Katalog der Masterarbeiten 2008 - Institut für Kunst im Kontext ...

AUS DEM KONTEXT
Masterarbeiten im Studiengang ‘Art in Context’
Jahrgang 2007/2008
Institut für Kunst im Kontext
Fakultät Bildende Kunst
Universität der Künste Berlin
Berlin 2008

IMPRESSUM
Aus dem Kontext
Masterarbeiten am Institut für Kunst im Kontext 2008
Herausgeber: Institut für Kunst im Kontext
Redaktionelle Bearbeitung: Ausstellungsseminar (Karin Lucas, Bernhard Striebel,
Sandra Teitge und Michael Fehr)
Gestaltung: Karin Lucas
Verlagsort: Berlin
Verlag: Universität der Künste Berlin
© Universität der Künste 2008 und die Autoren
Druck / Bindebearbeitung: agit-druck GmbH, Berlin
ISBN 978-3-89462-158-2
Bibliographische Information der Deutschen Nationalbibliothek
Die Deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen
Nationalbibliographie; detaillierte bibliographische Daten sind im Internet über
http://dnb.d-nb.de abrufbar.
Ausstellung:
Aus dem Kontext
Masterarbeiten im Studiengang 'Art in Context' Jahrgang 2007/2008
Universität der Künste Berlin, Gebäude an der Hardenbergstraße
18. - 20. Juli 2008
Kuratorenteam:
Karin Lucas, Bernhard Striebel, Sandra Teitge, Alain le Treut und Michael Fehr
Mit großem Dank an: Dietmar Ebbers, Klaus Dieter Jachning und
Mohamad-Said Baalbaki
Dieser Katalog ist zu beziehen über:
Universität der Künste Berlin
Einsteinufer 43-53
D-10587 Berlin, Germany
p. 030 3185 2960
f. 030 3185 2961
ifkik@udk-berlin.de
www.kunstimkontext.udk-berlin.de
Institut für Kunst im Kontext
Aus dem Kontext
Mit diesem Katalog, der zur gleichnamigen Ausstellung im
Rahmen des Semesterrundgangs 2008 an der Universität der Künste
erscheint, stellen wir die im Studienjahr 2007/2008 im postgradualen
Studiengang 'Art in Context' entstandenen Masterarbeiten vor.
Es ist das erste Mal, dass eine solche Publikation erscheinen kann;
sie soll der Grundstein einer Publikationsreihe sein, die Ergebnisse
der Arbeit am 'Institut für Kunst im Kontext' dokumentieren und
vorstellen wird.
Das Institut kann auf eine relativ lange, für Berliner Hochschulver-
hältnisse typisch verwickelte Vorgeschichte zurückblicken: Vorläufer
war die 'Kulturpädagogische Arbeitsstelle für Weiterbildung'. Sie
wurde 1982 am damaligen Fachbereich 11 – Ästhetische Erziehung/
Kunst- und Kulturwissenschaften – eingerichtet. Die Studieninhalte
bauten auf Erfahrungen und Ergebnissen des Modellversuchs
Künstlerweiterbildung (1976-1981) auf, der in Doppelträgerschaft
vom Bundesverband Bildender Künstler und der Hochschule der
Künste Berlin, seit November 2001 Universität der Künste, durchgeführt
wurde. 1996 wurde das Institut für Kunst im Kontext als
künstlerisch-wissenschaftliche Einrichtung (KWE) Teil der Fakultät
Bildende Kunst und 2002 erstmals als Masterstudiengang akkreditiert.
2006 wurde der Studiengang bis 2013 re-akkreditiert und 2007
sein Verbleiben in der Fakultät Bildende Kunst bestätigt. Zurzeit
steht seine inhaltliche Neuorientierung an: die Anpassung an die
veränderten Bedingungen im Studien- und Ausbildungsbereich wie
an die in den verschiedenen künstlerischen Arbeitsfeldern. Das
Studienprofil 'Artistic Museum Studies', das ab dem Wintersemester
5

2008/09 offiziell angeboten wird, ist eine erste Konsequenz dieses
Prozesses.
Der Studiengang 'Art in Context' wendet sich an Personen, die ihre
künstlerische Arbeit in einem gesellschaftlichen Zusammenhang
positionieren wollen.
Das künstlerische Arbeiten im gesellschaftlichen Kontext setzt
nicht nur eine besondere künstlerische Begabung und ein konkretes
Interesse, sondern darüber hinaus hohe soziale und kommunikative
Kompetenzen, große Ausdauer und den Wunsch wie die Fähigkeit
zur Reflexion und Theoriebildung voraus. Denn von Künstlerinnen
und Künstlern, die ihre Konzepte, Strategien und Arbeitsweisen
im Rahmen unterschiedlicher Lebenswelten oder im Bezug zu Expertensystemen
entwickeln und erfolgreich realisieren wollen, wird
erwartet, dass sie außerkünstlerische Fragestellungen, Problemlagen
und Vorurteile verstehen, sie auf einem professionellen Niveau aufnehmen
und die Anschlussfähigkeit der eigenen Arbeit begründen
können.
Der Studiengang 'Art in Context' bietet vier Studienprofile an:
– Künstlerische Arbeit mit gesellschaftlichen Gruppen
– Künstlerische Arbeit in kulturellen Institutionen
(darunter: Artistic Museum Studies)
– Künstlerische Arbeit im öffentlichen Raum
– Künstlerische Arbeit im Kontext der medialen und
wissenschaftlichen Bildproduktion
Aus diesem Angebot entwickeln die Studierenden gemäß ihrer
Interessen und in Absprache mit den Lehrenden ihre jeweils individuellen
Studienpläne. Das Studium zielt auf die Professionalisierung
der Studierenden ab. Gleichrangig zur Auseinandersetzung mit den
Eigenarten bestimmter Berufsfelder ist daher ein wichtiges Ziel des
Studiengangs zu erlernen, wie erreichbare Ziele gesteckt, größere
Aufgaben im Teamwork realisiert und neue Arbeitsfelder erschlossen
werden können, sowie – nicht zuletzt - eine eigene wirtschaftliche
Existenz aufgebaut und gesichert werden kann.
Das Institut für Kunst im Kontext bietet 30 Studienplätze pro Jahr
und steht in vielfältigen Kooperationen mit kulturellen Einrichtungen
in Berlin und in Deutschland, pflegt zahlreiche internationale Kontakte
und bietet den Studierenden damit zahlreiche Möglichkeiten
zur Erprobung der eigenen Arbeit in der Praxis.
Zugangsvoraussetzung ist ein berufsqualifizierender Hochschulabschluss
oder ein vergleichbarer akademischer Abschluss im Ausland
in einem einschlägigen künstlerischen oder gestalterischen Studiengang
oder ein mit der ersten Staatsprüfung abgeschlossenes Hochschulstudium
für ein Lehramt mit dem Fach Bildende Kunst.
Der nicht-konsekutive Studiengang kann als Vollzeitstudium in
vier Semestern oder als berufsbegleitendes Teilzeitstudium in sechs
Semestern absolviert werden. Er ist gebührenfrei und ohne Altersbegrenzung.
Die Unterrichtssprache ist Deutsch.
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Der Katalog gibt, wie die Ausstellung, einen guten Eindruck über
die vielfältigen künstlerischen Ansätze und die höchst unterschiedlichen
Themen, mit denen sich die Studierenden - und damit auch
die am Institut Lehrenden beschäftigen.
An dieser Stelle möchte ich allen, die sich für das Gelingen der Ausstellung
und die Herstellung dieses Kataloges eingesetzt haben, ganz
herzlich danken.
Prof. Dr. Michael Fehr
Geschäftsführender Direktor
Institut für Kunst im Kontext
Aus dem Kontext
Masterarbeiten im Studiengang ‘Art in Context’
Jahrgang 2007/2008
Jette Ahrens
Mohamad-Said Baalbaki
Xinyu Bai
Veronika Beckh
Sofia Bempeza
Konstantina Bentenidi
Michaele Brüll
Filipa César
Gali Elsaesser
Luis Fernández Pons
Valentina Ferrarese
Pablo Hermann
Anne Hölck
Dominique Hurth
Carolina Kecskemethy
Anne Kunz
Marina Landia
Kristin Möller
Isabel Nitsch
Irina Novarese
Philip Marcel Schmidt
Mónica Segura-Márquez
Anja Sommer
Viola Thiele
Uli Westphal
Sabine Wunsch
Joanna Zjadacz
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S. 10
S. 12
S. 14
S. 16
S. 18
S. 20
S. 22
S. 24
S. 26
S. 28
S. 30
S. 32
S. 34
S. 36
S. 38
S. 40
S. 42
S. 44
S. 46
S. 48
S. 50
S. 52
S. 54
S. 56
S. 58
S. 60
S. 62

Jette Ahrens (D)
*1975; Studium der Freien Kunst an der HfBK Hamburg;
Betec und BA Studium in Film & Television am LCP London Institut in London;
Arbeitet als Malerin und seit 2001 in der kulturellen Bildung
Glogauer Str. 4
10999 Berlin
0179 7097932
jetteahrens@hotmail.com
www.jetteahrens.com
Titel der Masterarbeit
Kurzes Projekt - lange Wirkung?
Evaluationsmethoden und Nachhaltigkeit in kulturellen Projekten mit
Jugendlichen am Beispiel des Filmprojekts: Moskau- Berlin (Typ A)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Kurzes Projekt - lange Wirkung?
Die Studie beschäftigt sich mit dem Erfassen der Wirkungsweisen
kultureller Bildungsprojekte. Projektarbeit ist eine verbreitete
Praxis in der kulturellen Bildung und erweckt derzeit viel Aufmerksamkeit.
Ich gehe hier der Frage nach, wie ein Projekt qualitativ
strukturiert sein kann und somit nachhaltig wirkt, und
welche Möglichkeiten es für das Erfassen von Bildungseffekten gibt.
In welchem Verhältnis stehen Qualitätssicherung und Evaluation,
und welche spezifischen Funktionen haben einzelne Evaluationsmethoden?
Anhand des Filmprojekts Moskau-Berlin, bei dem sich
zweiundzwanzig Jugendliche aus Moskau und Berlin in beiden
Städten trafen, um zusammen Kurzfilme über deutsch-russisch
interkulturelle Unterschiede und Gemeinsamkeiten zu drehen, analysiere
ich die Wirkungen und Funktionen der angewandten Evaluationsmethoden.
Es werden sowohl die Methoden selbst, als auch
die Effekte der Anwendung untersucht.
In der Arbeit komme ich zu dem Schluss, dass das Einsetzen
verschiedener Evaluationsmethoden als Steuerungsinstrument bei
der Durchführung eines Projekts von Nutzen sein kann. Der Verlauf
kann dadurch bewusster gestaltet und reflektiert, der Prozess
positiv beeinflusst und die Qualitätssicherung des Projekts gefördert
werden. Es kann nachvollzogen werden, ob das, was als Idee
und Konzept theoretisch vorweg erdacht wurde, in der Umsetzung
auch funktioniert und die angestrebten Ziele erreicht werden. Der
dadurch eher gesicherte Erfolg des Projektablaufs führt dazu, dass
die gewünschten Bildungseffekte mit größerer Wahrscheinlichkeit
bei den Teilnehmer/innen eintreten, und man auf eine nachhaltige
Wirkung des Projekts hoffen kann.
10 11

Mohamad-Said Baalbaki (RL)
*1974 in Beirut; 1994-1998 Studium der Malerei, Institut des Beaux–Arts
Beirut; 2002-2005 Studium der Malerei UdK; 2005 Meisterschüler bei
Professor Burkhard Held; 2005 Preisträger des Meisterschülerpreises des
Präsidenten, UdK
Perlebergerstr. 60
10559 Berlin
0049 (0)30 3943685
0049 (0)179 7466637
baalk@hotmail.com
Titel der Masterarbeit
“Al-Burak” - Das menschenköpfige Reittier des Propheten. Fiktive Geschichte
eines Knochenfundes in Jerusalem und seiner Erforschung durch zwei
deutsche Wissenschaftler am Anfang des 20. Jahrhunderts (Typ A,C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
“Al-Burak”
Das menschenköpfige Reittier des Propheten
Die Installation ist die künstlerische Umsetzung einer historischkulturellen
Beschäftigung mit der Mythologie und dem Austausch
zwischen abendländischer und muslimischer Kultur. Thema ist die
Rekonstruktion eines geflügelten, pferdeähnlichen Tieres auf der
Grundlage eines Knochenfundes in Jerusalem, die zum Anlass für
eine wissenschaftliche Auseinandersetzung wird. Die Arbeit bringt
zwei wissenschaftliche Perspektiven zusammen: die naturhistorische
und die kulturhistorische, indem sie mit den Mechanismen der
ersten arbeitet, um eine Fiktion glaubhaft werden zu lassen, deren
Ursprung kultureller Natur ist. Sie befasst sich mit der Frage nach
Original, Kopie und Fälschung und der Rolle des Betrachters im
musealen Raum. Die Macht des Museums als Institution, die die
Rezeption mitbestimmt, wird ebenso kritisch beleuchtet wie die
Veränderung unserer Wahrnehmung in Abhängigkeit von Ort und
Kontext untersucht.
12 13

Xinyu Bai (CN)
*1981; Dipl. Medienkunst, 1997-2000 Teachers College Shenyang University,
Diplom Medienkunst, 2000-2002 Design Department of Central Art Institute
Peking, 2003 Akademie der Bildenden Künste München; Medienkunst
Fidicinstr. 22
10965 Berlin
xinyubai@hotmail.com
Titel der Masterarbeit
Das Glücksmuseum
Entwurf für ein Museum in China (Typ C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Das Glücksmuseum
Ich möchte ein „Glücksmuseum“ errichten, um die Glückskultur
Chinas darzustellen und zu bewahren. Die Glückskultur gehört zu
den Grundlagen chinesischer Kultur und repräsentiert spezifisch
chinesisches Denken.
Unter dem Einfluss westlicher Kultur wurde die Glückskultur
als Aberglaube verpönt und von westlich gebildeten Chinesen zunehmend
in den Hintergrund gedrängt. Derzeit aber knüpfen viele
Chinesen wieder an ihre Traditionen an. Mein Museum bietet die
Möglichkeit, diesen Bedürfnissen nachzukommen und sie zu fördern.
In meiner Arbeit entwerfe ich die Vision eines Glücksmuseums
für eine der wichtigsten Städte Chinas. Diese Arbeit bietet außerdem
einen Überblick über die Geschichte der Museen in China, sowie die
Aussichten und Wege, ein Glücksmuseum zu realisieren. Eine zur
Thematik passende Architektur wird entworfen, die auf dem Prinzip
des Tao beruht. Die Sammlung zeigt die verschiedenen Facetten,
wie z.B.: Ursprünge traditioneller Glückskultur, Zeichen und Symbole,
Zeit und Glück, Raum des Glücks, Symbolische Handlungen
und Glücksobjekte. Meine Arbeit besteht aus drei großen Teilen:
Der erste Teil dient dazu, sowohl die Rolle von Museen als auch
die der Glückskultur in China darzustellen; der zweite Teil ist der
Konzeption des Glücksmuseums gewidmet. Der dritte Teil versucht,
diese Vorarbeiten zu konkretisieren und einen Anfang zur Realisierung
eines Glücksmuseums zu bilden. Das Mittel dazu ist der
Entwurf eines “Glückskoffers”.
14 15

Veronika Beckh (D)
*1969; ausgebildete Glasmacherin, Surrey Institute of Art and Design,
Farnham, GB, (BA in Glass) und Sandberg Instituut / Gerrit Rietveld Academie,
Amsterdam, NL, (MFA in Applied Arts); seit 1998 freischaffend tätig
Kopenhagener Str. 40
10437 Berlin
veronika.beckh@web.de
Titel der Masterarbeit
Das Zusammenspiel von Licht und Glas.
Das Domfenster von Gerhard Richter (Typ A)
Betreuerin: Heike Föll, MA
Das Zusammenspiel von Licht und Glas.
Das Domfenster von Gerhard Richter
In dieser Arbeit untersuche ich den Einfluss des Tageslichts auf das
von Gerhard Richter für den Kölner Dom entworfene Südquerhausfenster.
Die Verglasung, bestehend aus 72 Farbtönen, setzt sich aus
11263 rechtwinkligen, zufällig angeordneten transparenten Antikglasscheiben
zusammen. Durch die unverstellte, südliche Lage und
das kleinteilige, polychrome, rechtwinklige Raster lassen sich Tageslicht
bedingte Veränderungen besonders gut beobachten. Darüber
hinaus wird die Helligkeit der 106 m2 großen Glasfläche aufgrund
der Silikonverklebung in keiner Weise gemindert.
Durch die Fokussierung auf den Lichteinfluss möchte ich die
Aufmerksamkeit explizit auf die dadurch entstehenden Veränderungen
lenken und deren Vielschichtigkeit aufzeigen. Das Domfenster
durchläuft, je nach Tages-, Jahreszeit und Witterung unterschiedliche
Stadien, die ich in drei Hauptzustände unterteilt habe:
1. farbige, zweidimensionale Fläche
2. in den Raum eintretender dreidimensionaler Lichtkörper
3. Projektionen am Mauerwerk und Boden.
Das Zusammenspiel von Licht und Glas führt zu einem ständigen,
manchmal subtilen, manchmal deutlichen Wechsel in der Wahrnehmung.
Damit ist jeder Zustand endlich, subjektiv, nicht konservierbar
und flüchtig. Das Wissen um diese Darstellungs- und
Erfahrungsbreite führt zu einer Neugierde, dieses gesamte Spektrum
kennen und erleben zu wollen. In diesem Sinne sehe ich meine Arbeit
als ein Angebot und eine Annäherung in Wort und Bild.
16 17

Sofia Bempeza (GR)
*1979 in Athen; Studium Bildende Kunst an der Athens School of Fine Arts;
lebt und arbeitet seit 2005 in Berlin; Arbeitschwerpunkte: Intervention im
öffentlichen Raum, Fotografie und Video
Paul Robesonstr. 1a
10439 Berlin
Tel. 30 49809290
sofiabebezaki@hotmail.com
www.artnews.org/sofiabempeza
Titel der Masterarbeit
“Feels Like Home” - Temporäre Nutzung des öffentlichen Raumes am Beispiel
von Berlin und Istanbul (Typ B)
Betreuerin: Katharina Jedermann
“Feels Like Home”
Heutzutage gilt es, den öffentlichen Raum, dem wir begegnen, nicht
nur physisch, sondern auch mental in seinem sozialen Gefüge zu
begreifen, als Ort künstlerischer Erforschung und Intervention.
Der Blick auf die gegenwärtigen Urbanitätsdiskurse in Istanbul und
Berlin evoziert eine künstlerische Untersuchung, in der die urbane
Realität und das Verhältnis zwischen Individuum und Stadtraum
thematisiert werden.
Ich interessiere mich für die Frage, inwiefern Räume ‘Gegenstände
sozialer Auseinandersetzung’ sind und wie darin Möglichkeiten
zu Interventionspraktiken entstehen können. “Feels Like Home”
beschäftigt sich mit der Privatisierung des öffentlichen Raums und
seiner Nutzung durch Erweiterung und Einschränkung des individuellen
Handlungsspielraums. Der temporäre Eingriff bzw. die
temporäre Nutzung bieten die Möglichkeit, Privateigentum in der
Öffentlichkeit kurzfristig (temporär) zu besitzen. In einer zeitweiligen
Ortsbestimmung werden fiktive Wohnflächen oder Arbeitsflächen
zur Verfügung gestellt: ein Tisch und ein Stuhl werden
inmitten einer markierten Fläche von 4 qm platziert und können
für zwei Stunden genutzt werden, nicht nur als simpler Aufenthaltsort
sondern auch als Ort der Auseinandersetzung und Kommunikation.
Die Intervention ist somit auf die Wahrnehmungsverschiebung
ausgerichtet und greift in stadträumliche und gesellschaftliche
Zusammenhänge ein.
18 19

Konstantina Bentenidi (GR)
*1976; Diplom National Technical University of Athens NTUA;
IKY State Scholarship Foundation Griechenland
Cauer Str.23
10587 Berlin
sta35off@yahoo.com
Titel der Masterarbeit
Rebetiko - Sich Einrichten in der Fremde
Versuch einer Topologie am Beispiel der städtischen Musik in Griechenland
(Typ A)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Rebetiko - Sich Einrichten in der Fremde
Ich untersuche das Phänomen des sich Einrichtens der Außenseiter
und Immigranten unterschiedlicher sozialer und kultureller Herkunft
in der Stadt Athen am Anfang des 20. Jahrhunderts, sowie ihren
allmählichen Umzug aus ihren Bezirken ins Zentrum der Stadt.
Kann ihre Musik als Indikator für ein sich ‘Einrichten in der Fremde’
verstanden werden? Inwieweit reflektiert sie die Lebensweise der
‘Fremden’?
Meine Arbeit zeigt, dass die Entwicklung der verschiedenen
Arten der städtischen Volksmusik mit der Entwicklung der Stadt
einherging. Die Volksmusik verändert sich mit der Stadt und folgt
ihren Transformationsrhythmen. Meine Untersuchung baue ich auf
der Analyse und Interpretation von historischen Fotografien, Stadtplänen,
stadtsoziologischen Daten und Liedertexten auf. Ich untersuche
die Volksmusik in Bezug auf die Entwicklung der Bezirke in
Athen, in denen sie blühte, sowie im Hinblick auf die Lebensweisen
der Musiker in diesen Bezirken. Dabei konzentriere ich meine
Arbeit auf die exemplarische Untersuchung des Stadtteils Kaisariani
in Athen, wo die Häuser der Immigranten gut erhalten sind.
Die Forschung betrifft die Entwicklung dieser Musikart, den
Wandel ihrer Aufführungsorte und Treffpunkte sowie die sich daraus
veränderte Lebensweise der Musiker im Zusammenhang mit
der Entwicklung der Stadt. Darüber hinaus habe ich versucht, diese
kulturelle Entwicklung mit der Entwicklung der spezifischen Bauformen
in Verbindungen zu bringen; denn die Gestalt der Stadt Athen
kann in vielen Bereichen als ein spezifisches Zusammenwirken
der unabhängigen Haltung der Außenseiter mit den Gesetzen und
Verordnungen einer angesichts der immensen sozialen Probleme
hilflosen Stadtverwaltung erklärt werden.
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Michaele Brüll (D)
*1962; 1991-1995 Studium der Bildenden Kunst, FH Ottersberg;
seit 1993 zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland
Friedelstr. 15
12047 Berlin
www.michaele-bruell.de
Titel der Masterarbeit
Das Großplakat als Medium im Stadtraum (Typ C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Das Großplakat als Medium im Stadtraum
In der vorliegenden Arbeit “Das Großplakat als Medium im
Stadtraum” werden Großplakate im Stadtraum Berlin untersucht:
ihre Geschichte, ihre Funktion, ihre Ästhetik. Berlin ist für meine
Fragestellungen besonders geeignet, weil sich durch den Bauboom
nach 1989 zahlreiche Bauaufgaben gestellt haben, sowohl Neubauprojekte
als auch Projekte im Bereich der Sanierung von historischen
Bauten und Altbauten. Mit den Einahmen durch die
Großwerbung konnten umfangreiche Instandsetzungsarbeiten wie
z.B. die am Brandenburger Tor teilfinanziert werden. So groß das
Interesse an der Megawerbung für Auftraggeber, Werbefirmen und
Plakathersteller ist, so umstritten ist der Einsatz von Großplakaten
besonders an Sakralbauten, aber auch im Hinblick auf die vermeintliche
Verschandelung der Stadt und die Kommerzialisierung
des Stadtraums.
Großplakate stoßen aufgrund ihrer ganz eigenen Ästhetik auf
große Resonanz. Ihre Motive sind häufig personengebunden und
deshalb von großem Identifikationswert. Meine Überlegungen gehen
dahin, die prinzipiell zur Verfügung stehenden Flächen nicht
ausschließlich der Werbung zu überlassen, sondern im Zusammenhang
mit der Imagewerbung von Berlin andere, ‘anspruchsvollere’
Wege zu beschreiten. Das Land könnte in Form von Wettbewerben
oder Ausschreibungen Künstlern die Riesenflächen für eine begrenzte
Zeit zur Verfügung stellen. Um dies anschaulich darzustellen, ist
eine fiktive Großplakatwerbung in Anlehnung an die Kampagne
“be-Berlin - sei Berlin” entstanden.
22 23

Filipa César (P)
*1975; Einzelausstellungen (Auswahl) 2008 Ellipse Foundation, Lissabon;
2007 Distrito Cuatro Gallery, Madrid; 2006 ‘Filipa César’, Mai 36, Zürich;
Gruppenausstellungen (Auswahl): 2008 International Triennale of
Contemporary Art, Prag;
www.cristinaguerra.com
Titel der Masterarbeit
Gap Junction. Ein Essay über Montage- und Wahrnehmungsprozesse
Materialien für ein Drehbuch (Typ C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Gap Junction
Das Konzept für die Montage für den Filmessay Gap Junction
orientiert sich an Prinzipien der Reiseerzählung, an dem Rhythmus
einer Reise selbst und den ihr inhärenten Begriffen: Transition,
Passage, Intervall, Prozess, Zwischenzustand, Verbindung. Von
Frame zu Frame, von Bild zu Bild, von Gedanke zu Gedanke und
was zwischen ihnen steckt, stehen der unbegreifbare, unverständliche
Einfluss und die Wirkung der Montage. Die Fiktionen des Films
und der vom Zugfenster aus vorbei fliegenden Landschaften sollen
unberührt bleiben, ebenso wie die Fakten, denn hier geht es um die
dokumentarische Montage. Die Strukturierung der Arbeit in Haltestellen
greift das Konzept des Reiseberichts auf.
Die gefahrene Strecke führt vom Zentrum Berlins, dem
S-Bahnhof Alexanderplatz zum S-Bahnhof Griebnitzsee (Potsdam).
Das ist die etwa 38-minütige Fahrt von zuhause zur Hochschule
für Film und Fernsehen ‘Konrad Wolf’ in Potsdam-Babelsberg.
Die diese beiden Orte verbindende S-Bahn mit der Nummer 7 fährt
quer durch Berlin. Aus dem alten Osten über den Westen wieder
in den ehemaligen Osten. Auf der Strecke kreuzt man zweimal die
damalige Grenze zwischen Ost und West und fährt dabei aus dem
Stadtzentrum in landnahe Umgebung.
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Gali Elsaesser (IL, D)
*1977; BA Fine Arts, Bezalel-Akademie für Kunst und Design, Jerusalem;
Preisträgerin der Amerikanisch-Israelischen-Kulturstiftung, Israel
Selchowerstr. 3
12049 Berlin
elzasser@yahoo.com
Titel der Masterarbeit
No-One’s-Land. Video (Typ C)
Betreuerin: Katharina Jedermann
No-One’s-Land
Die Videoarbeit “No-One’s-Land”, die ein fiktives Land darstellt,
begleitet meine schriftliche Arbeit. Sie ist ein Versuch, den Begriff
der Fiktion einerseits anhand von meinen eigenen Reflexionen und,
andererseits, anhand von Reaktionen der TeilnehmerInnen (‘Reisenden’)
und Betrachter der fotografierten Orte des fiktiven Landes zu
erklären.
Spiegelt Fiktion die Realität wider? Ist diese Realität faktisch,
ideologisch, historisch, phantastisch, utopisch oder dystopisch?
Oder reagieren die ‘Reisenden’ auf diese Realität, etwa durch Schaffung
einer Gegenwelt?
Die ZuschauerInnen und insbesondere die ‘Reisenden’ haben
die künstlerische Arbeit durch ihre Perspektiven, Eindrücke und
Kommentare mitgeformt und erweitert. Die meisten ‘Reisenden’ in
“No-One’s-Land” reagierten emotional, beinahe melancholisch, auf
die abgebildeten Orte. Je fiktiver die Wahrnehmung der Fotografien
der Orte war, desto poetischer der Kommentar der ‘Reisenden’.
Einen theoretischen Rahmen zur Beantwortung der oben genannten
Fragen bilden die Fiktionstheorien von Coleridge, Ryan
und Hamburger. Anhand ihrer Ausführungen werden die Ergebnisse
meines Schaffens analysiert und mit parallelen Begriffen wie Dystopie
und Heterotopie aus der Philosophie verglichen. Diese Herangehensweise
ermöglichte es mir, die ‘Reisenden’ aus größerer Distanz
zu beobachten und meine eigenen Vorstellungen in den Hintergrund
zu stellen.
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Luis Fernández Pons (E)
*1979 in Madrid; Meisterschüler, Universität der Künste Berlin; Belles Arts,
Universitat de Barcelona
Kopernikusstr.11
D-10245 Berlin
mail@luis-fernandez.net
www.luis-fernandez.net
Titel der Masterarbeit
Netz der Objekte. Alltagsgegenstände im Kunstkontext (Typ C)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Netz der Objekte.
Alltagsgegenstände im Kunstkontext
Meine Masterarbeit besteht aus einem praktischen und einem theoretischen
Teil. Beide Teile sind ein Experiment, eine Ordnung
zeitgenössischer künstlerischer Strategien im Umgang mit Alltagsgegenständen
zu schaffen. Ich möchte dabei keinen linearen oder
historizistischen, sondern einen transversalen Blick auf die zeitgenössische
Kunst werfen, verschiedene Ordnungen experimentell
erproben und Strategien untersuchen.
Im theoretischen Teil habe ich Kunstwerke nach möglichen
Strategien sortiert, wie Alltagsgegenstände zu Kunst werden. Zum
Beispiel: Materialwechsel, Größenwechsel, Ironie, Gesellschaftskritik,
Wertveränderung. Diese Kategorien sind ein eigener Versuch der
Klassifizierung von zeitgenössischen Arbeiten.
Im praktischen Teil habe ich anhand von Bildern verschiedene
Versuche unternommen und mich schließlich für einen einzigen
Alltagsgegenstand entschieden: den Stuhl. Ich habe Stuhl-Bilder
aus verschiedenen Quellen verwendet: Zeitschriften, Kataloge,
Internet. Als Ergebnis ist eine Serie von Bilderbögen entstanden, in
denen Stuhl-Kunstwerke nach unterschiedlichen Sortierungsprinzipien
klassifiziert werden. Bei der Anordnung des Bildmaterials habe
ich Verbindungen zwischen Kunstwerken verschiedener Zeiten und
Stilrichtungen hergestellt. Diese sind ein zentraler Aspekt der Arbeit
geworden.
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Valentina Ferrarese (I)
*1976 in San Donà; 1995-2000 Studium der Malerei und Kunsterziehung
an der Accademia di Belle Arti Venedig, Diplom; 2001-2002 Aufbaustudium
Bereich Bildende Kunst und Multimedia, Architektur-Universität Venedig;
2002-2003 Postgraduierten Programm am Piet Zwart Institut / Willem de
Kooning Akademie, Rotterdam
Titel der Masterarbeit
Monument und Leere. Das imaginative Potential der Leere als
zeitgenössisches Monument (Typ C)
Betreuer: Wolfgang Knapp
Monument und Leere. Das imaginative Potential der Leere als
zeitgenössisches Monument.
Diese Arbeit beginnt mit einer Analyse des historischen Verhältnisses
zwischen dem Konzept der Abwesenheit und der Denkmalkunst,
mit spezieller Berücksichtigung der Bedeutung dieses Verhältnisses
für die deutschen zeitgenössischen Denkmale. Die Analyse zielt auf
eine Abwägung der bestehenden Beziehung zwischen Individuum
und Monument und untersucht die problematischen Aspekte bei der
Nutzung eines Monuments als mediales Mittel. Dazu wird das Konzept
vom Gap als Zwischenraum oder Zwischensituation entwickelt,
durch das der Künstler einen Kontaktpunkt zwischen der Geschichte
und dem Individuum schaffen kann.
Die Arbeit thematisiert die Wichtigkeit der Kunst, dort zu agieren,
wo keine Kommunikation entsteht und sich in spatialen wie
psychologischen Formen manifestiert. Die Rolle der Künstler ist besonders
unter diesen Bedingungen als eine Brücke zwischen angrenzenden
und nicht kommunizierenden Kontexten zu verstehen. Auf
der Basis dieser künstlerischen Positionierung untersuche ich die
Möglichkeiten und Mittel einer Entwicklung des Denkmals außerhalb
des institutionalisierten Systems der Denkmalkunst. Insbesondere
beschäftige ich mich mit dem Medium, dem Ort, der Typologie
des Publikums und dem Kontext.
Die Analyse bezieht sich auf konkrete Denkmäler mit unterschiedlichen
thematischen Kategorien von Gaps. Jede Kategorie
repräsentiert eine unterschiedliche Bedingung von Leere, Abwesenheit
oder Gap, die als Folge oder als Ursache eines historischen
Prozesses gesehen werden können. Ich unterscheide zwischen Erinnerungs-
(Memory) Gaps; räumlichen (Spatial) Gaps; Kontroll-
(Control) Gaps und Zerstörungs- (Destruction) Gaps.
30 31

Pablo Hermann (D)
*1972; Studium Druckgrafik und Malerei, Finis Terrae Universität, Santiago,
Chile; Tutor für Recherche und Thesisaufbau, Universität Finis Terrae, Santiago,
Chile
Jonasstraße 4
10551 Berlin
pablorion@yahoo.com
www.koloniewedding.de/index/1465/
Titel der Masterarbeit
„Kunst und Protest – Wechselwirkungen in unserer Gesellschaft“ (Typ A)
Betreuer: Wolfgang Knapp
„Kunst und Protest –
Wechselwirkungen in unserer Gesellschaft“
Die Arbeit untersucht das wechselseitig wirksame Verhältnis von
Protest und Kunst. Bezug nehmend auf die Beuys’sche soziale Plastik,
die die gesellschaftlichen Faktoren in einer Schnittmenge - der
metaästhetischen Wahrnehmung der Gesellschaft - eint, wird untersucht,
anhand welcher Betriebssysteme und Arbeitsmodelle die
Kunst zur kritischen, politischen Kunst wird. Zunächst wird eine
historische Betrachtung des Themas erarbeitet. Im Folgenden
werden Vektoren der Kulturindustrie, die auf die Autonomie der
Kunst Einfluss haben, sowie die mediale Wahrnehmung der Kunst
im gesellschaftlichen Feld des Protestes untersucht. Diese Analyse
einer kritischen Kunst wird auf eigene Projekte der letzten Jahre
angewandt, die Funktionsweisen autonomer kultureller Strukturen
beinhalten. Auch die Wichtigkeit der Verbindung von autonomer
Medienarbeit und Protest in Bezug auf das kulturelle Feld soll durch
diese Arbeit unterstrichen werden.
Die Einflüsse von Seiten des Staates auf die autonom agierenden
Netzwerke von sozialen und kulturellen Kritikern spielen ebenso
eine Rolle, wie die von staatlicher Seite aus geförderten Institutionen,
die aus künstlerischen Avantgarden Mainstream machen können.
Wirtschaftliche Interessen und kulturelle Dekadenz können
nicht die Maximen kulturellen Schaffens sein. Nur eine Vision kann
einen Leitfaden zur Orientierung auf dem schmalen Pfad zwischen
Affirmation und neutralisierter Kritik in der Kunst darstellen.
32 33

Anne Hölck (D)
*1970; 1992-1998 Studium der Bildenden Kunst, Kunst- und Erziehungs-wissenschaften
an der HdK Berlin; seit 1999 freischaffende Bühnen- und Kostümbildnerin
an Theatern in Deutschland, Österreich, der Schweiz und Frankreich
post@hoelcka.de
www.hoelcka.de
Titel der Masterarbeit
Zoo-Tableaux. Eine Recherche zur Gestaltung von Zoogehegen (Typ A)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Zoo-Tableaux
Eine Recherche zur Gestaltung von Zoogehegen
In ihrer Masterarbeit beschäftigt sich Anne Hölck auf der Grundlage
wissenschaftlicher Untersuchungen und umfangreicher eigener
Recherchen in verschiedenen europäischen Zoos mit der Frage, wie
wilde Tiere und Wildnis im städtischen Zusammenhang präsentiert
werden. Ziel der Arbeit ist, über eine Typologie der verschiedenen
Gehege eine kritische Analyse der Präsentationsformen von Tieren
zu entwickeln.
Dem systematischen Teil ihrer Arbeit stellt die Autorin eine kurze
Geschichte der Zoos voran, in der sie die unterschiedlichen Paradigmen,
unter denen die öffentliche Präsentation von Tieren ab dem
Ende des 18. Jahrhunderts stand – Menagerie, Landschaftspark,
Volkserziehung, Illusionsbühne und Naturschutz – darstellt. Anhand
der Unterscheidung der verschiedenen Zoogehege nach drei Grundtypen,
dem Schaukasten, der Bühne und dem Park, sowie ihren unterschiedlichen
Kombinationen gelingt es Anne Hölck zu zeigen, wie die
Tiere einerseits auf jeweils spezifische Weise ihrer Wildheit beraubt
werden und diese andererseits wiederum neu inszeniert wird. Im wiederholten
Durchgang durch die verschiedenen von ihr untersuchten
Zoos kann die Autorin anhand von detaillierten Beschreibungen einzelner
Gehege und nicht zuletzt auch mit Hilfe ihrer Fotografien und
einem Modell überzeugend darstellen, was welche Aufbewahrungsart
bzw. Präsentationsform für die Tiere bzw. ihre Betrachter leistet.
Als Ergebnis ihrer Analyse kommt Anne Hölck zum Schluss, dass
wir in den Zoos nur unsere eigenen Vorstellungen von Wildnis zu
sehen bekommen und die Tiere darin als lebende Bilder fungieren.
(aus dem Gutachten)
34 35

Dominique Hurth (F)
*1985; 2007/08 Bauhaus Kolleg EU Urbanism, Border Cities, Bauhaus
Stiftung Dessau; 2006 DNAP Ensba, Paris; 2005 BA (Hons) Fine Art, Central
Saint Martins Collage of Art, London
Ebertystr. 4,
10249 Berlin,
+49 30 2435 7937, +49 152 0377 6014
dominique@hurth.fr
www.paramnesia.wordpress.com
Titel der Masterarbeit
Vom Dokument zum Monument
Versuch einer Typologie von Denkmalen und Gedenkstätten für die jüdischen
Opfer des Nationalsozialismus (Typ A)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Vom Dokument zum Monument
Mit der Arbeit stellt sich Dominique Hurth der schwierigen Fragestellung,
welche Wirkung verschiedene Denkmäler, die in den letzten
zwanzig Jahren zum Gedenken an den Holocaust errichtet wurden,
entfalten. Die Untersuchung zielt nicht auf eine quantitative Erfassung
der zahlreichen Denkmäler ab, sondern versucht, anhand von
fünfzehn unterschiedlichen Beispielen, die sich zum größten Teil in
Berlin befinden, exemplarisch herauszuarbeiten, mit welchen künstlerischen
Mitteln jeweils die Aufgabe gelöst wurde, das Schicksal
der vertriebenen und ermordeten Juden in das kollektive Gedächtnis
einzuschreiben. Ausgehend von den Überlegungen von Pierre Nora,
der zwischen ‘millieux de mémoire’ und ‘lieux de mémoire’ unterschied,
und auf der Basis der Annahme, dass es bei der Errichtung
eines Denkmals immer um die Frage geht, wie zwischen Konkretem
– einem individuellen Schicksal, einem bestimmten Ort oder einem
bestimmten Ereignis – und dem Allgemeinen – dessen jeweiliger
Bedeutung in und für einen größeren Zusammenhang – vermittelt
werden kann, entfaltet Dominique Hurth mit der ‘Gedenkstätte
Treblinka’ (1964) und dem ‘Denkmal für die ermordeten Juden Europas’
(2005) als Eckpunkten ihrer Untersuchung in eingehenden
Beschreibungen der verschiedenen Monumente die unterschiedlichen
Formen der künstlerischen Gestaltung. Dabei legt sie dar, dass
sich mit der Errichtung von Denkmälern der Erinnerungsprozess
verschiebt: Denkmäler dokumentieren vor allem die Intention derer,
die sie errichteten, und erst darüber vermittelt sich das, woran
diese Personen oder Gruppen – in der Regel Zeitzeugen, die sich an
das Geschehene noch erinnern können - über die Errichtung eines
Denkmals erinnern wollen.
(aus dem Gutachten)
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Carolina Kecskemethy (PE)
*1960; Bildende Kunst, 1980 - 82 Universidad Católica del Peru; 1984 - 89
Bildende Kunst, HdK Berlin, Meisterschülerin bei Prof. Horst Hödicke;
Ausstellungen, Projekte und Aktionen im In- und Ausland seit 1989
ckecskemethy@gmail.com
Titel der Masterarbeit
“Arena en mis pies... Impulso arte y comunicación”
(Sand an meinen Füssen - kreative Impulse in der Kunstvermittlung)
Kooperationen mit Bildungseinrichtungen, Museen, kommunalen Kunst- und
Kulturhäusern sowie öffentlichen Einrichtungen in der Stadt Lima/Peru (Typ B)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
“Sand an meinen Füssen” –
kreative Impulse in der Kunstvermittlung
Der Ansatz für meine Aktionen in Lima, Peru, lieferte das Phänomen
des ‘Sandkörner-mit-nach-Hause-Tragens’ in Kindertagen, als
nach einem schönen Ausflug an die See die kleinen Erinnerungstücke
wie blinde Passagiere an den Füße hafteten und sich langsam in
der Wohnung verteilten.
Die Besuchertouren zu den Ausstellungen, die ich mit diversen
Schüler- und Studentengruppen sowie Angestellten zweier Firmen
und deren Familienangehörigen im Mai 2008 in Lima durchführte,
zielten darauf ab, etwas Bleibendes zu schaffen, eine fassbare Verbindung
zur Kunst, die diese neue, besondere Erfahrung auch in der
Zukunft möglich machen könnte.
Ich begeisterte die Teilnehmer/innen für die aktuelle peruanische
Kunst und verschaffte ihnen einen neuen Rahmen, in dem
sie sich der Kunst aufgeschlossen und durch ihre kreative Mitarbeit
gegenüberstellen konnten. In partizipatorischen Workshops in
aktuellen Ausstellungen wurden neue Annäherungsformen zur zeitgenössischen
Kunst erprobt. Die eigene Wahrnehmung des Kunstgegenstands
konnte direkt vor Ort experimentell und künstlerisch erlebt
werden - d.h. innerhalb des hermetischen Ausstellungsumfeldes
wurde ein eigener Erfahrungsraum gestaltet, in dem die Kunstwerke
unmittelbar und interaktiv gelesen und verstanden werden konnten.
Ein Bildband mit den Feedbacks der Teilnehmer/innen ergänzt die
schriftliche Dokumentation des Projekts.
38 39

Anne Kunz (D)
*1973; 1992-2000 Architekturstudium an der TU Stuttgart; lebt und arbeit als
freie Architektin und Künstlerin in Berlin
Erkelenzdamm 11-13
Aufgang C
10999 Berlin
post@akberlin.org
Titel der Masterarbeit
Der Floh. Ein kulturhistorisches Museum (Typ C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Der Floh. Ein kulturhistorisches Museum
Die Idee, ein Tier in einen größeren Zusammenhang zu stellen, entwickelte
sich aus der Beschäftigung mit dem Naturkunde-Museum
Berlin. Tiere werden dort isoliert als Belege für eine zoologische
Taxonomie präsentiert. Diese steht zwar für die Vielfalt der Schöpfung,
ignoriert jedoch die Individualität der verschiedenen Tiere und
unser Verhältnis zu ihnen.
Bei der Suche nach dem Tier, das ich unter vielen Gesichtspunkten
untersuchen konnte, kam ich auf den Floh. Anders als andere
Störenfriede aus der Insektenwelt, hat der Floh, als Winzling und
Schmarotzer, eine besondere Stellung in den verschiedenen Kulturund
Sprachgebräuchen eingenommen. Meine Frage war: Wie hat es
der Floh geschafft, von einem Quälgeist und Krankheitsüberträger
zu einer Attraktion im Zirkus und zur Metapher zu werden?
Um dieses Phänomen zu untersuchen, bediente ich mich wissenschaftlicher
Forschungsmethoden in Verbindung mit einem
spielerisch-assoziativen Vorgehen. Ich recherchierte, sammelte,
katalogisierte, ordnete Fakten und Dinge, um die komplexe Welt
um den Floh in ihren Zusammenhängen erfassen zu können. Durch
meine Bearbeitung wurde sichtbar, dass die kulturwissenschaftliche
die naturwissenschaftliche Betrachtung bedingt und sie oftmals eng
miteinander verwoben sind.
Dies möchte ich in meinem Museum zeigen, in dem wissenschaftliche
Untersuchungsergebnisse, Kuriositäten, literarische
Phantasien und Gegenstände aus dem Alltag miteinander verwoben
sind. Ein mobiles, ausklappbares Möbel, das als Gehäuse der
Sammlung und als Ausstellungsraum fungiert, macht das Flohmuseum
mobil.
40 41

Marina Landia (GE)
*1960 in Tbilisi; Staatliche Akademie der Künste, Tbilisi;
Partizipatorische Projekte in unterschiedlichen institutionellen und sozialen
Kontexten in verschiedenen Ländern; Lebt in London und Berlin
marina@landia.biz
Titel der Masterarbeit
Enjoy Business. Videofilm (ca. 18 Min.) (Typ C)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Enjoy Business. Ein Videofilm
In meiner Abschlussarbeit setze ich mich mit der Frage auseinander,
welchen Einfluss die gegenwärtige Wirtschaftskultur auf das Denken
und das Verhalten der Menschen in großen Wirtschaftsunternehmen
ausübt.
Heute werden Menschen weltweit mit einem neuen neoliberalen
Wirtschaftsmodell konfrontiert, das die Anforderungen an die
Menschen erhöht und sie zwingt, ihre Prioritäten anders zu setzten.
Diejenigen, die in diesem neuen Modell bestehen wollen, müssen
nicht nur bestimmte Fähigkeiten und Eigenschaften haben, sondern
auch die Bereitschaft, alles ihrem beruflichen Erfolg unterzuordnen.
Nach einer Recherche zu dieser Situation habe ich das Modell
eines idealen Managers entworfen, das ich in persönlichen Gesprächen
mit Mitarbeitern von verschiedenen internationalen Wirtschaftsunternehmen
in Deutschland, Großbritannien und Russland
hinterfragt habe. Die Gespräche wurden mit einer Videokamera
aufgezeichnet. Die Themen Erfolg, Leistung, Flexibilität, Lebensrhythmus
und soziale Bindungen wurden direkt und indirekt angesprochen.
Wer sind die Menschen, die zu Akteuren in der Wirtschafts-welt
werden und wie führt ihr Weg dort hin? Wie ist das Leben in dieser
‘Welt’? Welche Auswirkung hat nach der Meinung der Interviewten
ihre ‘Welt’ auf die gesamte Gesellschaft? Der Film ist als Einstieg für
Diskussionen über neoliberale Werte und Lebenskonzepte gedacht.
Meine Arbeit will und kann keine der öffentlich existierenden Positionen
bestätigen oder kritisieren. Meine Motivation ist es vielmehr,
die verfestigten Fronten zwischen der Unternehmenswelt und der
Öffentlichkeit aufzuweichen – das halte ich für wichtig.
42 43

Kristin Möller (D)
*1968; 1997 Diplom Kommunikationsdesign (Fotografie / Illustration);
Online Redakteurin, Bildredakteurin, Autorin, interkulturelle Projektarbeit
Karl-Marx-Straße 1
12043 Berlin
krimo@krimo.org
www.krimo.org/KarlMarxStr
Titel der Masterarbeit
Mit Karl Marx im Einpfennigparadies -
Ein Audio Guide für die Karl-Marx Str. in Berlin Neukölln (Typ C)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Mit Karl Marx im Pfennigparadies
Berlin-Neukölln gerät immer wieder durch Negativschlagzeilen in
aller Munde: Neukölln das Symbol für die Bildungsmisere (Rütli-
Schule), Arbeitslosigkeit (größtes Sozialamt Deutschlands) und
missglückte Integration (ca. 160 verschiedene Nationalitäten leben
im Bezirk). Karl Marx wurde am 31. Juli 1946, in der Umbruchszeit
nach dem Krieg, als Namensgeber für die Straße gewählt. Seitdem
hat er einen schweren Stand. Zuletzt zu Beginn der 90er Jahre,
stellte die regierende CDU im Neuköllner Rathaus einen Antrag
auf Umbenennung. Die Statistiken weisen die Karl-Marx-Straße in
Neukölln als ein Wohngebiet mit einem ‘Ausländeranteil’ von über
50% aus. Zählt man die Migranten erster und zweiter Generation
hinzu, die mittlerweile deutsche Staatsbürger sind, dann leben
in den Mietskasernen entlang der Straße in erster Linie Menschen
mit so genanntem Migrationshintergrund. Karl Marx hat in seinen
Schriften analysiert, in welche Beziehung Menschen und die Produkte
ihrer Arbeit in kapitalistisch organisierten Systemen treten.
Globalisierung, Entfremdung, Warenfetischismus sind Begriffe, die
auch heute noch durch seine Analysen erhellt werden.
Dies ist der Anlass, sich auf Spurensuche entlang der Straße
zu begeben. Wer kauft hier was ein? Wie überlebt man? Welche
Menschen verkaufen? Und wer überhaupt kennt Karl Marx?
Ziel des Audio Guides ist es, hörbar zu machen, was in keinem
Geschichtsbuch steht, und die Stimmen der Straße einzufangen.
Die menschliche Arbeitskraft ist eine Ware, die Wanderungsbewegungen
zur Folge hat. Sie zirkuliert. In Interviews sollen
Stimmen laut werden, die etwas über die Essenz von Neukölln zum
Ausdruck bringen, einen Stadtteil, dessen Entwicklung seit den
Anfängen entscheidend durch Migration geprägt wurde.
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Wie kann ich mit meiner Kunst Geld verdienen?
Wie kann ich meine künstlerische Position in ein paar
Sätzen selbstbewusst kommunizieren?
Was sind meine besonderen Werte und welche Menschen
könnten sich dafür interessieren?
Wie funktioniert der Kunstmarkt und welche
Handlungsmöglichkeiten habe ich?
Isabel Nitsch (D)
*1978 in Freudenstadt; 1998-2004 Studium der Bildhauerei an der Akademie
der Bildenden Künste Stuttgart und der Universität der Künste Berlin
Corinthstr. 63
10256 Berlin
info@plan-k.org
www.plan-k.org
Titel der Masterarbeit
Künstler-Coaching. Qualitätsreflexionen zur Kunstproduktion (Typ B)
Betreuer: Wolfgang Knapp
Künstler-Coaching.
Qualitätsreflexionen zur Kunstproduktion
Für meinen Service des Künstler-Coachings beschreibe ich die problematische
Situation unbekannter Künstler und stelle die These auf,
dass Künstler durch ein Künstler-Coaching ihre Kunstproduktion
erfolgreicher umsetzen und sich in der Gesellschaft sowie auf dem
Kunstmarkt besser positionieren können. Ich entwickle ein Künstler-Coaching,
das die Methoden der Beratung und des Coachings in
sich vereint und zu Belangen, die die künstlerische Tätigkeit betreffen,
eine effektive Hilfe anbietet. Indem Künstler darin unterstützt
werden, ihr Potenzial zu erkennen und effektiv einzusetzen, stärkt
das Künstler-Coaching das Selbstbewusstsein und die Schaffenskraft
von Künstlern. Ich stelle das Künstler-Coaching mit seinen
Möglichkeiten, Methoden und Inhalten vor, das ich mit Künstlern
real durchgeführt habe und dessen Vorgehensweise ich anhand eines
dokumentierten Beispiels anschaulich mache. Meine Auswertung
der reellen Möglichkeiten anhand des dokumentierten Beispiels
zeigt, dass mein Service Künstler-Coaching hinsichtlich Technik und
Struktur noch verbessert werden kann, aber durchaus eine effektive
Hilfestellung anbietet. Ich konnte die Künstlerin bei wichtigen beruflichen
Entscheidungen unterstützen, ihr Wege einer erfolgreichen
Kunstproduktion aufzeigen sowie sie zu ersten konkreten Schritten
ermutigen, sich für ihre berufliche Karriere aktiv einzusetzen.
Der Arbeit sind das Transkript eines Künstler-Coachings sowie
der dazugehörige Auftrag im Anhang beigefügt.
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Irina Novarese (IT)
*1972; 1992-96 Studium der Malerei an der Accademia Albertina di Belle
Arti Turin; 1996 Abschluss mit Diplom; seit 1996 aktiv als Künstlerin im
Bereich Video, Fotografie und Installation.
bibolat@web.de
Titel der Masterarbeit
Das dritte Subjekt oder: Wer war Frau Furno? Das fotografische Portrait:
Dokument und Fiktion (Typ C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Das dritte Subjekt oder: Wer war Frau Furno?
Die künstlerische Arbeit und das Experiment “Das dritte Subjekt
oder: Wer war Frau Furno?” ist eine Analyse der Beziehungen zwischen
Identität, Assoziation, Fiktion und Fotografie, in der ich mich
mit dem besonderen Charakter von fotografischen Bildern auseinandersetze,
die einerseits ja immer Dokumente einer bestimmten
Aufnahmesituation sind, andererseits aber ohne Zuschreibung
kaum etwas bedeuten: Ausgangsmaterial ist ein Koffer mit ca. fünfhundert
Portraitaufnahmen anonymer Personen, den ich in Turin im
Müll fand und der wahrscheinlich aus einem Fotostudio der 1970er
Jahren stammt. Mit einer Auswahl von 145 Bildern aus diesem Bestand
entwickle ich die Untersuchung, mit der ich demonstrieren
will, dass fiktive Zuschreibungen (z.B. Name, Alter, Beruf, verwandtschaftliche
Verhältnisse, Religion etc.), also die Konstruktion
von Identitäten durch ihre Betrachter, mehr über die Betrachter als
über die abgebildeten Personen sagen. Sie erscheinen in dem Maße
glaubwürdig, wie sie den Annahmen und kulturellen Codes der Betrachter
der Bilder entsprechen und sind im Prinzip zufällig bzw.
hängen ganz von den Identitäten der Betrachter ab.
Die Installation ist ein Zusammentreffen von Persönlichkeiten,
die als kollektive Autorenschaft das Netz von Informationen in einer
offenen und endlosen Möglichkeit weiter assoziiert. Die Fiktion
#1 ist die Konstruktion einer einzelnen Autorin; Mittelpunkt der Erzählung
ist eine bestimmte Figur: Frau Furno. Auf ihr baut Fiktion
#2 auf, als Interaktion mit 12 Personen, die Informationen für die
Portraitierte erfunden haben. Die Installation zeigt, dass ein Individuum
in dem Maße plausibel existiert, wie es durch glaubwürdige
Informationen konstituiert wird.
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Philip Marcel Schmidt (D)
*1973; Studium der Visuellen Kommunikation an der Hochschule für
Angewandte Wissenschaften Hamburg; arbeitet selbstständig als Art Direktor
und freier Grafiker in der Medienbranche.
philip.marcel@web.de
Titel der Masterarbeit
StreetUniverCity Berlin. Aufbau eines freien Bildungsträgers der ausser-
schulischen Jugendbildung unter besonderer Berücksichtigung der
Kunstvermittlung und ihrer Methodik (Typ B)
Betreuer: Wolfgang Knapp
StreetUniverCity Berlin
“Pop artists made art out of pop culture. These kids are reversing the process, making
pop culture out of art.“ Kim Levin about the young originators of hiphop.
Mein Hauptinteresse gilt den Herausforderungen alternativer, künstlerischer
Lehrmodelle in der kulturellen und politischen Bildung. Ich
beschreibe und analysiere die Problemstellungen und Schwierigkeiten
im Realisierungsprozess des Projekts “StreetUniverCity” (SUB).
Die “Straße” ist dabei Sinnbild, Metapher und Mythos zugleich.
Ich gehe von meiner eigenen Persönlichkeitsentwicklung aus,
erläutere, wie Lernerfahrungen mich positiv beinflusst haben, und
frage, inwieweit diese auf eine künstlerische Lehrmethodik übertragbar
sein könnten. Es folgt ein kurzer Überblick zur aktuellen
demografischen und sozialen Situation der Stadt Berlin mit Schwerpunkt
auf dem Thema Migration.
Im Hauptteil gehe ich auf die Prinzipien ein, die die SUB charakterisieren.
Unterschiedliche Aspekte kultureller Bildung werden benannt
und untersucht, ebenso wie verschiedene künstlerische Strategien
im Lehrbetrieb.
“Sei kreativ, sei flexibel, sei unabhängig” - Kreativität wird heute
als “Schlüsselkompetenz” gefordert. Viele Faktoren beeinflussen
jedoch die Persönlichkeitsbildung von Jugendlichen im Spannungsverhältnis
zwischen Familie, Tradition, Religion, Schule und Straßenleben.
Im Schlussteil meiner Arbeit erörtere ich Reibungspunkte und
Konflikte interkulturellen Zusammenlebens und frage abschliessend,
was die verschiedenen Künste im Bildungskontext leisten könnten.
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Mónica Segura-Márquez (D)
*1974 In Santiago de Chile; Diplom als Kommunikationsdesignerin; seit 2003
künstlerische Leiterin mehrerer nationaler und internationaler Kinder- und
Jugendprojekte; Animationsfilme für den Kinderkanal von ARD/ZDF.
monica.segura@web.de
Titel der Masterarbeit
Art. 16a. Videotrailer (Typ C)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Art. 16 a
Mit dem Video „Artikel 16a” (Asylrecht des deutschen Grundgesetzes)
möchte ich Einzelschicksale sichtbar machen und diese der
Anonymität der Statistiken entreißen.
Im Mai 2008 entstand das Videoprojekt, an dem vier unbegleitete,
jugendliche Flüchtlinge im Alter von 16-24 Jahren teilnahmen:
Totti aus dem Libanon, Paolo und Silvia aus Angola und Xenia aus
Tschetschenien. Letztere kam erst im Mai 2008 nach Deutschland.
Mit Hilfe dieser Jugendlichen wollte ich die derzeitige Auslegung
des Asylrechts seitens der deutschen Behörden künstlerisch thematisieren.
Der Betrachter sieht ihnen im Close-up frontal in die Augen,
während sie den Artikel 16a rezitieren. Zusätzliche Informationen
über ihren Aufenthaltsstatus sowie über ihre persönlichen Wünsche
werden eingeblendet.
Die Arbeit bewegt sich zwischen Dokumentation und fiktionalem
Werk. Die Protagonisten sind unmittelbar von der Flüchtlingspolitik
betroffen. Sie agieren als authentische Zeitzeugen, deren
schauspielerische Leistung darin besteht, einen Text vorzutragen,
der nicht ihnen gehört und formal weit von ihnen entfernt ist. In der
Realität aber entscheidet er über alles, was für sie überlebenswichtig
ist.
Die Arbeit ist im Bereich des Social Advertising angesiedelt.
Dabei lädt sie ein, die bekannten Bilder, die uns umgeben, zu hinterfragen.
Empfinden wir ein Portrait eines Jugendlichen der bekannten
Werbekampagne von Benetton anders, wenn wir erfahren, dass
dieser ein Kindersoldat war?
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Anja Sommer (D)
*1977 in Dresden; 1997-2003 Studium an der Burg Giebichenstein - Hochschule
für Kunst und Design Halle; 2005 Förderpreis für Junge Kunst des LAC,
Luxemburg; freischaffende Künstlerin: Animation, Zeichnung und Skulptur.
Seelower Straße 1
10439 Berlin
anjasommera@yahoo.com
Titel der Masterarbeit
Postmortem - Die Toten und ihre Bilder/ Die Toten und unsere Bilder von ihnen
(Typ C)
Betreuer: Wolfgang Knapp
Postmortem - Wenn ein Kind stirbt
Die Arbeit untersucht die historische Postmortemfotografie von
Kindern, die seit Erfindung der Fotografie in weiten Teilen Europas,
aber auch in den USA verbreitet war. Von historischem Fotomaterial
und von Vorläufern (Postmortemgemälden) ausgehend, betrachte
ich die heutige Produktion solcher Fotografien im Rahmen der
Trauer- und Sterbebegleitung im Krankenhaus. Leitfragen waren:
Gibt es Postmortemfotografien von Kindern auch heute noch? Wer
macht sie und welchen Nutzen haben sie?
Parallel zur Betrachtung der Praxis im Krankenhaus, suchte ich
in den Arbeiten von Künstlern wie z. B.: Andreas Serrano, Sally
Mann, Walter Scheel nach Gemeinsamkeiten der fotografischen
Darstellung des ‘letzten Gesichts’. Distanzlosigkeit und Farbigkeit
der fotografischen Aufnahme lösen Schock und Faszination beim
Betrachten aus.
Wenn historische Postmortemfotografien gemacht wurden, um
sich zu erinnern, sich der eigenen Existenz und der eines Familienverbandes
zu vergewissern, so verfolgen heutige Aufnahmen einen
ähnlichen Zweck. Ein Foto vom eigenen, verstorbenen Kind zu machen,
ist für Eltern, die ihr Kind verloren haben, ein Mittel, von ihm
Abschied zu nehmen und das Aussehen des Kindes mit einem Foto
in der Erinnerung zu binden.
Das Recherche- und Ausstellungsprojekt “Postmortem - Wenn
ein Kind stirbt” wurde in der Gesundheitsakademie, Schule für
Hebammen der Charité, sowie im Museum für Sepulkralkultur in
Kassel gezeigt.
54 55

Viola Thiele (D, A)
*1973; Diplom, Visuelle Kommunikation, FH Augsburg; Bellas Artes,
Barcelona; Preisträgerin des Popkredit Zürich
Zossener Str.4
10961 Berlin
+49 (0)30 50188180
+49 (0)179 5315807
mosh@mosh-mosh.com
Titel der Masterarbeit
I+I=III, Auf der Suche nach dem gemeinsamen Dritten in Kunst und (Pop-)
Musik (Typ A)
Betreuer: Wolfgang Knapp
I+I=III – Auf der Suche nach dem gemeinsamen Dritten in Kunst
und (Pop-) Musik
Die Arbeit beschäftigt sich mit dem Phänomen der Überschneidungen
von Bildender Kunst und (Pop-)Musik. Was passiert an der
Stelle, an der Bildende Kunst und Popmusik eine Einheit bilden?
Was fehlt der Kunst, wenn sie sich dem Popkontext immer mehr
öffnet und sich Teile davon sogar aneignet? Die Termini Kunst und
(Pop-)Musik scheinen für entstehende Hybridprojekte nicht immer
die adäquate Bezeichnung, was die Notwendigkeit einer geeigneten
Plattform suggeriert, auf der sich sowohl Kunst als auch Musik verorten
können, ohne sich einem etablierten Kontext zu verschreiben.
In der theoretischen Abhandlung begebe ich mich auf eine
Spurensuche performativer Elemente in Popmusik und Kunst unter
Berücksichtigung des der (Pop-)Musik eigenen auditiven Potenzials.
(Pop-)Musik bietet ihren Rezipienten einen unmittelbaren, aber
bedingt durch ihre Emotionalität auch einen subtilen Zugang, der
im intellektualisierten Kunstkontext nicht immer selbstverständlich
scheint. Ambivalenzen - Hören und Sehen, High und Low Art,
(Pop-)Musik und Kunst, sowie der Popbegriff im Allgemeinen - können
dabei eine performative Plattform für ein gemeinsames Drittes
schaffen. Präsentationsrahmen und Rezeptionskontext konstiuieren
oft das Dargebotene. (Pop-)Musik erscheint dabei in ihrer Performativität
durchaus als geeigneter Mediator komplexer Belange.
Historische Beispiele der Annäherung beider Disziplinen dienen
als Schlüssel zu einer kontemporären Entwicklung. Die Arbeit wird
als Textcollage mit Soundtrack präsentiert.
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Uli Westphal (D)
*1980; Aki - Akademie für Bildende Kunst und Formgebung, Enschede, und
Maryland Institute, College of Art, Baltimore; lebt und arbeitet in Berlin.
uliwestphal@gmail.com
www.uliwestphal.com
Titel der Masterarbeit
Vom Elpendier zum Olifaunt:
Die Geschichte der Tierdarstellung, illustriert am Beispiel des Elefanten (Typ A/C)
Betreuer: Prof. Dr. Michael Fehr
Vom Elpendier zum Olifaunt
In meiner Masterarbeit untersuche ich, wie sich unser Naturbild im
Laufe der Jahrhunderte verändert hat, exemplarisch am Beispiel des
Elefanten. Mit dem Verfall des römischen Imperiums bis hin ins späte
Mittelalter verschwanden Elefanten fast vollständig aus Europa.
Da es in den meisten Fällen kein Wissen vom wirklichen Aussehen
des Elefanten gab, musste man dieses Tier, basierend auf den
bestehenden Überlieferungen morphologisch rekonstruieren, also
ein real existierendes Tier neu erfinden. Dies führte in den meisten
Fällen zu Illustrationen, in denen die wesentlichen Merkmale eines
Elefanten noch sichtbar sind, die jedoch völlig vom realen Aussehen
und Körperbau dieses Tieres abweichen. In diesem Prozess wurde
zoologisches Wissen von kultureller Bedeutung und Symbolik
überschrieben. Basierend auf einer Sammlung solcher Abbildungen,
habe ich die Entwicklungsgeschichte des Elephas Anthropogenus,
des vom Menschen erdachten Elefanten, rekonstruiert. Resultat
dieser Untersuchung ist ein Baumdiagramm, in das ich das gesammelte
Bildmaterial nach entwicklungsgeschichtlichen und taxonomischen
Aspekten eingeordnet habe. Ich benutze die Bildsprache
der Naturwissenschaften, um der Entwicklungsgeschichte eines
kulturellen Naturbildes eine visuelle Form und Struktur zu geben.
Zugleich verdeutliche und ironisiere ich dabei die Subjektivität und
Relativität sowohl kultureller als auch wissenschaftlicher Naturwahrnehmung.
Das Bild, das wir uns von der Natur machen, bleibt
letztendlich immer ein künstliches Konstrukt, dessen Form abhängig
ist von der Bedeutung und Funktion, die wir der Natur zuordnen.
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Sabe Wunsch (D)
*1964; Dipl. Ing. Architektur, TU-Berlin, 1994; seit 1999 als Künstlerin tätig
Manteuffelstr. 90
10997 Berlin
sabe.wunsch@web.de
Titel der Masterarbeit
“Wild” Eine künstlerische Auseinandersetzung mit Häusern und Platten-Bauweise
im Film (Typ C)
Betreuerin: Katja Jedermann
“Wild”
Die Arbeit besteht aus drei Teilen: dem Kurzfilm „wild“, der in
Halle-Silberhöhe spielt, der Beschreibung meiner künstlerischen
Arbeitsweise bei der Produktion dieses Filmes und einer schriftlichen
Analyse nebst Zeichnungen zur Frage, welche Rolle Großwohnsiedlungen
in den von mir ausgewählten Spielfilmen und Videos der letzten
40 Jahre spielen.
Der aus dokumentarischem Material erstellte Film „wild“ zeigt
drei Szenen aus der vom Abbruch betroffenen Plattenbausiedlung
Halle-Silberhöhe: Drei Jungs schlendern mit Baseballschlägern und
einer Spraydose einen Weg entlang. In der nächsten Einstellung versuchen
sie mit ihren hölzernen Schlägern einen zugemauerten Hauseingang
aufzustemmen. Mit viel Elan klopfen sie auf die Steine ein.
Rhythmische Musik begleitet ihre Aktivität. Große Baggerfahrzeuge
zerkleinern Schutt bereits abgebrochener Plattenbauten und trennen
sorgfältig Bewehrungsstahl vom Betonbruch. Kinder auf Dreirädern
fahren um einen quadratischen Sandkasten vor- und rückwärts
herum, dazu ist die Unterhaltung zweier alter Männer zu hören, die
sich über die Situation in ihrem Wohnviertel beklagen.
Bei der Filmanalyse zeigte sich, dass Filme, in denen Plattenbauten
vorkommen, meistens dokumentarische Aspekte und einen
gesellschaftskritischen Anspruch haben. Viele der FilmemacherInnen
scheinen vom Neorealismus beeinflusst zu sein. Die Gebäude
wurden oft sehr ästhetisch dargestellt, auch wenn die mit ihnen
verknüpften Filminhalte tragisch waren. Durch das Übersetzen der
Filmbilder in das Medium Zeichnung habe ich ein Mittel gefunden,
mit dem ich diesen Aspekt gut herausarbeiten konnte.
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Joanna Zjadacz (PL)
*1966 in Gdansk; Studium der Bildenden Kunst an der FH Hannover,
Meisterschülerin; Grenzüberschreitende künstlerische Konzepte,
sound-orientiertes Arbeiten
j.zjadacz@googlemail.com
Titel der Masterarbeit
Der Soundwalk durch den Grunewald: Das Hören und das Glück – ein Projekt
mit Frauen aus der Einrichtung FrauSuchtZukunft Berlin. Die Beziehung
zwischen Hören und Emotionen unter der besonderen Berücksichtigung von
positiv erlebten, emotionalen Zuständen und Flow (Typ B)
Betreuerin: Katharina Jedermann
Soundwalk durch den Grunewald
“FrausuchtZukunft Berlin” ist eine Einrichtung zu Hilfe suchtmittelabhängiger
Frauen. Mit acht von dort betreuten Frauen führte
ich ein Sound-Projekt durch. Der Hauptteil des Projektes war ein
Soundwalk durch den Grunewald – ein Hörspaziergang durch
einen Naturort in Berlin, den ich aufgrund der Widersprüchlichkeit
der sinnlichen Erfahrung besonders interessant fand (visuellen
Eindrücke – Wald, auditive Wahrnehmung – das Rauschen
der Autobahn, der Lärm von Flugzeugen). Die wichtigsten Ergebnisse
des Projekts bilden die Hörerfahrungen der Frauen, die sich
aus dem aufmerksamen Hören in der Klangumgebung-Grunewald
ergaben. Die Beziehung zwischen Hören und Emotionen wurde
während des Projektes mehrmals sichtbar und die Hörerlebnisse
im Grunewald von den meisten Frauen, als besonders positive
Erlebnisse empfunden. Zum Beispiel entstanden aus den vom Hören
abgeleiteten Assoziationen im Grunewald ‘glücklich-parallele’ Orte
wie ‘Das Meer’ oder die ästhetische Erfahrung der ‘Stille’. Auf der
anderen Seite spürte man starke Emotionen wie Ärger über die laute
Autobahn. Auch über die „Flow-Erfahrung“ (plötzliches Glücks-
Gefühl) wurde während des Soundwalks durch den Grunewald berichtet.
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