Einseitig perforiert, schmaler Steg - Mumok

MUMOK, Ebene 1
Eintritt frei
Einseitig perforiert,
schmaler Steg
Filme auf 16 mm
Ausgewählt von
Antje Ehmann und
Harun Farocki
6.– 18.12.2005
MUMOK
MuseumsQuartier
Museumsplatz 1
A-1070 Wien
www.mumok.at
IMPRESSUM:
Für den Inhalt verantwortlich:
Edelbert Köb, Direktor
Konzeption:
Antje Ehmann und Harun Farocki
Assistenz: Anna Artaker
Redaktion: Anna Artaker, Antje Ehmann,
Harun Farocki, Matthias Michalka
Grafische Gestaltung: MVD AUSTRIA
Druck: Stiepan Druck
© MUMOK 2005

Einseitig perforiert,
schmaler Steg
Filme auf 16 mm
Ausgewählt von
Antje Ehmann und
Harun Farocki
Das Format 16 mm kam Ende der 20er Jahre auf den
Markt, es sollte das Format für Amateure werden,
war dazu aber zu teuer. Schon vor dem Krieg machten
Regisseure ihren ersten Film mit eigenen Mitteln
auf 16 mm, so Willy Zielke und Peter Pewas.
16 mm setzte sich zunächst in Forschung und Lehre
durch. Die Projektoren waren mobil, und das
Vorführen konnte ein Assistent oder Lehrer in ein
paar Stunden lernen.
Mit dem Fernsehen wurde 16 mm groß. Nicht in den
USA und nicht im Ostblock, aber in Westeuropa produzierten
die Fernsehanstalten, wenn nicht live
gesendet oder über elektronische Kameras im Studio
aufgezeichnet wurde, zunehmend auf 16 mm. Den
Fernsehleuten kam es oft vor, mit 16-mm-Film näherten
sie sich dem Kino an, und es ist gerade die
Schwäche fast aller Fernsehästhetik, dass sie ein
Ähnlichkeitswettbewerb ist.
In dem Augenblick, als Videoaufnahmen in hoher
Auflösung mit leichten Kameras möglich wurden,
ab 1980 spätestens, ging es mit dem 16-mm-Format
bergab. 35 mm ist immer noch der Standard. Man
spricht von einer Super-8- oder von einer Video-
Ästhetik, nicht aber von einer 16-mm-Ästhetik.
Dieses Format ist dabei zu verschwinden, ohne dass
man ihm nachweint, nicht einmal Flüche werden
ihm nachgerufen. Ein Ersatzformat.
Mitte der 60er Jahre kamen geräuscharme und leichte
16-mm-Kameras auf den Markt, so wurde die
Aufnahme von lippensynchronem Originalton machbar:
Auf einmal war es möglich, informelle Lebensäußerungen
in der Wirklichkeit aufzugreifen. Ein
Cinéma direct wurde mit dokumentarischen Mitteln
umsetzbar, wie es der Neorealismus für den Storyfilm
mit Darstellern entworfen hatte. Das war eine kurze
Sternstunde, bald gab es aber auch 35-mm-Kameras,
die handlich und leise waren.
In Einseitig perforiert, schmaler Steg zeigen wir Filme,
die auf 16 mm gedreht wurden – und das nicht im
falschen Glauben, das sei das Gleiche wie mit 35 mm.
Wir zeigen Filme aus dem deutschen Sprachraum,
die nicht vorgeben, Kino zu sein, sondern die sich
ihrer Deklassierung bewusst sind und darum auf ein
anderes Kino aus sind. Manche mit großem Mut und
mit größter Anstrengung, andere in selbstgewisser Abwendung.
Und manche führen den Klassenkampf im
Kostüm des Dandys. Antje Ehmann und Harun Farocki

Dienstag, 6.12.2005
19.00 Uhr
Mittwoch, 7.12.2005
19.00 Uhr
Klaus Wyborny
Dämonische Leinwand
BRD 1969/1971, FARBE, 100 MIN
Zum Auftakt der Filmreihe zeigen wir fünf Filme von Klaus Wyborny, in
denen es um das Verhältnis von Off-Erzählung zu den Bildern geht und
um die Materialität von Film. Wyborny drehte 1968 auf Normal 8 und
übertrug das Material auf 16 mm; dabei wandte er Verfahren an wie das
Wiederabfilmen von projizierten Aufnahmen, deren seitenverkehrtes
Einmontieren oder die Verunreinigung mit Fusseln. Das Programm enthält
Meisterwerke wie A Crowd in the Face, Home Sweet Home, Auf zu den
Sternen, Chimney Piece und Das abenteuerliche, aber glücklose Leben des
William Parmagino.
Klaus Wildenhahn
Zwischen 3 und 7 Uhr morgens
BRD 1963, S/W, 9 MIN
St. Pauli. Beobachtungen in einer Musikkneipe und in der U-Bahn, mit der
morgens Menschen zur Arbeit fahren. Einer der frühesten Cinéma-direct-
Filme von Klaus Wildenhahn.
Klaus Wildenhahn
Heiligabend auf St. Pauli
BRD 1968, S/W, 51 MIN
Der Film beginnt am 24. Dezember um sechs Uhr abends und endet am
25. Dezember um vier Uhr morgens. Zehn Stunden in einer Hafenkneipe
auf St. Pauli. In einer besonderen Nacht, voller Gefühle und Sentimentalitäten.
Ein eindrückliches Beispiel dafür, dass mit der leisen 16-mm-Kamera
informelle Äußerungen aufgegriffen werden können, die bisher nur ein
inszenierter Film zeigen konnte. Das Besondere ist, dass der Film ganz
selbstverständlich ist. Der Autor Wildenhahn macht aus diesem kleinen
Weltausschnitt etwas Wichtiges, das liegt an seinem Interesse am Konkreten.
Helma Sanders-Brahms
Die Maschine
BRD 1972, FARBE, 53 MIN
Klaus Wyborny, Dämonische Leinwand, 1969/1971
Ein Druckereiarbeiter hat einen Arbeitsunfall erlitten. In den Filmbildern
sieht er so aus, als wäre er stigmatisiert. Als hätte er etwas für andere –
vielleicht auch uns – auf sich genommen. Dass arbeiten auch leiden heißt
und dass einer für andere eine Arbeit auf sich nimmt, daran wird heute
wenig gedacht.

Donnerstag, 8.12.2005
19.00 Uhr
Dore O.
Alaska
BRD 1968, FARBE, 18 MIN
Ein Emigrationsfilm: „Traum meiner selbst, Konsequenz aus dem Akt mit
der Gesellschaft.“ (Dore O.)
Peter Nestler
Von Griechenland
BRD 1965, S/W, 28 MIN
Peter Nestler, den Jean-Marie Straub drei Jahre später als den „wichtigsten
Filmemacher in Deutschland nach dem Kriege“ bezeichnete, erhielt
1965 schärfste Kritik für seinen Film Von Griechenland. Der Film, der bei
den Internationalen Kurzfilmtagen Oberhausen für einen Skandal sorgte,
brachte Nestler den Vorwurf „kommunistischer Propaganda“ ein, und
die Kollegen in Oberhausen fanden ihn amateurhaft, weil er auf O-Töne
verzichtete, gegen die stummen Bilder eine autonome Tonspur mit
einem Sprechertext setzte. Nestler beschreibt sein Verfahren lakonisch:
„Zusammen mit unserem griechischen Freund Dimitris Marakas haben
wir in Athen in Archiven der Organisation des antifaschistischen Widerstands
Briefe und Dokumente durchgelesen, Fotos angesehen, die versteckt
in Wohnungen aufbewahrt wurden. Wir wussten also, zu welchem
Textmaterial wir Bilder brauchten. Und so haben wir die Bilder gesucht.
Beim Schneiden haben wir allen Originalton endgültig weggelassen.“
Zwei Jahre nach den Dreharbeiten zu dem Film, der mit den Worten:
„Der Faschismus muss überwunden werden“, endet, kam es in Griechenland
zur Machtergreifung der Militärjunta.
Peter Nestler
Bilder von Vietnam
SCHWEDEN 1972, S/W, 24 MIN
Nestler zeigt mit Material des DDR-Fotografen Thomas Billhardt das Bild
eines Vietnamkrieges, der vor allem geführt wurde, um eine fremde
Hochkultur zu zerstören. Eine um vieles ältere und reichere Kultur als die
US-amerikanische. Und er zeigt, „dass die Kämpfe der Vietnamesen das
Gegenteil des Bildes sind, das uns vom Krieg geliefert wurde: nicht der
Rückfall in die Barbarei, sondern die Verteidigung der eigenen Kultur“, so
Margita Theurer 1979 in einer Besprechung. Im Kommentar des Films
heißt es: „Als die USA mit den Bombardierungen begonnen hatten, sagte
ein amerikanischer General: ‚Entweder geben die Nordvietnamesen ihren
Widerstand auf, oder wir bomben sie zurück ins Steinzeitalter.’ Aber die
Nordvietnamesen gaben nicht auf.“
Dore O., Alaska, 1968
Peter Nestler
Über die Geschichte des Papiers, Teil 1
SCHWEDEN 1972, S/W, 24 MIN
„Erzählt wird, kunstlos und mit nachhaltigem stofflichem Interesse,
die Ausbreitung eines Produktionsmittels, welches – bis heute – die buchstäbliche
Grundlage der menschheitlich weitreichendsten Erfindung –
Schrift – bildet. Deutlich zeigt der Film die Veränderung, die industrielle
Produktion und ‚Produktion’ der Arbeiterschaft aneinander erfahren;
zeigt es so deutlich, weil gerafft wie ein historisches Stenogramm. Abgesehen
davon, dass im heute üblichen propagandistischen Genre des
‚Industriefilms’ eine derart verschränkte Darstellung nicht denkbar ist,
erhellt Nestler beiläufig, wie Marx zu jener These kommen konnte, das
Proletariat sei die Erfindung des 19. Jahrhunderts. Nestler spricht die
deutsche Fassung seines Films selbst. Seine Stimme, die Art und Weise
seines interessierten Sprechens verleiten zu unausgesetzter Aufmerksamkeit.
Sie beschreiben eine präzise Abweichung vom normativen
Geseire heutiger Fernsehsprecher – Abweichung, die zu erkennen gibt,
wie selbstverständlich Stoff und Darstellungsinteresse sich zusammenfügen
lassen.“ (Hanns Zischler, Filmkritik, 1979)

Freitag, 9.12.2005
19.00 Uhr
Samstag, 10.12.2005
19.00 Uhr
Gerd Conradt, Katrin Seybold
Wilde Tiere – Rote Knastwoche
BRD 1970, S/W, 37 MIN
Im Sommer 1969 kam es in dem kleinen Ort Ebrach in Bayern zu einem
so genannten „Knastcamp“. Im Gefängnis von Ebrach musste ein Schüler
eine Gefängnisstrafe verbüßen – für harmlose Delikte, für wiederholte
Ordnungsverstöße. Ein paar hundert Personen – hauptsächlich aus Berlin
und Frankfurt – reisten an, um ihre Solidarität zu bekunden und um auf
die vielen Gerichtsverfahren aufmerksam zu machen, die den politischen
Aktivisten der vergangenen zwei Jahre bevorstanden. Was man damals
zunächst „Studentenbewegung“, dann „Außerparlamentarische Opposition“
nannte, das war an einem toten Punkt angekommen. Das Demonstrieren
war immer noch provokativ, vor allem in kleinen bayerischen
Orten, wurde aber immer mehr zur ermüdenden Wiederholung. Das
sieht man an diesem Film, vor allem wenn die Kamera auf die Häftlinge
gerichtet ist, bei der Feldarbeit außerhalb der Gefängnismauern. Die
Kamera starrt sie immer wieder beschwörend an, in der Hoffnung, die
projizierten theoretischen Begriffe und gerufenen Parolen könnten einen
Widerhall finden.
Gerhard Theuring,
Leave me alone. Why did you leave America
BRD 1970, FARBE, 128 MIN
Theurings Beschreibung seines Films lautet so: „Leave me alone ist ein
Film über Amerika, wie es sich in der Musik über Amerika und in Bildern
aus Amerika darstellt. Leave me alone ist ein Film, der ausschließlich auf
Schauplätzen in München gedreht wurde. Leave me alone ist ein amerikanischer
Film, weil wir alle in Amerika leben.“ Beim Festival International
du Jeune Cinéma de Hyères 1975 gab Marguerite Duras diesem Film den
ersten Preis.
Hartmut Bitomsky
Johnson & Co. oder der Feldzug gegen die Armut
BRD 1968, S/W, 17 MIN
Der Krieg um Vietnam wird – wie in einem Stück von Brecht – in etwas
anderes übersetzt. So wie Brecht die Hitler-Clique als Gangster darstellt,
stellt Bitomsky die Johnson-Clique als Bande von Hausbesitzern und
Wohnungsvermietern dar. Der ferne Krieg erscheint in nahen Sachverhalten.
Westberlin wird so zu einem Kriegsschauplatz, die Studenten
greifen zur Waffe.
Helga Reidemeister
Von wegen Schicksal
BRD 1979, S/W, 117 MIN
Reidemeister porträtiert eine Arbeiterfrau im Berliner Märkischen Viertel,
Irene Rakowitz, die unglücklich verheiratet war, vier Kinder geboren hat,
sich scheiden ließ, invalidisiert wurde, ein äußerst kompliziertes Verhältnis
zu ihren erwachsenen Kindern hat und daran glaubt, dass die Gesellschaft
verändert werden soll und dass sie an diesen Veränderungen teilnehmen
muss. Rakowitz: „Das Bedürfnis, aufzuzeigen, wie mein Wollen
von anerzogenen Scheinwerten und vom Gängelband so genannter Gesellschaftskonventionen
verbogen und zunichte gemacht wurde, ließ diesen
Film schließlich entstehen. In dem Maß, wie mein Selbstverständnis
wuchs, wuchs auch die Erkenntnis, was in dieser Gesellschaft mit den
Frauen passiert, welcher Platz uns zudiktiert wurde, wie wir zu sein und
zu funktionieren haben – dass also meine Probleme kein Einzelschicksal,
kein persönliches Versagen sind.“ Der 1979 mit dem Bundesfilmpreis ausgezeichnete
Film formuliert den damals noch recht neuen Anspruch des
dokumentarischen Films, Privates zu politisieren.

Sonntag, 11.12.2005
19.00 Uhr
Dienstag, 13.12.2005
19.00 Uhr
Michael Klier
Ferrari
BRD 1964, S/W, 8 MIN
Marianne Lüdcke, Ingo Kratisch
Die Wollands
BRD 1972, FARBE, 92 MIN
Lüdckes und Kratischs Abschlussarbeit an der Deutschen Film- und Fernsehakademie
Berlin wurde zu einem der wichtigsten Berliner Arbeiterfilme.
Es geht um einen Schweißer, der sich beruflich verbessern will.
Seine Frau ist ebenfalls berufstätig. Die kleine Tochter wächst bei ihren
Großeltern auf. Präzise beschreiben Lüdcke und Kratisch das Verhältnis
von Leben, Freizeit und Arbeit im Dasein eines Lohnabhängigen in der
BRD der 70er Jahre. Der Film ist realistisch in dem Sinne, dass die Filmfiguren
denken, sagen und empfinden, was sie sagen, denken und empfinden
müssten, wenn sie bei Trost wären. Und warum sollten sie nicht
bei Tost sein?!
Werner Nekes, Dore O.
Jüm-Jüm
BRD 1967, FARBE, 10 MIN
Werner Nekes und Dore O. haben ihren Film am liebsten so beschrieben:
„Dimensionen der Bewegung: 1. Schaukelbewegung, 2. Lichtveränderung,
3. Konstellation von Personen. Materialien: 1. fixierte Kamera, 2. Destruktion
der Emulsion, 3. Bildumkehrung. Ästhetische Organisation: 1. Polyrhythmik,
2. rhythmische Monotonie, 3. Aleatorik innerhalb der Kaderfolgen,
4. Reihung eines Tonkomplexes.“
Ferrari dauert nur acht Minuten. Ein junger Mann fährt Jaguar, träumt
aber von einem Ferrari. Er fährt an die 200 Kilometer pro Tag und nimmt
immer wieder gerne fremde Frauen auf eine kleine Spritztour mit. Drei
Dinge weiß er ganz genau: zum einen, dass viele weibliche Wesen nur dem
Sportwagen zuliebe einsteigen (er sagt, er erkenne das sofort); zum anderen,
dass es irgendwann mal „krachen“ wird; und drittens, dass er einfach
ein schönes Leben haben will, „sein“ Leben eben. Das Geld kommt
von der Oma. Die will für einen Ferrari nicht bezahlen.
Werner Schroeter
Der Bomberpilot
BRD 1970, FARBE, 65 MIN
Zwischen 1942 und 1955 versuchen drei staatenlose junge Frauen, sich
mit kabarettistischen Nummern und sonstigen künstlerischen Darbietungen
über Wasser zu halten. Gespielt von Carla Egerer, Mascha Elm und
Magdalena Montezuma. Parallelen zwischen der Nazi- und Nachkriegszeit
werden allzu deutlich, Konflikte zwischen Politik und Kunst, Kultur
und Trivialität scheinen auf.
Harun Farocki
Der Geschmack des Lebens
BRD 1979, FARBE, 25 MIN
Harun Farocki schreibt 1979 zu seinem Film: „Seit Jahren versuche ich,
Mittel aufzutreiben, die es erlauben, das tägliche Leben festzuhalten, wie
es sich im Blick auf die Straße bietet. Vor 20 Jahren sah man abends oft
Halbwüchsige an der Straßenecke mit Fahrrädern zusammenstehen, sie
hatten die Fahrräder unter sich, aber standen da und sprachen. Solche
Vorgänge würde ich gerne mit der Kamera dokumentieren. Hier ergab
sich einmal die Gelegenheit. Zweieinhalb Monate lief ich mit der Kamera
herum, und ein paar Bilder habe ich zu diesem Film zusammengestellt.“

Werner Nekes, Dore O., Jüm-Jüm, 1967
Michael Klier, Ferrari, 1964 Brigitte Toni Lerch, Benno Trautmann, Der Umsetzer, 1976
(FOTOS: Stark-Otto)

Mittwoch, 14.12.2005
19.00 Uhr
Donnerstag, 15.12.2005
19.00 Uhr
Elfi Mikesch
Ich denke oft an Hawaii
BRD 1978, S/W UND FARBE, 85 MIN
Mit Brechungen von Fantasie und Realität, Traum und Alltag, Schwarz-
Weiß und Farbe arbeitet Mikesch in ihrem ersten, experimentellen, halbdokumentarischen
Spielfilm über die 16-jährige Schülerin Carmen. Dabei
überrascht Mikesch mit einem zu der Zeit noch völlig ungewöhnlichen
erzählerischen Verfahren.
Brigitte Toni Lerch, Benno Trautmann
Der Umsetzer
BRD 1976, S/W, 75 MIN
Matthias Weiss
Ten Years After
BRD 1970, FARBE, 52 MIN
Das schrille, halbdokumentarische Spielfilmdebüt von Benno Trautmann
und Antonia Lerch alias Brigitte Toni Lerch. Ein älterer Mann soll zusammen
mit anderen Mietern aus der gewohnten Berliner Altbauwohnung in
ein Neubauviertel „umgesetzt“ werden.
„'A group in fusion is a revolt in freedom and a conquest against alienation'
– dieses anglisierte Zitat von Jean-Paul Sartre ist dem Film Ten Years
After (mit Wim Wenders an der Kamera) vorangestellt. Die gleichnamige
Bluesrockband aus England mit ihrem virtuosen Leadgitarristen Alvin
Lee wird aus einer festen Kameraposition während eines Live-Acts gefilmt,
ganz ohne Publikum. Während des Wechsels der Filmrollen läuft
Schwarzfilm weiter zum durchgehenden Ton der Musik, und wenn die
Gruppe zwischen zwei Stücken auf der Bühne kurz pausiert, raucht und
redet, läuft das Bild weiter, und der Ton setzt aus. Dieser dokumentiert
im eigentlichen Sinne, was man sehen will und sich sonst mühsam zusammensuchen
muss; man spürt, dass Pausen, Proben und das Stimmen der
Gitarren dazugehören und den Reiz des Auftritts steigern. Dieser Film sucht
gerade solch radikale Hinwendung zu seinem Gegenstand.“ (Jörg Becker)
Clemens Klopfenstein
Geschichte der Nacht
SCHWEIZ 1979, S/W, 60 MIN
Klopfenstein beschenkt uns hier mit 60 Minuten vibrierenden, atmenden,
grobkörnigen Nachtaufnahmen aus 19 Ländern, montiert zu einer
einzigen imaginären nächtlichen Stadt. Damit verbessert dieser Film
Mitteleuropa entscheidend.
Elfi Mikesch, Ich denke oft an Hawaii, 1978

Freitag, 16.12.2005
19.00 Uhr
Rosa von Praunheim
Schwestern der Revolution
BRD 1969, FARBE, 20 MIN
Die „Schwestern der Revolution“ sind eine Kampftruppe von Homosexuellen,
die sich für die Befreiung der Frau einsetzt. Dietmar, der die Unterdrückung
und Hilflosigkeit der Frau nachspielt, weiß seinen Protest nur in
den einen Satz zu kleiden: „Ich will kein Osterhase sein, obwohl ich sensibel
und anlehnungsbedürftig bin.“ Rosa von Praunheims erster Film über
Homosexualität.
Rosa von Praunheim
Nicht der Homosexuelle ist pervers,
sondern die Situation, in der er lebt
BRD 1970, FARBE, 67 MIN
DETAIL DES FILMPLAKATS Rosa von Praunheim, 1970
Praunheims Attacken richten sich nicht gegen fremde Unterdrücker, sondern
gegen das eigene Lager. Die Situation, in der der Homosexuelle lebt,
ist hausgemacht: Das ist die These des Films. Verwirrung, Empörung, Bestürzung
im Schwulenlager waren die Folge, aber auch Bewegung, Aktion,
Coming-out und Solidarität. Die Aufführung des Films im deutschen Fernsehen
wurde zum Politikum. Zunächst kam die vorgesehene Ausstrahlung
im Gemeinschaftsprogramm der ARD nicht zustande, nur der WDR,
der den Film in Auftrag gegeben hatte, zeigte ihn. Als die Vorführung im
ersten Programm ARD ein Jahr später nachgeholt wurde, machte der
Bayerische Rundfunk nicht mit und zeigte etwas anderes, einen Film
über Autobesessenheit übrigens.
Hellmuth Costard
Besonders wertvoll
BRD 1968, FARBE, 10 MIN
Costards Besonders wertvoll hat seinerzeit bei den Kurzfilmtagen
Oberhausen einen Skandal ausgelöst, der Geschichte schreiben sollte.
Der zunächst programmierte Film wurde wegen seiner beleidigenden
Ästhetik und Programmatik „Staatsgewalt gegen Geschlechtsteil“ aufgrund
eines drohenden Gerichtsverfahrens von der Festivalleitung wieder
zurückgezogen, woraufhin die meisten der anwesenden Filmemacher
auch ihre Filme zurückzogen und sie statt in Oberhausen in zwei Hörsälen
in Bochum zeigten. Hellmuth Costard resümierte damals: „Die
Schwänze stören die Gesellschaft so, dass sie nicht einmal bereit ist,
eine Diskussion über den Begriff ‚sittlich’ zu führen. Das bedeutet eben,
dass die Gesellschaft negiert, dass alles auf Lustgewinn zielt.“
Werner Schroeter, Willow Springs, 1973

Samstag, 17.12.2005
19.00 Uhr
Sonntag, 18.12.2005
19.00 Uhr
Dominik Graf
Der Fahnder
FOLGE 78: BIS ANS ENDE DER NACHT, DEUTSCHLAND 1992, FARBE, 55 MIN
FOLGE 90: NACHTWACHE, DEUTSCHLAND 1993, FARBE, 55 MIN
Heinz Emigholz
Die Wiese der Sachen
BRD 1974–1987, FARBE, 88 MIN
„Clonetown, 1974 bis 1979. Die Chronik eines Abschieds. Charon, ein
abgesprungener Terrorist (Eckhard Rhode), sitzt am Ufer zur Vergessenheit
und kommentiert die bevorstehende Vermoderung eines entführten
Autohändlers. Er hätte auch gern einen Körper gehabt. In seiner Erinnerung
ziehen seine zweiten und dritten Ichs herauf, der megalomanische
Künstler und der perverse Teppichhändler (John Erdman). Die ehedem
achtlos misshandelten Dinge rächen sich in seinem Kopf. In der Fernsehsendung
Tausend Häuser werden Bauwerke auf die Gehirne ihrer Architekten
zurückprojiziert. In den Bäuchen längst gestrandeter Schiffe haben Matrosen
immer noch Sex. Dem allwissenden Erzähler ist das Publikum weggestorben.
Er liegt auf seinem Hotelbett in Vancouver, isst Opium und
ruft sich alle Räume, in denen er jemals hauste, ins Gedächtnis zurück.
Jedes Jahrzehnt hat seinen eigenen Zugang zum Himmel.“
(Heinz Emigholz)
Der Fahnder ist eine der ältesten und erfolgreichsten Serien im deutschen
Fernsehen (nach Derrick die meistverkaufte Krimiserie). Zwischen Oktober
1985 und April 2001 wurden 190 Folgen produziert und ausgestrahlt.
Wir zeigen zwei besonders gute Folgen, die unter der Regie von Dominik
Graf entstanden sind. Das Fernsehen hat das Format 16 mm zum Standard
gemacht und sich Filmformen des Kinos – wie in diesem Fall den
Detektivfilm – angeeignet. Trotz des stark standardisierten Formats der
Serie können Autoren wie Dominik Graf ihren Spielraum finden und ihn
experimentell nutzen.
Werner Schroeter
Willow Springs
BRD 1973, FARBE, 78 MIN
In einem abgelegenen Haus in der kalifornischen Wüste leben drei Frauen
in einer Art von hierarchischem Matriarchat, dem angelockte Männer
zum Opfer fallen. Es geht um Gesellschaftszustände, Kinomythen, die
USA, Parodie und Theatralik. Man sieht: Schon 1973 findet Schroeter zu
seiner so besonderen, einzigartigen Kunstform.
Dominik Graf, Der Fahnder: Nachtwache, 1993
(BILD: WDR/WWF)