AsKI e.V. Kulturberichte 2/2001

Arbeitskreis 

selbständiger 

Kultur- 

Institute e.V

_ Mitgliedsinstitute des AsKII ~=== __ ~_~"'~==~ 

Städelsches Kunstinstitut 

Frankfurt am Main 

Der Kunstverein in Bremen 

Bremen 

Germanisches Nationalmuseum 

Nürnberg 

Freies Deutsches Hochstift 


Verein Beethoven-Haus 

Bonn 

Deutsche Schillergesellschaft 

Marbach am Neckar 

Wllhelm-Busch-Gesellschaft 

Hannover 

Wlnckelmann-Gesellschaft 

Stendal 

Gesellschaft für deutsche Sprache 

Wiesbaden 

Max-Reger-lnstitutlElsa-Reger-Stiftung 

Karlsruhe 

Deutsche Akademie für Sprache und 

Dichtung 

Darmstadt 

Arbeitsgemeinschaft Friedhof und Denkmal 

Kassel 

Stiftung Deutsches Rundfunkarchiv 

Frankfurt am Main - Potsdam/Babelsberg 

Goethe-Museum/Kippenberg-Stlftung 

Düsseldorf 

Bauhaus-Archiv 

Berlin 

Filmmuseum Berlin - Deutsche KInemathek 

Berlin 

Stiftung Buchkunst 


Stiftung Ostdeutsche Galerie 

Regensburg 

Gerhard Marcks-Stiftung 

Bremen 

Literaturarchiv Sulzbach-Rosenberg 

Sulzbach-Rosenberg 

Eiselen-Stiftung 

Ulm 

Stiftung Henrl und Eske Nannen und 

Schenkung Otto van de Loo 

Emden 

Gesellschaft für Reichskammergerichtsforschung 

Wetzlar 

Stiftung Weimarer Klassik 

Weimar 

Franckesche Stiftungen zu Halle an der Saale 

Halle an der Saale 

Stiftung Archiv der Akademie der Künste 

Berlin 

Stiftung Gedenkstätten Buchenwald und 

Mittelbau-Dora 

Weimar 

Fritz Bauer Institut 


Bach-Archiv 

Leipzig 

Stiftung Deutsches HyJ;JieIlI!-liIu!;eurn 

Dresden 

1999-2000

2 Neues Mitglied im AsKI: 

Bach-Archiv Leipzig 

Forschungsinstitut - Bibliothek - 

Museum - Veranstaltungen 

7 "Leuchtendes Zauberschloß aus 

unvergänglichem Material" 

Hofmannsthai und Goethe 

Eine Ausstellung im Freien Deutschen 

Hochstift/Frankfurter Goethe-Museum 

Joachim Seng 

10 kunst.macht.kulturpolitik 

Kulturpolitischer Bundeskongress 

in Berlin 

11 ICOM 2001 Barcelona 

19. General-Konferenz und 20. Generalversammlung 

des International Council 

of Museums 1. - 6. Juli 2001 

14 Daniel Nikolaus Chodowiecki zum 

200. TOdestag 

Ausstellung der "Reise von Berlin nach 

Danzig 1773" in Gdansk und Berlin 

Gudrun Schmidt 

18 Endlich - die Nationalstiftung für 

Kultur? 

Barthold C. Witte 

20 KLEINE NACHRICHTEN 

27 Maxim Kantor. "Ödland. Ein Atlas" 

Eine Ausstellung der Graphischen 

Sammlung im Städelschen Kunstinstitut, 


Ulrike Goeschen 

31 Ein Toast auf den Toaster! 

Eine Ausstellung zu Technikgeschichte 

und Design der Toaster und zur 

Geschichte des Toastbrotes 

Deutsches Brotmuseum Ulm 

Annette Hillringhaus/Monika Machnicki 

36 Searle & Searle 

Eine Ausstellung im Wilhelm-Busch- 

Museum Hannover/Deutsches Museum 

für Karikatur und kritische Grafik 

Gisela Vetter-Liebenow 

38 Die Gemeinschaft der Heiligen 

Der Figurenzyklus an der Katharinenkirche 

zu Lübeck und das monumentale 

Werk Ernst Barlachs 

Eine Ausstellung im Gerhard Marcks- 

Haus Bremen 

Jürgen Fitschen 

41 AUSSTELLUNGEN UND 

VERANSTALTUNGEN

= 

Neues Mitglied im AsKI: 


Forschungsinstitut - Bibliothek - Museum - Veranstaltungen 

Das Bach-Archiv Leipzig besitzt ein vielfältiges 

und umfangreiches Aufgabenspektrum. 

Als Archiv sammelt, bewahrt und verzeichnet 

es mit dem Ziel der Vollständigkeit das musikalische, 

dokumentarische und literarische 

Material zu Johann Sebastian Bach, seiner 

Familie und deren Umkreis. An eine breite Öffentlichkeit 

wendet es sich mit dem Museum 

und als Veranstalter des Leipziger Bachfestes, 

des Internationalen Bach-Wettbewerbs und 

einer wöchentlich stattfindenden Kammerkonzertreihe. 

Unter seinem Dach vereint es 

einzigartige Quellenbestände, eine hochspezialisierte 

Forschungseinrichtung, eine einzigartige 

Bibliothek. In dieser komplexen Funktion, 

eigentlich Multifunktion, ist das Bach-Archiv 

Leipzig weltweit ohne Parallele; in seinem 

Bestreben, die Stadt Leipzig als zentralen Ort 

2 

der Bach-Forschung und -Pflege weiter auszubauen, 

vernetzt es Institutionen und Kooperationspartner 

auf lokaler, nationaler und internationaler 

Ebene. 

Zur Geschichte 

Im Juli 1950 fanden in Leipzig im Rahmen 

der so genannten Deutschen Bach-Feier neben 

zahlreichen Konzerten eine Wissenschaftliche 

Konferenz, ein Wettbewerb sowie eine 

hochkarätige museale Ausstellung "Bach in 

seiner Zeit" statt. Initiator der Ausstellung war 

der Musikwissenschaftier Werner Neumann 

(1905-1991). Im Anschluss an die Feierlichkeiten 

und getragen von deren Impetus wurde von 

ihm - mit Unterstützung der Stadt Leipzig - im 

November 1950 das Bach-Archiv Leipzig gegründet. 

Untergebracht war das Archiv ab Mai 

1951 im 1755/56 erbauten .Gohliser Schlößchen" 

in der Menckestraße 23. 1985 zog die 

inzwischen beträchtlich angewachsene Einrichtung 

mit ihren Quellenbeständen und 

Sammlungen anlässlich der Feierlichkeiten zu 

Bachs 300. Geburtstag in ein besonders schönes 

altes Wohnhaus in die Innenstadt Leipzigs 

um: in das nach seiner Rekonstruktion 1983 

bis 1985 so genannte Bosehaus auf der Südseite 

des Thomaskirchhofs. Das Gebäude ist 

im Jahr 1586 errichtet worden, wie eine Jahreszahl 

am Ostgiebel belegt. Dieser Bau bildet 

heute den Kern des Hauses. Auch die schöne 

großzügige und einladende Eingangshalle 

mit ihren Kreuzgewölben und Säulen stammt 

aus der Zeit der Renaissance, während die unbequeme 

Treppenspindel jener Zeit schon bei 

der umfassenden Umgestaltung im 18. Jahrhundert 

durch ein steinernes Treppenhaus er- 

Garl Seffner 

Denkmal Johann Sebastian Bachs 

vor der Thomaskirche, Leipzig

Johann Sebastian Bach 

Eingabe an den Rat der Stadt Leipzig, 1730 


setzt wurde. Im Hintergebäude entstand damals 

ein mit Spiegeln, Stuckverzierungen und 

einem ovalen Deckengemälde geschmückter 

Festsaal ("Sommersaal"), der bis ins Dachgeschoss 

hineinreicht. Der Umzug des Bach- 

Archivs in dieses großbürgerliche Anwesen visa-vis 

zur (leider heute nicht mehr existierenden) 

ehemaligen Wohnung und Arbeitsstätte 

Johann Sebastian Bachs (in der 1902 abgerissenen 

Thomasschule) ist bedeutungsvoll, 

bestanden doch nachgewiesenermaßen 

freundschaftliche Beziehungen zu den Besitzern 

des Hauses, der Kaufmannsfamilie Bose. 

Die wechselvolle Geschichte des Bach-Archivs 

Leipzig ausführlich darzustellen, ist hier nicht 

der Ort. 

Nur so viel: Von 1979 bis zur deutschen Einheit 

war die Einrichtung den "Nationalen Forschungs- 

und Gedenkstätten Johann Sebastian 

Bach der DDR" administrativ als mehr oder 

weniger unliebsames Anhängsel zugeordnet; 

die Rückkehr zur ursprünglichen Zielsetzung 

des Instituts und die Rückbenennung in Bach- 

Archiv Leipzig erfolgte schließlich 1992. Als Ergebnis 

dieser Entwicklungen wird das Bach- 

Archiv seit 1991 aus Mitteln des Bundes, des 

Freistaates Sachsen sowie der Stadt Leipzig 

institutionell gefördert. Seit dem 1. Januar 1998 

ist die vormalige Einrichtung der Stadt Leipzig 

eine Stiftung ·bürgerlichen Rechts. 

Forschungsinstitut 

In der Abteilung Forschung sind zahlreiche 

wissenschaftliche Einzelprojekte zu Johann 

Sebastian Bach und seiner Familie angesiedelt 

(Biographie, Quellenforschung, Schaffen, 

Umfeld, Aufführungspraxis, Wirkungsge- 

Johann Sebastian Bach 

Kantate BWV 14" Wär Gott nicht mit uns diese Zeit" 

autographe Sopranstimme 


3

schichte). Zunehmend widmet sich die Forschung 

auch den Bach-Söhnen. Zu den langfristigen 

editorischen Projekten gehören die 

"Bach Dokumente", die "Faksimile-Reihe 

Bachscher Werke und Schriftstücke", die .Leipziger 

Beiträge zur Bach-Forschung", das 

"Bach-Jahrbuch", die "Neue Bach-Ausgabe" 

(gemeinsam mit dem Johann-Sebastian-Bach- 

Institut), das bis heute vier Bände umfassende 

"Bach Compendium" (mit Unterstützung der 

Harvard University), das "Bach Repertorium" 

(gemeinsam mit der Sächsischen Akademie 

der Wissenschaften und dem Packard Humanities 

Institute) sowie die Gesamtausgabe 

der Werke von Wilhelm Friedemann und Carl 

Philipp Emanuel Bach (mit Unterstützung des 

Packard Humanities Institute). 

Abgesehen von Publikationen und Editionen 

zählt zu den Aufgaben des Instituts auch die 

Vermittlung der Forschungsergebnisse an Wissenschaft 

und Praxis in Form von Vorträgen, 

universitären Veranstaltungen, Seminaren und 

Konferenzen. Gerade auch für derartige Veranstaltungen 

besteht im Selbstverständnis der 

Leipziger Bevölkerung ein auffallend reges öffentliches 

Interesse, wie der außerordentlich 

hohe Zuspruch von Zuhörern an lässlich der 

dreitägigen wissenschaftlichen Konferenz 

"Bach in Leipzig - Bach und Leipzig" zeigte, 

die im Januar 2000 das Bach-Jahr eröffnete 

und dabei die Elite der internationalen Bach- 

Forscher vereinte. (Die Referate werden in 

Band 5 der Reihe .Leipziqer Beiträge zur Bach- 

Forschung" veröffentlicht.) 

Bibliothek 

Die Präsenzbibliothek des Bach-Archivs 

Leipzig ist die weltweit bedeutendste Spezialbibliothek 

zum Thema Bach. Sie umfasst nach 

der Staatsbibliothek Berlin, Stiftung Preußischer 

Kulturbesitz, die zweitgrößte Sammlung 

Bachscher Originalquelien sowie zahlreiche 

4 

weitere Bachiana in Handschriften und Drucken 

des 18. und 19. Jahrhunderts. Zu diesem 

Schatz gehören etwa neunhundert Handschriften 

und Autographe. Zu den unschätzbaren 

Kostbarkeiten zählt die Thomana-Sammlung, 

originale Stimmensätze des so genannten 

Choralkantaten-Jahrgangs Johann Sebastian 

Bachs, die nach Bachs Tod über seine Witwe 

Anna Magdalena an die Thomasschule gelangten 

und heute vom Bach-Archiv Leipzig verwahrt 

und für wissenschaftliche Zwecke genutzt 

werden. Zu den wertvollsten Beständen 

gehören auch das Autograph der Violinsonate 

G-Dur, BWV 1021 (eine Faksimile-Ausgabe ist 

in Vorbereitung) und Bachs oft zitierte Eingabe 

an den Rat der Stadt Leipzig von 1730 

(Kurtzer, iedoch höchstnöthiger Entwurff einer 

wohlbestallten Kirchen-Music; nebst einigem 

unvorgreiflichen Bedencken von dem Verfall 

derselben) . 

Von einzigartiger Bedeutung ist die auf die 

besonderen Bedürfnisse der Bach-Forschung 

ausgerichtete umfangreiche Sammlung von 

Musikliteratur und Musikdrucken, Fachliteratur 

und Musikalien, Quelien-Photokopien und -Mikroformen, 

Tonträgern und Grafiken. Zu den 

Aufgaben der Bibliothek gehören die katalogmäßige 

Aufarbeitung des Bach-Schrifttums 

und die Führung verschiedener Spezialkarteien. 

Ein längerfristiges, bereits begonnenes 

Vorhaben ist die schrittweise Digitalisierung 

des Hauptkatalogs.

Museum 

Das Johann-Sebastian-Bach-Museum ist 

das Schaufenster des Bach-Archivs Leipzig. 

Weit über zwanzigtausend Besucher lockt es 

jährlich an. Nach einer umfassenden Renovierung 

und Erweiterung zum Bach-Jahr 2000 

wird in nunmehr fünf Räumen eine neugestaltete 

Dauerausstellung zum Thema Bach in 

Leipzig präsentiert. Dank verbesserter Klimaund 

Sicherheitstechnik ist es nun möglich, für 

eine begrenzte Zeit regelmäßig auch Kostbarkeiten 

aus der Schatzkammer des Archivs auszustellen. 

Gezeigt werden neben wertvollen 

Dokumenten, Bildnissen und Musikalien auch 

historische Instrumente der Bach-Zeit. Ein Vortragsraum 

bietet Gelegenheit für museumspädagogische 

Begleitprogramme und ermöglicht 

audiovisuelle Vorführungen zu Leben und 

Werk Bachs. Bereichert wird die Dauerausstellung 

jährlich um drei bis vier Kabinettausstellungen. 

Sie vermitteln durch ansprechende, 

aktuelle Thematik und Gestaltung neueste 

Erkenntnisse der Forschung und schaffen sinnfällige 

Querverbindungen zur Regional-, Kultur-, 

Religions-, Literatur- und Kunstgeschichte. 

Jüngstes Projekt ist die Kabinettausstellung 

.Johann Sebastian Bachs Frau Liebste. Anna 

Magdalena Bach zum 300. Geburtstag", die 

vom 12. September 2001 bis zum 13. Januar 

2002 gezeigt wird. Mittelpunkt der Ausstellung 

ist der Lebensweg einer bemerkenswerten 

5 

Frau: Anna Magdalena Bach geb. Wilcke 

(22.9.1701-27.2.1760). Als Künstlerin, Gattin, 

Mutter einer Großfamilie und Kopistin der Werke 

ihres Mannes stand Anna Magdalena jahrzehntelang 

im Brennpunkt des Lebens Johann 

Sebastian Bachs. Die Ausstellung präsentiert 

der Öffentlichkeit erstmals teilweise noch nie 

gezeigte Dokumente. 

Veranstaltungen 

Die Abteilung Veranstaltungen realisiert die 

seit 1999 alljährlich zu Himmelfahrt stattfindenden 

Leipziger Bachfeste. Der Gedanke, ein 

Fest zu Ehren Bachs auch außerhalb der großen 

Jubiläen zu installieren, war in der Bach- 

Hauptstadt nicht neu. Die Tradition der Bachfeste 

in Leipzig fußt im Wesentlichen auf zwei 

Entwicklungslinien. Einerseits veranstaltet die 

Neue Bachgesellschaft ihre innerhalb Deutschlands 

wandernden Bachfeste seit 1904 etwa 

alle vier Jahre in Leipzig. Andererseits versuchte 

die Stadt Leipzig selbst, ein jährliches Bachfest 

auszurichten. Anlass für das erste städtische 

Bachfest war die Einweihung des Bach- 

Denkmals von Carl Seffner auf dem Themaskirchhof 

im Jahre 1908. Unter verschiedenen 

Titeln und in unregelmäßigen Abständen fanden 

diese Feste unter der künstlerischen Leitung 

des Thomaskantors bis in die sechziger 

Jahre statt. Mit dem Bachfest von 1999, dessen 

künstlerische Leitung Thomaskantor Georg 

Christoph Biller übernahm, hat die Kommune 

in Zusammenarbeit mit verschiedenen 

Kulturinstituten ein Bekenntnis zu Leipzigs 

größtem Musiker Johann Sebastian Bach in die 

Tat umgesetzt. Nach dem Jubeljahr 2000 und 

dem ebenfalls sehr erfolgreichen Bachfest 

Leipzig 2001 steht das vierte Festival vom 3. 

bis 12. Mai 2002 unter dem Thema "Bach und 

die französische Musik" auf dem Programm. 

Alle zwei Jahre gesellt sich der Internationale 

Johann-Sebastian-Bach-Wettbewerb dazu. 

Johann-Sebastian-Bach-Museum 

Dauerausstellung Bach und Leipzig

Bach-Archiv Leipzig, 

Thomaskirchhof 16, Innenhof 

6 

Gegründet 1950 und in zunächst vierjährigem 

Turnus veranstaltet, gehört dieser zu den anspruchvollsten 

Wettbewerben und ist mit seinem 

spezifischen Profil einzigartig in der Welt. 

Unter Leitung seines Präsidenten Robert Levin 

(Harvard University) werden bewusst historische 

Instrumente und eine entsprechende Aufführungspraxis 

einbezogen. Der XIII. Bach- 

Wettbewerb findet vom 25. Juni bis 6. Juli 2002 

in den Fächern Gesang, Violine und Klavier statt. 

Über diese in größeren Abständen stattfindenden 

Ereignisse hinaus veranstaltet das 

Bach-Archiv ganzjährig Kammerkonzerte im historischen 

Sommersaal des Bosehauses. Jeden 

Mittwochabend erklingt in dem sechzig Personen 

fassenden Saal Kammermusik vom Frühbarock 

bis zur Moderne, dargeboten von Bachpreisträgern 

sowie nationalen und internationalen 

Künstlern und Ensembles. 

Eingangshalle des 

Johann-Sebastian-Bach- 

Museums, Leipzig

"Leuchtendes Zauberschloß aus unvergänglichem Material" 

Hofmannsthai und Goethe 

Eine Ausstellung im Freien Deutschen Hochstift/Frankfurter Goethe-Museum 

Joachim Seng 

Im März 1891 notierte sich der Dichter Arthur 

Schnitzler in sein Tagebuch: "Bedeutendes 

Talent, ein 17j. Junge, Loris (v. Hofmannsthai). 

Wissen, Klarheit und, wie es scheint, 

auch echte Künstlerschaft, es ist unerhört in 

dem Alter." Im berühmten Cate Griensteidl 

hatte er gerade den Gymnasiasten Hugo von 

Hofmannsthai (1874-1929) kennen gelernt, der 

bereits mit einigen Gedichten und Aufsätzen 

in Wiener Zeitschriften Aufsehen erregt hatte 

und bald als das jüngste Genie des "Jung- 

Wien" gefeiert wurde. Vergleiche mit dem Genie 

Goethes ließen nicht lange auf sich warten. 

Als einer der Ersten attestierte Hermann 

Bahr Hofmannsthai öffentlich "das Wilhelm- 

Meisterliche". 

Die Gedichte und Versdramen des jungen 

Dichters wurden im Wien der Jahrhundertwende 

immer wieder mit Goethe in Verbindung 

gebracht - so vernehmlich, dass Karl Kraus, 

selbst ein glühender Goethe-Verehrer, gegen 

diese Gleichsetzung mit dem Dichterfürsten im 

Goethe-Jahr 1899 in seiner Zeitschrift "Die 

Fackel" scharfzüngig polemisierte: "Brauchen 

wir noch zu fragen, wie Hugo v. Hoffmannsthai 

[sie !] über Goethe denkt? Wer weiß nicht, dass 

Goethe der Hoffmannsthai [sic !] des 18. Jahrhunderts 

gewesen ist?" Obwohl die Wahrnehmung 

Hofmannsthais als früh vollendetes Genie 

den Blick der Öffentlichkeit bestimmte, er 

1902 sogar in einer Karikatur thronend auf dem 

Wiener Goethe-Denkmal dargestellt wurde, ist 

die Goethe-Aneignung des Dichters doch wesentlich 

vielschichtiger als gemeinhin angenommen 

und in der Forschungsliteratur dargestellt. 

Hugo von Hofmannsthai 

vor seiner Bibliothek in Rodaun, um 1928 

Freies Deutsches Hochstift/Frankfurter 

Goethe-Museum, Sammlung Dr. Rudolf Hirsch 

7 

Unter dem Titel ",Leuchtendes Zauberschloß 

aus unvergänglichem Material'. Hofmannsthai 

und Goethe" zeigt das Freie Deutsche Hochstift/Frankfurter 

Goethe-Museum vom 12. November 

2001 bis zum 13. Januar 2002 eine 

Ausstellung, welche die verschiedenen Facetten 

und Formen von Hofmannsthais produktiver, 

aber auch kritischer Goethe-Rezeption 

erstmals mit all ihren Wandlungen in den knapp 

vierzig Jahren seines dichterischen Schaffens 

dokumentiert. Etwa 250 Exponate sollen dabei 

Einblicke in eine außergewöhnliche und 

produktive Form der Goethe-Aneignung im 

20. Jahrhundert geben. Dies könnte nirgends 

besser dargestellt werden als im Freien Deutschen 

Hochstift, zu dessen Sammel- und Forschungsschwerpunkten 

sowohl das Werk Goe-

Kar! Baue;; Hugo vom Hofmannsthai 

1900, Lithographie 

Freies Deutsches Hochstift/ 

Frankfurter Goethe-Museum 

thes als auch jenes Hugo von Hofmannsthais 

zählen. Dabei werden die eigenen Bestände 

an Handschriften, Fotos, Theaterzetteln, Bühnenbildentwürfen 

und Büchern aus Hofmannsthais 

Bibliothek noch durch eindrucksvolle 

Leihgaben aus Marbach, München und Wien 

ergänzt. 

"Goethe ist nicht der Quell von diesem und 

jenem in unserer neueren Literatur, sondern 

er ist ein Bergmassiv, und das Quellgebiet von 

all und jedem in ihr", bekennt Hofmannsthai in 

seinem "Buch der Freunde". Für ihn und sein 

Werk gilt dieser Aphorismus in besonderem 

Maße. Wie ein roter Faden zieht sich die produktive 

Auseinandersetzung mit Goethes Werk 

durch seine Dichtung. Schon der 14-jährige 

Schüler berichtet in einem Brief an eine Freundin, 

dass er "in der chronologischen Leserei 

des grossen Goethe ziemliche Fortschritte" 

gemacht habe und nun bereits "die ganze Jugend, 

mit ihren reichen, leider nur fragmentarischen 

Entwürfen" hinter sich habe. Diese 

gründliche und keineswegs durch die Schule 

eingeforderte Goethe-Lektüre bildet die Grundlage 

für seine profunde Kenntnis der Schriften 

8 

Hugo von HofmannsthaI, Prolog zu einer 

nachträglichen Gedächtnisfeier für Goethe 

1899 (Reinschrift) 



des verehrten Klassikers. Über seine Goethe- 

Ausgabe, die Cotta-Ausgabe von 1840 aus 

dem Besitz seines Großvaters, schreibt er einmal: 

"meine geliebten 40 Bände, wie kleine 

Hausgötter. wie sie immer wieder vollzählig 

zusammenkommen. ihr zusammenkommen 

hat etwas olympisches. die wundervolle Polyphonie". 

Dieser "wundervollen Polyphonie" spürt die 

Ausstellung nach, indem sie nicht allein das 

lyrische, sondern auch das erzählerische und 

dramatische Werk Hofmannsthais auf Einflüsse 

Goethes hin untersucht. Dichtungen wie der 

"Der Tor und der Tod", "Die Frau ohne Schatten", 

das Romanfragment .Andreas" oder sein 

berühmter "Jedermann", ja selbst die Salzburger 

Festspiele, an deren Einrichtung der Wiener 

Dichter einen gewichtigen Anteil hat, sind 

ohne den Bezugspunkt Goethe nicht denkbar.

Kar! Bauet; Derjunge Goethe 

um 1907, Lithographie 



Hofmannsthais Feststellung, Goethe könne 

"als Grundlage der Bildung eine ganze Kultur 

ersetzen", zeugt davon, dass der große "Olympier" 

auch in den kulturpolitischen Vorstellungen 

des Dichters eine wichtige Rolle spielt. In 

einer Reihe von Aufsätzen und Reden, aber 

auch in seiner regen Herausgebertätigkeit 

nach dem ersten Weltkrieg (u.a. "Deutsche 

Erzähler", "Deutsches Lesebuch") wird dies 

dokumentiert. 

Wiederholter Spiegelungen seiner Goethe- 

Aneignung wird man zudem im Gespräch mit 

der Familie, mit Freunden und Bekannten (z.B. 

Rudolf Borchardt, Thomas Mann, Rudolf Alexander 

Schröder, Stefan Zweig) gewahr. Auch 

mit bedeutenden Philologen seiner Zeit pflegte 

Hofmannsthai das Gespräch über Goethe 

(Wilhelm Dilthey, Hans Gerhard Gräf, Georg 

Witkowski) und genoss deren Respekt als 

Dichter und Gelehrter. 

So fördert die Ausstellung Überraschendes 

zutage und einiges, was eng mit dem Frankfurter 

Ausstellungsort verbunden ist. Etwa eine 

Postkarte aus dem Frankfurter Goethe-Haus 

an seine Schwiegermutter, Fanny Schlesinger, 

mit den Bildern von "Goethe nebst Eltern" und 

dem Vers: "Vom Vater hab' ich die Statur/Des 

9 

Lebens ernstes Führen./Vom Mütterchen die 

Frohnatur/Und Lust zu fabuliren". In einem Brief 

an den berühmten Schauspieler Josef Kainz 

schreibt der Dichter im Goethe-Jahr 1899: "Wir 

müssen zusammen eine Vorlesung geben (...) 

einen Goetheabend. Ich habe nämlich eine 

Menge über die Goetheschen Gedichte zu 

sagen, eine Menge solches Einfaches, wie die 

Litteraten immer zu sagen vergessen, und das 

möchte ich viellieber sprechen als schreiben. 

Und nachher thuen Sie den Leuten vorlesen, 

nicht nur ein paar von den prachtvollen Sachen, 

die Sie ohnehin gern lesen, sondern noch andere 

kleinere, die viel unbekannter sind. Es 

könnte so etwas schönes einheitliches werden. 

Also ja! Ich habe den Goethe nämlich wirklich 

sehr gern." Von dieser Goethe-Liebe des Dichters 

Hugo von Hofmannsthai möchte die Ausstellung 

im Freien Deutschen Hochstift ein 

anschauliches Zeugnis geben .• 

Zur Ausstellung erscheint ein umfangreicher Katalog 

von ca. 300 S. mit etwa 120 teils farbigen Abbildungen 

in der Edition Isele.

kunst. macht. kulturpolitik 

Kulturpolitischer Bundeskongress in Berlin 

Das Motto des Kulturpolitischen Bundeskongresses, 

initiiert von der Kulturpolitischen Gesellschaft 

in Zusammenwirken mit der Bundeszentrale 

für politische Bildung, der Friedrich- 

Ebert-Stiftung und der Akademie der Künste, 

hatte geradezu Tagesaktualität. Am 7. und 8. 

Juni 2001 informierten sich über 300 Gäste - 

weiteren 100 hatte man zuvor bereits absagen 

müssen - in zehn Veranstaltungen und Foren 

zu den drei Bereichen Kunst, Macht/machen 

und Kulturpolitik und deren gesellschaftspolitischem 

Zusammenspiel. Die tagespolitische 

Brisanz lieferte die Bundeshauptstadt selbst. 

Dass ihr Finanzdesaster sofort die Kultur der 

Stadt, deren Museumsinsel, Theater etc. mit 

. Kürzungen und Baustopps bedrohte, zeigte 

einmal mehr,wie leicht gerade der Kulturbereich 

immer wieder als "Spardose" gesehen 

wird, die man jederzeit plündern bzw. heranziehen 

kann. Auch die Diskussion um die in 

der Entstehung begriffene Kulturstiftung des 

Bundes unter Federführung von Staatsminister 

Nida-Rümelin lieferte eine Folie für den Bundeskongress. 

Bereits die Pressekonferenz verdeutlichte: 

Berlin ist das kulturpolitische Entscheidungszentrum. 

Dies machten sich auch die Veranstalter 

zunutze, die Berlin und nicht beispielsweise 

Essen als Tagungsort wählten, und so 

konzentrierten sich die kulturpolitischen Fragen 

denn auch auf die Sicht, Hintergründe und 

Einschätzung der Veranstalter zu den tagespolitischen 

Aspekten. 

Daneben waren es die Politiker selbst, die 

für die aktuelle Bedeutung des Themas standen, 

wie Staatsminister Nida-Rümelin, Bundespräsident 

Rau, der zu der Zeit amtierende Senator 

für Wissenschaft, Forschung und Kultur 

des Landes Berlin Christoph Stölzl, die Kultursenatorin 

der Stadt Hamburg Christina Weiss 

oder der Minister für Wissenschaft, Forschung 

und Kunst in Baden-Württemberg Klaus von 

Trotha sowie der Präsident der Kulturpolitischen 

Gesellschaft und Beigeordnete für Schule 

und Kultur der Stadt Essen Oliver Scheytt, 

der auch die Tagung leitete. 

10 

Die drei Themenbereiche: Wie wird Kunst 

gemacht? Wie wird Kunst vermittelt? Wie sieht 

die kulturelle Öffentlichkeit aus? 

In den Foren wurde immer wieder betont, die 

Ausgangsbasis aller Überlegungen hätten die 

Künstler zu sein mit ihrer Kreativität, ihren Ideen, 

ihrer Sicht der Welt. 

Die sechs Foren moderierten Medienvertreter 

wie Jens Jessen, Feuilletonchef "Die Zeit", 

die Rundfunk-, Fernseh- und Zeitungsredakteurin 

Wibke Bruhns oder Moritz Müller-Wirth, 

Ressortleiter in der .Zeit''-Hedaktion Berlin. 

Tagungsteilnehmer wie auch Forumsdiskutanten 

waren Vertreter von Kulturinstituten wie 

der Präsident der Akademie der Künste Berlin, 

György Konrad: Ivan Nagel, Professor an 

der Hochschule der Künste, Berlin; Nicolaus 

Schafhausen, Leiter des Frankfurter Kunstvereins; 

Jean-Baptiste Joly, Direktor der Akademie 

Schloss Solitude, Stuttgart; Bernd Kauffmann, 

Generalbevollmächtigter des Zentrums 

Schloss Neuhardenberg und Künstler/innen 

und Schriftsteller/innen wie Eva Demski, Frankfurt/M., 

Erich Loest, Michael Schindhelm und 

die Bühnen- und Kostümbildnerin Rosalie, 

Stuttgart. Plädiert wurde vehement und einmal 

mehr für die Schaffung von Räumen, geeigneten 

Rahmenbedingungen, um Kultur zu ihrem 

Recht zu verhelfen. Es dürfe nicht länger so 

sein, dass Kultur nicht gleichrangig neben anderen 

Ressorts einer Bundesregierung stünde. 

Gerare Mortier, Noch-Intendant der Salzburger 

Festspiele, hob in seinem Auftaktvortrag 

u.a. auf den klassischen Kanon ab und plädierte 

dafür, ihn dynamisch, nicht statisch aufzufassen, 

Traditionen zu überdenken. Sein Bild 

"Tradition ist Brot, das gebrochen werden 

muss" impliziert ein Nutzbar-Machen. Kunst 

sollte als Mittel des Gedächtnisses, der Geschichte 

begriffen werden. Anhand der "Passion" 

von Bach fordert er auf zum perspektivischen 

statt linearen Sehen. Mortier plädierte 

dafür, eher interdisziplinär als monographisch 

zu arbeiten, eher interkulturell zu denken als 

multikulti, Aktualität anzustreben statt einer 

Sparteneinteilung in U- und E-Musik/Kunst. Er

fordert ein Aufbrechen der Traditionen statt der 

Pflege eines verkrusteten Kanons. 

Slavoj Zizek, Professor am Kulturwissenschaftlichen 

Institut NRW, Essen breitete auf 

der Basis von Schuberts "Winterreise" sehr 

drastisch und eindringlich die heutige Beliebigkeit 

von Werten aus. Die darin beschriebenen 

,Grunderfahrungen', so könnte kritisiert werden, 

seien oberflächlich. Zizek spannt deshalb 

seinen Bogen bis zur Jetzt-Zeit: Stalingrad, Religionen, 

Mythen, Sexualität, Film - Themen, 

die Gefühlswelten prägen - und zu der Sackgasse, 

die in Isolierung und Vereinsamung füh- 

ICOM 2001 Barcelona 

19. General-Konferenz und 20. Generalversammlung des 

International Council of Museums 1.- 6. Juli 2001 

Das Treffen in Barcelona stand unter dem 

Motto "Managing Change: the museum facing 

economic and social challenges". 

Die etwa 2000 Kongressteilnehmer aus 64 

Ländern nutzten 6 Tage lang die Gelegenheit, 

in insgesamt 28 Komitees Informationen und 

Gedanken auszutauschen. Ergänzt wurde der 

Kongress durch den .Market of Ideas", das 

"Open Forum" und durch den .Trade Institutional 

Fair", eine Messe mit Informationsständen 

einzelner Institute und Museen sowie Firmen 

mit museumsrelevanten Präsentationen, 

u.a. entsprechenden Internet-Programmen, 

Versicherungen etc. 

Ein Rahmenprogramm mit Exkursionen in die 

nähere und weitere Umgebung von Barcelona 

sowie drei Festen war willkommene Gelegenheit, 

Gesprächspartner zu treffen, die tagsüber 

in einen übervollen Sitzungs-, Vortrags- bzw. 

Tagungsplan eingespannt waren. So fand die 

Welcome-Party im Palau de Congressos des 

Katalanischen Nationalmuseums für Kunst auf 

dem Montjuic statt, das Gala Dinner im Freilichtmuseum 

Pueblo Espanol und eine Fareweil-Party 

am .Barceloneta Beach", dem seit 

11 

ren kann. Oliver Scheytt stellte in seinem Eröffnungsvortrag 

die Künste ins Zentrum der Kulturpolitik, 

wobei er ein Plädoyer für die Bundeskulturstiftung 

zur Förderung der zeitgenössischen 

Künste abgab. 

Abschließend lud er dazu ein, das 25-jährige 

Bestehen der Kulturpolitischen Gesellschaft 

mit einem Kulturfest in der Akademie der Künste 

gemeinsam zu feiern. Ein künstlerisches 

Rahmenprogramm u.a. mit Pantomimen, Perkussion 

machte immer wieder augenfällig, worüber 

gesprochen wurde. !!iii 

SJ 

den Olympischen Spielen neu entstandenen 

Hafen- und Strand bereich der Hauptstadt von 

Katalonien, jeweils mit mediterraner spanischkatalanischer 

Küche und Musik. 

Das "Open forum" mit fünf sog. round tables, 

d.h. Podiumsrunden mit anschließenden Diskussionen, 

thematisierte "Große und kleine 

Museen: zwei Formen des Managements", "Supranationale 

Hilfe für Museums Management", 

"Die Balance zwischen finanziellem und sozialem 

Profit", "Vorteile und Nutzen des Internets 

für die Museen", "Die Erneuerung des Museums: 

Worauf sollten Reformen im konzeptualen 

Bereich und Management-Reformen abzielen?" 

Die Besetzung dieser round tables war hochkarätig 

und breit gefächert. Dafür standen Referenten 

wie Edward H. Able Jr. - u.a. ehemaliger 

Co-Direktor der Smithsonian Institution, 

zuvor neun Jahre einer der Leiter von Landscape 

Architects and the Landscape Architecture 

Foundation; der ehemalige englische 

Fußballnationalspieler Kevin Moore - derzeitiger 

Direktor des englischen Nationalen Fußball 

Museums, Autor zahlreicher Publikationen

im Museums-Management und Marketing-Bereich; 

Cary Karp - Direktor für Internet-Strategie 

und Technologie des Schwedischen Naturhistorischen 

Museums und Präsident der Museum 

Domain Management Association; oder 

Jan Van der Starre - derzeit senior consultant 

des Dokumentarischen Informations Systems/ 

Work Flow Management der internationalen 

Gesellschaft Cap Gemini Ernst & Young; Marta 

dei la Torre - Direktorin der Informationsund 

Kommunikationsabteilung am Getty Conservation 

Institute in Los Angeles; sowie Juan 

I. V. Fernandez - zuletzt Gründungsdirektor des 

Guggenheim Museums in Bilbao; und Bruno 

S. Frey - Professor für Wirtschaft an der Universität 

Basel, Autor zahlreicher Publikationen 

im Bereich Arts & Economics (2000). 

Die Tagung bot nicht nur Einzelpersonen die 

Möglichkeit, sich auszutauschen, sondern auch 

Institutionen eine gute Plattform, wichtige Kontakte 

zu anderen Institutionen zu knüpfen. 

Jacques Perot, der alte und neue Präsident 

von ICOM, eröffnete die General-Konferenz 

gemeinsam mit den spanischen Gastgebern 

und Kollegen Rafael Feria, dem Vorsitzenden 

des ICOM-Komitees, und Frederic-Pau Verrie, 

dem Vorsitzenden von ICOM 2001 Barcelona. 

In vier Eröffnungsvorträgen wurde aus unterschiedlichsten 

Blickwinkeln die zentrale Bedeutung 

der Museen als Bindeglieder zwischen 

kulturellen Gütern und einer sich wandelnden 

Öffentlichkeit angesprochen, ferner ihre Bedeutung 

als Bildungsstätten für kommende Generationen 

- ein besonderes Anliegen der das 

ICOM dominierenden amerikanischen Mitglieder 

- sowie die Wichtigkeit, sich den neuen 

Technologien zu öffnen, und schließlich das 

12 

V/.n.r.: 

Rafael Feria, Vorsitzender 

desICOM-CE 

Jacques Perot, Präsident 

deslCOM 

Frederic-Pau Verrie, Vorsd- 

zenderdeslCOM2001 

Barcelona 

Einbringen von Qualifikationen im Bereich des 

Managements und der Finanzen sowie der Akquisition. 

In "Museen im Informationszeitalter - Kulturelle 

Bindeglieder zwischen Zeit und Raum" 

führte Manuel Castells - Professor an der Universität 

von Katalonien, zuvor Gastprofessor 

an der Berkeley Universität Californien sowie 

Direktor des Institutes für Soziologie und Neue 

Technologien an der Autonomen Universität 

Madrid - in eine Problematik ein, die er als Autor 

zahlreicher Publikationen als Basis seines 

1996 erschienen Buches über die Trilogie des 

Informationszeitalters "Wirtschaft, Gesellschaft 

und Kultur" ausführte, das in 15 Sprachen übersetzt 

worden ist. 

"Museen für das 21. Jahrhundert: von der 

Krise zum Erfolg" lautete das Thema von Luis 

Monreal - Mitglied zahlreicher Institute (u.a. 

Aga Khan Steering Committee in Genf, Alexandria 

Library Council in Ägypten) und Direktor 

der Stiftung "La Caixa". 

Philippe Durey studierte Geschichte, Politologie, 

war u.a. bis 2000 Direktor des Museums 

für Kunst in Lyon und wurde nun zum Generalsekretär 

der "Reunion des rnusees nationaux" 

berufen. Sein Thema "Ein Beispiel für das Sammeln 

wirtschaftlicher Ressourcen in Museen: 

Die Reunion des rnusees nationaux - Auf halbem 

Weg zwischen kommerziellem Marketing 

und kulturellem Nutzen" wurde u.a. verdeutlicht 

am Beispiel von zentraler Katalogherstellung 

und von zentralem Vertrieb in den sog. Bookshops 

der Museen der Reunion. 

George H.O. Abungu, Generaldirektor der 

Nationalmuseen Kenias, sprach zum Thema 

"Museen: Orte für Dialog und Konfrontation"

und begleitete seine Ausführungen mit Filmausschnitten 

zu aktuellen Situationen in Kenia, 

Tansania und Botswana am Beispiel von 

Stämmen, die gezwungenermaßen umsiedelten, 

wobei aber Traditionen, Wissen um Orte 

und Gebräuche im Museum bewahrt und lebendig 

erhalten werden. 

ICOM, eine in den USA gegründete weltweite 

Organisation, hatte als ursprünglichen Gedanken 

die Hilfeleistung für die vom Krieg erschütterten 

Museen Europas. 

Die Generalkonferenzen finden alle drei Jahre 

statt. Im Oktober 2004 ist Koreas Hauptstadt 

Seoul aufgerufen, Asien ist damit erstmals Tagungsort 

der Generalkonferenz seit Bestehen 

des ICOM. Neue ICOM-Tagungssprache ist 

Spanisch neben Englisch und Französisch. 

Daneben tagen die einzelnen Länderkomitees 

jährlich an unterschiedlichen Orten. So 

trifft sich ICOM Deutschland, unter der Präsidentschaft 

von Dr. Hans-Martin Hinz vom Deutschen 

Historischen Museum Berlin, im November/Dezember 

2001 in Belgien. Darüber hinaus 

tagen die einzelnen internationalen Komitees 

meist jährlich und ebenfalls an unterschiedlichen 

Orten. 

Im Museumsbereich tätige Einzelpersonen 

können Mitglied werden, damit ist man stimmberechtigt 

in einem Komitee, während man 

noch in zwei weiteren eingetragenes Mitglied 

sein kann. Institutionen erhalten den Assoziierten-Status. 

11I 

SJ 

Kontaktadresse Geschäftsstelle ICOM-Oeutschland: 

Johanna Westphal, Jonasstraße 29, 0-12053 Berlin, 

Tel: 030-69504525, Fax: 030-69504526, E-mail: 

icom-deutschland@t-online.de 

13

Daniel Nikolaus Chodowiecki zum 200. TOdestag 

Ausstellung der "Reise von Berlin nach Danzig 1773" in Gdansk und Berl" I 

Gudrun Schmidt 

Auf dem 51. Blatt seiner "Reise von Berlin 

nach Danzig" beschreibt Daniel Chodowiecki 

zeichnend einen gesellschaftlichen Höhepunkt 

seines Aufenthaltes, die Einladung in den Garten 

des Herrn von Rottenburg. Chronistisch 

vermerkt er am unteren Rand die Namen der 

Gäste, als letzten /e Ophagen. Die Familie 

Uphagen hatte in der Langen Gasse ein sehr 

ansehnliches, typisches Danziger Bürgerhaus 

erworben und für seine Bedürfnisse umbauen 

lassen. Zumindest den Beischlag des Hauses 

hat Chodowiecki auf einem Blatt mit gezeichnet. 

Heute befindet sich in diesem Gebäude - 

im Zweiten Weltkrieg zerstört und wieder historisch 

getreu aufgebaut - die Dependance des 

Gdansker Historischen Museums. 

Wo könnten Chodowieckis Zeichnungen 

wohl mit mehr Interesse und Neugier betrachtet 

werden als hier? Als im vergangenen Jahr 

die Bitte aus Gdansk in der Akademie der Künste 

eintraf, zur Erinnerung an den 200. Todestag 

von Daniel Nikolaus Chodowiecki die 107 

Blätter ausleihen zu dürfen, stimmte die Akademie 

nach der Begutachtung der Ausstel- 

14 

lungsbedingungen im Uphagen- aus deshalb 

nicht nur zu, sondern fass e den tschluss 

zu einem gemeinsamen Un e en, Inzwischen 

haben auf der polnisch "e ußenminister 

Wladyslaw Bartoszes d Kulturminister 

Kazimierz Ujazdows ", aut der deutschen 

Staatsminister Julian -da- - elin, Beauftragter 

der Bundesregierung -- \.IlgeIegenheiten 

der Kultur und der en, e Schirmherrschaft 

für die Auss ellung - 

Das Auswärtige Amt unterstützt - anziell den 

Kunsttransport der Zeichnu en, ach bangen 

Monaten der ungesichenen Gesamtfinanzierung 

des Vorhabens, das einen Z\'reisprachigen 

Katalog einschließen soll, "eh es nun 

durch den Einsatz der "Gesellschaft er Freunde 

der Akademie der Künste" a :es em Boden. 

Um Zeugnisse von Chod "eckis Wirken 

für die Akademie der Künste i der Aufklärung 

und um Radierungen von seiner Hand 

erweitert, wird die Auss eI anschließend 

im Berliner Akademiegebä e gezeigt 

Chodowieckis Zeichnung - "llangem 

als "Die Reise von Berlin Da! anzig" beti- 

lJ6nia' Chodowiecki 

lEge!ndler.erReise von 

Bedin ntidJ Dtmzig 1773

telt, zählt zu den Höhepunkten des heutigen 

Kunstsammlungsbestandes der Akademie. Der 

Künstler, 1726 in Danzig geboren, aber seit 

1743 in Berlin lebend, kam der wiederholten 

Bitte seiner Mutter nach, sie nach so vielen 

Jahren der Abwesenheit zu besuchen und Familienangelegenheiten 

zu regeln. So rüstete 

Chodowiecki im Frühjahr zur Reise - was den 

Kauf eines Pferdes einschloss, weil er das 

Fahren in der Postkutsche nicht vertrug - und 

verließ am 3. Juni 1773 Berlin. 

Seine Erlebnisse auf dem Weg nach Danzig, 

das Wiedersehen dort mit der Mutter, den 

Schwestern, den Tanten, seine Eindrücke, Begegnungen 

und Reflexionen in der Stadt vertraute 

er einem Tagebuch an, von dem nur noch 

eine Abschrift des französischen Originals erhalten 

ist. Chodowieckis Aufenthalt in der Vaterstadt 

dehnte sich viel länger aus als geplant, 

was zum Teil in seinen künstlerischen und gesellschaftlichen 

Erfolgen begründet war. Am 10. 

August begann er die Rückreise, und nach acht 

Tagesritten traf er wieder in Berlin ein. 

Parallel zu seinen schriftlichen Aufzeichnungen 

skizzierte Chodowiecki die Begebenheiten 

wahrscheinlich in Hefte, die er nach seiner 

Rückkehr auflöste, anders ordnete und als 

Grundlage für eine kommerzielle Auswertung 

vorsah. Reisebeschreibungen erfreuten sich 

großer Beliebtheit. Für dieses Vorhaben komponierte 

er zur Vervollständigung aus der Er- 

Damel NIkolaus Chodowiecki 

lägebuch einer Reise von 

Ber/in nach Danzig 1773 

51. Gesellschaft im Garten 

des Kaufmanns von Rottenburg 

Feder, Tusche, laviert 

SlIftung Akademie der Künste 

Ber/in, Kunstsammlung 

15 

innerung bildhafte und technisch reiche Zeichnungen, 

die sich deutlich von den unmittelbaren 

Skizzen unterscheiden. Hier sind mit präziser 

Beobachtung Bewegungen, Situationen 

erfasst und graphisch verkürzt notiert. Die nach 

der Reise entstandenen Blätter - durchschnittlich 

12,0 x 18,0 cm groß - beeindrucken dagegen 

künstlerisch durch ihre Erfahrung im Einsatz 

der Mittel, aber auch durch ihren Bildwitz. 

Der beabsichtigte Verkauf kam zu Lebzeiten 

Chodowieckis nicht zustande, jedoch hat der 

Künstler die Folge häufig im Familien- und 

Freundeskreis gezeigt und kommentiert. Nach 

seinem Tod am 7. Februar 1801 sollten die Blätter 

mit dem gesamten künstlerischen Nachlass 

versteigert werden; letztlich blieben sie bis zum 

Jahr 1865 im Familienbesitz. Dann übereignete 

Chodowieckis Schwiegertochter 108 Blätter 

testamentarisch der Königlichen Akademie 

der Künste. Sie zählen zum kunsthistorisch 

wertvollsten, was im 18. Jahrhundert in Deutschland 

entstand, kraft ihrer Genauigkeit, die von 

der präzisen Beobachtung ausgeht, im Einklang 

mit dem künstlerischen Einsatz und ihrer 

schnörkellosen Sachlichkeit. "Charakterisierenden 

Naturalismus" nannte Willy Kurth diese 

Art zu zeichnen. Chodowiecki führte sie in 

die Kunst des damaligen Berlin ein und begründete 

damit eine Tradition, die noch im 20. Jahrhundert 

Gültigkeit behielt.

Die Bildfolge überdauerte den Zweiten Weltkrieg 

nicht unbeschadet: Die Trophäenkommission 

der Roten Armee hatte sie 1945 nach 

Moskau geschickt, doch konnten dort nur 96 

Zeichnungen registriert werden. Zwölf der bildhaften 

Blätter fehlten demnach, als die Folge 

gemeinsam mit den Beständen der Berliner 

Staatlichen Museen 1958 in die Akademie zurückkehrte. 

Im Herbst 1993 gelang es, elf Blätter 

aus dem Kunsthandel zurück zu erwerben 

- darunter die anfangs genannte "Gesellschaft 

im Garten des Herrn von Rottenburg". Es besteht 

nach wie vor die Hoffnung, dass die heu- 

Daniel Nikolaus Chodowiecki 

Tagebuch einer Reise von Ber/in nach Danzig 1773 

108. Ein Zug armer Reisender 

Feder; Tusche über Bleistift 

Stiftung Akademie der Künste, Ber/in, Kunstsammlung 

16 

te noch fehlende Zeichnung, die den Ausflug 

von Chodowiecki und Herrn Grischow am 29. 

Juni nach Strieß festhält, nicht vernichtet ist, 

sondern eines Tages den Reisebericht wieder 

vervollständigen wird .• 

Veranstalter: Muzeum Historyczne Miasta Gdanska, 

Gdansk; Stiftung Archiv der Akademie der Künste, 

Berlin, Kunstsammlung 

Ausstellung im Muzeum Historyczne Miasta Gdanska, 

Dom Uphagena, in Gdansk: 18. September bis 11. November 

2001; in der Akademie der Künste, Berlin: 

12. Dezember 2001 bis 20. Januar 2002

Daniel Nikolaus Chodowiecki 

Jagebuch einer Reise von Ber/in nach Danzig 1773 

39. Eine Kirchgängerin (Dame mit Spazierstock) 

Feder, Sepia über Bleistift 

Stiftung Akademie der Künste, Ber/in, Kunstsammlung 

17

Endlich - die Nationalstiftung für Kultur? 

Barlhold C Wille 

Rechtzeitig vor der parlamentarischen Sommerpause 

lag es auf dem Tisch, das schöne 

Geschenk: .Nationalstiftunq der Bundesrepublik 

Deutschland für Kunst und Kultur", so der 

offizielle Name. Gegen alle pessimistischen 

Erwartungen, das nötige Gründungsgeld müsse 

aus dem vorhandenen Kulturetat des Bundes, 

also zu Lasten bisheriger Empfänger von 

Bundesgeld, zusammengekratzt werden, steilte 

das Bundeskabinett für das nächste Jahr 

zusätzlich 25 Millionen DM bereit. Dazu die 

zweite gute Nachricht: Anders als sein Vorgänger, 

der Zentralist Michael Naumann, hat 

Staatsminister Julian Nida-Rümelin den Bundesländern 

eine Verständigung angeboten. 

Die ist auch nötig. Nach der strikten Interpretation 

des Grundgesetzes, wie sie etwa 

Bayern pflegt, hat der Bund eigentlich gar keine 

Zuständigkeit für Kultur. Die mit einem merkwürdigen 

Begriff so genannte .Kulturhoheit" sei 

ausschließlich Ländersache. Durch die Tatsachen 

ist diese Position freilich längst überholt. 

Vertreter des Bundes und der bayerischen 

Staatsregierung sitzen zum Beispiel gemeinsam 

als mitbestimmende Finanziers in den 

Gremien der Bayreuther Festspiele, nicht bloß 

um Wolfgang Wagner endlich zu stürzen. Oder: 

Die Kulturstiftung der Länder, Sitz Berlin, gibt 

nicht nur Ländergeld aus, um national bedeutsame 

Kunstwerke für deutsche Sammlungen 

zu erwerben. Sie verwaltet auch die Bundesgeider, 

mit denen die Förderfonds für literatur, 

Musik, darstellende und bildende Kunst 

sowie Soziokultur ihre Aufgaben erfüllen. 

Einfach wird die Verständigung zwischen 

Bund und Ländern über die neue Stiftung trotzdem 

nicht sein. Seitdem der damalige Bundeskanzler 

Willy Brandt anno 1973 die Absicht 

verkündete, eine deutsche Nationalstiftung zu 

gründen, haben die Länder stets dagegen gehalten. 

Ob die Idee Nida-Rümelins und seiner 

Beamten, die Kulturstiftung der Länder in die 

neue Institution zu integrieren, hilfreich sein 

kann, muss sich in diesem Herbst zeigen, wenn 

18 

über das Projekt zwischen Bund und Ländern 

verhandelt wird. Eine bloße Minderheitsbeteiligung 

wird den Ländern nicht genug sein. Dass 

sie etwa paritätisch oder gar durch Mehrheit 

mitbestimmen, dem Bund aber die Hauptlast 

der Finanzierung zuschieben, kann wiederum 

diesem nicht recht sein. 

Gutes und baldiges Gelingen ist den Verhandlungen 

zu wünschen. Denn in den auf lange 

Sicht anhaltenden Zeiten knapper Kassen 

ist es richtig und nötig, dass Bund und Länder 

nicht wie bisher nebeneinander agieren, sondern 

miteinander. Bündelung der Kräfte und 

zugleich abgestimmte Arbeitsteilung sollten 

das Ergebnis sein. Die bisherigen, oft negativen 

Erfahrungen mit einer Mischfinanzierung 

bestimmter Aufgaben durch Bund und Länder 

sprechen dafür, vor allem die Arbeitsteilung klar 

festzulegen. 

Wenn schließlich herauskommt, dass die 

Förderung von Kunst und Kultur in der Bundesrepublik 

Deutschland nicht nur ein zusätzliches 

Instrument gewinnt, sondern ebenso 

zusätzliche Mittel, dann wäre das ein gutes, 

ein wünschenswertes Ergebnis. Käme jedoch 

heraus, dass die neue Stiftung allein die Zahl 

der fördernden Institutionen vermehrt, die verfügbaren 

Gelder dagegen nur unwesentlich, 

dann wäre nichts gewonnen. So betrachtet, ist 

das "Startguthaben", das der Stiftung im Bundeshaushalt 

2002 zur Verfügung gestellt werden 

soll, mit 25 Millionen DM noch viel zu gering. 

Staatsminister Nida-Rümelin wollte die 

dreifache Summe haben - das wäre schon besser 

gewesen. Ob der Haushaltsausschuss des 

Bundestags ein Einsehen haben und kräftig 

aufstocken wird? Es wäre sehr zu begrüßen. 

So oder so - die Kulturszene sollte ihre Erwartungen 

nicht zu hoch schrauben. Ohnehin 

hat sich die Begründung für die Bundesstiftung 

seit Brandts Zeiten gründlich geändert. Damals 

ging es - Günter Grass als Urheber der Idee 

hat das oft und deutlich gesagt - darum, die 

auf unabsehbare Zeit staatlich geteilte Nation

als Kulturnation zusammenzuhalten. Da machte 

schon die DDR nicht mit, von den Bundesländern 

ganz zu schweigen. Heute heißt die 

Aufgabe, national oder international bedeutsame 

Projekte kulturellen Charakters zu unterstützen 

- ob sie nun mehr der Vergangenheit 

oder der Zukunft zugewandt sind, ist dabei sekundär. 

Das können, schon wegen der begrenzten 

Mittel, zunächst nur Pilotvorhaben 

sein, und zwar solche, die sich vom Normalangebot 

der Kulturinstitute und Künstler im 

Lande deutlich unterscheiden. Leitungsgremien 

und Geschäftsführung der Stiftung werden 

scharf auswählen müssen. Damit sie dies 

können, ist Unabhängigkeit der handelnden 

Personen dringendes Gebot. Da darf kein Platz 

für "verdiente" oder überzählige Ministerialbeamte 

sein. Der Staat schafft zwar die Stiftung. 

Aber sie sollte, einmal zu Werke gebracht, von 

erfahrenen und angesehenen Persönlichkeiten 

aus der Kulturszene selbst verwaltet werden. 

Nur so kann die Freiheit der Kultur gesichert 

werden. 

Solche Unabhängigkeit wird aber auch dann 

auf die Dauer nur gelingen, wenn die neue Stiftung 

eine echte Stiftung wird, wenn sie also 

ihre Ausgaben ganz oder doch überwiegend 

aus dem Ertrag eines eigenen Kapitals finanzieren 

kann. Man sehe sich die Umweltstiftung 

des Bundes als Modell an - sie verwaltet zwei 

Milliarden Mark Kapital, kann mithin jährlich 

etwa hundert Millionen ausgeben. Leider ist die 

Chance verpasst worden, für die Kulturstiftung 

des Bundes einen angemessenen Teil der Milliarden-Erträge 

aus der UMTS-Versteigerung 

zu bestimmen. Aus dem jeweiligen Bundeshaushalt 

kann und darf das Stiftungskapital 

nicht kommen. Darum: Wenn irgendwo, dann 

ist hier das Feld, auf dem sich die viel diskutierte 

.Public-Private Partnership" in der Praxis 

bewähren kann. Private Zustiftungen müssen 

also gewonnen werden, und zwar weit jenseits 

der seit letztem Jahr steuerlich begünstigten 

Größenordnung. Mäzene an die Front! 

Und wenn in der nächsten Zeit wieder eine 

große Privatisierung von Bundesvermögen 

anstehen sollte: Herr Staatsminister, übernehmen 

Sie! • 

19

"Sicherheit ist nirgends". Eine Ausstellung 

zum Tagebuch von Arthur Schnitzler Im 

Schiller-National museum Marbach 

Arthur Schnitzler hinterließ mit seinem fast 

8.000 Manuskriptseiten umfassenden Tagebuch, 

das er von 1879 bis 1931, also über 52 

Jahre führte, ein beispielloses literatur- und 

kulturgeschichtliches Dokument. Es zeigt eindrucksvoll, 

wie eng seine künstlichen Welten 

und sein alltägliches Leben zusammenhingen, 

und bietet reiches Anschauungsmaterial zu 

dem, was er selbst die "Physiologie (auch Pathologie!) 

des Schaffens" nannte. Erkennbar 

wird die Kontinuität einer prinzipiellen Skepsis, 

die sich von Ideologien niemals beirren 

ließ. In diesem Sinn zitiert der Autor im Tagebuch 

zustimmend die Losung einer seiner Bühnenfiguren: 

"Sicherheit ist nirgends". 

Die Ausstellung, die im Schiller-Nationalmuseum 

Marbach vom 16. September bis 9. Dezember 

2001 zu sehen ist (zuvor im Österreichischen 

Kulturzentrum Palais Palffy in Wien 

und im Literaturhaus Berlin), zeigt und korn- 

Arthur Schnitz/er, Seite aus dem Tagebuch von 1900 

KLEINE NACHRICHTEN~ _ 

20 

Arthur Schnitz/er in seinem Arbeitszimmer 1931 

mentiert an hand repräsentativer Tagebucheinträge 

Leben und Werk Schnitzlers. Die Exponate 

stammen zum größten Teil aus dem Nachlass, 

der in der Universitätsbibliothek Cambridge 

und im Deutschen Literaturarchiv Marbach 

aufbewahrt wird. 

Zur Ausstellung ist das ,Marbacher Magazin' 93/2001 

erschienen: ",Sicherheit ist nirgends". Das Tagebuch 

von Arthur Schnitzler.' Bearbeitet von Ulrich v.Bülow. 

160 Seiten, mit zahlreichen Abbildungen. Broschiert 

18,- DM, ISBN 3-933679-43-5. 

Neue Mitglieder in der Deutschen Akademie 

für Sprache und Dichtung 

Der Schweizer Schriftsteller Markus Werner 

und der Literaturwissenschaftier Mark H Ge/berwurden 

von der Deutschen Akademie für 

Sprache und Dichtung als korrespondierende 

Mitglieder gewählt. Gelber, gebürtiger Amerikaner, 

wanderte 1980 nach Israel aus und ge-

hört heute zu den überzeugtesten Vermittlern 

der Literatur zwischen Deutschland, Israel und 

Amerika. 

Der Kunsthistoriker Martin Warnke wurde 

zum ordentlichen Mitglied gewählt. Die Wahlen 

fanden Anfang Mai während der Frühjahrstagung 

der Deutschen Akademie in Freiburg 

statt. 

Fritz Bauer Institut 

Phllippe Burrin erster Gastprofessor für Interdisziplinäre 

Holocaustforschung an der Johann 

Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt IM. 

Die seit April 2001 an der Johann Wolfgang 

Goethe-Universität Frankfurt eingerichtete Professur 

für interdisziplinäre Holocaustforschung 

ist die erste und einzige Professur in Deutschland, 

die ausschließlich der Thematik der Geschichte 

und Wirkung des Holocaust gewidmet 

ist. 

Sie wurde ermöglicht durch das finanzielle 

Engagement des Landes Hessen und wird 

gemeinsam getragen von der Frankfurter Universität 

und dem Fritz Bauer Institut. 

Die turnus mäßig neu auszuschreibende Professur 

ist grundsätzlich interdisziplinär ausgerichtet. 

Ihre jeweiligen Inhaber erforschen Ursachen, 

Folgen und Wirkungsgeschichte der 

Massenvernichtung aus sozial-, geistes- und 

humanwissenschaftlichen Perspektiven. 

Den Gastprofessoren steht die Infrastruktur 

des Fritz Bauer Instituts für ihre Forschungstätigkeit 

zur Verfügung. Sie bieten im Semester 

eine nach eigener Wahl gestaltete Veranstaltung 

zu ihrer Forschung an und konzipieren 

eine wissenschaftliche Konferenz, die nach 

ihren Vorstellungen vom Fritz Bauer Institut organisiert 

wird. 

Mit der Berufung von Philippe Burrin, Professor 

für internationale Geschichte an der 

Universität Genf, zum ersten Gastprofessor für 

interdisziplinäre Holocaustforschung an der 

Johann Wolfgang Goethe-Universität konnte 

ein seit Jahren angestrebtes Ziel des Fritz 

Bauer Instituts verwirklicht werden. 

21 

Philippe Burrin, geboren 1952 in Valais/ 

Schweiz, studierte Politikwissenschaft in Genf 

und lehrt seit 1988 Geschichte der internationalen 

Beziehungen am dortigen "Institut Universitaire 

des Hautes Etudes Internationales". 

Derzeit forscht er am Wissenschaftskolleg in 

Berlin zur Holocaustgeschichtsschreibung. 

Burrin wird seine Tätigkeit in Frankfurt noch 

im Sommersemester 2001 aufnehmen und 

seine Lehrveranstaltungen durch öffentliche 

Vorträge ergänzen. Er ist auf die Erforschung 

des französischen Faschismus sowie auf die 

Geschichte Frankreichs unter der deutschen 

Besatzung spezialisiert. In einer Fülle von Aufsätzen 

hat er sich mit der französischen Mitschuld 

an der Deportation und Vernichtung der 

in Frankreich lebenden Juden sowie mit der 

spezifischen Form des NS-Antisemitismus 

auseinander gesetzt. Seiner im vergangenen 

Jahr erschienenen Arbeit über .Nazisrne, 

fascisme et autoritarisme" ging u.a. die 1993 

auf Deutsch erschienene, in Frankreich mit einem 

Preis ausgezeichnete Untersuchung "Hitler 

und die Juden - Die Entscheidung für den 

Völkermord" voraus. 

Burrin, der 1997 den renommierten Max 

Planck Forschungspreis erhielt, sieht die Vernichtung 

der europäischen Juden nicht als 

Ausdruck von Hitlers Antibolschewismus, sondern 

als Produkt eines pathologischen Hasses 

auf einen Weltfeind mit gegensätzlichen kapitalistischen 

und bolschewistischen Zügen. In 

der Auseinandersetzung zwischen .Jntentionalisten" 

und "Funktionalisten" nimmt er eine vermittelnde 

Position ein. 

Die mit der Berufung der Gastprofessur beauftragte 

Findungskommission, bestehend aus 

Vertretern der Stiftung Fritz Bauer Institut, des 

Wissenschaftlichen Beirats des Fritz Bauer 

Instituts und der Johann Wolfgang Goethe- 

Universität Frankfurt begrüßt in Philippe Burrin 

einen international renommierten Forscher, der 

die hiesige Forschungslandschaft mit neuen 

Perspektiven konfrontieren und bereichern 

wird.

Arbeitskreis Sinti und Roma 

Im Januar 2001 konstituierte sich ein nicht 

mehr nur regionaler, sondern bundesweiter 

.Arbeitskrels Sinti und Roma". Gemäß seiner 

Gründungskonzeption sieht das Fritz Bauer Institut 

den nationalsozialistischen Genozid an 

den Sinti und Roma als integralen Bestandteil 

seiner Forschungs- und Publikationstätigkeit 

an. Teilnehmer der konstituierenden Sitzung 

waren namhafte Historiker wie Prof. Dr. Hans 

Mommsen, Dr. Michael Zimmermann, Vertreter 

des Zentrums für Antisemitismusforschung, 

Berlin, des Dokumentations- und Kulturzentrums 

Deutscher Sinti und Roma e.V., Heidelberg, 

des DFG-Projektes "Zigeunerbilder in der 

deutschen Literatur", Marburg, sowie Vertreter 

von Bürgerrechtsorganisationen. 

Der Arbeitskreis einigte sich auf ein intensives 

Programm, demgemäß man sich zunächst 

der grundsätzlichen Frage nach Übereinstimmungen 

und Unterschieden bei der Vernichtung 

von Juden bzw. Sinti und Roma zuwenden 

sowie Fragen der praktischen Forschungstätigkeit 

insbesondere mit Zeitzeugen erörtern 

wird. 

Mit der Gründung dieses Arbeitskreises besteht 

jetzt die Chance, geschichtspolitische 

Fragen und solche der Bürgerrechtsarbeit in 

einem ebenso offenen wie solidarischen wissenschaftlichen 

Klima zu diskutieren. Da sich 

gegenwärtig die Rechtstendenzen in der deutschen 

Gesellschaft verschärfen, ist diese Gründung 

von besonderer politischer Bedeutung. 

Oskar Kokoschka 

Die Kunsthalle in Emden zeigt Werke aus 

der Oskar Kokoschka-Stiftung im Musee 

Jenisch, CH-Vevey 

Oskar Kokoschka (1886-1980) gehört zweifellos 

zu den herausragenden Malern des 20. Jahrhunderts. 

Ausgehend vom Wiener Jugendstil 

entwickelte er einen individuellen expressiven 

Stil. Ausgedehnte Reisen durch ganz Europa, 

aber auch das von den Nazis erzwungene Exil 

ließen Kokoschka zu einem wahrhaft europäischen 

Künstler werden. Als er 1980 mit 94 Jah- 

22 

Oskar Kokoschka, Selbstbildnis (Aesole), 1948 

Öl auf Leinwand 

Oskar-Kokoschka-Stiftung im Musee Jenisch, eH- Vevey 

ren in Villeneuve in der Schweiz starb, hinterließ 

er eine große Zahl bedeutender Gemälde, 

Zeichnungen und Graphiken, die heute die 

Oskar Kokoschka-Stiftung im schweizerischen 

Muses Jenisch bewahrt. 

Die Kunsthalle in Emden zeigt eine umfangreiche 

Auswahl der schönsten und eindrucksvollsten 

Arbeiten Kokoschkas, der stets beharrlich 

seinen sehr eigenen Weg gegangen ist. Ca. 

150 Arbeiten reflektieren Stationen und Entwicklungsphasen, 

die den Künstler wesentlich 

prägten (20.10.2001 - 6.1.2002). 

"Jahrbuch für Kulturpolitik 2000" 

Kulturstaatsminister Julian Nida-Rümelin 

stellte im April dieses Jahres in Berlin das erstmalig 

erscheinende "Jahrbuch für Kulturpolitik 

2000" vor. 

Das in seinem Auftrag von Thomas Röbke 

und Bernd Wagner für das Institut für Kultur-

politik der Kulturpolitischen Gesellschaft herausgegebene 

Werk - "kein Jahrbuch derBundeskulturpolitik, 

sondern das der Kulturpolitik 

in der Bundesrepublik" (Nida-Rümelin) - bezeichnet 

der Kulturstaatsminister im Vorwort 

als "ein wichtiges Signal dafür, dass ,Kulturpolitik 

auch hierzulande zunehmend Gegenstand 

kontinuierlicher Analysen und theoreti- 

. scher Reflexionen wird", wie bereits in anderen 

europäischen Ländern seit längerem üblich. 

Ziel dieses Jahrbuchs und der folgenden ist 

es, in der Öffentlichkeit sowohl kulturpolitische 

Rechenschaft abzulegen als auch Perspektiven 

zu zeigen. Den Schwerpunkt der ersten 

Ausgabe bildet das Thema .Bürqerschattliches 

Engagement" in der Bundesrepublik Deutschland. 

Gedacht als Instrument der Politikberatung 

auf kommunaler wie Länder- und Bundesebene 

enthält das "Jahrbuch der Kulturpolitik 

2000" Beiträge von kulturpolitischen Akteuren 

dieser drei Bereiche ebenso wie aus 

dem Dritten Sektor, der privatwirtschaftlichen 

Kulturförderung und der Wissenschaft: u.a. von 

Eckhardt Barthel, Michael Bürsch, Adalbert 

Evers, Heinrich Fink, Georg Girardet, Hermann 

Glaser, Rose Gölte, Gerd Harms, Norbert 

Lammert, Michael Naumann, Julian Nida-Rümelin, 

Thomas Oppermann, Martin Roth, Oliver 

Scheytt, Wolfgang Thierse, Klaus v. Trotha, 

Antje Vollmer, Ruth Wagner, Christina Weiss. 

Neben dem Schwerpunkt enthält das Jahrbuch 

eine Chronik der Kulturpolitik, eine Bibliographie 

kulturpolitischer Texte, Materialien zur 

Kulturstatistik sowie kulturpolitische Adressen. 

Wäre von unserer Seite nur noch zu wünschen, 

dass in der Ausgabe 2001 des "Jahrbuchs 

für Kulturpolitik" auch der AsKI im Verzeichnis 

kulturpolitischer Gremien und Verbände 

zu finden sein wird. 

Jahrbuch tür Kulturpolitik 2000 - Thema: Bürgerschaftliches 

Engagement. Kulturstatistik - Chronik 

- Literatur - Adressen. Herausgeber: Institut tür Kulturpolitik 

der Kulturpolitischen Gesellschaft, 448 S., 

38,90 DM, Klartext Verlag 2001, ISBN 3-88474-958-7 

23 

"Sprache im technischen Zeitalter" 

Eine Ausstellung im Literaturarchiv Sulzbach-Rosen 

berg zu der von Walter Höllerer 

vor 40 Jahren gegründeten Zeitschrift 

"Mit dem Datum des 13. August hat sich der 

Plan dieser Zeitschrift noch bestätigt und verfestigt", 

so leitet Walter Höllerer 1961 das erste 

Heft der Zeitschrift "Sprache im technischen 

Zeitalter" ein. Hervorgegangen aus dem Umfeld 

des Instituts für Sprache im technischen 

Zeitalter an der Freien Universität Berlin, verlagerte 

die Zeitschrift im Laufe der Jahre ihren 

Schwerpunkt von der Sprach- und Literaturwis- 

SPRACHE! 

IM I 

TECHNISCHEN! 

. ZEITALTERI 

MIT BE!TRÄGEN VON 

A!fn.d And.n-w, 'HOM~ 

Weroor6ek'f>clwBiclu4l 

GGnIIll'G,cß·fritldri.':hHondt 

RV;hwdH~'WQltnH3I1o!M1' 

Reioha,dl.cllol.l,mII.J.Rttddo!z 

t:enRiho·K!aIlfWo~l\bocl! 

HoroIdWIWl.Idt· Rokltld H. WICSlII'lteln 

HoosOlcliulimmcNlIQflq 

senschaft zur Literatur. Zum 40-jährigen Jubiläum 

im November 2001 zeigt das Literaturarchiv 

Sulzbach-Rosenberg in einer Ausstellung 

die Spannweite, innerhalb derer sich die Zeitschrift 

entwickelt hat: von Beiträgen über automatische 

Sprachübersetzung und Diskussionen 

wie der über "Kunst und Elend der Schmährede" 

zum Streit der Gruppe 47 in den 60er- 

Jahren bis hin zur "Literatur der Mauerrisse", 

der "Literatur im Netz" und literarischen Entdeckungen 

wie Ingo Schulze und Judith Hermann 

in den 90er-Jahren. 

Die Ausstellung wird am 18. Oktober 2001 

mit Lesungen eröffnet und ist bis zum 21. Dezember 

2001 im Literaturarchiv zu sehen.

Stiftung Weimarer Klassik 

Rolle des Lebens - Corona Schröter zum 

250. Geburtstag 

Eine Ausstellung des Goethe-Natlonalmuseums 

"Es gönnten ihr die Musen jede Gunst und 

die Natur erschuf in ihr die Kunst!" So feiert 

Johann Wolfgang von Goethe die Schauspielerin, 

Sängerin, Komponistin und Malerin Corona 

Schröter, deren Geburtstag sich in diesem 

Jahr zum 250. Mal jährt. 

Bereits als Vierzehnjährige feiert sie große 

Erfolge am Leipziger "Großen Konzert der 

Herren Kaufleute". Der Jurastudent Goethe erlebt 

sie in Leipzig und bittet, zum Leiter der 

Johann Wolfgang Goethe 

Corona Elisabeth Wilhelmine Schröter, schlafend 

1777, Kohlezeichnung, Stiftung Weimarer Klassik 

24 

Liebhaberbühne avanciert, die Künstlerin 1776 

nach Weimar. Herzog Carl August, dessen Avancen 

sie nicht entsprechen wollte und der sie darum 

mit dem Attribut .rnarrnorschön und marmorkalt" 

schmäht, billigt ihr eine Lebensstelle als Hof- 

Vocalistin zu. Wie sie hier als Schauspielerin, 

Sängerin und Muse gewirkt hat, lässt sich aus 

vielen Zeugnissen rekonstruieren. 

Gemeinsam mit Goethe steht sie 1779 auf 

der Bühne, als die Prosafassung der .Iphiqenie 

in Tauris" uraufgeführt wird; der Autor als Orest 

und Corona Schröter in der Titelrolle. Iphigenie 

bleibt in mehrfacher Hinsicht Corona Schröters 

Rolle des Lebens. Noch bei der Weimarer Erstaufführung 

der metrischen Fassung 1801, fast 

dreißig Jahre später, gedenkt Johannes Daniel 

Falk ihrer: 

"Mit Wehmut erinnern sich ältere und jüngere 

Kunstfreunde in Weimar - jene aus Anschauung, 

diese aus Tradition - des schön gemäßigten 

Spieles einer Corona Schröter. Das 

Junonische ihrer Gestalt, Majestät in Anstand, 

Wuchs und Gebärden, nebst so vielen anderen 

seltenen Vorzügen der ernsteren Grazie, 

die sie in sich vereinigte, hatten sie vor vielen 

andern zu einer Priesterin Dianens berufen und 

geeignet." 

Nach 1782 gibt sie Schauspiel unterricht und 

widmet sich der bildenden Kunst. 1801 siedelt 

sie nach Ilmenau über. Bereits im Jahr darauf 

stirbt sie. 

Eine AusteIlung im Goethe-Nationalmuseum, mit 

freundlicher Unterstützung von ZONTA (28. August 

bis 28. Oktober 2001) 

AsKI-Wanderausstellung 2000-2002 

Nächste Station der von der Stiftung Deutsches 

Rundfunkarchiv Frankfurt am Main und 

Potsdam-Babelsberg in Kooperation mit der 

Stiftung Archiv der Akademie der Künste Berlin 

und dem AsKI erarbeiteten Wanderausstellung 

"Rückkehr In die Fremde? Remigranten 

und Rundfunk in Deutschland 1945 bis 

1955" ist die Niedersächsische Staats- und 

Universitätsbibliothek in Göttingen (23. August 

bis 6. Oktober 2001)

Maecenas-Ehrung 2001 an Udo van Meeteren 

Die Vergabe des Maecenas-Preises des 

AsKI ist entschieden: Preisträger ist der 75-jährige 

Udo van Meeteren, ein in Düsseldorf lebender 

Industrieller, der sich vielfältig mäzenatisch 

betätigt. 

Udo van Meeteren 

Geboren in Mülheim/Ruhr, legte er 1944 das 

Abitur in Düsseldorf ab und begann im Anschluss 

ein Maschinenbau-/Bergbau-Studium 

in Aachen. Im Krieg wurde er als Funker eingezogen 

und kehrte erst 1948 aus der Gefangenschaft 

zurück. Bald danach absolvierte er 

bei verschiedenen Firmen im In- und Ausland 

seine Ausbildung. Im Michel-Konzern, in den 

er 1952 eintrat, war er bis 1969 in verschiedenen 

Gesellschaften in leitenden Stellungen tätig 

(Vorstand, Geschäftsführung, Aufsichtsrat). 

1980 gründete er die gemeinnützige Stiftung 

van Meeteren, die kulturelle Ziele mit einer jährlichen 

Summe von etwa 300.000 DM unterstützt. 

Unter seinen ehrenamtlichen Aufgaben 

ist die Mitgliedschaft im Stifterverband für die 

deutsche Wissenschaft, Essen, besonders hervorzuheben. 

Im April dieses Jahres wurde van Meeteren 

der große Ehrenring der Landeshauptstadt 

Düsseldorf verliehen, die höchste Auszeichnung, 

die der Rat neben der Ehrenbürgerwürde 

vergeben kann. 

KLEINE NACHRleHTEN 

25 

Die feierliche Verleihung der Maecenas-Ehrung 

an Udo van Meeteren findet am 28. Oktober 

2001 im Rathaus der Stadt Stendal statt. 

Grußworte sprechen Reinhard Höppner, Ministerpräsident 

von Sachsen-Anhalt, Knut Nevermann, 

Ministerialdirektor beim Beauftragten 

der Bundesregierung für Angelegenheiten der 

Kultur und der Medien, und der Vorsitzende des 

AsKI, Barthold C. Witte. Für den Festvortrag 

ist Hans-Dietrich Genscher, Bundesminister 

a.D., angefragt, die Laudatio hält Volkmar Hansen, 

Direktor des Goethe-Museums/Anton-und- 

Katharina-Kippenberg-Stiftung, Düsseldorf. 

Personalien 

Stifterpreis an Paul Raabe 

Langjähriger Direktor der Franckeschen 

Stiftungen erhält den Deutschen Stifterpreis 

Im Rahmen der Jahrestagung des Bundesverbandes 

Deutscher Stiftungen am 1. Juni 

dieses Jahres in Köln nahm Prof. Dr. Paul Raabe 

den Deutschen Stifterpreis entgegen. 

In der Festveranstaltung im Gürzenich hoben, 

neben dem stellvertretenden Bürgermeister 

der Stadt Köln, der Vorsitzende des Bundesverbandes 

Deutscher Stiftungen Prof. Dr. 

Frhr. von Camphausen, der Innenminister des 

Landes Nordrhein-Westfalen Dr. Fritz Behrens 

sowie der Laudator Fritz Brickwedde als Vorstandsvorsitzender 

der Bundesstiftung die besonderen 

Verdienste um diese ,Herkulesarbeit' 

der Wieder-Instandsetzung der Franckeschen 

Stiftungen facettenreich hervor (siehe auch: 

Beitrag Penelope Willard in .Kulturberichte" 1/ 

2001, S. 2-5). 

Die 1698 von August Herrmann Francke gegründete 

Stiftung lag nach der Wende ohne 

jegliches Kapital völlig danieder. Es ist Paul 

Raabes Verdienst, die historische Schulstadt, 

deren alte Stiftung er 1992 re-installierte und 

zusätzlich neue gründete, deren Direktor er bis 

Ende 2000 war und in der er jetzt das Amt des 

Kuratoriumsvorsitzenden innehat, wieder mit 

Leben erfüllt zu haben. Als er vor Jahren Günter 

Grass durch die Großbaustelle führte, mag 

seine Idee gereift sein, aus der elenden Posi-

ti on des permanenten Bittstellers herauszukommen, 

indem er um eine einmalige Vorauszahlung 

der Zuschüsse von 20 Jahren bat, um 

diese als quasi Stiftungskapital zinsbringend 

anzulegen. Eine Idee, die in seiner Dankesrede 

Viele erstaunte und nachdenklich machte, da 

heute weder, 10 Taler und sechs Groschen' 

noch das Franckesche Gottvertrauen allein 

mehr ausreichen. Und, so merkte von Camphausen 

hinsichtlich der Problematik einer Bundeskulturstiftung 

an, man könne Stiftungen 

eben nur dann gründen, wenn entsprechende 

freie Mittel vorhanden seien. 

Staatsminister Nida-Rümelin wies in seinem 

Festvortrag auf die besondere Bedeutung der 

Franckeschen Stiftungen hin und hob das bürgerschaftliche 

Engagement gerade in den so 

genannten neuen Bundesländern hervor. Ihn 

selbst hätten die Franckeschen Stiftungen bei 

seinem ersten Besuch begeistert. Den geäußerten 

Gedanken, die Bundeskulturstiftung 

dort zu installieren, hatte er bereits zuvor mit 

einem Schmunzeln kommentiert. Er betonte, 

die geplante Bundeskulturstiftung solle keine 

Konkurrenz zu vorhandenen Stiftungen darstellen, 

zumal ihr Schwerpunkt auf der zeitgenössischen 

Kunst liegen werde. Besorgt äußerte 

er sich über die allseits wachsenden Finanzschwierigkeiten 

der Kommunen, die er, ausgehend 

vom Polis-Gedanken, als Nahtstelle zwischen 

Bürger und Staat sehe. 

Die 57. Jahrestagung des Bundesverbandes 

stand unter dem Motto "Auf dem Weg zur 

Bürgergesellschaft - Die Rolle der Stiftungen". 

Über 400 Teilnehmer informierten sich drei Tage 

lang über: Steuerrecht, Immobilienmanagement, 

Soziales, Bildung und Ausbildung, Kunst 

und Kultur/Wissen und Forschung, Umwelt, 

Natur- und Landschaftsschutz, Kirchen, Internationales 

sowie Bürgerstiftungen und Kommunales. 

Ein Ergebnis war die allseitige Zufriedenheit 

mit dem neuen Stiftungsgesetz derer, 

die bereits im Boot sitzen. Interessant wäre 

es natürlich gewesen zu hören, mit welchen 

Schwierigkeiten diejenigen nach wie vor zu 

kämpfen haben, die beabsichtigen, eine Stiftung 

ins Leben rufen ... Der Tenor ,Stiftungen 

helfen Stiftungen' lässt auf Abhilfe hoffen. 

26 

Hellmut Seemann neuer Präsident der Stiftung 

Weimarer Klassik 

Die Stiftung Weimarer Klassik hat seit dem 

1. Juni 2001 einen neuen Präsidenten: Hellmut 

Seemann. 

He//mut Seemann 

Geboren 1953 in Heidelberg, war Seemann 

nach dem Studium der Germanistik und Philosophie 

- ab 1977 auch der Rechtswissenschaften 

- an den Universitäten Hamburg und Frankfurt/Mo 

und einem einjährigen "Intermezzo" als 

Rechtsanwalt in Berlin ab 1986 ausschließlich 

in Frankfurt/M. tätig: 1986 als persönlicher Assistent 

von Christoph Vitali, Geschäftsführer 

der Kulturgesellschaft Frankfurt mbh (Theater 

am Turm, Schirn Kunsthalle, seit 1988 zusätzlich 

Künstlerhaus Mousonturm), von 1987 bis 

1993 als Verwaltungsdirektor der Kulturgesellschaft 

Frankfurt mbh, von 1989 bis 1993 war 

er Mitglied der künstlerischen Leitung des 

Theaters am Turm und von 1994 bis 2001 Geschäftsführer 

der Kulturgesellschaft Frankfurt 

mbh und Direktor der Schirn Kunsthalle. 

In einem Interview mit dem "Spiegel", (Mai 

2001) betonte Hellmut Seemann, die Stiftung 

müsse sich klar werden, wofür sie stehe: "Weimar 

kann auf Dauer weder nur Gedächtnisort 

sein noch pure Event-Bühne. Vermächtnis und 

Aktualität müssen sich verbinden." 

Die offizielle Amtseinführung des neuen Präsidenten 

findet am 4. September 2001 statt, • 

--------

Maxim Kantor. "Ödland. Ein Atlas" 

Eine Ausstellung der Graphischen Sammlung im 

Städelschen Kunstinstitut, Frankfurt am Main 

Ulrike Goeschen 

Eine Premiere: Als erste Station zeigt die 

Graphische Sammlung im Städelschen Kunstinstitut 

vom 2. September bis zum 28. Oktober 

2001 die jüngste Arbeit des russischen Künstlers 

Maxim Kantor. Dabei handelt es sich um 

einen umfangreichen druckgraphischen Zyklus 

zu einem altbekannten und jetzt wieder aktuellen 

Thema: Russland zwischen Ost und West, 

zwischen Asien und Europa. Mit diesem Zyklus 

hat Kantor nicht nur seine bislang dichteste 

Auseinandersetzung mit dem Medium der 

Malergraphik vorgenommen, sondern auch in 

einem umfangreichen begleitenden Text, der 

im Katalog mit veröffentlicht wird, seinen künstlerischen 

Standort neu definiert. 

Maxim Kantor 

"Ödland Ein Atlas " 

Blatt 29: Eltern und Kinder 

Radierung, Aquatinta, Hochdruck 

1999-2000 

27 

Der 1957 in Moskau geborene Kantor ist dem 

deutschen Publikum vorwiegend als Maler bekannt. 

Seine plakative Farbigkeit, der heftige 

malerische Gestus und die Drastik seiner sozialkritischen 

Themen haben dazu geführt, 

dass man vor allem seine Bezüge zum westeuropäischen 

Expressionismus wahrgenommen 

und ihn als Neoexpressionisten verstanden 

hat. Damit ist aber nur ein charakteristischer 

Zug seines Werks beschrieben, der sich 

vor allem Ende der 80er- bis Anfang der 90er- 

Jahre zeigte. Das veranschaulichte bereits die 

letzte große Einzelausstellung seiner Werke 

1998 in der Frankfurter Schirn, auf der erstmals 

auch druckgraphische Werke in größe-

em Umfang zu sehen waren. So wird an Kantors 

Frühwerk deutlich, dass ihm auch die Reduktionen 

des Magischen Realismus nahe stehen 

und es in seinen Bildern von Anfang an 

eine Tendenz zurTranszendierung des gegenständlichen 

Bildsinns gibt, in der er sich als 

ein Max Beckmann verwandter Geist erweist. 

Dem Besucher soll ein solcher Vergleich durch 

die momentan in der Graphischen Sammlung 

ausgestellten zwei Mappenwerke von Beckmann 

aus dem Jahr 1922, den "Jahrmarkt" und 

die "Berliner Reise", nahe gebracht werden. 

Mit den aufeinander folgenden Ausstellungen 

ist aber nicht nur beabsichtigt, den Besuchern 

zwei Sonderpositionen des Expressionismus, 

eines Sammlungsschwerpunktes des 

Hauses, vorzustellen. Es soll darüber hinaus 

erhellt werden, inwieweit Kantor über seine 

deutlich ablesbaren westeuropäischen Bezüge 

hinaus den russischen Traditionen verpflichtet 

ist. 

28 

Maxim Kantor 

"Ödland. Ein Atlas " 

Blatt 7" Einsame Masse 


1999-2000 

Der Zyklus "Ödland. Ein Atlas" umfasst 70 

großformatige Blätter, die in einer kombinierten 

Technik von Radierung und Aquatinta in 

schwarzweiß sowie in einem Hochdruckverfahren 

rot gedruckt sind. Die Bildgegenstände 

nehmen zu einem nicht geringen Teil Themen 

und Motive auf, wie sie Kantor seit Beginn seines 

Schaffens Ende der 70er-Jahre entwickelt 

hat. Diese Treue zu seinen Bildgegenständen 

und ihre nur allmähliche Erweiterung ist ein 

wesentliches Merkmal seiner Kunst. Die als 

existentielle Metaphern zu verstehenden Bilder 

von Menschen, familiären Beziehungen, 

lebensweltlichen Bedingungen und sozialen 

Phänomenen werden in dem Zyklus mit Sinnbildern 

für historische Ereignisse verschränkt. 

Sie sind mit einem in Russland seit Peter dem 

Großen in historischen Umbruchzeiten immer 

wieder auftauchenden Thema verknüpft, das 

auch den Hintergrund für die aktuellen politischen 

und kulturellen Diskussionen bildet: Die

Maxim Kantor 

"Ödland. Ein Atlas " 

Blatt 64: Haus und Baum 

Radierung, Aquatinta, Hochdruck, 1999-2000 

29

Frage, inwieweit sich Versuche der Europäisierung 

als segensreich erweisen und welche russischen 

Besonderheiten ihr entgegenstehen, 

wird von Kantor mit polemischer Schärfe, aber 

auch mit äußerster persönlicher Aufrichtigkeit 

neu gestellt. Seine Bildwelt wird durch diese 

Kontextualisierung um eine nationale Thematik 

erweitert. 

Kantors erklärte Absicht ist es, mit dem Zyklus 

einen Kodex als ethisches Regelwerk für 

die Gegenwart bereitzustellen. Schon früher 

klang in den bildlichen Werken, wie in seinen 

immer wieder auch schriftlich formulierten Äußerungen, 

an, in wie starkem Maße es ihm um 

eine Erneuerung der Werte der russischen 

Kultur geht. Für diese unter den neuen Bedingungen 

des russischen Alltags allgemein gültige 

Bezugspunkte zu finden, die eine Rückbindung 

an die russische Geschichte ermöglichen, 

wird auch als ein wesentliches Anliegen 

in seinen zu dem Zyklus gehörigen sieben 

Briefen deutlich. Sie sind an zwei imaginäre 

Gesprächspartner, eine Geliebte und einen 

Freund in Ost und West, abwechselnd gerichtet 

und nehmen die Form der berühmten "Philosophischen 

Briefe" von Pjotr Tschaadajew 

30 

Maxim Kantor 

"Ödland. EinAtlas" 

Blatt 19:Nasse Schuhe und Heizung 


1999-2000 

auf, die, 1836 erstmals veröffentlicht, den historischen 

Auftakt zu den nachfolgenden Slawophilen-Westler-Debatten 

bildeten. Anders als 

Tschaadajew unterzieht Kantor in ihnen aber 

auch die westliche Gesellschaft einer scharfen 

Kritik, die in eine überraschende Umwertung 

der Werte der Gegenwartskunst mündet. 

Kantor ist mit seinem bezugsreichen und 

äußerst reflektierten Werk eine singuläre Erscheinung 

in der gegenwärtigen Kunstlandschaft 

in Russland. Was dem westlichen Rezipienten 

fremd erscheint, sollte als Ausdruck 

einer kulturellen Differenz und eines anders 

gearteten Denkens verstanden werden, das 

sich in der Geschichte des deutsch-russischen 

Kulturverhältnisses stets als fruchtbar erwiesen 

hat. Welche Resonanz Kantors provokantes 

Ringen um eine neue Verankerung der 

Kunst im Humanen hier zu Lande finden wird, 

ist mit Spannung zu erwarten: • 

Der bei Cantz erscheinende Katalog beinhaltet alle 

70 Druckgraphiken des Zyklus (Originalgraphik-Auflage: 

75 Mappen), sieben künstlerische Briefe und 

einen wissenschaftlichen Text.

Ein Toast auf den Toasterl 

Eine Ausstellung zu Technikgeschichte und Design der Toaster 

und zur Geschichte des Toastbrotes 

Deutsches Brotmuseum Ulm 

Annette Hi//ringhaus / Monika Machnicki 

Für die einen sind sie Auslöser von Wohlgefühl, 

für die anderen einfach nur Grund für den 

ersten Ärger am Tag: Toaster. Alltagsgegenstand 

und Kultobjekt zugleich, die Vielfalt der 

Brotröster ist unerschöpflich. Seit wann gibt es 

geröstetes Brot und welche Hilfsmittel benutzten 

die Menschen vor Einführung der Elektrizität? 

Wie stellt man es an, daß der Toast "genau 

richtig" wird? Und schließlich: was haben 

ein Röstbrot und ein Trinkspruch gemeinsam? 

Reisende durch die Welt der Toasts und Toaster 

erleben viele Überraschungen ... 

Röstbrot - seit wann? 

Bereits in der Bibel wird geröstetes Brot erwähnt. 

Seine Wertschätzung zieht sich bis heute 

wie ein roter Faden durch Länder und Epochen. 

Im Alten Ägypten und antiken Griechenland 

wurde Brot weniger aus aromatischen 

Gründen geröstet, sondern um es durch Austrocknen 

länger haltbar zu machen (Zwieback). 

Als Zwieback konnte Brot besser aufbewahrt 

werden. Erst später entwickelte sich geröstetes 

Brot wegen seines Aromas zur Delikatesse. 

Vermutlich brachten die Römer das geröstete 

Brot nach Britannien, wo es sich im Laufe 

der Jahrhunderte kultivierte. Schließlich führten 

es englische Siedler in Amerika ein. 

Gut gefrühstückt? Drei von Hundert nehmen 

Toast 

Toastbrot - so wie wir es heute kennen - gibt 

es seit Mitte der 1950er-Jahre in Deutschland. 

Mit Hilfe einer Vermarktungsorganisation amerikanischer 

Weizenproduzenten und deutscher 

Toastgerätehersteller wurde Toast als gehobene 

und "praktische" Brotmahlzeit nach dem 

Zweiten Weltkrieg in Deutschland mit einem 

hohen Werbeaufwand populär gemacht. 

31 

Erster in Serie produzierter elektrischer Toaster 

(mit Blumendekor), dritte Version 

Einstecktoaster D-12 111,General Electric 

USA, 1911 

Sammlung Deutsches Brotmuseum Ulm 

Klapptoaster, Prometheus Typ 02 

Deutschland, 1910-1927 

Sammlung Deutsches Brotmuseum Ulm

Toast ist ein feines Weizenbrot aus einem 

Mehl mit besonders hohem Eiweißgehalt. 

Durch den Zusatz von Milch, Fett und Zucker 

(bis zu 10% insgesamt) entstehen beim Erhitzen 

im Toaster die Röststoffe, die dem Toast 

den typischen Geruch und Geschmack verleihen. 

Qualitätsmerkmale des rechteckigen, 

ebenmäßig geformten Kastenbrotes sind die 

schwach ausgeprägte Kruste und die ebenmäßig-feinporige 

Struktur der Krume. 

Die perfekt getoastete Brotscheibe - wie geht 

das? 

Das Lebensmittel-Lexikon Leipzig 1979 verrät, 

wie die "gold- bis dunkelbraun gefärbte 

Brotscheibe von zartknuspriger Oberfläche und 

röstaromatischem Geschmack" entsteht. "Bei 

Gebrauch eines handelsüblichen Röstapparates 

(Toasters) beträgt die zum Toasten (250 

-260°C) benötigte Zeit bei zweiseitiger Hitzeeinwirkung 

etwa 1,5 - 2 min. und bei einseitig 

beheizter Toastplatte 2 - 2,5 min." 

Toastbrot wird in Deutschland meist industriell 

hergestellt. Über 90 Prozent des Toastbrotmarktes 

wird von der Backwarenindustrie bedient. 

In Europas größter Toastbrotfabrik in der 

Nähe Stuttgarts laufen täglich 200.000 Brote 

vom Band. Nach dem Backen gelangen dort 

die Brote in einen Reinluftraum, in dem sie gekühlt, 

geschnitten und in Folie verpackt werden. 

Ein solches Verfahren ermöglicht den Verzicht 

auf Konservierungsstoffe, die vom Verbraucher 

heutzutage meist abgelehnt werden. 

Vom Bäcker hergestelltes Toastbrot hat einen 

Marktanteil von etwa 8 Prozent. Es wird nach 

dem Backen, Abkühlen und Schneiden in einer 

Spezialfolie aus Polypropylen noch einmal 

für etwa 90 Minuten in der Backkammer auf 

110 Grad Celsius erhitzt. Auch damit wird eine 

Mindesthaltbarkeit von vier Wochen ohne den 

Zusatz von Konservierungsstoffen garantiert. 

Für Toastbrot wird in aller Regel ein spezielles 

Weizenmehl der Type 550 T (für Toast) verwendet. 

Im Angebot ist aber auch Vollkorn- und 

Dreikorntoast. Vornehmlich die handwerkliche 

Bäckerei bietet dazu eine Reihe von "Geschmacksrichtungen" 

durch Zusätze von Buttermilch 

bis Sonnenblumenkernen. 

32 

Der heiße Draht zum Erfolg 

Vor Nutzung der Elektrizität wurde Brot vor 

dem offenen Feuer oder über glühenden Kohlen 

geröstet. Hierzu verwendete man die unterschiedlichsten 

Hilfsmittel wie Gabeln, Zangen, 

Roste und Pfannen. 

1893 wurde auf der "World's Columbia Exposition" 

in Chicago die erste elektrische Küche 

vorgestellt - allerdings enthielt sie noch 

keinen Toaster. Ein Problem war zu diesem 

Zeitpunkt noch nicht gelöst: die Entwicklung 

eines geeigneten Wärmeelements. Zum Brotrösten 

benötigte man einen Draht, der schnell 

und oft hintereinander zum Glühen gebracht 

werden konnte, ohne porös oder brüchig zu 

werden. Der junge Ingenieur Albert Marsh entwickelte 

im März 1905 einen Draht aus einer 

Nickel-Chrom-Verbindung, mit dem er den Weg 

zur Entstehung der ersten elektrischen Toaster 

ebnete. 1909 ging der erste uns heute bekannte 

elektrische Toaster, ein Einstecktoaster, in 

Serienproduktion. Sein Konstrukteur war Frank 

Shailor von der Firma "General Electric", USA. 

Beinahe zeitgleich brachten AEG und Rowenta 

in Deutschland elektrische Brotröster auf den 

Markt, vermutlich nach amerikanischem Vorbild. 

Die Elektrifizierung der Städte in den 1920erund 

1930er-Jahren führte zu einem Boom in 

der Entwicklung elektrischer Haushaltsgeräte. 

So kann in diesen Jahrzehnten auch die größte 

Vielfalt an Toastertechniken beobachtet werden: 

Einstecktoaster aus simplen Metaligestellen 

neben prachtvollen Porzellanversionen; 

Klapptoaster, deren Klappen die Brotschnitte 

einfach nur festhielten, sog. Klemmtoaster, 

oder aber beim Öffnen gleich wendeten, sog. 

Wendetoaster; Drehtoaster und Karusselltoaster, 

deren Brotkorb mit einer Schwungbewegung 

um die eigene Achse gedreht werden 

konnte; tischähnliche Flachbett- und Kombinationsröster; 

Kipptoaster, deren Korb durch 

Antippen im Gerät verschwand und heraussprang; 

Einschubtoaster mit aufrechter Schublade 

und mechanische Durchfahrtoaster, die 

mit einem Zahnrad oder Motor angetrieben 

wurden; Springtoaster, die den Toast nach oben 

- sog. "Pop-ups" - oder nach unten herauswarfen. 

Viele Toastertypen wurden nach eini-

ger Zeit wieder aufgegeben. Dies lag zum einen 

an der geringen Wirtschaftlichkeit einzelner 

Modelle. Zum anderen taten Erster Weltkrieg 

und die Weltwirtschaftskrise 1929 ihr 

Übriges. In Deutschland wurde die Herstellung 

von Haushaltsgeräten 1939 zugunsten der 

Kriegsgüterproduktion rapide gesenkt. Schließlich 

stellte man sie hier bis Ende des Zweiten 

Weltkrieges gänzlich ein. 

Rowenta. 1950 - "Kennen Sie Toast?" 

Nach 1945 wurde die Toasterherstellung 

langsam wieder aufgenommen. AEG und Rowenta 

stellten zunächst Modelle aus der Vorkriegszeit 

her. Mit der Gründung der beiden 

deutschen Republiken 1949 teilte sich auch die 

Produktionsentwicklung der Haushaltsgeräte. 

Wendetaaster 247421 Satrap (für AEG) 

Deutschland ab 1945 

Sammlung Deutsches Bratmuseum U/m 

wenaetosster; Rayal Rachester'; E 641028 

Rabesan Rachester Carparatian 

USA, 1920er-Jahre 

Sammlung Deutsches Bratmuseum Ulm 

33 

Bereits 1950 hatte die Bundesrepublik den Vorkriegszustand 

der Produktivität des ehemaligen 

Deutschen Reiches erreicht. Da die Toasterproduktion 

in Amerika trotz des Krieges in 

beschränktem Maße fortgeführt werden konnte, 

übernahmen Toasterhersteller in Deutschland 

die in den 1940er-Jahren in den USA entwickelten 

typischen Stromlinienformen. Diese 

Formgebung wurde in der Bundesrepublik bis 

in die Mitte der 1960er-Jahre beibehalten. 

"Pop-ups" waren bis Ende des 2. Weltkrieges 

nur in den USA üblich. Erst durch den amerikanischen 

Einfluss etablierten sich diese vollautomatischen 

Toaster in der Bundesrepublik 

und mit ihnen die Toastkultur. In Deutschland 

hatte sich das Prinzip des Klapptoasters durchgesetzt, 

d.h. der manuellen bzw. halbautomatischen 

Geräte. Hatte man hier gewöhnlich von

Brotröster, geröstetem Brot und Röstbrot gesprochen, 

so war nun mit der Einführung des 

"Pop-ups" von Toastern, Toast und Toastbrot 

die Rede. Beide Techniken liefen parallel. 

In der DDR wurden Haushaltsgeräte nur 

sparsam hergestellt und erfuhren keine weiteren 

technischen Entwicklungen. Die Brotröster 

blieben vergleichsweise bescheiden und unauffällig. 

Das Prinzip des Klapptoasters war hier 

der gängige Typus, dessen Aussehen und 

Technik über mehrere Jahrzehnte beibehalten 

wurde. 

Anfang der 1960er-Jahre kam in der Bundesrepublik 

eine neue Bewegung in das Design 

von Haushaltsgegenständen: der Funktionalismus. 

Die Geräte der Firma Braun sollten durch 

Ihre funktionale Einfachheit und die Reduktion 

auf das Wesentliche zum Kauf anregen. 

Schnell wurden diese hochwertigen Modelle 

von anderen Firmen aufgegriffen und zu geringeren 

Preisen angeboten. Marktforscher 

meldeten 1969 steigende Tendenz: Das Interesse 

der Deutschen am Toaster wuchs, jeder 

4. Haushalt in Deutschland besaß nun schon 

einen! 

Von der Stromlinie zur Pril-Blume 

Mit dem Übergang von den voluminösen 

Formen der 1950er-Jahre zu den konzentrierten 

Geräten des Funktionalismus und der darauf 

folgenden hohen Produktionsrate änderte 

sich in den 1970er-Jahren auch der Bezug 

des Konsumenten zu seinen Küchengeräten. 

Immer mehr Haushalte legten sich einen Toaster 

zu. Er war nun nicht mehr Luxusartikel, son- 

34 

Drehtaaster, Universal E 9411 

Landers, Frary & Clark 

USA, um 1928 

Sammlung Deutsches Brotmuseum Ulm 

dern Selbstverständlichkeit. Der Massenkonsum 

erreichte auch den Toaster. Klapptoaster 

waren in der Bundesrepublik nicht mehr gefragt. 

Der .Pop-up" war der Toaster schlechthin. 

Die wesentliche Entwicklung im Aussehen 

der Toaster beschränkte sich auf die Farbgebung 

der Geräte. Die bisher üblichen chromblitzenden 

Gehäuse wichen bunten Um mantelungen, 

hierbei verwendete man hauptsächlich 

die Farben Braun, Beige, Orange und Gelb. 

Motive wie Blumen und Bäume wurden auf die 

großflächigen Seiten appliziert, sie passten 

sich dem Pril-Blumen-Stil mühelos an. Zunächst 

bestand das Gehäuse weiterhin aus 

Metall, doch kamen Ende der 1980er-Jahre 

vermehrt Kunststoffummantelungen auf. 

Durch kleine technische Zusätze wurden in 

den 1990er-Jahren die Funktionen des Toasters 

erweitert, aber nicht wesentlich verändert. 

Wichtiger wurde mit der Zeit die Besonderheit 

der Form. Nach dem Vorbild der Autoindustrie 

erhielten die technischen Geräte runde, windschnittige 

Formen, die den Gedanken an 

Schnelligkeit und Präzision aufkommen lassen. 

Dieser Designtransfer ist schon aus den 

1950er-Jahren bekannt, als sich die amerikanischen 

Stromlinienformen in den Alltagsgegenständen 

widerspiegelten. 

Heute können in Deutschland drei augenfällige 

Designrichtungen bei Toastern verfolgt werden: 

1. Geräte der 1950er-Jahre werden nachgeahmt. 

2. Das Prinzip der Stromlinien wird 

weitergeführt, bis die eigentliche Funktion des 

Gerätes nicht mehr zu erkennen ist. 3. Das 

Gerät wird zum Spielzeug umgestaltet. In der 

ersten Kategorie besteht das Gehäuse aus

Glastoaster, eines der Konzeptprodukte 

des Projektes "La Casa Prossima Futura" 

entworfen und ausgeführt von Phl/ips Design 

Eindhoven, Niederlande 

Chrom, Aluminium oder metallfarbenem Kunststoff. 

Die anderen Typen zeichnen sich bei ihren 

Kunststoffgehäusen hauptsächlich durch 

monochrome Modefarben in Pastelltönen, Indigoblau, 

Schwarz oder Weiß aus oder sind mit 

verspielten bunten Elementen versehen. Zubehör 

zu den Geräten, wie Schablonen, mit dem 

freundliche Grüße zum Frühstück oder Geburtstagswünsche 

in den Toast eingebrannt 

werden können, machen ihr Benutzen zum 

spielerischen Erlebnis. 

Möchten Sie wissen, wie das Wetter wird? 

Fragen Sie ihren Toaster! 

Es sieht so aus, als habe sich die Technik 

der Toaster in den letzten Jahren nicht wesentlich 

weiterentwickelt, doch der Schein trügt. In 

den Medien häufen sich die Meldungen, in 

denen über Kombinationen von Haushaltsgeräten 

und Mikrokontrolltechnik berichtet wird. 

Dies ist das folgerichtige Resultat der Vernetzung 

anderer elektrischer Geräte. 

Verschiedene Meldungen kursierten in der 

letzten Zeit in den Medien. Danach haben erfolgreiche 

Versuche stattgefunden, bei denen 

Informationen über PC und Internet an einen 

Toaster weitergegeben und Nachrichten in den 

Toast eingebrannt wurden, z.B. ein Sonnensymbol 

für schönes Wetter. 

.Voice control" - die Steuerung von Geräten 

mittels menschlicher Stimme oder mit Geräusch 

allgemein soll auch die Zukunft des 

Toasters sein: Vielleicht stellt der Konsument 

morgens nicht mehr den Drehknopf von Röststufe 

3 auf 2. Dann könnte sich in der Küche 

35 

folgender Dialog abspielen: "Toast." - "Wie 

stark?" - "Mittel." - "Benutze mittelstark. Versenken 

... Hochfahren - Fertig!" Ein Test in dieser 

Richtung wurde 1996 von amerikanischen 

Studenten erfolgreich durchgeführt. 

In der Computerbranche hat das Wort "Toaster" 

eine neue Bedeutung erhalten. Werden 

größere Datenmengen auf Computer-Disks gespeichert 

- "gebrannt" -, so wird dieser Vorgang 

immer häufiger "toasten" genannt. Folgerichtig 

ist der CD-Brenner der "Toaster". 

Abschließend soll auf das Projekt "La Casa 

Prossima Futura" (Das Haus der nahen Zukunft) 

der Firma Philips Design hingewiesen 

werden. Es handelt sich hierbei um eine Zukunftsvision 

von Dingen des täglichen Lebens. 

Der (automatische) gläserne Toaster gehört zu 

den bemerkenswertesten Stücken. Sieht er 

nicht ein bisschen so aus wie die ersten elektrischen 

Toaster? 

In der Ausstellung "Ein Toast auf den Toaster!" 

zeigt das Deutsche Brotmuseum Ulm vom 

15. September bis 11. November 2001 ca. 130 

Exponate aus seinem Bestand, dazu Leihgaben 

anderer Museen und privater Sammler. 

Die Ausstellung "Ein Toast auf den Toaster! Eine 

Ausstellung zu Technikgeschichte und Design der 

Toaster und zur Geschichte des Toastbrotes" kann 

vom Deutschen Brotmuseum Ulm gegen Übernahme 

von Transport- und Versicherungskosten sowie 

Spesen für die Ausstellungsbegleitung ab Mitte Dezember 

ausgeliehen werden. Nähere Informationen 

unterTel. 0731/69955.

Searle & Searle 

Eine Ausstellung im Wilhelm-Busch-Museum Hannover/Deutsches Museum 

für Karikatur und kritische Grafik 

Gise/a Vetter-Liebenow 

Sie bieten alle Nuancen der Farbskala, spiegeln 

in kristallenem Facettenschliff die Farben 

des Regenbogens, schimmern periweiß und 

funkeln und glitzern in Gold und Silber: die 

Perlen, die Monica Searle in Städten wie London 

und Paris, Wien und Berlin für ihre Schmuckketten 

zusammengetragen hat. In ihrem alten 

verwinkelten Haus im Süden Frankreichs verbergen 

sie sich in unzähligen kleinen Schubladen 

und füllen so als perfekt organisierte 

Schatzkammer eine lange Wand in ihrem Atelier. 

Eine passionierte Schmuckkünstlerin - geboren 

aus der Not, zu einem wunderbaren 

Kleid keine passende Kette zu haben. Von frühester 

Kindheit an aber schon allem verfallen, 

was glitzert, so wie das böhmische Kristall, das 

der Vater in London zum Verkauf anbot. 

Geboren wurde Monica Searle 1925 in Purley 

in der Grafschaft Surrey, England. Sie studierte 

an Kunstschulen in London und Paris, 

musste während des Krieges nebenbei in einer 

Rüstungsfabrik arbeiten und verdiente sich 

später ihren Lebensunterhalt als Sekretärin 

und Dolmetscherin, bevor sie Gelegenheit bekam, 

Kostüme und Dekorationen für das Theater 

zu entwerfen. So stattete sie 1957 die In- 

36 

szenierung "Le Roman de la Rose" im ,Studio 

des Champs Elysees' in Paris aus. 

1959 begleitete sie ihren späteren Ehemann, 

Ronald Searle, auf einer Reportage-Reise 

durch Deutschland, zu der er vom Süddeutschen 

Rundfunk eingeladen worden war. Dieser 

Erkundung des Nachkriegsdeutschland 

folgten in den nächsten Jahren, meist im Auftrag 

amerikanischer Zeitschriften, fast ununterbrochen 

weitere Reisen durch Länder wie 

Amerika, Marokko, Italien und Österreich. 1967 

heirateten Monica und Ronald Searle in Paris. 

1969 setzte ein bösartiger Krebs bei Monica 

Searle diesem Reiseleben ein Ende. Seit Mitte 

der 70er-Jahre leben die Searles im Süden 

Frankreichs "in glücklicher Isolierung" - so 

Monica Searle -, in der auch ihre traumhaften 

Schmuckketten entstehen. 

Diese präzise gearbeiteten Schmuckketten 

von Monica Searle sind funkelnde Kostbarkeiten. 

Perlen aus Kunststoff, Glas, verschiedenen 

Metallen, Strass und Kristall fügt sie zu 

ein- oder mehrreihigen Kreationen, die im Licht 

ihre ganze Schönheit entfalten. Ihre meisterhaften 

Colliers, komplizierte Geflechte kleiner 

und großer Perlen, sind für den großen Auftritt 

Monica Searle, Schmuck kette 

Materialien: 

Kunststoff, Glas, Strass, Metallfaden, 

Naturseide mit Perlonverstärkung

Ronald Searle 

Nietzsehe tnfft Woody Allen, 1992 

Wilhelm-Busch-Museum Hannover 

wie geschaffen. Da die Perlen, die Monica 

Searle verwendet, oft nur in begrenzter Menge 

zur Verfügung stehen, gibt es von vielen 

Ketten höchstens drei Exemplare. Der Entwurf 

einer Kette kann oft mehr als zwei Monate dauern, 

die Herstellung dann noch einmal zwei 

Wochen. ,Fatal attraction'! 

Gemeinsam haben Monica und Ronald Searle 

- Letzterer seit Mai dieses Jahres Ehrenmitglied 

der Wilhelm-Busch-Gesellschaft - eine 

eindrucksvolle Sammlung historischer Karikaturen 

sowie eine Bibliothek zur Geschichte und 

Theorie der Karikatur zusammengetragen. Dieser 

Schatz konnte erfreulicherweise für die 

Sammlungen des Wilhelm-Busch-Museums 

Hannover erworben werden. Eine Auswahl daraus, 

ergänzt durch Zeichnungen von Ronald 

Searle aus dem Besitz des Künstlerpaares sowie 

durch Arbeiten, die dem Wilhelm-Busch- 

Museum gehören, sind - ebenso wie die faszinierenden 

Schmuckketten von Monica Searle - 

erstmals vom 20. Oktober 2001 bis 6. Januar 

2002 in der Ausstellung "Searie & Searle" zu 

sehen .• 

37 

Ronald Searle, Anglo-Französische Allianz, 1961 

Rudolf-Ensmann-Sammlung 

im Wtlhelm-Busch-Museum Hannover

Die Gemeinschaft der Heiligen 

Der Figurenzyklus an der Katharinenkirche zu Lübeck 

und das monumentale Werk Ernst Barlachs 

Eine Ausstellung im Gerhard Marcks-Haus, Bremen 

Jürgen Fitsehen 

Unter dem Titel "Die Gemeinschaft der Heiligen" 

werden vom 14. Oktober 2001 bis zum 

6. Januar 2002 im Bremer Gerhard Marcks- 

Haus die vor 1933 ausgeführten überlebensgroßen 

Figuren von Ernst Barlach und die nach 

dem Zweiten Weltkrieg 1946 bis 1948 von 

Gerhard Marcks ergänzten Figuren für die Fassade 

der Lübecker Katharinenkirche erstmals 

in einer Ausstellung zusammengeführt. Im 

Werk beider Bildhauer bilden diese außerordentliche 

Höhepunkte. Der heute aus insgesamt 

neun Figuren bestehende Zyklus, von 

denen drei aus der Hand Barlachs und sechs 

von Marcks stammen, wird um Denkmale, 

Mahnmale und Grabmale in Güstrow, Magdeburg, 

Kiel und Hamburg sowie um unausgeführte 

Vorhaben des wohl bekanntesten deutschen 

Bildhauers des 20. Jahrhunderts ergänzt, 

die als Werkmodelle und Entwürfe zu 

sehen sein werden. Aus dem Lebenswerk Barlachs 

ragen diese Vorhaben heraus: Sie erreichen 

monumentale Maße, haben künstlerisch 

einen besonderen Rang und sind gedanklich 

und entwicklungsgeschichtlich Voraussetzungen 

für den Entwurf des Figurenzyklus in Lübeck. 

Im Jahre 1929 trat der Kunsthistoriker und 

damalige Museumsdirektor Carl Georg Heise 

an Ernst Barlach heran und bat diesen, für die 

Westfassade der Katharinenkirche lebensgroße 

Figuren zu schaffen. Als Direktor des St.- 

Annen-Museums war er damals nicht nur für 

dieses, sondern auch für andere Abteilungen, 

darunter auch für die ehemalige Klosterkirche 

des Franziskanerordens, verantwortlich. Dieser 

architektonisch bedeutende Backsteinbau 

war im 14. Jahrhundert errichtet und mit einer 

aufwendigen Fassade geschmückt worden, die 

eine doppelte Reihe von Blendnischen oberhalb 

der Portalzone zeigt. In sechzehn freien 

Nischen sollten nach Heises Plan ebenso vie- 

38 

le Figuren zur Aufstellung kommen, die eine 

"Gemeinschaft der Heiligen als Repräsentanten 

der Menschheit" bilden würden. Gemeint 

waren nicht etwa Figuren von Heiligen und 

Aposteln, wie sie von mittelalterlichen Kirchenportalen 

hinlänglich bekannt sind, sondern "die 

Gottsucher der leidenden Menschheit: vom 

stillbeglückten Pilger bis zum Gefangenen, der 

seine Seligkeit sucht im aufrührerischen Trotz 

gegen die Ketten" (Heise). Barlach ließ sich für 

dieses außergewöhnliche Großprojekt gewinnen, 

obwohl dessen Finanzierung auf wenig 

solider Grundlage stand und er selbst die Überforderung 

seiner Kräfte befürchtete. Kaum ein 

Thema und kaum eine Aufgabe dürfte indessen 

der künstlerischen Auffassung und der 

menschlichen Überzeugung Barlachs mehr 

entsprochen haben, als die Idee des Lübecker 

Museumsdirektors. Für alle Figuren versuchte 

Heise "Stifter" zu finden, die eine zweite Ausführung 

des von ihnen finanzierten, in Terrakotta 

ausgeführten und schließlich an der Fassade 

aufgestellten Werkes erhalten sollten. 

Das gelang für drei der sechzehn Werke: Bis 

Ende 1932 waren diese Figuren in Ton modelliert, 

gebrannt, fertig gestellt und in der Preußischen 

Akademie der Künste in Berlin erstmals 

der Öffentlichkeit präsentiert worden. Die 

Machtübernahme der Nationalsozialisten verhinderte 

die Fortführung des Plans: Sein Initiator 

Carl Georg Heise wurde Ende September 

1933 in den vorzeitigen Ruhestand versetzt. 

Die fertig gestellten Figuren konnten wohl 

eine Zeit lang im Chor der Katharinenkirche 

aufgestellt, mussten jedoch im Verlaufe der 

nationalsozialistischen Kampagne gegen die 

"Entartete Kunst" im Jahre 1936 dort wieder 

entfernt werden. Es gelang, ihre Verbringung 

nach Berlin und ihre Zerstörung zu verhindern. 

Sie überlebten den Krieg in einem geheimen 

Versteck. Als Barlach 1938 starb, hatten die-

Ernst Bar/ach, Frau im Wind 

Terracotta, 1932 

Katharinenkirche zu Lübeck 

ser und Heise bereits einen Vollender des 

Figurenzyklus in Erwägung gezogen, wenn 

auch an eine Wiederaufnahme der Bemühungen 

vorerst nicht zu denken gewesen war: 

Gerhard Marcks. Seit dem Herbst 1946 beschäftigte 

sich Marcks mit der Fortführung des 

Figurenzyklus. Sein Entwurf sah, abweichend 

von der ursprünglichen Absicht Heises, die 

Fertigstellung von weiteren sechs Figuren vor, 

die seit 1949 mit den schon zwei Jahre zuvor 

aufgestellten drei Figuren Barlachs die Fassade 

von St. Katharinen schmücken. 

Die großen Denkmal- und Mahnmalvorhaben 

des wilhelminischen Kaiserreichs und der Weimarer 

Republik haben die Tradition des 19. 

Jahrhunderts oft ungebrochen weitergeführt. 

Demgegenüber bieten die von Ernst Barlach 

geschaffenen monumentalen Plastiken - darunter 

nicht zuletzt die ausgeführten und entworfenen 

Figuren des Lübecker Vorhabens - 

eine außerordentliche Durchdringung ihres 

39 

Gerhard Marcks, Schmerzensmann 

Terracotta, 1947 

Katharinenkirche zu Lübeck 

Themas. In der Form brechen sie mit der bis 

dahin bestimmenden Tradition in Deutschland. 

An keinen anderen Werken lässt sich so aufschlussreich 

der radikale Bruch verdeutlichen, 

den die Moderne für die Frage des Denkmals 

und der Kunst im öffentlichen Raum herbeigeführt 

hat. Die sich aus den Werken Barlachs 

ergebenden Folgerungen wirken bis in gegenwärtige 

Projekte hinein. 

An einer aussagekräftigen Auswahl von sowohl 

ausgeführten und als auch geplanten, 

dann aber nicht verwirklichten Vorhaben Ernst 

Barlachs soll die Entstehungsgeschichte, die 

Form, die Symbolik und die historische Bedeutung 

der Figuren an der Lübecker Katharinenkirche 

im Zusammenhang seiner Denkmale, 

Mahnmale und Grabmale anschaulich vorgeführt 

sowie die künstlerische Entwicklung seines 

monumentalen Werkes nachgezeichnet 

werden. Etwa 40 plastische Werke - darunter 

die lebensgroßen Figuren für die Lübecker Fas-

Ernst Bar/ach, Gerhard Marcks, Die Gemeinschaft der Heiligen (realisiert 1930-32 und 1946-48) 

Westfassade der Katharinenkirche zu Lübeck 

sade, deren Zweitausfertigungen sich heute im 

Besitz der Ernst Barlach Stiftung und des Gerhard 

Marcks-Hauses befinden - sowie 90 

Zeichnungen und Graphiken aus verschiedenen 

öffentlichen und privaten Sammlungen 

werden in ihr vereinigt und vermitteln erstmals 

im Zusammenhang ein umfassendes Bild des 

Bildhauers Ernst Barlach als Schöpfer monumentaler 

Plastik. 

Die Ausstellung entsteht in engster Zusammenarbeit 

des Gerhard Marcks-Hauses mit der 

Ernst Barlach Stiftung in Güstrow, Die norddeutschen 

Bildhauermuseen sind in besonderer 

Weise durch den Lübecker Figurenzyklus 

miteinander verbunden, der im Lebenswerk 

ihrer Namenspatrone das Hauptwerk bildet. Im 

Anschluss an Bremen wird sie von Februar bis 

40 

September 2002 in Güstrow und ab Herbst 

2002 auch im Georg-Kolbe-Museum in Berlin 

Station machen. Es erscheint ein umfangreicher, 

von Volker Probst und Jürgen Fitsehen 

herausgegebener Katalog mit Beiträgen zahlreicher 

Fachkollegen und einer Dokumentation 

aller ausgestellten Werke. 

Gleichzeitig findet in der benachbarten Kunsthalle 

Bremen, die mit der Stiftung Kurt Reuttis 

eine der größten Barlach-Sammlungen Deutschlands 

besitzt, die Ausstellung "Ernst Barlach - 

,Kaviar statt Brot' / Kurt Reutti - Sammler und 

Stifter" (14. Oktober 2001 - 20. Januar 2002) 

statt, in der insbesondere die Wechselwirkungen 

zwischen Barlachs Graphik und Plastik gezeigt 

werden. 11

Rückkehr in die Fremde? 

Remigranten lmd Rundfunk in Deutschland 

1945-1955 

Niedersächsische Staats- und Universitätsbibliothek Göttingen 

Platz der Göttinger Sieben 1,37073 GötÜngen 

23. August bis 6. Oktober 2001 

Jahresausstellung des 

Arbeitskreises 

selbständiger 

Kultur-Institute 

eV - AsKI 

Veranstaltet von: 

Arbeitskreis selbständiger 

Kultur-Institute eV - 

AsKI, Bonn 

Stiftung Deutsches 

Rundfunkarchiv Frankfurt 

am Main - Berlin 

Stiftung Archiv der 

Akademie der Künste, 

Berlin 

Die Ausstellung 

steht unter der 

Schirmherrschaft des 

Präsidenten des 

Deutschen Bundestages, 

Herm Wolfgang Thierse 

Öffnungszeiten: 

Montag - Freitag 

09.00- 20.00 Uhr 

Samstag 

10.00 -14.00 Uhr 

www.sub.uni-goettingen.de 

www.aski.org.

AsKI e.V. Kulturberichte 2/2001

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