Programmheft Ensemble Europa (PDF-Download: 669,9 KB) - WDR 3

wdr3.de 

ensembl[:E:]uropa 

Vier Konzerte 

Funkhaus Wallrafplatz 

2013|14 

[37–40] 

wdr 3. Aus Lust am Hören. 

1

ensembl[:E:]uropa – 

so klingt Europa 

ensembl[:E:]uropa geht 2013 ins siebte 

Jahr und erreicht dabei die stolze Marke 

von 40 Konzerten. Wie gewohnt bildet 

unsere Reihe auch diesmal die große Vielfalt 

europäischer Kulturidentitäten musikalisch 

ab. Von Portugal bis zur Ukraine 

wird Europa dabei von Ost nach West 

nahezu ganz durchmessen, mit weiteren 

Stationen in Deutschland, Frankreich, 

der Schweiz und Großbritannien. Die 

Formationen, die im Großen Sendesaal 

des wdr-Funkhauses vom Trio bis zum 

Kammerorchester gastieren werden, 

bringen allesamt hohes internationales 

Renommee mit. 

Dabei entspricht es der Zielsetzung 

von ensembl[:E:]uropa, neben den arrivierten 

Protagonisten auch der künstlerischen 

Aufbruchsstimmung engagierter neuer 

Ensembles ein Forum zu bieten und sie 

durch wdr-Auftragswerke mit den Komponisten 

in NRW zu vernetzen. Somit 

kommen also auch die Ausblicke auf die 

Zukunft der Neuen Musik unseres Kontinents 

nicht zu kurz. 

Samstag · 2. November 2013 

20:00 

Klaus-von-Bismarck-Saal 

ensembl[:E:]uropa [37] 

Remix Ensemble Casa da Música, 

Porto (P) 

franco donatoni 

salvatore sciarrino 

luís antunes pena 

georg friedrich haas 

Seite 4 

Montag · 16. Dezember 2013 

20:00 



trio accanto (CH/D/GB) 

3R neue blasmusik (D/HUN) 

karlheinz stockhausen 

hans thomalla 

vykintas baltakas 

mark andre 

oxana omelchuk 

andreas dohmen 

georges aperghis 

Seite 6 

Sonntag · 12. Januar 2014 

20:00 



Ensemble Nostri Temporis, Kiew (Ukraine) 

maksym kolomiiets 

bohdan sehin 

carola bauckholt 

anna arkushyna 

sven-ingo koch 

alexey shmurak 

Seite 12 

Samstag · 15. Februar 2014 

20:00 



Les Percussions de Strasbourg (F) 

edgard varèse 

john cage 

oliver schneller 

mark andre 

philippe leroux 

Seite 16 

Einführung 

jeweils um 19:15 

2 3

[37] 

Samstag · 2. November 2013 

20:00 



19:15 · Einführung mit 

Luís Antunes Pena 

Remix Ensemble 

Casa da Música 

Porto (P) 

Angel Gimeno, José Pereira · Violine 

Trevor Mctait · Viola 

Oliver Parr · Violoncello 

António A. Aguiar · Kontrabass 

Stephanie Wagner · Flöte 

Simon Strasser · Oboe 

Vítor J. Pereira, Ricardo Alves · 

Klarinetten 

Roberto Erculiani · Fagott 

Nuno Vaz · Horn 

Ales Klancar · Trompete 

Ricardo Pereira · Posaune 

Mário Teixeira, Manuel Campos · 

Schlagzeug 

Jonathan Ayerst · Klavier 

Leitung: Peter Rundel 

Moderation: Martina Seeber 

Sendung im Radio: 

wdr 3 Konzert 

Mi, 27. November 2013, wdr 3 


Spiri (1977) 

per 10 strumenti 


Da un divertimento (1968 – 70) 

für Ensemble 

Adagio (Romanza) 

Scherzo 

Pause 


Rau (2013) 

für Ensemble 

Kompositionsauftrag des wdr ua 


Remix (2007) 

für Ensemble de 


Spiri (1977) 

Donatoni bezeichnete die Komposition 

Spiri als »froh, fast euphorisch«. Verschiedene 

Faktoren unterstreichen diese Eigenschaften: 

das vom Diskant dominierte 

Ensemble mit der konzertanten Oboe und 

Violine, die Tanzrhythmen und die modalen 

Tonleitern, vor allem aber die aufstrebenden 

melodischen Bögen. Das Stück ist 

Salvatore Sciarrino gewidmet, dessen 

Klangwelt der Schatten und der Dämmerung 

unmittelbar vor Ende des Werkes anklingen. 


Da un divertimento (1968 – 70) 

Das Stück besteht aus einem Adagio (Romanza) 

und einem Scherzo, die ursprünglich 

den dritten und vierten Satz eines 

fünfteiligen Werkes bildeten. Der Titel, 

den ich provisorisch zu Beginn der Komposition 

vergeben habe, ist als Erinnerung 

geblieben auf ein nie voll endetes Projekt. 

Das Werk ist Mario Pascucci gewidmet. 



Rau (2013) 

Rau für Ensemble basiert auf einer Original- 

Aufnahme zweier alter Frauen aus dem 

Süden Portugals, die in hoher Geschwindigkeit 

populäre Zungenbrecher, sogenannte 

Trava-línguas, rezitieren. Die Flächen 

aus vielfältigen Kombinationen und 

Permutationen, aus Konsonanten und Vokalen, 

Tonhöhen und Rhythmen, Melodien 

und perkussiven Klängen, bilden das Zentrum 

meiner kompositorischen Spekulationen. 

Dieses Material habe ich mithilfe 

selbst entwickelter Programme analysiert 

und als Skizze für die Komposition benutzt. 

Die raue Oberfläche der Sprache: 

Momente zwischen abstrakter und empirischer 

Wahrnehmung. 



Remix (2007) 

Eigentlich wollte ich in Remix nicht Neues 

versuchen – nur Elemente, die bereits erprobt 

waren, in einen anderen Zusammenhang 

stellen: 

· das »zitternde Unisono« aus Nacht- 

Schatten 

· die perlenden Läufe, mit denen in vain 

beginnt 

· das dichte Gewebe aus dem zweiten Teil 

der Oper Melancholia 

· die freie Aneinanderreihung unterschiedlicher 

Elemente, wie z. B. in natures mortes 

oder im zweiten Teil des Bruchstück 

· die Schlagzeugeinwürfe aus natures 

mortes 

· die gebrochenen Akkorde aus Monodie 

Entstanden ist ein sehr dichtes Stück mit 

vielen Tönen, das höchste virtuose Anforderungen 

stellt. Der musikalische Sinn 

entsteht dabei nicht aus den einzelnen 

Tönen und Klängen, sondern nur aus dem 

Gesamtklang – im 19. Jahrhundert hätte 

man hier von »Harmonie« gesprochen. 

In dieser Dichte, in dieser manischen Konzentration 

auf hastig dahin fließende oder 

stockende Elemente habe ich – entgegen 

meiner ursprünglichen Absicht – dann 

doch für mich Neuland betreten. Mikrotonalität 

ist in Remix fast völlig ausgespart. 


4 5

[38] 

Montag · 16. Dezember 2013 

20:00 




Oxana Omelchuck und 

Andreas Dohmen 

trio accanto 

(CH/D/GB) 

Marcus Weiss · Saxophone 

Nicolas Hodges · Klavier 

Christian Dierstein · Schlagzeug 

3R neue blasmusik 

(D/HUN) 

Gregor Schulenburg · Flöten 

Boglárka Pecze · Klarinetten 

Paul Hübner · Trompeten 

Moderation: Johannes Zink 


wdr 3 Konzert 

live 


Quitt (1989) für Altflöte, 

Klarinette und Piccolotrompete 

hans thomalla 

Lied (2007 – 08, revidierte Fassung 

2012) für Tenorsaxophon, 

Vibraphon und Klavier 


Unvollendete ... (1994/1999) 

für Flöte, Bassklarinette und Trompete 

mark andre 

durch (2004 – 05) für Saxophon, 

Schlagzeug und Klavier 

Pause 


Opus 56 (2012 – 13) 

Triple Concerto für Flöte, Klarinette, 

Trompete und Web-Recycling-Casio 

DM-100-Orchestra, Triple Hommage 

an David Cope, John Oswald und 

Paul Henry Smith 



versi rapportati (2013) 

für Saxophon, Schlagzeug und Klavier 



triple (2010) 

für Flöte, Klarinette und Trompete 


Quitt (1989) 

Quitt ist eine Zeichnung in den drei Farben 

Rot (für Altflöte), Grün (für Klarinette), 

Dunkelblau (für Trompete). Die Zwischenstufen 

sind in der Zeichnung so klein, dass 

jeder Spieler möglichst viele Griffe entdecken 

und weitere Frequenzen mit den Lippen 

erzeugen muss. An manchen Stellen 

sind Linien in gleicher Farbe überlagert. 

Für solche Fälle wurde entschieden, Triller 

bzw. Tremoli mit Mikrostufen zu spielen, 

um den grafischen Details möglichst zu 

entsprechen. Eng beieinander liegende 

Frequenzen erzeugen oft Schwebungen 

und Kombinationstöne. 

Bei einer Aufführung kommen die drei 

Interpreten aus verschiedenen Himmelsrichtungen 

spielender Weise aufeinander 

zu. Sie stehen dann zusammen, variieren 

jedoch die Spielrichtungen. An der dichtesten 

Stelle stehen alle drei eng zusammen. 

Der Titel besagt, dass nach der sehr eingeengten 

Spielerfahrung und anschließenden 

Entfernung durch den Tonhöhen- 

Absturz des Trompeters die beiden 

Holzblasinstrumente und das Blechblasinstrument 

»quitt« sind. 

Selbstverständlich kann Quitt auch mit 

beliebigen anderen Instrumenten und 

Kombinationen der Geschlechter interpretiert 

werden. 


hans thomalla 

Lied (2007 – 08/2012) 

Mein Lied geht von ganz einfachen, fast 

schablonenhaften musikalischen Gestalten 

aus: einer langsamen Melodie im 

Saxophon und einem Reservoir von sechsstimmigen 

Akkorden. Auch die Form ist 

einfach – vier Strophen, drei Refrains und 

eine Coda. 

Trotz dieser vordergründigen Einfachheit 

erklingt eine Musik, die in der Erforschung 

der eigenen Widersprüche eine 

unerwartete Reichhaltigkeit findet. Melodie- 

und Akkordtöne einerseits, und ihre 

klangliche Realisierung andererseits gehen 

nie reibungslos ineinander auf. Die 

Mannigfaltigkeit der Klänge im Saxophon 

(vom Mehrklang zum gehauchten Einzelton), 

die verschiedenen Anschlags- und 

Ausklangsformen im Klavier und Vibraphon 

– es entsteht eine andere Melodik 

und Harmonik, in der Klang, Linie und 

Akkorde immer wieder neu reagieren und 

einander vergegenwärtigen. 

hans thomalla 

6 7


Unvollendete ... (1994/1999) 

mark andre 

durch (2004 – 05) 

Gehen. Du. Gehst. 

Ein langer Flur. Die Türen. 

Weiter. Immer ein langer Flur. 

Viele Türen – Versuch sie aufzumachen. 

Immer. 

In einem endlosen Flur: Gehen, Du ... 

Ich 

Die alte Schule: ernst mit einem Blumenstrauß 

(die Blumen!) – 

die Blumen aus einer anderen Welt. 

Es klingt eine Margerite. 

Viele Türen. Immer Türen. Ohne Klinken. 

Es klingt eine Klinke. 

Neue Schule: allein, ängstlich, frech. 

Ein Gesicht hinter Winterglas. Ewiges Glas. 

Weiter von Anfang. Auf schmutzigem 

Asphalt zwinkert ein toter Taubenkopf. 

Es klingt eine Margarete. 

Kein Herankommen. Keine Regung. 

Die Ruhe eines Verurteilten. 

Die Türen. 

Klein. Weint einsam hinter der Tür. 

Leeres Zimmer, leere Stadt – immer. 

Hinter dem Glas – ein Tag ohne dich. 

Immer ... immer weiter ... im langer Flur. 

Als gäbe es zuviel Zeit, als wäre die Zeit 

gestorben (getötet). 

Eile! 

Aber du kommst nie an. 

Weiter. Immer weiter. 

Du kannst nicht verstehen. Wann ist der 

letzte Augenblick – 

Gesicht in warmem Licht und nur 

Erinnerung. Immer Erinnerung. 

Weiter in Erinnerung. 

Du machst nicht auf! 

Immer 

Nach vytautas rubavičius Raktas užmirštas 

(Akies šukė, vaga, vilnius 1991) 

Der Titel des Stücks verweist direkt auf 

einen Abschnitt aus dem Lukas-Evangelium 

13, 23 – 24: »Es sprach aber einer zu 

ihm: Herr, meinst Du, dass nur wenige selig 

werden Er aber sprach zu ihnen: Ringt 

darum, dass ihr durch die enge Pforte 

hineingeht; denn viele, das sage ich euch, 

werden danach trachten, wie sie hineinkommen, 

und werdens nicht können.« 

Die Antwort des Jesus von Nazareth, der 

sich gerade auf dem Weg nach Jerusalem 

befindet, ist wie sehr häufig bei ihm so klar 

wie überaus kryptisch zugleich. Welche 

Spur wird von den Auserwählten, die 

»durch die enge Pforte« gehen, hinterlassen, 

welche Art des Schicksals bleibt für 

die anderen reserviert durch variiert und 

thematisiert musikalisch die Konzepte des 

Übergangs und der Spur, die von Lukas in 

einem hoch metaphysischen Kontext evoziert 

werden. 

Grundlegende Spieltechniken werden 

aus verschiedenen Strategien der Zerlegung 

entwickelt. Der Pianist verwendet 

extreme Register, Präparationen, das Haltepedal 

als Filter sowie zusätzliche Objekte, 

die im Flügelinneren zum Einsatz 

kommen. Der Saxophonist verwendet multiple 

Varianten des Slap und der Multiphonics, 

Kopfresonanz, Aus- und Einatmung 

sowie Färbung der Formanten. Der Schlagzeuger 

nutzt seine Hände für verschiedene 

Anschlagsarten: mit Fingerspitze oder 

Handfläche, auch mit Schlegel und Kontrabassbogen. 

Die Gesamtheit der Spieltechniken eröffnen 

verschiedene Kategorien von Klang 

(metallisch, harmonisch, unharmonisch) 

und von Geräuschen (matt/trocken/widerhallend/klar/dunkel). 

Die Verwendung der 

Resonanzeffekte zwischen den Instrumenten 

führen zu einer Art »Metainstrument«, 

d. h. einem virtuellen Instrument, 

das aus der Aktivität und der Wahrnehmung 

des Stückes resultiert. 

Meine Komposition durch bietet 

dem Hören verschiedene Varianten des 

Materials an. Dabei findet man sich an den 

Grenzen der instrumentalen und sogar der 

vitalen Praxis wieder, z. B. bei den »Asthma« 

genannten Spielarten des Saxophons, 

das verschiedene Stadien einer Asthma- 

Krise simuliert. Dieser Zustand verweist 

direkt auf die von Jesus gegebene Antwort 

hinsichtlich ihres existentiellen und metaphysischen 

Charakters: »Ringt darum, 

dass ihr durch die enge Pforte hineingeht.« 

mark andre 

8 9


Opus 56 (2012-13) 


versi rapportati (2013) 


triple (2010) 

Die Tatsache, dass die Artefakte der Hochkultur 

im digitalen Zeitalter durch ihre 

ständige Verfügbarkeit genauso gewöhnlich 

werden wie die Billigwaren der Populärkultur, 

ist offensichtlich (frei nach Harry 

Lehmann). Damit verschwindet die Aura 

der Hochkunst, wie es von Walter Benjamin 

angesichts der technischen Reproduzierbarkeit 

der Kunst prophezeit wurde. 

Auch der Komponist verliert allmählich 

den romantischen Status des Erfinders: 

jedes künstlerische Material ist mit einem 

Bedeutungsgehalt aufgeladen, und die 

Versuche, neuen Klang zu erfinden, führen 

zu nichts anderem als zur Tautologie. 

Aber gerade die Sprachfähigkeit des schon 

existierenden Materials provoziert einen 

anderen Umgang mit ihm, was man in der 

Rekombination wiederfindet: man schreibt 

neue Texte mit schon vorhandenen Buchstaben. 

In vielen meiner letzten Stücke wird 

das Komponieren mit dem Aufbau eines 

Assoziationsnetzwerkes angefangen; 

ich suche nach kontextuellen Beispielen, 

Allusionen, Assoziationen zu einem bestimmten 

Thema, sei es eine vorgegebene 

Besetzung, Gattung oder ein Begriff. Der 

Kompositionsprozess wird dadurch vom 

Notenpapier weg in eine Assoziationen bildende 

Recherche-Oberfläche verlagert. 

Durch die Eingabe des Wortes »triple 

concerto« in eine Suchmaschine kam ich 

zu unzähligen Fremdreferenzen. Ausgehend 

von diesem »Repertoire« schrieb ich 

mein Triple Concerto, ein typisches Kunstprodukt 

im digitalen Zeitalter, Ergebnis 

eines Web-Recycling-Prozesses, verfeinert 

durch die antiken Preset-Sounds meines 

billigen Casio-M100-Keyboards. 

Der Name des Stückes verweist auf die 

Triple-Concerti von Ludwig van Beethoven 

und Alfredo Casella, beide mit der Werknummer 

56. 


Eine Musik komponiert nach Prinzipien der 

versi rapportati, jener »rückbezogenen«, 

»zurückgetragenen« Verse in Listengedichten 

des Barock: Listen mit verschränkten 

Aufzählungen, in denen sich die (Vers) 

strukturen immer wieder auflösen. Ein 

Stück, in dem die Klangereignisse wie aufgelistet 

scheinen, in klarer additiver Reihung. 

Mit definierten Zeilenlängen und 

(prozessualen) Ereignisdichten, in logischen 

Folgen, wobei sich einzelne Elemente 

immer wieder verselbständigen, um 

in neue Listenordnungen einzugehen und 

in der horizontalen Fortschreitung mehrdeutig 

zu erscheinen. 


Georges Aperghis erzählte mir einmal diese 

unglaubliche Geschichte, von der ich 

noch immer nicht weiß, wie man sie verstehen 

soll: »Beim Komponieren muss man 

sich ständig Ohren überstülpen, die einem 

nicht gehören.« Man muss also mehr als 

ein Paar Ohren haben, um das, was man 

schreibt, zu hören und immer wieder neu 

zu hören. Aus jeweils anderer Perspektive 

und bis ins letzte Detail. 

Einfach gesprochen heißt das: Man 

muss ein kritisches Gehör haben; die 

Noten, die man soeben auf das Papier geworfen 

hat, drehen und wenden, immer 

wieder durcheinander mischen – sie so 

hören, als wäre man ein anderer. 

Aber Georges geht weiter: Diese Ohren, 

diese anderen Ohren, hat man nicht; 

man muss sie jedes Mal erfinden. Sie 

schaffen, sie bauen wie ein nie gehörtes 

Instrument, um das nie Gehörte zu hören. 

Oder besser: um unerhört zu hören (so 

wie man sagen würde: gut oder schlecht 

hören). 

Und er fügt hinzu: das Erfinden dieser 

anderen Ohren geschieht in uns ohne uns. 

Schritt für Schritt wird daran gearbeitet. 

Komponieren ist für ihn vielleicht vor allem 

das Produzieren von Ohren. Vielfältige, 

unzählige. Und noch gesichtslose. 

peter szendy 

10 11

[39] 

Sonntag, 12. Januar 2014 

20:00 




Sven-Ingo Koch 

Ensemble 

Nostri Temporis 

Kiew (Ukraine) 

Oleksii Shmurak 

Nazarii Stets 

Stanislav Ulianov 

Sergii Cherevatenko 

Sergiy Loginov 

Dmytro Pashynskyi 

Igor Iermak 

Olga Zhukova 

Bohdan Sehin 

Sofiia Suldina 

Leitung: Grzegorz Wierus 

Moderation: Kornelia Bittmann 


Charred ruins of the scared rainbows (2010) 

für Flöte, Oboe, Klarinette, Horn, Klavier, 

Violine, Violoncello und Kontrabass 

bohdan sehin 

Interaction forms (2011) 

für Flöte, Oboe, Horn, Violine 

und Violoncello de 


Zopf (1992 – 94) für Flöte, Oboe 

und Klarinette 

Pause 


Körnung (2012) 

für Flöte, Klarinette, Klavier, Violine 

und Violoncello de 


Erde (2013) 

Sextett für Flöte, Klarinette, Klavier, 

Violine und Cello 



Easy passions (2013) 

für Flöte, Oboe, Klarinette, Trompete, 

Horn, Schlagzeug, Klavier, Violine, 

Violoncello und Kontrabass ua 


Charred ruins of the scared rainbows 

(2010) 

Wie viele Träume liegen in einer handvoll 

Regenbögen Wie viel Asche in einer handvoll 

Tagen Wenn die verbrannten Sterne 

herabfallen, füllen sich Hände und Augen 

mit Asche. Zaghaft kriecht Licht auf den 

Krücken seiner eigenen Strahlen durch die 

Ruinen klagender Regenbögen, kühl und 

fern dem Erwachen. 


bohdan sehin 

Interaction forms (2011) 

Wir nehmen unser Leben als ewig sich 

wandelnden Fluss wahr, bewusst oder 

unbewusst. 

bohdan sehin 


wdr 3 Konzert 

Mi, 22. 1. 2014, 20:05 

12 13


Zopf (1992 – 94) 


Körnung (2012) 


Easy passions (2013) 

Zopf könnte man – dem Titel entsprechend 

– als Musikalisierung von etwas Außermusikalischem, 

von einem Flechtvorgang 

hören und deuten. Jedoch: Eine solche Metaphorik 

ließe sich im Nachhinein wohl jeder 

dreistimmigen, polyphonen Musik unterschieben. 

Die Verflechtung von Flöte, 

Oboe und Klarinette entwickelt sich in Zopf 

ohnehin nicht als Selbstzweck, sondern im 

Zuge einer ganz anderen Arbeit: der Suche 

nach Schnittstellen zwischen Geräusch 

und Klang, zwischen Naturlaut und Kunstlaut, 

und hier besonders zwischen dem 

Instrumentalen und dem Vokalen. 

48 verschiedene, in der Spielanweisung 

tabellarisch geordnete Phoneme erweitern 

das ohnehin sehr weite Spektrum der Instrumentalklänge 

– die Grenze vom Ton 

über Blasgeräusche bis hin zum rein vokalen 

Laut ist fließend. Fast so variantenreich 

wie das Material ist die Kombination oder 

eben Verflechtung der Stimmen. Mal kommen 

bloß zwei zusammen, während die 

dritte vehement stört, mal löst sich der gesamte 

Verband auf, mal scheint die Verflechtung 

locker, mal – besonders im Mittelteil 

mit seinen langen, rutschenden 

Haltetönen – äußerst eng. Ihren eigenwilligen 

Zopf flicht Carola Bauckholt im übrigen 

nicht nur durch die Annäherung und 

Überkreuzung von Tonhöhen – auch die 

rhythmische Verzahnung der Stimmen am 

Ende und das versetzte Auf- und Abschwellen 

der Dynamik mag in diesem 

Sinne durchaus bildlich verstanden werden. 

Musik und Wirklichkeit sind hier nicht 

geschieden. Selbst in so scheinbar autonom-musikalischen 

Werken wie Zopf 

schaut man leicht über den Rand des bloß 

Akustischen hinaus, zurück in die Welt, 

aus der diese Musik ursprünglich gewonnen 

wurde. 

raoul mörchen 

Mich hat schon lange das Phänomen der 

Körnung oder des optischen Rauschens 

interessiert, das sich auf alten Photos beobachten 

lässt – oder auf solchen mit geringer 

Bildqualität, eine Art granulierter 

Zustand der Luft, der sich aus vielen winzigen 

Partikeln zusammensetzt, die sich 

zum Teil mit bloßem Auge erkennen lassen. 

So etwas ähnliches habe ich auch in 

meinem Stück versucht. Es beruht auf der 

Idee der Verbindung zwischen »Klanggranulat« 

(Spaltklänge) und Weißem Rauschen. 



Erde (2013) 

Erde zerrinnt in der Hand. Greifbar, haptisch 

fühlbar, entzieht sie sich doch zugleich. 

Die Zeit als solche, ihre Körnigkeit 

und Porosität werden erfahrbar. 

Mit »Erde« bezeichnet Martin Heidegger 

in seinem Ursprung des Kunstwerkes 

die – zunächst – sinnlich zugängliche 

Dimension des Materials als Material. 


Der Komponist ist bei seiner Arbeit oft mit 

der Versuchung durch einen charmanten 

Klang konfrontiert. Mich interessierte 

solche »bequeme Leidenschaft«, die den 

Ermüdungen von Entwicklung folgt. Der 

Kampf gegen sie und die Abhängigkeit 

von ihr – sie sind die Helden dieser Komposi 

tion. 


14 15

[40] 

Samstag · 15. Februar 2014 

20:00 



19:15 · Einführung 

Les Percussions 

de Strasbourg 

(F) 

Claude Ferrier 

Bernard Lesage 

Keiko Nakamura 

Minh-Tam Nguyen 

François Papirer 

Olaf Tzschoppe 

Moderation: Kornelia Bittmann 


Ionisation (1929 – 31/1967) 

Arrangement für sechs Schlagzeuger 

john cage 

First construction in Metal (1937) 

für Schlagzeugensemble 


Superstructure (2013) 



Pause 

mark andre 

Tempus perfectum (2000) 



De la vitesse (2001) 

für sechs Schlagzeuger 


Ionisation (1929 – 31) 

Schlagzeug wird hier erstmals als Erzeuger 

von eigenständigem Klangmaterial aufgefasst: 

»die Basis des Rhythmus, erfüllt von 

unveränderlicher Kraft«. Vier Keimzellen 

zerfallen in über hundert Rhythmen – 

bis zur finalen Explosion als totaler Desintegration. 

Ursprünglich für 13 Schlagzeuger wird 

Ionisation hier von den sechs Musikern 

aufgeführt, was durch spezielle Instrumente 

– wie etwa auf einem Ständer montierte 

Claves, eine Pedal-Sirene usw. – ermöglicht 

wird. Die Fassung für sechs Spieler 

wurde im Ein verständnis mit dem Komponisten 

ein gerichtet von Georges Van 

Gucht, dem früheren Leiter der Percussions 

de Strasbourg, und im Südwestfunk 

Baden-Baden am 11. November 1967 erstmals 

aufgeführt. 

john cage 

First construction in Metal (1937) 

Schlagzeugmusik ist eine Revolution. 

Klang und Rhythmus sind zu lange den 

Beschränkungen der Musik des 19. Jahrhunderts 

unterworfen gewesen und wir 

müssen heute für ihre Emanzipation kämpfen. 

Morgen, wenn unsere Ohren voll mit 

elektronischer Musik sind, werden wir die 

Freiheit hören. Zum gegenwärtigen Zeitpunkt 

dieser Revolution ist gesunde Anarchie 

angebracht. Das Experiment muss 

notwendigerweise fortgesetzt werden indem 

wir auf so ziemlich alles draufhauen, 

draufhämmern, Klänge auf jede nur denkbare 

Art erzeugen. Kurz: wir müssen das 

musikalische Material erkunden. Was wir 

nicht selbst tun können, müssen Maschinen 

übernehmen. 

john cage 


Superstructure (2013) 

Die Idee des Stückes rührt von meinem 

Interesse an Methodiken der Stratigraphie 

in den Geowissenschaften her. Es geht hier 

um die »Synchronisierung« (durch Datierung 

und Korrelation) von heterogenem 

Material, das eine Rekonstruktion der geologischen 

Geschichte der Erde möglich 


macht. Poetisch könnte man auch formulieren: 

das Ge-Schichte der unterschiedlichen 

wdr 3 Konzert 

Mi, 26. Februar 2014 

Zeiten führt zur Gegenwart(sschicht). 

16 17

Superstructure setzt sich aus einer 

Montage von 66 Versatzstücken – ich 

nenne sie »Module« – zusammen. Diese 

sind von vertikalen »Klangblöcken« abgeleitet, 

die sich jeweils aus den mittleren 

bis obers ten Regionen von 18 künstlichen 

und 18 natürlichen Spektren bilden. Die 

Fundamentaltöne dieser Spektren bleiben 

abwesend, weil sie unterhalb der tiefsten 

Töne der verwendeten Instrumente liegen. 

Jedem Spieler sind elf Module zugeordnet, 

die jeweils in sechs verschiedenen Varianten 

innerhalb der Pole horizontal 

(sequentiell) und vertikal (simultan) auftreten 

können. 

Der Herausforderung, spektrales Material 

auf hauptsächlich temperiert gestim mte 

Instrumente zu projizieren, bin ich durch 

Tonhöhe-Quantifizierung sowie gezielte 

Kombinatorik von Instrumenten begegnet. 


mark andre 

Tempus perfectum (2000) 

Der Begriff Tempus perfectum geht zurück 

auf die neue metrische Ordnung der Musik 

am Ende des 13. Jahrhunderts. Das war 

sicherlich eines der schönsten utopischen 

Konzepte der westlichen Kunst: die Formulierung 

einer »perfekten Zeit« oder 

eines perfekten Maßes. Letzteres würde 

im Idealfall die Verbindung des Endlichen 

mit dem Unendlichen erlauben und die 

Idee des Beginns mit der eines Endes ganz 

woanders. Das ist das Ziel von Tempus 

perfectum, das speziell für die Solisten der 

Percussions de Strasbourg entstanden ist. 

mark andre 


De la vitesse (2001) 

De la vitesse versucht zwei Arten des 

Hörens und Verstehens von Musik miteinander 

zu verbinden. Die Einführung und 

Verarbeitung von Figuren setzt einen 

Fokus auf das, was wir gemeinhin den 

schriftlich-gedanklichen Teil von Musik 

nennen. Andererseits ist die Erzeugung 

eines Klangkontinuums, bei dem das 

»Material« überwiegt, eine kontemplativere 

Annäherung an den Klang. De la vitesse 

gründet auf dem ständigen Wechsel 

zwischen den Phänomenen »Figur« und 

»Material«, gesteuert durch den Vermittlungsprozess 

einer mehr oder weniger 

kontinuierlichen Transformation. Wenn 

eine Figur ihren Maßstab ändert, sich beispielsweise 

stark verlangsamt, nimmt sie 

die Natur von Material an. Aus dem Material 

seinerseits entsteht durch Kondensation 

eine neue Figur. Die Figur wiederum breitet 

sich zu einem kaum hörbaren klanglichen 

Kontinuum aus. De la vitesse will kein kontemplatives 

Werk sein, keine klangliche 

Gestalt eines abstrakten Gedankens sondern 

klangliches Schreiben, Schreiben von 

Klängen, schreibende Klänge. 


Die Komponisten 

Mark Andre 1964 in Paris geboren. 

1987 – 93 Studium der Komposition bei 

Claude Ballif und Gérard Grisey am Pariser 

Conservatoire National Supérieur de Musique. 

Daneben Promotion über die Musik 

der Ars subtilior. Kurse bei Brian Ferneyhough. 

1995 – 96 Kompositionsstudien bei 

Helmut Lachenmann in Stuttgart und im 

swr Experimentalstudio bei André 

Richard. 2002 Förderpreis der Ernst von 

Siemens Musikstiftung, 2005 Stipendiat 

des DAAD in Berlin. Seit 2009 Mitglied der 

Akademie der Künste Berlin und Professor 

für Komposi tion an der Hochschule für Musik 

Dresden. 2011 Verleihung des Ordens 

Chevalier des Arts et des Lettres. 

Neuere Werke: ... als ... für Bassklarinette, 

Violoncello und Klavier (2001), ... 22,13 ... 

Musiktheater-Passion (1999 – 2004), durch 

für Sopransaxophon, Schlagzeug und Klavier 

(2004 – 05), ni für Kammerensemble 

(2006), ... auf ... für Orchester (2005 – 07), 

üg für Ensemble und Elektronik (2008), 

hij für Orchester (2008 – 10), hij 2 für 24 

Stimmen und Live-Elektronik (2011). 

Georges Aperghis, 1945 in Athen geboren, 

lebt seit 1963 in Paris. Sohn eines Bildhauers 

und einer Malerin. Autodidaktische 

musikalische Studien. Einen wesentlichen 

Teil seiner Arbeit widmet Aperghis dem 

Musiktheater. 1976 Gründung des Atelier 

Theatre et Musique (ATEM) in Paris. Machinations 

erhielt im Jahr 2000 den Preis 

der SACEM für die beste Produktion des 

Jahres. 

Werke (Auswahl): Sextuor, Spectacle 

Musical für Violoncello und fünf Frauenstim 

men (1993), Faux Mouvement für 

Streichtrio (1995), Babil für Klarinette und 

15 Instrumente (1996), In extremis für 

En semble (1998), Zwielicht (Musiktheater, 

1998 – 99), Die Hamletmaschine – Oratorio 

(2000), Machinations, Musiktheater für 

Stimmen, Live-Elektronik und Videoprojektion 

(1999 – 2000), Dark Side für Mezzosopran 

und 18 Musiker (2003), Avis de 

tempête (Oper, 2004), Entre Chien et loup 

(Musiktheater, 2004), Wölffli Cantata für 

Soli und Chor (2006), Contretemps für 

Sopran und Ensemble (2005), Zeugen 

(Musiktheater, 2006 – 07), Happy End 

(Musiktheater, 2008), Parlando für Kontrabass 

(2009), Conversation X für Stimme 

und Klavier (2010), Quatre Études pour 

orchestre (2012). 

Anna Arkushyna 1989 in Lutsk/Ukraine 

geboren. 1996 – 2005 Klavier- und Kompositions-Ausbildung 

in Lutsk bei I. Tsigankova. 

2005 in Kiew bei A. Zagaykevych. 

Seit 2009 am Ukrainischen Tschaikowsky- 

Konservatorium bei E. Stankovich. Zusätzlicher 

Kompositionsunterricht bei Helmut 

Zapf. Finalistin des Wettbewerbs Step to 

the left – 4, Petersburg 2011, Preis des 

Course Kiew 2013. 

Werke (Auswahl): 410-escape für Oboe 

(2011), Chemistry für Ensemble (2012), 

Cosa in se für Ensemble (2011), Inside 

the pseudo für Ensemble (2011), Puzzles 

für Ensemble (2011), Sound Streamlining 

für Ensemble (2011). 

18 19

Vykintas Baltakas 1972 in Vilnius/Litauen 

geboren. Studium an der Musikakademie 

in Vilnius (Komposition bei Vytautas Barkauskas, 

Dirigieren bei Jonas Aleksa und 

Lionginas Abarius), in Karlsruhe (Komposition 

bei Wolfgang Rihm, Dirigieren bei 

Andreas Weiss), 1998 am Conservatoire 

in Paris. 1990 – 93 Gründung und Leitung 

des Vokalensembles Penki vejai Vilnius, 

1992 – 93 des Kammerchors Aidija Vilnius. 

1995 Assistenz bei Peter Eötvös. 

Neuere Werke: Das Lied für Klavier und 

Tonband (2000), Anderes Lied – double 

für Sopran und Ensemble (2001), Poussla 

für Soloinstrumente und Orchester (2002), 

Cantio (Musiktheater, 2003 – 04), (co) 

ro(na) für Ensemble (2005), (how does the 

silver cloud s)ou(nd) für Klavier (2006), 

ri für Sopran und Elektronik (2007), b(ell) 

tree für Streichquartett (2007), Lift to 

Dubai für Ensemble und Elektronik (2009), 

Scoria für Orchester (2010), Redditio für 

Ensemble (2010), Commentum für Violoncello 

und Klavier (2011), saxordionphonics 

für Saxophon, Akkor deon und Kammerorchester 

(2012 – 13). 

Carola Bauckholt 1959 in Krefeld geboren, 

1978 – 84 Studium bei Mauricio Kagel an 

der Musikhochschule Köln, 1991 Mitbegründerin 

des Thürmchen Ensembles. 

1990 – 91 Stipendium der Akademie Schloß 

Solitude in Stuttgart, 1992 Stipendiatin 

des Künstlerhof Schreyahn in Niedersachsen. 

1998 Künstlerinnen-Preis NRW, 2008 

ausgewählt vom Internationalen Theater 

Instituts für Music Theater NOW. 2010 

Deutscher Musikautorenpreis der GEMA in 

der Kategorie Experimentelle Musik. 

(2012), Zugvögel für Oboe, Klarinette, Alt- 

Saxophon, Bassklarinette, Fagott (2011 – 

12), Humus für Bassflöte, Bassklarinette, 

Horn und sechs Orgelpfeifen (2011), ohne 

worte zwei für Violoncello, Kontrabassklarinette 

und Zuspielung (2011), Laufwerk 

für Ensemble und Zuspielung (2011), 

Lichtung für Streichquartett (2011). 

John Cage 1912 in Los Angeles geboren, 

1992 in New York gestorben. Schüler von 

Henry Cowell und Arnold Schönberg in 

Los Angeles. Auch als Graphiker, Plastiker, 

Dichter und Pilzforscher aktiv. 

Werke (Auswahl): String Quartet (1950), 

Music of Changes für Klavier (1951), Variations 

I – VIII für beliebige Klangerzeuger 

(1958 – 78), Concert for Piano and Orchestra 

(1958), Atlas Eclipticalis für Orchester 

(1961 – 62), Song Books für Stimmen 

(1970), Quartets for Orchestra (1976), 30 

Pieces for 5 Orchestras (1981), 30 Pieces 

für Streichquartett (1983), Europeras I – IV 

(1985 – 91), Number Pieces, 47 Stücke für 

1 bis 108 Ausführende (1987 – 92). 

Andreas Dohmen 1962 in Viersen geboren. 

Ab 1983 Studium an der Essener Folkwang- 

Hochschule bei Rolf Heister (Kontrabass) 

und bei Dieter Torkewitz (Komposition). 

1987 – 90 Meisterkurse und Kompositionsstudium 

bei Franco Donatoni in Siena. 

Lehraufträge an den Musikhochschulen in 

Essen, Duisburg und Dortmund. Ab 2002 

Lehrtätigkeit an der Hochschule für Künste 

in Bremen. Seit 2013 Professor für Komposition 

an der Hochschule für Musik 

Würzburg. 

Werke (Auswahl): Block, gespalten – geschnitten 

(Musik für Ulrich Rückriem) für 

25 Instrumentalisten (1992 – 94), Portraits 

und Wiederholung I für sieben Stimmen 

(1997), (o. T.) (62x42,1x29,6 cm) für Ensemble 

(1998), ... colla parte, to cover ... für 

Ensemble (1998 – 99), Musik für Gerhard 

Richter (Portraits und Wiederholung II) 

für Orchester (1999 – 2000), frottages für 

Ensemble (2000 – 01), Lautung für Orchester 

mit Solostimmen (2003 – 04), adest 

für Schlagquartett mit obligaten Pauken 

(2004/05) Dissociations für Orchester 

(2005/2007), infra für fünf Stimmen 

(2007/08). 

Franco Donatoni 1927 in Verona geboren, 

2000 in Mailand gestorben. Studierte 

Komposition bei Piero Bottagisio und 

Ettore Desderi, dann bei Ildebrando Pizzetti. 

Ab 1954 lehrte er in Bologna, Mailand 

und Turin, seit 1971 unterrichtete er Komposition 

in Siena, dann in Bologna und 

zuletzt in Rom. 

Werke (Auswahl): Tema für zwölf Instrumente 

(1985), Atem (Oper, 1985), Cloches 

für zwölf Instrumente (1989), Frain für acht 

Instrumente (1989), Rasch für Saxophonquartett 

(1990), Feria II für Orgel (1992), 

Sweet Basil für Posaune und Big Band 

(1993), Concertino II für fünf Synthesizer 

(1994), Triplum für Flöte, Oboe und Klarinette 

(1995), Alfred-Alfred (Oper, 1995), 

Algo 4 für 13 Instrumente (1996), Fire für 

vier Frauenstimmen und Orchester (1997), 

Al für Mandoline, Mandola und Gitarre 

(1997), Cerocchi 70 für Klarinette, Violoncello 

und Klavier (1998), Fire (In cauda IV) 

für vier Frauenstimmen und Orchester 

(1998), Prom für Orchester (1999), Esa (In 

cauda V) für Orchester (2000). 

Georg Friedrich Haas 1953 in Graz geboren. 

Kompositionsstudium bei Gösta Neuwirth, 

Friedrich Cerha und Ivan Eröd sowie 

Klavierstudium an der Musikhochschule 

Neuere Werke (Auswahl): Stroh für Sopran, 

Mezzosopran, Bariton und Bass 

(2012), Schlammflocke II für Ensemble 

20 

Graz. Seit 2005 Dozent an der Musik-Aka- 

21 

demie Basel, seit September 2013 Professor 

an der Columbia University New York. 

2007 Großer Österreichischer Staatspreis. 

Neuere Werke: Bruchstück für Orchester 

(2007), Streichquartett Nr. 5 (2007), 

… in progress für Kammerorchester (2007), 

… und … für Kammerensemble und Elektronik 

(2008), Unheimat für 19 Streicher 

(2009), Traum in des Sommers Nacht für 

Orchester (2009), 6. Streichquartett 

(2010), limited approximations für sechs 

Flügel und Orchester (2010), Aus. Weg für 

acht Instrumente (2010), 7. Streichquartett 

mit Elektronik (2011), Schweigen für 

Stimmen (2011), Duchcov für Chor (2011), 

chants oubliés für Kammerorchester 

(2011), Ich suchte, aber ich fand ihn nicht 

für Ensemble (2011), Bluthaus (Oper, 2011), 

Tetraedite für Orchester (2012), … e finisci 

già für Orchester (2012), nocturno für 

Frauenchor und Akkordeon (2013). 

Sven-Ingo Koch 1974 in Hagen geboren. 

Studien der Komposition, Klavierspiel und 

Musikwissenschaft in Essen, San Diego 

und Stanford bei Nicolaus A. Huber, Roger 

Reynolds und Brian Ferneyhough, bei 

letzterem 2003 Assistent an der Stanford 

University. Stipendiat des DAAD, Stanford 

University, Heinrich-Strobel-Stiftung des 

swr, des Künstlerhofes Schreyahn, Konrad-Adenauer-Stiftung, 

Schloss Solitude 

und 2011 Stipendiat der Villa Massimo 

in Rom. Träger des Folkwangpreises, des 

Stuttgarter Kompositionspreis und des 

Düsseldorfer Musikförderpreises. 

Neuere Werke: Doppelgänger für Klarinette 

und großes Orchester (2009 – 2010), 

Rosenlöcher-Lieder für Sopran und Klarinette 

(2010), Nobody knows für Ensemble 

mit solistischer Trompete (2010 – 11), Jaffa 

Rivers Dreaming für Klarinette, Cello und

Klavier (2011), Nostalgia (Hommage à A. T.) 

für Oboe und Streichquartett (2012), Quel 

portone dimenticato für Klavier (2011). 

Maksym Kolomiiets 1981 in Kiew/Ukraine 

geboren. Abschluss an der Lysenko-Musikschule 

in Kiew. Am Staatlichen Tschaikowski-Konservatorium 

in Kiew 2005 

Oboenabschluss, 2009 Abschluss als Kompositionsstudent 

bei Mykola Kovalinas. 

Mitgründer, Oboist und künstlerischer 

Leiter des Ensembles Nostri Temporis. 

Erste Preise bei zahlreichen Wettbewerben 

(Gradus ad Parnassum, Contemporary 

Art Biennale Ukraine, Forum of creative 

youth). Aufführung seiner Werke bei Festivals 

wie Other Space in Moscow, Time of 

music in St. Petersburg, Dialogs in Minsk, 

Kiev Music Fest und in Darmstadt. 

Neuere Werke: The ashes of the scared 

rainbows für Ensemble (2009), Densities 

für Horn (2013), Pavane für Cello, Kontrabass 

und Schlagzeug (2013), Re-Pulse 

für Oboe und Bayan (2013). 

Philippe Leroux 1959 in Boulogne-sur-Seine 

geboren. Studierte am Pariser Conservatoire 

Supérieur bei Ivo Malec, Claude 

Ballif, Pierre Schaeffer und Guy Reibel, 

parallel dazu bei Olivier Messiaen, Franco 

Donatoni, Betsy Jolas, Jean-Claude Eloy 

und Iannis Xenakis. 1994 Hervé Dugardin- 

Preis. 2003 SACEM-Preisträger. Seit 2011 

Professor an der McGill Universität Montréal. 

Luís Antunes Pena, 1973 in Lissabon/ 

Werke (Auswahl): Voi(rex) für Ensemble Portugal geboren. Studierte an der Escola 

(2003), M’M für Orchester (2003) Apocalypsis 

Superior de Música de Lisboa bei António 

für Ensemble (2006), De la texture Pinho Vargas, an der Folkwang-Hochschu- 

für acht Instrumente (2007), De la disposition 

le Essen bei Nicolaus A. Huber, Günter 

für Orchester (2007 – 08), objets trou- 

Steinke und am ICEM bei Dirk Reith. 

Neuere Werke: Twilight Dia logues I für 

vés ... posés (Akusmatische Komposition, Kurse bei Emmanuel Nunes und Gérard 

Flöte, Klarinette, Bratsche und Schlagzeug 

2009), L’unique trait de pinceau für Saxo- 

Grisey. Stipendium der Stiftung des portugiesischen 

(2003), Metall für Orchester (2006 – 08), 

22 Ministeriums für Wissenschaft 

23 

phon und Orchester (2008), Envers Symphonie 

für Orchester (2010), ... ami ... 

chemin ... oser ... vie ... für 15 Instrumente 

(2011), dense ... englouti für Klavier solo 

(2011), ailes für Bariton und 15 Instrumente 

(2012). 

Oxana Omelchuk 1975 in Beresa/Weißrussland, 

geboren. Studierte ab 1984 an 

der staatlichen Musikschule Klavier und 

Komposition am Konservatorium Beresa. 

2. Preis beim Kompositionswettbewerb 

Maxim Bogdanowitsch in Grodno/Weißrussland. 

1995 – 2000 Kompositionsstudium 

an der Musikhochschule Minsk und 

2002 – 07 in Köln u. a. bei Johannes Fritsch. 

Aufbaustudium für elektronische Komposition 

bei Michael Beil. Stipendium des 

Präsidenten von Weißrussland, 1. Preis im 

Hochschulwettbewerb für Chorkomposition, 

DAAD 2003 – 04, Bernd-Alois-Zimmermann-Stipendium 

Köln (2006), Künstlerdorf 

Schöppingen (2007), Baldreit 

Stipendium Baden-Baden. 

Werke (Auswahl): Sieben Intraden für 

Ensemble (2004), Canti del Paradiso für 

Sopran und Ensemble (2005), Concerto 

Piccolo für Kammerorchester (2005), Canti 

del paradiso für Sopran und Ensemble 

(2005), Quodlibet für Ensemble (2006), 

Favola pastorale für Ensemble (2008), Saltando 

II für zwei Gitarren und Schlagzeug 

(2008), Der Mantel (Oper, 2008). 

und Bildung, des ZKM Karlsruhe und des 

Experimentalstudios Freiburg. Dozent an 

der Musikhochschule Karlsruhe und an 

der Musikhochschule Trossingen. 

Neuere Werke: Kippfigur für Saxophonquartett 

(2004), Vermalung I – Westernmusik 

für Tonband (2005/11), Vermalung II 

– Donny G. für Tonband (2006), Vermalung 

IV – Ludwig V. für Orchester (2008), Echo 

und die unvermeidbare Natur des Überganges 

für Streichquartett (2009), Im Rauschen 

Rot für Kontrabass, Schlagzeug und 

Elektronik (2010), Eyjafjallajokull für Orgel 

(2010), In Hyperventila tion für Orchester 

(2011), Im Rauschen Cantabile für Kontrabass 

und Elektronik (2012), Música Para 

30 Metais für Schlagzeug und Elektronik 

(2012). 

Oliver Schneller 1966 in Köln geboren. 

Studium der Musikwissenschaft, Geschichte 

und Politikwissenschaft in Bonn, 

private Kompositionsstudien bei Friedhelm 

Aufenanger. 1994 – 96 Kompositionsstudium 

am New England Conservatory in Boston. 

1996 – 98 Leitung des Electronic Music 

Studio an der City University of New 

York. 2002 Abschluss des Doctor of Musical 

Arts an der Columbia University New 

York. Meisterklassen bei Helmut Lachenmann, 

Brian Ferneyhough, Salvatore Sciarrino, 

George Benjamin und Vinko Globokar, 

2002 – 04 compositeur en recherche 

am IRCAM, 2006 – 07 Villa Massimo Rom, 

2010 Komponistenpreis der Ernst von Siemens 

Musikstiftung. 2009 – 10 Professur 

an der Staatlichen Musikhochschule Stuttgart, 

seit 2012 an der Musikhochschule 

Hannover. 

Resonant Space für zwei Klaviere und zwei 

Schlagzeuger (2007), Cell Cycle für Elektronik 

und Video-Projektion (2007), Musica 

ficta für Ensemble und Elektronik (2008). 

Salvatore Sciarrino 1947 in Palermo 

geboren. Studium bei Turi Belfiore, lebt in 

Città di Castello. Künstlerischer Leiter des 

Teatro Communale in Bologna, Dozent an 

den Konservatorien in Mailand, Perugia 

und Florenz. 

Neuere Werke: Libro notturno delle 

Stimmen für Flöte und Orchester (2009), 

Streichquartett Nr. 8 (2009), Superflumina 

(Oper, 2009), La porta della legge (Oper, 

2009) La porta della legge – quasi un monologo 

circolare (Musiktheater, 2009), Fanofania 

für Ensemble (2010), Cantiere del 

Poema für Sopran und zehn Instrumente 

(2011), Senza sale d’aspetto für weibliche 

Stimme und Orchester (2011), Carnaval für 

fünf Stimmen, Klavier und Instrumente 

(2010 – 11), L’ideale lucente e le pagine rubate 

für Streichorchester(2012), Ombre nel 

mattino di Piero für Streichquartett (2012), 

Perturbazione in arrivo nel settore trombe 

für Horn und Orchester (2012), Giorno 

velato presso il lago nero, deutscher Titel: 

Verhüllter Tag beim schwarzen See für 

Violine und Orchester (2013). 

Bohdan Sehin 1976 in Borshiv/Ukraine geboren. 

Abschluss am Staatlichen Konservatorium 

in Lviv, Kompositionsstudien bei 

Myroslav Skorik, Zbigniew Bujarski and 

Zygmunt Krauze. Zahlreiche Preise und 

Auszeichnungen in der Ukraine und Polen. 

Organisator von Festivals wie Lviv Contrasts 

Festival (1998 – 2006), Velvet Curtain 

(Lviv, 2006), Kiev Music Fest (2009) 

und des internationalen Music of Youth 

Forums (2009, 2011). Seit 2009 Projekt-

koordinator des Ensembles Nostri Temporis, 

seit 2010 dessen Leiter. Künstlerischer 

Leiter von Course, der internationalen 

Meis terkurse für Neue Musik in Kiew. 

Neuere Werke: Shchedry Vechir (Generous 

Evening) für Chor (1997/2003/05), 

Without title für Flöte oder Violine, 

Cello und Klavier (2001/05), Dedication 

to+ für Orgel (2002), Alleluja für Chor 

(2002/05), Stabat Mater für gemischten 

Chor und Orchester (2002–03), Why is my 

verse so barren of new pride (dedication 

to Arvo Pärt) für Contratenor, zwei Tenöre, 

Bass und sieben Instrumente (2003). 

Alexey Shmurak 1986 in Sankt Petersburg 

geboren. Mitgründer, Art-Manager, Pianist 

und Komponist des Ensembles Nostri 

Temporis. 2010 Abschluss am Staatlichen 

Tschaikowski-Konservatorium in Kiew. 

Kompositionsstudien bei Alla Zagaykevich 

and Yuri Ishenko, Klavierunterricht bei 

Borys Arkhimovich. Meisterklassen und 

Workshops bei Brian Ferneyhough, 

Georges Aperghis, Vladimir Tarnopolski, 

Yuval Shaked, Enno Poppe und Liza Lim. 

Gewinner verschiedener Kompositionswettbewerbe, 

darunter Step to the left 

(St. Petersburg 2009) und Convergence 

(Switzerland 2011). Teilnahme an diversen 

Festivals in der Ukraine, Russland, Weißrussland, 

Polen und Deutschland. 

Neuere Werke: itis kiti für 1 Performer und 

Sound Objects (2010), TV für Keyboard, 

Streicher, Bläser und Tonband (2011), 

Fragility für 11 Spieler und soundtrack 

(2012), Urban Legends für Stimme und 

Cello (2012), current voices für Klavier 

und Keyboard (2013). 

Karlheinz Stockhausen 1928 in Mödrath 

bei Köln geboren, 2007 in Kürten gestorben. 

Studium in Köln an der Staatlichen 

Hochschule für Musik (Klavier und Schulmusik) 

und an der Universität (Germanistik, 

Philosophie und Musikwissenschaft). 

1952 Kurse bei Olivier Messiaen in Paris. 

Seit 1953 ständiger Mitarbeiter im Studio 

für Elektronische Musik des wdr, 1963 – 77 

künstlerischer Leiter. 1963 – 68 Begründer 

und künstlerischer Leiter der Kölner Kurse 

für Neue Musik. 1971 – 77 Professor für 

Komposition an der Musikhochschule in 

Köln. 

Werke (Auswahl): Klavierstücke I – XV, 

Gruppen für drei Orchester (1958), Momente 

für vier Chorgruppen und Ensemble 

(1962), Hymnen (1967), Sirius, Elektronische 

Musik mit vier Solisten (1975 – 77), 

Donnerstag aus Licht (Musiktheater, 1977 – 

81), Samstag aus Licht (Musiktheater, 

1981 – 84), Montag aus Licht (Musiktheater, 

1984 – 88), Dienstag aus Licht (Musiktheater, 

1990 – 92), Freitag aus Licht 

(Musiktheater, 1992 – 94), Mittwoch aus 

Licht (Musiktheater, 1993 – 98), Sonntag 

aus Licht (Musiktheater, 1998 – 2003). 

Hans Thomalla 1975 in Bonn geboren. 

Kompositionsstudium bei Hans Zender an 

der Hochschule für Musik und Darstellende 

Kunst Frankfurt. 1999 – 2002 Produktionsdramaturg 

an der Staatsoper Stuttgart. 

Seit 2002 Studien bei Brian Ferneyhough 

in Stanford Kalifornien. 2004 

Kranichsteiner Musikpreis. 2006 – 07 

Fellow des Stanford Humanities Center. 

Professor und Co-Direktor des Instituts 

für Neue Musik an der Northwestern 

University Chicago. 

Werke (Auswahl): Momentsmusicaux für 

fünf Instrumente (2003 – 04), Noema für 

zwei präparierte Klaviere (2004), Luallabybyby 

für Ensemble (2004 – 05), Stücke 

Charakter für sechs Instrumente (2005), 

Fremd, 2. Szene (Kolchis) für Sopran, 

Männerchor, Ensemble und Elektronik 

(2005 – 06), Cello Counterpart für Violoncello 

(2006), Lied für Saxophon, Klavier 

und Vibraphon (2007 – 08), Piano Counterpart 

für Klavier (2008), 12 three 412 three 4 

für Orchester (2009), Percussion Counterpart 

Rhapsody für vier hallende Klangobjekte 

(2009), Albumblatt für Streichquartett 

(2010), Fremd (Oper 2005 – 11), 

3 Desert Song für Stimme und Klavier 

(2011), Albumblatt II für Saxophonquartett 

(2011), Capriccio für Klarinette, Violine, 

Viola, Violoncello (2011 – 12). 

Edgard Varèse 1883 in Paris geboren, 1965 

in New York gestorben. Studierte in Paris 

Mathematik und Naturwissenschaften 

sowie Komposition bei Albert Roussel und 

Vincent d’Indy. 1907 Kontakt mit Ferruccio 

Busoni in Berlin. Ab 1915 lebte er in New 

York, wo er 1919 das New Symphony 

Orchestra und 1921 die International Composers’ 

Guild gründete. 

Werke (Auswahl): Offrandes für Sopran 

und Kammerorchester (1921), Amériques 

für Orchester (1918/27), Hyperprism für 

neun Bläser und Schlagzeug (1922), Intégrales 

für kleines Orchester mit Schlagzeug 

(1924), Ionisation für Schlagzeugensemble 

(1929 – 31), Density 21.5 für Flöte 

(1936/46), Déserts für Orchester und Tonband 

(1949 – 54/60), Poème électronique 

(elektronische Musik, 1958), Nocturnal 

für Sopran, Basschor und Orchester 

(1960 – 61). 

Die Interpreten 

Kornelia Bittmann studierte Musikwissenschaft 

und Romanistik in Köln, Nantes und 

Florenz. Sie moderiert Musiksendungen 

und das Kulturmagazin Resonanzen auf 

wdr 3 sowie Konzerte und Gesprächsrunden 

zu Musik- und Kulturthemen. Produktion 

von Features, Reportagen und Beiträgen 

zu Musikthemen. Musikprojekte mit 

Kindern. 

Ensemble Nostri Temporis, 2007 von Maksym 

Kolomiiets and Alexey Shmurak in 

Kiew gegründet mit dem Ziel der Verbreitung 

zeitgenössischer Musik in der Ukraine. 

Derzeit geleitet von Bohdan Sehin. 

Zusammenarbeit mit Komponisten wie 

Georges Aperghis, Gerhard Staebler, 

Tadeusz Wielecki, Sergej Newski, Vladimir 

Rannev, Alexey Sysoev, Marisol Jimenes 

und Vladimir Gorlinski. Repertoireschwerpunkt 

mit Werken junger Ukrainischer und 

internationaler Komponisten, die dem Ensemble 

gewidmet sind. Organisation von 

Lesungen und Workshops zu Neuer Musik. 

Realisierung audiovisueller, performativer 

und interaktiver Konzepte. Förderung 

durch ukrainische Kulturstiftungen und 

-Institutionen. 

3R neue blasmusik von Gregor Schulenburg 

(Flöten), Boglárka Pecze (Klarinetten) 

und Paul Hübner (Trompeten) gegründet. 

Regelmäßige Zusammenarbeit mit Komponisten 

wie Georges Aperghis oder Oxana 

Omelchuk. Einsatz zahlreicher Neben- und 

Sonderinstrumente: von verschiedenen 

Flöten- und Klarinettentypen, über Blech- 

24 25

lasinstrumente wie Piccolo- bis Doppeltrichtertrompete 

bis hin zu Alphorn und 

Panflöte sowie Einbezug von Live-Elektronik 

und szenisches Spiel. Preise bei den 

Stockhausenkursen für die Interpretationen 

von Tierkreis, Mission und Himmelfahrt. 

Die Musiker sind Stipendiaten des 

Deutschen Musikwettbewerbs 2013. 

Les Percussions de Strasbourg 1962 gegründet 

als Groupe Instrumental à Percussion, 

seit 15 Jahren in der aktuellen Besetzung. 

Zahlreiche Kompositionsaufträge 

für Komponisten wie Messiaen, Serocki, 

Kabelac, Xenakis, Mâche, Dufourt und 

über 250 Uraufführungen. Neue Formen interdisziplinärer 

Schlagzeugaufführungen 

durch Einbeziehung von Theater- oder 

Tanzelementen, Videos oder Filme von 

Künstlern wie Heiner Goebbels, Martin 

Matalon, Luis Bunuel und weiteren. Extensive 

internationale Konzertaktivitäten. 

CDs (Auswahl): Hugues Dufourt Erewhon 

(Accord), Marc Monnet Bibilolo (Accord), 

ENTeNTE PreALaBLE (Accord), Iannis Xenakis 

Pléiades (Harmonia Mundi France), 

Gérard Grisey le noir de l’étoile (Accord), 

Martin Matalon Scorpion (Accord), Iannis 

Xenakis, Yoshihisa Taira, Philippe Manoury, 

Francois-Bernard Mache, Hugues 

Dufourt, Edgard Varèse, Maurice Ohana, 

Miloslav Kabelac (Philips). 

Remix Ensemble Casa da Música, 2000 in 

Porto gegründet. Zahlreiche Uraufführungen 

von Emmanuel Nunes, Heiner Goebbels, 

Iris ter Schiphorst, James Dillon, 

Magnus Lindberg, Mark-Anthony Turnage, 

Harrison Birtwistle, Brian Ferneyhough, 

Helmut Lachenmann und Rebecca Saunders. 

Einladungen u.a. zu Festivals nach 

Paris (Ircam, Théâtre des Bouffes du Nord 

und L’Odeon), Brüssel (Ars Musica), Wien 

(Wien Modern), Norrköping (Nordic music 

Days), Huddersfield, Rotterdam, Madrid, 

Barcelona, Budapest und Reims. Zusammenarbeit 

mit Dirigenten wie Matthias 

Pintscher, Franck Ollu, Reinbert de Leeuw, 

Diego Masson und Emilio Pomàrico, Stefan 

Asbury, llan Volkov, Kasper de Roo, Pierre- 

Andre Valade, Rolf Gupta, Jonathan Stockhammer, 

Jurjen Hempel. Chefdirigent seit 

2005 Peter Rundel. 

CDs (Auswahl): Bernhard Lang (Villa Concordia), 

Brice Pauset, Azguime, Côrte-Real, 

Peixinho, James Dillon, Johannes Maria 

Staud (Numérica), Emmanuel Nunes 

(Numérica), Pinho Vargas (Numérica) and 

Wolfgang Mitterer (Casa da Música). 

Peter Rundel, 1958 in Friedrichshafen 

geboren. Ausbildung als Geiger bei Igor 

Ozim, Werner Heutling und Ramy Shevelor 

in Köln, Hannover und New York. Danach 

Privatunterricht in New York bei dem Komponisten 

Jack Brimberg sowie Dirigierausbildung 

bei Michael Gielen und Peter Eötvös. 

Von 1984 an Geiger beim Ensemble 

Modern. 1987 Debüt als Dirigent. Regelmäßige 

Zusammenarbeit mit dem Ensemble 

Modern, dem ensemble recherche und 

dem Klangforum Wien. Auftritte bei internationalen 

Festivals, Gastdirigent vieler 

Orchester und Ensembles. 

Diskographie (Auswahl): Frank Zappa The 

Yellow Shark (Zappa Records), Hanspeter 

Kyburz Ensemblewerke (Kairos/Migros), 

Heiner Goebbels Surrogate Cities (ECM), 

Mark-Anthony Turnage Blood on the Floor 

(Decca), Pierre Boulez le marteau sans 

maître (CordAria), Steve Reich (BMG), Erich 

Wolfgang Korngold Sextett (arte nova), 

Jean Barraqué (cpo), Morton Feldman 

Violin and String Quartet (hat[now]ART), 

Bernhard Lang (col legno), Luciano Berio 

(Wergo), Manuel Hidalgo (Winter&Winter), 

Claude Vivier (Kairos). 

Martina Seeber, 1967 geboren, studierte 

Musikwissenschaft, Romanistik und Philosophie 

in Köln. 1998 – 99 Ausbildung zur 

Radiojournalistin an der Deutschen Hörfunkakademie 

in Dortmund. Tätigkeit als 

Musikjournalistin, Autorin, Moderatorin 

und Übersetzerin. Regelmäßige Mitarbeit 

beim wdr und Deutschlandradio Kultur. 

Grzegorz Wierus, 1978 in Olkuzs/Polen geboren. 

Er studierte Dirigat bei Tomasz Bugaj 

an der Musik-Akademie Krakow und hat 

auch ein Architektur-Diplom. 2010 – 2012 

Assistenz-Dirigent bei dem Philharmonic 

Symphonic Orchestra Lódź. Mitbegründer 

des Ensembles InAntis. Zusammenarbeit 

mit dem Kraków Philharmonic Orchestra, 

Beethoven Academy Orchestra, Polish 

Chamber Philharmonic in Sopot, Kraków 

Music Academy Symphonic und dem 

Chamber Orchestra and Choir. Sein Arbeitsgebiet 

umfasst Projekte wie das Solaris 

Electronic Opera von Karol Nepelski bis 

Giulio Cesare von Händel. Seit 2011 regelmäßige 

Zusammenarbeit mit dem Ensemble 

Nostri Temporis. Seit 2012 künstlerischer 

Leiter des Grand Theater Pozna. 

trio accanto 1992 von Yukiko Sugawara 

(Klavier), Christian Dierstein (Schlagzeug) 

und Marcus Weiss (Saxophon) gegründet, 

seit 2012 ist Nicolas Hodges der Pianist. 

Die Mitglieder des trio accanto widmen 

sich hauptsächlich der Musik der Gegenwart, 

im trio und als Solisten bei allen bedeutenden 

Festivals in Europa. Zahlreiche 

Uraufführungen, u. a. Werke von Alvaro 

Carlevaro, Adriana Hölszky, Salvatore 

Sciarrino, Yuval Shaked, Fredrik Zeller. 

CDs (Auswahl): Counterpoise (hat[now] 

ART), Fredrik Zeller (wergo), Gerhard E. 

Winkler (ORF), Hidalgo (Zeitklang), Mark 

Andre (kairos). 

Johannes Zink 1964 in Bonn geboren. Frühe 

intensive Beschäftigung mit Gitarre und 

Laute. Studium der Musikwissenschaft, 

Archäologie und Kunstgeschichte. Mitarbeit 

bei mehreren Musikverlagen. Schriftleitung 

einer Musikfachzeitschrift. Einige 

Jahre stellvertretender Kulturredakteur 

einer Tageszeitung. Tätigkeit als Feuilleton-Autor. 

Seit 1995 als Autor und Moderator 

für wdr 3. 

26 27


Eintrittspreise: jeweils 8,50 Euro/ermäßigt 5 Euro, 

Karten: KölnMusik Ticket 

Roncalliplatz, 50667 Köln 

KölnTicket DERTICKETSERVICE 

Telefon: 0221 2801 · www.koelnticket.de 

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Konzerte im Radio: 

[37] Mi, 27. 11. 2013 · 20:05 

[38] Mo, 16. 12. 2013 · 20:05 live 

[39] Mi, 22. 1. 2014 · 20:05 

[40] Mi, 26. 2. 2014 · 20:05 

wdr 3 open: 

Studio Elektronische Musik 

Mittwoch 23:05 

wdr 3 open: 

Studio Akustische Kunst 

Freitag 23:05 

wdr 3 open: FreiRaum 

Samstag 23:05 

wdr 3 open: Studio Neue Musik 

Sonntag 23:05 

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Eifel 96,3 

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Rh.-Berg. Kreis 93,1 

Rhein/Ruhr 95,1 

Kleve 97,3 

Dortmund 95,1 

Münsterland 89,7 

Ibbenbüren 97,3 

Sauerland 98,1 

Arnsberg 97,5 

Schmallenberg 97,8 

Siegerland/ 

Wittgenst. Land 88,7 

Siegen 98,4 

Ostwestfalen 97,0 

Bad Oeynhausen 92,7 

Höxter 95,2 

Lübbecke 91,7 

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Weitere Informationen zu den 

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Redaktion wdr 3: 

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Musik: Beate Neumann-Holste, 

Karin Rabsch 

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Andrey Korotich, Marc Doradzillo, 

Claude Truong-Ngoc, Presse, Conor 

Clarke 

Oktober 2013 

Änderungen vorbehalten 

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12.266 MHz, Polarisation 

horizontal, Fehlerschutz FEC 3/4, 

Symbolrate 27,500 

Zeitweise übertragen wir ausgewählte 

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zeitgleich zu ihrer Ausstrahlung 

in Stereo – auch in Dolby Digital 

Surroundsound. Infos unter 

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Mo – Fr, 9:oo – 17:00

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