Programmheft - via nova - zeitgenössische Musik in Thüringen ev

via nova – zeitgenössische Musik in Thüringen e.V.
veranstaltet in Zusammenarbeit mit dem
Deutschen Komponistenverband Landesverband Thüringen
die
4. Weimarer Frühjahrstage
für zeitgenössische Musik
vom 23.4. bis 27.4. 2003
PROGRAMMHEFT
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Seite
Grußworte 3
Mitwoch, 23.4.2003
Eröffnung 9
Kompositionswettbewerb 10
Teilnehmer 11
Konzert 15
Donnerstag, 24.4.2003
Komponistensymposion 20
Konzert 20
Freitag, 25.4.2003
Komponistensymposion 32
Konzert 32
Sonnabend, 26.4.2003
Komponistensymposion 41
Konzert / Langer Festivalabend 42
Sonntag, 27.4.2003
INHALTSVERZEICHNIS
Konzert zum Kompositionswettbewerb 69
Abschlußkonzert 73
Komponisten/Interpretenverzeichnis 81
Zum Veranstalter 83
Informationen / Förderer / Sponsoren 87
Impressum 93

GRUSSWORT
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Grußwort
Zum vierten Mal lädt der Förderverein via nova
– zeitgenössische Musik in Thüringen e.V. in Zusammenarbeit
mit dem Landesverband Thüringen
des Deutschen Komponistenverbandes zu den
Weimarer Frühjahrstagen für zeitgenössische
Musik ein. Mit den Frühjahrstagen soll Weimar als
Ort des Musikschaffens, Musikerlebens und der
musikalischen Ausbildung im Bereich der zeitgenössischen
Musik in Deutschland und Eu ropa
hervorgehoben werden.
Weimar war auch in den vergangenen Jahrhunderten immer ein Ort, an dem
sich deutsche Intellektuelle, Künstler und Politiker mit europäischen Kollegen
trafen, und eben in dieser Tradition versteht sich dieses junge und innovative
Festival. Mit dem geplanten Programm wird eine Verbindung zwischen
Deutschen Komponisten und Komponisten aus der Schweiz, Österreich und
Frankreich geschaffen, Kontakte geknüpft und ein Austausch mit unseren
europäischen Nachbarn erfolgen. Immer war und bleibt Musik eine Grenzen
überschreitende Sprache, prägt aber darüber hinaus das jeweilige kulturelle
Bewusstsein ihres Herkunftslandes. Das Handwerk des Komponierens setzt
seit Jahrhunderten den grenzüberschreitenden Austausch voraus. Mit dem
Wissen der uns prägenden vergangenen Jahrhunderte und vor allem mit dem
Schaffen der Gegenwart, ist das kulturelle Europa zu gestalten.
Im Zentrum der diesjährigen Veranstaltungen steht dabei die Portraitierung
verschiedenster Komponisten zeitgenössischer Musik. Am deutschlandweit
ausgeschriebenen Kompositionswettbewerb haben sich in diesem Jahr besonders
viele Komponisten beteiligt, denen ich viel Erfolg wünsche.
Den rührigen Organisatoren gilt mein Dank für die umfangreichen Vorbereitungen.
Ich wünsche allen Teilnehmern der 4. Weimarer Frühjahrstage für
zeitgenössische Musik ein gutes Gelingen aller Veranstaltungen sowie ein
zahlreiches interessiertes und gleichermaßen einfühlsames Publikum.
Prof. Dr.-Ing. habil. Dagmar Schipanski

Grußwort
GRUSSWORT
Spätestens seit der Zeit von Goethe und Corona
Schroeter ist Weimar als ein Ort der Dichtung und
der Musik gerühmt. Ein Ort der Dichtung und der
Musik ist Weimar geblieben.
Heute leben Dichter wie Wulf Kirsten und Gisela
Kraft in Weimar, die Deutsche Shakespeare-Gesellschaft
hat in Weimar ebenso ihren Sitz wie
die alt-ehrwürdige Goethe-Gesellschaft und die
Deutsche Schillerstiftung von 1859 oder die junge
Literarische Gesellschaft Thüringen. – Die Hochschule für Musik „Franz Liszt“
Weimar hat einen sehr guten Namen als Ausbildungsstätte für Kompositionsstudenten,
das Ensemble für Neue Musik via nova – 1994 von dem Weimarer
Komponisten Johannes K. Hildebrandt gegründet – engagiert sich für die
zeitgenössische Musik und erarbeitet multimediale Projekte. Musikerinnen
und Musiker wie Christina Meissner und Christoph Ritter, Matthias Schröder
und Ivan Koval, Wally Hase und Andreas Schulik leben und arbeiten in Weimar
und haben 1995 das Ensemble klangwerkstatt weimar gegründet.
Und seit vier Jahren gibt es in Weimar die Frühjahrstage für zeitgenössische Musik.
Dieses musikalische Ereignis, das vom Verein via nova – zeitgenössische Musik
in Thüringen in Zusammenarbeit mit dem Landesverband Thüringen im Deutschen
Komponistenverband getragen wird, fand bereits im dritten Jahr eine
große Beachtung weit über die Grenzen des Freistaates Thüringen hinaus.
In diesem Jahr werden die Ergebnisse eines bundesweit ausgeschriebenen
Komponistenwettbewerbs den nucleus der Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische
Musik bilden. In Weimar gelangen in enger Zusammenarbeit mit ihren
Schöpfern die ausgezeichneten Kompositionen zur Uraufführung in Anwesenheit
von Tonsetzern auch aus der Schweiz, aus Österreich und aus Frankreich.
Unsere Stiftung Kulturfonds fördert die Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische
Musik von Anfang an und mit namhaften Geldbeträgen.
Mit Genugtuung registrieren die Juroren und die Mitarbeiter der Stiftung
Kulturfonds, dass viele Tonkünstler, deren Kompositionen in diesem Jahr zur
Aufführung gelangen, in den zurückliegenden Jahren Stipendiaten unserer
4

GRUSSWORT
Stiftung gewesen sind: u. a. Warnfried Altmann, Johannes K. Hildebrandt,
Lothar Voigtländer, Mario Wiegand und Helmut Zapf. – Der Förderung herausragender
Projekte zeitgenössischer Musik in Thüringen durch unsere Stiftung
Kulturfonds wünschen wir eine lange Zukunft.
Prof. Dr. Dietger Pforte
Geschäftsführer der Stiftung Kulturfonds
fördert zeitgenössische Kunst und Kultur in den Ländern
Berlin, Brandenburg, Mecklenburg-Vorpommern, Sachsen-
Anhalt und Thüringen durch die Vergabe von Stipendien an
Künstlerinnen und Künstler und durch Projektzuwendungen.
Anträge auf Fördermittel für das Jahr 2004 sind bis zu
folgenden Terminen einzureichen.
Projektzuwendungen bis zum 15.09.2003
Arbeitsstipendien bis zum 15.10.2003
Die Anträge sind zu richten an die Stiftung Kulturfonds,
Chausseestraße 128 A, 10115 Berlin.
Weitere wichtige Informationen zur Antragstellung und
zu den Künstlerhäusern der Stiftung unter
www.stiftungkulturfonds.de
www.kuenstlerhaus-lukas.de
www.wiepersdorf.de
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Grußwort
GRUSSWORT
Die Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische
Musik sind aus der deutschen Musiklandschaft nicht
mehr wegzudenken. In nur vier Jahren haben die
engagierten Initiatoren ein Festival etabliert, das
Weimar fünf Tage lang mit einer imponierenden
Vielzahl an Konzerten, Vorträgen und Symposien in
das Blickfeld der am zeitgenössischen Musikschaffen
interessierten Öffentlichkeit rückt. Für junge Komponisten
ist ein solches Podium, auf welchem ihre Werke
neben die Werke bereits renommierter Komponisten gestellt werden und
welches neben Konzerten auch eine Diskussionsplattform für den Austausch
von Erfahrungen und Informationen bietet, von unschätzbarem Wert.
Es ist sowohl Zeichen der Reife als auch der Akzeptanz des jungen Festivals,
wenn die Veranstalter mit Kooperationspartnern aus Österreich, Frankreich
und der Schweiz die Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische Musik in
ihrem vierten Jahr auf eine europäische Ebene gehoben haben.
Im Namen der GEMA-Stiftung wünsche ich den Komponisten, Musikern und
dem hoffentlich zahlreichen Publikum anregende Musikerlebnisse bei den 4.
Weimarer Frühjahrstagen für zeitgenössische Musik.
Prof. Dr. Michael Karbaum
GEMA-Stiftung, München
6

GRUSSWORT
7
Grußwort
2003 fi nden die Weimarer „Frühjahrstage für
zeitgenössische Musik“ das vierte Mal in Folge
statt. Im Mittelpunkt stehen Komponisten aus
Frankreich, Österreich, der Schweiz und Deutschland.
Mit Claude Debussy wird der Beginn der
Moderne markiert, die Gegenwart stellt sich mit
zahlreichen Uraufführungen dar, die keiner gemeinsamen,
eingrenzenden Ästhetik unterliegen,
sondern die Vielfalt heutiger Ausdrucksmöglichkeiten
repräsentieren.
Erstmalig wurde der Autorenanteil ins Internationale erweitert, und zum
ersten Mal wurden auch durch die Zusammenarbeit mit der Staatskapelle Weimar
Orchesterwerke in das Programm integriert. Die musikalische Tradition
Weimars fi ndet hier eine farbige, avancierte Fortsetzung, die von der musikinteressierten
Jugend Thüringens zunehmend angenommen wird.
Dank der zahlreichen Sponsoren – von denen hier nur das Ministerium für
Wissenschaft, Forschung und Kunst in Erfurt, die Stiftung Kulturfonds, die
GEMA-Stiftung, der Deutsche Musikrat, die Thüringer Zeitungsgruppe und
die Sparkassenkulturstiftung Hessen-Thüringen für alle anderen genannt
werden – wird dieses vielseitige, herausragende Forum für Komponisten und
junge Interpreten der Gegenwart trotz der anhaltenden wirtschaftlichen Rezession
ermöglicht.
Die überragende kulturelle Bedeutung Weimars begann im 18. Jahrhundert
mit dem literarischen Musenhof der Herzogin Anna Amalia und fand seine
musikalische Fortsetzung durch „Franz Liszt“, der die Stadt ab 1848 für einige
Jahre zum Zentrum der neuen Musik in Deutschland erhob und dabei zeitweilig
Hektor Berlioz und Richard Wagner als Dirigenten des Hoforchesters
verpfl ichtete.
An diese große, aber auch wechselreiche kulturelle Tradition Weimars versuchen
die einfallsreichen Initiatoren vom Landesverband Thüringen im Deutschen
Komponistenverband, die das Projektteam um Johannes K. Hildebrandt
bilden, mit ihrem erweiterten Programm anzuschließen. Sie bescheren damit

GRUSSWORT
dem ehemaligen Zentrum der deutschen literarischen Klassik, deren architektonischen
Spuren noch heute den Charme dieser anmutigen Stadt prägen, eine
wirksame kulturelle Frühjahrsattraktion, der wir viel Erfolg und Beachtung
wünschen.
Karl Heinz Wahren
Präsident des Deutschen Komponistenverbandes
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Eröffnung
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Begrüßung
Die Weimarer Frühjahrstage sind inzwischen zu einer festen Größe im kulturellen
Leben der Stadt Weimar, in Thüringen und darüber hinaus geworden.
Sie sollen Begegnungen zwischen Komponisten untereinander, zwischen
Komponisten und ihren Interpreten und natürlich zwischen den Künstlern
und unserem, hoffentlich zahlreichen Publikum ermöglichen.
Wir haben uns in diesem Jahr Gäste aus Frankreich, Österreich und der
Schweiz nach Weimar eingeladen. Wir sind neugierig auf sie, ihre Musik und
hoffen auch, mehr über die Situation des Berufstandes der Komponisten in den
jeweiligen Ländern zu erfahren. Für uns als Organisatoren der Weimarer Frühjahrstage
ist dieser europäische Akzent im Programm dieses einem pluralistischen
Ideal verpfl ichteten Festivals Bedürfnis und Herzenssache. Wir hoffen,
damit auch einen Beitrag zum Abbau kultureller Barrieren leisten zu können.
Unseren Gästen wünschen wir einen schönen und anregenden Aufenthalt in
Weimar und unserem Publikum spannende Stunden und „unerhörte“ Begegnungen
mit der Musik unserer Zeit!
Johannes K. Hildebrandt und Mario Wiegand
Podiumsdiskussion
MITTWOCH 23. APRIL 2003
“Neue Musik in Deutschland, Schweiz, Österreich und Frankreich – eine
Momentaufnahme am Beginn des 21. Jahrhunderts“
mit den Komponisten: Beat Furrer, Jürg Wyttenbach (Schweiz), Gerald Resch
(Österreich), Claude Lefebvre (Frankreich), Johannes K. Hildebrandt, Lothar
Voigtländer (Deutschland) u.a.
9
14.00 Uhr

MITTWOCH 23. APRIL 2003
Zum Kompositionswettbewerb
Vorstellung der
Wettbewerbsteilnehmer
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Anlässlich der 4. Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische Musik ist wieder
ein Kompositionswettbewerb für in Deutschland lebende Komponisten ausgeschrieben
worden.
Aus den Einsendungen wählte die Jury, bestehend aus Prof. Michael Obst,
Lothar Voigtländer, Prof. Wilfried Krätzschmar, Mario Wiegand und der
„klangwerkstatt weimar“ fünf Kompositionen aus, deren Verfasser als Wettbewerbsteilnehmer
nach Weimar eingeladen wurden.
Für die Einstudierung und Aufführung der Werke steht die „klangwerkstatt
weimar“ zur Verfügung. Im Verlauf dieser Woche wird über die endgültige
Preisvergabe durch die Jury entschieden.
Es stehen Preisgelder in einer Gesamthöhe von 6000 Euro zur Verfügung.
Beim Konzert am 27. April, 16.00 Uhr im mon ami werden die erarbeiteten
Werke vorgestellt mit anschließender Preisverleihung.
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17.00 Uhr

MITTWOCH 23. APRIL 2003
Die Wettbewerbsteilnehmer
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Roland Breitenfeld
„Die Zeit, die sich teilt, hinterlässt
eine Tätowierung ...“
(Violoncello, Klavier)
wurde 1952 in Dresden geboren. Seine
erste musikalische Aus bildung erhielt er
während seiner Mitgliedszeit im Dresdner
Kreuzchor 1963–1969 unter Rudolf
Mauersberger. Von 1972 bis 1984 arbeitete
er in der Musikabteilung der Sächsischen
Landesbibliothek in Dresden. 1974/75
Musikwissenschaftsstudium an der Martin-
Luther-Universität in Halle. Von 1978–1984
Kompositionsstudium bei Paul-Heinz Dittrich in Zeuthen sowie von 1980–1982
bei Wilfried Krätzschmar (Komposition) an der Musikhochschule in Dresden.
Die Studien mußten abgebrochen werden, weil er politischen Verfolgungen
ausgesetzt war. Letztendlich kam es auch zu einem Aufführungsverbot seiner
Kompositionen. Seit 1984 lebt Roland Breitenfeld in Freiburg i. Br. und setzte
an der dortigen Musikhochschule bis 1989 seine Kompositionsstudien fort,
Komposition bei Klaus Huber, Emmanuel Nunes und elektronische Musik bei
Mesias Maiguashca. Er arbeitete zwischenzeitlich als freier Mitarbeiter für
verschiedene Musikverlage, u.a. von 1987 bis 1993 für Ricordi, Mailand (Edition
von Partituren der Werke mit Live-Elektronik von Luigi Nono in Zusammenarbeit
mit dem Experimentalstudio der Heinrich-Strobel-Stiftung des SWF
Freiburg. Mit Nono verband ihn von 1986 bis zu dessen Tod eine enge Zusammenarbeit.)
1991 gründete er zusammen mit Donoung Lee die pro fectio-initiative freiburg,
ein Ensemble für Elektronische und Neue Musik. Seit 1992 ist er projektweise
als freier Mitarbeiter des Experimentalstudios in Freiburg tätig. Von 1995 bis
1996 war er Assistent für Computer-Notation im Elektronischen Studio der
Musikhochschule Freiburg. Zusammen mit Mesias Maiguashca baute er seit
1998 in Freiburg das K.O.-Studio (KlangObjekt-Studio) auf, welches auf die

Produktion und Aufführung computerunterstützter Musik ausgerichtet ist. Er
trat bisher als Interpret elektronischer Musik auf vielen internationalen Musik-
Festivals auf: Seine Werke wurden außer in Europa auch in Asien und Amerika
aufgeführt.
Benedikt Burghardt
MITTWOCH 23. APRIL 2003
„Movimento“ (Violoncello, Klavier)
Geb. 1.9.1960 in Essen; 1977/78 Vorberufl iche Fachausbildung:
Konzertgitarre, Folkwang-Musikschule
Essen 1978/79 Tonsatz- und Kompositionsunterricht
bei G. Graetzer in Buenos Aires (Argentinien)
1981/82 Hochschulstudium an der Folkwang-Musikhochschule
Essen im Hauptfach Konzertgitarre,
1982–84 Fortsetzung des Tonsatz- und Kompositionsunterrichtes
bei G. Graetzer in Buenos Aires Chorleitung und Dirigieren
bei A. Russo am Conservatorio J. J. Castro, Buenos Aires Teilnehmer an
Veranstaltungen der IGNM mit I. Malek, R. Febel, P. Mefano, H. Lachemann, M.
Etkin 1985/86 Musikpädagogische Fachausbildung, Freie Hochschule Stuttgart,
1995–97 Studium der „harmonikalen Grundlagenforschung“ bei Prof.
Dr. W. Schulze am Institut für Musiktheorie und harmonikale Forschung der
Musikhochschule Wien. 1995 Kompositionsförderung durch das Bundesministerium
für Wissenschaft, Forschung und Kunst, Wien, 1996 Preisträger beim
Kompositionswettbewerb der J.-Reinl-Stiftung, Wien, 1997 Preisträger beim
„Anton-Bruckner-Kompositionswettbewerb“, Linz, Preisträger beim Kompositionswettbewerb
der J.-Reinl-Stiftung, München, 1998 Kompositionsförderung
durch das Bundeskanzleramt des Staates Österreich, Zweimal erster Preis beim
internat. „Louis-Pinck-Kompositionswettbewerb“ des SaarSängerbundes,
des Saarländischen Rundfunks und Kultusministers, Saarbrücken, 1998/99
Kompositionsförderpreis der Theodor-Körner-Stiftung, Wien, 2000 1. Preis
beim internat. Kompositionswettbewerb „Guido-d‘Arezzo“ in Arezzo / Italien,
2002 Zweiter Preis beim internat. „Gustav-Mahler-Kompositionswettbewerb“
der Stadt Klagenfurt-Viktring / Österreich Preisträger beim intern. „Louis-
Pinck-Kompositionswettbewerb“ des Saar-Sängerbundes und Sonderpreis des
Kultusministers, Saarbrücken
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MITTWOCH 23. APRIL 2003
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Eun-Hwa Cho
Trio für Violoncello, Akkordeon
und Schlagzeug
wurde in Pusan (Süd Korea) geboren. Nach Abschluss
des Studiums an der Seoul National University ging
sie 1999 nach Deutschland. Seit dem Sommersemester
2000 studiert sie Komposition bei Prof. Hanspeter
Kyburz. Ihre Stücke wurden in zahlreichen Konzerten
und Festivals (Pan Music Festival, Pusan Contemporary
music Festival, Asian Composers League, Ultraschall, ect.) aufgeführt und
mit diversen Preisen (Junge Musiker Preis, Hanns Eisler Preis) ausgezeichnet.
Kilian Sprotte
„Fernweh“ (Violoncello, Akkordeon,
Schlagzeug)
geboren 1977 in Hamburg, erhielt ersten Geigenunterricht
mit 7 Jahren bei Prof. Isabella Petrosjan.
Mit 16 Jahren verbrachte er ein prägendes Jahr in
der internationalen, von Krishnamurti gegründeten
Schule Brockwood Park in Südengland, wo er
auch ersten Klavierunterricht bekam.
Kompositionsunterricht folgte dann erstmals
1996 bei Lars-Henrik Nystén in Hamburg, danach
begann er ein Kompositionsstudium zunächst
in München bei Prof. Dieter Acker (1998/99). Seit
2000 studiert er Komposition bei Prof. Younghi Pagh-Paan und Analyse, sowie
Elektronische Musik bei Günter Steinke an der HfK Bremen. Zu seinen Werken
gehören überwiegend instrumentale Kompositionen, aber auch Klanginstallationen
und Arbeiten mit Video. Er war 2002 Stipendiat des DAAD und erhielt
in Meisterkursen mit Brian Ferneyhough wesentliche Anregungen.
Neben seiner rein künstlerischen Arbeit, gilt ein großer Teil seines Interesses
den neuesten Forschungen auf dem Gebiet des computergestützten Komponie-

ens. Dabei geht es ihm im wesentlichen um eine Bereicherung des Musikdenkens
durch dieses Werkzeug, eine Erweiterung der handwerklichen Möglichkeiten
für das Schreiben von (evtl. durch Elektronik erweiterte) Instrumentalmusik.
Zur Zeit arbeitet er im Rahmen dieser Forschungen als chercheur invité
am IRCAM, Paris und wurde zur 2. internationalen Konferenz der Komponistengruppe
PRISMA in Florenz als Referent eingeladen.
Helmut Zapf
MITTWOCH 23. APRIL 2003
„210385“ (Harfe, Akkordeon)
geboren am 4.3.1956 in Rauschengesees (Thüringen);
1974 bis 1979 Kirchenmusikstudium an
den Kirchenmusikschulen in Eisenach und Halle,
1979 bis 82 Kantor in Eisenberg (Thüringen); 1982
bis 86 Meisterschüler in Komposition bei Georg
Katzer an der Akademie der Künste der DDR;
1986 Valentino Bucchi-Preis Rom; 1986 Hanns-
Eisler-Preis von Radio DDR; 1987 UA „Zusammenklang
I“ zu den Dresdner Tagen für zeitgenössische Musik; 1988 Aufenthalt im
Schweizer Zentrum für Computermusic in Zürich; 1988 UA zu den Donaueschinger
Musiktagen der Komposition „Zusammenklang II“; 1989 Arbeitsaufenthalt
in der Heinrich-Strobel-Stiftung des SWF;
1991 UA der Komposition rivolto zu den Wittener Tagen für Neue Kammermusik;
1992 UA zu den Donaueschinger Musiktagen mit „Dreiklang III“ für großes
Orchester; 1992 Gründung des Ensembles Junge Musik Berlin; 1993 Gründung
der Zepernicker Randspiele; 1993 Arbeitsaufenthalt in der Heinrich-Strobel-
Stiftung des SWF;
1995 Ehrengast der Villa Massimo Rom; 1994 Aufenthalt im Schweizer Zentrum
für Computermusic in Zürich; 1997 UA von „Approximation“, szenische
Kammermusik in der Theaterruine Rheinsberg; 1997/98 Arbeitsstipendium in
der Cité des Internationale in Paris; 2000 UA des szenischen Oratoriums „Lilith“
im neuen Theater Rheinsberg; 1996–2001 Mitglied im Kuratorium der Stiftung
Kulturfonds; 2000 Arbeitsstipendium im Künstlerhof Schreyahn.
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Konzert
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Kammerensemble Neue Musik (Berlin)
Konzert des Deutschen Musikrates
Hubert Hoche Project for Three
*1966 für Violoncello, Oboe und Klavier (2003)
Uraufführung
Beat Furrer solo für Violoncello (1999)
*1954
Péter Kerekes Quotienten
*1948 für Flöte, Oboe, Klavier (2002)
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Pause
Beat Furrer Trio
für Flöte, Oboe und Klarinette (1985)
Beat Furrer spur
für Klavier und Streichquartett (1998)
Besetzung:
MITTWOCH 23. APRIL 2003
KNM Berlin
Rebecca Lenton – Flöte
Winfried Rager – Klarinette/ Bassklarinette
Gudrun Reschke – Oboe
Frank Gutschmidt – Klavier
Steffen Tast – Violine
Ekkehard Windrich – Violine
Kirstin Maria Pientka – Viola
Ringela Riemke – Violoncello
19.30 Uhr

MITTWOCH 23. APRIL 2003
Kammerensemble Neue Musik
Berlin
Das Bedürfnis nach Auseinandersetzung
mit der Musik der unmittelbaren Gegenwart
war Ende der 80er Jahre Impuls für die
Gründung des KNM Berlin durch Studenten
der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“
Berlin.
Neben der traditionellen Konzertform
widmet sich das 11 Mitglieder umfassende
Kammerensemble, das bei größeren Projekten
auch mit Gastmusikern und Dirigenten
aus aller Welt zusammenarbeitet, insbesondere
experimenteller und szenischer Musik
sowie dem Musiktheater. Dabei geht die
Auseinandersetzung mit Komponist und
Werk über die rein musikalische Interpretation
hinaus – sie bietet einen Dialog der verschiedenen zeitlichen, räumlichen
und kulturellen Kontexte und gibt rückwirkend Impulse für die Arbeit der
Komponisten.
Die „offenen“ Musikkonzepte der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts aufgreifend,
setzt das KNM diese bewusst in eine spannungsvolle Beziehung zu aktuellen
Tendenzen des Musikmachens. Die ständige Erweiterung der eigenen klanglichen
Möglichkeiten, z.B. auch durch Hinzunahme von elektronischen Mitteln,
ist den Musikern des Kammerensemble Neue Musik Berlin ebenfalls ein wichtiges
Anliegen.
Als fester Bestandteil der Arbeit gelten weiterhin Projekte im Bereich der
Installation und Performance.
Heute gehört das KNM Berlin mit einem Festival an der Akademie der Künste,
ständigen Konzerten im In- und Ausland, Opernproduktionen (u.a. Münchner
Biennale, Wiener Festwochen, settembre musica Torino) und Gastspielen bei
den bedeutendsten Festivals Europas (u.a. Donaueschinger Musiktage, Festival
d’Automne à Paris, Wittener Tage für Neue Kammermusik) zu den stilbildenden
Ensembles für Musik der Gegenwart.
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Beat Furrer
1954 am 6. Dezember in Schaffhausen (Schweiz)
geboren, 1960 Klavierunterricht am Konservatorium
Schaffhausen, Übersiedlung nach Wien, Studium in
Fächern Dirigieren bei Qtmar Suitner sowie Komposition
bei Roman Haubenstock-Ramati an der Hochschule
für Musik und Darstellende Kunst in Wien,
1984 Preisträger des Kompositionswettbewerbs
„Junge Generation in Europa“ (Köln, Venedig, Paris),
1985 Gründung des Klangforums Wien, künstlerischer
Leiter bis Juli 1992, 1989 Uraufführung der
Oper „Die Blinden“ beim Festival „Wien modern“ Preisträger des Forums junger
Komponisten in Köln, 1991 Uraufführung des Werkes „Face de la Chaleur“ für
Flöte und Orchester im Wiener Musikverein unter Claudio Abbado, seit 1992
Professor für Komposition an der Hochschule für Musik und Darstellende
Kunst in Graz, 1992 Siemens-Stipendium, 1993 Musikpreis der Stadt Duisburg,
1994 Uraufführung der Oper „Narcissus“ im Rahmen des „Steirischen Herbstes“
an der Grazer Oper, 1996 Uraufführung des Konzertes „Nuun“ bei den Salzburger
Festspielen, „Composer in residence“ bei den Luzerner Festwochen, 1998 Uraufführung
von „spur“ für Klavier und Streichquartett in Wien, Uraufführung
von „still“ für Ensemble mit Klavier in Zürich, 1999 Uraufführung des Hörtheaters
„Stimme allein“ an den Bühnen der Stadt Bonn Uraufführung des Werkes
„Quartett“ für vier Schlagzeuger im Opernhaus Düsseldorf, 2001 konzertante Uraufführung
der Oper „Begehren“ beim „Steirischen Herbst“ Graz, Uraufführung
des Orchesterstückes „Orpheus Bücher“ in Donaueschingen, 2003 Szenische
Uraufführung der Oper „Begehren“ in Graz. Lebt in Kritzendorf bei Wien.
Hubert Hoche
MITTWOCH 23. APRIL 2003
1966 am 6.9. in Neustadt an der Aisch geboren, 1980–1987 Gitarrist in verschiedenen
Rockbands, 1987–1989 Vollzeitschüler an der Berufsfachschule für
Musik in Bad Königshofen (Dirigieren, Gitarre), 1989–1991 Hospitantenstelle
für Komposition bei Stephan Adam und Chor- und Orchesterleitung bei Ernst
Oestreicher in Bad Königshofen. Seit 1989 Tätigkeit als Chorleiter (Männer-
und gem. Chor), 1990 Preisträger des Kompositionswettbewerbes für junge

MITTWOCH 23. APRIL 2003
Komponisten auf Schloß Weikersheim („Die Armut“
für Bariton und Klavier) 1991–1996 Chordirigierstudium
bei Prof. Gert Frischmuth an der Hochschule für
Musik „Franz Liszt“ in Weimar, 1991–1997 Kompositionsstudium
bei Prof. Reinhard Wolschina und
Wolfgang von Schweinitz an der Hochschule für Musik
„Franz Liszt“ in Weimar, 1993 Kompositionskurs
bei Prof. Michel Philippot (Paris). 1997 Teilnehmer
am Hochschulforum Junger Komponisten in
Detmold mit „O quae mutatio rerum!?“ für Flöte, Viola
und Gitarre (Auswahl durch den WDR für eine Rundfunksendung),
Uraufführung von „Reden Versammlers,
Sohns Dawids, Königs in Jerusalem“ für Sprecher, 4
Schlagzeuger und 16 st. gem. Chor durch Prof. Gert Frischmuth und dem MDR-
Chor anlässlich des Abschiedskonzertes als künstlerischer Leiter des Chores
im Gewandhaus Leipzig
1998 Aufbaustudium Komposition bei Prof. Reinhard Wolschina an der Hochschule
für Musik „Franz Liszt“ in Weimar
1999 Stipendium des Thüringischen Komponistenverbandes durch das Ministerium
für Wissenschaft, Forschung und Kultur Thüringen für das Werk
„MYSTIKA“- Multimediaprojekt für Flöte, Oboe, Viola, Violoncello, Klavier und
Keyboard, In the „Second Ladislav Kubik International Prize in Composition
„Mystikum VI“ was awarded an honorable mention (3. prize) (Jury: Krzysztof
Penderecki, Siegfried Matthus), Uraufführung „Back to the roots here from the
present“ für Big Band und geteiltes gr. Orchester mit der RIAS Big Band und
dem Phil. Orchester Gera.
2000 Abschluß Aufbaustudium Komposition (Konzertexamen) bei Prof.
Reinhard Wolschina/Hochschule für Musik „Franz Liszt“ in Weimar. seit 2000
Tätigkeit als Dirigent (Blassinfonieorchesters).
2000/2001 Stipendium des Thüringischen Komponistenverbandes durch das
Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kultur Thüringen für das Werk
„Tumor“ für Oboe, Violoncello und Klavier 2001 Teilnahme an der Orchesterwerkstatt
für junge Komponisten in Gera mit dem Werk „Todesfuge“ für großes
Orchester
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MITTWOCH 23. APRIL 2003
Werkkommentar: Project for Three
Wie so oft in den Werken von Hubert Hoche kommt der Impuls für eine neue
Komposition von aussermusikalischen Fragestellungen, Begebenheiten, Ereignissen
und Entdeckungen. So auch bei „Project for Three“. „Bringt uns der
Drang nach individueller Sprache in die Isolation?“ und „Macht uns der Drang
nach Individulismus nicht zu kraftlosen Einzelkämpfern?“ sind die Ausgangsfragen
zu „Project for Three“.
Hoche stellt die Isolation sichtbar dar, in dem er die Musiker in den Raum verteilt.
Den Individualisierungsdrang stellt er im ersten Abschnitt des Werkes als
wispernde Versuche jedes einzelnen Akteurs dar, die sich aber einem dramaturgischen
Gruppenzwang nicht entziehen können. Im nächsten Abschnitt fi ndet
eine Annäherung zur gleichen allgemeinverständlichen Sprache statt. Als
diese gefunden zu sein scheint, entwickelt sich ein unheimlicher Zug durch
die „Bündelung der Kräfte“ bis zum Schluß des Werkes. Die Musiker sitzen immer
noch räumlich getrennt, was aber nach diesem Schluss sicherlich anders
zu bewerten ist als zu Beginn des Stückes.
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Péter Kerekes
wurde 1948 als Sohn des Komponisten Farkas
Laszlo Kerekes in Hodmezövasarhely bei
Szeged/Ungarn geboren. Von 1964–68 besuchte
er das Szegeder Konservatorium und studierte
von 1968 –70 an der dortigen Hochschule für
Musik Posaune und Musikpädagogik. Nach dem
Studium führten ihn Gastverträge erst an das
Greifswalder Orchester, ab 1973 als Soloposaunist
an das Greizer Orchester. Seit 1976 ist er stellvertretender
Soloposaunist im Philharmonischen
Orchester Gera.
In seine Geraer Zeit fällt auch die intensive Beschäftigung mit Komposition.

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
Komponistensymposion
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Baldur Böhme Beat Furrer
Sun-Young Pahg Gerald Resch
Antonius Streichardt Falk Zenker
Konzert in Zusammenarbeit mit
dem Studio für elektroakustische
Musik der Hochschule für Musik
„Franz Liszt“
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Ensemble für Neue Musik via nova
Konzert des Deutschen Musikrates
Gerald Resch Gesten
* 1975 für Violine und Violoncello
Antonius Streichardt Movimenti musicali
* 1936 Violine, Violoncello, Klavier
Gerald Resch Phantasie über Dreiklänge
Klavier
Baldur Böhme Trio op. 88
* 1932 Violine, Viola, Violoncello
Gerald Resch Schleifen (Uraufführung)
Flöte, Violine, Violoncello, Klavier
20
Pause
14.00 Uhr
20.00 Uhr

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
Falk Zenker „4/8/1 – Tagebuch“ (März und April 2003)
*1967 Elektroakustische Komposition für
Instrumentalquartett auf 8 CD-Player
(Uraufführung)
Sun-Young Pahg Vom Fließenden sublimiert
* 1974 für Cello, Tonband und Live-Elektronik
Christian M. Fischer EIS – elektroakustische Collagen
* 1973 (Uraufführung)
Blazej Dowlasz „Kommunikation“
* 1978 (Uraufführung)
Mechthild Bier – Flöte
Magdalena Rozanska – Violine
Christiane Freywald – Viola
Agnieszka Kotulska – Violoncello
Katharina Schlegel – Violoncello
Blazej Dowlasz – Klavier
21
Das Ensemble für Neue Musik
via nova
wurde 1994 von dem Weimarer Komponisten
Johannes K. Hildebrandt gegründet und setzt sich
seit dem überwiegend aus Studenten der Hochschule
für Musik „Franz Liszt“ Weimar zusammen.
Anliegen des jungen Ensembles ist es, zeitgenössische
Musik der Öffentlichkeit nahe zu bringen.
Die Auseinandersetzung mit Werken junger Komponisten
und Komponisten aus dem mitteldeutschen
Raum bildet dabei einen Schwerpunkt in der Arbeit der Musiker. Bei der
Erarbeitung neuer Werke und ihrer Interpretation sucht das Ensemble auch
den direkten Kontakt und die persönliche Begegnung mit den Komponisten.

Neben dem traditionellen Kammermusikkonzert experimentiert via nova auch
mit anderen Darstellungsmöglichkeiten, wie Bildender Kunst und Elektronik
und bezieht sie in die Projekte mit ein.
Mechthild Bier (Flöte)
DONNERSTAG 24. APRIL 2003
geboren 1976 in Haldensleben, Studium an der Hochschule für Musik in
Detmold und „Franz Liszt“ Weimar, 2000 Diplom, zur Zeit pädagogisches
Ergänzungsstudium in der Klasse von Prof. Wally Hase, 1999/2000 Mitglied im
Jeunesses Musicales Weltorchester
Magdalena Rozanska (Violine)
Geboren am 26.6.1978 in Poznan (Polen). 1985–91 Musikschule Poznan. 1991–97
Musikgymnasium „Für junge Talente“ Henryk Wieniawski. 1998–2000 Studium
an der Hochschule lgnacy Jan Paderewski Poznan bei Prof. Michal Grabarczyk;
Teilnahme an Meisterkursen u.a. bei Prof. Jadwiga Kaliszewska, Prof. Juliu
Hamza, Prof. Wanda Wilkomirska und Prof. lgor Ozim. Seit 2000 Studium an
der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ Weimar bei Prof. Wladimir Malinin;
Meisterkurse bei Prof. Nina Bailina und Prof. Norbert Brainin. Seit April 2000
Mitglied des Ensembles „via nova“ Weimar, Diplom 2003, Aufbaustudium.
Christiane Freywald (Viola)
geboren am 11.12.1977 in Erfurt. 1985–92 Musikschule in Erfurt. 1992–97 Musikgymnasium
„Belvedere“ Weimar. Seit 1997 Studium an der Hochschule für
Musik „Franz Liszt“ Weimar bei Prof. Thomas Wünsch. Seit 1998 Mitglied des
Ensembles „via nova“ Weimar; Kurse u.a. bei Carol Rodland. Juli 2001 Diplom
im Fach Viola.
Agnieszka Kotulska (Violoncello)
Geboren am 24.9.1981 in Radzionkow (Polen). 1988–2000 Musikgymnasium
„Frederyk Chopin“ in Beuthen; Violoncellounterricht bei Bernard Szczendzina.
22

1997–2000 Kurse u.a. bei Prof. Thomas Strahl, Prof. Pawel Urstein, Prof. Kasimir
Michalik, Prof. Eberhard Finke und Prof. Stanislaus Firley; 3. Preis beim
XXV. Polnischen J. S. Bach-Wettbewerb in Grünberg; 3. Preis beim gesamtpolnischen
Wettbewerb in Elblag. Seit Oktober 2000 Studium an der Hochschule für
Musik „Franz Liszt“ Weimar bei Prof. Brunhard Böhme.
Katharina Schlegel (Violoncello)
1978 in Stralsund geboren, 1985 erster Cellounterricht in der dortigen Musikschule,
1994–98 am Musikgymnasium Schloß Belvedere Weimar, Unterricht bei
Prof. Brunhard Böhme, seit 1998 Studium an der Hochschule für Musik „Franz
Liszt“ Weimar, 2003 Diplom, Aufbaustudium in Leipzig.
Blazej Dowlasz (Klavier)
siehe Seite 25
Studio für elektroakustische Musik (SeaM)
Das Studio für elektroakustische Musik wurde auf Basis einer intensiven
Zusammenarbeit zwischen der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ und der
Bauhaus-Universität in Weimar mir dem Ziel gegründet, das Lehrangebot in
beiden Institutionen um das Fach elektroakustische Musik und Klanggestaltung
zu erweitern. Das SeaM bietet damit offene und vielseitige Möglichkeiten
für die Produktion elektroakustischer Musik – häufi g in spartenübergreifenden
Zusammenhängen (Multimedia) – sowie für die Erforschung und Entwicklung
neuer künstlerischer Themenbereiche.
Das SeaM bietet:
DONNERSTAG 24. APRIL 2003
– ein umfassendes Lehrangebot (Seminare, Übungen, Spezialvorträge) über
elektroakustische und computergestützte Komposition, über Klanginstallationen
sowie über multimediale Projekte, die in Zusammenarbeit mit der Medienfakultät
der Bauhaus-Universität entwickelt werden.
23

– eine technische Ausstattung mit hohem professionellem Standard für ein
fundiertes Studium des Faches elektroakustische Komposition und die damit
verbundene Realisation von neuen Werken.
– Präsentation elektroakustischer Musik und Medienkunst im Rahmen von
Konzerten und Veranstaltungsreihen, auch im Zusammenhang mit Gastvorträgen
oder Konzerteinführungen durch Komponisten aus dem In- und Ausland.
Das Studio für elektroakustische Musik steht im Verbund mit dem Tonstudio
und dem neuen Konzertsaal der Musikhochschule. Dadurch entsteht eine
höchstmögliche Flexibilität hinsichtlich der technischen Betreuung unterschiedlichster
künstlerischer Projekte.
Andre Bartetzki
Geboren 1962 in Berlin, studierte Tonmeister an der Hochschule für Musik
„Hanns Eisler“ Berlin. Noch während des Studiums begann er dort mit der Einrichtung
eines Studios für elektroakustische Musik (STEAM), das er seitdem
leitet. Seit einigen Jahren unterrichtet er außerdem am elektronischen Studio
(SeaM) der Musikhochschule Weimar, an der Bauhaus-Universität Weimar und
an der TU Berlin. Neben seiner Lehrtätigkeit arbeitet er als Programmierer,
Sounddesigner und Toningenieur mit Klangkünstlern sowie Ensembles, Solisten
und Komponisten der Neuen Musik zusammen. Seine eigenen musikalischen
und künstlerischen Projekte umfassen Klang- und Videoinstallationen,
Tonbandmusik sowie live-elektronische Musik. Als Mitglied im Vorstand der
Deutschen Gesellschaft für elektroakustische Musik
(DEGEM) gibt er die vierteljährlich erscheinende
Informationszeitschrift der DEGEM heraus.
Baldur Böhme
DONNERSTAG 24. APRIL 2003
geb. 1932 in Weimar, Instrumentalunterricht seit
1937 bei Vater und Mutter, später (1942) bei den
Professoren Robert Reitz und Walter Hansmann,
Kompositionsunterricht beim Vater Fritz Böhme
und später bei Prof. Johann Cilensek, erste Kompo-
24

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
sition 1944 und erster Violinabend 1947 in Weimar, seitdem Kammermusikkonzerte,
später mit dem „Schumann-Trio“, Orchestertätigkeit (seit 1952) mehrere
Jahre an den Städt. Bühnen Erfurt, Gewandhaus zu Leipzig und Staatsoper
Berlin als 1. Geiger, bzw. Konzertmeister, 1966 Lehrer für Violine, später Professor
an der Franz-Liszt-Hochschule Weimar (1997 em.), auch Tätigkeit als
Dirigent: (1983/84) Orchester des Spezialgymnasiums Belvedere, zeitweise des
Kammerorchesters der Franz-Liszt-Hochschule und mehrfach Leitung eigener
Kompositionen (z.B. mit dem SSQ Gotha), Preisträger beim Intern. Wieniawski-
Wettbewerb für Komposition 1985 in Poznan (zweites Violinkonzert, op.77).
25
Blazej Dowlasz
geb am 29.05.1978 in Lodz (Polen). Anfang der musikalische
Ausbildung in der Musikschule in Lodz
(PPSM und PLM- H. Wieniawski in Lodz).
Später (1997–1999) studierte er an der Karol Szymanowski
Hochschule für Musik in Katowice (Polen),
Fachrichtung Klavier bei Prof. Jozef Stompel. Seit
September 1999 Student an der „Franz Liszt“ Hochschule
Weimar – zuerst in der Klasse Prof. Gunda
Köhler-Scharlach Richtung Klavier, wo er im Juli
2002 sein Künstlerisches Diplom erworben hat. Seit 2002 studiert er gleichzeitig
Komposition bei Prof. Robin Minard, und Klavier (Aufbaustudium) bei Prof.
Gunda Köhler-Scharlach.
Seit 2002 Mitglied des Ensemble für Neue Musik via nova in Weimar und Mitglied
im Deutschen Komponistenverband, Landesverband Thüringen. Seine
kompositorischen Erfahrungen stammen vor allem aus der Theatermusik. Ab
1997-2001 hatte er eine längere und erfolgreiche Zusammenarbeit mit dem
Theater „Arlekin“ (Lodz –Polen).
Theaterstücke mit seiner Musik wurden bei mehreren Festivals vom Theater
„Arlekin“ vorgestellt und haben Preise gewonnen.
Seit 2002 liegt der Schwerpunkt seiner kompositorischen Arbeit im Bereich
Elektroakustische- und Computermusik.

„Kommunikation“
Als Ausgangsmaterial für „Kommunikation“ (2002, Weimar) wurde Brownsches
Rauschen verwendet, das im Gegensatz zum spektral ausgeglichenen Weißen
Rauschen eine starke Betonung der tiefen Frequenzen aufweist.
Das Brownsche Rauschen bekam seinen Namen von der irregulären sog.
Brownschen Molekularbewegung , die man unter dem Mikroskop beobachten
kann.
Durch verschiedene Arten der Filterung (FFT, Kammfi lter, Equalizer u.a.)
wurden aus dem Rauschen weitere Basisklänge abgeleitet. Dabei erfolgten die
Filterungen und die weiteren Bearbeitungsprozesse (Pitchshifting,Granular
synthese u.a.) nicht statisch sondern dynamisch, um den Eindruck von sich
artikulierenden Klängen zu erreichen.
Christian M. Fischer
DONNERSTAG 24. APRIL 2003
geb. 1973 in Bochum, 1995–1998 Ausbildung zum
Fotograf, 1998–2000 Arbeit als Fotograf in Heilbronn,
seit 2000 Studium der Mediengestaltung an
der Bauhausuniversität in Weimar, dabei ständige
Arbeit im SeaM der HfM „Franz Liszt“ in Weimar
unter Leitung von Prof. Robin Minard.
EIS – elektroakustische Collagen
Die Collagen entstanden im WS00/01 an der Bauhaus-Universität
Weimar im Rahmen des Projektes
„h2o – Eis“ unter Leitung von Prof. Jens Geelhaar
bzw. an der HfM „Franz Liszt“ Weimar unter Leitung
von Prof. Robin Minard.
– Tiefkühlfach 3.37 min
– Eiscreme Glissando 2.52 min
– Eisfeld 4.10 min
– Unterwasser 2.46 min
– Promenade 2.34 min
26

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
Mein Ziel des Projektes war es durch die gezielte Aufnahme und Bearbeitung
von Klängen, die mit dem Medium Eis zu tun haben, das sonst stumme Eis und
seine spezifi sche Umgebung hörbar zu machen. Wie hört sich ein Tiefkühlfach
an? Die verwendeten Klänge stammen ausschließlich aus dem Umfeld des jeweiligen
Titels. Beim Tiefkühlfach z.B.: das Summen des Kühlschrank Motors,
das Knacken gefrorener Nahrungsmittel sobald sie Wärme ausgesetzt werden,
das Öffnen gefrorener Packungen usw. Dabei geht das Ohr auf eine kleine Reise
und wird Zeuge einer Metamorphose z.B.: dem Wandel des Wassers von einem
Aggregatszustand in den anderen (Tiefkühlfach), es taucht von der Welt über
Wasser unter das Eis und wieder zurück (Unterwasser), oder das Ohr wandelt
über gefrorenen Schnee (Promenade).
„Ich bin blind, und die Musik ist meine kleine Antigone, die mir helfen wird, das Unglaubliche
zu sehen.“
Jean Luc-Godard
27
Sun-Young Pahg
wurde 1974 in Korea geboren. 1994 bis 1998 studierte
sie Komposition an der Nationalen Universität
Seoul bei Byung-Dong Paik. 1999 bis 2002
studierte sie elektroakustische Komposition an
der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ in Weimar
bei Robin Minard und erhielt 2002 das Künstlerische
Diplom Elektroakustische Komposition. Sie
erhielt im Jahr 2000 den Förderpreis vom Kulturkreis
der deutschen Wirtschaft im BDI und im Jahr
2002 ein Förderstipendium der Hochschule für
Musik Weimar.
Aufführungen ihres Werks „Vom Fließenden sublimiert“ für Cello und Tonband
fanden bei der Berliner Kryptonale 7 (2001), beim sechsten Nachwuchsforum
des Ensemble Modern in Frankfurt und während der Internationalen Computermusikkonferenz
2002 in Göteborg/Schweden statt. Ihr elektroakustisches
Stück „Metallisé“ (1999) wurde in Darmstadt (Institut für Neue Musik und
Musikerziehung), sowie in Berlin und Krakau aufgeführt. Ihr neuestes Stück

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
„Relief Oktett“ für 8-Kanal Tonband (2002) erlebte 2002 in Darmstadt seine Uraufführung;
weitere Aufführungen gab es bei der Berliner Kryptonale 8 (2002)
und mit dem Belgischen Lautsprecherorchester „Musique & Recherches“ im
Rahmen der 15. Tage Neuer Musik in Weimar und Jena (2002).
Vom Fließenden sublimiert (2001)
für Cello, Tonband und Live-Elektronik
Seitdem ich mit Samples arbeite, interessiere ich mich verstärkt für das Innenleben
eines Klanges, analysiere dies und generiere anhand der gewonnenen
Informationen Fortführungen. Ausgangspunkt für „Vom Fließenden sublimiert“
war ein Kontrabass- Sample, das durch normales Streichen mit dem Bogen
erzeugt wurde. Durch Ausdehnung dieses Samples (durch Tiefertransposition),
konnte ich den Klang als zeitliche Folge von einzelnen Schwingungen der Saite
beobachten.
Weil dieser ganz tiefe Ton als Schwingungsfolge akustisch nicht hörbar ist,
habe ich eben nicht diesen Ton als Ausgangsmaterial des Stückes verwendet,
sondern eine Schwingung (eigentlich nur ein Punkt im Klang) isoliert und mit
dem Sonograph genauer betrachtet.
Mit einem Analyse-Modul in AudioSculpt ließ ich von dem Punkt, den ich
gewählt habe, die Werte von Frequenz und Amplitude aller lauten Teiltöne suchen
und erhielt dadurch zwei Listen. Diese Daten von den zwei Listen wurden
für bestimmte Bereiche skaliert, gefi ltert und in für bestimme Programme
(wie z.B. Csound-Scorefi les) kompatible Daten umgeschrieben, um für alle
synthetischen Prozesse und für die Samplebearbeitungen verwendbar zu sein.
Formal und strukturell habe ich mich für die Prozesse der Veränderungen interessiert.
Ich habe versucht darzustellen, wie Punkte sich zu einer Linie oder
zu einer Fläche entwickeln, und wie aus diesen Linien und Flächen zu neuen
Integrationen von Punkten und Linien weiter fortgeschritten werden kann.
Und eben diese Veränderungsprozesse ( sowohl im klanggenerativen Bereich
als auch in der Cellostimme ) habe ich aufeinander bezogen, indem ich die aus
der Analyse des Kontrabass-Samples gewonnenen Zahlenfolgen auf verschiedene
klangliche und musikalische Parameter übertragen habe.
28

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
29
Gerald Resch
geboren 5. Mai 1975 in Linz, lebt in Wien
Ausbildung: 1993–2000 Komposition an der
Universität für Musik Wien (Michael Jarrell),
1993–1999 Musikwissenschaft an der Universität
Wien, 1995–1996 Komposition an der Musikhochschule
Köln (York Höller), 2001–2002 Postgraduate-Kompositionsstudium
an der Universität Graz
(Beat Furrer)
Tätigkeiten: Gründungsmitglied der Komponistengruppe
„Gegenklang“ (1997), Musikpublizistische Tätigkeit (u. a. Wiener
Konzerthaus, Salzburger Festspiele, MGG) Freier Mitarbeiter für die Universal
Edition und den Doblinger Musikverlag Wien, Vorstandsmitglied der IGNM
Sektion Österreich (seit 2000), Konzertmoderationen (u. a. für die Jeunesse
und den Kulturverein Alte Schmiede Wien), Praktikum in der Dramaturgie der
Salzburger Festspiele (2002), Musikredakteur des Forschungsprojekts digital
crystal (Seit 2002)
Auszeichnungen und Stipendien: Juli – September 1997 Joint-Study-Stipendiat
an der Humboldt-Universität Berlin, März – Mai 1998 Joint-Study-Stipendiat
am Conservatoire Paris, 2000 Talentförderungsprämie des Landes Oberösterreich,
2001 Arbeitsstipendium der Stadt Wien, Februar-Juli 2001 Stipendiat am
Instituto storico austriaco in Rom, 2002 Theodor-Körner-Preis der Republik
Österreich, September 2002 Composer in Residence beim Komponistenforum
Mittersill, 2003 Österreichisches Staatsstipendium für Komposition, April
2003 Composer in Residence bei den Weimarer Frühjahrstagen für Neue Musik
Aufträge: Wiener Konzerthaus/Asian Culture Link Taipeh; Ensemble Nodos
Madrid; Studio Percussion Graz/Konzerthaus Berlin; Schömerhaus
Klosterneuburg/Festival Wien Modern; double image; Musikpalette Tulln; Ensemble
Kreativ; Pierrot Lunaire Ensemble; IGNM Österreich; via nova Weimar;
DuoSkop
Aufführungen: in Österreich, Deutschland, Schweiz, USA, Niederlande, Luxemburg,
Tschechien, Ungarn, Slowakei

Antonius Streichardt
1936 in Erfurt geboren. Nach Schulbesuch (Abitur
1954) Studium an der Hochschule für Musik
„Franz Liszt“ Weimar (1955–60). Hauptfächer: Musiktheorie
und Komposition (Prof. Alfred Böckmann),
Klavier (Anitra Reiher). 1962–64 Aspirant
an der gleichen Hochschule. Nach Lehrtätigkeiten
in Halle/Sa., Erfurt und Zwickau 1969 Rückkehr
an die Musikhochschule Weimar als Lehrer für
Musiktheorie, Gehörbildung und teilweise auch
Komposition. 1969 Oberassistent, 1971 Lektor, 1981
Dozent, 1993 Professor. Emeritierung 2001, seither im Lehrauftrag tätig. 1963
Mitglied im Verband der Komponisten und Musikwissenschaftler (DDR), 1990
im Komponistenverband Thüringen e. V., seit 2003 auch im Deutschen Komponistenverband,
Landesverband Thüringen.
Kompositionen: Orchesterwerke, Solokonzerte, Kammermusik, Chorsätze und
Liedbearbeitungen, Musik für den Unterricht, Arbeiten für das Laienmusizieren.
Falk Zenker
DONNERSTAG 24. APRIL 2003
1987-92 Klassisches Gitarrestudium an der HfM
in Weimar, seitdem freiberufl ich tätig, bis 1998
regelmäßige Spanienaufenthalte und jährliche
Tourneen mit spanischen Flamencomusikern,
1992-99 Zusammenarbeit mit dem prominenten
chilenischen Sänger Oscar Andrade und
zahlreiche Konzerte auf internationalen Bühnen.
Seit 1996 Realisierung diverser experimenteller
und multimedialer Projekte (u.a. mit Hans
Tutschku – elektroakustische Musik, Mitsuru
Sasaki – Tanz), Zusammenarbeitet mit DJs (Gabor Schablitzki), Regisseuren
(u.a. Christina Emig) und Autoren (u.a. mit Alissa Walser), bisher Veröffentlichung
zweier CDs mit eigenen Kompositionen und zahlreiche Konzerte (Solo
30

DONNERSTAG 24. APRIL 2003
und Quartett, u.a. mit Merly Donoso – Percussion) im Bereich Jazz / Weltmusik
in ganz Deutschland, seit 1999 Audio-Klanginstallationen (z.B. KZ Buchenwald,
Kyffhäuserdenkmal), Rundfunk- und Fernsehmitschnitte
„4/8/1 – Tagebuch“ (März und April 2003)
Elektroakustische Komposition für Instrumentalqurtett auf 8 CD-Player
Klangereignisse, die das Ensemble einige Zeit vor der Aufführung nach
einer Partitur eingespielt hat, werden durch den Komponisten elektronisch
bearbeitet, in einzelne Tracks zerschnitten, auf mehreren CDs organisiert und
teilweise durch gezielte mechanische Einwirkung weiter verfremdet.
Die Komposition gelangt zur Aufführung durch die selben Ensemblemitglieder,
die nun auf jeweils 2 CD-Player ihre Klänge „spielen“, d.h. nach einer
Partitur die Player starten, stoppen, weiterspulen, mechanisch bewegen, das
Volumen verändern oder den Zufallsgenerator aktivieren und somit die Klangereignisse
rhythmisch und dynamisch strukturieren.
Mit diesem Kompositionsprinzip geht Falk Zenker den Versuch ein, bestehende
Grenzen zwischen live gespielter Musik, deren Reproduktion durch CD und
elektroakustischer Komposition zu überschreiten. Der Musiker spielt „seine
Klänge“ auf einem CD-Player nach einer Partitur. Vorher aufgenommene Musik
wird „live gespielt“ und der CD-Player wird zum Instrument oder zeitweise
selbst zum Improvisator, „dirigiert“ durch den Musiker.
Es entsteht eine elektroakustische Komposition, die durch Einspiel- und
Aufführungs-Partitur und bestimmte elektronische und mechanische Klangbearbeitungen
defi niert ist. Mit dem Zufallsprinzip, der unterschiedlichen Reaktion
der Geräte auf bewusste Digitalfehler bestimmter CDs und der Individualität
der Musiker wird darüber hinaus jede Aufführung zu einem einmaligen
und nicht wiederholbaren Klangereignis.
Mit „4/8/1 – Tagebuch“ (März und April 2003) möchte der Komponist musikalische
Projektionshüllen einer leider kriegerischen und widersprüchlichen Zeit
erschaffen.
31

Komponistensymposion
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Blazej Dowlasz Claude Lefebvre
Pere Llompart Wolfgang von Schweinitz
Konzert I
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Karen Leonie Leiber (Mezzosopran)
Armin Fuchs (Klavier)
Konzert des Deutschen Musikrates
Wolfgang von Schweinitz Papiersterne op.20
* 1953 Fünfzehn Lieder für Mezzosopran
und Klavier
nach Gedichten von Sarah Kirsch
Konzert II
FREITAG 25. APRIL 2003
32
Pause
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Ancuza Aprodu (Klavier)
Thierry Miroglio (Schlagzeug)
Blazej Dowlasz Faux Pas
* 1978 Klavier und Schlagzeug
(Uraufführung)
Claude Lefebvre D’un arbre – ocean...
* 1931 solo Klavier
14.00 Uhr
19.30 Uhr
20.15 Uhr

FREITAG 25. APRIL 2003
Pierre Jodlowski Chorus 1a
* 1971 solo Schlagzeug
(Uraufführung)
Pere Llompart Invention
* 1963 Marimba und Klavier
(Uraufführung)
Hugues Dufourt An Schwager Kronos
* 1943 solo Klavier
Meeresstille, Rastlose Liebe
(Uraufführung des Zyklus für Klavier)
Maurice Ohana Etude d’Interprétation XI
(1914–1992) Klavier und Schlagzeug
Dieses Konzert wird von mdr-Kultur und DLR mitgeschnitten und gesendet.
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Karen Leonie Leiber
Mezzosopran
erhie1t ihre Gesangsausbildung an den Musikhochschulen
in Köln und Weimar bei Prof. Eugen Rabine. Ihr
Operndebüt gab sie 1997 als „Der Trommler“ in Victor
Ullmanns Oper „Der Kaiser von Atlantis“ am Theaterhaus
Jena. In Tokio (Bunka Kaikan) folgte 1999 die Partie der
Regan in Toshio Hosokawas Oper „Vision of Lear“. Die
Produktion von Münchener Biennale und Shizuoka
Performing Arts Center wurde vom japanischen Fernsehsender
NHK übertragen.
Im selben Jahr interpretierte sie unter der Regie von
Götz Friedrich die Titelpartie in der Uraufführung von
Siegfried Matthus’ Oper „Kronprinz Friedrich“. Die Premiere der Kammeroper
Schloss Rheinsberg unter Rolf Reuter wurde im Deutschlandfunk live übertragen.

Zu ihrem Repertoire zählen Partien wie Cherubino‚ Hänsel, Clara d’ Almanza
(Prokofjew). Gastverträge verbinden sie mit den Opernhäusern von Bielefeld,
Chemnitz, Weimar und den Landesbühnen Sachsen.
Das Konzertrepertoire der Mezzosopranistin umfasst sowohl Liederabende als
auch barocke und romantische Sakralmusik. Sie sang Wagners Wesendonk-
Lieder mit der Jungen Marburger Philharmonie. Karen Leonie Leiber arbeitet
mit KomponistInnen wie George Crumb („Night of the four moons“‘ D-Radio
Berlin), Younghi Pagh-Paan („Flammenzeichen“, MDR) und Adriana Hölszky
(„Monolog“ CD mit der klangwerkstatt weimar). Für sie wurden mehrere Werke
geschrieben, u.a. von Mario Wiegand, Gerald Resch und Andrea Scartazzini
(„Kypris“, NDR).
Armin Fuchs
FREITAG 25. APRIL 2003
wurde 1960 in Nürnberg geboren, Konzerttätigkeit
als Kammermusikpartner (pro arte Quartett, Haba
Quartett, Michael Svoboda), Liedbegleiter (Sigune
von Osten, Horst Laubenthal, Karen Leonie
Leiber) und Solointerpret zeitgenössischer Musik:
internationales Festival für Neue Musik Rom.
Concerts Villa de Genève. Biennale SoundWays St.
Petersburg, Festival Passage Warschau, Aspekte
Festival Salzburg. South Bohemia Music Festival
CFR. Lnternationale Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt, Münchner Opernfestspiele
und Musikbiennale, Frankfurt Feste etc. Pianist, Komponist und
Hauptdarsteller im Filmepos „Die zweite Heimat“ von Edgar Reitz.
Armin Fuchs spielte mehrmals Erik Saties „Vexations“ in 28 Stunden nonstop,
zuletzt in Kooperation mit dem Societätstheater Dresden und der Hochschule
für Musik und Theater Hannover, dokumentiert im Rahmen eines Forschungsprojekts
von Reinhard Kopiez.
Zahlreiche CD- und Rundfunkproduktionen. Dozent für zeitgenössische
Klaviermusik und Liedgestaltung an der Hochschule für Musik Würzburg. Außerdem
Lehrtätigkeit am Voice Institut für funktionale Gesangspädagogik.
Umfangreiches kompositorisches Schaffen.
34

35
Wolfgang von Schweinitz
geboren 1953 in Hamburg, Komponist. Nach
ersten Kompositionsversuchen seit 1960 studierte
er 1968–75 bei Esther Ballou an der American
University in Washington, D. C., bei Ernst Gernot
Klussmann und György Ligeti an der Staatlichen
Hochschule für Musik in Hamburg und danach
ein Jahr im Center for Computer Research in Music
and Acoustics (CCRMA) am Stanford Artifi cial
Intelligence Laboratory in Kalifornien. Es folgten
einige ausführliche Reisen. 1977–78 lebte er in
München und 1978–79 als Stipendiat der Villa Massimo in Rom. Im Sommer
1980 war er Dozent bei den Internationalen Ferienkursen in Darmstadt. Nach
zwei Jahren in Berlin zog er 1981 aufs Land, erst in die Lüneburger Heide und
dann nach Schleswig-Holstein, wo er zehn Jahre zurückgezogen am Deich
der Eider verbrachte. 1993 ging er wieder nach Berlin. Im April und Mai 1994
war er an der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ in Weimar als Mitarbeiter
an der Studienreform engagiert, und im Oktober 1994 übernahm er dort bis
März 1996 eine Gastprofessur für Komposition. 1986–89 arbeitete er an einem
abendfüllenden Stück Musiktheater (PATMOS, nach der Apokalypse des Johannes),
1991–96 an einem symphonischen Zyklus für Violoncello und Orchester (wir
aber singen) und seit 1997 auch mit digitaler Live-Elektronik an der Neu-Intonation
einer erweiterten reinen Stimmung (Helmholtz-Funk; JUZ, ein Jodelschrei;
KLANG auf Schön Berg La Monte Young; Tristan-Intonation; des Himmels Höhe
glänzet; DIE KANTATE oder, Gottes Augenstern bist du, Hörspiel).
Lebt freischaffend in Berlin.
Papiersterne op.20,
FREITAG 25. APRIL 2003
fünfzehn Lieder für Mezzosopran und Klavier nach Gedichten von Sarah Kirsch,
komponiert 1980–81 im Auftrag der Berliner Festwochen, uraufgeführt am 22.
Oktober 1981 in Berlin von Doris Soffel und Aribert Reimann. Der Liederzyklus
besteht aus drei Teilen: Teil 1 („Drachensteigen“) umfaßt die Lieder 1 bis 3, Teil
II („Schnee im August“) die Lieder 4 bis 10, Teil III („Rote Vögel“) die Lieder 11 bis
15. Die drei Teile sind jeweils in sich abgeschlossen und zugleich eng miteinander
verbunden. Alle fünfzehn Lieder basieren auf dem gleichen, harmonisch

und melodisch streng verarbeiteten Intervallmaterial. In ihrer musikalischen
Haltung sind sie, den Texten entsprechend, ganz entschieden Lieder, nicht
etwa Gesänge. Melodie und Begleitung bescheiden sich in der knappen Andeutung,
statt plakativ zu explizieren. So entstehen zurückgenommen verdichtete
Bagatellformen, in denen jedes Intervall eine Bedeutung bekommt, ohne viel
Aufhebens davon zu machen.
Ancuza Aprodu
FREITAG 25. APRIL 2003
geboren in Tirgu-Jiu (Rumänien) begann Ancuza
Aprodu schon im Alter von 4 Jahren mit dem Klavierspiel
und gewann ein Jahr später den lnterpretationswettbewerb
von Suceava. Sie setzte das
Klavierstudium bei Samaranda Murgan fort, bis sie
nach Italien ging, um bei dem Pianisten Roberto
Bollea und dem Komponisten Enrico Correggia zu
studieren. Sie erwarb das Hochschuldiplom für Klavier
am Konservatorium Turin und war Laureatin
verschiedener internationaler Preise.
Sie war ständiges Mitglied im Ensemble Europea Antidogma Musica bevor
ihre internationale Solistenkarriere in Europa, Amerika, Asien mit einem umfangreichen
Repertoire von barocker bis zeitgenössischer Musik begann. Sie
realisiert Ur- und Erstaufführungen von wichtigen Komponisten wie G.Ligeti,
Fr. Donatoni, K. Ager, B.Jolas, D. Lemaitre, M. Nobre, M. Ohana, A. Solbiati,
D .Teruggi, JC. Risset... und arbeitet als künstlerische Leiterin der zeitgenössischen
Klaviersammlung beim Jobert Verlag. Ausserdem gibt sie zahlreiche
Konzerte ( u.a. Mozart, Bach, Correggia, Solbiati...) von europäischen Orchestern
begleitet und realisiert Rundfunk- Fernsehproduktionen.
In 2000 und 2001 war Ancuza Aprodu für viele Solokonzerte und Masterklassen-Reihen
in Europa (Frankreich, Rumanien, Italien, Osterreich, Deutschland
…) Südostasien (Thailand, Philippinen), Südamerika (Argentinia, Brasilien)
und USA eingeladen. Letztens gab sie die Uraufführung vom Klavierkonzert
von Alessandro Solbiati.
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Thierry Miroglio
FREITAG 25. APRIL 2003
„Thierry Miroglio gehört zu den großen Perkussionisten der Gegenwart“
W. Mastnak, Salzburger Volkszeitung
Schlagzeugstudium bei den herausragenden Solisten Jean-Pierre Drouet und
Sylvio Gualda mit dem er am National Konservatorium in Versailles einen ersten
Preis erhielt. Harmonielehre und Kontrapunktstudien sowie Musikalische
Akustik an der Sorbonne bei Iannis Xenakis.
Thierry Miroglio war Mitglied bei mehreren wichtigen Ensembles in Frankreich
bevor seine intensive Solokarriere begann. So gibt er seit mehreren Jahren
zahlreiche Recitale und Solokonzerte in mehr als fünfundzwanzig Ländern
und wichtigen Festspielen wie Salzburg, San Francisco, Darmstadt, München,
Madrid, Rom, Bourges, Mailand, Zagreb, Nice, Köln, Paris, Hannover, Athen,
Sao Paulo, Rio, Helsinki, Bukarest, Lisbon, Buenos Aires, Genf, Besancon,
Amsterdam,Boston, Shanghai, Mexico, Berlin, Torino, Seoul...
So ist er einer der wenigen und seltenen Schlagzeuger, die eine solche solistische
Aktivität mit einem Repertoire, das über hundertfünfzig Werke umfasst,
hat.
Ausserdem nimmt Thierry Miroglio an IRCAM, GRM und verschiedenen
elektroakustischen Studioforschungen teil, realisiert zahlreiche internationale
Rundfunk- und Fernsehproduktionen und mehrere CD´s mit ihm gewidmeten
Werken für europäische Label.
Er ist Professor an dem Darius Milhaud Konservatorium von Paris für Meisterklassen
und gründet, als künstlerischer Leiter, die „Internationalen Schlagzeug
Begegnungen von Paris“.
Von grosser Wichtigkeit sind ihm Uraufführungen und er arbeitet deswegen
mit renommierten Komponisten wie Cage, Berio, Denisov, Ohana, Saariaho,
Donatoni, Risset, Stroppa, Grisey, Ager, Dufourt, Jolas... zusammen. Diese
widmen ihm ihre Stücke.
Gleichzeitig hat er als Solist mehrere CD‘s für verschiedene internationale
Labels‚ besonders eins mit gewidmeten Werken in der Sammlung „Musique
FranQaise d‘Aujourd‘hui“ in Koproduktion mit Radio France, Sacem und dem
Kulturministerium, aufgenommen.
37

Vor kurzen hat er die französische und schweizerische Erstaufführung des letzten
Werkes von Xenakis für solo Schlagzeug und Ensemble, die U.A. von dem
Schlagzeugkonzerte von Regis Campo, Marlos Nobre mit dem Rom Orchester
und dem letzten Stück mit Elektronik von Kaija Saariaho. Ausserdem ist er in
dieser Zeit wieder in Asien, Süd Amerika, Europa und USA zu Solokonzerten
eingeladen
Blazej Dowlasz
siehe Seite 25
Hugues Dufourt
FREITAG 25. APRIL 2003
Ein Einzelgänger, der in diesem Zusammenhang seltener genannt wird, der
aber laut dem französischen Musikologen Pierre Castanet den Begriff der
„musique spectrale“ geprägt hat, ist Hugues Dufourt. Er wurde 1943 in Lyon
geboren, studierte Komposition bei Jacques Guyonnet in Genf und parallel
dazu Philosophie. In Paris war er einer der Leiter des „Itinéraire“ und gründete
das Collectif de Recherche Instrumentale et de Synthèse Sonore (CRISS). Er
scheint bis heute eine vorwiegend französische Erscheinung geblieben zu sein.
Im deutschsprachigen Kulturbereich ist er, anders als Grisey, nur sporadisch in
Erscheinung getreten, so 1977 einmal in Donaueschingen mit seiner Schlagzeugkomposition
„Erewhon“. In Darmstadt, wo Hundertschaften von Komponisten
aus aller Welt ein und aus gegangen sind, ist er offenbar nur marginal in
Erscheinung getreten.
Die drei CDs, die das Label Accord nun mit Werken von Hugues Dufourt
herausgebracht hat, füllen somit für Musikhörer ausserhalb Frankreichs eine
wichtige Informationslücke. Man lernt einen Komponisten kennen, der virtuos
mit dem Instrumentalklang umgeht, über ein breites Spektrum an künstlerischen
Ausdrucksmitteln verfügt und seine Musik überdies in einen weiten
gedanklichen Horizont einzubetten versteht. Seine Musik ist beeinfl usst
sowohl von Varèse
als auch von Boulez, zu seinen geistigen Orientierungspunkten gehören nicht
nur französische Denker, sondern auch Hegel und Adorno.
38

FREITAG 25. APRIL 2003
39
Pierre Jodlowski
Pierre Jodlowsi wurde 1971 in Toulouse geboren
und erhielt eine klassische musikalische Ausbildung
in Toulouse (Klavier, Saxophon und Komposition).
In Lyon begann die Arbeit an instrumentalen
und elektroakustischen Kompositionen.
Pierre Jodlowski ist Mitbegründer des Projektes
S.A.M. („Structure d’Action Musicale“), ein Projekt
zur Förderung zeitgenössischer Musik. Eines der
Hauptanliegen seines Wirkens ist die Verbindung
von instrumentaler und elektroakustischer Musik
und die Öffnung hin zu anderen Kunstformen.
Claude Lefebvre
geboren 1931, in Ardres, bei Calais, Musikstudium am
Konservatorium Paris, Komposition in der Klasse von Darius
Milhaud, später bei Pierre Boulez an der Musikakademie
Basel 1966 wird er Professor für Analyse und Komposition
am Konservatorium Metz und unterrichtet ebenfalls an der
Universität.
Er ist Initiator des 1972 in Metz gegründeten „centre europäen pour Ia recherche
musicale“ und des Festivals Internationale Begegnung zeitgenössischer
Musik, deren künstlerische Leitung er 20 Jahre lang behält.
1976 richtet er zusätzlich ein elektroakustisches Studio ein. 1980: ‚grand prix de
la SACEM für Kammermusik, 1985 Auszeichnung „Offi cier des Arts et Lettres“
1996 gründet er das musikalische Zentrum „rendez-vous musique nouvelle“
in der Stadt Forbach/Lothringen, die ihn als Komponisten aufnimmt, denn,
neben den erwähnten Aktivitäten, gilt sein Hauptinteresse der Komposition
und der Poesie. Seine Werke wurden weltweit aufgeführt, seine Gedichte von
verschiedenen Komponisten vertont.

Pere Pou Llompart
Der Komponist Pere Pou Llompart wurde auf
Mallorca geboren und studierte Musiktheorie,
Klavier, Bratsche und Komposition am Konservatorium
in Palma de Mallorca. Später begann
er ein Gesangsstudium und ist heute ein aktiver
Opernsänger.
Er nahm regelmässig Kompositionsunterricht
bei Carles Guinovart in Barcelona. Ferner besuchte
er Meisterklassen und Kurse bei Joan Guinjoan,
Tomás Marco und Cristóbal Halffter. Seitdem arbeitet er als Autodidakt. Er
war Mitbegründer des ACIB -Komponistenverband der Balearen-, wo er als
aktives Mitglied an der Organisation von Konzerten und Veranstaltungen zur
Förderung zeitgenössischer Musik und balearischer lebender Komponisten
teilnahm. Einige frühe Stücke wurden 1987 uraufgeführt. Es folgten dann
weitere Uraufführungen in Palma de Mallorca, Barcelona und Madrid, sowie
Rundfunksendungen (Axophén, 1991).
1992 zog er nach Deutschland, um ein Aufbaustudium für Gesang zu absolvieren.
Seit 2000 ist er Mitglied des Deutschen Komponistenverbandes, zur Zeit
lebt er in Frankfurt am Main.
Maurice Ohana
FREITAG 25. APRIL 2003
Der 1914 in Casablanca geborene Maurice Ohana erhielt seine musikalische
Ausbildung in Frankreich. In den Niederlanden, wo seine Familie lebte, war
er als junger Pianist tätig und ging nach dem Zweiten Weltkrieg nach Paris.
Gemeinsam mit drei Freunden gründete er die „Groupe Zodiaque“ und suchte
mit diesem Ensemble nach neuer Freiheit der musikalischen Ausdrucksformen.
Die Vorliebe für das Klavier prägte sein Schaffen, Ohana komponierte
aber auch für Schlagzeug und seit 1976 große Orchesterwerke und die Oper
„La Célestine“. Der 1992 in Paris gestorbene Ohana ist eine Leitfi gur für viele
junge Komponisten.
40

SONNABEND 26. APRIL 2003
Komponistensymposion
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
Peter Färber Johannes K. Hildebrandt
Lothar Voigtländer Mario Wiegand
Jürg Wyttenbach
Moderation:
Prof. Dr. Albrecht von Massow (Weimar)
41
Prof. Dr. Albrecht von Massow
14.00 Uhr
Nach mehrmonatigem Nordamerikaaufenthalt
im Sommer 1982 Beginn des Studiums der Musikwissenschaft,
Philosophie und der Neueren
Deutschen Literatur an der Albert-Ludwigs-
Universität in Freiburg /Breisgau. Frühjahr 1986
bis Herbst 1990 Nebentätigkeit als Leiter des
Stockhausen-Archivs in Kürten. 1986 Lehrauftrag
für Harmonielehre und Analyse am musikwissenschaftlichen
Seminar der Universität Freiburg.
1987–1991 Mitarbeit am „Handwörterbuch der musikalischen
Terminologie (HmT)“. 1988 Magister und 1991 Promotion in Musikwissenschaft
bei Hans Heinrich Eggebrecht mit der Arbeit über „Halbwelt, Kultur
und Natur in Alban Bergs ‚Lulu‘ “, in Philosophie bei Gerold Prauss und in Neuerer
Deutscher Literatur bei Carl Pietzcker; Förderung der Promotion durch ein
Stipendium der Studienstiftung des Deutschen Volkes.
Von 1991–1993 Einführungen über „Funktionen von Musik und Geräuschen im
Radio“. Gründungsmitglied der seit 1995 bestehenden Gesellschaft für
Musik & Ästhetik. 1996 Organisation der Veranstaltungsreihe ‚Clara Schumann‘,
Vorträge und Konzerte am musikwissenschaftlichen Seminar der Universität
Freiburg (zusammen mit Christina Zech). 1997–2000 Mitorganisator und
Referent in drei Veranstaltungen der Grenzüberschreitungen. Forum für Kunst und

Wissenschaft in Freiburg. 1997–1999 Förderung der Habilitation durch ein Stipendium
der Deutschen Forschungsgemeinschaft. Habilitationsschrift „Musikalisches
Subjekt – Idee und Erscheinung in der Moderne“ an der Universität Dortmund;
Sommersemester 2000 dort Habilitation und Venia legendi. Professur für
Musik des 20.Jahrhunderts an der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ Weimar.
Langer Festivalabend
e-werk
Konzert des Deutschen Musikrates
Teil I
SONNABEND 26. APRIL 2003
Tanzperformance – transForma
Tanz: Janet Rühl, Arnd Müller, Iris Sputh
Tanzskulpturen: Ulrike Andersch
Choreografi e und Lichtregie: Iris Sputh
Musik: Eric La Casa, Manuel Berenguer
„transForma“ sind zwei Choreografi een, die als Auftragswerk zur „Langen Nacht
der elektronischen Klänge“ in der Akademie der Künste in Berlin entstanden
sind. Grundlage waren die Kompositionen „La dispersion d’ un corps, au crépuskule“
von Eric La Casa (Frankreich) und „T‘ai Chi Time“ von Manuel Berenguer
(Spanien). Der gedankliche Ansatz meiner Arbeiten ist die Veränderung von
einer größtmöglichen Abstraktion eines menschlichen Körpers im Tanz hin
zu immer mehr Gegenständlichkeit. Dabei kamen mir die Tanzskulpturen von
Ulrike Andersch in den Sinn, mit denen ich schon einige Male gearbeitet habe.
Sie ermöglichen eine breite Palette von Formveränderungen, bei denen man
den tanzenden Körper als Solchen kaum mehr wahrnimmt.
Um so verblüffender, wenn er plötzlich fragmental, nur von Taschenlampen
beschienen erscheint. Durch Licht iniziiert, öffnet sich der Raum für die
tanzende Bewegung, die Dynamik nimmt zu, der Körper wird frei, frei für den
virtuosen Umgang mit der Musik. Dies wird in der sofort darauf folgenden
Choreografi e, durch eine Tänzerin getanzt, ausgefeilt und sehr direkt spürbar.
Veränderung und Erweiterung im Figürlichen, Räumlichen und tänzerischem
Sinn.
Iris Sputh
42
18.30 Uhr

Teil II
Tegna
43
Pause
Für Sopran, Liveelektronik und Tonband, Ambisonic
Das Stück entstand als Gemeinschaftswerk der drei Komponisten Johannes
Schuett, Peter Färber und Philippe Kocher für die „Lange Nacht der elektronischen
Klänge“ 2002 in Berlin.
Kornelia Bruggmann: Sopran
Peter Färber/Philippe Kocher: Liveelektronik
Johannes Schütt: Tonband
Schweizerisches Zentrum für Computermusik (siehe Seite )
Teil III
„Visages“
Pause
Ein multimediales Kammer-Szenario
von Lothar Voigtländer
in Zusammenarbeit mit der Musikakademie Rheinsberg
siehe Seite
SONNABEND 26. APRIL 2003
Iris Sputh
geboren 1964 in Erfurt als Tochter
gewöhnlich erwerbstätiger Eltern. Von
1975 bis 1982 studierte sie an der Palucca
Schule in Dresden (Abschluss als
Bühnentänzerin). Im Anschluss daran
bis 1989 Engagement als Tänzerin an
der Semperoper Dresden. Seit 1989 ist
Iris Sputh freischaffende Tänzerin und
Choreographin. Sie wirkte an zahl-

eichen Inszenierungen am Staatsschauspiel Dresden mit und arbeitete über
fünf Jahre mit bildenden Künstlerinnen der Dresdener Sezession zusammen.
1993 gründete sie das ExisTanzTeam. Von 1995 bis 1998 trat sie regelmäßig als
Solotänzerin am Anhaltischen Theater in Dessau unter der Regie von Arila
Siegert auf.
1998 erhielt sie ein zweijähriges Stipendium an der Akademie der Künste
Berlin-Brandenburg für Regie und Choreographie. Seit 1999 lebt und arbeitet
Iris Sputh in Berlin. Dort ist sie seit 2000 Mitglied der Künstlergruppe Kryp-
Tonale. Gemeinsame Arbeiten mit den Komponisten Lothar Voigtländer und
Henry Mex, mit der Regisseurin Arila Siegert und mit den Musikern Matthias
Bauer und Günter Heinz. 2001 inszenierte Iris Sputh die Uraufführung der
szenischen Musik „Zerbrochene Bilder“ (Paul Heinz Dittrich) im Schlosstheater
Rheinsberg.
Janet Rühl
SONNABEND 26. APRIL 2003
geboren in Leipzig; 1994–98 Studium der
Tanzpädagogik an der Tanzabteilung der
Hochschule für Musik und Theater Leipzig.
Studienaufenthalt in San Francisco. Choreographierte
und tanzte u.a.: „Krähenfüße...“
(Diplomarbeit, 1998), „Orfeo ed Euridice“ (mit
„amici musicae“ Chor und Orchester Leipzig,
1999), „Ich gehe fort – u.s.w. ...!“ (Soloprojekt
Potsdam / Leipzig, 1999). In den Jahren 2000
bis 2002 tanzte sie in „Someday the rain will
stop“ von A. K. Schlehwein (Premiere in Köln
und Tournee nach Indonesien), „Variation über Chaos und Ordnung“ von Tanja
Matjas (Erfurt/Volkenroda), „24 h“ von Stuard Lynch (Barcelona), „Visages“
von Lothar Voigtländer, Choreographie: Iris Sputh (Schlosstheater Rheinsberg),
„transForma“ von Iris Sputh (Akademie der Künste Berlin), sowie in ihrer
eigenen Arbeit „ropas no ropas – femenino“ (Barcelona). Außerdem tanzte sie
in den Choreographien „now oder nie!“ und „... an den Grenzen“ beim Tanztheater
Homunculus in Wien. Im Herbst 2001 und Frühjahr 2002 Aufführungen
mit dem Tanzduett „Kleidenschaften“ der eigenen Kompanie Janet Rühl / Arnd
44

SONNABEND 26. APRIL 2003
Müller in Dresden und Köln. Seit Sommer entsteht das neue Stück „HomeLand“,
das bisher im Herbst 2002 in Barcelona und bei den Tanztagen 2003 in Berlin
aufgeführt wurde.
45
Arnd Müller
im Jahre 1969 geboren und seit 1990 freischaffender
Schauspieler, Tänzer und Regisseur. Autodidaktische
Ausbildung in Schauspiel, Tanz und
Improvisation bei verschiedenen Lehrern. 1990-94
Mitarbeit beim Spielwerk-Theater Augsburg.
Ab 1995 Inszenierung eigener Theater- und Tanztheaterproduktionen
in Zusammenarbeit mit
verschiedenen Künstlern.
Mitarbeit bei Stücken von Dieter Heitkamp
(Tanzfabrik Berlin) und von Andrea K. Schlehwein
(Stollwerk Köln). Tänzer in Stücken von Livia Patrizi (DNT Weimar), Howard
Katz Fireheart (Theater am Halleschen Ufer Berlin), Tanja Matjas (Erfurt/
Volkenroda), Stuart Lynch (CCCB Barcelona), Iris Sputh (Kryptonale Berlin,
Schlosstheater Rheinsberg, Akademie der Künste Berlin) und Achim Freyer
(Deutsche Oper Berlin).
Produktion und Inszenierung eigener Stücke in Zusammenarbeit mit Janet
Rühl:
„Orfeu ed Euridice“ (amici musicae, Leipzig 1999), „ask M.“ (Options 999, Potsdam
2000), „ropas no ropas – masculino“ (Centre Civic, Barcelona 2000), „Vita
Male“ (Kosmos Theater, Wien 2001), „Kleidenschaften“ (Projekttheater, Dresden
2001 / Orangerie, Köln) und „HomeLand“

Ulrike Andersch
Tanzskulpturen
Geboren 1962 bei Chemnitz, Abitur und Ausbildung
zur Diplom-Designerin (FH) in Schneeberg.
Festanstellungen bei Texilfi rmen als Industriedesignerin
für Mode. Seit 1989 Selbständigkeit als
Designerin, Zusammenarbeit mit einigen Textilfi
rmen, Entwicklung eigener Designerkollektionen
(Cascata und Fine Reiff), die mit dem
Sächsischen Staatspreis für Design 1995 und 1997
ausgezeichnet wurden. Um diese Kollektionen zu
präsentieren, ist eine Zusammenarbeit mit Tanz
unabdingbar. Durch das Interesse, Mode und
Tanz zu verbinden, entstand die Idee eines Mode-
Tanz-Spektakels. ART-1-Schock wurde 1992, 94
und 95 in Dresden zur Aufführung gebracht. Beginn einer steten Zusammenarbeit
mit Iris Sputh. Es entstand das Programm Tanz-Objekte Plissee, welches
mittlerweile 6 Bilder umfaßt. Angefangen mit einer plissierten Wand, über
geometrische Körper, farbige Reifenkleider bis hin zu „tragbaren“ Kleidern.
Zu Aufführungen kam es unter anderem:
Zur Designpreis-Verleihung 1997 und 2001, und Eröffnung der Formschau
1998, zu Ausstellungseröffnungen im Kunsthandwerksmuseum Schloß Pillnitz
98 und Rostock 99, sowie zum „Kunstessen im Museum“ Chemnitz 2000 und
„Nacht der Mode“ Würzburg 2002.
Für die Akademie der Künste entwickelten wir neue Stücke und Bilder. Aufführungen:
„Raupenpuppen-Schmetterklänge“ 1999 und zur „Langen Nacht der
elektronischen Klänge“ 2002.
Eric La Casa
SONNABEND 26. APRIL 2003
Eric La Casa, 1968 in Tours/Frankreich geboren, komponiert elektroakustische
Musik, bei der er Landschaften und deren Geräusche musikalisch umsetzt.
Dadurch entsteht eine sehr tiefe und neue Wahrnehmung der Realität. La Casa
46

versteht sich als „Klangbildhauer“ und hat zu diesem Thema in Workshops,
Tagungen und Ausstellungen wissenschaftlich gearbeitet. Er arbeitet mit
Rundfunksendern auf der ganzen Welt zusammen und ist journalistisch tätig
als Herausgeber des französischen Magazins für zeitgenössische Kunst „Revue
et Corrigée“.
Jose-Manuel Berenguer
Der 1955 in Spanien geborene Komponist und Gitarrist studierte zunächst
Medizin, Psychologie und Musiktherapie und schließlich Musik. Gemeinsam
mit C. Gai begründete er das Ensemble „Cochlea“ und ist Mitglied der PHO-
NOS Stiftung. Jose-Manuel Berenguer ist Präsident der spanischen Sektion
der Gesellschaft für elektroakustische Musik. Er schreibt Instrumental- und
elektroakustische Musik für Theater, Tanz und Video und arbeitet mit Studios
in Bourges, Paris und Barcelona zusammen.
Die Stiftung „Schweizerisches Zentrum für
Computermusik“
Die Stiftung Schweizerisches Zentrum für Computermusik (SZCM) ist 1985
mit einem grosszügigen Beitrag des Bundesamts für Kultur gegründet worden.
Der Zweck des Zentrums ist dreifach: Ausbildung, Forschung und Produktion
und Verbreitung von Computermusik. Seit 15 Jahren erfüllt es diesen Zweck,
indem es Kurse und Werkstätten durchführt, Forscher aus Universität und
Hochschule empfängt, aber auch aus eigenen Kräften heraus Forschung durchführt,
Konzerte veranstaltet und in seinen Studios in Zürich und Genf eine
Infrastruktur bereithält, die Komponisten, Interpreten und Wissenschaftlern
gleichermassen zur Verfügung steht.
Ausbildung
SONNABEND 26. APRIL 2003
Das Genfer Studio ist seit Beginn des SZCM an das Conservatoire Populaire
angegliedert und bietet in diesem Rahmen eine dreijährige Ausbildung in
Elektroakustik und Computermusik an. Das Zürcher Studio ist seit 1992 in den
Räumlichkeiten der Hochschule für Musik und Theather Winterthur Zürich
47

(HMT) untergebracht, und bietet hier Kurse über Klangsynthese und -verarbeitung,
MIDI-Techniken und Musiknotation mit dem Computer an.
Neben den eigentlichen Kursen werden in Genf und in Zürich jedes Jahr
mehrere Werkstattveranstaltungen durchgeführt, an denen neue Techniken
und Instrumente sowie kompositorische Fragen vor allem von Gastreferenten
erörtert und diskutiert werden.
Forschung
In den 15 Jahren seiner Tätigkeit sind Praktikums- und Lizenziatsarbeiten der
Universitäten Zürich und Genf und der ETH Zürich und Lausanne im SZCM
realisiert worden. Das Genfer Studio hat einen digitalen Echtzeit-Klangprozessor
mit entsprechender Software entwickelt, der inzwischen in vielen Studios
in Europa und den USA gebraucht wird. Kontrolltechniken sind für dieses
Instrument entwickelt und im Studio und Konzert verwendet worden, insbesondere
solche, die über lichtempfi ndliche und telemetrische Sensoren Daten
der Bewegungen von Interpreten auffangen und an den Prozessor leiten, um
sie dort in Klang zu verwandeln.
Im Rahmen des Forschungsprogramms der Hochschule für Musik und Theater
Winterthur Zürich fi nden Forschungsarbeiten auf dem Gebiet der ambisonischen
Klangprojektion für den Konzertsaal statt. Ausserdem arbeitet man an
der Herausgabe eines deutschsprachigen Lehrbuches zur Klangysnthese und
-verarbeitung.
Produktion und Verbreitung
SONNABEND 26. APRIL 2003
Zwischen 1985 und 1998 haben rund 40 Komponisten etwa 120 Werke in den
beiden Studios des SZCM realisiert. Die meisten dieser Werke gelangten zur
Uraufführung in Konzerten des Zentrums, einige sind auf CD erschienen
und werden regelmässig in Konzerten elektroakustischer Musik in aller Welt
gespielt. Das SZCM führt jedes Jahr in lockerer Folge eine Serie von Konzerten
durch, in denen Werke aus den eigenen Studios sowie wichtige Computermusik-Werke
aus internationaler Produktion aufgeführt werden. Viele bekannte
Komponisten und Solisten haben an diesen Konzerten Werke vorgestellt und
gespielt.
48

Pädagogische Tätigkeit
Das SZCM hat in den 14 Jahren seines Bestehens eine intensive pädagogische
Tätigkeit ausgeübt. Neben den regelmässig wiederkehrenden Studiokursen
(der dreijährige Kurs am Conservatoire Populaire de Musique in Genf, Einführungen
in MIDI-Techniken sowie in Klangsynthese und Verarbeitung) hat das
Zentrum über 50 andere Kurse veranstaltet über Themen wie Algorithmische
Komposition, Mathematische Musiktheorie, Musiknotation mit Computer,
Interaktives Programmieren für Musik, Spezielle Interfacegeräte und
Prozessoren für Musik. Ein wichtiger Teil der pädagogischen Aktivität galt
Einführungskursen für die Schweizer Konservatorien, für Radio DRS, für die
Jeunesses Musicales Suisses und andere Organisationen.
Ambisonic
SONNABEND 26. APRIL 2003
Techniken der dreidimensionalen Klangprojektion
Ein noch ungelöstes Problem der elektroakustischen Musik ist die Klangprojektion:
Wie soll die Musik im Konzert gespielt werden? Da elektroakustische
Werke in der Regel stereo komponiert werden, ist es üblich, sie im Konzert mit
zwei Lautsprechern aufzuführen. Manchmal kommen zusätzliche Lautsprecher
hinzu, die von hinten oder von der Seite das Stereo-Signal stützen. Doch
spielt sich unser Alltag nicht stereo ab – wir sind ständig von Klang aus allen
Richtungen umgeben. Die wirkliche Welt klingt immer viel klarer und schöner
als ein Lautsprecher.
Seit Oktober 1998 arbeitet das Schweizerische Zentrum für Computermusik
an einem Forschungsprojekt der Musikhochschule Winterthur Zürich, das
die drei-dimensionale Klangprojektion zum Thema hat. Die Technik, die
hier verwendet wird, heisst „Ambisonic“. Ambisonic ist seit den früheren 70er
Jahren als Aufnahmetechnik bekannt, die eine besonders wirklichkeitsnahe
Darstellung räumlicher Verhältnisse erlaubt. Die Verwendung der Ambisonic-Technik
zur Projektion von Klang im Konzertraum hingegen ist relativ
neu. Elektroakustische Musik wird im allgemeinen im Studio komponiert und
im Konzert vom Tonträger (Tonband oder Compact Disc) abgespielt. Das Ziel
dieser Forschung ist die Realisierung einer Gruppe von Computerprogrammen,
49

die einen Teil des Kompositionsvorganges bilden und Komponisten erlauben,
Passagen und Phrasen ihrer Musik an einen bestimmten Ort im Konzertraum
zu plazieren oder von einem Ort zu einem anderen zu bewegen.
Ambisonic gehört zu den sogenannten „Surround“-Techniken, die man vom
Cinéma und vom „Heimkino“ her kennt. Es gibt allerdings einen grossen
Unterschied zwischen den kommerziellen Techniken und Ambisonic. Die Surround-Techniken,
die im Film benutzt werden, wollen dramatische Effekte vermitteln,
wie das Vorbeirauschen eines Eisenbahnzuges, und arbeiten stark mit
Veränderungen, um nicht zu sagen Verzerrungen, des jeweiligen Klangbildes.
Bei Ambisonic hingegen ist man bestrebt, ein möglichst natürliches Klangbild
zu erzeugen, wie wenn der Klang sich tatsächlich an einem bestimmten Ort im
dreidimensionalen Raum befände.
Die Forschungsarbeit fi ndet in drei Teilen statt.
Der erste Teil besteht im Übertragen der theoretischen Kenntnisse über Ambisonic
in die Computermusiksprache Csound.
Der zweite Teil der Forschung besteht im Entwickeln von Computer-Programmen,
die Komponisten einen relativen einfachen und direkten Zugang zu
dieser Technik ermöglichen.
Im dritten Forschungsteil werden Programme entwickelt, die Ambisonic auch
für Liveelektronische Anwendungen verfügbar machen.
Teil eins und zwei sind weitgehend abgeschlossen.
Technik zu Tegna
SONNABEND 26. APRIL 2003
Der Tonbandpart – in Ambisonic produziert – wurde im Studio hergestellt.
Mit den vom SZCM entwickelten Programmen ist dies relativ einfach, wenn
auch zeitaufwendig zu realisieren.
Liveelektronik in Ambisonic ist ein neues Gebiet. Neben der klanglichen
Verarbeitung kommt das Setzen der räumlichen Position hinzu. Alles muss in
Echtzeit gesteuert und berechnet werden. Mit den ersten Programmversionen
aus dem Forschungsprogramm können mehrere Klänge gleichzeitg unabhängig
voneinander an bestimmte Punkte im Raum gesetzt werden. Dies ist
erst möglich geworden durch die massive Leistungssteigerung der Computer.
Trotzdem braucht es 4 Computer (Mac G4) , um die gesamten Berechnungen
auszuführen.
50

Biographien
Philippe Kocher
Geboren in Genf, aufgewachsen in Stäfa (CH). Nach der Matura Musikstudien
an Universität und Konservatorium Zürich (Musikwissenschaft, Klavier und
Computermusik) und an der Musikakademie Basel (Theorie und Komposition).
Pianist in diversen Jazz- und Popbands. Arbeit als freischaffender Musiker und
Komponist. Aufführungen seiner Kompositionen in der Schweiz, Deutschland,
Frankreich, Italien und Belgien. Mehrere Ausstrahlungen am Radio DRS.
Peter Färber
In Luzern geboren und aufgewachsen. Nach der Matura A Klavierstudium
bei Eva Sherman und Grazia Wendling am Konservatorium Luzern. Mitglied
SMPV. Kurse in Ton- und Aufnahmetechnik an der Musikakademie Basel, Musiksynthese
mit dem Computer am Konservatorium Zürich bei Gerald Bennett.
Von 1992 bis 2000 als Tontechniker am Schauspielhaus Zürich, seither als Tonmeister
an der Hochschule für Musik und Theater Zürich tätig. Technischer
Leiter des Schweizerischen Zentrum für Computermusik.
Johannes Schuett
SONNABEND 26. APRIL 2003
Diplom als Klarinettist am Konservatorium Winterthur. Danach verschiedene
Konzerttätigkeiten im In- und Ausland. Einspielungen für Radio, Fernsehen
und auf Schallplatten. Seit 1988 Lehrer für Klarinette am Konservatorium
Schaffhausen. Studien für Komposition bei Klaus Cornell. Studien für Computermusik
bei Gerald Bennett an der Musikakademie Zürich. Komponiert
freiberufl ich für Theater- und Filmproduktionen. Kompositionen für Tape und
Instrumentalisten. „Vietnam“ CD-Disk zum gleichnamigen Fotobuch. Spezialisierung
auf Kompositionen im „Ambisonic-3D-Raumklangverfahren“. Mitglied
der Forschungsgruppe „Ambisonic“ an der „Fachhochschule für Musik &
Theater“ in Zürich.
51

Kornelia Bruggmann
? Wer lebt liebt lacht lauscht horcht hört kocht putzt schimpft übt klingt singt
leidenschaftlich zeitgenössisch Kornelia Bruggmann Geliebte Mutter Sängerin
Stimmbildnerin Schaffhauserin
„Visages“
SONNABEND 26. APRIL 2003
v.l. Iris Sputh, Lothar Voigtländer,
Helge Harding
Ein multimediales Kammer-Szenario
von
Lothar Voigtländer
Die Komposition entstand in Auftrag der Musikakademie Rheinsberg für das
Schlosstheater Rheinsberg. Ihre Besonderheit besteht in einer aus der künstlerischen
Grundidee erwachsenden engen Verbindung von Instrumentalmusik,
elektronischer Raumkomposition, Gesang, Sprache und Tanz.
Die Inszenierung der Komposition wurde von einem jungen Leitungsteam
(Regie, Bühnenbild, Dirigent) mit jungen, am Beginn ihrer Laufbahn stehenden
Künstlern in einem vierwöchigen intensiven Probenprozeß in Berlin und
Rheinsberg erarbeitet. Die elektronischen Zuspielbänder wurden in Kooperation
mit dem Elektronischen Studio der Akademie der Künste Berlin produziert.
Die Texte von Eugene Guillevic knüpfen aus der Perspektive der französischen
Moderne bewusst an die Ideale der französischen Aufklärung an und wenden
sich in diesem Sinne gegen Inhumanität und Gewalt unter den Menschen. Im
Zentrum stehen Fragen des Wesens des Menschen, der menschlichen Existenz
zwischen den Zeiten und durch die Jahrhunderte hindurch.
52

SONNABEND 26. APRIL 2003
53
Musiktheaterkonzept
Lothar Voigtländer gestaltet das Werk als multimediale
szenische Collage in acht Zeitfenstern,
die relativ unabhängig voneinander sind und
doch auf vielfältige Weise miteinander verknüpft.
Er verbindet in seiner Komposition verschiedene
Felder zeitgenössischer szenischer und musikalischer
Produktion, Instrumentalensemble
und Gesang, Sprache, Tanz sowie elektronische
Raumkomposition und ermöglicht so die
Begegnung und gegenseitige Befruchtung von
Vertretern verschiedener Sparten der Darstellenden
Künste.
1) Im Präludium werden die Grundgedanken der
Dichtung von Guillevic und des KammerSzenario
exponiert:
– die Zeit („nichts besitzt man, niemals außer ein
wenig Zeit“)
– die Menschen ( „da stehst du, kleiner Mensch,
und du gehst ...“ )
– das Geheimnis der Dinge – die Träume – Gesichter
( Visages ) – die Spiele ? – die Zeit ist da !
Das Ensemble agiert in einer geschlossenen
Opening-Form- bevor einzelne Interpreten
„wandern“, den gesamten Raum zur Klang-Performance
öffnen und zur Musik szenische und
wort-exegetische Momente hinzutreten.
2) Das Recital 1 greift den nachdenklichen Textentwurf
des Präludiums auf, problematisiert ihn:
3 Sprecher, begleitet von geräuschhaften Instrumental-Fetzen,
chinesischer Tempelglocke und

SONNABEND 26. APRIL 2003
einem Kugel-Rollgeräusch untersuchen die Beziehungen zwischen „Wind und
Zeit“, dem „Augenblick, der Tiefe hat „und suchen in den Dingen des Alltags
( Zement!Ein Hammer! Ein Stuhl!) Lösungen für „die Menschen, die Träume,
das Feuer, den Raum und die Spiele“. Die ersten Lösungsansätze fruchten
nichts – „Träume den Menschen“ bleibt als Postulat im Raum stehen.
3) Tanz Nr.1: „atemlos“ – so der Titel der elektroakustischen Komposition
– zeigt die Komplexität des rastlos irrenden Menschen, seine Atemlosigkeit wie
seine Sehnsucht nach dem „lyrischen Ich“. Der Raumklang der Elektronik ist
umfassend, weitet das Instrumentale in einen psychologisierenden Klangraum
hinein.
4) Das Recital 2 führt die dramatische Problemzuspitzung aus Recital 1 weiter.
Die scheinbare Großartigkeit des Menschen ( „da stehst du, kleiner Mensch „)
wird beschworen, pantheistischer Überschwang („deine Stimme hat nicht
ihresgleichen“!) bricht unvermutet nieder in die triviale Feststellung: „Wo
kommen wir denn her, um solche Gesichter zu haben, dass es weh tut dem
Tag?“ . Weinen, Irren und Fluch werden als neue Vokabeln eingeführt. Das
ganze Elend des verlorenen Paradieses wird sichtbar ..
5) Tanz Nr.2: „fanatic“ – lässt endgültig mit den Mitteln der Elektroakustik alle
Facetten zwischen Geräusch und Klang aufscheinen, nahezu diabolisch bauen
sich Klangkaskaden auf , die letztendlich in die Manipulation der stampfenden
rhythmischen Masse, in Hysterie und stumpfe Sinnlosigkeit münden . Elektronische
Mittel schaffen Raum für das instrumental Unsagbare ...Der Titel des
Stückes ist Programm.
6) La Voix, die Stimme, die Mahnende, versucht den selbstanklagenden ,
selbstzerstörerischen Kräften entgegenzutreten. Der akustische und instrumentale
Höhepunkt, die Katharsis ist erreicht: „Von keiner Hilfe- und Steineund
zuschlagen!“ lauten die Worte, mit denen ein sich Einmischen, und das
Verlieren der Contenance geprägt ist. Im Schlagwerk werden Ketten geworfen,
Steine reiben auf Metall und aggressive Rhythmen kontrapunktieren den
Schrei. Ein Choral, ein Gebet scheint auf: „Es ist nicht ohne Grund, dass wir
54

gezittert haben, – hart ist die Lehre , – blässliche Blume, was davon bleibt ...,
nichts besitzt man, niemals, außer ein wenig Zeit.“
7) Tanz Nr.3: „harakiri“. Ein scheinbarer Stillstand, eine lange, unendlich lange
Ermüdung führt zu einer lyrischen Einkehr. Ein Niedergehen ohne individuelle
Lösungsmöglichkeit deutet sich an. Eine tiefe Traurigkeit wird erreicht.
Das Versagen des Einzelnen vor der Zeit scheint thematisiert...
8+9) zusammengefügt in Conclusio/Postludium: Das instrumentale
Ensemble, La Voix, die Sprecher, Fetzen elektro-akustischen Nachhalls, die
chinesische Tempelglocke, die Kugeln- alles fi ndet sich analog zum Präludium
zum Gesamt-Raum-Klang zusammen. „Nicht weinen –, Sterben – eine große
Müdigkeit,– aller LEBENDEN Zahl gleichermaßen betroffen“, so lautet das
Vokabular des Finales. Die Einsamkeit der „Geige, auf der das Nichts spielt“
wird überwunden zugunsten eines Lichtschimmers : „Zu wissen wer wir sind,
versuchen wir den Gesang“. „Visages – Les Visages dans le temps“, dieser Ruf
ins Offene beschließt das Szenario .
Der Mensch
Für Andre Adler
Da stehst du, kleiner Mensch,
auf zwei Beinen,
und du gehst.
SONNABEND 26. APRIL 2003
Eine Kleinigkeit,
sagen die Felsen und die Wälder,
eine Kleinigkeit
und zerbrechlich.
Aber du sprichst.
Und deine Stimme ist solcher Art,
dass die Felsen verstummen
und die sehr großen Wälder.
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SONNABEND 26. APRIL 2003
Deine Stimme hat nicht ihresgleichen,
und die Quelle
hat Farbe gewechselt wie die Ebene.
Du arbeitest die Dinge. Du stellst her,
und du weißt, was du willst. Du machst es
unter dem Blick der großen Wälder und des Gesteins,
unter den Schlägen des Himmels.
Ein Körper, der blutet und Fieber fasst.
Ein Fleisch so weich wie alles von Schleim
und das Bedürfnis einzuschlafen
bei einem Fleisch noch weicher.
Du bist es,
ohne Zufl ucht und sprechend allein,
wenn die Felsen stürzen in die Wasser,
wenn dem Himmel antwortet der Vulkan,
wenn die Vögel im Feuer sind,
du bist es, der erscheint,
du bist es, der weiß und befi ehlt.
Von dem Geheimnis der Dinge
Wer wohlgeformte Sätze und den lieblichen Klang von Poesie mag, ist bei
Eugene Guillevic fehl am Platze. Nähere Bestimmungen und schmeichelnde
Adjektive sind völlig aus dem Schaffen des Französischen Dichters verbannt
und auch das lyrische Ich kommt nur selten zum Vorschein. Übrig geblieben
ist lediglich das Gerüst, sind die Dinge, befreit von jeder beschwerenden Hülle.
An diesem Gerüst hangelt Guillevic sich von Sprosse zu Sprosse, balanciert
freihändig nur mit einer Handvoll Substantiven, die er scheinbar wahllos dem
Leser vor die Füße wirft. Ein anderes Mal reicht er Frage um Frage weiter, als
hoffe er, dann die Antwort zu fi nden. Doch all dies immer, ohne abzustürzen.
Die dem Präludium von „Visages“ entstammenden Worte „das Geheimnis der
Dinge“ dienten vor vier Jahrzehnten auch einem Gedichtband des Franzo-
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SONNABEND 26. APRIL 2003
sen als Titel. Hier geht es um das Wesen der Dinge, um ihr hintergründiges
Geheimnis, kurz: um den Ursprung des Lebens. Kaum verwunderlich, dass
Eugene Guillevic auf der Reise nach der Quelle den einfachen Wortschatz, die
Urwörter mit im Gepäck hat.
Sind es einfache Worte, derer sich Guillevic bediente, so umreißt er mit diesen
einfachen Worten die großen Dinge dieser Welt und erreicht trotz zuweilen
naiv anmutender Zeilen ungeahnte Ozeantiefen. Guillevic scheut sich nicht,
Fragen zu stellen. Fragen nach dem Woher und dem Wohin, nach dem Sterben
und dem Lieben. Über allem schwebt aber immer wieder der Begriff der Zeit.
Wieviel kostet die Zeit? Was ist Zeit für den Menschen? Wieviel wiegt eine
Stunde? All diese Fragen enden in der Feststellung, dass der Mensch nichts
weiter besitzt, „niemals, außer ein wenig Zeit.“
Der Dialog mit den Dingen, mit leblosen Gegenständen – mit Steinen, Felsen,
Hammer, Bäumen – überwiegt, dargestellt in kühlem, sachlichen Ton. Neben
resignativen Versen („Es sind da Beziehungen/ Zwischen Wind und Zeit...Und
wir sind ausgeschlossen.“) stehen auch Aufforderungen an den Leser („Geh
an gegen sie (die Geige, Anm.)/ singe mit ihr, nimm sie ein“). Es ist kaum
auszumachen, an welcher Stelle ein Gedicht endet und das nächste bereits
beginnt. Haben doch alle Texte die gleiche Intention, die sie in nur immer
anderen Schattierungen schildern und gleichen bisweilen einem Abgesang von
jemandem, der das Spiel des Lebens bis zu einem gewissen Grad durchschaut
hat („möge es, wenigstens lang sein:/ dieses Leben, das man zu leben hat./
Denn hart ist die Lehre.“) und der dieses Wissen weitergeben möchte („Doch
sterben/ kann eine große Müdigkeit sein/ eines Abends – und ein Geständnis.“)
Trotzdem wird der 1997 verstorbene Franzose nicht müde, am Rad der Zeit zu
drehen.
Es fällt schwer, Eugene Guillevic in eine literarische Strömung einzuordnen.
Vielleicht muss man das auch gar nicht. Erfolgreich widersetzt er sich den
Surrealisten und Symbolisten; auch den Naturalisten sucht man bei ihm
vergebens. Eine leise Nähe lässt sich jedoch ausmachen zu dem Aufklärer und
Wegbereiter der Romantik, Jean-Jacques Rousseau, mit dessen Ideal einer naturnahen
Erziehung. Auch Arthur Rimbaud, der scheinbar Unvereinbares und
Übersinnliches zu gestalten versuchte, fi ndet Widerhall in Guillevics Gedichten,
denn unüberhörbar ist bei ihm die religiöse Seite. Kein Wunder, kommt er
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SONNABEND 26. APRIL 2003
doch bei seiner Suche nach dem Ursprung allen Seins unweigerlich in Sphären
der Transzendenz. Aus diesem Grunde ist es wohltuend, dass wenigstens die
Worte in ihrer gewählten Einfachheit nichts verschleiern.
Guillevics Schwestern, Brüder, Tanten und Onkel sind die Dichter der Existenzphilosophie
und dem daraus in Frankreich entstandenen Existentialismus
nach dem Zweiten Weltkrieg. Das Bewusstsein um die Endlichkeit des eigenen
Daseins („Die Zeit/...die einen Vogel hinsiechen läßt im Sand.“) und das
Leiden an diesem Wissen durchziehen sämtliche seiner Texte. Die Sichtweise
erfolgt dabei keineswegs von oben: „Da stehst du, kleiner Mensch,/ auf zwei
Beinen...Eine Kleinigkeit,/ sagen die Felsen und die Wälder,/ eine Kleinigkeit/
und zerbrechlich.“ Aber es ist nicht Guillevics Anliegen, den Menschen in eine
demütig gebückte Haltung zu drängen. Vielmehr betont er ein Merkmal, dass
uns Menschen von der umgebenden Materie auszeichnet: die Sprache: „Aber
du sprichst./ Und deine Stimme ist solcher Art,/ daß die Felsen verstummen/
und die sehr großen Wälder.“
Auf einmal erhalten seine Verse Sinnlichkeit, sie schleichen sich daher gleich
Katzen auf leisen Pfoten. Verschwunden sind die zuvor gnadenlos emotionslos
gesetzten Worte, die Hymne an die gegenständliche Welt, wenn von dem
Bedürfnis die Rede ist, „einzuschlafen/ Bei einem Fleische noch weicher“ oder
von einem Stein, der „dir zulächelt“. Auf diesem gespannten Seil zwischen den
Dingen auf der einen Seite und den Menschen auf der anderen Seite tanzt der
Dichter. Guillevic hat viele Gesichter. Eines davon zeigt er gern und deutlich.
Mit „Wo kommen wir denn her,/ um solche Gesichter zu haben, daß es weh
tut dem Tag?“ benennt er offen seine ablehnende Haltung gegen Kälte und
Inhumanität, was für ihn scheinbar gar nicht anders geschehen kann als mit
dem bekannten, kühlen Gestus. Das andere Gesicht gilt es freizukratzen bei
ihm. Beruhigend, dass es existiert, dass Eugene Guillevic das Seil gespannt hat
zwischen den beiden Polen und nicht der Entmenschlichung der Kunst den
Vorzug gegeben hat.
Seine unzähligen Wiederholungen, die knappen Verse und die nur unwesentlich
variierende Thematik seiner Texte treiben sein Anliegen auf die Spitze, bis
auch dem letzten Leser auffällt, dass der Mensch „nichts besitzt..., niemals,
außer ein wenig Zeit.“
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Yvonne Zitzmann

SONNABEND 26. APRIL 2003
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Lothar Voigtländer
Komponist
Lothar Voigtländer wurde 1943 in Leisnig in
Sachsen geboren. 1954 –1962 war er Sängerknabe
im Dresdner Kreuzchor; erste Kompositionen und
Dirigate. Nach dem Abitur 1962–1968 Studium an
der Hochschule für Musik „Felix Mendelssohn-
Bartholdy“ in Leipzig bei Rolf Reuter (Dirigieren)
und bei Fritz Geilßer (Komposition). Nach
Abschluss des Studiums war er Chordirektor
und Kapellmeister am Theater der Altmark in
Stendal. 1970–1973 Meisterschüler von Günter
Kochan an der Akademie der Künste der DDR.
Während dieser Zeit entstanden die ersten größeren Orchesterwerke. Seit
1973 lebt Lothar Voigtländer als freischaffender Komponist in Berlin. Seitdem
beschäftigt er sich intensiv mit elektroakustischer Komposition. Zahlreiche
internationale Preise, Rundfunk- und CD-Produktionen, Arbeiten in den
Studios Freiburg (SWF), Budapest, Bratislava, Basel, Zürich, Hilversum und
auf diversen Festivals (Warschau, Bourges, Trondheim), Aufnahmen WDR,
Bayrischer Rundfunk, NOK Hilversum, Radio Bratislava, Radio Budapest,
Radio Bremen, Deutschland Radio, etc. Sieben Jahre Kompositionsklasse
„Geraer Ferienkurse“. 1985 Mitbegründer und Vize-Präsident der „CIME de (a
RDA‘, 1990 Gastprofessur an der Universität Paris VIII, Kurse und Seminare
in Liverpool, Barcelona, Basel, Zürich sowie an der Technischen Universität
Trondheim (N) und diversen deutschen Hochschulen. 1990 1995 Vorsitzender
des Komponistenverbandes Berlin. Begründung verschiedener Konzertreihen
und Festivals; insbesondere seit 1993 „Die lange Nacht der elektronischen Klänge“.
Zusammenarbeit mit Malern, Bildenden Künstlern und Choreographen in
multimedialen Kompositionen wie „Glas-Bau-Spiel“ und „Lichtklang“. Seit 2001
Lehrbeauftragter für Komposition an der Hochschule für Musik „Carl-Maria
von Weber“ Dresden. Weitere Werke: 3 Sinfonien, Oratorium, Kammeroratorium
2 Orchestermusiken, Orchesterlieder (CD), radiophonelelektroakustische
Kompositionen (CD), KlangInstallationen, Raum-Musiken (CD), Kompositionen
für Chor und Kinderchor (CD).

Helge Harding
Musikalische Leitung
Helge Harding ist Dirigent und Klarinettist. Zunächst schloss er eine Ausbildung
als Klarinettist an den Musikhochschulen in Detmold, Frankfurt und
Amsterdam mit einem pädagogischen Examen, der künstlerischen Reifeprüfung
und dem Konzertexamen ab. Er erhielt erste Preise bei Wettbewerben
u.a. in Luxemburg. Meisterkurse u.a. bei Sabine Meyer, Giora Feidman, Eddie
Daniels, Jack Brymer und Michael Riessler gaben ihm wichtige Impulse.
Zahlreiche Förderungen und Stipendien, zuletzt durch die Internationalen
Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt.
Zusammenarbeit u.a. mit der Jungen Deutschen Philharmonie, den Berliner
Symphonikern, der Oper Gießen, der Oper Frankfurt, dem Ensemble Modern
und der MusikFabrik NRW unter Dirigenten wie Sylvain Cambreling, Lothar
Zagrosek und Peter Eötvös. In diesem Zusammenhang CD-, Rundfunk- und
Fernsehproduktionen. Gast u.a. bei den Salzburger Festspielen. Seit kurzem
verstärkte Tätigkeit als Kammermusiker, Solist sowie als Dozent an der Musikhochschule
Mainz, sowie als Dirigent.
Dirigierunterricht bei Werner Seiss sowie Bernhard Kontarsky und Elmar
Kuntsch. Abschluss des Studiums bei Roland Kieft in Amsterdam. Analyseklasse
bei Hans Zender. In Frankfurt Assistenz bei Bernhard Kontarsky sowie
Leitung des selbstgegründeten Ensembles Adorno. Hospitanzen und Kurs bei
Pierre Boulez in Salzburg, London und Paris.
Sein Debut mit großem Orchester gab Helge Harding in Japan. Seit dieser
Saison leitet er das von Helmut Zapf gegründete Ensemble Junge Musik. Helge
Harding lebt zur Zeit in Berlin.
Iris Sputh
Regie, Tanz
siehe Seite 43
SONNABEND 26. APRIL 2003
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Pascale Arndtz
Kostüme
Pascale Arndtz wurde 1969 in München geboren. Sie erhielt ihre Ausbildung
zur Bühnen- und Kostümbildnerin als Assistentin von Thomas Richter-Forgäch.
Anschließend studierte sie Kunstgeschichte in Köln und begann an
mehreren Theatern im In- und Ausland zu arbeiten, u.a. am Theater Agora in
Belgien, an den Städtischen Bühnen in Wuppertal, am Alten Schauspielhaus in
Stuttgart, beim Festival Carinthischer Sommer in Österreich, am Landestheater
Neustrelitz und am Anhaltischen Theater in Dessau. Außerdem war Pascale
Arndtz für die künstlerische Gestaltung der Dauerausstellung THE STORY OF
BERLIN am Kurfürstendamm verantwortlich – einer Darstellung der Geschichte
Berlins von den Anfängen bis heute. Gegenwärtig lebt Pascale Arndtz in
Berlin.
Eiko Morikawa
Gesang
Eiko Morikawa ist freischaffende Sängerin (Sopran) und als Interpretin der
zeitgenössischen Musik international bekannt. Im Jahr 2002 trat sie bei der
Münchener Biennale auf. In diesem Zusammenhang ist auch eine CD-Produktion
von Helmut Lachenmanns „Das Mädchen mit den Schwefelhölzern“ mit dem
Sinfonieorchester SWR Baden-Baden und Freiburg unter der Leitung von S.
Cambreling vorgesehen.
Alexander Abramyan
Schauspiel
SONNABEND 26. APRIL 2003
Alexander Abramyan wurde am 05.09.1976 geboren und wuchs in Stendal auf.
Seine Mutter ist Armenierin und stammt aus Baku, sein Vater ist Deutscher.
Von 1996–1998 war er Schauspiel-Eleve am Theater der Altmark Stendal. Von
1999-2002 erhielt er seine Ausbildung zum Schauspieler an der Fritz-Kirchhoff-Schule
„Der Kreis“ in Berlin. Außerdem absolvierte er einen Workshop
in afrikanischem Tanz und Bewegung bei Naigo Koité in Stendal. Alexander
Abramyan steht am Anfang seiner Laufbahn als Schauspieler und lebt zur Zeit
in Berlin.
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Simon Chen
Schauspiel
Simon Chen wurde 1972 als Sohn einer Schweizerin und eines Taiwanesen
geboren. Seine Ausbildung zum Schauspieler erhielt er von 1995 bis 1999 an der
Hochschule für Theater in Bern. Von 1999 bis 2001 war er am Theater Bielefeld
engagiert und nahm neben seiner Theatertätigkeit auch Gesangsunterricht.
Seitdem arbeitet Simon Chen freischaffend und lebt zur Zeit in Berlin.
Daniel Rossmeisl
Schauspiel
Daniel Rossmeisl wurde am 14.03.1974 geboren. Seine Ausbildung zum Schauspieler
machte er in den Jahren von 1992 bis 1996 an der Hochschule für Musik
und Theater Felix-Mendelssohn-Bartholdy in Leipzig. Von 1996 bis 1998 hatte
er ein Festengagement am Theater Brandenburg und zwischen 1999 und 2001
war er Gast am Maxim Gorki Theater in Berlin. Dort spielte er u.a. in „Berlin
Alexanderplatz“ unter der Regie von U.E. Laufenberg und in den Shakespeare-
Inszenierungen von „Viel Lärm um Nichts“ und der „Komödie der Irrungen“. Seit
2001 ist er Gast am Deutschen Theater in Berlin, wo er in „Titus Andronicus“
(Shakespeare) unter der Regie von Hans Neuenfels spielt. Daniel Rossmeisl lebt
in Berlin.
Ernst Surberg
Klavier
SONNABEND 26. APRIL 2003
Ernst Surberg wurde 1966 in Münster/Westfalen geboren. Er studierte Klavier
bei Rolf Koenen und bei Atan Marks, erhielt ein Stipendium der Käthe-Dorsch-
Stiftung und absolvierte einen Meisterkurs für zeitgenössische Kammermusik
bei Jeffrey Burns. Von 1995 bis 1998 war er Leiter der Konzertreihe Studio Neue
Musik. Ernst Surberg ist eines der Gründungsmitglieder des ensemble mosaik.
62

Dirk Beiße
Violoncello
Dirk Beiße wurde 1968 in Braunschweig geboren. Von 1988 bis 1993 studierte er
Violoncello bei Markus Nyikos in Berlin. Im Anschluss daran absolvierte er ein
Studium der Philosophie an der Humboldt-Universität in Berlin (Abschluss
1997). Zur Zeit ist er freischaffender Cellist in verschiedenen Orchestern und
Ensembles in Berlin, Leipzig, Frankfurt a.M., München und Stuttgart. Dirk
Beiße gehört zu den Gründungsmitgliedern des ensemble mosaik.
Chatschatur Kanajan
Violine
Chatschatur Kanajan wurde 1971 geboren. Er studierte Violine in Moskau, Dresden
und Berlin bei Marina Jaschwili, Gudrun Schröter und Ilan Gronich. Seit
1997 studiert er Komposition bei Friedrich Goldmann in Berlin. Solokonzerte
u.a. mit der Neuen Camerata Berlin und der Kammer Sinfonia Berlin. Kammermusikalische
Tätigkeit u.a. im Basisensemblei i Storstroms (Dänemark),
in der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen und dem Ensemble Avantgarde
(Leipzig). Chatschatur Kanajan ist Mitglied des Kairos Quartett und des
ensemble mosaik.
Matthias Badczong
Klarinette
SONNABEND 26. APRIL 2003
Matthias Badczong erhielt seine erste musikalische Ausbildung in seiner
Heimatstadt Oranienburg. Von 1988 bis 1993 absolvierte er ein Musikstudium
mit dem Hauptfach Klarinette bei Prof. Joseph Oehl an der Musikhochschule
„Carl-Maria von Weber‘ in Dresden. Seit 1993 ist er als freischaffender Musiker
und Pädagoge in Berlin tätig. Er wirkte in den verschiedensten Ensembles und
Orchestern mit, u.a. Kammerensemble Neue Musik Berlin, Ensemble United
und Zeitgenössische Oper Berlin. Matthias Badczong widmet sich insbesondere
der Kammermusik sowie der Interpretation zeitgenössischer Musik. Enge
Zusammenarbeit mit Komponisten, dabei zahlreiche Uraufführungen mit
mehreren für ihn komponierten Werken.
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Matthias Jann
Posaune
Matthias Jann wurde 1971 in Berlin geboren. Er studierte Komposition an der
Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ in Berlin und Posaune mit dem Schwerpunkt
„Neue Musik“ an der Hochschule der Künste Berlin.
Als Interpret und Komponist erhielt Matthias Jann fünf Mal den „Hanns-Eisler-
Preis“ der gleichnamigen Musikhochschule in Berlin und 1996 den „Kranichsteiner
Musikpreis“ (Stipendienpreis) bei den „Internationalen Ferienkursen
für Neue Musik“ in Darmstadt. Stipendien ermöglichten die Arbeit im elektroakustischen
Studio der Akademie der Künste in Berlin (1994), die Entstehung
des Stücks „refl exion“ für das Trio 71 mit Live-Elektronik (Berliner Senat 1997),
einen halbjährigen Aufenthalt an der „Cité Internationale des Arts“ in Paris
(Berliner Senat 2001) und eine Fortbildung im Fach Dirigieren (Deutscher
Musikrat 2001).
Seit 1997 ist Matthias Jann Lehrbeauftragter für Tonsatz und Gehörbildung an
der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“. Als Interpret ist er festes Mitglied
im Ensemble European Music Project Ulm und Gast-Posaunist im ensemble
mosaik Berlin. Im Jahr 2001 erhielt er sein erstes Engagement beim Kammerensemble
Neue Musik (KNM) Berlin.
Seit 2001 ist er künstlerischer Leiter und Dirigent von Jericho Brass Berlin. Seinen
ersten Kompositionsauftrag erhielt er von der Musikakademie Rheinsberg
im Jahr 1996.
Ralf Zartmann
Schlagzeug
SONNABEND 26. APRIL 2003
Ralf Zartmann wurde 1975 in Heilbronn geboren. Er ist Percussionist mit
einem umfangreichen musikalischen Werdegang; er war 1. Landespreisträger
„Jugend musiziert“ Baden-Württemberg, spielte im Heeresmusikkorps 9
Stuttgart, machte mehrere CD-Einspielungen mit verschiedenen Orchestern
und Ensembles, war auf einer Tournee mit Nigel Kennedy, spielte in der Jungen
Deutschen Philharmonie, war Schlagzeuger der Westfälischen Kammerphilharmonie,
spielte Neue Musik in Weimar im Rahmen des Frankensteinfestivals
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von 3SAT 1999 und war Schlagzeuger des Neuen Theater Essen. In der Spielzeit
2001/2002 absolvierte er ein Praktikum bei den Düsseldorfer Symphonikern
und erhielt einen Zeitvertrag als Schlagzeuger an der Deutschen Oper am
Rhein. Außerdem war er Aushilfe bei den Duisburger Symphonikern, beim
Staatsorchester Rheinische Philharmonie, beim Philharmonischen Orchester
Dortmund, beim Philharmonischen Orchester Südwestfalen und bei den Düsseldorfer
Symphonikern. Ralf Zartmann leitet Workshops für den Blasmusikverband
BadenWürttemberg und ist Mitbegründer des Ensembles für Percussive
Künste Nachschlag.
Carsten Langer
Schlagzeug
Carsten Langer wurde 1975 geboren. Seit 1997 studiert er Schlagzeug an der
Folkwang-Hochschule in Essen bei Martin Schutz. Weitere Lehrer: Hans-Joachim
Schacht (Düsseldorfer Sinfoniker), Frank van der Starre (Opern- und Sinfonieorchester
Enschede) und Alfons Valdes (Salsa Picante). Carsten Langer spielt
u.a. zusammen mit dem FolkwangKammerorchester, der Jungen Philharmonie
Köln und der Bläserphilharmonie Dortmund. Er ist Schlagzeuger u.a. beim
„ArToll-Ensemble Kleve“ und beim „Ensemble Ruhrklang Essen“. Im Oktober
2000 gründete er das Ensemble „Quatuor Attaque“ (2 Klaviere, 2 Schlagzeuge).
Auftritte als Solist und spartenübergreifende Arbeit in Theater- und Tanzproduktionen,
u.a. mit Norbert Steinwartz vom Theater Basel. In den Jahren 1999
und 2000 zwei Konzertreihen mit dem AYUSC Music Ensemble Hong Kong,
2001 Japantournee mit der Oper „Maria de Buenos Aires“ von Astor Piazolla.
Diskografi e: ArToll-Ensemble – Unecht (Ars Produktion FCD 368, 372).
Marc Gosemärker
Schlagzeug
SONNABEND 26. APRIL 2003
Marc Gosemärker wurde 1974 geboren. Er studiert seit 1997 Schlagzeug an der
Folkwang-Hochschule Essen in der Klasse von Martin Schulz. Weitere Lehrer:
Hans-Joachim Schacht (Düsseldorfer Sinfoniker) und Frank van der Starre
(Opern- und Sinfonieorchester Enschede). Marc Gosemärker wirkte u.a. bei
65

SONNABEND 26. APRIL 2003
den Bergischen Sinfonikern, beim FolkwangKammerorchester Essen, bei der
Jungen Philharmonie Köln, bei der Bläserphilharmonie Dortmund und bei der
Philharmonica Hungarica mit. Außerdem regelmäßig Ensemble- und Solokonzerte
im Bereich Neue Musik und spartenübergreifende Mitarbeit als Musiker
in zeitgenössischen Choreographien. Seit Oktober 2000 ist er Mitglied des Ensembles
Quatuor Attaque (2 Klaviere, 2 Schlagzeuge). In der Spielzeit 2000/2001
war er Schlagzeugpraktikant beim Philharmonischen Orchester Südwestfalen,
in der Spielzeit 2001/2002 beim Staatsorchester Rheinische Philharmonie in
Koblenz.
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Konzert
Werke der Teilnehmer des
Kompositionswettbewerbs
Preisverleihung
SONNTAG 27. APRIL 2003
Jugend- und Kulturzentrum mon ami
klangwerkstatt weimar
Konzert des Deutschen Musikrates
Roland Breitenfeld „Die Zeit die sich teilt, hinterlässt eine
* 1952 Tätowierung...“ (Violoncello, Klavier)
Benedikt Burghardt „Movimento“ (Violoncello, Klavier)
* 1960
Eun-Hwa Cho Trio für Violoncello, Akkordeon und Schlagzeug
* 1973
Kilian Sprotte „Fernweh“ (Violoncello, Akkordeon, Schlagzeug)
* 1977
Helmut Zapf „210385“ (Harfe, Akkordeon)
* 1956
Die genaue Programmfolge wird kurz vorher bekanntgegeben.
Außerdem wird in diesem Konzert der Sonderpreis für die beste Interpretation
der zeitgenössischen Pfl ichtstücke im Rahmen des 6. Anna Amalia-Gitarrenwettbewerbes
für Kinder und Jugendliche des Weimarer Gitarre-Vereins e.V.
verliehen.
Der Preis für die beste Interpretation wird vom via nova – zeitgenössische
Musik in Thüringen e.V. gestiftet.
(Informationen zum Anna Amalia-Gitarrenwettbewerb auf Seite )
69
16.00 Uhr

klangwerkstatt weimar
Am Anfang war die Faszination von der Vielfalt Neuer Musik dieses Jahrhunderts
und ihrer Klangerzeugung. Aus ihr entwickelte sich das Bedürfnis, diese
Klang- und Spielwelt musizierend zu erschliessen. Das war 1993. In vereinzelten
Projekten ging es zunächst darum, ästhetisches Neuland und neue Dimensionen
musikalischer Kommunikation zu erfahren. In erweiterter und fl exibler
Besetzung verfolgen die Musiker seit 1995 als Ensemble klangwerkstatt
weimar dieses Ziel weiter. In der Weimarer und Thüringer Musikszene setzte
das Ensemble mit seinen Konzerten und Projekten seither innovative Akzente.
Auf der Suche nach gültigen Interpretationen Neuer Musik gestalten die
Musiker in Weimar seit 1996 eine eigene Konzertreihe. Darüberhinaus ist die
klangwerkstatt weimar konzertierend auf Reisen. Neben der klassischen
Konzertform und der Improvisation experimentiert das Ensemble mit unterschiedlichen
Darstellungsformen und bezieht dabei u.a. Elektronik, Bildende
Kunst und Tanz mit ein. Die klangwerkstatt weimar musiziert neben
herkömmlichen auch gern an unkonventionellen Spielorten.
Prägende Erfahrungen sind dem Ensemble aus der Zusammenarbeit mit Isang
Yun, Georg Katzer, Helmut Lachenmann, Toshio Hosokawa, Younghi Pagh-
Paan, Isabel Mundry, Andrea Scartazzini, Dieter Ammann und George Crumb
erwachsen. Den Musikern bleibt es gleichermassen wichtig, neben dem Werk
auch die persönliche Begegnung mit Komponisten zu pfl egen. Rundfunkproduktionen
und Konzertmitschnitte und eine CD mit Werken von Paul Hindemith,
Stefan Wolpe und Ernst Toch liegen vor.
Claudia Buder
Akkordeon
SONNTAG 27. APRIL 2003
geboren in Leipzig.
Studium bei Prof. Ivan Koval in Weimar und
bei Prof. Mie Miki an der Folkwanghochschule
Essen/Duisburg. 1994 1. Preisträgerin des III.
Interpretationswettbewerbes für Musik des 20.
Jahrhunderts. Seit 1995 Unterricht an der Hochschule
für Musik „Franz Liszt“, Weimar. Debut
70

SONNTAG 27. APRIL 2003
1998 mit den Erfurter Philharmonikern. Engagements im In- und Ausland mit
Ensembles wie dem Ensemble Modern, Musikfabrik NRW, Sinfonietta Leipzig.
Verschiedene CD-Produktionen. Zeitweise Gastdozentin an der Fachhochschule
Turku in Finnland.
71
Christoph Ritter
Klavier
geboren in Bad Liebenstein 1958, 1985 Studium an
der Hochschule für Musik „Franz Liszt“ Weimar
bei Prof. Volkmar Lehmann und Prof. Rolf-Dieter
Arens. Meisterkurse bei Prof. Peter Solymos, Prof.
Jacob Lateiner und Prof. Norman Shetler. Umfangreiche
Konzert-und Lehrtätigkeit in Österreich,
Ungarn, Frankreich, Deutschland, Taiwan
und den USA.Seit 1992 Professor für Klavier/
Liedstudium an der Hochschule für Musik „Franz
Liszt“ in Weimar. Seit 1995 Mitglied der klangwerkstatt weimar.
Matthias Schröder
Schlagzeug
geboren in München
Studierte 1984–1990 am Richard Strauss-Konservatorium
in München bei Prof. Herrmann
Gschwendtner und Prof. Arnold F. Riedhammer.
Während des Studiums Pauker und Schlagzeuger
beim Bayerischen Landesjugendorchester, beim
„Weltjugendorchester“ und der „Jungen Deutschen
Philharmonie“. Regelmäßige Aushilfe als
Schlagzeuger bei den Münchner Philharmonikern
und bei den Orchestern des Bayerischen Rundfunks und dem Bayerischen
Staatstheater. Meisterkurs bei Prof. Peter Sadlo. Ausgedehnte solistische und
kammermusikalische Tätigkeit. Seit 1990 Solopauker der Staatskapelle Weimar.
Seit 1996 Mitglied der klangwerkstatt weimar.

Christina Meissner
Violoncello
geboren in Zabeltitz
Studium an der Hochschule für Musik „Franz
Liszt“ Weimar bei Prof Brunhard Böhme. Meisterkurse
bei Prof. Erki Rautio, Prof Siegfried Palm,
Prof. Tobias Kühne, Prof. Gerhard Mantel und
Prof. Wolfgang Boettcher.
1984–1989 Lehrauftrag im Hauptfach Violoncello
an der Hochschule für Musik „Franz Liszt“
Weimar. 1994–97 Privatstudium bei Prof. Stanislav Apolin in Prag. Zahlreiche
Solo-Konzerte im In- und Ausland. Erste Solo-CD im Herbst 2002. Gründungsmitglied
der klangwerkstatt weimar
Elsie Bedleem
Harfe
SONNTAG 27. APRIL 2003
wurde 1977 in Noyon, Frankreich, geboren. Ihre
Ausbildung als Harfenistin (solistisch und im
Fach Kammermusik) schloß sie am Conservatoire
National Supérieur de Musique de Paris mit
Auszeichnung ab. Ihre Professorinnen waren
Marie-Claire Jamet und Isabelle Moretti. Mehrere
internationale Preise und große Wettbewerbe
folgten. Überdies unterrichtete sie als Harfenlehrerin
und sammelte Erfahrungen in zahlreichen
französischen Orchestern, bevor sie im September
1999 Stipendiatin der Orchester-Akademie
des Berliner Philharmoniker wurde und durch
Marie-Pierre Langlamet Unterricht erhielt. Seit 2001 hat sie bei Orchestern wie
Berliner Philharmoniker oder Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
und Ensembles wie Sharoun Ensemble mitgewirkt. Dieses Jahr tritt sie als Solo-
Harfenistin bei der Staatskapelle Weimar auf.
72

Konzert
congresscentrum neue weimarhalle
Staatskapelle Weimar
Solist: Kurt Widmer (Bariton)
Dirigent: Jürg Wyttenbach
Form – Klang – Farben
SONNTAG 27. APRIL 2003
Johannes K. Hildebrandt Klangzeichen
* 1968 (Uraufführung)
Mario Wiegand Wenn die Sirenen erwachen,
* 1970 schläft die Vernunft ein
(Uraufführung)
73
Pause
Jürg Wyttenbach DE METALLI (Von den Metallen)
* 1935 Aus den „Profezie“ des Leonardo da Vinci
für Bass-Bariton und Orchester
Claude Debussy „Nuages“ pour orchestre aus
(1862–1918) „Nocturnes“
Die Staatskapelle Weimar
„Fetes“ pour orchestre aus
„Nocturnes“
19.30 Uhr
Mehr als 500 Jahre zurück reichen die Wurzeln der heutigen „Staatskapelle
Weimar“. Im Jahr 1482 werden als erster aktenkundiger Beleg sechs Trompeter,
zwei Pauker und zwei „Trompeterknechte“ erwähnt, die den Kurfürsten Friedrich
auf seinen Reisen begleiteten und in der Nebenresidenz Weimar entscheidenden
Einfl uss auf das Musikgeschehen ausübten.

SONNTAG 27. APRIL 2003
Mit der festen Ansiedlung der Hofkapelle im nun zur Hauptresidenz avancierten
Weimar beginnt im Jahr 1602 die (mit wenigen Unterbrechungen) 400jährige
Geschichte der heutigen „Staatskapelle Weimar“. Bereits in ihren Anfängen
haben wichtige Persönlichkeiten die musikalische Entwicklung der Kapelle
geprägt. 1615/16 war Johann Hermann Schein vor seinem Leipziger Thomaskantorat
Hofkapellmeister in Weimar. Johann Sebastian Bach kam 1708 als
Hoforganist und Kammermusikus nach Weimar. Seine neunjährige Amtszeit
bildete einen ersten Höhepunkt in der Geschichte der Weimarer Hofkapelle.
Durch die Großherzogin Maria Pawlowna wird 1819 der Freund Beethovens und
Schüler Mozarts Johann Nepomuk Hummel nach Weimar berufen. Mit ihm
begann eine Reorganisation des Musiklebens und damit eine Periode , die man
fortan als das „Silberne Zeitalter der Tonkunst“ bezeichnete. 1842 übernahm
„Franz Liszt“ die Stelle als Hofkapellmeister in außerordentlichen Diensten, ab
1848 trat er offi ziell sein Kapellmeisteramt an. Unter seiner Leitung fanden
zahllose Aufführungen historisch bedeutsamer zeitgenössischer Werke statt,
teils eigene Schöpfungen, teils Meisterwerke umstrittener Kollegen, wie z. B.
Hector Berlioz und Peter Cornelius. So führte Liszt 1849 den „Tannhäuser“ von
Richard Wagner auf. Der damals steckbriefl ich verfolgte Komponist übertrug
daraufhin Liszt die Uraufführung des „Lohengrin“, die Liszt gegen alle Widerstände
durchsetzte. Nicht zuletzt durch seine Unterrichtstätigkeit machte er
die kleine Residenzstadt zu einem Anziehungspunkt für Musiker aus vielen
Ländern Europas.
Mit dem 25jährigen Richard Strauss, der von 1889 bis 1894 2. Kapellmeister war,
erfuhr das Musikleben Weimars einen neuerlichen Aufschwung. Viele seiner
Orchesterkompositionen erklangen hier zum ersten Mal, auch seine Oper
„Guntram“ und Engelbert Humperdincks „Hänsel und Gretel“ erlebten in Weimar
die Uraufführung. Seit 1919 trägt die damalige Großherzogliche Hofkapelle den
Namen „Weimarische Staatskapelle“ (seit 1988 umbenannt in „Staatskapelle
Weimar“). Das Theater wird ebenfalls 1919 zum Deutschen Nationaltheater in
Weimar. Mit Ernst Praetorius (1924–1933) zeigen die z. T. spektakuläre Konzertplanung
und der Opernspielplan Aufgeschlossenheit für das experimentelle
Gegenwartsschaffen. Durch Hitlers Machtergreifung wird dieser Entwicklung
ein Ende gesetzt.
Nach dem zweiten Weltkrieg erhielt das Orchester prägende Akzente durch
Hermann Abendroth, der bis zu seinem Tod 1956 Generalmusikdirektor und
Chefdirigent war.
74

SONNTAG 27. APRIL 2003
Gerhard Pfl üger (1957-73), Lothar Seyfarth (1973-79), Rolf Reuter (1979/80), Peter
Gülke (1981/82), Oleg Caetani (von 1984 bis 1987 als ständiger Gastdirigent) und
Hans-Peter Frank sind als Chefdirigenten bis zum Ende des 20. Jahrhunderts
zu nennen. Im Sommer 2002 endete die siebenjährige Amtszeit von George
Alexander Albrecht, der Schwerpunkte vor allem in der Sinfonik Mahlers und
dem kompositorischen Schaffen Furtwänglers setzt. Seit der Spielzeit 2002/
2003 ist Jac van Steen neuer GMD und hat die Leitung des einzigen A-Orches-
75

ters des Freistaates Thüringen als Chefdirigent übernommen. Die Staatskapelle
Weimar und die Klassikerstadt sind eine historisch gewachsene Verbindung,
die weit über Thüringen hinaus nationale und internationale Reputation
genießt.
Jürg Wyttenbach
SONNTAG 27. APRIL 2003
geboren am 2. Dezember 1935 in
Bern. Studierte Klavier (Kurt von
Fischer) und Musiktheorie (Sandor
Veress) in Bern, zwei Studienjahre
in Paris, Abschluss der
pianistischen Ausbildung bei
Karl Engel in Hannover. Lehrtätigkeit
an der Musikschule Biel
und am Berner Konservatorium.
Seit 1967 Lehrauftrag für Klavier,
seit 1970 Lehrer für Interpretation zeitgenössischer Musik am Konservatorium
der Musik-Akademie Basel.
Gleichzeitig rege Konzerttätigkeit als Pianist und Dirigent insbesondere zeitgenössischer
Werke; zahlreiche Schallplattenaufnahmen. Seit 1987 mit Rudolf
Kelterborn und Heinz Holliger verantwortlich für die Konzertreihe „Basler
Musik Forum“. Erhielt 1993 den Kunstpreis der Stadt Basel. Lebt in Basel.
Wyttenbach hat den Musikbetrieb immer als eine Art Zirkus betrachtet, in
welchem das Erhabene und das Komische einander zum Verwechseln ähnlich
sehen. Gleichzeitig hat er, kritisch gegen den kommerziellen Betrieb, die Gewichte
zugunsten unterschätzter Komponisten wie Ives, Scelsi und zugunsten
des „instrumentalen Theaters“ zu verschieben versucht, hat für scheinbar abseitige
Besetzungen komponiert und neue Spieltechniken, etwa für die Geige,
entwickelt.
76

SONNTAG 27. APRIL 2003
77
Kurt Widmer
Bariton
Seit 1967 führt der Schweizer Bariton eine rege
Konzerttätigkeit als Konzert- und Oratoriensänger
in ganz Europa. Israel, Ägypten, den USA.
Kanada. Russland, Korea, Japan und Südamerika
unter namhaften Dirigenten (Raffael Frühbeck de
Bourgos, Michael Gielen, Paul Sacher, Wolfgang
Sawallisch, Horst Stein, Jesus Lopez Cobos, u.v.a.).
Er singt regelmässig an verschiedenen Festivals
wie Musikfestwochen Luzern, Zürich, Montreux,
Donaueschingen, Ludwigsburg, London, Brighton, Darmstadt, Breslau, Turin,
Salzburg und Wiener Festwochen. Uraufführung von G. Kurtag-Beckett-Zyklus
am Festival d‘Automne 1998 in Paris und Edinburgh-Festival 1999.
Er ist Inhaber des Solistenpreises des schweizerischen Tonkünstlervereins.
1997 wurde ihm der Kunstpreis des Kantons Basel-Land zugesprochen. Seit
2001 ist Kurt Widmer künstlerischer Leiter von „toujours Mozart“ in Salzburg
und Prag.
Das Repertoire seiner zahlreichen Schallplatten- und Rundfunkaufnahmen
reicht von Machauts Messe bis zu zeitgenössischen Werken. Er wirkte bisher
schon in über 100 Uraufführungen mit. Sein Engagement für H. W. Henzes „El
Cimarron“, Y. Xenakis „Kassandra“, die Uraufführung der „Hölderlin-Lieder“ und
dem Zyklus „pas à pas-nulle part“ nach Beckett von G. Kurtag zeigen Kurt Widmers
Interesse, das in gleichem Maße auch dem Liedschaffen von den Anfängen
bis heute gilt. Kurt Widmer erhielt verschiedene Schallplattenpreise (Prix
mondial du disque, Grand Prix du disque, Diaposon d‘Or, Prix de l‘Academie
du disque francais, Deutscher Schallplattenpreis bzw. Preis der deutschen
Schallplattenkritik).
Neben seiner Tätigkeit als Lehrer einer Ausbildungs- und Konzertklasse an der
Musikhochschule Basel wurde er ein gefragter Leiter von Meisterkursen (Int.
Meisterkurse Trier, BachAkademie Stuttgart und Moskau, Academia Vocalis
Tiroliensis, Int. Meisterkurse Vaduz) und Masterclasses in Bozen, Kufstein,
Linz, Wien, Salzburg und Tokyo sowie Jury-Mitglied verschiedener internationaler
Wettbewerbe.

SONNTAG 27. APRIL 2003
Achille Caude Debussy
(1862–1918)
Der Titel Nocturnes will hier in allgemeiner und vor allem in mehr dekorativer
Bedeutung verstanden werden. Es handelt sich also nicht um die übliche Form
des Nocturno, sondern um alle Eindrücke und speziellen Beleuchtungen, die in
diesem Wort enthalten sein können.
„Nuages“: Das ist der Anblick des unbeweglichen Himmels mit dem langsamen
und melancholischen Zug der Wolken, zuletzt ein graues Verlöschen, mit
sanften, weißen Tönungen.
„Fetes“: Das ist die Bewegung, der tanzende Rhythmus der Atmosphäre mit
grell aufblitzendem Licht, es ist auch die visionäre, blendende Episode eines
Aufzugs von phantastischen Gestalten, der sich durch das Fest bewegt und in
ihm verschwindet; aber das Grundmotiv bleibt hartnäckig bestehen, und es ist
immer das Fest und seine Mischung von Musik und leuchtendem Staub, die
am Gesamtrhythmus teilhat.
„Sirenes“: Das ist das Meer und sein unendlicher Rhythmus; dann erklingt, lacht
und vergeht aus den vom Mondlicht versilberten Wellen der geheimnisvolle
Gesang der Sirenen.
Mit Werkcharakterisierungen wie dieser hat Claude Debussy selbst der Einordnung
seiner Kompositionen unter dem Stichwort „musikalischer Impressionismus“
Vorschub geleistet. In der Tat fi nden sich Berührungspunkte zwischen
der Malerei etwa Monets und der Musik des französischen Komponisten. Dieses
Etikett reicht jedoch nicht aus, um seinem Œuvre gerecht zu werden. Debussy
hat der Musik des 20. Jahrhunderts entscheidende Impulse gegeben, auf
harmonischem Gebiet ebenso wie auf formalem. Die vielfach zu beobachtende
Abkehr von traditionellen Formtypen, seine fast abstrakten Problemlösungen
musikalischer Phänomene etwa in den späten Klavieretüden, vor allem aber
der deutliche Bruch mit der Tradition der französischen Spätromantik machen
ihn zu einem der Wegbereiter der Moderne, auf den sich viele zeitgenössische
Komponisten wie etwa Pierre Boulez später berufen haben. (Martin Demmler)
78

SONNTAG 27. APRIL 2003
79
Johannes K. Hildebrandt
1968 in Quedlinburg geboren, seit 1974 Klavierunterricht
in Zeitz, ab 1981 Fördervertrag mit der Hochschule
für Musik „Franz Liszt“ Weimar (Korrepetition/
Komposition), seit 1989 Studium in Weimar
(Komposition/Tonsatz/Klavier), Komposition bei Prof.
Karl Dietrich, ab 1993 bei Prof. Reinhard Wolschina,
1994 Diplom, danach Aufbaustudium 1998 Konzertexamen
Komposition,
seit 1993 Lehraufträge an mehreren Musikschulen, seit
1998 Vorsitzender des Deutschen Komponistenverbandes
Landesverband Thüringen und des via nova
– zeitgenössische Musik in Thüringen e.V.,
mehrfache Förderung durch Stiftung Kulturfonds Berlin, Preisträger verschiedener
Kompositionswettbewerbe, 1994 Gründer und seither Leiter des
Ensembles für Neue Musik via nova, künstlerischer Leiter der Weimarer Frühjahrstage
für zeitgenössische Musik, tätig als Pianist solistisch und in verschiedenen
Formationen, sein kompositorisches Schaffen umfasst Orchestermusik,
Konzerte, Kammermusik, Chormusik und Filmmusik.
Mario Wiegand
wurde 1970 in Chemnitz geboren. Nach ersten
Kompositionsversuchen erhielt er im Alter von
15 Jahren Kompositionsunterricht bei Antonius
Streichardt in Weimar. Dort studierte er auch von
1990 bis 1997 u. a. bei Wolfgang von Schweinitz
und Michael Obst. 1992 war er Preisträger beim
Forum Junger Deutscher Komponisten, 1998,
2002 und 2003 Stipendiat der Stiftung Kulturfonds.
2003/2004 ist er Teilnehmer an der
2. Opernwerkstatt der Kammeroper Schloss
Rheinsberg, mit einer Uraufführung im Sommer 2004. In den letzten Jahren
entstanden einige Orchesterwerke, viel Kammermusik, 2 vielbeachtete Ballette

SONNTAG 27. APRIL 2003
und Schauspielmusik, ebenso wurden Rundfunk- und CD-Aufnahmen eingespielt.
Mario Wiegands Musik erklang bisher an zahlreichen Orten Europas
und Nordamerikas.
„Wenn die Sirenen erwachen, schläft die Vernunft ein“ ist der Titel eines Gemäldes
von Max Ernst. „Es ging mir nicht darum, die Formen und Farben des Bildes in
Musik zu setzen. Vielmehr haben die Empfi ndungen beim Betrachten in mir
Musik zu Tage gefördert. Die Form meines Stückes ist also von außermusikalischen
Dingen beeinfl usst. Meine Komposition ist eine Hommage an Max Ernst,
sie ist ebenso eine Hommage an seine Sirenen, die in vielen Gestalten sein Ouvre
beleben. Nicht zuletzt möchte ich allen Sirenen meine Reverenz erweisen,
jenen Göttinnen der antiken Sagen, die auch heute noch unter uns leben, um
uns mit ihrem Wohllaut in die Tiefe zu ziehen.“
80

ÜBERSICHT
Komponisten
81
Seite Seite
Jose-Manuel Berenguer 47 Philippe Kocher 51
Baldur Böhme 24 Claude Lefebvre 39
Roland Breitenfeld 11 Pere Llompart 40
Benedikt Burghardt 12 Maurice Ohana 40
Eric La Casa 46 Sun-Young Pahg 27
Eun-Hwa Cho 13 Gerald Resch 29
Claude Debussy 78 Johannes Schuett 51
Blazej Dowlasz 25 Wolfgang von Schweinitz 35
Hugues Dufourt 38 Kilian Sprotte 13
Peter Färber 51 Antius Streichardt 30
Christian M. Fischer 26 Lothar Voigtländer 59
Beat Furrer 17 Mario Wiegand 79
Johannes K. Hildebrandt 79 Jürg Wyttenbach 76
Hubert Hoche 17 Helmut Zapf 14
Pierre Jodlowski 39 Falk Zenker 30
Péter Kerekes 19

ÜBERSICHT
Interpreten / Referenten
82
Seite
Alexander Abramyan 61
Ulrike Andersch 46
Ancuza Aprodu 36
Pascale Arndtz 61
Matthias Badczong 63
Andre Bartetzki 24
Dirk Beiße 63
Kornelia Bruggmann 52
Simon Chen 62
Ensemble für Neue 21
Musik via nova
Armin Fuchs 34
Marc Gosemärker 65
Helge Harding 60
Matthias Jann 64
Kammerensemble 16
Neue Musik
Chatschatur Kanajan 63
klangwerkstatt weimar 70
Carsten Langer 65
Karen Leonie Leiber 33
Prof. Dr. Albrecht von Massow 41
Seite
Thierry Miroglio 37
Eiko Morikawa 61
Arnd Müller 45
Daniel Rossmeisl 62
Janet Rühl 44
Schweizerisches Zentrum 47
für Computermusik
Iris Sputh 43
Staatskapelle Weimar 73
Studio für elektro- 23
akustische Musik
der FLH Weimar
Ernst Surberg 62
Kurt Widmer 77
Jürg Wyttenbach 76
Ralf Zartmann 64

VERANSTALTER
Informationen zum Veranstalter
via nova – zeitgenössische Musik
in Thüringen e.V.
in Zusammenarbeit mit
Deutscher Komponistenverband
Landesverband Thüringen
Der Landesverband Thüringen des Deutschen Komponistenverbandes wurde
1998 in Weimar gegründet. Ein Jahr später folgte die Gründung des Fördervereins
via nova – zeitgenössische Musik in Thüringen e.V. Über via nova realisiert
der Landesverband seine verschiedenen Konzertprojekte in Thüringen und
darüber hinaus.
Unsere Hauptaufgabe sehen wir in der Förderung der zeitgenössischen Musik
unter besonderer Berücksichtigung lebender Thüringer Komponistinnen und
Komponisten. Via nova ist bemüht, die Existenz von zeitgenössischer Musik
und ihrer Schöpfer mehr in das Bewußtsein des Konzertpublikums zu bringen.
Der via nova e.V. verfügt als gemeinnütziger Verein nicht über eigene Mittel
und ist so auf Spenden angewiesen. Spenden können auf unser Konto
301030235 bei der Sparkasse Weimar, BLZ 820 510 00 eingezahlt werden. Der
via nova e.V. – ein Stück lebendiger Weimarer Kultur, das auch Sie durch Ihre
Spende unterstützen können.
Weitere Informationen erhalten Sie in unserem Büro:
Goetheplatz 9 b
D-99423 Weimar
Tel / Fax 03643 / 49 07 48
oder bei
Johannes K. Hildebrandt
Untergraben 1
D-99423 Weimar
Tel. 03643 / 502720
www.komponistenverband.de
83

VERANSTALTER
Deutscher Komponistenverband
Welchen Nutzen Sie von einer Mitgliedschaft im Deutschen
Komponistenverband haben:
> Beratung in Fachfragen durch Vorstandsmitglieder und die Mitarbeiter der
Geschäftsstelle
> Kostenlose Erstberatung in allen Fragen des Urheber- und Verlagsrechts
durch den Justiziar (ohne Vertretung Dritten gegenüber) einschließlich der
Vorabprüfung von Verträgen
> Beratende Mitwirkung bei der Urheberrechts-Gesetzgebung
> Führung von Musterprozessen
> Erarbeitung und Bereitstellung von Musterverträgen
> Beratung in GEMA-Fragen durch erfahrene Kollegen, die im Aufsichtsrat, den
Ausschüssen und Kommissionen der GEMA die Interessen der Komponisten
vertreten
> Klärung von Sachfragen und Erarbeitung von Vergütungsregeln in den Arbeitsgruppen
„E-Musik“, „Filmmusik“ u.a.
> Internes Forum für Fach- und Sachfragen in der Jahreshauptversammlung,
insbesondere aber in den Mitgliederversammlungen der 11 Landesverbände
sowie Kontakte mit Kollegen aller Sparten unseres Berufes
> Finanzielle Unterstützung in persönlichen Notfällen durch verbandseigene
Stiftungen
> Interessenvertretung der Musikautoren bei Anhörungen der Bundestagsfraktionen
der Parteien und in Gesprächen mit Kulturpolitikern sowie gegenüber
den Rundfunkanstalten und anderen kulturell tätigen Institutionen
> Interessenvertretung im Bundesfachausschuss Musikurheber des Deutschen
Musikrates, im Deutschen Musikrat selbst sowie in den Landesmusikräten
> Halbjährliche kostenlose Verbandsmitteilungen INFORMATIONEN mit
Fachbeiträgen und Berichten sowie Hinweisen auf Kompositionswettbewerbe,
allgemein Wissenswertes aus dem Musikleben, Uraufführungen von Mitgliedern
usw.
84

VERANSTALTER
> Aufnahme in die Datenbank auf der Homepage des Deutschen Komponistenverbandes,
in der jedes Mitglied mit detaillierten Informationen zur Person
(mit Foto) und zum Werk vorgestellt wird (standardisierte Seite).
Der via nova – zeitgenössische Musik in Thüringen e.V.
dankt seinen Förderern und Partnern für ihre Unterstützung.
Stiftung Kulturfonds
GEMA-Stiftung
FESAM-Stiftung
Sparkassenkulturstiftung Hessen-Thüringen
Thüringer Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst
Deutscher Musikrat
Pro Helvetia
Französische Botschaft – instituts francais Bureaux Spécialisés
Paul Woitschach Stiftung
Suisa Stiftung
Österreichisches Kulturforum
Stadt Weimar
Musikakademie Rheinsberg
Thüringer Allgemeine
Thüringische Landeszeitung
Dank an das Studio für elektroakustische Musik der Hochschule für Musik
„Franz Liszt“ Weimar und an Andre Bartetzki. Dank auch an das Schweizerische
Zentrum für Computermusik und an Peter Färber.
Besonderer Dank an die vielen genannten und ungenannten Personen, die mit
ihrem unermütlichen Engagement am Gelingen der Weimarer Frühjahrstage
für zeitgenössische Musik beteiligt sind.
85

VERANSTALTER
Förderungsprojekt
„Konzert des Deutschen Musikrates“
Ein musikalisches Kunstwerk ist auf Wiederaufführungen angewiesen, damit
das Publikum sich mit ihm auseinander setzen kann.
Um dem interessierten Hörer den Zugang zu neuer Musik zu erleichtern,
fördert das Projekt „Konzert des Deutschen Musikrates“ die Wiederaufführung
zeitgenössischer Werke deutscher Komponisten. In das Projekt eingebunden
sind auch junge deutsche, konzertierende Künstler. Sie bedürfen der Unterstützung,
sich im öffentlichen Musikleben durchzusetzen und sich chancengleich
gegenüber ausländischen Kollegen zu behaupten.
Das Engagement der jungen Solisten erfolgt nach einer vom Deutschen Musikrat
herausgegebenen Künstlerliste.
Auf die Auswahl des zeitgenössischen Werkes wird keinen Einfl uss genommen.
Die fi nanziellen Mittel für dieses Förderungsprojekt werden aus Mitteln des
Beauftragten der Bundesregierung für Angelegenheiten der Kultur und der
Medien durch die Kulturstiftung der Länder, der Gesellschaft Verwertung von
Leistungsschutzrechten mbH (GVL), der GEMA; der GEMA-Stiftung und der
Franz Grothe-Stiftung bereitgestellt.
86

PARTNER
Medienpartner der
4. Weimarer Frühjahrstage für
zeitgenössische Musik
87

Veranstaltungsorte und Karten:
Die Komponistensymposien fi nden alle im Jugend- und Kulturzentrum mon
ami (Goetheplatz) jeweils 14.00 Uhr statt.
Der Eintritt ist frei.
INFORMATION
Konzerte am 23. April, 24. April, 25. April und 27. April 16.00 Uhr im Jugend-
und Kulturzentrum mon ami
Konzert am 26. April im e-werk
Konzert am 27. April 19.30 im congresscentrum neue weimarhalle
Konzertkartenpreise 23./24./27. (16.00 Uhr) April: 6 Euro / ermäßigt 4 Euro
Konzertkartenpreise 25./26. April: 8 Euro / ermäßigt 5 Euro
Konzertkartenpreise 27. April 19.30 Uhr: 12 Euro / ermäßigt 8 Euro
Karten erhalten sie in allen Thüringenticket-Vorverkaufsstellen, in allen
Geschäftsstellen der Zeitungen TA/OTZ/TLZ, und in den angeschlossenen
Tourist-Informationen des Thüringentickets.
Das Kartentelefon: 0180 / 505 5 505
Karten und Informationen erhalten sie auch direkt beim Veranstalter oder an
der Abendkasse.
via nova info-hotline: 0 36 43 / 49 07 48
88

INFORMATION
6. Anna Amalia-Gitarrenwettbewerb
für Kinder und Jugendliche
22. – 26. April 2003 in Weimar
Junge Menschen zu einer künstlerischen Aussage zu bringen, sie auf dem Weg
der Selbstfi ndung zu begleiten, sie zu ermutigen, auf musikalischem Gebiet
hohe Leistungen zu erbringen, um dem Anspruch einer neuen, jungen Musikergeneration
gerecht zu werden, ist eine Verpfl ichtung, der sich die Gesellschaft
nicht entziehen darf und deren Unterstüzung höchste Priorität genießen
muß.
Der Weimarer Gitarre-Verein e.V. stellt sich seit 1993 alle zwei Jahre mit seinem
Anna-Amalia-Gitarrenwettbewerb für Kinder und Jugendliche dieser Verpfl
ichtung.
Zunächst jungen Gitarristen aus Deutschland vorbehalten, ermutigten uns die
bundesweite Anerkennung und das zunehmende Interesse, den Anna Amalia
-Gitarrenwettbewerb 1999 erstmalig als internationalen Wettstreit auszutragen.
Die große Resonanz und das hohe künstlerischen Niveau der Teilnehmer begründen
den guten Ruf, den sich der Wettbewerb in Deutschland und darüber
hinaus erworben hat.
Für den 6. Anna Amalia-Gitarrenwettbewerb für Kinder und Jugendliche haben
sich wiederum 70 Teilnehmer angemeldet – über die Hälfte davon aus Ost- und
Südosteuropa, was einmal mehr Weimars Ruf als „Gitarrenstadt“ und als idealer
Ort der Begegnung zwischen Ost und West unterstreicht.
Der Wettbewerb wird in drei Altersgruppen durchgeführt:
Altersgruppe I bis 13 Jahre
Altersgruppe II 14 – 16 Jahre
Altersgruppe III 17 – 20 Jahre
Gefordert wird je nach Altersgruppe ein 15- bis 35-minütiges Programm, welches
mindestens ein Werk der Klassik enthalten muss.
89

INFORMATION
Darüber hinaus sind in den Altersgruppen II und III zeitgenössische Kompositionen
vorgegeben, Auftragswerke des Weimarer Gitarre-Vereins e. V., welche
in Kooperation mit dem Chanterelle-Verlag Heidelberg als „Weimar-Serie“
veröffentlicht werden.
Es können ein 1., 2. und 3. Preis in jeder Altersgruppe sowie Sonderpreise u.a.
für die jeweils beste Interpretation eines klassischen Werkes sowie der zeitgenössischen
Pfl ichtstücke in einer Gesamthöhe von über 4000,– ¤ vergeben
werden.
Ergänzt durch hochkarätig besetzte Abendkonzerte sowie Präsentationen von
Gitarrenbauern und Musikverlagen wird der Wettbewerb zu einer attraktiven
Veranstaltung sowohl für das Fachpublikum (Musiklehrer, Schüler, Studenten)
als auch für die interessierte Öffentlichkeit.
90

Konzerte
INFORMATION
im Rahmen des
6. Anna Amalia-Gitarrenwettbewerb für
Kinder und Jugendliche
22. – 26. April 2003 in Weimar
Dienstag, 22. April 2003, 19.30 Uhr
Musikgymnasium Schloß Belvedere, Konzertsaal
Gitarrenduo Klaus & Rainer Feldmann
Werke von Johann Sebastian Bach, Helge Jung,
Klaus Feldmann, Enrique Granados, Joaquin Rodrigo
und Isaac Albeniz
Mittwoch, 23. April 2003, 19.30 Uhr
Stadtbücherei Weimar, Gewölbekeller
„Der König sitzt in Dumpferlingschloß…“ (J.G.Herder)
musikalisch-literarische Veranstaltung
mit Elke Wieditz, Lesung &
Christian Kütemeier, Gitarre
Texte von Johann Gottfried Herder und
Musik von Mauro Giuliani,
Fernando Sor und Dionisio Aguado
Donnerstag, 24. April 2003, 19.30 Uhr
Musikgymnasium Schloß Belvedere, Konzertsaal
Thomas Müller-Pering, Gitarre
Werke von Isaac Albeniz, Joaquin Rodrigo, Edino Krieger,
Leo Brouwer, Nuccio D‘Angelo und Astor Piazzolla
91

Freitag, 25. April 2003, 19.30 Uhr
Stadtbücherei Weimar, Gewölbekeller
Konzert Weimarer Preisträger
Nicole Kürschner (Deutschland),
Christian Haimel (Österreich),
Lukasz Kuropaczewski (Polen)
– (Preisträger des 5. Anna-Amalia-Gitarrenwettbewerbes 2001) –
Werke von John Dowland, Johann Sebastian Bach, Mauro Giuliani,
Dionisio Aguado, Isaac Albeniz, Mario Castelnuovo-Tedesco und
William Walton
Samstag, 26. April 2003, 17.00 Uhr
Musikgymnasium Schloß Belvedere, Konzertsaal
Preisträgerkonzert
und Preisverleihung
92
* * *
22.–26.4., täglich 9.30–17.Uhr (26.4. bis ca. 14.00 Uhr)
Musikgymnasium Schloß Belvedere
– Wertungsvorspiele
– Präsentationsstände von Gitarrenbauern und Musikverlagen
weitere Informationen:
INFORMATION
* * *
Weimarer Gitarre-Verein e.V.
Goetheplatz 9b, 99423 Weimar
Tel. / Fax: 03643 / 51 78 01
www.weimarer-gitarre-verein.de

Impressum
Fotonachweis
Wolfgang v. Schweinitz: Fotografi e etc Klaus Fröhlich, Bötzingen
Mario Wiegand: Fotostudio Müller, Ilmenau
Antonius Streichardt: A. Schönstedt, Erfurt
Beat Furrer: Harald Fronzeck, Essen
Jürg Wyttenbach: Daniel Vass, Lugano
Kurt Widmer: Niggi Bräuning, Basel
Staatskapelle Weimar: Erika Fernschild, Hof
Baldur Böhme: Foto Ludwig, Weimar
Tanzskulptur Andersch: St. Gollhardt
Iris Sputh: Jean Severin
Visage: Uwe Kämpfe
Herausgeber
via nova – zeitgenössische Musik in Thüringen e.V.
in Zusammenarbeit mit
Deutscher Komponistenverband Landesverband Thüringen
Goetheplatz 9b
D-99423 Weimar
Tel/Fax 03643 / 49 07 48
e-mail: JohannesHildebrandt@web.de
www.komponistenverband.de
Redaktion
IMPRESSUM
Johannes K. Hildebrandt
Mario Wiegand
Matthias Hillger
93

Gestaltung
Druck
Hinweis
IMPRESSUM
internet + Design GmbH & Co. KG, Weimar
Buch- und Kunstdruckerei Keßler GmbH, Weimar
Dieses Programmheft wurde mit größter Sorgfalt erstellt, dennoch
können Fehler nicht ausgeschlossen werden. Für die Richtigkeit der
Angaben wird aus diesem Grund keine Gewähr übernommen.
Änderungen vorbehalten
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