NPHM_Frühjahr 2016

NEUE
PHILHARMONIE
MÜNCHEN
Michael Gregor Scholl
Cellokonzert (UA 2. Fassung)
Gustav Mahler
Symphonie Nr. 9
Yoel Gamzou Leitung Stefan Hadjiev Violoncello
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KONZERTPROGRAMM WOLFRATSHAUSEN | MÜNCHEN | KASSEL
Konzertprogramm
der Neuen Philharmonie München unter Leitung von Yoel Gamzou
Dienstag, 8. März 2016, 20 Uhr Wolfratshausen | Loisachhalle
Konzerteinführung mit Reinhard Szyszka und Michael Georg Scholl um 19.15 Uhr
Mittwoch, 9. März 2016, 20 Uhr München | Herkulessaal der Residenz
Konzerteinführung mit Reinhard Szyszka und Michael Georg Scholl um 19.15 Uhr
Sonntag, 13. März 2016, 19 Uhr Kassel | Stadthalle, Kongress Palais
Michael Gregor Scholl (1964) |
Concert für Violoncello und Kammerorchester (UA - 2. Fassung 2015)
Rasch, mit Feuer
Langsam, versunken zart
Mäßig schnell, kantig heiter
Pause
Gustav Mahler (1860–1911) | Symphonie Nr. 9
Andante comodo
Im Tempo eines gemächlichen Ländlers
Rondo – Burleske
Adagio
Kammermusikkonzert mit der NPhM
Freitag, 11. März 2016, 20 Uhr Grünwald | August-Everding-Saal
Kammermusik-Programm mit Mitgliedern der Neuen Philharmonie München
mit Werken von Mozart, Smetana, Elgar und anderen

Die Neue Philharmonie München dankt für die Unterstützung:
Förderverein des LIONSCLUBs
Wolfratshausen-Geretsried e.V.
Referat für
Bildung und Sport
SPIESZDESIGN
BÜRO FÜR GESTALTUNG
Elisabeth‘s
MONATSPROGRAMM
Kulturmagazin für die oberbayerischen Regionen

GRUSSWORT | CHRISTIAN STÜCKL
© Gabriela Neeb
Liebe Musikfreundinnen und Musikfreunde,
Nach heftigem Klatschen und einer großen Hilfsbereitschaft am Münchner Hauptbahnhof, nach
Solidaritätsbekundungen auf allen Kanälen, wird über kurz oder lang Ernüchterung einziehen.
Schon jetzt ist abzusehen, dass viele in Deutschland beunruhigt sind und niemand weiß, ob
nicht morgen die Hilfsbereitschaft in Aggression umschlägt. Um so wichtiger ist es deshalb, dass
es Initiativen wie die Stiftung Kolibri gibt, die nicht darauf warten, dass der Staat die Integration
der vielen tausenden Flüchtlinge organisiert, sondern mit großem ehrenamtlichen Engagement
alles unternehmen, dass jungen Migrantinnen und Migranten und unbegleiteten Jugendlichen
der Einstieg in die neue Heimat erleichtert wird.
Dass Musik Menschen auf der ganzen Welt verbindet und dass Musik ohne die Kenntnis einer
anderen, fremden Sprache emotionale Brücken der Verständigung baut, zeigen auf wunderbare
Weise die jungen Musiker der Neuen Münchner Philharmonie. Im letzten Sommer habe ich mit
diesem jungen Orchester in Oberammergau die Oper Nabucco realisiert und ich war begeistert,
mit welch großem Engagement sie die Musik Verdis auf die Bühne gebracht haben. Diese jungen
Musikerinnen und Musiker aus vielen Ländern – von Estland über Aserbaidschan bis nach Spanien
– haben sich nun für ein Benefizkonzert zusammengefunden und spielen unentgeltlich klassische
Musik für junge Flüchtlinge. Kolibri, zusammen mit der Castringius Stiftung, der Petra-Kelly- Stiftung
und dem Referat für Bildung und Sport der Stadt München lädt über 300 Jugendliche zu diesem
Konzert ein und versucht damit, Grenzen zu überwinden und traumatisierten Menschen neue
Lebensfreude zu vermitteln.
Dafür sage ich den Musikerinnen und Musikern der Neuen Münchner Philharmonie und allen
Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der Kolibri – Interkulturellen Stiftung herzlichen Dank.
Christian Stückl
Intendant des Münchner Volkstheaters

GRUSSWORT | GÜNTER STEINLE FONDATION
© Michael Leis
Musik, Musik, Musik – das ist enzyklopädisch-nüchtern formuliert: „von Menschen organisierte
Form von Schallereignissen“. Ein Musiker von Rang, Hamburgs Generalmusikdirektor Kent Nagano,
formuliert poetisch-pathetischer: „Die Idee von Musik ist Freiheit, die Idee von Menschen
ist Freiheit!“ – und trifft damit angesichts weltweit zu beobachtender Phänomene politisch ins
Schwarze: Es gibt (zu) viele „Flecken“ auf unserem Planeten, wo man sich nicht niederlassen
möchte, weil es dort Herrschende gibt, die keine Lieder kennen, zulassen wollen, wo die Tonkunst
– wie andere Künste – geächtet, verboten ist.
Μουσική, la musica, die Musik – sie ist weiblich. Und das ist für bestimmte Männer, gepanzerte,
soldatische, fundamentalistische, faschistische, faustische Männer äußerst verwirrend.
Sozusagen chaotisch. Das Weibliche ist für diese Männer wie das Leben selbst: Chaotisch und
voller Rätsel. Die Angst dieser Männer vor dem Weiblichen ist die Angst vor der Lebendigkeit,
vor der Unkontrollierbarkeit, der Unberechenbarkeit der Frau, vor ihrer Zweideutigkeit. Für die
Verfechter des „entweder oder“, des Prinzips, der Regel ist Musik an sich subversiv. Wer Kontrolle
will, Herr-schaft (!), wer Grenzen setzen und bewahren will, verbietet „Wein, Weib und Gesang“.
Die „Neue Philharmonie München“ ist ein Gegenentwurf. Junge Musikerinnen und Musiker
machen einfach das, was sie lieben und können: Musik und verfolgen, zusammen probend
und spielend, die „Idee von Musik als Ausdruck von Freiheit“. In diesem Ensemble von internationalem
Rang nehmen 86 Könner aus 17 Nationen (Polen, Armenien, Serbien, Niederlande,
Israel, Südkorea, Portugal, Lettland, Ukraine, Spanien, Italien, England, Schweden, Tschechien,
Schweiz, Ungarn und Deutschland) sich die Freiheit, alle möglichen Grenzen zu negieren und
zu überschreiten. In diesem Klangkörper wirkt zusammen, was anderswo zentrifugalen Kräften
unterliegen würde.

GRUSSWORT | GÜNTER STEINLE FONDATION
Kann man in dieser Zeit der mannigfachen Konflikte und Gegensätze als einzelner Besseres tun,
als mäzenatisch solch eine Arbeit ideell und materiell zu unterstützen? Kaum!
Sind nicht alle an politischen Schalthebeln Verantwortliche sehr gut beraten, diesem Ensemble
Möglichkeiten zu bieten, Wege zu ebnen, wo es nur geht? Ja!
Die Arbeit mit der „Neuen Philharmonie München“ und ihren jungen internationalen Hoffnungsträgern,
Botschaftern für Frieden in Europa, ist ähnlich einzustufen wie die Arbeit von Daniel
Barenboim und Edward Said mit dem Israeli und Palästinenser einbindenden „West-Eastern
Divan Orchester“ (WEDO). Man kann die Arbeit der „Neuen Philharmonie München“ nicht
hoch genug einschätzen, und ich bin stolz, als Beirats-Mitglied hier mein Scherflein beitragen
zu dürfen. Ich werde voller Elan dafür Sorge tragen, dass diese Idee weiter Zukunft hat, und
fordere alle auf: Wer kann, sollte mithelfen.
Alle Zuhörerinnen und Zuhörer beim Konzert dieses großartigen Orchesters sollten nicht nur
die Ohren spitzen, sondern auch ihr Herz öffnen, um mindestens einen Hauch zu spüren der
„Idee des Menschen von Freiheit“.
Günter Steinle
günter steinle fondation

WERKEINFÜHRUNG
Michael Gregor Scholl (*1964)
Concert für Violoncello und Kammerorchester
2. Fassung 2015
Rasch, mit Feuer
Langsam, versunken zart
Mäßig schnell, kantig heiter
Es gibt Dinge, die veralten nicht. Die klassische Dreisatzform schnell –
langsam – schnell eines Solistenkonzerts gehört dazu. Von Giuseppe
Torelli (1658–1709) einst in die Musikwelt eingeführt, hat sich diese
Grundstruktur durch alle Stilwandlungen von Barock, Klassik, Romantik,
Im- und Expressionismus, Neoklassizismus, Serialismus, Aleatorik usw.
usw. bewährt und bewahrt. Mochte die Musiksprache eines Komponisten
noch so avanciert, noch so bahnbrechend sein – wer ein Konzert
für ein Soloinstrument mit Orchester schrieb, legte es in drei Sätzen
an; der erste und der letzte waren schnell, der mittlere langsam. „So
ging es und geht es noch heute.“ (Goethe) Die wenigen Ausnahmen wie
etwa das (viersätzige) zweite Klavierkonzert von Brahms lassen sich an
den Fingern einer Hand abzählen. Auch das Cellokonzert von Michael
Gregor Scholl folgt der dreisätzigen Regel.
Komponist und Barmixer zugleich – Michael Gregor Scholl ist ein Phänomen.
Assoziationen an Rossini werden wach, der seine Kochkünste
mindestens ebenso hoch schätzte wie seine kompositorischen Fähigkeiten.
Bei Scholl ist es das Mixen. Als Barkeeper-Legende bezeichnet
ihn der World’s Luxury Guide, und die Bar mit dem sprechenden Namen
Rum Trader in Berlin-Wilmersdorf, seit 2002 unter der Leitung von Scholl,
ist eine Institution. Allabendlich steht dort der Chef persönlich hinter
dem Tresen und mixt jedem Besucher seinen individuellen Cocktail.
Da wird das Trinken zur Wissenschaft und der Barmann zum Lebensberater.
Dass Scholl obendrein höchst anspruchsvolle zeitgenössische
Musik schreibt, die die Nachbarschaft einer Mahler-Symphonie nicht
zu scheuen braucht, ist ein seltenes Beispiel einer Doppelbegabung,
ja Doppelberufung auf zwei Gebieten, wie sie unterschiedlicher kaum
sein könnten.
Die flüssig-kulinarischen Werke Scholls sind natürlich Legion. Aus seinen
musikalischen Schöpfungen ragen die drei Liederzyklen Über glitzernden
Kies für Mezzosopran, Violine, Klarinette und präpariertes Klavier nach
Gedichten von Else Lasker-Schüler, Abendland für Bariton, Violine und
Orchester mit Sopran und Countertenor nach Gedichten von Georg

WERKEINFÜHRUNG
Trakl und Gesang zur Nacht für Mezzosopran, zwei Violinen und zwei
Violoncelli, ebenfalls nach Trakl-Gedichten, hervor. Die Instrumentalkompositionen
umfassen eine Ciaccona für Violine solo, Variationen
über das Renaissance-Lied L’homme armé für ein bis zwei Blockflöten
und Trommeln, das Klavierstück Memento sowie ein Violinkonzert. Unter
dem Titel Schließe dein leibliches Auge hat Scholl ein Traumgetön, wie er
es nennt, nach Caspar David Friedrich für großes Orchester geschrieben.
Eine langjährige Zusammenarbeit verbindet Michael Gregor Scholl mit
dem renommierten Cellisten Guido Schiefen. Schon Mitte der 90er Jahre
entstand unter dem Titel Pentotita eine Komposition für Violoncello solo,
die von Schiefen aus der Taufe gehoben wurde. Schiefen war auch der
Widmungsträger und erste Solist des Konzerts (der Komponist bevorzugt
die Schreibweise Concert) für Violoncello für Kammerorchester,
das zwischen 2002 und 2004 geschrieben wurde. Heute Abend steht
nun eine erweiterte Neufassung dieses Concert auf dem Programm.
Entstanden ist sie 2015 nach einer längeren Schaffenspause, denn Scholl
hatte sich auf seine Aktivitäten als Barkeeper und -mixer konzentriert.
Erst die Begegnung mit dem Dirigenten Yoel Gamzou bewog Scholl,
um mit seinen eigenen Worten zu reden, „das Schweigen der Musen
zu brechen und das Werk zu revidieren und die Eule noch einmal aus dem
Bau zu locken.“
Das Kammerorchester, das in diesem Concert als Partner des Cellosolisten
auftritt, umfasst Violinen, Bratschen, Celli und Kontrabässe, dazu
zwei Oboen, zwei Hörner und ein umfangreiches Schlagwerk, das aber
so eingesetzt wird, dass es von einem einzigen Spieler bewältigt werden
kann. Der Kopfsatz Rasch, mit Feuer orientiert sich an der Sonatenform.
Nach einem Startsignal stellt das Solocello das erste Thema vor, das
den Kern der gesamten Struktur bildet. Charakteristisch sind die Achtel-Quintole,
die auf- und absteigenden Bewegungen in wechselnden
Rhythmen und der energisch vorwärtsdrängende Impetus, der bald von
den Streichern des Orchesters aufgegriffen wird. Das Horn leitet über
zum zweiten Thema, das ebenfalls dem Soloinstrument anvertraut ist.
Wir hören eine ruhige, gleichmäßige Linie in halben Noten, die mit der
Tonfolge Dies irae beginnt, untermalt von einem weichen Klangteppich
des Streichorchesters. Die Durchführung beginnt mit einem freien Fugato
der tiefen Streicher, steigert die Intensität aber mehr und mehr, bis ein
Hornsignal die Kadenz des Solocellos ankündigt. Diese Kadenz beginnt
und endet ruhig, hat aber in der Mitte einen Höhepunkt mit zahlreichen
Doppelgriffen und anderen technischen Finessen. Nach der Kadenz

WERKEINFÜHRUNG
setzt sich die Durchführung fort. Die Reprise ist gegenüber der Exposition
stark verkürzt. Zuletzt leitet ein lang gehaltener Zweiklang der
ersten Violinen in den zweiten Satz über.
Dieser zweite Satz ist mit Langsam, versunken, zart überschrieben.
Zu einer weichen Grundierung der Streicher stellt das Cello die weitgespannte
Liedmelodie vor. Die erste Oboe tritt hinzu mit einem
Seitenthema, das an den Choral Wer nur den lieben Gott lässt walten
erinnert. Der zweite Oboist greift zum Englischhorn, und das Soloinstrument
interagiert mit den beiden Holzbläsern. Auf dem Höhepunkt
zitieren die ersten Violinen in Oktaven die Liedmelodie vom Anfang des
Satzes. Daran schließt sich eine kammermusikalische Gruppenkadenz
an, die das Solocello gemeinsam mit den vierfach unterteilten ersten
Violinen gestaltet. „Gleichsam ein weiter, schattenhafter Klang“ schreibt
der Komponist über diesen Abschnitt. Zuletzt bleibt nur das Soloinstrument
übrig, und zu einem weiten Glissando in höchster Lage erklingen
glockenartig die hängenden Becken. Dann greift das Solocello die
Liedmelodie mit einigen Erweiterungen wieder auf. Lange Trillerketten
in der ersten Violine führen den Satz zum Abschluss. Die Überleitung
zum Finale besteht aus tremolierenden Akkorden des Streichorchesters
und Flageolett-Pizzicati des Soloinstruments.
Der dritte und letzte Satz trägt die Bezeichnung Mäßig schnell, kantig
heiter. Der schnelle 6/8-Takt mit häufigen punktierten Rhythmen erinnert
an eine Gigue. Das Solocello beginnt allein mit dem ausgedehnten
Thema, das sogleich von den Violinen aufgegriffen wird, im weiteren
Verlauf jedoch nur noch in Ausschnitten wiederkehrt. Dennoch lässt sich
eine Rondo-Struktur ausmachen. Über weite Strecken tritt ein Violinsolo
des Konzertmeisters gleichberechtigt neben das Solocello. Wenn die
Solovioline nach einer Generalpause erstmals auftritt, spielt sie eine
rhythmisch veränderte, in der Tonfolge aber klar erkennbare Variante
des Dies Irae-Themas aus dem ersten Satz. Auch das Cello lässt sich mit
diesem Thema hören. Wieder gibt es in der Mitte des Satzes eine Kadenz
des Solocellos, diesmal von kräftigen Paukenschlägen angekündigt. Bald
nach dem Ende der Kadenz erklingt ein ruhiges, leises Thema mit der
Vortragsanweisung geisterhaft. Hier verlangt der Komponist, dass die
Solovioline mit Tonwolf zu spielen ist. Ein Tonwolf, auch Hoteldämpfer
genannt, besteht aus Metall und wird wie ein gewöhnliches Sordino
auf den Steg gesteckt, reduziert den Klang aber noch weit stärker. Da
die vorgeschriebene Lautstärke aber bis zum Forte reicht, muss der
Konzertmeister mit äußerster Kraft spielen. Zuletzt bringen mehrere
energische Passagen das Concert zu seinem wirkungsvollen Abschluss.

WERKEINFÜHRUNG
Gustav Mahler (1860–1911)
Symphonie Nr. 9
Andante comodo
Im Tempo eines gemächlichen Ländlers
Rondo – Burleske
Adagio
Ein eigentümlicher, ans Abergläubische grenzender Mythos umweht
seit Beethoven die Neunzahl in der Symphonik. Und in der Tat ist vom
19. bis weit ins 20. Jahrhundert hinein kein maßgeblicher Komponist
über neun Symphonien hinausgekommen. „Die eine Neunte geschrieben
haben, standen dem Jenseits zu nahe“, formulierte Arnold Schönberg.
„Vielleicht wären alle Rätsel dieser Welt gelöst, wenn einer von denen,
die sie wissen, die Zehnte schriebe. Und das soll wohl nicht so sein.“
Außer Beethoven selbst schienen Franz Schubert, Louis Spohr, Anton
Bruckner, Antonín Dvořák und Gustav Mahler das Diktum Schönbergs
zu bestätigen, später dann auch der Engländer Ralph Vaughan Williams:
neun Symphonien, keine mehr, keine weniger. Und andere Symphoniker
wie Brahms oder Tschaikowski blieben noch deutlich darunter. Erst der
Russe Dmitri Schostakowitsch sollte die magische Grenze bei der Neun
durchbrechen und es auf 14 Symphonien bringen.
Bei näherem Zusehen bleiben freilich nur Beethoven, Dvořák und Vaughan
Williams mit exakt neun Symphonien übrig. Schubert hat wohl
doch nur acht Werke dieser Gattung geschrieben; die lange verschollen
geglaubte Gasteiner Symphonie ist nach neueren Forschungen mit der
Großen C-Dur-Symphonie identisch. Spohr komponierte eine zehnte
Symphonie, die er allerdings wieder zurückzog. Bruckner konnte seine
neunte Symphonie nicht vollenden; er hat aber außer den „offiziellen“
Symphonien 1 bis 8 noch zwei unveröffentlichte Werke hinterlassen,
die heute als Nullte und als Studiensymphonie (im Musiker-Jargon auch
Doppel-Null) bekannt sind. Und bei Gustav Mahler war der Mythos der
Neunzahl bereits so ausgeprägt, dass der Komponist selbst die Nummerierung
seiner Werke danach ausrichtete.
Nach Abschluss der gewaltigen Achten, der Symphonie der Tausend,
widmete sich Mahler seinem nächsten symphonischen Projekt, das
die Vertonung chinesischer Gedichte in der deutschen Übersetzung
von Hans Bethge zum Inhalt hatte. Dieses Werk, das wir heute unter
dem Titel Das Lied von der Erde kennen, war ursprünglich als 9. Symphonie
für eine Tenor- und eine Altstimme und Orchester bezeichnet, doch
der Komponist strich die Zahl durch und machte aus dem Werk eine

WERKEINFÜHRUNG
Symphonie ohne Nummer. Glaubte er, so den Fluch der Neun überlisten
zu können? Es scheint so, denn als er anschließend wirklich seine Neunte
schrieb, bemerkte er zu seiner Frau Alma: „Eigentlich ist es ja die Zehnte,
weil das Lied von der Erde ja meine Neunte ist.“ Und dennoch wurde auch
bei Mahler die Neunte die letzte vollendete Symphonie, ja das letzte
vollendete Werk überhaupt. Von der Zehnten konnte der Komponist
nur noch einen Satz (fast) vollenden, bevor er starb.
Die Tatsache, dass die neunte Symphonie Mahlers letzte abgeschlossene
Komposition wurde, hat das Werk mit einem Mythos umgeben, der bis
heute anhält. Viele Kommentatoren und Exegeten, auch eher nüchterne
Geister, vermeinen, so etwas wie Todesahnung herauszuhören. Alban
Berg schrieb über den ersten Satz: „Es ist der Ausdruck einer unerhörten
Liebe zu dieser Erde, die Sehnsucht, in Frieden auf ihr zu leben, sie, die Natur,
noch auszugenießen bis in die letzten Tiefen – bevor der Tod kommt. Denn
er kommt unaufhaltsam. Dieser ganze Satz ist auf die Todesahnung gestellt.
Immer wieder meldet sie sich.“ Der Dirigent Willem Mengelberg trug in
seine Partitur folgende Bemerkungen zum Finale ein: „Mahlers Seele singt
ihren Abschied! Er singt sein ganzes Inneres. Seine Seele singt – singt – zum
letzten Abschied: ‘Leb wohl!‘ Sein Leben, so voll und reich – ist jetzt bald
beendigt! Er fühlt u. singt sein: ‘Lebe wohl.‘“ Und ein anderer Mahler-Dirigent,
Leonard Bernstein, hört aus dem Finale sogar drei Abschiede
heraus: vom eigenen Leben, von der Tonalität in der Musik und von der
„faustischen“ Kultur durch den heraufdämmernden Ersten Weltkrieg.
Mahler selbst hat solchen Deutungen Vorschub geleistet durch Vortragsanweisungen
(etwa „Wie ein schwerer Kondukt“ im ersten Satz) sowie
durch die Textunterlegung „Leb wohl“ an einer Stelle in der Partitur. Doch
ist zu bemerken, dass die Auseinandersetzung mit den Themen Abschied
und Tod das gesamte Schaffen dieses Komponisten durchzieht.
Schon in der ersten Symphonie findet sich der groteske Trauermarsch
Bruder Jakob anstelle des Scherzos; die Zweite handelt von der Auferstehung
nach dem Tod, die Vierte stellt den Übergang vom irdischen
zum himmlischen Leben dar, „Wie ein Kondukt“ steht auch in der Fünften
– die Liste ließe sich fast beliebig verlängern. Überspitzt ausgedrückt,
hätte sich jede Mahler-Symphonie als Abschiedswerk, als Todesahnung
interpretieren lassen, wenn sie denn die letzte gewesen wäre.
Gustav Mahler schrieb seine neunte Symphonie wie im Schaffensrausch
nieder. Da er als Dirigent durch zahlreiche Verpflichtungen stark
eingespannt war, kam er nur während der Sommermonate, wenn der
Opern- und Konzertbetrieb ruhte, zum Komponieren. In den Jahren

WERKEINFÜHRUNG
1908 bis 1910 zog er sich dafür nach Toblach (heute Dobbiaco) in Südtirol
zurück. Dort vollendete er die Partitur der Neunten im August 1909.
„Ich war sehr fleißig und lege eben die letzte Hand an eine neue Symphonie“,
schrieb der Komponist an Bruno Walter. „Das Werk selbst (soweit ich es
kenne – denn ich habe bis jetzt nur blind drauf losgeschrieben und kenne
jetzt, wo ich den letzten Satz eben zu instrumentieren beginne, den ersten
nicht mehr) ist eine sehr günstige Bereicherung meiner kleinen Familie. Es ist
da etwas gesagt, was ich seit längster Zeit auf den Lippen habe – vielleicht
(als Ganzes) am ehesten der 4. an die Seite zu stellen. (Doch ganz anders).“
Die Symphonie bewahrt die klassische Viersätzigkeit, nicht jedoch
die übliche Satzfolge mit schnellem Anfangs- und Schlusssatz und
dazwischen eingeschobenem langsamem Satz und Scherzo. Auch die
Einheit der Tonart ist aufgegeben. Am Anfang steht ein ruhiger Satz
in D-Dur, gefolgt von zwei schnellen Tanzsätzen in C-Dur und a-Moll,
bevor ein langsamer Satz in Des-Dur das Werk beschließt. So ist es nicht
möglich, der Symphonie eine Grundtonart zuzuweisen, obwohl jeder
Takt ohne Zweifel tonal ist. Und auch die musikalische Form, die sich
in wiederkehrenden und wiedererkennbaren Themen manifestiert, ist
weitgehend aufgelöst. Der Komponist und Musikwissenschaftler Dieter
Schnebel hat es so formuliert: „Wer beim späten Mahler sich an Themen
verliert, ihnen nachzuhören versucht, dem wird die Musik […] zum Irrgarten.“
An die Stelle der Themen treten Kurzmotive, die immer wieder auftauchen.
Im Kopfsatz Andante comodo fällt zunächst ein Vierton-
Motiv auf, das von der Harfe vorgestellt wird, aber durch verschiedene
Instrumente wandert. Es besteht aus einer aufsteigenden kleinen Terz,
gefolgt, nach einer Pause, von einer absteigenden großen Sekund.
Insbesondere diese fallende Sekund kommt immer wieder vor; es ist
dieses Motiv, das der Komponist gegen Ende des Satzes mit dem Text
„Leb wohl“ unterlegt hat. Ein weiteres häufiges Motiv ist ein zögernder,
synkopischer Rhythmus. Gleich zu Beginn des Satzes erklingt er im
Pianissimo in den Celli, und Leonard Bernstein sieht darin eine Darstellung
von Mahlers Herzrhythmusstörungen. Ein weiteres auffallendes
Motiv, das den ganzen Satz durchzieht, ist ein Signal in den Hörnern
oder Trompeten, das in Triolen beginnt, aber mit einem markanten
punktierten Rhythmus schließt. Häufig schreibt der Komponist bei
diesem Signalmotiv vor, dass die Trompeten mit Dämpfer zu spielen
sind, was einen eigentümlich gequetschten bis nasalen Klang ergibt.
Überhaupt sind es die gegensätzlichen Klangfarben, die an die Stelle der
gegensätzlichen Themen eines klassischen Sonatensatzes treten. Auf

WERKEINFÜHRUNG
der einen Seite die hohen Streich- und Blasinstrumente einschließlich
der Hörner für die freundlichen Stimmungen, auf der anderen Seite
Bassklarinette, Posaunen, Basstuba und Pauken für die düster-gespenstische
Welt, für die apokalyptischen Klangbilder.
Der zweite Satz trägt die Überschrift Im Tempo eines gemächlichen
Ländlers mit der Vortragsanweisung Etwas täppisch und sehr derb. Hier
verwendet der Komponist drei österreichische Tanztypen – Ländler,
Walzer und Steirischer Ländler –, allerdings ins Groteske verzerrt. Schwerfällig,
wie Fiedeln lautet die Spielvorschrift für die Ländlermelodie, die mit
simplen Floskeln und gelegentlichen „falschen“ Harmonien an dilettantisches
Musizieren erinnert. Noch greller, schriller und dissonanter wird
die Musik beim schnellen Walzer; manchmal könnte man meinen, das
Orchester habe völlig die Orientierung verloren, und jeder Musiker spiele
nach Gutdünken. Der Walzer wird zum Totentanz. Der steirische Ländler
hingegen beginnt ruhig, fast tröstlich, doch diese Stimmung hält nicht
lange vor, und bald schon zieht das Tempo wieder an. Aus diesen drei
Tänzen, von Dieter Schnebel als „komponierte Ruinen“ bezeichnet, baut
Mahler einen Satz auf, in dem die klassische Struktur eines Scherzos
nur mehr ansatzweise zu erkennen ist. Das ständige Wechselbad der
Tempi, Tonarten und Stimmungen verwirrt den Hörer. Zuletzt löst sich
die Musik gänzlich in ihre Bestandteile auf, und der Satz endet ohne
überzeugenden, affirmativen Schluss.
Dann folgt ein Rondo – Burleske. Dieser Satz ist harmonisch wie kontrapunktisch
wohl das Kühnste, was Mahler geschrieben hat. „Der Tonalität
geht es ans Leben“, konstatiert Theodor W. Adorno. „Die verselbständigten
Stufen dissoziieren sich in ihrer unmittelbaren Folge; nur gewaltsam wären
sie noch mit Riemannschen Mitteln zu analysieren.“ Auch die polyphone
Struktur entzieht sich einer Analyse. Die Instrumente agieren wie selbstständig;
ständig werden scheinbar unmotiviert Themenfragmente und
kleinste Motive in das musikalische Geflecht eingeworfen, überlagern
sich, brechen wieder ab. Und doch fügt sich alles wundersam zu einem
Ganzen zusammen. Diese kompositionstechnischen Raffinessen machen
zugleich die enorme Schwierigkeit für das Orchester aus. Adorno
nennt den Satz „Mahlers einziges Virtuosenstück“ und fügt hinzu: „Virtuosität
und Verzweiflung aber ziehen sich an. Denn jene balanciert stets am
Rand des Misslingens, des Sturzes wie von der Kuppel im Zirkus; in jedem
Augenblick kann der Virtuos sich vergreifen.“ Der Satz beginnt mit einem
dissonanten Motiv in der Trompete, das immer wiederkehrt und in
seiner Kürze von nur drei Tönen doch als der Refrain des Rondos anzu-

WERKEINFÜHRUNG
sprechen ist. In den dazwischenliegenden Teilen zieht der Komponist
die Bilanz seines Schaffens, indem er immer wieder sich selbst zitiert:
zentrale Themen aus seinem Werk tauchen auf, oft bis zur Unkenntlichkeit
verfremdet, und verschwinden wieder. Der größte Teil des Satzes
jagt in atemlosem Tempo dahin, doch in der Mitte gibt es eine Insel der
Ruhe mit einem choralartigen Motiv. Auch hier findet sich ein Selbstzitat,
freilich in umgekehrter Richtung: der auskomponierte Doppelschlag
des Chorals weist voraus auf das Finale.
Vom ersten Ton des Adagio an herrscht eine gänzlich andere Stimmung.
Alles Schrille, alles Groteske ist verschwunden; stattdessen herrschen
Ruhe und ein geradezu klassischer Wohlklang. Die Streicher dominieren
das Klangbild: die Violinen bestreiten die beiden Einleitungstakte, wo
zum ersten Mal der Doppelschlag erklingt, der für den gesamten Satz
so charakteristisch ist. Es folgt ein längerer Abschnitt im fünf- bis sechsstimmig
gesetzten vollen Streichorchester. Die Bläser treten erstmalig
mit einer zweifach aufsteigenden Linie des Fagotts hinzu; dieses Motiv
kehrt später in den Unterstimmen immer wieder. Ähnlich charakteristisch
ist eine zweifach absteigende Linie, mit der sich bald darauf die
Hörner zum ersten Mal zu Wort melden. Das musikalische Gewebe
ist sehr dicht, und es gibt mehrere hochemotionale Ausbrüche der
Leidenschaft, bei denen das volle Orchester einsetzt. Dennoch verweigert
der Komponist eine wirkliche Apotheose, eine auftrumpfende
Siegesgewissheit, sondern verbleibt in einer wehmütigen Abschiedsstimmung,
wie sie ja auch durch das durchgängig ruhige bis gedehnte
Tempo bestimmt ist. Zuletzt reduziert Mahler, der Abschiedssymphonie
von Haydn vergleichbar, die Instrumentalbesetzung mehr und mehr.
Zunächst schweigen die Posaunen, dann endet der Part der Trompeten
und Hörner, und auch die Holzbläser verabschieden sich einer nach
dem anderen. Die letzten 34 Takte der Symphonie werden von den
Streichern alleine bestritten, immer leiser, immer langsamer. Hier zitiert
Mahler deutlich eine Stelle aus seinen Kindertotenliedern („Der Tag ist
schön auf jenen Höh’n“). Durch das extrem gedehnte Tempo scheint
die Zeit wie aufgehoben, und das musikalische Material ist zuletzt auf
den Doppelschlag reduziert, der bis kurz vor Schluss immer wieder zu
hören ist. Im allerletzten Takt verbleibt ein Des-Dur-Akkord der zweiten
Violinen, Bratschen und Celli, der im Nichts verklingt.
Gustav Mahler konnte seine Neunte Symphonie – wie auch das Lied
von der Erde – nicht mehr hören, denn er starb am 18. Mai 1911. Von
der geplanten Zehnten Symphonie lagen zu diesem Zeitpunkt nur

WERKEINFÜHRUNG
Entwürfe und Partiturskizzen vor, und lediglich der erste Satz – ein
Adagio – war weitgehend fertig gestellt. Die Neunte erlebte ihre
Uraufführung postum am 26. Juni 1912 in Wien; Bruno Walter leitete
die Wiener Philharmoniker. Das Werk löste zunächst Verwunderung
und Befremden aus, und viele Hörer, die ein ähnlich klangmächtiges, ja
bombastisches Werk wie die Achte Symphonie erwartet hatten, waren
enttäuscht. Der Kritiker der Neuen Zeitschrift für Musik schrieb: „Denn
selbst die eifrigsten ‘Mahlerianer‘ konnten die Schwäche dieses Werkes,
seine Mühseligkeit im Zusammenraffen der geringen thematischen Habe,
die Hast, mit der hier Mahler vier Symphoniesätze gefüllt und ausgestattet
hat, nicht leugnen. […] Abermals die Maßlosigkeit der technischen Mittel, die
Häufung von Klangfarben, Tonmischungen, die Hypertrophie des Ausdruckes,
die mit der dürftigen Erfindung beim besten Willen nicht in Einklang zu
bringen ist.“ Anders Mahlers komponierende Kollegen, allen voran Arnold
Schönberg und Alban Berg, die die zukunftsweisenden Neuheiten der
Komposition hervorhoben; Alban Berg nannte die Symphonie gar „das
erste Werk der neuen Musik“. Heute hat sich Mahlers Neunte nicht nur bei
den Fachleuten, sondern auch beim Konzertpublikum durchgesetzt;
insbesondere die emotionale Tiefe des Schlusssatzes ergreift auch jene
Hörer, die nicht zum engeren Kreis der Mahler-Verehrer gehören, ganz
unmittelbar. Die Neunte Symphonie gilt als das Meisterwerk Gustav
Mahlers schlechthin, und sie behauptet ihre Stellung als die letzte große
Errungenschaft der gewaltigen Tradition der deutsch-österreichischen
Symphonik, ja als die letzte Symphonie überhaupt, die ins allgemeine
musikalische Bewusstsein eingedrungen ist.
Reinhard Szyszka

KOMPONIST
Michael Gregor Scholl (*1964) – Bar- und Tonmixer
1978 – 1988 Studium der Composition bei Bojidar Dimov.
Zahlreiche Werke für Kammermusik und Orchester:
Abendland, 1992 /
Orchester Gelsenkirchen,
Concert für Violine und Orchester, 1997 /
Gürzenichorchester Cöln, zum 175. Jubiläum des Tongerverlages
„Schließe dein leibliches Auge“, 2000 /
Staatscapelle Weimar,
Concert für Violoncello und Orchester, 2004 /
Kammerphilharmonie Pforzheim.
2001 Übernahme der legendären Cocktailbar Rum Trader
in Berlin-Wilmersdorf – die Muse schwieg.
2016 Concert für Violoncello und Orchester, Zweite Fassung.
Der Rest ruht „im Schoße der seligen Götter“.

DIRIGENT
Yoel Gamzou– Dirigent
Von „atemberaubendem Furor“ und dem „vielleicht aufregendsten
Beitrag zum Hamburger Mahler-Jubiläum“ sprach das Hamburger
Abendblatt. Die FAZ widmete Yoel Gamzou eine komplette Seite
und übertitelte sie: „Unbeirrbar, radikal, kompromisslos – Porträt eines
genialisch Besessenen“.
Auch wenn man Superlativen mit größter Vorsicht begegnen muss,
steht zweierlei außer Frage: dass der 27jährige israelisch-amerikanische
Dirigent Yoel Gamzou ein singuläres Talent hat und dass er – als stetig
Suchender seinem Instinkt folgend – konsequent seinen eigenen Weg
geht. Der ist eckig und jenseits aller Normen.
Yoel Gamzou wuchs in einer Künstlerfamilie auf, verbrachte seine Kindheit
in New York, London und Tel Aviv und begann mit vier Jahren mit
dem Cellospiel. Es war die Entdeckung der Musik Gustav Mahlers im
Alter von 7 Jahren, die ihn dazu gebracht hat, sich mit 12 Jahren dem
Dirigieren zuzuwenden.
Zu Yoel Gamzous Lehrern gehören Winston Dan Vogel und Piero Bellugi.
Sein wichtigster Mentor jedoch wurde Carlo Maria Giulini, mit
dem Gamzou in Mailand bis zu dessen Tode zwei Jahre lang mehrmals
wöchentlich zusammenarbeitete.
2006 gründete Yoel Gamzou mit dem International Mahler Orchestra
(IMO) sein eigenes Orchester, dessen künstlerischer Leiter und Chefdirigent
er seitdem ist. Es besteht aus sorgfältig ausgewählten Mitgliedern
aus über 25 Ländern und zeichnet sich in seinen Aktivitäten durch

einen „demokratischen Ethos“ sowie durch innovative Konzert- und
Publikumsentwicklung aus.
Im Alter von 19 Jahren wurde Gamzou beim Gustav Mahler-Dirigierwettbewerb
der Bamberger Symphoniker mit einem Sonder-Förderpreis
ausgezeichnet. Alle hieraus resultierenden Einladungen zu Gastdirigaten
lehnte Yoel Gamzou zunächst ab, um sich selbst genügend Zeit zur
Weiterentwicklung zu geben.
Große internationale Beachtung fand im Jahr 2010 die Veröffentlichung
von Yoel Gamzous Vervollständigung der unvollendeten 10. Symphonie
Gustav Mahlers (Weiterentwicklung und Realisation der unvollendeten
Skizzen). Veröffentlicht im Schott-Verlag und uraufgeführt in Berlin mit
dem IMO und anschließend auf Tournee, wurde Gamzous Fassung von
Mahler-Experten, Presse und Publikum mit großem Beifall bedacht.
Beim Staatsorchester Kassel sprang er 2011 kurzfristig mit Mahlers 9.
Sinfonie ein. Das von Orchester und Publikum gleichermaßen gefeierte
Debüt führte zu einer sofortigen Wiedereinladung und zur Ernennung
zum ersten Gastdirigenten. Mit Beginn der Spielzeit 2012/2013 wurde
Yoel Gamzou Erster Kapellmeister und Stellvertretender Generalmusikdirektor
am Staatstheater Kassel und feierte dort einen umjubelten
Einstand mit einer Neuproduktion von Fidelio. Nur 2 Monate nach Antritt
der Position wurde sein Vertrag bis 2014 verlängert und im Herbst 2013
um die Saison 2014/2015 erweitert. In Kassel wurde Yoel Gamzou von
Publikum und Kritik unter anderem für seine Premieren von Rigoletto,
Tosca und Il barbiere di Siviglia sowie für seine Leitung von verschiedenen
Sinfoniekonzerten hoch gelobt.
Yoel Gamzou dirigierte Orchester wie das Israel Philharmonic Orchestra
und die Bamberger Symphoniker, das Mozarteum Orchester Salzburg,
die Hamburger Symphoniker, die Deutsche Radio Philharmonie
Saarbrücken Kaiserslautern und die Stuttgarter Philharmoniker. Seine
kontinuierliche Tätigkeit mit dem IMO verbindet Gamzou mit wenigen
gezielten Gastdirigaten, in den kommenden Spielzeiten unter anderem
bei dem Belgrade und dem Malaysian Philharmonic Orchestra, den
Stuttgarter Philharmonikern, der Jenaer Philharmonie, dem Deutschen
Symphonie-Orchester Berlin und dem WDR Funkhausorchester.
Im Februar 2012 wurde Gamzou mit dem Berenberg Kulturpreis 2012
ausgezeichnet, im März 2013 wurde ihm der Princess Margriet Award der
European Cultural Foundation verliehen.

SOLIST
© Andrej Grilic
Stefan Hadjiev – Violoncello
Der bulgarische Cellist Stefan Hadjiev wurde 1982 in Sofia geboren,
begann mit sechs Jahren das Cellospiel machte den Abschluss er an
der National School of Music „Lyubomir Pipkov“ , wo er Cello und Kammermusik
bei Prof. Daniela Cherpokova-Nikolaeva studierte.
2001 erhielt Stefan ein Vollstipendium, an der Guildhall School of Music
and Drama in London.
Seitdem er in London lebt, erfährt Hadjiev eine musikalische Entdeckungsreise:
Er trat als Solist mit Southbank Sinfonia auf und spielte
als Solist oder Kammermusiker an bekannten musikalischen Veranstaltungsorten,
wie der Wigmore Hall, der Queen Elizabeth Hall, im Barbican
Centre und Kings Place. 2009 durfte er am St. James’s Palace für den
Prinzen von Wales und als Musiker/Schauspieler in einer Produktion des
Englischen Nationaltheaters spielen.
Seit 2011 ist er Solo-Cellist und festes Mitglied des International Mahler
Orchestra und ging in Europa und Südamerika auf Tournee, seine Aufführungen
von Bachs zweiter Cellosuite in Berlin und Kassel wurden
sowohl vom Publikum als auch von der Kritik warm aufgenommen.

DAS ORCHESTER
© Sabine Weinert-Spieß
Die Neue Philharmonie
München im
Herkulessaal, München
unter Leitung von
Yoel Gamzou,
März 2015.
Neue Philharmonie München
Die Neue Philharmonie München hat sich seit ihrer Gründung 2005
zu einem beachteten jungen semiprofessionellen Orchester der Region
München entwickelt. Die Förderung von Nachwuchsmusikern durch
erfahrene Solisten und Experten ist Teil des Konzeptes der Musikwerkstatt
Jugend e.V., für das sie 2006 den Tassilo-Kulturpreis der Süddeutschen
Zeitung erhielt.
Inzwischen setzt sich die Neue Philharmonie München aus Musikstudenten
aus ganz Europa zusammen. Das Orchester tritt regelmäßig im
Herkulessaal der Münchner Residenz und bei zahlreichen Gastkonzerten
im In- und Ausland auf.
Im März des Jahres 2015 feierte die NPhM ihr 10-jähriges Bestehen
mit einzigartigen Konzerten unter Leitung von Yoel Gamzou und den
Violinvirtuosen Mathieu van Bellen und Gilles Apap.
Im Sommer 2015 überzeugte sie als Festivalorchester mit ausverkauften
Vorstellungen im Passionstheater Oberammergau bei der Neuinszenierung
von NABUCCO mit Christian Stückl als Regisseur.
Zur Jahreswende 2015/16 wurde die Neue Philharmonie München
unter Leitung von Fuad Ibrahimov zum 2. Mal nach China eingeladen.
Nach Konzerten in Shanghai und Peking (September 2014) gastierte das
Orchester heuer erfolgreich in Hongkong und Umgebung.
Musikalisch betreut wird die NPhM von Mitgliedern des Symphonieorchester
des bayerischen Rundfunks, des bayerischen Staatsorchesters
aber auch von erfahrenen Hochschulprofessoren wie von Prof. Peter
Sadlo vom Mozarteum Salzburg und der HMTM München.

MUSIKER & INSTRUMENT
Sophia Herbig (KM)
Violine, Salzburg,
Österreich
Camilla Busemann
Violine, Hamburg
Javier Carbone
Violine, Leipzig
Agata Dąbrowska
Violine, Zielona Gora,
Polen
Ilona Glas
Violine, Hamburg
Arusyak Hekimyan
Violine, Yerevan,
Armenien
Katharina Müller
Violine, Wielenbach
Milica Tričković
Violine, Belgrad, Serbien
Eleonora Urbelyte
Violine, Maastricht,
Niederlande
Raz Rave Zemmour
Violine, Tel Alviv, Israel
Aleksandar Vrbic
Violine, Belgrad, Serbien
Christian Zahlten
Violine, München
Sophia Kraus (SF),
Violine, Rostock
Nino Akobidze
Violine, Esslingen
Afonso Almeida Rosas
Violine, Porto Portugal
Susanna Bucher
Violine, Karlsruhe

MUSIKER & INSTRUMENT
Franziska Groß
Violine, Weilheim
Olena Kravets
Violine, Lviv, Ukraine
Olena Mayboroda
Violine, Lviv, Ukraine
Paulina Matusiak
Violine, Krakow, Polen
Carmen Molina
Violine, Rostock
Miquel Morera
Violine, Sueca, Spanien
Anna Olszewska
Violine, Wroclav, Polen
Nevena Šimšić
Violine, Novi Sad, Serbien
Florian Huber (SF)
Viola, Hamburg
Alfonso Avitabile
Viola, Mugnano, Italien
Anna Barsegjana
Viola, Birmingham,
Great Britain
Clara Baumann
Viola, Karlsruhe
David Fernández
Viola, Córdoba, Spanien
Maryna Kariagina,
Viola, Karlsruhe
Bojana Legen
Viola, Belgrad, Serbien
Claudia Pfnür
Viola, Karlsruhe

MUSIKER & INSTRUMENT
Bodil Schnurrer
Viola, Egling
Blanca Sellers
Viola, Madrid, Spanien.
Stefan Hadjiev (SF)
Violoncello, Sofia,
Bulgarien
Clara Baesecke
Violoncello, München
Simon Edelmann
Violoncello, Hamburg
Manuela Ferrao
Violoncello,
Porto, Portugal
Micaela Ferrao Fernandez
Violoncello,
Porto, Portugal
Christian Fischer
Violoncello, Trossingen
Gabriela Karpiesiuk
Violoncello,
Bialystok, Polen
Agata Posnik
Violoncello, Maastricht,
Niederlande
Michael Nestler (SF)
Kontrabass, München
Markus Baumann
Kontrabass, Egling
Eri Ishikawa
Kontrabass, Prag,
Tschechien
Mayuko Ichikawa
Kontrabass, Prag,
Tschechien
Dusan Kostic
Kontrabass, Cuprija,
Serbien
Tiago Rodrigues
Kontrabass, Barcelos,
Portugal

MUSIKER & INSTRUMENT / LEHRER
Jan Špaček
Kontrabass, Prag,
Tschechien
Elza Bleiksa
Piccolo-Flötte, Riga,
Lettland
Magda Sarnicka-
Ibrahimova
Soloflöte, Köln
Na`ama Va`aknin
Flöte, Kinnaret, Israel
Filipa Lima
Flöte, Leipzig
Soraia Almeida
Flöte, Arcozelo, Portugal
José Luis González
Fernández, Solooboe,
Frankfurt
Francisco Onieva Luque
Oboe, Sevilla, Spanien
Gioele Coco
Oboe, Catania, Italien
Sarah Kristin Lippold
Oboe / Englisch Horn,
Hamburg
Sara Berbel Toledo
Es-Klarinette, Madrid,
Spanien
Virginia Rosalia Lis Alvarez
Klarinette, Vigo, Spanien
Lukas Beier
Klarinette, Augsburg
Marta Fitzsimmons
Klarinette, Rotterdam,
Niederlande
Alvaro Manuel Hernandez
Vela, Bassklarinette,
San Fernando, Spanien
Choi Yun Kyung
Solofagott, Hannover

MUSIKER & INSTRUMENT
Katrine Kuge
Fagott, Riga, Lettland
Miguel Ángel Pérez,
Fagott,
Massagno, Schweiz
Irene Salas Morena
Kontrafagott, Freiburg
Cesar Nunes
Solohorn, Porto, Portugal
Nuno Nogueira
Horn, (2. Solo), Marco de
Canaveses, Portugal
André Martins Gomes
Horn,
Cabeceiras, Portugal
Telma Gomes
Horn, Agueda, Portugal
Jose Alexandre Marques
Horn, Vila Pouca de Aguiar,
Portugal
Philipp Baader
Solotrompete, Karlsruhe
Jacek Dudek
Trompete (2. Solo),
Lübeck
Rui Vidal
Trompete, Porto, Portugal
Patricia Manez Castellano
Trompete, Bunol, Spanien
Inhye Joo
Soloposaune, Leipzig
Manel Igualada
Posaune, Rotterdam,
Niederlande
Christoph Stähler
Bassposaune, Leipzig
Gergö Matyas
Tuba, München

MUSIKER & INSTRUMENT / LEHRER
Marie Zimmer
Harfe, Hamburg
Tobias Gasser
Solopauke, Brixen, Italien
Davit Bakhshiyan
Percussion, München
Markus Hindingerr
Percussion, Gießen
Sebastian Hofmann
Percussion, Weimar
Nepomuk Kähler
Percussion, Stahnsdorf
Kammerkonzert anläßlich des 10-jährigen Jubiläums der NPHM im März 2015 mit Gustav Mahlers Rückert-Liedern
gesungen von der finischen Mezzosopranistin Pihla Terttunen, unter Leitung von Yoel Gamzou.

KONZERTE 2015 | 2016
Jubiläumskonzert im
März 2015 mit Bartoks
Violinkonzert Nr. 2,
interpretiert vom
Solisten Gilles Apap
unter Leitung von
Yoel Gamzou.
Im zweiten Teil:
Mahlers 4. Symphonie.
© Sabine Weinert-Spieß
Juli 2015: Die Neue
Philharmonie München
findet als Festspielorchester
bei den
Oberammergauer
Festspielen des Passionstheaters
für Verdis
Oper NABUCCO großen
Anklang.
©Andy Stueckl
Im Herbst 2015 begleitet
die Neue Philharmonie
München ihr langjähriges
Mitglied,
den Klarinettisten
Fidelis Edelmann in
Mozarts Klarinettenkonzert.
Fuad Ibrahimov, Leitung
© Sabine Weinert-Spieß
Konzertreise 2015/16
nach Hongkong mit
Fuad Ibrahimov und
Pianistin Jieni Wan.
© Tobias Gasser

VORSCHAU DER NPHM-PROJEKTE
VORSCHAU PROJEKTE DER NPHM 2016
Sommer 2016 in Oberbayern
Projekt Passionstheater in Oberammergau
1. Wiederaufnahme: G. Verdi, Oper Nabucco
Ainars Rubikis Leitung, Christian Stückl Regie
Aufführungen:
Freitag, 5. August / Sonntag, 7. August / Samstag, 13. August /
Sonntag 14. August, jeweils 20 Uhr
2. Symphoniekonzert der NPhM
Ainars Rubikis Leitung, Eric Ferrand - N` Kaoua Klavier
Programm:
Bernstein: Symphonische Tänze „West Side Story“
Gershwin: „Rhapsody in Blue”
Dvorak: 9. Symphonie „Aus der neuen Welt“
Freitag 12. August, 20 Uhr
Herbst 2016
Konzertprojekt mit Fuad Ibrahimov, Leitung
Freitag, 7. Oktober, 20 Uhr, Wolfratshausen / Loisachhalle
Samstag, 8. Oktober, 20 Uhr, München / Herkulessaal der Residenz
Sonntag, 9. Oktober, 19 Uhr, Fürstenfeldbruck / Stadtsaal*
*mit den Preisträgern „Junge Stars” in Fürstenfeldbruck 2016:
Catalina Pires, Violine, Max Bruch Violinkonzert
Johannes Obermeier, Saxophon
Darius Milhaud, Scaramouche
Neue Philharmonie München-Projektprogramm:
Paul Dukas, „Der Zauberlehrling”
George Gershwin, Klavierkonzert in F
Maurice Ravel, „Daphnis et Chloe”, & „La Valse”
Dirigent: Fuad Ibrahimov
Klavier: N. N.

SPONSOREN, FREUNDE UND FÖRDERER | ORCHESTER-KONTAKTDATEN
Sponsoren, Freunde
und Förderer
AKO Capital AG, Zürich
Bank Vontobel AG
Erich und Ute Decker
Kulturstiftung
Gemeinde Icking
Generalkonsulat der
VR China in München
Goetheinstitut München
Hermes Arzneimittel GmbH
KW AG
LfA Förderbank Bayern
Opel Steingraber,
Holzkirchen
Raiffeisenbank Isar-
Loisachtal
Robert Bosch
Hausgeräte GmbH
SVG Bayern AG
Sparkasse Bad Tölz-
Wolfratshausen
Traudl Bergau
Steinle Wohnbau
Air China
Asia-med GmbH
Blumen Geisler
Hohenschäftlarn
Bayerischer Musikrat /
Förderung internationaler
musikalischer Begegnungen
Bezirk Oberbayern
Caroli Dienst
DB Schenker AG
Ev. Kirchengemeinde
Ebenhausen
Frühwirt Elektrotechnik
Hans Gottwald
Dr. Adalbert Hohenester
Dr. Gunther Joppig
Dr. Hellmut Kirchner
Dr. Martin und Ulrike Kölsch
Kulturfonds der Bayerischen
Landesregierung
Landratsamt Bad-Tölz
Gerda Possinger
Nikola Keim
MTS Incoming and Touristic
Services s.l.
Wolfgang Scharff Geigenbau
Sieglinde Schmidt
Alexandra Schmittmann
Verein zur Förderung junger
Musiker e. V.
Klavierhaus Vogel
München-Wolfratshausen
Otto und Marianne
Zinnecker
SPIESZDESIGN Neu-Ulm
NPHM - Organisation
Franz Deutsch
Tel. 08178 / 900 18
deutsch@nphm.info
Sieglinde Schmidt
Tel. 0172 / 822 86 57
Siegi@schmidt-page.de
Sigrid Dumann-Brusis
Tel. 08178 / 99 79 172
sijobrusis@web.de
Sponsorenbetreuung
Angela Zahn
Tel. 089 / 64 93 98 64
zahn@nphm.info
Dr. Adalbert Hohenester
adalbert.hohenester@gmx.de
Orchestervertretung
Florian Huber
Tel. 0176 /61 87 12 85
flohu9@gmail.com
Notenwart
Kristina Kerestey
Tel. 0152 / 56 19 76 13
kris@kerestey.net
Musikwerkstatt Jugend e.V.
Mitgliederbetreuung
Sigrid Dumann-Brusis
Tel. 08178 / 99 79 172
sijobrusis@web.de
Rechnungsprüfer
Helga Grundner-Hohenester
Gestaltung
Spieszdesign Neu-Ulm
design@spiesz.de
Tel 0731 / 9726733
Bankverbindung
Musikwerkstatt Jugend e.V.
Kennwort: NPHM
Sparkasse Bad Tölz-
Wolfratshausen
IBAN: DE 10 7005 4306 0055
3666 45
BIC: BYLADEM1WOR
www.nphm.info

G E I G E N B A U
Arjan Versteeg (Geigenbaumeister) und Veronika Versteeg
Starnberger Straße 30, 82069 Hohenschäftlarn, Telefon 0049 (0)8178 9099771
arjan.versteeg@t-online.de, www.versteeg-geigenbau.de
Mo - Fr 9-13 + 15 -18 Uhr, Sa 9 -13 Uhr
ebenhauser Straße 26
82057 irschenhausen
telefon 0 81 78 - 38 03
telfax 0 81 78 - 9 50 57
www.ritterguetl.de
Schöner Biergarten
ÜBerdachte SonnenterraSSe
Berg-PanoramaBlick
VeranStaltung jeglicher art
Party SerVice
Öffnungszeiten
mo. - So.: 10.00 - 23.00 uhr
dienstag ruhetag
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Wallstraße 28, 89231 Neu-Ulm // Tel 0731 7254481
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