Unterrichtsmaterialien - Museum Frieder Burda

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Franz Gertsch, Herbst, 2007 / 08, Besitz des Künstlers © Franz Gertsch, 2013 Auch der „Sommer“ (2008/2009), der in kräftigem Grün leuchtet, hält jede Menge Entdeckungen für das Auge des Betrachters bereit. Das Gemälde erscheint zunächst flächig angelegt, das Dickicht des belaubten Waldstückes undurchdringlich. Jedoch ergibt sich auch hier bei näherer Betrachtung ein Sog in die Tiefe und die verschiedenen Zonen entfalten immer wieder neue Nuancen und Wirkungen. Die Darstellung des „Winters“ (2009) bedeutete für Franz Gertsch die große Herausforderung, zum ersten Mal Schnee zu malen. Hier ist es kein sommerlicher Blätterwald, der dem Betrachter entgegentritt, sondern ein verschneites Waldstück am Morgen, das den Betrachter aufnimmt. Bäume, Äste und Zweige, gestaltet mit fein abschattierten Brauntönen, überziehen netzartig die Oberfläche des Werkes; der Schnee ist überall und verstellt doch den Blick auf die Natur nicht. Einige Äste tragen eine Schicht aus Schnee, die rechte untere Ecke erscheint zunächst ganz weiß. Betrachtet man das Gemälde aus der Nähe, wird das Gefühl des frisch gefallenen Schnees beinahe greifbar. Franz Gertsch ist es gelungen, mit feinsten Farbabstufungen die weiße Landschaft zu strukturieren und dem Betrachter die puderig-zarten Eigenschaften des Schnees zu vergegenwärtigen. Die Präsentation der vier Jahreszeiten in einem Raum zeigt, wie die Gemälde farblich harmonieren. Franz Gertsch beschränkt sich auf eine reduzierte Farbpalette, auf wenige, aus Mineral-, Erd- und anderen Pigmenten selbst hergestellte Farbtöne. Bei der Betrachtung der Jahreszeitengemälde verbinden sich die Farbklänge der einzelnen Gemälde miteinander, bestimmte Farbtöne werden von einem Gemälde zum anderen wieder aufgenommen. Das Wechselspiel, das in jedem einzelnen Gemälde zwischen Sujet, Malweise und Farbgebung, zwischen Wahrnehmung und Wirkung stattfindet, wird im Zusammenspiel der Gemälde miteinander noch einmal verstärkt. 2
Gemälde und Holzschnitte von Franz Gertsch Die Kombination und Gegenüberstellung von Gemälden und Holzschnitten ermöglicht ein neues Erleben seiner Kunst. Das Holzschnitt-Werk von Franz Gertsch ist in vielerlei Hinsicht außergewöhnlich. In einer bislang unbekannten Präzision der Ausführung – das gilt für das Schneiden ebenso wie für das Drucken – und in Monumentalformaten, die an die Grenzen des Machbaren schon bei der Papierherstellung stoßen, verleiht Gertsch diesem traditionellen Medium neue Dimensionen. Nachdem Gertsch 1986 das großformatige Porträt „Johanna II“ beendet hatte, gab er die Malerei vorübergehend auf und verlegte sich ausschließlich auf den Holzschnitt. Die ungewöhnlich großen Formate von bis zu acht Metern Länge, in denen er arbeitet, stehen den Gemälden im Anspruch dabei in nichts nach. Was den Künstler an der neuen Technik, die er sich als Autodidakt aneignete, vor allem reizte, war der höhere Grad an Abstraktion, der mit der Monochromie des Drucks verbunden ist: Die Holzschnitte verblüffen einerseits mit einer unglaublichen Perfektion der Wirklichkeitsdarstellung, andererseits tritt das Motiv zugunsten der reinen Farbwirkung stark in den Hintergrund. Das Geheimnis der Wirkung liegt in dem fein ausbalancierten Verhältnis zwischen Motiv und Farbe, das die Wahrnehmung in Bewegung hält und immer wieder zwischen den Polen von Abstraktion und Wirklichkeit pendeln lässt. Die Motivwahl beschränkt sich bei den Holzschnitten auf Porträts und Naturdarstellungen. Bei letzteren überwiegen Wasser, Steine und Gräser als Motiv. Der Gegensatz von lebendiger Präsenz und zeitloser Entrücktheit scheint die Motivwahl zu bestimmen und deckt sich mit der angesprochenen Ambivalenz von Abstraktion und Wirklichkeit. Gertsch verwendet für seine Holzschnitte ausschließlich handgeschöpfte Papiere, die er von Meister Ivano Heizaburo aus Japan bezieht. Mit knapp 3 x 4 m schöpft Heizaburo die größten Papiere, die es derzeit gibt, von Hand und setzt damit Gertsch auch das Limit. Für den Druck wird die Druckplatte – Gertsch verwendet in der Regel Birnbaum- oder Lindenholz – zunächst in einem aufwändigen Verfahren mit Farbe eingewalzt, das Papier vorsichtig aufgelegt und dann per Hand mit Glaslinsen in kreisenden Bewegungen angepresst, so dass sich die Farbe in das Papier eindrückt. Übrigens rührt Franz Gertsch seine Druckfarbe(n) in der Regel selbst aus Pigmenten an. Sehr häufig wird für jedes gedruckte Blatt ein unterschiedlicher Farbton gewählt: so nähert sich das auf Reproduktion angelegte Medium der Druckgraphik auch in diesem Aspekt stark dem Original-Gemälde an. Auf den ersten Blick scheinen die Motive – Landschaft und Frauenporträt – sehr unterschiedlich, doch sind sie für den Künstler eng miteinander verzahnt. Sein Blick auf die gegenständliche Wirklichkeit und sein konzeptuelles Vorgehen sind unabhängig vom Motiv jeweils dasselbe. So wird bei Gertsch ein Gesicht zu einer regelrechten Landschaft und jeder Grashalm bekommt ein „Gesicht“. Gertsch strebt mit seiner Malerei eine perfekte Balance aus Bild und Abbild an, d.h. ein Gleichgewicht aus dem gegenständlichen Vorbild in der Natur bzw. dem Diapositiv, nach dem er arbeitet, und einer künstlerischen Konstruktion, die nach ganz anderen Gesetzmäßigkeiten funktioniert. Der Akt des künstlerischen Gestaltens beginnt bereits mit der Auswahl des Motivs für die Fotovorlage, die Gertsch selbst anfertigt. Alle Motive – Menschen wie Landschaften und Pflanzen – sind im Umfeld des Künstlers zu finden und ihm entsprechend vertraut. Ohne den leisesten Verlust an Wirklichkeitstreue und Detailgenauigkeit verbannt Gertsch alles Anekdotische aus dem Bild und verhilft den Motiven zu einer Klassizität, die völlig frei von Ortsund Zeitbezug bleibt: Silvia, ein Mädchen aus Gertschs Nachbarschaft in Rüschegg, könnte ebenso gut ein Mädchen aus der Renaissance-Zeit sein, wie wir sie von Raffael- oder Leonardo-Porträts kennen. Die Bildmittel und die Persönlichkeit des Modells befinden sich in vollkommener Übereinstimmung: Einerseits unerhörte Präsenz und Gegenwart, andererseits scheue Distanz, die bei den künstlerischen Mitteln ihre Entsprechung in der kunsthistorischen Brechung an Vorbildern der Renaissance findet. 3
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Seite 9: Allgemeine Fragen und Diskussion 40

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