Katalog - Samuelis Baumgarte Galerie

Cornelius Quabeck
Charcoal Frost – Malerei
09. Juni – 23. Juli 2011
S a m u e l i s B a u m g a r t e G a l e r i e

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Dicke Milch
Seit einiger Zeit ist nicht nur in verschiedenen Segmenten, die wir gewohnheits­
mäßig noch der populären Musik zuschreiben, sondern gerade auch in der bilden­
den Kunst ein erneutes Interesse fürs Psychedelische zu verzeichnen. Völlig egal
ist, ob es sich dabei um mehr oder weniger werktreue (oder sollen wir besser
‚authen tisch‘ sagen?) Wiederaufführungen psychedelischer Produktionsansätze
handelt oder um die bloße Neuverhandlung von Form­ und Themenarsenalen, die
mit Psychedelia konnotiert sind.
Beides geschieht unter den zwangsläufigen Anführungszeichen des Historistischen.
Dennoch begegnen wir beinahe allenthalben in Popmusiken wie in bildender Kunst
einem Darstellungsspektrum, das zwischen, sagen wir, übersteuertem Sounddesign
und Batik­/Bastelaura, zwischen zugematschten Hallräumen und poly­semantischer
Tiefenschichtung pendelt. Wir haben es mit einem diffusen Darstellungsspektrum zu
tun, das somit im allerweitesten Sinne, bei aller Beliebigkeit der Mittel jedoch deut­
lich genug auf Psychedelik referiert. Zudem wirkt es, als wäre über solcherart referen­
ziell angedickte und damit auf visueller, akustischer und kontextueller Ebene operie­
rende Oberflächen hinaus sogar wieder dezidierte „freakiness“ zum Thema der Kunst,
zum Ausweis von Künstlertum geworden. Wobei gerade derlei gerade als authen­
tisch ins Feld geführte Spinnerei zum Teil, neben zugegeben amüsanten, mehrheit­
lich jedoch ärgerliche Effekte zeitigen muss.
Es liegt auf der Hand, dass echte „freakiness“ im Konformitätskontinuum des Etwas­
Anders­Sein­Müssens nach wie vor nichts anderes als bare Münze bedeuten kann.
Das dürften die Karrieren als einschlägige Kunstspinner gehandelter Künstler, etwa
Kai Althoff oder Dirk Bell, nicht weniger bestätigen wie viele der derzeit kursieren­
den, bewusst freakig, gezielt spinnert angelegten Popentwürfe zwischen Sparten­
Disco und dem schier nicht tot zu kriegenden Singer­Songwritertum traditioneller
Prägung.
Wenn Ariel Pink’s Haunted Graffiti oder Neon Indian zeigen, wie leicht Psychedelik
ideenökonomisch/produktionstechnisch zu haben aber dennoch um nichts weniger
suggestiv zu verkaufen ist, dann braucht es nicht zu wundern, wenn Cross­Marketing­
Wunder wie Animal Collective oder, in all seinen diversen Emanationen, Devendra
Banhart längst schon den Soundtrack einer Generation liefern.
Nun ist der Plot des Psychedelischen, egal ob (nach­)gelebt oder formal/inhaltlich
auf die musikalische oder künstlerische Agenda gesetzt, selber natürlich alles ande­
re als unproblematisch. Von der eigenen Legende in gleicher Weise wie von der
offiziellen Geschichte zudem kontaminiert, war Psychedelia ein ideologisch immer
schon durch und durch versautes Pflaster. Selbst die Taktik des Inkommensurablen,
die gefuchste Genreprofis wie Banhart oder Althoff aus dem Effeff beherrschen,
verhindern kaum, dass sich in ihren jeweiligen künstlerisch bestellten Referenzraum
nicht wieder jenes quasi­religiöse Esokitsch­Modell von Psychedelia ausbreitet, das

den Durchbruch zur anderen, selbstverständlich besseren Seite – von der banalen
Lebenswirklichkeit in ein supergrandioses Anderswo beispielsweise – in Aussicht
stellt. Dabei konnte und kann Psychedelik bis heute immer nur dann als Werkzeug
scharf werden, wenn sie ihr Problem aus, sozusagen, immanenter Perspektive in
Angriff nimmt. Im Idealfall bedeutet Bewusstseinserweiterung nämlich, dass wir so
endlich merken, wie surreal, wie durch und durch wahnsinnig und jeglichem Erfah­
rungswert spottend die uns umgebenden „Normalitäten“ in Wirklichkeit eigentlich
sind. Diedrich Diederichsen hat diese Perspektive im Rahmen seiner Untersuchung
eines Zusammenhangs von Minimalismus und Pop anhand der US­amerikanischen
LSD­Kultur der frühen und mittleren 1960er Jahre nachgezeichnet: „Man kommt
nach Hause in das suburbane Eigenheim der Eltern und betrachtet eine Kaffeemüh­
le, einen Aschenbecher oder eine Küchenuhr und lacht sich kaputt. Das Lachen über
die Kaffeemühle verdankte sich der plötzlichen Fähigkeit, sie aus dem funktionalen,
suburbanen Küchenkontext herauszuholen und als dekontextualisiertes, ‚reines‘
Objekt zu sehen.“ 1 Oder wie Loves begnadeter Frontmann und ausgewiesener Psyche­
delik­Experte Arthur Lee textete: „go turn on your tub /and it’s mixed with mud.“ 2
Oder die Milch aus Harry Smiths Milchtüte, die sich wunderbarerweise zu, genau!,
Milch verwandelt ...
Seit rund zwei Jahren beschäftigt sich der Düsseldorfer Künstler Cornelius Quabeck
in seiner Malerei mit den, wie gezeigt, immer auch ideologisch reichlich angedickten
Oberflächen des Psychedelischen. Auf Anhieb muss das überraschen. Denn bislang
schien es Quabeck vor allem ums handfeste Problem der Konkretisierung zu gehen.
Wenn er sich in vorangegangenen Bildserien, sozusagen aus einem hommagierendverstrickten
Blickwinkel, mit berühmten Rockgitarristen der letzten drei Jahrzehnte
(2006) oder Hollywoodstars einer vergangenen Ära (2007/2008) auseinandersetzte,
dann schien mir das Problem immer vor allen Dingen darin zu bestehen, seiner
eigenen Faszination am jeweiligen Gegenstand mit Hilfe der für die Bildserien
aufgerufenen motivisch­technischen Arsenale – die inhärente Form­/Mittelbeschränkung
inklusive – auf die Spur kommen zu wollen und sie sich gleichzeitig vom Hals zu
halten. Dass diese im Grunde vielmehr zwischen (Pinsel/Kohle­)Zeichnung und aufcollagierten
oder fake­gebatikten Koloraturen balancierenden denn dezidiert ‚gemalten‘
Arbeiten auf einen vermaledeit schmalen Grad getrimmt waren – formal etwa
zwischen Schmacht und Style, inhaltlich zwischen Sicherheitsabstand und Verstrickung
– konnte ihnen nur umso besser tun. Außerdem kam diesen Bildern zugute,
dass Quabeck ohnehin weit mehr am Sujet interessiert schien, als sich die Malerei
gleich noch selber als Thema mit auf die Rechnung zu setzen.
In diesem Sinne könnte der Kontrast zu den neuesten Arbeiten Quabecks allerdings
nicht viel härter ausfallen. Von der überlegt inszenierten Distanz der bisherigen Bilder
kann hier nur mehr in relativierender Weise die Rede sein. Einerseits zur unbestimmt
wabernden, psychedelisch vieldeutigen Oberfläche angedickt, drängen andererseits
verschiedene malerische Idiome aus dieser Oberfläche hervor und konkurrieren um
die Wette. Wie hinter halbtransparenten Vorhängen oder Nebelschlieren verborgen
klingen dabei die unterschiedlichsten motivisch/semantischen Ebenen an. Manches
davon ist aus der bisherigen Arbeit des Künstlers bekannt – vor allem jenes kuriose
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Bestiarium, Dodos oder Affen, für die Quabeck seit langem ein spezielles Faible hegt.
Oft kaum mehr als Kontur angedeutet, andernorts buchstäblich in Partikel und Frag­
mente zerlegt, scheint dieser illusionistisch überhitzte Tropen zoo seinerseits im
Wettbewerb mit Phänomenen, die offenbar einer anderen Ordnung zuzählen. Es sind
unbestimmbare optische Phänomene: leuchten irisierende Lichter auf, sprühen far­
bige Funken oder explodieren dynamische Reflexe aus dem Bildraum heraus – alle­
samt Phänomene, die eine Art anspielungsreiches illusionistisches Rausch­all­over
suggerieren.
Diesen Wettbewerb traditionell kunsthistorisch etwa als Konflikt zwischen Abstrak­
tion und Gegenständlichkeit einzuhängen, ist wahrscheinlich ebenso safe wie lang­
weilig. Vordergründig beschreibt er zwar sehr gut die Operationen, die in Bildern wie
„Alpha“ oder, im Titel geradezu ausgewiesen, „Extinction“ (beide 2010) vor sich ge­
hen. Doch kommen wir dem ebenso ambivalenten wie durch und durch malerischen
Reiz dieser Bilder näher, wenn wir unser Beschreibungsmodell über solch ikono­
grafisch ‚formale‘ Konventionen hinaus den popkulturellen und ideologischen Impli­
kationen öffnen, die Quabecks Psychedelia­approach ins Spiel wirft. Das heißt freilich
nicht, dass wir sie etwa im Sinne eines Inhaltsangebots für allzu gravierend nehmen
sollten. Zugegeben liegt das nahe, wenn sich wie in „In the Skies“ (2010) zwei Hände
einladend aus dem Bild heraus öffnen und dabei einen Vorhang aus vertikalen, weiß
lasierend über die Bildfläche gezogenen Farbbahnen auseinander bewegen. Oder
wenn in „Charcoal Frost“ (2011), einem der jüngsten Bilder Quabecks, die verschie­
denen Layers vom Zentrum gleichsam eingesogen werden, die Bildmitte zu implodie­
ren scheint. Sicher kokettieren diese Bilder mit dem Jenseits einer imaginären other
side. Doch ist die dafür errichtete, dick psychedelische Oberfläche hundertprozentig
von dieser – unserer – Welt. Sie ist und muss ja geradezu diesseitig sein.
Den Ruch des schönen Scheins, der allzu oft auch aus moralischen Gründen scheel
beäugte Talmi malerischer Illusion – dies ist, was Quabeck mit zweifachem Mehrwert
– einerseits der Referenz an Popkultur und andererseits an Ideologie – in die Malerei
zurückbringt. Vor diesen Bildern zu stehen, in den verführerisch visuellen Hallräumen
ihrer Oberfläche versinken und gleichzeitig gleichsam wie irr heraus lachen –
das ist wahrscheinlich nicht die schlechteste Art, mit ihnen umzugehen. Denn
blitzartig wird uns dabei einsichtig, was ganz normale Malerei in Wirklichkeit alles
sein kann.
Hans­Jürgen Hafner
1
Diedrich Diederichsen: Psychedelische Begabungen: Minimalismus und Pop, in:
Christian Meyer, Mathias Poledna: Sharawadgi (AK), Felsenvilla Baden 1998,
S. 135 ­150, S. 142
2
Aus dem Song „A House Is Not a Motel“ von Loves Jahrhundert­LP
Forever Changes, 1967.

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Curdled Milk
For some time now there has been a renewed interest in the psychedelic, not only
regarding different sectors that we normally ascribe to popular music, but particu­
larly also regarding the fine arts. It matters little if the issue here concerns more or
less revisited work­immanent (or should we say ‘authentic’?) psychedelic approaches
to production or if the mere new treatment of whole batteries of form and themes
radiate connotations of psychedelia.
Both occur under the inevitable quotation marks of historicism. Yet we encounter,
almost from all sides, in pop music as well as in the fine arts, a spectrum of presentation
that oscillates between, let’s say, overloaded sound design and an aura of batik/bricolage,
between jumbled resonance spaces and poly­semantic layers. It has
all to do with a diffuse presentation spectrum that, in the widest possible sense and
with all possible arbitrary means, still very clearly alludes to the psychedelic. In addition
it seems as if, by means of such referentially dense surfaces — thus operating
beyond any visual, acoustic or contextual level — freakiness has once again become
a theme of art, a badge of artistic identity. Whereby such concocted fancies, fielded
as authentic, result from admittedly partly amusing, though mostly annoying, effects.
It is obvious that genuine freakiness in the conformity continuum of the having­to­bedifferent
can still be taken at face value. Which should validate the careers of artists
listed as relevant art­weirdos, like Kai Althoff or Dirk Bell, no less than many of the
present­day purposely freaky, wackily designed pop concepts between genre disco
and the irrepressible singer­songwriterhood of traditional conditioning.
If Ariel Pink’s “Haunted Graffiti” or “Neon Indian” demonstrate how easy the psychedelic
can be appropriated, idea­economically and production­technically, but still
sells nothing less than suggestively, then we needn’t wonder when a cross­marketing
wonder like Animal Collective or Devendra Banhart, in all his diverse emanations, has
long since provided the soundtrack of a generation.
Naturally the plot of the psychedelic — no matter if it is set as (re)lived or as
form&content onto the musical or artistic agenda — is anything but unproblematic.
Psychedelia has always ideologically been a thoroughly screwed­up terrain according
to its own legend in the same way as according to its official, i.e. contaminated,
history. Even the tactics of the incommensurable, that those foxy genre pros like Banhart
or Althoff have completely at their fingertips, can barely prevent the spread of
the quasi­religious model of psychedelic esoteric kitsch even in their own respective
artistic frames of reference, which hold in prospect the breakthrough to the other
and, of course, better side — from banal everyday reality into a super grandiose
somewhere­else, for instance. Whereby the psychedelic could (and can up to now)
only become a sharp tool when it attacks its problem from, as it were, an immanent
prospective. In a perfect case scenario, expanded consciousness actually means that
we finally see how surreal, how thoroughly mad and a mockery of every empirical

value the ‘normalities’ that surround us actually are. Diedrich Diederichsen very pre­
cisely traced this aspect within the framework of his study of the link between Mini­
malism and Pop in reference to the stateside LSD culture of the early and mid­1960s:
“You go back to the suburban family homestead and look at the coffee grinder, an
ashtray or the kitchen clock and burst into laughter. This chuckle at the coffee grind­
er is a result of our sudden ability to extract it from the functional suburban kitchen
complex and see it as a decontextualized, ‘pure’ object.” 1 Or like Love’s gifted frontman
and proven psychedelic expert Arthur Lee lyricized: “go turn on your tub / and
it’s mixed with mud.” 2 Or the milk from Harry Smith’s milk carton that, oh wonder,
is transformed into — would you believe it — milk…
For about two years now the Düsseldorf artist Cornelius Quabeck has been occupied
in his painting with the ideologically amply ‘impastoed’ surfaces of the psychedelic,
as on view. Offhand, this should be surprising. For up to now Quabeck seemed mostly
interested in the hands­on problem of concretization.
If in his past painting series he was, so to speak, engaged from a homage­based angle
with famous rock guitarists of the past three decades (2006) or with Hollywood
stars of a bygone era (2002/2008), the problem then seemed to me to entail, first
and foremost, his wanting to track down his own fascination with the respective object
assisted by the thematic and technical arsenal needed for the series — including
the inherent restriction of form and medium — and at the same time to keep it
at bay. The fact that these works — counterbalanced more between (brush/charcoal)
drawings and coloraturas, more collaged or fake­batiked than decisively ‘painted’
works — were trimmed down to a damn narrow pathway (namely formwise between
craving and style, contentwise between a safe distance and entanglement)
could only do all the more good. Besides, what stood these paintings in good stead
was the fact that Quabeck seemed in any case to be much more interested in the
subject instead of including the process of painting itself as the theme.
In this sense, however, the contrast to Quabeck’s most recent works could hardly
be any sharper. The very deliberately staged distance in the former paintings can
now, in an only relativizing way, be the case here. On the one hand, added to a thickened
undefined swirl of a psychedelically ambiguous picture plane comes, on the other,
various painting idioms that prod the surface and compete for attention. As though
hidden behind semi­transparent curtains or veils of fog, the most varied thematic
and semantic layers resonate. Some of this is familiar to us from previous work by
the artist — above all that curious bestiary of dodos and monkeys for which Quabeck
has long had a soft spot. Often hardly more than a contour, in other places literally
dismembered into particles and fragments, this illusionistically overheated tropical
zoo is, for its part, in competition with phenomena that obviously belong to another
order. Which are indefinable, optical phenomena: flashes of iridescent lights, showers
of bright sparks or explosions of dynamic reflexes emitted from the picture plane;
in all, phenomena that suggest a kind of overall allusion­and­illusion­rich exhilaration.
To attribute this traditional, art­historical competition to a conflict between abstraction
and figurativeness is perhaps just as safe as it is boring. Superficially it does describe
the factors operative in paintings such as “Alpha” or in the quite obvious title
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of “Extinction” (both 2010) very well. Yet we get closer to the ambivalent as well as
aesthetically attractive paintings if we, via such iconographically ‘formal’ conventions,
open our descriptive model to the pop­cultural and ideological implications that Qua­
beck’s psychedelic approach brings into play. Which does not mean that we should
take this all too seriously as a presentation of thematic content. Admittedly this seems
appealing when, as “In the Skies” (2010), two hands rise up invitingly out of the pic­
ture and draw apart a curtain of vertical, white glazed color traces across the picture
plane. Or when in “Charcoal Frost” (2011), one of Quabeck’s most recent paintings,
the different layers are, as it were, vortexed into the center, which then seems to implode.
Certainly these paintings are flirting with the hereafter of an imaginary other
world. Yet the thick psychedelic picture plane herewith established is one hundred
percent of our very own world. It is, and must be, absolutely this­worldly.
The scent of beautiful semblance, the razzle­dazzle of painted illusion, all too often
for moral reasons looked askance at, is what Quabeck — at two for the price of one:
the reference, on the one hand, to Pop culture, on the other, to ideology — brings
back to painting. To stand before these paintings and immerse oneself in the seductively
visual resonance of their (curdled) surface and at the same time laugh madly
is probably not the worst way to deal with them. For in a flash we gain an insight into
all that quite normal painting, in reality, is capable of.
Hans­Jürgen Hafner
From the German by Jeanne Haunschild
1
Diedrich Diederichsen: “Psychedelische Begabungen: Minimalismus und Pop”,
in: Christian Meyer, Mathias Poledna: Sharawadgi (exh. cat.), Felsenvilla Baden
1998, pp. 135 ­150, p. 142
2 From the song “A House Is Not a Motel” in Love’s LP of the century:
Forever Changes, 1967.

11 Plenar, 2009, 170 x 230 cm

Peach Inn, 2009, 180 x 240 cm
12

13 Hinter Dir!, 2010, 130 x 140 cm

Note, 2010, 80 x 90 cm
14

15
Katsonis, 2010, 160 x170 cm
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School’s Out!, 2010, 210 x 280 cm

Later, 2009, 150 x 140 cm
18

19 Alpha, 2009, 170 x 150 cm

Mi l l Va l l e y, 2011, 220 x 180 cm
20

21 S i l v e r b ur s t 1, 2011, 220 x 180 cm

23 O h w e l l, 2010, 220 x 180 cm

25 C h ar c o a l Fr o s t , 2011, 220 x 180 cm

CORNELIUS QUABECK
geboren /born 1974 in Wuppertal
STUDIUM /ACADEMIC STUDIES
1995 – 2002 Kunstakademie Düsseldorf
1999 – 2000 Chelsea College of Art and Design MA
STIPENDIEN /SCHOLARSHIPS
2003 Projektstipendium für „Red motA v.s.“ Kunststiftung NRW
(mit/with Alexander Esters)
2002 Projektstipendium für „Der Atom“ Stiftung Kunst und Kultur NRW
(mit/with Alexander Esters)
1999 Studienstiftung des Deutschen Volkes
DAAD Stipendium London
1998 Reisestipendium der Kunstakademie Düsseldorf
LEHRTÄTIGKEIT /TEACHING POSITIONS
2006/2007 Lehrauftrag Kunstakademie Düsseldorf
2005 Visiting Tutor an der Ruskin School of Drawing and Fine Art,
PROJEKTE /PROJECTS
University of Oxford
2011 „Der Menschen Klee“, KIT­Kunst im Tunnel, Düsseldorf
2006 „Death of the Curator“, Atelier Moselstraße, Düsseldorf
2005 „Alexander Esters, Cornelius Quabeck präsentieren:
Red motA – Der Atom“, 15. Februar 2005, Kunsthalle Düsseldorf
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EINZELAUSSTELLUNGEN /SOLO EXHIBITIONS
2011 „Charcoal Frost“, Samuelis Baumgarte Galerie, Bielefeld
„Das tun, was zu tun ist“, Galerie Christian Nagel, Berlin
„Entourage“, Galerie Martin Asbaek, Kopenhagen
„Paperplan“, artothek, Köln
2010 „Vorsprung durch Technik“, Fuhrwerkswaage Kunstraum e.V., Köln
„Dr. Rock und die Chewbacca Defense“, Galerie Kai Hoelzner, Berlin
„School’s Out“, Galerie Christian Nagel, Köln
„Erbengemeinschaft”, Galerie Horst Schuler, Düsseldorf
„Short straw“, Stephen Friedman Gallery, London
2009 „Paul McDevitt & Cornelius Quabeck: Bierstadt“, Stephen Friedman
Gallery, London
„C Monster“, Taro Nasu Gallery, Tokyo
2008 „Work Out!”, Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam
„Paul McDevitt/Cornelius Quabeck“, Galerie Horst Schuler,
Düsseldorf
„Capital C”, Galerie Christian Nagel, Berlin
„Critical Mess”, Friedrich Petzel Gallery, New York City
2007 „Anti­Corny”, Galerie Horst Schuler, Düsseldorf
„Anti­Hero”, Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam
2006 „Hellfire Club”, Galerie Christian Nagel, Köln
„Disegno“, Stephen Friedman Gallery, London
2005 „Schilderen for the Revolution“, Galerie Martin van Zomeren,
Amsterdam
2004 „Fratzentango – The Spirit of Linné“, Galerie Horst Schuler,
Düsseldorf
„Surrender to my D’Generation“, Galerie Christian Nagel, Berlin
2003 „Mes sentiments distingués”, Projektraum, Galerie Hammelehle
und Ahrens, Köln
2002 „Marriage à la mode“ mit William Hogarth, Henry Peacock Gallery,
London
2001 „The Mote“ mit Frenk Meeuwsen, Henry Peacock Gallery, London
1999 „Die glühende Horrorhand, der Millenium­Mann, der Bruder meiner
Oma u.a.“, Green Park Gallery, Düsseldorf

GRUPPENAUSSTELLUNGEN /GROUP EXHIBITIONS
2011 „Neues Rheinland. Die postironische Generation“, Städtisches
Museum Leverkusen Schloss Morsbroich, Leverkusen
2010 „Katalog“, Künstlerhaus Sootbörn, Hamburg
„Paradise Lost. Holidays in Hell“, CCA Andratx, Mallorca
2009 „Strahl Dich Aus! – Deutsche Kunst nach 1970“,
Samuelis Baumgarte Galerie, Bielefeld
„Malen ist Wahlen 1981 – 2009“, Galerie Christian Nagel, Berlin
„15 Jahre Hammelehle und Ahrens“, Galerie Hammelehle und
Ahrens, Köln
„Any Kind of Cruelty“, Martin van Zomeren, Amsterdam
2008 „8 ½ x 11/A4“, James Fuentes LLC, New York
„Self­Portraits 1966 – 2008“, James Fuentes LLC, New York City
„Brevity’s Rainbow. A Galaxy of Tiny Artworks“, Cinders Gallery,
Brooklyn, New York
2007 „Hotel Kerberos“, KIT­Kunst im Tunnel, Düsseldorf
„SubSubNetCity“, Raum 500, Berlin
2006 „Yankee Doodle Yankee Art & Flea Market“, Tokyo, Japan
2005 „Erleuchtet uns … und unsere Handlungen das Denken mit
derselben Gleichgültigkeit wie die Sonne…?, center, Berlin
„Sonnenblume­Titanic“, kjubh Kunstverein, Köln
„Matt Calderwood, Björn Dahlem, Sophie von Hellermann, Ian
Kiaer, Cornelius Quabeck“, Hugh Lane Gallery, Dublin
2004/05 „The Festival of Dreams. Songs of Innocence and Experience“,
lombard­freid fine arts, New York
2004 „Hamburg Blues”, hinterconti, Hamburg
Janis Avotins, Cornelius Quabeck, Jan Stieding, Galerie Rüdiger
Schöttle, München
„Zunge an der Zündschnur“, Ann­Kristin Hamm, Andreas Plum
Cornelius Quabeck, Helga Schmidhuber“, Krinzinger Projekte,
Wien
„Besides, popularity is a rather lumpy concept, no?“, Kunsthalle
Düsseldorf, Düsseldorf
„Kaboum“, Raum 500, München
„Red motA – Lebt und Arbeitet!“ kjubh, Köln
„Red motA – WG – Heft und Bar“, Turboplex, Berlin
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2003 „Bis ans Ende der Welt“, Kunstverein Konstanz
„Über das Neue Teil III“ mit Alexander Esters, Düsseldorf
„La section d’Or“, La Lune en Parachute, Epinal
2001 „Uptight out of control“ mit Paul McDevitt, Stuart Purdy, Declan
Clarke, Richard Clegg, Anna Fasshauer, Goshka Macuga, Lucy
McKenzie, als Teil von „Freie Wahlen“, Kunsthalle Baden­Baden
„Pension Bader“, Projektraum Konkordiastrasse, Düsseldorf
„Rezession“ mit Jan Schmidt, Boppstrasse 13b, Mainz
„Görls“, Boppstrasse 13b, Mainz
2000 „Devitt, Purdy, Quabeck – uptight (outta sight)“ Plus e.V. Galerie,
Düsseldorf
„Bigger Monster Lover“ mit Paul McDevitt und Stuart Purdy,
Glasgow Project Room, Glasgow
„Hellseher“ mit Matt Calderwood, Matt Bryans, Paul McDevitt,
Neal Tait, Projektraum Konkordiastrasse, Düsseldorf
2010 „Kiron Khosla, Cornelius Quabeck, Dominik Sittig“, Galerie Christian
Nagel, Antwerpen

BIBLIOGRAPHIE /BIBLIOGRAPHY
KATALOGE /CATALOGUES
„Der Menschen Klee“, Hrsg. KIT­Kunst im Tunnel und Kunsthalle Düsseldorf GmbH,
Kate Sennert (Text).
„Vorsprung durch Technik“, Hrsg. Kunstraum Fuhrwerkswaage, Köln,
Anette Kruszynski (Text) 2010.
„Neues Rheinland“, Hrsg. Museum Morsbroich, Leverkusen, Stefanie Kreuzer
(Text) 2011.
„Cornelius Quabeck: Hood“, Michael Archer (Text), Cornelius Quabeck and Cobben­
hagen & Hendriksen (Editing and Design), Veenman Publishers, Rotterdam
2007.
„Revisionaries – A Decade of Art in Tokion“, Ken Miller (Hg.), abrams image,
New York 2007.
„The Violence of Participation“, Markus Miessen (Hg.), Sternberg Press,
Berlin 2007.
„Clarke&McDevitt Present“, Hrsg. Dublin City Gallery The Hugh Lane, 2005.
„Human me sick“, Hrsg. Galerie Christian Nagel, Köln/Berlin 2005.
„Zunge an Zündschnur“, Kat. Krinzinger Projekte, Wien 2004.
PERIODIKA /PERIODICALS
Katharina Hamacher, „Rendevous mit dem Schafsmann“, Kölnische Rundschau,
5. Februar 2011, S. 45.
Sven Drühl: „Neue Abstraktion“ in: Kunstforum Bd. 206 Januar – Februar 2011
S. 66.
Jürgen Kisters: „Vielfarbiges explosives Chaos“, Kölner Stadt­Anzeiger, Donners­
tag, 25. November 2010, S. 45.
Thomas Hirsch: „Figur und Grund – Atelierbesuch bei Cornelius Quabeck“ in:
Die beste Zeit, Oktober /November 2010, pp. 26­29.
Michael Glover: „Cornelius Quabeck. Stephen Friedman“, in: Art News, Issue 6,
June 2010.
Michael­Georg Müller: „Von Tieren und Mythen“, NRZ, Mittwoch 17. März 2010.
Martin Herbert: „Much better well done“, Art Review issue 40, pp. 84­85.
Michael Archer, „Paul McDevitt and Cornelius Quabeck. Stephen Friedman
Gallery“, in: Artforum, November 2009.
Ossian Ward: „Paul McDevitt & Cornelius Quabeck“, in: Time Out. London,
29. Juli 2009.
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Robbert Roos: „Cornelius Quabeck“, in: Kunstbeeld.nl, Nr. 2, 2009, S. 22.
Roberta Smith: „Cornelius Quabeck“. Critical Mess“, in: The New York Times,
Friday, May 9, 2008.
Cornelius Quabeck: „Loooser“ p. 4 in: Mister Motley No. 14, 2007.
Matt Hussey: „Amelia’s Magazine“, Issue 07, 2007, p. 68f.
Valerie Connor, in: Contemporary Art Magazine, No. 76 October 2005, p. 17.
Dave Beech, in: The Nationaler, Pilot Issue, October 2005, p. 12.
N.N., in: Modern Painters, July­August 2005, pp 108­109.
Renate Goldmann: „Diffusion ohne Ende ­ Red motA: Transferrituale im neuen
Jahrtausend“, in: Festschrift für Prof. A. von Graevenitz, Köln, Juli 2005,
S. 243­248.
Kate Sennert: „Cornelius Quabeck“, in: Tokion, March/April 2005, S. 18.
N.N.: „SZ Galerie­Tipp“, in: Süddeutsche Zeitung Extra, 11.–17. November 2004, S. 9.
N.N. : „Ein Äffchen und die Eisprinzessin“, in: Abendzeitung, 15. November 2004,
S. 19.
Roland Schappert: „Besides, popularity is a rather lumpy concept, no?“, Kunsthalle
Düsseldorf, 18.07. – 15.8.2004“, Kunstforum, Bd. 172, September – Oktober
2004, S. 330­331.
Helga Meister: „Dialog mit dem Biest“, in: Westdeutsche Zeitung, 14.6.2004, S. 21.
N.N.: „Über Kronen und Affen. Aktuelle Kunst­Ausstellungen im Juni: Pflumm, Dorn,
Quabeck, Jahnke, van den Berg und Giacometti“, in: Berliner Zeitung, Nummer
152, Mittwoch, 9. Juni 2004, S. 27.
Brigitte Elsner­Heller: „Amüsierend und irritierend“, in: Südkurier Nr. 133, 12. Juni
2003.
Gudrun Ewald: „Hellsehen ist eine Kunst“, in: Coolibri, Okt. 2000.

alle Arbeiten all works
Acrylfarbe und Tusche auf Leinwand acrylic paint and ink on canvas
„Hinter Dir!“, „Katsonis“, „School’s Out!“, „Mill Valley“,
„Silverburst 1“, „Oh well“, „Charcoal Frost“, fotografiert von Simon Vogel, Köln
„Plenar“, „Peach Inn“, „Later“, „Alpha“, fotografiert von Stephen White, London
„Note“, fotografiert von Cornelius Qabeck
Die Ausstellung ist in Zusammenarbeit mit der
Galerie Christian Nagel Köln /Berlin /Antwerpen
und der Stephen Friedman Gallery, London entstanden.
Text Text Hans­Jürgen Hafner
Übersetzung Translation Jeanne Haunschild
Herstellung Production Jan van der Most, Düsseldorf
Redaktion Editorial Sarah Dühl
Herausgeber Editor Samuelis Baumgarte Galerie
Erschienen bei Published by
S a m u e l i s B a u m g a r t e G a l e r i e , Bielefeld
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ISBN 978­3­00­034766­5
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Cornelius Quabeck, Hans­Jürgen Hafner