NPHM_Frühjahr 2014

NEUE
PHILHARMONIE
MÜNCHEN
Johannes Brahms
Nänie op. 82
Ein deutsches Requiem op. 45
unter Leitung von Thomas Gropper
www.nphm.info

KONZERTE
Konzerte mit den Arcis-Vocalisten und
der Neuen Philharmonie München
unter Gesamtleitung von Thomas Gropper
Winfried Grabe, Orchestereinstudierung
Hanna Herfurtner, Sopran
Andreas Burkhart, Bariton
Samstag, 29. März 2014, 17 Uhr
Schäftlarn | Klosterkirche
Sonntag, 30. März 2014, 19 Uhr
Herrsching | Haus der Landwirtschaft
Montag, 31. März 2014, 20 Uhr
München | Herkulessaal der Residenz
Mit Unterstützung von:

PROGRAMM
Johannes Brahms
Nänie und ein Deutsches Requiem
Johannes Brahms (1833 – 1897)
Nänie op. 82
Chorwerk: Vertonung von Schillers Nänie / Frühjahr 1880
1 Auch das Schöne muss sterben
Pause
Ein deutsches Requiem op. 45
Werk für Sopran- und Bariton-Solo, Chor und Orchester
1 Selig sind, die da Leid tragen, Matth. 5,4.
Die mit Tränen säen, Ps. 126, 5.6.
2 Denn alles Fleisch, es ist wie Gras, 1. Petr. 1,24.
So seid nun geduldig, ac. 5,7.
Aber des Herrn Wort bleibt Ewigkeit, 1. Petr. 1,25.
Die Erlöseten des Herrn werden wiederkommen, Jes. 35,10.
3 Herr, lehre doch mich, Ps. 39, 5-8.
Nun, Herr, wes soll ich mich trösten?, Weiss.Sal. 3,1.
4 Wie lieblich sind deine Wohnungen, Ps. 94, 2.3.5.
5 Ihr habt nun Traurigkeit, Joh. 16,22.
Ich will euch trösten, Jes. 66,13.
Sehet mich an: Ich habe eine kleine Zeit, Sirach 51,35.
6 Denn wir haben hie keine bleibende Statt, Hebr. 13,14.
Siehe, ich sage euch ein Geheimnis, 1. Kor. 15,51-55.
herr, du bist würdig zu nehmen Preis und Ehr und Kraft, Off. Joh. 4,11.
7 Selig sind die Toten, Off. Joh. 14,3.

WERKEINFÜHRUNG
Johannes Brahms (1833–1897)
Nänie - für Chor und Orchester (Harfe ad libitum) op. 82
© Wikipedia
Chor: Auch das Schöne muss sterben
Die Mutter von Johannes Brahms war 1865 gestorben, und vermutlich im
Gedenken an sie schrieb der Komponist 1868 den Satz Ihr habt nun Traurigkeit,
mit dem er sein Deutsches Requiem von sechs auf sieben Sätze erweiterte.
Mehr als ein Jahrzehnt später sah sich Brahms mit der umgekehrten Situation
konfrontiert: eine Mutter, die um ihren Sohn trauerte. Der Maler Anselm Feuerbach
(1829–1880) war mit gerade einmal fünfzig Jahren in Venedig einem
Herzinfarkt erlegen. Und obgleich es in Feuerbachs Leben mehrere Frauen
gegeben hatte, die ihm als Muse, Geliebte und Modell gedient hatten, so
war doch seine Stiefmutter Henriette Feuerbach (1812–1892) die wichtigste
Bezugsperson des Malers geblieben. Anselm Feuerbach hatte seine leibliche
Mutter schon im ersten Lebensjahr verloren, und es war Henriette, die zweite
Frau seines Vaters, die ihn aufzog und ihm später als kompetente Beraterin,
Förderin und Agentin zur Seite stand.
Brahms hatte Henriette und Anselm Feuerbach 1865 in Baden-Baden kennengelernt,
und beide zählten seither zum Freundeskreis des Komponisten, der
den Maler manchmal bewundernd „Feuerstrom“ nannte. Die beiden Künstler
waren sich darin einig, dass wahrer künstlerischer Fortschritt nur durch solideste
Technik und durch enge Anlehnung an die Klassiker möglich sei. Waren
für Brahms die älteren Meister Bach, Mozart, Beethoven und Schumann der
Maßstab des eigenen Schaffens, so orientierte sich Feuerbach an der Antike
und an der Renaissance. Beide Künstler sahen sich daher dem Vorwurf des
Konservativismus, ja der Rückschrittlichkeit ausgesetzt, obwohl sie alles andere
als Epigonen waren und eigenständige, neuartige und zukunftsweisende Werke
schufen. Und mehr noch als Brahms musste Feuerbach heftigste Angriffe
der Fachpresse einstecken, und das Publikum verlachte seine antikisierenden
Bildnisse und Szenen. Aber der Maler hielt unbeirrt an seinen künstlerischen
Idealen fest, weil er von ihrer Richtigkeit überzeugt war. „Nach fünfzig Jahren
werden meine Bilder Zungen bekommen und sagen, was ich war und was ich
wollte“, äußerte er noch kurz vor seinem Tode.
Als Brahms vom Tod seines Malerfreundes erfuhr, beschloss er, ihm ein musikalisches
Denkmal zu setzen, das er der hinterbliebenen Mutter widmen wollte.
Ein biblischer Text kam nicht in Frage, denn Feuerbach war kein gläubiger
Christ gewesen; nicht umsonst war der atheistische Philosoph Ludwig Feuerbach
sein Onkel. Der Komponist entschied sich für Friedrich Schillers Gedicht
Nänie aus dem Jahr 1799, das mit den Worten beginnt: „Auch das Schöne
muss sterben!“ Eine Nänie ist ein altrömischer Leichengesang, und Schiller
orientierte sich sowohl in der Form als auch im Inhalt seines Gedichts an der
Antike, was zu Feuerbach natürlich hervorragend passte. Der Text ist in Dis-

WERKEINFÜHRUNG
tichen abgefasst und behandelt Todes- und Trauerfälle aus der griechischen
Sage: Orpheus und seine Gattin Eurydike, Aphrodite und ihr Geliebter Adonis,
Thetis und ihr Sohn Achilleus. Schiller führt das letztgenannte Beispiel sogar
noch weiter aus und erzählt, wie Thetis zusammen mit anderen Gottheiten
aus dem Meer aufsteigt, „und die Klage hebt an um den verherrlichten Sohn.“
Sicher hat Brahms bei dieser Stelle an Henriette Feuerbach gedacht, die ihren
Stiefsohn Anselm betrauerte.
Die Musik beginnt mit einem ruhigen Orchestervorspiel in D-Dur, dessen
Stimmung gelassener Todeshinnahme unverkennbar an den ersten und den
letzten Satz des Deutschen Requiems erinnert. Dann setzt der Chor mit einem
freien Fugato ein. Die drei Beispiele Schillers – Orpheus und Eurydike, Aphrodite
und Adonis, Thetis und Achilleus – erklingen in ständiger Steigerung. Sie
beginnen jeweils im polyphonen Chorsatz, münden aber in homophone
Hemiolen, die die Unausweichlichkeit des Todes musikalisch sinnfällig darstellen.
Im Mittelteil, der Thetis‘ Klage um ihren Sohn beschreibt, wechselt die
Tonart nach Fis-Dur, und die Bewegung nimmt trotz langsameren Tempos
deutlich zu, hauptsächlich durch die durchlaufenden Achtelpizzicati der
Violinen und Bratschen und die Triolen der Harfe. Doch allmählich beruhigt
sich die Musik, und der Chor zieht a capella und im Pianissimo die bittere
Konsequenz, „dass das Vollkommene stirbt.“ Zuletzt hören wir, jetzt wieder in
D-Dur, eine verkürzte Reprise des Anfangsteils, diesmal auf die tröstlichen
Worte: „Auch ein Klaglied zu sein im Mund der Geliebten, ist herrlich.“ Das Werk
verklingt leise mit dem Wort herrlich, ein weltlicher Gegenpart zum Ausklang
des Deutschen Requiems auf das Wort selig.
Brahms‘ Nänie erlebte ihre Uraufführung am 6. Dezember 1881 in Zürich
durch das Tonhalle-Orchester und den Gemischten Chor. Die Aufführung
war künstlerisch und finanziell ein solcher Erfolg, dass der Vorstand der Tonhalle
dem Komponisten einen silbernen Pokal widmete. Erst im Jahr darauf
traf Brahms wieder mit Henriette Feuerbach zusammen und bat sie, ihr das
Werk widmen zu dürfen. „Ich wollte das Stück eigentlich dem Andenken Anselm
Feuerbachs widmen, verschleiere das, indem ich seine Mutter nenne“, schrieb der
Komponist in einem Brief an das Verlagshaus Breitkopf & Härtel. So prangt
„Frau Hofrat Henriette Feuerbach zugeeignet“ über der Partitur. Und wenn sich
die Nänie auch weder im Umfang noch in der Popularität mit dem Deutschen
Requiem messen kann, so stellt sie doch ein weiteres Denkmal für Brahms‘
Auseinandersetzung mit dem Tod dar. Die oft zitierte Wiener Todessehnsucht
scheint auch den Wahl-Wiener Johannes Brahms nicht unberührt gelassen
zu haben. Und sowohl das Deutsche Requiem als auch die Nänie sind freundliche,
zuversichtliche Werke, die in Dur-Tonarten beginnen und enden. Der
Trost, der aus beiden Kompositionen spricht, ist im einen Fall geistlicher, im
anderen weltlicher Natur.
Reinhard Szyszka

WERKEINFÜHRUNG
Johannes Brahms (1833–1897)
Ein deutsches Requiem - nach Worten der Heiligen Schrift für
Soli, Chor und Orchester op. 45
© Wikipedia
Chor: Selig sind, die da Leid tragen
Chor: Denn alles Fleisch, es ist wie Gras
Bariton-Solo und Chor: Herr, lehre doch mich
Chor: Wie lieblich sind deine Wohnungen
Sopran-Solo und Chor: Ihr habt nun Traurigkeit
Bariton-Solo und Chor: Denn wir haben hie keine bleibende Statt
Chor: Selig sind die Toten
„Wenn er seinen Zauberstab dahin senken wird, wo ihm die Mächte der Massen,
im Chor und im Orchester, ihre Kräfte leihen, so stehen uns noch wunderbare
Blicke in die Geheimnisse der Geisterwelt bevor.“ Dieser Satz stammt aus dem
prophetischen Aufsatz Neue Bahnen, den Robert Schumann am 28. Oktober
1853 in der Neuen Zeitschrift für Musik veröffentlichte. Der Aufsatz sucht seinesgleichen
in der Musikgeschichte, machte hier doch ein arrivierter Komponist
einen noch weitgehend unbekannten Kollegen, den 20jährigen Johannes
Brahms, der musikalischen Öffentlichkeit bekannt. Neidlos erkannte der Ältere
das Genie des Jüngeren an, vergleichbar allenfalls den bewundernden
Worten, die Haydn einst über Mozart gefunden hatte. Die „wunderbaren Blicke
in die Geheimnisse der Geisterwelt“ waren Schumann selbst freilich nicht mehr
vergönnt: keine vier Monate nach dem Aufsatz unternahm der ältere Meister
einen Selbstmordversuch; die verbleibenden zwei Lebensjahre verbrachte er
in zunehmender geistiger Umnachtung in der Heilanstalt Endenich bei Bonn.
Der Verlust seines Mentors und Freundes traf Brahms schwer und mag einer
der Anstöße zum Deutschen Requiem gewesen sein. Schumanns Prophezeiung
von den „Mächten der Massen, im Chor und im Orchester“ hat sich nirgends
so erfüllt wie beim Deutschen Requiem, dem mit Abstand bedeutendsten,
beliebtesten und umfangreichsten Chorwerk von Brahms. Mit diesem Werk
erreichte der jüngere Meister den endgültigen Durchbruch beim Publikum
und stellte sich, wie von Schumann vorhergesagt, in die erste Reihe der
Komponisten seiner Zeit.
Unter einem Requiem versteht man meist die katholische Totenmesse, die
mit den Worten beginnt: „Requiem aeternam dona eis, domine“. Der Text dieser
Messe bittet um die ewige Ruhe der Toten und beschwört die Schrecken des
Jüngsten Gerichts, wie es die eindrucksvollen Requiem-Vertonungen von Mozart,
Verdi und Fauré bezeugen. Im Gegensatz dazu stellt Brahms bei seinem
Requiem den Trost der Hinterbliebenen in den Mittelpunkt, und er stützt sich
dabei nicht auf einen kanonischen kirchlichen Text, sondern auf eine sehr
persönliche Zusammenstellung von Bibelworten. Der unbestimmte Artikel
„Ein“ deutsches Requiem stellt klar, dass dieser Text keine allgemein verbindliche

WERKEINFÜHRUNG
Auswahl sein konnte und wollte, sondern nur eine von vielen Möglichkeiten.
Wie ernst es dem Komponisten mit seiner Textwahl war, zeigt sich daran, dass
er lange um die endgültige Fassung gerungen hat. Brahms verstand sich zwar
nicht als orthodox gläubiger Christ, aber er blieb der evangelisch-lutherischen
Kirche, in der er getauft und erzogen worden war, sein Leben lang treu.
Durch den Rückgriff auf den Bibeltext wurde das Deutsche Requiem zu einem
zutiefst protestantischen Werk, getreu der reformatorischen Devise „sola
scriptura“. Dennoch wendet es sich an alle gläubigen Menschen, unabhängig
von ihrer Konfession. Der Komponist hatte ursprünglich sogar den Titel „Ein
menschliches Requiem“ in Erwägung gezogen; das Beiwort deutsch, für das
er sich letztlich entschied, bedeutet nur, dass die Texte der deutschsprachigen
Lutherbibel entnommen sind. Deutschnationale Empfindungen waren
Brahms in den 1860er Jahren noch fremd; später, mit der Reichsgründung
1871, sollte sich das ändern.
Im Gegensatz zu Beethoven hat Brahms alle Kompositionsskizzen sorgfältig
vernichtet, da er der Meinung war, nur das fertige Werk, nicht aber der
Entstehungsprozess gehe die Mit- und Nachwelt etwas an. Deshalb sind
wir über den Fortgang der Arbeit am Deutschen Requiem nur unzureichend
unterrichtet. Als sicher kann gelten, dass das Werk ursprünglich vierteilig angelegt
war und die Länge einer Bach-Kantate nicht wesentlich überschreiten
sollte. 1861 ließ Brahms das begonnene Requiem zunächst liegen, um erst
1865 die Arbeit daran wieder aufzunehmen. In der Zwischenzeit hatte der
Komponist weitere geeignete Bibelstellen ausgewählt, die er in den Text mit
einbezog, so dass das Werk auf sechs Sätze anwuchs. Noch fehlte der fünfte
Satz Ihr habt nun Traurigkeit mit dem Sopran-Solo. Die ersten drei Sätze des
Deutschen Requiem erklangen erstmals am 1. Dezember 1867 in einem Konzert
der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien unter der Leitung des Dirigenten
Johann von Herbeck. Mehr als drei Sätze eines so düsteren Werks glaubte man
dem Wiener Publikum in der Vorweihnachtszeit nicht zumuten zu können.
Die Aufführung wurde ein eklatanter Misserfolg, und es gab sogar Pfiffe. Das
lag nicht zuletzt daran, dass bei der Schlussfuge Der Gerechten Seelen sind in
Gottes Hand der Paukenspieler sein Instrument dermaßen malträtierte, dass
vom übrigen Orchester und vom Chor kaum etwas zu hören war. Gewiss ist
dieser Fehlschlag hauptsächlich dem Instrumentalisten zuzuschreiben, doch
auch Brahms’ mangelnde Erfahrung in der Orchesterbehandlung spielte eine
Rolle. Daher überarbeitete der Komponist die Partitur nochmals sorgfältig und
ergänzte insbesondere die dynamischen Anweisungen, um solche Pannen
künftig auszuschließen.
Die Erstaufführung am 10. April 1868, einem Karfreitag, im Bremer Dom kam
einer Uraufführung gleich. Der Komponist selber dirigierte, und das Bariton-Solo
war dem großen Sänger Julius Stockhausen anvertraut. Der Dom war
brechend voll, und nahezu alle Freunde des Komponisten waren anwesend

WERKEINFÜHRUNG
und fieberten mit. Die Aufführung geriet zu einem überragenden Erfolg, wie
ihn der fünfunddreißigjährige Komponist bis dahin noch nicht erlebt hatte.
Dennoch entschloss sich Brahms auf Anregung des Domkapellmeisters Carl
Martin Reinthaler, das Werk noch um einen siebten Satz zu erweitern und
dem Bariton-Solo ein Sopran-Solo gegenüberzustellen. Die Erinnerung an
die wenige Jahre zuvor verstorbene Mutter des Komponisten mag dabei eine
Rolle gespielt haben. Die siebensätzige Fassung erlebte ihre Uraufführung
am 18. Februar 1869 in Leipzig unter Karl Reinecke. In dieser Form hat das
Deutsche Requiem seinen Siegeszug um die Welt angetreten.
Der erste Satz Selig sind, die da Leid tragen beginnt mit einer der Seligpreisungen
aus der Bergpredigt. Brahms erreicht eine dunkle Klangfarbe
des Orchesters, indem er auf Violinen verzichtet. Ein großes Orchesterwerk,
bei dem die Violinen einen ganzen Satz lang schweigen, hatte es bis dahin
nicht gegeben; später sollte Gabriel Fauré in einigen Teilen seines Requiems
ähnlich verfahren. Der Satz beginnt ruhig und verhalten in der tiefen Lage
des Orchesters. Dann setzt der Chor ein, der eine kurze a-cappella-Stelle zu
bestreiten hat. Im Mittelteil fügt Brahms einen Text aus dem 126. Psalm ein:
Die mit Tränen säen. Schon hier zeigt sich die Tendenz des Gesamtwerks:
Seligpreisung und Tröstung. Zuletzt kehrt der Satz zu den Anfangsworten
zurück und klingt nach einer kurzen Steigerung im Pianissimo aus.
Der zweite Satz Denn alles Fleisch, es ist wie Gras greift musikalisch auf
ein älteres Werk zurück. Brahms hatte 1855 eine viersätzige Sonate für zwei
Klaviere geschrieben. Drei der Sätze gestaltete er später zu seinem ersten
Klavierkonzert um; das ursprüngliche Scherzo griff er hier, im Deutschen Requiem,
wieder auf. Und trotz des Dreiertakts drängt sich der Eindruck eines
Trauermarsches oder einer Prozession auf. Zu den lastenden Schreitrhythmen
des Orchesters setzt der Chor im Unisono ein und singt einen Text aus dem
ersten Petrusbrief. Im tröstlichen Mittelteil, dem Trio des ursprünglichen
Scherzo, hören wir Worte aus dem Jakobusbrief So seid nun geduldig, lieben
Brüder. Dann kehrt der Trauermarsch wieder, und der erste Teil wird notengetreu
wiederholt. Der unvorbereitete Hörer erwartet, dass der Satz mit dem
da capo schließt. Aber die Stimmung schlägt unvermittelt nach Dur um, und
der Chor singt einen weiteren Vers aus dem ersten Petrusbrief: Aber des Herrn
Wort bleibet in Ewigkeit. Mit dieser Gewissheit ist die Resignation des Beginns
überwunden, und wir hören ein freies Fugato über das Prophetenwort Die
Erlöseten des Herrn werden wiederkommen. Überaus plastisch schildert der Komponist
Freude und Wonne einerseits, Schmerz und Seufzen andererseits, doch
der Satz geht nicht im auftrumpfenden Jubel, sondern im Pianissimo zu Ende.
Im dritten Satz Herr, lehre doch mich tritt erstmalig der Bariton-Solist in
Erscheinung. Er singt, im Wechsel mit dem Chor, Verse aus dem 39. Psalm, die
von der Vergänglichkeit, ja Nichtigkeit des Menschen handeln. Die Verzweiflung
kulminiert in der rhetorischen Frage Nun Herr, wes soll ich mich trösten?

WERKEINFÜHRUNG
Dann aber wechselt die Musik von Moll nach Dur, und der Chor singt die
Antwort Ich hoffe auf dich, erst leise, dann in immer größerer Steigerung und
Zuversicht. Die anschließende große Fuge Der Gerechten Seelen sind in Gottes
Hand, und keine Qual rühret sie an ruht auf einem durchgängigen Orgelpunkt
auf D, gespielt von Posaune, Tuba, Kontrabass und Pauke. Da sich die übrigen
Stimmen modulierend weit von der Grundtonart entfernen, entstehen
scharfe Dissonanzen, doch die tiefen Instrumente halten unbeirrt an ihrem
D fest, bis zuletzt alle Stimmen im strahlenden D-Dur zusammenfinden. Die
musikalische Symbolik ist überaus sinnfällig: das durchlaufende D steht für
Gottes Hand, in der sich der Gerechten Seelen befinden, und keine Qual (= keine
Modulation in entfernte Tonarten) kann sie dieses Fundaments berauben.
Der vierte Satz Wie lieblich sind deine Wohnungen ist der kürzeste, zugleich
der geschlossenste des Werks. Der Text entstammt zur Gänze dem 84. Psalm,
einem Pilgerlied. Die kirchliche Tradition hat diesen Psalm seit jeher auf die
Pilgerschaft des Menschen zu seiner himmlischen Heimat bezogen, und so
versteht ihn auch Brahms. Die Musik ist von einer ruhigen, gelösten Heiterkeit
geprägt. Im Orchester schweigen die Trompeten, die Posaunen, die Tuba, zwei
der vier Hörner sowie das Schlagzeug, also alle „lauten“ Instrumente. Daher ist
der Satz über weite Strecken im Piano gehalten und strahlt einen freundlichen
Optimismus aus, als notwendigen Ruhepunkt nach den vorangegangenen
Kämpfen. Dann folgt mit Ihr habt nun Traurigkeit der nachkomponierte
Satz, den Brahms erst nach der Bremer Uraufführung eingefügt hat. Die Orchestrierung
verzichtet wie beim vorangegangenen Satz auf laute Instrumente.
Die Sopransolistin singt Worte aus dem Johannes-Evangelium sowie Sehet
mich an aus dem Buch Jesus Sirach. Der Chor kontrastiert mit dem Jesaja-Wort
Ich will euch trösten, wie einen seine Mutter tröstet. Doch obwohl Solistin und
Chor unterschiedliche Texte deklamieren, verwenden sie doch gleiches musikalisches
Material. Berühmt ist die Stelle, wo die Sopransolistin eine Melodie
in Achteln singt, begleitet vom Chortenor mit der gleichen Melodie, jedoch
in Vierteln, also im halben Tempo. Dieses kontrapunktische Kunststück ist
völlig organisch in den musikalischen Gesamtverlauf integriert und zeigt,
wie gründlich Brahms die barocken Kompositionstechniken studiert hat.
Gerade dieser Satz wird immer wieder mit der Erinnerung an Brahms‘ Mutter
in Verbindung gebracht, die drei Jahre vor der Komposition verstorben war.
Nach diesen beiden ruhigen, tröstlichen Dur-Sätzen könnte der Gegensatz
zum nachfolgenden Denn wir haben hie keine bleibende Statt nicht
größer sein. Der Chor singt diese Worte aus dem Hebräerbrief ohne klar
bestimmte Tonart; vielmehr schweift die Musik modulierend umher und
illustriert die Suche nach der zukünftigen Statt. Dann setzt der Bariton-Solist
ein mit den Worten des Paulus aus dem ersten Korintherbrief: Siehe, ich sage
euch ein Geheimnis. Paulus spricht von der Auferstehung und Verwandlung
der Toten und der Lebenden, die Musik steigert sich mehr und mehr, und

WERKEINFÜHRUNG
bei den Worten zu der Zeit der letzten Posaune setzen die Posaunen und die
Tuba machtvoll ein, zum ersten Mal seit dem Ende des dritten Satzes. Es folgt
eine dramatisch-bewegte Schilderung des Jüngsten Tages, die an das Dies
irae traditioneller Requiem-Vertonungen erinnert. Doch nicht die Schrecken
des Gerichts und die Angst des Sünders stehen im Mittelpunkt, sondern
die Hoffnung auf Erlösung. Deshalb wechselt die Musik auf die Worte wo
ist dein Sieg zum strahlenden Dur, und der Chor singt die mächtige und
kunstvolle Fuge Herr, du bist würdig nach Worten aus der Offenbarung des
Johannes. Aber trotz aller Heilsgewissheit sind immer wieder Piano-Stellen
eingeschoben, meistens auf die Worte denn du hast alle Dinge erschaffen. Auf
diese Weise spannen Text und Musik den Bogen von den ersten bis zu den
letzten Dingen, von der Schöpfung bis zur zukünftigen Statt, die zu Beginn
des Satzes gesucht wurde und jetzt gefunden ist.
Der Schlusssatz Selig sind die Toten schlägt mit Tonart, Besetzung, Tempo
und Aussage die Brücke zum Beginn des Werkes und schließt den Kreis.
Wieder steht eine Seligpreisung im Mittelpunkt, diesmal nicht aus einem
der Evangelien, sondern aus der Offenbarung des Johannes. Und jetzt sind
es nicht die Leidtragenden, die selig sind und getröstet werden, sondern
die Toten selbst. Gerade hier wird der Gegensatz des Deutschen Requiem zur
traditionellen katholischen Totenmesse besonders deutlich: Brahms betet
nicht um die ewige Ruhe für die Toten, sondern der Geist spricht, dass sie ruhen
von ihrer Arbeit. Ganz zuletzt zitiert Brahms fast notengetreu den Schluss des
ersten Satzes. Im Pianissimo verklingt das Werk auf das Wort selig, mit dem
es auch begonnen hat.
Der Jurist und Musikkritiker Adolf Schubring schrieb nach der Bremer Uraufführung
des Deutschen Requiem eine umfangreiche Besprechung in der
Allgemeinen Musikalischen Zeitung. Darin heißt es: „Brahms’ ’Deutsches Requiem’
wird überall, wo es in gelungener Aufführung gehört wird, durchschlagen. Eine
Musik von unbeschreiblicher Neuheit, Kraft und Frische, bald rührend elegisch, bald
lieblich lyrisch, bald erschütternd dramatisch, die feinste kontrapunktische Kunst,
eingekleidet in volkstümliche Weisen, dabei eine Harmonik und Orchestrierung,
so prächtig und effektvoll, wie bisher in einem Werk der Kirchenmusik noch nicht
da gewesen, wird und muss ebenso den Laien jeder Nation wie den Musikkenner
jeder Partei befriedigen.“ Und Robert Schumanns Witwe Clara, die bei dieser
denkwürdigen Aufführung ebenfalls zugegen war, notierte in ihr Tagebuch:
„Mich hat dieses Requiem ergriffen, wie noch nie eine Kirchenmusik. Ich musste
immer, wie ich Johannes so dastehen sah mit dem Stab in der Hand, an meines
teuren Roberts Prophezeiung denken: ’Lass den nur mal erst den Zauberstab
ergreifen und mit Orchester und Chor wirken’ – welche sich heute erfüllt.“
Reinhard Szyszka

DIRIGENT
Thomas Gropper - Gesamtleitung
Thomas Gropper, geboren in Braunlage im Harz, studierte an der Hochschule
für Musik und Theater in München Opern- und Konzertgesang sowie
Gesangspädagogik bei Markus Goritzki. Weitere Impulse empfing er in
Oratoriengesang bei Adalbert Kraus und Hanns-Martin Schneidt sowie im
Liedgesang bei Helmut Deutsch. Nach dem Studium arbeitete er mit Dietrich
Fischer-Dieskau und Josef Metternich. Sein Schwerpunkt liegt auf dem
oratorischen Gebiet, wo er von Monteverdi und Schütz über Bach, Händel,
Haydn, Mendelssohn, Brahms bis Elgar, Orff und Britten alle wichtigen Bassund
Bariton-Partien gestaltet hat, wobei auch zahlreiche Rundfunk- und
CD-Aufnahmen entstanden. Im Mittelpunkt stehen dabei die Oratorien und
Kantaten Johann Sebastian Bachs. Er sang u.a. mit dem Symphonieorchester
des BR, den Münchner Philharmonikern, dem Münchner Bach-Chor und dem
Münchner Motettenchor, dem Georgischen Kammerorchester Ingolstadt,
den Berliner und Münchner Symphonikern, dem Heinrich Schütz-Ensemble
München und den Barockensembles L‘ arpa festante und La banda unter
Dirigenten wie Fabio Luisi, Hanns-Martin Schneidt, Martyn Brabbins, Hayko
Siemens, Wolfgang Kelber, Roderich Kreile, Roman Emilius, Christian Kabitz,
Ralf Otto und Siegfried Heinrich. Dabei gastierte er u.a. mehrfach bei der
Bachwoche Ansbach, den Europäischen Wochen Passau, dem Musiksommer
Chorin, den Hersfelder Festspielen und dem Bodenseefestival. Höhepunkte
der nächsten Saison sind Orffs „Carmina burana“ mit dem Münchner Motettenchor
und den Stuttgarter Philharmonikern u.a. in der Philharmonie
München, die Bachsche „Matthäuspassion“ mit dem Mainzer Bachchor und
eine Uraufführung im Rahmen der „musica viva“-Reihe des BR mit dem Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks.
Auch auf dem Gebiet der Oper ist Thomas Gropper tätig, so war er unter
anderem als Figaro, Don Giovanni und Papageno zu hören und gestaltete
am Stadttheater Ingolstadt und auf einer CD-Produktion den Don Febeo aus
Simon Mayrs „Che Originali“. 2007 sang er mit großem Erfolg die Titelpartie in
Monteverdis „Orfeo“ bei den Opernfestspielen in der Stiftsruine Bad Hersfeld.
Neben der Tätigkeit als Opernsänger leitet er ein Ensemble für Kinderopern
mit weitem Aktionsradius u.a. in Bayern, Hessen, Thüringen, mit dem viele
Produktionen laufen. Einen wesentlichen Teil von Groppers Arbeit machen
Pädagogik und Chorarbeit aus. Er war Stimmbildner des Münchner Bachchors
und des Münchner Motettenchors, lehrte 10 Jahre an einer renommierten
Münchner Schauspielschule und unterrichtet seit 1997 an der Münchner
Musikhochschule. 2001 wurde er dort zum Professor für Gesang, Sprecherziehung
und Gesangsdidaktik berufen. Häufig ist er Dozent bei Fortbildungen
und Workshops über Chor- und Stimmarbeit.

DIRIGENT / CHOR
Seit 2005 leitet er den Kammerchor „Arcis-Vocalisten München“, mit dem er
a cappella- und oratorische Literatur aufführt und zahlreiche Konzertreisen
unternimmt. Mit diesem Ensemble gelangten u.a. Mozarts Requiem, Bachs
h-moll-Messe und das Weihnachtsoratorium sowie Mendelssohns Elias zur
Aufführung, im Mai 2010 und März 2012 erfolgten BR-Produktionen mit
Bach-Kantaten, 2009, 2011 und 2013 szenische Produktionen (Bach-Johannespassion,
Monteverdi-Orfeo, Händel-Saul). Thomas Gropper dirigierte u.a.
die Vogtlandphilharmonie, das Philharmonische Orchester Bad Reichenhall
und die Barockensembles La banda und L‘ arpa festante u.a. im Herkulessaal
und Prinzregententheater München sowie im Brunnenhof der Residenz.
Häufig sind die Arcis-Vocalisten zu Gast bei renommierten Veranstaltungen,
z.B. dem Bodenseefestival, den Festspielen Bad Hersfeld, den Europäischen
Wochen Passau, den Bachtagen Hessen-Thüringen und dem Sommer zwischen
Inn und Salzach. Im Herbst 2008 übernahm er die künstlerische Leitung
des renommierten Philharmonischen Chores Fürstenfeld, mit dem 2010
Händels „Samson“ und Mendelssohns „Paulus“ auf dem Programm standen,
2011 u.a. Haydns „Jahreszeiten“, 2012 Mozarts c-moll-Messe. Daneben betreut
Thomas Gropper Chor-Einstudierungen für renommierte Veranstalter, so im
Frühjahr 2011 die „Herr der Ringe“-Events mit Film und Livemusik sowie 2012
das Projekt „Fluch der Karibik“.
Arcis-Vocalisten - Der Konzertchor
In der kurzen Zeit seit ihrer Gründung im Jahr 2005 haben sich die Arcis-Vocalisten
in der hochklassigen und vielfältigen Münchner Musikszene auf Grund
ihrer Qualität und der besonderen Programmgestaltung einen ganz speziellen
Platz erobert. Das vom renommierten Gesangspädagogen Professor Thomas
Gropper gegründete und geleitete Ensemble besteht aus rund 50 engagierten
Sängerinnen und Sängern, die großteils über eine solistische Gesangsausbildung
verfügen. Der Projektchor wird je nach Werk flexibel besetzt.
Anlässlich der Aufführung der Matthäuspassion 2011 im Münchner Herkulessaal
zusammen mit der Neuen Philharmonie München hob die Süddeutsche
Zeitung den „großen Fundus feinsinniger Ausdrucksmöglichkeiten“ hervor,
über den die Arcis-Vocalisten verfügen – „stets verbunden mit einer präzisen
Diktion und erzählerischen wie musikalischen Homogenität“. Das Ensemble
zeichnet sich darüberhinaus durch die besondere Programmgestaltung aus:
Neben der Darbietung von Chorwerken vom Frühbarock bis hin zur Moderne
haben die Arcis- Vocalisten mit szenischen Aufführungen barocker Werke wie
„Dido und Aeneas“ von Purcell, insbesondere der Bachschen Johannespassion
und zuletzt des Orfeo von Monteverdi in Zusammenarbeit mit dem

CHOR
Regisseur Dieter Reuscher große Beachtung gefunden. Gemeinsam mit dem
Ensemble für Alte Musik „l’arpa festante“ gelang den Arcis-Vocalisten unter
Thomas Gropper mit der szenischen Aufführung des Orfeo im Jahr 2011 eine
eindrucksvolle Darbietung. Diese wurde von der Süddeutschen Zeitung als
„großartige Aufführung (…) von enormer Wirkung“ und als „phantastische
Umsetzung“ der Musik des frühbarocken Meisters gewürdigt.
Die Arcis-Vocalisten treten regelmäßig sowohl im Herkulessaal als auch im
Brunnenhof der Münchner Residenz auf, unter anderem für die Konzertdirektion
Bell’Arte, außerdem beim Musiksommer zwischen Salzach und Inn.
Kirchenmusikalische Auftritte in München und die szenischen Aufführungen
finden in der Himmelfahrtskirche Sendling statt. Weiterhin war das Ensemble
schon bei den Europäischen Wochen in Passau, in der Allerheiligenhofkirche in
München, in Rouen/Normandie, bei den Festspielen Bad Hersfeld, in Rothenburg
ob der Tauber, auf dem Theaterplatz Lindau und bei den Marienroder
Klosterkonzerten zu hören, um nur einige Orte zu nennen.
Die vom Bayerischen Rundfunk in der Himmelfahrtskirche München/Sendling
aufgenommenen Bach-Kantaten „Aus der Tiefen“ BWV 131 und „Himmelskönig,
sei willkommen“ BWV 182 aus dem Jahr 2011 sowie „Weinen, Klagen,
Sorgen, Zagen“ BWV 12 und „Herz und Mund und Tat und Leben“ BWV 147
aus 2012 sind bei dem Klassiklabel OehmsClassics erschienen. Für das Jahr
2014 ist eine weitere BR-Produktion mit einem Werk des Bachzeitgenossen
Carl Heinrich Graun geplant.

MUSIKER & INSTRUMENT
Therese Mitreuter (KM)
Violine, Salzburg
Winfried Grabe (KM)
Violine, München
Elina Arina
Violine, Riga, Lettland
Sofia Kiemer
Violine, Riederau
Tamara Mersetzky
Violine, München
Katharina Müller
Violine, München
Eleonora Píraga
Violine, Riga, Lettland
Ajda Porenta
Violine,
Medvode, Slowenien
Svens Skriveris
Violine, Riga, Lettland
Nezka Starc
Violine,
Besnica, Slowenien
Tereze Vaivode
Violine, Maastricht
Sophia Kraus (SF),
Violine, München
Alvar Ceamanos
Violine, Augsburg
Sophia Krauel
Violine, Hohenschäftlarn
Hendrik Maria Kujawski
Violine, Würzburg
Jella Linnert
Violine, Bonn

MUSIKER & INSTRUMENT
Rebeca Nuez Suárez
Violine, Maastricht
Jasmine Mai Linh Ong
Violine, Ludwigshafen
Sophia Stiehler
Violine, Erlangen
Marta Sembele
Violine, Baldone, Lettland
Bianca Wagner
Violine, München
Manuela Mocanu (SF)
Viola, Berlin
Darius Fischer
Viola, Bobingen
Florian Huber
Viola, Berlin
Maria Kaiser
Viola, Dresden
Peter Kunz
Viola, München
Sophia Pauer
Viola, München
Stefan Probst
Viola, München
Bodil Schnurrer
Viola, Egling
Johannes Zahn (SF)
Violoncello, Grünwald
Clara Baesecke
Violoncello, Pullach
Christian Fischer
Violoncello, Trossingen

MUSIKER & INSTRUMENT
Arvid Mitreuter
Violoncello, Icking
Bea Sallaberger
Violoncello, Neuried
Marianne Spieß
Violoncello, Neu-Ulm
Konstantin Storck
Violoncello, München
Peter Lamm (SF)
Kontrabass, München
Markus Baumann
Kontrabass, Egling
Helmut Wagner
Kontrabass, Gröbenzell
Helmut Scherer
Kontrabass, Ilmmünster
Lea-Christina Arenz
Piccoloflöte, Marienbach
Maren Clara Paterok
Flöte, Münster
Vera Goertz
Flöte, Detmold
Manuel Mittelbach
Oboe, Weimar / München
Raphael Klockenbusch
Oboe, Würzburg
Fidelis Edelmann
Klarinette, Weilheim
Amelie Bertlwieser
Klarinette, Würzburg
Vanessa Ramer
Klarinette, Bamberg

MUSIKER & INSTRUMENT / LEHRER
Leonhard Kohler
Fagott, München
Joakim Raivio
Fagott, München
Dr. Gunter Joppig
Kontrafagott, München
Matthias Schmaderer
Horn, Köln
Julius Hochwimmer
Horn, Gröbenzell
N.N.
Horn,
Jakob Schreiber
Horn, Weilheim
Peter Kisgyörgy
Trompete, München
Moritz Beck
Trompete, München
Bernd Wadenspanner
Posaune, Landshut
Sebastian Neuhauser
Posaune, München
Christian Eiband
Bassposaune, Oberthingau
Martin Stanglmayr
Tuba, Postau
Alexander Lenk
Pauke, Hannover
Johanna Solbes
Harfe, München
Olivia Neuhauser
HarfeI, München

ORCHESTER
Neue Philharmonie München
Das Sinfonieorchester
während des Konzertes
Oktober 2013 im
Herkulessaal München.
© Sabine Weinert-Spieß
Die Neue Philharmonie München hat sich seit ihrer Gründung 2005 zu einem
der meist beachteten jungen Orchester der Region München entwickelt
und wurde im Lauf dieser Zeit immer mehr zum Medium einer professionell
ausgerichteten Vorbereitungszeit. 17- bis 30-jährige besonders begabte junge
Musiker, darunter viele Jungstudenten und Studenten von Musikhochschulen
aus ganz Deutschland und dem europäischen Raum, schätzen die vielseitigen
Orchesterprojekte mit Konzerten im In- und Ausland, in denen sie auch von
erfahrenen Hochschulprofessoren und Mitgliedern des Symphonieorchesters
des Bayerischen Rundfunks an die Kompetenz und Qualifikation des Orchestermusikerberufes
herangeführt werden.
Die Förderung von Nachwuchsmusikern durch erfahrene Solisten und Experten
ist Teil des Konzeptes der Musikwerkstatt Jugend e.V., für das sie 2006
den Tassilo-Kulturpreis der Süddeutschen Zeitung erhielt.
Dieses überregionale Orchester, das projektweise arbeitet, tritt regelmäßig u.a.
im Herkulessaal in München, in weiteren deutschen Städten und im Ausland
auf. Dabei sei besonders die Teilnahme an dem Internationalen Musikfestival
in Baku/Aserbaidschan im Herbst 2013 hervor zu heben, bei dem das Örtliche
Fernsehen die beiden Konzertabende aufzeichnete.
Bei diesen Konzerten musiziert die Neue Philharmonie München zusammen
mit dem bekannten Kammerchor Arcis-Vocalisten.

IMPRESSIONEN 2013 | LEHRER
Die Neue Philharmonie
München bei der Probe
vor dem Rom-Konzert
unter Leitung von
Dorian Keilhack 2013.
© Marianne Spieß
Lehrkräfte der Orchestermitglieder
Violine
Prof. Martin Mumelter
Prof. Gorjan Košuta
Prof. Eva Bindere
Prof. Ilona Then-Bergh
Prof. Julia Galic
Thomas Ilg
Emilian Piedicuta
Dorothea Ebert
Prof. Juris Švolkovskis
Prof. Sonja Korkeala
Barbara Hubbert
Prof. V. Balzalorsky
Prof. Robert Szreder
Harry Christian
Prof. Kyoko Yonemoto
Stefan Krznaric
Bernd Buß
Viola
Prof. V. Bukač
St. Regenfus-Claus
Albrecht Rhode
Violoncello
Prof. Elmar Stiehler
Ruppert Buchner
Prof. Francis Gouton
Prof. Markus Wagner
Konrad Bihler
Stefan Haack
Kontrabass
Georg Hörtnagel
Emmerich Bünemann
Peter Lamm
Flöte
Matthias von
Brenndorff
Prof. Chr. Fassbender
Prof. H.-J. Wegner
Oboe
Prof. J. Müller-Brinken
Prof. Matthias Bäcker
Klarinette
Prof. Harald Harrer
Prof. Lindner
Prof. Chen Haleri
Fagott
Prof. Dag Jensen
Horn
Prof. Paul van Zelm
Prof. J. Dengler
Trompete
Prof. Hannes Läubin
Bernhard Holzmann
Posaune
Prof. Wolfram Arndt
Prof. Dani Bonvin
Prof. Thomas Horch
Uwe Füssel
Tuba
Prof. Josef Steinböck
Pauke
Prof. Andreas Boettger
Harfe
Prof. Christina Bianci

KONZERTREISE 2013
Baku am Kaspischen
Meer, die Flame Towers
© Phillippe Schwarz
© Marianne Spieß
Die Neue Philharmonie
München vor dem
Konzertsaal in Baku
Konzertreise nach Baku – Herbst 2013
Ein besonderes Highlight dieses Jahres war die Einladung der Neuen Philharmonie
München zum „5. Uzeyir Hajibeyov International Music Festival” in
Baku, Aserbaidschan. Der junge aserbaidschanische Dirigent Fuad Ibrahimov
hatte bereits in diesem Frühjahr ein großartiges Orchesterprogramm mit
Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung”, Schostakowitschs „Festlicher Ouvertüre”
und Brahms Klavierkonzert Nr. 2 (Solist: Benjamin Moser) in München
und Wolfratshausen aufgeführt.
Nun sollten in Baku gleich zwei Konzertabende mit unterschiedlichem Programm
bestritten werden. Ibrahimov studierte dazu mit dem leistungsfähigen
Orchester Beriots „Scène de ballet” (Violine: Anar Ibrahimov), Borodins
„Polowetzer Tänze”, Rodrigos „Concertino de Aranjuez” (Gitarre: Jessica Kaiser),
Strawinskis „Feuervogel” und Ravels „Bolero”. Ein großer Erfolg war auch die
Ouvertüre „Koroglu” des Festival-Namensgebers Hacibeyli. Die Reise war ein
unvergessenes Erlebnis mit unwiederbringlichen Eindrücken.
Klangvolle und emotionsgeladene Konzerte erklangen anschließend im
Münchener Herkulessaal, Fürstenfeldbruck und Wolfratshausen mit diesem
Konzertprogramm. Publikum und Presse waren begeistert.

VORSCHAU 2014
Sommer 2014
Projekt: Oper in Starnberg
Vokalensemble Fünfseenland
Vokalensemble Icking
R. Strauss, „Metamorphosen”
Purcell, „Dido and Aeneas” (szenisch)
Andreas Sczygiol, Musikalische Leitung
Kristina Wuss, Regie
Nikolay Georgiew, Choroegraphie
Do 3. Juli 2014, 20 Uhr
Schlossberghalle Starnberg
Fr 4. Juli 2014, 19 Uhr
Schlossberghalle Starnberg
Herbst 2014 – in Planung
Die Neue Philharmonie München geht auf
Konzertreise nach China
mit Pianistin Jieni Wan
Weitere Konzerte in Deutschland
Brahms, Variationen über ein Thema
von Haydn op. 56a (1873)
Chopin, Klavierkonzert Nr. 1 op. 11 e-Moll
Beethoven, Sinfonie Nr. 3 „Eroica” op. 55
Fuad Ibrahimov Leitung
Fr 10. Oktober 2014, 20 Uhr,
München Herkulessaal
Sa 11. Oktober 2014, 20 Uhr,
Wolfratshausen Loisachhalle
So 12. Oktober 2014, 19 Uhr,
Fürstenfeldbruck Stadtsaal
SPIESZDESIGN
MUSIK FÜR DIE AUGEN
Unser Sponsoring-Support für
die Neue Philharmonie München
Signetgestaltung
Plakate, Flyer
Programmheft
Website www.nphm.info
Konzertvideos
Konzertfotografie
SPIESZDESIGN Neu-Ulm
Wallstraße 28, 89231 Neu-Ulm // www.spiesz.de // design@spiesz.de // Tel 0731 7254481

SPONSOREN | ORCHESTER-KONTAKTDATEN
Sponsoren, Freunde, Förderer
Hermes Arzneimittel GmbH
Bayerischer Musikrat / Förderung
internationaler musikalischer Begegnungen
Bezirk Oberbayern
Erich und Ute Decker Kulturstiftung
Nikola Keim
Asia-med GmbH
Georg Bäuml
Traudl Bergau
Busbetrieb Darchinger
Caroli Dienst
Ev. Kirchengemeinde Ebenhausen
Frühwirt Elektrotechnik
Blumen Geisler Hohenschäftlarn
Gemeinde Icking
Hans Gottwald
Robert Bosch Hausgeräte GmbH
Dr. Adalbert Hohenester
Dr. Gunther Joppig
Dr. Hellmut Kirchner
Kulturfonds der Bayerischen Landesregierung
Landratsamt Bad-Tölz
Gerda Possinger
Raiffeisenbank Isar-Loisachtal
Wolfgang Scharff Geigenbau
Sieglinde Schmidt
Alexandra Schmittmann
Sparkasse Bad Tölz-Wolfratshausen
SPIESZDESIGN Neu-Ulm
Verein zur Förderung junger Musiker e. V.
Klavierhaus Vogel München-Wolfratshausen
Otto und Marianne Zinnecker
Neue Philharmonie München
Organisation
Franz Deutsch, Tel. 08178 – 90018
deutsch@nphm.info
Corinna Glockzin, Tel. 08856 – 804 402
org@nphm.info
Sieglinde Schmidt, Tel. 0172 – 8228657
Siegi@schmidt-page.de
Sigrid Dumann-Brusis, Tel. 08178 – 99 79 172
sijobrusis@web.de
Sponsorenbetreuung, Notenwart
Angela Zahn, Tel. 089 – 64939864
zahn@nphm.info
Orchestersprecher
Johannes Zahn / Streicher
Tel. 089 – 64939864 / mobil 0176 – 92939690
johannesz@aol.com
Franziska Döpper / Bläser
Tel. 01577 7262359 redhair91@web.de
Musikwerkstatt Jugend e.V.
Mitgliederbetreuung
Sigrid Dumann-Brusis,
Tel. 08178 – 99 79 172, sijobrusis@web.de
Buchhaltung
Steffen Kühnel, steff.kuehnel@web.de
Rechnungsprüfer
Hans Gottwald
Bankverbindung
Musikwerkstatt Jugend e.V. Kennwort: NPHM
Sparkasse Bad Tölz-Wolfratshausen
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BIC: BYLADEM1WOR
Gestaltung / Website
SPIESZDESIGN Büro für Gestaltung
89231 Neu-Ulm, Wallstr. 28
Tel. 0731-7254481, design@spiesz.de
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GEIGEN- UND BOGENBAU
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Fax. 5236886
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80335 München
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Dienstag bis Freitag von 8.30 bis 13.00 Uhr und 14.30 bis 18.30 Uhr
Samstag von 9.30 bis 13.00 Uhr – Montag geschlossen
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• hausgemachte Kuchen mit feinen Kaffee- und
Teespezialitäten genießen
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auf der Sonnenterrasse mit Gebirgsblick erleben
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