti. Nel luglio 1895 parte dal porto di  

Marsiglia, per poi giungere a Paapete, nell'isola di Tahiti, dove si stabilirà fino al 1901. In quello  

stesso anno lascia Tahiti, per trasferirsi definitivamente nelle Isole Marchesi. Sfidando la povertà,  

continua la sua attività artistica fino al giorno della morte, avvenuta l'8 maggio 1903 a Hiva Oa, a  

causa della sifilide. 

  

HENRY DE TOULOUSE‐LAUTREC  

Henri Marie Raymond de Toulouse‐Lautrec nasce il 24 novembre 1864 ad Albi (Francia). Proviene  

da una famiglia nobile: il padre è il conte Alphonse de Toulouse‐Lautrec e la madre è Adèle de  

Toulouse‐Lautrec. La sua famiglia possiede numerose proprietà nell'area della Gironde e nel Midi,  

in Francia. A Parigi i Toulouse‐Lautrec hanno vari possedimenti e appartamenti. All'età di quattro  

anni Henri vive il divorzio dei genitori. In giovinezza soffre di varie malattie genetiche dovute al  

matrimonio consanguineo tra i genitori. In quegli anni anche uno dei suoi fratelli muore dopo un  

anno dalla nascita.   

Trasferitosi  a  Parigi  con  la  madre,  frequenta  il  Lycée  Fontanes  dove  riporta  un  ottimo  risultato  

scolastico e si caratterizza per la sua vivacità. Presto è costretto a ritirarsi da scuola, poiché inizia a  

manifestarsi la malattia che lo affliggerà per il resto della sua vita: il nanismo. Nel 1878 un tragico  

evento  lo  segna  profondamente:  inciampa  sul  parquet  della  sua  casa  rompendosi  il  femore  

sinistro. L'anno dopo, mentre si trova a Barèges, cade in un fossato, riportando la rottura dell'altra  

gamba.  Toulouse‐Lautrec  ha  anche  un'altra  malattia,  la  picnodisostosi,  che  non  gli  permette  di  

guarire dalle fratture che ha riportato in quei determinati frangenti. I suoi arti inferiori smettono  

così di crescere e la sua altezza in età adulta è di un metro e cinquantadue centimetri.   

In questa circostanza, durante i suoi lunghi periodi di convalescenza, trova conforto nella pittura  

che diventa la sua grande passione; inizia anche a seguire delle lezioni di pittura che gli vengono  

impartite da René Princeteau, un pittore sordomuto che lo inizia alla carriera artistica.   

Nel 1881 continua a eseguire vari disegni in un taccuino che chiama "Cahier Zig Zags". I soggetti  

delle  opere  che  realizza  in  questo  periodo  sono  la  sua  famiglia,  il  mare,  le  battute  di  caccia,  i  

cavalli.  Nello  stesso  anno  ottiene  il  diploma  di  maturità,  decidendo  di  dedicarsi  esclusivamente  

all'arte. L'anno successivo inizia a frequentare lo studio d'arte del celebre maestro francese Léon  

Bonnat. Dopo tre mesi Bonnat intraprende la carriera di docente presso l'École des Beaux‐Arts,  

decidendo quindi di chiudere il suo studio d'arte.   

Toulose‐Lautrec quindi inizia a frequentare l'atelier di Fernand Cormon sito nel quartiere parigino  

di Montmartre. Qui ha modo di conoscere vari artisti dell'epoca, tra cui si ricordano: Vincent Van  

Gogh, Louis Anquetin, Emile Bernard. Nel 1883 espone l'opera "Un petit accident" a Pau presso la  

Société  des  Amis  des  Arts,  firmandola  con  lo  pseudonimo  di  Mofà.  L'anno  seguente  apre  con  

Albert Grenier uno studio, lavorando spesso all'aperto e frequentando i locali e i cafés più celebri  

di Parigi (Le Moulin de La Galette, le Chat Noit, Le Mirliton). I dipinti che realizza in questo periodo  

ritraggono  clienti  ai  tavoli,  le  ballerine,  le  cantanti  dei  locali  e  vengono  da  lui  firmati  con  lo  

pseudonimo "Tréclau".   

Inoltre si avvicina sempre più al gruppo di artisti noti come Les Artistes Inchoérents, chiamati in  

questo  modo  perché  rappresentano  nelle  loro  tele  dei  temi  trattati  in  modo  umoristico  e  

anticonformista. Con questo gruppo espone, nel 1886, il celebre dipinto "Les Batignolles trois ans  

et demie avant Jésus‐Christ". Sempre nello stesso anno prende in affitto un nuovo studio, in cui 

continua in modo assiduo a dipingere.   

Nei suoi lavori inizia anche a trarre spunto dallo stile pittorico di Edgar  Dégas e da quello degli  

amici  Van  Gogh  e  Bernard.  Nel  1889  con  il  gruppo  Les  Artistes  Inchoérents  espone  un  nuovo  

lavoro,  "Portrait  d'une  malhereuse  famille  atteinte  de  la  petite  grelure"  e  sempre  nello  stesso  

periodo espone due quadri ("Bal du Moulin de la Galette" e "Il Ritratto di Forcaud") presso le Salon  

des Indépendents. Queste due opere non ottengono però un giudizio positivo da parte della critica  

francese.   

Sul  finire  degli  anni  Ottanta  dell'Ottocento  inoltre  espone  con  il  gruppo  di  artisti  "Les  XX"  le  

seguenti tele: "Au Cirque: dans les coulisses", "M.me Adéle de Toulouse‐Lautrec", "François Gauzi"  

e "La contessa Adéle de Tolouse‐Lautrec nel salone del Chateau de Malromé".   

L'artista  in  seguito  inizia  a  interessarsi  anche  alla  litografia  venendo  commissionato  da  Charles  

Ziedler,  proprietario  del  Moulin  Rouge,  per  la  realizzazione  di  un  manifesto  pubblicitario  che  

riscuoterà un buon successo. Dopo il successo riportato in seguito alla realizzazione del manifesto  

realizzato  per  il  Moulin  Rouge,  nel  biennio  1892‐1893  realizza  per  altri  locali  francesi  altri  

manifesti.   

Negli  anni  successivi  viaggia  molto  toccando  paesi  quali  Olanda,  Spagna,  Russia,  Inghilterra  e  

Belgio. Inoltre la sua produzione artistica è molto ricca; espone molte opere inoltre in vari luoghi  

come il Salon des Cent, il Royal Aquarium di Londra, Goupil‐Boussod‐Valadon.   

Numerose  riviste  francesi  si  rivolgono  a  Toulouse‐Lautrec  per  la  realizzazione  di  manifesti  e  

litografie.  Se  dal  punto  di  vista  artistico  ottiene  grande  successo,  vive  una  difficile  situazione  a  

livello personale dettata dalla sua condizione fisica. In questi anni affoga i suoi dispiaceri nell'alcool  

e vive numerose crisi depressive.   

Sul finire degli anni Novanta dell'Ottocento le sue condizioni di salute peggiorano, ripercuotendosi  

anche  nella  sua  produzione  artistica.  Nel  1900  espone  alcuni  suoi  manifesti  a  Bordeaux  e  a  

Budapest e partecipa all'Esposizione universale di Parigi.   

Henri de Toulouse‐Lautrec muore il 9 settembre 1901 a causa di un'emorragia celebrale.  

  

GEORGES SEURAT   

Considerato il massimo esponente della corrente del Neo‐Impressionismo, nasce a Parigi nel 1859.  

Di agiate origini borghesi, il giovane Seurat può seguire le sue naturali inclinazioni, dedicandosi agli  

studi artistici.  

Nel 1875 segue i corsi di scultura di Justin Lequien, tre anni dopo si iscrive all'École des Beaux‐Arts  

di Parigi, dove studia con Henri Lehmann.  

Le sue prime opere si rifanno al naturalismo della Scuola di Barbizon, ma in seguito si interessa alle  

ricerche sui fenomeni della luce e studia i problemi legati alla percezione visiva e le teorie cromo‐ 

luministiche del tempo.  

L'attenzione di Seurat si sofferma sugli studi delle varie tesi teorico‐scientifici di Humbert de  

Superville, di Eugène Chevreul, di Charles Blanc e di Odgen Rood, mente sperimenta il cromatismo 

di Eugene Delacroix.  

Nel 1879 parte militare; distaccato a Brest, disegna marine e paesaggi e, quando torna a Parigi  

apre uno studio col pittore Edmond‐François Aman‐Jean.   

Pittore colto e sofisticato, si reca in luoghi di grande interesse paesaggistico, all''isola de La Grande  

Jatte, nei boschi di Pontaubert dove dipinge all'aria aperta opere ancora legate al naturalismo  

impressionista, ma dove già si intravvedono i germi del "puntinismo".  

Rifiutando i delicati effetti della pittura impressionista, ottenuti con pennellate irregolari, elabora  

una tecnica innovativa più "scientifica", il Puntinismo, in base alla quale su fondo bianco applica  

piccole e ordinate pennellate di colore puro.  

Nel 1883 partecipa per la prima volta al Salon, ma l'anno dopo, poiché non non viene ammesso,  

espone alla mostra organizzata dalla Société des Artistes Indépendants, dove presenta la prima  

delle sue grandi composizioni: Une baignade à Asnières (1883‐84) oggi esposto alla National  

Gallery di Londra.  

Nel 1885, Georges Seurat partecipa all'Esposizione Internazionale di New York, dove espone  

ancora  Une baignade à Asnières, mentre continua le ricerche nel campo cromatico che  

sperimenta personalmente.  

Nel 1886, rielaborando disegni e schizzi, realizzati sull'isola de La Grande Jatte, completa l'opera  

che lo renderà famoso, Un dimanche après‐midi à l'île de la Grande Jatte, dove i personaggi che  

affollano la scena, geometrizzati e ieratici, sono collocati in uno spazio regolare, definito solo dalla  

trasparente luce.  

La grande tela viene presentata  all'ultima mostra degli impressionisti e proprio in questa  

occasione, per sottolineare il nuovo stile del pittore, ormai staccato dall'Impressionismo, vengono  

coniati i termini "neoimpressionismo" e "pointillisme".  

Quest'opera non solo influenza artisti isolati come Gauguin e Van Gogh, ma svolge un ruolo  

fondamentale nella storia della pittura moderna perché riorganizza, in modo rigoroso e cerebrale,  

l’eredità spontanea degli impressionisti.  

Dopo un'esposizione tenuta a Nantes con Camille Pissarro e Paul Signac, Georges Seurat nel 1887  

partecipa alla mostra del Gruppo Les XX a Bruxelles e l'anno dopo si reca in Normandia a Port‐en‐ 

Bessin, per dipingere alcune marine.   

  

Tra il 1888 e il 1889 il pittore realizza altre due grandi composizioni, Les poseuses e La parade,  

mentre entra in contatto col critico Charles Henry, che lo introduce nel Movimento Simbolista e  

che lo spinge a studiare la teoria della dinamica delle linee.   

Nel 1890 Searat espone in un trattato i principi teorici della sua pittura, dipinge Le Chahut (1890)e  

lavora a Le cirque (1891), che viene presentata incompiuta al Salon des Indépendants.  

Nel 1891 muore improvvisamente a soli trentadue anni dopo aver gettato le basi per la nascita del 

Fauvismo e del Cubismo, sino al Surrealismo ed alla Op Art.  

Nel 1899 Signac gli dedica il saggio D'Eugène Delacroix au néo‐impressionisme.

BIOGRAFIE IMPRESSIONISTI EDOUARD MANET ... - Istituto Canossa

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