C R I T I C A • C U L T U R A • C I N E M A - Cine Circolo Romano

Valentina D’Amico – Movieplayer.it
I numeri primi sono numeri divisibili solo per uno e per se
stessi e, in quanto tali, condannati alla solitudine. Quando
due numeri primi si incontrano e tentano di fondersi l’esito
non può che essere imprevedibile. Difficile stabilire
quanto la fascinazione delle cifre e delle loro proprietà
abbia influito sul regista Saverio Costanzo convincendolo
ad adattare il romanzo d’esordio di Paolo Giordano.
Probabilmente la spinta decisiva è giunta sull’onda del
numero di copie vendute dal libro, trasformatosi rapidamente
in best seller, ma poco importa visto che, nonostante
la presenza dello stesso Giordano come co-sceneggiatore,
il film diretto da Costanzo riesce ad affrancarsi dal
romanzo trasformandosi in qualcosa di sostanzialmente
diverso. Mantenendo inalterati gli eventi cardine della storia,
il regista stravolge l’ordine della diegesi optando per
una narrazione frammentaria che, nella prima parte del
film, procede per flashback ed ellissi. A supporto dello
spettatore vengono utilizzate scritte in sovraimpressione
che indicano l’anno in cui si svolgono i fatti, aiutando a
fare ordine tra passato e presente. Il cambiamento sostanziale
rispetto al romanzo di Giordano non riguarda, però,
tanto la temporalità quanto la modalità di narrazione usata
per ricostruire le drammatiche esistenze di Alice e Mattia,
numeri primi condannati alla diversità a seguito di eventi
tragici che ne hanno segnato l’infanzia. Abbandonato lo
stile documentaristico da cinema vérité utilizzato nel
crudo Private, Saverio Costanzo si immerge nel mondo
dell’orrore, dell’artificio e della teatralità realizzando una
pellicola antinaturalistica, che fa una scelta di campo netta
bandendo ogni sfumatura. La solitudine dei numeri primi
è un film estremo. O lo si ama o lo si odia, ma se c’è un
aspetto che non viene messo in discussione questa è l’abilità
registica di Costanzo. Forte della lezione del
Sorrentino più espressionista e barocco, il regista attinge a
piene mani agli stilemi dell’horror facendo largo uso di
angolazioni atipiche, colori cupi e carichi, stacchi netti e
commenti sonori ad hoc che amplificano il senso di orrore
crescente. La location torinese e l’utilizzo di musiche
simbolo (l’inedito dei Goblin che apre il film, i cori composti
da Morricone per L’uccello dalle piume di cristallo)
chiamano in causa in più di un’occasione il maestro Dario
Argento. Anche lo sforzo interpretativo imposto ai due
protagonisti, gli intensi Alba Rohrwacher e Luca
Marinelli, chiamati a plasmare i propri corpi in funzione
dei problematici personaggi, va in questa stessa direzione.
La cinepresa di Saverio Costanzo indugia senza pietà sulla
gamba martoriata dell’Alice adolescente, ripercorre la
schiena ossuta e le vertebre in rilievo dell’Alice adulta o
sfiora i tagli autoinferti sul braccio del piccolo Mattia.
Teatrale e pudico al tempo stesso, Costanzo sfrutta il legame
voyeristico tra obiettivo e attori facendo, però, un
passo indietro quando si tratta di speculare morbosamente
sugli episodi più cruenti del romanzo, ampiamente
descritti da Giordano con dovizia di particolari, che qui
vengono evocati con pochi essenziali tratti. Al pubblico il
compito di colmare i vuoti, di lasciarsi avvolgere dall’orrore
evocato da Costanzo. Dall’orrore della solitudine.
Giancarlo Zappoli – Mymovies.it
Alice e Mattia. Coetanei a Torino. Bambini le cui coscienze
sono attraversate da un trauma profondo che non li
abbandonerà mai. Alice e Mattia. Si conoscono.
Potrebbero amarsi. Si separano (lui accetta un incarico in
Germania e lei si sposa). Potrebbero ritrovarsi se consentissero
a se stessi ciò che si sono sempre in qualche modo
vietati. Saverio Costanzo alla sua terza prova si assume il
non facile compito di rileggere un best seller quale è il
romanzo omonimo di Paolo Giordano (con il quale scrive
la sceneggiatura). Lo fa con grande coraggio a partire dal
nuovo mutamento di stile. Nessuno dei tre film del regista
è simile all’altro nello sguardo e nelle modalità di ripresa
perché Costanzo adatta il proprio fare cinema (che resta
coerente in quanto a scelta di tematiche di base) alla storia
che racconta. Questo può spiazzare chi preferisce che
un regista rimanga sempre fedele ad elementi linguistici
che lo rendano facilmente identificabile e collocabile.
Costanzo destruttura la linearità narrativa del romanzo
avvertendoci sin dall’inizio (grazie anche alla musica di
Mike Patton e a una grafica di forte impatto) che ci troviamo
dinanzi ad un horror. Perché l’orrore della sofferenza
attraversa corpi ed anime dei due protagonisti.
Alice, la cui lesione fisica verrà spiegata solo molto più
avanti ma che da subito determina il suo rapporto con il
mondo e Mattia, che ha un vulnus che lo tormenta nel profondo
spingendolo all’autolesionismo. Due corpi che
potrebbero fondersi ma che restano murati in una solitudine
che si presenta come ineluttabile perché il senso di
colpa e il sentirsi fuori posto (in una società sempre più
spietata sin dalle età più giovani) finiscono con lo spingere
a costruire muri in cui si possono aprire solo piccole
brecce che sembrano sempre pronte a richiudersi. I flashback
inseguono i flashforward perché il dolore non conosce
percorsi canonici e gli eventi che hanno segnato una
vita non chiedono il permesso per riemergere. Costanzo
ricostruisce la sofferenza del vivere di Alice e Mattia
quasi fosse il puzzle che quest’ultimo portò alla festa di
compleanno di un compagno di classe che costituì l’atroce
punto di non ritorno della sua vita. I pezzi di un puzzle
si combinano per associazioni che ogni appassionato al
gioco individua in modo diverso e finiscono con il determinare
solo alla fine una struttura che origina dal caos di
una miriade di pezzi. Così come le vite dei due protagonisti.
Così come le vite di molti. Numeri primi divisibili solo
per uno e per se stessi in disperata e talvolta contraddittoria
ricerca di una possibilità diversa.
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