Im Gespräch mit Carsten Braun

Im Gespräch mit Carsten Braun, Komponist
Hallo Carsten. Für alle, die dich noch nicht kennen:
Stell dich doch bitte kurz vor.
Hallo! Mein Name ist Carsten Braun, ich bin 39 Jahre
alt, zum Zeitpunkt der Uraufführung werde ich
allerdings schon 40 sein. Ein nicht unwesentlicher
Unterschied – zumindest in meinem eigenen Empfinden.
Ich wohne in Gemünden im Hunsrück, wo mir
besonders die Ruhe, die schöne Landschaft und die gute
Luft gefallen. Als Musiker komme ich von der Kirchenorgel
her, auf der ich seit März 1988 regelmäßig
Gottesdienste begleite. Von 1999 bis 2005 habe ich in
Weimar und Mainz Schulmusik, Geschichte, Tonsatz
und Gehörbildung studiert und „nebenbei“ in Mainz
Jonas Pinto kennengelernt, der mir sofort sympathisch
war. Seit 2008 bin ich Studienrat an der IGS Kastellaun
– allerdings nicht ausschließlich, sonst würde ich dieses
Gespräch wohl auch kaum führen. Neben meiner Lehrtätigkeit
komponiere ich nämlich seit etwa 20 Jahren.
Verglichen mit dem Beginn meiner musikalischen
Ausbildung bin ich als Komponist also eher ein Spätberufener.
Dann allerdings habe ich diese Tätigkeit sehr
schnell an erste Stelle gerückt: Das Schreiben ging mir
von Anfang an leicht von der Hand, Schreibblockaden
etc. kenne ich nicht. Vielleicht auch deshalb, weil ich
fast immer das Glück hatte, an sehr interessanten Projekten
aus unterschiedlichsten Bereichen des Kulturlebens
mitarbeiten zu können, wo ich mich jeweils mit
meinen Stärken und Vorlieben einbringen konnte.
Welche Projekte sprichst du da an? Kannst du uns ein
paar Beispiele geben?
Gerne! Die Bandbreite reicht da von Kirchenmusik über
Kunstlieder und Musicals bis hin zu Film- und
Bühnenmusik. Stilistisch habe ich dabei sowohl klassische
Formen und Besetzungen bedient, als auch viel
„Crossover“ gemacht: Mein Requiem „Der unbekannte
Krieg“ beispielsweise kombiniert Orchester und Chöre
mit Elektrobeats und Synthesizern. Außerdem habe ich
im vergangenen Jahrzehnt drei Rockmusicals
geschrieben, bei denen ich je nach Thematik Elemente
mittelalterlicher Musik (sehr präsent bei „Genoveva“),
Polka oder Jazz eingebaut und mit unterschiedlichsten
Spielarten von Rockmusik kombiniert habe – von
sanften Balladen über Funk, Ska und Prog bis hin zu
Hard Rock und Heavy Metal.
Hast du musikalische Vorbilder?
Auf jeden Fall! Diese sind so unterschiedlich wie das,
was ich selbst bediene. Der zeitgenössische britische
Komponist John Rutter ist für mich ein gutes Beispiel
dafür, wie man zeitgenössisch komponieren, anspruchsvolle
Formen und Sätze schreiben und dennoch
gefällig sein kann. Außerdem haben mich französische
Komponisten des frühen 20. Jahrhunderts (Duruflé,
Vierne, der frühe Messiaen) mit ihrer Klangsinnlichkeit
sehr beeindruckt. Deutsche Musik der gleichen Zeit ist
oftmals sehr herb, akademisch, mathematisch. Ihre
französischen Kollegen haben dabei immer etwas
Mystisches, das mich sehr anspricht. Last, but not least,
sind da sicher noch Keyboarder und Komponisten des
Progressive Rock zu nennen. Tony Banks von Genesis
hat mein Verständnis für Harmonik und Rhythmik vermutlich
mehr geprägt als mehrere Semester Studium.
Auch Ken Hensley (Uriah Heep) und Keith Emerson
(ELP) sollten hier genannt werden. Filmmusik hat da
– auch wenn ich diese Klangästhetik in einigen
Passagen des Gloria bewusst anstrebe – einen geringeren
Einfluss. Die Ausnahme stellt dabei John
Williams dar, der tonsetzerisch wohl anspruchsvollste
und „klassischste“ lebende Hollywood-Komponist.
Wie kam es zur Zusammenarbeit mit dem Konzertchor
Köln?
Jonas Pinto und ich hatten uns ein paar Jahre aus den
Augen verloren. Als wir uns im Sommer 2015 wiedertrafen,
merkten wir direkt, dass die „alte Chemie“ noch
da war. Etwa im Februar 2016 erzählte Jonas dann vom
Konzertchor Köln und davon, dass er mit diesem
Ensemble regelmäßig Kompositionsaufträge für Uraufführungen
vergibt. Quasi im selben Atemzug fragte er
1
mich, ob ich Interesse hätte, für ein Konzert im März
2018 ein chorsinfonisches Stück zu schreiben. Ich
musste nicht lange darüber nachdenken und sagte sofort
zu.
Ohne zu viel über dein zu verraten: Was erwartet die
Zuhörer am 18. März 2018?
Zunächst kann ich dich beruhigen: Zu viel verraten kann
man gar nicht, wenn man über noch unbekannte Musik
spricht. Wenn ich für eine Geschichte werben wollte,
die ich geschrieben habe, müsste ich aufpassen, dass ich
nicht das Ende vorwegnehme und die Spannung damit

in Luft auflöse. Aber in Bezug auf eine Komposition
besteht diese Gefahr ja nicht. Ich fasse mich aber
dennoch so kurz wie möglich und versuche, weitgehend
auf Fachbegriffe und Tonsetzerlatein zu verzichten!
Entstanden ist das Gloria im Frühling und Sommer
2017, danach habe ich noch die Instrumentierung
komplettiert und das Notenmaterial erstellt. Nach
mehreren Musicals und funktionaler Musik war ich
unglaublich froh, wieder ohne äußere Zwänge Musik
nur aus ihren eigenen Gesetzmäßigkeiten heraus
entwickeln – oder sollte ich besser sagen: SICH
ENTWICKELN lassen – zu können. Daher auch meine
Wahl, Kirchenmusik zu schreiben und damit etwas, das
so lange „aktuell“ ist und im Repertoire von Chören
seinen Platz finden kann, wie es Chöre und Christen
gibt. Das Gloria als Teil einer Messe ist unglaublich
häufig vertont worden. Ein Gloria als eigenständiges,
mehrsätziges Werk hingegen in dieser Größenordnung
so gut wie noch nie. Vivaldis Standardwerk sowie die
18.03.2018, 20 Uhr, Kölner Philharmonie
Carsten Braun
Gloria (Uraufführung)
für Soli, Chor und Orchester
Ludwig van Beethoven
Messe in C-Dur op. 86
für Soli, Chor und Orchester
Margareta Köllner (Sopran)
Anne-Kathrin Herzog (Alt)
Thomas Jakobs (Tenor)
Florian Rosskopp (Bass)
Konzertchor Köln
Neues Rheinisches Kammerorchester Köln
Ltg. Jonas Manuel Pinto
Glorias von Poulenc und Rutter sind hier zu nennen,
allerdings teilen auch diese Werke (mit Ausnahme
Vivaldis) den Text nicht so akribisch in einzelne,
präzise ausgearbeitete musikalische Sätze auf, wie ich es
getan habe. Und selbst Vivaldi schreibt teilweise recht
knappe Sätze („Gratias agimus tibi“ sei hier als Beispiel
genannt). Ich hatte den Anspruch, jeder Aussage der
Textvorlage eine gründliche musikalische Bearbeitung
zukommen zu lassen.
Bei einer solchen Dimension ist es selbstverständlich
wichtig, die Zuhörer über die gesamte Aufführungsdauer
(wir sprechen von ca. einer Stunde) „bei der Stange
zu halten“ und sie immer wieder neu zu überraschen
und zu fesseln. Das Stück ist so komponiert, dass es
unmittelbar wirkt. Themen, Melodien und Rhythmen
sind zum großen Teil eingängig, ohne dabei anspruchslos
zu sein. Die Instrumentierung und einige Klangeffekte
lassen Assoziationen an Filmmusik aufkommen,
Schlaginstrumenten kommt eine zentrale Aufgabe zu.
Andererseits ist mein Gloria nicht oberflächlich. Wer
die Gelegenheit erhält, es mehrfach zu hören oder gar
die Partitur zu studieren, wird immer mehr Details,
polyphone Strukturen und motivische Arbeit entdecken
können. Mein Faible für die musikalische Form prägt
das Gloria ebenso: Im Großen wie im Kleinen gibt es
immer wieder Reprisen, das heißt, Themen oder
Passagen werden zu einem späteren Zeitpunkt wieder
auf-gegriffen und dabei meist leicht variiert
weitergeführt. Einerseits sorgt das bei einem noch unbekannten
Stück für das wohlige Gefühl, sich als Hörer
auf (relativ) vertrautem Terrain zu befinden, es trägt zur
Eingängigkeit desselben bei. Andererseits entstehen so
komplexe Verbindungen und Beziehungen zwischen
Abschnitten und Sätzen, die sich erst bei näherer Betrachtung
erschließen. Insgesamt möchte ich also eine
direkte Wirkung erzeugen, andererseits aber auch noch
genug Potenzial für eine weitergehende Beschäftigung
mit meinem Stück bieten.
Bleibt die Frage nach der Tonsprache und der
Modernität. Zeitgenössische Komponisten sind ja quasi
2
verpflichtet, die Frage nach dem Dissonanzgrad ihrer
Musik zu beantworten, und je nachdem müssen sie sich
entweder für die „vielen falschen Töne“ oder die sehr
traditionelle Harmonik rechtfertigen. Ich versuche,
dieser Inquisition dadurch zu entkommen, dass ich eher
auf dem Gebiet der Rhythmik und durch den Flirt mit
Rockmusik zu einer modernen Tonsprache gelange, als
durch den Verzicht auf Tonalität oder nachvollziehbare
Themen. Synkopen und zusammengesetzte oder wechselnde
Taktarten prägen das rhythmische Gesicht des
Gloria. Die Harmonik dagegen verwendet Dissonanzen
vornehmlich als Farbe und in ähnlicher Funktion, wie
Jazz und Rockmusik dies tun. Tonalität ist meist
vorhanden, wenn auch in der Regel nicht als reines Dur
oder Moll. Die Kirchentonarten (oder besser „Modi“,
denn als solche sind sie auch im Jazz in Gebrauch)
sowie Mixturen (Quartklänge, gerückte Dur- bzw. Moll-
Akkorde mit oder ohne Septimen oder Nonen) treten an
ihre Stelle. Sie bilden jeweils kurzzeitig geltende tonale
Zentren, die aber meist fast augenblicklich wieder
aufgelöst und verlassen werden. Wichtiger als ein
Akkord oder ein Thema an sich ist für mich ohnehin
dessen Position innerhalb einer Entwicklung. Nach einer
entsprechend effektvollen Hinführung und Vorbereitung
KANN ein Thema nur gigantisch klingen, wenn es
wuchtig instrumentiert endlich erscheint. Die einleitende
Passage hat dabei also einen ähnlichen Effekt wie die
Laudatio bei einer Preisverleihung.
Nun stelle ich ernüchtert fest, dass es mir leider nicht
gelungen ist, auf „Tonsetzerlatein“ zu verzichten. Wenn
ich aber dennoch – oder gerade deswegen – auf mein
Stück neugierig machen konnte, ist ja alles gut! Wenn
nicht, sagen Sie mir bitte kräftig Ihre Meinung! Am
besten am 18. März 2018 in der Kölner Philharmonie.
Dort trifft man mich dann nämlich ...
… und wir freuen uns drauf! Vielen Dank für deine Zeit!