Introduzione al disegno - Il saturatore

Introduzione al disegno
Prima ancora di incominciare dobbiamo assolutamente sfatare un concetto che molto spesso si sente dire da
chi non sa o non ha mai provato a disegnare: NON E' VERO CHE SA DISEGNARE E DIPINGERE BENE
SOLO CHI HA UNA DOTE NATURALE O E' PARTICOLARMENTE DOTATO. Niente di più falso, per
raggiungere soddisfacenti risultati non è necessaria nessuna dote particolare ma solo volontà e costanza.
Non si può imparare tutto in un solo giorno e se questa e la prima volta che vi avventurate nel mondo del
disegno sappiate che combinerete moltissimi disastri prima di arrivare ad un risultato accettabile.
Seguendo un metodo, procedendo per gradi e in maniera razionale, non senza la guida di un esperto fin dai
primi passi, si potranno evitare perdite di tempo e immancabili errori di base che in seguito sarebbero più
difficili da correggere.
Cosa vuol dire disegnare?
Disegnare e colorare, indipendentemente dalla tecnica scelta, può significare moltissime cose,
considerandolo nella maniera più classica può significare il riprodurre nel modo più fedele possibile la
forma degli oggetti e degli esseri viventi che ci circondano, individuarle le linee caratteristiche,
coglierne le sottili sfumature coloristiche di luce ed ombra conferendo al nostro soggetto quanta
più espressività possiamo.
L'arte della rappresentazione è antichissima, i primi disegni si sono trovati all'interno delle caverne dei nostri
predecessori; la tecnica si è evoluta moltissimo da allora grazie anche alle scoperte di nuovi materiali ma
l'obiettivo dell'artista rimane sempre uno: delineare attraverso segni tracciati su un piano gli effetti
delle tre dimensioni, o ancora più ambiziosamente, dar forma ai sogni, ai desideri, alle pulsioni
dell'inconscio.
Naturalmente "l'Arte" è un argomento che va ben oltre il disegno e la pittura, basti pensare alla scultura,
alla progettazione tecnica, alla lavorazione del legno, dei gioielli ecc… In questo sito parleremo in particolar
modo del disegno e di tutte le tecniche legate ad esso. Avrete a disposizione delle lezioni da seguire passo a
passo, delle guide complete alla scelta dei materiali e dei suggerimenti pratici.
In poche parole impareremo a raffigurare su un foglio quello che proviamo, indifferentemente dal tipo di
soggetto.
Non resta altro da dire se non buon lavoro!
Teoria del colore
Il colore
La percezione del colore dipende da un fattore soggettivo: un comando impartito dal cervello
all'occhio umano.
Per un daltonico infatti il colore rosso non esiste, e le stesse parole rosso, bianco, grigio non hanno senso se
pensiamo al centinaio di rossi dei Maori ai sette tipi di bianco degli eschimesi e alle più di 600 tonalità di
grigio percepite dall'uomo urbano europeo del XX secolo.
Parlare di colore implica che si parli di luce dal momento che senza la luce non vi può essere colore. Per
il pittore è di fondamentale importanza conoscere perfettamente le possibilità del colore poiché è questo il
mezzo di cui si avvale per la realizzazione delle sue opere.
La luce è la forma di energia che consiste in un movimento ondulatorio ad altissima frequenza. La
lunghezza d'onda è compresa tra 0, 7 e 0,4 micron e corrisponde all'aspetto dei sette colori conosciuti: il
magenta (rosso tendente al violaceo), l'arancione, il giallo, il verde, il blu, l'indaco e il violetto, che,
componendosi, danno la luce bianca del sole.
In laboratorio, per mezzo di un prisma, si può procedere alla scomposizione cromatica delle luce del sole,
provocando artificialmente il fenomeno dell'arcobaleno. Ecco allora apparire sette colori dell'Iride.
La luce è quindi colore.
Quando poi la luce incontra un corpo opaco, dà luogo a effetti diversi a seconda della composizione
molecolare di quest'ultimo. Può essere completamente assorbita dal corpo e in questo caso vediamo nero,
cioè ombra, assenza di luce; oppure può essere riflessa, apparendo quindi nel suo colore, il bianco.
Perciò possiamo dire che il bianco e il nero non sono propriamente colori, ma luce e ombra. Vediamo i colori
soltanto quando il corpo opaco assorbe la luce, riflettendone una parte.
Ma occorre considerare che, in assenza di condizioni di massima luce e massimo ombra, sarà sempre
presente una valenza cromatica. Infatti in natura non esistono il bianco e il nero assoluti.
E' bene chiarire che, parlando di colore, si possono intendere due cose diverse: la luce, che è il colore vero
e proprio, cioè l'effetto visibile o la materia colorante, ossia il pigmento.
Fra i sette colori dello spettro solare tre sono primari: il magenta, il giallo, e il blu. I colori primari
costituiscono una classe a sé stante, in quanto ciascuno di essi è diverso dall'altro, unico e non ottenibile
come mescolanza di altri colori.
I rimanenti colori dell'Iride si ottengono mescolando questi tre colori di base.
Se mescoliamo blu e giallo, avremo come risultato il verde; con magenta e giallo otteniamo il rosso, che

diventa arancione se aggiungiamo ancora giallo; blu e magenta, invece, danno un violetto. L'indaco è
considerato blu scuro, privo di giallo e influenzato dal magenta.
Ricapitolando, i colori dell'Iride sono: magenta, giallo e blu (o il colori primari), arancione, verde
e violetto (o colori secondari) e l'indaco, che è una variazione del viola.
Mescolando fra di loro i colori secondari, in ogni combinazione possibile, riusciremo a ottenere e tutti colori
esistenti in natura. Il nero, invece, è il risultato della mescolanza tra di loro dei tre colori primari e (sintesi
sottrattiva) e il bianco deriva dalla sovrapposizione di tre fasci di luce rispettivamente verde, blu e
arancione (sintesi additiva). Proprio queste due sintesi dimostrano che in natura non esistono i bianco e il
nero: essi sono l'effetto prodotto dalla somma di luce o di colore.
Vediamo ora in che cosa consiste la teoria dei colori contrari, si basa sul fatto che i colori fondamentali della
sintesi sottrattiva (magenta, giallo e blu) formano tra di loro il massimo contrasto, anche se nessuno di essi
si oppone alla mescolanza con gli altri. Di conseguenza il verde (giallo più blu) sarà l'opposto del magenta
(primario non compreso nel verde), li rosso (magenta più giallo) sarà l'opposto del blu (primario non
compreso nel violetto).
Questi colori opposti vengono detti complementari, perché ciascuno di essi serve da
complemento agli altri due per formare la sintesi sottrattiva completa, con cui si ottiene nero.
Teoria del colore
Esempi pratici della teoria dei colori
Lo spettro fa modo che una determinata tonalità appaia nitida oppure vicina ad altri colori. Le tonalità che
risultano nitide corrispondono a colori complementari saturati, dato che ogni colore può raggiungere una sua
massima intensità.
Per esempio un rosso non potrà mai essere più rosso di quello che è. Se lo vogliamo modificare,
abbiamo due possibilità: combinandolo con il bianco, possiamo fare modo che perda forza; viceversa,

aggiungendo un po' di blu -in quantità molto ridotta, altrimenti il rosso tenderà al violetto- , lo scuriremo.
Provate queste sintesi cromatica su un foglio, disegnate dieci quadretti in successione. Dipingente il quinto
di rosso e quindi tutti gli altri aggiungendo gradatamente del bianco in quelli di sinistra e del blu in quelli di
destra.
Gamma di colore
Possiamo dividere i colori in tre gamme di vivacità, ciascuna delle quali individuata da pochi colori tipici:
• gamma fredda: viola, blu e verde;
• gamma calda: giallo, arancio e rosso;
• gamma pallida: i colori sono mitigati da varie tonalità di grigio.
Ricapitolando, i colori secondari si ottengono mescolando a due a due i colori primari, mentre un
colore primario mescolato ad un colore secondario da un colore intermedio.
Se mescoliamo in parti uguali viola e giallo, otterremo il bistro (un colore molto scuro, quasi nero, che
useremo al posto del nero per scurire i colori, mantenendo nella vivacità e brillantezza). Il bistro si tiene
anche dalla mescolanza di arancio e blu o di verde e rosso.
Mentre un colore si scurisce col nero o con il bistro, tutti colori chiari, diversi, si ottengono aggiungendo
bianco o, nel caso della tecnica d'acquarello, diluendo il pigmento in acqua.
Il grigio neutro e un frutto della mescolanza di tre colori primari con il nero e il bianco, mentre le diverse
tonalità di grigio si ottengono con il bianco o poco nero. Se si vuole 'scaldare' il grigio, bisogna aggiungere
un goccio di magenta. Se invece si vuole 'raffreddarlo' bisogna aggiungere del blu.
Proprietà fisiche dei colori
• tonalità: quantità di luce presente nei singoli colori; dipende dal grado di assorbimento della luce
da parte della retina.
• intensità o cromaticità: brillantezza o opacità del colore, che varia dal chiaro allo scuro, dal
brillante al tenue.
• gradazione: grado di luminosità di un colore.
• vivacità: qualità termica, secondo la quale il rosso, l'arancione e il giallo sono considerati "caldi"
mentre i blu, il verde e viola sono considerati "freddi".
• durezza: qualità tattile che fa considerare 'duri' il rosso, il bianco e il giallo e 'morbidi' il blu e il
nero.
• tonalità affettiva: esistono colori che producono in noi piacere o avversione.
• forza: capacità di un colore di risaltare (per esempio il bianco e nero).
• grandiosità: e una delle qualità di stimolo più che di percezione.
• area: le superfici verdi o blu sembrano più ampie di quelle rosse o gialle.
• localizzazione: rosso giallo sembrano più vicini, blu e verde più lontani.
• trasparenza: capacità di rivelare o di occultare ciò che sta dietro.
• brillantezza: è prodotta da riflesso della luce sulla superficie dell'oggetto.
Valori simbolici dei colori
I colori hanno un'enorme influenza sullo stato d'animo: ogni colore provoca infatti una determinata
reazione emotiva nel soggetto; si pensi soltanto l'uso di colori tenui come il celeste il verde chiaro negli
ambienti ospedalieri, al fine di trasmettere pazienti pace e tranquillità; o, per contrasto, al colore giallo del
taxi facilmente identificabile anche in pieno traffico oppure di notte. Anche la nostra lingua ha mutato modi
di dire: ad esempio la disperazione e nera, la collera è rossa, la speranza è verde, mentre l'amore è rosa.
Una sposa e tradizionalmente vestita di bianco, come un neonato, simbolo di purezza e innocenza. Nero,
invece, il colore del lutto, del dolore e del pianto.
Composizione dei colori

I pittori dell'antichità fabbricavano i colori personalmente, e nel produrli ognuno usava un procedimento
personale. Nel 1864 Eugène Chevrel catalogò le tinte antiche: 14.400 tonalità cromatiche materiali
ottenute da sostanze naturali usata nelle botteghe dei maestri fino al 700. Nel XIX secolo la chimica
industriale provocò una rivoluzione nell'organizzazione del lavoro artistico con l'immissione sul mercato dei
colori sintetici. In tal modo però si appiattì e si generalizzato l'uso di colori, che non vennero più prodotti
nel segreto delle botteghe, in base a ricette tradizionali. Il miracolo pittorico dell'impressionismo va in
gran parte ascritto ai meriti dell'industria Lefranc, che produceva ottimi colori in tubetto.
I macchiaioli italiani, che non erano meno bravi dei loro colleghi d'oltralpe, usavano prodotti autarchici
piuttosto scadenti, con il risultato di rendere ombreggiato e tetro anche ciò che le loro intenzioni doveva
essere brillante solare.
In seguito entrarono in lizza con prodotti di qualità altre aziende tedesche, belghe, olandesi e infine italiane,
ognuna delle quali propose gambe più o meno ampie di tonalità di colore.
Tutti colori che si utilizzano oggi nei diversi metodi pittorici hanno una cosa in comune, il pigmento, che
altro non è se non un colore in polvere. Sono gli agglutinanti che rendono i vari tipi di colore adatti alle
diverse tecniche: acquarello, pastelli, olio, tempera eccetera.
I pigmenti possono essere di origine animale, vegetale o minerale, ma il pittore alle soglie del duemila ha a
disposizione per lo più materiali artificiali. Si trovano ancora pigmenti di origine naturale, ma vengono usati
sempre più raramente anche per la loro tossicità: non dimentichiamo gli avvelenamenti cui andavano
soggetti pittori nei secoli passati.
I bianchi
I più noti sono il bianco di piombo, il bianco di zinco e il bianco di titanio. Il primo, chiamato anche bianco
d'argento, è molto opaco e asciuga con facilità. E particolarmente indicato per impasti grossi e per sfondi,
rappresenta un alto grado di tossicità.
Il bianco di zinco viene chiamato anche bianco Cina e ha una tonalità più fredda, azzurrina.
Si mescola bene con gli altri colori schiarendoli, ma copre meno asciuga più lentamente. Non è tossico. Il
bianco di titanio è entrato recentemente nel campo della pittura; la tonalità è ugualmente opaca, asciuga in
tempi normali, non è tossico e copre bene.
I gialli
Il giallo di cadmio, luminoso e dall'asciugatura lenta, si mescola bene con tutti colori tranne che con quelli a
base di rame, come il verde opaco. Mescolandolo con il blu, da un bel verde intenso. Il giallo Napoli e uno
dei pigmenti più antichi. Presenta un alto grado di ocapacità, si mescola bene con gli altri pigmenti è
altamente tossico, essendo indiretto derivato del piombo.
Il giallo di cromo limone esiste il sfumature cromatiche diverse, che vanno dal limone e fin quasi all'arancio.
Colore opaco, con poca resistenza alla luce, soprattutto nelle tonalità più chiare, è tossico.
Anche il giallo ocra, o giallo terra, ha origini antiche. Alcuni pittori lo prediligono considerandolo un pigmento
più naturale. Copre e si mescola assai bene. Il terra di Siena naturale viene da Siena, come indica suo
nome. Bisogna tener presente, però, che questo pigmento tende a scurirsi nel tempo e deve assolutamente
essere diluito con una giusta quantità di olio non è consigliabile usarlo per zone ampie o per sfondi.
I rossi
Il rosso carminio è un colore brillante che, mescolato al bianco di zinco, può fornire una ricca gamma di toni
e rosati. Mescolato al blu, di origine a luminosi violetti. È abbastanza fluido ma asciuga lentamente. Il
pigmento naturale ricavato dal corpo di seccato di un insetto sbiadisce con facilità, mentre quello prodotto
da una pianta resiste di più alla luce ed è infinitamente meno caro. I rosso vermiglione e luminoso, opaco e
secca lentamente. Se di origine minerale (composto di zolfo e mercurio) e molto tossico, alla luce del sole
annerisce e non si mescola con i colori a base di rame. Oggi si usa quello ricavato da pigmenti artificiali. Il
rosso di cadmio a un vantaggio rispetto al vermiglione: non annerisce al sole, per cui viene usato spesso
come sostituto. È brillante e potente e non si mescola ai colori a base di rame. Il terra di Siena bruciata ha
alcune caratteristiche in comune con il terra di Siena naturale la sua origine e la stessa però il bruciato e più
scuro e tende al rossiccio. Il pericolo che scurisca è minore, anche se è bene diluirlo con molto olio.
I blu
Il blu di cobalto e un colore che non copre bene ma asciuga rapidamente. Deve essere diluito con molto olio,
per cui nel tempo può assumere una tonalità verdastre. Se mescolato con altri colori che impiegano più
tempo ad asciugarsi, può screpolarsi. Il blu oltremare, derivato anticamente dagli lapislazzuli, era assai
usato nell'antichità, nonostante fosse particolarmente laborioso sminuzzarlo e fosse oltremodo costoso. Oggi
viene prodotto artificialmente. Si mescola bene con tutti i colori tranne con quelli a base di rame: combinato
con il giallo di cadmio, da dei verdi brillanti, con il rosso carminio dei viola intensi. È opaco e completamente
stabile, all'aria aperta si altera e alla luce artificiale appare assai scuro. I blu di Prussia asciuga bene e
solitamente scolorisce quando viene mescolato con colori chiari. Il suo tono cromatico è influenzato dalla
luce che può schiarirlo. In questo caso consigliamo di lasciarlo per un periodo al buio: lo vedremo riprendere
il suo colore originario.

I verdi
Il verde terra è un derivato dell'ocra. È di origine molto antica e presenta tonalità di colore cachi. Si adatta
perfettamente tutte le tecniche. Copre bene e asciuga con relativa rapidità.
Il verde smeraldo (o verde virdian) non presenta buone doti di stabilità cromatica. E' un colore trasparente:
se mescolato con il giallo di cadmio produce un verde brillante, chiamato verde permanente. L'ossido di
cromo verde presenta un basso grado di vivacità di tono, ma è molto coprente. Il verde di cobalto si
manifesta in diverse tonalità. Non si deve mescolarlo con le terre.
Bruni e neri
Il terra scura naturale e il terra scura bruciata asciugano con rapidità e presentano un buon grado di
stabilità. Non sono consigliabili per impasti densi. Il terra cassel (o bruno Van Dyck) ha una tonalità simile al
terra scura naturale, con una leggera tendenza al grigiastro. Di solito viene usato nei ritocchi.
Il nero avorio, che si otteneva dalla calcinazione di polvere d'avorio, oggi è sostituito dal nero di ossa
ottenuto dalla calcinazione di stinchi di animali. Si asciuga molto lentamente e presenta un ottimo grado di
stabilità. Particolarmente stabile è anche il nerofumo: viene usato con ottimi risultati in tutte le tecniche. Il
nero di vite si ottiene dalla calcinazione di tralci di vite. Si presenta in una tonalità a sfondo bluastro.
Esercizio
La teoria del colore:
Scopo: capire appieno la teoria del colore e riuscire ad ottenere il maggior numero di tonalità possibili
utilizzando solo i colori primari più bianco e nero
Tempo: variabile in base alla bravura della persona (minimo 6 ore)
Strumenti necessari: 5 tubetti di tempera, i colori primari più il bianco e il nero, un pennello di medie
dimensioni (n° 8-10), un rotolo di nastro adesivo di carta, una ciotola per l'acqua e una tavolozza, un foglio
spesso ruvido, una matita media, una gomma e delle squadrette.
Disegnate sul foglio centrandolo un rettangolo (base 39 cm, altezza 36 cm), suddividetelo poi in 13 colonne
e 12 righe, in modo da ottenere dei quadretti da 3 cm per lato. Finito il disegno eliminate la grafite in
eccesso rimasta sul foglio (potete usare una gomma pane).
I quadretti disegnati andranno riempiti con varie tonalità di colore, per aiutarvi a colorare mantenendo i
contorni dritti potete usare il nastro adesivo: strappate un pezzo di nastro lungo quanto il lato del quadrato
(devono rimanere un paio di cm in più), togliete dal nastro la colla in eccesso in modo che togliendolo non
possa strappare il foglio (per ottenere il risultato desiderato potete strofinarlo sul bordo del tavolo tenendolo
per i capi opposti, attenti però a non togliere troppa colla altrimenti non aderirà bene al foglio e il colore
'sborderà'), dopodiché posizionatelo attorno al quadrato disegnato come una cornice. (Vedi immagine di
aiuto...)
A questo punto siete pronti per colorare, la prima riga da fare è la sesta dall'alto. Lasciate il primo quadretto
(dove andrà il grigio) vuoto e iniziate dal secondo, i colori che andranno inseriti in questo ordine:
Viola freddo
si ottiene mescolando il magenta e il blu cyan con una percentuale di blu
maggiore rispetto il rosso
Indaco si ottiene aggiungendo al blu una punta di rosso
Blu cyan
Verde blu si ottiene mescolando una punta di giallo al blu
Verde si ottiene mescolando in parti uguali blu cyan e giallo primario
Verde giallo si ottiene mescolando al giallo una punta di blu
Giallo primario
Giallo arancio si ottiene mescolando una punta di magenta al giallo
Arancio si ottiene mescolando giallo e magenta in parti uguali

Rosso
carminio
Magenta
Viola caldo
si ottiene aggiungendo una punta di giallo al magenta
si ottiene mescolando il magenta e il blu cyan con una percentuale di
magenta maggiore
Dopo aver inserito questi potete andare a riempire la prima colonna di quadretti, partite dal
quadretto lasciato bianco a inizio riga, cercando di ottenere una gradazione di grigio pari al
resto dei colori nella fila, dopodiché iniziate ad aggiungere al grigio del bianco e del nero per
completare la prima colonna; verso l'alto aggiungerete del bianco fino ad ottenere un grigio
chiarissimo(quasi bianco), verso il basso del nero fino ad ottenere un grigio scurissimo(quasi
nero).
Molto importante è non fare sbalzi troppo alti tra la gradazione di un quadretto e
quella sotto per cui dosate meglio che potete la quantità di nero e bianco!
Tenendo come gradazione base la colonna di grigi dovrete riempite le altre colonne di
quadretti aggiungendo bianco o nero ai colori inseriti all'inizio. Il risultato finale sarà buono se
tutte le gradazioni saranno 'coerenti' tra di loro, i quadretti di ogni riga infatti,
dovrebbero avere la stessa gradazione nonostante i colori diversi. Per essere sicuri di
aver fatto un buon esercizio potete fotocopiare il lavoro ultimato e accertarvi che ogni riga
abbia la stessa gradazione di grigio (vedi figura...).
Importante inoltre è mantenere i contorni dei quadretti il più dritti possibile, se non ce
la fate a mano libera (comunque sforzatevi!) potete continuare ad usare il nastro adesivo
togliendolo poi con estrema cautela per non strappare il foglio.
A risultato ultimato la tavola dovrebbe essere il più uguale possibile a quella illustrata qui,
questo è un esercizio che sembra semplice ma in realtà non lo è affatto, richiede molta
pazienza soprattutto se siete alle prime armi con tempera e pennelli. Una volta completato
avrete acquisito delle capacità indispensabili per continuare a colorare e dipingere
in futuro.
Se invece volete aumentare la difficoltà dell'esercizio, potere provare a inserire più
colonne in modo da creare quante più tonalità possibile

La Matita
Materia prima per la produzione della matita è la grafite, una forma di carbonio naturale, creatosi, come il
carbone, in epoca preistorica. Scoperta intorno al '500 nel Cumberland, originariamente la grafite era usata
per fabbricare palle di cannone. Il suo uso come materiale da disegno era invece limitato, data la sua
estrema friabilità. Bisognò arrivare alla fine del '700 per ottenere una grafite "solidificata" con argilla,
corrispondente al prodotto oggi comunemente in uso.
Chi vuole imparare a disegnare dovrà innanzitutto impratichirsi delle possibilità di utilizzo della matita.
Le matite si classificano per la 'durezza' della mina:
EE (morbidissima, grazie ad essa si può ottenere un tratto nero molto intenso), EB, 6B, 5B, 4B, 3B, 2B, B,
HB (media), F, H, 2H, 3H, 4H, 5H, 6H, 7H, 8H, 9H (durissima, particolarmente adatta per disegni
tecnici).
In base al disegno che si vuole eseguire si può scegliere la durezza della matita, non tutti i negozi che
trattano articoli da disegno hanno la serie completa anche perché il disegnatore esperto in genere
utilizza solo due matite: una morbida per i disegni artistici e una dura per i disegni tecnici.
La scelta di queste due matite è effettuata in base alla "mano", ovvero alla pressione naturale che noi diamo
al tratto disegnando.
Lapis o Portamine?
Di solito in commercio si trovano due tipi di matite: il cosiddetto lapis, formato da un cannello di legno che
contiene la mina, e il portamine metallico con mine intercambiabili. Le matite in legno possono essere
esagonali o rotonde: le prime permettono una più sicura impugnatura (l'indice appoggiato su uno dei lati e il
pollice su altri due), le seconde sono più maneggevoli se si devono eseguire tratteggi che presuppongono
posizioni diverse della punta della matita.
Le matite metalliche o portamine sono molto pratiche poiché possono essere ricaricate.
La classificazione delle singole mine è identica a quella delle matite di legno. È possibile trovare anche
matite di metallo per mine grosse, per le quali consigliamo di utilizzare gli appositi prolungatori che
facilitano l'impugnatura. Non deve essere sottovalutata l'importanza della punta della mina.
Una punta perfetta aiuta a disegnare correttamente e al massimo delle proprie possibilità. Se si usa la
matita, lo strumento più ovvio per "fare la punta" è un buon temperamatite a rotazione, ma il
disegnatore professionista impiega la lametta, al fine di ottenere la cosiddetta punta a lancia. In genere la
punta deve essere piuttosto lunga ma senza esagerazione, in modo da evitare che si rompa facilmente per
la pressione esercitata. Tuttavia in alcuni casi può rendersi necessaria una punta un po' più lunga del solito,
per esempio quando la matita deve essere tenuta in posizione quasi orizzontale. La punta dovrà invece
essere leggermente arrotondata per tracciare le prime linee.
È fondamentale non far cadere a terra la matita: la caduta provoca la rottura interna della mina. Se stiamo
utilizzando un portamine di metallo, si dovrà appuntire soltanto la mina.
A questo scopo si trovano nei negozi specializzati raschietti, in genere di cartone o di legno, a cui è applicata
della carta vetrata. Questa operazione produce una polvere che sporca molto; per ovviare a questo
inconveniente basterà ritagliare una fenditura a forma di U sul coperchio di una semplice scatola di cartone,
ripiegare la parte ritagliata verso l'interno, quindi applicarvi un pezzo di carta vetrata. In questo modo tutti i
residui di grafite resteranno dentro la scatola.
È bene tenere a disposizione anche un pezzettino di spugna per ripulire la mina prima di cominciare a usarla
poiché, dopo essere stata appuntita, sarà rimasta anch'essa sporca di polvere. Con questi semplici
accorgimenti si eviteranno inconvenienti che potrebbero rovinare un disegno.
La Gomma
Importante è anche l'uso di una buona gomma per cancellare; ve ne sono di diversi tipi: la gomma
morbida è adatta per le superfici ampie, quella a forma di matita per le zone più limitate. La gomma deve
essere tenuta costantemente pulita sfregandola su una pezza di tela.
Se si vuole cancellare una linea orizzontale si sfrega la gomma verticalmente; se invece la linea è verticale
la gomma deve essere usata in senso orizzontale.
Per il disegno si può usare la gomma pane (è una gomma particolarmente morbida e malleabile) che
assorbe l'unto delle dita mescolato alla grafite, ma è consigliabile solo mentre si utilizzano matite
particolarmente morbide.
La gomma pane può aiutare a schiarire le sfumature, usandola come un tampone e premendola molto
delicatamente sulla zona interessata, assicurandosi prima di ogni tamponatura che sia perfettamente pulita.
Inoltre la gomma pane si può usare per ottenere particolari effetti di cancellatura espressiva su disegni già
eseguiti.

Un altro tipo di gomma che si trova in commercio e' la gomma matita. Questa ha la parvenza di una
normale matita ma al posto della mina c'e' una gomma.
La gomma matita è in genere utilizzata per fare correzioni di precisione, soprattutto nei disegni tecnici.
Va tenuto presente che il disegnatore professionista tende a eliminare la gomma dal proprio bagaglio
strumentale: egli infatti utilizza anche i segni di base e quelli imprecisi per dare maggiore vivacità ed
espressività al lavoro finito.
Esercizio 1
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Esercizio 2
Ottenere 3 toni:
Scopo: riuscire a controllare la matita e il proprio tratto
Tempo: per completare l'esercizio in maniera corretta servono
dalle 3 alle 8 ore
Su un foglio liscio spesso (consigliabile la carta Fabriano v.
supporti) disegnare 3 quadrati di circa 15 cm di lato, uno sotto
l'altro a distanza di 2 cm.
Il primo quadrato verrà riempito usando un tratto molto intenso
e deciso, il terzo con un tratto molto lieve, e il secondo con un
tratto medio.
Per tutti i quadrati si utilizzerà sempre la stessa matita che in
base alla "mano" del disegnatore potrà essere scelta tra la B e la
4B, la gomma non si deve usare.
Grazie a questo esercizio (che deve essere ripetuto fino ad
ottenere un risultato perfetto) si acquisiranno molte capacità,
dalla perfetta gestione del chiaroscuro al controllo della matita e
di conseguenza del proprio tratto.
Consigli...
Ottenere delle sfumature:
Scopo: riuscire a passare da un tono all'altro
senza bruschi scatti
Tempo: per completare l'esercizio in maniera
corretta servono dalle 2 alle 8 ore
Disegnare come prima i 3 quadrati su foglio
liscio.
Nel primo si effettuerà una gradazione da scuro
a chiaro, nel secondo da scuro a chiaro e da
chiaro a scuro, nel terzo da chiaro a scuro e da
scuro a chiaro.
L'esercizio si può variare cambiando il verso
delle sfumature (da destra a sinistra, dall'alto al
basso). Ovviamente anche questo esercizio sarà
eseguito con una sola matita e senza l'uso della
gomma (se usata con parsimonia si può
concedere la gomma pane).

Esercizio 3
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Cosa si può ottenere:
Esempio 1 (19K)
Esempio 2 (25K)
Ed ora qualche buon consiglio...
Consigli...
Altri esempi di sfumature...
Copia dal vero:
Scopo: riuscire a riprodurre su foglio un
oggetto tridimensionale utilizzando effetti
chiaroscurali
Tempo: variabile, dipende dalla dimensione
dell'oggetto e dalle capacità del disegnatore
Prendete a scelta un rotolo di spago, una pigna
o delle spighe di grano (insomma degli oggetti
con tanti piccoli particolari da riprodurre).
Posizionate il vostro oggetto davanti a voi con
una fonte di luce da un lato a scelta ( si può
usare anche la luce del sole, ma visto che
l'esercizio per essere eseguito ha bisogno di
molto tempo si rischia che dopo un po' le ombre
non corrispondano più).
Prendete sempre un foglio liscio come negli altri
esercizi, un'unica matita e nessuna gomma (se
usata con parsimonia si può concedere la
gomma pane).
Ora disegnate a mano libera il vostro oggetto
(con tratto sottile) e poi iniziate a "colorarlo"
con la vostra matita utilizzando il chiaroscuro.
Inutile dire che l'esercizio perfetto richiede
un'ottima copia della realtà e l'utilizzo di un
tratto impeccabile.
Inoltre per rendere l'oggetto il più plastico
possibile sul foglio bisogna tenere in
considerazione che le zone di massima luce
risulteranno bianche, e le zone di ombra
risulteranno completamente nere.
Consigli...
Importante:
Come per gli altri esercizi oltre al divieto
della gomma c'è anche il divieto assoluto
delle dita!
La sfumatura ottenuta con le dita non fa
altro che rovinare e sporcare il tratto!

E' molto importante usare un tratto piccolo (max 5mm) nei primi due esercizi, per riempire i quadrati si
dovrebbero usare 'molte file' una sotto l'altra, più piccolo è il tratto più uniforme risulterà il quadrato alla fine. Il
tratto inoltre non deve essere 'compatto', lo si può far 'respirare' lasciando qualche fessura , risulterà più
leggero e piacevole.
All'inizio usate fogli lisci anziché ruvidi perché il foglio ruvido 'distrugge' il tratto.
Armatevi di moltissima pazienza, soprattutto i primi due esercizi sono molto lunghi da eseguire e noiosi,
possono sembrare una perdita di tempo ma in realtà servono MOLTISSIMO! E non solo per il disegno a matita,
forniscono una base non indifferente che in seguito potrete applicare con l'utilizzo di altre tecniche pittoriche.
Potete creare delle varianti agli esercizi di sfumatura, ad esempio un unico quadrato grande con una sfumatura
concentrica (difficile) o un unico quadrato diviso in tante parti, ogni parte avrà un verso di sfumatura diverso
dalle altre, in questo modo potrete creare dei lavori esteticamente molto belli.
All'inizio scegliete come soggetti oggetti ricchi di particolari, sono più facili da disegnare e aiutano ad affinare
l'osservazione; più avanti quando avrete ottenuto una certa famigliarità con il disegno dal vero potrete passare
ad oggetti composti da parti lisce come ad esempio: tazze, frutta, vasi...
L'ultimo consiglio che possiamo dare è questo: una volta finito il disegno, soprattutto se è stato realizzato con
matite morbide, passatelo con il fissativo altrimenti potreste rischiare di rovinare il disegno e di sporcare
l'impaginazione del foglio. Attenti però, una volta spruzzato il fissativo (a giusta distanza altrimenti può creare
macchie) non potrete più cancellare, per cui assicuratevi che attorno al disegno non siano rimasti aloni (molto
facili da crearsi quando si usano le matite morbide).
Ed ora qualche buon consiglio...
E' molto importante usare un tratto piccolo (max 5mm) nei primi due esercizi, per riempire i quadrati si
dovrebbero usare 'molte file' una sotto l'altra, più piccolo è il tratto più uniforme risulterà il quadrato alla fine. Il
tratto inoltre non deve essere 'compatto', lo si può far 'respirare' lasciando qualche fessura , risulterà più
leggero e piacevole.
All'inizio usate fogli lisci anziché ruvidi perché il foglio ruvido 'distrugge' il tratto.
Armatevi di moltissima pazienza, soprattutto i primi due esercizi sono molto lunghi da eseguire e noiosi,
possono sembrare una perdita di tempo ma in realtà servono MOLTISSIMO! E non solo per il disegno a matita,
forniscono una base non indifferente che in seguito potrete applicare con l'utilizzo di altre tecniche pittoriche.
Potete creare delle varianti agli esercizi di sfumatura, ad esempio un unico quadrato grande con una sfumatura
concentrica (difficile) o un unico quadrato diviso in tante parti, ogni parte avrà un verso di sfumatura diverso
dalle altre, in questo modo potrete creare dei lavori esteticamente molto belli.
All'inizio scegliete come soggetti oggetti ricchi di particolari, sono più facili da disegnare e aiutano ad affinare
l'osservazione; più avanti quando avrete ottenuto una certa famigliarità con il disegno dal vero potrete passare
ad oggetti composti da parti lisce come ad esempio: tazze, frutta, vasi...
L'ultimo consiglio che possiamo dare è questo: una volta finito il disegno, soprattutto se è stato realizzato con
matite morbide, passatelo con il fissativo altrimenti potreste rischiare di rovinare il disegno e di sporcare
l'impaginazione del foglio. Attenti però, una volta spruzzato il fissativo (a giusta distanza altrimenti può creare

macchie) non potrete più cancellare, per cui assicuratevi che attorno al disegno non siano rimasti aloni
(molto facili da crearsi quando si usano le matite morbide).
Le matite colorate
Sono formate da una mina colorata composta da pigmenti macinati finemente e mescolati a sostanze
chimiche, poi vengono racchiuse in un contenitore di legno che come per le matite normali può essere
circolare o esagonale. Le matite colorate risultano molto utili per i disegni al tratto e per i ritocchi
complementari difficili da realizzare con altri materiali.
La mobilità del tratto, la freschezza e la forza del colore sono le caratteristiche principali di questo
strumento.
In commercio ci sono molte tonalità e in base alla marca le matite possono essere più o meno morbide.
Esistono anche le matite acquerellabili che permettono passando sopra al disegno dell'acqua di ottenere
un effetto molto simile all'acquarello.
Come conservarle:
Si può appuntire la matita con una lametta in modo di darle la forma che preferiamo oppure con un
semplice temperamatite.
Le matite dovranno essere tenute sempre con la punta verso l'alto, evitando di farle cadere o di far
prendere loro dei colpi bruschi che potrebbero spezzare la mina all'interno del cilindro.
Un disegno realizzato a matite può provocare macchie e aloni che possono rovinare la superficie e
l'impaginazione, per questa ragione i disegni finiti dovrebbero essere spruzzati con il fissativo.
Metodi di utilizzo
Metodi di utilizzo: Le matite colorate si possono usare come le matite ordinarie. Si comincia il disegno con
uno schizzo molto leggero, e una volta definite tutte le parti si procede alla cura di ogni singolo particolare.
Evitate di disegnare delle linee e riempire le zone racchiuse con un colore piatto, perché questo renderebbe
il disegno piuttosto legnoso e poco realistico. Le ombre sono la parte più importante del disegno a matita sia
a colori che in bianco e nero.
Sono uno strumento abbastanza semplice da usare e hanno il pregio di dare solo dopo pochi tratti l'idea del
disegno finito, cosa molto importante per le bozze o gli schizzi.
In base alla carta che si utilizza si possono ottenere vari effetti. Per un disegno particolareggiato e preciso è
indicata la carta liscia, se invece l'effetto granuloso e ciò che si vuole ottenere va benissimo la carta
ruvida.
Quando le matite vengono usate con grande dolcezza, il segno si può cancellare facilmente, ma quando i
segni sono più forti lasciano delle macchie e degli incavi sulla carta difficilissimi da ricoprire; è
importantissimo quindi prestabilire il disegno di base prima di iniziare a colorare.
Come ottenere nuovi colori...
Essendo solido, e impossibile mescolare il colore di due
matite per ottenere un nuovo colore prima di usarlo. Tutta
la mescolanza dei colori con le matite colorate deve essere
fatta sulla carta.
Aumentando la pressione del tratto si otterranno dei colori
più vivaci e accesi, diminuendola invece si otterranno dei
colori tenui. Questo è un buon modo per rendere un colore
più scuro senza ricorrere al nero che molto spesso crea un
senso di sporco.
L'ombreggiare due colori, uno sull'altro, è una buona
maniera per rendere graduale la loro mistura. Variando la
pressione su di uno o su tutti e due cambierà il colore che
ne risulta.

Tratteggiando diversi colori nella stessa direzione,
variando sia la lunghezza e il numero delle linee che
aumentandone la distanza tra loro e la pressione si
possono ottenere discreti risultati.
Un'altra tecnica efficace per mescolare i colori è quella
d'incrociare i tratteggi mettendo un colore sull'altro. Per
ottenere effetti e colori differenti cercate di variare la
distanza tra le linee e la pressione sulla matita.
I colori si possono mescolare anche mettendo uno vicino
all'altro dei punti o dei trattini. Anche se questa tecnica
richiede un tempo più lungo per ottenere un buon risultato
ha un effetto finale molto gradevole.
Da non dimenticare che esiste anche la matita bianca,
questa unita ad altri colori crea un effetto 'soft' ideale per
sfumare… a discapito della brillantezza però.
Se si usano delle matite acquerellabili, si possono fondere
bene i colori bagnandoli con un velo d'acqua.
Le matite colorate hanno anche il pregio di potersi
abbinare ad altre tecniche pittoriche, ad esempio si
possono utilizzare sopra i disegni colorati con la tempera
per creare effetti particolari.
Concludendo si può sicuramente dire che -soprattutto se siete alle prime armi- vi conviene soffermarvi
un po' su questa tecnica che permette di ottenere con semplicità (ed economia!!! Le matite hanno il pregio
di costare abbastanza poco rispetto ad altri colori) splendidi disegni.
Ed ora ecco qualche esempio di quello che si può ottenere con delle matite colorate:
Pastelli
La storia
I pastelli, così come li conosciamo, sono entrati nell'uso corrente circa duecento anni fa. A differenza
dell'acquerello, che è trasparente, essi sono coprenti e di aspetto vellutato; la morbidezza, il colore fresco e
brillante ne fanno uno dei materiali per dipingere con effetti più gradevoli e di rispondenza più immediata.
I bastoncini di pastello sono composti di una pasta di pigmento in polvere legato con gomma leggera o
resina, il loro nome deriva da questa pasta. Possono essere impiegati in molti campi, dalla grafica alla
pittura a olio, senza richiedere un medium che ne complichi l'uso. Per contro, il pastello, chimicamente
purissimo, è di difficile protezione da danni accidentali e, quindi, dura nel tempo solo se si fissa con molta
cura. Anche la gamma tonale è limitata ed è difficile correggere gli errori. Il colore, infatti, può venire
leggermente alleggerito con un pennello di setola o con una gomma pane, ma questo intervento può
appiattire il supporto e togliergli capacità di trattenere il colore, e quindi opportuno organizzare bene le fasi
del disegno e poi realizzarle con molta cura.
I gessi venivano usati su carta colorata dai primi disegnatori: Pieter Paul Rubens (1577-1640) usò gesso
nero e rosso, lumeggiato con gesso bianco, per lo studio del ritratto della moglie Isabella Brandi; Jean
Honoré Fragonard (1732-1806) e Antoine Watteau (1684-1721) disegnavano su carta colorata con
gessi colorati e bianchi.
In tempi in cui era raro che una donna acquistasse una certa notorietà come artista, la veneziana Rosalba
Carriera (1677-1757) divenne famosa come abile pastellista: la finezza e delicatezza dei suoi ritratti è
evidente nello schizzo che ritrae Watteau, eseguito prima della sua morte, nel 1721. Ancora più grande fu
Quentin de La Tour (1704-88) che, insieme a Jean Baptiste Perroneau (1715-83) e Jean Baptiste
Chardin (1699-1779), raffigurò, soprattutto con famosi ritratti, il tempo e la corte di Luigi XV e XVI.
Il pittore impressionista Edgar Degas (1834-1917) divenne un grande ammiratore e collezionista dei
pastelli di La Tour e sviluppò una tecnica che avrebbe stupito non poco i suoi predecessori. Tuttavia,
nonostante i livelli qualitativi raggiunti da Degas, Odilon Redon (1840-1916) e Mary Cassatt (1845-
1926), il pastello è rimasto in genere un mezzo poco apprezzato dagli artisti rispetto ad altre tecniche come
l'olio e persino la gouache.
Cosa serve per iniziare
Pigmenti

A differenza di altri mezzi pittorici, i pastelli non possono essere mescolati sulla tavolozza per formare altri
colori e toni; sono quindi prodotti separatamente e in un gran numero di tinte, circa 600, di marche diverse.
Sennelier produce una gamma di 551 colori e tonalità, Qrumbacher 336.
Selezionare la quantità e i colori necessari è senz'altro un problema di scelta individuale. Una gamma di
base può comprendere circa 48 colori mentre una piccola serie di 12 pastelli può essere sufficiente per
disegnare all'aperto. Si può iniziare con una serie già confezionata e aumentare i pastelli man mano che se
ne presenta la necessità. Grumbacher, Winsor & Newton e Talens Rembrandt producono scatole di
ogni dimensione.
I pastelli sono disponibili in tre tipi: morbidi, medi e duri; quelli morbidi offrono la gamma più brillante di
colori, sono più facili da maneggiare e in genere sono i più usati.
E bene acquistare pastelli che portino sull'etichetta l'indicazione precisa del pigmento usato, come ad
esempio: verde smeraldo, blu oltremare o ocra gialla. Altri tipi, che all'inizio possono sembrare brillanti, si
rivelano in seguito poco permanenti.
Per il principiante può essere sufficiente un corredo di soli quattro colori: nero, bianco (per
fornire un contrasto freddo), rosso (rosso veneziano o sanguigna) e bruno. Le crete rettangolari
nere, sanguigna e bruna sono utili per lo schizzo preliminare e per mettere in evidenza le linee del disegno.
(v. Carboncino).
I produttori indicano i colori con un nome e un numero utilizzando una scala da 0 a 8, per distinguere i toni
dal chiaro allo scuro. Tuttavia, non esiste un sistema standard. Alcune marche, come la Talens indicano
anche, con una scala decimale, la quantità di bianco che è stata aggiunta al colore di base.
Per formare la tavolozza di base, un tono chiaro, uno medio e uno scuro per ciascun colore sono
sufficienti. Dato che i campionari delle tinte forniti con le scatole sono stampati su carta bianca, quando si
dipinge su carta più scura o colorata è bene preparare un campionario personale delle tinte.
I pastelli a olio sono più resistenti e meno friabili di quelli normali. Sono l'ideale per tracciare il disegno
iniziale di un dipinto a olio o per bozzetti.
I pastelli possono essere usati con altri tipi di colori, sovrapposti a un acquarello, a una gouache, a un
inchiostro; e viceversa.
Come fabbricare i pastelli
Fabbricare i propri pastelli richiede pazienza ma è un'arte non molto difficile. Il prodotto finale sarà
certamente meno costoso di quello acquistato già pronto e può anche risultare più soddisfacente per la
possibilità di creare tinte particolari.
Per la soluzione legante occorrono:
- polvere di gomma adragante o fogli di gelatina
- acqua distillata
Per ottenere una notevole quantità di soluzione si mescola in una bottiglia con tappo a vite 25 grammi di
gomma adragante in polvere in 1 litro di acqua distillata e si lascia riposare in luogo tiepido per un'intera
notte. Se la soluzione va conservata per un certo periodo di tempo, si aggiunge mezzo cucchiaino di betanaftolo
e si agita bene.
Su una lastra di vetro si mescola il pigmento con un po' di soluzione, tenendo presente che ogni pigmento
reagisce in modo diverso.
Per ottenere pastelli più morbidi è bene aggiungere più acqua distillata alla soluzione originale.
Un metodo ancora più semplice: in un fazzoletto di carta si mescolano a lungo bianco di zinco e
pigmento colorato in uguale quantità e si lascia da parte metà della polvere che si mescolerà in
seguito con una uguale quantità di bianco per ottenere un tono più chiaro.
L'altra metà viene impastata su una lastra di vetro con acqua distillata, aggiungendo poi un po'
di soluzione di gomma o di gelatina. Si appoggia la pasta su carta assorbente per eliminare
l'eccesso di umidità e si conforma in piccoli cilindri con l'ausilio di un pezzo di cartone ricoperto
di carta assorbente, oppure arrotolandolo tra le mani come se fosse una sigaretta. Il pastello
deve asciugare a temperatura ambiente per almeno 24 ore.
Supporti
La buona riuscita di un disegno a pastello dipende in larga misura dalla qualità del colore e dalla granitura
del supporto. La carta deve essere sufficientemente ruvida da trattenere il pastello quando questo viene
sfregato sulla sua superficie; anche il suo colore è importante perché parte del supporto può essere lasciato
scoperto per illuminare il dipinto o, nel caso di carta scura, per creare contrasti netti od ombre.
La carta adatta ai pastelli è di cellulosa o di stracci, bianca o colorata, di grana assai simile ai buoni supporti
per acquerello o disegno. Esiste un tipo di carta vetrata, morbida e a grana finissima, creata apposta per i
pastelli; esiste anche una carta molto soffice, a fibra vellutata, detta bambagina. Si possono utilizzare tele
già preparate o un tessuto molto leggero incollato su cartoncino o su laminato.
Tra le carte colorate, la Ingres è la più affidabile per lavorare a pastello. Quella della Fabriano ha due
grammature: 90 e 160 g/m2; i colori consigliati sono: grigio pietra, grigio medio e rossiccio. Le carte Ingres
della Tumba (15 colori) e della Canson (21) hanno graniture particolari.
Per non correre il rischio che la carta colorata sbiadisca, alcuni artisti preferiscono colorare da sè i propri

supporti. Un metodo consiste nello sfregare la carta con uno straccio umido intinto nella polvere di un
pastello ben macinato. La polvere in eccesso deve essere eliminata quando la carta è asciutta.
Un disegno a pastello può essere attaccato dalla muffa; si può prevenire questo fenomeno
impermeabilizzando la carta con una leggera soluzione fungicida o con una soluzione di formalina al 10%.
Attrezzatura
Un cavalletto e la tavoletta da disegno sono le attrezzature che chi disegna a pastello ha in comune con
l'acquerellista (v. strumenti e supporti). Ha bisogno inoltre di una lastra di vetro, di una spatola e di
sfumini (bastoncini di carta strettamente arrotolata che servono per togliere la polvere di colore o, sfregati
sul colore, per creare sfumature ed effetti speciali). Gli sfumini di pelle sono bastoncini di legno con la punta
di pelle scamosciata.
Altri attrezzi utili sono: una gomma pane, un coltello affilato, un nebulizzatore, fissativo, carta
vetrata per fare la punta ai pastelli, carboncino per i contorni e per finire una serie di pastelli ben
scelti.
Come dipingere
(v. immagini)
Prima di iniziare un disegno, è bene disporre i pastelli su un pezzo di stoffa morbida, o su cartone ondulato,
allineandoli secondo il colore e le tonalità. Questo consente di non interrompere il lavoro per cercare il
pastello di cui si ha bisogno in un dato momento. Esercitandosi a usare segni, colori, carte diverse si nota
subito che con i pastelli si possono tracciare linee spesse e sottili e texture diverse. Per esempio, la punta
spezzata di un pastello, sfregata di spigolo sulla carta, traccia una linea sottile; appoggiando la stessa punta
piatta sulla carta, si ottiene un tratto di colore piatto e uniforme.
Una pressione più decisa fa penetrare una maggiore quantità di colore nella granitura della carta; una
pressione leggera lascia maggiormente scoperto il fondo del foglio. I pastelli applicati su carta vellutata,
come la bambagina, creano morbide macchie di colore. Su tela sottile il colore risulta uniforme. Su carta
vetrata o carta Ingres il pastello lascia abbondantemente scoperta la granitura del fondo.
Si possono ottenere delicati contrasti raccogliendo su un pennello rigido o su uno straccio un po' di pastello
macinato e applicandolo sul disegno. Un tratteggio sottile o incrociato oppure l'alternanza di segni in colori e
toni diversi producono chiaroscuri di grande effetto. I segni ampi e regolari sono i più adatti per lavori dal
vero all'aria aperta.
I pastelli non devono essere sfregati troppo perché questo potrebbe rendere liscia la superficie della carta,
rovinare la texture del foglio e imbrattare i colori. Anche lavorando con la gomma pane bisogna dare tocchi
leggeri.
Un buon metodo per applicare il colore polverizzato è quello di usare un dito; lo stesso metodo serve per
fondere o sfumare segni di colore diverso.
Si disegna sempre con la carta in posizione obliqua in modo che la polvere di pastello scivoli via dal foglio;
per liberarsi dalla polvere in eccesso si soffia di frequente sulla, superficie. Si possono mescolare i colori in
diversi modi: sfregando colori diversi uno sull'altro, come avviene nel tratteggio o nel tratteggio
incrociato, anche se in questo caso non si sfumano; eseguendo un tratteggio con angolatura diversa;
con la tecnica dei puntini di diversi colori; sfumando leggermente con il dito o uno sfumino.
E pratica usuale iniziare il disegno eseguendo i contorni a carboncino e organizzare nella mente colori e
segni perché il pastello è difficile e spesso impossibile da correggere. A volte si possono ridefinire le linee sul
disegno terminato usando di nuovo il carboncino, anche se è da evitare: si deve disegnare in modo preciso,
con tratti netti, altrimenti la composizione apparirà incerta e macchiata. Un pastello ben appuntito come lo
Stabile Othello può essere utile per rifinire con precisione i particolari.
Degas trovò il modo di costruire una sorta di impasto a pastello isolando con il fissativo ogni strato di colore
appena applicato e stendendovene sopra un altro non appena il fissaggio era asciutto. L'ultimo strato veniva
spesso lasciato senza fissativo. Nei suoi dipinti più tardi si serviva di segni ampi e decisi per ottenere zone di
ombra e luce a struttura irregolare. Prova di balletto (1877), Tre danzatrici che fanno toilette (1899) e
Danzatrici (1899) rivelano la sua padronanza nell'ottenere effetti di luce insoliti.
Georges Seurat (1859-91) utilizzò i pastelli per dipingere secondo la tecnica del puntinismo. Nella sua
gouache Caffè concerto si servì di pastelli neri per ottenere effetti di densità e ombra. Pierre Auguste
Renoir (1841-1919) disegnò con pastelli grassi rossi e neri e più tardi con sanguigna, rischiarando con
lumeggiature bianche e accentuando determinati effetti con tocchi neri. Nei suoi pastelli Ragazza con rosa
e Lavandaia con bambino sono ben evidenti la qualità delle variazioni tonali, e la leggerezza di linee e
tratteggi che creano la lievità delle figure.
Paul Cézanne (1839-1906) faceva disegni che parevano realizzati di getto, come per esempio il pastello
nero Pomeriggio a Napoli. Le sue composizioni sono sempre molto particolari, tengono in gran conto la
prospettiva, i contorni e l'andamento delle linee. Paul Gauguin (1848-1903) era altrettanto immediato sia
con i pastelli che con gli oli. Nel disegno a carboncino e pastello Due donne della Martinica e nel disegno
a pastello Ragazza le figure hanno lo sguardo sereno di quelle dei suoi dipinti piatti ed essenziali, anche se
la libera sovrapposizione e l'accurata texture del colore rivelano un aspetto nuovo e interessante del suo
talento.
Pulire e conservare

Occorre molta attenzione per salvaguardare un pastello, se si desidera conservarlo a lungo. Bisogna
utilizzare soltanto carta e pastelli di ottima qualità.
La migliore protezione consiste nel porre il dipinto sotto vetro, evitando il contatto diretto tra il colore e il
vetro. L'opera dovrebbe venire incollata alla montatura solo lungo il lato superiore con colla di farina o di
amido e quindi sigillata ermeticamente per difenderla dalla polvere e da altri agenti nocivi. Se il dipinto non
deve essere incorniciato, lo si ripone insieme ad altri pastelli, interponendo tra l'uno e l'altro un foglio di
carta velina, cellophane o carta che non assorba il grasso, e pressando il tutto in modo uniforme con un
peso. Col tempo il pastello si fissa più profondamente nella grana della carta.
Fissativi
Per quanto esistano in commercio prodotti affidabili, l'uso del fissativo presenta un certo numero di
inconvenienti. Primo tra questi è la perdita di brillantezza dei colori, alcuni possono addirittura scurire; il
bianco tende a scomparire a meno che non sia formato da un'alta percentuale di bianco di titanio. Inoltre il
pastello può diventare pesante e colloso in quanto il fissativo tende a impastare le particelle di colore e a
farlo assomigliare alla tempera. Alcuni prodotti a base di gommalacca o mastice possono provocare delle
macchie.
Il fissativo più affidabile è quello che evapora rapidamente; si può facilmente preparare in studio
una soluzione al 2% di vernice dammar in benzina e spruzzarla con un diffusore a bocca o uno
spruzzatore per profumi.
Un disegno a pastello può essere fissato dopo ogni singolo strato di colore, lasciando però scoperto l'ultimo
(secondo la tecnica adottata da Degas); oppure si può fissare soltanto il disegno iniziale o ancora solo lo
strato finale. In tutti questi casi, bisogna spruzzare stando di fronte al dipinto e mantenendo il flacone a
distanza costante dalla superficie. Si inizia spruzzando in aria, poi si dirige lo spruzzo sul quadro e si termina
nello stesso modo.
Si possono fissare i pastelli anche dal retro, incollandovi un foglio di cartoncino: così la colla, penetrando
nella carta, fisserà il pigmento.
Le tecniche
Qui di seguito vengono illustrate alcune tecniche del disegno a pastelli.
Questo effetto si ottiene
passando un pastello
senza punta su carta
ruvida movendo la mano
sempre nella stessa
direzione.
Questo effetto si ottiene
premendo lo spigolo del
pastello, si formano linee
sottili e decise.
Questo effetto si ottiene
tracciando su carta dei
tratti decisi, il colore crea
un effetto vibrante.
Questo effetto si ottiene
sfregando il pastello nel
senso della lunghezza
senza la carta di
Questo effetto si ottiene
sovrapponendo linee di
direzione opposta: tratto
incrociato.
Questo effetto si ottiene
sfregando dei tratti netti
con la punta delle dita.

Chine ed inchiostri
La storia
Questo effetto si ottiene
utilizzando la gomma
pane, il colore viene
lumeggiato o asportato in
modo da creare texture
più chiare.
Sfumare il colore
Per sfumate utilizzate uno
sfumino, il risultato
ottenuto sarà molto
preciso.
Texture colorata
Con tratti brevi e spessi di
tono chiaro su un colore
più scuro si possono
creare belle texture e
collegare zone diverse.
protezione.
Pastelli a olio e
trementina
1) Con un pastello a olio
preparate su un foglio di
carta ruvida una
superficie uniforme.
Sfumare il colore
Sfregate un pezzetto di
carta sulla superficie
colorata, il pastello
penetrerà nel foglio e
renderà il colore stabile.
Texture colorata
Con il carboncino si
ottengono toni forti e
scuri, tracciate larghe
linee nere e spandetele
con il polpastrello.
Pastelli a olio e
trementina
2) Inumidite un pennello
nella trementina e
passatelo sopra, il colore
si spande e penetra nella
carta. Se poi ripassate con
dei tratti decisi di pastello
otterrete una bella
texture.
Schiarire il colore
Con uno spigolo della
gonna pane eliminate
piccole zone di colore
creando toni più chiari e
luminosi.
Particolari
I pastelli in forma di
matita si utilizzano per
delineare particolari
precisi nel disegno.

La penna e l'inchiostro sono da molti secoli strumenti usati da artisti e disegnatori, infatti questi strumenti
sono molto economici e consentono una varietà di forme espressive individuali illimitate.
Una delle particolarità che emerge da qualsiasi studio del disegno a penna e la diversità di temperamento
degli artisti che sono stati attratti da questo mezzo, ed è curioso osservare come questi stili siano ricorrenti
nel tempo. Così il piglio vivace di Salvator Rosa (1615-73) ci riconduce, tra gli artisti di oggi, a Ciaes
Oldenburg (n. 1929) e a Jan Ribbon (n. 1924), mentre lo stile più freddo, calligrafico e sensibile di Leonardo
(1452-1519) e Botticelli (1445-1510) riaffiora nei disegni a penna di molti artisti contemporanei.
Furono i monaci medioevali a diffondere per primi l'uso del disegno a penna. Il supporto su cui eseguivano
i loro disegni era in genere pergamena: di capra, pecora o anche meno robusta come vitello, agnello e
capretto. Le penne di cui si servivano erano solitamente penne d'oca. I disegni dei monaci non furono certo i
primi ad essere eseguiti con penne d'oca; tuttavia, i principi di base per l'uso della penna e le tecniche
utilizzate in seguito dai formidabili disegnatori del XV secolo risalgono a quel periodo.
Durante il Rinascimento, le tecniche e i metodi si fecero maggiormente sperimentali, la scelta dei soggetti
si ampliò e si associarono i mezzi pittorici più diversi. Gli artisti del Rinascimento incominciarono a utilizzare
i pastelli, l'acquerello e le lumeggiature bianche. Il periodo post-rinascimentale fu assai ricco di disegnatori
particolarmente dotati che si servirono della penna.
L'approccio e le tecniche di Rubens (1577-1640) e Van Dyck (1559-1641) contrastano con lo stile meno
teatrale e più intimo di Rembrandt (1606-69) i cui disegni a penna, appena velati di colore, sono
profondamente emozionanti.
Nel XVIII secolo, l'inglese Hogarth (1697-1764) fu un disegnatore di prim'ordine. Impiegava pochissimo
tempo per lo schizzo preparatorio e il suo stile nervoso e calligrafico coinvolge immediatamente chi osserva,
rendendolo partecipe dell'atmosfera delle sue opere. Alla fine del secolo scorso Aubrey Beardsley (1872-98)
usò la grafica linearità del segno per le sue inconfondibili tavole a penna, che componeva per contrasti di
zone bianche, neri uniformi, linee sottilissime.
Negli Stati Uniti, Charles Dana Gibson (1867-1944) introdusse nel disegno a penna caratteristiche di
robustezza e precisione fino ad allora sconosciute a questa tecnica. L'intelligenza e la vivacità di Caran
d'Ache (1859-1909) e di Forain (1852-1931), entrambi svizzeri, aggiunsero un tocco tipicamente francese
all'arte grafica del tempo.
Tra gli artisti più dotati del disegno a penna, vi sono, nel XX secolo, Matisse (1869-1954), Picasso (1881-
1973) e Pascin (1885-1930). In Gran Bretagna, l'impulso dato a questa tecnica da Gaudier-Brzeska, artista
dalla vita breve (1891-1915), è ancora vivo oggi nelle illustrazioni di molte riviste, specialmente
appartenenti al campo della moda.
Cosa serve per iniziare
Tipi di penna
Oggi vi sono in commercio molti tipi di penne: penne da intingere, con una grande varietà di pennini; penne
stilografiche; penne a serbatoio, oltre a quelle più tradizionali di canna, di bambù e alle penne d'oca.
Penne a cannuccia
Sono le più versatili, le più economiche e sono particolarmente adatte per chi comincia. Le cannucce
possono essere usate con una grande varietà di pennini che vanno provati per individuare quelli più adatti
alle proprie esigenze. I pennini tracciano segni di spessore diverso: tra i diversi tipi a punta fine o a punta
tronca segnaliamo il pennino per scrittura in tondo, quello per corsivo, quello per musica e quello per
scrittura fiorita.
I tipi per scrittura hanno il cannello di attacco aperto e di forma ovale, quelli per calligrafia o cartografia
hanno cannelli tubolari.
I pennini possono usare qualsiasi inchiostro nella quantità necessaria per ottenere segni pesanti e segni
leggeri e hanno il pregio di non incepparsi, a meno che la carta non sia troppo morbida e pelosa. Oltre alle
cannucce normali, esistono anche quelle provviste di un piccolo serbatoio di rame, ma sono poco efficienti
rispetto alle penne stilografiche o a quelle a china; inoltre si devono pulire dopo l'uso per evitare che si
occludano.

Penne stilografiche
Le penne stilografiche dovrebbero essere caricate con inchiostri stilografici idrosolubili: l'inchiostro viene
aspirato nel serbatoio attraverso il pennino. La gamma dei pennini è assai limitata se la si confronta con
quella delle cannucce.
Penne a serbatoio (graphos)
Per queste penne esistono inchiostri speciali, in una vasta gamma di colori, che si versano direttamente nel
serbatoio. Sono dotate di pennini. di forme diverse, ognuna in spessori diversi. La penna Graphos Rotring
possiede una gamma di 8 forme di pennino, contrassegnate con lettere dell'alfabeto, che tracciano linee
larghe, spesse, sottili o finissime.
Penne a china (rapidograph)
Tracciano linee di vario spessore mediante punte intercambiabili formate da un sottile tubicino metallico il
cui tratto è perfettamente uniforme in qualsiasi direzione la penna venga guidata. Gli illustratori le usano
molto, almeno quanto i disegnatori tecnici ai quali la penna era inizialmente destinata. Una corretta
manutenzione richiede che le punte siano vuotate e lavate con cura quando non sono usate per un certo
periodo. In caso di uso continuato è bene tenerle nell'apposito umidificatore in modo che l'inchiostro non
essicchi nel canale di alimentazione.
Pennelli
Se intendete disegnare a inchiostro con il pennello, acquistate dei buoni pennelli morbidi e flessibili,
possibilmente di martora e ricordatevi di sciacquarli sempre dopo l'uso (v. strumenti e supporti). Sarà bene
esercitarsi con inchiostri diversi e introdurre anche i colori ad acquerello, a volte preferibili all'inchiostro di
china diluito che nelle stesure uniformi risulta granuloso. Con i pennelli cinesi e l'inchiostro in tavolette si
ottengono stesure sottilissime e trasparenti. La tavoletta di inchiostro viene sfregata su una tavolozza di

steatite e inumidita con acqua distillata fino a quando il colore raggiunge l'intensità di nero o di grigio
desiderata.
Tipi di inchiostro
Inchiostri da disegno
Sono idroresistenti e quando essiccano formano una superficie lucida su cui sì può dipingere di nuovo. Si
vendono in serie di diversi colori: in commercio troviamo la Rotring e la Pelikan che hanno 18 tinte, la
Winsor and Newton 22. Per le penne tipo graphos esiste una gamma speciale di inchiostri colorati, di
fluidità maggiore. L'inchiostro di china nero, a base di nero fumo e, tra tutti, il prodotto maggiormente
usato.
Inchiostri non impermeabili
Esistono in vari colori e producono un effetto simile all'acquerello diluito. Penetrano nella carta più degli altri
inchiostri e quando sono asciutti hanno superficie opaca. Anche gli inchiostri stilografici possono essere
utilizzati per disegnare, ma la gamma dei colori è assai limitata. Il pigmento dell'inchiostro tende a
depositarsi sul fondo, è quindi consigliabile agitare il flacone prima di farne uso. Se d'estate l'inchiostro
evapora leggermente perché si è dimenticato il flacone aperto, il colore diviene più intenso e l'inchiostro più
denso. Se si aggiunge all'inchiostro un piccolo quantitativo di acqua distillata questo riacquista la sua
fluidità. Quando si sceglie un inchiostro, bisogna tenere a mente alcune particolarità di ciascun colore; per
esempio, gli inchiostri marrone e seppia tendono a sbiadire nel tempo. Alcune varietà non impermeabili di
inchiostro sono comode perché si diluiscono facilmente con l'acqua e permettono di ottenere toni che
possono essere ulteriormente alleggeriti se si ripassa con un pennello imbibito d'acqua. I negozi di colori
vendono una grande quantità di inchiostri colorati; tra questi ricordiamo quelli prodotti da Faber Castell,
Rotring, Winsor and Newton, e FW. Tra gli inchiostri di china segnaliamo le marche: Rotring,
Grumbacher, Winsor and Newton e gli inchiostri in tavoletta cinesi. Tra gli inchiostri stilografici vi sono
queste marche: Parker, Faber Castell, Rotring e Pelikan. La Rotring produce cartucce di inchiostro per
graphos e rapidograph, inchiostro da disegno per pellicole di poliestere e il tipo K per graphos e per penne in
teflon.
Carte
Una carta molto sottile è quasi sempre povera di appretto cosi che l'inchiostro la imbeve e si spande in
modo irregolare. Per disegnare a inchiostro è meglio usare carta da disegno pesante, da 200-250
g/m2, che permette di stendere mani di colore e di correggere senza danni. La carta per calligrafia, che
costa guanto una buona carta da disegno pesante, è l'ideale se si vogliono ottenere linee nette e precise. La
carta soffice non e adatta perché assorbe l'inchiostro, tende a ingiallire e a sfaldarsi; si lacera anche
facilmente e i filamenti possono occludere il pennino.
E meglio tendere la carta su una tavoletta da disegno (v. acquerello) se si intende dare stesure di inchiostro
o di acquerello.
Le tecniche
Nel disegno a penna la tecnica di base utilizza la linea e il punto. Questi segni possono creare infinite
strutture e si combinano anche con altri mezzi pittorici. Come sempre nell'ambito dell'arte, è bene studiare
gli artisti che eccellono in un determinato campo, copiando i loro disegni e le loro tecniche per imparare a
manipolare i materiali.
Non si può iniziare un disegno a inchiostro senza essersi esercitati a lungo nel movimento e nel segno con
una penna e un pennello. Bisogna imparare a non premere troppo per ottenere un flusso regolare dal
pennino alla carta. Quando si adopera una cannuccia col pennino si deve sempre intingere la stessa
quantità di inchiostro e imparare a prevedere il momento in cui l'inchiostro finisce in modo da
non dover interrompere nel mezzo di una lunga linea.
E' utile eseguire un disegno preparatorio con una matita morbida se si desidera realizzare un disegno a
inchiostro accurato e non un rapido schizzo. Ma una volta padroneggiata la tecnica, la spontaneità delle
linee che fluiscono liberamente e delle impressioni visive tradotte istantaneamente in immagini crea risultati
assai più efficaci di quelli che si hanno con riflessione e pianificazione.
Per disegnare bene con il pennello occorre una lunga pratica perché la sua punta è molto flessibile. Il
disegno ad inchiostro eseguito sia con il pennello che a penna richiede gesti e movimenti ampi di tutto
l'avambraccio e non della sola mano.

Questo effetto si ottiene
tracciando linee di diverso
spessore con l'aiuto di un
righello.
Questo effetto puntinato
si ottiene usando pennini
di spessore diverso.
Tonalità
Questo effetto si ottiene
tracciando delle linee
molto leggere con una
penna inclinata.
Questo effetto si ottiene
scarabocchiando in
maniera più o meno
intensa.
Questo effetto si ottiene
con un pennino spesso.
Questo effetto puntinato
si ottiene con un pennino
molto sottile.
Nell'acquerello i toni si creano con mani successive di colore. Questo vale anche per il disegno
a inchiostro ma, poiché un disegno a inchiostro è composto fondamentalmente da linee, vi
sono altre tecniche per creare la profondità delle ombre e le variazioni tonali, per esempio: il
tratteggio, il puntinato, il tratto scarabocchiato o le linee parallele graduate da
spesse a sottili. Si hanno effetti molto diversi sovrapponendo a mani di acquerello o di
inchiostro le tecniche che abbiamo appena elencato. Si creano texture utilizzando spugne,
pezzi di stoffa (lana e pizzo), i polpastrelli o il legno. Si possono anche tracciare linee a penna
su uno strato di trementina oppure su cera di candela o su liquido per mascherare; si possono
soffiare macchie di inchiostro, o lasciarle gocciolare. Ma, in definitiva, è soprattutto la
qualità della linea che conta per il risultato finale.
Un disegno a inchiostro deve essere perfettamente asciutto prima che si possano cancellare le
linee a matita del disegno preparatorio o stendere mani ad acquerello. Se la mano ad
acquerello viene applicata troppo presto, l'inchiostro può stemperarsi e sporcare il colore.
Questo effetto è dato da
un fazzoletto di carta
piegato a fisarmonica e
macchiato.
Questo effetto è stato
realizzato passando
l'inchiostro su uno strato
di cera.
Questo effetto si ottiene
passando un pennello
bagnato su strati spessi di
inchiostro.

Questo effetto si ottiene
spruzzando del fissativo
sull'inchiostro ancora
fresco steso con un
pennello.
Questo effetto si ottiene
soffiando con una
cannuccia sull'inchiostro
fresco.
Questo effetto si ottiene
spruzzando l'inchiostro
con uno spazzolino.
Correzioni
Questo effetto si ottiene
usando della tela per
dipingere, la tela viene
inumidita con l'inchiostro
e premuta contro il foglio.
Questo effetto si ottiene
tracciando le linee
attraverso un fazzoletto di
carta.
Questo effetto si ottiene
dipingendo sopra una
maschera.
Questo effetto si ottiene
usando i polpastrelli con
l'inchiostro.
Questo effetto si ottiene
usando prima una stesura
di inchiostro diluito, poi
una volta asciutto
disegnando le linee.
Questo effetto si ottiene
stendendo l'inchiostro con
un pennello diluendolo
con acqua.
Una macchia indesiderata, o un errore simile, si può correggere tamponando o
sovrapponendo con leggerezza piccoli pezzi di carta assorbente pulita e inumidita. Per
cancellare una macchia si può anche pennellarla con acqua pulita e tamponarla con carta
assorbente o un fazzoletto di carta. Le leggere macchie che rimangono si cancellano con una
gomma morbida e sfregando con l'unghia si rende nuovamente liscia la superficie del foglio.
Sull'inchiostro essiccato si può intervenire con una gomma di fibra di vetro o con una lametta
tagliente, oppure nel peggiore dei casi si può ricorrere a della tempera bianca.. Con fogli puliti
si deve proteggere il resto del disegno durante le operazioni di correzione.
Gli Acquerelli
Sono composti da pigmenti, che possono essere di origine animale, vegetale o minerale, agglutinati con
acqua, gomma arabica e glicerina. In commercio questi colori sono disponibili in tubetto oppure in godet,
una vaschetta riempita di colore, essiccata, isolata con carta oleata e avvolta in un foglio di stagno puro.

Per utilizzare questi colori è necessario diluirli con acqua, occorre tenere a disposizione due recipienti per il
diluente: il primo servirà a sciacquare in continuazione i pennelli per non "sporcare" i colori che si vogliono
ottenere, e il secondo verrà usato per bagnare il pigmento. L'acqua dovrà essere mantenuta sempre pulita.
La caratteristica principale di questo materiale è l'assoluta trasparenza delle tinte che sul foglio si
compenetrano una con l'altra. Per far risaltare questa delicata qualità, si consiglia di usare l'acqua con
prudenza: troppo liquido appesantirebbe non soltanto il supporto ma anche il risultato cromatico del lavoro.
Nella pittura ad acquerello non si usa il bianco; lo si ottiene all'interno del disegno, lasciando intatta la
porzione di foglio interessata. Il bianco è però disponibile nella gamma di colori: serve per ottenere toni più
chiari.
Cosa serve per iniziare?
Se decidete di sperimentare questa tecnica per la prima volta dovete decidere
che colori acquistare. In commercio esistono scatole già pronte con i colori posti
in godet, le confezioni medie hanno 12 colori circa, queste scatole di solito
dispongono anche di incavi in cui mescolare i colori. Se non si vuole acquistare
una scatola con colori già stabiliti c'è anche la possibilità di acquistare una
scatola vuota e poi comprare separatamente i colori che servono.
La Maimeri famosa azienda produttrice di colori per belle arti, mette a
disposizione due gamme di colori ad acquarello, la prima formata da 72 tinte
(colori acquerello superiori Maimeriblu), la seconda da 36 tinte (colori acquerello
extrafini Venezia).
La prima gamma è disponibile in formato godet da 1,5 ml o tubetto da 15 ml, i
gradi di trasparenza sono : coprente, semicoprente e trasparente.
Un'altra azienda famosissima nel campo delle belle arti è la Faber Castell (più
conosciuta per i prodotti da disegno), questa ha messo in commercio delle
scatole già pronte, una contenente 12 acquerelli più un pennello, l'altra 12
acquerelli più 12 matite colorate più un pennello (ideale per sperimentare due tecniche di
disegno). Oltre alle due aziende citate ovviamente ce ne sono molte altre che forniscono
prodotti di ottima qualità, prima di comprare una gamma completa di colori vi conviene
provare diverse marche e poi decidere la migliore per voi.
Una volta decisi i colori vi servirà una tavolozza su cui mescolarli, possibilmente di ceramica
o plastica, almeno due grandi vasi per l'acqua e stracci e spugne.
I pennelli consigliati per questa tecnica sono preferibilmente morbidi di pelo di martora o
comunque di buona qualità.
Con gli acquerelli si può usare qualunque carta che però sia abbastanza spessa, esistono in
commercio album e fogli sciolti appositi che però costano di più rispetto ai fogli normali (v.
Supporti e strumenti).
Si può dipingere sia su carta normale che su carta stesa o telaio:
Stendere il foglio aiuta a non creare pieghe sulla carta, inevitabili quando si usa tanta acqua, per farlo
bisogna avere a disposizione un rotolo di nastro adesivo (carta gommata oppure delle puntine che però
rovinano il foglio), un'asse solida (ci si può fabbricare l'asse anche da soli, basta comprare una tavola di
truciolare o compensato della dimensione desiderata e levigarla molto bene con carta vetrata) e una
spugna.
Innanzitutto si bagna abbondantemente il foglio con la spugna, poi con il rotolo di carta gommata si fissa
saldamente il foglio su tutti i lati al centro dell'asse, quando è ben saldo si lascia asciugare (ci si può aiutare
con un phon), una volta asciutta la carta risulterà ben tirata, a quel punto si può dipingere senza paura che
si formino pieghe indesiderate. Ancora più semplice è l'utilizzo di un telaio.
I telai si trovano in commercio già pronti, però una volta dipinta la tela e staccata il telaio si può riutilizzare
anche con carta da pacco.
Similmente alla tecnica illustrata prima si prende la carta della dimensione del telaio, si tagliano gli angoli
della carta con una taglierina, (deve avere almeno 10 cm in più per lato rispetto al telaio) si bagna con una
spugna (non molto altrimenti potrebbe strapparsi) a quel punto si mette il telaio sopra la carta al centro, si
passa con un pennello della colla molto liquida (nei negozi di belle arti vendono delle palline di colla
essiccate da sciogliere in acqua che servono a questo scopo) sui bordi del foglio che andranno incollati al
telaio. Quando si incolla la carta al telaio si deve cercare di tenderla il più possibile con le mani. Si passa
un'altra volta la superficie con la spugna bagnata e poi si lascia asciugare. Il telaio preparato in questo
modo è l'ideale anche per dipingere a tempera o ad acrilici. (v. immagine)
In commercio vi sono degli album da disegno con i fogli già incollati su tutti i lati che potete usare in
sostituzione di dei metodi appena spiegati.
Come dipingere

Come stendere il colore
Non potendo utilizzare il bianco ed essendo molto trasparenti gli
errori sono molto difficili da correggere, anche se a volte usando
molta acqua si possono riuscire ad attenuare. Proprio per questo
motivo se siete inesperti è meglio iniziare ad usare questi colori
con disegni semplici, magari con contorni definiti da un colore
scuro.
Se amate la pittura all'aperto questa è la tecnica che fa per voi,
difatti gli acquerelli richiedono un attrezzatura leggera, poco
ingombrante e quindi facile da trasportare, inoltre con poche
pennellate si riescono a fare degli schizzi significativi, magari per
effettuarne degli studi in seguito.
Se decidete di fare prima il disegno a matita ricordate di usare dei
tratti leggerissimi, infatti essendo trasparente il colore lascerà
vedere qualunque segno presente sulla carta, e dopo aver dipinto
la matita non si può più cancellare. Quando sarete un po' più
esperti potrete fare il disegno direttamente con il pennello e il
colore molto diluito.
Dei buoni effetti si ottengono anche tracciando i contorni del
disegno dopo aver dipinto, con dell'inchiostro o della china, oppure
tracciando prima i contorni a china (con un pennello) e poi
dipingendo sopra.
Se usate i tubetti non preparate grosse quantità di colore perché
l'acquarello di asciuga rapidamente e sarebbe meglio avere sempre
il colore fresco, tuttavia una volta seccato il colore si può
riutilizzare aggiungendo acqua.
E' importantissimo quando si dipinge cambiare spesso l'acqua dei
vasi perché se l'acqua è sporca il colore risulterà offuscato. Di
solito asciugando i colori schiariscono un po' per cui è bene tenerne
conto mentre si dipinge, comunque sia vi accorgerete di tutte
queste cose facendo delle prove.
Come regola generale si inizia a dipingere sempre dai colori chiari,
perché sono più facili da coprire in caso di errore e perché il dipinto
non perda di freschezza è importante lasciare gli oggetti bianchi
senza pittura in modo da far traspirare la carta.
Se dovete dipingere un'ampia zona con un colore base potete preparare una buona quantità di colore
diluito, prendere un pennello grande e iniziare a dare delle larghe pennellate orizzontali. Nel bordo inferiore
della pennellata si formerà una sacca di colore, questa fornirà il colore per la pennellata successiva. Quando
la sacca sta per scomparire basterà intingere nuovamente il pennello e riprendere la passata. All'ultima
passata si può assorbire il colore in eccesso con uno straccetto o un pennello asciutto.
Se si vogliono creare delle zone più luminose si può intingere un pennello d'acqua passarlo nella zona
desiderata e poi asciugare con un pennello asciutto o una spugnetta.
Se volete creare un effetto di colori sfumati che si compenetrano potete dipingere su carta leggermente
bagnata, passando velocemente nei punti stabiliti i vari colori, la carta assorbirà il colore mescolandolo.
Come pulire e conservare
Una volta finito di dipingere bisogna lavare con acqua tutto molto bene, difatti se rimangono tracce di colore
sulla tavolozza la prossima volta che si mescoleranno sopra i colori le tracce vecchie si rimescoleranno alle
nuove.
Per evitare che i colori nella scatola si secchino eccessivamente si può lasciare all'interno una spugnetta
umida, e se invece si usano i tubetti bignonia avvitare i tappi molto bene. Infine conservate i dipinti lontano
da fonti di calore, luce e umidità.
Colori a olio
Vengono chiamati "colori a olio" quei "pigmenti" che usano come legante un olio siccativo. Di solito si
usano l'olio di lino crudo, dal caratteristico colore paglierino trasparente, l'olio di papavero, più chiaro
dell'olio di lino e più trasparente, e l'olio di noce, dalle caratteristiche simili a quelle dell'olio di lino.
I colori a olio adoperati dai pittori sono racchiusi in tubetti di stagno con tappo a vite; sui tubetti sono
indicate con simboli le caratteristiche dei pigmenti: il grado di trasparenza (coprente, semi coprente, semi-

trasparente ) la nocività. Sul mercato esistono colori di diverse marche, in un campionario che in genere va
dalle 75 alle 90 tonalità.
Per impratichirsi nell'uso di questi colori consigliamo all'inizio di usare marche non troppo costose. Non
bisogna farsi confondere dalle decine di tonalità diverse di uno stesso colore presentate dai vari fabbricanti:
ricordiamo che all'inizio non servono più di dieci-dodici colori più un tubetto di bianco (in gran quantità,
perché si usa più di ogni altro colore, dato che serve anche per schiarire tonalità troppo scure) e il nero. Non
devono a ogni modo mai mancare i colori primari: il giallo, il blu cyan e il rosso magenta.
I colori a olio garantiscono la massima stabilità e inalterabilità nel tempo. I tempi di essiccazione sono molto
lunghi.
Per abbreviarli si può esporre alla luce solare il dipinto fino a completa essiccazione e quindi riporlo in modo
che riceva luce indiretta. Tenendo il dipinto al buio durante l'essiccazione, si rischia che la superficie
ingiallisca.
Alla fine il pigmento si è trasformato in una solidissima resina, che mantiene le definitive doti di luminosità e
purezza degli olii.
Cosa serve per iniziare
La pittura ad olio è forse tra le più complesse per cui se siete alle primo impatto con il mondo della pittura vi
conviene iniziare con delle tecniche più semplici come ad esempio la tempera. Se invece siete decisi ad
imparare questa tecnica armatevi di buona volontà e parecchi soldini perché è la pittura che richiede più
strumenti che, come accade sempre nel mondo delle belle arti, sono molto costosi.
Partiamo parlando dei colori, come già accennato nel riassunto iniziale non servono tantissimi colori per
iniziare, sono più che sufficienti una decina compresi i colori primari più bianco e nero. Questi colori
potrebbero essere: bianco titanio, giallo primario, giallo ocra, arancio cadmio, rosso cadmio scuro,
rosso magenta, terra di siena bruciata, verde veronese, verde smeraldo, blu cobalto, blu cyan,
nero d'avorio.
Se invece volete provare più tonalità di colori non avrete che l'imbarazzo della scelta, difatti in commercio
ne esistono tantissime.
Ovviamente come spiegato nella teoria del colore potete benissimo crearvi da soli le tonalità desiderate con i
colori primari. Attenti però mescolando troppi colori assieme si rischia di renderli torbidi e opachi!
La Maimeri nota azienda che produce colori per le belle arti mette a disposizione tre tipologie di colori ad
olio divise per qualità e prezzo.
La prima tipologia è Colori ad olio superiori MAIMERI PURO completa di 80 colori suddivisi in 6 gruppi di
prezzo (il formato da 40 ml va dalle 15.000 alle 80.000 lire circa a tubetto*), i colori sono disponibili in
formato da 40 ml tubetto, mentre i bianchi in formato 40 ml e 150 ml tubetto.
Il grado di trasparenza va da coprente a trasparente.
Questa tipologia dei colori è qualitativamente la migliore, i pigmenti sono più ricchi nella massima
concentrazione e gli olii usati danno la garanzia di non ingiallire.
La seconda tipologia è Colori a olio extrafini ARTISTI completa di 106 colori divisi in 8 gruppi e 6 fasce di
prezzo (il formato da 20 ml va dalle 6.000 alle 22.000 lire circa a tubetto).
I formati disponibili per i colori sono 20 ml e 60 ml tubetto, mentre i bianchi sono disponibili in formato da
20 ml, 60 ml, 150ml, 300 ml tubetto e 1000 ml lattina.
Come la precedente tipologia il grado di trasparenza va da coprente a trasparente, mentre la stabilità alla
luce può essere: massima, media, scarsa, colori nocivi.
Questi colori sono altamente professionali e qualitativamente molto buoni, come tradizione dell'azienda sono
utilizzati solo pigmenti pregiati e olii selezionati.
Infine la terza tipologia è Colori ad olio fini CLASSICO, la più diffusa tra gli artisti completa di 66 colori
(prezzo unico, circa 4.000 lire per il tubetto da 20 ml).
I formati disponibili per i colori sono 20 ml, 60 ml, 150 ml tubetto, mentre i bianchi sono disponibili in
formato 20 ml, 60 ml, 150 ml, 300 ml tubetto e 500 ml lattina. C'è in più una gamma ristretta di 28 colori
disponibili in formato 500 ml lattina. Come nelle altre tipologie i colori sono disponibili per grado di
trasparenza che va da coprente a trasparente, mentre il grado di stabilità della luce va da massimo a medio.
* i prezzi indicati si riferiscono all'acquisto in negozi di belle arti, ovviamente possono subire variazioni di negozio in
negozio.

Altre marche famose sono Lefranc, Winsor & Newton, Talens, Van Gogh ...
Diluenti ed essiccanti
I colori ad olio diversamente da quelli ad acqua necessitano di diversi prodotti ausiliari per essere diluiti, di
seguito verranno riportati una serie di prodotti con le rispettive caratteristiche, leggeteli attentamente
perché sotto ogni prodotto troverete dei consigli pratici su come dipingere:
Diluente inodore
Distillato di petrolio raffinato esente da aromatici.
Liquido inodore, incolore, accuratamente raffinato, esente delle sostanze aromatiche responsabili dello
sgradevole odore tipico dei solventi e quindi particolarmente adatto, per l'impiego in ambienti chiusi, agli
artisti molto sensibili a tali odori.
Prodotto di moderato potere solvente viene utilizzato per diluire i colori a olio riducendone la viscosità.
Volatilizza in modo medio-lento e costante.
Si utilizza immergendo il pennello direttamente nel diluente e poi impastandolo assieme al colore sulla
tavolozza. La fluidità che si ottiene e direttamente proporzionale alla quantità di diluente utilizzato. E'
consigliabile non esagerare; l'abuso di diluente può dare luogo alla formazione di prosciughi o isole opache
sulla superficie dell'opera. In caso si voglia ottenere un colore molto fluido si può utilizzare l'Olietto diluente.
E' un prodotto infiammabile.
Essenza di petrolio
Distillato di petrolio raffinato.
Liquido incolore, contiene una piccola percentuale pari al 5-10% di sostanze aromatiche che ne determinano
il forte odore. Di buon potere solvente, soprattutto nei confronti di sostanze grasse e olii in genere.
Volatilizza rapidamente.
Utilizzata dagli artisti per la diluizione del colore e la pulizia dei pennelli ma anche per tracciare l'abbozzo del
dipinto, Si procede diluendo abbondantemente un colore bruno e disegnando con un pennello tondo molto
morbido sul supporto. In questo modo il colore diventa molto magro, la traccia si asciuga in brevissimo
tempo ed è completamente assorbita dal supporto in modo da evitare fusioni tra l'abbozzo e l'opera
pittorica.
E' un prodotto facilmente infiammabile.
Essenza di trementina
Olio essenziale estratto da gemme di conifere.
Solvente vegetale di antica tradizione tratto dalle gemme del pino marittimo e da quelle di altre conifere del
genere Pinus.
Miscelata con i colori ad olio forma un impasto morbido, fluido di facile applicazione. Volatilizza i modo
medio-lento ed ha un buon potere solvente.
Dall'odore forte, originariamente è incolore ma con il passare del tempo ingiallisce leggermente in quanto
sensibile alla luce; si consiglia di tenere il flacone ben chiuso e riposto al buio. Nella pittura contemporanea
di notano numerosi effetti dovuti all'utilizzo anomalo di questa essenza. La sgocciolatura si ottiene passando
un pennello oppure una spugna intrisa di essenza su una base di colore ad olio non ancora essiccata;
tenendo l'opera in posizione verticale, l'essenza cola trascinando con se il colore e dando luogo a particolari
giochi di trasparenze. Sgocciolando invece sul quadro appoggiato al suolo si ottengono 'isole di vuoto' dal
scioglimento del colore all'interno della goccia che pian piano si deposita sul perimetro della stessa.
Tamponando il dipinto con uno straccio di cotone imbevuto di Essenza di trementina si possono aggiungere
altri particolari effetti. Il prodotto comunque applicato dopo il colore tende ad opacizzare quindi, una volta
lavorata la superficie, è consigliabile lasciare essiccare e applicare un velo di Vernice finale brillante per

idare vivacità ai colori. E' un prodotto infiammabile e nocivo secondo le vigenti normative C.E.E.
Essenza di trementina rettificata
Olio essenziale estratto da gemine di conifere.
Detta anche olio etereo di trementina in quanto distillato della stessa.
Grazie a questa ripetuta distillazione il prodotto e privo di qualsiasi impurità ma mantiene invariate le
caratteristiche fisiche e applicative dell'essenza originaria.
È un prodotto infiammabile e nocivo secondo le vigenti normative C.E.E.
Imprimitura
Resina alchidica tixotropica, biossido di titanio, ragia minerale, eccipienti. Estratto secco 72%.
Preparazione di fondo grassa, specifica per la pittura a olio ma utilizzabile anche per altre tecniche pittoriche
grazie all'ottima ricettività. Si stende con un pennello uniformemente su tutta la superficie da dipingere.
Dopo circa 24 ore dalla stesura è completamente essiccata e forma una pellicola elastica, resistente alle
deformazione che potrebbe subire la tela. Per ottenere maggiore uniformità nel fondo è consigliabile
applicare più mani di prodotto, attendere comunque che lo strato precedente sia totalmente secco. Pronta
all'uso e diluibile con ragia minerale. È un prodotto infiammabile.
Medio gel essiccante (diluibile con acqua)
Olio di lino modificato, addensanti, siccativi. Estratto secco 45%.
Gel denso dal colore leggermente ambrato con elevate proprietà essiccanti. Miscelato con i colori non ne
altera la viscosità, la pennellabilità, mantiene quindi inalterata la corposità del colore. E' consigliabile non
eccedere nell'uso, una quantità troppo elevata determina una diminuzione del potere colorante inoltre,
l'essiccazione eccessivamente rapida di un colore può causare delle leggere increspature sulla superficie
della pellicola pittorica.
Si diluisce con acqua oppure con ragia minerale. Può essere mescolato con colori a olio e con colori a base di
acqua.
Medio essiccante
Olio di lino, essenza di petrolio, ragia minerale, essiccanti. Estratto secco 45 %.
Miscela liquida, di colore ambrato, esente da piombo come da vigenti normative C.E.E.. Contiene sali
organici di calcio, litio e cobalto che consentono un'essiccazione omogenea di tutti gli strati di colore di un
dipinto, dalla superficie al supporto.
Aggiunto ai colori a olio il Medio essiccante ne diminuisce la viscosità senza alterarne la brillantezza; è
necessario tenere presente che il prodotto contiene olio di lino e quindi con il passare del tempo subisce un
lieve ingiallimento.È utilizzato in particolare modo nella tecnica della pittura a stadi, una delle più antiche
tecniche nella storia; implica il completamento dell'opera in più sedute, lavorando su pittura semiasciutta. Si
inizia dalla traccia monocroma del disegno e, pian piano, si giunge alla definizione del modellato e del
chiaroscuro aggiungendo altri strati di colore. Il Medio essiccante riduce notevolmente il tempo tra
un'esecuzione e l'altra accelerando l'essiccazione degli strati di colore.
Per evitare deformazioni e corrugamenti della pellicola di colore si consiglia di usarlo senza eccedere.
Si può diluire ulteriormente con Ragia minerale. È un prodotto infiammabile.
Medio gel essiccante
Resina alchidica tixotropica, ragia minerale, essiccanti. Estratto secco 45 %.
Gel leggermente ambrato, di proprietà essiccanti più accentuate rispetto a quelle del Medio essiccante.
Miscelato, senza eccedere, con colori a olio ne accelera l'essiccazione senza alterarne la viscosità. Questo gel
perde viscosità sotto agitazione ma la riacquista a riposo, è molto importante quindi agitare bene il flacone
prima dell'uso; il gel diventa temporaneamente meno viscoso facilitando così la pennellata.
Ideale per la tecnica delle velature: sostituendo il Medio gel essiccante all'Olietto diluente l'intervallo tra una
velatura e l'altra si riduce notevolmente, i toni acquistano vivacità e brillantezza, diventano quasi vetrificati.
La differenza sostanziale tra le velature ottenute con il Medio gel essiccante e quelle realizzate con l'Olietto
diluente è proprio l'effetto materico vetrificato a cui si giunge utilizzando il primo prodotto. La brillantezza e
la trasparenza delle velature sono direttamente proporzionali alla quantità di Medio gel essiccante aggiunto
al colore. Si può diluire ulteriormente con Ragia minerale.
È un prodotto infiammabile.
Medio d'impasto
Olio di cartamo, essiccanti, eccipienti. Estratto secco 99 %.
Si presenta come una pasta bianca con la stessa viscosità dei colori a olio dei quali,per questo motivo, non
altera le caratteristiche fisiche. In sostanza è un colore a olio non pigmentale. Unito ai colori forma impasti
che hanno una resa cromatica lievemente inferiore ma allo stesso tempo facilita notevolmente l'applicazione
e migliora la pennellabilità. Essicca velocemente e non ingiallisce.

Si utilizza soprattutto per tecniche a spessore perché permette grande risparmio di colore a chi opera su
grandi superfici ed evita eventuali spaccature dovute ad eccessiva matericità del dipinto. Si può procedere in
due differenti modi: miscelando direttamente colore a olio e Medio d'impasto oppure stendendo sul supporto
il Medio d'impasto neutro e colorando ad essiccazione avvenuta. La consistenza e la plasticità di questo
prodotto ne permettono l'applicazione a spatola; si possono ottenere spessori estremamente variabili a
vantaggio del risultato finale. Il tempo di essiccazione dell'opera è direttamente proporzionale allo spessore
della stessa.
Si può diluire con Ragia minerale.
Medio d'impasto (diluibile con acqua)
Olio di lino modificato, siccativi, eccipienti. Estratto secco 100%.
Pasta bianca, densa, molto corposa. Si presenta con la stessa viscosità di un colore a olio ma è privo di
pigmento. Unito ai colori da modo di ottenere un impasto dalle caratteristiche reologiche molto simili a
quelle di origine diminuendo leggermente il potere colorante ma aumentando la resa applicativa. Permette
quindi di dipingere grandi superfici utilizzando una quantità limitata di colore. Questo prodotto è
particolarmente indicato per le tecniche a spessore, si può utilizzare miscelato con i colori oppure steso
neutro e dipinto solo quando è completamente asciugato. Il tempo di essiccazione varia in funzione dello
spessore utilizzato.
Si diluisce con acqua oppure con ragia minerale. Può essere mescolato con colori a olio e con colori a base di
acqua.
Medio lento
Olio di papavero, ragia minerale. Estratto secco. 53%.
Liquido di colore paglierino. Miscelato con i colori a olio ne diminuisce la viscosità e la consistenza. Ritarda
l'essiccazione dei colori grazie alla presenza dell'olio di papavero che ossida molto lentamente.
Il suo impiego consente di asportare lo strato di colore del dipinto, oppure di rilavorarlo, anche alcuni giorni
dopo la stesura. Durante l'esecuzione di un dipinto l'azione del Medio lento mantiene lo strato di colore
sempre umido e morbido. Ultimato il dipinto l'essiccazione totale è più lunga ed è quindi necessario
attendere circa un mese prima di applicare eventuali vernici fissativo; se lo strato di colore non è
completamente asciutto si rischia di avere lo strato di vernice superficiale secco ma il colore sottostante
ancora umido.
Si può diluire ulteriormente con Ragia minerale. È un prodotto infiammabile.
Medio opacizzante
Resina alchidica tixotropica, silice opacizzante, ragia minerale. Estratto secco 31 %.
Gel ambrato che aggiunto ai colori a olio in proporzione pari al 20 % da luogo a un'opacità elevata
accelerando notevolmente l'essiccazione dello strato di pittura.
La quantità variabile di Medio opacizzante utilizzato consente di diversificare il grado di opacità ed ottenere
quello desiderato. Grazie alla sua composizione forma con il colore una miscela morbida, di aspetto serico,
facilmente applicabile. Mantiene invariata la viscosità e la consistenza del colore.
Si può diluire ulteriormente con Ragia minerale. È un prodotto infiammabile.
Olietto diluente
Olio di lino crudo, ragia camerale. Estratto secco 25 %.
Liquido di colore paglierino utilizzato per diluire i colori a olio senza alterarne le caratteristiche di
brillantezza. Di applicazione molto scorrevole permette, a differenza dei diluenti puri quali Essenza di
petrolio, di trementina e Ragia minerale, di non "smagrire" eccessivamente i colori. Il prodotto contiene olio
di lino quindi tende a un progressivo ingiallimento che diventa irreversibile una volta che il dipinto si sia
completamente ossidato. Utilissimo per la tecnica delle velature, ossia la sovrapposizione di più strati
trasparenti di colore. Si procede stemperando una minima quantità di colore nell'Olietto diluente;
successivamente si stende questo impasto con un pennello morbido, a ventaglio, incrociando le pennellate
per evitare la formazione di spiacevoli striature. Quando la prima velatura è essiccata si può procedere alla
stesura della seconda. L'Olietto diluente aumenta leggermente il tempo di essiccazione dei colori.
È molto importante iniziare a dipingere con i toni chiari e luminosi per poi proseguire con le tinte più scure
ma sempre trasparenti; sovrapponendo un blu a un giallo si ottiene un azzurro verdastro: il giallo si
percepisce difficilmente e il blu diventa più luminoso. Più numerose sono le velature maggiore profondità
avrà il dipinto finale. L'esecuzione perfetta permette il riconoscimento di ogni singola velatura a dipinto
ultimalo. Per raggiungere questi risultati sono necessario pratica ed esperienza. Si può diluire ulteriormente
con Ragia minerale. E un prodotto infiammabile.
Olio di cartamo
Estratto di semi di cartamo.
Olio di colore paglierino, limpido, poco acido, ricavato dalla spremitura dei semi del Carthamus Tinctorius
detto popolarmente Zafferanone. Nel campo delle Belle Arti è di recente impiego, la sua composizione

chimica ne fa un prodotto semi-essiccante ossia che essicca lentamente, non ingiallisce nel tempo quindi e
particolarmente indicato per la preparazione dei bianchi e dei colori molto chiari. Utilizzato, insieme con l'olio
di papavero, come legante nella produzione dei colori a olio superiori MAIMERI PURO. I pittori lo usano come
diluente, serve sostanzialmente ad ammorbidire e fluidificare il colore e, se usato in grande quantità,
permette di utilizzare i colori a olio come acquerelli senza alterarne la brillantezza. Per questa tecnica è
meglio servirsi di colori ad alta concentrazione di pigmento in modo da non abbassare eccessivamente la
cromaticità dell'opera. Si procede stemperando piccole quantità di colore in molto Olio di cartamo e
dipingendo su carta specifica per acquerello, a grana grossa, di cotone. In questo caso è opportuno
preparare la carta con l'apposita Imprimitura per colori a olio. È importante dipingere velocemente con un
pennello tondo morbidissimo prima che la carta abbia totalmente assorbito il colore già steso. Intervenendo
con il pennello imbibito di solo olio si possono ottenere sfumature e trasparenze tipiche della pittura ad
acquerello.
Olio di lino
Estratto di semi di lino raffinato.
Olio di colore paglierino, limpido, poco acido, di odore molto gradevole. Ricavato dalla spremitura dei semi
del Linum, una delle specie di Linacee più coltivate. Utilizzato generalmente come veicolo dei colori a olio è il
diluente più comune nel settore delle Belle Arti.
La sua composizione chimica fa si che essicchi rapidamente. Aumenta la brillantezza dei colori ma è
soggetto a ingiallimento nel corso del tempo, soprattutto se conservato in un luogo buio.
Si usa intingendo il pennello nel flacone o nello scodellino e lavorandolo poi con il colore sulla tavolozza;
meglio evitare di versare l'olio direttamente sulla tavolozza, non si riuscirebbe a controllare la quantità di
olio da utilizzare.
L'aggiunta di Olio di lino al colore permette di raggiungere una buona dilatazione della pennellata rendendo
il dipinto pulito e "modellato".
Olio di lino (diluibile con acqua)
Olio di lino modificato. Estratto secco 100%.
Olio dal colore paglierino, dall'aspetto limpido e l'odore gradevole delle Belle Arti. A differenza del prodotto
classico, quest'olio è stato modificalo attraverso l'unione di sostanze organiche che sono in grado di creare
un legame tra due sostanze incompatibili come l'olio e l'acqua.
Si unisce ai colori per diluirli o per aumentarne la trasparenza.
Diminuisce leggermente il tempo di essiccazione dei colori e determina, con il tempo, un lieve ingiallimento
dell'opera. Usato come medio, in piccole dosi, aumenta la dilatazione della pennellata facilitando la stesura
del colore.
Si diluisce con acqua oppure con ragia minerale. Può essere mescolato con colori a olio e con colori a base di
acqua.
Olio di lino polimerizzato
Olio di lino raffinato.
Chiamato anche Standolio e un olio di colore paglierino, con viscosità maggiore rispetto a quella dell'olio
crudo, odora di olio di lino cotto. Lo si raffina e polimerizza ossidandolo parzialmente mediante
riscaldamento a 280°/ 300° C in autoclavi sottovuoto in presenza di gas inerti. Questo trattamento ne
migliora le doti di elasticità e dilatazione.
Miscelato con i colori a olio li rende notevolmente untuosi, dai toni pieni e molto brillanti. Per una migliore
stesura e una più rapida essiccazione è consigliabile diluirlo con Ragia minerale oppure con Medio
essiccante. E' soggetto a ingiallimento ed essicca molto lentamente, nel corso di circa un mese.
Ottimo per ottenere l'effetto "glacis" ossia il risultato di una pittura estremamente lavorata, levigata e
lucida. Si procede stemperando una piccola quantità di colore con Olio di lino polimerizzato e dipingendo con
un pennello molto morbido, meglio se di martora. Questa tecnica richiama per alcuni aspetti la tecnica delle
velature ma, al contrario, l'effetto glacis si ottiene con pittura diretta e non a stadi. Se nella velatura, infatti,
i vari strati rimangono ben distinti in questo caso le tinte si fondono una con l'altra.
Olio di lino polimerizzato (diluibile in acqua)
Olio di lino polimerizzato per riscaldamento e modificato. Estratto secco 100%.
Olio dal colore paglierino e dall'odore piacevole dell'olio di lino cotto. Ha maggiore viscosità rispetto all'olio di
lino crudo, miscelato con i colori migliora l'elasticità e la dilatazione della pennellata conferendo luminosità e
brillantezza ai toni.
A differenza del prodotto classico, quest'olio è stato modificato attraverso l'unione di sostanze organiche che
sono in grado di creare un legame tra due sostanze incompatibili come l'olio e l'acqua. Tende a ingiallire
leggermente con il passare del tempo soprattutto se l'opera è conservata in luogo buio. Si diluisce con
acqua oppure con ragia minerale. Può essere mescolato con colori a olio e con colori a base di acqua.
Olio di noce
Estratto di gheriglio di noci. Raffinato.

Olio di colore giallo chiaro, limpido, con odore e sapore che ricordano quelli della noce, si ricava dalla
spremitura dei gherigli di questo frutto. Ha un buon potere essiccante e non ingiallisce. Aggiunto ai colori a
olio ne aumenta la brillantezza. Ha proprietà, caratteristiche e modi d'uso simili a quelli degli altri olii
utilizzati nel settore delle Belle Arti. Si può diluire con Ragia minerale.
Olio di papavero
Estratto di semi di papavero. Raffinato.
Olio di colore giallo dorato, inodore, ottenuto dalla spremitura a freddo dei semi del Papaver Sumniferum.
La composizione chimica lo rende semi-essiccante ed assolutamente non ingiallente, adatto quindi alla
preparazione dei bianchi e dei colori molto chiari.
In campo artistico ha una grande tradizione storica, da sempre utilizzato nella diluizione del colore perché
ha caratteristiche di estrema purezza e resistenza alla luce. Per questo è stato scelto, insieme con l'Olio di
cartamo, come legante nella produzione dei colori a olio superiori MAIMERI PURO. Si può diluire con ragia
minerale.
Ragia minerale
Distillato di petrolio raffinato. Contenuto aromatico inferiore al 20 %.
Liquido incolore, con velocità di evaporazione medio-lenta. Ottenuta per distillazione a una temperatura
diversa da quella utilizzata per l'Essenza di petrolio. In percentuale è più ricca di sostanze aromatiche
rispetto ai normali diluenti e alle essenze di origine minerale e possiede maggiore potere solvente.
Utilizzata per diluire colori a olio, vernici e medii. È ottima per pulire perfettamente pennelli e tavolozze. È
un prodotto infiammabile.
Leggendo attentamente le indicazioni di ogni prodotto troverete sicuramente il più adatto al vostro modo di
dipingere e agli effetti che volete ottenere, se però siete dei principianti questa lunga lista vi renderà
indecisi, in questo caso potrete iniziare acquistando solo due prodotti: il Medio essiccante e l'Olio di lino, li
userete insieme per diluire il colore (percentuale: 1 di medio essiccante, 2 di olio di lino), l'essiccante
aiuterà il dipinto ad asciugare più in fretta e l'olio lo diluirà quanto basta per ottenere delle morbide
pennellate. La trielina o Ragia minerale vi serviranno invece per pulire i pennelli e la tavolozza dopo l'uso.
I pennelli consigliati per la pittura ad olio possono essere di tutti i tipi, sia sintetici che di pelo animale, sia
tondi che piatti, dipende solo dal tipo di dipinto che dovete fare. La tavolozza consigliata è sicuramente
quella in legno, ma se non avete quella andranno bene anche altri contenitori. Non fate poi mancare stracci
e piccoli recipienti o vaschette per i diluenti (v. strumenti e supporti).
La superficie ideale per la pittura ad olio è sicuramente la tela, potete trovare telai già pronti in commercio
in negozi per belle arti, li troverete di ogni dimensione. Una volta dipinto il quadro e staccata la tela potrete
riulitizzare il telaio attaccando un'altra tela con delle puntine. Oltre che sulla tela potete dipingere anche su
legno o telato (v. strumenti e supporti).
Come dipingere
Prima di iniziare a dipingere è bene ricordarsi che i colori ad olio non si possono lavare, per cui vi conviene
indossare un camice onde evitare brutte macchie, se lavorate in casa fate attenzione a non macchiare
vostra postazione, nell'eventualità potete coprire con carta di giornale quelle superfici che sono a rischio.
Scegliete il posto dove dipingere con cura, sia su cavalletto o su una superficie piana, questo deve essere
ben illuminato.
Preparate in anticipo tutta l'attrezzatura che vi servirà e sistematela in modo da poterla utilizzare senza
difficoltà, potete anche sistemare tutti i colori che pensate di usare sulla tavolozza, (non preoccupatevi, i
colori ad olio seccano molto lentamente e prima che si induriscano sulla tavolozza ci vuole una giornata)
abituatevi a collocare i colori sempre nelle stesse posizioni, potete disporli secondo un ordine preciso, ad
esempio i colori chiari da un lato e quelli scuri dall'altro, lasciate la parte centrale della tavolozza per le
mescolanze. In commercio esistono delle vaschette che si possono agganciare alla tavolozza, queste sono
molto utili che contenere i diluenti.
Se dovete mescolare grosse quantità di colore utilizzate una spatola o un mestichino, così eviterete di
sporcare (e rovinare) i pennelli.

Preparato tutto ciò che vi serve potete passare al disegno o schizzo del vostro soggetto sulla tela.
Anche se avete bene a mente cosa volete dipingere uno schizzo vi aiuterà in maniera incredibile, per cui
vale la pena di perdere un po' di tempo in questa operazione.
Potete fare lo schizzo in diversi modi, direttamente con un pennello bagnato con una miscela di essenza di
petrolio e colore (possibilmente un bruno), oppure potete creare il disegno di base con uno spolvero. Lo
spolvero consiste nel realizzare il disegno su un foglio (carta da pacco andrà benissimo) della grandezza del
dipinto e bucherellare con un chiodo tutti i contorni del disegno.
Fatto questo si posiziona il foglio sopra la superficie da dipingere e si 'spolverano' i buchi con del pigmento
in polvere di colore bruno, questa tecnica però si usa di solito per grandi superfici.
A questo punto siete pronti per iniziare a dipingere, il colore può essere applicato in tanti modi, con piccole
pennellate incisive in modo da dare vivacità al dipinto oppure applicando il colore su grandi superfici in
modo continuo. Potete anche applicare il colore con una spatola per ottenere degli effetti 'materici'.
Se si fa un errore si può asportare via la pittura con il mestichino, pulire con uno straccio e trementina e
poi ridipingere la zona.
La pittura ad olio ci mette moltissimo tempo ad asciugare, la maniera migliore di fare essiccare il colore è
sotto la luce del sole, così i colori non ingialliranno.
Come pulire e conservare
Una volta finito di dipingere si deve togliere il colore dalla tavolozza con una spatola e carta da giornale,
quindi si strofina uno straccio imbevuto di Ragia minerale. Se la tavolozza è di legno una volta finita questa
operazione si deve strofinare con un po' di olio di lino.
I pennelli invece vanno lavati con Ragia minerale stando attenti a togliere tutti i residui di colore. Quando il
colore sarà tolto del tutto si devono passare con acqua e sapone. Dopo averli sciacquati e asciugati si deve
dar loro la forma originale con le dita.
La Ragia minerale può essere sostituita con trielina.
Se malauguratamente il colore dovesse asciugarsi sul pennello non ci sarebbe più niente da fare e dovreste
buttarlo via.
Come per gli altri tipi di colore è bene conservare i tubetti ben chiusi lontano da fonti di calore, la stessa
cosa vale per i dipinti.
Se volete essere sicuri che i vostri quadri rimangano inalterati negli anni potete passarci sopra della vernice
trasparente (liquida o spray). In commercio ce ne sono di diversi tipi, la più famosa è Vernice Damar
formata da essenza di trementina ed alcoli.
Guardate gli esempi riportati sotto, sono tre famosissimi quadri di Monet, osservate
attentamente l'uso del colore e la pennellata.
Come già detto all'inizio dipingere ad olio è abbastanza complesso rispetto ad altre tecniche ma
se vi impegnate e iniziate copiando da autori famosi sicuramente migliorerete in brevissimo
tempo.

Colori a tempera
La tempera è stata fino al XV secolo l'unica forma di pittura esistente. In seguito venne sostituita
gradualmente dalla pittura a olio. Ma fino a non più di cinquant'anni fa non esisteva pittore che non
adoperasse anche la tempera. Oggi è stata quasi totalmente soppiantata da altri materiali.
I colori a tempera sono particolarmente apprezzati da disegnatori e illustratori perché offrono superfici
ricoperte in modo lucido e uniforme come gli acquerelli, ma coprenti come la pittura a olio.
Formati da pigmenti mescolati con agglutinanti diversi, come la chiara d'uovo, il latte, la cera, la colla, che li
rendono stemperabili in acqua e quindi di uso molto facile, sono sempre diluibili, anche se il pigmento è
completamente essiccato.
Sono disponibili in tubetti di varie dimensioni e, dato che sono facilmente amalgamabili, si può
comodamente lavorare con i colori primari più nero e bianco, che servirà non soltanto per schiarire, ma
anche per ammorbidire i toni.
In commercio si trovano colori a tempera agglutinati con colle varie, chiamati anche gouaches, usati per
rendere in modo uniforme ampie campiture cromatiche. Caratteristica di questo materiale è la sua opacità,
che però permette di sovrapporre pennellate di colore dalle tonalità diverse, senza perdere l'effetto delle
sfumature.
Cosa serve per iniziare
Se siete inesperti e vi avvicinate per la prima volta alla pittura incominciare con la tempera è sicuramente
un'ottima idea infatti è molto semplice da usare ed è anche abbastanza economica. Come detto prima la
tempera è una pittura a base d'acqua, quindi facilmente diluibile, però a differenza dell'acquerello i suoi
colori sono coprenti.
In commercio il formato più utilizzato per confezionare questi colori è il tubetto tuttavia si possono trovare
anche i vasetti. I tubetti solitamente sono disponibili in due formati: da 60 ml e da 20 ml.
Il formato più grande è consigliabile per i colori che si consumano con più frequenza come il bianco.
Per iniziare a dipingere potete acquistare i colori primari più bianco e nero, con questi potrete ottenere tutte

le altre tinte (v. teoria del colore), all'inizio ottenere la giusta tonalità di colore risulterà particolarmente
difficile (sicuramente nelle prime prove per ottenere la tinta desiderata sprecherete un sacco di colori). Se
volete prendere la strada più breve potete acquistare oltre ai colori primari anche altre tinte abbastanza
difficili da ottenere per mescolanza, ad esempio terra di siena bruciata, blu oltremare, giallo ocra e rosso
carminio.
In commercio esistono delle scatole già pronte con i colori più usati, la Maimeri offre una scatola con 10
tubetti da 20 ml ad un prezzo molto accessibile (25.000 £ circa*), oltre a questa famosa marca di colori
ovviamente ne esistono molte altre, ad esempio Fila Giotto offre colori molto economici di bassa qualità
(pensati per bambini) che possono essere adatti per le prime prove.
Altre marche molto conosciute sono Talens, Lefranc e Winsor & Newton...
La qualità del colore si distingue anche dal prezzo, di solito infatti più alto è il prezzo migliore è il colore.
* i prezzi indicati si riferiscono all'acquisto in negozi di belle arti, ovviamente possono subire variazioni di negozio in
negozio.
Con le tempere si può usare qualunque pennello, sia quelli morbidi che quelli formati da setole, la scelta
dipende soltanto dal tipo di soggetto da dipingere. Le superfici su cui si può dipingere sono molto varie,
quasi tutti i tipi di carta e cartoncino vanno bene basta solo che il foglio non sia troppo leggero per evitare
brutte increspature, si può stendere la carta anche su un telaio come spiegato nella sezione sugli acquerelli.
Gli altri strumenti di cui si ha bisogno per iniziare sono uno straccio, due vasi per l'acqua che deve
rimanere sempre pulita e una tavolozza o preferibilmente degli scodellini.
Come dipingere
Come pulire e conservare
La tempera ha la caratteristica di schiarire un po' una volta asciutta per
cui se non conoscete bene gli effetti che danno i vostri colori vi conviene
fare delle prove su ritagli di carta. Questa pittura prima di essere stesa
ha bisogno di essere diluita con l'acqua, dovrebbe risultare ne troppo
liquida ne troppo densa. Se aggiungete troppa acqua otterrete un effetto
simile all'acquerello, però non trasparente, se invece ne aggiungete
troppo poca il colore sarà molto difficile da stendere e molto
probabilmente seccando si screpolerà (soprattutto se date più mani di
colore). Con il tempo e la pratica riuscirete a usare la giusta quantità
d'acqua.
Per affrettare la fase di asciugatura non usate il phon (che invece si può
usare con altre tecniche) perché il colore potrebbe screpolare e
scrostarsi dal foglio.
Con i colori a tempera è particolarmente difficile ottenere sfumature,
difatti l'unica maniera per ottenerle è lavorare con il colore ancora
fresco, cosa non semplice visto che asciuga molto rapidamente.
Potete provare ad ottenere sfumature usando due colori, stendete il
colore1 a sinistra e il colore2 a destra molto rapidamente, al centro dove
i due colori si congiungono date delle rapide pennellate in modo da
sfumarli.
Invece di ottenere sfumature in questo modo potete anche creare delle
fasce di colore di varie gradazione.
La tempera si presta molto bene invece per grandi superfici di colore
piatto.
Una volta finito di dipingere bisogna lavare con acqua tutto molto bene, difatti se rimangono tracce di colore
sulla tavolozza la prossima volta che si mescoleranno sopra i colori le tracce vecchie si rimescoleranno alle
nuove.
Bisogna accertarsi che i tubetti siano ben tappati altrimenti rischiate di trovarvi con i colori secchi nel giro di
pochissimo tempo. Conservate i colori in posti freschi e asciutti.
Anche i dipinti vanno conservati lontano da fonti di calore perché potrebbero screpolarsi, se volete essere
sicuri che questo non succeda date una spruzzata al dipinto con del fissativo (è uno spray speciale che crea
uno strato protettivo sopra il lavoro, particolarmente indicato per lavori a matita, gessi o qualunque altra
tecnica che potrebbe rovinarsi toccando) a giusta distanza, se lo fate troppo da vicino potreste creare delle
macchie.
Esercizio 1

Esercizio 2
Consigli:
Stesura e contorni
Scopo: riuscire a stendere uniformemente la tempera
mantenendo i contorni diritti
Tempo: da 1 a 3 ore
Su un foglio di dimensioni 50x70 cm disegnate 3 quadrati
uno sotto l'altro, i quadrati avranno 20 cm di lato
(distanza tra i quadrati 2,5 cm) e saranno centrati rispetto
la larghezza del foglio. Dipingete il primo di giallo
primario, il secondo di rosso magenta e l'ultimo di blu
cyan. L'esercizio si potrà considerare riuscito quanto i lati
risulteranno perfettamente dritti (senza l'aiuto si nastro
adesivo o tiralinee!!!) e la stesura sarà uniforme e
completamente coprente.
Stesura e contorni
Scopo: riuscire ad affiancare più colori mantenendo i lati
dritti e la stesura uniforme.
Tempo: da 1 a 3 ore
Su un foglio di dimensioni 50x70 cm disegnate
centrandolo un quadrato di 40 cm di lato. Suddividete
questo in 3 colonne e dipingete la prima di blu cyan, la
seconda di rosso magenta e la terza di giallo primario.
L'esercizio si potrà considerare riuscito quanto i lati
risulteranno perfettamente dritti (senza l'aiuto si nastro
adesivo o tiralinee!!!) e la stesura sarà uniforme e
completamente coprente, inoltre non dovrà esserci la
presenza di grumi tra una colonna di colore a l'altra.
Una volta eseguiti correttamente i due esercizi
precedenti sarete pronti per creare delle
composizioni di colore, potete prendere spunto dalla
figura a lato, utilizzando colori primari e secondari,
esercitandovi in questo modo anche nelle
mescolanze di colore.
Non abbiate fretta di finire gli esercizi è molto facile sbavare i contorni. Prima di iniziare
tracciate i contorni con un pennello piccolo, poi riempite con un pennello più grosso
(possibilmente usando pennelli piatti) e ricordate sempre di iniziare a dipingere dai colori più
chiari (più facili da correggere).

Colori acrilici
Sono un materiale molto simile alla tempera dove però i pigmenti sono acrilici e quindi hanno le stesse
prestazioni di una buona pittura a tempera, con un effetto ottico finale di maggiore luminosità.
Asciugano con estrema facilità (attenzione a non lasciare aperto troppo a lungo il tubetto: potrebbe seccarsi
tutto il pigmento ancora contenuto) e sono facilmente amalgamabili tra loro. Si diluiscono con acqua, anche
se di solito per schiarire il colore si preferisce usare una parte di "medio", e cioè la preparazione base del
colore senza il pigmento. Questo procedimento permette di mantenere inalterata la consistenza del colore,
aumentando soltanto la trasparenza della tinta. Esiste anche un medio che permette di allungare i rapidi
tempi di essiccazione di questa pittura. Infatti, una volta essiccato, è impossibile riprendere questo colore
con altri pigmenti (vedi la parte 'Diluenti ed essiccanti' su Colori ad olio).
I colori acrilici sono molto più facili da usare dei colori a olio. Non servono accorgimenti particolari per
stendere strati successivi di colore, in quanto asciugano molto rapidamente e non si corre il rischio che si
formino crepe sulla superficie dipinta. Inoltre le moderne emulsioni acriliche sono estremamente stabili nel
tempo, non sono soggette a ingiallimenti o a qualsivoglia mutamento chimico.
La rapida asciugatura richiede un'ancor più rapida stesura del materiale cromatico: è un test per stabilire la
sicurezza del tratto da parte dell'artista. Il tempo per manipolare il colore sul supporto è molto limitato e
quindi si rischia di rimanere con il lavoro non finito, perché il pigmento si è già asciugato.
Di solito, a ogni modo, l'artista sceglie il colore acrilico per l'infinita versatilità cromatica che permette. Oltre
all'ampia gamma di colori a disposizione sul mercato, un colore acrilico può essere utilizzato in sfumature o
velature estremamente chiare e trasparenti, oppure in pesanti impasti usati per rendere striature molto
ricche di pigmento.
Spesso i colori acrilici vengono usati in tecniche "trasparenti" diluendoli al massimo come se fossero
acquerelli. Applicando un secondo strato di colore, questo si depositerà sul primo senza "coprirlo"
completamente, ma dando luogo alla formazione di un terzo colore, che presenterà una maggiore profondità
rispetto allo stesso colore ottenuto sulla tavolozza. In questo caso consigliamo di usare come supporto la
carta per acquerelli, dove i risultati sono più facili da controllare.
Cosa serve per iniziare
Similmente alla tempera i colori acrilici sono molto semplici da usare, si possono tranquillamente diluire con
acqua, asciugano molto velocemente e quindi sono ideali su carta, inoltre si mescolano tra di loro molto
bene per cui per iniziare sono sufficienti pochi colori base.
I colori in commercio sono disponibili in tubetti o vasetti di varie dimensioni.
Una marca abbastanza nota che troverete facilmente nei colorifici è APA Color (Ferrario) che propone una
vasta gamma di colori in vasetti di plastica da 125 ml, il costo è di circa 10.000 lire* l'uno.
I colori che vi servono per iniziare sono i primari più bianco e nero (v. teoria del colore), a questi potete
aggiungere altri colori più difficili da ottenere come ad esempio terra d'ombra, blu oltremare, verde
veronese, rosso carminio. Se avete pochi fondi a disposizione però potete tranquillamente utilizzare i primari
per ottenere gli altri colori, ovviamente se siete inesperti questo richiederà un po' di esercizio.
I pennelli si devono scegliere in base all'effetto che si vuole ottenere, ricordate però di immergerli subito in
acqua dopo l'uso perché il colore si potrebbe seccare sul pennello provocando un danno irreparabile.
Anche le superfici su cui si può dipingere sono molte, si può usare la tela, la carta, il legno il cartone
ecc… (v. supporti e strumenti).
Se decidete di utilizzare la tela ricordatevi di dare una o due passate con del colore bianco prima di iniziare a
dipingere.
Se invece optate per il legno ricordate che la superficie prima di essere dipinta ha bisogno di essere trattata.
Potete usare una tavola di truciolare o multistrato, per prepararla dovrete dare una mano di stucco, lasciare
che asciughi e quindi levigare con carta vetrata, se necessario ripetere due o tre volte l'operazione finché la
superficie non risulterà liscia ed omogenea. Dopodiché prima di iniziare a dipingere date una o due mani di
bianco.
Come dipingere
I colori acrilici hanno il pregio di restare molto brillanti una volta asciutti, proprio per questo sono
particolarmente adatti per illustrazioni e fumetti (vengono usati anche per colorare i cartoni animati). Come
detto già all'inizio questi colori asciugano molto rapidamente per cui è necessaria una certa velocità e
abilità nell'utilizzo che si acquisirà dopo un po' di prove. Questo aspetto li rende sicuramente poco adatti
alla realizzazione di ritratti e paesaggi che necessitano di molto tempo e correzioni, piuttosto sono l'ideale
per pitture studiate accuratamente prima di applicare il colore. Se dovete realizzare un quadro di grandi
dimensioni vi conviene prima preparare un bozzetto in scala e quindi una volta stabilito il tipo di lavoro
iniziare a dipingerlo.
A differenza della tempera i colori acrilici non screpolano e non si sfaldano, nemmeno se asciugati con il
phon.
Un'altra caratteristica fondamentale è che i colori acrilici una volta asciugati sono impermeabili, difatti
anche bagnandoli non si sciolgono più, per questo motivo si può stendere sopra un altro colore senza paura
che si mescoli a quello sotto, cosa che non si può fare con le tempere. Questa caratteristica però molto

spesso impedisce di creare effetti particolari e sfumature, per questo gli acrilici sono indicati per la pittura a
'contorni duri', ovvero per aree di colore piatte e uniformi con bordi dritti. Per realizzare delle aree di
colore uniformi si renderà necessario dare più passate infatti questi colori non sono molto coprenti, le
passate dovranno essere leggere ed uniformi, possibilmente la prima sarà da sinistra a destra e la seconda
dall'alto al basso, anche la quantità di colore sul pennello sarà limitata per non creare sgradevoli venature di
colore in eccesso. Per creare effetti interessanti si può stendere il colore con una spugna o addirittura
tamponarlo, se dovete create una sfumatura da chiaro a scuro invece di usare due colori
contemporaneamente e sfumarli al centro potete stendere prima un colore, una volta asciutto tamponate
con una spugnetta o un pennello apposito l'altro colore che dovrà essere particolarmente denso, oppure
quando il colore non è ancora asciutto potete sfumare con dell'acqua.
Se quello che desiderate è un effetto particolare provare a schizzare il colore con uno spazzolino da
denti vecchio, ma attenti a coprire tutto quello che non si deve macchiare!
Gli acrilici sono anche indicati per il collage, infatti se appoggiate del materiale sopra il colore fresco, una
volta asciugato non riuscirete più a staccarlo.
Come pulire e conservare
La pulizia dopo l'uso degli acrilici è più importante di qualunque altro tipo di colore, infatti se lasciate
asciugare anche solo un po' il colore sui pennelli questi diverranno inutilizzabili, è quindi
importantissimo lasciare i pennelli in ammollo nel contenitore dell'acqua anche per pochi secondi. Alla fine
dell'uso andranno puliti con cura con aqua (possibilmente calda) ed eventualmente con del sapone. La
tavolozza consigliata per questo tipo di colori è in ceramica perché questo materiale è molto più
semplice da pulire, una volta sporca se il colore si è seccato sopra (molto probabile) basterà lasciarla per un
po' di tempo in acqua calda e il colore si staccherà come un foglio. Se si opta per una tavolozza in plastica
non sempre si riuscirà a togliere completamente il colore però questo non comporterà un grave problema,
infatti usando sopra un altro colore quello sotto non si scioglierà (alcuni artisti addirittura non puliscono la
tavolozza, aspettano semplicemente che il colore asciughi sopra, per pulirla solo quando lo spessore di
colore formato è consistente, cosa comunque non consigliabile).
I dipinti non necessitano di attenzioni particolari perché gli acrilici essendo impermeabili sono molto
resistenti. I colori ancora in tubetto o vasetto vanno tenuti in posti freschi e asciutti ben tappati altrimenti
potreste trovarli secchi.
Esercizi
Per esercitarvi nella stesura dei colori potete eseguire gli esercizi consigliati per i colori a
tempera.
Stesura
Se invece volete provare effetti particolari ecco un esercizio molto utile:
Scopo: Creare effetti particolari e sfumature.
Tempo: variabile
Cercate una piastrella di marmo (quella che preferite), in
mancanza di una piastrella vera procuratevi una foto in
cui si vedano tutti i particolari.
Preparate una tavola di legno delle dimensioni 50x50 cm
spessore 1 cm circa come illustrato in precedenza
(andranno trattati anche i bordi).
Una volta pronto il supporto provate a fare la copia del
marmo utilizzando pennelli, spugne, spazzolini,
l'importante è ottenere un effetto finale molto realistico
(non deve essere una copia dal vero, basta cogliere lo
spirito del soggetto). Andranno dipinti anche i bordi.
A lavoro finito lucidate con un panno la superficie (che
dovrebbe risultare liscia) e se lo desiderate passate del
fissativo o della vernice trasparente in spray. Il quadro
può essere appeso senza cornice.

Carboncino
Disegnare con il carboncino è forse la tecnica artistica più antica che si conosca; essa risale alla preistoria,
quando gli uomini primitivi ricoprivano le pareti delle caverne con disegni, per lo più animali, realizzati con
pezzi di legno carbonizzati. Il carboncino è infatti un "gessetto" di carbone vegetale costituito da sottili rami
di legno leggero e poroso, per lo più di salice o di vite, che vengono bruciati senza però raggiungere la
combustione completa.
Il carboncino si usa per sfregamento e raggiunge neri molto intensi, anche se poco stabili, che possono
essere sfumati con le dita, ottenendo una gamma completa di grigi. Il tratto può essere cancellato
direttamente con uno straccio o può essere sfumato con la gomma pane.
Vi sono carboncini di diverse dimensioni: con i più sottili si realizzano i contorni e con i più grossi si ottiene
un tratto più largo. L'intensità del nero è comunque la stessa qualunque sia il diametro del carboncino.
Esistono in commercio tre forme di carboncino: a sezione rotonda, a sezione quadrata e a sezione
triangolare; quest'ultimo tipo è usato di solito per disegni scenografici.
I carboncini devono essere perfettamente scorrevoli e molto morbidi; quelli di qualità inferiore presentano in
genere delle particelle più dure che rigano il foglio.
Tipologie di carboncino in commercio
Sicuramente una delle più famose aziende che producono carboncini da disegno è la Faber-Castell che tutti
conosciamo per le matite. Questa offre due tipologie di prodotti, il carboncino da disegno e il carbone
naturale da disegno.
Il carboncino da disegno viene ottenuto da una miscela finissima di polvere di carbone, da un tratto nero
molto intenso adatto per grandi superfici, si trova in 5 gradazioni di durezza: extramorbido, morbido, medio,
duro, extraduro. E' anche disponibile la matita secca di carboncino (media morbida o dura).
Il carbone naturale da disegno è invece ottenuto dalla combustione anaerobica di legno non resinoso, da un
tratto nero intenso ed è disponibile in 4 diversi diametri: 4 mm, 6 mm, 9 mm, 12 mm. E' disponibile anche
la matita di creta nera (morbida, media o dura).
Matite e crete
Oltre al carboncino esistono anche le crete per artisti che possono essere usate direttamente in bastoncino o

sotto forma di matita.
Tra queste troviamo la famosa sanguigna.
Come dipingere
Matite di creta
Creta nera
Creta Terra d'Umbria bruciata
Creta sanguigna scura
Creta bianca

Come pulire e conservare
Prima di iniziare a disegnare con questi materiali è bene
ricordare che è molto facile sporcarsi vista la quantità di
polvere che viene prodotta, è consigliabile per questo
motivo tenere il foglio leggermente inclinato per permettere
alla polvere di scivolare via (non mandatela via con la mano
altrimenti si tutto il foglio!). Questi materiali hanno la
caratteristica di mettere in evidenza la trama della carta su
cui vengono usati, per cui in base all'effetto che si vuole
raggiungere si può usare una carta più o meno ruvida. Si
può anche optare anche per fogli colorati in modo da
introdurre un colore in più nel disegno.
Dal modo in cui si tiene la matita si potrà ottenere un segno
diverso, l'importante è iniziare sempre con dei segni molto
leggeri perché troppa pressione renderebbe la carta
impastata di colore. Si possono creare delle sfumature con
le dita, con la gomma pane o ancora meglio con un pennello
rigido asciutto.
Una tecnica molto interessante è quella dei 'punti luminosi',
consiste nel dare una base di colore molto leggera su tutto il
foglio, eseguire tutto il disegno sopra e alla fine creare dei
punti di luce cancellando il colore in eccesso.
Una volta finito il disegno è importantissimo usare un prodotto fissativo perché il lavoro rimanga
intatto e non si sporchi toccandolo, attenzione però all'utilizzo del prodotto (seguite le istruzioni!). Una volta
fissato il disegno non si potrà più modificare.
I prodotti invece andranno conservati possibilmente in una scatola, così non si romperanno e non
sporcheranno, se invece usate le matite di creta basterà coprire la punta con un po' di carta e nastro
adesivo, e tenerle comodamente in un astuccio.
Gessi colorati
Sono colori che si sfumano con estrema facilità, composti da terre polverizzate, pigmentate e amalgamate a
sostanze gommose, in modo da formare un agglomerato non eccessivamente duro. Di forma cilindrica o
squadrata, sono protetti da una carta su cui sono stampati il nome del colore e il suo numero di riferimento.
I gessetti si usano direttamente sulla carta e offrono ottime possibilità cromatiche; inoltre i colori si
mantengono tali se si ha l'accortezza di usare un prodotto che fissi la polvere colorata sul foglio.
Esistono in commercio prodotti venduti in confezioni spray, studiati appositamente per le diverse tecniche di
disegno e di pittura. Bisogna ricordarsi di usare la maschera antismog quando li si utilizza. A una distanza di
circa 30 cm si spruzza con regolarità la superficie da trattare prima in senso orizzontale (da sinistra verso
destra procedendo dall'angolo in alto a sinistra del foglio), quindi in senso verticale procedendo da sinistra
verso destra.
La spruzzatura deve avvenire sul foglio quasi verticale, con un'inclinazione di circa 60°. Dopo la spruzzatura,
al fine di evitare gocciolature, si tiene il foglio su un piano orizzontale fino a completa asciugatura.
Materiali per il disegno
La carta
Sicuramente vi troverete imbarazzati nella scelta della carta poiché esiste una grandissima varietà di tipi. La
carta si può acquistare in blocchi di varie misure o fogli singoli. Se siete all'inizio sarebbe una bella idea
quella di comperare pochi fogli di carta , ognuno di tipo diverso, il modo da fare diverse prove e scegliere
alla fine i fogli chi più vi piacciono.
Quando acquistate un foglio di carta o un blocco le cose più importanti da decidere sono due.
La scelta principale è tra la carta ruvida e quella liscia. Quelli ruvida è indicata per il carboncino, i pastelli e
le crete che mettono in risalto la struttura della carta. Quella liscia invece permette una maggiore precisione
nei dettagli del disegno, specialmente con la penna e la matita.
Oltre a questi due tipi di carta esiste un terzo ovvero la carta semiruvida che però si trova soltanto nei

negozi specializzati.
Un altra scelte importante è lo spessore del foglio. Gli spessori della carta si distinguono per il diverso
peso detto grammatura della carta.
Per disegnare e colorare è consigliabile una carta spessa, tra le marche esistenti in commercio sicuramente
la più nota è la carta Fabriano che offre una vasta scelta di fogli singoli o in blocco di dimensioni e
grandezze diverse. La grammatura ideale per il disegno e la pittura è di 220g, mentre la dimensione del
foglio dipende del disegno che dovete fare (nelle scuole d'arte i formati più utilizzati sono 33x48 e 50x70
cm).
Se vi rivolgete ad un negozio di belle arti avrete l'imbarazzo della scelta, potrete trovare una tipologia di
carta per ogni tipo di pittura, unico lato negativo di queste pregiatissime carte è il prezzo molto elevato, di
conseguenza prima di acquistarle è meglio fare un po' di esperienza con la carta meno elaborata.
State attenti però perché molto spesso il prezzo si abbassa ma anche la qualità, la carta dovrebbe rimanere
invariata nonostante molte cancellature e non dovrebbe 'sfibrarsi' facilmente (magari dipingendo ad
acquerello). I costi della carta di media qualità dovrebbero aggirarsi intorno le 1.500-2.000 £ per un foglio
50x70 cm, e alle 15.000-25.000 per un blocco di 20 fogli 33x48 cm (220g).*
Carta per acquerello
La carta indicata per il disegno acquarello è a grumi e porosa; la migliore resa cromatica si ottiene con le
carte di pregiata qualità in puro cotone, fabbricate a mano; tuttavia dato l'elevato costo il loro utilizzo è
consigliabile solo quando si saranno raggiunti buoni livelli di preparazione. E' bene scegliere un fondo
bianco, o perlomeno molto chiaro, perché, essendo il materiale cromatico trasparente, la tinta del fondo si
combina con i colori. Una maggiore ruvidità della carta rende possibili effetti particolari, efficace nella
rappresentazione di oggetti rugosi, come, per esempio, il tronco di un albero, mentre una carta a grana fine
si adatta meglio a disegni particolareggiati.
I blocchi di carta per acquarello, i cui fogli sono incollati su quattro bordi, sono molto pratici, perché la
superficie su cui si dipinge rimane ben tesa, anche se si abbonda in acqua. Occorrerà tuttavia, fare molta
attenzione quando si dovrà staccare il foglio del blocco. Infatti poiché la composizione della carta è
stratificata si rischia che si 'slabbri' sul bordo.
Orizzontale o verticale?
La figura dell'artista che tutti abbiamo in mente è quella della persona che dipinge o disegna tenendo la tela
o il blocco verticale, di solito appoggiato su un cavalletto, in realtà è bene mantenere questa posizione solo
in determinati casi.
Il supporto dovrà essere verticale o inclinato quando si usano i pastelli oppure il carboncino, in modo che la
polvere che inevitabilmente si forma lavorando scivoli a terra, senza 'sporcare' il disegno. Quando invece si
stanno usando colori a d'acqua, foglio dovrebbe essere mantenuto in posizione orizzontale, possibilmente
fissato su un supporto rigido per evitare che l'acqua lo deformi (ideale a questo scopo sarebbe un foglio
fissato su un telaio).
Il blocco per schizzi
Il disegnatore professionista ha sempre con se un blocco o un taccuino da disegno, in questo modo può fare
sempre degli schizzi alle cose che lo colpiscono, in questo caso il formato della carta deve essere molto
ridotto, andrebbe più che bene un A4, e la grammatura dei fogli non è importante. In commercio vi sono
molti blocchi studiati per questo utilizzo, ad esempio la linea Schizza e strappa che offre blocchi di tutte le
dimensioni di carta bianca (senza righe o quadretti) ad un costo relativamente basso.
Consigli
Inutile ricordare che la carta dovrà essere in perfetto stato, senza pieghe o rughe: ricordiamo che le tracce
di grasso lasciate dalle dita, per quanto impercettibili, impediscono al colore di fare presa. E importante
quindi mantenere una corretta posizione di lavoro.
La Tavolozza

Contenitori per l'acqua e stracci
Indispensabili tanto quanto la tavolozza sono questi strumenti.
La comune tavolozza è un piano di cui l'artista si
serve per mescolare i colori; può essere di legno, di
porcellana o di plastica, di forma ovale o
rettangolare. La tavolozza di legno, ha vantaggio di
essere leggermente assorbente, cosicché il colore
non scivoli ne sgoccioli.
Per impugnarla si inserisce il pollice della mano
sinistra (o comunque della mano che non tiene il
pennello) nel foro previsto nella parte superiore
della tavolozza, a quindi si appoggia il piano sul
palmo della mano. Sui bordi della tavolozza di solito
si dispongono i colori dei quali si presume di aver
bisogno nella seduta, mentre per la mescolanza si
usa il centro, che quindi, alla fine del lavoro, appare
incrostato di colori mescolati. È bene abituarsi a
pulire la tavolozza ogni volta dopo averla usata così
che i resti di colori non vadano a mescolare essi con
quelli che si useranno la volta seguente. Per punirla
basta usare dell'acqua (o acqua ragia), se le
incrostazioni sono fresche; se invece il pigmento e
secco si deve raschiarlo come una spatola. Parlando
in gergo pittorico per tavolozza si intende tanto il
piano di legno su cui vengono distribuiti colori ma
anche l'insieme dei colori stessi distribuiti sulla sua
superficie. Si distingue l'abilità dell'artista da come
dispone le varie materie cromatiche, determinato
dall'applicazione della teoria del colore e mediato da
su gusto personale.
Se avete appena acquistato una tavolozza in legno è
molto probabile che assorba troppo il colore, per
risolvere il problema potete levigarla con della carta
vetrata e poi strofinarla con olio di lino, così i colori
penetreranno molto meno.
Le tavolozze di plastica sono sicuramente le più
pratiche, si puliscono sempre perfettamente, non
assorbono il colore e si trovano in tutti i formati,
addirittura con i vani porta colore incavati.
Se non avete voglia di spendere dei soldi per una
tavolozza invece potrete comodamente utilizzare dei
recipienti improvvisati, piatti o bicchieri di plastica
(magari usa e getta così alla fine non dovrete
nemmeno pulirli), vaschette di qualunque tipo,
cartoncino plastificato, o ancora meglio vecchi piatti
o tazzine (ideali da pulire dopo l'uso).
Se invece lavorate ad un dipinto che richiede più
giorni di lavoro avrete la necessità di riutilizzare gli
stessi colori, non sempre però si riescono ad
ottenere le stesse mescolanze e comunque vi
porterebbe via molto tempo; la soluzione migliore è
preparare del colore in quantità e conservarlo in un
vasetto ben tappato (se frequentate una scuola
d'arte ad esempio vi capiterà molto spesso di dover
conservare del colore per una settimana o più, e se
per caso non avete un vasetto con il tappo a
disposizione? Non disperate potete fabbricarvi un
tappo momentaneo... ad esempio chiudendo il
vasetto o contenitore con una serie di stracci umidi
ben uniti da elastico o nastro adesivo! -In questa
maniera io sono riuscita a conservare il colore anche
per due settimane senza disperarmi nel tentativo di
ottenere la stessa mescolanza!!! ndL-).

Il contenitore per l'acqua deve sempre essere presente sul tavolo del pittore, e di solito ce ne sono almeno
due, uno per sciacquare i pennelli (l'acqua di questo andrà cambiata molto spesso) e uno per utilizzare
l'acqua (pulita) nelle mescolanze di colore.
Il contenitore similmente alla tavolozza improvvisata può essere un vecchio vaso, una bottiglia di plastica
tagliata a metà, o qualunque altro oggetto che permetta di contenere una buona quantità d'acqua (attenti ai
bicchieri di plastica che contenendo poca acqua e di conseguenza essendo molto leggeri sono facili da far
cadere... magari proprio sul lavoro ultimato! -esperienza personale.. ndL-). Anche in questo caso in
commercio esistono diversi prodotti... uno tra i più conosciuti è il cosiddetto 'lavapenneli'. Si tratta di un
contenitore in alluminio munito di una molla per inserire i pennelli che in questo modo rimangono sospesi e
non toccano il fondo, in realtà questa è una cosa molto utile difatti molto spesso ci si dimentica qualche
pennello nel vaso dell'acqua il quale purtroppo se lasciato li per troppo tempo si inclina (lo potete trovare
solo nei negozi di belle arti molto forniti).Una volta rovinato il pelo il pennello è quasi inutilizzabile
soprattutto se è di dimensione piccola (1-5).
Anche gli stracci come i contenitori per l'acqua sono indispensabili, difatti servono per asciugare il pennello o
per pulirlo dal colore in eccesso o semplicemente per asciugare i vari strumenti dopo averli lavati (così
eviterete di sporcare gli asciugamani di casa!!!).
Lo straccio deve essere di cotone, il colore non importa, infatti utilizzando altri tessuti (lana, nylon...) l'aqua
non viene assorbita; potreste riciclare vecchi strofinacci o indumenti inutilizzati, ricordando che lo straccio
va sostituito quando è troppo sporco.
Eventualmente in mancanza dello straccio potete utilizzare anche tovagliolini di carta (ma non è
consigliabile, difatti ne usereste una quantità enorme e il tutto diventerebbe troppo dispendioso).
Cavalletto
Cassetta da pittore
Indispensabile per la pittura in studio, il cavalletto è molto comodo,
estremamente pratico e permette di realizzare quadri di ogni dimensione.
Sia esso in legno o di metallo, è bene procurarsi fin dall'inizio il tipo dotato di
meccanismo che permette di abbassare e sollevare il sostegno inferiore del
supporto, il modo da poterlo avere centrato rispetto all'altezza del nostro
sguardo.
Consigliamo inoltre di verificare che ci sia la possibilità di inclinare
leggermente in avanti la tela, il modo da potere eliminare, se fosse
necessario, ogni bagliore sul dipinto derivante dal riflesso delle luci.
Vai all'approfondimento...
La cassetta da pittore è solitamente in legno, di diverse dimensioni e munita di maniglia per
essere facilmente trasportabile.
Contiene una tavolozza , dove si versano e mescolano i colori, fissabile alla cassetta stessa
tramite le puntine metalliche di cui è dotata, così è possibile trasportarla anche quando
rimangono sulla sua superficie tracce di colore ancora fresco. Ci sono inoltre due scomparti
per i pennelli, le scatole, gli stracci, i solventi e tubetti di colore.
Su un mercato esistono anche cassette munite di cavalletto pieghevole inserito all'interno che
di solito si usano per dipingere all'aria aperta. Bisogna però mettere in conto il peso che la
cassetta viene ad assumere così attrezzata.
Tela, cartone o legno
La superficie su cui solitamente si dipinge a olio è la tela o il cartone telato, a differenza della
tempera, la quale, presentando tra le sue caratteristiche la possibilità di essere combinata
con diversi tipi di legante, si usa indifferentemente su carta (meglio se ruvida), cartone, tela
o legno. Quando si parla di tela, si intende qualsiasi tipo di tessuto, teso e fissato un telaio di
legno. Comunque di solito le tele sono di lino greggio, cotone o canapa oppure di prodotti
acrilici come il poliestere o il rayon, poco consigliati però per la pittura a olio. Il telaio è
fornito di quattro cunei che servono a tendere la tela per evitare che si formino pieghe
antiestetiche. La superficie della tela può essere più o meno grossolana, a seconda che si
voglia dipingere molto pastosamente, in stile impressionista, oppure un modo più morbido e
uniforme. Dato che la superficie della tela non è uniforme è consigliabile ricoprire
uniformemente la base del dipinto prima di iniziare ad applicare il colore. In commercio
esistono anche tele già preparate per l'uso, altrimenti potrebbe essere sufficiente anche dare
una o due passate di colore bianco sulla base prima di iniziare a dipingere.
Telato viene chiamato quel cartone sulla cui superficie è disegnata una rete di linee orizzontali

e verticali provocate dalla pressione della pressa che lavora la pasta di legno. Telato è molto
semplicemente anche quel cartone su cui è incollata una tela di rayon. Oltre che su tela si può
dipingere a olio o su tavole di legno, su cartone o su fogli di masonite. Nel caso si dipinga
direttamente sul legno bisogna ricordarsi di impegnare la base con un buon prodotto
antitarlo.
I pennelli
Sono mezzo fondamentale di cui il pittore si serve per realizzare la sua opera. Esiste una
vasta gamma di modelli per ogni esigenza che vengono classificati per numeri.
Vanno dal numero 0 al numero 22, la numerazione e la quantità di numeri però dipendono
dalla marca del pennello, difatti non è detto che il pennello numero 5 ,ad esempio, sia
identico a prescindere dalla marca, può essere più o meno grosso.
I pennelli possono essere formati da pelo sintetico o da pelo animale.
Il pennello sintetico può essere di varie qualità, la qualità più bassa è quella che di solito
usano i bambini a scuola mentre la qualità superiore è adatta anche a professionisti, infatti
nonostante siano sintetici i peli sono molto simili a quelli animali. Importante ricordare che i
pennelli sintetici sono anche i più economici, ad esempio un numero 18 (medio-grande) di
buona qualità può costare attorno le 15.000-20.000 £. *
Il pennello animale può essere formato da peli di martora, di bue o setole di maiale
(possono esserci pennelli anche di altri peli come ad esempio il vaio che però sono meno
diffusi e molto più costosi). Questi pennelli rispetto a quelli sintetici hanno una qualità
migliore, e resistono di più nel tempo.
I pennelli di bue sono di media qualità, con questi si può usare qualunque pittura senza
problemi, costano un po' di più rispetto ai pennelli sintetici ma durano molto di più nel tempo
e si mantengono meglio; un pennello numero 18 può costare circa 30.000 £.*
I pennelli di setola di maiale di solito sono piatti essendo molto rigidi e si possono
utilizzare solo nei lavori che richiedono questa tipologia di pennello.
I pennelli di martora sono i più pregiati, precisissimi e molto morbidi, l'unico lato negativo è
il prezzo che sale molto rispetto agli altri tipi, può arrivare anche a più del doppio, però se
trattati con cura durano sicuramente molto di più.
I pennelli hanno principalmente tre forme:
Piatto
Rotondo

A lingua di gatto
Ci sono anche altri tipi che si usano più raramente per tecniche particolari, ad esempio a
ventaglio, a tampone,a cipolla, a spada o il bombasino.
I pennelli piatti si utilizzano soprattutto per coprire aree di colore senza ottenere effetti
particolari, questi possono essere più o meno rigidi a seconda della tipologia di pelo, mentre i
pennelli tondi riescono a ottenere un'enorme varietà di segni e di norma sono molto morbidi, i
pennelli a lingua di gatto infine sono formati da pelo morbido un po' più corto rispetto agli
altri tipi, solitamente la punta è una via di mezzo tra i pennelli tondi e piatti.
La lunghezza del manico è molto variabile e dipende dalla marca.
Per cominciare a dipingere è necessario avere almeno 3 o 4 pennelli: ad esempio i numeri 2,
6, 10, 20 di cui i primi due rotondi e gli altri piatti, è importante anche sperimentare le
diverse tipologie di pelo in modo da decidere quale usare in futuro, un buon consiglio è quello
di non risparmiare sui pennelli perché un buon pennello può determinare in modo rilevante la
buona riuscita del lavoro (ovviamente non è necessario iniziare a dipingere con i pennelli più
costosi, andrebbero benissimo i pennelli di bue).
* i prezzi indicati si riferiscono all'acquisto in negozi specializzati, ovviamente possono subire variazioni di
negozio in negozio.
Come curarli
Importantissimo è avere cura dei pennelli, un pennello trattato male si butta via
dopo averlo usato per poche volte e visto il costo elevato di questi strumenti è bene
trattarli nel miglior modo possibile.
Se utilizzate colori ad acqua (ad esempio tempera o acquarello) pulire i pennelli è abbastanza
semplice, basterà usare dell'acqua corrente stando attenti a togliere tutti i residui di colore,
molto importante e non lasciare incrostare il pennello, quando avete finito di usarlo se non lo
potete lavare subito mettetelo in ammollo nel contenitore per l'acqua (stando attenti che non
si pieghi la punta!!!), così il pelo rimarrà morbido in attesa del lavaggio. Di tanto in tanto
potete anche lavarli con acqua e sapone, finito il lavaggio date alla punta la forma originale e
inserite il cappuccio trasparente (quando comprate un pennello è dotato di questo cappuccio,
se non ce l'ha potete chiederlo al negoziante che ve lo dovrà fornire gratuitamente) stando
attenti a non piegare qualche pelo. Poi mettete via il pennello con la punta verso l'alto. Se
dovete portare via i pennelli (magari nella borsa di scuola) procuratevi un contenitore rigido
nel quale possano stare in tutta la lunghezza (se non ne trovate uno potete utilizzare la base
di cartone di un rotolo di pellicola o carta forno, creando a questo dei tappini per chiuderlo!).

Se utilizzate i colori ad olio la pulizia diventa più complessa difatti dovrete
lavarli nell'acqua ragia togliendo tutte le tracce di colore e dopo con acqua e
sapone.
Se dopo un po' di tempo che usate i pennelli vi accorgete che le setole sono
diventate secche potete immergerli in olio di lino e lasciarli li per circa
mezz'ora, poi lavateli accuratamente con acqua e sapone e conservateli
come detto prima.
Spatole
Per la pittura a olio la spatola cambia di forma a seconda di come le si utilizza. Serve a
mescolare il colore con il legante o i colori tra loro.
Ne esiste un tipo che serve soltanto per raschiare e pulire la tavolozza dei resti di colore,
oppure dalla tela quando non è ancora seccata. Attenzione però, in quest'ultima operazione
una pressione troppo forte sulla spatola rischia di rovinare la tela, può perfino lacerarla. Le
spatole che servono a ripulire la tavolozza hanno la punta arrotondata e rigida perché vanno
utilizzate esercitando una certa pressione.
Quelle che si usano per dipingere hanno una forma simile alla cazzuola del muratore e sono
caratterizzate dal fatto di essere assai flebile. Si presentano in una grande varietà di forme
I Cavalletti
Cavalletto da studio a manovella
Cavalletto ribaltabile
La manovella permette il movimento del portatelai, questo può anche
essere dotato di cassetti portacolori (come nella foto). L'asta centrale è
inclinabile ed allungabile.
Misure del modello nella foto:
Base: 68-70 cm
Altezza: 167 cm
Altezza max telaio: 235 cm
Peso: 32 Kg
Prezzo: 1.400.000 circa*
E' inclinabile in qualsiasi posizione regolabile grazie al
movimento a cremagliera, dotato di vano porta colori.
Misure del modello nella foto:
Base: 67-65 cm
Altezza min-max: 160-280 cm
Altezza max telaio: 140 cm
Peso: 22 Kg
Altezza piano tavolo: 82 cm
Prezzo: 650.000 circa*
I cavalletti da studio possono essere di tanti modelli e grandezze, su tutti i modelli l'altezza
dei portatelai è regolabile grazie al movimento a cremagliera. Su certi modelli è presente un
vano o un cassetto porta colori.
Esempi:

Fumetti
Strumenti
1 - Cavalletto da studio grande
Base: 67-60 cm
Altezza min-max: 230-305cm
Altezza max telaio: 165 cm
Peso: 18 Kg
Prezzo: 500.000 circa*
2 - Cavalletto da studio medio
Base: 58-58 cm
Altezza min-max: 190-270 cm
Altezza max telaio: 135 cm
Peso: 13 Kg
Prezzo: 350.000 circa
3 - Cavalletto da studio piccolo
Base: 56-52 cm
Altezza min-max: 170-235 cm
Altezza max telaio: 116 cm
Peso: 10 Kg
Prezzo: 300.000 circa*
I fumetti e le vignette possono essere creati con qualsiasi mezzo, tecnica e stile, ma sono perlopiù associati
ai disegni in bianco e nero. Pertanto, iniziamo col prendete in considerazione questo approccio.

Matite
Potete scegliere tra le matite tradizionali con l'esterno in legno o i portamine. La scelta della matita deve
essere molto personale, ce chi preferisce la matita tradizionale perché con questa si riescono a dare un
ampia varietà di tratti, altri invece preferiscono il portamine per il tratto pulito e preciso che questo
strumento riesce a dare.
Anche la morbidezza (ovvero il numero) della matita dipende da una scelta personale, il tratto che si va a
segnare sulla carta non deve essere ne troppo forte ne troppo leggero, ma soprattutto bisogna stare attenti
a non creare solchi sul foglio o segni incancellabili.
Alcuni artisti preferiscono usare la matita H, in quanto traccia una linea grigia molto leggera, ma essendo
dura tende a segnare la carta se usata con mano pesante. Questo potrebbe rappresentare un problema
qualora, in seguito, si dovesse applicare l'inchiostro al disegno: a causa della superficie danneggiata della
carta, infatti, si possono formare macchie e l'inchiostro può spandersi nelle righe (soprattutto su
cartoncino). Se invece avete un tratto sicuro e uno stile pulito e immediato, una matita H può andare bene.
Similmente anche usare una matita troppo morbida può dare problemi, difatti scegliendo una B o una 2B, se
non avete la mano molto leggera, rischiate di macchiare tutto il foglio creando segni difficilissimi da
cancellare.
Se volete avere maggiori informazioni su questo strumento e riuscire a scegliere la matita più adatta a voi
potete consultare il seguente articolo sul disegno a mano: (v. Disegno a mano/matita)
Cannucce e pennini
Lo strumento tradizionale del vignettista rimane sempre la cannuccia. Purtroppo, non esiste un metodo
semplice per cominciare a disegnare subito perfettamente con una cannuccia. II fattore critico è la
comodità: bisogna trovarsi a proprio agio con una penna per poterla usare con mano sicura. Vari sono i
pennini consigliabili per le diverse qualità del tratto. Il pennino deve essere flessibile, durevole, adattabile.
Per iniziare, acquistate una penna stilografica, piuttosto che per disegno o cartografia, con il pennino a
punta e non squadrato. Una volta scoperti gli effetti che si possono creare, potreste decidere di
specializzarvi di provare alcuni dei pennini professionali standard.
In sostanza, esistono due tipi di cannuccia, corta o lunga. Come nel caso dei pennelli, alcuni preferiscono
usare un manico lungo con un piccolo peso all'estremità per controbilanciare la punta; altri optano per un
manico corto, che ha il vantaggio di poter essere riposto in un astuccio o infilato in tasca. Dato che vi sono
attacchi diversi per pennini più grandi o più piccoli, se intendete usarne diversi assicuratevi che la cannuccia
si adatti a quello scelto.
Penne stilografiche
Queste penne sono comode da usare e la gamma che si trova in commercio comprende un certo numero di
tipi adatti al disegno. Il problema principale è che l'inchiostro usato non è impermeabile. Gli inchiostri
impermeabili, infatti, non devono mai essere impiegati perché in breve tempo ostruiscono la penna. Per
ovviare a questo inconveniente la scelta può ricadere sugli inchiostri permanenti, meno densi della china ma
più versatili in questo contesto.
La gamma dei pennini è limitata. Non esiste un pennino per penna stilografica che possa eguagliare la
finezza della penna per cartografia o la flessibilità della maggior parte delle cannucce.
Dovrete lavorare con tratti ampi e su una scala adeguata, nulla di troppo piccolo o con dettagli delicati.
Rapidograf
È un tipo di penna che, nei lavori di grafica, consente di ottenere un tratto perfetto per bordi e linee diritte.
Il "pennino" che convoglia l'inchiostro è un tubicino metallico di dimensioni comprese tra 0,1 mm e 2 mm.
Data la durezza meccanica della punta, il rapidograf non è indicato per il disegno espressivo. Grazie a
questa stessa caratteristica, però, è l'ideale per realizzare una puntinatura uniforme.
(v. Disegno a mano/chine e inchiostri)
Pennelli
Vi serviranno due tipi di pennelli: uno per disegnare, l'altro per applicare il colore. Molti li giudicano scomodi
per disegnare, in quanto le setole sono più difficili da controllare rispetto a un pennino. Come per qualsiasi
strumento da disegno, la comodità è l'elemento più importante ed è decisivo ai fini della scelta tra un
pennello bombato a punta fine, che può trattenere una grande quantità d'inchiostro, o un pennellino piatto
00 in peli di martora. Dovrete anche stabilire se usare un pennello con manico corto o lungo, che fa da
contrappeso.
Per riempire di nero aree estese, un pennello sintetico più grande è comodo e veloce. Per questo tipo di
lavoro, alcuni usano un cotton fioc, che produce una splendida finitura.
Conservate i pennelli vecchi e consumati: sono utili nelle tecniche a pennello asciutto, quando bisogna aprire
e trascinare le setole, operazione che rovinerebbe un pennello di martora indicato per disegni più fini.
(v. Disegno a mano/strumenti e supporti)
Inchiostri da disegno

L'aspetto più importante di un inchiostro nero da disegno è la sua impermeabilità o meno. Il tratto del
disegno a inchiostro non deve sciogliersi se, una volta asciutto, intendete ripassarlo con un colore diluito. La
china è la scelta migliore, ma verificate che sia perfettamente impermeabile e che non si tratti di un
inchiostro speciale non impermeabile venduto con lo stesso nome.
Al giorno d'oggi si trovano in commercio anche altri inchiostri speciali molto neri di marche diverse.
Acquistatene una boccetta grande: è più economica e non rischierete di trovarvi sprovvisti nel bei mezzo di
un lavoro.
Pennarelli
Tale termine comprende tutti i tipi di penne da disegno con punta in feltro o in fibra, molto sottile o molto
larga. Diversi inchiostri neri per pennarelli sono ad acqua e non danno un vero nero, ma un misto di blu e
arancione.
Questo aspetto è importante nei lavori che verranno stampati: la retrocamera non rileva il blu con la stessa
efficacia di altri colori e ciò tende a schiarire un lavoro al tratto eseguito con un inchiostro ad acqua. Gli
inchiostri a spirito sono semipermanenti e più neri; si riproducono bene e possono essere ripassati con un
colore diluito.
In genere, i pennarelli offrono una gamma espressiva limitata riguardo alla qualità del tratto, ma sono molto
più comodi, rapidi e facili da usare rispetto alle cannucce per bozzetti e layout. Per ripassare i contorni a
matita potete optare per un pennarello numerato, ad esempio i Drawing Pen della Pilot che si trovano in
qualunque cartoleria a un prezzo molto accessibile, (circa 3.500 lire) vanno dal numero 1 in su e resistono
bene sia alla luce che all'acqua.
Per colorare invece optate per i Pantoni, sono dei pennarelli solitamente dotati di due punte (una ad
estremità) una grossa e l'altra molto sottile, i più noti sono della Letraset o della Copic, riescono a dare un
segno molto uniforme e resistono bene all'acqua qualità molto utile per applicare delle correzioni a tempera,
inoltre hanno una vastissima gamma di colori. L'unico lato negativo è il prezzo che si aggira intorno alle
8.000 lire l'uno.
Retini
Molti disegnatori preferiscono aggiungere una tonalità di grigio ai lavori da stampare in bianco e nero.
Anche se la penna acquerellata è una tecnica accettabile per vignette e fumetti, riprodurre le mezzetinte
può risultare costoso o impossibile con determinati metodi di stampa.
I retini già pronti costituiscono una valida alternativa; in sostanza, si tratta di puntini neri che vengono
stampati come grigi uniformi. La "grana" e le dimensioni dei puntini variano, pertanto si possono avere grigi
intensi e scuri o tonalità più luminose. La concentrazione, che varia dal 10 al 90% di nero, esprime la
quantità di punti per centimetro quadrato.
Più primitivo è il metodo di stampa, più deciso deve essere il retino. Tenete presente che la stampa può
scurire le tonalità più chiare: per ottenere un grigio medio, è meglio usare il 10 o il 20%.
I retini si presentano come fogli autoadesivi (con una pellicola protettiva da staccare al momento
dell'applicazione) o trasferibili; in questo caso, per applicarli uniformemente occorre sfregarli con
un'apposita spatolina.
I trasferibili devono essere tagliati più grandi del necessario e rifilati nella giusta forma una volta applicati
(utilizzate una lama molto affilata, ad esempio un bisturi da disegno, con mano leggera). Non usate i tipi
autoadesivi sui disegni fotocopiati, in quanto il retro appiccicoso del retino può staccare le linee fotocopiate.
Sono disponibili in commercio retini con vari disegni e anche colorati, utili e rapidi da applicare, per stili
decorativi o formali in cui sono richieste tonalità uniformi.
I retini inoltre si possono sfumare, difatti dopo averli applicati sulla tavola utilizzando di una gomma matita i
puntini vengono via abbastanza facilmente, creando in questo modo degli effetti interessanti.
Tipologie di carta
Non è indispensabile usare carta di alta qualità per le vignette di prova, una superficie consistente ed
elastica permette di produrre un'immagine pulita e fa durare di più il lavoro originale.
Il peso e la superficie più adatta dipendono da molti fattori, tra cui la tecnica prescelta e dalla necessità o
meno di poter cancellare facilmente o inumidire la carta quando si esegue un lavoro a colori.
Superfici
E' molto importante scegliere un tipo di carta che si adatta al proprio stile di disegno, ecco alcuni utili
consigli per orientarsi:

• Se prima di passare l'inchiostro dovete disegnare molto a matita vi servirà un tipo di carta in grado
di sopportare le sollecitazioni della gomma, in modo da rendere possibile la finitura.
• Se decidete di usare i pennelli utilizzate una carta a grammatura elevata e di buona qualità, se
invece optate per penna e colori potrebbe andare bene una carta molto assorbente come quella
usata per gli acquerelli.
• Prima di iniziare un lavoro testate sempre la carta verificando la qualità della superficie.
• Molti cartonati lisci sono passati a caldo con gesso per avere una finitura semi lucida, questa
superficie è molto indicata per collage e disegni a pennello ma può far spargere inchiostro in una
linea marcata a penna perché la punta la incide fino allo stato assorbente sottostante.
• E' importante controllare la qualità del bianco della carta che a volte può essere tendente al giallo o
al grigio, per farlo basterà applicare sulla carta un po' di liquido correttore o tempera bianca.
Carta e cartoncini lisci
Presentano una superficie liscia e non porosa, l'inchiostro asciuga senza penetrare in profondità.
Carta pressata a caldo e a freddo
Esistono due qualità di superfici: pressate a caldo (lisce) e pressate a freddo (più ruvide e fibrose).
Entrambe sono indicate per il disegno a penna, acquerello e guazzo.
Cartoncini da disegno
I cartoncini per illustrazioni e grafica sono disponibili in una vasta gamme di spessori e finiture, con superfici
compresse o con lo strato superiore removibile. I cartoncini per il disegno al tratto sono lisci e
perfettamente ricettivi all'inchiostro, mentre quelli per illustrazione hanno una finitura paragonabile a quella
delle carte per acquerello.
Carta da lucido
E' una carta molto lucida e sottile opaca che serve per ricalcare. Utile per abbozzi e per costruire immagini
con maschere sovrapposte, ma non indicate per un lavoro di grafica finito.
Carta da layout
Carta bianca a grana fine, semitrasparente, molto comoda da tenere in studio. Si può usare per abbozzi,
pennarelli e prove di colore (ma non per dipingere), inoltre essendo traslucida consente di passare da un
abbozzo o da un layout al successivo ricalcando.
Carta da disegno
Sconsigliata per lavori dipinti o molto elaborati, è tuttavia utile per disegni a pennarello e schizzi. Esistono
leggere differenze di spessore, a seconda della marca; la carta da disegno doppia è pesante, resistente e
molto liscia.
Acetati
Si tratta di fogli di plastica resistenti e semirigidi, possono essere usati come maschera, ad esempio per
inserire successivamente le scritte sulle vignette. Il costo di un acetato è di circa £ 200 a foglio (A4)
Righe e squadre
Ogni disegnatore quando lavora deve sempre avere accanto a se una riga, le comuni righe in plastica che si
acquistano in cartoleria vanno benissimo, (quelle di legno tendono a essere imprecise) se volete una riga
che duri a lungo nel tempo invece sono consigliabili quelle di metallo che hanno il pregio di non rovinarsi
molto facilmente tagliando con la taglierina.
Possibilmente la riga dovrebbe essere lunga quanto il foglio su cui si lavora, almeno 40-50 cm, può essere
utile poi avere a portata di mano un righello di 15-20 cm per tracciare linee più corte. La riga deve avere il
bordo smussato, difatti se fosse piatta l'inchiostro potrebbe infiltrarsi di sotto.
Oltre alla riga è utile procurarsi anche una squadra con l'angolo a 45°, vi servirà soprattutto se disegnerete
delle strisce.
Se poi disponete di un tavolo da disegno potrebbe tornare molto utile una squadra a T che permette con
molta facilità di tirare linee dritte.
Sagome

La sagoma più diffusa è sicuramente il curvilinee che rappresenta diverse curve concave e convesse sul
bordo esterno e alcune elissi al suo interno.
Potete acquistare un modello multiuso o una serie con curve di varie dimensioni.
Altre sagome utili sono i cerchi e le elissi, con queste si possono disegnare con facilità curve simmetriche
come il bordo di una ciotola o un piatto. Entrambi gli strumenti serviranno poi per disegnare i ballons
(sempre dopo aver completato le scritte).
Attrezzature da studio
Si tratta di diversi articoli, che in buona parte potreste già possedere se disegnate da tempo, anche se non
disegnate specificatamente vignette e fumetti. Assicuratevi, innanzi tutto, che la posizione di lavoro sia
comoda e ben illuminata e che il piano di lavoro sia solido e di facile accesso.
Tavoli da disegno
Possono variare da un semplice pannello in compensato a un tavolo da disegno a leggio con finitura
plastificata e movimento parallelo incorporato.
I modelli professionali permettono anche di inclinare a piacere il piano di lavoro (tenete d'occhio occasioni di
seconda mano!).
Naturalmente il tavolo da disegno risulta necessario solo che lavorate molte ore al giorno, (da abbinare con
una sedia 'comfort') altrimenti può andare benissimo un qualunque tavolo.
Visore o tavolo luminoso
Il visore è una 'scatola' con il piano superiore formato da un vetro particolare (che non si scalda) e
all'interno una lampada (solitamente al neon).
L'utilizzo principale di questo strumento è il ricalco.
I cosiddetti tavoli luminosi si possono comprare in negozi specializzati (eliografie), la grandezza parte da un
formato A4 fino ad arrivare a veri e propri tavoli da studio professionali. I costi sono molto elevati,
dipendono dalla grandezza, dal modello e dalla marca. Un visore formato 50x70 con chiusura a valigetta
può costare dalle £ 300.000 in su.
Se ve la cavate con il bricolage potete anche costruirvelo da soli, attenti però alla scelta del vetro che non
deve riscaldarsi nemmeno dopo molto tempo, altrimenti rischiare che tutti i fogli si arriccino.
Se disegnate solo come hobby l'acquisto di un visore può essere superfluo e dispendioso, infondo se avete
bisogno di ricalcare un disegno prima di inchiostrarlo potete sempre ricorrere alle buone vecchie finestre! ;)
Prima di iniziare a disegnare procuratevi anche un piano di taglio, ovvero delle tavolette di plastica per
utilizzare la taglierina senza rigare il tavolo in noce della mamma ;) , potrebbe essere anche un pezzo ti
compensato o un cartone molto spesso; un bianchetto coprente per correggere eventuali errori; del nastro
adesivo di carta che non trappa il foglio come il nastro trasparente.
Imparare a disegnare
Tutti siamo affascinati ne vedere un bel disegno armonioso, pulito e proporzionato che appaga la nostra
vista e il nostro senso critico-artistico.
Molti sono convinti che saper disegnare sia una dote riservata a pochi… in realtà nessuno sa disegnare,
ciò che conta è saper osservare. Per cui l'unica differenza tra un bravo disegnatore e chi non riesce
a fare nemmeno uno scarabocchio è l'intuitiva capacità di osservazione; il problema sta quindi
nell'incapacità di osservare e vedere correttamente ciò che è reale.
Chiarito questo punto ecco alcune informazioni utili sul nostro cervello.
Svegliamo l'emisfero pigro!
Il nostro cervello è diviso in due emisferi, l'emisfero destro e quello sinistro, queste due parti sono collegate
da una sostanza bianca detta "corpo calloso", che permette ai due emisferi di interagire.
Quello che noi utilizziamo di più è l'emisfero sinistro detto anche logico-verbale, questo è in grado di
catalogare, classificare, cose e oggetti in base alla memoria, a lui sono rivolte queste funzioni:
• leggere

• parlare
• scrivere
• pensare logicamente
• dare nomi a persone oggetti situazioni…
…tutte azioni che ripetiamo continuamente in una giornata, questo emisfero è detto anche dominante.
L'emisfero destro invece possiede tutte quelle competenze e capacità che non possono avere un
applicazione pratica, che utilizziamo raramente e quasi mai per libera scelta, da qui nasce la sua pigrizia.
La capacità propria di questo emisfero è l'intuitività cioè la possibilità di arrivare alla soluzione di un
problema piccolo o grande che sia quasi per caso, la classica lampadina che si accende nella mente,
esperienza gratificante ma non programmabile.
Ancora più specifica dell'emisfero destro è la capacità di vedere correttamente le forse nello spazio e la
relazione tra forme-spazio senza classificare e dare nomi.
Provate a prendere in mano un temperino, sentirete l'emisfero sinistro che comincia a dare una serie di
informazioni del tipo "è un temperino, serve per fare la punta alle matite, è di ferro, ha una lama, ha la
forma di un parallelepipedo, è lungo…" tutte informazioni utili, ma non servono per saperlo disegnare. Sia
che venga chiamato "temperino" o "Pippo" non vengono cambiate le caratteristiche che servono per
disegnarlo.
Ecco che entra in gioco l'emisfero destro che invece è in grado di vedere la linea ideale (nella realtà il
disegno, la linea, non esiste, si tratta di un astrazione della nostra mente che ci permette di realizzare
l'oggetto desiderato, per questo è definita linea ideale) che delimita l'oggetto, è in grado cioè di vedere le
relazioni di proporzione tra l'oggetto e le sue singole parti senza dare un nome, possiede cioè
quelle caratteristiche che ci servono per poter osservare correttamente e quindi disegnare.
Occorre svegliarlo e stimolarlo mettendo in difficoltà l'emisfero attivo (sinistro) permettendogli così di
entrare in azione.
Immagini come questa si chiamano ambigue perché possono essere guardate in due modi: il nero
rappresenta una coppa o un vaso, il bianco due profili.
Ora provate a copiare l'immagine, mentre fate il primo profilo vi aiuterà l'emisfero sinistro (dando
informazioni e nomi di quello che state disegnando), ma nel secondo profilo avrete bisogno dell'emisfero
destro per riflettere il primo.
Un esercizio più avanzato può essere quello di copiare volti o parti di anatomia al contrario cioè con la
foto rovesciata. Mentre disegnate ricordate di non dare nomi ma fare riferimento alla linea ideale che da
l'emisfero destro.
Prendetelo come un gioco, se riuscirete a rilassarvi sarete sulla buona strada.

Il corpo umano
Per un disegnatore di fumetti è indispensabile saper disegnare correttamente il corpo umano, solo partendo
da questa base infatti si potrà ricercare successivamente un proprio stile.
La ricerca deve essere una continua esperienza, solo continuando a disegnare ci si può perfezionare sempre
più conseguendo risultati che nemmeno pensiamo di poter raggiungere.
Occorre avere molta costanza e fiducia.
Bisogna cercare di osservare tutto quello che ci circonda prestando attenzione alla voce dell'emisfero
sinistro, e permettendo a quello destro di memorizzare particolari, linee, forme che possono stimolare la
creatività.
La rappresentazione di un oggetto presuppone una conoscenza precisa dell'oggetto da rappresentare; e
questo vale anche nel caso in cui lo si voglia semplificare, stilizzare o deformare.
Proprio per questo prima di partire disegnando il vostro personaggio è necessaria un'ottima conoscenza del
corpo umano, delle sue proporzioni e misure.
E' molto importante imparare a disegnare la figura umana seguendo un modello, uno 'standard'.
Sotto trovate la figura del corpo umano divisa in 8 parti uguali, che corrispondono alla misura che va dal
cranio al mento, questa divisione 'ideale' era stata raggiunta con degli studi approfonditi nel Rinascimento.
La testa in questo caso serve come modulo base ed è importante che ci siano le giuste proporzioni tra testa
e corpo.
Un buon esercizio iniziale è di copiare tale e quale la figura riportata disegnando prima le righe dello schema
a mano libera, per dare al disegno le giuste proporzioni potete anche partire dallo scheletro, aggiungendo
poi i muscoli e tutto il resto fino ad arrivare alla figura proporzionalmente perfetta.

Se vuoi vedere l'Anatomia femminile clicca qui...
Se vuoi vedere lo Scheletro femminile clicca qui...

Il corpo in movimento
Il manichino
Dopo aver acquisito le proporzioni 'ideali' della figura umana è necessario cominciare a 'muovere' il
personaggio, ovvero disegnarlo nelle posizioni più svariate.
Utile allo scopo è la stilizzazione della figura, questa stilizzazione si può riassumere in un manichino, se lo
desiderate nei negozio specializzati sono in vendita manichini di legno che servono proprio a questo scopo, il
loro costo è variabile in base alle dimensioni, partono dalle £ 20.000 fino ad arrivare a prezzi molto alti
(oltre le £ 100.000).
Qui sotto troverete il nostro manichino, provate a disegnarne uno simile e iniziate a 'muoverlo'.

Una volta definito il vostro manichino disegnatelo da vari punti di vista, di fianco, da dietro, da sopra e
sotto:

Dopodiché passate a posizioni più complesse, iniziate con la camminata, poi passate alla corsa… dopodiché
sbizzarrite la vostra fantasia:

Quando sarete diventati bravissimi con il manichino potrete ritornare alla figura umana vera e propria con la
quale avete iniziato e ripetere gli stessi esercizi, ad esempio come questo:
Iniziando a disegnare dal manichino anche le posizioni più complesse si potranno raggiungere facilmente e
le proporzioni saranno sempre esatte.
Particolari della figura umana
Saper disegnare proporzionalmente il corpo nel suo insieme è importantissimo per chi decide di iniziare a
disegnare fumetti, ma altrettanto importante è disegnare bene ogni singolo particolare dell'anatomia, come
mani, piedi e viso. Non c'è niente di peggio che un bel disegno rovinato da una mano o un piede
sproporzionati o 'malfatti', d'altronde saper disegnare bene questi elementi non è semplicissimo, richiede
tempo e pazienza… e anche in questo caso un buon modello! Di seguito trovate i disegni di mani e piedi,
studiati sullo scheletro, provate anche voi a partire dallo scheletro o da una stilizzazione per poi arrivare a
un disegno finito.
(Oltre ad osservare le posizioni, prestate attenzione anche alle ombre e ai punti di vista!)
Le mani

I piedi

Viso ed espressioni
Viso
Il viso del vostro personaggio è importantissimo, difatti è proprio attraverso il viso che si denota il carattere,
l'umore, e molte altre caratteristiche.
Lo stile di disegno del viso cambia da autore a autore e da nazione a nazione… in America troverete
personaggi molto realistici, in Giappone proporzioni all'inverosimile, queste differenze dipendono dalla
cultura e dallo stile del disegnatore. Prima di cimentarvi in un vostro stile è opportuno studiare anche per il
viso le proporzioni e le linee di riferimento base.

Per disegnare un volto cominciate tracciando le linee base:
1. Fate un cerchio largo quanto la dimensione del volto che volete disegnare
2. Al centro del cerchio tracciate una croce
3. Ora il cerchio è diviso perfettamente in due parti, il centro cade sulla base delle sopracciglia, la
parte superiore andrà a formare l'estremo del capo e la parte inferiore la fine del naso.
4. Misurate approssimativamente una metà del cerchio e lasciando lo stesso spazio disegnate in basso
l'estremo del mento.
5. Ora aiutandovi con le linee disegnate il vostro volto.
6. Mantenendo le stesse linee provate anche a disegnare il profilo.
Le espressioni
La prima volta che disegnate un personaggio sarà necessario fare uno studio su di esso, oltre a disegnarlo di
fronte e di profilo, come qui sopra, vi tornerà utile, per poi delinearne il carattere, provare a disegnare
diverse espressioni.
Le parti del viso che si modificano con il cambiamento di espressione sono molte, le sopracciglia, gli occhi, la
bocca, quasi ogni parte, osservate attentamente le opere dei disegnatori già famosi e cercate di cogliere
tutte le sfumature delle espressioni. Quando disegnate tenete sempre a portata di mano uno specchio,
osservarvi sarà molto utile, potrete infatti copiare la vostra espressione o altri particolari.
Guardate le immagini qui riportate, la maniera in cui si trasformano occhi, sopracciglia e bocca con il
cambiare dell'espressione:

Le razze
Quando definite un personaggio non dimenticate mai di stabilire anche la terra di origine di quest'ultimo,
infatti molti tratti somatici dipendono proprio da questo. Di seguito trovate una serie di disegni che
caratterizzano diverse razze, osservate attentamente le differenze tra un disegno e l'altro.

Elementi del viso
Occhi
Gli occhi trasmettono emozioni, personalità, dagli occhi si capisce subito l'umore, gli occhi sono lo specchio
dell'anima.
Proprio per questo sono la parte più importante del nostro personaggio. Scegliamo con cura la tipologia di
occhi che vogliamo dargli, la forma, il taglio, il colore. I tipi di occhi che si possono disegnare sono infiniti e
ognuno trasmette emozioni diverse.

I diritti di tutte le immagini appartengono ai rispettivi autori, sono state pubblicate a puro scopo dimostrativo.
Per iniziare consideriamo una tipologia di occhio molto semplice (il nostro modello base), che contiene cioè
le parti minime indispensabili:
La prima volta che disegnate un personaggio sarà necessario fare uno studio su di esso, oltre a dCome si
nota dall'immagine per definire un occhio possono bastare poche linee base, in questo caso la forma
dell'occhio è quella classica, la più realistica. Per dare risalto all'espressione l'occhio ha una folta sopracciglia
e vari riflessi luminosi all'interno di iride e pupilla.
Le ciglia sono poche e rade, se fossero state disegnate in quantità più massiccia l'occhio sarebbe stato
sicuramente femminile, in questo caso invece è neutro.
Disegnare o meno le rughe di espressione è una libera scelta dell'artista, se però aumentiamo l'intensità di
queste rughe l'occhio risulterà appartenere ad una persona vecchia.
Nei manga (ovvero i fumetti giapponesi) gli occhi sono stata fonte nel tempo di creatività incredibile,
enormi, pieni di luccichii e sfolgoranti di bellezza, oppure quasi inesistenti, formati da una singola linea.
I mangaka (disegnatori di manga) tendono a portare all'invero simile le espressioni e le proporzioni,
raggiungendo in questo modo effetti esilaranti.

I diritti di tutte le immagini appartengono ai rispettivi autori, sono state pubblicate a puro scopo dimostrativo.
Guardate con attenzione gli esempi che seguono:
Per rappresentare le lacrime o un
occhio che è sul punto di
piangere di possono deformare i
contorni dell'iride e creare al suo
interno una serie di riflessi.
Uno stato confusionale può
essere rappresentato attraverso
un occhio, vuoto, spento.
L'ilarità si ottiene anche con la
deformazione.
La sceneggiatura
Per rappresentare la
vecchiaia è sufficiente
aumentare le rughe di
espressione.
Lo stupore si rappresenta
rimpicciolendo l'iride e la
pupilla in modo che questi
non tocchino la palpebra.
La felicità secondo i
manga… ricordate Georgie?
Per rappresentare la rabbia
l'occhio si stringe e la
sopracciglia si avvicina
all'angolo interno
dell'occhio.
Nel profilo l'iride si
assottiglia.
Altro esempio di felicità
secondo i manga.

Se siete arrivati a leggere fino a qua significa proprio che siete intenzionati ad iniziare il vostro fumetto,
però prima di buttarsi a capofitto nel disegno delle tavole serve l’idea, la sceneggiatura e lo story board.
Per questo argomento della sezioni fumetti non voglio inserire lunghe e noiose descrizioni su come
realizzare uno story board o una sceneggiatura o ancora peggio su come ispirarsi per trovare un’idea…
voglio partire invece da un lavoro vero.
Per questo motivo voglio presentarvi ROTTED ADDICTION ovvero l’ultimo fumetto disegnato da Mirian
Blasich (storia e testi di Luca Mirai).
L’idea:
Tutto è iniziato dalla passione per i giochi di ruolo che hanno portato alla realizzazione di una fanzine :
Viandanti (vedi copertina), proprio nel numero 1 di questa fanzine (Gorizia) inizia il fumetto liberamente
tratto da Vampire the Masquerade (GdR).
Quando avete l’idea arriva il momento di trovare il modo di esprimerla… provate a buttare giù un testo i
concetti principali, le spiegazioni, il prima e il dopo che durante le tavole si scopre tra le righe, dopodiché
provate a ‘raccontare’ i vostri personaggi, descrivetene il carattere, il passato, le caratteristiche.
Solo a questo punto potete definire il loro aspetto dettato anche dalle esperienze. Per farvi un’idea concreta
di tutto questo potete scaricare le immagini che racchiudono una parte del lavoro di sceneggiatura fatto per
Rotter Addiction.
Lo studio dei personaggi
Finalmente è arrivato il momento di dare forma fisica ai vostri personaggi, sicuramente avete già un’idea
abbastanza precisa del loro aspetto, ma ora dovete dedicarvi ai singoli particolari… un particolare tatuaggio,
una cicatrice, l’altezza, il peso, gli interessi, l’età…. Ogni personaggio dovrà avere un passato che voi
conoscete molto bene e questo per dare più credibilità alla storia che state narrando.
Voglio inserire a questo proposito un breve testo arrivato da un lettore pochi giorni fa che secondo me
spiega molto bene questo concetto:
“Alcuni personaggi poi avranno delle cicatrici.
Quando si disegna una cicatrice su di un personaggio bisogna chiedersi come se la è procurata, se è stata
poi trattata correttamente, se ha avuto ripercussioni (febbre, infezioni) la cicatrice di un personaggio
dovrebbe essere una storia a se. Mai sottovalutare l’impatto psicologico delle cicatrici su chi le ha ottenute,
citerò ad esempio Sant’Ignazio di Loyola, fondatore dell’ordine dei gesuiti. L’idea dell’ordine gli è venuta
durante una crisi mistica, occorsa nella convalescenza da un insieme di traumi accadutigli sul campo di
battaglia. Suggestivo, no?
La prima cicatrice non si scorda mai.
Visto che i nostri personaggi di solito riflettono una parte di noi stessi o la parte palese di qualche figura

esterna, immaginare come quella ferita incida o non incida sul personaggio immedesimandosi nello stesso,
visualizzare l’episodio in cui è stata inferta, come fosse un ricordo e vedere se è verosimile o se ci sono
errori logici, ad esempio Ryo ha una vistosa cicatrice sotto il labbro inferiore, gli chiedono come se la è
procurata e lui parla di un incidente in macchina, lo sceneggiatore impone un flash back, e si vede una
automobile di marca honda tamponare una della nissan colpendola sulla fiancata. Poi si vede ryo uscire
dalla nissan. La nissan è l’auto tamponata, è molto difficile che ryo si sia ferito al mento, piuttosto, se aveva
le cintura di sicurezza può avere una ustione sul collo, sul lato sinistro; ehm destro, il posto di guida è
invertito rispetto all’Italia.
Una ferita di arma da fuoco può far male per anni dopo che è stata inferta, ed è molto difficile abituarsi
all’idea. Una ferita di taglio al volto fa impressione perché il veicolo più verosimile è la mano di un'altra
persona, (in un incidente sul lavoro si tende a proteggere il volto con le mani)2 cicatrici da taglio diverse
indicano diversi episodi (diverso l’infermiere che ha messo i punti, diverso l’ambiente batterico con cui sono
venute a contatto diverso il decorso).
In una rissa con il coltello il 90% degli sfregi di taglio vengono inferti al lato sinistro del volto, perché questa
è la percentuale dei destrorsi, una cicatrice verticale da coltello sul lato destro fa più pensare ad un
incidente.
Una cicatrice sul torace che sia orizzontale è stata inferta all’improvviso, altrimenti le braccia avrebbero
deviato la lama e non è degna di uno spadaccino invincibile. Una cicatrice di traverso sul naso sembra
piacere molto ai giovani autori. Capita quando si impara ad usare la spada. Per studiare come e dove
vengono colpiti gli spadaccini ci si dovrebbe improvvisare appassionati di scherma e kendo.
Poi c’è il famoso detto, chi si scotta con l’acqua calda avrà paura della fredda. Tante cicatrici di età diversa
appartengono a qualcuno con scarso istinto di conservazione, e difficilmente ad un vecchio decrepito,
sicuramente un avventuriero avrà molte cicatrici da cattiva rasatura […].
Senza attardarmi a spiegare ogni possibile cicatrice invito senz’altro il lettore a non sottovalutare
l’importanza della documentazione.”
(Ale MoB)
A questo punto vi serve un disegno indicativo con le caratteristiche fisiche, potete disegnare il vostro
personaggio di fronte, di profilo, di schiena più un’ingrandimento del volto o di particolari importanti:
La story-board
E ora finalmente siete pronti ad incominciare, per non rischiare di disegnare vignette inutili o scene
incomprensibili prima di iniziare con le tavole vere e proprie dovrete buttare giù uno story board ovvero
degli schizzi sull’impostazione delle tavole.
A questi schizzi potete unire anche le conversazioni dei personaggi.
Di seguito trovate le immagini da scaricare con alcuni story board, se poi andate a leggere il fumetto finito
noterete sicuramente un cambio di impostazione rispetto l’idea iniziale, questo succede nei casi in cui autore
e disegnatore sono due persone differenti o semplicemente perché a tavola fatta si ritiene migliore una
soluzione rispetto un’altra.

Ora che avete tutto il materiale pronto potete iniziare a disegnare le tavole con la tecnica che preferite, il
fumetto che andiamo a presentarvi è stato realizzato in chiana su carta bianca (con l’utilizzo della tempera
bianca per gli effetti di sfumatura e l’utilizzo del computer per i testi nei baloon).
Buona lettura!