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Tratado
de
Pintura
Francisco Chinita
2006
www.chinitarte.com
francisco.chinita @ chinitarte.com
As cores deste trabalho não obedecem a realidade e podem induzir em erro. Elas servem só de guia.

Branco Titânio
Amarelo Cádmio Médio
Ocre
Terra de Siena Natural
Terra de Siena Queimada
Terra Sombra Queimada
Vermelho Cádmio Médio
Dicas de Pintura
Cores a óleo que utilizo
Carmim de “Garanza” Escuro
Verde Esmeralda
Azul Ultramar
Azul de Prussia
Azul Cobalto
Preto Marfim
Atenção
O Branco é como o Sal e o Preto como a Pimenta... portanto não abusar destes tons que podem estragar o “prato”.
Estes tons, branco e preto, tiram brilho ás cores e tornam-nas “cinzentas”.
*O preto de compra serve SÓ para escurecer algumas cores... o vermelho fica castanho e o Ocre fica Verde Azeitona.
***
Quando existir a necessidade de pintar com o preto, devemos fazer esse mesmo preto e não utilizar o de compra. Fazemos esse
preto com tonalidade quente ou fria, segundo a tonalidade geral do quadro; como veremos mais à frente. Estes pretos podem,
para além da tonalidade quente ou fria, ter também um matiz de cor para harmonizar com o quadro, como por exemplo um
pouco de amarelo torna-o preto verdoso... O Preto, Preto não Existe, ele tem sempre um pouco de “vida”.
***
*Para escurecer o amarelo Cádmio Médio e torná-lo Amarelo Cádmio Escuro, juntar vermelho, para o aclarar, juntar Branco e
para o tornar em Amarelo Cádmio Limão, juntar Verde e Branco.
*Juntando ao Verde esmeralda Amarelo e/ou Ocre conseguem-se muito boas combinações de vários verdes.
*Para fazer excelentes verdes utilizar sempre o Azul de Prússia com amarelos e/ou Ocre.

Círculo Cromático
O círculo Cromático é composto pelas 12 cores do Espectro.
Primárias, Secundárias e Ternárias.
Cores Primárias: 1= Amarelo 9= Magenta 5= Azul Ultramar
Cores Secundárias: 3= Verde Esmeralda 7= Azul Prússia 11= Vermelho
Cores Ternárias: 2= Verde Claro 4= Azul Ciano 6= Azul Cobalto 8= Violeta 10= Carmim 12= Laranja
Assim, a partir da mistura das Primárias entre si ( 1, 5 e 9 ) conseguem-se as secundárias, ( 3, 7 e 11 ) por sua vez, misturando
estas com as anteriores, primárias e secundárias, conseguem-se as ternárias ( 2, 4, 6, 8, 10 e 12 )... continuando o processo
conseguir-se-ia todas as cores da natureza.
Por ex.: 1+5=3, 5+9=7, 9+1=11 / 7+9=8, 7+5=6, 9+11=10, 1+11=12, 1+3=2 etc.
Assim, podemos deduzir que as cores primárias são obrigatórias para o artista. (magenta, azul e amarelo) já que a partir destas
conseguem-se todas as outras.
***
Cores Complementares
Cor Complementar é a cor que se encontra numa posição oposta a uma outra cor, por exemplo o preto é complementar do
branco e vice-versa. Portanto, são as cores com maior contraste entre si.
No Circulo Cromático a cor complementar ou contrastante encontram-se sempre numa posição oposta. Por exemplo, o 1 é
complementar do 7, o 5 é complementar do 11, o 10 é complementar do 4 etc. As cores complementares provocam o máximo
contraste entre si, como veremos mais adiante.
A mistura de duas cores que sejam complementares dá sempre uma cor sem brilho, fria, feia a que se chama cinzento e existem
cinzentos de todas as cores. Portanto, em pintura só é permitida a mistura de duas complementares em casos especiais ou para
transmitir algo de especial, como por exemplo um dia de chuva ou nevoeiro ou uma sensação triste etc.
Cair no erro dos cinzentos é o que destingue o artista amador de um profissional.

“ Temperatura” das cores
As cores do espectro ou do nosso círculo, dividem-se em Quentes, Frias e Neutras.
Cores Quentes são as números: 8, 9, 10, 11, 12, 1 e 2. estas são as cores do Verão, do calor
Cores Frias são as números: 2, 3, 4, 5, 6, 7 e 8. estas são as cores do Inverno e do frio, da frescura.
De notar que os números 2 e 8 ( verde Claro e Violeta ) são comuns ás duas Gamas, portanto estas são as Cores Neutras que
pertencem a ambos os grupos.
***
A Magia da Cor
“Choveu. Ao longe ainda continua a chuviscar embora o sol brilhe naquela manhã de Maio. No céu ergue-se majestoso um
arco-íris; que cores, que frescura... Que fenómeno!”
Está a imaginar esta cena, não é verdade? O fenómeno pode ser explicado facilmente: a luz do sol, ao incidir nas gotas de
humidade decompõe-se nas seis cores do arco-íris. As gotas da chuva actuam assim como um filtro de prismas cristalinos
decompondo a luz branca naquilo que ela é na realidade:
- LUZ COLORIDA -
— Mas o que é que eu estou para aqui a dizer? A luz não é branca?
— Não, a luz não é branca, a luz somente “pinta” dá “vida” a tudo o que nos rodeia!!
Vamos ver como. Na realidade a luz é composta por três cores: vermelho, verde e azul escuro, as chamadas cores luz primárias
que, ao serem misturadas duas a duas, formam um novo grupo de três cores, as cores luz secundárias: amarelo, púrpura e azul
claro.
Luz verde + luz vermelha = luz amarela.
Luz azul + luz verde = luz azul claro.
Luz vermelha + luz azul = luz púrpura.
Estas são as seis cores do arco-íris, três cores que ao serem misturadas duas a duas nos dão outras três cores completamente
distintas.
Mas que aconteceria se em vez de misturar duas a duas as juntássemos uma sobre a outra?
Luz verde + luz azul + luz vermelha = luz branca ( luz do dia ) ou seja, a recomposição da própria luz.
É estranho mas é verdade, e quem chegou a esta conclusão foi um físico de nome Young há mais de duzentos anos. Ele fez
assim: Preparou três projectores, a um aplicou um filtro vermelho; ao outro, um filtro verde, e ao último, um filtro de cor azul.
Acendeu-os e apontou-os a uma parede fazendo coincidir os três focos de luz num mesmo ponto... MILAGRE! As três cores
juntas dão-nos a “cor” branca. Depois disso o ser humano continuou a estudar o fenómeno e chegou a uma conclusão:
“Todos os corpos opacos ao serem iluminados reflectem toda ou parte a luz que recebem”, — Como? — Vejamos!
Tenho diante de mim quatro rectângulos de cartolina: um de cor branca, um vermelho, um amarelo e um negro. Que sucede
quando a luz ilumina o rectângulo de cartolina amarela? Como já sabemos a luz é branca porque essa é a mistura das três cores
luz primárias. Essas três cores invisíveis aos nossos olhos “bombardeiam” esse rectângulo de cartolina que as absorve e ao
mesmo tempo reflecte duas, o verde e o vermelho, que sendo reflectidas juntamente nos proporcionam a luz amarela, a cor da
cartolina.
Luz verde + luz vermelha = luz amarela.
A cartolina vermelha igualmente absorve as três cores componentes da luz, aliás como tudo, mas reflecte somente a cor
vermelha, esse é o motivo pela qual neste momento esse pequeno rectângulo de cartolina aos meus olhos é vermelho.

A cartolina branca também absorve as três componentes luz, as quais são reflectidas ou projectadas na sua totalidade e
sabemos que ao juntar as três cores o resultado é o branco. A cartolina negra, porque é negra? Há luz negra?
— Não!!
O negro é somente a ausência de cor, na realidade a cartolina negra está a receber a mesma quantidade de luz que as outras
cartolinas só que não devolve nenhuma delas, por esse motivo a vemos como um "buraco", sem luz e por sua vez sem cor. A
este ponto chegámos a uma conclusão: o que se está a passar com estas cartolinas sobre a minha mesa, passa-se
contemporaneamente com tudo o que nos rodeia. Ao acender uma luz ela não vai iluminar os objectos mas sim vai “pintar”
com as suas cores ditos objectos.
À noite no nosso quarto quando apagamos a luz e nos preparamos para dormir, fica escuro. Porquê?
A resposta mais lógica seria porque existe uma ausência total de luz, mas aqui entra em jogo uma outra pergunta, um outro
porquê que pode ser explicado da seguinte forma: ao apagar a luz todos os objectos que nos rodeiam, neste caso no nosso
quarto, perdem a cor, tornam-se “transparentes”, invisíveis pois falta-lhes a cor. Eles existem, estão lá, mas não tendo cor não
os podemos ver e neste ponto podemos dizer com toda a certeza que a luz não ilumina mas tinge de cor tudo o que ela possa
atingir. A ausência total de cor é, portanto, o negro, o escuro, tal como nesse pedaço de cartolina negra sobre a minha mesa de
trabalho.
— Quem diria!?
Chegados aqui peço-lhe que esqueça todas estas normas e misturas para evitar confusões na pintura pela razão de que um
artistas não pinta com cores luz mas sim com cores pigmento, que são algo diferentes, embora estas reajam à cor da luz.
Reconheço que estamos a fugir um pouco daquilo que é a BD mas como hoje em dia ela é cor, senti a necessidade de o fazer
entrar neste maravilhoso mundo para que no futuro você possa colorir as suas pranchas com alguma segurança na matéria.
Teoria da cor
Existem três cores que fazem parte obrigatória da paleta de um artista, são as chamadas cores primárias. (Não confundir com
as cores luz primárias). As primárias pigmento são: amarelo limão, magenta e azul ciano ou azul claro, como é vulgarmente
conhecido. Estas três cores misturadas entre si nas proporções exactas dão-nos as cores SECUNDÁRIAS.
Amarelo + magenta = vermelho
Amarelo + ciano = Verde
Ciano + magenta = azul escuro
Como vê, misturando as três primárias duas a duas obtemos as secundárias. Por sua vez misturando estas últimas com as
primárias, conseguimos um novo grupo de seis cores, as ternárias.
Vermelho + magenta = Carmim
Verde + amarelo = verde claro
Azul escuro + ciano = azul ultramar
Vermelho + amarelo = laranja
Magenta + azul escuro = violeta
Ciano + verde = verde esmeralda
Com este processo e continuando a misturar cores entre si conseguimos uma gama infinita com todas as cores da natureza.
Veja na figura 74 o círculo cromático das doze cores que fazem parte desse grupo de primárias, secundárias e ternárias.
Iniciando do amarelo e no sentido dos ponteiros do relógio temos:
Amarelo, verde claro, verde médio, verde esmeralda, azul ciano, azul ultramar, azul intenso, violeta, magenta, carmim,
vermelho e laranja.
Como se poderá dar conta as cores primárias são únicas e não poderão ser conseguidas com nenhuma outra mistura, por essa
razão são as três cores que fazem parte obrigatória da paleta de um artista. Todas as outras podem ser conseguidas por mistura.

Para que a gama fique completa deveremos utilizar o branco que ajudará na mistura, aclarando as cores.
O negro “perfeito”, para um pintor, é aquele que se consegue também através de mistura. Podemos construir negros com
tonalidade quente ou fria e assim harmonizando-o com as restantes cores da pintura.
Azul intenso + carmim e muito pouco amarelo = Preto quente.
Azul intenso + Carmim = Preto azulado.
Muito azul + um pouco de amarelo e carmim = Preto verdoso.
***
“A Magia da Cor” extraído do curso de banda Desenhada
in: www.chinitarte.com/bandad.html
A partir do Círculo Cromático podemos orientar a tendência cromática das nossas pinturas trabalhando com as Gamas
Harmónicas e Melódicas. Vamos ver exemplos orientando-nos pelos números das cores do Círculo Cromático, ás que
juntamos o branco e o preto.
Gama Melódica
É uma pintura realizada a uma só cor acompanhada do Branco e do Preto, criando melodia.

Gama Harmónica
É uma pintura realizada a uma qualquer cor acompanhada das 4ª 5ª e 6ª cores à direita, no círculo, criando harmonia.
Gama Harmónica de Cinzentos
São duas cores da mesma gama ( quente ou fria ) com as suas complementares e ás que juntámos Branco e Preto, criando um
efeito cinzento, baço e sem brilho.

Gama Harmónica de Cores Frias
Utilizamos toda a gama de Cores Frias que estudámos anteriormente.
Gama Harmónica de Cores Quentes
Utilizamos toda a gama de Cores Quentes que estudámos anteriormente.

Gama Espectral com tendência Quente ou Fria
A mais utilizada na pintura. Utilizamos todas as cores do Espectro mas com tendência numa cor que “suja” ou dá tonalidade a
todas as outras para que todo o quadro fique harmonioso e em sintonia.
Nestes dois quadros o Amarelo tinge todas as outras cores, até o azul do céu fica com uma tonalidade verde devido ao
amarelo.... nestes dois casos é o amarelo que dá tonalidade, mas pode ser qualquer outra cor.

Composição
Variedade e Contraste
“Variedade na unidade, unidade na variedade”
Isto, a pesar de ser uma contradição, é o que melhor retracta uma boa composição num quadro, e temos sempre de trabalhar em
função desta frase.
A Variedade, que são todos os elementos do quadro, têm de ter unidade e não sejam uma amalgama de objectos e formas sem
nexo e dentro dessa unidade tem de haver, obrigatoriamente, variedade para que o quadro seja atractivo. Portanto na
composição do quadro devemos ter em conta o contraste e existem contrastes de forma, cor, tamanho, de emoção etc. e de
tudo aquilo que possa ter dois significados opostos.
Existem neste quadro Contraste de cor e forma nas linhas horizontais da varanda, verticais das arvores, diagonais dos ramos
superiores, redondas da vegetação e quadradas das casas etc. Existe contraste também nas cores que são frias e quentes, logo
existe Variedade. Mas existe unidade no matiz de cor, nas pinceladas e no negro das linhas que contornam as diferentes
figuras e que se repete em todo o quadro e o torna UM só. Isto é Variedade na Unidade.
Nestes dois primeiros quadros podemos ver as linhas de esquema da composição a vermelho e a variedade das formas que a
compõem: linhas diagonais, horizontais, verticais e circulares e no terceiro quadro do mestre da cor Henri Matisse, à direita, o
grande contraste de cores. Tudo isto é variedade dentro da unidade.

Contraste de cor entre o azul do mar e o laranja da pele e do reflexo. Se a pele do menino fosse mais natural, mais clara, não
existiria contraste. A figura foi pintada na parte superior para deixar ver o reflexo que juntamente com a figura forma uma
linha vertical de cor quente que contrasta com a cor fria do azul mas também, na forma, contrasta com as linhas horizontais
brancas superiores. Este é um quadro de um bom profissional, uma obra de arte.
Contraste de cor. Este quadro tem a cor azul que banha todas as outras cores e torna o quadro harmonioso, (Gama Espectral
com tendência Fria) até as frutas têm uma tonalidade azul, apesar de serem vermelhas criando unidade... mas existe um alto
contraste de cor na flor vermelha que é de um vermelho puro. Vermelho contrasta com o azul. As formas e as linhas também
contrastam. Assim, se um quadro tiver muita Unidade sem Variedade torna-se cansativo, é necessário esse grito de contraste
para despertar o espectador e tornar o quadro atractivo.
Em musica chama-se nota dissonante a um som que parece desafinado no meio de uma peça de musica clássica, essa nota
desafinada também serve para criar contraste e não deixar que os espectadores “adormeçam” e que ganhem interesse e tenham
sempre os sentidos apurados... a música e a pintura são artes e são muito parecidas, mais do que possamos imaginar, só que
uma é para os olhos e a outra para os ouvidos.

Enquadramento
A composição do quadro serve para ordenar o motivo e torna-lo atractivo, dentro de uma caixa imaginária que retém a ideia do
artista.
Neste quadro temos uma composição em triângulo, o elemento principal encontra-se dentro da forma de um triângulo.
Neste o motivo principal do quadro está dentro da forma de um L. Muitas letras são utilizadas na composição, tais como o T, o
S, o X ou o C etc.

Composição em diagonal.
Composição Circular
Neste quadro também temos uma Composição em diagonal. Só que o quadro está dividido em dois motivos aparentemente
diferentes que nos dão um contraste emocional. A cor vermelha, agressiva, os anjos que lutam, a pureza do branco sobre o
negro Etc. Etc. Etc.

O Equilíbrio
Na composição também devemos dar importância ao equilíbrio, ao faltar o equilíbrio de massas é como que se o quadro ficasse
inclinado ou coxo; mas, para isso, também há um remédio: aquele que utilizam todos os artistas — pintores, desenhadores,
gráficos, etc. — que consiste em aproximar do eixo central as figuras ou massas maiores, de maior volume, e afastando para as
margens as menores.
Neste quadro o artista resolveu o problema de equilíbrio levando para o centro da obra a massa maior, afastando para as
margens as mais baixas e para fazer realçar o centro de interesse do quadro, trabalhou-o com cores mais claras, aplicando
também no fundo umas nuvens mais claras que iluminam a figura principal assim como dirigiu para essa figura o olhar de
todas as outras personagens e as linhas do desenho, o que nos leva a olhar também para lá. Não há duvidas!!!
Neste quadro de David a figura principal está no centro, bem iluminado sendo o único vestido de branco e chamando a atenção
com um dedo no ar. À medida que a composição se afasta para as margens, a cor vai ficando mais escura. O quadro está
equilibrado, Perfeito!

Cor da Carne
Existem muitas tonalidades de pele. A pele actua quase como um espelho que absorve e reflecte a cor do ambiente. Cada
artista tem a sua receita para fazer as tonalidades da cor de pele. Deixo algumas:
1ª Amarelo + Branco + Carmim
2ª Ocre + Branco + Vermelho
3ª Ocre + Branco + Terra Siena Queimada
4ª Ocre + Branco + Vermelho Inglês
5ª vermelhão Claro + Branco + Terra Siena Queimada
Mistura-se o branco com a cor amarela até formar uma cor pastel, o vermelho, o Carmim ou o Terra Siena servem para dar a
tonalidade rosa da nossa pele, depois utiliza-se o verde ou o azul para dar os reflexos. A sombra pode ser feita com Terra Siena
ou Terra Sombra e azul, já que o azul está presente em todas as sombras de todos os objectos.

Anatomia Humana e desenho
O desenho é a base de TODA a arte. Sem aprender a desenhar é COMPLECTAMENTE IMPOSSÍVEL aprender a pintar, por
muitos cursos de pintura que se possam tirar pois esses só engordam quem os ministra e dão falsas expectativas a quem os
paga e se, para encobrir essa falta do saber desenhar nos dedicarmos á pintura abstracta; duplo erro, pois a pintura abstracta
tem tanto de desenho e segurança quanto o mais esmerado dos quadros realistas.
A pintura abstracta é a arte mais avançada, é o culminar da arte maior, é o resultado de séculos de pintura e trabalho e
muitíssimo difícil de criar, portanto NÃO é algo onde possamos esconder a nossa mediocridade.
A este respeito Salvador Dalí dizia:
“Pintores, não temam a perfeição. Nunca a conseguireis alcançar! Mas se fordes medíocres, e se, por isso, vos
forçardes por pintar muito, muito mal, ver-se-á sempre que sois medíocres.”
*COMO DESENHAR A FIGURA HUMANA: A beleza, não pode ser descrita em termos exactos, pré-requisitos da "beleza
perfeita" correm o risco de sofrerem influência pelo gosto pessoal, que varia de acordo com a evolução da sociedade, pois o
que era belo para Leonardo da Vinci e Boticelli, hoje é uma fonte de renda para massagistas e esteticistas. Traduzir em linhas
simples e objectivas, a anatomia artística, destacando o vigor, a elegância e a graça do corpo humano sadio, é um desafio para
o artista. Contudo, o emprego das escalas de proporção – ou cânones ( medidas que estabelecem todas as proporções do corpo
e constituem a medida ideal para a figura humana), torna esta tarefa muito mais fácil. O amor pelo desenho e uma observação
detalhada antes de cada traço de lápis, é essencial para um acabamento perfeito. Ao progredir em sua carreira, o artista percebe
que seu trabalho precisa de uma boa base de anatomia. Os grandes mestres do passado compreenderam isto e seus
conhecimentos de anatomia eram comprovados principalmente nos esboços preliminares, até hoje preservados, de suas obras.
Para expressar formas exteriores, é preciso tomar conhecimento da estrutura óssea e muscular, e suas proporções. A proporção
é a relação comparada de uma coisa para outra, e um padrão ou unidade de medida deve ser estabelecido. Em arte, este padrão
chama-se "cabeça", na sua distância que vai da parte superior do crânio à ponta do queixo. As proporções ideais sofrem
alterações de acordo com a idade, raça, ou o tipo físico do modelo. Pôr exemplo, a criança com um ano de idade
aproximadamente, tem em média 4 cabeças de altura; o homem norte-americano possui 8 cabeças de altura e o homem
brasileiro, em média 7½ cabeças de altura. Os ossos da mulher são mais curtos e têm superfícies menos ásperas que os do
homem. O osso do peito ( esterno ) é mais curto e mais recurvado, e a pélvis é mais longa e mais baixa dando maior amplidão
aos quadris. Os ombros são mais estreitos, as espáduas mais arredondadas. Os braços do homem são mais longos em relação ao
tronco que é proporcionalmente maior na mulher, as pernas são mais longas e o crânio é maior. O centro da figura feminina
fica acima do púbis, ao passo que no homem é quase no próprio púbis. As crianças de três anos têm mais ou menos a metade
da altura do adulto. À medida que cresce mudam as proporções e aos 25 anos o desenvolvimento é completo. Os músculos dos
adultos respondem aproximadamente pela metade do peso do corpo. Na velhice o tamanho diminui, devido ao endurecimento e
à retracção das cartilagens entre os ossos. Antes de começar um desenho, procure em cada caso, a forma geométrica básica, na
qual a acção e a massa da figura caberão. Se puder discernir a forma geral que governa o modelo desde o início – além da pose
– estará resolvida mais da metade do problema. Comece seu desenho, delimitando o espaço do papel que será utilizado, com
linhas horizontais, verticais ou diagonais, que passem pela parte superior e inferior do desenho; esboce os contornos com
linhas suaves, traçadas livremente, procurando conseguir o aspecto geral da figura, visualizando-a no total e colocando-a no
papel, no tamanho desejado. Enquadre com linhas rectas que passem externamente às saliências da figura para obter melhor
ideia das direcções das linhas. As linhas horizontais que passam pelo corpo representam as formações principais e a direcção
que elas tomam em relação com a linha vertical, determinam a acção do corpo. Desenhe estas linhas de guia levemente pelos
ombros, peito, quadris e joelhos, que deverão ser apagadas ou desaparecerem à medida que o desenho evoluir. A maioria das
linhas da figura humana são relativamente rectas, deve-se desenhar muito levemente a fim de não tornar a obra muito pesada e
dificultar as correcções. Esboce dentro das linhas, os contornos dos membros e músculos, simplificando o quanto possível, o
volume geral da massa, sempre comparando e relacionando tamanhos e posições, com 95% de observação do modelo e 5% de
execução do desenho. Finalize, aperfeiçoando os contornos, com linhas mais definidas e precisas, e utilizando o jogo de luz e
sombra para dar volume e movimento à sua obra.
“Como desenhar a figura humana” In: Texto de autor desconhecido

A figura humana pode dominar-se bem de memória. Trata-se só de conhecer a anatomia e as proporções.
Para os que estão a começar, direi que uma das maneiras de chegar a desenhar bem é aprendendo a deduzir. Saber umas
quantas posições de memória não leva a lado nenhum e nos limita muito. Deduzir é fundamental e serve tanto para a figura
como para a perspectiva, a iluminação e a cor. Eu utilizo a proporção clássica das 8 cabeças (como acima), a mais comum.
À direita dois “Bonecos de madeira articulados” que são uma ajuda preciosa à falta de um modelo vivo. Este boneco pode ser
colocado em qualquer posição do corpo humano, sendo o nosso modelo privado para o desenho anatómico, no entanto à que
estudar e conhecer de memória o esqueleto e a anatomia muscular.
Para a cabeça utilizo o Cânon das 3 partes e meia de altura por 2 e meia de largura.
Esta matéria referente ao Cânon da figura humana daria uma lição completa de muitas e apaixonantes páginas.

É fundamental conhecer toda a anatomia óssea e muscular para poder desenhar o corpo humano com a mínima segurança; em
poucas palavras: é necessário aprofundar tanto na anatomia humana como em tudo no desenho. Se nos limitar-mos a desenhar
só o que é visível sem o conhecimento do que está por baixo, facilmente caímos em erros que saltam à vista de alguém com
mais experiência.
“Pintores, não temam a perfeição. Nunca a conseguireis alcançar! Mas se fordes medíocres, e
se, por isso, vos forçardes por pintar muito, muito mal, ver-se-á sempre que sois medíocres.”
Embora os músculos do homem e da mulher sejam os mesmos e se encontrem nas mesmas posições, existem diferenças
no seu diâmetro e desenvolvimento tal como existe no esqueleto e na acumulação de gorduras.

Alguns desenhos de figura humana realizados a grafite e lápis de cor.
In: www.chinitarte.com/arte.html

Pintura a Óleo e Médiuns
COMO TRABALHAR COM O ÓLEO - Alguns artistas usam carvão para um esboço preliminar, mas não se deve carregar
no traço e antes de começar a pintura, deve-se retirar o excesso batendo com um pano limpo na tela, a este ponto fica só uma
ténue linha de desenho.
Pinte “gordo sobre magro”, isto é, aplique uma camada rápida e sem precisão de tinta muito diluída em terebintina, aplicando
a todo o quadro a entoação de cor de cada forma, o que nos dará uma visão perfeita da obra acabada. Esta camada “magra” de
pintura é uma camada transparente e não se preocupe se escorre. Depois de seca, o que acontece dentro de poucas horas,
pintamos com a camada “gorda” ou definitiva de tinta, seguindo o esquema da camada “magra”.
Esta técnica, “gordo sobre magro”, permite que com o tempo a pintura não estale e deixe transparecer uma perfeição de cor
muito maior e um domínio perfeito na entoação da Gama Harmónica, Melódica ou Espectral.
COMECE PELOS ESCUROS E PELO FUNDO - Pinte primeiro os tons escuros e, a partir daí, os mais claros. As regiões
escuras são mais facilmente identificadas e, uma vez pintadas, servem como referencia para os demais tons do quadro. A
aplicação dos tons claros sobre os escuros dá a noção de volume e profundidade.
Para os detalhes que exigem precisão, acrescente óleo de linhaça ou terebintina a fim de obter uma tinta mais cremosa e fluída.
Se você não gostar de alguma parte da pintura, retire-a com a espátula. Em seguida, limpe a superfície com um trapo embebido
em solvente.
DILUENTE - Terebintina + óleo de linhaça. Essa mistura é recomendada para uso com a tinta óleo facilitando seu manuseio,
acelerar a secagem e dá brilho a tinta. Experimente usar as seguintes medida:
1 colheres de terebintina + 1 colher de óleo de linhaça + cinco gotas de secante de cobalto.
NOTA: Não utilize quantidade acima de cinco gotas de secante, caso contrário com o tempo a pintura irá craquelar (estalar),
dependendo da espessura da tinta aplicada.
Nunca misture tintas a óleo com tintas acrílicas ou nunca pinte com acrílicas sobre o óleo.
Use médiuns e/ou solventes para alterar características como fluidez, transparência, brilho ou tempo de secagem. Use vernizes
para protecção, após seis meses ou um ano depois de terminado o trabalho. Tintas a óleo podem amarelar quando secas no
escuro. Deixe-as secarem em um ambiente com condições normais, evitando a luz directa do Sol, alto nível de humidade ou
qualquer outra condição extrema.
Para quem pinta apenas com luz artificial, sugiro que usem iluminação mista, ou seja, uma composição de luzes de lâmpadas
frias (fluorescentes) com lâmpadas incandescentes. As luzes devem ser colocadas ao lado e acima do cavalete, através de
"suportes" . Deste modo não aparecerão sombras e nem forçarão os olhos. Quando uma tela é iniciada com luz artificial deverá
ser concluída com a mesma luz, para manter o mesmo "padrão" de luzes e sombras.
Para fazer traços finos ou assinar seu trabalho utilize o pincel número 0 com tinta muito diluída em óleo de linhaça. A técnica
adequada é muito treino e utilizar o pincel como se fosse um lápis.
Não carregar pesos no dia em que for pintar, isso influência na perfeição dos traços pois os músculos estarão cansados e não
obedecem à mente.
Truques e Dicas
Fabricação da tinta a Óleo: É necessário pigmento (tinta em pó) da cor que necessitamos, óleo de linhaça ou óleo de
papoila, cera virgem, terebintina. Um azulejo ou mosaico e espátula.
O pigmento compro-o em Lisboa, na “Casa Varela” na Rua da Rosa.
1º Ao lume derreter a cera num pouco de Terebintina, fazer uma massa e guardar num frasco fechado.
2º Depositar a quantidade de pigmento necessária sobre o mosaico e juntar o óleo, amassar até formar uma pasta com a textura
da tinta de compra. E está feito!!!
Se pretendermos guardar essa tinta num frasco temos de amassar juntamente ao pigmento cerca de 2% da massa de cera feita
anteriormente. Esta cera serve para aglutinar a mistura e não deixar que no futuro o óleo se separa do pigmento.

Nota: O óleo de linhaça branqueado tem tendência a amarelecer com o tempo, portanto não aconselho para a fabricação da
tinta branca ou azul, para essas tintas é aconselhável o óleo de Papoila por ser translúcido.
No mercado as marcas mais baratas de tintas, como a nacional Favrel ou as Espanholas Mir e Españoleto, não utilizam o óleo
de papoila nem o aglutinante de cera... os problemas das marcas baratas aparecem mais tarde!
Fabricação de Verniz: Para a fabricação de um verniz caseiro a utilizar em situações pontuais eu utilizo o Óleo de Linhaça
ou Papoila misturando com Secante de Cobalto. É como olear uma pintura mas com a particularidade que esse óleo vai secar
dentro de uns 2 dias e vai manter todo o seu brilho.
Nota: Dependendo da espessura da tinta teremos de esperar para poder envernizar a obra. Geralmente deveremos esperar cerca
de um ano, antes do envernizamento convém retirar o pó acumulado com um pano macio embebido em Terebintina.
Solventes e secantes: A tinta a óleo é aplicada pura ou diluída em solvente, como óleo de linhaça e o secante de cobalto.
O uso do secante de cobalto acelera a secagem da tinta a óleo por absorção de oxigénio e actua na superfície, favorecendo as
aplicações rápidas. Durante a execução de uma pintura sobre tela deve ser utilizado em pequena quantidade ou ainda em
conjunto na diluição com óleo de linhaça ou terebintina.
É mais indicado para camadas finas de tintas.
Os diversos produtos utilizados para diluir as tintas na pintura são chamados médiuns.
Os artistas costumam criar as suas próprias fórmulas, misturando os diversos líquidos existentes no mercado.
Alguns exemplos:
1. Três partes de óleo de linhaça para uma de essência de terebintina;
2. Duas partes de óleo de linhaça para uma de secante de cobalto;
3. Duas partes de óleo de linhaça para uma de essência de terebintina e uma de verniz cristal legítimo.
A terebintina é um diluente vegetal natural e, quando utilizado, não altera o brilho e o tempo de secagem naturais da tinta.
Também pode ser utilizada para limpeza dos equipamentos ( pincéis, espátulas, paletas etc.)
Paleta: Qualquer superfície pode servir como paleta, desde que seja impermeável e uniforme. Eu utilizo um mosaico branco
30X30 cm
Tipos de tela: Basicamente o mercado oferece dois tipos de tela: uma de grão fino, como o linho ou o Algodão (ideal para
trabalhos detalhados e retratos) e outra com o grão mais grosso, como a juta ou Sarapilheira (indicado para pinturas com tinta
mais espessa). Além disso, existem telas totalmente brancas e outras levemente amareladas.
Alguns artistas fazem suas próprias telas, para isso o tecido tem de ser preparado para receber a pintura.
O processo de preparação de uma superfície para pintar consiste em pincelar uma tinta espessa feita com pigmento
Branco Titânio misturado com cola Branca e óleo de linhaça, ou gesso acrílico de compra nas casas da especialidade.
Ultimamente experimentei com bons resultados pincelar o tecido da tela com cola branca e depois de seco aplicar tinta branca
de Esmalte Aquoso Brilhante da Dyrup Hitt.
Além das telas convencionais, os artistas têm utilizado outros materiais para realizar suas obras. Durante a Idade Média eram
usadas pranchas de madeira - chamadas de retábulos e nos dias de hoje as pranchas de chapa dura feitas com fibras prensadas
(contraplacado) têm oferecido óptimos resultados por não empenarem nem estalarem.
O poder dos óleos secantes: Os óleos secantes são de origem vegetal, obtidos de sementes de plantas e têm característica
peculiar: secam não por evaporação mas por oxidação, formando um filme (ou película) resistente, irreversível e transparente.
Para que servem os óleos secantes?
- São utilizados na fabricação de tintas a óleo;
- Como médiuns, isto é, quando adicionados às tintas a óleo;
- Agem como diluentes, proporcionando mais fluidez às tintas;
- Proporcionam maior "oleosidade" às tintas utilizadas nas últimas camadas da pintura;
- Podem modificar o tempo de secagem das tintas;
- Possibilitam a criação de efeitos especiais de pinturas.

tipos de óleos secantes, seus usos e efeitos
Óleo de linhaça: É um óleo obtido das sementes do linho. Tem cor caramelo claro, com pouca acidez. É o mais conhecido,
sendo utilizado desde a antiguidade na fabricação e preparo das tintas a óleo.
Os diversos processos de obtenção do óleo de linhaça é que determinam a qualidade, o tipo, o grau de rapidez no processo de
secagem, como também a intensidade do amarelecimento com o passar do tempo.
Por isto, é importante escolher bem o óleo, de acordo com a procedência e a qualidade, para não correr o risco de ter as cores
das pinturas alteradas pelo amarelecimento.
É utilizado para diluir a tinta quando está muito espessa. É um óptimo secante, levando de dois a três dias para secar.
Óleo de Papoila: É obtido da prensagem a frio das sementes de papoula.
Não amarelece com o tempo e deve ser usado em pequena quantidade.
É utilizado como retardador de secagem e é ideal para a técnica "alla prima", em que se pinta um quadro em uma só sessão.
Óleo de Cártamo (Açafrão) : É um óleo muito claro, incolor e límpido. É o mais moderno dos óleos utilizados em pintura
artística. Não amarelece com o tempo, sendo portanto ideal na pintura com cores azuis e brancas.
O óleo de cártamo é o único que pode ser utilizado em grande quantidade, misturado à tinta para se criar o efeito aguarelado.
A fusão das cores pode ser conseguida com a adição do óleo de cártamo puro na pintura.
Óleo de Nozes: Este óleo de cor amarelo claro, muito transparente, tem um cheiro muito agradável. Não amarelece com o
tempo, podendo portanto, ser utilizado com as cores azuis e brancas.
É indicado para se pintar nas últimas camadas da pintura, pois seu filme não é tão flexível e é mais frágil que os outros óleos.
Deve ser usado em pouca quantidade para se aumentar o brilho das cores.
Pela sua leveza e fluidez é ideal para a pintura de detalhes e miniaturas, com o auxílio de pincéis de pêlo de Marta.
ATENÇÃO: Não confundir Óleos Secantes com Secante de Cobalto. O secante serve para acelerar o processo de secagem da
tinta enquanto que o Óleo Secante é simplesmente um óleo que seca passados poucos dias, daí a sua utilização na tinta.
Falámos de Pigmento; Pigmento é um pó muito fino feito a partir do reino vegetal, mineral, animal ou de oxido de ferro, cobre,
zinco etc. Estes pigmentos naturais geralmente são muito caros e encarecem as tintas, embora hoje em dia já exista pigmento
artificial que tornam as tintas muito mais em conta. Portanto quando lhe pedirem por uma tinta profissional um preço 5 vezes
superior a outra da mesma marca mas modelo Estúdio, não se espante, a diferença está nos pigmentos utilizados e na sua
qualidade.
À laia de curiosidade sobre os pigmentos naturais, o preto marfim é feito de ossos de animais queimados, enquanto o vermelho
ou o amarelo é feito de insectos triturados, como a cochinilha que não é mais que um piolho das plantas, enquanto que o Azul
Ultramar tem origem numa pedra chamada Lápis Lazuri e no passado era a cor mais cara para os artistas, devido a essa ser
uma pedra semipreciosa, hoje a química produz esse pigmento artificialmente e muito mais barato.
O pigmento em pó é utilizada não só para a tinta a óleo mas também para os lápis de cor, de cera, para o pastel, a aguarela,
gouache etc. Só muda mesmo o material para a aglutinação, que pode ser rezina acrílica, óleo, goma laca, cera etc.
Trabalho de: Francisco Chinita, Abril 2006
www.chinitarte.com

História das Artes Plásticas
Arte na pré-história As primeiras obras de arte datam do período Paleolítico. Entre as obras mais
antigas já encontradas estão pequenas estátuas humanas como, por exemplo, a Vénus de Willendorf (aproximadamente
25000 a.C.). Os mais conhecidos conjuntos de pinturas em cavernas ( arte rupestre ) estão em Altamira, na Espanha e
datam de 30000 a.C. a 12000 a.C.; e em Lascaux, na França de 15000 a.C. a 10000 a.C. , onde se encontram pinturas
rupestres de animais pré-históricos como: cavalos, bisões, rinocerontes. Estas pinturas indicam rituais pré-históricos
ligados à caça. As imagens demonstram um naturalismo e evoluem da monocromia à policromia entre os anos de 15000
a.C. a 9000 a.C.
Arte Mesopotâmica Na região entre os rios Tigre e Eufrates desenvolveu-se a civilização mesopotamica.
Nesta região, sumérios, babilónios, assírios, caldeus e outros povos desenvolveram uma arte que demonstra a
religiosidade e o poder dos governantes. São touros alados, estatuetas de olhos circulares, relevos em paredes
representando guerras e conquistas militares e animais e pictogramas representando fatos da realidade daqueles povos.
Arte do Egipto No Antigo Egipto as obras de arte possuíam um possui forte carácter religioso e funerário.
Essas características podem ser explicadas em função da crença que os egípcios tinha na vida após a morte. Há
representações artísticas de deuses, faraós e animais explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas eram feitas
nas paredes das pirâmides ou em papiros. Representavam o quotidiano da nobreza ou tratava de assuntos do quotidiano.
Uma das características principais é o desenho chapado, de perfil e sem perspectiva artística.
Arte na Grécia Antiga A cultura e a arte minóica desenvolveu-se na ilha grega de Creta. Nas
pinturas dos murais as cores diversificadas mostram-se fortes e vivas. Desenhos de touros, imagens abstractas, símbolos
marinhos e animais ilustram a cerâmica.
O período clássico da arte grega é a época de maior expressão da arte grega. A natureza é retractada com equilíbrio e as
formas aproximam-se da realidade. A perspectiva aparece de forma intensa nas pinturas gregas deste período. Nas
esculturas de bronze e mármore, destacam-se a harmonia e a realidade. Os principais escultores são Mirón, Policleto,
Fídias, Praxíteles. A arquitetura e a ornamentação de templos religiosos, como o Partenon, a acrópole de Atenas e o
templo de Zeus na cidade de Olímpia mostram força e características expressivas. No período helenístico, ocorre a
fusão entre as artes grega e oriental. A arte grega assume aspectos da realidade, fruto do domínio persa. Nas esculturas
verifica-se dramaticidade e as formas decorativas em excesso. Entre as obras mais representativas deste período estão:
Vitória da Samotrácia , Vénus de Milo e o templo de Zeus, em na cidade de Pérgamo.
Arte Romana do Ocidente e do Oriente ( Arte Bizantina ) Com forte influência dos
etruscos, a arte romana antiga seguiu os modelos e elementos artísticos e culturais dos gregos e chega a "copiar" estátuas
clássicas. É a época da construção de monumentos públicos em homenagem aos imperadores romanos. A pintura mural
recorre ao efeito tridimensional. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são
representativos deste período.
No Império Romano do Oriente ( Império Bizantino ) com capital em Constantinopla (antiga Bizâncio), aparece a arte
bizantina, sob forte influência da Grécia . Podemos destacar as pinturas murais, os manuscritos, os ícones religiosos e os
mosaicos de cores fortes e brilhantes, carregados de profundo carácter religioso.
Arte Renascentista : O Renascimento Cultural (séculos XV e XVI) Os elementos artísticos da
Antiguidade clássica voltam a servir de referência cultural e artística. O humanismo coloca o homem como centro do
universo ( antropocentrismo ). São características desta época : uso da técnica de perspectiva, uso de conhecimentos
científicos e matemáticos para reproduzir a natureza com fidelidade. Na pintura, novas técnicas passam a ser utilizadas :
uso da tinta a óleo, por exemplo, buscava aumentar a ilusão de realidade.
A escultura renascentista é marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A xilogravura passa a ser muito utilizada
nesta época. Entre as pinturas destacam-se: O Casal Arnolfini, de Jan van Eyck; A Alegoria da Primavera, de Sandro
Boticcelli; A Virgem dos Rochedos, Mona Lisa e A Última Ceia de Leonardo da Vinci; A Escola de Atenas, de Rafael
Sanzio; o teto da Capela Sistina e a escultura David de Michelangelo Buonarotti.
Maneirismo (século XVI) Ao romper com as referências clássicas de idealização da beleza, o maneirismo
diferencia-se por suas imagens distorcidas e alongadas. A natureza é representada de forma distorcida e realista, sendo
que as figuras bizarras aparecem com frequência. Obras mais importantes do maneirismo: O Juízo Final, de
Michelangelo; A Crucificação, de Tintoretto; e O Enterro do Conde de Orgaz, de El Greco.

Barroco (1600 a 1750) A arte barroca destaca a cor e não o formato do desenho. As técnicas utilizadas dão um
sentido de movimento ao desenho. Os efeitos de luz e sombra são utilizados constantemente como um recurso para dar
vida e realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a paisagem, a natureza-morta e cenas da vida quotidiana.
Obras barrocas mais conhecidas: A Ceia em Emaús, de Caravaggio; A Descida da Cruz, de Peter Paul Rubens; A Ronda
Noturna, de Rembrandt; O Êxtase de Santa Teresa, de Gian Lorenzo Bernini; As Meninas, de Diego Velásquez; e Vista
de Delft, de Jan Vermeer.
Rococó (1730 a 1800) O estilo rococó é marcado por pinturas com tons claros, com linhas curvas e arabescos. O
estilo é bem decorativo e a sensualidade aparece em destaque. Os afrescos ganham importância e são utilizados na
decoração de ambientes interiores.
Artistas mais importantes do rococó: Jean-Antoine Watteau, Giovanni Battista Tiepolo, François Boucher e Jean-Honoré
Fragonard.
Neoclassicismo (1750 a 1820) Novamente os elementos e valores da arte clássica ( grega e romana ) são
resgatadas.. Há uma incidência maior do desenho e da linha sobre a cor. O heroísmo e o civismo são temas muito
explorados neste período.
Principais obras: Perseu com a Cabeça da Medusa, de Antonio Canova; O Parnaso, de Anton Raphael Mengs; O
Juramento dos Horácios e A Morte de Sócrates, de Jacques-Louis David; e A Banhista de Valpinçon, de Jean-Auguste-
Dominique Ingres.
Romantismo nas artes plásticas (De 1790 a 1850) Subjectividade e introspecção, sentimentos e sensações são
características deste período. A literatura romântica, os elementos da natureza e o passado são retractados de forma
intensa no romantismo. São representantes desta época o artista Francisco de Goya y Lucientes. Algumas de suas
principais pinturas são: A Família de Carlos IV, O Colosso e Os Fuzilamentos do Três de Maio de 1808. Outras obras
românticas : A Balsa da Medusa, de Théodore Géricault; A Carroça de Feno, de John Constable; A Morte de
Sardanapalo, de Eugène Delacroix; e O Combatente Téméraire, de Joseph William Turner.
Realismo (De 1848 a 1875) O realismo destaca a realidade física através da objectividade científica e crua. Estas
obras são inspiradas pela vida quotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes críticas sociais e elementos do
erotismo, provocando criticas dos sectores conservadores da sociedade europeia do século XIX. Principais pinturas:
Enterro em Ornans, de Gustave Courbet; Vagão de Terceira Classe, de Honoré Daumier; e Almoço na Relva, de Édouard
Manet.
Impressionismo (De 1880 a 1900) Através da luz e da cor os artistas do impressionismo buscam atingir a
realidade. As obras são feitas ao ar livre para aproveitar a luz natural. Obras mais conhecidas: Impressão, Nascer do Sol,
de Claude Monet, A Aula de Dança, de Edgard Degas; e O Almoço dos Remadores, de Auguste Renoir.
Pós-impressionismo É o período marcado pelas experimentações individuais. Os artistas buscam a
realidade e imitam a natureza, utilizando recursos de luz e cor. O cromatismo é muito utilizado. As cores mais intensas
são exploradas por Vincent Van Gogh com pinceladas fortes e explosivas, como em Noite Estrelada. Henri de Toulouse-
Lautrec usa a técnica da litogravura.
Expressionismo Artistas plásticos de diferentes períodos são considerados precursores do expressionismo,
entre eles Goya, Van Gogh, Gauguin e James Ensor. O expressionismo pode ser considerado como uma postura assumida
em diversas formas de manifestação artística durante o século XX. Vários artistas desta trabalham nessa linha, sem ligarse
a movimentos ou a grupos. Podemos citar alguns: Edward Munch, Emil Nolde, Amedeo Modigliani, Oskar
Kokoschka, Egon Schiele, Chaim Soutine, Alberto Giacometti e Francis Bacon.
Cubismo ( De 1908 a 1915 ) Este estilo rompeu com os elementos artísticos tradicionais ao apresentar diversos
pontos de vista em uma mesma obra de arte. As formas geométricas são utilizadas muitas vezes para representar figuras
humanas. Recortes de jornais, revistas e fotos são recursos utilizados neste período. São obras representativas desta
época: Les Demoiselles d'Avignon, de Pablo Picasso, e Casas em L'Estaque, de Georges Braque.
Dadaísmo (Décadas de 1910 a 1920) Revolucionário, anárquico e anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o
sarcasmo, a sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura, poesia, escultura, fotografia e teatro. Destacam-se
os artísticas: Hugo Ball, Hans Arp, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Max Ernst, Kurt Schwitters, George Grosz e Man
Ray.
Arte Surrealista (Década de 1920) Os artistas exploram o inconsciente e as imagens que não são
controladas pela razão. O surrealismo usa associações irreais, bizarras e provocativas. O rompimento com as noções
tradicionais da perspectiva e da proporcionalidade resulta em imagens estranhas e fora da Realidade.

Obras: auto-retrato com Sete Dedos, de Marc Chagall; O Carnaval do Arlequim, de Joan Miró; A Persistência da
Memória, de Salvador Dalí; A Traição das Imagens, de René Magritte; e Uma Semana de Bondade, de Max Ernst, são
algumas das obras mais representativas.
Pop Art (Década de 1950) As histórias em quadrinhos e a mídia visual e impressa são os elementos de referência
da pop art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas obras de pop art. Artistas mais conhecidos: Richard
Hamilton, Allen Jones, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselman, Jim Dine,
David Hockney e Claes Oldenburg.
Arte Conceptual (Década de 1960) Textos, imagens e objectos são as referências artísticas deste tipo de
arte. A obra deve ser valorizada por si só. Um dos meios preferidos dos artistas conceituais é a instalação, ou seja, um
espaço de interacção entre a obra e o espectador. Até mesmo a televisão e o vídeo são usados nas instalações. Destacamse
os seguintes artistas: Joseph Beuys, Joseph Kosuth, Daniel Buren, Sol Le-Witt e Marcel Broodthaers, Nam June Paik,
Vito Acconci, Bill Viola, Bruce Naumann, Gary Hill, Bruce Yonemoto e William Wegman.