Der Kongo-Fluss

International 

Issue No. 10 

Magazin 

für Aussereuropäische 

Kunst und Kultur 

Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

01 / 10 

Der Kongo-Fluss 

Meisterwerke aus Zentralafrika 

Hommage // Elsy Leuzinger 

Aga Khan // Meisterwerke der islamischen Kunst 

Galerie // Hilmar Pabels Reise nach China 

Legende // Miao Shan 

Agenda // Ausstellungen und Auktionen

BOAfair 

www.boafair.be 

Brussels Oriental Art Fair 6 

June 9-13, 2010 - The Sablon 

Wednesday June 9, Vernissage, 3 p.m. to 9 p.m. 

Thursday June 10, 11 a.m. to 7 p.m. 

Friday June 11, 11 a.m. to 7 p.m. 

Saturday June 12, 11 a.m. to 7 p.m. 

Sunday June 13, 11 a.m. to 5 p.m. 

Tony Anninos, USA 

Asian Rare Art, Belgium 

Astamangala, The Netherlands 

Buddhist Art, Germany 

Georgia Chrischilles, Belgium 

Carlo Cristi, Italy 

Carlos Cruañas, Spain + USA 

Duchange & Riché, Belgium 

Ethnologica, Italy 

Renzo Freschi, Italy 

Gilistra, Italy 

Karim Grusenmeyer, Belgium 

Christophe Hioco, France 

Jacques How Choong, France 

Kitsune Japanese Art, Belgium 

Jeremy Knowles, United Kingdom 

Kyoto Gallery, Belgium 

Galerie Lamy, Belgium 

Robert Mangold, Japan 

Helena Markus, Italy 

Mingei Arts Gallery, France 

Marcel Nies, Belgium 

Galerie Punchinello, France 

Raimann + Raimann, Germany 

Galerie Alexis Renard, France 

Jeff Shore, USA 

Studio Arga, Italy 

Universal Art, Hong Kong 

Wei Asian Arts, Belgium 

Michael Woerner, Hong Kong + Thailand 

Zada Gallery, Belgium 

map and invitation 2010 can be downloaded from our web-page (starting from May) or contact info@boafair.be


Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

01 / 10 





Agenda // Ausstellungen und Auktionen 

Die Schöne kehrt zurück 

Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

02 / 09 

Totenkulte // Jenseitsglaube 

Buddhas Paradies // Gandhara – Das Erbe Pakistans 

Galerie // Die Welt des Jürgen Schadeberg 

Interview // Karl Ferdinand Schädler 


Claude Lévi-Strauss // In wilden Strukturen 

Mythos Angkor // Wibke Lobo 

Kunst der Ejagham // Auf den Spuren von Alfred Mansfeld 

Schönheit und Magie // Schmuck ferner Länder 


Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

01 / 09 

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editorial 

International 

Issue No. 10 

International 

Issue No. 9 

International 

Issue No. 8 

Der Kongo Fluss 

Nofretete 

Afrika, Ozeanien und die Moderne 

Bildwelten 

Es scheint, als wären in dieser 10. Ausgabe von A 4 eine Reihe von 

Jubiläen eingebunden: 

Vor zehn Jahren wurde von Jaques Chirac in Paris der „Pavillon 

des Sessions“ eröffnet. Damit wurden erstmals Meisterwerke 

aussereuropäischer Kunst im Louvre der Öffentlichkeit zugänglich 

gemacht. 

Wie Claude Lévi Strauss ist Elsy Leuzinger 100 geworden. Lorenz 

Homberger berichtet über die Grand Dame der afrikanischen 

Kunst, die von 1956 bis 1972 das Rietberg-Museum leitete und 

Pionierarbeit leistete. 

Hilmar Pabel, der bedeutende deutsche Fotograf, dem dieses 

Mal die A 4 -Galerie gewidmet ist, hätte heuer seinen 100. Geburtstag 

gefeiert. Er bereiste als erster westlicher Journalist 1956 

das kommunistische China. Seine Bilder zeigen China noch vor 

der Kulturrevolution, eine aufbrechende Gesellschaft, die dem 

Fotografen als „blaue Ameisen“ begegnete. 

Der Maler und Sammler Anton Christian wurde 70, ihm, dem 

Grenzgänger zwischen den Kulturen, widmen wir eines unserer 

Sammlerporträts. 

Es gibt aber auch Trauriges zu berichten. Drei grosse Menschen, 

sie waren Sammler und Kulturvermittler, haben uns verlassen. 

Bruno Gironcoli, Ernst Beyeler und Vittorino Meneghelli. 

wwSie gehörten zu den Pionieren unter den Sammlern, sie waren 

Persönlichkeiten, die ganze Generationen geprägt haben. 

Aktuell wie immer verweist A 4 auf die wichtigsten Ausstellungen 

und Veranstaltungen und beleuchtet das internationale Geschehen. 

„Gerettete Schätze“ aus Afghanistan werden in der Kunsthalle 

Bonn gezeigt, „Göttliche Macht und mächtige Herrscher“, Kunst 

aus Ife, ist zurzeit im British Museum zu sehen. Im Wiener 

Völkerkundemuseum geht’s um James Cook und die Entdeckung 

der Südsee. Die erfolgreiche Ausstellung „Teotihuacan – Mexikos 

geheimnisvolle Pyramidenstadt“ aus dem Musée du quai Branly 

ist nun im Zürcher Museum Rietberg zu sehen. Eine Premiere 

besonderer Art findet im Berliner Gropius-Bau statt, die berühmte 

Sammlung des Aga Khan mit islamischer Kunst wird gezeigt. 

Einblicke gewährte uns der neue Direktor des Museums für 

Asiatische Kunst in Berlin, Klaas Ruitenbeek. 

Neben den zahlreichen Ausstellungsberichten werden noch zwei 

„Feld-Geschichten“ das Heft bereichern: textile Kunst aus Westafrika 

und die Legende der Guanyin. Unsere Titelgeschichte 

„Der Kongo-Fluss“ rundet den Themenreigen ab; vielseitig und 

kompetent soll das Heft seinen geneigten Lesern und Leserinnen 

zur Freude gereichen. 

Gert Chesi und Gerhard Merzeder

International 

Issue No. 10 

Cover: Kwelemaske 

© musée du quai Branly 

Foto: Thierry Ollivier, Michel Urtado 

48 

Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

01 / 10 

Der Kongo Fluss 


38 






82 

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inhalt 

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38 

32 

60 

60 

76 

72 

26 

66 

48

Anz_Haus_der_Voelker-04.qxd:Haus der Völker 05.03.2010 17 

3 Editorial 

Gert Chesi, Gerhard Merzeder 

6 Köpfe 

8 Forum 

AUK TION 

AFRIKA & MODERNE 

10. Juni 2010 | Besichtigung 3. – 8. Juni 2010 

10 Aktuell 

10 Zurück aus der Zukunft 

14 10 Jahre Pavillon des Sessions 

18 Wann ist der Mann ein Mann? 

22 Dynasty & Divinity: Ife Art in Ancient Nigeria 

24 Impressum 

26 In der Mitte entspringt ein Fluss 

François Neyt 

32 Die Schätze des Aga Khan 

Meisterwerke islamischer Kunst 

38 Galerie – Hilmar Pabel 

Reise nach China 

48 Teotihuacan - Mexikos geheime Pyramidenstadt 

Barabara Rusch 

54 Die Kunst von Schwarzafrika 

Zum 100. Geburtstag von Elsy Leuzinger 

Lorenz Homberger 

60 Interview mit Klaas Ruitenbeek 

Catherine Framm 

66 Der Stoff, aus dem die Kleider sind 

Gert Chesi, Silke Jurkowitsch 

72 Im Land der unbegreiflichen Hunde 

Julia Kospach 

76 Anton Christian – Grenzgänger zwischen den Kulturen 

Gert Chesi 

82 Guanyin & die Legende der Miao Shan 

Gert Chesi 

AHNENFIGUR | BEMBE | Kongo | H. 14 cm 

88 In memoriam 

90 Bücher 

92 Agenda 

110 Auktionen/Messen 

112 Vorschau 

NEUMEISTER 

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© Foto Jean-Louis Buisseret 


© Foto privat 

Hilmar Pabel 


köpfe 

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ist Benediktinermönch des Klosters Saint-André de Clerlande 

(Ottignies-Louvain-la-Neuve) in Belgien. Geboren in Jadotville 

(Belgisch-Kongo) lebte er zunächst 20 Jahre in Afrika. An der 

Katholischen Universität Louvain in Louvain-la-Neuve promovierte 

er in Philosophie und Literatur. Nach seinem Studium der 

Archäologie und der Kunstgeschichte kehrte er 1968 nach Afrika 

zurück, um bis 1972 zuerst an der amtlichen Universität Kongo, 

später an der Nationaluniversität Zaire (Lubumbashi Campus) 

afrikanische Kunst zu unterrichten. Er arbeitete auch eng mit 

dem „Institut des Musées nationaux du Zaire“ zusammen. 

Zurück in Europa führten ihn mehrere Projekte an die Elfenbeinküste, 

nach Mali und Nigeria. In der Demokratischen Republik 

Kongo betrieb er Feldforschung bei den Hemba und Luba und 

er war Gastprofessor in Lubumbashi. 1980 trat er die Nachfolge 

Albert Maesens in der Abteilung Archäologie und Kunstgeschichte 

der Katholischen Universität von Louvain an. Bei der 500-Jahr- 

Feier Brasiliens war er Kurator der afro-brasilianischen Kunstausstellung 

in São Paulo. 

Als Präsident der Alliance Inter-Monastères und Mitglied der 

Königlichen Akademie der Übersee-Wissenschaften (Royal 

Academy for Overseas Sciences) in Belgien sowie anderer wissenschaftlicher 

Gesellschaften hat er mehrere Bücher über die Kunst 

Zentralafrikas veröffentlicht, darunter „La Grande Statue Hemba 

du Zaïre“ (Katholische Universität von Louvain, 1977), „Luba aux 

sources du Zaïre“ (1994) oder das Nachschlagewerk über die 

Statuen der Songye: „La Redoutable statuaire Songye“ (Fonds 

Mercator, 2004). 

Hilmar Pabel 

Es gab im Deutschland der Nachkriegsjahre nur wenige Fotografen, 

an die man sich bis heute erinnert. Einer von ihnen war der 1910 

in Schlesien geborene Hilmar Pabel. Seine Karriere war so einzigartig 

wie der Mensch, der hinter einer Reihe der bedeutendsten 

Fotodokumentationen seiner Zeit stand. Heuer wäre er 100 

geworden. Hilmar Pabel hat uns im Jahr 2000 verlassen, aber sein 

Vermächtnis wird uns noch lange begleiten. Seine Fotografien 

sind zeitlose Zeugnisse vergangener Epochen, deren Aktualität 

nahelegt, dass sich die Geschichte doch wiederholt. Bilder, die er 

1956 als erster westlicher Fotograf in China aufgenommen hat, 

zeugen von der unerschütterlichen Gültigkeit seiner Arbeit, sie 

sind einzigartige Dokumente und das Thema unserer Reportage. 


Kurator für die Kunst Afrikas und Ozeaniens im Museum Rietberg. 

Seit 1982 dort tätig, hat er zahlreiche Sonderausstellungen mit 

wissenschaftlichen Publikationen zu verschiedenen Kunstregionen 

verwirklicht, darunter: „Die Kunst der Guro“ mit Eberhard Fischer, 

„Die Kunst der Senufo“ mit dem Völkerkundemuseum Berlin, 

„Kunst aus dem Königreich Benin“, „Yoruba – Kunst und Ästhetik“ 

mit dem Museum for African Art, New York, „Die Kunst der 

Dogon“, „Orakel – der Blick in die Zukunft“ mit dem Metropolitan 

Museum of Art, New York, „Bamana – Afrikanische Kunst aus 

Mali“, „Admiralitätsinseln – Kunst aus der Südsee“, eine Sonderausstellung 

zur Eröffnung des Musée du quai Branly in Paris: 

„Ciwara – Chimères africaines“. Seine letzte grosse internationale 

Sonderausstellung war „Kamerun – Kunst der Könige“ in Zürich, 

die durch ihre hervorragenden Exponate international Aufsehen 

erregte. Für A 4 verfasste er eine Hommage à Elsy Leuzinger zu 

ihrem 100. Geburtstag. 

6 A 4 Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur

MUSIK im riesen 

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International 

Issue No. 9 

Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

02 / 09 

forum 

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Nofretete 

Die Schöne kehrt zurück 

Totenkulte // Jenseitsglaube 

Buddhas Paradies // Gandhara – Das Erbe Pakistans 

Galerie // Die Welt des Jürgen Schadeberg 

Interview // Karl Ferdinand Schädler 


Göttin Hariti 

Dr. Karl-Ferdinand Schädler 

Sehr geehrte Herausgeber, 

die Äusserungen von Herrn Dr. Schädler in seinem Interview mit 

Herrn Prof. Chesi können nicht ganz unwidersprochen bleiben, 

zumindest was die subsaharischen Afrika-Sammlungen des 

Linden-Museums Stuttgart betrifft. 

1. Diese Afrika-Sammlungen von mehr als 56 000 Objekten sind 

seit über zwei Jahrzehnten wohlgeordnet und inzwischen per EDV 

vollständig erfasst. Jedes einzelne Objekt ist schon mindestens 

einmal durch meine Hände gegangen. 

2. Irgendwelche Duplikate darunter, mit denen nicht vernünftig 

gearbeitet werden könnte, sind quantitativ zu vernachlässigen. 

Stünde mir mehr Platz zur Verfügung, würde ich noch mehr 

ausstellen. 

3. Wegen – neben den Ausstellungen und Vorträgen des eigenen 

Hauses – ständiger Anfragen zu Leihgaben, Objektinformationen, 

Fotos u. ä. kommen diese Sammlungen, die im Übrigen auch 

permanent durch unsere Restauratorinnen betreut werden, 

nie „zur Ruhe“. Mein Problem ist vielmehr, dass ich allein – bei 

insgesamt sieben Regionalreferaten im Linden-Museum – seit 

über 23 Jahren fast 40 % der Sammlungen, eben die Bestände 

aus Afrika südlich der Sahara, betreuen muss. Ein Entsatz durch 

eine gleichwertig ausgebildete Kraft kommt für die politischen 

Vorgesetzten aus finanziellen Gründen nicht in Betracht. 

4. Bei Auktionen – und das darf auch für Kollegen aus anderen 

Häusern gelten – bin ich aus dem einfachen Grund nicht zu 

sehen, dass mir für entsprechende Ausgaben kein Geld von 

Seiten der politischen Vorgesetzten zur Verfügung steht und 

Sponsoren gerade für die Belange unseres Hauses, was Afrika, 

aber auch die Südsee betrifft, hierzulande nicht in Sicht sind 

(ganz im Unterschied zu Erwerbungen aus wirtschaftlich 

vielversprechenden Regionen, wie vor allem Ostasien). 

Mit freundlichen Grüssen 

Dr. Hermann Forkl, Afrika-Referent 

Linden-Museum Stuttgart 

Die Zähmung der unkeuschen Göttin 

In Zeiten, wo wir über Burkas, das Bade- und oft Bildungsverbot 

muslimischer Mädchen sprechen, kommt dieser differenzierte 

Artikel über die Ausstellung im Museum Rietberg in Zürich gerade 

recht. Er zeigt uns nicht nur, dass die Globalisierung eine lange 

Tradition hat (römisch inspirierte Bildhauer entwerfen das Gewand 

von Buddha-Statuen u. v. a.), sondern auch, dass, wie in vielen Weltgegenden, 

weibliche Gottheiten verehrt, dann dämonisiert und 

später vermännlicht oder unsichtbar gemacht wurden. Danke den 

A 4 -Herausgebern dafür, diesen Sachverhalt mit einem wunderschön 

geschriebenen und bebilderten Beitrag für Leser/innen 

sichtbar gemacht haben. Möglicherweise ist das der Beginn 

eines Zyklus der Berichterstattung rund um den Globus, der sich 

mit ähnlichen Themen befasst, kompetente Forscherinnen als 

Autorinnen zu gewinnen, ist hoffentlich nicht allzu schwierig. 

Weiter so. 

Christa Monkhouse, Küsnacht 


Zemanek-Münster 

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Die Büste der Nofrete erreicht ihren neuen Standort. 

Vielen Dank für die wunderbare Ausgabe des A 4 -Magazins. 

Gestern Abend fand ich reichlich Zeit, um es mir von der ersten 

bis zur letzten Seite gründlich anzusehen. Wie immer besticht 

die hohe Ästhetik der Darbietung: Natürlich haben mich die 

Innenansichten des neuen Alten Museums in Berlin umgehauen: 

Es ist das erste Mal, dass ich das neue Gebäude von innen sehe. 

Das letzte Mal war ich in dem Bau, noch bevor Restaurierung und 

Neukonzeption überhaupt begannen. Das scheint wirklich ein 

grosser Wurf zu sein. Die Porträtköpfe aus dem ausgegrabenen 

Atelier des Nofretete-Bildhauers gehören meines Erachtens 

übrigens mit zum Bedeutendsten, was die ägyptische Kunst 

hervorgebracht hat. Das Interview mit dem guten Schädler, den 

ich sehr schätze und verehre, leidet leider etwas darunter, dass 

der Interviewer den Eindruck erweckt, selbiger sei ein Sammler. 

Das stimmt natürlich nicht: Schädler war und ist vor allem 

Händler. Gleichwohl hat das Interview einige von beiden Seiten 

hervorragend formulierte Abschnitte. 

Dr. Konrad Bogner, Wiesbaden 

Senufo, Côte d‘Ivoire 

Prov. Emil Storrer, Zürich 

H 88 cm 

Tribal Art Auktion 

13. März 2010 

10. Juli 2010 

Katalog: www.tribal-art-auktion.de

Kollier vom Halsausschnitt der Kleidung 

Afghanistan, Tillya 

Tepe, 2. Viertel 1. Jh. u. Z. 

Gold, Türkis, Almandin-Granat, Pyrit 

L: 29,1 cm 

Afghanisches Nationalmuseum 

Zurück aus 

der Zukunft 

aktuell 

Afghanistan. Gerettete Schätze 

Die Sammlung des Nationalmuseums in Kabul 

11. Juni bis 3. Oktober 2010 

Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland 

Museumsmeile Bonn, Friedrich-Ebert-Allee 4 

D-53113 Bonn 

www.kah-bonn.de 

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2200: Zentralasien blüht. Usbekistan, Turkmenistan, Afghanistan, 

Pakistan, flankiert von Iran und Indien, sind zum goldenen 

Schmelztiegel der Kulturen geworden. Im „inter-iranischen 

Austausch“ zerfliessen alle Rivalitäten in Harmonie, Weltoffenheit, 

Gelehrsamkeit. 

Ein Wunschtraum aus der Vergangenheit: Im 23. Jh. v. u. Z. brachte 

das griechisch-baktrische Königreich Schätze hervor. Heute fallen 

in Afghanistan mehr britische Soldaten als auf den Falkland-Inseln, 

und ganz Zentralasien zerfällt unter den Hammerschlägen der 

Ikonoklasten und den Steinwürfen der Fanatiker zu Staub. Am 

11. März jährt sich die Sprengung der rund 1 500 Jahre alten 

Skulpturen durch die Taliban zum neunten Mal. 

Vor diesem Hintergrund gleicht die Geschichte der Schätze aus 

Kabul einem Wunder: Rund 230 Objekte konnten den Zerstörungen 

der russischen Besatzung und den folgenden Kriegen 

entgehen – Überreste aus einer einst 100 000 Stück reichen 

Sammlung des Nationalmuseums Kabul, gerettet in den Depots 

der dortigen Zentralbank. Erst 2004 wurden sie wiederentdeckt. 

Ein sagenhafter Schatz, ausgegraben Ende der Siebzigerjahre in 

einem antiken Gräberfeld. Der Archäologe Jean-François 

Jarrige, seinerzeit Direktor am Musée Guimet, hat ihm ein Denkmal 

gesetzt. Dank guter French Connections der GmbH- 

Geschäftsführer Robert Fleck und Werner Spies kommen die 

unschätzbar wertvollen Gold-Objekte aus der Zeit des Königreichs 

Baktrien nach grossem Erfolg im Pariser Musée Guimet 2007 

nun nach Bonn. 

Fundstücke der vier wichtigsten archäologischen Grabungsstätten 

werden gezeigt: Fullol, Ai Khanum, Tillya-Tepe, Begram. Die 

Schätze aus letzterer – griechisch-römische Glasgefässe in 

Fischform, indische Elfenbein-Objekte und hellenistische Bronze- 


Weibliches Gesicht 

Afghanistan, Ai Khanoum 

2. Jh. v. u. Z., ungebrannter Lehm, H: 20 cm 


© alle Fotos Thierry Ollivier, Musée Guimet 

Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur A 4 11

Stehender Widder 

Afghanistan, Tillya Tepe 

2. Viertel 1. Jh. u Z. 

Gold, 5,2 cm x 4,0 cm 


„Flussgöttin“ auf einem Makara stehend 

Afghanistan, Begram, 1. Jh. u. Z. 

Elfenbein, H: 45,6 cm 


rechte Seite: 

Platte in durchbrochenem Dekor 

Frau mit Kind und weibliches Liebespaar 


Elfenbein, 13,8 x 24,7 cm 


Medaillon Büste eines geflügelten Eros 


Gips, D: 16,5 cm 


Agraffen mit Delfinen und 

reitendem Amor 

Afghanistan, Tillya Tepe, Grab 3 

2. Viertel 1. Jh. u. Z. 

Gold, 4,2 cm x 4,9 cm 



aktuell 

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Statuetten – lassen intensiven Kultur-Austausch vermuten. 

Bis heute ist die Funktion der reich bestückten Kammern in Ai 

Khanum ungeklärt. 1937 und 1939 wurden sie von der 1922 

gegründeten Délégation Archéologique Française en Afghanistan 

(DAFA) entdeckt. Die Ausstellung ist auch eine Hommage an diese 

Institution, nach ihrer Auflösung 1982 ist sie seit 2003 wieder 

aktiv. Zugleich ehrt sie das russische Archäologenteam unter 

Viktor Sarianidi, das 1979 die goldreichen Gräber von Tillya-Tepe 

gefunden hat. 

In Paris fehlten kritische Perspektiven auf Grabungs- und 

Bewahrungspolitik und deren Auswirkungen auf das Leben der 

Menschen vor Ort. Auch die Bonner Ausstellung will mit den 

archäologischen Schätzen statt zu politischer Kritik durch den 

Wunschtraum einer goldenen, besseren Zeit auf den „Weg der 

Verständigung zwischen den Kulturen“ führen. Gern versinkt 

man in der Schönheit eines im 2. Jahrhundert aus ungebranntem 

Ton geschaffenen weiblichen Gesichts, aus dem die Zeit blickt. 

Staunend sieht man im vergoldeten Silber eines Kybele-Medaillons 

(um 300 v. u. Z.) die Kultur von Ai Khanum eingefangen, dem 

orientalischen Aussenposten des alexandrinischen Reiches. 

Gebannt lauscht man dem antiken Lachen, das aus einem Hahn mit 

Menschenkopf aus Bronze (5,4 x 6 cm, 1. Jh.) zu erklingen scheint. 

Es übertönt für den kurzen Moment des Museumsbesuchs das 

Splittern der „Wiege der Menschheit“, die unter Bomben und 

Fanatismus zerbricht. 

J. Emil Sennewald 


Eine Retrospektive von Jean-Pierre Elkabbach 

14. April–26. Juli 2010 

Pavillon des Sessions, Musée du Louvre, Paris 

www.louvre.fr 

10 Jahre 

Pavillon des 

Sessions 

Werke meistern 

Es war eine kleine Revolution: Höchstpersönlich weihte 

Präsident Jacques Chirac am 13. April 2000, vier Jahre, nachdem 

sie beschlossen worden war, eine neue Louvre-Abteilung mit 

105 Meisterwerken aus Afrika, Ozeanien, den Amerikas, den 

Inselstaaten und der Arktis ein. Nach fast einem Jahrhundert 

der Debatten und Kontroversen haben die Primitiven das Herz 

der abendländischen Kultur erreicht – bereits Apollinaire hatte 

1909 eine solche Abteilung im Louvre gefordert. Als Ergebnis der 

Freundschaft zwischen dem Sammler Chirac und dem Händler 

Jacques Kerchache waren die 1 400 m 2 Louvre nur ein Vorspiel 

für die Eröffnung der 232,5 Mio. Euro teuren „Oper“ für die „Arts 

premiers“, des Musée du quai Branly im Jahr 2006. 

Heute ist der „Pavillon des Sessions“ eine Zweigstelle des 

quai Branly. Zum zehnjährigen Jubiläum werden Kerchache als 

Gründerfigur und Chirac als Wegbereiter des Pariser Aufstiegs 

aussereuropäischer Kunst gefeiert. In Sarkozys Medienrepublik 

kommt diese Aufgabe einem altgedienten Journalisten zu: 

Jean-Pierre Elkabbach. Von Chirac noch 2009 zum Ehrenlegionär 

ernannt und passenderweise „Pied-noir“, in Algerien geborener 

Franzose, erzählt er in vier Kapiteln mit gefilmten Interviews, 

Fotografien und anderen Dokumenten quer durch die in geografische 

Zonen aufgeteilte Sammlungspräsentation eine 

Geschichte voller Helden und Wunder. 

Chiracs politisches Ziel der „inspirierten, subtilen und aufgeklärten 

Anthologie der Meisterwerke aller Nationen“ im Denon- 

Flügel des Louvre war die Versöhnung mit der Kolonialgeschichte 


Männliche Statue des Huaxteque 

Tampico, Mexiko, Golfregion 

H: 220 cm 

© Foto Hughes Dubois, Musée du quai Branly 

Installation im Pavillon des Sessions, 

Louvre, Paris 

© Foto Arnaud Baumann 

aktuell 

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und die Schaffung eines Relais mit allen Leihgeber-Ländern. 

Kerchaches Ziel war ein Fest für die Schönheit der Objekte. 

Gekonnt wählte er aus öffentlichen und privaten Sammlungen 

ästhetisch bestechende Objekte. Die Ausstellungsinszenierung 

durchdrang schon kurz nach der Eröffnung ein Misston: Die 

drei Nok-Skulpturen, die dort zu sehen waren, entstammten 

Plünderungen in Nigeria. 

Hinter den edlen wilden Masken kam ihre schmerzensreiche 

Herkunftsgeschichte zum Vorschein. Viele Objekte waren unter 

kolonialem Druck in Sammlerhände gelangt. Bis heute fehlt 

eine Aufarbeitung dieser Geschichte, eine offene Diskussion 

des Verhältnisses von europäischem Sammlungs- und aussereuropäischem 

Kult-Leben der Objekte. „Die Begegnung mit dem 

Objekt einer anderen Kultur oder generell mit einem Kunstwerk 

ist immer eine Aneignung“, kontert Stéphane Martin, soeben im 

Amt bestätigter Präsident des quai Branly. Sein Museum wolle „die 

Praktiken anderer Kulturen in Relation zu der eigenen, zu unserer 

Gegenwart setzen“. Das ist, auch dank des „Pavillon des Sessions“, 

gelungen: Im stetig wachsenden Markt ist Paris heute Zentrum 

für den Handel mit aussereuropäischen Werken. So unterhält die 

Kunst der anderen in doppeltem Sinn die eigene Gesellschaft. 



Anthropomorphe Maske, Xipe Totec 

Oaxaca, Mexiko, H: 11 cm 


Fang-Maske, Gabun, H: 69 cm 


Teotihuacan-Maske, Mexiko, H: 20cm 


Chupicuaro, weibliche Figur, Mexiko 

Terrakotta, H: 31 cm 


Ahnenstatue, Nias, Indonesien 

H: 56 cm 

© Foto Hughes Dubois, musée du quai Branly 

16 A 4 Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur 

Mutter-Kind-Darstellung, Dogon, Mali 

Holz, Pigmente, H: 75 cm 

© Foto Hughes Dubois, Musée du quai Branly

Installation im Pavillon des Sessions, 

Louvre, Paris 

© Foto Didier Boy de la Tour, Musée du quai Branly 


Mât mbis, Asmat, Irian Jaya, Indonesien 

Holz und Pigmente, H: 215 cm 

Privatsammlung 

© Foto Hughes Dubois, Musée Dapper 


Halsschmuck, Fidschi-Inseln, Polynesien 

Zähne und organische Materialien 

D: 38 cm 

Privatsammlung 


aktuell 

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Wann ist 

der Mann 

ein Mann? 

L’art d’être un homme: Afrique, Océanie 

Musée Dapper, bis 11. Juli 2010 

www.dapper.com.fr 

Wann ein Mann wirklich ein Mann ist, wird in allen Kulturen durch 

eigens eingerichtete Rituale festgelegt. Sein ist dabei so viel wie 

Schein. Schmerzhaft wird das Feminine ausgetrieben, um Kraft-, 

Protz- und Unterwerfungsgesten Raum zu schaffen. Nachdem 

man sich zuvor den Frauen Afrikas gewidmet hat, zeigt das kleine 

Pariser Musée Dapper nun den Weg zum Mannesmann. Die zweigeteilte 

Schau führt vom beredten Bild zum Schweigen der Objekte. 

Afrikas Kulte sind aktuell ein gefundenes Fressen für hungrige 

Sammler, kommen durch die Krise doch mehr aussergewöhnliche 

Objekte als zuvor auf den Markt. Das vergangene Jahr endete 

mit Rekordmeldungen, bei Sotheby’s erreichte eine Maske 

der Kono, Bamana, 1,4 Millionen Euro. Das zeitgenössische 

Mali zeigt sich nicht weniger anziehend. Die afrikanische Foto- 

Biennale präsentierte in diesem Jahr in Malis Hauptstadt Bamako 

75 Künstler, deren Fotos zur gesellschaftlichen Realität in 

afrikanischen Ländern ökonomische und soziale Grenzen ausloten, 

die es heute vielleicht mehr denn je zu überschreiten gilt. 

Stilikonen solcher Grenzgänger hat fotografisch Baudoin 

Mouanda festgehalten: die Mitglieder der SAPE, der „Société des 

ambianceurs et des personnes élégantes“, die man in allen grossen 

Städten Afrikas antreffen kann. Mouandas Fotografien, auf der 

Biennale mit dem Preis für junge Talente ausgezeichnet, bilden 


Königsstatue, Kamerun, Bangwa 



Anhänger der Waan 

Dem. Rep. Kongo, Elfenbein, H: 9 cm 

gesammelt zw. 1897 und 1910 

Musée royal de l’Afrique centrale, Tervuren 

© Foto Roger Asselberghs, MRAC Tervuren 

Statue der Soninke, Mali 

Holz und Pigment 

H: 82 cm, 16. Jh., 

Ex. Coll. René Rasmussen 

© Foto Musée Dapper 

Kopfschmuck, Dem. Rep. Kongo 

Raubkatzenzähne, organische 

Materialien, H: 14 cm 


© Foto Jean-Marc Vandyck, MRAC Tervuren 

aktuell 

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einen ausgezeichneten Auftakt im Musée Dapper, ergänzt durch 

dokumentarische Videos und die Fotografien Héctor Mediavillas. 

Stolz tragen die afrikanischen Dandys ihre bunten Luxusmarken 

zur Schau, führen vor, wie sie hinter dem Rücken Krawattenknoten 

binden können. Den Königs-Gestus der Fashionvictims, 

die inzwischen selbst Boutiquen und Modelabels führen, fängt 

Mouanda über die Bewegung und die Energie der Gesten der 

SAPE ein. Héctor Mediavilla stellt die in Cerruti gehüllten und mit 

Weston beschuhten Schönlinge in den Kontrast der barfüssigen 

und heruntergekommenen Realität ihrer Umgebung. Männlichkeit, 

erkennen wir, entsteht aus Distinktion. Wird das Weibliche 

negiert, bleibt es im eitlen Sich-Aufputzen noch präsent. Diese 

Travestie führt soziale Machtgesten vor wie das Faschingskostüm 

die Kölner Stadtpolitik. 

An die alemannische Fastnacht erinnern auch die folgenden 

Säle. Mehr als hundertfünfzig Objekte sollen erzählen, wie aus 

Buben echte Kerle werden. Doch die Perücke aus Raubtierzähnen 

(Kongo), die Tunika mit passender Perücke aus Stachelschwein- 

Borsten (Kaka, Kamerun) oder das Korsett aus Glasperlen (Dinka, 

Sudan) bleiben stumm. Der Schritt von der rituellen Ermannung 

zur sozialen Ermächtigung ist an den vielen mit wenig Text 

versehenen Dingen aus fremden Welten kaum nachvollziehbar. 

Entfernt aus ihrem rituellen Kontext vermitteln sie weder 

Schmerzen noch Ängste der Knaben, die zum Mann werden 

müssen. Es wird nicht erfahrbar, dass Jungen sich beispielsweise 

über einen grossen Zeitraum Wunden zufügen, die Narben 

regelmässig öffnen und so im Verlauf der Pubertät einen der 


Korsett, Dinka, Sudan 

Glasperlen, Schnüre, Metall 

H: 92 cm, Privatsammlung 

© Foto Mauro Magliani 

Ahnenfigur, Dem. Rep. Kongo 


Privatsammlng 


Königsstatue ndop, Dem. Rep. Kongo 

Holz, H: 55 cm 


© Foto Roger Asselberghs, MRAC Tervuren 

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Menstruation ähnlichen Blutfluss darstellen. Maskieren in ihrem 

lebendigen Kontext die prächtigen Ornate – wie die Kleider 

der SAPE machtgeprägten Lebensumfeldern entnommen – 

die schmerzhafte Seite der Abgrenzung, so wiederholt das 

Museum die Maskerade. Ikonografischen Linien zwischen den 

Männerkulten Afrikas und Ozeaniens und unseren eigenen, 

heutigen Ritualen wird nicht nachgegangen. „Männer haben’s 

schwer, nehmen’s leicht“ – spätestens seit der deutsche Musiker 

Herbert Grönemeyer 1984 mit dieser Feststellung einen Hit 

landete, beschäftigt das Dauerthema, wie die Gesellschaft 

Männer macht. 

Aktuell fragen nicht nur Männermagazine zwecks 

Werbeeinnahmen, wie man am besten den Mann markiert. 

Biologen entdecken „das schwache Geschlecht und sein Gehirn“, 

erboste Eltern in Norwegen begehren gegen das Sitzpinkeln in der 

Schule auf, und Umfragen zeigen, dass „der Frauenversteher als 

Traumtyp ausgesorgt“ habe. Ein Anknüpfen an die Show der SAPE 

könnte die rituelle Verbindung zwischen Mode- und Männerkult 

auch in unserer Kultur thematisieren. Das Musée Dapper 

beschränkt sich darauf, Angebote zu machen: zum Nachlesen 

und zum Nachdenken darüber, mit welchen Riten wir selbst das 

biologische Geschlecht zu politischer, ökonomischer und sozialer 

Dominanz ausbilden. 



Kopf mit dicken vertikalen Skarifikationen 

12.–15. Jh., H: 26 cm, Terrakotta 

© Fotos Karin L. Willis/Museum for African Art/Nigerian National 

Commission for Museums and Monuments 

Kopf, Ita Yemoo, Ife 

Nigeria, 12.–15. Jh., H: 25 cm, Terrakotta 


aktuell 

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Dynasty 

& Divinity 

Ife Art in Ancient 

Nigeria 

Dynasty and Divinity: Ife Art in Ancient Nigeria heisst die 

bedeutende internationale Wanderausstellung mit Werken aus 

Ile-Ife, die die Fundación Marcelino Botín in Santander und das 

New Yorker Museum for African Art in Zusammenarbeit mit der 

Nigerian National Commission for Museums and Monuments 

organisiert haben. Die in diesem Rahmen präsentierte Sammlung 

umfasst über hundert Skulpturen aus dem 12. bis 15. Jahrhundert, 

die nur aus nigerianischen Museen stammen und teilweise zum 

ersten Mal ausserhalb des westafrikanischen Landes zu sehen sind. 

Dynasty and Divinity ist die erste grosse Museumsausstellung 

jenseits von Nigeria, die nur Arbeiten aus der Region Ife 

präsentiert. Zu sehen sind wahre Schätze aus nigerianischen 

Museen: 109 der berühmtesten und schönsten Kunstwerke aus 

Kingdom of Ife – Sculptures from West Africa 

bis 6. Juni 2010 

The British Museum, Great Russell Street, London 

www.britishmuseum.org 

Ife, Arbeiten aus Bronze, Terrakotta, Stein und Glas. Hierzu zählen 

fast lebensgrosse idealisierte menschliche Köpfe, Büsten und 

Figuren aus Terrakotta und Bronze mit einem teilweise enorm 

hohen Kupfergehalt, die mit eindrucksvollen Insignien versehen 

eine eindeutige Aura weltlicher und sakraler Macht verströmen. 

Die bis zur fülligen Leibesmitte realistische Kupferplastik eines 

nicht mehr jungen, mit einem fein gearbeiteten Tuch bekleideten 

Mannes aus dem späten 13. oder 14. Jahrhundert befand sich bis 

Anfang des 20. Jahrhunderts in einem Schrein, bevor sie in das 

Nationalmuseum in Lagos gebracht wurde. Zwei bedeutende 

Bronzen aus dem Königreich Benin verdeutlichen die Beziehung 

zwischen Ife und Benin, dessen Könige ihre Abstammung von der 

Herrscherdynastie in Ife ableiten. 


Kopf aus Ife, Nigeria, 12.–14. Jh. 

H: 25 cm 

Gelbguss, Pigmente 

© Foto The Trustees of the British Museum 

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Anz_A4_05.03.10_Layout 1 09.03.10 14:36 Seite 1 

Afrika 

Kleinplastik 

Privatmuseum für außereuropäische Kunst, Windach 

1. Mai bis 1. Juni nach Anmeldung Tel. 0172/8412212 

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impressum 

A 4 / Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur 

6. Jahrgang 2010 

© 2010 by Haus der Völker, ISSN: 1817-2091 

Konzeption und Gestaltung: 

Gerhard Merzeder, Mark Grünberger 

Verlag: 

StudienVerlag, Erlerstrasse 10, A-6020 Innsbruck 

E-Mail: order@studienverlag.at 

Aboservice: 

Tel.: +43 (0)1 74040-7814, Fax: +43 (0)1 74040-7813 

E-Mail: aboservice@studienverlag.at 

Chefredaktion: 

Prof. Gert Chesi, Gerhard Merzeder, info@a4magazin.com 

Herausgeber: 

Haus der Völker Kulturverein 

Museum für Kunst und Ethnographie 

St. Martin 16, A-6130 Schwaz/Tirol, Austria 

Tel.: +43 (0)5242 66090, Fax +43 (0)5242 66091 

www.hdv-online.eu, E-Mail: A4@hausdervoelker.com 

Korrektorat: 

Alexandra Sokol 

Übersetzungen: 

Barbara Rusch (E>D) 

Catherine Framm, Clara Eckert-Framm (D>E) 

English Editing: Lowell Monkhouse 

Finanzen: 

Walter Vylet 

Anzeigenleitung /Agenda: 

Monika Kietzmann, m.kietzmann@hausdervoelker.com 

Druck: 

RWF Frömelt Hechenleiter GmbH, Österreich 

Bezugsbedingungen: 

A 4 / Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur 

erscheint zweimal jährlich 

Einzelheft: E 12,50/sfr 22,50, Jahresabonnement: 

E 19,50/sfr 33,90 (Preise inkl. MwSt., zuzügl. Versand) 

Die Bezugspreise unterliegen der Preisbindung. 

Abonnement-Abbestellungen müssen spätestens 3 Monate 

vor Ende des Kalenderjahres erfolgen. 

Die mit dem Verfassernamen gekennzeichneten Beiträge 

geben nicht in jedem Fall die Meinung der Redaktion oder 

der Herausgeber wieder. Die Verfasser sind verantwortlich für 

die Richtigkeit der in ihren Beiträgen mitgeteilten Tatbestände. 

Für unverlangt eingesandte Manuskripte übernehmen 

Redaktion und Verlag keine Haftung. Die Zeitschrift und alle 

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geschützt. Jede Verwertung ausserhalb der engen Grenzen des 

Urheberrechtsgesetzes ist ohne Zustimmung des Verlages 

unzulässig. Das gilt insbesondere für Vervielfältigung, 

Übersetzungen, Mikroverfilmungen und die Einspeicherung 

und Verarbeitung in elektronischen Systemen. 

Offenlegung laut Mediengesetz: 

Medieninhaber: Studienverlag Ges.m.b.H., Erlerstrasse 10, 

A-6020 Innsbruck; Buch-, Kunst- und Musikalienverlag; 

Markus Hatzer (Verleger) 

Das erste Magazin für Aussereuropäische Kunst und Kultur 

für den deutschprachigen Raum, in dem Beiträge internationaler 

Autoren publiziert werden. 

Die Redaktion von A 4 zeichnet nicht verantwortlich für die 

Herkunft und Authentizität der abgebildeten Objekte in 

den bezahlten Anzeigen. 

Online bestellen: 

www.studienverlag.at

Paris, 13. April 2000 

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Zum zehnjährigen Jubiläum werden Kerchache als Gründerfigur 

und Chirac als Wegbereiter des Pariser Aufstiegs aussereuropäischer Kunst gefeiert. 

Jacques Kerchache, porträtiert von Arnaud Baumann, 2000 

Bericht auf Seite 14 


François Ney t 

in der mitte 

entspringt ein fluss 

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Fleuve Congo: Zentralafrikanische Kunst 

im Musée du quai Branly, Paris 

Reliquiarfigur/Wächterfigur 

© Fotos Thierry Ollivier, Michel Urtado, Musée du quai Branly

Magische Figur, Bembe, Holz

Reliquiarfigur/Wächterfigur, Kota, Detail 

© Fotos Michel Urtado, Thierry Ollivier, Musée du quai Branly 

Anthropozoomorphe Helmmaske, Detail 

Reliquiarfigur/Wächterfigur, Fang, Detail 

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Mit 4 374 Kilometern ist der Kongo der grösste Strom Afrikas. 

Weltweit führt nur der Amazonas noch mehr Wasser. An diesem 

Strom, der genährt aus vielen Quellen in einem grossen Becken 

mündet, blüht die zentralafrikanische Kultur, der nun das Pariser 

Musée du quai Branly eine Themenausstellung widmet. Um den 

Fluss ist eine einzigartige Kultur entstanden, die sich in ständigem 

Austausch mit ihrer Umgebung und mit teils weit entlegenen 

anderen Kulturgruppen befindet. 170 aussergewöhnliche Kunstobjekte 

stellen die Beziehung zwischen den verschiedenen 

flussnahen Kulturen dar und geben einen Einblick in die künstlerischen 

Traditionen Zentralafrikas von Gabun bis zu den beiden 

Republiken des Kongo. Besonders freuen dürfte diese Ausstellung 

all jene, die mit den letzten spektakulären Auktionen die wertvollen 

Masken und Skulpturen der Fang, Hemba, Kwele oder Kota 

kennen gelernt haben, denn sie liefert den kulturgeschichtlichen 

Kontext zu diesen Meisterwerken. 

Im Aufbau folgt die Ausstellung der nationalstaatlichen Struktur: 

Gabun, die Volksrepublik und die demokratische Republik Kongo 

bilden die geopolitischen Grenzen, in denen die Kultur entlang des 

Flusses in ihrer Verwobenheit nachvollziehbar wird. Fotografien, 

Videos und Zeichnungen dokumentieren den geografischen 

und historischen Kontext, in dem sich die Geschichte der Kunstgegenstände 

entfalten konnte. Eine Stärke dieser „Exposition 

dossier“, die sie gegen manch andere Schau zentralafrikanischer 

Kunst abhebt, die sich vor allem deren ästhetischen Qualitäten 

zuwendet. Gezeigt wird, dass Kultur nichts Festes, sondern immer 

im Fluss begriffen ist. So haben die Bantu unter dem Einfluss 

der besonderen Biosphären, vom Urwald bis zur Savanne, einen 

gemeinsamen Blick auf die Welt und auf den Menschen entwickelt, 

der weit über das Kongo-Becken hinaus, teils bis nach Amerika 

Wirkung entfalten konnte. Ihre Kultur ist von anderen beeinflusst, 

besonders aus Kamerun im Norden. 

Dieser sich unablässig in Bewegung befindliche Kulturtransfer 

manifestiert sich in seinen Objekten. Zentralafrika lässt sich anhand 

seiner Kunstwerke als ein komplexes Interaktionssystem lesen, 

betont auch François Neyt, Kurator der Ausstellung: 


Anthropomorpher Pfosten, Detail Magische Figur, Teke, Detail Anthropomorphe Maske, Kwele, Detail 

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„Die Beziehungen der Kulturen der Steppe und des Waldes 

materialisieren sich in ihren Kunstobjekten. Jenseits institutioneller 

und administrativer Veränderungen bleibt die kulturelle Einheit 

Zentralafrikas unumstritten. Dieses Erbe der Menschheit, so 

oft durch koloniale Grenzziehungen zerstückelt, tritt in seinen 

kulturellen Manifestationen hervor.“ 

Die Ausstellung ist um drei leitende Aspekte dieser Kultur 

gruppiert: Herzmasken, Ahnenkult und Darstellung von Weiblichkeit. 

Das Gesicht in Form eines Herzens ist eine Spezialität der 

Kultur des äquatorialen Urwaldes von Gabun bis in den westlichen 

Kongo. Sie stellt eine Verbindung zu den Geistern dar, „erhellt 

grundlegende Ereignisse der Vergangenheit und fungiert als 

Vorzeichen für Segnungen und Hoffnungen der Zukunft“, erklärt 

François Neyt. Wir kennen diese eindringliche, grafisch reduzierte 

Gesichtsform der Maske aus Matisse’ Bildern, namentlich den 

Porträts seiner Frau. Im rituellen Kontext repräsentiert sie, oftmals 

mit mehreren Augen ausgestattet, den Blick von aussen auf die 

Gemeinschaft. Taucht der in Blätter oder in aus Pflanzenfasern 

gewebte Stoffe gekleidete Maskenträger auf, wenden sich ihm alle 

Blicke zu. Verborgen hinter der Herzform, die meist noch mit einer 

weissen Farbe, der mpemba, gestrichen ist, wird der Maskenträger, 

eingebunden in Tänze und Musik, zum Katalysator des Kollektivs, 

das in ihm seine Ängste und Hoffnungen bündelt: von der Initiation 

über die Heilung bis zu Trauer-Ritualen. 

Die doppelte Eigenschaft der Maske, deren Träger aus der 

Gemeinschaft zu entfernen und ihm zugleich tiefen Einblick in ihre 

emotionalen und seelischen Verwerfungen zu gewähren, macht die 

Ausstellung durch Objekt, Gebrauch und Anlass der Herzmasken 

verstehbar. Unter Berücksichtigung verschiedener Stämme, wie 

der Fang und Kwele, der Mbede-Kota, der Tsogho, Galwa, Aduma, 

Vuvi und Teke-Tsaayi, der Ngbaka, Ngbandi und Ngombe bis hin 

zu den Lega und Bembe, untersucht sie die materiale Struktur der 

Herzmasken, ihre der Kommunikation dienenden Formungen (wie 

Mund- und Augenform) und die Rituale, bei denen die Masken 

getragen werden. 


Magische Figur, Teke 

© Fotos Michel Urtado, Thierry Ollivier, Musée du quai Branly 

Magische Figur, Detail 

Magische Figur, Songye, Detail 

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Eines dieser Rituale ist die Verehrung der Verstorbenen, womit 

zum zweiten thematischen Abschnitt der Ausstellung übergeleitet 

wird. Die gezeigten Reliquiare dienen der Verehrung männlicher 

Ahnen oder von Clan-Müttern. Ihre Schädel werden in mit 

Perlen, Knochen und anderen Materialien verzierten Behältern 

aufbewahrt und in verschiedene Riten eingebunden. So benetzen 

die Kota des östlichen Gabun beim Ritual „bwete“ die Reliquie mit 

Opferblut, während die Skulpturen mit Sand glänzend gerieben 

und in kultische Tänze eingebunden werden, zu denen nur 

Initiierte zugelassen sind. Zentrales Element des Ahnenkultes ist 

die doppelte Funktion der Objekte: Sie sollen Schrecken bannen 

und zugleich ausstrahlen, um vor neuen Gefahren zu schützen. 

Ausgehend von einem Tempel in Tsogho (Gabun) zeigt diese 

Sektion unter anderem Reliquiare der Bamba-Mbede, Bildnisse der 

Teke und Yansi, Statuen der Fang und Bildnisse mit beweglichem 

Kopf der Kuyu. 

Der dritte Abschnitt der Schau widmet sich den Darstellungen 

des Weiblichen in den subäquatorialen Savannen des Kongo. 

Hier, in einer fruchtbaren Landschaft, die ausreichend Nahrung 

für ein rasches demografisches Wachstum bereithielt, sind neue 

ökonomische, soziale und politische Strukturen, neue Bündnisse 

und mächtige Königshäuser entstanden. Zentrale Figur dieser 

Entwicklung ist die Frau: als Mutter, als Symbol von Wachstum, 

als Vermittlerin zwischen Himmel und Erde und zwischen den 

Gruppen. 

Ebenfalls mit der Absicht, die Verbindung zwischen den verschiedenen 

Gruppen entlang des Kongo durch ihre Kultobjekte 

erkennbar zu machen, zeigt diese Sektion Masken der Punu und 

Darstellungen der Luba, gefolgt von Mütterlichkeits-Bildnissen 

der Phemba sowie dem Weiblichkeitsideal der Chokwe. Die 

ausgestellten Kunstobjekte zeichnen sich durch hoch entwickelte, 

teils sehr symmetrische und grafisch reduzierte Formen aus, 

was sie – wie die meisten anderen Objekte aus dieser Region – 

zu Vorbildern der europäischen Moderne hat werden lassen. 

Entscheidend ist jedoch nicht ihre ästhetische Wirkung allein, 

sondern die Art, wie der bis heute und bis in unsere Kultur hinein 


Anthropomorphe Maske, Chokwe Anthropozoomorphe Maske, Kuba Abstrakte Maske mit 6 Augen, Kwele 

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wirkende „Geist“ in diese Objekte gelangt. Es ist nicht Aufgabe 

der Objekte, das mit ihnen verbundene „Interesse“, die seelische 

und kultische Involviertheit ihrer Gestalter und ihrer Nutzer 

zu konservieren. Vielmehr „leben“ die Objekte im Fluss ihrer 

Produktion, ihrer Nutzung und ihrer Vermittlung. Ihre Ankunft 

im Musée du quai Branly wäre in diesem Fluss nur eine andere, 

eine Zwischenstation, die uns freilich zum Nachdenken über die 

Wirkung und Rolle der Kunstwerke unserer eigenen Kultur anregt. 

Fleuve Congo: Arts d’Afrique Centrale 

Musée du quai Branly, Mezzanine Est, 22. 6.–3. 10. 2010 

www.quaibranly.fr 


Mongolisches Gewand, Iran oder Zentralasien, mongolische Periode 

13.–14. Jh., Seidenbrokat oder Lampas, L: 140 cm 

© Aga Khan Trust for Culture, Genf, Schweiz 

M e i s t e r w e r k e i s l a m i s c h e r K u n s t 

Schätze des Aga Khan 

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Wenn am 16. März 2010 der Berliner Martin-Gropius-Bau seine Tore 

zu einer neuen Ausstellung öffnet, ist dies eine Premiere 

der ganz besonderen Art: Zum ersten Mal können Besucher dort Kunstwerke 

aus dem Aga Khan Trust for Culture in Deutschland bewundern. 


Kastanienblatt mit kalligrafischer Komposition 

Osmanisches Reich (Türkei), 19. Jh., Text: Sure al-Isra („Die Nachtreise“) 


Gayumars Hof, Ausschnitt, Sultan Muhammad zugeschrieben 

Iran, Täbris, ca. 1522–1525 

Tinte, Gouache und Gold auf Papier, 47 x 31,8 cm 

Hadith-Handschrift, Kopist: Ahmad an-Nairizi 

Iran, 1130 H / 1717–8 AD 

Tinte, Gouache und Gold auf Papier, 20,7 x 13 cm 

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Diese Gelegenheit sollte man nutzen, denn die berühmte Sammlung 

des Aga Khan zählt zu den grössten und wertvollsten der 

islamischen Kunst. Ab 2013 wird sie in das neue Aga Khan Museum 

im kanadischen Toronto einziehen. Dort werden dann rund tausend 

Meisterwerke islamischer Kunst zu sehen sein, die Karim Aga 

Khan IV. und seine Familie in den letzten zwanzig Jahren gesammelt 

haben. 

Über 200 Meisterwerke aus islamisch geprägten Ländern hat Kurator 

Benoît Junod, Leiter der Abteilung für Museen und Ausstellungen 

des Aga Khan Trust for Culture, zusammengestellt. In ihrer 

beeindruckenden Gesamtheit dokumentieren die Exponate über 

tausend Jahre Kulturgeschichte vom 8. bis zum 18. Jahrhundert. 

Die ausgestellten Kunstwerke zeigen die faszinierende Vielfalt 

und den Reichtum eines vom Islam geprägten Kulturraumes, der 

sich von Spanien und Nordafrika über weite Teile Asiens bis nach 

China erstreckt. Einen Einblick in die zahlreichen Kunstgattungen 

gewähren Gemälde, Zeichnungen, Buchilluminationen, Handschriften 

und Inschriften in unterschiedlichsten Stilen der arabischen 

Schrift, Metallgefässe, Keramiken, Holzarbeiten und viele andere 

Objekte. Sie alle zeugen von der Kunstfertigkeit und Kreativität 

der jeweiligen Gesellschaften und den verschiedenen Einflüssen 

in Asien, Afrika und Europa. Die Ausstellung ist in zwei grosse 

Sektionen gegliedert: Unter dem Titel „Das Wort Gottes“ werden 

Koranhandschriften, illuminierte Blätter und Objekte präsentiert, 

die die Pilgerfahrt nach Mekka oder den islamischen Mystizismus 

thematisieren. Für viele Künstler und Architekten waren sie eine 

wichtige Quelle der Inspiration. 

„Die Route der Reisenden“ nimmt die Besucher mit auf den Weg 

durch die islamisch geprägte Welt – vom muslimischen Al-Andalus 

der Iberischen Halbinsel über Sizilien, den Maghreb, das Ägypten 

der Fatimiden und Mamluken, das osmanische Konstantinopel und 

das Damaskus der Umayyaden bis nach Persien, Zentralasien und 

ins indische Mogulreich. 

Ein anderer Teil der Ausstellung ist dem persischen Dichter Firdausi 

(940/41–1020) gewidmet, der in seiner Bedeutung oft mit Homer 

verglichen wird. Er vollendete vor genau tausend Jahren das 

persische Nationalepos „Schahname“. Dieses „Buch der Könige“, 

eines der berühmtesten Werke der persischen Literatur, befasst 

sich mit der Geschichte des antiken Persiens vor der muslimischen 

Eroberung. Mit knapp 60 000 Versen ist es mehr als doppelt so umfangreich 

wie Homers Epen. Das Schahname wurde zum Handbuch 

der Schahs und Sultane, die miteinander um die aufwendigsten 

illuminierten Kopien wetteiferten. Zwei dieser prächtigen Bücher 


Handschrift des 5. Buches des „Kanon der Medizin“ 

des Avicenna (Ibn Sina) 

Iran oder Mesopotamien, 444 H / 1052 AD 

Tinte und Wasserfarben auf Papier, 21,2 x 16,4 cm 

Die Geschichte von Haftwad und dem Wurm, Ausschnitt 

Signatur des Dust Muhammad 

Iran, Täbris, ca. 1540 

Tinte, Gouache und Gold auf Papier, 47 x 31,8 cm 

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wurden digitalisiert und können nun in der Ausstellung erstmalig 

von Besuchern virtuell umgeblättert werden. 

Die Blätter aus Firdausis Heldenepos „Buch der Könige“ gehören 

mit ihren herrlichen Miniaturen zu den Hauptattraktionen der 

Ausstellung, der es auch sonst an Höhepunkten nicht mangelt. 

Zu diesen zählt zweifellos die bisher älteste arabische und erst 

später übersetzte Handschrift des Qanun fi’l-tibb („Kanon der 

Medizin“) von Abu Ali Ibn Sina (980–1037). Der persische Universalgelehrte 

Ibn Sina ist in Europa hauptsächlich unter seinem 

latinisierten Namen Avicenna bekannt. Sein „Kanon der Medizin“ 

war im Mittelalter das bedeutendste medizinische Werk in 

der islamischen Welt. Mitte des 12. Jahrhunderts erstmals ins 

Lateinische übersetzt, stieg er auch in Europa zum medizinischen 

Standardwerk und Lehrbuch für Ärzte auf und blieb bis ins 

17. und 18. Jahrhundert eines der medizinischen Hauptwerke. 

Weitere Highlights sind ein wunderbar erhaltenes mongolisches 

Seidendamastkleid aus dem 13. oder 14. Jahrhundert sowie eine 

Doppelseite des „Blauen Korans“ aus dem 9. und 10. Jahrhundert. 

Die leuchtend blauen Pergamentbögen des Korans sind mit goldenen 

Lettern im kufischen Duktus beschrieben. Sie zählen zu den 

kostbarsten und aufwendigsten Koranhandschriften der Welt. 

Der Katalog zur Ausstellung wird von Benoît Junod herausgegeben 

und erscheint im Nicolai Verlag. Darin geben einleitende Essays 

einen Überblick über die verschiedenen Aspekte der „Welten des 

Islam“. 

Veranstalter der Ausstellung sind die Berliner Festspiele in 

Zusammenarbeit mit dem Aga Khan Trust for Culture. Der Trust 

wurde 1988 als konfessionell ungebundene Stiftung mit Sitz in 

Genf gegründet und gehört zum Aga Khan Development Network 

(AKDN). Die von Karim Aga Khan IV. ins Leben gerufene Organisation 

ist in Europa weitaus weniger bekannt als in Asien und Afrika 

und bildet wahrscheinlich das grösste private Entwicklungshilfe- 

Netzwerk der Welt. Karim Aga Khan IV. ist geistliches Oberhaupt 

der Ismailiten und wird als direkter Nachkomme des Propheten 

Mohammed angesehen. Mit dem AKDN wird er seiner sozialen 

Verpflichtung als 49. Imam der weltweit rund 20 Millionen Anhänger 

der ismailitischen Glaubensrichtung gerecht. 


Meisterwerke der islamischen Kunst 

Museum Berliner Martin-Gropius-Bau 

16. März–6. Juni 2010 


echte Seite: 

Silbertauschiertes Messing-Astrolabium, Spanien, wahrscheinlich Toledo 

14. Jh., gravierte Kupferlegierung mit Silbertauschierung 

Teller mit Löwe, Türkei, Iznik, zweite Hälfte 16. Jh. 

Quarzfritte, polychrome Unterglasurmalerei auf deckend weißer Glasur 

D: 36,5 cm 

Drachenkelch mit Edelsteinschale, mogulindisch, 16.–17. Jh. 

Bronzefassung und Marmorbasis: frühes 19. Jh. 

Jade- bzw. Achatschale: H x L x B: 4,3 x 16,4 x 9,6 cm 

Marmorbasis: L x B: 16,5 x B 8,2 cm 

© Aga Khan Trust for Culture, Genf, Schweiz 

Doppelblatt aus dem „Blauen Koran“, Ausschnitt 

Nordafrika, 9. und 10. Jh., Tinte, Gouache, Silber (oxidiert) und Gold auf blau gefärbtem Pergament 

H x B: 26 x 69 cm, Text: Sure al-Furqan („Die Unterscheidungsnorm“) 



galerie 

reise nach china 

Hilmar Pabel, Fotograf und Philanthrop 

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Es gab im Deutschland der Nachkriegsjahre nur wenige Fotografen, an die man sich bis heute 

erinnert. Einer von ihnen war der 1910 in Schlesien geborene Hilmar Pabel. Seine Karriere war so 

einzigartig wie der Mensch, der hinter einer Reihe der bedeutendsten Fotodokumentationen seiner 

Zeit stand. Heuer wäre er 100 geworden. Hilmar Pabel hat uns im Jahr 2000 verlassen, aber sein 

Vermächtnis wird uns noch lange begleiten. Seine Fotografien sind zeitlose Zeugnisse vergangener 

Epochen, deren Aktualität nahelegt, dass sich die Geschichte doch wiederholt. Bilder, die er 1956 

als erster westlicher Fotograf in China aufgenommen hat, zeugen von der unerschütterlichen 

Gültigkeit seiner Arbeit, sie sind einzigartige Dokumente und das Thema unserer Reportage. 

Am Beginn seiner Karriere stand eine Geschichte, die so ungewöhnlich war, dass sie in allen 

biografischen Texten Erwähnung findet: Im Jahre 1935, als er den Entschluss, Reporter zu werden, 

fasste, begab sich Pabel in den Berliner Zoo, um die Schimpansendame Tiene zu fotografieren, die 

damals wegen ihrer zutraulichen Possierlichkeit ein Publikumsliebling war. Dort angekommen 

schien es ihm nicht interessant genug, nur Bilder von dem Tier aufzunehmen, er drehte den Spiess 

um und erreichte mithilfe des geduldigen Wärters, dass Tiene die Kamera in die Hand nahm und 

mehrfach auf den Auslöser drückte, um das Publikum zu fotografieren. Die Berliner Zeitung 

erwarb die Serie und der junge Pabel hatte damit seine erste Geschichte verkauft. Doch so einfach 

war der Start ins Berufsleben nicht. Als die Urheberrechte ermittelt wurden, lagen diese bei der 

Affendame! Hilmar Pabel hatte nach Auffassung der Redaktion keinen Anspruch auf ein Honorar. 

In den Nachkriegsjahren machte er erneut von sich reden, als er systematisch alle 

Heime und Lager aufsuchte, in denen verlorene Kinder getrennt von ihren Eltern lebten. 


Dick eingepackt gegen die Winterkälte, China, 1956 

© Hilmar Pabel, bpkgate.picturemaxx.com

Auf dem Weg zu den Ming-Gräbern – wie in alten Zeiten, China, 1956

Konfuzius lebt, China, 1956

Mao wachte über alles und wurde als der grosse Führer seines Volkes verehrt 

und geachtet wie einst der Kaiser. China, 1956 


Seine Kinderporträts wurden in Erich Kästners Zeitschrift Pinguin veröffentlicht. Dadurch fanden 

Hunderte von Familien wieder zusammen. 

In diesen Jahren manifestierte sich seine Haltung als Humanist, ein Charakterzug, den er ein 

Leben lang beibehalten hat. Die Leica, die er in all diesen Jahren benutze, war das Einzige, was 

nach der Bombardierung seiner Wohnung gerettet werden konnte. Es folgten Auslandsreisen als 

Kriegsberichterstatter – viele der damals entstandenen Bildgeschichten sind unvergessen geblieben. 

So die Reportage über die 23 japanischen Fischer, die in den Atomstaub der 1954 über dem 

Bikini-Atoll gezündeten Bombe gerieten, oder das Foto eines Kindersoldaten des Vietcong, der 

auf das Flehen seiner Mutter hin freigelassen wurde. Pabel war auch beim Einmarsch der Roten 

Armee am Ende des Prager Frühlings dabei, und er dokumentierte die Arbeit Mutter Theresas. 

Wer das Glück hatte, Hilmar Pabel kennen gelernt zu haben, war meist erstaunt über den scheinbaren 

Widerspruch zwischen seinem sensiblen, fast scheuen Wesen und den Schauplätzen seiner Tätigkeit. 

Er war kein Draufgänger, kein Ellbogentechniker, der sich den Weg zum Tatort bahnte. Er war 

das Gegenteil von dem, was man sich ganz allgemein unter einem Kriegsberichterstatter vorstellt. 

Diese Andersartigkeit war auch der Schlüssel zu seinem Erfolg. Er vermochte hinter die Fassaden 

zu schauen; fast ist man an Saint-Exupérys kleinen Prinzen erinnert, zu dem der Fuchs sagt: „Man 

sieht nur mit dem Herzen gut. Das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar.“ Hilmar Pabel hatte 

die Gabe, mit dem Herzen zu sehen. Dieser Fähigkeit verdanken seine Bilder ihre Expression. 

Für die Zeitschrift Quick reiste Pabel im Jahre 1956 nach China. Er war der erste westdeutsche 

Fotojournalist, dem es gestattet wurde, am Landweg mehr als zweitausend Kilometer von Hongkong 

nach Peking zu reisen. Seine Bilder zeigten das China vor der Kulturrevolution, eine aufbrechende 

Gesellschaft, die dem Fotografen als „blaue Ameisen“ begegnete, ein Heer von Menschen in den 

Einheitsmonturen des maoistischen Staates. 

Diese frühen Bilder des expandierenden Weltreichs sind Gegenstand unserer A 4 -Galerie. In 

jenen Jahren wurden die Weichen gestellt, die zur Öffnung der Grenzen und zu einem, wenn 

auch schwierigen Dialog mit dem Westen führten. Über Landschaften und Menschen hinweg 

dokumentierten Fotojournalisten die Schatzkammern des Reichs und gaben den Blick auf 

einzigartige vergangene Kulturen frei. Die Kunst der Klassenfeinde von einst avancierte zum 

Prestigeprogramm. Das China, das Hilmar Pabel dokumentierte, existiert nicht mehr, aber sein 

Vermächtnis wird es in Erinnerung halten. 

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Quirlig waren die berühmten Uferstrassen schon immer. 

Die Grosse Mauer war 1956 noch leer. Es gab keine Touristen. 

Shanghais Pracht-Boulevard Bund vor 54 Jahren 

Der Schulbus auf drei Rädern holt die Kleinen ab. 

Dörfliche Idylle im alten China

Lange Fahrt in der Eisenbahn zwischen Shanghai und Peking 

Primaballerina des Pekinger Staatsballetts: Höchste Disziplin 

und Konzentration 

„Chinesische Weisheit“

Die „Blauen Ameisen“ erbringen gemeinsam unglaubliche Leistungen – in kleinen Schritten.

„Junge Pioniere“, die Angst einflössen können, China, 1956 

© Hilmar Pabel, bpkgate.picturemaxx.com

200 Jahre Unabhängigkeit, 100 Jahre Mexikanische 

Revolution – Mexiko begeht im Jahr 2010 zwei wichtige 

Jubiläen. Der nordamerikanische Staat feiert sein 

„Bicentario“ und „Centario“ mit einem kulturellen 

Jubiläumsprogramm. Besonders sehenswert ist in 

dessen Rahmen eine grandiose Ausstellung über die 

faszinierende Pyramidenstadt Teotihuacan. Nachdem 

sie bereits im Pariser Musée du quai Branly zu 

bewundern war, wird sie nun im Zürcher Museum 

Rietberg gezeigt und ab Sommer im Berliner Martin- 

Gropius-Bau. 

Mondpyramide, Teotihuacan 

Die am nördlichen Ende der Strasse der Toten gelegene Mondpyramide 

entstand um ca. 200 u. Z. 

Grundfläche: 120 x 150 m, H: 46 m 


Barbara Rusch 

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Mexikos geheimnisvolle Pyramidenstadt 

Teotihuacan 



Herr der Unterwelt 

Teotihuacan, westlicher Platz gegenüber 

der Sonnenpyramide 

Klassik, späte Tlamimilolpa- und frühe 

Xolalpan-Phase, 300–550 u. Z. 

Stein, Stuck, Farbpigmente 

Museo Nacional de Antropología, 

Mexiko-Stadt 

Skulptur in menschlicher Gestalt 

Teotihuacan, Mondpyramide, Grabstätte 6 

ca. 250 u. Z. 

Serpentin, Grünstein und Muscheln 

Zona Arqueológica de Teotihuacan 

Anthropomorphe Maske 

Azcapotzalco, San Miguel Amantla 

Klassik, späte Xolalpan-Phase 

500–650 u. Z. 

Ton, Stuck und Farbpigmente 


Mexiko-Stadt 

© Fotos Martirene Alcántara, INAH, Mexico 

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Initiator und Kurator der eindrucksvollen Schau, die er selbst 

jedoch leider nicht mehr erlebte, war Felipe Solís Olguín 

(1944–2009). Der Direktor des „Museo Nacional de Antropología“ 

in Mexiko-Stadt verstarb im April 2009, wenige Wochen vor der 

Eröffnung seiner Ausstellung in der mexikanischen Hauptstadt. 

Er stellte die präsentierten Schätze vor allem aus „seinem“ 

Nationalmuseum und den beiden Museen in Teotihuacan 

zusammen. 

Rund 450 exquisite Exponate aus Teotihuacan können nun 

erstmals in Europa bewundert werden, viele Objekte wurden 

erst in jüngster Zeit bei Ausgrabungen gefunden. Monumentale 

Architekturelemente, kostbare Steinarbeiten, elegante Keramiken, 

Schmuck, Masken, Götterstatuen und Tierdarstellungen erlauben 

einen staunenswerten ersten Einblick in die bislang noch von 

vielen Rätseln umgebene Kultur der einst grössten Stadt im 

präkolumbischen Amerika. Sensationell sind unter anderem 

15 grossformatige Fragmente von Wandgemälden voll starker 

Symbolik, deren prächtige Farben seit rund 2 000 Jahren leuchten. 

Die Wandmalereien sind zum ersten – und zugleich in absehbarer 

Zeit wohl auch zum letzten – Mal ausserhalb von Mexiko zu sehen. 

Rätselhaftes Teotihuacan 

Teotihuacan ist knapp fünfzig Kilometer nördlich von Mexiko- 

Stadt gelegen. Seit 1987 zählt die weitläufige archäologische Stätte 

mit ihren mächtigen Pyramiden zum Welterbe der UNESCO. Sie 

liegt in einem weiten Tal, das seit Jahrtausenden besiedelt war. 

In der Klassischen Periode (100 v. u. Z. bis 650 u. Z.) stieg die 

rund 20 Quadratkilometer grosse Stadt, in der zeitweilig über 

160 000 Menschen lebten, zur mächtigsten Metropole auf dem 

amerikanischen Kontinent auf. Sie war sogar zu ihrer Zeit eines 

der grössten urbanen Zentren der Welt, in dem Menschen aus 

verschiedensten Teilen Mesoamerikas in regelmässig angelegten 

Wohnvierteln ansässig waren. 

Zwischen dem 3. und 6. Jahrhundert übte Teotihuacan politisch, 

militärisch, wirtschaftlich und kulturell erheblichen Einfluss 

auf ganz Mesoamerika aus. Insgesamt weiss man jedoch nur 

sehr wenig über die Kultur und Geschichte der Stadt und ihrer 

Bewohner. Auch ist bis heute ungeklärt, warum die Metropole, 

begleitet von einer verheerenden Feuersbrunst, im 7. Jahrhundert 

unterging. Sicher ist, dass sie ihren heutigen Namen von 

den Azteken erhielt, die im 14. Jahrhundert die verlassene 

Ruinenstätte entdeckten. Sie nannten sie „Teotihuacan“ – „der 

Ort, an dem die Menschen zu Göttern werden“. Der aztekischen 

Schöpfungsmythologie zufolge wurde dort die gegenwärtige Welt 

erschaffen. 

Dominiert wurde Teotihuacan von einem einzigartigen 

Zeremonialzentrum, dessen Anlage sich an astronomischen 

Beobachtungen orientierte. Dazu gehörten als wichtigste 

Bauwerke die 63 Meter hohe Sonnenpyramide und am Nordende 

der zwei Kilometer langen Prozessionsstrasse, der „Strasse der 

Toten“, die 48 Meter hohe Mondpyramide. Zahlreiche Tempel 

und Palastkomplexe flankierten diese Monumentalbauten. Am 

südlichen Ende der Anlage ist nur ein geringer Teil der Stätte 


ausgegraben und erforscht. Hier steht der von den Spaniern 

„Zitadelle“ genannte Komplex mit dem Tempel der Gefiederten 

Schlange, Quetzalcoatl, und des Regengottes Tlaloc. Ihn schmückten 

365 Skulpturen dieser Gottheiten. Archäologische Funde in 

der Zitadelle und unter der Mondpyramide zeigten die grosse 

Bedeutung, die Kriege, Gefangennahme und Opferungen in der 

Geschichte Teotihuacans einnahmen. 

Jaguar und Obsidian 

Die Ausstellung ist in neun Bereiche gegliedert, deren Themen 

aufeinander aufbauen. Gleich zu Beginn wird die monumentale 

Steinskulptur des Jaguars von Xalla präsentiert. Der aus zwölf 

prächtig bemalten Einzelteilen gearbeitete Jaguar ist ein Symbol 

der Macht, steht aber auch für Krieg sowie für die Fruchtbarkeit 

der Erde. Nach diesem beeindruckenden Auftakt werden die 

Besucher in die Entwicklung der Stadt und die Geschichte 

ihrer Archäologie eingeführt. Anschliessend veranschaulichen 

Skulpturen, Friese und Wandgemälde Architektur und Planung 

der Metropole, vielfältige Objekte verdeutlichen Themen wie 

Politik und gesellschaftliche Schichtung, Alltag und Kunstschaffen, 

Krieg, Wirtschaft und Handel – unter anderem mit Obsidian. 

Aus dem scharfkantigen vulkanischen Glas wurden vor allem 

Waffen gefertigt. Zu den Höhepunkten der Ausstellung zählen 

die prachtvollen Opfergaben aus der Pyramide der Gefiederten 

Schlange und der Mondpyramide, darunter eine einzigartige 

menschliche Figur mit weit geöffnetem Mund und Schmuck 

für Ohren und Hals sowie ein rekonstruiertes Grab, wie es bei 

einer Grabungskampagne 1998–2004 unter der Mondpyramide 

gefunden wurde. 

Die grossartig inszenierte Ausstellung ist noch bis 30. Mai 2010 

im Zürcher Museum Rietberg zu sehen und wird von einem 

vielfältigen Rahmenprogramm begleitet, einziger Wermutstropfen 

ist die schummrige Beleuchtung. Geboten werden zudem 

Führungen und Workshops für Kinder und Erwachsene. Von 1. Juli 

bis 10. Oktober wandert sie dann weiter in den Berliner Martin- 

Gropius-Bau. 

Zur Ausstellung ist ein mit rund 530 Farbabbildungen versehener 

Katalog in einer deutschen und einer französischen Fassung bei 

Éditions Somogy erschienen. 


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Anthropomorphe Maske 

Teotihuacan 

Klassik, Tlamimilolpa-Metepec- 

Phase, 200–650 u. Z., Stein 


Mexiko-Stadt 

Maske aus Malinaltepec 

Guerrero, Malinaltepec 

Mittlere Klassik, 300–550 u. Z. 

Stein mit Einlegearbeiten aus Türkis, 

Amazonit, Obsidian und Muschel 


Mexiko-Stadt 

Menschliche Figur mit Vertiefung 

in der Brust 

Teotihuacan (Sammlung Miguel 

Covarrubias) 

Klassik, Miccaotli-Phase, späte 

Tlamimilolpa-Phase, 150–300 u. Z. 

Serpentin 


Mexiko-Stadt 

© Fotos Martirene Alcántara, INAH, Mexico


echte Seite: 

Einblicke in das persönliche Archiv von Elsy Leuzinger, 

Afrikareise 1954/55, Afogebiet, Nigeria 

Die einzige noch erhaltene Aufnahme von Elsy Leuzinger, 

Afrikareise 1954/55, Afogebiet, Nigeria 

© mit freundlicher Genehmigung des Museums Rietberg, Zürich 


Die Kunst von 

Schwarzafrika 

Zum 100. Geburtstag 

von Elsy Leuzinger 

Am 7. Februar feierte Prof. Dr. Elsy Leuzinger im engsten Familienkreis 

ihren 100. Geburtstag. Bis vor wenigen Jahren führte sie ihren 

Haushalt in der eigenen Wohnung, doch gesundheitliche Umstände 

machten den Eintritt in eine Altersresidenz unumgänglich. Als Leiterin 

des Museums Rietberg und zuvor langjährige Kustodin am Völkerkundemuseum 

der Universität lag ihr die Kunst Afrikas am nächsten. 

Leuzinger hatte bewirkt, dass die beiden legendären Sammlungen 

Han Coray’s und Eduard von der Heydt’s zu grössten Teilen in den 

Zürcher Museen verblieben sind. 



Elsy Leuzinger als Leiterin des Museums 

Rietberg, ca. 1962 


In der Fachwelt gilt der von ihr 1972 

verfasste Katalog „Kunst aus Schwarzafrika“ 

auch heute noch als massgebendes 

Nachschlagewerk für afrikanische Kunst 

von höchster Qualität. 

1910 in Glarus geboren durchlief Elsy Leuzinger dort die Grundschulen. 

Nach dem Besuch der Fortbildungsklasse der Höheren 

Töchterschule Zürich folgten verschiedene Auslandsaufenthalte, 

in denen sie sich insbesondere die französische und englische 

Sprache zu eigen machte. Schon 1930 wurde sie erst zur 

wissenschaftlichen Mitarbeiterin, später zur Konservatorin am 

Völkerkundemuseum der Universität Zürich gewählt. 1949 

promovierte sie mit der Dissertation „Wesen und Form des 

Schmuckes afrikanischer Völker“. 

Die Sammlung Han Coray 

Während ihrer Tätigkeit am Völkerkundemuseum wurde Elsy 

Leuzinger 1939/40 eine delikate Aufgabe übertragen: Für die 

Volksbank hatte sie die über 2 500 Objekte umfassende Sammlung 

Han Coray zu verkaufen. Dabei war es ihr ein grosses Anliegen, 

die schweizerischen Museen für Ankäufe von aussergewöhnlich 

qualitätsvollen Werken aus dieser einzigartigen Sammlung 

zu begeistern. Doch was war geschehen, dass es zu diesem 

Zwangsverkauf kam? Der 1880 in St. Gallen geborene Han 

Coray begann als Kunsthändler ab 1919, afrikanische Kunst 

zu sammeln – nach einem Besuch bei Paul Guillaume, dem 

berühmten Kunsthändler, dessen Galerie in Paris ein Zentrum 

für das avantgardistische Kunstpublikum bildete. In den 1920er- 

Jahren entschloss sich Coray, in der Schweiz mittels einer grossen 

Sammlung ein „Ehrenmal“ für die afrikanische Kunst zu errichten, 

und fing an, „wie besessen“ zu kaufen. 1926 besass er über 

zweieinhalbtausend afrikanische Kunstwerke. Getrieben von 

seiner Sammelleidenschaft verschuldete sich Coray. Nach dem 

tragischen Tod seiner aus wohlhabendem Hause stammenden 

jungen Frau pfändete eine Bank die „Coraysche Negersammlung“. 

Anfang der 1930er-Jahre musste er allerdings Bankrott erklären 

und die ganze Sammlung wurde verpfändet. Elsy Leuzinger, 

damals Konservatorin des Völkerkundemuseums der Universität, 

erstellte im Auftrag der Gläubigerbank ein Inventar der Sammlung 

und setzte die Verkaufspreise fest. Manch ein Museumsleiter 

würde sich heute ob der festgelegten Preise Hände und 

Augen reiben. Leuzingers Wunsch, die Sammlung gänzlich in 

Schweizer Museumsbesitz einzuverleiben, erfüllte sich mangels 

Mitteln und Interesse nicht. Dennoch verblieb ein bedeutender 

Teil der Sammlung in der Schweiz. 472 Objekte behielt die 

Sammlung des Zürcher Völkerkundemuseums, während das 

Kunstgewerbemuseum Zürich 168 Werke käuflich erwerben 

konnte. 130 Objekte kaufte die Sammlung für Völkerkunde St. 

Gallen und zwölf Objekte gingen ans Basler Völkerkundemuseum 

(heute: Museum der Kulturen). Etwa 1 000 Werke wurden an 

Sammler und Händler verkauft.(1) 1952 gingen rund 200 Objekte, 

die Baron von der Heydt aus der Coray-Sammlung erworben hatte, 

und die 168 erwähnten von der Stadt angekauften Werke, die im 

Kunstgewerbemuseum deponiert waren, ans Museum Rietberg. In 

späteren Jahren konnte dieses Museum weitere Werke der Coray- 

Sammlung aus Privatbesitz erwerben. 

Feldforschung in Westafrika 

Im Herbst 1951 unternahm Elsy Leuzinger gemeinsam mit dem 

befreundeten Kunsthändler Emil Storrer eine Reise durch die 

Elfenbeinküste nach Mali, die sie zu den wichtigsten Kunstregionen 

in Westafrika, zu den Baule und Senufo an der Elfenbeinküste 

und zu den Dogon und den Bamana in Mali, führte. Unter ihrer 

Leitung entstand ein eindrücklicher Farbfilm zur Kunst und 

Kultur dieser Ethnien. Von Storrer erwarb Elsy Leuzinger einige 

der schönsten Werke der Senufo-Region. Ihre wohl wichtigste 

Feldforschung unternahm sie gemeinsam mit Jolantha Tschudi in 

den Jahren 1954/55. Mehrere Monate lebten die beiden Frauen 

unter schwierigsten Verhältnissen bei den Afo, einem damals 

praktisch unbekannten Volk an einem Nebenfluss des Benue im 

nigerianischen Urwald. Ihre umfangreiche Sammlung aus dieser 

Region wird im Museum Rietberg aufbewahrt. 

Ausgedehnte Reisen führten Elsy Leuzinger in der Folge aber 

nicht nur nach Afrika, die Kunstethnologin besuchte auch Nord-, 

Zentral- und Südamerika sowie Indien, Kambodscha, Japan und 

Indonesien mit unermüdlichem Tatendrang. Ihre umfangreichen 

fotografischen Dokumente belegen sowohl wissenschaftlichen 

Sachverstand als auch ein geschultes Auge. Im Jahre 1956 wurde 

Elsy Leuzinger als Nachfolgerin des Gründungsdirektors Johannes 

Itten zur Leiterin des Museums Rietberg gewählt. In dieser Stellung 

blieb sie bis zur altersbedingten Pensionierung im Jahre 1972. Im 

Jahr ihrer Wahl wurde sie auch Gründungsmitglied von ICOM 

Schweiz, nebenbei bemerkt als erste und einzige Frau im damals 

schwarz gewandeten Männergremium. 1960 habilitierte sich Elsy 

Leuzinger als Privatdozentin für Kunst aussereuropäischer Völker 

an der Universität Zürich; 1968 wurde sie zur Titularprofessorin 

ernannt. 


Zahlreiche Ikonen der Weltkunst fanden 

ihren Weg dank Elsy Leuzinger in das 

Museum Rietberg. Vom befreundeten 

Kunsthändler Storrer erwarb Elsy Leuzinger 

einige der schönsten Werke. 

© Archiv Museum Rietberg, Zürich 

Eduard von der Heydt 

Schon in den 1930er-Jahren lernte sie als Konservatorin am 

Völkerkundemuseum den auf dem Monte Verità in Ascona 

lebenden Kunstsammler Eduard von der Heydt (1880–1964) 

kennen. Mit dem Gründungsdonator des Museums Rietberg 

entstand später eine fruchtbare Zusammenarbeit im Hinblick 

auf Erweiterung und Ergänzung der Sammlung. Das gegenseitige 

wissenschaftliche Interesse führte zu einer innigen Freundschaft. 

Ein reger Briefwechsel zwischen Zürich und Ascona zeugt von 

der intensiven Auseinandersetzung des Gönners und der 

Museumskuratorin mit Kunstwerken, analytisch wurde insbesondere 

über Qualität und eventuelle Anschaffungen und 

Ankaufspreise korrespondiert. Gefühlvoll vermochte Elsy 

Leuzinger ihren Mäzen auch für Regionen zu begeistern, die 

er ursprünglich als Sammlungsgebiet ablehnte, wie die Kunst 

Altamerikas, die man allgemein mit Menschenopfern in 

Verbindung brachte. Baron Eduard von der Heydt bedachte 

in der Folge das Museum bis zu seinem Tod im Jahr 1964 mit 

weiteren Geschenken, darunter vor allem bedeutende Werke 

präkolumbischer Kunst und der Nordwestküste Altamerikas. Elsy 

Leuzinger gelang es ferner, Steinskulpturen aus der Sammlung 

der in Indien lebenden Künstlerin Alice Boner mit Erlaubnis 

der indischen Regierung von Varanasi nach Zürich ins Museum 

zu überführen. Mit weiteren bedeutenden Sammlern hielt sie 

engen Kontakt. Schenkungen wie etwa jene von Willy Boller 

und die Sammlung Heinz Brasch durch Julius Müller sind die 

Folge der freundschaftlichen Beziehungen, die sie mit diesen 

Sammlerkreisen unterhielt. 

Die Kunst von Schwarzafrika 

Gemeinsam mit René Wehrli, dem jüngst verstorbenen langjährigen 

Direktor des Kunsthauses Zürich, realisierte Elsy 

Leuzinger 1970 eine Ausstellung mit dem Titel „Die Kunst von 

Schwarzafrika“, in der 1 200 Exponate gezeigt wurden und die mit 

insgesamt 72 000 Besuchern zu einem kulturellen Grossereignis 

wurde. In der Fachwelt gilt der von ihr verfasste Katalog zu dieser 

Ausstellung auch heute noch als massgebendes Nachschlagewerk 

für afrikanische Kunst von höchster Qualität. Ergebnisse ihrer 

kunstethnologischen Arbeit sind nebst den Sammlungsbänden 

des Museums Rietberg und zahlreichen Aufsätzen auch die 

Publikationen „Die Kunst der Negervölker“ (1959), „Die Kunst 

von Schwarzafrika“ (1972) sowie die Herausgabe des weit über 

1 000 Seiten umfassenden Bandes „Kunst der Naturvölker“ der 

Propyläen Kunstgeschichte (1976). 

Elsy Leuzinger geniesst in wissenschaftlichen Kreisen grosse 

Anerkennung und hohes Ansehen. Sie übte ihre vielen Ämter 

trotz einer seit Kindheit starken Gehbehinderung souverän, 

aber stets in bescheidener Weise aus; ihr solides und breites 

Wissen hat sie sich auf ausgedehnten Reisen durch alle Weltteile 

erworben. Ihre Art, diese Kenntnisse souverän an Fachleute und 

Laien weiterzuvermitteln, liess niemanden unberührt, und in 

ihren Führungen spürten die Teilnehmer stets die hohe Achtung 

vor den häufig namenlosen Erzeugern dieser Weltkunst. Auch 

im Ruhestand blieb Elsy Leuzinger dem Museum Rietberg eng 

verbunden. Mit Rat und Tat wirkte sie während vieler Jahre 

im Vorstand der Rietberg-Gesellschaft. Die heute über 4 000 

Mitglieder umfassende Gesellschaft ernannte sie zu ihrem 

Ehrenmitglied. Es war für uns ein wunderbarer Moment, als sie 

den neu eröffneten Erweiterungsbau des Museums Rietberg 

vor drei Jahren besuchte, ihrer grossen Freude Ausdruck verlieh 

sowie einiges in ihrer unverkennbaren Art kritisch kommentierte. 

Gegen die modernistischen Tendenzen, die unaufhaltsam 

in die traditionellen Kulturen einfliessen und deren einst 

eindrückliche Kunstwerke häufig zu gesichtslosen Kopien, zu 

„Airport Art“ und Ethnokitsch werden lassen, wehrte sich Elsy 

Leuzinger stets vehement. Die qualitätsvollen Bestände „ihres“ 

Museums bezeugen dies, und dafür werden ihr auch in Zukunft 

Generationen von Besuchern und Besucherinnen dankbar sein. 

(1) Quelle: Iselin, Regula: Die Polyvalenz des Primitiven. Zur 

Rezeptionsgeschichte afrikanischer Kunst in der Schweiz, Zürcher 

Arbeitspapiere zur Ethnologie 5, Zürich 1996. 



Drei Szenen aus dem Leben des Buddha, 

Gandhara, 3. Jh. u. Z. 

Schiefer, H x B: 23,5 x 56 cm 

© Foto Iris Papadopoulos, mit freundlicher Genehmigung 

des Museums für Asiatische Kunst, Staatliche Museen 

zu Berlin, Stiftung Preussischer Kulturbesitz 

Interview: Catherine Framm / Porträt: Alex Dwyer 

„Ein Museum zu führen ist immer 

tea mwor k.“ 

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Der niederländische Kunsthistoriker Klaas Ruitenbeek 

ist seit dem ersten Januar der neue Direktor des Museums 

für Asiatische Kunst in Berlin. Dort hat er die Leitung 

für die 2006 zusammengelegten Museen für Indische 

Kunst und für Ostasiatische Kunst übernommen. Ein 

Gespräch mit diesem nachdenklichen Mann vermittelt 

Eindrücke über sein breit gefächertes Wissen die asiatische 

Kultur betreffend und insbesondere seine tiefe Liebe zu 

ihrer Kunst. 

Jacques Giès vor einem dämonischen Wächter aus Angkor Wat im Musée Guimet 

© Foto Orlando dos Santos, Paris


Das Liebespaar Krishna und Rãdhã 

Nordindien, Pahari-Gebiet, Kangra-Stil Jacques (Mandi) Giès vor der Installation „Gods 

Maler: Sajnu, datiert samvat 1865 Pound“ (= 1808 des u. Z.) zeitgenössischen thailändischen 

Deckfarben und Gold auf Karton, H x B: 31,8 x 25,7 Künstlers cm Hung-Chih Peng. 

© Foto Iris Papadopoulos 

© Foto Orlando dos Santos, Paris 

Balarãrama, Mathura, 4./5. Jh. u. Z. 

Rötlicher, hell gefleckter Sandstein, H: 112 cm 


Wuzhiqi, Schutzgeist der Flüsse Huai und Guo, 

Song-Dynastie, Anfang 12. Jh., Gusseisen, H: 39 cm 

Nachlass Hanna Bekker vom Rath 

© Foto Jürgen Liepe 


Catherine Framm: Möchten Sie zunächst etwas übers Museum 

an sich sagen? Philippe de Montebello (der ehemalige Direktor 

des Metropolitan Museum of Art) soll den Vergleich zur Chirurgie 

gezogen haben: Man diskutiert nicht mit seinem Chirurgen 

darüber, wie er den Eingriff vorzunehmen hat – genauso wenig 

hat man im Museum zu diskutieren, sondern soll sich von der 

Ausstellung, den Texten und dem Ausstellungskonzept durch die 

Kunst führen lassen. Stimmen Sie dieser Meinung zu? 

Klaas Ruitenbeek: (lacht) Ich denke, das ist eine ziemlich arrogante 

Position! Allerdings bewundere ich Herrn Montebello sehr. Ich 

denke, dass er es zu einem gewissen Grad schon ernst meint, aber 

ich bin auch sicher, dass er versteht, dass ein Museumsdirektor 

auch Rechenschaft ablegen muss. Ein Direktor mag einen bestimmten 

Ansatz verfolgen oder eine bestimmte Vision haben, 

aber ein Museum zu führen ist immer Teamwork – jeder ist wichtig, 

der Kurator ins Besondere. Er hat das Expertenwissen und die 

Erfahrung, wenn es darum geht, Dinge schön und intelligent zu 

präsentieren, in interessanten Kombinationen zusammenzustellen. 

Auch wenn es sich nur um eine einzige Schauvitrine handelt, die 

Wahl der Objekte und ihre Zusammenstellung sind sehr, sehr wichtig. 

Ich finde, dass es die wichtigste Aufgabe des Direktors ist, die 

Kuratoren dazu anzuregen in ihrem Bereich ihr Bestes zu leisten 

und die dazu benötigten Voraussetzungen herzustellen. In dieser 

Weise wird das Museum auch bei den Besuchern gut ankommen. 

CF: Sie waren ja viele Jahre lang Kurator; da ist das jetzt etwas ganz 

Neues für Sie. 

KR: Ja, ich projiziere wahrscheinlich Gefühle, die ich als Kurator 

hatte (lacht), obwohl ich mich nicht beschweren kann. Mein ehemaliger 

Direktor hatte eine sehr ähnliche Auffassung. Aufgrund 

meiner Erfahrung als Kurator auf dem Gebiet der chinesischen 

Kunst verfüge ich zwar über Spezialwissen, aber ich denke nicht, 

dass ich das hier oft benötigen werde; unsere Kuratoren sind 

sehr fähig. 

CF: In der Konzeptualisierung von Ausstellungen wird die 

horizontale, transkulturelle Herangehensweise immer beliebter. 

Zum Beispiel haben mich 2009 bei der grossen Gandhara- 

Ausstellung in Bonn, Berlin und Zürich … 

KR: Ja, ich habe die Ausstellung gesehen – sie kam aus Pakistan. 

CF: … die vielen Gestalten der Göttin Hariti fasziniert. Sie 

überschreitet durch ihre weitläufige Verbreitung kulturelle, 

ethnische und religiöse Grenzen: Ursprünglich stammt sie aus 

dem vorvedischen Indien, wurde sodann vom Buddhismus 

übernommen und breitete sich in östlicher Richtung bis nach Japan 

hin aus. Planen Sie, diese Art von Darstellung – möge sie synchron 

oder diachron sein – in der Dauerausstellung hervorzuheben? 

KR: Ja, bestimmt. Das Humboldt-Forum, Berlins neues Zentrum 

für aussereuropäische Kunst, wo das Museum für Asiatische 

Kunst zusammen mit dem Ethnologischen Museum circa 2017 

einziehen wird, bietet die wundervolle Möglichkeit, transkulturelle 

Zusammenhänge wie diese sichtbar zu machen. Die Sammlung 

des Museums hat viele Stärken, aber ihr Kern – ihr Juwel – ist 

die Zentralasien-Sammlung: die Wandmalereien buddhistischer 

Höhlen, aus der Umgebung von Kizil, von Turfan im heutigen 

Xinjiang in China und die dort gefundenen Skulpturen und 

Texte – insgesamt ca. 30 000 Manuskripte, gedruckt, gemalt und 

handgeschrieben. Dieses Gebiet bildet eine Schnittstelle der südund 

ostasiatischen Kultur. Etwa zeitgleich mit Anbruch unseres 

Zeitalters begann der Buddhismus seine Wanderung von Indien 

aus gegen Osten über Zentralasien und nach China, Korea und 

bis nach Japan. Genau diese einzigartige zentralasiatische, zum 

grössten Teil buddhistische Sammlung ermöglicht es uns, diese 

Geschichte wiederzugeben. Sie steht im Zentrum der neuen 

Ausstellung. 

CF: Apropos Xinjiang: Wie stehen Sie zu politischen Inhalten 

im Museum? Sie haben diese wundervolle Sammlung 

zentralasiatischer Kunst, aber im Xinjiang unserer Zeit herrschen 

politische Unruhen. Wie lassen sich diese unterschiedlichen 

Konzepte vereinbaren? 

KR: Politik ist allgegenwärtig. Das gilt auch fürs Kunstmuseum, 

in dem Politik schon einmal aussen vor gelassen wird. Das 

Museum kann aktuelle politische Situationen, wie zum Beispiel 

die Spannungen zwischen den Uiguren (sowie mehreren anderen 

nicht-chinesischen Minderheiten) und den Han-Chinesen in 

Xinjiang, die sich im letzten Jahr in Aufständen entladen haben, 

nicht ignorieren. Aber es besteht auch kein Anlass sie darzustellen, 

solange sie sich nicht in der Kunst widerspiegeln. In unserem 

Museum wird auch moderne Kunst ausgestellt, falls es also 

einen uigurischen, chinesischen oder anderen aus der Region 

stammenden Künstler gäbe, der sich mit der politischen Situation 

künstlerisch auseinandersetzt, würde es vielleicht sinnvoll sein 

ihn auszustellen. Als temporäre Ausstellung im Bereich unserer 

zentralasiatischen Sammlung würde sie sich gut dazu eignen, die 

Verbindung mit der heutigen politischen Lage darzustellen. Zwar 

schenkt die islamische Bevölkerung den buddhistischen Reliquien, 

die sie umgeben, traditionell kaum Beachtung, aber sie sind dort 

vorhanden und Teil der Geschichte. 


CF: Obwohl ihnen wenig Beachtung zukommt, prägen sie also die 

Kultur, in welcher sie sich befinden? 

KR: Ja, absolut. Wir werden dem Uigurischen Autonomen 

Gebiet Xinjiang mehr Aufmerksamkeit als bisher schenken. Die 

Zentralasien-Ausstellung gehörte ehemals zum Museum für 

Indische Kunst. Deswegen lag der Fokus bislang nicht so sehr auf 

China. Aber natürlich gehört dieses Gebiet, also Turfan, Kizil und 

andere Wüstenstädte entlang der Seidenstrasse, zum Gebiet der 

heutigen Volksrepublik China, davor zur Republik China und noch 

früher zum Reich der Qing-Dynastie. 

Wir werden auch ein bisschen mehr darüber zeigen, wie diese 

Objekte am Ende der Qing Dynastie gesammelt wurden, wie sie 

von deutschen Forschungsreisenden wie Grünwedel und LeCoq 

damals im frühen 20. Jahrhundert nach Berlin gebracht wurden. 

Heute wäre so was nicht mehr möglich. Umso wichtiger ist 

deshalb eine enge Zusammenarbeit mit chinesischen Kollegen 

aus dem Gebiet, und ein offener Austausch von Dokumentation 

und Forschungsergebnissen. Genau daran arbeiten wir. Unsere 

Kuratoren sind bereits nach Xingjiang gereist und haben sich mit 

Archäologen und Kunsthistorikern vor Ort getroffen. Weitere 

Forschungsreisen sind geplant und Einladungen an Spezialisten aus 

Xinjiang nach Berlin sind erfolgt. Die ersten werden noch dieses 

Jahr eintreffen, um hier in unseren Sammlungen zu forschen. 

Bevor ich nach Berlin gekommen bin, habe ich 13 Jahre lang im 

Royal Ontario Museum in Toronto, Kanada, gearbeitet. Dort 

gab es auch eine grosse China-Sammlung, allerdings nicht aus 

Zentralasien, sondern aus dem chinesischen Kernland. Auch da 

gab es einige Stücke mit einer problematischen Provenienz. Das 

gilt für die meisten Museen. Vielleicht war es aber dort einfacher, 

damit umzugehen. In Toronto leben sehr viele Chinesen, und auch 

mehrere meiner Kollegen waren chinesischer Abstammung, aus 

der Volksrepublik, aus Hongkong, eingebürgerte Kanadier zwar, 

aber dennoch ... Das hat es wohl in gewisser Weise einfacher 

und selbstverständlicher gemacht, den offenen Dialog – auch 

mit chinesischen Behörden – zu suchen. In diesem Museum hier 

gibt es zurzeit keine Kuratoren mit asiatischem Hintergrund, was 

mir durch meine Erfahrung in Kanada fast ein wenig merkwürdig 

vorkommt. Ich selbst bin natürlich auch Europäer! Aber im Allgemeinen 

sind in den Museen in den USA und in Kanada meistens 

einige Kuratoren mit ost- oder südasiatischer Herkunft dabei. 

CF: Haben Sie eine eigene private Sammlung? 

erlaubt, zumindest nicht in dem Gebiet, für das man im Museum 

zuständig ist. Ich habe niemals für mich selbst gesammelt. Ich 

ziehe es vor, so wenig wie möglich zu besitzen. Aber ja, für das 

Museum zu sammeln liebe ich sehr. 

CF: Sie besitzen also sehr wenig? 

KR: Naja, ich hab schon noch einige Dinge (lacht)! 

CF: Wenn Sie nur noch ein einziges Mal nach Asien reisen könnten ... 

KR: Ein letztes Mal ... oh Gott! 

CF: ... wo würden Sie hingehen und was würden Sie tun? 

KR: Das ist eine wirklich schwierige Frage. Ich würde gern mehrere 

Antworten geben ... Ich war schon sehr oft in Ostasien, aber kaum 

in Süd- und Südostasien, also würde ich vielleicht nach Indien gehen, 

um zu sehen, wo die buddhistische Kunst ihren Anfang nahm. 

CF: Gandhara und Mathura also... 

KR: Ja ... aber ich würde wirklich gern mehrere Antworten geben. 

Gerade, weil ich schon so oft und über so lange Zeiträume hinweg 

in Ostasien war und dort einige sehr gute Freunde habe. Wenn es 

meine letzte Reise ist, würde ich diese Freunde natürlich gern noch 

einmal sehen ... müssen Sie denn so streng sein (lacht)? 

Für mich ist jedenfalls der aufregendste Teil meiner Aufgabe hier, 

dass ich Direktor eines Museums bin, das ganz Asien östlich vom 

Iran umfasst: von Afghanistan bis nach Japan und von Nordchina 

bis nach Indonesien. Ich habe die südasiatische Kunst schon immer 

geliebt und hatte eigentlich von Anfang an eine Menge mit ihr zu 

tun. Das Rijksmuseum in Amsterdam, in dem ich meine Laufbahn 

begonnen habe, hat auch eine Asien-Sammlung, zwar klein, aber 

von hoher Qualität, mit wundervollen und bedeutenden Stücken aus 

Süd- und Südostasien. Wie gesagt, ich habe diese Kunst schon immer 

geliebt, mich aber leider nur selten in dieser Gegend aufgehalten. 

CF: Zum Glück müssen Sie sich ja nicht an meine strengen Regeln 

halten! 

KR: Genau! Also mach ich einfach beides: Die Geburtsstätten der 

buddhistischen Kunst aufsuchen, und meine Freunde in Ostasien 

besuche ich auch! 

KR: Nein. Ich liebe das Sammeln, aber nur für das Museum. 

Prinzipiell ist es besser für Kuratoren oder Direktoren, keine 

eigenen Sammlungen zu besitzen, und es ist eigentlich nicht 


Manichäisches Buchblatt, Khocho, Ruine K 

(Xinjiang), 8./9. Jh. u. Z., Malerei auf Papier 

17,2 x 11,2 cm 


Kasuga Schrein-Mandala 

Nanbokchô- bis frühe Muromachi-Zeit, 14.–15.Jh. 

Hängerolle, Tusche auf Farben auf Seide, H x B: 101,2 x 37,3 cm 

© Foto Jürgen Liepe 

Sattel (kura), Momoyama-Zeit, dat. 1594 Schwarz-, 

Rot- und Goldlack, Glas auf Holzkern, H: 25,7 cm 

© Museum für Asiatische Kunst, Staatliche Museen zu Berlin, Stiftung 

Preussischer Kulturbesitz 



Wer Afrikas Kunsthandwerk betrachtet, wird zunächst feststellen, dass 

es sich von jenem anderer Kontinente dadurch unterscheidet, dass 

nicht nur die Stoffe und textilen Kunstwerke einem kultischen Rahmen 

entspringen, sondern auch die mit ihrer Herstellung verbundene 

handwerkliche Tätigkeit oft ritualisiert und von Tabus umgeben ist. 

Ger t Chesi / Silke Jurkowitsch 

der stoff, aus dem 

die kleider sind 

Weberei und Textilkunst in Westafrika 


Die Weberei war in der Vergangenheit eine Domäne der Männer. Inzwischen 

habe sich auch Frauen und Kinder diesem Handwerk verschrieben. 

Die Kente-Stoffe der Akanvölker und die der Ewe werden auf besonders 

schmalen Webstühlen hergestellt. 

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Während die Töpferei in den Händen der Frauen liegt, sind die 

Weberei und die Arbeit der Schmiede reine Männersache. Allein 

diese Trennung ist ein Hinweis darauf, dass selbst ein profaner 

Gegenstand Teil eines tabuisierten Prozesses ist, dem er entspringt 

und dem er durch seine Verwendung untergeordnet ist. In den 

westafrikanischen Gesellschaften bestehen hierarchische Systeme, 

die trotz der Überlagerung durch importierte Kulturen bis heute 

Gültigkeit besitzen. So ist es üblich, dass die besten Weber für die 

Könige und Priester tätig sind und diese mit Kleidern, aber auch 

mit an Rituale gebundenen Textilien versorgen. Die Exklusivität 

dieser Weber-Klasse resultiert aus dem Umstand, dass sie auch 

Geheimnisträger ist, denn nur sie hat ausserhalb des Hofes und der 

Tempel Einblick in die Symbolsprache der Formen und Zeichen, 

die Teil der Gewebe sind. 

Diese sehr allgemeine Sicht kann am Beispiel einiger Ethnien 

veranschaulicht werden: Berühmt und unübertroffen in ihrer 

Vielfalt sind die Stoffe der Ashante. Ihre Kente-Tücher dienen 

unterschiedlichsten Anlässen, vom Jahresfest bis zum Begräbnis. 

Kente, ein Wort aus dem Fante-Sprachgebrauch, bedeutet in 

Ghana Korb. Die Ashante nennen ihn Nsaduaso, was bedeutet, 

dass dieser auf einem Webstuhl hergestellt wird. Dieser handwerkliche 

Aspekt tritt aber hinter seine Bestimmung zurück, erst 

diese macht ihn bedeutend. Im kulturellen Kontext ist Kente mehr 

als ein Stoff. Er ist Träger historischer und philosophischer Fakten, 

seine Symbole haben ethische und moralische Dimension und 

gelten als Leitfaden für gesellschaftliche Verhaltensweisen. 

Auf einer anderen Ebene ist der Kente-Stoff ein Prestige-Objekt, 

er ist Träger der heraldischen Zeichen des Klans und Ausdruck 

der gesellschaftlichen Position. Meist wird er auf schmalen 

Webstühlen in Streifen gefertigt, die dann zusammengenäht 

werden. Die Schmalbandweberei ist eine in Westafrika sehr 

verbreitete Technik. Man findet sie in allen Ländern südlich der 

Sahara. 

In den Sahelländern ist die Bindung der Textilien an mythische 

Vorbilder geringer als bei den Pantu-Gesellschaften entlang 

der Küste. Bei den Ashante Ghanas haben sich im Laufe von 

Jahrhunderten klare Interpretationsmuster entwickelt. Diese 

gelten für die Symbole, aber auch für die Farben. 

Demzufolge steht die Farbe Rot für Tod oder Blutvergiessen. 

Typischerweise wird sie bei politischen Anlässen getragen. Grün 

hingegen steht für Fruchtbarkeit und Lebenskraft, getragen von 

Jugendlichen während der Pubertätsriten. Weiss ist die Farbe 

der Sieger und der Reinheit. Gelb bedeutet Ruhm und Reife, 

folgerichtig wird es von den Chefs beansprucht. Blau ist die Farbe 

der Liebe, sie symbolisiert aber auch Harmonie. Alter, Reife und 


Göttliche Macht & mächtige Herrscher 

Gewebe, die den Königen vorbehalten sind, werden von privilegierten, in den 

Kult eingeweihten Männern hergestellt. 

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Spiritualität werden mit Schwarz assoziiert, Heiterkeit und Freude 

hüllen sich in Silber und schliesslich verspricht die Farbe Gold ein 

ewiges Leben. Wie könnte es anders sein – sie wird von den Eliten 

in Anspruch genommen. 

Unter den für das Königshaus gewobenen Stoffen sind die 

Asasia die aufwendigsten. Sie sind detailreich und mit speziellen 

Mustern ausgestattet. Diese haben den Sinn, den Rang des Trägers 

klarzustellen. Solche Stoffe werden immer von ausgewählten 

Webern hergestellt, die oft monatelang an ihnen arbeiten. Früher 

war ihr hoher Preis Grund dafür, dass sie den herrschenden Klassen 

vorbehalten blieben. Im Wandel der Zeit haben allerdings neue 

Gesellschaftsschichten nach ihnen gegriffen. Durch sie hat sich 

auch die Symbolik verändert. Heute sind Kente-Stoffe mit dem 

Image der Traditionen verbunden. Ihre Träger weisen auf ihre 

Herkunft und ihre traditionelle Grundhaltung hin. 

Die im Osten der Ashante-Region lebenden Ewe weben eine 

andere Art von Kente. Hier herrscht der sogenannte Tweed- 

Effekt vor, der durch das Design von Schuss- und Kettenfaden 

bestimmt wird. Auch sie verwenden die schmalen Webstühle, 

deren Bänder zuerst gerollt und später nach den Wünschen des 

Kunden aneinandergenäht werden. Die Kente der Ewe sind meist 

aus Baumwolle. 

Neben den Kente-Stoffen spielen die Adinkra-Tücher eine wichtige 

Rolle. Sie sind in weiten Teilen der Akan-Regionen gebräuchlich 

und weisen lokale Unterschiede auf. Adinkra heisst im 

Sprachgebrauch der Ashante „Auf Wiedersehen“ oder „Abschied 

nehmen“. Damit ist seine Verwendung an Begräbnisrituale 

und Trauerfeiern gebunden. Anders als bei den Kente-Stoffen 

werden die Basismaterialien ausschliesslich importiert. Einfärbige 

Damaststoffe werden in einer Technik bedruckt, deren Ursprung 

in Indien liegt. Eine klebrige Druckfarbe wird Adinkera aduru 

genannt. Man gewinnt sie aus der Rinde des Badia-Baums, dessen 

Sekret mit Eisenschlacke vermischt wird. Mit Holzstempeln 

werden die Stoffe bedruckt und an der Sonne getrocknet. Wie 

bei den Kente-Stoffen, so haben auch ihre Zeichen Symbolgehalt. 

Bei ihnen werden aber die einzelnen Botschaften nicht zu einer 

Aussage gebündelt, hier zählen die zahlreichen kleinen Hinweise, 

ihre Nachrichten sind detailliert und verschlüsselt. 

Für die Verbreitung des Aso-oke, eines in Nigeria gebräuchlichen 

Gewebes, sorgte der Volksstamm der Yoruba. Als Händler kamen 

sie schon früh über ihre angestammte Region hinaus. Im Dunkel 

der Geschichte waren es Stammeskriege und der Sklavenhandel, 

die sie weit über die Grenzen Nigerias verstreut haben. Mit ihnen 

wechselten auch die alten Traditionen ihre Standorte, sodass 

es in den umliegenden Ländern zu Siedlungsgründungen und 


Die Adire-Batiken werden oft aus Damast hergestellt, in der Bemalung 

findet man stets mythische Symbole. 

Die Webstühle Westafrikas sind sehr unterschiedlich. Das drückt sich 

besonders in ihrer Breite aus. 

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zur Entstehung von Kultkreisen kam. Der Homogenität ihrer 

Gesellschaft ist es zu verdanken, dass sie bis heute als Bewahrer 

ihrer Traditionen aktiv sind, auch wenn sich ihre Standorte 

inmitten anderer Kulturen befinden. Ihre Webtechnik hat in Benin 

grosse Bedeutung, hier haben sich Sonderformen entwickelt, die 

unter dem Protektorat der Könige eine neue Blüte erlebten. 

Ahokpe Donatien aus Abomey gehört zu den privilegierten 

Webern, die im Auftrag der Könige und Priester ihre Arbeit leisten. 

Im nigerianischen Mutterland werden die Aso-oke-Stoffe zur 

Herstellung hoher Statuskleidung angeboten. Sie dienen festlichen 

Anlässen wie Hochzeiten, Geburtstagen oder Beerdigungen. Ihre 

besondere Note erhalten sie durch das Einziehen bunter Fäden, 

die aus Baumwolle oder importierten Fasern bestehen. Ahokpe 

Donatien hingegen verwendet Raffiabast, den er mit Baumwolle 

kombiniert. Seine Stoffe werden ausschliesslich ritueller Verwendung 

zugeführt, selbst die aus ihnen gefertigten Bubus sind 

keine Alltagskleidung. 

Die berüchtigten Könige von Abomey beschäftigten immer 

schon Künstler, die Bilder zu ihrer Verherrlichung schufen. Die 

reich mit Reliefen ausgestatteten Mauern der Paläste sind wie 

die Applikationen textiler Kunstwerke eine lange und beliebte 

Tradition. Heute stehen dutzende Schneider im Dienste des 

Fremdenverkehrs, sie schaffen fröhliche Bildchen, die eine gar 

nicht fröhliche Zeit in Erinnerung rufen. Abomey wird manchmal 

das „Auschwitz Afrikas“ genannt, so viele Unschuldige sind 

aufgrund religiösen und weltanschaulichen Wahnsinns ums 

Leben gekommen. Die bunten Stoffbilder aus Abomey zeigen 

das, aber in ihrer kindlich-verspielten Machart schaffen sie Idyllen, 

die weit an der Realität vorbeigehen. Die Massenware unter den 

Gobelins ist hinreichend bekannt. Es gibt aber auch Künstler, 

die sich dieser Themen angenommen haben. Ihre Schöpfungen 

sind anspruchsvoller, ihr Umgang mit Farbe und Material ist 

differenzierter. Der bekannteste unter ihnen ist Yves Apollinaire 

Pede, seine Werke sind ästhetisch und handwerklich anspruchsvoll. 

Er führt mit seiner Sichtweise diese Technik aus dem touristischen 

Massenbetrieb. Die alten Geschichten werden durch ihn neu 

erzählt. 

Applikationstechniken sind auch bei einigen Akan-Völkern 

bekannt, die berühmtesten von ihnen sind wohl die Fahnen der 

Fante, die bei traditionellen Militärkompanien in Verwendung 

stehen. Diese Art der Textilkunst ist jüngeren Datums und 

erreichte ihren Höhepunkt während der Kolonialzeit, in der 

pittoreske Aufmärsche von Uniformträgern die Afrikaner 

faszinierten. 

Weniger spektakulär zeigen sich die Adire-Stoffe auf den 

Märkten Afrikas. Längst ist ihre Verbreitung nicht mehr auf 


Göttliche Macht & mächtige Herrscher 

Die Vielfalt der afrikanischen Textilien reicht vom Festgewand bis zum Wickelrock. 

Früher waren die Bubus der Haussa und Yoruba aus schweren Baumwollstreifen 

zusammengenäht, heute bevorzugt man leichte importierte Stoffe. 

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Nigeria beschränkt, die Märkte in Lomé, Cotonou oder Accra sind 

stets mit ihnen bestückt. Adire ist das Yoruba-Wort für Stoffe, 

die in der Indigo-Reservefärbetechnik hergestellt sind. Sie sind 

ein klassisches Beispiel für traditionelle afrikanische Textilien. 

Die Yoruba verwenden die blaue Farbe des Indigo bei vielen 

Gelegenheiten. Alltagsröcke oder Gewänder werden genauso 

hergestellt, wie bebilderte Gobelins, die Szenen aus den Mythen 

zeigen. Heute verwenden die Indigofärber Industriestoffe, die nach 

dem Färben in der gewünschten Grösse zusammengenäht werden. 

Im Laufe der Jahre haben sich Zentren entwickelt, in denen grosse 

Quantitäten dieser Stoffe erzeugt werden. Sie liegen in Abeokuta, 

Ibadan, aber auch in Katsina und Kano. 

Es gibt drei verschiedene Techniken, Adire-Stoffe herzustellen. 

Eine sehr beliebte ist Adire eleko. Dabei wird Maniok- oder 

Yamsstärke als Reservematerial verwendet. Das kann freihändig 

durch Bemalen geschehen, aber auch mit einer Schablone oder 

einem Kamm. 

Bei der Technik von Adire oniko wird der Stoff mit Raffiabast 

abgebunden, gewickelt oder gefaltet, bevor er gefärbt wird. Um 

verschiedene Muster zu erzielen, werden Steine, Fruchtkerne 

oder Holzstücke eingewickelt. Die dritte Technik wird Adire 

abale genannt, in diesem Fall wird der Stoff vorher abgenäht 

oder gesteppt. Wenn nach dem Färben der Stoff getrocknet ist, 

werden die Fäden entfernt und es zeigen sich die typischen, oft 

kreisförmigen Muster. 

Von allen Techniken der Textilverarbeitung ist aber die der Bogolan- 

Herstellung die seltsamste. Bogolan heisst übersetzt Schlammtuch, 

mit Schlamm hergestellt. Die kunstvollen Muster werden von 

Frauen hergestellt, durch wiederholtes Auftragen von Schlamm 

und Saft, der sowohl aus Blättern als auch aus Baumrinde 

gewonnen wird. In Mali findet man sehr dekorative Decken, die 

als Bogolan, Bogolon oder Bogolanfini bezeichnet werden. In der 

Sprache der Bambara bedeutet das „aus Schlamm hergestellt“. 

Im traditionellen Umfeld wurden diese Decken von schwangeren 

Frauen oder Kriegern getragen, besonders von Personen, 

die fürchten mussten, Blut zu verlieren. Der Bogolan galt als 

Schutzkleidung, und man erwartete von ihm, dass er böse Geister 

oder Feinde abwehrte. Diese sollten durch die Muster davon 

abgehalten werden, in den Körper einzudringen. Der strenge 

Geruch frischer Bogolan-Decken hat seine Verbreitung vorerst 

gehemmt, inzwischen werden aber gewaschene Tücher bereits in 

europäischen Kaufhäusern angeboten. 


Julia Kospach 

Im Land der 

unbegreiflichen 

Hunde 

Die grosse „Sitting Bull“-Ausstellung des 

Wiener Museums für Völkerkunde 

Sitting Bull 

Georg W. Scott oder R. L. Kelly 

Fotografie, 1883 

© Denver Public Library, Denver 

Sitting Bull mit Kruzifix 

David F. Barry, Fotografie, 1885 

© Denver Public Library, Denver 


Gleich im ersten Raum der Ausstellung zeigen über Kopf frei 

hängende, vergrösserte Schwarz-Weiss-Fotografien die vielen 

Gesichter von „Sitting Bull“: einmal im vollen Federschmuck- 

Ornat der Sioux, dann als Bekehrungskandidat mit um den Hals 

hängendem Kruzifix, einmal mit dunkel getönter Sonnenbrille, 

ein anderes Mal in Revue-Star-Pose im Duo mit dem nicht 

minder berühmten Buffalo Bill, in dessen Wild-West-Show 

„Sitting Bull“ einige Monate lang auftrat. Die Bilder zeigen einen 

selbstbewussten, schönen Mann mit hohen Backenknochen, 

einer grossen Nase und entschlossenem schmalen Mund. Dass es 

überhaupt so viele Fotografien von ihm, einem Menschen des 

19. Jahrhunderts, gibt, das allein zeugt von seiner Bekanntheit 

schon zu Lebzeiten. 

Sitting Bull und Buffalo Bill 

William Notman & Son, Fotografie, 1885 

© Library of Congress, Washington 

Die Fragen zu „Sitting Bull“, die die grosse Schau 

im Wiener Völkerkundemuseum stellt, formuliert 

eine Tafel in unmittelbarer Nähe der Fotos: 

Wer war dieser legendäre Indianer? War er ein 

Freiheitsheld oder ein Feigling, ein Querkopf oder 

genialer Stratege, Fortschrittsfeind oder Opfer, 

heiliger Mann oder Aufrührer, grosser Häuptling 

oder Störenfried, Visionär oder Medienstar? 

Es ist nicht so, dass diese grosse „Sitting Bull“-Ausstellung die 

aufgeworfenen Fragen endgültig beantwortete, und es ist auch 

nicht so, dass „Sitting Bull“ ihr alleiniger Fokus wäre. Sein Leben 

und seine Rolle in den Auseinandersetzungen zwischen den 

jungen USA und den Indianern, die jahrtausendelang die Herren 

über jene Landschaften gewesen waren, in die nun immer mehr 

weisse Siedler strömten, steht symptomatisch für das Schicksal 

der nordamerikanischen Indianervölker. Sie verloren den Kampf 

gegen eine Übermacht, die mit unlauteren Mitteln arbeitete. 

„Sitting Bull“ gehörte – wie der Apache Geronimo – zu jenen, 

die erbitterten Widerstand leisteten, die erst dämonisiert und 

gefürchtet wurden, um schliesslich vom „American Way of Life“ 

integriert und zum Mythos gemacht zu werden. Ironischerweise 

als erstklassige Träger von Tugenden, die die USA nunmehr für 

sich reklamierten: Einsatz fürs eigene Volk, Mut und Kühnheit, 

Opferbereitschaft, Liebe zum Land der Väter, Familiensinn 

und Spiritualität. Als solcher schaffte „Sitting Bull“ vor allem 

posthum den Sprung zur Medien-Ikone – als Werbeträger für 

Plakatwerbungen, als Urvater aller alternativen Lebensentwürfe 

und als Leitfigur des wieder erstarkenden Selbstbewusstseins der 

eingeborenen Völker Nordamerikas ab der zweiten Hälfte des 

20. Jahrhunderts. Sein Konterfei auf T-Shirts und Schallplatten 

stellt ihn in eine Reihe mit den anderen grossen Ikonen des 

Jahrhunderts – von Che Guevara bis Albert Einstein. Auch davon 

erzählt die Schau in einem ganzen Raum voller Sitting-Bull- 

Baseballkappen, -Wanduhren, -Memorabilien sowie politischer 

Plakate und Flugblätter. 

Vor allem aber dokumentiert sie die traditionelle Lebenswelt 

der Sioux zu Lebzeiten von „Sitting Bull“ und zeigt sie im 

vorurteilsbeladenen Spiegel der medialen Darstellung in der 

zeitgenössischen US-amerikanischen Presse. Der grosse Häuptling 

der Hunkpapa Lakota, die einer der sieben unter der französischen 

Bezeichnung Sioux zusammengefassten Indianerstämme 

der zentralen Plains waren, lebte von 1831 bis 1890. Es sind 

die Jahrzehnte, in denen die Indianervölker Nordamerikas 

die kontinuierliche Verdrängung und die Zerstörung ihrer 

traditionellen Lebensformen erlebten, um schliesslich in immer 

kleineren Reservationen weitab vom angestammten Land ihrer 

Vorfahren zusammengezwungen zu werden. Es sind auch die 


Jahrzehnte zahlreicher Kriege, Kämpfe und Schlachten, wie jener 

im Juli 1876 am Little Bighorn, aus der „Sitting Bull“ als Sieger 

hervorging und in der der grosse Volksheld der USA, General 

Custer, sein Leben liess. Diese für die USA so traumatische 

Schlacht prägte das widersprüchliche Bild von Tatanka Iyotake, 

dem „Sitzenden Bisontier“, der auch den Beinamen „Roter 

Napoleon“ erhielt. 

Die Sioux spielen bis heute in der westlichen Vorstellung von „den 

Indianern“ eine besondere Rolle: Die Hauptrouten der immer 

weiter nach Westen vordringenden Siedler durchschnitten genau 

ihren Lebensraum. Ihr Widerstand dagegen war ebenso erbittert 

wie die damit verbundene Aufmerksamkeit der Medien gross. 

Die Form ihrer Tipis, ihre Kleidung und ihr Federschmuck gelten 

bis heute als prototypische Indianerinsignien. Die Anziehungskraft 

dieser schiefen Bilder, die via Karl Mays Winnetou im 

europäischen Bewusstsein erst recht einzementiert worden 

sind, ist ungebrochen. Man erkennt das nicht zuletzt daran, dass 

besonders viele Kinder die Ausstellung besuchen. Die Schau spielt 

mit den Klischeebildern, durchbricht sie an manchen Stellen, 

rückt sie zurecht, überhöht sie, kommentiert sie und lässt sie 

gelegentlich auch einfach stehen. Die Geschichte „Sitting Bulls“ 

selbst wird vor allem anhand faksimilierter Fotos und noch dazu 

ziemlich fragmentarisch erzählt – man kann nicht anders, als 

darüber etwas enttäuscht zu sein. 

Sitting Bull im Kampf mit einem Crow 

Four Horns (Hunkpapa Lakota) nach Sitting Bull 

Kopie vor 1870 

Farbstift, Tinte und Wasserfarben auf Papier 

© National Anthropological Archives, Washington 

Dafür wird man mit sehr schönen Original-Alltagsgegenständen 

der Lakota entschädigt: Lederhemden, -hosen und Kleider, 

die mit bunten Glasperlen, Federn, Haarbüscheln und Stachelschweinborsten 

verziert sind, auf gegerbte Bisonhäute oder 

Stoffe gemalte piktografische „Wintererzählungen“, in denen 

sie die wichtigen Ereignisse der letzten zwölf Monate festhielten, 

Waffen und Kultgegenstände. Diese Objekte sind die eigentlich 

aufregenden Exponate der Ausstellung: Etwa ein „Nabelschnuramulett“ 

in Form einer perlengeschmückten Schildkröte, das an 

der Tragtasche eines Babys und später an der Kleidung befestigt 

dazu diente, die abgefallene Nabelschnur aufzunehmen und 

den Träger zu schützen. Zu sehen ist auch eine Haarbürste aus 

einem Stacheltierschwanz, der auf einen Holzkern aufgezogen 

ist. Wiegetaschen, in die Babys eingeschnürt wurden und die an 

Bäume oder Sträucher gehängt wurden, während ihre Mütter der 

Arbeit nachgingen, gehören ebenfalls zu den Ausstellungsstücken. 

Mit allergrösstem Vergnügen liest man, dass die Lakota das Pferd, 

das sie im 18. Jahrhundert kennen gelernt haben und das ihnen 

eine sehr viel grössere Reichweite bei der Bisonjagd beschert hat, 

„sunka wakan“ oder „unbegreiflicher Hund“ nannten. 

Der Gang durch die „Sitting Bull“-Ausstellung des Völkerkundemuseums 

ist nicht zuletzt auch ein Streifzug durch die Indianer- 

Fantasien der eigenen Kindheit. Das Schwelgen darin muss 

dem Zurechtrücken falscher Vorstellungen nicht unbedingt im 

Wege stehen. 

Sitting Bull und seine Welt. Museum für Völkerkunde Wien. 

www.ethno-museum.co.at, www.khm.at 


„Tatanka-Iyotanka – Sitting Bull“ 

Rudolf Cronau, Feder- und Bleistiftzeichnung, Fort Randall, 

25. Oktober 1881 

© Gerold Wunderlich & Co., Inc., New York 

Frosted, Sioux-Medizinmann, in Gefängnistracht 

David F. Barry, Fotografie, um 1890 

© Denver Public Library 

Sitting Bull 

Orlando S. Goff, Fotografie, 20. Juli 1881 

© Library of Congress, Washington 


Text: Gert Chesi / Fotos: Gerhard Merzeder 

grenzgänger 

zwischen den 

kulturen 

Anton Christian 

Er ist siebzig, Jäger, Sammler und Maler. Seine Heimat ist Tirol, hier hat er 

einen grossen Teil seines Lebens verbracht, hier sind die meisten seiner Werke 

entstanden. Wenn ein Künstler Masken sammelt, dann hat das gewöhnlich 

Gründe, die in der Tiefe seiner Psyche verankert liegen. Ein Narr, der glaubt, 

sie könnten in einer flüchtigen Geschichte beschrieben werden. Dennoch sollte 

es erlaubt sein, Reflexionen aus der Begegnung mit dem Künstler und dem 

Sammler wiederzugeben, so als beträfen sie zwei verschiedene Menschen, von 

denen jeder glaubt, dass die Passion des anderen die weniger wichtige sei. 


Friedvoll und versöhnlich, aggressiv und voll furchterregender Expression 

verschmelzen sie bei aller Andersartigkeit zu einer Einheit. 

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An den Wänden seines geräumigen Hauses in Natters herrscht 

Platzmangel. Dicht nebeneinander hängen die Masken aus 

mehreren Kontinenten, harmonisch ergänzt durch afrikanische 

Ahnenfiguren und Fetische. Was die Menschen nicht zustande 

brachten, gelang ihren Ritualobjekten. Friedvoll und versöhnlich, 

aggressiv und voll furchterregender Expression verschmelzen 

sie bei aller Andersartigkeit zu einer Einheit. Sie verbindet ein 

zutiefst menschliches Bedürfnis, sie sind einst geschnitzt und 

bemalt worden, um das Böse zu bannen und der Angst Einhalt 

zu gebieten. 

Die Geschichte der Masken ist ein Teil der Menschheitsgeschichte. 

Sie führt zurück in die Zeiten magischen Denkens, 

in der Menschen mit Zauberei und Gebeten versuchten, die 

übermächtige Natur zu beherrschen. Die Maske verlieh ihnen 

die Möglichkeit, eine andere Identität anzunehmen, aus der 

Zerbrechlichkeit und Beschränktheit ihrer biologischen Existenz 

auszubrechen, um Teil jener Zwischenwelt zu werden, in der 

Geister und Dämonen das Schicksal der Kreaturen bestimmen. 

An den Wänden des Ateliers zeigt sich die Gegenwelt. Hier 

bestimmt der Maler den Weg seiner Protagonisten, hier herrscht 

er nicht nur über Farben und Leinwände, er spielt mit Figuren 

und Gedanken, als wären sie Marionetten, ferngesteuert vom 

Meister, der ihnen die Plätze zuweist. Eine Frage drängt sich 

auf: Forciert eine Leidenschaft die andere, oder haben sie 

sich unabhängig voneinander entwickelt, wie das auch bei 


Geschwistern geschieht? Wären die Bildinhalte des Malers 

Anton Christian andere, wenn er nicht eines Tages vor langer 

Zeit zu sammeln begonnen hätte? Um diesen Fragen auf den 

Grund zu gehen, muss man fünfzig Jahre zurückblicken, in eine 

Zeit, in der er das Wesen der Kunst und das der Ethnografie 

zu verstehen begann. Beide sind menschliche Phänomene, die 

sich abseits profaner Lebensstrategien ihren Weg bahnen. Dort, 

wo der Mensch an seine Grenzen stösst, wo eine ganze Palette 

von Emotionen Gestalt annehmen möchte, dort versagt oft die 

Sprache und das, was man gemeinhin unter Kommunikation 

versteht. Hier öffnet sich das weite Feld der Kunst, in der der 

Maler sein Anliegen formuliert. Hier zählt nicht mehr die 

Akzeptanz des Marktes oder die Stimme des Kritikers, hier sieht 

sich der Künstler allein gelassen mit der Leinwand, die er zu 

bewältigen hat. Anton Christian hat sich als Künstler stets dem 

Mainstream entzogen. Er hat in einer Zeit, in der die Abstraktion 

die Malerei dominierte, die Darstellung des Gegenständlichen 

nie aufgegeben. Trotzdem war er kein Naturalist. Seine oft bis ins 

Detail akribisch gestalteten Allegorien waren immer Reaktion 

auf den geschichtlichen Zeitraum, in dem er wirkte. Er reagierte 

anders, als es allgemein erwartet wurde. Fast altmeisterlich in 

der Technik und verschlüsselt in den Themen übergab er seine 

Werke den Betrachtern. Es durfte also nicht verwundern, dass 

seine Bilder polarisierten, Zustimmung aber auch Ablehnung 

erfuhren. Man konnte seiner Arbeit vieles vorwerfen, aber nicht, 

dass sie oberflächlich oder ungekonnt war. Seine Meisterschaft 


Inspiriert durch die aktionistisch gefertigten Masken der Ganda 

(Burkina Faso) entstehen Anton Christians Ethno-Porträts. 

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als Maler hat auch den Umgang mit den Objekten seiner 

Kollektion bestimmt. Jeder, der eine Sammlung aufgebaut 

hat, kennt die immer wiederkehrenden Fragen. Nach welchen 

Gesichtspunkten wird gesammelt, auf welchem finanziellen 

Niveau befindet sich die Sammlung – und schliesslich wird die 

Frage zu beantworten sein, ob die Sammlung auf Expertenebene 

angemessene Akzeptanz findet. 

Um es vorwegzunehmen: Anton Christian gehört zu jenem 

Sammlertyp, der nur erwirbt, was ihm gefällt und was im 

Gebäude seiner Vorstellungen Platz findet. Ob ein Objekt aus 

einer berühmten Sammlung kommt oder irgendwo zufällig 

erworben worden ist, das ist eine zweitrangige Frage. Wichtiger 

ist, dass sich der Künstler nie über den Sammler erhoben hat, 

wie andere Künstler es taten, die ethnografische Werke durch 

Bemalung oder Umgestaltung verändert oder zerstört haben. 

Im Gegenteil: Anton Christian beherrscht das Handwerk des 

Restaurators und hat viele Objekte, deren Zustand bedenklich 

war, wiederhergestellt. Hier zeigt sich auch eine tiefe Beziehung 

zu und ein angemessener Respekt vor den Stücken, die nach 

den Kriterien seiner höchst individuellen Selektion zum Spiegel 

seiner Befindlichkeit wurden. Einige der Objekte tauchen in 

veränderter Form in seinen Bildern auf. In diesen Werken ist 

die Auseinandersetzung mit dem Fremden am deutlichsten 

spürbar. Hier wird es zur Metapher des Geheimnisvollen, des 

Bedrohlichen oder Rätselhaften. Wer Erklärungen erwartet, 

wird enttäuscht. Nur ein schlechtes Bild bedarf einer Erklärung, 


Die Quellen seiner Inspiration sind vielfältig. Neben präkolumbischen 

Keramiken und jahrtausendealten Nok-Skulpturen sind es immer wieder 

die Masken, die sein Schaffen beeinflussen. 

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das gute erschliesst sich von selbst, auch wenn es manchmal 

schwerfällt. 

In seinem Atelier möchte man wohnen. Das Radio ist auf Ö1 

gestellt. Die Zeiten, in denen man sich im Jazzkeller traf, sind 

nicht vorbei, aber sie sind selten geworden. Wo er noch vor 

dreissig Jahren ganze Nächte in verrauchten Clubs verbrachte, 

bevorzugt er es heute, im Kreise seiner Familie Freunde 

einzuladen. Da wird bei edlen Weinen getafelt und über Kunst 

geredet. Von den Wänden schauen die Gesichter der Masken, bei 

aller Verschiedenartigkeit der Charaktere hat ihr Ausdruck etwas 

Versöhnliches. Wer ihnen losgelöst von den Ritualen, denen sie 

gewidmet waren, begegnet, auf den wirken sie friedvoll. Für sie 

und den Maler sind die wilden Jahre vorbei. Auch seine Freunde 

sind älter geworden, nur die Leidenschaft ist dieselbe geblieben 

und die Freude am sinnlichen Erleben des Schönen. Nun steht 

sein Sammlerleben vor der grössten Herausforderung, die 

finalen Stücke zu finden, die den Bestand ergänzen und adeln. 

Irgendwann in ferner Zukunft wird er seine Initiativen beenden, 

seine Sammlung aber wird weiterhin nach Ergänzungen 

verlangen, wie vor Jahrzehnten, als alles begonnen hat. Dann 

werden es vielleicht seine Söhne sein, die dieses komplizierte 

Erbe zu verwalten haben. 


Ger t Chesi 

Guanyin & die Legende 

der Miao Shan 

Ihre guten Taten liessen Miao Shan zu Guanyin werden. 

Sie hat viele Gesichter und Namen und ist Asiens populärste Göttin. 


Die Legenden von Miao Shan sind aufgrund ihrer Vielzahl kaum 

überschaubar. Alle führen zu Guanyin, der Göttin des Mitgefühls, 

die in China und im südostasiatischen Raum verehrt wird. Tausende 

Tempel sind ihr geweiht, und überall unterscheiden sich die 

Mythen, weil lokale Vorstellungen sie verändert haben. In Japan 

nennt man sie Kannon, in Vietnam Quan Am, ein älterer Name 

ist Guanzizai oder Kanjizai. Im ostasiatischen Buddhismus ist sie 

ein weiblicher Bodhisattva, doch im Volksglauben wird sie als 

Göttin verehrt. Die Darstellungen Guanyins sind vielfältig. Häufig 

orientieren sie sich an dem Bodhisattva Avalokitesvara, dessen 

weiblichen Aspekt sie darstellen. Dieser Umstand geht auf eine 

Übersetzung des Lotus-Sutra aus dem Jahr 406 zurück, in der 

der Name Avalokitesvara aus dem Sanskrit in Guanyin übersetzt 

worden ist. 

Während der Tang-Dynastie (China 618–907) entwickelte sich das 

Bedürfnis nach einer starken femininen Gottheit. Eine der damals 

beliebtesten Göttinnen war die Königsmutter des Westens aus 

dem Daoismus. Während der Tang-Periode herrschte eine grosse 

religiöse Toleranz. In deren Rahmen entwickelte sich Guanyin 

als Mischwesen, das seine Existenz verschiedenen Quellen 

verdankt. Aus dem männlichen Avalokitesvara spaltete sich die 

weibliche Guanyin ab, die bis heute die religiöse Landschaft Asiens 

dominiert. 

In China und den umgebenden Ländern entstanden zahlreiche 

Statuen, die zunächst der Überlieferung folgend Guanyin als Mann 

darstellten. Später allerdings dominierten weibliche Aspekte, 

und als im späten 16. Jahrhundert portugiesische Missionare 

in China eintrafen, betrachteten chinesische Bildhauer deren 

Madonnenstatuen als Abbilder Guanyins und begannen, nach 

diesen Vorbildern zu schnitzen. Das erklärt, warum noch während 

der Ming-Periode madonnenhafte Statuetten entstanden sind. 

Viele der chinesischen Darstellungen orientierten sich aber an 

Avalokitesvara. Er/Sie braucht viele Augen, um das Leid der Welt 

zu sehen, und viele Arme, um überall helfen zu können. In der 

Literatur wird diese androgyne Gottheit mit tausend Armen 

beschrieben. In der Kunst sind es meist 42. Zugrunde liegt die 

Vorstellung, dass 25 Welten existierten. Die japanische Kannon hat 

zwei normale Arme und vierzig, die in jeder der anderen Welten 

Lebewesen retten. 40 mal 25, das sind tausend Arme. Einige der 

Darstellungen sind tatsächlich mit tausend Armen ausgestattet. 

Thailands berühmtester Guanyin-Schrein steht in Bangkok, an der 

Suksonti Lane. Er wurde erst 1983 vom Mönch des Mahayana- 


Ordens, Guang Seng, erbaut. Hier treffen sich an hohen Feiertagen 

Tausende, die Guanyin anbeten und Hilfe erflehen. Die Anlage 

ist Zeugnis eines Zeitgeistes, der sich weit entfernt hat von den 

ursprünglichen Tugenden der Bescheidenheit. Hier manifestieren 

sich Prunk und Herrlichkeit, die die Anlage zu einer Attraktion 

werden lassen. Tausende von Statuen, aus wertvollstem Material 

gefertigt, säumen einen zentralen Turm, der weit über die 

Gebäude der vorstädtischen Umgebung ragt. Im Inneren brennen 

Tausende Kerzen und Räucherstäbchen, sie erfüllen die Räume mit 

beissendem Rauch. Hunderte Glocken erklingen, angeschlagen 

von den Gläubigen, die um grosse Springbrunnen ihre Runden 

ziehen. Diesen Tempel zu besuchen, ist ein Fest für die Sinne. Der 

westliche Betrachter wird sich möglicherweise die Frage stellen, 

ob die buddhistische Gegenwartskunst in ferner Zukunft die 

gleiche Bewunderung finden wird wie die der Vergangenheit. Auch 

wenn man die formalen Aspekte der Devotionalien und der zur 

Verehrung bestimmten Monumente losgelöst von den religiösen 

Bestimmungen sehen würde, müsste die Feststellung Platz greifen: 

Bei aller handwerklichen Perfektion ist das Ergebnis reiner Kitsch. 

Diese Entwicklung trifft nicht nur auf die buddhistische Kunst 

zu, sie ist ein weltweites Phänomen innerhalb der Religionen. Es 

könnte aber auch sein, dass wir vor dem Hintergrund unseres 

Zeitgeistes die Formensprache derer, die die Massen erreichen 

wollen, nicht mehr verstehen. Die Geschichte wird diese Frage 

beantworten. 

Miao Shan und der Duftende Berg 

Diese Erzählung wurde im Jahre 1164 vom Historiker Lung-Hsing 

einer buddhistischen Chronik entnommen. Daraus geht hervor, 

dass der von 596 bis 667 u. Z. lebende Tao-Hsüan von einem Engel 

Folgendes erzählt bekam: 

Vor langer Zeit herrschte ein König namens Miao Chuang Yen. 

Seine Gemahlin Pao Ying gebar ihm drei Töchter; die älteste hiess 

Miao Yen, jene mittleren Alters Miao Yin und die jüngste Miao 

Shan. Als sie Miao Shan empfangen hatte, waren seltsame Dinge 

geschehen. Sie hatte geträumt, den Mond verschluckt zu haben, 

und als sie erwacht war, hatte es Blüten geregnet. Bei der Geburt 

Miao Shans füllte sich die Atmosphäre mit himmlischen Düften 

und liebliche Musik erklang allerorts. Als das Kind den Schoss 

seiner Mutter verlassen hatte, staunten die Anwesenden. Das 

Kind war so sauber und frisch, dass man es nicht mehr zu waschen 

brauchte. Sein Körper war mit farbigen Wolken bedeckt. 

Die Kunde von der Geburt einer Heiligen sprach sich schnell 


herum und überall herrschte ungetrübte Freude. Nur die Eltern 

der kleinen Miao Shan wollten nichts von diesem Wunder wissen 

und verfluchten, weil ihre Herzen verdorben waren, die kleine 

Miao Shan. Die Jahre vergingen, und als Miao Shan ein Kind 

geworden war, zeigte sie alle Anzeichen eines Bodhisattva. Sie war 

liebenswürdig und sanftmütig, sie hielt sich an die Fastengebote 

und kleidete sich bescheiden. Im Palast nannte man sie das 

Mädchen mit dem Herzen eines Buddhas. Durch ihre Anwesenheit 

veränderten sich die Sitten am Hof. Alle dort lebenden Frauen und 

Männer wandten sich einem besseren Leben zu und entsagten 

jeglichen Begierden. Nur Miao Shans Vater war über den 

unerwünschten Einfluss, den sie nahm, erzürnt. Also suchte er ihr 

einen Mann, den sie ehelichen sollte. Miao Shan erklärte ihren 

Eltern, dass sie tun werde, was man von ihr verlangt, wenn dadurch 

drei Unglücke verhindert werden könnten. Als man sie nach der 

Art der Unglücke fragte, erklärte sie: 

„Das erste ist das Unglück, alt zu werden und mit dem Alter viele 

Fähigkeiten zu verlieren. Das zweite sind die Krankheiten, die 

einen Menschen befallen können, der gerade noch gelenkig und 

kraftvoll war. Nun liegt er im Bett und hat die Freude am Leben 

verloren. Als drittes Unglück ist der Umstand zu nennen, dass 

jeder Mensch, so viele Freunde und Verwandte er auch haben 

mag, nach seinem Tode durch keinen von ihnen zu ersetzen ist. 

Wenn diese drei Unglücke durch meine Heirat zu verhindern sind, 

dann werde ich einwilligen. Wenn nicht, dann werde ich meinem 

Keuschheitsgelübde treu bleiben.“ 

Das erzürnte den König zutiefst und er liess sie von da an die 

niedersten Arbeiten am Feld und im Garten verrichten. Die 

Königin, die Mitgefühl für Miao Shan empfand, bat den König, sie 

freizugeben, damit sie das von ihr so innig gewünschte religiöse 

Leben führen könne. Trotz seines Zornes willigte er ein. Er rief 

die Nonnen vom Kloster des Weissen Sperlings (Po-Ch’üeh Ssu) 

und trug ihnen auf, Miao Shan so grob zu behandeln, dass diese 

ihre Meinung ändern würde. Die eingeschüchterten Nonnen 

gaben Miao Shan die schwersten Arbeiten, aber niemand konnte 

übersehen, dass sich durch ihre Anwesenheit alles veränderte. 

Plötzlich wuchs das Gemüse auch im Winter, und Quellen 

entsprangen so nahe am Haus, dass man sich die Mühsal des 

Wasserholens ersparen konnte. 

Duftenden Berg (Hsiang-Shan). Hier lebte sie friedvoll viele Jahre. 

Inzwischen erkrankte ihr Vater aus Verbitterung. Als er einen 

Mönch zu Hilfe rief, erklärte ihm dieser: „Ich kann dich heilen, 

doch dazu brauche ich die Augen und Arme einer Person, die 

frei von Sünde ist.“ So eine Person gab es im Palast des Königs 

nicht. Der Mönch erklärte, dass es am Duftenden Berg einen 

Bodhisattva gebe, der sicher bereit sei, ihm zu helfen. So sandte 

der König seinen Diener zum Duftenden Berg; dort traf dieser 

Miao Shan. Sie sagte: „Mein Vater hat viel Böses getan, er liess 

Nonnen ermorden und unterdrückte die wahre Lehre. Wenn er 

sich aber ändern würde, wäre ich bereit, das Opfer zu bringen.“ 

Ohne die Antwort abzuwarten, schnitt sie sich die Augen aus dem 

Kopf und hackte sich die Arme ab. Sie übergab alles dem Diener 

und beauftragte ihn, ihren Vater zu ermahnen. Als der Bote dem 

Mönch Augen und Arme übergab, braute dieser eine Medizin 

daraus, die den König auf der Stelle heilte. Er entlohnte den Mönch 

königlich, doch dieser sagte: „Warum bedankst du dich nicht bei 

dem Bodhisattva, der dir Augen und Arme gegeben hat?“ Dann 

war er verschwunden. Der König rief seinen Kutscher und befahl 

ihm, ihn zusammen mit seiner Frau und den beiden Töchtern zum 

Duftenden Berg zu fahren, damit er sich bedanken könne. 

Als sie dort eintrafen, erkannte die Königin sofort ihre Tochter 

Miao Shan. Sie fielen sich weinend in die Arme, und während 

Verwirrung und Schuldgefühle den König plagten, erfüllte sich der 

Raum mit verheissungsvollen Klängen. Bunte Wolken zogen auf, 

dieselben, die bei der Geburt Miao Shans ihren Körper verhüllt 

hatten. Wieder regnete es Blumen vom Himmel, und während 

die Menschen herbeieilten, leitete sich die heilige Manifestation 

ein. Ein Bodhisattva mit tausend Armen und Augen schwebte 

in den Himmel. Tausende waren gekommen, um das Wunder 

zu bezeugen. Schliesslich nahm Miao Shan wieder ihre irdische 

Gestalt an und verschwand mit grosser Erhabenheit. 

Auf die Frage, ob ein Bodhisattva jederzeit die Form eines 

Sterblichen annehmen könne, antwortete der Engel: „Ja, von allen 

Orten innerhalb Chinas ist der Duftende Berg der erhabenste. 

Auf diesem Berg ereignen sich bis heute die größten Wunder. 

Er liegt zweihundert Meilen südlich vom Berg Sung. Er ist identisch 

mit dem heutigen Ju-Chou.“ 

Nach Jahren, als der König von den Wundern erfuhr, die sie 

wirkte, entwickelte er grossen Hass gegen seine jüngste Tochter, 

die inzwischen mehr bewundert wurde als er selbst. Er wollte 

dem Spuk ein Ende bereiten und sandte Soldaten zum Kloster 

mit dem Auftrag, ihm den Kopf seiner Tochter zu bringen und 

alle dort lebenden Nonnen zu töten. Doch als die Soldaten sich 

ihrem Ziel näherten, kam so dichter Nebel auf, dass sie es aus den 

Augen verloren. Als es tags darauf wieder aufklarte, war Miao Shan 

verschwunden. Sie war von einem Geist gerettet worden, der sie 

auf einem entfernten Felsen abgesetzt hatte. Doch auf diesem 

Felsen konnte sie nicht bleiben, so karg und lebensfeindlich war 

die Umgebung. Nachdem sie an zwei weitere Orte mit ähnlichen 

Bedingungen gelangt war, fand sie schliesslich ihr Ziel: den 


Bruno Gironcoli inmitten seiner „Kinder“ 

im ehemaligen Bildhaueratelier der Stadt Wien 

© Foto Gerhard Merzeder, 1997 

Bruno Gironcoli 

Der Bildhauer und Sammler ist am 19. Februar 2010 nach langer, 

schwerer Krankheit 73-jährig in Wien gestorben. 

Er zählte zu den bedeutendsten österreichischen Künstlern 

der Nachkriegszeit. Geboren in Villach, absolvierte er eine 

Goldschmiedlehre in Innsbruck, um anschliessend Bildhauerei 

an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien zu studieren. 

Während eines Studienaufenthaltes in Paris begegnete er Alberto 

Giacometti, dessen Werke ihn beeinflussten. Monsignore Maurer, 

der damalige Leiter der „Galerie nächst St. Stephan“, zeigte 1968 

erstmals Arbeiten Gironcolis. In dieser Zeit arbeitete er mit Holz, 

Nylon, Eisen, Aluminium, Glas und Pech. Neun Jahre später wurde 

er als Leiter der Bildhauerschule an die Akademie der bildenden 

Künste berufen, wo er als Nachfolger Fritz Wotrubas bis 2004 tätig 

war. 1993 erhielt er den österreichischen Staatspreis und war im 

selben Jahr der offizielle Vertreter Österreichs bei der Biennale in 

Venedig. Im Jahre 2004 wurde im Park von Schloss Herberstein ein 

Gironcoli-Museum eröffnet, in dem die bislang umfangreichste 

Schau seiner Arbeiten zu sehen ist. 

Bruno Gironcoli war ein begeisterter Sammler afrikanischer und 

asiatischer Kunst. Sein Zugang zu fremden Kulturen war aber 

nicht unumstritten. Er erwarb ethnografische Objekte aus rein 

subjektiver Sicht und „verbesserte“ manche von ihnen durch 

Übermalungen oder durch Amputationen. Er bemächtigte sich 

der ethnografischen Kunst mit dem Argument: „Ich habe es 

gekauft, ich kann damit machen, was ich will.“ Glücklicherweise 

entstammten die von ihm „verbesserten“ Objekte nicht 

den wertvollsten Kategorien, sodass es durchaus auch 

Wertsteigerungen durch die Überarbeitungen gegeben hat. 

Vittorino Meneghelli 

© Foto Totem Gallery 

Vittorino Meneghelli 

Ein grosser Sammler und Kulturvermittler ist am 8. Februar 2010 

von uns gegangen. Zu den schillerndsten Persönlichkeiten unter 

den Sammlern afrikanischer Kunst gehörte der im 94. Lebensjahr 

verstorbene Industrielle und Künstler Vittorino Meneghelli. 

Seine Kindheit und Jugend verbrachte er in Mirano, einer kleinen 

Ortschaft nahe Venedig. Bereits damals zeichnete sich sein 

Lebensweg ab. Er fühlte sich der Kunst verpflichtet und war am 

Aufbau der Künstlergruppe Il Fronte Nuovo delle Arti wesentlich 

beteiligt. Durch seine Künstlerfreunde, besonders aber durch 

Alberto Viani, erlangte er Zugang zur afrikanischen Ritualkunst. 

Diese Faszination begleitete ihn ein Leben lang und mündete in 

der Meneghelli Collection, die er in Johannesburg etablierte. Als 

Industrieller lebte er von 1945 bis zu seinem Tod in Südafrika 

und arbeitete dort am Aufbau der grössten ethnografischen 

Sammlung des Landes. Ihm ist es zu verdanken, dass es zu 

einer Rückbesinnung und zu einer neuen Wertschätzung der 

afrikanischen Kunst innerhalb der Ursprungsländer gekommen ist. 

Seine Sammlung war nach persönlichen Kriterien aufgebaut, sie 

folgte nicht dem weltweiten Trend, nur auserlesene Objekte zu 

zeigen. Der Sammler Meneghelli war besonders von der Vielfalt 

und vom Reichtum der afrikanischen Kunst begeistert. Diesen 

wollte er den Menschen erschliessen und zugänglich machen. 

Tausende haben dieses Angebot angenommen. 


in memoriam 

Ernst Beyeler mit seiner yu'pik-Maske 

der Kuskokwim, Alaska, um 1900 

Fondation Beyeler, Riehen/Basel 

© Foto Jürg Ramseier, 2000 

Ernst Beyeler 

Der Galerist und Sammler Ernst Beyeler ist 89-jährig gestorben. 

Bereits zu Lebzeiten war er eine Legende, ein Ausnahme- 

Schweizer, dessen Werk als einzigartig gelten darf. Seine Laufbahn 

begann in den 1940er-Jahren, in denen er Ökonomie und 

Kunstgeschichte studierte. Der damals knapp Zwanzigjährige 

arbeitete neben dem Studium in einem Basler Antiquariat, das 

er 1945 übernahm. Von da an widmete er sich dem Kunsthandel 

und verzeichnete zwischen 1959 und 1965 seinen ersten grossen 

Erfolg durch den Ankauf der Sammlung Thompson in Pittsburgh 

(USA). Aus dieser umfangreichen Kollektion gingen zahlreiche 

Werke von Cézanne, Monet, Picasso, Matisse, Léger, Mondrian, 

Braque und Klee an verschiedene Museen. Unter anderem kehrten 

80 Werke Giacomettis durch seine Initiative in die Schweiz zurück. 

Mit seiner Frau war er 1971 auch Mitbegründer und bis 1992 

Mitorganisator der weltweit führenden Kunstmesse Art Basel. 

Neben seiner erfolgreichen Tätigkeit als Kunsthändler erlangte 

auch seine private Sammlung internationales Renommee. Zu den 

Werken der Klassischen Moderne gesellten sich ethnografische 

Objekte aus Afrika und Ozeanien. Im Jahre 1997 eröffnete er das 

Beyeler-Museum in Riehen bei Basel, das wegen des enormen 

Publikumsinteresses schon 1999 durch einen Erweiterungsbau 

ergänzt werden musste. Die grossen Sonderausstellungen ziehen 

bis heute Scharen von Besuchern und Besucherinnen an. So durfte 

sich die Fondation Beyeler im Jahre 2008 über 300 000 Besucher 

freuen. Mit dieser Akzeptanz hat sich das Museum an die Spitze 

der Schweizer Ausstellungsbetriebe gereiht. 

Wenn private Initiativen zu Institutionen werden, verblassen oft 

die Namen derer, die sie ermöglicht haben. Ernst Beyeler und seine 

Frau Hildy werden im Gedächtnis jener bleiben, denen sie ihr Werk 

gewidmet haben: einer Öffentlichkeit, die die Dimension und 

Qualität dieses Erbes zu würdigen weiss. 


ücher 

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© 5 Continents Editions 

© Éditions Flammarion 

© 5 Continents Editions 

© Éditions Somogy 

STATUAIRE BABEMBÉ/ 

BABEMBE SCULPTURE 

Autoren: Raoul Lehuard und 

Alain Lecomte 

Anhand sorgfältig ausgewählter 

Werke aus Museen und 

Privatsammlungen stellen Raoul 

Lehuard und Alain Lecomte die 

Schnitzkunst der Babembe und ihrer 

nächsten Nachbarn – Babwende, 

Bateke, Badondo-Kamba und 

Minkenge – vor. Charakteristische 

Objekte im Kunstschaffen dieser 

im südwestlichen Zentralafrika 

ansässigen Ethnien sind geschnitzte 

Statuetten, deren Grösse in der 

Regel nur zwischen etwa zehn und 

zwanzig Zentimetern erreicht. Die 

kleinen Plastiken sind besonders 

detailreich gestaltet; die auffälligen 

Augen bestehen zum Beispiel 

aus Einlegearbeiten aus Elfenbein 

oder Keramik, werden aber auch 

mithilfe von Knochenstückchen 

und Perlen betont. Grosse Sorgfalt 

wurde auch auf die komplexen 

Muster am Bauch verwandt, die 

Skarifizierungsnarben darstellen. 

Ein weiteres typisches Merkmal 

sind die überdimensionierten Füsse 

der zugleich kraftvoll und zierlich 

wirkenden Figuren. Die äusserst 

ästhetischen Statuetten wurden 

vorwiegend im religiösen und 

medizinischen Kontext verwendet. 

210 Seiten mit 130 Fotos 

Gebunden mit Schutzumschlag 

5 Continents Editions 

ISBN 978-88-7439-544-6 

€ 60,– 

Zweisprachige Ausgabe Französisch/ 

Englisch ab Mai 2010 

www.fivecontinentseditions.com 

MUSEE DU QUAI BRANLY 

LA COLLECTION 

Herausgeber: Yves Le Fur 

Mit Texten von 150 international 

bekannten Experten 

Das vor wenigen Jahren in Paris eröffnete 

Musée du quai Branly besitzt 

weltweit eine der schönsten und grössten 

Sammlungen aussereuropäischer 

Kunst. Mit dem Ende 2009 publizierten 

Buch „Musée du quai Branly: 

La Collection“ führt der Kurator des 

Museums, Yves Le Fur, Experten und 

interessierte Laien auf eine kunst- und 

kulturhistorische Entdeckungsreise. 

„La Collection“, gleichzeitig auf Englisch 

unter dem Titel „The Collection“ 

erschienen, ist ein beeindruckender 

Bildband auf hohem wissenschaftlichen 

Niveau. In sechs Teilbände 

gegliedert, behandelt er die Kunst 

Afrikas, Asiens, Ozeaniens, Süd- und 

Nordamerikas und basiert zudem auf 

den fotografischen und historischen 

Abteilungen des Museums. In den 

geografisch definierten Sektionen 

des Buchs sind jeweils vierzig der bedeutendsten 

Werke aus der riesigen 

Sammlung des Museums abgebildet. 

Essays von verschiedenen Autoren 

erläutern deren künstlerische und 

kunsthistorische Bedeutung sowie 

den kulturellen Kontext der einzelnen 

Objekte. Ausgezeichnet mit dem Prix 

du Livre d’Art Tribal 2009. 

480 Seiten mit 250 Farbabbildungen 


Grösse: 24,8 x 30,7 x 4,3 cm 

Skira-Flammarion 

ISBN 978-2-081208-76-6 

€ 55,– 

www.editionsflammarion.com 

CHINESE TRADE CERAMICS FOR 

SOUTHEAST ASIA FROM THE 

I TO XVII CENTURY 

Collection of Ambassador and 

Mrs. Charles Müller 

Autorin: Monique Crick 

Der umfassende Bildband präsentiert 

die (Handels-)Geschichte und 

die künstlerische Entwicklung der 

chinesischen Exportkeramiken 

anhand der herausragenden Objekte 

der Sammlung Müller in der Genfer 

Fondation Baur. Dank ihrer Schönheit, 

feinen Farbgebung und ihrer exquisiten 

Formen werden chinesische 

Exportkeramiken seit Generationen 

von Kunstliebhabern, Sammlern und 

Wissenschaftlern als Kunstwerke 

bewundert. Von der Swatow-Ware 

bis zum jadegrünen Seladon der 

Song- und Yuan-Zeit (11. bis 14.Jh.) 

und zum berühmten blau-weissen 

Porzellan der Ming-Dynastie (14. bis 

17. Jh.) präsentiert Monique Crick, 

Direktorin der Fondation Baur und 

international renommierte Expertin 

für chinesisches Porzellan, in diesem 

aussergewöhnlichen Buch eine breite 

Palette von Objekten, die in Chinas 

Werkstätten ausschliesslich für die 

Ausfuhr zu den Märkten in Südostasien 

produziert und gestaltet wurden. 

Sehr häufig sind dies Gegenstände 

des täglichen Gebrauchs, etwa Teller, 

Tassen und Teekannen. Die Kunstwerke 

aus über 15 Jahrhunderten 

sind hervorragend fotografiert und 

detailliert beschrieben. 



5 Continents Editions in Zusammenarbeit 

mit der Fondation Baur, Genf 

ISBN 978-88-7439-463-0 

£ 85,–/€ 84,– 

ab Mai 2010 

www.fivecontinentseditions.com 

TEOTIHUACAN. 

GEHEIMNISVOLLE 

PYRAMIDENSTADT 

Herausgeber: Musée du quai 

Branly und Felipe Solís 

Katalog zu den Ausstellungen in 

Paris, Zürich und Berlin 2009/10 

Teotihuacan war eine kosmopolitische 

Metropole, die den gesamten 

mesoamerikanischen Raum politisch 

dominierte und kulturell prägte. 

Teotihuacans Blütezeit währte über 

500 Jahre, bis im 7. Jh. u. Z. eine 

verheerende Brandkatastrophe seinen 

Niedergang einleitete. Die riesige 

Stadt war schachbrettartig angelegt, 

eine breite Prozessionsstrasse bildete 

ihre Hauptachse. Diese verband 

die beiden gewaltigsten Bauwerke 

Mesoamerikas: die Pyramide 

der Sonne und die Pyramide des 

Mondes. Der reich bebilderte 

Ausstellungskatalog präsentiert 

rund 450 Objekte, hauptsächlich 

aus mexikanischen Museen. Er 

ermöglicht zudem einen ersten Blick 

auf kürzlich gemachte spektakuläre 

Funde, darunter die prachtvollen 

Beigaben aus den Gräbern in der 

Mondpyramide. Zu bewundern 

sind unter anderem Skulpturen, 

Masken. Weihrauchgefässe sowie 

Wandgemälde, die Götter und Rituale 

zeigen. 



Grösse: 24,5 x 29,5 cm 

Éditions Somogy 

ISBN 978-2-7572-0296-8 

sfr 68,–/€ 55,– 

Deutsche Ausgabe 

www.somogy.net 



agenda österreich 

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© Pressebilder des jeweiligen Veranstalters 

leoben 

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schwaz 

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wien 

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Kunsthalle Leoben 

Kirchgasse 6 

A-8700 Leoben 

T: +43 (0)3842 4062-408 

F: +43 (0)3842 4042-410 

kunsthalle@leoben.at 

www.leoben.at 

Dienstag bis Sonntag 9–18 Uhr 

Eintritt: Erwachsene e 9,–/ 

Kinder, Jugendliche e 4,50 

ALEXANDER DER GROSSE 

bis 1. November 2010 

Ein junger makedonischer König 

erobert um 300 v. u. Z. in nur 12 

Jahren ein gigantisches Reich, das 

sich bis nach Indien erstreckt. Ein genialer 

Feldherr und global denkender 

Regent, ein brutaler Eroberer und 

gelehrter Philosoph, von niemand 

Geringerem als von Aristoteles 

unterrichtet, dem das Unglaubliche 

gelingt – das grösste Reich in der 

Geschichte der Alten Welt wird ein 

einziges hellenistisches Imperium. 

Das antike Erbe dieses faszinierenden 

Herrschers präsentiert 2010 die 

Kunsthalle Leoben anhand hochkarätiger 

Exponate aus allen Teilen dieses 

ersten Weltreiches. 

Haus der Völker 

Museum für Kunst und 

Ethnographie 

St. Martin 16 

A-6130 Schwaz 

T: +43 (0)5242 66090 

F: +43 (0)5242 66091 

info@hausdervoelker.com 

www.hdv-online.eu 

geöffnet täglich (365 Tage im Jahr) 

10–18 Uhr 

Eintritt: e 6,–/ermässigt e 4,– 

Das Erbe Chinas 

bis 16. Mai 2010 

Die Ausstellung „Das Erbe Chinas“ 

im Haus der Völker hat es sich zur 

Aufgabe gemacht, ein Bild einer 

chinesischen Kultur zu zeichnen, 

das weitab der bekannten Sujets 

Schätze aus Tempeln und Kultstätten 

zeigt, deren Holzskulpturen 

einen Zeitraum von tausend Jahren 

umspannen und deren Steinobjekte 

von der Gandhara-Zeit bis in die 

Ming-Periode reichen. 

Westafrikanische 

Textilien 

23. Mai–12. September 2010 

wattens 

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Swarovski Kristallwelten 

A-6112 Wattens 

T: +43 (0)5224 51080 

www.kristallwelten.com 

Musik im Riesen 

5.–9. Mai 2010 

Museum für Völkerkunde 

Heldenplatz 

A-1010 Wien 

T: +43 (0)1 52524-0 

F: +43 (0)1 52524-5199 

info@ethno-museum.ac.at 

www.ethno-museum.ac.at 

Mi–Mo 10–18 Uhr 

Das Museum für Völkerkunde ist von 

30. März bis 10. Mai 2010 aufgrund 

von Abbau- und Aufbauarbeiten für 

die grossen Sonderausstellungen 

geschlossen. 

James Cook und die 

Entdeckung der Südsee 

12. Mai–13. September 2010 

Der britische Seefahrer und Entdecker 

James Cook (1728–1779) wurde 

durch drei Expeditionsreisen in die 

damals noch unbekannten Weiten 

des Pazifischen Ozeans berühmt. Ihm 

gelang es erstmalig, Neuseeland, 

Australien und die Inselwelt der Südsee 

zu kartografieren. Damit vervollständigte 

er unser neuzeitliches Bild 

von der Erde und widerlegte die Vorstellung 

von einem mythischen Südkontinent. 

Die Ausstellung erzählt 

mit rund 500 Exponaten von den 

Reisen des James Cook und seines internationalen 

Wissenschaftlerteams, 

das im Zeitalter der europäischen 

Aufklärung in einer Vielzahl von Disziplinen 

neue Erkenntnisse beitragen 

konnte: in Navigation, Astronomie, 

Naturgeschichte, Philosophie 

und Kunst. Darüber hinaus haben 

diese Reisen die Begründung einer 

neuen Wissenschaft ermöglicht, der 

Ethnologie. Zum ersten Mal werden 

in Bonn die von den Cook-Reisen 

mitgebrachten ethnografischen und 

naturhistorischen Objekte aus den 

verschiedensten pazifischen 

Kulturen wieder zusammengeführt, 

nachdem sie bereits Ende des 18. 

Jahrhunderts in frühe völker- und 

naturkundliche Sammlungen in ganz 

Europa verstreut worden waren. 

Viele der kostbaren Federornamente, 

Holzskulpturen und anderen ozeanischen 

Artefakte sind kunsthistorisch 

von unschätzbarem Wert, da 

Vergleichbares heute in der Südsee 

nicht mehr zu finden ist. Neben den 

ethnografischen Ausstellungsstücken 

werden prachtvolle Gemälde und 

Zeichnungen der mitreisenden Maler 

präsentiert, die den euphorischen 

und wissbegierigen Blick der Entdecker 

auf die exotischen Szenerien der 

Südsee eingefangen haben. Auch die 

gezeigten Schiffsmodelle, originalen 

Seekarten und Navigationsinstrumente 

machen die Cook-Reisen auf 

faszinierende Weise wieder lebendig. 

Eine Ausstellung der Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik 

Deutschland, Bonn, in Kooperation 

mit dem Institut für Ethnologie der 

Universität Göttingen, dem Kunsthistorischen 

Museum – Museum für 

Völkerkunde, Wien, und dem Historischen 

Museum Bern (7. Oktober 

2010 bis 13. Februar 2011). 


Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

Limited Edition 

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10 Ausgaben des A 4 -Magazins 

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( A L L E Ö 1 C L U B - V O R T E I L E F I N D E N S I E I N O E 1 . O R F . A T . ) 

Ö 1 G E H Ö R T G E H Ö R T . Ö 1 C L U B G E H Ö R T Z U M G U T E N T O N .

agenda schweiz 

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basel 

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burgdorf 

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Museum der Kulturen Basel 

Augustinergasse 2 

CH-4051 Basel 

T: +41 (0)61 2665600 

F: +41 (0)61 2665605 

info@mkb.ch 

www.mkb.ch 

Di–So 10–17 Uhr 

Eintritt: sfr 7,–/ermässigt sfr 5,– 

Das Ausstellungsprogramm beschränkt 

sich wegen Renovierung 

bis 2010 auf die Sonderausstellung. 

raffiniert und schön – 

Textilien aus Westafrika 

bis 16. Mai 2010 

Das Museum der Kulturen besitzt 

eine bedeutende Sammlung 

westafrikanischer Textilien, die 

Mitte der 1970er-Jahre systematisch 

angelegt und dokumentiert worden 

ist. Auf einer vom Schweizerischen 

Nationalfonds finanzierten Reise 

von Lagos nach Dakar trugen Dr. 

Renée Boser-Sarivaxévanis, damals 

Konservatorin der Afrika-Abteilung, 

und der heutige Afrika-Kurator Bernhard 

Gardi während 16 Monaten 

diese Kollektion zusammen. Jetzt, 

eine Generation später und auf 

das 50. Unabhängigkeitsjahr vieler 

afrikanischer Staaten hin, präsentiert 

das Museum der Kulturen erneut die 

Schönheit der mittlerweile selten 

gewordenen klassischen Textilkunst 

Westafrikas. 

Museum für Völkerkunde Burgdorf 

Im Schloss 

Postfach 67 

CH-3402 Burgdorf 

T: +41 (0)34 4230214 

F: +41 (0)34 4230448 

mfv@schloss-burgdorf.ch 

www.kulturschloss.ch 

April–Oktober: Mo–Sa 14–17 Uhr; 

So 11–17 Uhr 

November–März: So 11–17 Uhr 

Eintritt: 

sfr 5,–/Kinder ab 6 Jahre sfr 2,– 

An den Ufern des 

Amazonas 

Eine Reise zu den indianischen 

Kulturen Südamerikas 

bis Ende 2010 

Das Museum für Völkerkunde 

Burgdorf beherbergt in seinen 

Beständen hochkarätige Objekte aus 

Peru, Brasilien und Kolumbien, die 

eine Zeitspanne von den altamerikanischen 

Kulturen bis zum heutigen 

Alltag der indianischen Bevölkerung 

umfassen. Die Mehrzahl dieser 

Stücke war bisher im Depot aufbewahrt 

und wird nun erstmals 

öffentlich gezeigt. 

Die Ausstellung nimmt Sie auf eine 

Reise mit, die von den Küstenwüsten 

Perus in die Regenwälder Amazoniens 

führt. Die ausgewählten Objektgruppen 

geben einen Einblick in die 

Alltags- und Vorstellungswelten der 

dort lebenden indigenen Völker. So 

erfahren Sie am Beispiel einer Hockermumie, 

wie im vorkolumbischen 

Peru die Toten bestattet wurden, und 

entdecken, was ein Forscher in den 

1940er-Jahren von seiner abenteuerlichen 

Amazonas-Expedition zu 

einem entlegenen Indianerstamm 

zurückgebracht hat. Einen weiteren 

Schwerpunkt bilden die Keramiken 

und Textilien der Shipibo-Conibo- 

Indianer, die zu den bekanntesten in 

Südamerika zählen. Die dekorativen 

Muster erzählen von den Visionen 

der Schamanen und der unsichtbaren 

Welt der Geister. 

Die Welt zu Gast in 

Burgdorf 

bis 9. Mai 2010 

Die Ausstellung zeigt, wie das Städtchen 

an der Emme 1909 zu seinem 

Völkerkundemuseum gekommen ist, 

und stellt die wichtigsten Persönlichkeiten 

vor, die den Werdegang des 

Museums geprägt haben. 

Zauber der Sahara 

ab 29. Mai 2010 

In der kleinen Galerie präsentiert die 

Ausstellung Bilder renommierter 

Fotografen und Objekte aus den 

Kulturen Nordafrikas. 

Helvetisches Goldmuseum Burgdorf 

Eymatt 19 

CH-3400 Burgdorf 

T: +41 (0)34 4230214 

www.schloss-burgdorf.ch 

goldmuseum@schloss-burgdorf.ch 

Eintritt: 

sfr 5,–/Kinder ab 6 Jahre sfr 2,– 

Gold in der Kunst 

Westafrikas 

bis 16. Mai 2010 

Gold inspirierte die Menschen seit 

jeher zu künstlerischem Schaffen. Sie 

gestalteten Werke, die Jahrhunderte 

überdauerten und heute wie 

damals die „Seele des Goldes“ zum 

Schimmern bringen. Dazu gehören 

auch die aus Gold gegossenen oder 

die goldplattierten Objekte der Akan 

in Ghana und der Elfenbeinküste. 

Leider liessen Portugiesen, Briten, 

Franzosen und Niederländer an der 

„Goldküste“ Westafrikas alles, was 

sie nach der Eroberung verächtlich 

„Fetischgold“ nannten, in den 

Schmelztiegel wandern, um das Gold 

als Rohmaterial handeln zu können. 

Trotzdem kann in der Ausstellung 

ein Teil der künstlerischen Tradition 

der Akan und Ashanti gezeigt 

werden. Besonders berühmt sind 

die im Wachsausschmelzverfahren 

hergestellten Schmuckscheiben und 

Anhänger aus Gold. Von einer Generation 

auf die nächste vererbt, macht 

der prächtige Goldschmuck den hohen 

Rang und den Wohlstand seines 

Besitzers sichtbar. Dazu kommen mit 

Goldfolie überzogene Sprecherstäbe, 

Fliegenwedel oder Prunkschwerter, 

Insignien hoher Würdenträger. 


Genf 

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Barbier-Mueller Museum Genf 

Rue Jean-Calvin, 10 

CH-1204 Genf 

T: +44 (0)22 3120270 

F: +44 (0)22 3120190 

musee@barbier-mueller.ch 

www.barbier-mueller.ch 

geöffnet täglich (365 Tage im Jahr) 

11–17 Uhr 

Bijoux de l’Homme, Bijoux 

de la Terre 

Collections Jean Paul & Alexis 

Barbier-Mueller 

bis 15. Mai 2010 

Die Schmuck-Kollektion ist ein 

wichtiger Teil des Barbier-Müller 

Museums. Das Musée des Arts 

Décoratifs in Paris präsentierte 

1994 eine Auswahl von rund 500 

Schmuckstücken der Sammlung an 

prominenter Stelle im Hauptsaal 

des Museums. Die Ausstellung mit 

dem Titel „Parure“ war in Paris ein 

grosser Erfolg und eine Offenbarung 

für die Öffentlichkeit. Auch wenn 

durch zahlreiche Neuerwerbungen 

die Sammlung erweitert wurde, und 

trotz anhaltender Nachfrage wurde 

die Schmuck-Kollektion seither 

nicht mehr gezeigt. Alexis, Enkel der 

Museumsgründer Jean Paul und Monique 

Barbier-Mueller, zeigte schon 

in sehr frühem Alter ein starkes 

Interesse an Mineralien. Fasziniert 

von der Fremdheit einzelner Stücke 

und ihren prächtigen Farben, besitzt 

er jetzt eine Sammlung von „Juwelen 

der Erde“, die Schönheit und Seltenheit 

verbinden. 

Mit dieser Ausstellung werden diese 

Mineralien erstmals im Museum 

präsentiert und den ethnischen, aus 

Rohmaterialien, Muscheln und Halbedelsteinen 

gefertigten Schmuckstücken 

der Barbier-Mueller - 

Sammlung gegenübergestellt. 

Das Herz der ausgewählten Exponate 

sind Miniatur-Skulpturen, wie etwa 

die kleinen Bronze-Figuren, die 

von den afrikanischen Völkern als 

Anhänger getragen werden. Diese 

Schmuckstücke erzählen uns ihre 

Geschichte und sind ein integraler 

Bestandteil der Kultur und der 

Denkweise der Menschen, die sie 

geschaffen haben. 

Bei der Auswahl der Exponate aus 

der Sammlung Alexis Barbier-Mueller 

wurde das Hauptaugenmerk nicht 

auf die Rarität der Stücke gelegt, 

sondern darauf, dass sie besonders 

spektakulär sind. Interessant ist auch, 

dass sowohl die Ausstellung als auch 

der exquisite Ausstellungskatalog 

eine grosse Anzahl von Exponaten 

aus dem Besitz von Josef Mueller, 

Gründer der Familiensammlung im 

Jahr 1907, mit Stücken vereint, die 

von einem Vertreter der vierten 

Generation – also 100 Jahre später – 

gesammelt wurden. 

Im Anschluss an Genf wird die Ausstellung 

im Museu Barbier-Mueller 

d’Art Precolombí in Barcelona und im 

Gold of Africa Barbier-Mueller Museum 

in Cape Town bis 2011 gezeigt. 

Musée d’Ethnographie de Genf 

MEG | Carl-Vogt 

Boulevard Carl-Vogt 65 

CH-1205 Genf 

T: +41 (0)22 4184550 

F: +41 (0)22 4184551 

musee.ethno@ville-ge.ch 

www.ville-ge.ch/eth 



Le regard de Kannon 

bis 20. Juni 2010 

Als Verkörperung des allumfassenden 

Mitgefühls ist Kannon die beliebteste 

Gottheit im buddhistischen 

Pantheon. Er wird in allen Ländern 

des Fernen Ostens verehrt: von 

Tibet bis nach Japan, in China, Korea, 

Vietnam, der Mongolei und sogar in 

Indonesien. Dies erklärt die vielen 

Namen in den verschiedenen asiatischen 

Sprachen, wie Avalokiteshvara, 

Guanyin, Chenrezig, Quan Am ... Sein 

Name war sogar direkte Inspiration 

für ein weltweit bekanntes Kamera- 

Unternehmen. 

Auch heute noch wird Kannon 

angerufen, und es werden zu seinen 

Ehren Wallfahrten unternommen, 

um seinen Schutz in schwierigen 

Phasen des Lebens und seine Begleitung 

in der Stunde des Todes zu 

erbitten. Kannon ist in der Lage, sich 

auf verschiedenste Weise in unserer 

Welt zu manifestieren. Daher ist 

er Gegenstand einer besonders 

reichen rituellen und volkstümlichen 

Ikonografie. Seine bildlichen und 

skulpturalen Darstellungen erfreuen 

sich bei Sammlern asiatischer Kunst 

grosser Beliebtheit. 

Die Ausstellung zeigt eine Fülle an 

verschiedenen Erscheinungsformen 

des Kannon-Kultes und untersucht 

deren Logik und Bedeutung, um das 

Phänomen und die Werte besser zu 

verstehen, mit denen sich immerhin 

ein Viertel der Weltbevölkerung nach 

wie vor identifiziert. 

Beginnend mit einigen der bemerkenswertesten 

Exponate des MEG 

bietet die Ausstellung die Möglichkeit, 

in die spirituelle Dimension 

einzutauchen: Kannon als Beschützer 

der Lebenden und Begleiter der 

Sterbenden. Im weiteren Verlauf 

vermittelt sie dem Besucher die 

anspruchsvollen Grundsätze 

der buddhistischen Ikonografie, 

insbesondere durch die Sammlung 

von religiösen Bildern aus Japan des 

berühmten Anthropologen André 

Leroi-Gourhan. Letztendlich ist der 

Besucher eingeladen, den Spuren 

jener zu folgen, die in Scharen zu 

den Kannon gewidmeten Tempeln 

pilgern. 

A madagaskar 

Photographies de Jacques 

Faublée, 1938-1941 

30. April – 20. Juni 2010 

2008 erhielt das MEG 12 000 Fotografien, 

die zwischen 1938 und 1965 

vom Ethnologen Jacques Faublée 

aufgenommen worden sind. 

Die Veröffentlichung eines Teils 

dieser Spende lädt ein zur Reflexion 

über die gleichermassen historischen 

wie aktuellen Beziehungen zwischen 

Ethnografie und Fotografie und über 

die Art, wie unsere fotografischen 

Inhalte der Öffentlichkeit zugänglich 

gemacht werden. 

Präsentation des 

Erweiterungsbaus MEG 

bis 20. Juni 2010 



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martigny 

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st. gallen 

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Musée et Chiens du Saint-Bernard 

Fondation Bernard et Caroline de 

Watteville 

Rue du Levant 34, CP 245 

CH-1920 Martigny 

T: +41 (0)27 7204920 

F: +41 (0)27 7204922 

info@museesaintbernard.ch 

www. museesaintbernard.ch 

geöffnet täglich 10–18 Uhr 


MASKen des HIMALAYAS 

bis Ende Dez. 2010 

Mit einer Rotation von mehr als 200 

Exemplaren aus bedeutenden privaten 

Sammlungen sowie berühmten 

Museen (Musée Barbier-Mueller, 

MEG in Genf, Museum der Kulturen 

in Basel) handelt es sich um die 

erste Ausstellung, die sich in diesem 

Umfang den Masken des Himalayas 

widmet. Die Ausstellung schliesst 

verschiedenste Einflüsse ein – animistisch 

und schamanisch, hinduistisch 

und buddhistisch –, gleichwohl deckt 

sie die ganze Himalaya-Region ab: 

vom Ladakh zum indischen Kashmir, 

von Nepal bis Bhutan und vom 

Arunchal Pradesh bis Tibet. Gezeigt 

wird ein umfangreiches Panorama an 

Masken aus dieser Region. 

Historisches und Völkerkundemuseum 

Museumstrasse 50 

CH-9000 St. Gallen 

T: +41 (0)71 2420643 

F: +41 (0)71 2420644 

info@hmsg.ch 

www.hmsg.ch 



Indiens Tibet – Tibets Indien 

bis 18. April 2010 

Der deutsche Archäologe August 

Hermann Francke erkundete bereits 

1909 den Westhimalaya und hielt 

zusammen mit seinem Fotografen 

Babu Pindi Lal diese faszinierende 

Landschaft und ihre Bevölkerung in 

Wort und Bild fest. Dreissig Jahre 

später flüchtete der österreichische 

Bergsteiger und Forschungsreisende 

Heinrich Harrer durch den Westhimalaya 

nach Tibet. Später kehrte 

er als freier Mann in die Gegenden 

zurück. 

Der Frankfurter Autor und Fotograf 

Peter van Ham bereist seit über 

zwanzig Jahren auf den Spuren Franckes 

und Harrers die Bergwüsten von 

Kinnaur, Spiti, Lahaul, Rupshu, Nubra, 

Zanskar und Ladakh. 

Bequemer und sicherer durchqueren 

die Besucher/innen der Ausstellung 

von Shimla nach Ladakh auf alten 

Pfaden und neuen Wegen, entlang 

atemberaubender historischer und 

gegenwärtiger Fotografien, vorbei an 

beeindruckenden kulturellen und religiösen 

Zeugnissen aus über tausend 

Jahren, um am Ende die innere und 

äussere Reise im Einklang zu erleben. 

Verborgener Zauber 

Afghanistans 

Fotografie-Ausstellung Herbert 

Maeder 

bis 13. Juni 2010 

Die Berichterstattung in den Medien 

zeigt uns heute den afghanischen 

Vielvölkerstaat in Bildern, die wir 

schnell wieder vergessen möchten. 

Ganz anders die Fotografien von Herbert 

Maeder, die ein lebendiges und 

farbenfrohes Land von zauberhafter 

Schönheit widerspiegeln. Ursprünglich 

haben die imposanten Berge des 

Hindukusch den Appenzeller Fotojournalisten 

Ende der 1960er-Jahre 

nach Afghanistan geführt. Neben 

den Bergwelten hat Herbert Maeder 

dort vor allem Menschen gefunden – 

Menschen, die sein Leben wesentlich 

geprägt haben. Die Fotografien von 

geduldig arbeitenden Hazaraz, stolzen 

nomadisierenden Paschtunen, 

verwegenen Buzkaschireitern, einflussreichen 

Kaufleuten und modernen, 

emanzipierten Frauen zeigen ein 

Afghanistan, wie es leider nicht mehr 

existiert. Die Sonderausstellung ist in 

die überregionale Ausstellungsreihe 

„Berge – Menschen – Kulturräume“ 

eingebunden, welche anlässlich des 

80. Geburtstags von Herbert Maeder 

Höhepunkte seines fotografischen 

Schaffens vorstellt. 

Vom rätselhaften 

Gegenstand zum 

Ausstellungsobjekt 

Sonderausstellung im Anschluss 

an die Afrika-Tagung 

28.–30. Mai 2010 

Die Vereinigung der Freunde Afrikanischer 

Kulturen veranstaltet ihre 

Frühlingstagung im Historischen und 

Völkerkundemuseum in St. Gallen. 

Über die Jahre haben zahlreiche 

Afrikana durch Schenkungen den 

Weg ins St. Galler Museumsmagazin 

gefunden. Eine wissenschaftliche 

Beurteilung und Einordnung der 

Objekte fehlt aber. An der Tagung 

werden rund 100 Afrikaspezialisten, 

Sammler und Ethnologen die 

unbeschriebenen Gegenstände in 

Workshops analysieren und bewerten. 

Bei Vorträgen, Podiumsdiskussionen 

und einem Filmabend werden 

aktuelle Fragen zu den afrikanischen 

ethnografischen Objekten erörtert. 

Im Anschluss an die Tagung verlegen 

Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter 

des Historischen und Völkerkundemuseums 

ihren Arbeitsplatz in den 

grossen Ausstellungssaal. Inventarisatoren, 

Registrare und Restauratoren 

bearbeiten die unzähligen unbekannten 

Afrika-Gegenstände aus dem 

Depot im Dachboden. Sie erklären 

dem Publikum ihre Arbeit und stellen 

die neu bestimmten Objekte in einer 

Ausstellung vor. 


zürich 

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Mumien – Ägyptische Grabschätze 

aus Schweizer 

Sammlungen 

19. Juni–Oktober 2010 

Das Interesse für Mumien und 

ägyptische Grabschätze hat auch in 

der Schweiz eine lange Tradition. 

Im Zuge der auf die Entdeckung des 

Grabes von Tutanchamun folgenden 

„Ägyptomanie“ sind viele Objekte 

aus Ägypten in die Schweiz gelangt. 

Davon legen Bestände in zahlreichen 

Schweizer Museen und Sammlungen 

Zeugnis ab. Das Historische und 

Völkerkundemuseum hat 1957 von 

der Erziehungsdirektion des Kantons 

Glarus einen Sarkophag mitsamt 

Mumie erhalten. Letztere ist in den 

letzten Jahren gründlich untersucht, 

aber noch nie öffentlich ausgestellt 

worden. Zusammen mit zahlreichen 

Ägyptiaka aus der eigenen Sammlung 

und von weiteren Schweizer Museen 

steht die Sommerausstellung ganz 

im Zeichen der menschlichen Vergänglichkeit 

und des Glaubens an ein 

Weiterleben nach dem Tod. 

Nordamerika Native Museum 

(NONAM) 

Seefeldstrasse 317 

CH-8008 Zürich 

T: +41 (0)43 4992440 

F: +41 (0)43 4992449 

nonam@ssd.stzh.ch 

www.stadt-zuerich.ch/nonam 

Di–Fr 13–17 Uhr, Mi 13–20 Uhr, 

Sa, So sowie an eidg. Feiertagen 

10–17 Uhr 

Eintritt: sfr 8,–/ermässigt sfr 6,–/ 

Kinder sfr 3,–/Familien sfr 20,– 

m∂ntu'c - Little Spirits 

Die Sprache der Glasperlen 

Sonderausstellung bis 

15. November 2010 

Sie waren mehr als nur Perlen aus 

Glas. Ihre Formen glichen den Beeren 

des Waldes, ihr Glanz hatte etwas 

Übernatürliches. Für die Indianer, die 

zum ersten Mal Glasperlen aus der 

Hand europäischer Pelzhändler entgegennahmen, 

waren sie Geschenke 

der Götter. Nie zuvor hatten sie 

Ähnliches gesehen. Sie nannten die 

Perlen „Augen des grossen Geistes“, 

„kleine Geistersamen“ oder auch 

„kleine Mächte“. Dass sie dem Reich 

der Geister entstammten, schien 

unbestreitbar. Glasperlen erschienen 

den Indianern so wertvoll, dass 

sogar Pferde für eine Handvoll Perlen 

verkauft wurden. Die verbreitete 

Annahme, dass die Indianer sogar 

Manhattan für eine Handvoll Perlen 

an die Holländer verkauft haben, 

entstammt hingegen wohl dem Reich 

der Legenden. Doch es gibt andere 

spannende Geschichten, die Sie in 

der neuen Ausstellung erfahren können 

– und es gibt viele wunderschöne 

Perlenarbeiten zu sehen. 

Museum Rietberg Zürich 

Gablerstrasse 15 


T: +41 (0)44 20063131 

museum.rietberg@zuerich.ch 

www.rietberg.ch 

Di–So 10–17 Uhr, 

Mi, Do 10–20 Uhr 


Mexiko: Teotihuacan 

Geheimnisvolle Pyramidenstadt 

bis 30. Mai 2010 

Teotihuacan war einst die grösste 

Stadt im präkolumbischen Amerika – 

eine kosmopolitische Metropole mit 

einzigartigen Monumentalbauten. 

Zwischen 100 und 650 u. Z., also 

bereits rund 1 000 Jahre vor den 

Azteken, war die Stadt eine kulturelle 

und wirtschaftliche Grossmacht, 

die den gesamten mesoamerikanischen 

Raum beeinflusste. Eine 

breite Prozessionsstrasse bildete die 

Hauptachse der schachbrettartig 

angelegten Stadt. Sie verband die 

beiden gewaltigsten Bauwerke Mittelamerikas: 

die Pyramide der Sonne 

und die Pyramide des Mondes. Diese 

wurden von zahlreichen Tempelplattformen 

und Palastkomplexen 

flankiert. Malereien mit reichhaltiger 

Symbolik, in kräftigen Farben auf 

den noch feuchten Putz aufgetragen, 

schmückten ihre Wände. Die Stadt 

war unterteilt in Wohnbereiche 

und Handwerksviertel, aber auch in 

Quartiere, in denen Menschen aus 

anderen Gebieten Mexikos wohnten, 

die viel von ihrer heimatlichen Kultur 

beibehalten hatten. 

Die Blütezeit von Teotihuacan währte 

über 500 Jahre, bis es im 7. Jh. zu 

einer verheerenden Brandkatastrophe 

kam, welche den Niedergang der 

Pyramidenstadt einleitete. 

Zur Zeit der Azteken, im 15. und 

16. Jh., lag die Stadt schon seit fast 

einem Jahrtausend in Trümmern. 

Die Azteken waren es, die diesem 

geheimnisvollen Ort den Namen 

gaben: Teotihuacan, der „Ort, an 

dem man zu Gott wird“. Gemäss 

ihrer Schöpfungsmythologie wurde 

hier die Welt erschaffen. 

Die Ausstellung präsentiert rund 450 

Objekte aus Mexiko: farbenprächtige 

Wandmalereien, kostbare Tongefässe, 

Steinskulpturen, aus Obsidian 

geschnittene Figuren und wunderbaren 

Schmuck. Die Schau ermöglicht 

zudem einen ersten Blick auf kürzlich 

gemachte spektakuläre Funde wie 

die prachtvollen Opfergaben aus der 

Sonnen- und Mondpyramide sowie 

aus dem Tempel der Gefiederten 

Schlange. 

Und dennoch: Nur ein winziger 

Bruchteil von Teotihuacan ist bis jetzt 

erforscht. Noch immer umweht ein 

Hauch des Rätselhaften diesen Ort. 

Mit dieser grandiosen Sonderausstellung 

feiert Mexiko im Jahr 2010 das 

200-Jahr-Jubiläum seiner Unabhängigkeit 

und das 100-Jahr-Jubiläum der 

mexikanischen Revolution. 

genuss und rausch 

Betel, Tabak, Wein, Hasch und 

Opium in der indischen Maleriei 

Park-Villa Rieter 

bis 2. Mai 2010 

Tauchen Sie ein in die Welt von 

Genuss und Rausch! Lassen Sie sich 

von den nordindischen Bildern des 

16.–19. Jahrhunderts in der lauschigen 

Park-Villa Rieter stimulieren. 

Die dargestellten Rauschsubstanzen 

dienten nicht nur dem Genuss und 

der Benebelung der Sinne, sondern 

hatten vor allem auch soziale und 

religiöse Funktionen.


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zürich 

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Tabak, Betel und Wein waren an den 

Höfen der Moguln und Rajputen bei 

Zusammenkünften beliebte Substanzen; 

Gläubige opferten Wein oder 

konsumierten bhang (Cannabis), um 

im Rausch mit dem Göttlichen in Berührung 

zu kommen. In Betelblätter 

eingewickelte Areka-Nüsse wurden 

hohen Gästen zum Kauen angeboten, 

reich verzierte Wasserpfeifen 

von Dienern für fürstliche Gelage 

angefacht, vergorene Substanzen 

von Göttern aus silbernen Schalen 

getrunken und Opium und Hasch 

von den Sufis zur Sinneserweiterung 

konsumiert. 

Krishna 

Göttlicher Liebhaber 

Park-Villa Rieter 

4. Mai–29. November 2010 

Auch wenn Götter lieben, liegen Leidenschaft, 

Sehnsucht, Eifersucht und 

Enttäuschung nahe beieinander. In 

Versform erzählt das Lied des Kuhhirten 

von den amourösen Abenteuern 

Krishnas mit den Kuhhirtinnen. 

Lyrische Liebespfeile schwirren durch 

die Lüfte, die Hauptakteurin Radha 

erliegt dem Liebesrausch. 

Falken, Katzen, Krokodile 

Tiere im Alten Ägypten 

Novartis-Saal 

25. Juni–14. November 2010 

Im Alten Ägypten waren Tiere von 

grosser Bedeutung: Ihre Eleganz und 

Schönheit wurden bewundert, ihre 

Kraft wurde zugleich gefürchtet, vor 

allem aber wurden sie verehrt. Denn 

viele Tiere galten als Träger göttlicher 

Kräfte. So manifestierten sich beispielsweise 

die Gottheiten Horus im 

Falken, Bastet in der Katze und Sobek 

im Krokodil. 

Die Ausstellung präsentiert eine 

Tierwelt, wie sie zur damaligen 

Zeit in den Weiten der Wüste, im 

Wasser des Nils oder im fruchtbaren 

Schwemmland Ägyptens anzutreffen 

war. Rund 100 Tierdarstellungen aus 

dem Metropolitan Museum of Art, 

New York, und dem Ägyptischen 

Museum, Kairo – entstanden in 

einem Zeitraum von 3 000 Jahren – 

sind nun zu bestaunen: Atemberaubend 

sind die Qualität und Raffinesse 

ihrer Herstellung. 

Bhutan 

Heilige Kunst aus dem Himalaya 

Werner Abegg Saal 

4. Juli–17. Oktober 2010 

In dem kleinen Königreich Bhutan 

am Rande des Himalayas sind die 

alten Traditionen bis heute lebendig 

geblieben. Noch immer prägt der 

Buddhismus das kulturelle, politische 

und religiöse Leben. In den zahlreichen 

Tempeln und Klöstern Bhutans 

werden Figuren und Bilder als heilige 

Objekte verehrt. Nur in bestimmten 

Ritualen werden sie hervorgeholt, 

damit sie ihre spirituelle Aura entfalten 

und die Gläubigen auf den Weg 

zur Erleuchtung führen. Über 100 

dieser eindrucksvollen buddhistischen 

Kunstwerke werden hiermit 

erstmals einem grösseren Publikum 

präsentiert. 

Völkerkundemuseum der 

Universität Zürich 

Pelikanstrasse 40, CH-8001 Zürich 

T: +41 (0)44 6349011 

F: +41 (0)44 6349050 

musethno@vmz.unizh.ch 

www.musethno.unizh.ch 

Di–Fr 10–13 Uhr und 14–17 Uhr, 

Sa 14–17 Uhr, So 11–17 Uhr 

Eintritt frei 

Karikaturen aus Indien 

bis 13. Juni 2010 

72 Zeichnungen von 24 herausragenden, 

überwiegend zeitgenössischen 

Karikaturisten geben einen Einblick 

in die vielfältige indische Karikaturenlandschaft 

und die lebhafte Entwicklung 

der grössten Demokratie der Welt. 

Sofabilder aus Varanasi 

Fotografien von Fabian Biasio 

bis 27. Juni 2010 

Die Familienporträts, die Fabian 

Biasio in Varanasi, der heiligen Stadt 

am Ganges in Indien, fotografiert 

hat, verstehen sich als Versuch einer 

nicht repräsentativen, religions- und 

kastenübergreifenden fotografischen 

Feldarbeit: Wie äussern sich die 

verschiedenen Arten von Frömmigkeit 

der einzelnen Religionsgruppen? 

Welche Unterschiede sind 

erkennbar? Was zählt mehr, die 

Grösse des Hausaltars, die Grösse 

der Kinderschar oder die Grösse des 

Fernsehers? 

Die Kunst des Fälschens 

untersucht und aufgedeckt 

bis 30. Mai 2010 

Die vom Museum für Asiatische 

Kunst, Berlin, übernommene Ausstellung 

zeigt anhand von Authentizitätsuntersuchungen 

auf, wie raffiniert 

sich Fälscher und Materialwissenschaftler 

im Wettlauf nach Echtheitsmerkmalen 

bzw. -bestätigungen zu 

steigern imstande sind. 

Jeder, der sich mit Kunst befasst, 

wird früher oder später vor die Frage 

gestellt, inwieweit er den in Museen, 

Galerien, Kunst- und Antiquitätenhandlungen 

ausgestellten Objekten 

Glauben schenken darf. 

Galerie Walu 

Rämistrasse 25, CH-8001 Zürich 

T: +41 (0)44 2802000 

info@walu.ch, www.walu.ch 

GOLD IN DER KUNST 

WESTAFRIKAS 

Sonderausstellung 

22. Mai bis 26. Juni 2010 

Gold – seit Jahrtausenden verehren 

und begehren Menschen das glänzende 

Edelmetall. Es ist ein besonderer, 

ein wertvoller, ein faszinierender 

Rohstoff, der nicht korrodiert, eine 

enorm hohe Zugfestigkeit aufweist 

und zu den seltensten chemischen 

Elementen unseres Planeten zählt. 

Obwohl Gold nicht magnetisch ist, 

übt es doch grösste Anziehungskraft aus! 

Gold ist schön, rar und ideal zu verarbeiten, 

es ist das goldrichtige Metall 

für das menschliche Bedürfnis, (sich) 

zu schmücken. Seit langen Zeiten 

wird es zu kostbaren Preziosen 

verarbeitet, die damals wie heute die 

„Seele des Goldes“ zum Schimmern 

bringen. 

An Afrikas Westküste, in Ghana und 

der Republik Elfenbeinküste, beherrschen 

die Schmiede der Akan-Völker 

diese Kunst seit Jahrhunderten – 

Zeugnisse ihres meisterhaften Schaffens 

sind bezaubernder Schmuck 

und prächtige Würdezeichen in 

dieser Ausstellung von Kunstwerken 

aus dem Bestand der Galerie Walu. 

Katalog zur Ausstellung: 

Autoren: Karin Guggeis, Werner 

Lüthi, Barbara Rusch 

74 Seiten, 100 Abbildungen, 

Softcover, 21 x 28 cm 

ISBN 978-3-9522495-7-4 

sfr 20,–/E 14,– (zzgl. Versand) 

Zu bestellen bei Galerie Walu und 

online: www.walu.ch 



agenda deutschland 

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berlin 

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Skulpturensammlung und Museum 

für Byzantinische Kunst 

Bode-Museum 

Bodestr. 1–3 

D-10178 Berlin-Mitte 

T: +49 (0)30 2090-5601 

F: +49 (0)30 2090-5602 

sbm@smb.spk-berlin.de 

Mo–So 10–18 Uhr, Do bis 22 Uhr 


Kindheit am Nil 

Spielzeug – Kleidung – Kinderbilder 

aus Ägypten 


Spielzeug, Kleidung, Schule und 

Erziehung – auch im spätantiken 

Ägypten hatten Kinder ihre eigene 

Lebenswelt. Einen Einblick in diese 

Welt gewährt die Kabinettausstellung 

„Kindheit am Nil“ mit Exponaten 

vom 3. Jh. v. u. Z. bis zum 8. Jh. 

u. Z. Gezeigt wird Bekleidung wie 

Kindertuniken, Kinderschuhe oder 

eine Puppentunika, ausserdem sind 

Darstellungen von Kindern auf den 

Ornamentbesätzen von Textilien zu 

sehen, sämtliche aus den Beständen 

des Museums für Byzantinische 

Kunst. Hinzu kommen Leihgaben wie 

Rassel und Holzpferdchen, Ball und 

Beinpüppchen aus dem Ägyptischen 

Museum und Papyrussammlung 

sowie dem Museum für Islamische 

Kunst. Fast alle diese Gegenstände 

bestehen aus vergänglichen organischen 

Materialien, deren Erhaltung 

nur in dem trockenen, heissen Wüstenklima 

Ägyptens möglich war. 

Ethnologisches Museum 

Arnimallee 27 

D-14195 Berlin 

T: +49 (0)30 8301-438 

F: +49 (0)30 8301-500 

md@smb.spk-berlin.de 

Di–Fr 10–18 Uhr, Sa, So 11–18 Uhr 

Eintritt: e 6,–/ermässigt e 3,–/ 

Do ab 14 Uhr Eintritt frei 

Vodou 

Kunst und Kult aus Haiti 

19. Mai–24. Oktober 2010 

Vodou evoziert die vielfältigsten 

Vorstellungen von aus den Gräbern 

steigenden Zombies und mit Nadeln 

durchstossenen Vodoupuppen. 

Diese Klischees entstanden anfangs 

durch Berichte von Europäern und 

Amerikanern über Haiti und später 

durch die Hollywood-Filmindustrie, 

die diese Themen zu immer monströseren 

Bildern verarbeitete. 

Doch Vodou entspricht nicht diesem 

Klischee. Das Wort „Vodou“ leitet 

sich von der in Benin und Nigeria beheimateten 

Fon-Sprache ab und bedeutet 

„Gott“. Aus diesen Regionen 

brachten afrikanische Sklaven ihre 

religiösen Praktiken mit nach Haiti, 

dem Westteil der Karibikinsel Hispaniola. 

Auf der Basis ihrer Religionen, 

in die Elemente des Katholizismus 

und teilweise indigene Glaubensvorstellungen 

integriert wurden, ist der 

haitianische Vodou entstanden, der 

bis heute beeindruckende Kunst- und 

Kultobjekte hervorbringt. 

Die Schweizerin Marianne Lehmann, 

die seit 1957 in Haiti lebt, konnte 

eine Sammlung von über 3 000 

Vodou-Artefakten anlegen – eine der 

grössten weltweit. Den Schwerpunkt 

ihrer Sammlung bilden Objekte 

einer Vodou-Geheimgesellschaft 

(Bizango). 

Pergamonmuseum, 

Museum für Islamische Kunst 

Am Kupfergraben 5 

D-10178 Berlin-Mitte 

T: +49 (0)30 20905577 

isl@smb.spk-berlin.de 

www.smb.spk-berlin.de 

Mo–So 10–18 Uhr, Do bis 22 Uhr 


Sammlerglück 

Meisterwerke aus der islamischen 

Welt in der Keir Collection 

ab 18. März 2010 

Die international als „Keir Collection“ 

bekannte Sammlung islamischer 

Kunst von Edmund de Unger wird 

künftig als umfangreiche Leihgabe 

die Bestände des Museums für Islamische 

Kunst der Staatlichen Museen 

zu Berlin bereichern. Sie umfasst 

Werke aus fast allen Perioden 

und Kunstlandschaften der islamischen 

Kernländer um das Mittelmeer, 

aus Iran und aus Zentralasien. 

Brokate und Teppiche, frühmittelalterliche 

Bronzen, kostbare 

Bergkristallobjekte sowie wertvolle 

Kalligrafien, Miniaturen und 

aufwendig verzierte Bucheinbände 

zählen zu der Leihgabe. Prominent 

ist Keramik aller Perioden vorhanden. 

112 der insgesamt 1 500 Werke 

aus verschiedenen Kunst- und 

Kunstgewerbesparten befinden sich 

als „Visitenkarte“ bereits in Berlin, die 

übrigen werden später folgen. Seit 

17. März wird diese Auswahl unter 

dem Titel „Sammlerglück“ im Pergamonmuseum 

gezeigt, um Besucher 

in die Welt der Sammler und des 

Sammelns zu führen: Woher kommen 

die Objekte, warum sammelt 

man islamische Kunst? Was sieht der 

Sammler in seinen Stücken und wie 

entsteht der Wert von Objekten auf 

dem Kunstmarkt? 

Martin-Gropius-Bau Berlin 

Niederkirchnerstrasse 7/Ecke 

Stresemannstr. 110 

D-10963 Berlin 

T: +49 (0)30 25486-0 

F: +49 (0)30 25486-107 

post@gropiusbau.de 

www.gropiusbau.de 

Mi–Mo 10–20 Uhr, Di geschlossen 

10. Juli bis 25. September: täglich 

10–20 Uhr 



Museum 

Meisterwerke der islamischen 

Kunst 


Erstmals wird in Deutschland die 

Sammlung des Aga Khan ausgestellt. 

Über 200 Meisterwerke dokumentieren 

mehr als 1 000 Jahre Kulturgeschichte. 

Die im Martin-Gropius- 

Bau in Berlin ausgestellten Werke 

stammen aus der Sammlung des Aga 

Khan Trust for Culture. Karim Aga 

Khan IV. ist das geistige Oberhaupt 

der Ismailiten. Er wird zugleich als 

direkter Nachkomme des Propheten 

Mohammed betrachtet. Seine 

Sammlung gilt als eine der grössten 

und wertvollsten Sammlungen islamischer 

Kunst und wird ab dem Jahr 

2013 im neuen Aga Khan Museum 

in Toronto beheimatet sein. 

Die Berliner Ausstellung zeigt 

einige der weltweit bedeutendsten 

Kunstwerke aus islamisch geprägten 

Ländern: darunter Seiten aus dem 

persischen Heldenepos „Shahnama“, 

dem sogenannten „Buch der Könige“, 

des Dichters Firdawsi. Die Miniaturen 

zählen weltweit zu den bemerkenswertesten. 

Ferner das bisher älteste, 

arabische und erst später übersetzte 

Manuskript des „Kanons der Medizin“ 

von Ibn Sina (Avicenna). Abu Ali 


Federdiadem, Guiana 

Amazonas-Maske 

bonn 

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dresden 

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Ibn Sina war Philosoph und Arzt. Sein 

Hauptwerk diente über 500 Jahre 

als medizinisches Standardwerk und 

Lehrbuch für Ärzte in Europa. Als 

herausragende Kulturgüter gelten 

auch ein sehr gut erhaltenes mongolisches 

Seidendamastkleid aus dem 

13. Jahrhundert sowie eine Doppelseite 

des „Blauen Korans“ aus dem 9. 

Jahrhundert. Die blauen Pergamentbögen 

sind in goldenen Lettern 

im kufischen Duktus geschrieben 

und zählen zu den kostbarsten und 

aufwendigsten Koran-Manuskripten 

der Welt. 

Allgemein machen die ausgestellten 

Kunstwerke – Gemälde, Zeichnungen, 

Buchillustrationen, Manuskripte, 

Inschriften, Metallgefässe, Keramiken, 

Holzarbeiten – aufmerksam auf 

die aussergewöhnliche Vielfalt und 

den überwältigenden Reichtum eines 

vom Islam geprägten Kulturraums, 

der sich vom Maghreb und der 

Iberischen Halbinsel bis nach China 

erstreckt, in einer zeitlichen Dimension 

vom 8. bis zum 18. Jahrhundert. 

Kunst- und Ausstellungshalle 

der Bundesrepublik Deutschland 

GmbH 

Museumsmeile Bonn 

Friedrich-Ebert-Allee 4 

D-53113 Bonn 

T: +49 (0)228 9171-0 

F: +49 (0)228 234154 

info@kah-bonn.de 

www.bundeskunsthalle.de 

Di, Mi 10–21 Uhr, Do–So und 

Feiertage 10–19 Uhr 


Afghanistan – 

Gerettete Schätze 

Die Sammlung des Nationalmuseums 

in Kabul 

11. Juni bis 3. Oktober 2010 

Afghanistan ist ein Land mit einer 

reichen Zivilisation, die von der 

Bronzezeit über die griechisch-baktrische, 

kushanische und hephalitische 

Epoche bis in das islamische Zeitalter 

reicht. An den Handelswegen zwischen 

Ost und West gelegen, war das 

Land ein wichtiger Kreuzungspunkt 

der Zivilisationen in Zentralasien. 

Dieser Schmelztiegel der Kulturen 

wird anschaulich angesichts der zahlreichen 

archäologischen Funde. 

Die Ausstellung präsentiert 230 

Objekte aus vier archäologischen 

Ausgrabungsstätten des Landes. 

Beginnend mit der bronzezeitlichen 

Ausgrabungsstätte Tepe Fullol im 

antiken Baktrien (ca. 2000 v. u. Z.) 

folgt Ai-Khanum, eine von Alexander 

dem Grossen gegründete Stadt, die 

Zeugnis von den griechisch-hellenistischen 

Einflüssen am Rande der 

Steppe ablegt (4.–2. Jh. v. u. Z.). 

Im Mittelpunkt der Ausstellung 

stehen die einzigartigen Goldfunde 

aus den sechs Gräbern des 1. Jh. u. Z. 

in Tillya-tepe, die 1979 von einem 

russischen Archäologenteam 

ausgegraben wurden. Diese Objekte 

galten lange Zeit als verschollen und 

wurden erst 2004 in den Depots der 

Zentralbank von Kabul wiederentdeckt, 

wo sie den Einmarsch der 

russischen Armee und die Zeit der 

Talibanregierung unbeschadet überdauert 

hatten. 

Ägyptisches Museum 

der Universität Bonn 

Regina-Pacis-Weg 7 

D-53113 Bonn 

T: +49 (0)228 739710 

F: +49 (0)228 737360 

aegyptisches-museum@uni-bonn.de 

www.aegyptisches-museum.uni-bonn.de 

Eintritt: e 3,50/ermässigt e 2,50 

Di–So 12–18 Uhr, Mo und Feiertage 

geschlossen 

Das geheimnisvolle Grab 63 

Die neueste Entdeckung im Tal 

der Könige. Archäologie 

und Kunst von Susan Osgood 

bis 30. Mai 2010 

Gezeigt wird neben vielen archäologischen 

Stücken aus dem Tal der 

Könige und seinem Umfeld weltweit 

zum ersten Mal die zeichnerische 

Dokumentation der Funde aus 

der 2006 entdeckten Anlage im 

berühmten Pharaonen-Friedhof. 

Einige Beispiele des freien künstlerischen 

Schaffens von Susan Osgood 

ergänzen die Ausstellung. 

Museum für Völkerkunde Dresden 

Staatliche Ethnographische 

Sammlungen Sachsen 

Japanisches Palais 

Palaisplatz 11 

D-01097 Dresden 

T: +49 (0)351 8144-841 

F: +49 (0)351 8144-888 

info@mvd.smwk.sachsen.de 

www.voelkerkunde-dresden.de 



Amazonien 

Indianer der Regenwälder und 

Savannen 

bis 31. Dezember 2010 

Das Dresdner Völkerkundemuseum 

der Staatlichen Ethnographischen 

Sammlungen Sachsen präsentiert 

prächtigen Federschmuck, bizarre 

Masken, künstlerisch hoch entwickelte 

Keramik sowie Langwaffen von 

extremer Grösse. Die Sonderschau 

im Japanischen Palais gibt auf einer 

Ausstellungsfläche von 800 m 2 einen 

Überblick über die verschiedenen 

Kulturlandschaften Amazoniens, 

thematisiert deren Entstehung 

und Besonderheiten, aber auch die 

aktuelle Situation der Ureinwohner 

Amazoniens. Die Exponate stammen 

ausschliesslich aus sächsischen 

Sammlungen. Der mit Abstand 

grösste Teil gehört zu den Beständen 

des Dresdner Völkerkundemuseums, 

der ergänzt wird durch 

Ethnographica aus dem Leipziger 

Völkerkundemuseum und durch 

einige Einzelobjekte aus dem Karl- 

May-Museum Radebeul. Die ältesten 

Objekte stammen aus dem 19. Jh. So 

stehen neben kulturellen Sachzeugen 

längst erloschener Stammeskulturen 

Ausstellungsstücke von Stämmen, 

die erst vor wenigen Jahren kontaktiert 

worden sind. 



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Kalebassendeckel 

Haya, Tansania, Kiziba, 19./20. Jh. 

Gras, Fasern von Bananenblattscheiden, 

H: 34–62 cm 

© Foto Stephan Beckers 

frankfurt 

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Museum der Weltkulturen 

Schaumainkai 29–37 

D-60594 Frankfurt am Main 

T: +49 (0)69 21245115 

F: +49 (0)69 21230704 

julia.rajkovic-kamara@stadtfrankfurt.de 

www.mdw-frankfurt.de 

www.journal-ethnologie.de 

Di, Do–So 10–17 Uhr, Mi 10–20 Uhr 

Eintritt: € 3,60/ermässigt € 2,– 

Being Object. Being Art. 

Meisterwerke aus den 

Sammlungen des Museums der 

Weltkulturen Frankfurt am Main 

bis 31. Oktober 2010 

Kulturen in ihrer Einzigartigkeit und 

Vielfalt zählen zum Reichtum dieser 

Welt – ebenso wie ihre materiellen 

Erzeugnisse. Dies spiegelt sich in 

den qualitätvollen ethnografischen 

Sammlungen aus Afrika, Amerika, 

Südostasien, Ozeanien und Ostasien 

des Museums der Weltkulturen 

Frankfurt am Main wider. Erstmals 

werden aus der Fülle des etwa 67 000 

Objekte umfassenden Sammlungsbestandes 

dieses Museums nun 

130 Ethnographica, Gebrauchs- oder 

Ritualgegenstände aus indigenen 

Gesellschaften unter dem Aspekt des 

„Meisterwerkes“ in einem exquisiten 

Kunstprojekt vorgestellt. 

Der Begriff „Meisterwerk“ entstammt 

der jahrhundertealten Tradition 

der Handwerksausbildung. Während 

ein Geselle seine Ausbildung 

mit dem „Gesellenstück“ abschloss, 

erhielt nur derjenige den Titel eines 

Meisters, der – neben vielen anderen 

zu erfüllenden Voraussetzungen – 

aufgrund seiner überragenden handwerklichen 

Arbeiten gemeinhin als 

„Meister“ anerkannt wurde. 

Von den Abteilungskustoden nach 

persönlichen Gesichtspunkten 

ausgewählt, soll der Betrachter das 

Ausserordentliche, das Elaborierte, 

das Andere, das Perfekte, das 

Harmonische oder gerade das 

Beunruhigende in den jeweiligen 

Objekten entdecken. Wenngleich 

die Präsentation der Werke, von 

denen aus Platzgründen nur 98 in der 

Ausstellung gezeigt werden können, 

den Kunstaspekt betont, werden die 

Objekte aber auch in ihrem ethnologischen 

Kontext gedeutet. 

Der Titel „Being Object. Being Art. 

Meisterwerke aus den Sammlungen 

des Museums der Weltkulturen 

Frankfurt am Main“ verdeutlicht 

nämlich das Anliegen der Ausstellungskuratoren: 

Die im Rahmen der 

Präsentation aussereuropäischer 

Kunst immer wieder diskutierte 

Frage „Kunst oder Kontext“ ist nicht 

mit einem apodiktischen „Entweder/ 

oder“, sondern mit einem „Sowohl/ 

als auch“ zu beantworten. 

Die Begegnung mit den Objekten, 

die unterschiedliche künstlerische, 

soziale und politische Konzepte 

indigener Gesellschaften verkörpern, 

verspricht ein einzigartiges und faszinierendes 

Kunsterlebnis. Letzteres 

wird durch den Begleitkatalog zur 

Ausstellung, in dem alle 130 Werke 

abgebildet sind, unterstrichen: Für 

das Projekt wurden die Objekte 

neu, teilweise sogar zum ersten Mal 

überhaupt fotografiert. 

Kunstvoller Widerstand 

Zeitgenössische Kunst aus 

Sri Lanka 


Sri Lanka – tropisches Ferienparadies 

für die einen, jahrzehntelanger 

Kriegsschauplatz für die anderen: 

Der Inselstaat mit seiner wechselvollen 

Geschichte und seinem 

reichen kulturellen Erbe, das vom 

Zusammenspiel unterschiedlicher 

Kulturen, Religionen und künstlerischer 

Traditionen geprägt ist, ruft 

vielfältige und oft widersprüchliche 

Assoziationen hervor. Kaum bekannt 

in Europa ist allerdings die lebendige 

und engagierte Gegenwartskunst des 

Landes. 

Die Ausstellung Kunstvoller Widerstand 

präsentiert erstmals in 

Deutschland eine umfassende Schau 

von Malerei, Grafik, Fotografien, 

Skulpturen und Installationen arrivierter 

wie auch aufstrebender srilankischer 

Künstlerinnen und Künstler. 

In ihrer innovativen Erprobung neuer 

Genres, Materialien und Ideen stehen 

diese Arbeiten in einer Tradition 

des bildnerischen Schaffens, die 

einerseits auf lokale Bildsprache und 

Themen zurückgreift, andererseits 

aber in Auseinandersetzung mit der 

Kunstentwicklung in Europa schon 

frühzeitig eine eigenständige Moderne 

entwickelte. 

In Kooperation mit dem Museum für 

Völkerkunde Wien und The Serendib 

Gallery, Colombo 

Galerie von Miller 

Braubachstrasse 33 

D-60311 Frankfurt 

T: +49 (0)69 292519 

F: +49-(0)69 21995290 

galerie.von.miller@gmx.de 

www.galerievonmiller.de 

Di–Fr 14–18 Uhr, Sa 12–14 Uhr 

Maternità 

Das Bild der Urmutter in der 

Afrikanischen Kunst 

bis 31. März 2010 

Der Afrikaner hat seine Kunst 

vornehmlich als Instrument zur Kontaktaufnahme 

mit den übersinnlichen 

Mächten geschaffen. Sie ist Ausdruck 

seiner Religion. So manifestiert 

sich in der Stammesmythologie die 

göttliche Kraft besonders häufig in 

der Darstellung der „Urmutter“, der 

ersten Frau und somit Gründerin des 

Stammes. Die meisten Stämme sind 

matrilinear orientiert, auffällig ist das 

enge Verhältnis der afrikanischen 

Mutter zu ihren Töchtern. Jede Lebensphase 

wird von magischen Bräuchen 

eingeleitet; am längsten und 

intensivsten bei Totenfeierlichkeiten. 

Man bittet die guten Seelen der Ahnen 

um Vermittlung und Fürsprache 

bei den Göttern. Weibliche Figuren 

mit Kind stellen ein würdevolles 

Ebenbild der Urmutter dar. In ihr ist 

der Sitz der Stammesseele. Sie ist die 

Mittlerin zu den Göttern und bringt 

Fruchtbarkeit bei Kinderlosigkeit. 

Die Maternità werden nach strenger 

Überlieferung geschnitzt; je kraftvoller 

und schöner sie sind, umso mehr 

fühlt sich die Seele darin zu Hause 

und bleibt so dem Stamm nah. 


hamburg 

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herrenhut 

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Museum für Völkerkunde Hamburg 

Rothenbaumchaussee 64 

D-20148 Hamburg 

T: +49 (0)40 428879-0 

info@mvhamburg.de 

www.voelkerkundemuseum.com 

Di–So 10–18 Uhr, Do bis 21 Uhr 

A Secret Voyage: 

Geheimnisvolles Ägypten – 

Eine Fotoreise ins Land der 

Pharaonen 


Begleitausstellung zu 

„Tutanchamun – Sein Grab 

und die Schätze“ 

60 Grossfotografien von Sandro 

Vannini zeigen bisher für Besucher 

verborgene Schätze. Die Faszination 

des Alten Ägypten ist ungebrochen: 

Unter der Schirmherrschaft des 

Ägyptischen Generalkonsulats Hamburg 

präsentieren Semmel Concerts 

(Produzent der Tutanchamun- 

Ausstellung) und das Museum für 

Völkerkunde mit Unterstützung der 

Ägyptisch-Deutschen-Gesellschaft 

Nord e.V. die Sonderausstellung 

„A Secret Voyage: Geheimnisvolles 

Ägypten – Eine Fotoreise ins Land 

der Pharaonen“. Die beeindruckende 

Sammlung von Grossfotografien von 

Sandro Vannini feiert Weltpremiere 

in Hamburg. 

Global Players – 

Spielzeug aus Afrika 

bis 30. Mai 2010 

Aus weggeworfenem Müll basteln 

Afrikas Kinder ihr Spielzeug. Ob aus 

alten Badelatschen, Draht, Gummi, 

Holzresten oder welken Bananenblättern 

– spielend verwandeln diese 

„Global Players“ Abfall in kleine 

Lastwagen, bunte Hubschrauber, 

Flugzeuge oder Fussbälle. Spielzeug 

einfach wie bei uns zu kaufen ist für 

diese Kinder unvorstellbarer Luxus. 

Es sind diese liebevoll gefertigten 

kleinen Kunstwerke, die der langjährigen 

ARD-Korrespondentin Birgit 

Virnich auf ihren Drehreisen quer 

durch Afrika ins Auge fielen. Denn sie 

sind weit mehr als nur Spielzeug. Sie 

sind Ausdruck der Lebensumstände 

der Kinder und verkörpern zugleich 

ihre Träume: Mit Hubschraubern 

wollen sie dem Krieg entkommen, 

mit Flugzeugen in die weite Welt 

fliegen, mit schwer beladenen 

Lastern quer durch ihr Land fahren, 

mit Bällen den grossen Fussballstars 

nacheifern. 

Ob in Slums von Nairobi, in den 

Dörfern im muslimischen Norden 

Nigerias oder in der belagerten 

Hauptstadt Liberias, überall begegnete 

Birgit Virnich den Kindern Afrikas, 

deren Spielzeuge sie kaufte und 

deren Geschichte und Lebensträume 

sie sich schildern liess. 

Völkerkundemuseum Herrnhut 


Sammlungen Sachsen (SES) 

Goethestrasse 1 

D-02747 Herrnhut 

T/F: +49 (0)35873 2403 

voelkerkunde.herrnhut@mvd. 

smwk.sachsen.de 

www.voelkerkunde-herrnhut.de 

www.ses-grassimuseum.de 

Di–Fr 9–17 Uhr, Sa, So, Feiertage 

9–12 Uhr und 13.30–17 Uhr 

Eintritt: € 2,– 

Bilder der Traumzeit 

Zeitgenössische Malerei der 

Aborigines Australiens 

30. April bis 20. Juni 2010 

Bei den Ureinwohnern Australiens 

haben die magisch-religiösen Vorstellungen 

die Kunst entscheidend 

geprägt. Sie war aufs Engste mit 

kultischen Handlungen verbunden 

und damit eine der entscheidenden 

ideologischen Grundlagen des 

Lebens überhaupt. Mit ihr wurden 

sowohl wirtschaftliche Notwendigkeiten 

als auch soziales Verhalten, 

reales Wissen und fantastische 

Vorstellungen von Natur und Gesellschaft 

ausgedrückt. 

Die trockenen Wüstenregionen 

West- und Zentralaustraliens bieten 

seit vielen tausend Jahren ein besonderes 

Medium für die Kunst – den 

Sandboden selbst. 

Die Bewohner von Papunya, einer 

Ureinwohnersiedlung etwa 300 

Kilometer westlich von Alice Springs 

in Zentralaustralien, wie auch 

Ureinwohner anderer Stämme, 

haben seit den 1970er-Jahren eine 

neue Kunstform entwickelt, die 

auf den Traditionen der religiösen 

Sandmalereien beruht. Sie malen mit 

Acrylfarben Muster auf Leinwand, 

sogenannte „dot paintings“, die ihren 

Ursprung in den Sandmalereien 

haben. In den letzten dreissig 

Jahren hat die Kunst der Ureinwohner 

national und international grosse 

Anerkennung gefunden. 



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Die Abbildung zeigt Buddha 

Aksobhya, eine vergoldete, 

22 cm hohe Figur aus vergoldetem 

Silber aus dem 18. Jh. Aksobhya 

residiert als Repräsentant der 

Weisheit und der Vergebung im 

östlichen Abhirati Paradies. 

© Foto Shuzo Uemoto 

iphofen 

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köln 

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leipzig 

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Knauf-Museum Iphofen 

Am Marktplatz 

D-97343 Iphofen 

T: +49 (0)9323 31-528 oder -625 

F: +49 (0)9323 5022 

Knauf-Museum@knauf.de 

www.knauf-museum.de 

Di–Sa 10–12 und 14–17 Uhr, 

So 14–18 Uhr, Mo geschlossen 

Eintritt: Erwachsene € 2,–/ 

ermässigt € 1,50 

Tibet 

Religion – Kunst – Mythos 


Nördlich der gewaltigen Bergkette 

des Himalaya dehnt sich in einer 

Höhe von rund 4 000 Metern über 

dem Meer das grösste Hochland der 

Erde aus – Tibet. Unbekannt und 

geheimnisumwittert, war es bis um 

die Mitte des letzten Jahrhunderts 

das Ziel verschiedener Forscher 

aus aller Welt und von Pilgern aus 

dem buddhistischen Asien. Von den 

Europäern waren es in der Tat aber 

nur wenige, denen es tatsächlich 

gelang, nach Tibet vorzudringen, und 

nur sehr wenige konnten sich dort 

für längere Zeit aufhalten. 

Einer von ihnen war Heinrich Harrer, 

der während des Zweiten Weltkriegs 

zusammen mit seinem Freund Peter 

Aufschnaiter aus dem britischen 

Internierungslager Dehra Dun in 

Nordindien floh und unter unvorstellbaren 

Strapazen, als heruntergekommener 

Bettler verkleidet, unerkannt 

Lhasa, die Hauptstadt Tibets, erreichte. 

Dort, am Sitz des Dalai Lama (des 

geistigen Oberhauptes Tibets), blieb 

er bis zu dessen Flucht vor der chinesischen 

Besetzung des Landes im 

Jahre 1951. Seine Erlebnisse schrieb 

Harrer in seinem Buch „Sieben Jahre 

in Tibet“, das in den 1990er-Jahren 

verfilmt wurde, nieder. 

Museum für Ostasiatische Kunst 

Universitätsstrasse 100 

D-50674 Köln 

T: +49 (0)221 221-28608 

F: +49 (0)221 221-28610 

mok@museenkoeln.de 

www.museenkoeln.de 

Di–So 11–17 Uhr, Do bis 20 Uhr 

Eintritt: € 4,20/ermässigt € 2,60 

Bhutan – 

Heilige Kunst aus dem Himalaya 

bis 24. Mai 2010 

Das zwischen den Grossmächten Indien 

und China gelegene Königreich 

Bhutan ist das einzige Land der Welt, 

in dem die tantrische Form des Buddhismus 

die Staatsreligion bildet. Die 

Regierung misst ihren Erfolg nicht 

nur am materiellen Aufschwung, vielmehr 

hat sie das „Bruttosozialglück“ 

der rund 700 000 Bewohner und 

den Umweltschutz zur wichtigsten 

Leitlinie erklärt. 

Die Ausstellung wurde von einem 

amerikanischen Expertenteam unter 

Führung der Honolulu Academy of 

Arts in fünfjähriger Vorbereitungszeit 

mit dem Innen- und Kulturministerium 

sowie dem Vorstand 

der Mönchsgemeinschaft des 

Königreichs Bhutan erarbeitet. Sie 

präsentiert Kloster- und Tempelschätze, 

die noch heute im aktiven 

buddhistischen Ritual eingesetzt 

werden und daher nur bei speziellen 

Zeremonien den Augen der 

Öffentlichkeit zugänglich sind. Die 

117 Kunstobjekte des 8. bis 20. Jh. 

umfassen in leuchtenden Mineralfarben 

gemalte Thangkas (religiöse 

Rollbilder) sowie vergoldete Plastiken 

und Ritualobjekte. 

GRASSI Museum 

für Völkerkunde zu Leipzig 


Sammlungen Sachsen 

Johannisplatz 5–11 

D-04103 Leipzig 

T: +49 (0)341 9731900 

mvl-grassimuseum@ses.smwk. 

sachsen.de 

www.mvl-grassimuseum.de 


Eintritt: € 4,–/ermässigt € 2,– 

OZEANIEN – 

Von Australien bis zur Osterinsel 

Mit der Ausstellung „Ozeanien“, 

dem letzten Teil der Dauerausstellung 

„Rundgänge in einer Welt“ ist 

die Reise um die Welt auf 4 200 m 2 

nun komplett. Sie führt erstmals seit 

100 Jahren wieder durch alle Teile 

der Erde. Die neue Ausstellung ist so 

konzipiert, dass sie Kunstkenner genauso 

anspricht wie Besucher/innen, 

die sich für die Vielfalt der Kulturen 

anderer Völker interessieren. 

Anhand von exotischen und 

kostbaren Exponaten werden dem 

Besucher die vielfältigen Lebenswelten 

Australiens und Ozeaniens 

nähergebracht: die Aborigines-Völker 

Australiens, die Kulturen Neuguineas, 

die Inselwelten von Mikronesien, 

Melanesien und Polynesien. 

Durch ein traditionelles Haus aus 

Tuvalu erhält der Besucher einen 

unmittelbaren Einblick in das Leben 

auf einer Riff-Insel. Der Baumeister 

der Insel, der tufunga fai fale Simeona 

Saipele, und drei seiner Helfer 

haben eigens für das Museum in den 

Ausstellungsräumen ein Schlafhaus 

errichtet. Wie schon in den anderen 

regionalen Abteilungen des Museums 

ist nun auch aus dem Pazifik 

wieder ein originales Haus zu 

sehen. Tuvalu gehört zu den von der 

globalen Erwärmung und dem ansteigenden 

Meeresspiegel am stärksten 

betroffenen Ländern der Erde. 

Auf der Suche nach Vielfalt: 

Ethnographie und Geographie 

in Leipzig 

bis 2. Mai 2010 

Die Ausstellung stellt die Leistungen 

Leipziger Ethnografen und Geografen 

heraus, die seit drei Jahrhunderten 

in ferne Regionen reisen, um von 

dort Ansichten und Anregungen, 

Gegenstände und Materialien nach 

Hause mitzubringen. Ihr Reisen, 

Sammeln, Bearbeiten und Publizieren 

hat wesentlich zum Weitblick der 

Universität und ihrer Stadt beigetragen. 

Dies wird nun erstmalig umfassend 

dargestellt und dokumentiert. 

Massgeblich an diesem Projekt sind 

auch das Institut für Ethnologie der 

Universität Leipzig und das Leibniz 

Institut für Länderkunde beteiligt. 


mannheim 

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münchen 

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Reiss-Engelhorn-Museen 

Zeughaus C5 

D-68159 Mannheim 

T: +49 (0)621 293-3150 

F: +49 (0)621 293-9539 

reiss-engelhorn-museen@mannheim.de 

www.reiss-engelhorn-museen.de 

Di–So 11–18 Uhr, Mo geschlossen 

Eintritt: Sammlungen € 2,10/ 

ermässigt € 1,– 

Das Gold der Steppe 

Fürstenschätze jenseits des 

Alexanderreichs 

bis 25. Mai 2010 

Die Schau zeigt einzigartige Hinterlassenschaften 

der Völker, die am 

Rand des Alexanderreichs lebten. 

Lange vor den Hunnen und Mongolen 

hielten sich im angrenzenden 

eurasischen Steppenraum Skythen 

und Sarmaten auf. Diese Steppenbewohner 

haben keine schriftlichen 

Aufzeichnungen hinterlassen, dafür 

aber Artefakte ihrer unglaublich hoch 

entwickelten Kultur. Mehr als 200 

Exponate, Leihgaben der Staatlichen 

Eremitage St. Petersburg, der 

Historischen Museen in Kiew und 

Asow, geben faszinierende Einblicke 

in die Traditionen, den Reichtum und 

die Kunstfertigkeit dieser ausserordentlichen 

Kulturen. Die Schau zeigt 

die bedeutendsten Ausgrabungsfunde 

der letzten Jahrzehnte. Diese 

wertvollen Objekte sind erstmalig 

in Deutschland ausgestellt. Die Ausstellung 

wird in Kooperation mit der 

Kunsthalle Leoben präsentiert. 

Staatliches Museum 

fürVölkerkunde München 

Maximilianstrasse 42 

D-80538 München 

T: +49 (0)89 210136-100 

F: +49 (0)89 210136-247 

info@voelkerkundemuseummuenchen.de 

www.voelkerkundemuseum-muenchen.de 

Di–So 9.30–17.15 Uhr 

Eintritt: € 3,50/ermässigt € 2,50/ 

sonntags € 1,– 

Sufi Poster Art aus 

Pakistan 

Studioausstellung der Orient- 

Abteilung in der Ravi Gallery 

bis 2. Mai 2010 

In Pakistan, dem zweitgrössten 

Land der muslimischen Welt und 

Kerngebiet des Sufismus (islamische 

Mystik), spielt die volkstümliche 

Verehrung charismatischer Heiliger 

eine ausserordentliche Rolle. Zeitgenössische 

Poster-Porträts, die diese 

„Freunde Gottes“ und ihre Mausoleen 

abbilden, sind wichtige Medien 

der Frömmigkeit. Im Gegensatz zur 

allgemeinen islamischen Vermeidung 

figurativer Darstellungen orientiert 

sich der lebendige Schrein-Islam 

Pakistans an Bildern. „Persönlichkeitsposter“ 

berühmter Sufi-Heiliger 

sind konkrete bildliche Manifestationen, 

die heute in die Kultur des 

Massenkonsums eingebunden sind, 

aber dennoch ein reiches Archiv des 

visuellen Gedächtnisses bewahren. 

Das Völkerkundemuseum zeigt eine 

Auswahl seiner weltweit einzigartigen 

Sammlung dieser populären 

farbenfrohen Bildkunst. 

Kunstkabinett: 

Der Blaue Reiter und das 

Münchner Völkerkundemuseum 

bis 24. Mai 2010 

Der 1912 erschienene Almanach 

„Der Blaue Reiter“ zählt zu den 

bedeutendsten programmatischen 

Künstlerschriften des 20. Jahrhunderts. 

Wassily Kandinsky und Franz 

Marc propagierten mit der Schrift 

eine neue Geistigkeit und Freiheit für 

die Kunst. Sie lösten bisherige Grenzziehungen 

zwischen Kunstgattungen 

und damit verbundene Wertigkeiten 

auf und nahmen neben Werken 

der Gotik und der modernen Kunst 

auch Volkskunst, Kinderkunst und 

besonders ethnografische Kunst in 

ihr Buch mit auf. Neun dieser ethnografischen 

Kunstwerke aus Amerika, 

Ozeanien, Südasien und Afrika, die 

aus den Sammlungen des Staatlichen 

Museums für Völkerkunde München 

stammen, werden nun exklusiv im 

Kunstkabinett präsentiert. 

Kashmir, Ladakh, 

Baltistan 1911/12 

Fotografien von Otto Honigmann 

bis 20. Juni 2010 

Otto Honigmann (1879–1959) 

entstammte einer bekannten 

Familie von Bergwerksbesitzern 

aus Aachen. In den Jahren vor dem 

Ersten Weltkrieg konnte er drei 

grosse Überseereisen unternehmen. 

Die dritte und längste führte ihn im 

Mai 1911 zusammen mit Bruder und 

Freund nach Kashmir, Ladakh und 

Baltistan. Im Oktober 1911 trennten 

sich die Wege der drei Reisenden, 

und Otto Honigmann beschloss, den 

Winter 1911/12 allein in Ladakh und 

Baltistan zu verbringen. Erst im Mai 

1912 kehrte er nach Europa zurück. 

Otto Honigmann war kein professioneller 

Fotograf, aber ein einfühlsamer 

Beobachter. Seine Fotografien halten 

dokumentarisch und unbestechlich 

Momente fest, die auf wundersame 

Weise eine vergangene Epoche zum 

Leben erwecken. So etwa den Einzug 

des Maharajas von Jammu und 

Kashmir in seine Sommerresidenz 

Srinagar, die Präsenz der englischen 

Kolonialbeamten und der Herrnhuter 

Missionare, das Leben im Bazar von 

Leh und das Fest im Kloster Hemis, 

die Nomaden auf der Hochebene 

von Rupshu und die aus Tibet kommenden 

Karawanen sowie Träger 

und Packtiere bei der abenteuerlichen 

Überquerung von Flüssen und 

Pässen in Ladakh, Nubra, Baltistan 

und Gilgit. 



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münchen 

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Identität und Wandel 

Textilien der Maya aus dem 

Hochland von Guatemala: 

Die Sammlung Avitabile 

Neueröffnung der Lateinamerika-Räume 

mit der Ausstellung 

ab 21. April 2010 

Die farbenfrohe Webkunst des guatemaltekischen 

Hochlandes zählt zu 

der bedeutendsten und vielfältigsten 

in ganz Lateinamerika. Sie besticht 

durch ihre aufwendigen Webtechniken 

und Muster. Frauen stellen 

die Textilien auf dem manuellen 

Webstuhl her. 

Die traje, also die traditionelle Kleidung, 

ist Ausdruck für die kulturelle 

Identität der Maya. Sie spiegelt politische, 

soziale und religiöse Umstände 

wider. Ihre Wurzeln reicht bis weit 

in die vorspanische Zeit zurück. Die 

Ausstellung zeigt ausgewählte Textilien 

aus der Sammlung Giuseppe und 

Gunhild Avitabile, die in den Jahren 

1984 bis 1986 entstanden ist. 

Sonderausstellung im 

Zweigmuseum Oettingen 

Schlossstrasse 1 

D-86732 Oettingen in Bayern 

T: +49 (0)9082 3910 

www.voelkerkundemuseummuenchen.de 


Eintritt: e 2,50/ermässigt e1,50 

Gesichter des Buddha 

Kunst des Buddhismus in Asien 

26. März 2010–1. Februar 2011 

Die Lehre des Buddha, etwa im 5. Jh. 

v. u. Z. in Indien entstanden, ist noch 

heute eine der grossen Religionen 

Asiens. Gezeigt werden Meisterwerke 

buddhistischer Skulptur und 

Malerei aus fast zwei Jahrtausenden. 

Die Objekte stammen aus den 

Sammlungen des Staatlichen Museums 

für Völkerkunde München. Sie 

geben dem Betrachter Einblick in die 

Vielfalt und Ästhetik der Kulturen 

des östlichen und südlichen Asiens. 

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung 

Theatinerstrasse 8 


T: + 49 (0)89 224412 

F: + 49 (0)89 291609-81 

www.hypo-kunsthalle.de 

kontakt@hypo-kunsthalle.de 

während der Ausstellung täglich 

10–20 Uhr 


Maharaja 

Pracht der indischen Fürstenhöfe 

bis 24. Mai 2010 

Die Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung 

ist stolz darauf, als Partner 

des Victoria and Albert Museums 

„Maharaja: Pracht der indischen Fürstenhöfe“ 

zu präsentieren. München 

ist neben London der einzige Ort, 

an dem diese aussergewöhnliche 

Präsentation gezeigt wird. Es ist die 

erste Schau, die einen umfassenden 

Blick auf die Welt der Maharajas 

und ihre einzigartig reiche Kultur 

wirft. Die Ausstellung zeigt mehr 

als 250 herausragende Objekte; 

viele kommen zum ersten Mal nach 

Europa und stammen aus Indiens 

Herrschersammlungen. Darunter drei 

Throne, eine Sänfte – angefertigt aus 

vergoldetem Silber –, mit Edelsteinen 

besetzte Waffen, Gemälde, Fotografien, 

indischer Turbanschmuck und 

Schmuck, der bei Cartier und Van 

Cleef & Arpels im 20. Jahrhundert in 

Auftrag gegeben wurde. 

Die Ausstellungsgegenstände 

stammen aus drei Jahrhunderten und 

umspannen den Zeitraum vom 18. 

Jahrhundert, dem Beginn der grossen 

Ära der Maharajas, bis 1947, dem 

Ende der britischen Herrschaft in 

Indien. Damit wird der geschichtliche 

und gesellschaftliche Wandel 

der Rolle der Maharajas wie auch ihr 

Einfluss als Kunstmäzene Indiens und 

Europas anhand ebenso seltener wie 

schöner Stücke veranschaulicht. 

Die königlichen Sammlungen von 

Udaipur und Jodhpur stellen einige 

herausragende Gemälde und 

Objekte als Leihgaben zur Verfügung. 

Ein weiteres Objekt, das zum ersten 

Mal in Europa zu sehen sein wird, 

ist das Kollier von Patiala, Teil des 

grössten Einzelauftrags, den Cartier 

jemals ausführte. Das Kollier wurde 

1928 fertiggestellt und im Jahr 2002 

restauriert; es fasste ursprünglich 

2 930 Diamanten und kam auf fast 

1 000 Karat. 

Galerie von Miller 

St. Anna-Str. 16 


T: +49 (0)89 2193-9180 

F: +49 (0)89 2193-9197 

galerie.von.miller@gmx.de 

www.galerievonmiller.de 

Di–Fr 12–18.30 Uhr, Sa nach 

Vereinbarung 

EISEN – Blut der Erde 

bis 30. April 2010 

Die Geschichte der figurativen Eisenverarbeitung 

ist relativ schwach 

dokumentiert, obwohl die Belege 

für die früheste Eisenverhüttung und 

-verarbeitung in Schwarzafrika auf 

die ersten Jahrhunderte vor unserer 

Zeitrechnung zurückgehen. Eisen 

und Bronze gelten als Blut der Erde, 

als Geschenk des Weltenschöpfers 

und als Exkrement Gottes. Diese 

Materialien sind nahezu unzerstörbar 

und doch wandlungsfähig. Sie 

haben das Leben der Afrikaner in den 

letzten zwei bis drei Jahrtausenden 

nachhaltig geprägt. Die Ausstellung 

gibt einen eindrucksvollen Überblick 

über die Formenvielfalt von Eisen, 

dem Blut der Erde. 




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neuss 

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osnabrück 

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Langen Foundation 

Kunst- und Ausstellungshaus 

Raketenstation Hombroich 1 

D-41472 Neuss 

T: +49 (0)2182 5701-0 

F: +49 (0)2182 5701-10 

info@langenfoundation.de 

www.langenfoundation.de 

täglich 10–18 Uhr 

Eintritt: e 7,50/ermässigt e 5,– 

Skulpturen asiatischer 

Gottheiten 

aus der Sammlung Viktor und 

Marianne Langen 

bis 16. Mai 2010 

Der Hinduismus ist die drittgrösste 

Religion der Erde und fand wie der 

Buddhismus und Jainismus seinen 

Ursprung in Indien. Heute ist er die 

meistverbreitete Religion in Indien, 

Nepal und Bali. Die Ausstellung 

befasst sich neben dem Hinduismus 

auch mit dem Buddhismus, der 

viertgrössten Weltreligion, und dem 

Jainismus. Letzterer ist wie auch das 

Christentum und der Buddhismus 

eine Stifterreligion und bezieht sich 

auf die historische Persönlichkeit 

Mahaviras. 

Als Viktor und Marianne Langen 

1959 das erste Mal nach Indien 

reisten, wurde ihr Interesse für die 

Ausdrucksformen des Buddhismus, 

Jainismus und Hinduismus umgehend 

geweckt und sie begannen 

Skulpturen der Gottesbilder dieser 

Glaubensbekenntnisse zu sammeln. 

Unter dem Titel „Das Gottesbild in 

Ostasien“ wurde die Ausstellung bereits 

im vergangenen Jahr präsentiert 

und anschliessend in der Kunsthal in 

Rotterdam gezeigt. Nun ist die 

aussergewöhnliche Skulpturen- 

Schau, die die Suche nach dem 

Gottesbild der Religionen Hinduismus, 

Buddhismus und Jainismus 

exemplifiziert, in einer veränderten 

Form im sogenannten Japanraum 

der Langen Foundation nochmals 

zu sehen. 

Bis vor zweitausend Jahren besassen 

der Buddhismus, Hinduismus und 

Jainismus keine Gottesbilder in 

menschlicher Form. Erst durch die 

Verbreitung des Theismus und der 

„Bhakti“ Frömmigkeit, wuchs in Indien 

der Bilderkult. Fortan existierte 

eine Vielfalt an göttlichen Erscheinungen, 

die teilweise menschliche 

Gestalt annahmen. 

Diese Erscheinungen offenbaren 

sich in den rund 40 Skulpturen in 

Bronze und Stein aus zwei Jahrtausenden. 

Die Sammlung göttlicher 

Skulpturen ist facettenreich in ihren 

unterschiedlichen Darstellungen des 

Gottesbildes und auch in der Herkunft 

der Werke. Eine der ältesten 

Skulpturen in der Ausstellung ist ein 

Bodhisattva-Torso aus Pakistan, der 

in seiner detaillierten Darstellung 

realistisch wirkende menschliche 

Züge einnimmt. Im Gegensatz dazu 

gibt es Skulpturen wie die tantrische 

Gottheit mit fünf Köpfen aus Kambodscha, 

die die menschliche Gestalt 

in abstrakter Form darstellen, um 

die Attribute Gottes beispielsweise 

durch die Vielzahl der Hände und 

Köpfe und deren Haltung zu verbildlichen. 

Diese verschiedenen Darstellungsformen 

der Skulpturen spiegeln 

die veränderten historischen und 

gesellschaftlichen Verhältnisse der 

einzelnen Länder wider und zeichnen 

die Suche nach dem Gottesbild nach, 

die durch die Umwandlung religiöser 

Kunst entstanden ist. 

Kunsthalle Dominikanerkirche 

Hasemauer 1 

D-49074 Osnabrück 

T: +49 (0)541 323-2190 

F: +49 (0)541 323-2707 

kunsthalle@osnabrueck.de 

Während der Ausstellung geöffnet: 

Di–Fr 11–18 Uhr, Sa, So 10–18 Uhr, 

Mo geschlossen 

Eintritt: e 3,–/ermässigt: e 1,50 

HABARI AFRIKA 

Schönheit und Schrecken in der 

Kunst Afrikas 

11. Juni–25. Juli 2010 

Die Ausstellung zeigt Exponate aus 

den Sammlungen Reinhard Klimmt 

und Gunter Péus sowie aktuelle 

Kunstprojekte afrikanischer Künstler. 

Die Sammlung des ehemaligen 

saarländischen Ministerpräsidenten 

und Bundesverkehrsministers 

Reinhard Klimmt mit Schwerpunkten 

auf Türen und Kopfbedeckungen 

bildet den „historischen“ Kern der 

Ausstellung. Gunter Péus, langjähriger 

Afrika-Korrespondent des ZDF, 

hat vor allem Gemälde, Zeichnungen 

und Grafiken gesammelt, die einen 

profunden Einblick in die Szene vom 

Ende der Kolonialzeit bis zum Jahr 

2000 gewähren. 


stuttgart 

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windach am ammersee 

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Linden-Museum Stuttgart 

Staatliches Museum für 

Völkerkunde 

Hegelplatz 1, D-70174 Stuttgart 

T: +49 (0)711 2022-3 

F: +49 (0)711 2022-590 

info@lindenmuseum.de 

www.lindenmuseum.de 

Di–So 10–17 Uhr, Mi 10–20 Uhr, 


Eintritt: e 3,–/ermässigt e 2,–/ 

Kinder bis 13 J. frei 

Mi 17–20 Uhr Eintritt frei 

Südsee-Oasen 

Leben und Überleben im 

Westpazifik 


Mikronesien: ungezählte Inseln, von 

Palmen umsäumte Sandstrände, 

bunte Unterwasserwelten – die 

europäische Vorstellung eines 

Traumurlaubs. Gleichzeitig ist die Inselwelt 

ein Brennpunkt des globalen 

Klimawandels: Das Korallensterben 

bedroht die Riffe, Sturmfluten die 

Bewohnbarkeit einzelner Inseln und 

den Lebensraum ganzer Staaten. 

Die Ausstellung verbindet die Sicht 

auf die faszinierende Unterwasserwelt 

der Korallen, Atolle und Riffe 

mit Fragen nach dem traditionellen 

Leben und Überleben in dieser Inselwelt. 

Sie beleuchtet die Deutung und 

Nutzung der Umwelt, die sozialen 

Strukturen und die besonderen 

kulturellen Leistungen in Bootsfahrt 

und Navigation, Architektur, Kunst 

und Design, die diesem Leben sein 

ganz besonderes Gepräge gaben und 

geben. 

Weltbild und Kultur der Mikronesier 

spiegeln die Bedingungen der Umwelt. 

Die überregionale Vernetzung 

durch Hochseereisen war Teil der 

Überlebensstrategie. Zentrum 

dieses Ausstellungsteils ist ein bei 

Führungen für die Besucher/innen 

zugängliches Auslegerkanu in 

originaler Grösse von Yap, das den 

Modellen und dem Segelzubehör 

der Sammlung Dimension und Fokus 

gibt. Film- und Videosequenzen 

verdeutlichen die Lebensräume Land 

und Meer und machen Bootsbau, 

Sternenkompass und Segeltechniken 

in ihrer Komplexität erfahrbar. 

Die Welt der Götter und Geister wird 

durch ein originales „Götterhaus“ 

von Palau, durch Skulpturen, Masken 

und Segelzauber lebendig, mit denen 

man jenseitige Kräfte mobilisierte, 

ergänzt durch Blütenkränze, mit 

denen die Frauen vielerorts ihre 

Verbindung zu Geistern und Ahnen 

demonstrieren. Grosse Zeremonialwschalen, 

Tanzschmuck, Kleidung 

und Geldformen ermöglichen einen 

Blick auf die grossen Feste, die bis 

heute die Stationen des individuellen 

Lebens – Geburt und Tod – und die 

Einweihung von Versammlungs- und 

Bootshäusern begleiten. Rüstungen 

und Waffen von Kiribati verweisen 

auf den vormals kriegerischen Aspekt 

mikronesischer Kulturen. 

Sporttraditionen in Afrika 

1. Mai–28. Juli 2010 

In dieser Kabinettausstellung ist 

zu sehen, dass Sport schon in der 

vorkolonialen Tradition Afrikas eine 

wichtige Rolle spielt, ob es sich nun 

um Ringkämpfe bei den Wolof (Senegal), 

rituelle Bootsrennen bei den 

Duala (Kamerun) oder um die Trophäe 

in Form einer Mädchenskulptur 

für den Sieger beim Wetthacken auf 

den Yamsfeldern der Senufo (Elfenbeinküste) 

handelt. Anhand später 

eingeführter westlicher Sportarten, 

wie Fussball, Boxen oder Geräteturnen, 

lässt sich zeigen, wie diese in die 

afrikanische Kultur integriert wurden 

(Elfenbeinküste, Ghana, Kamerun, 

Tansania). 

Privatmuseum für 

aussereuropäische Kunst 

Schützenstrasse 4–5 

D-86949 Windach am Ammersee 

T: +49 (0)172 8412212 

Besichtigung nach telefonischer 

Anmeldung 

Afrika Kleinplastik 

1. Mai bis 1. Juni 2010 


agenda international 

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Figur, Bangwa, Kamerun 

Holz, Pigmente 

© Musée Dapper, Foto Hughes Dubois 

belgien 

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frankreich 

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Tervuren 

Royal Museum for Central Africa 

(RMCA) 

Leuvensesteenweg 13 

B-3080 Tervuren 

T: +32 (0)2 7695211 

F: +32 (0)2 7695638 

info@africamuseum.be 

www.africamuseum.be 

Di–Fr 10–17 Uhr; Sa, So 10–18 Uhr 

Eintritt: € 4,–/ermässigt € 1,50 

100 years museum in 

100 photographs 

30. April 2010–9. Januar 2011 

Das derzeitige Museumsgebäude 

wurde am 30. April 1910 von König 

Albert I. eingeweiht. Zum 100. 

Geburtstag veranstaltet die Stadt 

Tervuren gemeinsam mit dem 

Museum eine Fotografie-Ausstellung 

im Park. 

Congo River 

4 700 kilometres bursting 

with nature and culture 

27. April 2010–9. Januar 2011 

Auf über 4 500 km Länge und bis zu 

30 km Breite zeigt der Kongo-Fluss 

viele Gesichter: Er fliesst ruhig durch 

die Ebenen, aber auch tosend durch 

Stromschnellen und Wasserfälle. 

Die Lebensader Zentralafrikas ist 

eine Quelle von ausserordentlicher 

biologischer, geografischer und kultureller 

Vielfalt. 

Die Ausstellung folgt dem Kongo von 

seiner Quelle bis zur Mündung durch 

den äquatorialen Regenwald und 

behandelt dieses Thema basierend 

auf den Sammlungen und Forschungen 

des RMCA. 

Indépendance! 

Congolese tell their stories of 50 

years of independence 

11. Juni 2010–9. Januar 2011 

30. Juni 1960: Der Kongo erklärt 

seine Unabhängigkeit. 50 Jahre 

später organisiert das Museum 

eine Ausstellung, die dieses Ereignis 

Unabhängigkeit in seiner historischen, 

politischen und geografischen 

Bedeutung beleuchtet. Die Hauptakteure, 

die Kongolesen selbst, stehen 

im Mittelpunkt. Damit präsentiert 

die Ausstellung die unzähligen 

persönlichen Erlebnisse, historischen 

Interpretationen und politischen 

Ereignisse dieser Zeit, die bis heute 

präsent sind. Mit Archivmaterial, 

Objekten, Fotografien, Zeitzeugen, 

Filmmaterial und themenbezogenen 

Kunstobjekten bietet die Ausstellung 

eine Vielfalt an Perspektiven. 

Paris 

Musée du quai Branly 

222 rue de l’Université 

37 quai Branly, F-75007 Paris 

T: +33 (0)1 56617000 

contact@quaibranly.fr 

www.quaibranly.fr 

Di–So 10–18.30 Uhr, Do bis 

21.30 Uhr, Mo geschlossen 

Eintritt: € 8,50/ermässigt € 6,– 

La Fabrique des images 

bis Juli 2011 

Die dritte anthropologische Ausstellung 

des Musée du quai Branly 

widmet sich den ikonografischen 

Modellen der Menschheit auf fünf 

Kontinenten. Die Ausstellung zeigt 

auf, was auf Anhieb in einem Bild 

nicht gesehen wird: jene Effekte, 

die die Verfasser erzielen wollen, 

Wirkungen, die unser okzidentaler 

Blick nicht entschlüsselt. 

Sexe, mort et sacrifice 

dans la religion Mochica 

bis 30. Mai 2010 

Die Moche-Kultur (auch Mochica 

genannt), benannt nach dem Fluss 

Moche, entwickelte sich vom 1. Jh. 

bis zum 8. Jh. an der Nordküste 

Perus. Die vom Museo Chileno de 

Arte Precolombino (Santiago de 

Chile) konzipierte Ausstellung 

schneidet ein sehr komplexes Thema 

an: Die Riten in Zusammenhang mit 

dem Übergang des Herrschers – 

des höchsten Würdenträgers, der 

ungeteilt über seine Untertanen und 

die Natur herrschte – von der Welt 

der Lebenden in die Welt der Toten. 

Da eine Schrift in der Kultur fehlte, 

wurden kunstvolle Keramiken bei 

den Kulthandlungen eingesetzt. 

Musée Dapper 

35 rue Paul Valéry, F-75116 Paris 

T: +33 (0)1 45000150 

communication@dapper.com.fr 

www.dapper.com.fr 


L’Art d’être un homme 

bis 11. Juli 2010 

Im Mittelpunkt der Ausstellung 

stehen Ornamente und Symbole, die 

für die männliche Identität in Afrika 

südlich der Sahara und in Ozeanien 

bezeichnend sind.Die Ausstellung 

zeigt eine Vielzahl unterschiedlicher 

Werke, wie Schmuck, Skulpturen, 

Kleidung, Insignien, und geht auf 

die materiellen und symbolischen 

Bedeutungen ein, die den Objekten 

beigemessen werden. 

Musée du Louvre 

F-75058 Paris Cedex 01 

T: +33 (0)1 40205050 

F: +33 (0)1 40205452 

www.louvre.fr 


Eintritt: € 6,– 

Méroé, un empire 

sur le Nil Antiquités 

égyptiennes 

bis 6. September 2010 

Routes d’Arabie – Trésors 

archéologiques du royaume 

d’Arabie saoudite 

16. Juli bis 27. September 2010 


grossbritannien 

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Kanada 

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spanien 

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usa 

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London 

Toronto 

Barcelona 

New York 

The British Museum 

Great Russell Street 

GB-London WC1B 3DG 

T: +44 (0)20 73238299 

(information desk) 

visitorinformation@thebritish 

museum.ac.uk 

www.thebritishmuseum.ac.uk 

So–Mi 9–18 Uhr, Do–Sa 9–23 Uhr 

Eintritt frei 

Kingdom of Ife 

Sculptures from West 

Africa 


Eine sehenswerte Ausstellung, die 

der Kunst von Ife, dem früheren 

Yoruba-Staat in Westafrika (im heutigen 

Südwesten Nigerias), gewidmet 

ist und über 100 aussergewöhnliche 

Bronze-, Terrakotta- und Steinskulpturen 

aus dem 9. bis 15. Jh. zeigt. 

Viele der Exponate waren noch nie 

ausserhalb Nigerias zu sehen. 

Impressions of Africa: 

money, medals and stamps 

bis 6. Februar 2011 

South Africa 

Landscape 

29. April–10. Oktober 2010 

Royal Ontario Museum 

100 Queen’s Park 

Toronto, Ontario M5S 2C6 

T: +1 416 5868000 

www.rom.on.ca 

Stitching Community 

African Canadian Quilts From 

Southern Ontario 


Coffee & Smokes 

in Medieval Yemen 

bis Juli 2010 

The Warrior Emperor and 

China’s Terracotta Army 

ab Juni 2010 

Museu Barbier-Mueller 

D’Art Precolombi de Barcelona 

Montcada, 12–14 

E-08003 Barcelona 

T: +34 (0)93 3104516 

F: +34 (0)93 2683938 

museubarbier@mail.bcn.es 

www.barbier-mueller.ch 

Mo–Sa 10–18 Uhr, So und Feiertage 

10–15 Uhr, Mo (ausser Feiertage) 

geschlossen 

Eintritt: € 3,–/ermässigt € 1,50 

Kinder bis 16 Jahre frei 

Chefs d’œuvre de l’art 

précolombien dans 

les collections Barbier- 

Mueller 

bis April 2010 

Die Ausstellung bietet die einzigartige 

Möglichkeit, das grandiose 

Vermächtnis der Urvölker Mexicos, 

Costa Ricas, Panamas, Kolumbiens, 

Venezuelas, Ecuadors, Perus und 

des Amazonien-Gebietes kennen zu 

lernen und die Komplexität sowie 

den Reichtum dieser Neuen Welt zu 

verstehen. 

The Metropolitan Museum of Art 

1000 Fifth Avenue at 82nd Street 

New York, New York 10028-0198 

T: +1 212 535 7710 

www.metmuseum.org 

Di–Do 9.30–17.30 Uhr, Fr, Sa 

9.30–21.00 Uhr, So 9.30–17.30 Uhr, 


Eintritt: 

€ 15,–/ermässigt €10,–/€ 7,– 

Five Thousand Years 

of Japanese Art: 

Treasures from the 

Packard Collection 


Celebration: The Birthday 

in Chinese Art 

bis 15. August 2010 

Sounding the Pacific: 

Musical Instruments of 

Oceania 


Tutankhamun’s Funeral 


Epic India: Scenes from 

the Ramayana 


Tibetan Arms and Armor 

from the Permanent 

Collection 

bis Herbst 2010

agenda messen/auktionen 

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© Lempertz 

© Koller Zürich 

© Zemanek 

messen 

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auktionen 

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New York 

Brüssel 

New York 

Würzburg 

The New York 

International Tribal 

& Textile Arts Show 

14.–17. Mai 2010 

The Market Suites at 

7W New York 

7 West 34th Street at 5th Avenue 

opposite the Empire State Building 

New York, NY, 10001 

Brüssel 

BRUNEAF 

9.–13. Juni 2010 

Brussels Non-European Art Fair 

13, Impasse Saint Jacques 

B-1000 Brüssel 

T: +32 (0)2 5140209 

F: +32 (0)2 5140209 

info@bruneaf.com 

www.bruneaf.com 

Kunsthaus Lempertz 

www.lempertz.com 

Afrika/Tribal Art 

24. April 2010 

Hong Kong 

Christie’s 

www.christies.com 

T: +852 2521 5396 

Southeast Asian Modern 

and Contemporary Art 

30. Mai 2010 

Köln 

Kunsthaus Lempertz 

www.lempertz.com 

Sotheby’s 

www.sothebys.com 

African, Oceanic and 

Precolumbian ArT 

14. Mai 2010, 10 Uhr 

Besichtigung: 8., 9., 10., 11., 12., 13. 

Mai 2010 

Bonham’s 

www.bonhams.com 

African and Oceanic Art 

13. Mai 2010 

New York 

Paris 

Christie’s 

www.christies.com 

T: +33 (0)1 4076 8585 

Zemanek-Münster 

Hoerleingasse 3-5 

D-97070 Würzburg 

T: +49 (0)931 17721 

F: +49 (0)931 17736 

info@tribal-art-auktion.de 

www.tribal-art-auction.com 

Tribal Art Auktion 

10. Juli 2010 

Zürich 

Auktionshaus 

Galerie Koller 

Hardturmstrasse 102 


T: +41 (0)44 4456363 

F: +41 (0)44 2731966 

office@galeriekoller.ch 

www.galeriekoller.ch 

BOAF 

9.–13. Juni 2010 

Brussels Oriental Art Fair 

The SABLON 

Rue Mignot Delstanche 17 

B-1050 Brüssel 

T: +32 (0)2 3444171 

www.boafair.be 

info@boafair.be 

BAAF 2010 

9.–15. Juni 2010 

The Ancient Brussel Art Fair 

Quartier des Sablon 

Brüssel 

info@baaf.be 

www.baaf.be 

Asiatische Kunst 

China, Tibet/Nepal, Indien, 

Südostasien, Korea, Japan 

11./12. Juni 2010 

München 

Neumeister 

Münchener Kunstauktionshaus 

Barerstrasse 374 


T: +49 (0)89 231710-0 

F: +49 (0)89 231710-55 

info@neumeister.com 

www.neumeister.com 

AUKTION 

AFRIKA & MODERNE 

10. Juni 2010 

Besichtigung 3.–8. Juni 2010 

Art d’Asie 

8. Juni 2010 

Besichtigung: 4., 5., 7. Juni 2010 

Art Africain et Océanien 

15. Juni 2010 

Besichtigung: 11., 12., 14., 

15. Juni 2010 

Sotheby’s Paris 

www.sothebys.com 

T: +33 (0)1 5305 5305 

Asian Art 

9. Juni 2010, 10.30 und 14.30 Uhr 

Besichtigung: 5., 7., 8. Juni 2010 

Afrikanische Kunst 

28. Juni 2010 

Besichtigungen: 

Genf: 10. bis 18. Mai 2010 

München: 27./28. Mai 2010 

Zürich: 12. bis 26. und 28. Juni 2010 


textile kunst 

aus afrika 

Sonderausstellung von 

23. Mai bis 12. September 2010 

Haus der Völker Kulturverein 

St. Martin 16, A-6130 Schwaz/Tirol, Austria, Tel. +43-(0)5242-66090 

info@hausdervoelker.com · www.hdv-online.eu 

Täglich geöffnet von 10 bis 18 Uhr

Reisspeicher des Rautenstrauch-Joest- 

Museums vor dem Abbau in Tana 

Toraja, Sulawesi, Indonesien. 

© Foto Ursula Schulz-Dornburg, 1984 

Fokus Deutschland 

Das kommende A 4 wird sich als „Special“ den Sammlern, Galerien 

und Museen Deutschlands widmen. Die Idee eines Schwerpunktes 

wurde schon einmal verwirklicht, im Heft Nr. 6, das die Schweizer 

Kulturvermittler und Sammler zum Thema machte. Dabei werden 

besondere Ereignisse berücksichtigt, wie etwa die Neueröffnung 

des Kölner Rautenstrauch-Joest-Museums, das zu den bedeutendsten 

Völkerkundemuseen Deutschlands zählt. Seine Sammlung 

umfasst neben rund 65 000 Objekten einen Bestand von 100 000 

historischen ethnografischen Fotografien sowie eine überregional 

bedeutende Fachbibliothek mit 40 000 Bänden. Seit Jänner 2008 

ist das Museum am Ubierring geschlossen. Der kurz vor der Fertigstellung 

stehende Neubau wird erheblich mehr Platz für Ausstellungen 

bieten und das Museum als einen lebendigen Ort der 

Begegnung erfahrbar machen. Voll Spannung erwarten wir 

dieses Ereignis. 

Darüber hinaus werden aber auch alle Galerien und Ausstellungsorte 

aufgenommen, die in den letzten Jahren Deutschland zu 

einem wichtigen Schauplatz aussereuropäischer Kunst gemacht 

haben. Aktuelles und Geschichten aus fernen Kulturen machen das 

kommende Heft zu einem spannenden Bild- und Textmagazin. 


International 

Issue No. 11 

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vorschau 

Magazin 



Afrika 

Australien 

Asien 

Amerikas 

02 / 10 

Fokus Deutschland

Afrikanische Kunst 

Nächste Auktion: 28. Juni 2010 

Vorbesichtigung: Zürich: 12. - 26. Juni 2010 

Widderkopf 

Owo, Nigeria, H: 41,5 cm 

Schweizer Privatsammlung 

Schätzung: € 10'000 / 20'000

G o l d i n d e r K u n s t W e s t a f r i k a s 

Sonderausstellung Juni bis August 2010 

Katalog erhältlich unter www.walu.ch 

Tit.Nr. 4913 

Rämistrasse 25 · 8001 Zürich · Switzerland · Tel. +41 44 280 20 00 · info@walu.ch · www.walu.ch

Der Kongo-Fluss

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