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Akademie der Bildenden Künste München - Debütantenausstellung 2013
Eröffnung und Preisverleihung
Dienstag, 16.04.2013, 19 Uhr, Vestibül im Altbau, Akademiestr. 2
Begrüßung
Laudatorin
Musik
Ausstellung
Prof. Dieter Rehm, Präsident der Akademie der Bildenden
Künste München
Dr. Eva Karcher, Journalistin und Kunstmarktexpertin
Damenkapelle
Mittwoch, 17. – Sonntag, 21. April 2013, täglich 15 - 20 Uhr
Alt- und Neubau der Akademie und Gartenhaus
Debütanten 2013
Jakob Egenrieder Preis der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung
Denise Flamme Debütantenförderung
Agnes Jänsch
Senator Bernhard Borst Preis der Stiftung
Kunstakademie München
Korbinian Jaud Preis des Akademievereins
Christian Landspersky Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende
künstlerische Leistungen
Christine Lederer DAAD-Preis für hervorragende Leistungen
ausländischer Studierender
Funda Gül Özcan Debütantenförderung
Max Schmidtlein Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende
künstlerische Leistungen
Barbara
Senator Bernhard Borst Preis der Stiftung
Schrobenhauser Kunstakademie München
Anna Maja Spiess Preis der Stiftung Kunstakademie München gestiftet
von Renate Küchler
Stephan Vavra Debütantenförderung
Marie-Madlen Weber Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende
künstlerische Leistungen

Debütanten - Jury 2012
Prof. Katrin Brack, Patrizia Dander (Haus der Kunst), Prof. Anke Doberauer, Felix
Ruhöfer (lothringer13), Prof. Gregor Schneider, Prof. Lotte Lindner / Prof. Till
Steinbrenner (Gastprofessoren), Dr. Daniela Stöppel (Institut für
Kunstgeschichte LMU/ radar)
Gile Haindl-Steiner, Dina Renninger, Florian Sundheimer
(Akademieverein und Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung)
Gernot von Pape (Stiftung Kunstakademie München)
Preise/Förderungen
Debütantenförderung
Aus den Mitteln des Programms der Bayerischen Staatsregierung für Künstler und Publizisten
von 1980 stellt das Bayerische Staatsministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst jedes
Jahr drei jungen Künstlern der Akademie einen Katalogzuschuss für die erste Einzelausstellung
in Höhe von je € 3.000 zur Verfügung.
DAAD – Preis für hervorragende Leistungen ausländischer Studierender
Der jährlich zu vergebende Preis des Deutschen Akademischen Austauschdienstes ist mit
€ 1.000 dotiert.
Preis des Akademievereins
Der jährlich zu vergebende Preis des Akademievereins ist mit € 3.000 dotiert.
Preis der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung
Der jährlich zu vergebende Preis der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung ist mit
€ 3.000 dotiert.
Preis der Stiftung Kunstakademie München gestiftet von Renate Küchler
Der Preis ist mit € 3.000 dotiert.
Senator Bernhard Borst Preis der Stiftung Kunstakademie München
Der Preis ist mit € 5.000 dotiert und wurde in diesem Jahr geteilt.
Examenspreis Kunstpädagogik
Der Preis wird für herausragende künstlerische Leistungen verliehen und wird getragen von den
Bayerischen Ministerien für Unterricht und Kultus sowie für Forschung, Wissenschaft und Kunst
und der Stiftung Kunstakademie München. Er ist mit € 4.000 dotiert und wurde in diesem Jahr
geteilt.

Debütanten 201 3
Jakob Egenrieder / Klasse Prof. Olaf Metzel
Preis der Erwin und Gisela von Steiner-Stiftung
Jakob Egenrieder beschäftigt sich in seinen Arbeiten immer wieder mit dem Verhältnis
zwischen Inszenierung und Zufälligkeit.
In bühnenartigen Installationen wird der Betrachter zum Zuschauer, zum Statist, zum
Akteur, die Installation zur Bühne, zum Auditorium oder zum räumlichen Bild.
In den skulpturalen Arbeiten erforscht Egenrieder analog den Kontrast zwischen strenger
Formgebung und roher Materialität. Die Arbeiten zeigen einen Zwischenzustand,
verlassene Szenen und abgenutztes Material sind entweder das Resultat abgeschlossener
Handlungen oder eine bewusste Inszenierung derselben. Sie sind entweder Requisiten
oder Skulpturen – oder beides zugleich.
Hierzu sind Bühnenliteratur, Geschichte und Architektur entscheidende Quellen, die
auf unterschiedlichste Art bearbeitet werden. Ein barocker Kirchturm wird zur skurrilen
Kleinplastik, ein Theaterstück von Samuel Beckett zum Anlass einer Party, die wiederum
zu einer Installation uminszeniert wird. Neben räumlichen Arbeiten entstehen Fotografien,
Videos, Zeichnungen, Bühnenbilder.
Denise Flamme / Klasse Prof. Hermann Pitz
Debütantenförderung
Die Arbeiten von Denise Flamme erschließen sich auf den ersten Blick in ihrer einfachen
und klaren Materialität und der Kommunikation zwischen Form und Farbe. Die
Parallelen zum Minimalismus der 60er und 70er Jahre sind offensichtlich, gleichzeitig
klingen Ideen des modernen Designs und Kunsthandwerks an. Die Möglichkeit solcher
kunsthistorischen Zuweisungen gefährdet die Qualität der Arbeiten nicht. Die Präzision
und Souveränität, mit der sie ausgeführt sind, steht für sich.
Erst ein zweiter Blick aber wird reichere und komplexe Räume öffnen, die sich Denise
Flamme in den letzten Jahren erarbeitet hat. Unter der klaren Formulierung ihrer
neuesten Arbeiten, hinter dem bewussten Umgang mit Fragen der Materialität, liegt
ein eigenwilliger Entwicklungsweg. Er ist weitreichender als das Interesse an der formalen
Abgeschlossenheit eines minimalistischen Objekts.
Geht man innerhalb ihrer Arbeit zurück, so stößt man auf eine anders geartete Bildwelt:
phantastische Blätter, die einem dicht beschriebene und opulent ausgestattete
Szenerien vor Augen führen. Es gibt hier noch ein mimetisches Moment: die Bilder
sind voller Selbstdarstellungen, voller Übertragungen, künstlerisch angeeignet, geformt
und umgesetzt. Das Bedürfnis nach Erzählung, das aus ihren frühen Arbeiten
spricht, hat Denise Flamme mehr und mehr in eine Material- und Formensprache
übersetzt, die auf darlegende Abbildungen verzichtet, in ihrer Erscheinungsform aller-

dings erzählerische Qualitäten beibehält. Die Implikationen des Materials und die
Wahrheit der Geometrie fangen die poetische Offenheit und Tiefe einer erzählerischen
Lust ein.
Agnes Jänsch / Klasse Prof. Hermann Pitz
Senator Bernhard Borst Preis der Stiftung Kunstakademie München
Agnes Jänsch studierte zunächst in Wien bei Gerda Fassel und Erwin Wurm sowie
anschließend in München bei Andreas von Weizsäcker und Hermann Pitz Bildhauerei.
Sowohl in ihren bildhauerisch-installativen Arbeiten als auch in ihren Videoinstallationen
beschäftigt sie sich immer wieder mit der Grenze zwischen Natürlichkeit und
Künstlichkeit. Während ihre Diplomarbeit _STILL die Relation von Betrachter und
Betrachtetem sowie die Frage nach der Glaubhaftigkeit der Performance vor der
Kamera thematisierte, setzt sie sich in der nun gezeigten Arbeit [Li:d] mit der
Authentizität emotionalen Ausdrucks über Sprachgrenzen hinweg auseinander.
Opernsängerinnen und –sänger, deren Muttersprache nicht Deutsch ist, tragen als
typisch deutsch geltende Kunstlieder des 19. Jahrhunderts vor.
Korbinian Jaud / Klasse Prof. Stephan Huber
Preis des Akademievereins
PSYCHOBUILDING 100 Kumpels unterm Gartenhaus.
Ein Mann beschließt, sein Haus auf unbestimmte Zeit nicht mehr zu verlassen. Zu
dem, was in der Welt von Bedeutung ist, hat er nichts mehr beizutragen. Weil jedes
Handeln eine Entscheidung erfordert und ihm jede Entscheidung fragwürdig erscheint,
trifft er eine letzte Entscheidung: nicht mehr zu handeln. Der Rückzug in die selbstgewählte
Paralyse nimmt eine dramatische Wendung, als mysteriöse Begebenheiten ihn
zu einem Erkundungsgang in den unbekannten Untergrund des Hauses zwingen. Er
steigt ab in die verborgenen Tiefen des Gebäudes, verschwindet in den Katakomben
der eigenen Psyche. Dort begegnet er hunderten von Arbeitern, die nichts anderes
tun, als sein Haus ständig zu rekonstruieren, immer eins unter dem anderen. Während
er schläft, verlegen sie ihn in den nächst fertigen Nachbau, wodurch er immer
tiefer in die Erde gerät ...
Die Ausstellung dokumentiert diese Expedition in die Unterwelt in Form eines musealen
Arrangements von Relikten: von Notizzetteln, Fotografien, Zeichnungen, Zeitungsausschnitten,
Möbeln, Videos, die den Besucher des Gartenhauses, je weiter er sich
durch die drei Etagen voran tastet, immer tiefer in die abstruse Vorstellungswelt des
Protagonisten verstricken.
Die danteske Passage in die verschiedenen Kreise des Infernos, von der „Psychobuilding“
erzählt, ist zugleich eine psychoanalytische Archäologie: eine Grabung nach

dem, was in unserem Innersten unbewusst schlummert, nach dem Verschütteten und
Vergessenen, dem Ungeklärten und Nichtbereinigten, dem Weggesperrten und Unterdrückten.
Sie führt an Orte, an denen man sich selbst ein Rätsel ist, fremd und unheimlich. Aber
über den Weg der sich selbst gegenüber wohlwollenden Reflexion führt sie auch wieder
zurück: Am Ende der Reise wagt der Protagonist die Konfrontation mit dem Außen.
Er öffnet vorsichtig die Tür seines Hauses. Tageslicht.
Christian Landspersky/what remains gallery / Klasse Prof. Albert Hien
Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende künstlerische Leistungen
Der Grundgedanke der what remains gallery basiert auf der Weiterverarbeitung von
Materialien, Relikten und Werken aus dem Kunst- und Ausstellungsbetrieb. Dabei
spielt nicht allein das Material, sondern die ihm anhaftende und sich stets wandelnde
Bedeutung eine Rolle.
Durch Modifikationen und Rekontextualisierungen werden Künstler und deren Arbeiten
auf essentielle Gedanken, wie beispielsweise der Verbindung unserer Kultur zu
materiellen Artefakten, geprüft. Durch die Wiederaufnahme von fertigen Arbeiten in
weiterführende Arbeitsprozesse, stellt what remains gallery auch gezielt Fragen nach
Autorschaft und dem Kollektiven im Individuellen bzw. hinterfragt zeitgleich die
Kurzlebigkeit unseres inflationären Kunst – und Kulturbetriebs. Zahlreiche namhafte
internationale Künstler, wie beispielsweise AiWeiWei, Andrei Molodkin oder Liam
Gillick partizipierten bereits in diesem Projekt.
So wurden bereits zum dritten Mal in Folge Sprachskulpturen des in New York
lebenden Künstlers Lawrence Weiner weiterverarbeitet und so auf jeweils
unterschiedliche dem Konzept Weiners innewohnende Aspekte hin untersucht.
Auch zur Debütantenausstellung wird ein aus dem Haus der Kunst entsorgtes Mural
Lawrence Weiners neu rekonstruiert, mit einer konzeptionellen Arbeit der spanischen
Künstlerin Sofia Montenegro in Bezug gesetzt und im Koloss-Saal der Akademie der
Bildenden Künste für die Ewigkeit in die Wand eingemauert.
Christine Lederer / Klasse Prof. Olaf Metzel
DAAD-Preis für hervorragende Leistungen ausländischer Studierender
»Wörter rinnen aus meinem Kopf über die Zunge auf das Papier auf das Holz oder
auf Stoff...« sagt die 1976 in Bludenz geborene Christine Lederer. Mittels Zeichnungen/Texten/Installationen,
mit Hilfe von Fotos, werden von Lederer Versuchsreihen
für den Betrachter gestartet, um Gefühle und Raum zu präzisieren. Vordergründig,
simpel und banal, kommt bei Christine Lederer die einfache, die gemeine Zeichnung
daher, um im Umfeld tagtäglicher Entgrenzungen so etwas wie einen radikalen Kern

darzustellen, der sich im Text dann fortsetzt. Das Klingen der Texte im Raum, als
»Wandkonstruktions-Angebot« für Kurzentschlossene!? Die Wirklichkeit verweist so
auf den (anhaltenden) Erfolg der Zeichnung im Wettstreit der öffentlichen Wahrnehmung
hin.
Das ist ein schöner Gedanke. Oder war da vorher doch schon so etwas wie ein einfaches
und radikales Wort? Wortwitz, der klug ist, findet man selten hier in der Ge -
gend! Der Text, der seine Plattform in der Zeichnung, diese wiederum ihre Bühne in
der frei improvisierten Installation findet. Die Zeichnung als »Weltentwurf« der Christine
Lederer. Auch darin steckt noch ein Stück der angefangenen Offenheit (s.o.).
Denn der Entwurf ist ins Zukünftige gerichtet, obwohl der »Weltentwurf« – man könnte
auch sagen »Welten Wurf« – die ungeheure Fülle der relevanten Hervorbringungen
gleichzeitig kanalisiert, um so quasi als Angebot zur freien Entnahme, decodiert
zu werden. Die authentische Weiterentwicklung von Text und Zeichnung und so fort,
setzt hier in dieser seltenen Gegend der Kunst ihre Errungenschaften fort! Zum Beispiel
durch: Alte Werte ins Licht rücken und auf Vorhandenes aufmerksam machen!
Traditionen erhalten und sie gleichzeitig in ihren Brüchen zeigen – das ist für Lederer
aufregender als »Nochniegesehenes« erfinden. Und sie ist noch nicht fertig damit!
(Harald Gfader)
Funda Gül Özcan / Klasse Prof. Stephan Huber
Debütantenförderung
Fundas Medienperformances, Videos und Videoinstallationen beschäftigen sich mit
Grenzbereichen des menschlichen Körpers und Geistes und einer möglichen Manipulation
derselben.
Die Balance zwischen Opfer und Täter ist ein zentraler Punkt im Werk. In ihren Videoinstallationen
und Performances gelingt es Funda immer einerseits Betroffenheit
und andererseits Faszination an psychischer und physischer Gewalt hervorzurufen.
Die plastische Platzierung der Videoflächen in ihren Ausstellungsräumen und die minimalistische
und zugleich eindringliche darstellerische Qualität lassen den Betrachter
zwischen den beiden Polen im Inneren seiner Seele hin und her pendeln. Mit der offenen
Konfrontation ihrer eigenen innerlichen Konflikte lässt sie den stummen und dennoch
emotional aufgeladenen Dialog mit den Besuchern ihrer Arbeiten entstehen.
Durch Bild und Ton wird der Körper des Betrachters von Grenzüberschreitungen und
existenzieller Emotionalität eingenommen und in ein Vakuum versetzt.
Funda erzählt keine (autobiographischen) Geschichten, sie lässt sie bei jedem
Besucher ihrer Ausstellungen entstehen. Durch ihre raumgreifenden Installationen der
fiktional visuellen Videoprotagonisten entwickelt sich so eine seltsame Realität im
Raum und im Verstand des Betrachters.
Ein ganz besonderer Parameter in Fundas Werk ist die gekonnte Kombination von
Skulptur, Video, Audio mit einer kinetischen Funktion. Da sich die Projektionsflächen

ebenfalls bewegen, ermöglicht sie einen körperlich spürbaren und dimensional erfahrbaren
Effekt. Die Besucher können die Videobilder real umgehen und die Vibrationen
der tiefen Soundcollagen eindringlich fühlen.
„Wenn man sich in meine Installationen begibt, dann ist es so, als würde man in meinen
Schädel eindringen und dieselben Bilder sehen, die ich sehe. Mit dem Sound versuche
ich dann eine Parallel-Schaltung zum Bild herzustellen, um so den Betrachter
vollkommen einzunehmen.“
Max Schmidtlein / Klasse Prof. Stefan Dillemuth
Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende künstlerische Leistungen
Versuche der Metaphysik
Max Schmidtleins Arbeiten fungieren als bildnerische Apparate – gewissermaßen als
Verlängerungen theoretischer Motive – aus der Soziologie, der Psychologie und der
aktuellen Kunsttheorie entlehnt. Diese Apparate sind artifizielle, künstlerische Gebilde
– in Form von Gemälden, Zeichnungen, Installationen, Texten und Pflanzen –, die ihre
Konstruiertheit offen zur Schau tragen. Sie fordern eine Aktivierung des Betrachters,
indem sie ihm einen greifbaren Gebrauchswert anbieten. Die Arrangements stehen
dem Betrachter mit einer solch beinah komisch anmutenden Fremdheit entgegen,
dass jene gleichsam anziehend wirkt.
Die Arbeiten, die hängen bleiben – also tatsächlich das Potential einer Veränderung
der Gewohnheiten in sich tragen – sind selten die lauten und prahlenden. Vielmehr
sind es diejenigen, die nur bruchstückhaft eine Logik anbieten, die gerade im Moment
des Betrachtens flüchtig und schwer greifbar erscheinen und dazu auffordern weitergedacht
zu werden. Schmidtleins Apparaturen fordern eben jene angenehm-dringliche
Reaktion beim Betrachter ein. (Lena Zimmermann)
Barbara Schrobenhauser / Klasse Prof. Otto Künzli
Senator Bernhard Borst Preis der Stiftung Kunstakademie München
Schmuck muss, darf, kann getragen werden.
Barbara Schrobenhauser startet hierzu einen Versuch: Viele Freunde haben ein
Lieblingsschmuckstück ihrer Arbeiten. Doch die meisten können es sich nicht leisten,
diese zu kaufen. Bei der Debütantenausstellung sind sie eingeladen, "ihr"
Schmuckstück zu tragen.
Die Skulptur gehört zum Raum, der Schmuck zum Mensch.
Die Beziehung zum Menschen spiegelt sich in den Arbeiten vor allem dadurch wieder,
dass sie zur Berührung einladen, sie können dadurch erst ganz erfahren werden.
Wie zeigt man eigentlich Schmuck?
Eine schwierige Frage, die Schrobenhauser immer wieder beschäftigt und immer

wieder eine Herausforderung für die Künstlerin ist, die sie dennoch gerne annimmt.
Bei der Eröffnung bewegt sich die Ausstellung. Der Besucher findet eine einfache
Holzplatte mit Umrissen und vereinzelten Schmuckstücken vor, gleichzeitig sind
Portraits an der Wand zu sehen. Wie immer stehen die Gäste der Ausstellung im
Raum, unterhalten sich, trinken und manche tragen Schmuck.
Auf den zweiten Blick erkennt man sie auf den Fotos wieder. Meine Gäste können
jederzeit ihr Schmuckstück ablegen, vielleicht fühlen sie sich zu sehr beobachtet? Der
Abend geht zur Neige und der Schmucktisch füllt sich wieder, der Mensch geht, der
Schmuck bleibt alleine in der Ausstellung zurück.
Vielleicht bleibt ja die Erinnerung an den Abend erhalten!?
Anna Maja Spiess / Klasse Prof. Olaf Metzel
Preis der Stiftung Kunstakademie München gestiftet von Renate Küchler
„ WIE FUNKTIONIERT W A H R N E H M U N G, WIE FUNKTIONIEREN G E H E I M
N I S S E?
WO IST DER Z U S A M M E N H A N G. ICH MAG ERINNERUNGEN UND ICH MAG
ES IN DEN LEUTEN ERINNERUNGEN AUSZULÖSEN.“ (Anna Maja Spiess)
Anna Maja Spiess beschäftigt sich mit den unbekannten Tiefen der menschlichen
Psyche.
Sie arbeitet mit Schlüsselobjekten & Themen ihrer Generation und zwingt den
Betrachter durch ihre Kunst zur Identifikation mit seiner Vergangenheit. Der Betrachter
wird unmittelbar in ihre Arbeiten einbezogen und sein Verhalten, seine Reaktion und
seine Anteilnahme auf ihre Werke werden Teil ihrer Kunst. (Laura Seiler)
Stephan Vavra / Klasse Prof. Dieter Rehm
Debütantenförderung
Die Arbeit, welche Stephan Vavra zur diesjährigen Debütantenausstellung zeigt, ist
eine visuelle Installation bestehend aus mehreren 8mm-Projektoren, die ihre Bilder in
einen weißen Kubus werfen. In den Projektoren laufen Endlosschleifen neu zusammengesetzter,
vormals unzusammenhängender Filmausschnitte aus einer Sammlung
privater wie auch kommerzieller Filme. Durch Spiegel umgelenkt, zum Teil zerteilt und
neu aneinander gesetzt, stehen die Bilder in einem neuen Bezug zueinander und füllen
den Kubus aus. Zur Masse der zu sehenden Bilder kommt der Lärm der laufenden
Projektoren. Dieser wird noch verstärkt und führt dadurch zu einer Überreizung der
Sinne und stürzt das Ganze in ein gewolltes Chaos.

Marie-Madlen Weber / Klasse Prof. Albert Hien
Examenspreis Kunstpädagogik für herausragende künstlerische Leistungen
Den Arbeiten von Marie-Madlen Weber liegt das Prinzip der ständigen Veränderung zu
Grunde, auch bei der Arbeit „Anwesend/Abwesend“. In der Mitte des Raumes befindet
sich ein Wachsblock, der die Form einer Matratze hat. Marie-Madlen Weber wird
während der gesamten Ausstellungsdauer auf der Matratze schlafen. So verändern
sich Tag für Tag die für den Betrachter sichtbaren Spuren im Wachsblock.
Da Wachs auf menschliche Körperwärme reagiert, ist es möglich, darin Abdrücke zu
speichern. Die Abdrücke im Material deuten auf eine Anwesenheit hin, können aber
immer nur die Abwesenheit zum Ausdruck bringen.
Während des Schlafens setzen wir uns mit unserem Unterbewusstsein auseinander.
Erlebtes wird in uns als eine Art Abdruck gespeichert und wir verarbeiten dies in
unseren Träumen. Im Traum können wir Geschehenes aufarbeiten und eventuell
verändern.
Der schlafende Körper auf dem Wachs bezieht sich auf innere Prozesse, die mit Hilfe
des Materials ihren Ausdruck finden. Jede Nacht sinkt die Künstlerin tiefer in das
Material ein und hinterlässt so dem Betrachter täglich neue Spuren, die von ihrem
Körper und der Auseinandersetzung mit dem Material innerhalb eines unbewussten
Zustands berichten.