7tes Rolandseck- Festival - Arp Museum Bahnhof Rolandseck

7tes 

Rolandseck- 

Festival 

Programm vom 29. Juni bis 5. Juli 2012 

Unter der Schirmherrschaft von Prof. Dr. Norbert Lammert, 

Präsident des Deutschen Bundestages 

Künstlerische Leitung: Guy Braunstein, 1. Konzertmeister der 

Berliner Philharmoniker, und Ohad Ben-Ari 

Meisterklasse: Chaim Taub 

In Kooperation mit der Barenboim-Said-Foundation 

Mit freundlicher Unterstützung der Gesellschaft der 

Freunde und Förderer Arp Museum Bahnhof Rolandseck

Prof. Dr. Norbert Lammert 

Präsident des Deutschen Bundestages 

Grußwort 

zum 7. Rolandseck-Festival 2012 

im Arp Museum Bahnhof Rolandseck 

»Ich könnte jahrelang zu Hause sitzen und 

zufrieden sein«, schreibt Joseph Roth, 

»wenn nur nicht die Bahnhöfe wären«. Für 

den rastlosen wie reisefreudigen Schriftsteller 

und Journalisten waren sie Orte der 

Sehnsucht und des Aufbruchs. Tatsächlich 

sind Bahnhöfe von jeher mehr als nur 

Durchgangsstationen, sie sind immer auch 

Orte der Neugier und der Freude, der Trauer 

und Trennung gewesen. Durch das Transportmittel 

Eisenbahn sind sich viele Menschen 

seit der Mitte des 19. Jahrhunderts 

bis heute in mancherlei Hinsicht ein beachtliches 

Stück nähergekommen. Die Bahnhöfe 

wiederum ermöglichen das Zusammentreffen 

von Menschen, die sonst ob 

kultureller, sozialer oder politischer Differenzen 

kaum zusammengefunden hätten, 

und sie bauen so Brücken in eine gemeinsame 

Zukunft. 

1 

Was für den Bahnhof im Allgemeinen gilt, 

trifft erst recht auf den Bahnhof Rolandseck 

zu, der das wohl einzige Museum mit Gleisanschluss 

beherbergt. Hier, im Arp Museum, 

finden sich bereits zum siebten Mal in 

Folge junge Musikerinnen und Musiker aus 

arabischen Ländern und aus Israel zusammen, 

um gemeinsam zu musizieren – und 

so eine Brücke in eine gemeinsame Zukunft 

ihrer Völker zu bauen. Was in Daniel Barenboims 

West-Eastern Divan Orchestra im 

großen Format stattfindet, geschieht in 

Rolandseck in jenem intimeren Rahmen, 

den die Kammermusik bietet. Unverzichtbar 

für die Harmonie im Konzert ist, dass die 

Musiker nicht nur ihre Instrumente beherrschen, 

sondern sich einander als gleichberechtigte 

Partner wahrnehmen, jeder mit 

seinen Stärken, dass sie sich gegenseitig 

im wahrsten Sinne des Wortes zuhören.

Aus diesem symbolträchtigen Zusammenspiel 

der jungen Menschen lässt sich 

Hoffnung schöpfen für eine gute gemeinsame 

Zukunft in Nahost, die wir uns alle 

wünschen. Nicht zuletzt dieser Beitrag zur 

Völkerverständigung über den hohen 

künstlerischen Anspruch hinaus ist für 

mich Motivation, die Schirmherrschaft für 

das Rolandseck-Festival zu übernehmen. 

Dass dieses Festival überhaupt existiert, 

verdankt es der besonderen Freundschaft 

von Johannes Wasmuth und Chaim Taub, 

die den Bahnhof Rolandseck in den 60er 

und 70er Jahren des vergangenen Jahrhunderts 

gemeinsam zu dem Ort der Zusammenkunft, 

der Neugier und des Aufbruchs 

machten, der er heute ist. Mit dem Sammler 

und Galeristen Johannes Wasmuth kam 

die Kunst ins Haus, mit dem Violinisten 

Chaim Taub und seinen Meisterkursen für 

israelische Musiker zog die Musik ein; das 

Projekt ist eines der frühen Beispiele für 

die deutschisraelischen Kulturbeziehungen. 

Ich danke allen Beteiligten, insbesondere 

Guy Braunstein, für ihr Engagement für die 

Musik und die Völkerverständigung in 

Rolandseck. Ihnen, liebes Publikum, wünsche 

ich viel Freude an exzellenter Kammermusik 

und gelebtem Brückenbauen. Im 

Bahnhof Rolandseck können Sie im Roth'schen 

Sinne zu neuen Orten aufbrechen, 

zu neuen Einsichten gelangen und – eben 

weil Sie nicht zu Hause geblieben sind – 

zufrieden sein. 

2

Martha Argerich in den 1960er Jahren 

im Bahnhof Rolandseck © Sven Simon 

3

Duke Ellington nach einem Auftritt in der Beethovenhalle 

zu Gast im Bahnhof Rolandseck, 1967 © Helmut J. Wolf 

Inge Brandenburg, 1969 © H.J. Darchinger 

4 

Johannes Wasmuth mit Leonard Bernstein 

im Bahnhof Rolandseck 

Rosalka, Yaltah Menuhin, zwei Konzertgäste 

und Johannes Wasmuth nach einem 

Klavierabend von Frau Menuhin im 

Bahnhof Rolandseck in den 60er Jahren 

© Helmut J. Wolf

Sehr geehrte Damen und Herren, 

liebe Freundinnen und Freunde 

des Rolandseck-Festivals, 

alles, was zum zweiten Mal passiert, wird 

entlang des Rheines mitunter schon als 

Tradition bezeichnet. Das Rolandseck-Festival 

findet bereits zum siebten Mal statt und 

hat höchstes Niveau. Wir sind stolz auf die 

kleine, feine »Tradition«. Von Rolandseck 

geht immer wieder ein Impuls für das 

Musikleben in unserem Land aus. Die Gründung 

der Landesstiftung Villa Musica zur 

»Aus-, Fort- und Weiterbildung junger Musiker«, 

deren 25-jähriges Jubiläum wir im 

letzten Jahr gefeiert haben, wurde durch 

die Meisterklassen mit jungen Musikern im 

Bahnhof Rolandseck unter Leitung von 

Chaim Taub angeregt. 

Einzigartig ist in Rolandseck die enge Verbindung 

von Musik und Bildender Kunst: Guy 

Braunstein wirft auch in diesem Jahr mit 

seinen Konzertprogrammen Schlaglichter 

auf unser Jahresthema »Architektur« und 

auf die Nazarener-Ausstellung – sei es durch 

die Aufführung von »Anaktoria« des Architekten-Komponisten 

Yannis Xenakis oder 

durch Werke der Kammermusik mit religiösen 

Bezug. Eigens für das Festival bearbeitet 

Ohad Ben-Ari die »Biblischen Lieder« 

Dvoráks für ein Kammermusikensemble. 

5 

Bleiben Sie unserem »Univers à Roladseck« 

(Marcel Marceau) gewogen, besuchen Sie 

unsere Ausstellungen, Lesungen und Konzerte. 

Allen, die unser Rolandseck-Festival 

finanziell unterstützt haben, speziell der 

Gesellschaft der Freunde und Förderer, gilt 

mein besonderer Dank. 

Ihr 

Walter Schumacher 

Vorsitzender der Landes-Stiftung 

Arp Museum Bahnhof Rolandseck 

Kulturstaatssekretär 

des Landes Rheinland-Pfalz

Wir danken unseren Förderern 

(wie bei Redaktionsschluss bekannt) 

Wilhelm Dahms 

Elisabeth Delbos-Wiedmann 

und Dr. Roland Delbos 

Rebecca und 

Prof. Dr. Dres. h.c. Marcus Lutter 

Veronika Henatsch-Rauw und 

Ruprecht Henatsch 

Familie Fritz Rumler 

Nikolaus Graf Plettenberg 

Schloss Vaux 

Hans-Jürgen Ganster 

Prof. Dr. Ulrich Schlottmann 

Dr. Katharina Reder 

Gertrud Weigelin 

Hannelore Wartenberg 

Gisela D. Lange 

Dorothee Schlange-Schöningen 

Gisela Krauss-Zens und 

Dr. Dieter Krauss 

Delia Freifrau von Mauchenheim 

genannt Bechtolsheim 

und denen, 

die ungenannt bleiben möchten. 

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7 

Inhaltsverzeichnis 

Grußwort von 

Prof. Dr. Norbert Lammert 

Präsident des 

Deutschen Bundestages 

Grußwort von 

Walter Schumacher 

Vorsitzender der Landes-Stiftung 

Arp Museum Bahnhof Rolandseck 

Kulturstaatssekretär 

des Landes Rheinland-Pfalz 

Unsere Förderer 

Biographien der Mitwirkenden 

in alphabetischer Reihenfolge 

Das West-Eastern Divan Orchestra 

1. Abo-Konzert 

Freitag, 29. Juni 2012, 

20 Uhr, Neubau 


Samstag, 30. Juni 2012, 

20 Uhr, Festsaal 


Montag, 2. Juli 2012, 



Mittwoch, 4. Juli 2012, 



Donnerstag, 5. Juli 2012, 

20 Uhr, Neubau 

Impressum 

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Jurgita Adamonyté, Mezzosopran 

Die Mezzosopranistin Jurgita Adamonyté 

wurde in Litauen geboren und absolvierte 

an der Litauischen Musikakademie den 

Master of Music. Sie studierte außerdem 

am Koninklijk Conservatorium Den Haag, 

der Royal Academy of Music London und 

der Cardiff International Academy of Voice. 

Sie gewann erste Preise bei zahlreichen 

Gesangswettbewerben in ganz Europa. 

Ihr Debüt hatte sie als Zerlina (Don Giovanni) 

an der Litauischen Nationaloper und 

sang seitdem am Tschechischen Nationaltheater 

in Ostrava (Maddalena in Rigoletto), 

an der Royal Academy Opera in London 

(Händels Rinaldo und Judith Weirs A Night 

at the Chinese Opera), an der Oper Frankfurt 

(Glanerts Caligula – Weltpremiere) und am 

Chicago Opera Theater (Ursula in Beatrice 

und Benedict). 

Zuletzt gab sie im Rahmen einer Japantournee 

den Cherubino (Le nozze di Figaro) 

in einer Produktion der Salzburger Festspiele 

unter Robin Ticciati. In Amsterdam, Lissabon 

und London sang sie die Partie des 

Idamantes (Idomeneo) mit dem Ensemble 

Europa Galante und Fabio Biondi. An der 

Royal Opera, Covent Garden war sie als 

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Dorabella und Cherubino zu hören. 

Zu ihren jüngsten Engagements gehören 

das Mozart Requiem mit der Northern 

Sinfonia und ihre Rolle als Page (Salome) 

am Festspielhaus Baden-Baden, Cherubino 

in Schweden, Dorabella in Florida und ihre 

Rückkehr zu den Salzburger Festspielen 

(Die Sache Makropulos) und zur Royal 

Opera, Covent Garden (Die Zarenbraut von 

Rimsky-Korsakow). In dieser Saison wird 

sie mit dem Royal Scottish National 

Orchestra und dem Scottish Chamber 

Orchestra konzertieren und zudem an der 

Welsh National Opera (Cherubino) und am 

Teatro dell’Opera di Roma als Hermia (A 

Midsummer Night’s Dream) debütieren. 

Gilbert Audin, Fagott 

Gilbert Audin, Solofagottist im Orchestre 

de l'Opéra de Paris und Lehrer am Conservatoire 

National Supérieur de Musique et 

de Danse de Paris ist weltweiter Botschafter 

des französischen Fagotts und seiner bedeutenden 

Schule.

Er studierte in der südfranzösischen Stadt 

Nîmes und am Conservatoire National 

Supérieur de Musique et de Danse de Paris 

in der berühmten Klasse von Maurice 

Allard. Im Alter von 19 Jahren gewann er 

die internationalen Wettbewerbe von Genf 

und München. Mit 24 Jahren wurde ihm 

einstimmig der erste Preis beim internationalen 

Wettbewerb von Genf zuerkannt und 

zwei Jahre später ebenfalls einstimmig der 

erste Preis beim internationalen Wettbewerb 

von Toulon. 

Er konzertiert weltweit als Solist, gibt internationale 

Meisterkurse (unter anderem in 

Nizza, Seoul, Tokyo und Manchester) und 

ist vielgefragter Kammermusikpartner von 

berühmten Kollegen wie Paul Meyer, Emmanuel 

Pahud, Françoix Leleux oder Éric Le 

Sage, mit denen er Les Vents Français 

gründete. 

Seine umfassende Diskographie beinhaltet 

Konzerte von Mozart, Françaix, Landowsky 

(Sony, RCA), konzertante Symphonien von 

Mozart, Devienne, Bréval, Trios von Haydn 

und Devienne, Quartette von Rossini, französische 

Werke für Rohrblatttrio und die 

gesamte Kammermusik von Francis Poulenc 

mit Les Vents Français (RCA Red Seal). 

9 

Ohad Ben-Ari, Klavier 

Der in Israel geborene Pianist Ohad Ben- 

Ari trat bereits als 12-Jähriger mit dem Israeli 

Philharmonic Orchestra auf. Nur ein 

Jahr später nahm er sein Studium an der 

Universität von Tel Aviv auf, an welcher er 

Klavier bei Pnina Salzman und Komposition 

bei Joseph Dorfman studierte. Ben-Ari 

gewann mehrere Preise bei internationalen 

Wettbewerben wie dem ARD-Wettbewerb 

in München und dem berühmten Artur- 

Rubinstein-Wettbewerb, woraufhin er Einladungen 

von herausragenden Orchestern 

in der ganzen Welt erhielt, mit ihnen als 

Solist zu konzertieren. 

1996 zog Ben-Ari in die USA, um dort seine 

Karriere als Musikproduzent im Bereich 

Pop und Jazz voranzutreiben. Er arbeitete 

mit wichtigen amerikanischen Popkünstlern, 

trat in landesweit ausgestrahlten 

Fernsehsendungen auf und nahm Platten 

sowohl mit klassischer als auch mit 

Popmusik und Jazz auf, mit welchen er 

seine große stilistische Bandbreite unter 

Beweis stellte. Großen Erfolg hatte seine 

musikalische Zusammenarbeit mit seiner 

Schwester, der Geigerin Miri Ben-Ari, die 

für das gemeinsam produzierte Album für

Universal Records einen Grammy gewann. 

Nach seiner Rückkehr nach Israel wurde 

er als Dozent an die Universität von Tel Aviv 

berufen und gründete das hochgelobte Trio 

Mondrian, mit welchem er regelmäßig Konzerttourneen 

in Europa unternimmt. Das 

Trio hat kürzlich sein Debütalbum bei Challenge 

Records herausgebracht, für welche 

es exzellente Kritiken erhielt. 

Ohad Ben-Ari lebt und arbeitet seit 2010 

in Berlin, wo er seine langjährige künstlerische 

Partnerschaft mit Guy Braunstein 

wiederaufnahm und seitdem intensiv mit 

diesem konzertiert. In dieser Saison wurde 

Ben-Ari von Braunstein zum stellvertretenden 

künstlerischen Leiter des Rolandseck 

Kammermusikfestivals ernannt. 

Viele der Kammermusikarrangements von 

Ben-Ari werden weltweit aufgeführt. Im 

Auftrag von Elena Bashkirova und dem 

Jerusalem Chamber Music Festival schrieb 

Ben-Ari zwölf verschiedene Arrangements 

der Jahreszeiten von Tschaikowsky, welche 

beim diesjährigen Festival in Jerusalem zur 

Uraufführung kommen werden. 

In der kommenden Saison 2012/2013 wird 

Ben-Ari Tourneen nach Korea und Japan 

unternehmen und als Solist und Kammermusikpartner 

in vielen wichtigen europäischen 

Städten auftreten. 

10 

Guy Braunstein, Violine 

Guy Braunstein wurde 1971 in Tel Aviv 

geboren, wo er im Alter von sieben Jahren 

begann, Violine zu spielen. Er wurde von 

Chaim Taub unterrichtet, später setzte er 

seine Studien in New York bei Glen Dicterow 

und Pinchas Zukerman fort. Er konzertierte 

in der ganzen Welt mit Orchestern wie dem 

Israel Philharmonic Orchestra, dem Moskauer 

Rundfunksinfonieorchester, dem 

Radio-Sinfonie-Orchester Frankfurt und 

dem Berliner Philharmonikern. Braunstein 

trat mit Künstlern wie Isaac Stern, Zubin 

Metha, Max Schostakovic und Gray Bertini 

auf. Mit seinem Quartett »hubermann« 

spielte er zahlreiche Konzerte, auch in der 

Tonhalle Zürich sowie in der Carnegie Hall 

New York. Seit der Saison 1999/2000 ist Guy 

Braunstein 1. Konzertmeister des Berliner 

Philharmonischen Orchesters. Von 2003 

bis 2008 war er Professor an der Hochschule 

der Künste in Berlin. Er ist künstlerischer 

Leiter des Rolandseck-Festivals.

Orhan Çelebi, Viola 

Der in der Türkei geborene Orhan Çelebi 

begann seine musikalische Ausbildung im 

Alter von 15 Jahren an der Ankara Anatolian 

High School of Fine Arts. An der Bilkent 

University Faculty of Music and Performing 

Arts erlangte er einen Bachelor of Performance 

im Studiengang Bratsche und setzte 

anschließend dieses Studium an der DePaul 

University School of Music in Chicago fort. 

Nach dem Abschluss des Master of Performance 

kehrte er nach Europa zurück, um 

an der Hochschule für Musik in Rostock 

das Konzertexamen zu absolvieren. Seit 

2009 studiert und arbeitet er an der University 

of Texas Butler School of Music als 

Lehrbeauftragter für Bratsche. 

Der Orchester- und Kammermusiker Orhan 

Çelebi arbeitete bereits mit Musikern wie 

Daniel Barenboim, Pierre Boulez, Lawrence 

Foster, Guy Braunstein, Chaim Taub, Nabil 

Shehata, Kyril Zlatnikov und vielen anderen 

zusammen. 

Er war schon an vielen bedeutenden musikalischen 

Spielstätten und Festivals auf der 

ganzen Welt zu hören (BBC Proms, Salzburger 

Festspiele, Istanbul Music Festival, 

Ravello Music Festival, Lucerne Music 

11 

Festival, Kammermusikfestival Rolandseck, 

Philharmonie Berlin, Carnegie Hall, Musikverein, 

Tchaikovsky Hall, Tchaikovsky Conservatory, 

La Scala, Victoria Hall, Salle Pleyel, 

Royal Albert Hall, Oper Köln, usw.). 

Als Solist und auch als Kammermusiker 

gab Orhan Çelebi schon viele Konzerte und 

hatte sowohl in Europa als auch in den 

USA Soloauftritte mit Orchestern. Er ist 

Mitglied im West-Eastern Divan Orchestra 

und gastiert regelmäßig im Mahler Chamber 

Orchestra. Von 2010 bis 2012 hatte er 

einen Lehrauftrag für Bratsche an der Butler 

School of Music der University of Texas in 

Austin. Zurzeit ist er als stellvertretender 

erster Bratschist an der Austin Lyric Opera 

tätig und ist Mitglied in der 1211 Band. 

Orhan Çelebi spielt auf einem norditalienischen 

Instrument, welches vermutlich 

von der Testore-Familie im Jahre 1720 angefertigt 

wurde und Eigentum der Schweizer 

Maggini-Stiftung ist.

Nicholas Daniel, Oboe 

Als der damals 18-jährige Nicholas Daniel 

die BBC Young Musician of the Year Competition 

und daraufhin weitere Wettbewerbe 

in ganz Europa gewann, bedeutete dies den 

Auftakt zu einer langen und beeindruckenden 

Karriere. Heute ist er nicht nur einer 

der herausragenden Solisten Großbritanniens, 

sondern auch ein zunehmend erfolgreicher 

Dirigent und ist somit ein wichtiger 

Botschafter für Musik und Musiker in vielen 

verschiedenen Bereichen. Hierfür erhielt 

er 2011 die Auszeichnung Queen’s Medal 

for Music. 

Nicholas Daniel war schon auf allen 

Kontinenten zu hören und ist als Konzertsolist 

mit vielen der führenden Orchester 

der Welt aufgetreten. Als ausgewiesener 

Verfechter Neuer Musik arbeitete er bereits 

mit Komponisten wie Birtwistle, Dutilleux, 

Harvey, Musgrave, Osborne, Tavener, Tippett 

and Woolrich zusammen. Der aktive 

Kammermusiker gründete zudem das 

Haffner Wind Ensemble und das Britten 

Oboe Quartet und tritt häufig zusammen 

mit anderen ausgezeichneten Musikern 

auf. Nicolas Daniel ist regelmäßig bei vielen 

großen internationalen Festivals wie denen 

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in Aldeburgh, Kuhmo, Delft und bei den 

BBC Proms zu hören. 

Als Dirigent hat Nicolas Daniel bereits mit 

Orchestern in Großbritannien und im Ausland 

gearbeitet und ist künstlerischer Leiter 

der Britten Sinfonia. Er ist zudem künstlerischer 

Leiter des Leicester International 

Music Festival und unterrichtet in Großbritannien 

und in Deutschland, wo er an der 

Musikhochschule Trossingen eine Professur 

für Oboe innehat. 

Sol Gabetta, Violoncello 

Internationales Aufsehen erregte Sol 

Gabetta im Jahr 2004, als die Gewinnerin 

des Crédit Suisse Young Artist Award 

anlässlich der Luzerner Festspiele ihr Debüt 

bei den Wiener Philharmonikern unter 

Valery Gergiev gab. Zuvor hatte die im 

argentinischen Cordoba geborene Cellistin 

bereits im Alter von zehn Jahren ihren ersten 

Wettbewerb gewonnen, später dann den 

Natalia-Gutman-Preis sowie Auszeich-

nungen beim Tschaikowsky-Wettbewerb 

Moskau und dem Internationalen Musikwettbewerb 

der ARD erhalten. Der Grammynominierten 

Künstlerin wurde 2008 

zusätzlich der hoch dotierte 10. Aargauer 

Kulturpreis verliehen, 2009 der KONEX-Preis 

und 2010 der renommierte Gramophone 

Young Artist of the Year Award. 

Nach ihrem ersten ECHO Klassik 2007 

wurde auch ihre 2009 erschienene Interpretation 

von Cello-Konzerten Haydns und 

Mozarts mit diesem Preis ausgezeichnet. 

2011 erhielt sie ihren dritten ECHO Klassik 

für die vielgepriesene Einspielung von Elgars 

Cellokonzert gemeinsam mit dem Danish 

National Symphony Orchestra unter Mario 

Venzago. Sol Gabettas extensive Diskographie 

umfasst darüber hinaus auch eine 

hochgelobte Einspielung von Schostakowitschs 

Cellokonzert Nr. 2 mit den Münchner 

Philharmonikern und Marc Albrecht. 

Sol Gabetta arbeitet heute weltweit mit 

führenden Orchestern und Dirigenten 

zusammen: So konzertiert sie unter anderem 

mit den Bamberger Symphonikern, 

dem hr-Sinfonieorchester, dem Kammerorchester 

Basel, dem Orchestre National 

de Radio France, der Tschechischen 

Philharmonie, dem City of Birmingham 

Symphony Orchestra, dem Royal Philharmonic 

Orchestra, dem Russian National 

Orchestra, dem Bolshoi Orchestra, dem 

Finnish Radio Symphony Orchestra, dem 

Orchestre National de Belgique, dem 

Orquesta Nacional de España, dem 

Philadelphia Orchestra, dem Detroit Symphony 

und dem Seoul Philharmonic Orchestra. 

Ebenso ist sie bei den großen Festivals 

in Verbier, Gstaad, Schwetzingen, Rheingau, 

Schleswig-Holstein, beim Beethovenfest 

Bonn und der Schubertiade Schwarzenberg 

ein immer wieder gerngesehener Gast. 

Auch kammermusikalisch tritt sie auf allen 

13 

Kontinenten in Erscheinung und konzertiert 

dabei mit so berühmten Partnern wie Yo- 

Yo Ma, Patricia Kopatchinskaja oder Hélène 

Grimaud in Sälen wie der Londoner Wigmore 

Hall oder dem Palau de la Música 

Catalana, Barcelona. Besonders intensiv 

geht sie ihrer kammermusikalischen Leidenschaft 

im Rahmen ihres eigenen Festivals 

»Solsberg« in der Schweiz nach. 

Höhepunkte der Saison 2011/2012 sind ihre 

Residenzen an der Philharmonie Essen und 

dem Konzerthaus Berlin sowie Debüts beim 

Königlichen Concertgebouw-Orchester Amsterdam, 

dem Symphonieorchester des 

Bayerischen Rundfunks, dem Gulbenkian 

Orchestra und dem Israel Philharmonic 

Orchestra. In Frankreich wird sie unter anderem 

mit den Orchestern von Bordeaux, 

Lyon, Strasbourg und Toulouse zu hören 

sein. Ein längerer Australienaufenthalt mit 

Konzerten beim Melbourne Orchestra und 

dem West Australian Symphony Orchestra 

sowie eine Europa-Tour mit dem BBC Philharmonic 

Orchestra runden die Saison ab. 

Dank eines großzügigen privaten Stipendiums 

des Rahn Kulturfonds spielt Sol 

Gabetta eines der seltenen und kostbaren 

Violoncellos von Giovanni Battista Guadagnini 

von 1759. Seit 2005 unterrichtet sie an 

der Musik-Akademie Basel.

Amihai Grosz, Viola 

Amihai Grosz, geboren 1979 in Jerusalem 

(Israel), ist Gründungsmitglied des renommierten 

Jerusalem Quartet. Ab der Saison 

2010/2011 widmet er sich seiner solistischen 

Karriere und spielt als 1. Bratscher bei den 

Berliner Philharmonikern, einem Orchester, 

mit dem er schon seit einigen Jahren im 

Rahmen unterschiedlicher Projekte zusammenarbeitet. 

Bisher war er als Solist mit 

international renommierten Orchestern wie 

Daniel Barenboims West-Eastern Divan 

Orchestra zu hören oder auch dem Jerusalem 

Symphony Orchestra. Für die kommende 

Saison sind Konzerte an der Oper in 

Valencia, im Concertgebouw Amsterdam, 

im Megaron in Athen und mit dem Israel 

Philharmonic Orchestra geplant. 

Grosz erlernte im Alter von fünf Jahren 

zunächst die Violine, bevor er mit elf Jahren 

zur Viola wechselte. In Jerusalem erhielt er 

Unterricht bei David Chen, später bei Tabea 

Zimmermann in Frankfurt und Berlin sowie 

in Tel Aviv bei Chaim Taub, der ihn in hohem 

Maße prägte. Schon früh erhielt Amihai 

Grosz verschiedene Stipendien und Preise 

und war Mitglied der Young Musicians des 

Jerusalem Music Center, einem Programm 

14 

für besonders talentierte junge Musiker. 

Amihai Grosz arbeitet in solistischen und 

kammermusikalischen Projekten mit Künstlern 

wie Yefim Bronfman, Emmanuel Pahud, 

Mitsuko Uchida, Oleg Maisenberg, Janine 

Jansen, Julian Rachlin und David Geringas 

zusammen; er tritt in Konzerthäusern und 

auf Festivals auf der ganzen Welt auf, darunter 

beim Jerusalem Chamber Music Festival 

beim Salon Festival und den Festivals in 

Delft und Verbier, bei den BBC Proms, im 

Bahnhof Rolandseck, beim Internationalen 

Kammermusikfestival Utrecht, bei Spectrum 

Concerts Berlin und beim West Cork 

Kammermusikfestival. 

Amihai Grosz spielt eine Gaspar-da-Salo- 

Bratsche von 1570, die ihm von einer privaten 

Sammlung auf Lebenszeit als Leihgabe 

zur Verfügung gestellt wurde.

Chen Halevi, Klarinette 

Das Debüt des 15-jährigen Klarinettisten 

Chen Halevi mit dem Israel Philharmonic 

Orchestra unter der Leitung von Zubin 

Metha war eine Sensation. Die Tageszeitung 

Haaretz schrieb: »Dieser Junge ist mit einer 

außergewöhnlichen Kombination aus künstlerischer 

Musikalität und beeindruckender 

Spieltechnik gesegnet, alles im Dienste der 

Musen.« 

Seitdem trat er mit mehreren der wichtigsten 

Orchester der Vereinigten Staaten, 

Europas und Japans auf, einschließlich der 

Israel Philharmonic Orchestra, des Tokyo 

Sinfonieorchesters, der Europäischen Solisten, 

des Kammerorchesters Heilbronn, 

der Moskauer Virtuosen, des Radioorchesters 

Jerusalem, der MDR Philharmonie 

Leipzig, des NDR Sinfonieorchesters Hamburg 

und des Deutschen Symphonie- 

Orchesters Berlin. Im Oktober 2010 führte 

ihn die amerikanische Erstaufführung von 

Kraft von Magnus Lindberg erstmalig mit 

dem New York Philharmonic Orchestra 

zusammen. 

Gebürtig aus der Negev-Wüste in Israel, 

studierte er Klarinette bei Yitzhak Kazap 

und Richard Lesser und Kammermusik 

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bei Mordechai Rechtman and Chaim Taub. 

Heute ist Chen Halevi einer der führendsten 

Klarinettenvirtuosen der Welt und spielt 

sowohl Soloprogramme als auch Solokonzerte 

mit Orchester und Kammermusik mit 

gleichem Erfolg. Er ist berühmt für seine 

beeindruckende Repertoire-Bandbreite, die 

von der schwierigsten zeitgenössischen 

Musik bis hin zu Alter Musik auf authentischen 

barocken Instrumenten reicht. 

Als häufiger Teilnehmer an Sommerfestivals 

wirkte Chen Halevi beim Marlboro, Ravinia 

und Santa Fe Festival in den USA mit und 

nahm in Europa an Festivals in Schleswig- 

Holstein, Colmar, Forcalquier, Prussia Cove, 

Davos, Rolandseck, Aldeburgh and Verbier 

teil. Außerdem war er unter den Teilnehmern 

des Pacific Music Festival in Japan 

und des Perth International Arts Festival. 

Als großer Liebhaber von Kammermusik 

trat Chen Halevi sowohl zusammen mit 

Pinchas Zukerman und Christoph Eschenbach 

als auch mit mehreren bekannten 

Streichquartetten auf, einschließlich des 

Keller, Szymanowski, Fine Arts, Miro, Prazak, 

St. Lawrence, Arcanto, Vogler und Kronos 

Quartetts. 

Er ist international anerkannt als meisterhafter 

Spezialist in der Aufführung zeitgenössischer 

Musik. Durch seine enge Verbindung 

mit vielen Komponisten führte er 

eine große Anzahl an Werken von unter 

anderem Berio, Kurtag, Lindberg, Golijov, 

Maresz, Jarrell, Ferneyhough, Stroppa, 

Mantovani und Ades auf. 

Chen Halevi wurden auch einige Werke 

gewidmet, darunter der Zyklus Nodus von 

Denis Cohen für Klarinette solo, Ombre für 

Klarinette und Elektronik, soft machine für 

Klarinette und Cello, Les asperges de la 

lune für Klarinette solo von Sven Ingo Koch 

und ein Klarinettentrio von Lior Navok. 

Derzeit arbeitet er an einer großen CD-Auf-

nahme, die eine Zusammenstellung der 

Klarinettenmusik des 20. Jahrhunderts 

präsentiert. Sie beinhaltet seine Auswahl 

an Sololiteratur, Kammermusik, Konzerten 

und elektronischen Werken, die die Art und 

Weise, wie wir die Klarinette heute sehen, 

verändert hat. 

Seine Unterrichtstätigkeit und das Halten 

von Meisterkursen sind ebenfalls wichtige 

Gesichtspunkte seiner Karriere. Er ist derzeit 

Professor für Klarinette and der Staatlichen 

Hochschule für Musik Trossingen und ist 

durch die ganze Welt gereist, um Meisterkurse 

zu geben und um seine Ansätze und 

Methoden beim Unterrichten und Spielen 

zu verbreiten. Seit 2007 gehört er zu den 

Dozenten des Sommerfestivals des Banff 

Center. 

2007 gründete Chen Halevi ClaRecords, 

eine Firma, die neue Werke sowohl von 

heute führenden als auch jungen und 

aufsteigenden Komponisten in Auftrag 

geben, produzieren und aufnehmen wird. 

ClaRecords wird auch mit anderen Arten 

moderner Kunst zusammenarbeiten, um 

den Dialog zwischen verschiedenen Ausdrucksformen 

des 21. Jahrhunderts zu 

stimulieren. In seinem ersten Jahr hat 

ClaRecords fünf neue Stücke in Auftrag 

gegeben und ein Musikvideo mit 3D-Computeranimation 

erstellt. 

16 

Mohamed Hiber, Violine 

Mit sieben Jahren begann Mohamed Hiber 

Geige zu lernen, zweieinhalb Jahre später 

wurde er an der Nationalen Musikschule, 

dem Conservatoire National de Région de 

Paris in Bertrand Cerveras Klasse aufgenommen. 

Parallel dazu entwickelte er bei 

Jean Lenert in der Scola Cantorum und bei 

Rollo Kovac seine Technik weiter. Während 

dieser Studienjahre sammelte er zahlreiche 

Preise und Diplome: Er gewann zwei Erstpreise 

mit besonderer Auszeichnung ab 

2007 und außerdem den Preis des Aufnahmewettbewerbs 

Vatelot-Rampal für das 

höhere Niveau. 

2008 wurde Mohamed Hiber im Spezialkursus 

des Conservatoire National de 

Région Paris aufgenommen und hatte 2009 

seinen ersten großen Auftritt in der Salle 

Pleyel als Solist mit dem Kammerorchester 

des London Symphony Orchestra. Im April 

2010 gewann er den ersten Preis des 21. 

Internationalen Wettbewerbs Flamme und 

im Juni einstimmig den ersten Preis mit 

besonderer Auszeichnung der Jury für sein 

Abschlussdiplom. Im August 2010 erhielt 

er den Grand Prix der Internationalen Musikakademie 

in Flaine. 2011 folgte das Diplom

für Virtuosität der Scola Cantorum in Paris. 

Mohamed Hiber ist bereits heute ein sehr 

talentierter Geiger, dessen außergewöhnliche 

Begabung weltweit anerkannt ist, 

denn bereits im Juli 2009 wählten ihn die 

Internationalen Musikfestspiele der Jugend 

in Prag Mlada Praha unter zahlreichen 

Mitstreitern aus verschiedenen Ländern 

aus, um als Solist mit der Tschechischen 

Philharmonie in Prag im Rudolfinum- 

Dvorák-Saal Camille Saint-Saëns’ drittes 

Violinkonzert zu spielen. Darüber hinaus 

spielte er im Kulturzentrum Le Moulin 

d’Andé als Solist das Doppelkonzert von 

Johann Sebastian Bach mit dem Orchester 

der Moskauer Solisten unter der Leitung 

von Yuri Bashmet. 

Im September 2011 gab Hiber sein erstes 

Konzert für die Eröffnung der Musiksaison 

Grand Chalon. Ende 2010 wurde Hiber nach 

einem Vorspiel vor dem Maestro Daniel 

Barenboim zu einer Konzerttournee mit 

dem West-Eastern Divan Orchestra eingeladen. 

Die Tournee, die im Mai 2011 in 

berühmten Konzertsälen wie la Scala in 

Mailand, in der Oper in Doha (Qatar), in 

der Santa Cecilia in Rom, im Musikverein 

in Wien, in der Salle Pleyel in Paris und in 

der Philharmonie in Berlin gastierte, sorgte 

für Furore. In den Monaten Juli und August 

desselben Jahres wurde Hiber erneut von 

Barenboim zu einer Konzerttournee eingeladen, 

die ihn ins Teatro Maestranza Sevilla, 

die Arena in Ronda, die Gran Plaza in 

Madrid, die Forbidden City Concert Hall in 

Peking, in die Kulturzentren in Shanghai 

und in Seoul Korea, zu den Festspielen in 

Luzern (Schweiz), zum Mozarteum während 

der Festspiele in Salzburg, zur Waldbühne 

in Berlin und zur Kölner Philharmonie führte. 

In diesem Jahr hat Mohamed die Aufnahmeprüfung 

am Conservatoire National 

Supérieur de Musique et de Danse in Paris 

17 

einstimmig mit der Bestnote und mit 

besonderem Lob der Jury bestanden. Im 

April 2012 war er auf einer Tournee in den 

USA mit dem Versailler Orchester. 

Parallel dazu ist Mohamed Hiber Schüler 

am Gymnasium Racine in Paris. 

Ria Ideta, Marimbaphon 

Ria Ideta wurde 1982 in Wien in eine Musikerfamilie 

geboren. Mit sechs Jahren 

begann sie in Japan mit dem Klavier- und 

Marimbaspiel. 2001 setzte sie ihre Studien 

am Conservatoire National de Paris fort, 

das sie 2006 mit einem 1. Preis und einem 

Sonderpreis der Jury abschloss. Während 

ihres Studiums gewann Ria Ideta den 1. 

Preis beim Internationalen Marimba-Wettbewerb 

in Paris. Seit 2003 hat sie Meisterklassen 

in vielen Ländern gegeben, darunter 

2005 die Days of Percussion im Berklee 

College of Music in Boston, USA. Sie wurde 

als Jurymitglied eingeladen zum International 

Percussion Competition von Fermo 

in Italien, ebenso zum International Marimba-Wettbewerb 

in Paris.

Sie gab Konzerte mit dem Ensemble 

Akzente in Linz, die vom ORF übertragen 

wurden, beim International Music Festival 

Musique à L’Emperi in Salon de Provence, 

ein Recital im Maison du Culture de Japon 

in Paris, um nur einige ihrer vielen Auftritte 

und Recitals in Japan, den USA und vielen 

anderen europäischen Ländern zu nennen. 

Ideta legt einen Schwerpunkt ihres Schaffens 

auf die zeitgenössische Musik. Viele 

Werke brachte sie zur Uraufführung, die 

ihr gewidmet sind. 

Zusätzliche Studien absolviete Ria Ideta in 

Japan bei Prof. Yoshihisa Mizuno und in 

Frankreich bei Prof. Eric Sammut und Prof. 

Emmanuel Séjourné. 

Isabel Karajan, Sprecherin 

Isabel Karajan wurde bei Jean-Laurent 

Cochet in Paris ausgebildet. Sie war 

zunächst Ensemblemitglied an Jürgen 

Flimms Thalia Theater in Hamburg und 

wurde dann von George Tabori in ihre 

Geburtsstadt Wien geholt. Er nahm Isabel 

18 

Karajan in sein legendäres Theaterensemble 

»Der Kreis« und es kam zu einer sehr 

intensiven, mehrjährigen Zusammenarbeit. 

Dank ihrer französischen »Muttersprache« 

waren zahlreiche Engagements in Frankreich 

– unter anderem am Theatre National 

de la Collin in Paris oder zuletzt im März 

2009, am Theatre de la Tempete/Cartoucherie 

in Paris – möglich. Neben der französischen 

Hauptstadt war Isabel Karajan unter 

anderem auf den Bühnen von Avignon, 

Adelaide, Buenos Aires, aber auch an der 

Schaubühne Berlin ebenso wie an den 

Münchner Kammerspielen oder am Schauspielhaus 

Stuttgart engagiert. Zuletzt 

brachte sie im Theater Nestroyhof Hamakom 

in Wien die Uraufführung »hennir« 

heraus (www.hennir.com). 

Die Zusammenarbeit mit Jürgen Gosch, 

Thomas Langhoff, Jorge Lavelli, Klaus 

Michael Grüber und vielen anderen wurde 

durch Auftritte in Musiktheaterprojekten 

mit Kent Nagano oder zuletzt »Die Geschichte 

vom Soldaten« mit Berliner Philharmonikern 

bei den Osterfestspielen in Salzburg 

ergänzt. Für Kino und Fernsehfilmproduktionen 

arbeitete Isabel Karajan mit Wolfgang 

Murnberger, Holger Barthel, Nina Companeze, 

Alain Michel Blanc, Laurent Heynemann 

und Patricia Mazuy 2011 mit dem 

Kinofilm »Sport de filles« zusammen.

Jürgen Karle, Schlagzeug 

Jürgen Karle studierte Schlagzeug an der 

Musikhochschule Köln, Abteilung Aachen 

(Orchestermusik) und an der Rijkshogeschool 

Maastricht, Niederlande (lichte 

Muziek/Jazz). Als Orchestermusiker spielte 

er mit vielen europäischen Orchestern, 

unter anderem mit dem Orchestre Symphonique 

de la Radio Télévision Luxembourg, 

der Klassischen Philharmonie Bonn und 

dem Städtischen Orchester Aachen. 

Er war an CD-Produktionen zum Beispiel 

mit Reinhard Mey, der Klassischen 

Philharmonie Bonn und der Tinseltown 

Rebellion Band beteiligt. 2007 wurde eine 

CD von Jürgen Karle mit zeitgenössischen 

Werken für Schlagzeug-Solo veröffentlicht. 

19 

Daishin Kashimoto, Violine 

Daishin Kashimoto kam 1979 in London zur 

Welt und bekam mit drei Jahren ersten 

Geigenunterricht in Tokio. 1985 kam er nach 

New York zu Naoko Tanaka an die Julliard 

School. 1990 wurde er Schüler von Zakhar 

Bron in Lübeck und setzte seine Studien in 

Freiburg bei Rainer Kussmaul fort. Mit einem 

1. Preis gewann er mit 14 Jahren beim Menuhin-Wettbewerb 

und mit 17 Jahren beim Long- 

Thibaud-Wettbewerb und bereiste als Sieger 

des Fritz-Kreisler-Wettbewerbs in Wien und 

mit dem Brahms-Preis in Deutschland als 

Solist und Kammermusiker die ganze Welt. 

Er spielte bereits unter der Leitung von Mariss 

Jansons und Semyon Bychkov, Michel 

Plasson und Hugh Wolff, Evgeny Svetlanov, 

Yury Temirkanov, Seiji Ozawa und Lorin 

Maazel. Kammermusik machte er unter 

anderem mit Yuri Bashmet, Myung-Whun 

Chung, Yefim Bronfman, Shlomo Mintz, 

Tabea Zimmermann, Paul Meyer, Éric Le 

Sage und Misha Maisky. Daishin Kashimoto 

unterzeichnete 1999 einen Vertrag mit Sony 

Classical und nahm zusammen mit Itamar 

Golan mehrere Platten auf. 

Am 12. Juni 2009 wurde er 1. Konzertmeister 

der Berliner Philharmoniker.

Anna Larsson, Mezzospran / Alt 

Anna Larsson hat sich unter anderem einen 

weltweiten Ruf in der Rolle als Erda mit 

Auftritten in Opernhäusern in Berlin, 

München, Wien, Salzburg, Stockholm und 

Aix-en-Provence gemacht. Außerdem sang 

sie in Rollen wie Waltraute, Orphée, Fricka 

und Delila und anderen an der Königlichen 

Oper in Stockholm, der Staatsoper Berlin, 

der Bayerischen Staatsoper in München, 

der Wiener Staatsoper, in Valencia, Florence, 

bei den Salzburger Festspielen, den 

Festspielen in Aix-en-Provence, im Kongelige 

Teater in Kopenhagen und bei der Finnischen 

Nationaloper. Die Dirigenten waren 

unter anderem Barenboim, Mehta, Rattle, 

von Dohnányi, Segerstam und Nagano. 

Auf der Konzertbühne hat Larsson sich vor 

allem als Interpretin von den Werken Gustav 

Mahlers profiliert. Sie tritt unter anderem 

sowohl mit den Berliner Philharmonikern, 

dem Los Angeles Philharmonic Orchestra, 

dem London Philharmonic Orchestra, dem 

New York Philharmonic Orchestra, dem 

Chicago Symphony Orchestra, Concentus 

Musicus Wien als auch mit den Wiener 

Philharmonikern auf. 

Als Konzertsängerin arbeitet Anna Larsson 

20 

regelmäßig mit den renommiertesten 

Dirigenten der Welt. Sie beherrscht beinahe 

das komplette Konzertrepertoire für Alt und 

Orchester, von Händels Messias bis Elgars 

Sea Pictures zu Gustav Mahlers sämtlichen 

Gesangzyklen und dem Verdi Requiem, 

unter anderem mit Abbado, Salonen, 

Haitink, Gilbert, Barenboim, Rattle, Mehta, 

Dudamel, Pappano, Osawa, Masur, Maazel, 

Blomstedt und Harnoncourt. 

Anna Larsson wurde 2005 für die Aufnahme 

des selten dargestellten Werks Daphne von 

Richard Strauss zusammen mit dem 

Sinfonieorchester des Westdeutschen 

Rundfunks unter der Leitung von Semyon 

Bychkov für ein Grammy nominiert. 

Tomer Maschkowski, Bassposaune 

Tomer Maschkowski wurde 1982 in Rotterdam 

geboren und erhielt seinen ersten 

Unterricht im Fach Tenorposaune mit 13 

Jahren bei seinem Großvater Zvi Ostrowski 

(Israel Philharmonic Orchestra). Im Alter 

von 15 Jahren wechselte er zur Bassposaune 

und wurde von Micha Davis unterrichtet.

Von 2000 bis 2005 studierte Maschkowski 

am Konservatorium Rotterdam bei Ben van 

Dijk, Georg Wiegel, Jorgen van Rijen und 

Pierre Volders. In den Jahren 2006 bis 2008 

war er Stipendiat der Orchesterakademie 

der Staatskapelle Berlin und belegte Kurse 

bei Martin Reinhardt. Von 2009 bis 2011 

folgte ein Master-Studium an der Universität 

der Künste Berlin bei Andreas Klein, Stefan 

Schulz und Rainer Vogt. 2008 war Maschkowski 

Stipendiat des Deutschen Musikwettbewerbs 

in der Kategorie »Ensembles 

in freier Besetzung« mit der Trombone Unit 

Hannover und wurde in die 53. Bundesauswahl 

Konzerte Junger Künstler aufgenommen. 

Im Jahr 2011 folgten ein Stipendium 

des Deutschen Musikwettbewerbs in 

Berlin in der Kategorie Bassposaune solo 

mit Aufnahme in die 56. Bundesauswahl 

Konzerte Junger Künstler, Preisträger des 

Deutschen Musikwettbewerbs in der 

Kategorie »Ensembles in freier Besetzung« 

mit der Trombone Unit Hannover. 

Seine künstlerische Ausbildung ergänzte 

Tomer Maschkowski durch Meisterkurse 

bei Bart van Lier, Rex Martin, Charles 

Vernon, Csaba Wagner, Joe Alessi, Michel 

Becquet, Bo Nilsson, Nitzan Haroz und 

Wolfram Arndt. In der Konzertsaison 

2005/2006 hatte er eine Anstellung im Jerusalem 

Symphony Orchestra und ist seit 

2006 Mitglied des West-Eastern Divan 

Orchestra unter der Leitung von Daniel 

Barenboim. Weitere Orchestererfahrung 

sammelte er unter anderem im Deutschen 

Symphonie-Orchester Berlin, im Concertgebouworkest 

Amsterdam, im Rotterdams 

Philharmonisch Orkest, in der Holland 

Symfonia, an der Deutschen Oper Berlin, 

im Konzerthausorchester Berlin, im Niedersächsischen 

Staatsorchester Hannover 

und bei den Philharmonikern Hamburg. 

Seit 2010 spielt Maschkowski regelmäßig 

21 

als Aushilfe im Orchester der Mailänder 

Scala, unter anderem an der Kontrabassposaune 

in Wagners Ring der Nibelungen 

unter der Leitung von Daniel Barenboim. 

CDs entstanden zusammen mit Ben van 

Dijk, dem International Trombone Ensemble, 

dessen Mitglied er ist, und der Staatskapelle 

Berlin unter der Leitung von Pierre 

Boulez (Mahlers 8. Sinfonie). Seit April 2012 

spielt er Bassposaune im Deutschen 

Symphonie-Orchester Berlin. 

Sergei Nakariakov, Trompete 

Der »Paganini der Trompete« oder »Zauberer 

aus Russland« sind nur einige der Attribute, 

mit denen Sergei Nakariakov in der 

Musikwelt geschmückt wird. Er begeistert 

seine Fans seit vielen Jahren mit einer 

atemberaubenden Musikalität, einer revolutionären 

Blastechnik und einem in jeder 

Hinsicht grenzüberschreitenden Repertoire. 

Mit der beschränkten Sololiteratur für 

Trompete wollte sich Sergei Nakariakov 

nicht zufrieden geben, schuf kurzerhand

ein neues, aufregendes Konzertrepertoire 

und entdeckte dabei auch das klangschöne 

Flügelhorn als klassisches Soloinstrument. 

Sein Vater bearbeitete für ihn hochvirtuose 

Konzerte anderer Soloinstrumente wie 

Violine, Cello oder Fagott, gleichsam maßgeschneidert 

auf seine außergewöhnlichen 

musikalischen und technischen Fähigkeiten. 

So wurde auch der bekannte Komponist 

Jörg Widmann auf ihn aufmerksam. 

Er widmete Sergei Nakariakov sein erstes 

Trompetenkonzert »Ad absurdum«, das im 

Januar 2006 mit großem Erfolg in der Philharmonie 

Essen uraufgeführt wird. 

Im Rahmen eines Exklusivvertrags mit Teldec 

entstanden eine Reihe hochkarätiger Einspielungen, 

für die Sergei Nakariakov 2002 

mit dem ECHO Klassik als »Instrumentalist 

des Jahres« ausgezeichnet wurde. 

Sergei Nakariakov spielt auf Instrumenten 

von Antoine Courtois, Paris. 

22 

Chezy Nir, Horn 

Chezy Nir ist Solohornist des Israel Symphony 

Orchestra Rishon LeZion, des Hausorchesters 

der New Israeli Opera. Als Solist 

hatte er Auftritte mit den meisten führenden 

israelischen Orchestern. Ebenso konzertierte 

er in Recitals und als Solist in und 

außerhalb Israels, wie zum Beispiel mit 

dem Orchester der Alten Oper in Frankfurt. 

Chezy Nir studierte bei Meir Rimon an der 

Rubin-Akademie Tel Aviv und bei Marie- 

Luise Neunecker an der Frankfurter Musikhochschule. 

Er ist Gründungsmitglied des 

New Israeli Woodwind Quintett und Professor 

für Horn an der Buchmann-Mehta Academy 

for Music an der Universität von Tel 

Aviv. Nir nahm an Festivals wie dem Israel 

Festival, dem Davos Festival und den 

Rolandsecker Sommerkursen teil und konzertierte 

mit Yefim Bronfman, Shmuel 

Ashkenazy, Chaim Taub, Franklin Cohen 

und anderen.

Zvi Plesser, Violoncello 

Der israelische Cellist Zvi Plesser blickt 

bereits auf eine bemerkenswert breitgefächerte 

Karriere zurück: Er trat sowohl als 

Solocellist als auch als Kammermusiker 

auf und ist ein hervorragender Lehrer. 

Zvi Plesser wohnt in Israel und arbeitet von 

dort aus mit führenden Instrumentalisten 

und Dirigenten unserer Zeit zusammen. 

Als Solist spielte er mit dem Israel Philharmonic 

Orchestra, dem Jerusalem Symphony 

Orchestra, dem Israel Chamber 

Orchestra, dem Shanghai Symphony 

Orchestra, dem National Symphony 

Orchestra, und der Academy of Saint Martin 

in the Fields, mit Dirigenten wie Zubin 

Mehta, Sir Neville Marriner, Asher Fish und 

Sergio Comissiona. Er war Mitglied des 

Streichquartetts »huberman« und ist 

Gründungsmitglied von Concertante. Als 

passionierter Kammermusiker hat er mit 

dem Jerusalem Quartet, dem Aviv Quartet 

und dem Ysasye Quartet zusammengearbeitet 

sowie mit Isaac Stern, Pinchas 

Zukerman, Richard Goode, Nobuko Imai, 

Michael Tree und vielen anderen. Er nahm 

in aller Welt an Musikfestivals wie dem 

Marlboro Festival, dem Festival Internacional 

23 

Cervantino in Mexico, dem Jerusalem 

International Chamber Music Festival, dem 

Kuhmo Festival in Finnland und dem 

Rolandseck-Festival teil. Vor kurzem wurde 

er zum künstlerischen Leiter des Voice of 

Music in the Upper Galilee Chamber Music 

Festival ernannt. 

Zvi Plesser ist Absolvent der Juilliard School, 

wo er bei Zara Nelsova studierte. Weitere 

prägende Lehrer waren Zvi Harel in Israel 

und David Soyer in den USA. Seit 1988 

gehört Plesser der Fakultät der Jerusalem 

Academy of Music and Dance an, er 

unterrichtet an der North Carolina School 

of Arts, der Encore Summer School in Ohio 

und dem Perlman Music Program. Als 

Absolvent des Jerusalem Music Centre hat 

Zvi Plesser die renommierte Francoise 

Shapira Competition und die 41. Washington 

International Competition gewonnen 

und war Stipendiat der America-Israel 

Cultural Foundation.

Yael Rubinstein, Violoncello 

Die aus Israel stammende Cellistin Yael 

Rubenstein ist Absolventin des New England 

Conservatory of Music, wo sie unter 

Laurence Lesser studierte. Die passionierte 

Kammermusikerin war bereits in außergewöhnlichen 

Kammermusikkonzerten in 

der Carnegie Hall und der Library of Congress 

in Washington zusammen mit Pinchas 

Zukerman, Jaime Laredo und Yo-Yo 

Ma zu hören. 

In den letzten Jahren nahm sie am Sarasota 

Music Festival in Florida teil und spielte zudem 

an der American School of Art in Fontainebleau, 

Frankreich. Sie hatte außerdem 

Kammermusik-Engagements in Griechenland 

bei den Festivals in Nafplio und Korfu. 

Während der Sommermonate der letzten 

Jahre spielte Yael Rubinstein als stellvertretende 

1. Cellistin im West-Eastern Divan 

Orchestra unter Daniel Barenboim, wo sie 

auch mit einem Sonderstipendium ausgezeichnet 

wurde. Sie ist zudem Stipendiatin 

der American-Israel Cultural Foundation. 

Yael Rubinstein studierte an der Tel Aviv 

Academy of Music unter Hillel Zori und Uzi 

Wiesel. Sie absolvierte ein Master-Studium 

der Musik am Mannes College in New York 

24 

unter Marcy Rosen. Darüber hinaus hat sie 

an Meisterkursen bei Janos Starker, Wolfgang 

Betcher, Philippe Muller und Steven 

Isserlis teilgenommen. 

Gili Schwarzman, Flöte 

Die international renommierte Flötistin Gili 

Schwarzman ist in der ganzen Welt als 

Solistin mit Orchestern wie dem Israeli 

Chamber Orchestra, dem Orquesta de 

Valencia, dem Neuen Kammerorchester 

Potsdam, dem Kalisz Philharmonic Orchestra, 

dem Sofia Philharmonic Orchestra, 

dem Opole Philharmonic Orchestra und 

vielen anderen aufgetreten. 

Gili Schwarzman ist nicht nur als Solistin 

unterwegs, sondern auch als passionierte 

Kammermusikerin. Diese Leidenschaft 

führte sie mit einigen der großen Musikern 

unserer Zeit zusammen und bescherte ihr 

Auftritte auf renommierten Bühnen in ganz 

Europa – hierzu gehören die Queen 

Elisabeth Hall in London, das Mozarteum

Salzburg, die Berliner Philharmonie und 

die Hamburger Laeiszhalle, um nur einige 

zu nennen. Sie ist zudem regelmäßige 

Teilnehmerin bei vielen namhaften Festivals 

wie dem Jerusalem Chamber Music Festival, 

dem Spring Festival of Zagreb, den Salzburger 

Festspielen und dem Rolandseck- 

Festival. 

Die in Israel geborene Gili Schwarzman 

studierte Musik an der Jerusalem Music 

Academy und an der Universität von Tel 

Aviv, wo sie eine Auszeichnung für herausragende 

Leistung erhielt. Daraufhin setzte sie 

ihr Studium an der Musikakademie München 

in der Klasse von Prof. Andras Adorjan 

fort. Sie ist mehrfache Preisträgerin, so zum 

Beispiel bei der Solo International Competition 

in Prag und ist zudem Stipendiatin 

der America-Israel Cultural Foundation. Im 

Laufe ihrer musikalischen Ausbildung hatte 

Gili Schwarzman das Privileg, unter bedeutenden 

Flötisten wie Emmanuel Pahud, 

Philippe Bernold, Michel Debost, Davide 

Formisano und Pierre-Yves Artaud zu studieren. 

In den letzten Jahren war Gili Schwarzman 

neben ihrer Karriere als Solistin und Kammermusikerin 

auch im Ensemble der Tel 

Aviv Soloists und dem International Mahler 

Orchestra tätig. Sie ist außerdem seit fünf 

Jahren Mitglied im West-Eastern Divan 

Orchestra unter der Leitung von Daniel 

Barenboim. 

25 

Nabil Shehata, Kontrabass 

Nabil Shehata wurde 1980 als Sohn deutschägyptischer 

Eltern in Kuwait geboren. Im 

Alter von vier Jahren zog es die Familie 

jedoch wieder zurück nach Deutschland. 

Nachdem er im Alter von sechs Jahren 

zunächst Klavierunterricht von seiner Mutter 

bekam, erhielt er drei Jahre später seinen 

ersten Kontrabassunterricht bei Thomas 

Zscherpe. 

Später studierte er bei Prof. Michinori Bunya 

in Würzburg und bei Prof. Esko Laine in 

Berlin. Während seiner Studienzeit war er 

Stipendiat der Studienstiftung des deutschen 

Volkes sowie der Stiftung »Podium 

junger Musiker« und gewann zahlreiche 

internationale Wettbewerbe, unter anderem 

den Concurso Júlio Cardona in Covilhã, 

Portugal und den Premio Valentino Bucchi 

in Rom. Beim ARD-Wettbewerb in München 

errang er den 1. Preis, als erster Kontrabassist 

in der Geschichte des Wettbewerbs. 

Darüber hinaus wurde ihm auch der 

beliebte Publikumspreis zugesprochen. Im 

Herbst 2006 wurde Nabil Shehata mit dem 

niedersächsischen Praetorius Musikpreis 

ausgezeichnet. 

2003 verpflichtete ihn die Staatsoper Unter

den Linden Berlin als 1. Solo-Kontrabassisten; 

von 2004 bis 2008 war er in gleicher Position 

bei den Berliner Philharmonikern. 

Als Solist wird er regelmäßig von namhaften 

Orchestern eingeladen, darunter das Symphonieorchester 

des Bayerischen Rundfunks, 

das Gulbenkian Orchestra Lissabon, 

die Bremer Philharmoniker und das 

Münchener Kammerorchester. 2008 gab er 

sein Debüt als Solist bei den Berliner 

Philharmonikern unter Leitung von Daniel 

Barenboim. In der Saison 2009/2010 war er 

unter anderem als Solist im Wiener Musikverein 

zu hören. 

Er ist gern gesehener Gast bei renommierten 

Festivals wie dem Schleswig-Holstein 

Musik Festival, dem Jerusalem International 

Chamber Music Festival, dem Oxford Chamber 

Music Festival oder den Salzburger 

Osterfestspielen. Zu seinen musikalischen 

Partnern gehören Thomas Quasthoff, Nikolaj 

Znaider, Christoph Poppen, David Geringas, 

Frans Helmerson, Elena Bashkirova, Klaus 

Thunemann, Viviane Hagner oder Daniel 

Barenboim. 

Shehatas besondere Liebe gilt dem Recital 

und der Kammermusik. Mit Kollegen der 

Berliner Philharmoniker und Tatjana Vassiljewa 

begründete er das Philharmonische 

Streichquintett, das in der Saison 2009/2010 

bereits zum zweiten Mal in Japan gastierte. 

Ebenfalls war er in der letzten Saison in 

mehreren Konzerten mit dem Forellenquintett 

von Schubert und dem Sextett von 

Mendelssohn-Bartholdy zusammen mit 

dem Fauré Quartett zu hören. 

Auch die Förderung des musikalischen 

Nachwuchses liegt Nabil Shehata sehr am 

Herzen. Großes Engagement gilt dabei dem 

West-Eastern Divan Orchestra, zu dessen 

langjährigen Mitgliedern er gehört und dem 

er als Orchestermitglied trotz seiner vielen 

anderweitigen Verpflichtungen treu geblie- 

26 

ben ist. Er gibt regelmäßig Meisterkurse in 

Europa, Israel und Japan, unterrichtet an der 

Akademie der Berliner Philharmoniker und 

seit Oktober 2007 als Professor an der Hochschule 

für Musik und Theater München. 

In den letzten vier Jahren hat sich Shehata 

zunehmend dem Dirigieren zugewandt. 

Anregungen und Unterricht erhielt er dabei 

von Daniel Barenboim, Rolf Reuter, Lawrence 

Foster und von Christian Thielemann. 

Nach ersten Erfahrungen in der Arbeit mit 

verschiedenen Jugend- und Kammerorchestern 

gab er im Jahr 2007 sein von der 

Kritik hoch gelobtes Dirigierdebüt in Cottbus. 

Im Mai 2008 leitete er auf Einladung von 

Gustavo Dudamel das Simón-Bolívar- 

Jugendorchester in Caracas, Venezuela mit 

solch großem Erfolg, dass er sofort noch 

einmal für die nächste Spielzeit verpflichtet 

wurde. Danach leitete er das Dohnányi 

Orchestra Budapest, das Rundfunkorchester 

in Ljubljana, das Qatar Philharmonic 

Orchestra sowie das Kammerorchester des 

Konzerthausorchesters und das Orchestre 

National du Capitole de Toulouse. Erst 

kürzlich gab Nabil Shehata sein Japan 

Debüt als Dirigent mit dem Kyoto Symphony 

Orchestra. Nach der erfolgreichen Sommerproduktion 

»Der Diener zweier Herren« mit 

der Kammeroper München im Schloss 

Nymphenburg wurde er vom Ensemble mit 

sofortiger Wirkung zum Chefdirigenten 

ernannt.

Das West-Eastern Divan Orchestra 

Seit mehr als zehn Jahren ist das West- 

Eastern Divan Orchestra eine feste Größe 

in der internationalen Musikwelt. 1999 rief 

Daniel Barenboim, gemeinsam mit dem 

palästinensischen Literaturwissenschaftler 

Edward Said, ein Orchester ins Leben mit 

dem Ziel, den Dialog zwischen den verschiedenen 

Kulturen des Nahen Ostens durch 

die Erfahrungen den gemeinsamen Musizierens 

und des Zusammenlebens zu ermöglichen. 

Sie benannten Orchester und Workshop 

nach Johann Wolfgang von Goethes 

Sammlung von Gedichten »West-östlicher 

Divan«, einem zentralen Werk für die Entwicklung 

des Begriffs der Weltkultur. 

Die ersten Arbeitsphasen fanden in Weimar 

und Chicago statt, im Jahre 2002 konnte 

Sevilla als fester Sitz des Orchesters gewonnen 

werden, wo es großzügige Unterstützung 

vonseiten der andalusischen Regierung 

(Junta de Andalucía) erhält. Das 

Orchester besteht zu gleichen Teilen aus 

israelischen und arabischen Musikern sowie 

einigen Spaniern. Die Musiker kommen 

jeden Sommer zu Probenphasen, 

angereichert mit Vorträgen und Diskussionen, 

in Andalusien zusammen, bevor sie auf 

eine internationale Konzerttournee gehen. 

In den Jahren seines Bestehens hat das 

Projekt immer wieder belegt, dass Musik 

vermeintlich unüberwindbare Barrieren 

abbauen kann. Der einzige politische Aspekt 

der Arbeit des West-Eastern Divan Orchestra 

ist die Überzeugung, dass es keine militärische 

Lösung des Nahostkonflikts geben 

kann und dass die Schicksale von Israelis 

und Palästinensern untrennbar miteinander 

verbunden sind. Durch seine schiere 

Existenz beweist das West-Eastern Divan 

Orchestra, dass es möglich ist, Menschen 

zum gegenseitigen Zuhören zu bewegen. 

28 

Musik allein kann selbstverständlich nicht 

den arabisch-israelischen Konflikt lösen. 

Jedoch gibt sie dem Einzelnen das Recht 

und die Verpflichtung, sich vollständig 

auszudrücken und dabei dem Nachbarn 

Gehör zu schenken. Auf den Prinzipien von 

Gleichheit, Kooperation und Gerechtigkeit 

für alle beruhend, stellt das Orchester ein 

Alternativmodell zur derzeitigen Situation 

im Nahen Osten dar. 

Bisherige Konzerte führten das West- 

Eastern Divan Orchestra unter anderem in 

die Berliner Philharmonie, das Teatro alla 

Scala in Mailand, den Musikverein in Wien,

die Carnegie Hall in New York, das 

Tschaikowsky-Konservatorium in Moskau, 

das Hagia Eirene Museum in Istanbul, die 

Salle Pleyel in Paris, die Plaza Mayor in 

Madrid und das Teatro Colón in Buenos 

Aires sowie in die Generalversammlung der 

Vereinten Nationen anlässlich der Verabschiedung 

des Generalsekretärs Kofi Annan 

am 18. Dezember 2006 in New York. Zudem 

ist das Orchester regelmäßiger Gast bei 

den BBC Proms und den Salzburger 

Festspielen. 

Das West-Eastern Divan Orchestra hat 

zahlreiche CDs und DVDs eingespielt, wie 

29 

einen Konzertmitschnitt aus der Genfer 

Viktoria Halle (2004), eine Live-Aufnahme 

von Beethovens Sinfonie Nr. 9 aus der Berliner 

Philharmonie (2006) sowie das symbolträchtige 

Konzert im Kulturpalast von 

Ramallah (2005). Im Mai 2011 erschien eine 

Aufnahme von Schönbergs Variationen für 

Orchester op. 31 und Tschaikowskys Symphonie 

Nr. 6. Die Dokumentation »Knowledge 

is the beginning« wurde mehrfach 

international ausgezeichnet, zum Beispiel 

mit einem Emmy Award im Jahr 2006.


Freitag, 29. Juni 2012, 20 Uhr, Neubau 

W. A. Mozart: 

Flötenquartett Nr. 2 G-Dur, KV 285a 

Andante 

Tempo di Menuetto 

Gili Schwarzman, Daishin Kashimoto, 

Amihai Grosz, Zvi Plesser 

F. Poulenc: 

Trio für Trompete, Horn und Posaune 

Allegro moderato 

Andante 

Rondeau 

Sergei Nakariakov, Chezy Nir, 

Tomer Maschkowski 

E. Ewazen: 

Mosaics, für Flöte, Fagott und Marimbaphon 

Barcarole 

Fantasie und Fuge 

Pavane 

Tarantella 

Gili Schwarzman, Gilbert Audin, 

Ria Ideta 

Pause 

I. Strawinsky: 

Die Geschichte vom Soldaten, für Sprecher, 

Violine, Kontrabass, Klarinette, Fagott, 

Trompete, Posaune und Schlagzeug 

Isabel Karajan, Guy Braunstein, 

Nabil Shehata, Chen Halevi, 

Gilbert Audin, Sergei Nakariakov, 

Tomer Maschkowski, Jürgen Karle 

Leitung: Ohad Ben-Ari 

30

W. A. Mozart: 

Flötenquartett Nr. 2 G-Dur, KV 285a 

In Mannheim erhielt Mozart 1777 von dem 

Arzt und leidenschaftlichen Hobby-Flötisten 

Ferdinand Dejean den Auftrag, drei Flötenkonzerte 

und sechs Flötenquartette zu 

komponieren. Dies erwies sich aber als 

recht schwere Aufgabe für Mozart, da er 

die Flöte laut eigener Aussage so gar nicht 

leiden konnte. So gab er bereits nach zwei 

Konzerten und drei Quartetten auf und erhielt 

folglich auch nur die Hälfte des vereinbarten 

Honorars – sehr zum Zorne des Vaters. 

Die Quellenlage bezüglich der Quartette ist 

nicht ganz einfach und es lässt sich nur 

schwer feststellen, welche wirklich von 

Mozart sind und welches zu den oben 

genannten Auftragskompositionen für 

Dejean gehört. Das G-Dur- Quartett ist das 

zweite der Quartette der Gruppe und sieht 

auf den ersten Blick nicht überwältigend 

aus: Es ist zweisätzig und somit wahrscheinlich 

an Johann Christian Bach orientiert, 

den Mozart aufrichtig bewunderte. Die 

beiden Sätze stehen in derselben Tonart 

und ähneln sich auch bezüglich der Länge 

und des Tempos. Im Gegensatz zum ersten 

Quartett zeichnet sich dieses durch seine 

durchgängig besinnliche Stimmung aus. 

Mozart schuf hier feine Kontraste in Instrumentierung 

und Harmonik. Besonders im 

langsamen Satz zeigt sich Mozarts Originalität: 

Die Flöte spielt hier eine schlichte 

Kantilene in h-moll über der gezupften 

Begleitung der Streicher. Ein ganz wunderbarer 

Bezug zu den Flötenwerken Johann 

Sebastian Bachs ist hier die Tonart h-moll, 

die Mozart an sich sehr selten verwendete. 

31 

F. Poulenc: 

Trio für Trompete, Horn und Posaune 

Francis Poulenc war berühmt für seine 

Fähigkeit, großartige Melodien zu komponieren. 

In seinem Trio für Trompete, Horn 

und Posaune – eine an sich schon außergewöhnliche 

Kombination, die von seiner Vorliebe 

für Blasinstrumente zeugt – kommen 

zu den wunderbaren Melodien noch eine 

große Bandbreite an Klangfarben, bestechende 

Rhythmen, interessante Harmonien 

und musikalischer Witz hinzu. Die Sonate 

entstand 1922, wurde allerdings 1945 von 

Poulenc selbst noch einmal überarbeitet. 

Das Allegro beginnt mit einem freudigen 

Thema in der Trompete, das sich immer 

mehr zu heiteren Tanzepisoden entwickelt, 

die gespickt sind mit ständig wechselnden 

Rhythmen. Im Mittelteil geht es im zweiten 

Thema, das Trompete und Horn vorstellt, 

etwas lyrischer zu, bevor die Trompete zur 

Wiederholung des bäuerlichen Themas 

überleitet. Das folgende Andante ist im Stil 

eines Wiegenlieds geschrieben, das sich 

allerdings an die Themen des ersten Satzes 

anlehnt und diese fortspinnt. Durch seine 

eher weichen Dissonanzen, die Abschweifungen 

nach Moll und eine etwas gemütlichere 

Gangart wird dem Satz jedoch jede 

Härte genommen. Das lichte und kesse 

Rondeau beschließt Poulencs Sonate. Das 

Hauptthema klingt ein wenig nach einem 

falsch gesungenen Volkslied – wieder 

einmal ein Beweis für Francis Poulencs 

musikalischen Witz. Dieses immer wiederkehrende 

tänzerische Thema wechselt sich 

ab mit kurzen spritzigen Episoden und 

beendet so das leichtherzige Werk.

E. Ewazen: 

Mosaics, für Flöte, Fagott und 

Marimbaphon 

Der amerikanische Komponist Eric Ewazen 

wurde 1954 in Cleveland geboren. Nach 

seinem Studium an der Eastman School 

of Music promovierte er an der Juilliard. Zu 

seinen Lehrern gehörten Milton Babbitt, 

Joseph Schwandtner, Samuel Adler und 

Gunther Schuller. Schon während seiner 

Studienzeit war er als Komponist aktiv und 

wurde bereits zu dieser Zeit schon mit diversen 

renommierten Kompositionspreisen 

ausgezeichnet. Neben seiner Arbeit als 

Komponist ist er auch seit 1980 als Dozent 

tätig. Die Kompositionen Ewazens sind von 

Beginn an denkbar vielfältig: so hat er 

Orchestermusik geschrieben, ebenso wie 

Klavier- und Vokalwerke oder auch Kammermusik. 

Sein Stil ist dabei einzigartig und 

wird wohl am ehesten verglichen mit dem 

anderer hochrangiger amerikanischer 

Ikonen wie beispielsweise Aaron Copland. 

Als Komponist des 20./21. Jahrhunderts 

befasste er sich zwar auch mit der Atonalität, 

bekennt sich aber in seinen Kompositionen 

zur tonalen Musik. Ausgangspunkt 

dafür ist seine Orientierung an den Musikern, 

für die er schreibt und die gerade in 

der heutigen Zeit Freude haben an neuer, 

aber tonaler Musik. Durch einen seiner 

zahlreichen Kompositionsaufträge begann 

er auch, sich mit Kammermusik zu beschäftigen, 

die das Schlagzeug, in unserem Fall 

die Marimba, einschließt. Das viersätzige 

Werk »Mosaics« für Flöte, Fagott und 

Marimba entstand 1992 für ein paar Freunde, 

Mitglieder des Metropolitan Opera 

Orchestras. Durch die ungewöhnliche 

Besetzung und die damit verbundenen 

Klangfarben kam das Werk auch zu seinem 

Titel »Mosaics« und integriert sich so 

32 

wunderbar in die aktuelle Ausstellung »Die 

Eroberung der Wand. Nazarenerfresken im 

Blick der Gegenwart«, die damit durch eine 

weitere künstlerische Technik ergänzt wird. 

Ewazens Werk erstrahlt in hellen, klaren 

Farben, mal eher in Pastelltönen, manchmal 

mit großer Spielfreude und großen Kontrasten, 

dann wieder eher lyrisch. Zu dieser 

Vielfalt tragen auch die Rhythmen bei: Im 

ersten Satz verbindet er ein weiches Thema 

mit dem Rhythmus einer Barcarole, im zweiten 

Satz orientiert er sich an der barocken 

Form des Präludiums mit Fuge. Im letzten 

Satz stellt er der eher ruhigen Pavane eine 

quirlige Tarantella gegenüber. 


Die Geschichte vom Soldaten, für Sprecher, 

Violine, Kontrabass, Klarinette, Fagott, 

Trompete, Posaune und Schlagzeug 

1917 entstand für eine Wanderbühne Igor 

Strawinskys Werk »Die Geschichte vom 

Soldaten«. Der Dichter Charles-Ferdinand 

Ramuz, der die Texte beisteuerte, bediente 

sich als Vorlage zweier russischer Märchen: 

Ein Soldat geht einen verhängnisvollen Pakt 

mit dem Teufel ein und überlässt diesem 

seine Geige im Tausch gegen ein Buch, 

das Reichtümer verspricht. Zudem soll er 

dem Teufel das Geigenspiel beibringen. Der 

Soldat erfüllt die Bedingungen, jedoch sind 

in seiner realen Welt inzwischen drei Jahre 

vergangen – seine Braut ist verheiratet und 

er gilt als fahnenflüchtig. Zwar wird er durch 

das Buch reich, jedoch kann ihm auch der 

Reichtum kein Glück bescheren. Er wünscht 

sich nichts sehnlicher als seine Geige 

zurück, um auch die kranke Prinzessin, in 

die er sich mittlerweile verliebt hat, heilen 

zu können. Bei einem Kartenspiel mit dem 

Teufel gelingt es ihm, seine Geige zurück-

zubekommen, doch auch hier gibt es einen 

(teuflischen) Haken: Er darf seine Heimat 

nicht mehr betreten. Über dieses Gebot 

setzt er sich jedoch hinweg, um die Prinzessin 

durch sein Geigenspiel zu heilen. Obschon 

es zunächst nach einem glücklichen 

Ende für den Soldaten aussieht, bleibt 

jedoch ungewiss, ob er nicht dem Teufel in 

dessen Welt folgen muss. Angepasst an 

die Komposition für eine Wanderbühne hat 

Strawinsky auch die Orchestrierung seines 

Werks: Er reduziert das normale Orchester 

auf zwei Streichinstrumente, zwei Holzbläser, 

zwei Blechbläser und das Schlagzeug. 

Musikalisch gesehen ist das Werk 

jedoch keinesfalls einfach gestrickt: Die 

Stimmen sind durchgängig schwierig, vor 

33 

allem in rhythmischer Hinsicht. Man hört 

lauter aneinandergereihte, kurze Abschnitte, 

die zwar rein vom Titel her an bekannte 

Formen erinnern (Marsch, Pastorale, Tango, 

Walzer, Ragtime, Choral), jedoch wirken 

auch diese Formen durch geschickte 

Verwendung von Rhythmik und melodischen 

Raffinessen wie »aus der Form geraten«. 

Somit passen sie auch zu dem grundsätzlich 

unromantischen und eher kargen 

Klang des Werks, der keine Illusionen 

aufkommen lässt. Raffiniert ist auch Strawinskys 

Verwendung des Schlagzeugs, das 

als vollwertiges Soloinstrument eingesetzt 

wird und sogar das Stück mit einem Solo 

beendet.


Samstag, 30. Juni 2012, 20 Uhr, Festsaal 

in Kooperation mit dem SWR 

L. v. Beethoven: 

Streichtrio Nr. 2 D-Dur, op. 8 

Marcia: Allegro. Adagio 

Menuetto: Allegretto 

Adagio. Scherzo: Allegro molto 

Allegretto alla Polacca 

Thema con variazioni: Andante quasi 

Allegretto 

Marcia: Allegro 

Teilnehmer der Meisterklasse: 

Mohamed Hiber (Algerien), Orhan Çelebi 

(Türkei), Yael Rubinstein (Israel) 

Y. Xenakis: 

Anaktoria, für 2 Violinen, Viola, Violoncello, 

Klarinette, Horn, Fagott und Kontrabass 

Guy Braunstein, Daishin Kashimoto, 

Chen Halevi, Chezy Nir, Gilbert Audin, 

Nabil Shehata 

S. Barber: 

Summer Music, op. 31, für Bläserquintett 

Gili Schwarzman, Tamar Inbar, 

Chen Halevi, Chezy Nir, Gilbert Audin 

Pause 

J. Brahms: 

Klavierquintett f-moll, op. 34 

Allegro non troppo. Poco sostenuto. Tempo 

Andante, un poco Adagio 

Scherzo: Allegro. Trio 

Finale: Poco sostenuto. Allegro non troppo. 

Tempo I. Presto non troppo 

Ohad Ben-Ari, Daishin Kashimoto, 

Guy Braunstein, Amihai Grosz, Zvi Plesser 

34

L. v. Beethoven: 

Streichtrio Nr. 2 D-Dur, op. 8 

In den 1790er Jahren schrieb Ludwig van 

Beethoven mehrere Streichtrios. Genaueres 

zur ihrer Entstehung ist leider nicht bekannt. 

Da Beethoven sich aber nur in dieser Phase 

mit der Gattung des Trios für Violine, Viola 

und Violoncello beschäftigt hat, liegt die 

Vermutung nahe, dass er sich damit an die 

Gattung des Streichquartetts herantasten 

wollte. Das Streichtrio Nr. 2, op. 8 entstand 

sehr wahrscheinlich 1796/1797 und ist als 

Serenade betitelt. Dies zeigt sich auch 

schon an der Form, denn es umfasst – für 

ein normales Trio eher unüblich – sechs 

Sätze. Es handelt sich um leichte, abendliche 

Gesellschaftsmusik, eingerahmt durch 

zwei Märsche. Nach dem Einleitungsmarsch 

folgt ein langsames Adagio, das 

aber auch eher heiter als besinnlich klingt. 

Nach diesem Satz werden ein Menuett mit 

Trio und ein Adagio mit Scherzo-Episoden 

aneinandergefügt. Das folgende temperamentvolle 

Allegretto alla Polacca wurde 

auch als einzelner Satz sehr populär. 

Diesem folgen ein hübsches Andante mit 

Variationen und zum Abschluss noch einmal 

ein Marsch 

Y. Xenakis: 

Anaktoria, für 2 Violinen, Viola, Violoncello, 

Klarinette, Horn, Fagott und Kontrabass 

Yannis Xenakis ist bekannt geworden als 

Pionier in Sachen Elektronischer und Computer-Musik. 

In den 1960er Jahren hatte er 

sich dadurch bereits seinen Namen 

gemacht, ebenso wie durch seine Anwendung 

mathematischer Prinzipien auf seine 

Musik. Weniger bekannt geworden ist 

Yannis Xenakis als Architekt. Besonders 

35 

bedeutend ist in diesem Zusammenhang 

seine Arbeit mit Le Corbusier – eine Kooperation, 

die Xenakis auch in seinem musikalischen 

Schaffen entscheidend beeinflusste. 

Umso passender ist es, dass eines seiner 

Werke in diesem Jahr beim Rolandseck- 

Festival zu hören ist. Feiert doch das Arp 

Museum 2012 sein fünfjähriges Bestehen 

mit einer großen Ausstellung zu Richard 

Meiers Architektur. 1969 erhielt Xenakis 

den Auftrag, für ein Festival in Avignon ein 

etwas moderateres Werk zu schreiben. Das 

Octuor de Paris, ein Ensemble, das sich 

musikalisch eher in der Klassik und Romantik 

bewegte, sollte dort sein Werk Anaktoria 

zur Uraufführung bringen. Die Einstudierung 

und Aufführung des Werkes stellte 

mit Sicherheit eine große Herausforderung 

für das Ensemble dar – es war jedoch so 

begeistert von Xenakis‘ »moderatem« Werk, 

dass es Anaktoria noch viele Male überall 

auf der Welt auführte. Das Stück beinhaltet 

eine große Spannbreite an ungewöhnlichen 

Klängen, wobei sich die Abschnitte oft ganz 

unklar aneinanderreihen. Die fünf Streicher 

vermischen in ihren Klängen die natürlichen 

Töne mit dem harschen Klang, den man 

erreicht durch das dichte Spielen am Steg. 

Streicher und Bläser werden musikalisch 

oft einander gegenüber gestellt, während 

die Klarinette gelegentlich als Soloinstrument 

behandelt wird. Die dichten Klänge 

werden oft auch in die hohen Register 

verlegt, so dass sie fast schon wie ein Quietschen 

klingen. »Anaktoria« soll der Geliebte 

der Sappho gewesen sein. Eine eher rauhe 

Schönheit kann man auch in Xenakis‘ 

Musik entdecken, die von der großen Vielfalt 

der Klänge und der vollen Ausschöpfung 

der Klangfarben herrührt.

S. Barber: 

Summer Music, op. 31, für Bläserquintett 

Samuel Barber ist wohl einer der bekanntesten 

amerikanischen Komponisten des 

20. Jahrhunderts, wenn nicht sogar überhaupt 

– es gibt kaum jemanden, der sein 

Adagio for Strings nicht kennt, ob nun 

bewusst oder unbewusst, und der hiervon 

nicht zutiefst berührt gewesen ist. 1953 

bekam er eine weitere Möglichkeit, großartige 

Kammermusik zu komponieren. Von 

der Chamber Music Society of Detroit erhielt 

er den Auftrag, ein Werk für Streicher und 

Holzbläser zu schreiben. Was ursprünglich 

als gemischtes Septett geplant war, wurde 

letzten Endes zu einem reinen Bläserquintett 

und einem der schönsten kammermusikalischen 

Werke für diese Besetzung. 

Auch wenn es sich genau genommen nicht 

um Programmmusik handelt, so gibt 

Barber jedoch schon in der Bezeichnung 

des einsätzigen Werks »Langsam und 

träge« einen Hinweis auf die sommerliche 

Atmosphäre – wann sonst kann man sich 

erlauben, langsam und träge zu spielen? 

So lässt das poetische und nostalgische 

Werk Bilder von Sommerabenden vor dem 

inneren Auge entstehen. In seinem einzigen 

Bläserquintett setzt Barber jedes der 

Instrumente (Flöte, Oboe, Klarinette, Horn 

und Fagott) und seine speziellen Klangfarben 

und Möglichkeiten in Szene. Summer 

Music ist das einzige Werk Barbers 

für Holzbläser. Dennoch hat er es geschafft, 

mit diesem Werk in dieser Gattung Ruhm 

zu erlangen. Auch beim Publikum erfreut 

es sich bis heute größter Beliebtheit. Dies 

war auch schon bei der Uraufführung 1956 

der Fall und hat sich seitdem fortgesetzt. 

36 

J. Brahms: 

Klavierquintett f-moll, op. 34 

Die Entstehungsgeschichte von Johannes 

Brahms Klavierquintett f-moll, op. 34 

spiegelt voll und ganz seine ausgeprägte 

Selbstkritik. Bereits 1861 begann er mit der 

Arbeit an einem Streichquintett – doch 

dieses wollte dem noch jungen Musiker, 

der ja selbst Pianist war, nicht ganz gelingen. 

Er legte es seinem Freund, dem Geiger 

Joseph Joachim vor, der sich weigerte, das 

Stück öffentlich zu spielen. »Zu schroff« 

war seine Aussage. Brahms machte einen 

neuen Versuch und schrieb das Werk für 

»sein« Instrument um: Es wurde eine 

Sonate für zwei Klaviere. Doch auch diese 

Fassung fand nur bedingt Zustimmung – 

diesmal bat Clara Schumann um eine 

erneute Überarbeitung. In der nächsten 

Fassung verband Brahms die beiden Klanggruppen 

miteinander und schuf mit dem 

Klavierquintett eines seiner bedeutendsten 

kammermusikalischen Werke. Von seiner 

Anlage her kann man das Quintett mit 

einem kleinen Klavierkonzert vergleichen. 

Bereits im ersten Satz verwendet er ein 

kraftvolles Hauptthema, das in mehreren 

Themenbereichen verarbeitet wird. Trotz 

eines kleinen, idyllisch anmutenden Zwischenteils 

wird der Satz doch beherrscht 

von einer wuchtigen Klanggewalt. Der zweite 

Satz wirkt dagegen sehr schlicht. Nur im 

Mittelteil kommt ein wenig mehr Expressivität 

auf. Das Scherzo hat in der Kammermusik 

in der Regel einen eher geringen 

Stellenwert – hier nimmt es jedoch fast 

schon sinfonische Ausmaße an und 

erinnert somit sehr an den Finalsatz eines 

Klavierkonzerts. Im abschließenden vierten 

Satz verbindet Brahms nun noch einmal 

die verschiedensten Elemente.


Montag, 2. Juli 2012, 20 Uhr, Festsaal 

R. Strauss/F. Hasenöhrl: 

»Till Eulenspiegel« – einmal anders! 

Grotesque musicale für Violine, Klarinette, 

Horn, Fagott und Kontrabass nach der 

Tondichtung »Till Eulenspiegels lustige 

Streiche«, op. 28, von Richard Strauss 

Daishin Kashimoto, Chen Halevi, Chezy 

Nir, Gilbert Audin, Nabil Shehata 

G. Fauré: 

Klavierquartett N. 1 c-moll, op. 15 

Allegro molto moderato 

Scherzo: Allegro vivo 

Adagio 

Finale: Allegro molto 

Ohad Ben-Ari, Guy Braunstein, 


Pause 

T. St. George Tucker: 

Andante Religioso für Streichquartett 

Guy Braunstein, Daishin Kashimoto, 


L. Spohr: 

Großes Nonett für Bläser und Streicher, op. 31 

Allegro 

Scherzo: Allegro 

Adagio 

Finale: Vivace 

Daishin Kashimoto, Amihai Grosz, 

Zvi Plesser, Gili Schwarzman, 

Nicholas Daniel, Chen Halevi, 

Gilbert Audin, Nabil Shehata 

38

R. Strauss/F. Hasenöhrl: »Till 

Eulenspiegel« – einmal anders! 

Grotesque musicale für Violine, Klarinette, 

Horn, Fagott und Kontrabass nach der 

Tondichtung »Till Eulenspiegels lustige 

Streiche«, op. 28, von Richard Strauss 

Richard Strauss hegte zunächst Pläne für 

eine ganze Eulenspiegel-Oper. Doch nachdem 

seine erste Oper Guntram 1894 kein 

Erfolg wurde, verließ ihn der Mut und er 

verarbeitete die bereits existierenden Ideen 

zu einem großen Orchesterrondo. Ein 

Programm hat er diesem – abgesehen vom 

Titel – nicht beigefügt, was aber durch seine 

illustrative Klangsprache auch gar nicht 

notwendig ist. Das musikalische Geschehen 

entwickelt sich aus zwei kurzen Tonfolgen 

und beginnt mit einer Einleitung à la »Es 

war einmal ...«, gefolgt von dem Hornthema, 

der eigentlichen Schelmenweise. Dieses 

Thema wird im Laufe des Stücks immer 

wieder wiederholt und variiert, ist also 

definitiv als das zentrale Thema zu sehen 

und wird nur durch ein kurzes Motiv in der 

Klarinette ergänzt. Strauss schafft es, auch 

ohne explizites Programm Anekdoten aus 

Till Eulenspiegels Leben zu erzählen – mit 

allen Stimmungswechseln. So erlebt man 

ihn mal unter keifenden Marktweibern, mal 

als Wanderprediger oder auch als ernsthaft 

Verliebten. Auch das Ende mit Gerichtsverhandlung, 

Todesurteil und schließlich dem 

Tod am Strang wird musikalisch dargestellt. 

Zwar impliziert die Generalpause danach 

das wirkliche Ende des Eulenspiegel, aber 

der Rückgriff auf die »Es war einmal«- 

Einleitung zeigt, dass es doch noch nicht 

ganz zu Ende ist. Seit seiner Uraufführung 

in Köln 1895 ist das Werk bis heute eines 

der populärsten Werke von Strauss. 

39 

G. Fauré: Klavierquartett N. 1 c-moll, op. 15 

1875 entstand Saint-Saëns Klavierquartett, 

das gezielt als Vorbild und Beispiel für die 

jüngeren Komponisten gedacht war. Auf 

Fauré zeigte es dementsprechend Wirkung, 

der 1876 mit den Arbeiten an seinem ersten 

Klavierquartett begann, das er 1879 fertigstellte 

und dessen Finale er 1883 überarbeitete. 

Wie auch die vorher entstandene 

Violinsonate zeigt sich hier noch der Einfluss 

der deutschen Klassiker und Romantiker. 

Dieser Einfluss beschränkt sich allerdings 

in erster Linie auf den Ton des Werks und 

das traditionelle Sonatensatzschema. Das 

Hauptthema des ersten Satzes dominiert 

das gesamte Geschehen, während das 

gesangliche Seitenthema nur eine untergeordnete 

Rolle spielt. Das Scherzo bildet eine 

absolute Ausnahme in Faurés Werk – er hat 

zwar durchaus auch sonst Sätze mit Scherzo-Charakter 

komponiert, aber nur dieses 

hat ein eigenständiges Trio und somit die 

Form A–B–A. Die Rahmenteile sind schwungvoll 

und rhythmisch interessant durch den 

ständigen Wechsel von 6/8- und 2/4-Takten. 

Das gesangliche Trio gehört mit zu den 

schönsten Ideen, die man bei Fauré finden 

kann. Gefolgt wird das Scherzo von einem 

Adagio. Das Hauptthema basiert nicht, wie 

sonst üblich, auf einer Kantilene, sondern auf 

der Entwicklung eines kurzen melancholischen 

Motivs. Das abschließende Finale ist 

wiederum wie der erste Satz in Sonatenform 

gehalten. Es ist von punktierten Rhythmen 

geprägt und endet in einer Coda in C-Dur, in 

der beide Themen kontrapunktisch verarbeitet 

werden. Das Werk fand zunächst keinen so 

großen Anklang beim Publikum. Doch mit 

der Zeit wurden die erfolgreichen Aufführungen 

häufiger und inzwischen gehört es, 

gemeinsam mit der ersten Violinsonate, zu 

den beliebtesten Kammermusikwerken Faurés.

T. St. George Tucker: 

Andante Religioso für Streichquartett 

T. St. George Tucker war eine amerikanische 

Blockflötistin und Komponistin. Nach 

ihrem Studium in Los Angeles verbrachte 

sie die meiste Zeit ihres Berufslebens in 

New York, wo sie als Komponistin, Dirigentin 

und Blockflötistin bekannt war. Zwei Merkmale 

ziehen sich kontinuierlich durch ihr 

Werk: Zum einen die Verwendung von Mikrotönen 

(sie ließ beispielsweise extra Blockflöten 

mit verschiedenen Lochgrößen anfertigen, 

um damit Mikrotöne spielen zu 

können) und zum anderen die Orientierung 

an Alter Musik. So findet man in ihrem 

Œuvre beispielsweise auch Variationen über 

Bach-Choräle. Das Andante Religioso 

gehört zu den wenigen Werken, die sie für 

Streichquartett komponiert hat. Auch hier 

findet man eine eng gesetzte Chromatik 

und die Ausnutzung aller Klangfarben der 

Streichinstrumente. Ansonsten ist über das 

Werk, seine Rezeption und Akzeptanz des 

Publikums bis heute wenig bekannt. Die 

gerade in der Romantik oft gebräuchliche 

Vortragsbezeichnung Andante religioso 

schlägt den Bogen zur aktuellen Ausstellung 

mit Nazarenerfresken – wird doch hier 

auch ein andächtiges, religiöses Moment in 

den Blick der Gegenwart gerückt.

L. Spohr: 

Großes Nonett für Bläser und Streicher, op. 31 

Wie auch schon andere groß besetzte Kammermusikwerke 

schrieb Louis Spohr sein 

Nonett für Flöte, Oboe, Klarinette, Horn, 

Fagott, Violine, Viola, Violoncello und Kontrabass 

für seinen Mäzen, den Fabrikanten 

Johannes Tost. Das 1813 entstandene Werk 

ist das erste seiner Gattung. Zugleich setzt 

Spohr hierin aber auch die Wiener Tradition 

der Divertimenti fort. Laut Spohrs Autobiographie 

hatte Johannes Tost eine Bitte 

geäußert bei seinem Auftrag – jedes »der 

Instrumente« sollte »seinem Charakter und 

Wesen gemäß« hervortreten. So beginnt 

auch der Kopfsatz des Nonetts mit zwei 

Themenkomplexen, in denen Spohr die 

Streichergruppe den Bläsern gegenüberstellt. 

Sie wechseln sich gegenseitig ab, in 

den jeweiligen Übergängen sind Sequenzen 

zu hören, die dem Satz harmonisch Tiefe 

verleihen. Am Kontrapunkt hat Spohr sich 

in den Imitationen des zweiten Satzes 

41 

orientiert. Hier lässt er das Werk abwechslungsreich 

klingen durch die Gegenüberstellung 

des Scherzos mit zwei tänzerischen 

und wiegenden Trios. Das folgende Adagio 

lebt vollkommen von der Gegenüberstellung 

der beiden Gruppen. Zunächst stellt er sie 

chorisch gegenüber, aber auch bei der 

weiteren Verästelung der Stimmen bleibt 

er bei dem Kontrast. Frisch und spielerisch 

beginnt der Finalsatz. Im Seitenthema steht 

für einen kurzen Moment die Oboe als 

Soloinstrument im Vordergrund. Dies dauert 

jedoch nur einen kurzen Moment und 

schon stehen der Ensembleklang und damit 

die Orientierung an den Wiener Divertimenti 

im Vordergrund. Das Nonett entwickelte 

sich schon bald nach der Uraufführung zu 

einem der erfolgreichsten Kammermusikwerke 

Spohrs, das er auch selbst einige 

Male in Wien, Paris und London aufführte. 

Dass es den Weg geebnet hat für andere 

groß besetzte Werke, beweisen beispielsweise 

die Nonette von George Onslow, Franz 

Lachner und Joseph Rheinberger.


Mittwoch, 4. Juli 2012, 20 Uhr, Festsaal 

in Kooperation mit dem SWR 

J. Brahms: Fünf Lieder 

(op. 105, 1, 2 und 4; op. 43, 2; op. 84, 4) 

für Mezzosopran und Klavier 

Wie Melodien zieht es mir 

leise durch den Sinn, op. 105, 1 

Immer leiser wird 

mein Schlummer, op. 105, 2 

Auf dem Kirchhofe, op. 105, 4 

Die Mainacht, op. 43, 2 

Vergebliches Ständchen, op. 84, 4 

Anna Larsson, Ohad Ben-Ari 

J. Brahms: 

Intermezzi, von Ohad Ben-Ari 

bearbeitet für Klaviertrio 

Intermezzo op. 118, 2 

Capriccio op. 76, 2 

Intermezzo op. 116, 6 

Rhapsodie op. 119, 4 

Ohad Ben-Ari, Daishin Kashimoto, 

Sol Gabetta 

O. Ben-Ari: 

Sextett für Klavier und Bläserquintett 

Ohad Ben-Ari, Gili Schwarzman, 

Nicholas Daniel, Chen Halevi, 

Chezy Nir, Gilbert Audin 

Pause 

42 

A. S. Arensky: 

Streichquartett Nr. 2 a-moll, op. 35, 

für Violine, Viola und zwei Violoncelli 

Moderato 

Variationen über 

ein Thema von Pjotr Iljitsch Tschaikowsky 

Finale: Andante sostenuto. 

Allegro moderato 

Guy Braunstein, Amihai Grosz, 

Zvi Plesser, Sol Gabetta 

R. Wagner: 

Isoldes Liebestod aus der Oper Tristan und 

Isolde, WWV 90, von Guy Braunstein 

bearbeitet für Sopran, Violine, Viola, 

Violoncello, Flöte, Oboe, Klarinette, Horn, 

Fagott und Kontrabass 

Anna Larsson, Guy Braunstein, 

Amihai Grosz, Zvi Plesser, 

Gili Schwarzman, Nicholas Daniel, 

Chen Halevi, Chezy Nir, 

Gilbert Audin, Nabil Shehata

J. Brahms: 

Fünf Lieder (aus op. 105, op. 43, op. 84) 

für Sopran und Klavier 

Das Liedschaffen von Johannes Brahms 

ist nicht wie bei einigen anderen Komponisten 

als Nebenschauplatz zu sehen, sondern 

nimmt für ihn eine wirkliche Schlüsselstellung 

in seinem Œuvre ein. In seinen ca. 

200 Liedern verbindet er seine lyrische Natur 

mit seinem Gefühl für Melodie, seinen Hang 

zum Volkslied mit meisterlicher kompositorischer 

Arbeit. Die Lieder, die am heutigen 

Abend zu hören sind, stammen alle 

aus der mittleren und späten Phase seines 

Liedschaffens. Das »Vergebliche Ständchen« 

(op. 84, 4) gehört ursprünglich zu 

den Duetten, die er komponiert hat. Die 

Romanzen des Opus 84 hat Brahms als 

musikalischen Dialog für zwei einander 

abwechselnde Stimmen komponiert. In der 

Konzertpraxis wurde das Lied allerdings in 

die Sololieder aufgenommen und ist somit 

noch häufiger im Konzertsaal zu hören. 

Das Lied »Die Mainacht« (op. 43, 2) ist 

geprägt von schmerzhafter Sehnsucht des 

Dichters nach der idealen Geliebten. Das 

Lied gestaltet sich dreiteilig, und bereits zu 

Beginn legt Brahms in der Melodie der 

ersten Textzeile die Stimmung des Liedes 

fest. Der Mittelteil wird durch den Mollklang 

überschattet. Nach einem harmonisch 

scharfen Moment des Schmerzes geht 

Brahms wieder über zum sehnsuchtsvollen 

Klang des Anfangs. Die Lieder des Opus 

105 gehören zu den persönlichsten und 

tiefst empfundenen Liedern, die Brahms 

komponiert hat. Nach dem etwas sentimentalen 

»Wie Melodien zieht es mir leise durch 

den Sinn« (op. 105, 1) folgt mit »Immer 

leiser wird mein Schlummer« (op. 105, 2) 

eine Elegie, die geprägt ist von Brahms 

Gefühl der Todesnähe. Das stille, resignierte 

43 

Lied, das nur einen kurzen leidenschaftlichen 

Moment bereithält, ist typisch für 

seinen Altersstil. Ähnlich bedeutend ist 

auch die Vertonung von »Auf dem Kirchenhofe« 

(op. 105, 4) – mit stürmischen Arpeggien 

setzt Brahms das Unwetter der 

Anfangszeilen um. Und auch hier ist der 

Tod das Thema: Brahms zitiert in der 

Schlussstrophe den Choral »Wenn ich 

einmal soll scheiden«. Mit dem Choral 

endet das Lied in Dur: Der Gedanke an den 

Tod ist da, hat aber seinen Schrecken 

verloren. 

J. Brahms: 

Intermezzi, von Ohad Ben-Ari bearbeitet 

für Klaviertrio 

Die sechs Klavierstücke op. 118 waren das 

vorletzte Opus von Johannes Brahms, das 

noch zu Lebzeiten veröffentlicht wurde. Sie 

gehören mit zu Brahms schönsten Kompositionen 

für Klavier solo. Die introvertierten 

kleinen Stücke hat er Clara Schumann 

gewidmet. Wie auch seine anderen Spätwerke 

für Klavier sind sie wesentlich intimer 

als die teils sehr expressiven und virtuosen 

frühen Klavierwerke. Seine Klavierstücke 

op. 76 veröffentlichte Brahms 1879. Inspiriert 

wurde er vermutlich durch seine Arbeit 

an der Chopin-Gesamtausgabe und die 

geplante Schumann-Gesamtausgabe. In 

den Klavierstücken op. 76 konzentrierte 

sich Brahms ganz auf die kleine, komprimierte 

Form als Gegensatz zur sonst 

bekannten großen Form (zum Beispiel 

ganze Sonaten). 1892 erschienen als nächstes 

die sieben Fantasien op. 116 und 

schließlich 1893 die vier Klavierstücke op. 

119. In den Fantasien knüpft Brahms auch 

von der Form her an sein Opus 76 an. Er 

verbindet in dieser Werkgruppe Capriccios

mit Intermezzi, wobei die Intermezzi 

wesentlich ruhiger komponiert sind als die 

sehr bewegten Capriccios. So ist das 

Intermezzo Nr. 6 stark melodisch geprägt 

und klingt etwas wehmütig. Die Rhapsodie 

op. 119, 4 gehört zu den letzten veröffentlichten 

Klavierwerken von Brahms. Die 

Komposition der vier Klavierstücke op. 119 

ist durchaus auch im größeren Zusammenhang 

mit der Entstehung von Opus 116 bis 

118 zu sehen. Sie entstanden alle recht 

zeitnah. In der abschließenden Rhapsodie 

spielt Brahms im Hauptthema mit verschiedenen 

Rhythmen und unterschiedlich 

langen Phrasen. Auch harmonisch ist das 

Werk raffiniert: So beginnt es in Es-Dur, 

endet aber in es-moll. Zwar findet man 

häufig die umgekehrte Variante (ein Moll- 

Stück endet im helleren Dur), aber doch 

eher selten diese Variante. Die vier Intermezzi 

sind heute für Klaviertrio zu hören in 

der Bearbeitung von Ohad Ben-Ari. 

O. Ben-Ari: 

Sextett für Klavier und Bläserquintett 

Ohad Ben-Aris Sextett für Klavier und Bläser 

entstand 1996 als Auftragskomposition für 

das New Israeli Woodwind Quintet. Ben- 

Ari hatte mit dem Ensemble bereits viele 

Male zusammengearbeitet und konnte 

daher das Werk nicht nur den Instrumenten, 

sondern auch den Persönlichkeiten der 

Musiker auf den Leib schreiben. Mit dieser 

Auftragskomposition bot sich Ben-Ari die 

Möglichkeit, musikalische Gedanken, die 

er über Jahre hinweg entwickelt hatte, in 

einem größeren Werk umzusetzen und zugleich 

seine »klassische Periode« zu beenden 

und sich anderen, nicht-klassischen 

musikalischen Formen zuzuwenden. Das 

Werk ist postmodernistisch orientiert und 

44 

drückt die Suche nach einer tonalen Sprache 

und romantischer Lyrizität aus. Ohne 

strenge formale Richtlinien werden die 

musikalischen Gedanken fließend aneinandergereiht. 

Diese verschiedenen Fragmente 

orientieren sich mal an Poulenc, mal 

an Prokofjew, Skrjabin oder auch Rachmaninow. 

Dabei handelt es sich nie um konkrete 

musikalische Zitate, sondern lediglich 

um melodische oder auch thematische 

Annäherungen. Das Hören dieses Werks 

ist vergleichbar mit einem Gang durch einen 

Club, in dem ausschließlich klassische 

Musik zu hören ist. Damit geht Ben-Ari auf 

die schnelllebige Zeit ein, in der die Flut an 

Reizen so groß ist, dass man sich mit der 

Zeit daran gewöhnt (gewöhnen muss), dass 

die Aufmerksamkeitsspanne kaum länger 

ist als ein paar Minuten. Ohad Ben-Ari hat 

dieses Werk seinem verstorbenen Lehrer 

und Mentor Prof. Josef Dorfman gewidmet. 

A. S. Arensky: 

Streichquartett Nr. 2 a-moll, op. 35, 

für Violine, Viola und zwei Violoncelli 

Der russische Komponist Anton Stepanovich 

Arensky geriet zu Unrecht bald nach 

seinem frühen Tod 1906 in Vergessenheit. 

Musikalisch ausgesprochen begabt, kam 

er schon in jungen Jahren mit seinen Eltern 

nach St. Petersburg, wo er bereits mit 18 

Jahren sein Studium bei Rimsky-Korsakow 

aufnahm. Bereits drei Jahre später erhielt 

er eine Professur in Moskau, wo er unter 

anderem Alexander Skrjabin und Sergei 

Rachmaninow zu seinen Schülern zählte. 

Rimsky-Korsakow bemängelte Arenskys 

fehlenden Personalstil und prophezeite ihm, 

dass seine Musik bald vergessen sein 

würde. Jedoch ist vor allem Arenskys Kammermusik 

sehr reizvoll und wurde in den

letzten Jahren auch verstärkt wiederentdeckt. 

1894 entstand sein zweites Streichquartett, 

das zunächst durch seine ungewöhnliche 

Besetzung mit Violine, Viola und 

zwei Violoncelli auffällt. Das Werk ist ganz 

dem Andenken Tschaikowskys gewidmet 

und ist daher auch im Stil eines Requiems 

gehalten. So zitiert Arensky im ersten Satz 

Melodien der orthodoxen Totenmesse, der 

zweite Satz beruht auf einem Lied von 

Tschaikowsky und der lebhafte Finalsatz 

verarbeitet ein russisches Volkslied. Die 

ungewöhnliche Besetzung mit zwei Celli 

trägt dabei zu der dunklen Grundstimmung 

des Werkes bei. Das Quartett wurde 1894 

in einem Konzert der Kaiserlichen Musikgesellschaft 

in Moskau uraufgeführt. Bis heute 

gilt es als eines der herausragenden Werke 

von Arensky. 

R. Wagner: 

Isoldes Liebestod, aus der Oper Tristan 

und Isolde, WWV 90, von Guy Braunstein 

bearbeitet für Sopran, Violine, Viola, 

Violoncello, Flöte, Oboe, Klarinette, Horn, 

Fagott und Kontrabass 

England, 12. Jahrhundert: Tristan, der Neffe 

König Markes und dessen Brautwerber, 

kehrt mit dem Schiff von Irland nach 

Cornwall zurück. An Bord ist die irische 

Königstochter Isolde, die unfreiwillig König 

Markes Braut werden soll. Da sie die Heirat, 

die nur der Vereinigung zweier Reiche dient, 

als Demütigung empfindet, schwört sie 

Tristan Rache und Tod. Sie verlangt von 

ihm, der selbst in Isolde verliebt ist, aber 

weiß, dass sich diese aufgrund höfischer 

Etikette nie erfüllen wird, dass er zu seiner 

Ehrenrettung einen Todestrank trinkt. Sie 

selbst nimmt ebenfalls die Hälfte des 

Trankes zu sich. Die beiden wissen nicht, 

45 

dass Brangäne, Isoldes Vertraute, den 

Todestrank gegen einen Liebestrank 

eingetauscht hat. So verlieben sie sich 

unsterblich ineinander. Angekommen in 

Cornwall, treffen sich die beiden Liebenden 

hinter dem Rücken König Markes, wohl 

wissend, wie hoffnungslos und unerfüllbar 

ihre Liebe ist. In ihrer Verzweiflung denken 

sie über einen gemeinsamen Tod nach. Als 

sie in flagranti erwischt werden, stürzt sich 

Tristan todesmutig ins Schwert. Zunächst 

kann er noch gerettet werden, stirbt aber 

später auf der Burg seiner Väter in Isoldes 

Armen. König Marke ist herbeigeeilt, um 

Tristan und Isolde mitzuteilen, dass er ihrem 

Glück nicht länger im Wege stehen will. 

Doch er kommt zu spät: Isolde, den Blick 

auf die Leiche ihres Geliebten gerichtet, 

stirbt Tristan in einem einzigartigen Liebestod 

nach. Dieser wird als sinnliches, rauschhaftes 

Ereignis aus Klangerlebnissen, 

Düften, ozeanischen Bildern, Verschmelzungsempfindungen 

und Lichtmetaphern 

von Wagner dargestellt. Wagner bedient 

sich in seiner Oper Tristan und Isolde einer 

bis dahin unbekannten Instrumentierung 

und kühnen Melodien. Das Orchester wird 

zum Instrument der subtilen Darstellung 

seelischer Vorgänge. Im heutigen Konzert 

ist Isoldes Liebestod in einer Bearbeitung 

für Sopran, Violine, Viola, Violoncello, 

Bläserquintett und Kontrabass zu hören.


Donnerstag, 5. Juli 2012, 20 Uhr, Neubau 

in Kooperation mit Deutschlandradio Kultur 

D. Milhaud: 

La Création du Monde, op. 81, 

für Klavierquintett 

1. Ouverture 

2. Le chaos avant la création 

3. La naissance de la flore et de la faune 

4. La naissance de l'homme et de la femme 

5. Le désir 

6. Le printemps ou l'apaisement 

Ohad Ben-Ari, Guy Braunstein, 

Daishin Kashimoto, Amihai Grosz, 

Zvi Plesser 

F. Poulenc: 

Trio für Oboe, Fagott und Klavier, op. 43 

Lent. Presto 

Andante con moto 

Rondo: Très vif 

Nicholas Daniel, Gilbert Audin, 

Ohad Ben-Ari 


Petruschka-Suite, von Hisaoki Mizuno 

bearbeitet für Marimbaphon, Violine, 

Violoncello, Oboe, Klarinette, Fagott und 

Kontrabaaa 

Ria Ideta, Daishin Kashimoto, 

Zvi Plesser, Nicholas Daniel, Chen Halevi, 

Gilbert Audin, Nabil Shehata 

Pause 

46 

A. Dvorák: Biblische Lieder, op. 99, 

im Auftrag des Rolandseck-Festivals von 

Ohad Ben-Ari bearbeitet für Mezzosopran, 

Streichquartett, Flöte, Oboe, Klarinette, 

Horn und Kontrabass 

– In Andenken an Ingeborg Dahms – 

Jurgita Adamonyté, Daishin Kashimoto, 

Guy Braunstein, Amihai Grosz, Zvi Plesser, 

Gili Schwarzman, Nicholas Daniel, 

Chen Halevi, Chezy Nir, Nabil Shehata

D. Milhaud: 

La Création du Monde, op. 81, 

für Klavierquintett 

Milhauds Werk »La création du monde« 

entstand 1923 als Kooperation zwischen 

dem schwedischen Produzenten Rolf de 

Maré, Fernand Léger als Bühnenbildner, 

Blaise Cendrars als Autor und Jean Börlin 

als Choreograph. Der Autor Cendrars wählte 

als Sujet die Erschaffung der Welt nach 

afrikanischen Schöpfungsmythen. Um 

diesem Thema gerecht zu werden, verwendete 

Milhaud bewußt Jazz-Elemente, die 

er 1922 in London und auf einer Reise in 

die USA kennen gelernt hatte. »La création 

du monde« ist ursprünglich komponiert 

für 17 Soloinstrumente, einschließlich Jazz- 

Saxophon. Dieses ist Bestandteil der 

bewussten Synthese zwischen den 

traditionellen Klängen, die Milhaud wählt 

und den ebenfalls als archaisch verstandenen 

Jazz-Elementen. Zunächst beginnt eine 

ruhig fließende Melodie, die den Schöpfungsbeginn 

einleitet. In diese mischen 

sich nach und nach Synkopen und Schlagzeugrhythmen, 

die wiederum in Kontrast 

gesetzt werden zu zarten solistischen Bläserklängen. 

Zwar ist Milhauds Vertonung 

der Schöpfungsgeschichte in erster Linie 

im Konzertsaal zu hören, jedoch sollte man 

den Ursprung als Ballett darüber nicht 

vergessen. So kann man sich vorstellen, 

wie die Tänzer zu Beginn eine undefinierbare 

Masse bilden, aus der die afrikanischen 

Schöpfungsgötter Mzame, Mebere 

sowie Nkwa hervorgehen. In immer schneller 

werdenden Rhythmen entstehen zunächst 

Bäume, aus deren herunterfallenden 

Blättern dann Tiere und schlussendlich 

ein Mann und eine Frau. Diese tanzen einen 

orgiastischen Schöpfungstanz, kommen 

am Ende aber bei sanfter Musik zur Ruhe 

47 

und erwarten den ersten Frühling. Milhauds 

Werk wurde gerade wegen seiner Jazz- 

Elemente von den Kritikern nach der Uraufführung 

am Théâtre des Champs-Elysées 

im Oktober 1923 heftig kritisiert. Zehn Jahre 

später hatte sich diese Meinung geändert 

und sein Werk wurde gerade von diesen 

als genial eingestuft, weil es die Philosophie 

des Jazz aufzeigte. Nicht zuletzt aufgrund 

von »La création du monde« wurde Milhaud 

zur Spitze der Avantgarde, zum Wortführer 

der »Groupe des Six« und nach Ravels Tod 

zum wichtigsten Komponisten Frankreichs. 

F. Poulenc: 

Trio für Klavier, Oboe und Fagott, op. 43 

Francis Poulenc komponierte sein Trio op. 

43 1926 an der französischen Riviera und 

widmete es seinem spanischen Kollegen 

Manuel de Falla. Grundsätzlich bevorzugte 

er in der Kammermusik die Bläser gegenüber 

den Streichern. In diesem Fall macht 

die Reihenfolge, in der die mitwirkenden 

Instrumente genannt werden, deutlich, wer 

das Sagen hat: So ist das Klavier hier nicht 

im Hintergrund, sondern wird deutlich mehr 

gefordert als die beiden Bläser. Mit seinen 

Dissonanzen ist das Werk eindeutig ein 

Werk des 20. Jahrhunderts, jedoch ist es 

spannend, Poulencs Rückgriffe auf die 

Musik der Klassiker und Romantiker zu 

entdecken. Die kurze langsame Einleitung 

erinnert in seiner völlig freien Spielweise 

mit Taktwechseln und unterschiedlichen 

Charakteren an ein Opernrezitativ. Das sich 

anschließende spritzige Presto zitiert ein 

Allegro von Joseph Haydn. Das kurze 

Andante erinnert an ein lyrisches Lied, das 

so auch von Mozart stammen könnte. In 

dem abschließenden schnellen Rondo ist 

nun wieder ein ganz konkretes Zitat zu 

hören: Das wiederkehrende Thema des

Rondos hat Poulenc von Saint-Saens übernommen. 

Das Werk des erst 27-jährigen 

Poulenc war direkt von Erfolg gekrönt und 

war sein erster großer Erfolg auf dem Gebiet 

der Kammermusik. 


Petruschka-Suite, von Hisaoki Mizuno 

bearbeitet für Marimbaphon, Violine, 

Violoncello, Oboe, Klarinette, Fagott 

und Kontrabass 

Strawinskys Petruschka-Suite entstand 1910 

zunächst als Ballett. Dabei wurde Strawinsky 

wie so oft von Diaghilew und seinem 

Ballets Russes unterstützt. Zunächst zur 

Geschichte: Petruschka lautet der Name 

des russischen Kasperls auf dem Jahrmarkt. 

Auf diesem Jahrmarkt lässt ein 

Zauberer Petruschka, Ballerina und den 

Mohr auftreten. Ballerinas Flirt mit dem 

Mohren macht Petruschka eifersüchtig. In 

der zweiten Szene drückt Petruschka seine 

Verletztheit in einem exzessiven Tanz aus, 

der Ballerina so verschreckt, dass diese 

flieht. Zeitgleich geht es beim Mohren lustig 

zu. Die geflohene Ballerina taucht bei ihm 

auf und tanzt mit ihm. Petruschka bekommt 

dies mit, macht ihr eine Szene und fliegt 

hochkant raus. Die letzte Szene findet wieder 

auf dem Jahrmarkt statt: Petruschka rennt 

aus dem Theater, wird vom Mohr verfolgt 

und von diesem ermordet. Am Ende 

schwebt Petruschkas Geist über dem 

Jahrmarkt und macht sich über alle lustig. 

»Petruschka« war einer der größten Erfolge 

des musikalischen Gespanns Strawinsky 

und Diaghilev. Strawinsky entfaltete hier 

zum ersten Mal seinen Personalstil. Er 

verwendet die verschiedensten Stile und 

Motive und kombiniert völlig frei musikalische 

Zitate, Volkslied, Walzer, Schlager – 

48 

alles steht nebeneinander und wird lediglich 

durch schwungvolle Rhythmen verbunden. 

A. Dvorák: Biblische Lieder, op. 99, im 

Auftrag des Rolandseck-Festivals 

von Ohad Ben-Ari bearbeitet für 

Mezzo-Sopran, Streichquartett, Flöte, 

Oboe, Klarinette, Horn und Kontrabass 

Passend zu der aktuell laufenden Nazarener- 

Ausstellung im Arp Museum, sind an diesem 

Abend die »Biblischen Lieder« von 

Dvorák zu hören. Wie schon die Bildenden 

Künstler dieser Kunstrichtung, so besann 

sich auch Dvorák bei seinen Psalmvertonungen 

auf eine reine Form der Religiosität. 

Angefeuert durch eine allgemeine Aufbruchsstimmung 

und den Aufruf, das 

tschechische Liedgut zu pflegen, begann 

Dvorák im Alter von 30 Jahren sein Liedschaffen. 

Die »Biblischen Lieder« entstanden 

1894 während seines dreijährigen 

Amerika-Aufenthalts. Sie heben sich in ihrer 

Ernsthaftigkeit von dem volksliedhaften 

Charakter der früheren Lieder an. Anlass 

zur Komposition waren die Todesnachrichten 

von Tschaikowsky, Gounod und Hans 

von Bülow, die Dvorák in Amerika erreichten. 

Für die zehn Lieder verwendete er Texte 

aus dem Buch der Psalmen, wobei er wenig 

texttreu vorgeht und nur Teile der Psalmen 

verwendet oder auch in einem Lied Worte 

verschiedener Psalmen zusammenstellt. 

So wird klar, dass es ihm bei der Auswahl 

der Textblöcke in erster Linie um eine ausgewogene 

musikalische Form der zehn Lieder 

ging als um die wortgetreue Wiedergabe 

der Texte. Musikalisch setzt Dvorák eine 

große Spannbreite von Stimmungen um: 

Gottesfurcht, Angst, Unterwerfung und Hingabe 

an die Allmacht, aber auch tiefes Gottvertrauen 

und Lobpreis sind so zu hören.

Übersetzung der Liedtexte: 

1. 

Wolken und Finsternis hüllen Sein Antlitz, 

Seines Gerichtes Spruch ist des Thrones Stütze. 

Feuer kündet Sein Name, 

sät überall Verderb der Heerscharen der Feinde. 

Sieh, Seiner Blitze Flammenmeere zucken über die Erde; 

Angesichts dessen zittert sie. 

Berge wie das Wachs zergehen vor dem Antlitz des Herren, 

unsres Gottes, aller Erde Weltherrscher. 

Und alle Völker werden seh’n 

Seinen Ruhm und Ehre. 

2. 

Zuflucht Du, Du bist mir ein Schirm und Schild, 

ich folge stets Deinen Worten. 

Weichet von hinnen, ihr falschen Verräter, 

ich will einhalten, was mein Gott mir hat geboten. 

Gib mir die Kraft, dass ich genese 

Und was Du forderst von mir, dass ich treu erfülle. 

Denn vor dem Zorne zittert mein armer Leib 

Und ich fürchte sehr, o Gott, den Richterspruch. 

3. 

Gott, o höre, hör‘ auf mein Gebet, 

verschließ Dein Ohr nicht vor meinem Felhn. 

Neige Dich und höre mich, 

denn mein bitt’res Los dauert mich sehr; 

ich klage zu Dir. 

Angsterfüllt schlägt das Herz mir und 

Todesangst krampft das Herz zusammen; 

Mich fasst ein Todesgrauen an. 

Oh, wenn ich Flügel wie die Taube hätte, 

flög‘ ich weit, um mich endlich auszuruh’n. 

Sieh, endlose Fernen locken und weilen will ich in Wüsten. 

Mit schnellem Flug würde ich fliehen vor dem Sturm und Unwetter. 

49

4. 

Gott der Herr ist Hirte mir, 

ich werde niemals Mangel leiden. 

Auf der Flur, so da grünt, 

stärkt Er mich und Er führt mich zu stillen Seen. 

Und Er labt Seele und Geist und Er weist mir gerecht 

Um Seines Namens Willen die Spur. 

Muß ich auch ohnmächtig wandeln in dem Tal der Todesschatten, 

fürchte ich für mich nichts Böses, 

denn auch Du bist bei mir. 

Und Dein Stab und Dein Schutz schenken Trost und Ruhe. 

5. 

Herr, mein Gott, ich sing‘ ein neues Lied 

Dir zu Ehren auf dem Saitenspiel und singe Psalmen, 

Herr, zu Deinem Ruhm. 

Und jeden Tag will ich spenden Lob Deinem Namen 

Und loben Dich ewig und für alle Zeiten! 

Unser Gott ist gewaltig und mächtig, würdig des Lobes, 

und Seiner Macht Größe kann nicht ausgesprochen werden. 

Erhabene Größe und Deine hehre Macht 

Und Deiner Gewalt Heiligkeit will ich besingen. 

Und über alle Welt verbreitet sich, Herr, 

Deiner Werke Ehre; 

Auch ich will Deine Allmacht stets lobpreisen, o Herr. 

6. 

Gott, erhör‘ mit Langmut mein Flehn, 

merke, Herr, auf mein Gebet! 

Denn Du bist ewig Zuflucht mir und Schutz, 

ein fester Turmbau, Heerscharen bietend die Stirn. 

Laß mich weilen in Deinem Zelt ewiglich 

Und unter Deinen Fittichen. 

Ew’ger! Du bist mein starker Gott, 

ich suche Dich am Morgen, 

meine Seele lechzt nach Dir 

schmachtend ruft stets mein Leib nach Dir 

in dem ausgedorrten, öden Land, 

dem Wasser mangelt. 

So möchte zu Deinem Namen 

Ich preisend heben meine Hände 

Und singend loben Dich, Herr, mein Leben lang. 

50

7. 

Als wir dort an den Wassern der Stadt Babylon saßen, 

wehklagten wir, da wir stets gedachten an Dich, Zion. 

Und unser Saitenspiel hingen wir an Weiden in jenem Land. 

Es forderten, die gefangen uns hielten, 

wir sollen anstimmen freudige Lieder und riefen uns zu: 

Singet und spielt, wir wollen Zions Freudenlied! 

Da erwiderten wir: 

Ei, wie könnten wir denn anstimmen Lieder Gottes, unseres Herrn, 

allwo Feindeslandes ist? 

Wenn ich Dich vergessen sollte einmal nur, 

o Jerusalem, mein Glück, 

o, dann vergesse auch, kunstreiche Hand, 

all Deine Künste! 

8. 

Blicke mich an und erbarme Dich meiner, Herr, 

denn sieh, verlassen bin ich und ohnmächtig 

und meine Herzensängste drücken mich nieder; 

enthebe mich meiner Not, enthebe mich meiner Not. 

Erbarme meiner Dich! 

Sieh all meine Not und all mein Leid, 

verzeihe alle Sünden mir. 

Dein Schutz bewahre stets die Seele, o Herr, 

vor Schmach und Sündenfall, 

denn ich harre Deiner, denn ich harre Deiner! 

9. 

Ich hebe den Blick zum Berg empor, 

woher wird mir Hilfe kommen? 

Hilfe kommt mir von dem Herren bloß, 

Schöpfer Himmels und Schöpfer der Erde. 

Nie läßt Er zu, daß wanke oder daß strauchle je dein Fuß, 

denn dein Hüter, Er schlummert nicht. 

Sieh, niemals schläft, niemals schlummert der, 

der in Ewigkeit Israel schützt. 

10. 

Singt, singet Gott, dem Herren, neue Lieder, 

denn Wunder hat Er an uns ausgeführt. 

Preise, Welt, in Jubeltönen und Psalmen singt dem Herrn! 

Meer, brause du und was dich füllt, 

der weite Erdkreis und die, so ihn bewohnen. 

Ströme, zollt dem Herrn mit ihnen Beifall, 

ihr hohen Berge jauchzet ewig! 

Fluren, jubelt und was euch füllet, 

preise, Erde, singt ihr Meere und was euch füllt! 

51

Impressum 

Planung und Organisation: 

Torsten Schreiber 

Werkeinführungen: 

Originalbeiträge von Verena Düren 

Assistenz: 

Verena Düren, Baris Toker, Stephan Berg 

Ehrenamt: 

Sabien Badenhoop, Karin und Dr. René Meyer, Gerda Naujoks 

Fotonachweise: 

Prof. Dr. Norbert Lammert © Deutscher Bundestag · Gili Schwarzman © Maia Brami 

Chen Halevi © Vincent Bouchard · Sergei Nakariakov © Thierry Cohen 

Sol Gabetta © Marco Borggreve · Amihai Grosz © Dan Porges 

Daishin Kashimoto © Matthias Creutziger · Anna Larsson © A. Thorbjörnsson 

Zvi Plesser © Orly Peled · Ria Ideta © R. Aratani · West Eastern Divan Orchestra © Luis Castilla 

Die Bilder des 6. Rolandseck-Festivals 2011auf den Seiten: 

Titel, 6/7, 11, 27, 30, 34, 37, 38, 41, 42, 45, 46, 52 © Giovanni Ausserhofer 

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7tes Rolandseck- Festival - Arp Museum Bahnhof Rolandseck

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