Frederik KÃ¶ster - Jazz Podium

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Stimmungsachterbahn mit dem Akkordeon Vincent Peirani F ast wäre aus dem Einstand des Akkordeon-Spielers Vincent Peirani beim Jazz-Label Act nichts geworden. Der Weg verlief über die südkoreanische Sängerin Youn Sun Nah. Sie schlug ihrem Duopartner, dem Gitarristen Ulf Wakenius, vor, ihren gemeinsamen Auftritt mit Akkordeonklängen aufzupeppen. Wakenius dachte sofort an den Akkordeon- Pionier Richard Galliano. Youn Sun Nah meinte aber Vincent Peirani. Wakenius willigte skeptisch für ein Konzert ein – und war so begeistert von dem Ergebnis, dass er Peirani für sein Album „Vagabond“ (2012) engagierte, wie auch Youn Sun Nah sich das junge Talent für ihren Longplayer „Lento“ (2013) ins Studio holte. Sie und Wakenius stehen bei Act unter Vertrag, und durch seine Verbindung zu den beiden ist nun auch Vincent Peirani mit seinem neuen Album „Thrill Box“, dem Nachfolger seines Debüts „ Gunung Sebatu“ (2010), bei dem Label gelandet. Auf dem Album zeigt der 1980 in Nizza geborene Musiker großen Erfindungsgeist, ganz in der innovatorischen Tradition eines Richard Galliano. Die Stimmungen fahren Achterbahn, wenn Peirani das träumerisch-intensiv interpretierte amerikanische Traditional „Shenandoah“ oder den flirrenden Thelonious Monk- Titel „I mean you“ covert und eigene Titel wie den überschäumend verspielten „Air song“, das mystische Stück „Bailero“ oder das dramatisch bewegte „Hypnotic“ spielt. Dabei klingt das Akkordeon täuschend echt mal wie eine Mundharmonika, mal wie ein Klavier oder eine Orgel. Diese Virtuosität schulte Vincent Peirani seit seinem elften Lebensjahr, als er zum ersten Mal zum Akkordeon griff. Sein großes Talent führte ihn ans „Conservatoire National de Région“ in Nizza, wo er klassisches Akkordeon und Klarinette studierte. Zwischen 1994 und 1998 gewann er die wichtigsten internationalen Akkordeon-Contests, u. a. den „Prix d’Accordéon Classique" des Pariser Musikkonservatorium, an dem er bis 2004 Jazz studierte und einen Abschluss mit Auszeichnung schaffte. Peirani wandte sich neben dem Jazz ebenso Chansons und World Music zu und spielte weiterhin Klassik. Er arbeitete mit Musikern wie dem Jazz-Drummer Daniel Humair, dem Klarinettisten Louis Sclavis, der Sängerin Seran Fisseau, dem Kontrabassisten Renaud Garcia Fons und dem Bassklarinettisten Michel Portal zusammen, den er auch für die Aufnahmen von „Thrill Box“ gewinnen konnte. Dazu gesellten sich im Studio Emile Parisien, sax, Michel Benita, b, und Michael Wollny, p. Warum sein Album „Thrill Box“ betitelt ist und wie unangenehm sein Anfang als Akkordeonspieler war, verriet Vincent Peirani im Interview. Warum hast du dich für das Akkordeon entschieden? Mein Vater war Musiker, wenn auch kein professioneller. Ich bekam das als Kind mit und sagte: Ich will auch Musik spielen. Er war sehr glücklich. Aber ich wollte Schlagzeuger werden, weil ich die Drums liebe. Doch das lehnte er ab und bestimmte: Du spielst Akkordeon. Ich wollte das nicht. Aber er bestand darauf. Mein Vater war mein Lehrer. Und im ersten Jahr weigerte ich mich noch. Doch irgendwann war ich vom Akkordeon fasziniert und liebte es zu spielen. Das merkt man „Thrill Box“ an. Warum hast du diesen Titel gewählt? „Thrill Box“ ist die Übersetzung eines Kosewortes für das Akkordeon aus dem Französischen ins Englische. Beim Albumtitel geht es also um mein Instrument, aber auch um die vielen unterschiedlichen Musikarten des Albums. Die Zuhörer empfangen verschiedene Schwingungen wegen der unterschiedlichen Kompositionen, sie spüren unterschiedliche „thrills“. Wie bist du auf Michael Wollny und Michel Benita und die anderen Musiker als deine Begleiter gekommen? Ich kannte sie nicht persönlich. Ich wusste nur, welche Musik z. B. Michel Benita macht. Ich kannte u. a. seine Zusammenarbeit mit dem Trompeter Erik Truffaz oder dem Drummer Peter Erskine. Er spielt viele verschiedene Musikrichtungen. Deshalb fühle ich mich ihm nahe und wollte ihn für das Album haben. Michel Portal war eine große Inspiration für mich. Als ich das erste Mal mit ihm arbeitete, dachte ich nur: Wow, was für ein Musiker. Es war ein Traum von mir, dass er auf meinem Album dabei ist. Ich habe ihm auf „Thrill Box“ eine Ballade gewidmet: „3 temps pour Michel P.“ Michael Wollny traf ich bei einem Act-Jubilee-Konzert in Paris. Ich bekam die Gelegenheit, mit Michael vier Minuten im Duo zu spielen. Wir trafen uns zum ersten Mal, und zunächst ging es hin und her: ‚Vielleicht können wir diesen Song spielen? Den kenne ich nicht. Dann können wir diesen Song spielen? Den kenne ich nicht.’ Irgendwann sagte ich: ‚Wir sollten improvisieren. Vielleicht ist das der beste Weg, uns musikalisch zu begegnen.’ – Diese Minuten waren wirklich magisch. Danach besorgte ich mir die CD „Wunderkammer“ von Michael und verliebte mich in seine Musik. Ich dachte nur: Ich muss ihn auf meinem Album haben. Welche Atmosphäre herrschte bei den Aufnahmen? Ich wollte die Stücke ganz altmodisch aufnehmen, ohne Proben und ohne, dass Musiker, die sich noch nie getroffen hatten, die Noten der Kompositionen vorher kannten. Wir sollten uns nur im Studio treffen. Ich hatte für jeden Track dann bloß drei Minuten zum Vorspielen, danach nahmen wir die Musik sofort auf. Dadurch wirkt das Album sehr frisch, aber auch zerbrechlich. Und man spürt unser Glücksgefühl, die Musik in einer tieferen Weise zu spielen. Es entstanden intensive Momente, weil wir uns wirklich musikalisch begegneten. Text: Thorsten Schatz Foto: Dean Bennici CD: Vincent Peirani „Thrill Box”, ACT 9542-2 www.myspace.com/vincentpeirani 5/13 Jazz Podium 3
„I’m a composer who plays the piano“ Dave Brubeck (6. 12. 1920 – 5. 12. 2012) In Europa war Dave Brubeck vor allem als Jazzpianist bekannt. Doch er selbst hielt seine Kompositionen für wichtiger als sein Klavierspiel. Ilse Storb würdigt im Folgenden die bedeutendsten Werke von Dave Brubeck. Der Text ist ihrem Buch „Dave Brubeck – Improvisationen und Kompositionen – Die Idee der kulturellen Wechselbeziehungen“ entnommen, der 1991 beim Verlag Peter Lang in Deutschland erschien, 1994 in der Übersetzuung von Bert Thompson beim Verlag Peter Lang in New York. Eine zweite Auflage erschien 2000 beim LIT Verlag in Münster. Prof. Dr. Ilse Storb mit Dave Brubeck, der auf Betreiben der Autorin am 1. Mai 1994 die Ehrendoktorwürde der Universität Duisburg erhielt. F ragt man in Deutschland in öffentlichen Räumen: „Wer ist Dave Brubeck?“ ist die Antwort: „Nie gehört“… oder allenfalls „Take five“…was ja von Paul Desmond stammt. Selbst der Rowohlt-Verlag sagte mir vor Jahren: „Kennt ja keiner! Schreiben Sie was über Louis Armstrong!“ – Deutschland und der Jazz! „Eigentlich bin ich ein Komponist, der Piano spielt. Ich bin nicht in erster Linie Pianist. Deshalb ist mein Pianospiel von dem Material, den Ideen, die ich auszudrücken versuche, geformt und nicht von einem System oder einer Suche nach einem identifizierbaren Sound. Wegen meiner eigenen Konzeption im Harmonischen und Rhythmischen ist der Brubeck-Sound wie von selbst gekommen, aber ich suchte nie bewusst danach. Ich habe immer versucht, mich von musikalischen ‚Zwangsjacken’ fern zu halten. Ich versuche mir innerhalb des Jazz-Idioms die Freiheit der Wahl zu erhalten, so dass mein Stil in erster Linie eine Summierung all der Erlebnisse und Erfahrungen ist, die ich gemacht habe.“ (Campus, 1972) Seit dem Kompositionsunterricht bei Darius Milhaud (1946-1948) war Brubeck bestrebt auch Komponist zu sein. Das umfassende „klassische“ Training eines europäischen Komponisten in Harmonielehre, Kontrapunkt, 12-Ton-Technik etc. konnte er nicht vorweisen. Er wollte sich als intuitiv-auditiver Musikertyp auch 6 Jazz Podium 5/13 nicht der „eisernen“ Disziplin mancher Konservatorien unterordnen. Die zahlreichen, weltweiten Tourneen des Dave Brubeck Quartetts ließen darüber hinaus wenig Zeit fürs Komponieren. Das sollte sich mit der Auflösung des Quartetts 1967 ändern. Die „Idee des Cultural Exchange“ und der „impressionistischen“ Einarbeitung oder collagehaften Kombination verschiedenster Musikzitate blieb immer erhalten. Brubecks musikalische Identität ist facettenreich und von schillernder Diversität. Die Anerkennung Brubecks als „serious composer“ ist in den USA weit verbreitet. Aufführungen seiner größeren Kompositionen finden immer wieder statt. Vom 27.-28.4.1980 fand in Bridgeport „The Tenth Annual Contemporary American Composers Festival Dave Brubeck statt. Es war ausschließlich Kompositionen von Dave Brubeck gewidmet, Ausschnitten aus dem Oratorium „The light in the wilderness“ und der Kantate „The gates of justice“. (Für die am meisten unterdrückten Völker; „Die Juden“ und „Die Schwarzen“). Der Workshop am 28.4.1980 war seinem verehrten Lehrer Darius Milhaud gewidmet. Er umfasste die folgenden Kammermusikwerke: „Tritonis“ für Flöte und Gitarre von Dave Brubeck, „Scaramouche“ für 2 Klaviere von Darius Milhaud, eine Suite für Violine, Klarinette und Klavier von Darius Milhaud und das Ballett „Points on jazz“ für 2 Klaviere von Dave Brubeck. Die Messe „To hope“ wurde am 24.4.1980 in der St. Peter’s and Paul’s Cathedral, Providence, Rhode Island aufgeführt. Ich konnte sowohl am „Composers Festival“ in Bridgeport sowie an der Aufführung der Messe in Providence teilnehmen, da ich eine Woche im Hause Brubeck, Wilton, Connecticut, verbrachte. Die Idee der kulturellen Wechselbeziehungen und der Aufnahme fremder Musikelemente unter der Einwirkung von vielen Musiksprachen ist in den Kompositionen ebenso lebendig wie in den Improvisationen. Sie ist für Brubecks vielfältigen Stil kennzeichnend. Aus schriftlichen und mündlichen Äußerungen Brubecks bekommt man immer den Eindruck, dass er die Begriffe Komposition und Improvisation nicht scharf trennt, sondern eine Integration anstrebt. Er gebraucht den Überbegriff Kreativität und nach Strawinsky: Komposition ist selektive Improvisation. (cp. Meine zahlreichen Interviews und Strawinsky: „Musikalische Poetik“). Die ersten Kompositionen für Klavier von Dave Brubeck aus dem Jahr 1946 heißen: „Reminiscences from the Cattle Country“. Brubecks Vater war Rancher und Dave sollte Veterinär werden! Brubeck schenkte mir ein Exemplar der ersten Komposition mit der Widmung: „For Elisa, the real me“! „The Duke meets Darius Milhaud and Arnold Schönberg“ – 1956 – ist Duke Ellington gewidmet, der Dave Brubeck sehr viel beim Aufbau seiner Karriere geholfen hat, Arnold Schönberg, dessen Verhalten er nicht verstehen konnte und seinem College-Lehrer Darius Milhaud, den er sehr verehrte und der sein bester Ratgeber war. (Arnold Schönberg hatte für jede geschriebene Note eine Begründung verlangt und sich als den Experten für europäische Symphonik vorgestellt.) Brubeck: „Wieso, das klingt doch gut!“ Und über Milhaud: „Mein Lehrer war Darius Milhaud, der total in der Polytonalität lebte. Und er liebte Schönbergs Musik überhaupt nicht. Und ich bin ziemlich sicher, Schönberg mochte seine Dave Brubeck: „Mein Lehrer war Darius Milhaud, der total in der Polytonalität lebte. Und er liebte Schönbergs Musik überhaupt nicht. Und ich bin ziemlich sicher, Schönberg mochte seine auch nicht. Aber Milhaud erzählte mir eine amüsante Geschichte, er sagte: ‚Ich kann kein musikalisches System mit mathematischen Regeln ertragen, und wenn du kein tonales Zentrum hast, dann raubst du dem Publikum etwas vom Größten in der Musik: Die Modulation. Sie können nirgends hingelangen, wenn Sie zuvor nirgends waren!’“
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