MUSIKZEITUNG: Mitteilungsblatt der Gesellschaft für deutsche

Musikzeitung
Mitteilungsblatt der Gesellschaft für Deutsche Musikkultur im Südöstlichen Europa e.V.
München, Dezember 2005 (Heft 4) www.suedost-musik.de
Liebe Mitglieder und Freunde,
das Jahr 2005 war für unsere Gesellschaft für deutsche
Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
(GDMSE) nicht nur ein wichtiges Jubiläumsjahr – 20
Jahre Musikwoche – sondern auch ein äußerst reichhaltiges
Jahr an musikalischen Ereignissen – sowohl in
Deutschland als auch im europäischen Südosten. Dies
forderte von unseren Mitgliedern ihre ganze Kraft, und
noch mehr.
m 19. Februar 2005 fand in München ein musikwissenschaftliches
Symposium statt zum Thema Musik als
interkultureller Dialog. Die Musik der Deutschen in/aus Südosteuropa.
Dr. Hartmut Singbartl, Vorstandsvorsitzender
der Sudetendeutschen Stiftung, unterstrich in seinem
Grußwort die Bedeutung unserer Arbeit: „Diesen unverzichtbaren
Bestandteil deutscher und europäischer Kultur wieder
zu entdecken, zu wahren und zu pflegen, haben Sie sich in großartiger
Weise zur Aufgabe gemacht und werden damit Ihrer
Rolle als Mittler eines fruchtbaren Kulturaustauschs im jahrhunderte
langen Zusammen- und Nebeneinander mit den östlichen
Nachbarn gerecht. (…) Niemand kennt das Land ihrer Herkunft
besser und niemand hat dessen Überlieferung so nachhaltig,
selbstlos und erfolgreich bewahrt wie sie.“ Am gleichen Tag
konnte man im Adalbert-Stifter-Saal 12 musikwissenschaftliche
Referate verfolgen, in deren Mittelpunkt die
deutsche Musikkultur und deren Nachbarn m europäischen
Südosten stand. Ein fast unerschöpfliches Thema,
das noch einige Generationen in Deutschland und
im Südosten beschäftigen wird – Bedingung: dafür
sollten auch in unserem Land entsprechende kulturpolitische
Bedingungen geschaffen werden.
Der Band mit den Referaten dieses Symposiums
konnte kürzlich in München erscheinen. Erst nach der
Übersicht der Tabelle mit all den Ur- und Erstaufführungen,
den Vorträgen und Konzerten der jährlichen
Musikwoche unserer Gesellschaft, wird einem erst klar,
was da in 20 Jahren entstanden ist. Und dies trotz immer
weniger öffentlicher Förderung. Dabei muss man
auch wissen, dass die grenzüberschreitenden Projekte
für uns immer wichtiger werden. Was bis 1990 nicht
möglich war, kann nun in vollem Umfang geschehen:
fast uneingeschränkte Archivforschungen in Rumänien,
Serbien, Kroatien, Slowenien oder Ungarn, gemeinsame
musikwissenschaftliche und praxisbezogene Projekte
mit den Kollegen dieser Länder usw. Damit ist unsere
Arbeit schöner und interessanter geworden, aber
nicht einfacher. Wenn wir als Aussiedler aus Siebenbürgen
oder dem Banat von grenzüberschreitenden
Projekten sprechen, so geht es nicht um den Übertritt
einer einzigen Grenze, wie von Bayern nach Tschechien,
sondern gleich um mehrere Grenzen und Kulturräume.
Und diese Kulturräume muss man erst kennen,
wenn man sich mit ihnen wissenschaftliche befassen
will. Am Abend des 19. Februar 2005 fand im Anschluss
an das musikwissenschaftliche Symposium ein
Konzert mit der Capella Bavarica statt. Das Programm
mit dem Titel „Laetare Pannonia“ bestand aus Werken
von Komponisten aus Siebenbürgen, dem Banat und
aus Ungarn.
Der Höhepunkt dieses Jahres war natürlich unsere
20. Musikwoche in Löwenstein. Dabei wurden zum
ersten Mal Musiker und Musikwissenschaftler aus dem
In- uns Ausland zu Ehrenmitgliedern ernannt. Dies
bedeutet aber nicht, dass während des ganzen Jahres
nur die Vorbereitungen für unsere Musikwoche laufen.
Konzerte in Rumänien, Ungarn oder Serbien, Teilnahme
an internationalen Kongressen und Symposien,
Vorträge und die Arbeit an Publikationen gehören
ebenso zum Tagesablauf wie die Beantwortung zahlreicher
Anfragen aus dem innerdeutschen Raum. Immer
mehr Studenten, Doktoranden, Chorleiter, Herausgeber,
Interpreten, Journalisten oder einfache Musikliebhaber
interessieren sich für unsere Musikkultur – ein
gutes Zeichen.
Auch das kommende Jahr 2006 wirft seine Schatten
bereits voraus: Mozarts 250. Geburtstag und Johann
Michael Haydns 200. Todestag. Wenn Mozart auch
keiner Werbung mehr bedarf, so muss man bei J. Michael
Haydn schon genauer hinhören. Gerade vor wenigen
Tagen fragte mich ein Universitätsprofessor, in
welchem „Winkel Europas“ Großwardein liegt, wo
Haydn 1760 tätig war. Und ich denke, dass hier unser
Problem liegt: auf die Sichtweise kommt es an, wer wen
von wo (wenn überhaupt…) zu Kenntnis nehmen will.
Im September 2005 fand dann das internationale
musikwissenschaftliche Symposium in Temeswar statt,
diesmal mit dem Thema Musik als interkultureller Dialog.
Das Banat als euroregionaler Klangraum. Aktueller kann
man sich kein Thema vorstellen, wird doch Rumänien
bald in die EU aufgenommen werden. Nachdem das
Banat nach dem ersten Weltkrieg zwischen Ungarn,
Rumänien und Serbien aufgeteilt wurde, haben wir es
mit einer besonderen Situation auch im Bereich der
Musikgeschichte zu tun. Erfreulich war die Teilnahme
von Musikwissenschaftlern aus Rumänien, Ungarn,
Serbien, Österreich, Kroatien, Tschechien und
1

Deutschland. Auch dieser Konferenzbericht ist vor
wenigen Tagen in der Edition Musik Südost, München,
erschienen. Einer der Höhepunkte dieses Temeswarer
Symposiums war das erste Konzert in der großen Synagoge,
die der Temeswarer Philharmonische Verein für
50 Jahre als Konzertsaal übernommen hat.
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Bei unseren Mitgliedern, Förderern und Freunden
aus dem In- und Ausland möchte ich mich für die bisher
erwiesene Treue bedanken. Nur gemeinsam können
wir auch weiterhin etwas für unsere gemeinsame
deutsche südosteuropäische Musikkultur tun.
Dr. Franz Metz
Vorsitzender der GDMSE
Über die gemeinschaftsbildende Kraft der Musik
Zur Eröffnung des musikwissenschaftlichen Symposiums anlässlich der 20-Jahr-Feier der Gesellschaft für
deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V. am 19. Februar 2005 im Sudetendeutschen Haus, München
von Dr. HARTMUT SINGBARTL
Dass die Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa ihre 20-Jahr-Feier im Sudetendeutschen
Haus in der bayerischen Landeshauptstadt München begeht, symbolisiert in diesem Zusammenklang an sich schon eine
Harmonie, die dem Anlass dieser besonderen Veranstaltung durchaus angemessen erscheint.
Ihnen allen, die Sie sich zu diesen bedeutenden musikwissenschaftlichen Symposium hier eingefunden haben, sei es
aus wissenschaftlichem Interesse, sei es aus Heimatverbundenheit oder einfach aus Freude an besonders anspruchsvoller
und schöner Musik, entbiete ich für die Sudeten deutsche Stiftung gleichsam als Hausherr des Veranstaltungsorts
meine herzlichsten Willkommensgrüße. Ich wünsche Ihnen ebenso erkenntnis- und ergebnisreiche wie schöne Stunden
dieser wichtigen Begegnung.
Ich freue mich, dass Sie dafür unser Sudetendeutsches Haus gewählt haben, das im Übrigen ebenfalls wie Ihre Gesellschaft
seit genau 20 Jahren besteht.
Wir haben also ein gemeinsames Jubiläumsjahr. Auch das verbindet Sie mit unserem Haus.
Der damalige bayerische Ministerpräsident Dr. Franz Josef Strauß hat zu seiner Eröffnung 1985 erklärt, "... dass dieses
Haus eine wesentliche Voraussetzung dafür schafft, dass die Sudetendeutschen ihre geschichtlich- kulturelle Identität
wahren und ihr Erbe an künftige Generationen weitergeben können..." und er hat hinzugefügt, "...dass der Freistaat
Bayern die Sorge der Sudetendeutschen um die Bewahrung ihrer Volksgruppenidentität und um die Bewahrung ihres
geschichtlichen und kulturellen Erbes zu seiner eigenen Sorge gemacht hat..."
Das ist der Geist, aus dem die Sudetendeutsche Stiftung und das Sudetendeutsche Haus entstanden sind. Das ist
auch der Geist, in dem Bayern und die bayerische Staatsregierung seit jeher den berechtigten Anliegen der deutschen
Heimatvertriebenen insgesamt aus deutscher und europäischer Verantwortung Rechnung tragen.
Wir alle wissen, dass die Bewahrung der ost- und südostdeutschen Kultur sich ungleich schwieriger gestaltet als der
etablierte und in der Regel auch in ganz anderer Dimension ausgestattete allgemeine Kulturbetrieb. "Kein Land der
Welt finanziert mehr Theater und Orchester" schrieb die Süddeutsche Zeitung erst vor 3 Tagen. Die Vertreibung und
Aussiedlung der früheren deutschen Bewohner und ihre weiträumige Zerstreuung erschweren den Erhalt kultureller
Tradition aus ihren Herkunftslandschaften ebenso wie auch der Wegfall früher dort vorhandener Kultureinrichtungen.
Dies betrifft wissenschaftliche Hochschulen, Kunstakademien und eine ehemals reiche Museumslandschaft gleichermaßen
wie eben auch eine so wunderbare und facettenreiche Musikkultur.
Diesen unverzichtbaren Bestandteil deutscher und europäischer Kultur wieder zu entdecken, zu wahren und zu
pflegen, haben Sie sich in großartiger Weise zur Aufgabe gemacht und werden damit Ihrer Rolle als Mittler eines
fruchtbaren Kulturaustauschs im jahrhunderte langen Zusammen- und Nebeneinanderleben mit den östlichen Nachbarn
gerecht. Seit der Wende in Europa eröffnet sich zunehmend die Möglichkeit, ostdeutsche Kultur auch in den Herkunftsregionen
wieder zu pflegen und damit die Identität auch unserer dort verbliebener Landsleute zu stärken. Unser
Ziel muss darüberhinaus sein, auch die Neubevölkerung dieser Gebiete in diesen Prozess einfühlsam einzubeziehen.
Gerade auch sie hat allen Grund, sich mit der jahrhundertealten Geschichte dieses Raumes auseinanderzusetzen, die bis
zur Mitte des vergangenen Jahrhunderts deutsche Geschichte war und zur Entwicklung Europas so kraftvoll beigetragen
hat. Dass die deutschen Heimatvertriebenen und Aussiedler dabei berufene Mittler sind, liegt auf der Hand. Niemand
kennt das Land ihrer Herkunft besser und niemand hat dessen Überlieferung so nachhaltig, selbstlos und erfolgreich
bewahrt wie sie.
Martin Luther hat in einer seiner Tischreden ein schönes Wort über die gemeinschaftsbildende Kraft der Musik gesagt.
Formen der Kurzweil wie spielen, fechten, springen seien dahin gerichtet,- ich zitiere:"...dass jeder vermeint, dem
anderen vor zu sein oder abzugewinnen, woraus dann manch Unrat entstünd. Aber die Musik hat nichts anderes
Vürhabens, denn dass sie mit allem Fleiß die Einigkeit der Stimmen hilft erhalten und Mißhellung wehret ." Soweit das
Zitat zur verbindenden Kraft der Musik.

Gerade die Vielfalt der Musik, vom reichen Schatz der Volkslieder bis zu den großartigen Schöpfungen der Kirchenmusik
und weltlicher Kompositionen, gehört zu den ältesten und wertvollsten Kulturgütern unserer Heimat. Sie
gilt es immer wieder neu zu entdecken und damit auch die Landschaften ihrer jeweiligen Herkunft.
Dazu leisten Sie, Herr Dr. Metz, und ihre Gesellschaft seit 20 Jahren einen großartigen Beitrag. Dafür möchte auch
ich Ihnen von dieser Stelle aus meine hohe Anerkennung und meinen besonderen Dank aussprechen. Nicht zuletzt
durch das Sudetendeutsche Musikinstitut in Regensburg ist auch die sudetendeutsche Seite intensiv daran beteiligt.
Aber auch in Bayern insgesamt finden Sie sicher viel Zustimmung und Verständnis für die selbstverständliche Verpflichtung
einer traditionsreichen und einer so lebendigen Musikkultur gegenüber. Einer Statistik nach gibt es hier weit
über eine Million Bürger, die in einem Chor mitsingen oder aktiv in einem Orchester mitspielen. Das ist mindestens
jeder zehnte Bürger in Bayern. Hier finden wir auf breiter Basis bestätigt, was um das Jahr 1785 bereits der schwäbische
Musiker und Dichter Christian Friedrich Daniel Schubart in seinen "Ideen zu einer Ästhetik der Tonkunst" über das
Kurfürstentum Bayern bemerkte,- ich zitiere- :, "...dass diese Nation überhaupt ungemein musikalisch sey. Jeder Reisende,
der Ohr und Herz mitnimmt, wird dies mit Vergnügen bemerken, wenn er Bayern durchreist , alles singt und
klingt".
Heute, 220 Jahre später, hat diese Feststellung sicher nichts von ihrer Gültigkeit verloren. Im Gegenteil, weit über 2
Millionen Vertriebene, Flüchtlinge und Aussiedler, das ist fast jeder vierte Bürger dieses Landes, bereichern das hiesige
Musikleben um die mitgebrachten Traditionen ungemein. Wir haben allen Grund, stolz darauf zu sein.
Für die Zukunft wünsche ich Ihnen, Herr Dr. Metz, weiterhin viel Kraft und Freunde in Ihrer wichtigen Arbeit und
der Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa viel Erfolg. Sie leisten damit nicht nur unverzichtbare
musikwissenschaftliche Arbeit, sondern machen den Menschen Freude und tragen damit ganz wesentlich zur Bewahrung
des Gemeinschaftsgefühls und zur Heimatverbundenheit auch über die Grenzen hinweg bei.
Musikwoche der GDMSE
Musikwoche mit vielen Höhepunkten
Die Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V. sieht mit Optimismus in die Zukunft
von JOHANNES KILLYEN
„Wir sind ins kalte Wasser gesprungen und lernten das
Schwimmen“, sagte Franz Metz. „Und unsere Musikwoche,
wie auch all die anderen Aktivitäten, beweisen,
dass wir es geschafft haben, in der für uns nicht einfacher
gewordenen Welt zu überleben.“ Das waren Worte
der Genugtuung zu einer regulären und doch außergewöhnlichen
Mitgliederversammlung der Gesellschaft
für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa
(GDMSE). In der Evangelischen Tagungsstätte Löwenstein
nahe Heilbronn, wo die GDMSE fast schon
ein zweites Zuhause hat, wurde Anfang April die 20.
Auflage ihrer Musikwoche gefeiert.
Die Löwensteiner Musikwoche ist seit vielen Jahren das
Herzstück der GDMSE-Aktivitäten: Hier kommt über
eine ganze Woche hinweg Musik deutscher Komponisten
aus Südosteuropa zum Klingen, hier verschmelzen
wissenschaftliche Ziele mit der Emphase von weit über
100 begeisterten Laien- und Profimusikern. Und hier
ist auch Raum für den Austausch von Ideen und Erfahrungen
in der jährlichen Mitgliederversammlung.
Im Jubiläumsjahr 2005 erhielt diese Sitzung zusätzlichen
Glanz durch Ehrungen für Mitglieder und musikalische
Wegbegleiter der Musikwoche: Zu Ehrenmitgliedern
der GDMSE wurden die Komponisten Hans
Peter Türk und Helmut Sadler sowie die Musikwissenschaftler
Karl Teutsch, Robert Rohr und Helmut Loos
ernannt. Der GDMSE-Vorsitzende Dr. Franz Metz
dankte Antje Neumann (als ehemaliger Leiterin), Wolfgang
Meschendörfer (als jetzigem Leiter) und Horst
Gehann mit einem Diplom für die viele Arbeit, die
Planung und Organisation der Musikwoche in den
vergangenen 20 Jahren mit sich gebracht haben. Die
Erinnerung galt aber nicht nur den Erfolgen und Verdiensten,
sondern auch den Verlusten: Mit Prof. Gotthard
Speer (verstorben im März 2005), Wolf von Aichelburg,
Konrad Scheierling, Anneliese Barthmes,
Wilhelm Georg Berger und Hans Dasch hat die
GDMSE im Laufe der Jahre sechs wichtige Persönlichkeiten
verloren.
Zum Abschluss eines Vortrags, der unter anderem die
aktuelle Lage der deutschen Musikkultur in Südosteuropa
in den Blick nahm, formulierte Franz Metz vier
Anliegen: Er wünsche sich, dass es der GDMSE gelingen
möge, sich den Entwicklungen der Zeit anzupassen,
dass die Musikwoche auch weiterhin eine zentrale
Rolle in den vielen Aktivitäten unseres Vereins einnehmen
und dass die musikwissenschaftliche Arbeit
der Gesellschaft eine immer weitere Verbreitung und
Wahrnehmung finden möge. „Und nicht zuletzt, dass
wir auch weiterhin in guten Aufführungen die Musik
unserer siebenbürgischen oder Banater Komponisten
so wiedergeben, dass sie Einzug finden kann in das
Konzertleben unserer Zeit.“
Über jedes der neuen Ehrenmitglieder der GDMSE
ließen sich viele Zeilen schreiben: über die bewegende,
in moderner Tonsprache Menschliches vermittelnde
Musik des Klausenburger Komponisten Hans Peter
Türk ebenso wie über die wissenschaftliche Akribie
und Ausdauer eines Karl Teutsch, den tiefen Einblick
eines Robert Rohr und die Fähigkeiten eines Helmut
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Loos, nicht nur Theorie zu lehren, sondern auch
Netzwerke zu knüpfen zwischen Ost- und Westeuropa.
Der Komponist Helmut Sadler, bei der Mitgliederversammlung
persönlich mit Frau und Tochter zugegen,
ist der GDMSE und der Musikwoche seit vielen Jahren
verbunden. Er hat noch in jedem Jahr Werke zugesteuert
– und konnte jetzt erleben, wie der von Marco
Lechler geleitete Chor der Musikwoche in der prächtigen
Stiftskirche zu Öhringen seine Cäcilienmesse aufführte.
Dieses Werk ist, anders als der Titel vermuten lassen
könnte, nur indirekt der Schutzheiligen der Musik, der
heiligen Cäcilie, gewidmet. Ihr Widmungsträger ist der
katholische Kirchenchor „Cäcilia“ in der Gemeinde
Mauer bei Heidelberg. Als der Komponist Anfang der
70er in dem Ort ansässig geworden war, baten ihn die
Sängerinnen und Sänger des Chores um eine Messkomposition.
Die Cäcilienmesse entstand in enger Anbindung
an die praktischen Möglichkeiten: Helmut
Sadler bemühte sich ganz bewusst um Verständlichkeit
und um eine Musiksprache, die auch in einem dörflichen
Umfeld Anklang finden sollte. „Alle sollten gefesselt
sein“, betont Sadler.
Zuerst wurde der Chor „Cäcilia“ bei der Messe nur von
einem Blechbläserquartett begleitet, später traten Pauken
und eine Orgel, schließlich auch noch Streicher
hinzu. In dieser Besetzung erfreut sich die Cäcilienmesse
bis heute großer Beliebtheit nicht nur in Mauer,
sondern auch in Crailsheim und anderen Orten. Am
heutigen Abend schließlich wird die Messe erstmals in
der Besetzung für Sinfonieorchester, also mit Holzbläsern
(statt Orgel) aufgeführt.
Mit den Besonderheiten des dörflichen Musiklebens
Rechnung ist Helmut Sadler übrigens schon aus seinen
Jahren in Siebenbürgen gut vertraut: Auch dort wurde
in den Gemeinden viel gesungen und gespielt, stets im
Rahmen der instrumentalen und vokalen Möglichkeiten.
Es entstand u.a. die kantatenähnliche, sangliche
Gattung des „Dictums“. Sadler selbst begleitete in seiner
Jugend zahllose Male Dorfkirchenchöre an der
Orgel. Zugleich ist die Cäcilienmesseaber ein Bekenntniswerk
– Helmut Sadler hat in jedem ihrer Sätze (die
den Ordinariumsteilen der lateinischen Messe entsprechen)
persönliche Eindrücke verarbeitet. Dazu gehört
tiefe Trauer über den Tod von nahen Verwandten.
Der unmittelbaren, unverstellten Wirkung der Cäcilienmesse
konnten sich weder die Zuhörer in Öhringen
noch die Choristen und Instrumentalisten entziehen.
Viel Applaus nach einer guten Leistung der Musikwochen-Ensemble
– die freilich froh waren, mit diesem
Werk weniger an die Grenzen des Machbaren gekommen
zu sein als im Jahr 2004 mit dem gewaltigen Oratorium
„Der Allmacht Wunder“ von Johann Lukas
Hedwig.
Ein ausgesprochen erfolgreiches Experiment war die
Verlegung des traditionellen Dozentenkonzertes der
Musikwoche in Gundelsheim vom Festsaal auf Schloß
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Horneck in die nahe Deutschmeisterhalle. Schön, dass
die Leitung des Altenheimes im Schloß Horneck die
Werbung für den Abend unterstützte – schön auch,
dass die Stadt Gundelsheim wie in den vergangenen
Jahren die Gema-Gebühren übernahm.
200 Zuhörerinnen und Zuhörer erlebten ein wie immer
buntes, wenngleich nie beliebiges, dabei exquisit musiziertes
Programm. Hannah König (Blockflöte), Harald
Christian (Violine), Ilse Herbert (Cello) und Liane
Christian (Klavier) boten auf modernen Instrumenten
mit viel barockem Gespür eine Triosonate von Telemann.
Renate Dasch (Mezzosopran) und Johanna
Boehme (Sopran) sangen – begleitet von Liane Christian
– traurig-schöne Lieder von Paul Richter und dem
unbekannten, keineswegs zu vernachlässigenden Banater
Komponisten Heinrich Weidt (1824-1901).
Emotionale Spannungspole waren die meditative, stark
von rumänischer Volksmusik beeinflusste Flötensonate
Nr. 2 von Sigismund Toduţă (mit Wolfgang Meschendörfer
und Liane Christian) und das brillante, teuflisch
schwere Virtuosenstück Navarra für zwei Violinen und
Klavier. Der Geiger Harald Christian und seine 15jährige
Tochter Sarah – Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe
– heimsten dafür den wohl größten Applaus
des Abends ein. Musikalischer Höhepunkt war dennoch
zum Abschluss Paul Richters oft an Brahms gemahnendes
Klaviertrio d-Moll, wiederum mit Harald,
Sarah und Liane Christian sowie Ilse Herbert.
Ein drittes öffentliches Konzert der Musikwoche bot in
der Evangelischen Tagungsstätte Löwenstein die junge
Banater Pianistin Susanna Bartál – ein kraftvoller, kluger
Beweis hervorragenden Könnens und großer Disziplin
bei nicht weniger als sieben verschiedenen
Komponisten. Von Susanna Bartál wird man noch
hören – demnächst studiert sie in Paris.
Das anfangs erwähnte Jubiläum der Musikwoche spielte
freilich nicht nur bei der Mitgliederversammlung eine
Rolle: Am vorletzten Abend ließ die langjährige Leiterin
der Woche, Antje Neumann, 20 Jahre Musikwoche
Revue passieren; zuvor hatten sie und Bettina Meltzer
eine kleine Ausstellung mit Bildern und Programmen
der Woche von 1986 bis 2004 zusammen gestellt.
Drei interne Konzerte boten den über 100 Teilnehmerinnen
und Teilnehmern der Musikwoche genügend
Raum, um während der Woche eingeübte oder bereits
vorher einstudiert Werke aufzuführen. Dass es dabei
auch Professionelles zu hören gab, versteht sich von
selbst. Doch war Musik hier ebenso ein beeindruckendes
Gemeinschaftserlebnis, ein Fest der Generationen,
die – welch ein Glück – vom Kleinkind bis zur Großmutter
in gleichmäßiger Verteilung vertreten waren.
Der interne, vertraute Rahmen dürfte manchen Laienmusiker
ermutigt haben, seine musikalischen Fähigkeiten
einem größeren Kreis zu präsentieren. Wie in den
vergangenen Jahren waren – vermittelt durch die Klausenburger
Pianistin Gerda Türk – vier junge Musiker
aus Rumänien Gast bei der Musikwoche: eine Berei-

cherung für sie selbst ebenso wie für die anderen Teilnehmer
und auch die musikalische Qualität.
All das wäre freilich nicht denkbar ohne den Einsatz
der Dozenten der Musikwoche, die zuvor Garanten für
Stabilität und Weiterentwicklung sind. In ihrem Vortrag
zur Mitgliederversammlung hatte die langjährige Teilnehmerin
Hildegard Barth zurecht betont: „Die jetzige
Dozentenbesetzung hat eine solche Zugkraft entwickelt
und die Musikwoche ist ein solcher Selbstläufer geworden,
dass man sich um neue Interessenten nicht sorgen
muss. Dass Menschen in wirtschaftlich nicht gerade
rosigen Zeiten begeistert nach Löwenstein kommen,
das ist doch das schönste Lob für die Musikwoche.“
Die Leitung des Chors und Gesamtleitung des Ensembles
lag in den Händen von Marco Lechler aus
Pfedelbach bei Öhringen, für die Sänger war Renate
Dasch (Berlin) zuständig, für die Bläser Bärbel und
Thomas Tirler (Marl). Harald Christian (Augsburg)
Junge Temeswarer Pianistin brilliert in Deutschland
leitete die hohen und Ilse Herbert (Klausenburg) die
tiefen Streicher an, Liane Christian (Augsburg) die Pianisten,
Hannah König (München) die Blockflöten,
Gertraud Winter-Sailer (Augsburg) den Jugendchor
und die Kindergruppe, Antje Neumann und Bettina
Meltzer schließlich die Tänzer. Für die Gesamtleitung
waren Wolfgang Meschendörfer und Johannes Killyen
verantwortlich.
Ebenfalls eine Unmöglichkeit: die Löwensteiner Musikwoche
– mittlerweile ein logistisches Großunternehmen
– ohne die Unterstützung von treuen Sponsoren
auf die Beine zu stellen. Der Woche zur Seite standen
das Kulturreferat der Landsmannschaft der Siebenbürger
Sachsen, die Siebenbürgisch-Sächsischen
Stiftung, das Kulturreferat für Südosteuropa im Donauschwäbischen
Zentralmuseum Ulm, die HOG
Kronstadt, die HG Hermannstadt – und nicht zuletzt
die Evangelische Tagungsstätte Löwenstein.
Die ehemalige Lenauschülerin Susanna Bartal (Temeswar) begeistert die Zuhörer in Löwenstein
von DR. FRANZ METZ
„Dynamik und Strahlkraft“, „Temperament und vitale Wucht“, „Virtuosität ersten Ranges“ – so sprechen die Kritiker
über das letzte Auftreten der jungen Pianistin Susanna Bartal aus Temeswar bei ihrem Konzert anlässlich der 20. Musikwoche
der Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa. Es war für die zahlreichen und begeisterten
Zuhörer nicht nur ein fulminanter Konzertabend sondern eine künstlerische Wanderung durch ein anspruchvolles
Programm der Musikliteratur: Bach, Chopin, Schubert, Liszt, Ravel, Bartók. Vor zwei Jahren spielte an dieser Stelle eine
andere begabte junge Temeswarer Pianistin, Wanda Albota, die nun ihr Studium an der Weimarer Musikhochschule
fortführt.
Die junge Rumänin – wie einige Kritiken über Susanna Bartal fälschlicherweise berichten – ist eigentlich eine junge
Ungarin, die die Temeswarer Lenauschule besucht hat, dreisprachig aufgewachsen ist und außerdem noch fließend
französisch und englisch spricht. Zur Zeit beendet sie das Musiklyzeum der Banater Hauptstadt und bereitet sich für ihr
Studium in Paris vor. Es gibt nicht mehr viele junge Musiker in Temeswar, die deutsch sprechen und die einen Teil
dieser Banater Seelenlandschaft in sich tragen.
Susanne Bartal (geboren 1986 in Temeswar) bekam den erste Klavierunterricht bei Flora Toth am Musikgymnasium
ihrer Heimatstadt parallel mit dem Besuch der Lenauschule. Ab ihrem 12. Lebensjahr besuchte sie verschiedene Meisterkurse
mit anerkannten Pianisten, so z.B. mit Günter Reinhold (Musikhochschule Karlsruhe), Jean-Francois Antonioli
(Conservatoire de Lausanne), Nadine Wright (Paris), Jean-Francois Heisser (Conservatoire de Paris). Außerdem nahm
sie am Kammermusikkurs des berühmten Ysaye Quartetts teil. Die jungen Pianistin konzertierte bisher in Rumänien
(Temeswar, Bukarest, Lugosch, Großwardein, Großsanktnikolaus), Deutschland, Ungarn und Frankreich, wovon 12
selbstständige Solokonzerte. Im Dezember 1999 hatte sie ihr erstes Konzert mit Orchester, der Capella Banatica des
Temeswarer Musikgymnasiums.
Im Dezember 2001 spielte sie mit Begleitung der Temeswarer Philharmoniker unter der Leitung von Jean-Francois
Antonioli (Schweiz). Sie erschien auch in zahlreichen Sendungen im Fernsehen und Radio, in Rumänien sowie in Ungarn.
Selbst die Liste ihrer bisherigen internationalen und nationalen Preise ist vielversprechend: II. Preis beim Nationaler
Czerny-Wettbewerb, Piatra Neamt, (1998), I. Preis beim Musikwettbewerb in Deva, (1998), III. Preis beim Internationalen
Enescu-Wettbewerb, Bukarest (1998), Finalistendiplom beim Internationalen Seiler-Wettbewerb, Kitzingen
(1999), Preis beim Internationalen EPTA-Wettbewerb, Osijek (Kroatien, 2001), I. Preis beim Internationalen Klavierwettbewerb
Maryse Cheilan (Hyeres, Frankreich, 2002 und 2003), I. Preis beim Euroregionalen Klavierwettbewerb
„Alma Cornea-Ionescu“ (Temeswar, 2003 und 2004), usw. Für all diese Wettbewerbe und Konzerte wird Susanna Bartal
von ihrer Klavierlehrerin Prof. Stancovici-Fernbach mit den dazu nötigen Kenntnissen ausgerüstet. Wie man sieht,
wird diese Arbeit auch auf internationalem Parkett anerkannt und die Banater Klavierschule, vor langer Zeit von Wilhelm
Franz Speer, Ella Philipp, Alma Cornea oder Gabrielle Dobrozemsky initiiert und geprägt, trägt nun Früchte.
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Die deutsche Tageszeitung „Heilbronner Stimme“ schrieb über ihr Konzert vom 31. März 2005 in Löwenstein: „Nach
dem hochkonzentrierten Einstieg schüttelt sie wie im ersten Teil Chopin, Debussy und Schubert auch im zweiten Teil
Liszts Rigoletto Paraphrase, Ravels Jeux d´eau und den ersten Satz von Bartóks Sonate aus dem Ärmel. Da fliegen die
Arme durch die Luft, ein kurzes Innehalten, um dem Ton Raum zum Verklingen zu geben…“ Als erste Zugabe spielte
Bartal ein Klavierstück von Brahms, das ungarische Motive in sich birgt. Dass auch Bartók auf dem Programm stand,
ist für Susanna Bartal selbstverständlich, wurde dieser bedeutende Komponist des 20. Jahrhunderts doch in Großsanktnikolaus
geboren, sein Vater selbst spielt die Violine im philharmonischen Orchester dieser Banater Ortschaft.
Wer Susanna Bartal life erleben möchte, kann sie in einigen Wochen in Temeswar erleben, wenn sie das a-Moll-
Klavierkonzert von Edvard Grieg mit den Temeswarer Philharmonikern spielen wird. Den Namen dieser jungen Pianistin
aus Temeswar sollte man sich jedenfalls merken.
von WOLFGANG WITTSTOCK
Nahezu 40 Jahre hat Eckart Schlandt mit dem Bach-
Chor die große Oratorien- und Kantatenliteratur gepflegt
und einem dankbaren Publikum dargeboten. Die
Kenner, die Musikfreunde kamen selbst von weither zu
diesen Konzerten, denn die wichtigsten Werke der
vokalsinfonischen Kirchenmusik bekam und bekommt
man hierzulande nicht allzu oft live zu Gehör. Jedes
dieser Bach-Chor-Konzerte - etwa mit den Passionen
oder der „Hohen Messe h-Moll“ von Bach, dem „Messias“
von Händel, Mozarts Requiem, Haydns „Schöpfung“
oder dem „Deutschen Requiem“ von Brahms
wie auch immer wieder mit vokalsinfonischen Werken
siebenbürgisch-deutscher Komponisten (Lassel, Paul
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Menschen
Eine eindrucksvolle künstlerische Karriere
Der Chorleiter, Organist und Musikerzieher Eckart Schlandt wird 65
Es war ein Ereignis, das eindeutig eine Zäsur in der
Kronstädter Musikgeschichte markierte, auch wenn
darüber in der Öffentlichkeit kaum ein Wort verloren
wurde: Eckart Schlandt, der namhafte Orgelvirtuose,
Chorleiter und Musikpädagoge, zog sich im vorigen
Jahr von der Leitung des Bach-Chors der Schwarzen
Kirche zurück, dem er jahrzehntelang als Dirigent vorgestanden
und den er immer wieder zu eindrucksvollen,
unvergesslichen musikalischen Leistungen animiert
hatte. Die letzte Aufführung vor Kronstädter Publikum
bestritt der Bach-Chor unter der Leitung von Eckart
Schlandt im Mai 2004, im Rahmen des Festivals „Musica
Coronensis“, mit Bachs „Himmelfahrtsoratorium“
BWV 11 und einem Werk des Kronstädters Rudolf
Lassel (1861-1918), der Vertonung des Psalms 43
„Richte mich, Gott“. Im Juni leitete Eckart Schlandt im
Kapitelzimmer die letzte Chorprobe. Es folgte eine
kleine Feier, in deren Rahmen sich der Dirigent mit
besinnlichen Worten von „seinem“ Chor verabschiedete.
Den Dirigentenstab übergab Eckart Schlandt seinem
Sohn Steffen Schlandt, der im Dezember mit der
Aufführung von Händels „Messias“ einen überzeugenden
Einstand gab. Damit ist die Leitung des Kronstädter
Bach-Chors in dritter Generation eine Angelegenheit
der Familie Schlandt, denn Eckart Schlandt hatte
den Chor und auch die Organistenstelle der Schwarzen
Kirche im Jahr 1965 von seinem Vater Walter Schlandt
(1902-1979) übernommen.
Richter, Franz Xaver Dressler u.a.) - kann man darum
im Rückblick als Kulturtat bezeichnen. Die Chronik
verzeichnet 109 große Aufführungen, die der Kronstädter
Bach-Chor unter Eckart Schlandt dargeboten
hat - wesentlich mehr, als zu Victor Bickerichs, des
Chorgründers, Zeiten zustande kamen. Eckart Schlandt
erklärt die Gründe für dieses zahlenmäßige Missverhältnis.
Victor Bickerich (1895-1964), der große Bach-
Verehrer, hatte den Kronstädter Bach-Chor im Jahr
1933 gegründet, aber bereits 1924 bzw. 1931 die südosteuropäischen
Erstaufführungen der Matthäus-
Passion bzw. der Johannis-Passion von Bach in Kronstadt
zustande gebracht. In den 40 Jahren seines kirchenmusikalischen
Wirkens in Kronstadt, 1922-1962,
gab es unter seiner Leitung 70 Aufführungen großer
vokalsinfonischer Werke - eine beeindruckende Leistung,
wenn man die widrigen Umstände bedenkt, unter
denen Bickerich zeitweilig gelebt und gewirkt hat. In
den ersten beiden Nachkriegsjahren fanden keine Aufführungen
des Bach-Chors statt, weil Bickerich im
Lager Tg. Jiu interniert war, und in den Jahren 1949 -
1956 bzw. 1958 - 1965 stand dem Chor kein Orchester
zur Verfügung, weil die kommunistischen Behörden
den Philharmonikern untersagt hatten, an kirchenmusikalischen
Veranstaltungen teilzunehmen.
Im Jahr 1959 stellte der Chor gar seine Tätigkeit vollkommen
ein - es war die Zeit der unsere Gemeinschaft
stark verunsichernden politischen Prozesse (etwa
Schwarze-Kirche-Prozess, Schriftstellerprozess) -, und
als, nach etwa sechs Monaten, die Proben wieder aufgenommen
wurden, waren nur noch ältere Semester
bereit mitzusingen. Nachfolger Bickerichs wurde Walter
Schlandt, der sowohl das Organistenamt als auch
die Leitung des Bach-Chors in den Jahren 1962-1965
wahrgenommen hat. Mit dem Chor ging es langsam
wieder aufwärts. Es gab z.B. unter Walter Schlandts
Leitung Aufführungen von Bachs Johannis-Passion
sowie des Requiems von Mozart.

„Auch bei mir ging nicht immer alles wie geölt,
manchmal war's ein Tanz auf dem Seil“, sagt Eckart
Schlandt. Der namhafte, über die Landesgrenzen hinaus
bekannte Musiker erfüllt in einigen Tagen, am 20.
Februar, sein 65. Lebensjahr. Dieser Geburtstag war
für uns der Anlass, Eckart Schlandt zu besuchen und
mit ihm sowohl über seine bisherige künstlerische Karriere
als auch über zukünftige Projekte zu sprechen.
Das Schlandt'sche Haus liegt an der Westseite des
Schneckenbergs in Kronstadt/Bra{ov, das Anwesen ist
seit Jahrhunderten Familienbesitz. Wir sitzen und plaudern
im gemütlichen Arbeitszimmer des Künstlers,
dessen wichtigster Einrichtungsgegenstand der Förster-
Pedalflügel ist, an dem Eckart Schlandt tagtäglich viele
Arbeitsstunden verbringt. Weite Strecken unseres Gesprächs
handeln vom Bach-Chor. Schlandt erinnert an
Höhepunkte, aber auch an Schwierigkeiten, denen der
Chor begegnete, in erster Linie die Anonymität, in der
er in der kommunistischen Zeit seine Tätigkeit entfalten
musste. Nach dem Sturz Ceauşescus kamen auf den
Bach-Chor Probleme anderer Art zu. Zahlreiche
Chormitglieder wanderten aus, doch der Dirigent gab
nicht auf, selbst als 1990 in den Chorproben nur noch
3 Sopranistinnen, 6 Altstimmen, 2 Tenöre und 3 Bässe
zur Verfügung standen. Andersnationale und anderskonfessionelle
Chorsängerinnen und -sänger kamen
neu hinzu, und der Chorleiter sah sich in verstärktem
Maße nach Nachwuchs um. Zu diesem Zweck wurde
innerhalb des Bach-Chors 1992 ein Jugendchor gegründet,
und außerdem übernahm Eckart Schlandt
1994 auch die Leitung eines Schülerchors der
Honterusschule.
Ein wichtiger Ansporn waren sodann in den Jahren
nach der Wende die Gemeinschaftsproduktionen mit
anderen Singgemeinschaften. Zusammen mit dem
Hermannstädter Bach-Chor wurden beispielsweise
Bachs Johannis-Passion (1991), Mozarts Requiem
(1995, anlässlich der zentralen Gedenkfeier zum 50.
Jahrestag seit Beginn der Russlanddeportation) oder
Bachs Matthäus-Passion (2001) aufgeführt. Unter der
Mitwirkung des Kronstädter Astra-Chors sang der
Bach-Chor im Jahr 2002 das Oratorium „Der Allmacht
Wunder“ des in Heldsdorf/Hălchiu bei Kronstadt
geborenen Johann Lukas Hedwig (1802-1849). Diese
Aufführung, ebenfalls eine Kulturtat, auch im Hinblick
auf die Pflege unseres autochthonen Kulturerbes, ist als
Live-Mitschnitt auf einer hörenswerten CD dokumentiert.
Wie sein Vater Walter Schlandt, der ihm die Leitung
des Bach-Chors übergab, als er noch rüstig und
bei Kräften war, hat auch Eckart Schlandt den Dirigentenstab
seinem Sohn in einer - sowohl für ihn als auch
für den Chor - guten, fruchtbaren Phase übergeben,
was sich sicherlich auf die Kontinuität kirchenmusikalischer
Tradition in Kronstadt positiv auswirken wird.
Eckart Schlandt hat aber dem Bach-Chor keineswegs
den Rücken gekehrt. Als Chorsänger sowie für die
immer wieder nötige Instrumentalbegleitung steht er
weite zur Verfügung.
Und Eckart Schlandt denkt auch noch nicht daran, sich
offiziell in den Ruhestand zu verabschieden. Er ist
weiterhin als Organist der Schwarzen Kirche bzw. der
Honterusgemeinde tätig, er wird auch in Zukunft Orgelkonzerte
und Orgelvorführungen bestreiten und die
alljährliche, weithin bekannte Orgelmusik-
Sommerspielzeit in der Schwarzen Kirche koordinieren
und in wesentlicher Weise mitgestalten. All das zusammen
und in Absprache mit den zwei anderen Organisten
der Honterusgemeinde: Inge Acker und Sohn
Steffen Schlandt, der im April 2004 angestellt wurde.
Als der geschätzte Konzertpianist, Musikerzieher und
Chorleiter Walter Schlandt im Jahr 1947 aus der Russlanddeportation
zurückkehrte, begann er, seinem Sohn
Eckart Klavierunterricht zu erteilen. Violine spielen
lernte Eckart Schlandt bei Olga Güttler, der Mutter des
Kontrabass-Virtuosen Wolfgang Güttler. Ab dem 14.
Lebensjahr unterwies ihn Victor Bickerich im Orgelspielen.
In den Jahren 1957-1962 studierte er am Bukarester
Konservatorium. Sein Lehrmeister in der Orgelklasse
war Helmut Plattner. Nach dem Studium kehrte
Eckart Schlandt nach Kronstadt zurück, wo er an der
Musikschule als Klavierlehrer angestellt wurde. Ab
1965, seit 40 Jahren, bekleidet er das Organistenamt an
der Schwarzen Kirche, wo ihm mit der - unlängst
gründlich restaurierten - Buchholz-Orgel von 1839 ein
sehr wertvolles Instrument zur Verfügung steht.
Als Orgelvirtuose hat Eckart Schlandt sowohl im Inland
als auch in vielen Ländern Europas sehr erfolgreich
unzählige Konzerte bestritten. Die Kritik feierte
ihn immer wieder als „Meister effektvoll-stilgerechter
Registrierung“. Vor zwei Jahren führte ihn eine Orgeltournee
gar in die USA. Als besonders wertvolle Leistung
des Orgelkünstlers Schlandt muss die alljährliche
Orgelmusik-Sommerspielzeit in der Schwarzen Kirche
gewertet werden, die Victor Bickerich begründet hatte
und die Eckart Schlandt zu einer besonderen Attraktion
für die Musikfreunde der Stadt wie auch für in- und
ausländische Touristen gestaltete. Jahrzehntelang gab es
in den Sommermonaten täglich (außer sonntags) Orgelkonzerte
in der Schwarzen Kirche. Vor etwa zehn
Jahren ist man auf einen Rhythmus von drei Konzerten
pro Woche, dienstags, donnerstags und samstags, eingeschwenkt.
Nach der politischen Wende von 1989
eröffneten sich auch dem Musikpädagogen Schlandt
neue Betätigungsfelder. Die Kronstädter Musikfakultät
verpflichtete ihn als assoziierten Professor für die Fächer
Orgel und Kammermusik, und in den Jahren
1992-1999 bestritt er Orgelmeisterkurse im Rahmen
der von der gleichen Lehranstalt organisierten internationalen
Meisterkurse.
Im Jahr 1999 wurde Eckart Schlandt in die Jury des
Interpretationswettbewerbs „Franz Liszt“ in Budapest
berufen, was die Wertschätzung, die ihm unter Kollegen
und Fachleuten zuteil wird, eindeutig belegt. Es
folgten weitere Ehrungen seines künstlerischen Wirkens,
so die Überreichung des Johann-Wenzel-Stamitz-
Preises in Mannheim (2000) oder die Verleihung des
Apollonia-Hirscher-Preises seitens des Demokratischen
7

Forums der Deutschen im Kreis Kronstadt (2002).
Letztere Würdigung galt gewisslich zunächst dem langjährigen
künstlerischen Wirken des Kirchenmusikers
Schlandt, aber zugleich auch dem gesellschaftlichen
Engagement des treuen Kronstädters, der z.B. seinen
ehrenamtlichen Pflichten als Kulturreferent des Kronstädter
Deutschen Kreisforums oder als Mitglied in der
Gemeindevertretung der Honterusgemeinde (seit mehr
als 30 Jahren) verantwortungsbewusst nachkommt. Als
wir Eckart Schlandt vor einigen Tagen besuchten, bereitete
er gerade einen Konzertauftritt in Neumarkt/Târgu
Mureş, mit der dortigen Philharmonie,
vor.
Unter der Stabführung des Sohnes Steffen Schlandt
sollte das Orgelkonzert g-Moll von Joseph Rheinberger
erklingen. Wir fragten nach weiteren Projekten und
erfuhren, dass hoffentlich in Kürze eine von Eckart
von WALTER WOLF
8
Schlandt bespielte CD mit Bachs „Clavierübung Dritter
Teil (Orgel Messe)“ vorliegen wird. Die Aufnahmen an
der Buchholz-Orgel kamen im Jahr 2003, anlässlich der
ersten Ausgabe der „Musica Coronensis“, zustande.
Die bisher von Eckart Schlandt bespielten Schallplatten
sind längst vergriffen. Statistisch gesehen, hat Eckart
Schlandt das Rentenalter erreicht. Er könnte sich, im
Bewusstsein erfüllter Pflicht und Schuldigkeit, aus der
Öffentlichkeit zurückziehen. Das wird aber nicht der
Fall sein. Als Musiker ist er weiterhin im Vollbesitz der
Spannkraft, die die Fortführung seiner eindrucksvollen
künstlerischen Karriere ermöglicht. Diese Karriere wird
mit Sicherheit weitere Höhepunkte verzeichnen, denen
die Musikfreunde erwartungsvoll entgegensehen. Hans
Eckart Schlandt, der erfolgreiche, geschätzte Konzertorganist
und Chorleiter (ADZ, 18.02.2005)
Chorgesang als Ausdruck der Traditionspflege
Achtes Banater Chortreffen in Gersthofen
Am 16. Oktober 2005 fand in der Stadthalle Gersthofen bei Augsburg eine weitere Ausgabe der seit 1997 von der
Landsmannschaft der Banater Schwaben mit wachsendem Erfolg organisierten Treffen der Banater Chöre und Singgruppen
statt. Ein Plädoyer für das vielen Banatern bekannte Lied „Mein Heimatland, Banater Land“ (Melodie Wilhelm
Ferch / Josef Linster, Text: Peter Jung) hielt der Musikwissenschaftler und Chordirigent Dr. Franz Metz. Nach seiner
Auffassung verdiene dieses Lied, als Hymne der Banater Schwaben betrachtet zu werden. Als Kostprobe sangen die
vereinten Chöre gemeinsam das Lied und anschließend die Bayerische Hymne.
Der Banater Chor aus München zusammen mit dem Kirchenchor St. Pius stellte sich in diesem Jahr mit den Stücken
„Der Zeitgeist“ von Franz Koringer (Text: Peter Rosegger) und „Im Prater blühn wieder die Bäume“ von Robert
Stolz vor. Der Chor wird von Dr. Franz Metz dirigiert. Allgemein begrüßt wurde die Anwesenheit des Banater Schubert-Chores
unter der Leitung von Adrian Nuca-Bartzer in diesem Jahr. Dieser 1969 in Temeswar gegründete Chor war
bis 1988 die repräsentative Singgemeinschaft der Banater Deutschen. Die Aussiedlung hat auch den Werdegang dieses
Chores bestimmt. 1985 haben nach Deutschland umgesiedelte Sänger in Sindelfingen einen sogenannten Ableger des
Chores in Deutschland gegründet. Mittlerweile besteht der Chor nur noch in Deutschland. Seine Mitglieder leben in
den verschiedensten Teilen der Bundesrepublik und treffen sich nur gelegentlich zu gemeinsamen Proben und Auftritten.
Beim Konzert in der Gersthofener Stadthalle sang der Schubert-Chor „Im Vorübergehen“ (Text: J. W. Goethe,
Musik: Karl Loewe), das Banater Volkslied „Wenn mei Deandl am Abend um Wasser geht“ (Chorsatz: Franz Stürmer)
und „Winternacht“, eine Vertonung von Walter Michael Klepper nach einem Gedicht von Nikolaus Lenau.
Der Banater Chor aus Rastatt unter der Leitung von Walter Berberich präsentierte eine Liedpremiere:„Sonntags,
wenn ich durchs Dorf geh’“, eine Komposition von Dr. Peter Schütz aus Uiwar (Banat), der das Lied in russischer
Kriegsgefangenschaft komponiert hat. Weiter brachte der Chor ein Wallfahrtslied (Chorsatz: F. Weinschrott) und
„Wenn ich ein Glöcklein wär“ (Musik: F. Xaver Engelhardt) zu Gehör. Viel Beifall gab es für den Solopart von Walter
Berberich.
Bei landsmannschaftlichen Veranstaltungen im Raum Chiemsee immer wieder dabei ist der Chor aus Traunreut,
dem Banater Schwaben und Banater Berglanddeutsche angehören. Er wird von Susanne Ballmann geleitet. Diesmal
sangen sie „In Gemeinschaft zu singen“ (Text: Josef Irlweg, Chorsatz: Hans Sieber-Brach), „Wenn vom Domplatz
noch läuten die Glocken (Musik und Text: Nikolaus Burger) und das Volkslied „Peters Brünnele“.
Wie der Moderator des Chorkonzertes, Peter-Dietmar Leber, feststellte, haben die Banater Schwaben im Saarland in
den letzten Jahren „mächtig aufgeholt“. Dort gibt es einen Theaterkreis, eine Tanzgruppe und seit einigen Jahren auch
einen Chor. Letzterer wird von Eva Frombach geleitet. Der Singkreis Homburg widmet sich hauptsächlich der Pflege
des Volksliedes. Zum Mitsingen und Schunkeln regten die Lieder an: „Im Wein liegt Sonnenschein“ (Satz: Robert Pappert),
„Die Herzen auf, die Musi kommt“ (Satz: Eberhard Hertl) und die volkstümliche Weise „Wie scheint der Mond
so hell.
Der Marienchor aus Nürnberg unter Leitung von Willibald Baumeister präsentierte mit seinen volkstümlichen Liedern
(„Freude spendet uns das Leben“, „Die Augen der Mutter“, „Im schmucken Schwabendorf“) eine musikalische
Reise nach Nordamerika, Argentinien und ins Banat.
Einst gab es im Banat zahlreiche Männergesangvereine. Es ist belegt, dass beim großen Sängerfest 1928 in Detta 82
Männergesanggruppen dabei waren. Der Chor aus Karlsruhe unter der Leitung von Peter Helmut Meinhardt ist der

einzige noch bestehende Banater Männerchor. Er sang die volkstümlichen Lieder „Das kleine Dörflein“ (Text und
Musik: P. H. Meinhardt), „Junges Herz und graue Haare“ sowie das volkstümliche Potpourri „Wo die Donau fließt
nach Süden“.
Dass Singen nichts mit dem Alter zu tun hat, das bewies diesmal der Seniorensingkreis aus Augsburg. Nach längerer
Abwesenheit hat dieser Chor seiner Rolle als Gastgeber alle Ehre gemacht. Unter der Leitung von Werner Zippel sangen
die Senioren die volkstümlichen Weisen „Im schönsten Wiesengrunde“, „Glocken der Heimat“ und „Bilder aus der
Heimat“.
Bekannt sind die vielen Auftritte des Banater Chors aus Stuttgart bei verschiedensten landsmannschaftlichen Veranstaltungen.
Diese Singgemeinschaft hat sich hauptsächlich der Pflege des Volksliedes aus dem donauschwäbischen Siedlungsgebiet
verschrieben. Doch auch Kunstlieder und Arien aus Operetten gehören zum Repertoire dieses von Hildegard
Mojem geleiteten Chors. Auf der Bühne in Gersthofen erklangen die Lieder „Hymne an die Nacht“ (Musik: Ludwig
van Beethoven), „Bunt sind schon die Wälder (Text: J. Gaudenz von Salis-Seewis, Musik: J. Friedrich-Reichardt)
und „Sommerlied“ (Text: H. W. Hockl, Musik: Hans Walter).
Auch die Banater Singgruppe Würzburg ist eine wichtige Stütze der landsmannschaftlichen Arbeit im Kreisverband
Würzburg. Sie wird von Anni Loch-Karl geleitet. Auf dem Programm der Gruppe standen diesmal die Volksweise
„Sitzt a klans Vogerl“, „Das Lied der Taiga“ (Text: F. Weirich, Musik: R. Bauer) und das „Wolgalied“ aus der Operette
„Der Zarewitsch“ von Franz Lehar.
Einer der traditionsreichsten Chöre ist der Donaudeutsche Singkreis Frankenthal unter der Leitung von Katharina
Eicher-Müller. Neben zahlreichen Auftritten im eigenen Haus (Donauschwabenhaus) ist dieser Chor auch immer wieder
auf Gastspielreise. Unter anderem sang er mehrmals in Ungarn und im Banat. Für das diesjährige Chortreffen hatten
die Sänger drei Volkslieder vorbereitet: „Zwaa Sterndlein“, „Sitzt a klans Vogerl“ und „Wo der Wildbach rauscht“.
Ein Höhepunkt des Chorkonzertes war der Auftritt der Singgruppe „Sunnereen“ dar. Diese aus acht Sängern bestehende
Gruppe wird von Hildegard Barbara Müller geleitet. Im ihrem Repertoire sind Volksliederbearbeitungen, Kompositionen
aus der klassischen Musikliteratur sowie Stücke aus dem geistlichen Liedgut. Viel Beifall gab es in Gersthofen
für „Drei schöne Dinge fein“ (Daniel Friederici), „Lerchengesang“ (Musik: Felix Menselssohn-Bartholdy) und Herr,
deine Güte reicht so weit“ (Musik: A. Grell).
Der Darowaer Kirchenchor hat eine lange Tradition. Er wurde 1945 in Darowa (Banat) gegründet. Nach 1998, als
alle Sänger ausgewandert waren, wurde er in Spaichingen wieder aktiv unter der Leitung vom Martin Metz. Heute ist
Erich Meixner der Dirigent. Erfreulich ist, dass der Chor keine Nachwuchsprobleme hat, die Singgemeinschaft einen
motivierten Eindruck macht und von Erfolg begleitet wird. Die Lieder „Mein Liebchen“ (Text: Hans Mokka, Musik:
Heinz Wenrich), „Es flog ein klein Waldvögelein“ (Chorsatz: Siegfried Burger) und die Volksweise „Am Holderstrauch“
waren eine schöne Kostprobe aus dem reichen Repertoire des Chores.
Einer der ältesten und größten Banater Chöre in Deutschland ist der aus Karlsruhe; entsprechend ist auch das Repertoire
umfassend und anspruchsvoll. Unter der Stabführung von Hannelore Slavik sang der Chor die Volksweise „Ich
band mir einen Veilchenstrauß“ (Chorsatz: Hans Weisz), eine Arie aus der „Lustigen Witwe“ von Franz Lehar (Gesangssolo:
Hildegard Holzinger-Fröhr und Melitta Giel, am Klavier Doris Slavik) und das Volkslied aus Lothringen
„Oh du schöner Rosengarten“ (Chorsatz: Kurt Lißmann).
Stets erfolgreich sind die Auftritte des Banater Chors aus Waldkraiburg, dessen Dirigent Franz Christmann ist. Der
vierstimmige Chor ist längst über die Stadtgrenzen von Waldkraiburg hinaus bekannt. Sein Beitrag zum großen Chorkonzert
umfasste die Stücke „Im Frühling“ (Text: Johann Gaudenz von Salis-Seewis, Musik: W. A. Mozart), „Das Elternhaus“
(Text: Franz Wiedemann, Musik: Carl Hess; Gesangsolo: Ottmar Fickinger) und die Volksweise „Liebeslied“
(Satz: E. Bartzer).
Mit gemeinsamem Singen aller Chöre fand das Konzert seinen Abschluss. Da die Bühne nicht alle Sänger fassen
konnte, sangen viele aus dem Saal mit. Unter der Stabführung von Dr. Franz Metz wurden die Lieder „Wohl dem, der
herzlich lachen kann“ (Text: Eduard Hoffman, Musik: Franz Koringer) und „Herr, bleib bei uns“ (Musik: Stephan Paul
Ochaba) angestimmt.
Gesteigerte Sensibilität und äußerster Eigenwillen
Die junge Pianistin Andreea Butnaru kann schon auf eine reiche Konzerttätigkeit zurückblicken
von THEALINDE REICH
Das Musikleben der Stadt Bukarest bietet dem interessierten
Kenner und Liebhaber nicht nur Konzerte der
beiden Sinfonieorchester, sondern auch Veranstaltungen,
bei denen bedeutende und weniger bekannte Werke
der Kammermusik zum Tragen kommen. Eine
Konzertreihe, die kleineren Besetzungen die Möglichkeit
zur Entfaltung gibt, findet donnerstags im Studio
„Alfred Alessandrescu“ des Rundfunkgebäudes statt.
Im Monat März werden diese Kammermusikabende
wesentlich von der jungen Pianistin Andreea Butnaru
bestimmt, die in verschiedenen Formationen zweimal
auftritt. Am 3. März erklang, diesmal im großen Radiosaal,
bereits das Konzert eines Quartetts, in dem das
Streichtrio des zeitgenössischen Komponisten Jean
Françaix, das Klaviertrio in g-Moll von Claude Debussy
und das Klavierquartett op. 25, Nr. 1 in derselben Tonart
von Johannes Brahms aufgeführt wurden. Gabriel
Dănilă (Geige), Iulian Popovici (Bratsche), Florin
9

Mitrea (Cello) und Andreea Butnaru am Klavier wurden
für ihr exaktes Spiel und ihren Enthusiasmus mit
verdientem Applaus belohnt.
Ein sehr schönes Duo-Programm für Violoncello und
Klavier wird zwei Wochen später, am 17. März, um
19.15 Uhr, zu hören sein. Andreea Butnaru und ihr
Partner Florin Mitrea spielen die Sonate op. 63 in A-
Dur von Ludwig van Beethoven, die F-Dur-Sonate op.
99 von Johannes Brahms, die Fantasiestücke op. 73
von Robert Schumann und die Sonate in C-Dur von
Sergej Prokofjew. 1977 in Bukarest geboren, begann
Butnarus musikalische Ausbildung sehr früh. Äußerste
Disziplin kennzeichnete bereits ihre Kindheit und führte
dazu, dass sie im zarten Alter von sieben Jahren den
ersten Wettbewerb gewann. Während der Schulzeit am
Musiklyzeum „George Enescu“ in Bukarest folgten
weitere Preise bei Wettbewerben in Rumänien und
Italien. Auch auf eine rege Konzerttätigkeit kann
Andreea Butnaru schon zurückblicken. In Italien, der
Ukraine, in Deutschland und Japan, wo sie als Vertreterin
der Bukarester Musikhochschule am „International
Kyoto Music Festival“ teilnahm, gab sie sowohl Solo-
als auch Kammermusikabende; bereits mehrere Male
trat sie als Solistin von Klavierkonzerten auf.
Während des Studiums im Hauptfach Klavier bei Prof.
Viniciu Moroianu maß Butnaru auch dem Kammermusikunterricht
und der Begleitung von Sängern und Instrumentalisten
viel Bedeutung bei, die für ihre Entwicklung
bestimmend sein sollte. Ein zweites Studium
an der Universität der Künste Berlin (1999-2003) in der
Klasse von Sorin Enăchescu darf vielleicht als wichtigste
Erfahrung der jungen Künstlerin gelten. In dieser
Zeit erschloss sie sich ein neues Repertoire von u. a.
zeitgenössischen Stücken, z. B. von Wolfgang Rihm
oder Emmanuel Durlet. Dabei handelt es sich nicht nur
um Solostücke, sondern auch um das Lied des 20.
Jahrhunderts und Kammermusik von Chopin, Mendelssohn
Bartholdy, Richard Strauss und Bohuslav
Martinu.
Der Zugang zu neuer Information war in Deutschland
einfacher möglich als in Rumänien. Bei Prof. Enăchescu
lernte Butnaru aber auch „eine neue Art zu hören“,
wie sie es formuliert. Sie könne nun jeden Ton besser
kontrollieren und den Klang, den sie erzeugt, in Bezug
zum Raum, in dem er sich ereignet, voraushören. Nach
dem Aufenthalt in Deutschland, der ihr bedeutende
Lebenserfahrung brachte, kehrte die Pianistin nach
Bukarest zurück, um an der Musikhochschule zu promovieren.
Ihr Forschungsgegenstand ist die Sonate für
Violoncello und Klavier im 20. Jahrhundert; untersucht
werden Werke von Debussy, Schostakowitsch, Prokofjew,
Schnittke, Enescu, Dallapiccola und Martinú. Im
Rahmen der Promotion nimmt Butnaru auch einen
Lehrauftrag für Kammermusik und Korepetition wahr.
Die weitere Laufbahn der Künstlerin ist von Vielseitigkeit
bestimmt.
Mit dem ersten Konzertmeister des Staatstheaters Kassel,
dem Violinisten Răzvan Hamza, tritt sie mehrmals
10
im Jahr in Deutschland auf, wobei thematische
Schwerpunkte die Programmauswahl bilden: Einem
Abend mit französischer Kammermusik für Geige und
Klavier im Januar 2004 folgte eine moderierte Hommage
an George Enescu im Dezember desselben Jahres.
Ein Konzert mit Sonaten von Schostakowitsch,
Bartók und Enescu sowie die Aufführung sämtlicher
Stücke für Violine und Klavier bzw. Viola und Klavier
von Johannes Brahms stehen noch aus. Ein weiteres
Hauptanliegen Butnarus ist, auch wegen ihrer Doktorarbeit,
die Kammermusik für Violoncello und Klavier.
Diese Werke erarbeitet sie sich mit ihrem Partner Florin
Mitrea, der zur Zeit als Solocellist im Rundfunksinfonieorchester
Bukarest wirkt. Zur Abwechslung und
um sich von der anspruchsvollen Musik zu erholen,
tritt die Pianistin auch in Kontexten auf, die sich der
leichten Muse verschreiben. Jazzmusik, Café concert,
Bearbeitungen bekannter Volksmelodien und Klassikschlager
in unterschiedlichen Besetzungen stehen
durchaus manchmal auf dem Programm.
Als Künstler ist es nicht leicht, den eigenen Unterhalt
zu sichern; auch darum ist man auf ein breitgefächertes
Repertoire angewiesen, zumal man mit Unterhaltungsmusik
breitere Kreise erreichen kann. Ein Problem
sieht Andreea Butnaru nämlich darin, dass das Interesse
an klassischer Musik in Rumänien nicht so stark
verbreitet ist. Zu Hause und in der Schule werden die
meisten Kinder nicht an diese herangetragen und im
Erwachsenenalter sind sie desto schwerer dafür zu
gewinnen. Aus diesem Grund hat die Künstlerin es
auch als ihre Aufgabe begriffen, die Musikkultur mehreren
Menschen zugänglich zu machen und für diese
Art Musik neue Hörer zu gewinnen. Wir erwarten die
Umsetzung dieses anspruchsvollen Wunsches! Wenn
man Butnaru über ihre Person befragt, so erhält man
zur Antwort, dass sie sich als Menschen betrachtet, der
seine Leistungsfähigkeit eher der Disziplin und eisernem
Willen als der Begabung verdankt. Das Klavier sei
das Instrument, welches die Persönlichkeit eines Musikers
am besten zum Vorschein bringe; es sei leicht,
damit anzufangen, aber schwer fortzufahren, da die
Möglichkeiten zur Klanggestaltung im Gegensatz zu
Streich- oder Blasinstrumenten eingeschränkt sind und
man ungleich feiner arbeiten muss.
Die Selbsteinschätzung der Künstlerin ist nicht in vollem
Maße zu befürworten. Ihr Spiel zeugt längst nicht
nur von Willen und Disziplin, sondern auch von äußerster
Sensibilität und geistiger Durchdringung des
Stoffs, was in einer Zeit der zahlreichen Musikerhandwerker
keine Selbstverständlichkeit ist. Der klare, man
könnte fast sagen leuchtende Klang und die architektonisch
genau durchstrukturierte Interpretation jedes
Satzes im Gesamtzusammenhang eines Werks sprechen
von außerordentlicher Begabung. Ihnen allen sei ein
Besuch des Konzerts am 17. März wärmstens ans Herz
gelegt.
(ADZ, 11.03.2005)

Der Musikkritiker und Autor Klaus Kessler wurde 80
Gewissenhafter Wegbegleiter des Bukarester Konzertlebens
von ROHTRAUT WITTSTOCK
Über Jahrzehnte hinweg hat Klaus Kessler das Konzertleben Bukarests begleitet. Als Musikkritiker schrieb er für die
deutsche Presse in Rumänien regelmäßig Konzertberichte, zuweilen präsentierte er das rumänische Musikgeschehen
auch in ausländischen Publikationen.
Mit seiner vor einigen Jahren verstorbenen Frau, der Mezzosopranistin Martha Kessler, die sich als Kammer- und Oratoriensängerin
über die Grenzen des Landes hinaus einen Namen gemacht hatte, war er in den Musikerkreisen der rumänischen
Hauptstadt hoch geschätzt. Außerdem veröffentlichte er Lyrik- und Prosabände. Heute ist es stiller um
Klaus Kessler geworden, er lebt zurückgezogen in einem historischen Stadtviertel von Bukarest, umgeben von Büchern
und CDs und vielen schönen Dingen aus seiner reichhaltigen Sammlung: bibliophile Bücher, Ikonen, Gemälde, Plastiken,
Keramik. Am 3. Oktober wurde Klaus Kessler 80 Jahre alt.
Geboren wurde er 1925 in Temeswar, gelebt hat er fast ein halbes Jahrhundert, seit 1957, in Bukarest, doch zu Hause
fühlt er sich in Schäßburg, wie er selbst erklärt. Dort hat er als Kind viel Zeit bei seinen Großeltern, aber auch in späteren
Jahren verbracht, es ist die Stadt, zu der er die engste Bindung hat.
Kaum hatte er das Gymnasium beendet, ging er als 17-Jähriger in den Krieg. Er erlebte als Soldat der deutschen Armee
die Schlacht um Berlin und wurde gefangen genommen. Es folgten ein 400 Kilometer langer Hungermarsch und eine
zwei Wochen währende Fahrt in Viehwagen ins Kriegsgefangenenlager im Donez-Becken. Noch im Jahr 1945 wurde er
krankheitshalber entlassen. Später konnte er das Medizinstudium aufnehmen und er verbrachte sein Berufsleben, indem
er als Arzt an der Bukarester Hochschule für Körpererziehung und Sport unterrichtete. Klaus Kessler ist ein Schöngeist,
der sich mit Freude an einem umfangreichen Wissen und mit Leidenschaft den unterschiedlichsten Bereichen der
Kunst widmete. Er war nicht nur ein wacher Beobachter des Konzertlebens, er verfasste auch Werkanalysen und
brachte auf diese Weise dem Leser die Neue Musik näher, darunter Kompositionen von Wilhelm Georg Berger oder
Hans-Peter Türk.
Ein zweisprachig - deutsch und rumänisch - erschienenes, musikgeschichtliches Buch ist der 1879 unternommenen
Konzertreise von Johannes Brahms mit dem Violinisten Joseph Joachim ins Banat und nach Siebenbürgen gewidmet.
Kessler wertete darin Briefe von Brahms an Clara Schumann und Wiener Freunde mit seinen Eindrücken aus dem
Banat und Siebenbürgen sowie die Konzertberichte aus der damaligen Presse aus. Ein weiterer Bereich der Musik, mit
dem sich Kessler befasst hat, weist bereits auf sein literarisches Schaffen: Er hat zahlreiche Lieder rumänischer Komponisten
- Miriam Marbé, Tiberiu Olah, Stefan Niculescu -, Opern von Anatol Vieru und Bücher des Musikwissenschaftlers
Viorel Cosma ins Deutsche übersetzt. Das Weihnachts- und das Osteroratorium von Paul Constantinescu hat
er für den Bärenreiter Verlag in Kassel übertragen. Das Weihnachtsoratorium wurde in der DDR uraufgeführt und in
München erlebte es ebenfalls eine Aufführung, bevor es 1968 während des Enescu-Festivals erstmals in Bukarest erklingen
konnte.
Andererseits wurden eigene Gedichte von Klaus Kessler, der Zyklus „Sahst du in meinem Angesicht“, von Wilhelm
Georg Berger vertont und Walter Michel Klepper komponierte eine Kantate zu Texten des Autors, der auch Libretti
für Ballette von Olah und Vieru verfasste. Die belletristischen Bücher verraten seine Freude an dem geistreichen Spiel
mit der Sprache, auch wenn diese manchmal überfrachtet und gekünstelt klingt, wie die Kritik vermerkte. Den frühen
Bänden „Flächen und Facetten“ (1970) und „Nachrichten über Stefan“ (1975) folgte der Prosaband „Der Umzug“
(1986), in dem er phantasievoll und mit Fabulierfreude seine eigenen Erfahrungen verarbeitet. Die Hauptgestalt trägt
den imperialen Namen Franz Joseph und ist - wie Kessler selbst - stolzer Besitzer einer Gemäldesammlung. Auch er ist
gezwungen umzuziehen, so wie es Kessler selbst war, als das Einfamilienhaus, das er bewohnte, wegen Ceausescus
städteplanerischen Phantasien abgerissen wurde. Bei jedem Umzug schrumpfen die Sammelstücke und ihr Eigentümer
immer mehr, bis sie schließlich nur noch mit dem Mikroskop wahrgenommen werden können. Der nach der Wende
veröffentlichte Band „Versteckte Schreie. Aus einer Skalvenkolonie“ (1995) brachte Texte, die vorher der Zensur zum
Opfer gefallen waren. Sein zuletzt erschienenes Buch, „Eburnum für Siebenbürgen“ (2003), enthält u.a. Plaudereien
über die Entstehung seiner Bücher- und Kunstsammlung. Da hat alles seine Geschichte und die gehört zum Stück dazu.
(Siebenbürgische Zeitung Online, 9. Oktober 2005)
11

von DR. FRANZ METZ
12
Aus Lugosch in die ganze Welt
Prof. Klara Peia (1911-2005) unterrichtete über 300 Klavierschüler in Lugosch
Prof. Klara Peia kam am 28. September 1911 als Tochter
der Eheleute Vojkicza in Lugosch zur Welt, wo sie
auch die Schule der Notre-Dame-Schwestern besuchte.
Im Jahre 1920 hörte Dr. Josef Willer die junge Pianistin
anlässlich eines Schülerkonzertes und er konnte deren
Eltern überzeugen, ihrer Tochter die musikalische
Laufbahn zu ermöglichen. Bald wurde sie die Lieblingsschülerin
ihres Meisters, der seinen Schülern nicht
nur das Klavierspiel, sondern auch allgemeine Kultur
und Bildung beibringen konnte. Sein Klaviersalon befand
sich in der heutigen Bucegi-Strasse, also in der
Stadtmitte, wo regelmäßig Kammerkonzerte veranstaltet
wurden. Hier stand ein Feurich-Flügel, der vor einigen
Jahren im Pfarrhaus der Temeswarer Josefstadt
untergebracht wurde. Auf diesem konzertierten sowohl
Bartók als auch Enescu während ihres Lugoscher Aufenthalts.
Bald trat Klara Peia gemeinsam mit dem Hausquartett
Willers auf und gestaltete so Konzerte mit Andrei
Tóth, Ivan Stoicovici, Alice Ianovitz (Violine), Karl
Wischnovsky (Cello), Adalbert Ianovitz (Klavier). Bei
Dr. Willer nahm sie bis 1925 Klavierunterricht, ihre
damaligen Schülerkollegen waren Zeno Vancea und
Filaret Barbu. Danach nahm sie Klavierunterricht bei
der aus Lugosch stammenden Temeswarer Klavierpädagogin
Irma Hun, die ihre Studien in Budapest, Wien
und Berlin abgeschlossen hatte und hier war kein anderer
als der Liszt-Schüler Eugen d´Albert ihr Lehrer.
Klara Peia hingegen nahm Theorieunterricht bei Sabin
Drãgoi, dem damaligen Direktor des Konservatoriums
in der Banater Metropole. Den Namen der Klavierschülerin
Klari Vojkitza (später Klara Peia) finden wir
auf dem Programm eines Schülerkonzertes, das Dr.
Josef Willer am 19. Juni 1924 in seinem Haus veranstaltet
hat, sie spielte damals das Phantesiestück von Robert
Schumann. Solche Hauskonzerte veranstaltete Dr.
Willer an jedem Schuljahresende bis zum Ende der
sechziger Jahre.
Im Jahre 1927 ging sie nach Budapest, um dort an der
Musikakademie mit Alexander Reschofsky die Klavierstudien
fortzusetzen. Und hier kam sie in Kontakt mit
bedeutenden Größen der damaligen Musikwelt: In der
Prüfungskommission saßen Béla Bartók und Ernst von
Dohnányi, der Direktor der Landesakademie. Um 1930
kehrte die junge Absolventin mit einem Akademiediplom
in ihre Heimatstadt Lugosch zurück. An einem
schönen Sommertag bekam sie den Besuch des kürzlich
aus Wien zurückgekehrten Musikers Filaret Barbu,
der die Leitung des Lugoscher Konservatoriums von
Ioan Vidu übernommen hatte. Er bat Klara Peia, die
Klavierklasse dieser Musikinstitution zu übernehmen.
In dem im Jahre 1970 erschienenen Jubiläumsband „40
Jahre Lugoscher Volkskunstschule“ schildert sie ihre
Tätigkeit als Klavierprofessorin in dieser Institution.
Ihre Klavierklasse befand sich in einem geräumigen
Saal im ersten Stock, darin stand ein langer Czapka-
Flügel, an dem sie über 300 Schüler unterrichtet hat.
Dieses Instrument wurde von dem Lugoscher Philharmonischen
Verein dem damaligen Konservatorium
zur Verfügung gestellt. Nachdem 1945 diese bürgerlichen
Vereine ihre Tätigkeit beenden mussten und deren
Eigentum von der damaligen kommunistischen
rumänischen Regierung verstaatlicht oder beschlagnahmt
wurde, blieb dieser Flügel noch weitere 45 Jahre
im Besitz der nun entstandenen Volkskunstschule (rumänisch:
Scoala Popularã de Artã).
Zu ihren zahlreichen Schülern gehört auch der dankbare
Autor dieser Zeilen, viele der Schüler leben heute in
der ganzen Welt verstreut. Einige entwickelten sich zu
namhaften Komponisten, Interpreten und Künstlern,
so Kurtág György, bekannter zeitgenössischer Komponist
(Budapest), der Choreograf und Tänzer Gelu
Barbu (Las Palmas), die Pianistin Dana Paul (Paris),
Remus Tascãu, Dirigent des Lugoscher Ion-Vidu-
Chors, die Namen vieler anderer sind mit der Kultur
der Stadt Lugosch eng verbunden, wie Mira Grosăvescu,
Higyed János, Renate Hohl (Augustin), Adrian Micsa,
Egon Popper, Patyánsky, Gert Richter, Schüller,
Agnes Schwertner (Bakk), Kazimir Willer, Wanke,
u.v.a. Es ist nicht leicht, aus heutiger Sicht das Musikleben
der Musikstadt Lugosch bis 1945 zu beschreiben
und zu verstehen. Viele der Lugoscher hatten die Möglichkeit,
in Wien oder Budapest zu studieren, kamen
danach in ihre Heimatstadt zurück und wirkten hier
äußerst segensreich. So erzählte mir Klara Peia vor
einiger Zeit, dass Caius Brediceanu, der namhafte Jurist,
selbst an der Beerdigung von Johannes Brahms
1897 in Wien teilgenommen hat.
Filaret Babu, der Komponist der Banater Operette
„Ana Lugojana“, studierte ebenfalls in Wien, übernahm
nach seiner Rückkehr die Leitung des Konservatoriums,
die heutige Musikschule dieser Stadt trägt seinen
Namen. Der weltberühmt gewordene Lugoscher Tenor
Traian Grosãvescu feierte in Wien und Berlin wahre
Triumphe. Als man in der Zwischenkriegszeit seine
Auftritte im Rundfunk übertragen hat, sammelten sich
vor den Fenstern der wenigen Lugoscher Radiobesitzer
jener Zeit zahlreiche Interessierte, um die Erfolge ihres
Landsmanns miterleben zu können. Diese Erlebnisse
wurden danach in den Sommergärten und Künstlervillen
des Lugoscher Weinbergs besprochen. Hier sollen
in den Sommermonaten sonntags regelmäßig Künstlertreffen
stattgefunden haben, es versammelten sich Musiker,
Maler, Schauspieler und Sänger, es wurde viel
musiziert, gesungen und man sprach über die Kunstszene
jener Zeit.
Man fühlte sich als ein Teil dieser Bewegung, kamen
doch selbst Koryphäen wie Béla Bartók, George Enes-

cu, Arta Florescu, Pablo de Sarasate, Guido Agosti,
Egizio Massini in die Stadt an der Temesch. Aber selbst
die eigenen Künstler kamen immer wieder gerne in ihre
Heimatstadt zurück und konzertierten im städtischen
Theater. Dass Lugosch heute die Lyra im Stadtwappen
trägt, ist jener Zeit und den vielen Jahrzehnten davor
zu verdanken, in denen die Kultur dieser Stadt mit dem
Puls Mitteleuropas noch wetteifern konnte: die Sänger
Traian Grosăvescu, Georg Dippon, Oskar Kálmán,
Franz Balogh kamen regelmäßig „nach Hause“ und
wurden von Freunden, Verwandten und Nachbarn
bejubelt, der Komponist Zeno Vancea bekannte sich
noch in seiner Bukarester Zeit zu seinen Lugoscher
Wurzeln, der Komponist Filaret Barbu ist aus der rumänischen
Musikgeschichte nicht wegzudenken und
der Dirigent, Kapellmeister und Komponist Emmerich
Schwach zählt zu den Gründern des symphonischen
Orchesters dieser Stadt.
Dr. Josef Willer, der bedeutende Pädagoge, Musiker
und Politiker gründete den Lugoscher Philharmonischen
Verein (1927), mit dem Prof. Klara Peia am 2.
Mai 1932, um 9 Uhr abends, im städtischen Theater
das Klavierkonzert von Edward Grieg aufgeführt hat.
Das Orchester wurde von Josef Klein dirigiert. Die
junge Pianistin wurde mit rauschendem Beifall belohnt
und die Presse lobte in höchsten Tönen ihr Talent und
ihr Können. Solche Konzerte gab sie jährlich in verschiedenster
Besetzung.
Die Jahre nach 1945 hinterließen auch für Prof. Klara
Peia tiefe Spuren in ihrem Leben. Dies wird auch aus
ihren autobiografischen Skizzen ersichtlich, wenn sie
über das ehemalige bunte und reichhaltige Musikleben
der Stadt Lugosch berichtet. Der Dirigent des Lugoscher
Vidu-Chors, Remus Tascãu, nahm sie als geschätzte
Begleiterin und Korrepetitorin in dieses Ensemble
auf, dem sie viele Jahre dienen wird. Auch die
Kontakte dieses ehemals besten rumänischen Laienchors
zum Spaichinger und Rottweiler Chor sind größtenteils
ihr zu verdanken, was zu einem fruchtbaren
gegenseitigem Austausch geführt hat. So wurde der
Konzertberichte
Junge, begabte Musiker und ihr Meister
Besuch des ehemaligen baden-württembergischen Ministerpräsidenten
Erwin Teufel zu Beginn der 70-er
Jahre in Lugosch auch für Prof. Klara Peia ein unvergessliches
Erlebnis und sie hat auch später immer gerne
darüber berichtet. Sie war die erste Klavierpädagogin in
Lugosch, die im wahrsten Sinne des Wortes keine
„Klaviertante“ war, wie es früher oft üblich war.
Der Klavierunterricht nahm bereits um die Mitte des
19. Jahrhunderts solche Ausmaße an, dass fast in jedem
Haus ein Klavier - wenigstens als Möbelstück - herumgestanden
ist. Irgendwann, spätestens nach dem Erlernen
einer Sonatine von Clementi oder Kuhlau, des
Eselsmarsches, einiger Salonstücke und nach Beethovens
„Für Elise“ nahm das Interesse des Schülers ab.
Bei Prof. Klara Peia begann erst hier der Unterricht: die
Technik, Handhaltung, Artikulation, Phrasierung oder
der Fingersatz spielten ebenso eine wichtige Rolle wie
das systematische Studium von Bach-Werken. Und
Bach stand ganz oben auf der Liste dieser Pädagogin,
erst danach folgte der Rest. Ihre Ansprüche an die
Schüler waren groß, ihre Erläuterungen präzise, klar
und deutlich. Daneben spielte das Vierhändigspiel für
das bessere Verständnis und das Kennenlernen von
Orchestermusik eine große Rolle. Wann hatte man
schon die Möglichkeit, nach 1945 in Lugosch ein symphonisches
Konzert zu erleben? Die Erfolge ihrer vielen
Schüler in Amerika, Deutschland, Frankreich, Israel
oder wo auch sonst auf der ganzen Welt, wären ohne
ihr künstlerisches Können und pädagogisches Engagement
nicht möglich gewesen. Am 28. April 2005
wurde Klara Peia nach einem langen und erfüllten Leben
am Lugoscher römisch-katholischen Friedhof in
aller Stille zu Grabe getragen. Ihre vielen Schüler auf
der ganzen Welt sind dankbar dafür, dass sie die Gelegenheit
hatten, ihr musikalisches Handwerk bei Prof.
Klara Peia erlernen zu können. Wenn durch ihren Tod
auch ein Stück Banater Musikgeschichte verloren geht,
so lebt ihr Wissen, das sie ihren über 300 Schülern
übermittelt hat, auch in Zukunft weiter.
Das Europäische Orchester Unisono konzertiert zum zweiten Mal mit Horia Andreescu
von ROHTRAUT WITTSTOCK
Ein vollständiges, mit jungen, begabten Instrumentalisten
besetztes Orchester, ein Meister des Dirigierens,
eine rührige Musikerin mit bemerkenswerten Managerfähigkeiten,
ein großzügiger Sponsor - daraus wird ein
Konzert. Es findet am Sonntag, um 19 Uhr, in Bukarests
edlem Konzerthaus, dem Athenäum, statt. Horia
Andreescu dirigiert das Europäische Orchester Unisono,
Solist ist Andrei Licare]. Das Programm umfasst
die Fünfte Sinfonie in H-Dur von Andreas Schencker,
das Erste Klavierkonzert in C-Dur und die Zweite
Sinfonie in D-Dur, op. 36, von Beethoven. Sylvia Petre
ist in der Bukarester Musikszene wohlbekannt. Seit
1994 lebt die gebürtige Deutsche, die sich in Berlin und
an der berühmten Juilliard School in New York zur
Harfenistin ausbilden ließ, ständig in Izvorani bei Bukarest.
Dass in der rumänischen Hauptstadt im Sommer
das kulturelle Leben völlig ausstirbt, wollte sie nicht
einfach hinnehmen. Außerdem empfand sie das Bedürfnis,
sich für die jungen Musiker einzusetzen, die in
Rumänien für die Entfaltung ihrer Fähigkeiten keine
Möglichkeiten sehen und voller Frust über mangelnde
Herausforderung und Förderung das Land verlassen.
Am Anfang stand 2001 die Veranstaltung einer jährlichen
Reihe von Sommerkonzerten in ihrem parkähnli-
13

chen Garten, zu denen zahlreiche Hörer aus Geschäfts-
und diplomatischen Kreisen eingeladen wurden. Das
Abschlusskonzert fand jeweils in Bukarest mit Preisvergabe
statt. Doch das war, wie gesagt, nur der Anfang.
Die Gründung des Kulturvereins Unisono, dessen
Vorsitzende Sylvia Petre ist, schuf einen verbesserten
Rahmen für eine intensivere Tätigkeit. Im September
2004 gab das Europäische Orchester Unisono unter
Leitung von Horia Andreescu sein erstes Konzert
im Athenäum und es wurde ein voller Erfolg. Auch ein
zweites Ensemble wurde vom Verein ins Leben gerufen.
Das 50 Bläser umfassende Bucharest Wind Orchestra,
das einzige seiner Art im Land, gab im vergangenen
Jahr seine ersten Konzerte im Radiosaal und im
Rahmen des Festivals der Künste. Es wird von einem
deutschen Musikverlag mit Partituren unterstützt. Dem
Eruopäischen Orchester Unisono gehören außergewöhnliche
Instrumentalisten an, die meist Studenten an
der Bukarester Musikuniversität sind, aber auch Schüler
der Musilyzeen oder auch schon Absolventen mit abgeschlossener
Musikausbildung. Die Zusammensetzung
des Klangkörpers erfährt von Konzert zu Konzert
Veränderungen. Dass die Mitarbeit des international
renommierten Dirigenten Horia Andreescu gewonnen
werden konnte, gewährleistet ein hohes Niveau. Angestrebt
ist die Zusammenarbeit mit Musikern aus anderen
europäischen Ländern und eine Qualität, die sich
überall in Europa zeigen lassen kann. Worum es dem
aus Kronstadt/Braşov stammenden Meister geht, ist
die Aufwertung des Musizierens in einem Orchester.
Er begründet dies damit, dass die rumänische Musikschule
alle Instrumentalisten zu Solisten ausbilde, die
Ausbildung als Orchestermusiker käme zu kurz.
Der Solist des Abends ist der 1982 in Bukarest geborene
Andrei Licăreţ, der noch an der Bukarester Musikuniversität
bei Viniciu Moroianu studiert, doch schon
zahlreiche Tourneen im Inland sowie im europäischen
Ausland und in die USA unternommen und auch mehrere
Preise gewonnen hat, darunter den Großen Preis
des Internationalen Wettbewerbs "Lorry Wallfisch".
Ein Erasmus-Sokrates-Stipendium ermöglichte es ihm,
zwei Semester am Konservatorium in Paris zu verbrin-
14
gen. Nachdem das erste Konzert großen Erfolg hatte,
wird an das zweite große Erwartungen gestellt. Das
Programm ist mit einem Klavierkonzert und einer Sinfonie
von Beethoven anspruchsvoll. Mit einer Sinfonie
des Andreas Schencker wurde in das Konzertprogramm
das Werk eines Siebenbürger Sachsen aufgenommen,
das als Bindeglied zwischen der deutschen
Musik und der deutschen Musik in Siebenbürgen betrachtet
werden kann. Horia Andreescu zitiert bei seinen
Ausführungen über Schencker den Musikwissenschaftler
Vasile Tomescu, der in einer Musikalienbibliothek
in Paris die 1762 verlegten „Six simphonies à trois
parties“ gefunden hat. Schencker soll in Kleinscheuern/Sura
Mica bei Hermannstadt geboren worden sein,
seine im Elternhaus erhaltene musikalische Ausbildung
in Kronstadt fortgesetzt und dann in der Kapelle des
Prinzen Kaunitz in Wien gespielt haben. Mit diesem,
der österreichischer Botschafter in Paris wurde, ging er
in die französische Hauptstadt. Hier soll er mit Rameau
und vielleicht sogar mit Mozart musiziert haben. Er
wird als Vorläufer der Sonate und der klassischen Sinfonie
betrachtet.
Mit dem Konzert im Athenäum begeht die Firma MTS
Leasing GmbH ein Jahr seit ihrer Niederlassung in
Rumänien. Es war ein gutes Jahr für die Tochterfirma
des in Kronberg in Deutschland angesiedelten Betriebs,
übrigens eine Stadt, in der die Cellomusik zu Hause ist
und durch ein Festival besonders gepflegt wird. Die
Firma mit mehreren Agenturen in Bukarest und im
Landesinneren finanziert Bauprojekte im Leasingverfahren
und garantiert dabei deutsche Qualität. Ein
deutsches Ingenieurbüro entscheidet über die Bauprojekte
und besorgt die Bauaufsicht. Der Direktor der
Rumänienrepräsentanz, Matthias Metzen, spricht im
Namen seiner Familie, wenn er den schönen Grundsatz
der deutschen Bundesverfassung zitiert, den sie sich zu
Eigen gemacht hat: „Eigentum verpflichtet“. Aus Liebe
zur klassischen Musik hat sie sich als verlässlicher Mezän
für die Veranstaltungen des Kulturvereins Unisono
erwiesen und jetzt belohnt sie sich gewissermaßen für
ein Jahr harter Arbeit mit dem Konzert am Sonntag.
(ADZ, 11.02.2005)
Siebenbürgische Orgelklänge in München
Die Hermannstädter Organistin Ursula Philippi brillierte im Orgelkonzert von St. Pius
Von DR. FRANZ METZ
Es war kein gewöhnlicher Orgelabend an jenem 31.
Mai 2005, den die Hermannstädter Organistin Ursula
Philippi in St. Pius, München, gegeben hat. Jedenfalls
für die zahlreichen Zuhörer war es eine besondere
Gelegenheit, siebenbürgische Orgelmusik aus erster
Hand zu erleben, interpretiert von einer engagierten
Musikerin, die sich seit Jahren für die Präsentation der
Musik ihrer Heimat auch im Ausland einsetzt. Und
wenn dies ein Banater Rezensent konstatiert, muss
schon etwas daran liegen, sahen wir doch damals schon
mit größtem Respekt vom Banat aus in Richtung Siebenbürgen
– eine besonders reiche Kulturlandschaft,
die im Gegensatz zum Banat nicht zerstückelt wurde.
Wenn die viermanualige Orgel der Münchner St. Piuskirche
auch nicht der großen Hermannstädter Sauerorgel
gleichgestellt werden kann, so konnte die Organistin
doch alle Register ihres Könnens ziehen, von der Registrierung
der Orgelwerke bis hin zur durchatmeten
Interpretation der einzelnen Werke. Und noch was für
Werke!

Bachs große Partita „Sei gegrüßet Jesu gütig“ (BWV
768), ein Meisterwerk dieser Gattung, erklang trotz
abwechslungsreicher Registrierung wie aus einem Guss,
die programmatisch anmutenden Textvertonungen
machten selbst das Hören zu einem Erlebnis. Dabei
wurde die langjährige Erfahrung der versierten Organistin
spürbar im Umgang mit immer wieder neuen
Instrumenten, ihre Preise bei den internationalen Wettbewerben
in Linz (1978) und Prag (1979) belegen dies
Können. Außerdem konzertierte sie bisher intensiv in
vielen Ländern. Konzertreisen führten sie unter anderem
nach Japan, in den europäischen und in den asiatischen
Teil der ehemaligen Sowjetunion, nach Frankreich,
Italien, Österreich, Ungarn, in die Tschechische
und Slowakische Republik, nach Kroatien, Luxemburg,
in die Schweiz, sowie sehr oft nach Deutschland.
Schwerpunkte ihres Repertoires sind Musik aus Siebenbürgen
von der Renaissance bis zur Gegenwart
sowie Werke der deutschen Orgelromantik. Seit der
politischen Wende in Rumänien (1990) betreut sie als
Dozentin die wiedereingerichtete Orgelklasse an der
staatlichen Musikhochschule Gheorghe Dima in Klausenburg,
wo sie eine wachsende Anzahl von Orgelstudierenden
aller in Siebenbürgen vertretenen Konfessionen
unterrichtet.
Das von Ursula Philippi gegründete Ensemble „Cantate
Domino“ führt in zwangloser Folge Alte Musik verschiedener
europäischer Regionen auf. Ihre Doppel-
CD Einspielung „Orgellandschaft Siebenbürgen“ (erschienen
bei Dabringhaus und Grimm, Detmold) erhielt
1993 den Preis der Deutschen Schallplattenkritik
(Vierteljahresliste). Beim gleichen Label hat sie an der
restaurierten Sauer-Orgel von Hermannstadt 1998
sämtliche Sonaten von August Gottfried Ritter eingespielt.
Ihr Engagement gilt auch der Rettung und Restaurierung
von Orgeln in Siebenbürgen, die in ihrem
wertvollen Bestand akut gefährdet sind. In diesem Sinn
gehört Ursula Philippi zu einem Fachausschuss bei der
Evangelischen Landeskirche, der versucht, die Instrumente
vor dem Verfall zu bewahren.
Als Kantorin der evangelischen Gemeinde Hermannstadt,
wo sie seit 1985 an der größten Orgel Siebenbürgens,
einem Werk mit 80 Registern von Wilhelm Sauer
(1914), amtiert, schätzt sie auch die Werke ihrer Vorgänger,
darunter auch das Orgelwerk des aus der Slowakei
stammenden Johann Leopold Bella (1843-1936),
der zwischen 1881 und 1918 als Kantor, Organist und
städtischer Musikdirektor tätig war. Von ihm spielte
Philippi die Fantasie-Sonate in d-Moll (1880), ein drei-
Banater Musik in München
teiliges virtuoses und hochromantisches Werk, das die
Zuhörer mit seinem fulminanten Schluss mit sich riss.
Der Sonate folgten zwei Stücke aus Opus 59 von Max
Reger, das „Kyrie eleison“ und das „Gloria in excelsis
Deo“. Wie schwebend hoben sich die modulatorischen
Klänge des Kyrie empor, wie ein inniges Gebet. Obzwar
die Orgel selbst nur über wenige romantische
Register verfügt, gelang es der Organistin einen meditationsartigen
Klang zu formen. Um so effektvoller war
der improvisationsartige nächste Satz, eine Vertonung
der Messintonation „Gloria in exclesis Deo“, mit
prächtigen Klängen und hell schillernden Mixturen.
Durch die beiden folgenden Choralvorspiele von Hans
Peter Türk kehrte eine fast kontemplative Ruhe ein.
„Die Nacht ist vorgedrungen, der Tag ist nicht mehr
fern, (…) auch wer zur Nacht geweinet, der stimme
froh mit ein“, heißt es in diesem bekannten Adventslied,
dessen Text vom Komponisten fast poetisch in
sphärische, sehnsüchtige Klänge eingehüllt wurde.
Hans Peter Türk ist ein wichtiger Vertreter der neueren
Komponistengeneration in Rumänien. Sein Ouvre
umfasst Kammermusik, Kantaten, geistliche und weltliche
Chormusik, Werke für Orgel sowie eine Matthäuspassion
für Chor, Soli und Orgel, deren Uraufführung
für März 2007 geplant ist, wenn Hermannstadt gemeinsam
mit Luxemburg Kulturhauptstadt Europas sein
wird. Bei der nächsten Choralbearbeitung von Türk,
„Brich uns, Herr, das Brot“ erklangen schrille Dissonanzen
über einem klaren und hellen Cantus Firmus,
danach folgte die Toccata des selben siebenbürgischen
Komponisten, die 1999 entstanden ist. Hans Peter
Türks Schaffen ist auch in Deutschland nicht ganz
unbekannt, er erhielt mehrere Preise dafür und die
Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen
Europa e.V. ernannte ihn im April 2005 zu ihrem Ehrenmitglied.
Das Orgelkonzert von Ursula Philippi in St. Pius war
besonders durch die Interpretation der Werke von
Bella und Türk eine wertvolle Bereicherung für die
gesamte Münchner Musikszene. In dieser Kirche finden
regelmäßig Konzerte mit deutscher Musik aus
Südosteuropa statt, auch mehrere Organisten aus Siebenbürgen
und dem Banat traten hier bereits auf. Dass
diese Musik hier gut ankommt, ist ein Beweis dafür,
dass das Interesse an südosteuropäischer Musik – also
auch aus Siebenbürgen oder dem Banat - zunimmt.
Die Capella Bavarica konzertierte unter Leitung von Franz Metz
Unter dem Titel „Laetare Pannonia“ (Frohlocke, Pannonien)
fand am 19.02.2005 im Adalbert-Stifter-Saal
des Sudetendeutschen Hauses, München, ein besonderes
Konzert statt, gestaltet vom Ensemble Capella Bavarica
unter der Leitung von Franz Metz. Es wurde
dabei virtuose konzertante Kirchenmusikwerke von
Komponisten aus dem Banat, aus Sathmar und Siebenbürgen
aufgeführt. Die Capella Bavarica besteht ausschließlich
aus erstrangigen Münchner Instrumentalisten
und Gesangsolisten. Dieses Ensemble widmet sich
15

hauptsächlich bedeutenden südosteuropäischen Komponisten,
die durch die wechselvolle Geschichte dieses
europäischen Raumes in Vergessenheit geraten sind:
Anton Leopold Herrmann, Franz Limmer, Giuseppe a
Coupertino Schispiel, Wenzel Josef Heller, Vinzenz
Maschek, Wilhelm Schwach, Anton Hubatschek, Georg
Lickl, u.a. Viele dieser Komponisten stammten aus
Österreich oder Böhmen und ließen sich um 1800 im
Banat oder in Siebenbürgen nieder, wirkten als Dom-
oder Theaterkapellmeister oder als einfache Kantorlehrer,
wie es bei Anton Leopold Herrmann der Fall war.
Dieser war in Neuarad als Kantorlehrer tätig und hatte
sogar die Ehre, eine eigene Festmesse in der Wiener
Votivkirche vor Kaiser Franz Joseph I. zu dirigieren.
Franz Limmer stammte aus Wien und wirkte in Temeswar
bis zu seinem Lebensende 1857 als Theater-
und Domkapellmeister. Wilhelm Schwach schrieb eines
der schönsten Ave Maria und war in Lugosch als Dirigent
und Komponist tätig. Der Titel des Konzertes
selbst - Laetare Pannonia - stammt von einer bravourösen
Sopranarie von Kuderna. Es handelt sich dabei um
die Vertonung eines Teils der berühmten Stephanus-
Sequenz, entstanden im 13. Jahrhundert zu Ehren des
Königs Stephan I. Als Teil des Messpropriums wurde
sie am Festo Sancti Stephani Regis (Festtag des Königs
Stephan) in ganz Ungarn verbreitet und ist in zahlreichen
mittelalterlichen liturgischen Handschriften unga-
von ROHTRAUT WITTSTOCK
Die Bukarester hatten dieses Konzert erwartet: die
Matthäus-Passion von Bach. Deshalb strömten sie auch
am Mittwoch der orthodoxen Karwoche herbei und
füllten den großen Radiosaal fast bis auf den letzten
Platz. Für viele wurde die Aufführung des hierzulande
höchst selten gespielten Monumentalwerks, das selbst
zu Bachs Lebenszeiten in den Jahren 1727 bis 1740 nur
viermal erklang, zu einem tiefen Erlebnis. Davon zeugte
der lang anhaltende Schlussapplaus. Es ist bekannt:
Für jeden Dirigenten, für jedes Ensemble stellt die
schwierige Partitur eine echte Herausforderung dar.
Horia Andreescu ist der versierte Orchesterleiter, der
sich dieser Aufgabe mit Freude stellt und mit Beharrlichkeit
an ihrer Verwirklichung arbeitet. Als Chefdirigent
der Musikensemble des Rumänischen Rundfunks
stehen ihm auch sämtliche erforderlichen Musiker für
die mächtige Besetzung zur Verfügung. An diesem
Abend leitete er das Kammermusikorchester des Rundfunks,
den zu einem Doppelchor mutierten Radiochor,
der das Werk mit Dan Mihai Goia einstudiert hatte,
und den von Voicu Popescu dirigierten Kinderchor des
Rundfunks, dazu noch das Solistenteam, zu dem die
Sopranistin Georgeta Stoleriu, der polnische Countertenor
Artur Stefanowicz, die aus Deutschland kom-
16
Eine echte Herausforderung
Matthäus-Passion wurde für viele zum Erlebnis
rischer Provenienz überliefert. Diese Komposition wie
auch die restlichen Werke Banater Komponisten konnten
von Franz Metz vor einigen Jahren in Rumänien
und Ungarn entdeckt werden. Außer den Instrumentalisten
wirkten mit: Karsten Gebhard (Solovioline), Alpinia
Albasteanu (Sopran I), Manuela Dill (Sopran II),
Annette Kramny (Alt), Adrian Sandu (Tenor I), Arpád
Vulkan (Tenor II), Tobias Neumann (Bass).
Mit diesem Konzert feierte die Gesellschaft für deutsche
Musikkultur im südöstlichen Europa e.V. - bis
1997 als Arbeitskreis Südost im Institut für deutsche
Musik im Osten, Bergisch Gladbach, seit 1997 als eigenständiger
Verein - ihr 20-jähriges Bestehen. Die
Gesellschaft setzt sich die Pflege, musikpraktische und
wissenschaftliche Aufarbeitung historischer sowie zeitgenössischer
Musikkultur der Deutschen aus Südosteuropa
in ihrem integralen regionalen Zusammenhang
mit der Musikkultur der benachbarten Völker zum Ziel.
Dem Konzert ging ebenfalls ein wissenschaftliches
Symposium voraus, an dem sich unter anderen Musikwissenschaftlern
Prof. Dr. Friedrich W. Riedel, Dr.
Franz Metz („Südosteuropäische Musikforschung und
die Musik der deutschen Minderheiten. Versuch einer
Definition“), Prof. Dr. Helmut Loos („George Enescu
und Deutschland“), der Organist und Verleger Horst
Gehann, und Peter Szaunig („Carl Filtsch. 10 Jahre
Hermannstädter Klavierwettewerb“) beteiligten.
menden Dieter Wagner und Michael Haag sowie der
Bass Gheorge Roşu u.a. gehörten.
Es ist denkbar, dass Horia Andreescu mit der deutschen
Oratorienmusik schon früh, in seiner Jugend in
Kronstadt/Brasov, der Stadt, in der er aufwuchs und
auch den ersten Musikunterricht genoss, in Berührung
gekommen ist. Schon am Anfang des 20. Jahrhunderts
hatte Victor Bickerich als Kantor der Schwarzen Kirche
die Tradition der regelmäßigen Aufführungen von
Oratorien und Kantaten von Bach bis Mendelssohn
Bartholdy begründet und diese wurde bis zum heutigen
Tag weitergeführt, in den letzten Jahren von Eckart
Schlandt und nun auch von seinem Sohn Steffen
Schlandt. Bestimmt hat sich Horia Andreescu dieser
Art Musik auch während seiner längeren Auslandsaufenthalte,
vor allem als ständiger Gastdirigent in Schwerin,
Berlin und Dresden, genähert. Die Matthäus-
Passion dirigierte er jetzt mit viel Gefühl für die Dramatik
des Geschehens und hob durch die sich steigernde
Spannung und Erwartung die Monumentalität
des Meisterwerks von Bach hervor. Den Chören in
ihrer dynamischen Entfaltung ließ er ruhige, beruhigende
Choräle folgen.

Von den Solisten sollen insbesondere Dieter Wagner
und Michael Haag hervorgehoben werden. Dieter
Wagner bewältigte seinen schwierigen und anstrengenden
Part als Evangelist in bewundernswerter Weise.
Die Rezitative brachte er mit kultiviertem Gesang,
Ausdrucksstärke und gleichzeitig mit wohltuender Natürlichkeit.
Dass der Evangelist bei einer vollständigen
Aufführung der Matthäus-Passion auch noch die Soloarien
für den Tenor singt, ist eine Zumutung für jeden
auch noch so stimmgewaltigen Sänger. Vor allem in
den hohen Lagen lauerten denn auch zuweilen die Gefahren,
die dem gebürtigen Agnethler zu schaffen
Mit „stehenden Ovationen“ gefeiert
machten. Auf Jesus war Verlass. Michael Haag sang
seinen Part mit traumwandlerischer Sicherheit, einem
wohlklingenden Bass und mit differenzierter Interpretation.
Schon seine Stellung, versetzt im Verhältnis zu
den anderen Solisten an der Bühnenrampe, zeigte an,
dass sein Reich nicht von dieser Welt war. Er stand
inmitten des gesamten Ensembles und befand sich
inmitten des gewaltigen Musikwerkes. Nicht nur den
Choral "O Haupt voll Blut und Wunden" sang er voller
Überzeugung mit dem Chor mit. Sein Beitrag zu den
Momenten musikalischen Hochgenusses war erheblich.
(ADZ, 5.5.2005)
Erfolgreich in Deutschland: Kronstädter Studentenorchester unter Leitung von Steffen Schlandt
von WOLFGANG WITTSTOCK
Das sinfonische Orchester der Kronstädter Musikfakultät hat kürzlich unter der Leitung von Steffen
Schlandt eine erfolgreiche Konzertreise nach Deutschland absolviert. Veranlasst wurde die Tournee
durch ein gemeinsames Projekt des Studentenorchesters aus Kronstadt/Brasov und des Kammerchors
der Neuapostolischen Kirche Wilhelmshaven (Dirigent: Gerrit Junge): die Aufführung des Oratoriums
„Elias“ von Felix Mendelssohn Bartholdy, das am Pfingstsonntag und am Pfingstmontag als deutschrumänische
Gemeinschaftsproduktion in der Neuapostolischen Kirche in Fedderwardergroden (Wilhelmshaven,
Niedersachsen) zur Darbietung gelangte. Die zwei „Elias“-Aufführungen hatten großen
Erfolg. Der Rezensent der „Wilhelmshavener Zeitung“ berichtete in seiner Konzertchronik, dass die Musiker
am Ende mit „stehenden Ovationen“ gefeiert wurden. „Das Hochschulorchester Braşov/Rumänien
erwies sich in allen Orchestergruppen als homogen besetzt, zeigte sich flexibel in den unterschiedlichen
Begleitaufgaben, demonstrierte überwiegend Souveränität bei den solistischen Aufgaben (die Celli
‚schwächelten’ im zweiten Teil der Nr. 26) und reagierte sensibel auf die klare, differenzierte Zeichengebung
seines Dirigenten Gerrit Junge“, heißt es an gleicher Stelle über das Kronstädter Studentenorchester
(43 werdende Berufsmusiker), das einige Tage später, unter der Stabführung von Steffen Schlandt,
auch in der Pauluskirche in Binde und in der Zionskirche in Bielefeld konzertierte.
Im Programm: Orchesterwerke von Händel (die Ouvertüre „Ankunft der Königin von Sheba“ aus dem
Oratorium „Salomon“), J.S. Bach (der Choral „O Mensch, bewein dein Sünde groß“ in der Fassung für
Streichorchester von Max Reger), das Oboenkonzert von Mozart und das Cellokonzert h-Moll von Antonin
Dvorak. Als Solisten traten die Studenten Emin Curtgeafar (Oboe) und Pavel Lupan (Cello) auf. Steffen
Schlandt (29), der einer Musikerdynastie entstammt - sein Vater ist der bekannte Orgelvirtuose und
Chorleiter Eckart Schlandt -, ist ebenfalls ein vielseitiger, dynamischer Musiker. Nach Hochschulstudien
in Klausenburg/Cluj, Trossingen und Würzburg wurde er im vorigen Jahr als Kirchenmusiker der Kronstädter
Honterusgemeinde angestellt. Er bestreitet Orgeldienste und Orgelkonzerte und übernahm auch
aus den Händen seines Vaters die Leitung des Kronstädter Bachchors und des Jugend-Bachchors.
Ebenfalls seit dem vorigen Jahr, beginnend mit dem Wintersemester 2004, wirkt Steffen Schlandt als
assoziierter Professor an der Kronstädter Musikfakultät, wo er Partiturspiel und Kammermusik unterrichtet.
Außerdem gehört zu seinen Aufgaben die Leitung des Studentenorchesters. Wie kam es zur Zusammenarbeit
zwischen diesem Orchester und dem von Gerrit Junge geleiteten Wilhelmshavener
Kammerchor? Sehr einfach: Steffen Schlandt und Gerrit Junge waren Studienkollegen in Würzburg. Und
die Zusammenarbeit wird fortgesetzt, zunächst gerade mit Mendelssohn Bartholdys „Elias“. Im Herbst
wird der Chor aus Wilhelmshaven eine Reise nach Rumänien antreten und am 22. Oktober in der Kronstädter
Schwarzen Kirche, im Rahmen des Festivals „Musica Coronensis“, zusammen mit den Bachchören
von Kronstadt und Hermannstadt und dem Kronstädter Studentenorchester - diesmal unter der Stabführung
von Steffen Schlandt - an einer weiteren „Elias“-Aufführung mitwirken. Diesen Termin sollten
sich Musikfreunde bereits jetzt vormerken.
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Erst die Musik, dann der Marillensaft
In Tartlau wurde die diesjährige Konzertreihe „Diletto musicale“ eröffnet
Seit dem Jahr 1999 gibt es die Konzertfolge „Diletto
musicale“. Es handelt sich um eine Reihe musikalischer
Veranstaltungen, die im Sommer, gewöhnlich im August,
an vier oder fünf aufeinanderfolgenden Sonntagnachmittagen
in der evangelischen Kirche von Tartlau/Prejmer
dargeboten werden. Die Initiative, „Diletto
musicale“ zu begründen, hatte der junge Organist
und Dirigent Steffen Schlandt (29). Und seine Idee hat
Anklang gefunden. Regelmäßig wohnt den Konzerten
ein dankbares Publikum bei: Ortsansässige, Musikfreunde
aus dem nahen Kronstadt/Braşov, in- und
ausländische Touristen, die die mächtige Tartlauer Kirchenburg
anzieht. Und gewöhnlich haben diese reizvollen
Konzerte im intimen Rahmen der akustisch vorteilhaften
Kreuzkirche auch ein apartes, gemütliches
Nachspiel: Im Burghof erhalten Konzertbesucher und
Musiker einen Becher mit erfrischendem Apfel- oder
Marillensaft, für den die Organisatoren aufkommen,
und können sich noch eine Weile unterhalten.
Das Eröffnungskonzert der diesjährigen „Diletto musicale“-Festspiele
am Sonntag, dem 31. Juli, war ein eindrucksvolles
musikalisches Ereignis. Anlässlich ihrer
Siebenbürgen-Tournee, deren bisherige Stationen
Hermannstadt/Sibiu und Kronstadt waren und die mit
einem Konzert in Bistritz/Bistriţa am 3. August enden
wird, trug die Evangelische Jugendkantorei der Pfalz
unter der Leitung von Kirchenmusikdirektor Jochen
Steuerwald anspruchsvolle Kompositionen von Marc-
Antoine Charpentier („Beatus vir“), Heinrich Schütz
(„Da pacem, domine“) und Felix Mendelssohn Bartholdy
(„Te Deum“) in überzeugender Art und Weise
vor. Der kultivierte Chorgesang, die gepflegten, schönen
Stimmen der Gesangsolisten hinterließen einen
nachhaltigen Eindruck. Besonders effektvoll wirkte die
Interpretation des doppelchörigen Schütz-Werkes, das
seine Entstehung einem politischen Ereignis des Dreißigjährigen
Krieges verdankt.
Die Gesangsolisten, die auf der Westempore standen,
und der Chor, der vor dem kostbaren vorreformatorischen
Altar Stellung bezogen hatte, erfüllten den Kirchenraum
mit wunderbarem vielstimmigem Klang.
Auch die folgenden Konzerte der „Diletto musicale“-
Reihe - sie beginnen jedes Mal um 17 Uhr - versprechen
einen erlesenen musikalischen Genuss. Am nächsten
Sonntag (7. August) wird das Ensemble „Il transilvano“
(Leitung: Steffen Schlandt), dem junge Musiker
aus Klausenburg/Cluj-Napoca und Kronstadt angehören,
Stücke für Bläser und Orgel aufführen. Das Konzert
vom 14. August bestreitet das Ensemble „Cantate
Domino“, dessen Kern das Musikerehepaar Ursula und
Kurt Philippi (Hermannstadt) bildet.
Für die bekannte Organistin Ursula Philippi ist dieses
Konzert ein Geburtstagsgeschenk besonderer Art, da
sie an diesem Tag einen runden Geburtstag feiern wird.
Im Programm stehen größtenteils unbekannte Werke
für Soli, Chor und Instrumente aus der Feder alter
siebenbürgisch-deutscher Kantoren und Komponisten.
Am 21. August wird der Kronstädter Jugend-Bachchor
(Leitung: Steffen Schlandt) ein Programm mit vier- bis
achtstimmigen Chorwerken darbieten. Und den Abschluss
der Konzertreihe macht in diesem Jahr (28.
August) das aus Schülern der Kronstädter Honterusschule
bestehende Gesang- und Instrumentalensemble
„Canzonetta“ (Leitung: Ingeborg Acker). Der Eintritt
zu den „Diletto musicale“-Konzerten ist frei. Für die
Deckung der Unkosten sind freie Spenden willkommen.
Die diesjährigen Festspiele werden von ifa Stuttgart
und der Siebenbürgisch-Sächsischen Stiftung
(München) gefördert. "Diletto musicale" hat inzwischen
auch schon eine eigene (noch im Aufbau befindliche)
Internet-Seite (www.dilettomusicale.ro), über die
weitere Auskünfte erhältlich sind. (ADZ, 5.08.2005)
Konzert zum Michael-Haydn-Jahr 2006
Konzert im Großwardeiner Dom zum 200. Todestag von Johann Michael Haydn
Am 1. Juni 2006 findet im Dom zu Großwardein ein besonderes Konzert der Philharmonie statt. In Erstaufführung
wird die Missa Solemnis in honorem SS. Cyrilli et Methodii erklingen, ein frühes umfangreiches Werk, das Johann Michael
Haydn 1758 komponiert hat. Im Programm stehen außerdem die 6 Salve Regina, die der Komponist 1760 in Beius
(ung. Belényes) auf der Sommerresidenz des damaligen Großwardeiner Bischofs geschrieben hat. Diese Werke sind
2005 im Verlag Edition Musik Südost, München, zum ersten Mal erschienen. Dirigent der Aufführung ist Franz Metz.
Cäcilien-Messe von Helmut Sadler aufgeführt
„Der Höhepunkt soll wiederholt werden“ – dieses Verlangen entstand unmittelbar nach einer außergewöhnlichen
Leistung des Königsdorfer Kirchenchores. Ehrgeizige Zielvorstellungen motivierten die Sankt-Laurentius-
Singgemeinschaft zu einer ihrer bedeutendsten Leistungen, wenn nicht gar zur bedeutendsten überhaupt, zumindest seit
langer Zeit. Anlässlich des Cäcilien-Gedenkens nahm sich Renate Klemm als Leiterin des Chores die so genannte Cäci-

lien-Messe von Helmut Sadler (Jahrgang 1921, geboren in Siebenbürgen) vor, um beim eigenen Jahrtag die Königsdorfer
Erstaufführung des Werkes zu besorgen.
Die eindrucksvoll intensiv gestaltete Wiedergabe führte alsbald eben zu dem Wunsch nach einer Wiederholung. An
Niveau und Qualität waren auch Instrumentalisten aus dem Ort und der Region beteiligt. Die Einbindung in Ordinarium
und Proprium des Gottesdienstes entwickelte sich zu (ganz) großer Festlichkeit. Mit einem barocken Bläsersatz zur
Eröffnung ließ sich denn wirklich „Großes“ erahnen. Wie es auch Pfarrer Marco Arabadzic in konzentriert formulierten
Aussagen würdigte. Dies aber voller Dank und Anerkennung vor allem auch im Sinne eines wertvollen Dienstes in
ehrenamtlicher Funktion für Freude und Erbauung. Daran beteiligt immerhin auch Werke von Wolfgang Amadeus
Mozart und Anton Bruckner. All dies ließ auch im übertragenen Sinne „aufhorchen“. (Isar Kurier, Königsdorf,
1.12.2005)
Konzertprogramm
Montag, 10. Oktober 2005, Hochschule für Musik Freiburg im Breisgau
ILDIKÓ MOOG-BÁN, Violine / TIBOR SZÁSZ, Klavier
Programm
Béla Bartók (1881 - 1945) 1ère Sonate en trois mouvements pour Violon et Piano composée pour Mlle Jelly d'Arányi
Georges Enesco (1881 - 1955) 3ème Sonate pour Piano et Violon a-Moll op. 25 (dans le caractère populaire roumain)
Ildikó Moog-Bán besuchte das Kodály Musikinternat in Békéstarhos und studierte am Béla-Bartók-Konservatorium
in Budapest (Musiklehrerprüfung). Ihre Solistenausbildung an der Nordwestdeutschen Musikakademie in Detmold
(HfM) absolvierte sie mit Auszeichnung. Ildikó Moog-Bán war Preisträgerin mehrerer internationaler Wettbewerbe u.a.
beim Leo Weiner-Kammermusikwettbewerb Budapest, beim Internationalen Kammermusikwettbewerb in Belgrad und
beim ARD-Wettbewerb in München im Fach Duo Violine/Klavier. Sie konzertierte als Solistin u.a. mit dem Bayerischen
Sinfonieorchester und wirkte fünf Jahre lang als Mitglied des Budapester Rundfunk-Sinfonie-Orchesters. Als
Kammermusikpartnerin wurde sie von vielen Rundfunkanstalten eingeladen. Sie ist Gründerin des Bell’Arte Streichquartetts
München. Ildikó Moog-Bán ist erste Konzertmeisterin des Freiburger Philharmonischen Orchesters und Professorin
an der Freiburger Musikhochschule für Violine und Orchesterstudien. Seit 1993 gibt sie Meisterkurse in Sion/Schweiz.
Tibor Szász wurde 1948 als Sohn ungarischer Eltern in Siebenbürgen geboren und erhielt im Alter von vier Jahren
seinen ersten Klavierunterricht. Als Gewinner eines Wettbewerbs durfte er bereits mit 13 Jahren am Musikkonservatorium
Klausenburg bei Eliza Ciolan, einer Schülerin von Alfred Cortot, studieren. Sein Konzert-Debüt erfolgte im Alter
von 16 Jahren unter dem Dirigenten Antonin Ciolan, einem Schüler von Arthur Nikisch. 1967 wurde er Preisträger
beim Internationalen George Enescu Klavierwettbewerb in Bukarest und erhielt daraufhin zahlreiche Engagements für
Konzerte mit Orchestern in Rumänien. Bei seinem ersten Auftritt in Westdeutschland 1968 wurde Tibor Szász als
„Spitzentalent hinter dem Eisernen Vorhang“ bejubelt.
Nach weiteren Studien in den USA bei Leon Fleisher, Theodore Lettvin, Russell Sherman, Miklós Schwalb and Charles
Fisher gewann Tibor Szász dreimal bei internationalen Klavierwettbewerben den ersten Preis. Inzwischen trat er in
mehr als 1000 Konzerten in Rumänien, Deutschland, Kanada, England, Frankreich, Spanien, Taiwan und den USA auf;
darunter sind Rezitals in der Carnegie Recital Hall, Soloauftritte mit Orchestern in der Boston Symphony Hall sowie
mit dem Sinfonia Orchestra of Chicago zu erwähnen. Besondere Höhepunkte waren die erfolgreichen Aufführungen
der letzten drei Sonaten Beethovens, zuerst für die La Gesse Foundation in Frankreich und dann im Kennedy Center in
Washington. Tibor Szász nahm an zwei Festivals teil, wo er in fünf Tagen 20 Werke von Beethoven aufführte - die
letzten drei Klaviersonaten, sämtliche Violin- und Cello-Sonaten sowie das erste und letzte Klaviertrio. Es folgten
Tourneen mit dem weltberühmten Takács Streichquartett und Tonträger-Einspielungen mit Werken von Beethoven,
Chopin, Liszt, Mendelssohn, Schubert und Bartók.
1983 erwarb Tibor Szász den Doctor of Musical Arts Degree an der University of Michigan in Ann Arbor, USA. Nach
Klavierprofessuren an der Bowling Green State University, University of Dayton und Duke University wurde Tibor
Szász 1993 zum Professor an der Hochschule für Musik in Freiburg berufen.
Eine Sternstunde großartigen Musizierens
„Musica Coronensis“: Aufsehen erregende Aufführung des Oratoriums „Elias“
von WOLFGANG WITTSTOCK
Die Uraufführung des Oratoriums „Elias“ von Felix
Mendelssohn Bartholdy im Jahr 1846 in Birmingham
gestaltete sich für den Komponisten, der selber dirigierte,
zu einem überwältigenden Triumph. Das Publikum,
2000 Zuhörer, war begeistert: Vier Chöre und vier
Arien mussten wiederholt werden, was erklärt, wieso
diese Erstaufführung dreieinhalb Stunden dauerte. Die
Zahl der an der Darbietung Beteiligten - 271 Chorsän-
19

ger und 125 Orchestermusiker - war beachtlich. Damit
verglichen nimmt sich die Aufführung des gleichen
Werkes, die am vorigen Samstag in der Kronstädter
Schwarzen Kirche stattgefunden hat, eher bescheiden
aus. Was allerdings nicht verhindern konnte, dass die
schätzungsweise 400 Anwesenden auch dieses künstlerische
Ereignis als Triumph, als eine Sternstunde großartigen
Musizierens empfanden.
Mendelssohn Bartholdys „Elias“ war seit dem Jahr
1912 in Kronstadt nicht mehr aufgeführt worden (was
sich nicht zuletzt dadurch erklärt, dass der Komponist
Jude war). Dass es nun, im Rahmen der dritten Ausgabe
der Musikfestspiele „Musica Coronensis“ (20.-23.
Oktober), zu dieser Aufsehen erregenden Darbietung
kam, muss als Kulturtat gewürdigt werden. Die Bachchöre
von Kronstadt und Hermannstadt (Dirigenten:
Steffen Schlandt, Kurt Philippi) und der Kammerchor
Wilhelmshaven (Dirigent: Gerrit Junge) sowie das Orchester
der Musikfakultät Kronstadt (Leitung: Steffen
Schlandt) vereinigten ihre Kräfte, um dieses große Musikwerk
erklingen zu lassen, das in der Tonsprache der
Romantik die hochdramatische Geschichte des Propheten
Elias, wie sie im 1. Buch von den Königen im
Alten Testament überliefert ist, wiedergibt.
Die Gesamtleitung lag in den Händen des jungen Dirigenten
Steffen Schlandt, der mit dieser Aufführung
zweifellos sein Meisterstück zustande brachte. Mit nicht
nachlassender Spannkraft beherrschte er den großen
Musikerapparat (rund 175 Mitwirkende) über die gesamte
Dauer der etwa zweieinhalbstündigen Aufführung.
Hervorgehoben werden muss auch die sorgfältig
bedachte Dramaturgie des Konzertes. Die Chöre hatten
- wohl eine Premiere - auf den Stufen vor dem
Altar Position bezogen. Das anrührende, wundervolle
Engel-Terzett erklang a cappella von der Empore. Die
Gesangsolisten (Bianca Manoleanu - Sopran, Maria
Pop - Alt, Ferenc Tökes - Tenor, Zsolt Szilagyi - Bass),
die sehr gute Leistungen boten, wechselten gelegentlich
aus dem Vordergrund in den Chor, abhängig von der
Rolle, die ihnen die Partitur jeweils zuwies.
Den Titelpart des Elias sang Zsolt Szilagyi, der mit
seiner schönen, warmen Stimme und seiner reichen
Erfahrung als Konzertsänger seiner anspruchsvollen
Aufgabe auf beeindruckende Weise gerecht wurde.
Hervorzuheben ist auch Bianca Manoleanu, deren
leuchtender Sopran keine Schwierigkeiten hatte, sich in
den gemeinsam mit dem Chor gesungenen Partien zu
behaupten.
Sicherlich überstrahlt die Aufführung des „Elias“ alle
anderen Konzerte, die im Rahmen der bisherigen drei
Ausgaben der „Musica Coronensis“ dargeboten wurden.
Diese Musikfestspiele wurden im Juni 2003 von
der Kronstädter evangelischen Kirchengemeinde (Honterusgemeinde)
mit Unterstützung der Deutschen Botschaft
Bukarest in der offenkundigen Absicht ins Leben
gerufen, das sehr wertvolle musikalische, vor allem
auch kirchenmusikalische Erbe, das in Kronstadt und
Siebenbürgen von Generation zu Generation weiterge-
20
geben und vermehrt wurde, aufzuwerten, indem es
dem heutigen Publikum vorgeführt wird. Und zu diesen
Traditionen, die weiterleben, gehört fraglos auch
die Aufführung großer vokalsinfonischer Schöpfungen
des internationalen Musikrepertoires in der Schwarzen
Kirche in Kronstadt.
Besondere Beachtung wurde bisher im Rahmen der
„Musica Coronensis“ den siebenbürgisch-deutschen
Komponisten geschenkt, und das war diesmal nicht
anders. Den ersten Abend bestritt das sinfonische Orchester
der Kronstädter Philharmonie, die auf eine bald
130-jährige Existenz zurückblickt. In diesem Konzert
gelangte die V. Sinfonie D-Dur von Paul Richter (1875-
1950) zur Darbietung, die seit etwa 45 Jahren in der
Geburtsstadt des Komponisten nicht mehr erklungen
war. Dieses Opus, „Festtagsmusik im besten und vornehmsten
Sinne des Wortes“, wie ein Rezensent notierte,
war 1937 in Deutschland, anlässlich der 700-Jahr-
Feier von Gera, uraufgeführt worden. (…)
Paul Richter war nicht der einzige siebenbürgischsächsische
Komponist, der anlässlich der dritten „Musica
Coronensis“ aufgeführt wurde. Abgeschlossen
wurde die Veranstaltung Sonntagmittag mit einer musikalischen
Matinee in der Schwarzen Kirche, in der
Kammermusik und Orgelmusik zu Gehör gelangte.
Eckart Schlandt spielte in diesem Rahmen die „Siebenbürgische
Elegie“ für Orgelsolo von Hans Peter Türk,
dem von der kirchenmusikalischen Tradition
Kronstadts geprägten Komponisten, der an der Klausenburger
Musikakademie Tonsatz und Harmonielehre
unterrichtet. Das programmatische, etwa zehn Minuten
dauernde Werk, in dem Reflexion und Intensität alternieren
und spannungsgeladene, kontrastreiche Tonfolgen
den Zuhörer in ihren Bann schlagen, hat nichts mit
Ernst Irtels bekannter Vertonung von Adolf Meschendörfers
„Siebenbürgischer Elegie“ zu tun. (…)
Andrerseits sind die Organisatoren der Reihe „Musica
Coronensis“ darum bemüht, dem multikulturellen Charakter
der Musiklandschaft Siebenbürgen gerecht zu
werden. Im vorigen Jahr trat z.B. der rumänische Astra-
Chor (Kronstadt) im Rahmen dieser Konzertfolge auf.
Heuer war der vom bereits genannten Konzertsänger
Zsolt Szilagyi geleitete szeklerisch-magyarische Chor
„Vox humana“ aus St. Georgen/Sf. Gheorghe, der seit
Jahrzehnten ein anspruchsvolles Repertoire pflegt und
gelegentlich auch mit unseren sächsischen Bachchören
zusammenarbeitet, eingeladen worden. In der Bartholomäus-Kirche
bot diese Singgemeinschaft ein konsistentes
Programm mit kirchenmusikalischen Chorwerken
alter Meister sowie klassischer, romantischer und
neuzeitlicher Tondichter in lateinischer, deutscher,
ungarischer und rumänischer Sprache dar. Einen tiefen
Eindruck hinterließen vor allem die Stücke, in denen
der Dirigent Solopartien sang (Mozarts wunderbares
„Laudate Dominum“ und Mendelssohn Bartholdys
Vertonung des 95. Psalms). Der junge Hausorganist
Paul Cristian, der die Chance hatte, im Ausland (Lausanne)
zu studieren, bot Proben seines Könnens mit

Orgelwerken von Pachelbel, Mozart und Mendelssohn
Bartholdy.
„Musica Coronensis“ baut auf die Tradition und pflegt
unser Musikerbe, richtet sein Augenmerk jedoch auch
auf Neue Musik. Das Beispiel Hans Peter Türk mag
hier stellvertretend für diese Bemühungen genannt
sein. Ebenso die Absicht der Organisatoren, heuer
erstmals den nach dem Erbauer der Orgel in der
Schwarzen Kirche benannten Kompositionspreis „Carl
August Buchholz“ auszuschreiben. Das preisgekrönte
Orgelwerk sollte im Rahmen der diesjährigen Konzert-
Von HORST GEHANN
folge aufgeführt werden. Der Plan scheiterte allerdings
an der geringen Zahl der Einsendungen, die außerdem
qualitätsmäßig nicht entsprachen. An der Idee dieses
Kompositions-Wettbewerbs für Orgelmusik wird
trotzdem festgehalten, und das ist auch nur richtig,
denn die dritte Ausgabe der Konzertreihe „Musica
Coronensis“ hat bewiesen, dass in Kronstadt gute Voraussetzungen
für die Durchführung dieser wichtigen
künstlerischen Veranstaltung auch in den kommenden
Jahren vorhanden sind. (ADZ, 29.10.2005)
Bach-Chor Darmstadt auf Konzertreise durch Indien
Der Bach-Chor Darmstadt führte unter der Leitung
seines Dirigenten, Horst Gehann, vom 14. bis 29. Oktober
2005 eine Konzertreise durch Südindien durch.
Die Gruppe bestand aus 22 Sängerinnen und Sängern
sowie 5 Begleitpersonen. Eine Reihe offizieller Stellen
zeichnete verantwortlich für die Durchführung der
Konzerte. So das “Indian Council for Cultural
Relations”, die “Indo German Cultural Society”, die
“International Music & Arts Society”, die “Bangalore
School of Music”. Mehrere deutsche Konzerne mit
Niederlassungen in Indien unterstützten die Initiative
großzügig.
Die „Academy of Music, Bangalore“ lud den Chor ein,
am 16. Oktober aus Anlass ihres Silber-Jubiläums in
der gut besuchten „Chowdiah Memory Hall“, einem
über tausend Plätze fassenden Konzertsaal in Form
einer Violine, eines der beiden Konzertprogramme
darzubieten. Das Programm umfasste neben weltlichen
A-cappella-Werken auch geistliche Musik mit Klavier-
oder Orgelbegleitung. Der Chor wurde in liebenswerter
indischer Art gefeiert. In den Dankesworten der Veranstalter
in der Sechs-Millionen-Stadt klang an, wie sehr
brückenbauende Kontakte geschätzt werden.
Am folgenden Abend fand ebenfalls in Bangalore in
der St. Marks Cathedral ein geistliches Konzert statt.
Neben Orgelwerken von Cesar Franck, J.S.Bach und
Waldemar von Baußnern erklang die Messe in E-Dur
von Joseph Rheinberger sowie das Chorwerk über den
42. Psalm „Wie der Hirsch schreit nach frischem Wasser“
von Rudolf Lassel, beide Werke von Gehann von
der Orgel her geleitet. Das Programm umfasste noch
weitere Chorwerke u.a. auch in Tamil, eine der vielen
Sprachen in Indien, und Englisch.
Bereits am folgenden Tag ging es weiter zur sechshunderttausend
Einwohner zählenden Stadt Mysore, wo
Werke von Franck, Bach, Baußnern und Rheinberger
am Abend, auf Einladung der „Mysore Music Association“,
ein Konzert in der Sawday Memorial Church
stattfand. Der bescheidene Zustand des Instruments
erlaubte kaum solistische Einsätze. Umso beeindruckender
war jedoch das unerwartet große Interesse der
Zuhörer, die den ganzen Kirchenraum und den Raum
vor der Kirche füllte und begeistert Beifall spendete.
Auch hier wurde wieder deutlich, wie sehr Musik jenseits
kultureller Verschiedenheiten, Menschen verbindet.
Die folgenden Tage waren vielfältigen touristischen
Programmen vorbehalten, die den Tourneeteilnehmern
die Mannigfaltigkeit des heutigen und geschichtlichen
indischen Lebens nahe brachte (Tempelanlagen, Maharadscha-Paläste,
ausgedehnte Reisfelder, Kaffee- und
Teeplantagen, das berühmte Kanalsystem der sogenannten
Backwaters mit seinen Hausbooten. Vor allem
aber der Kontakt mit seinen liebevollen Menschen). An
den Abenden war Gelegenheit geboten, die beeindruckenden
indischen Tänze mit ihrer bis heute archaischen
Musik zu bewundern.
Den Abschluss bildete am 27. Oktober ein Konzert in
der St. Joseph’s Cathedral der südindischen Hafenstadt
Trivandrum. Ein Chor dieser Stadt pflegt seit über 170
Jahren auch klassische Musik und ist weit über die
Grenzen des Staates Kerala (Indien hat eine föderative
Staatsform) hinaus bekannt. Auch hier beeindruckte die
herzliche Aufnahme und Dankbarkeit der zahlreichen
Zuhörerschaft. Rückblickend kann das gegenseitige
Geben und Nehmen als außerordentliche Bereicherung
aller Beteiligten betrachtet werden, auch wenn die Anstrengungen
der Reise manchmal an die Grenzen der
Belastbarkeit reichten.
21

22
Zehn Jahre Carl-Filtsch-Wettbewerb-Festival
Peter Szaunig und Walter Krafft haben in Hermannstadt eine bleibende Einrichtung geschaffen
Von DAGMAR DUSIL
Als 1995 das „Erste Internationale Klavier- und Kompositions-Wettbewerb-Festival
Carl Filtsch“ in Hermannstadt
das Licht der Welt erblickte, waren auch die
hartnäckigsten Zweifler von der Richtigkeit dieses
Vorhabens überzeugt. Für Peter Szaunig, ehemaliger
Klavierlehrer am Hermannstädter „Lyzeum für Musik
und Bildende Kunst“, Musikpädagoge, Kritiker und
Pianist, wurde nach 25 Jahren ein Traum Wirklichkeit.
Die nicht einfache Geburt des Festivals wurde von den
drei Pianisten Walter Krafft, Gründer und Leiter des
Münchener Musikseminars, Peter Szaunig, damals an
der Lahrer Musikschule tätig, und dem Holländer G. A.
Alink, heute Leiter der Argerich-Alink-Stiftung, vorbereitet.
Was dieses Wettbewerb-Festival von anderen
unterscheidet, ist die Tatsache, dass auf Szaunigs
Wunsch neben Werken der Klavier-Weltliteratur aus
mindestens drei Stilepochen und einem Pflichtstück aus
sechs Filtsch-Kompositionen eine zusätzliche schöpferische
Disziplin einer „Eigenkomposition“ von mindestens
drei Minuten einbezogen wurde.
In diesem Jahr fand in Hermannstadt zwischen dem 6.
und 11. September zum zehnten Mal und gleichzeitig
im 175. Todesjahr von Carl Filtsch das Internationale
Klavier- und Kompositions-Wettbewerb-Festival unter
idealen Rahmenbedingungen statt. So wurde das Wettbewerb-Festival
im Thalia-Saal ausgetragen, dem neuen
Zuhause der Hermannstädter Philharmonie und dem
Ort, wo schon das siebenbürgische Wunderkind Carl
Filtsch konzertierte. Vor einer internationalen Jury
unter dem Vorsitz von Peter Szaunig stellten 41 Kandidaten
aus zehn Ländern ihr Können unter Beweis.
Den krönenden Abschluss bildeten die Preisverleihung
und das Galakonzert am 11. September.
Nach der Begrüßung zog Peter Szaunig eine Bilanz der
zehn letzten Jahre. Er betonte die Individualität und
das hohe pianistische Können der Teilnehmer und
unterstrich das hervorragende Niveau der Eigenkompositionen.
Anhand statistischer Daten ließ er die letzten
zehn Jahre Revue passieren. Insgesamt 382 Pianisten
(vornehmlich aus dem Gastgeberland Rumänien,
aus Bulgarien, aus der Republik Moldau und aus Ungarn)
stellten in diesen zehn Jahren ihr Können unter
Beweis. Erfreulich sei die Zunahme der Eigenkompositionen
der Kandidaten. Abschließend richtete Szaunig
Worte des Dankes an den Direktor der Hermannstädter
Philharmonie, Ion Bojin, der den Wettbewerb mit
viel Einsatz unterstützte. Jörg Schulz, Konsul der Bundesrepublik
Deutschland in Hermannstadt, dankte in
seiner Rede der Siebenbürgisch-Sächsischen Stiftung,
dem Demokratischen Forum der Deutschen in Hermannstadt
und den Organisatoren dieses Festivals.
Walter Krafft fokussierte seine Rede auf den Namensgeber
des Festivals, das siebenbürgische Wunderkind
Carl Filtsch, für dessen Bekanntmachung er unermüd-
lich tätig ist. In diesem Sinne wirken auch international
anerkannte Pianisten wie Leonhard Westermayer oder
Cziky Boldizsár-Adleff.
Das Galakonzert eröffnete der elfjährige Bulgare
Srebrinov mit Griegs „Marsch der Zwerge“, der für
seine Interpretation den 1. Preis in der Gruppe A (bis
12 Jahre) erhielt. Szokolay Adam Zsolt, der den 2. Preis
dieser Gruppe erhielt, interpretierte gekonnt ein ungarisches
Volkslied von Béla Bartók, um die Zuhörer sodann
mit Filtschs Barcarole in eine Zeit zu entführen,
als der kleine Filtsch daselbst das Publikum mit seinem
Spiel verzaubert hatte. In der Gruppe B (12-16 Jahre)
wurde das Programm von drei jungen Damen aus Bulgarien,
Ungarn und Rumänien sowie dem Ukrainer
Andryi Fomin, dem Star dieser Gruppe, bestritten.
Technisch ausgefeilt und von einer erstaunlich beherrschten,
musikantisch-temperamentvoll geprägten
Persönlichkeit war seine Interpretation von Prokofjews
„Diabolische Suggestion“, der eine Eigenkomposition,
ein „Partida“ betitelter Walzer, folgte. Seinen Vortrag
beendete er mit der einzigen vom Publikum geforderten
Zugabe, einer kapriziösen und auch schauspielerisch
originellen weiteren Eigenkomposition.
Die Gruppe C (16-31 Jahre) wurde professionell durch
Istvan Lajko repräsentiert, der seinen Vortrag mit einer
Eigenkomposition begann, deren meditativer Charakter
quasi intuitiv eine Umsetzung Filtsch’scher Kompositionsweise
des 21. Jahrhunderts verkörpern dürfte. Fast
nahtlos fuhr er mit der Interpretation von Filtschs Impromptu
in b Moll fort und brachte dabei seine außerordentlichen
technisch-pianistischen Fähigkeiten zur
Geltung. Nach Marija Ivanovics (aus Serbien angereist)
eigenwilliger Interpretation der Sonate in B-Dur von
Joseph Haydn beendete der mit dem 2. Preis ausgezeichnete
Italiener Andrea Calvani den gelungenen
Abend mit dem virtuos interpretierten Scherzo Nr. 2 in
b Moll von Chopin.
Ein Novum war auch die kleine vergoldete Filtsch-
Büste, die für die beste Interpretation einer Filtsch-
Komposition (Maria Alexandra Vaduva/Rumänien und
Angyalka Mayer/Ungarn) überreicht wurde. Pate stand
die Stiftung der Universitäten für europäische Integration
und der Verein Lobby-Art. Geschaffen wurde sie
von Adrian Popescu, dem Vorsitzenden des vorhin
genannten Vereins. Die Büste gilt auch als Insignie
einer Europäischen Kulturhauptstadt 2007. Erwähnenswert
ist auch die im Foyer des Thalia-Theaters mit
viel Akribie und persönlichem Einsatz von Peter Szaunig
eingerichtete Ausstellung, die eine umfassende Dokumentation
der zehn vorangegangenen Jahre beinhaltete.
Das Geschehen der letzten zehn Jahre fasst auch
ein reich bebilderter Jubiläumsband von Peter Szaunig
zusammen, der im „Johannis Reeg“-Verlag erschienen
ist. Inhalt des Bandes sind allgemeine Informationen

wie die Biographie Carl Filtschs, die Analyse der wichtigsten
Filtsch-Werke, neueste Erkenntnisse über Musikerziehung,
die Wirkung der Musik im Allgemeinen
sowie Statements und Interviews namhafter Künstler.
Ergänzend werden alle Preisträger der Wettbewerb-
Festivals aufgeführt.
Für die Zukunft kann man sich nur wünschen, dass
Szaunig und Krafft, die Seele und der Motor dieses
Festivals, weiterhin mit viel Idealismus gemeinsam an
einem Strang ziehen, damit die letzten zehn Jahre nicht
wie eine Sternschnuppe verglühen, sondern das Carl-
Filtsch-Wettbewerb-Festival zu einem Fixstern am
Hermannstädter Kulturhimmel machen.
(Siebenbürgische Zeitung Online, 2.10.2005 )
Musikalische Erstaufführungen in Großwardein und München
von JOHANNES KIRNER
Zwei bedeutende Konzerte unter der Leitung von Franz Metz
240 Jahre sind vergangen, dass Carl Ditters (von Dittersdorf),
ein hervorragender Violinvirtuose und Komponist,
im April 1755 seinen Dienst als Kapellmeister
des Bischofs Adam Patachich in Großwardein/Oradea
aufgenommen hat. Viereinhalb Jahre hat er dort das
Musikleben entscheidend mitgeprägt. Sein Orchester
und dann auch das hinzugefügte Theater genossen weit
im Lande einen hervorragenden Ruf. Doch hat der
Bischof, wohl um Unannehmlichkeiten auszuweichen,
auf Druck aus dem Wiener Hof 1769 beide Institutionen
aufgelöst. Er wurde in Wien von Intriganten denunziert,
er habe in der Fastenzeit entgegen dem Verbot
der Kaiserin Maria Theresia eine weltliche Veranstaltung
gegeben.
Leider zählt Dittersdorf heute zu den Komponisten,
deren Werke selten, wenn überhaupt, zu hören sind. So
ist er nun der bekannte und doch unbekannte Komponist.
Wenn auch seine Konzertmusik gelegentlich auf
den Programmen zu finden ist, so ist seine Kirchenmusik,
die einen großen Teil seines Gesamtwerkes umfasst,
weitgehend unbekannt.
Der Staatlichen Philharmonie in Großwardein ist nun
dafür zu danken, dass sie eine Anregung aufgenommen
hat, aus Anlass der 240. Wiederkehr der damaligen
Orchestergründung, am 12. Mai d.J. ein festliches Konzert
im Dom zu geben, bei dem ausschließlich geistliche
Musik Dittersdorfs erklang. Die dargebotenen
Werke sind erst in jüngster Zeit durch Erstveröffentlichungen
von Johannes Kirner (beim Carus-Verlag) und
Dr. Franz Metz in die Öffentlichkeit gelangt und waren
bei diesem Konzert teilweise Erstaufführungen. Neben
vier kleineren geistlichen Gesängen für Soli, (Chor) und
Orchester erklang die 1769 geschriebene Missa Solemnis
in C. Diese Messe dürfte wohl das letzte große
Werk sein, das Dittersdorf in Großwardein geschrieben
hat. Die dortigen Handschriften gingen leider verloren.
So ist das älteste dokumentierte Aufführungsdatum
„27. Julii, 1770“, auf zwei Stimmen einer Abschrift im
Kloster Heiligenberg bei Ölmütz, zeitorientierend.
Dr. Franz Metz leitete die Aufführung umsichtig, präzise
und mit straffer Hand. Die Solisten, der mit 50 Sängern
besetzte Chor und das Orchester gaben ihr Bestes.
Der Konzertmeister stand im Gloria mit dem konzer-
tanten Violinpart dem Komponisten nicht nach. So
konnten alle Feinheiten Dittersdorfs herrlicher Kompositionen
an dem Ort, für den sie geschrieben und an
dem sie uraufgeführt wurden, in vollendeter Weise
wieder das Lob gen Himmel senden. Den Mitwirkenden
war die Freude am Musizieren und über das Gelingen
deutlich anzusehen. Die Besucher, die den Dom
bis fast auf den letzten Platz gefüllt haben, dankten mit
anhaltendem Beifall für diese glanzvolle Leistung.
Doch nicht nur in Großwardein ist solches zu hören.
Am 19. Juni 2005 veranstaltete die Capella Bavarica in
der Pfarrkirche St. Pius in München mit unterstützt des
Kulturreferats der Landeshauptstadt München, ein
beachtenswertes Konzert. Dieses Ensemble mit 22
Musikern und Sängern, von Dr. Franz Metz im Januar
2005 gegründete, hat es sich zur Aufgabe gemacht,
bisher unbekannte Werke südosteuropäischer Komponisten
des 18. und 19. Jahrhunderts wieder bekannt zu
machen. Diese Komponisten, die meist aus dem süddeutschen
Reichsgebiet stammten, waren im Banat
oder in Siebenbürgen als Domkapellmeister, Regenschori
und Kantoren tätig und haben einen reichen
Schatz wertvoller Kirchenmusik hinterlassen. Erst seit
dem Zusammenbruch des Eisernen Vorhangs 1989 ist
es möglich diese Bestände aufzuspüren und zu sichern.
Alle Werke und Komponisten aus dem umfangreichen
Programm hier aufzuführen und vorzustellen, würde
den Rahmen dieses Berichtes sprengen. So seien hier,
ohne eine Bewertung auszusprechen nur einige dieser
musikalischen Kostbarkeiten genannt:
Bei der Sinfonia in Es, die den Reigen eröffnete,
schöpft der Komponist Václav (Wenzel) Pichl (1741-
1805) seinen Melodienreichtum voll aus. Die Lebendigkeit
der Ecksätze und das verspielt klingende Rondo
können jedes Musikliebhaberherz erfreuen. Pichl, der
aus Böhmen stammte und in Wien verstarb, war auch
Schüler von Carl Dittersdorf und bei ihm in Großwardein
Geiger und Vizedirigent.
Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) u.a. Schüler
von Mozart und J. Haydn und dessen Nachfolger als
Kapellmeister bei Fürst Esterhazy, hat der Musikwelt
eine anspruchsvolle Phantasie für Solo-Viola und Orchester
hinterlassen. Dieses dreiteilige Werk zählt zu
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den klassischen Bravourstücken für dieses Instrument,
dessen Sololiteratur ohnehin nicht sehr zahlreich ist.
Herbert Christoph hat dieses selten zu hörende Stück
meisterlich dargeboten und durfte für seine gekonnte
Ausführung reichen Beifall ernten.
Doch sollen hier auch die Vokalkompositionen, die
den Hauptteil des Abends füllten, nicht übersehen
werden. In abwechslungsreicher Folge, begonnen mit
dem „Laudate Domnium“ von Anton Leopold Herrmann,
für Solistenquintett und Orchester, gefolgt von
ariosen geistlichen Gesängen für jede Gesangstimme,
die teilweise mit Soloinstrumenten gepaart waren, bis
zum „Tu totus es miserabilis“, einem Offertorium für
Solo-Klarinette, Solisten und Orchester, hat der Abend
einen breiten Querschnitt dessen gezeigt, welch mu-
Die Präsentation Rumäniens, des Landes, das ab 2007
zur Europäischen Union gehören wird, war in den
letzten Jahren auf europäischem Parkett nicht besonders
glücklich verlaufen. Zu oft konnten wir – wenn
überhaupt – negative Schlagzeilen in den deutschen
Medien verfolgen. Dass dabei die kulturelle Sparte
dieses subjektiven Erscheinungsbildes auf der Strecke
blieb, konnte nicht verhindert werden. Um so spannender,
wirkungsvoller und interessanter ist dann der
Auftritt eines hochbegabten und überdurchschnittlichen
rumänischen Kinderchors, der die Zuhörer in den
Bann der aufgeführten Musikstücke mitreißen kann.
Und was für Klang! Ein Münchner Zuhörer sagte mir
nach dem Konzert: Die singen ja wie die Regensburger
Domspatzen.
24
sikhistorisches Erbe im ehemaligen deutschsprachigen
Südosten noch zu heben ist.
Die Solisten des Konzertes, Manuela Dill und Alpinia
Albasteanu, Sopran, Annette Kramny, Alt, Adrian Sandu,
Tenor, Burkhard F. Mayer, Bass und die Soloinstrumentalisten
haben sich in angenehmer Weise einander
ergänzt und bildeten ohne zu dominieren mit
dem Orchester eine wohltuende Einheit. Es bleibt zu
wünschen, dass Dr. Franz Metz uns noch öfter mit
solchen Leckerbissen verwöhnt. Vielleicht gelingt es
auch eine größere Konzertbesucherschar zu begeistern.
Es lohnt sich!
CD-Einspielungen mit Zsigmond János Kristófi
Zsigmond János Kristófi, Organist am Großwardeiner Dom, gründete im Jahre 2002 den Michael-Haydn-Chor, der
größteinteils aus Studenten der Christlichen Partium-Universität besteht. Kristófi hat auch einen Lehrauftrag an dieser
Universität übernommen. Der Kammerchor widmet sich vor allem der Pflege geistlicher Musik und hat auch schon
Auslandstourneen unternommen. Die CD (Einspielung 2004) enthält Orgelwerke von Bach (Toccata und Fuge, d-
Moll), Pièce d´Orgue) Franz Liszt (Resignation, Ave verum, Nun danket alle Gott), Chorwerke von William Byrd und
Johann Michael Haydn (Universi, qui te expectant, Ex Sion species decoris eius, Prope est Dominus, Eripe me). Im Mai
2006 wird der Chor auch in Salzburg und München zu hören sein.
Eine zweite CD hat Kristófi gemeinsam mit der Sängerin Otilia Altfater eingespielt: Orgelwerke von Liszt (Introitus),
Pachelbel (Toccata in e), Bach und Gesangsoli von Cesar Franck, Bach und Gounod. Die Aufnahmen wurden an der
historischen Orgel der Ladislaus-Basilika zu Großwardein im Jahre 2004 gemacht, ein Instrument das im 18. Jahrhundert
errichtet wurde und dringend einer Renovierung bedarf. Das Vorderpositiv wurde bereits von der Passauer Orgelbauwerkstätte
Eisenbart vor mehreren Jahren restauriert, der restliche Teil der Orgel ist nur mit Müh und Not spielbar.
Die Aufnahmen sind – trotz des riesigen Nachhalls – gut gelungen. Die Basilika zu Großwardein ist die einzige römisch-katholische
Kathedralkirche Rumäniens mit einem kontinuierlichen Musikleben selbst in der Zeit der Ceausescu-
Diktatur. Domkapellmeister Michael Balogh gelang es den Chor aufrecht zu erhalten und fast an allen kirchlichen Festtagen
des Kirchenjahres eine Orchestermesse aufzuführen. Umso wichtiger wäre deshalb eine dringende Renovierung
der großen historischen Orgel, ein Meisterwerk des barocken Wiener Orgelbaus. Für weitere Informationen: kristofi@yahoo.com
von DR. FRANZ METZ
Ovationen für Lugoscher Kinderchor
Der Kinderchor „Armonii“ der Lugoscher Musikschule konzertierte in Deutschland
Der Chor von dem die Rede ist, heißt „Armonii“,
kommt aus Lugosch und besteht seit wenigen Jahren.
Claudia Gherga, die junge begabte Dirigentin, mit
wertvollen künstlerischen Chorerfahrungen als Sängerin
des berühmten Bukarester Madrigalchors ausgestattet,
kann den Kindern dieses Chors der Lugoscher
Musikschule Filaret Barbu nicht nur volle Konzentration
abverlangen, sondern mit diesen Diskantklängen
regelrecht jonglieren. Am 10. und 12. Juni 2005 trat
dieser Chor in der Münchner St. Piuskirche auf, wurde
nach jedem Stück mit langem Beifall belohnt und gab
auch einige Zugaben. Das Programm umfasste vorwiegend
geistliche Chormusik rumänischer Komponisten
wie Gheorghe Cucu, Doru Popovici, Catalin Creţu,
Corneliu Cezar, Gheorghe Danga und die geistreiche

und launische Bearbeitung Schoggls von Schuberts
„Forelle“.
Dass diese Konzerte in Aichach und München überhaupt
zustande gekommen sind ist auch einem Verein
in Aichach zu verdanken, der in Lugosch karitativ tätig
ist. Dadurch konnte auch eine Partnerschaft zwischen
der Lugoscher und Aichacher Musikschule in die Wege
geleitet werden. Dass es sich dabei gerade um einen
Kinderchor aus Lugosch handelt, kommt nicht von
ungefähr, war doch diese Stadt bereits im 19. Jahrhundert
und früher ein bedeutendes Zentrum der südosteuropäischen
Chorbewegung. Unbewusst wird nun
diese Tradition von der jüngsten Generation fortgeführt.
Erstaunt ist man aber, wenn man erfahren muss,
dass viele dieser talentierten Kinder, die Preisträger von
nationalen Wettbewerben im Klavier- oder Violinspiel
sind, zu Hause überhaupt kein Instrument zur Verfügung
haben und nur in der Musikschule üben können.
Werke
Wie würden diese Kinder erst musizieren, wenn sie
bessere materielle Voraussetzungen hätten.
Wenn es der Stadt Lugosch gelingt, diesen einmaligen
Kinderchor als eine feste kulturelle Einrichtung zu
etablieren, so ist die Zukunft der so genannten „Musikstadt
an der Temesch“ gerettet. Es bleibt dann nur
noch zu wünschen übrig, dass man in das Programm
auch Chorwerke Lugoscher Komponisten wie Wusching,
Schwach, Vidu, Kurtág, Klepper oder Brediceanu
aufnimmt und den Kindern die Möglichkeit gibt,
dieses einmalige bunte banater Gesangsrepertoire als
wahre Botschafter ihrer Heimat in der Welt präsentieren
zu lassen. Die Kinder der Lugoscher Musikschule
haben ihre Aufgabe glänzend erfüllt. Jetzt sind die
„Erwachsenen“ vom Rathaus, vom Kreis und vom
Kulturministerium dran: ob sie die Zukunft dieser musikalischen
Kinder und der Einmaligkeit der Lugoscher
Chortradition sichern können, liegt in ihrer Hand.
Rudolf Lassels Matthäuspassion eingespielt
Der Hermannstädter Bachchor legt unter Leitung von Kurt Philippi eine historische Aufnahme vor
von JOHANNES KILLYEN
Rudolf Lassels siebenbürgische Passionsmusik war
viele Jahrzehnte lang nur aus Beschreibungen bekannt,
ein stummer Meilenstein der siebenbürgischen Musikgeschichte.
Stumm? Nicht ganz natürlich. Ein Abschnitt
des Werkes reicht in seiner Bekanntheit sogar
an die Siebenbürgische Elegie heran. Doch wer hat
jemals in dem eingängigen 42. Psalm „Wie der Hirsch
schreit nach frischem Wasser“ einen Teil von Lassels
Matthäuspassion gesehen? Kurt Philippi und dem
Hermannstädter Bachchor ist es zu danken, dass diese
„Siebenbürgische Passionsmusik“ endlich in einer vollständigen
Aufnahme vorliegt und damit auch der 42.
und der 43. Psalm („Richte mich Gott“) in ihren ursprünglichen
Zusammenhang gestellt werden.
Die Vollständigkeit ist bei Lassel freilich relativ zu sehen,
denn der 1861 in Kronstadt geborene Komponist
hat nur das 26. Kapitel des Matthäus-Evangeliums
vertont, das 27. Kapitel (das mit Jesu Verhör vor Pilatus
beginnt) aber unberührt gelassen. Warum, das kann
man nur vermuten. Hermann Schlandt nimmt an, Lassel
habe sich nicht imstande gefühlt, „in die Düsternis
der tiefsten Leiden Jesu“ hinab zu steigen. Wolfgang
Sand, der seine Magisterarbeit über Rudolf Lassel 1999
publiziert und nun einen umfassenden Band über die
Kronstädter Musikgeschichte vorgelegt hat, geht –
deutlich pragmatischer - davon aus, dass Lassel fürchtete,
„das Publikum mit einer vollendeten und langen
Passionsvertonung“ zu überfordern.
Folgt man den ersten Kritiken aus dem Jahr 1901, so
war diese Furcht nicht unbegründet. Denn Bachs monumentale
Passionen waren bis dato noch unbekannt
in Siebenbürgen und die Zuhörer nicht gewöhnt, sich
über Stunden hinweg in eine musikalische Darstellung
des Passionsgeschehens zu vertiefen. Gleichwohl folgten
Passionsaufführungen in Siebenbürgen einer langen
Tradition, die bereits im 17. Jahrhundert mit der „Waltherschen“
Passion begann, dann mit einer Komposition
von Johann Sartorius senior im 18. Jahrhundert und
einer Schobel-Passion im 19. Jahrhundert fortgeführt
wurde.
Daran schloss Lassels „Siebenbürgische Passionmusik“
nahtlos an, und zwar keineswegs zufällig: Sie sollte ein
Standardwerk werden, weshalb der Komponist Chor
und Solisten nur die Orgel zur Seite stellte – was auch
Ensembles auf den Dörfern zumindest theoretisch in
die Lage versetzte, das Stück aufzuführen.
Doch wie gesagt: Vor der Popularität, die die Matthäuspassion
bald erlangte, stand Reserviertheit. Aufschluss
über die Gründe dafür gibt ein Auszug aus der
Kritik in der Kronstädter Zeitung vom 9. April 1901:
Die Zuhörer, heißt es da, „wurden der vielen erbaulichen
Betrachtungen müde, durch die sie wohl oder
übel den Fortgang der Handlung unterbrechen und in
die Länge ziehen mußten“. Lassel hatte nämlich das
Publikum einbezogen und ließ es – nach alter Tradition
– alle Choräle mitsingen. Die wiederum waren nicht
wie bei Bach harmonisch angereichert, sondern zum
Zwecke der leichteren Ausführbarkeit sehr schlicht
gesetzt. Einigen war das zu viel der Beschaulichkeit.
Zudem, und das mag ebenso schwer wiegen, gewinnt
Lassels Matthäuspassion erst allmählich an Dramatik.
Die Rezitative spiegeln oft nur dezent die innere Bewegtheit
der Protagonisten wider, die Partie des Evangelisten
ist ebenso ruhig angelegt wie naturgemäß die
25

des Jesus. Bewegte Chöre sind in den ersten beiden von
drei Teilen selten. Die omnipräsente Orgel kommentiert
das Geschehen zwar viel und eigenständig, verleiht
dem Werk jedoch einen betont liturgischen Charakter.
Seltsam zum Beispiel, wie Lassel bei der Gefangennahme
Jesu zuerst ein optimistisches Maestoso vorschreibt
und nach kurzer dramatischer Zuspitzung
gleich wieder die Beschaulichkeit sucht. Eine starke
Affinität zu theatralischen Effekten scheint er nicht
gehabt zu haben – so denkt man.
Doch der dritte Teil (Jesus vor dem hohen Rat), der
nicht mehr im Original, sondern nur in Abschriften
erhalten ist, zeigt, dass Lassel auch anders kann. Gleich
im Eingangschor „Richte mich, Gott“, einer Vertonung
des 43. Psalms, beweist er feines dramatisches Gespür
beim Wechsel zwischen verzweifelten Ausrufen der
Männerstimmen, engelsgleichem Zuspruch von Alt
und Sopran sowie markanten Einwürfen von Solisten
und Orgel. Der triumphale Abschluss „Harre auf Gott“
ist der Höhepunkt des Werkes. Hier steht Lassels
Kompositionskunst derjenigen Mendelssohns – der
sein großes Vorbild war – in nichts nach. Auch der
kurz darauf folgende Chor „Weissage uns Christe“
erinnert an Mendelssohn, ja die ohne Antwort verbleibenden
Ausrufe haben ein direktes Vorbild in den
Baalsrufen aus dem „Elias“.
Mag sein, dass es in Siebenbürgen Dorfchöre, Organisten
und hochromantische Orgeln gab, die diesem Werk
gewachsen waren. Sicher ist jedoch, dass die Vielzahl
der geforderten Solisten die Möglichkeiten ländlichen
Musizierens in der Regel überforderte. Kurt Philippi
greift (trotz einiger Doppelbesetzungen) auf nicht weniger
als neun Solosänger zurück, allen voran der nimmermüde,
ungeheuer erfahrene, fast schon legendäre
Zsolt Szilágyi, der seit Jahrzehnten führende Tenorpar-
Gedanken zu einer neuen Passionsmusik
Hans Peter Türk vollendete Lassels Matthäuspassion
von URSULA PHILIPPI
26
tien in Siebenbürgen übernimmt und auch hier in der
Rolle des Evangelisten glänzt.
Ihm zur Seite steht als Jesus ein weich, bestimmt und
klangvoll agierender Matthias Weichert, der in Dresdner
als Hochschulprofessor tätig ist und das Ensemble
bereichert. Die weiteren Solisten können nur erwähnt
werden: Anita Hartig, Teodora Gheorghiu, Bianca
Manoleanu, Dorothea Binder (Sopran), Rotraut Barth
(Alt), Wolfram Theilemann (Tenor) und Wilhelm
Schmidts (Bass). Ursula Philippi an der Sauer-Orgel der
Hermannstädter Stadtpfarrkirche liefert dazu natürlich
auf kongeniale Weise den Instrumentalpart, souverän
zwischen der Funktion als Begleiterin und Solistin
wechselnd.
Den größten Respekt für diese Aufnahme muss man
aber dem Hermannstädter Bachchor und seinem Leiter
Kurt Philippi zollen, der durch unbedingten, jedoch nie
übertriebenen Gestaltungswillen die schlichten Choräle
aufwertet, die Chöre plastisch herausarbeitet und gerade
in dem berühmten „Hirsch“-Psalm durch Leichtigkeit
besticht. Der Bachchor folgt seiner Intention fast
immer, bisweilen klingt das Ensemble wie ein Profichor.
Dann wieder sind freilich Einzelstimmen deutlich
hörbar, dem Gesamtklang fehlt – wie könnte es anders
sein bei einem Laienchor – ab und an die Homogenität.
Zu bedenken ist dabei aber auch: Für so einen Chor
hat Lassel seine Matthäuspassion, deren Wirkungsgeschichte
intensiver erforscht werden sollte, damals
komponiert. Genauso wie auch Hans Peter Türk, der
Klausenburger Komponist, es bis 2007 für den Bachchor
tun wird. Im Jahr der europäischen Kulturhauptstadt
Hermannstadt soll seine „Siebenbürgische Passionsmusik“
uraufgeführt werden. Türk wird da anknüpfen,
wo Lassel aufgehört hat.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts komponierte der Kronstädter Kantor und Organist Rudolf Lassel (1861-
1918) eine Passionsmusik nach dem Matthäusevangelium für Chor, Soli und Orgel. Er vollendete aber
nur den für den Gründonnerstag vorgesehenen Teil. Neun Choräle und drei Psalmkompositionen begleiten
und kommentieren das Geschehen, wie es im 26. Kapitel des Matthäusevangeliums berichtet wird.
Lassels Tod im Jahr 1918 verhinderte die Vollendung der Passion. Oder war es die kühle Aufnahme des
Gründonnerstags-Abschnitts durch das Kronstädter Publikum bei der Erstaufführung? Wirkliche Beliebtheit
erlangte nur die Psalmkomposition „Wie der Hirsch schreit nach frischem Wasser“, die als selbstständiges
Werk Lassels von vielen Chören auch heute gesungen wird. Der Komponist bezeichnete seine
Passionsgeschichte im Untertitel als „leicht ausführbar“. Das ist zumindest leicht übertrieben.
Sowohl den Solostimmen als auch der Orgel als Orchesterersatz wird einiges abverlangt! Allein der Chor
wird nicht über die Maßen gefordert, sieht man vom großen Klanggemälde ab, das der Psalm „Richte
mich, Gott“ in seiner symphonischen Fülle und Breite darstellt. Der zweite Teil der Textvorlage, das 27.
Kapitel des Matthäusevangeliums, mit den dazu gehörigen Choralstrophen und Psalmversen, blieb unvertont.
Rund hundert Jahre später, im März 2005, kam es zur Vollendung der siebenbürgischen Passionsmusik.
Was für eine Aufgabe! Die Komposition von Hans Peter Türk (geb. 1940) für die gleiche Besetzung,
nämlich Chor, Soli und Orgel, liegt im Notensatz vor. Ein Blick auf die Partitur verrät: hier hat es

sich der Künstler nicht leicht gemacht. Den Ausführenden wird keine Fortsetzung der eingängigen Tonsprache
Lassels geboten.
Die Choräle werden ihres scheinbar zeitlosen Gewandes beraubt. „Mitten wir im Leben sind mit dem Tod
umfangen“ kann, wer es ehrlich meint, heute nicht in der alten Tonsprache weitersingen. Auf dem Fundament
eines stets wiederkehrenden Orgelbasses, der versucht, sich in Halbtonschritten vorwärts zu
wälzen, singt der Chorbass zweistimmig die leicht verzerrte Choralmelodie. Die anderen Stimmen deklamieren
dazu im Sprechgesang Zeile für Zeile, bis sich alle Stimmen am Ende singend finden: „Herr“ -
ein Aufschrei, „erbarm dich unser“ - verlöschendes pianissimo. Was für eine Aufgabe, die seit Bachs
Vertonung so überaus bekannten Worte des Matthäusevangeliums neu in Musik zu fassen! Vertraute
und gut bekannte Musik läuft Gefahr, für uns zur schönen Klanghülse zu werden, die wir nur noch „genießen“.
Türks Passionsvertonung wird uns mit Sicherheit davor bewahren, die Leidensgeschichte zu
„genießen“. Unter die Haut wird sie gehen! Wenn die Solosopran-Stimme sich durch den Text „O Haupt
voll Blut und Wunden“ windet, kontrapunktiert der Bass mit dem Motiv, das wir schon hörten: „Herr,
erbarm dich meiner“. Ein Wort hat hier der Komponist verändert: „meiner“ setzt er statt „unser“. Persönlicher
kann eine Aussage gar nicht werden! Mit diesen Worten endet auch das Werk. Wer es singt, meint
sich selbst, singt es stellvertretend für die Hörenden, bezieht letztendlich alle Menschen mit ein. Auf seine
Art und mit seinen Gaben hat uns Hans Peter Türk in diesem Jahr ein Geschenk gemacht. Unsern
Dank wird er empfangen, wenn wir seine Passionsmusik im Jahr 2007 erstmals zum Klingen bringen,
und wenn wir uns als Hörende von der Musik ergreifen lassen. (ADZ, 18.03.2005)
„Mit dem hohen echt kirchlichen Geist alter Kunst“
Der Hermannstädter Bachchor spielte „Eine siebenbürgische Passion“ von Rudolf Lassel ein
von THEALINDE REICH
Zwei Ereignisse führten im Lauf des 19. Jahrhunderts
zu einer Rückbesinnung auf das große und verpflichtende
Erbe der evangelischen Kirchenmusik: das Jubiläumsjahr
der Reformation 1817 und die Wiederaufführung
der Matthäuspassion von Johann Sebastian
Bach durch Felix Mendelssohn-Bartholdy 1829. Dies
Interesse an Schütz, Bach und deren Zeitgenossen
erwachte im Kontext einer allgemeinen religiösen Reaktion
auf die aufklärerische Zersetzung des christlichen
Glaubens. Sowohl in Deutschland als auch in
Siebenbürgen verfolgte man in der zweiten Hälfte des
19. Jahrhunderts und um die Jahrhundertwende eine
innere Erneuerung der Kirche und damit ihrer Musik.
Rudolf Lassel lernte während seines Studiums in Leipzig
(1881-1883) nicht nur die Werke alter Meister kennen,
sondern auch zahlreiche Neuschöpfungen im
historisierenden Stil, von denen die Oratorien „Elias“
und „Paulus“ des Konservatoriumsgründers Mendelssohn
Bartholdy einen einsamen Höhepunkt darstellten.
Alte Formen mit einer zeitgenössischen musikalischen
Sprache zu füllen - das war das Credo jener Komponistengeneration,
im Titelzitat vom Historisten Rochus
von Lilienchron treffend formuliert.
Zurück in Siebenbürgen hat sich Lassel um das Musikleben
Kronstadts sehr verdient gemacht. Nicht nur als
Pädagoge, Dirigent und Kantor verbesserte er das musikalische
Niveau erheblich, sondern er führte das Publikum
an die Schütz’sche Matthäuspassion heran und
ebnete der hiesigen Bachrenaissance den Weg - die
fraglose Bachverehrung war keineswegs schon immer
eine Selbstverständlichkeit.
Kompositorisch trat Lassel mit Liedern, Chormusik
und Orgelwerken in Erscheinung. Als sein Hauptwerk
gilt allerdings „Die Leidensgeschichte unseres Herrn
Jesu Christi“ Op. 23 nach dem Matthäus-Evangelium
für Chor, Solostimmen, Gemeindegesang und Orgelbegleitung.
Interessant ist an dieser Besetzung, dass das
Orchester fehlt - war die alleinige Begleitung durch die
Orgel zusammen mit dem Prädikat „leicht ausführbar“
nur ein Zugeständnis an die eher bescheidenen Aufführungsmöglichkeiten
der siebenbürgischen Gemeinden?
Vielleicht besteht zusätzlich ein Zusammenhang mit
den „Kirchenoratorien“, die auf Bestreben der Theologen
in Deutschland entstanden: Diese Art Musik sollte
wieder stärker liturgisch verankert und nicht nur als
reines Kunstwerk betrachtet werden; der Gemeinde
kam dabei gestaltende Mitwirkung zu, was auch völlig
aus der Mode geraten war, nachdem die geistliche Musik
aus der Kirche in den bürgerlichen Konzertsaal
abwanderte. Durch die ausschließliche Orgelbegleitung
und den Gemeindegesang sollte das Kirchenkonzert
nun wieder ein gottesdienstliches Gepräge erhalten.
Die Passion Lassels blieb leider ein Fragment. Nur der
erste Teil mit der Handlung des Gründonnerstags wurde
vertont, damit fehlt der Tod Jesu. Ab 1901 erklang
das Werk alljährlich in der Karwoche in der Kronstädter
Schwarzen Kirche.
Die Stilbandbreite der Matthäus-Passion ist beeindruckend:
barocke Elemente stehen neben solchen spätromantischer
Natur. Der Orgel kommt eine außergewöhnliche
Bedeutung zu: Sie erfüllt in den Rezitativen
die traditionelle Funktion eines Continuo-Instruments,
aber mit romantischen Crescendi und Diminuendi, sie
ist Orchesterersatz, indem sie Stimmungsgemälde ent-
27

wirft und das Geschehen kommentiert. Ihr gesamtes
Klangspektrum wir voll ausgeschöpft.
Wie in den oratorischen Werken der Barockzeit setzt
sich der Text aus Evangeliumsabschnitten und freier
Dichtung zusammen. Der Geschehensbericht wird auf
traditionelle Weise durch den Evangelisten rezitativisch
vorgetragen, wobei die handelnden Personen (Jesus,
Petrus, Pilatus usw.) gelegentlich hinzutreten. Die Rolle
des Volks fällt dem Chor zu. Betrachtende Arien fehlen
bei Lassel, die meisten Choräle sind samt Harmonisierung
dem damals gebräuchlichen Choralbuch entnommen,
um der Gemeinde das Mitsingen zu erleichtern.
Das Werk wird durch Psalmvertonungen dreigeteilt. Zu
Beginn der Abschnitte II und III stehen die Psalmen
Nr. 42 „Wie der Hirsch schreit nach frischem Wasser“
bzw. Nr. 43 „Richte mich, Gott“. Diese sind so groß
angelegt, dass sie im Werkverzeichnis des Komponisten
als eigenständige Stücke erscheinen. Zu beiden
Dichtungen existieren auch Kompositionen Felix
Mendelssohn Bartholdys, der sicherlich eine Vorbildfunktion
für Lassel einnimmt - wobei letzterer sich mit
diesen Psalmen zweifellos mit dem Meister messen
kann! Vornehmlich hier zeigt der Komponist, wie vollendet
er die spätromantische musikalische Sprache mit
ihrer chromatischen Vielfalt und ihrem Nuancenreichtum
beherrscht.
Wie schon die beiden vorangegangenen CDs, die der
Hermannstädter Bachchor unter Kurt Philippi eingespielt
hat („Machet die Tore weit - Weihnachtsmusik in
Siebenbürgen“ und „Weise mir, Herr, Deinen Weg -
Psalmvertonungen aus Siebenbürgen“), enttäuscht auch
diese Aufnahme die Erwartungen nicht. Minutiös wurde
das Werk einstudiert, unter der Mitwirkung ausgewiesener
Oratoriensänger des In- und Auslands. Zsolt
Szilágyi, dem Publikum seit vielen Jahren als Evangelist
gut bekannt, übernimmt auch hier diese Partie und
singt mit gebotener Zurückhaltung, aber erstaunlicher
Frische. Matthias Weichert, Professor an der Hochschule
für Kirchenmusik in Dresden, gibt einen überzeugenden
Jesus, der keine übermäßige Regung zeigt
und sich willig in sein Schicksal fügt. Die Schilderung
des Innenlebens dieser Person wird der Orgel überlassen,
die in manchmal dramatischen Läufen zeigt, wie es
darum bestellt sein muss.
Ja, die Orgel! Ursula Philippi entlockt der großen Sauer-Orgel
in der Hermannstädter Stadtpfarrkirche wahrhaft
zauberhafte Klänge. Den sowieso abwechslungsreichen
Part gestaltet sie mit großer Klarheit, jedes
eingeflochtene Choralzitat nimmt man sofort wahr,
aber auch mit beeindruckender Intensität in den solistischen
Zwischenspielen, die für einige Momente den
Zusammenhang vergessen lassen und die Aufmerksamkeit
des Hörers ganz für sich beanspruchen. Merkwürdig
blass und charakterschwach erscheint Petrus,
von Wolfram Theilemann der Rolle entsprechend sehr
einleuchtend vorgetragen. Der Chor schließlich verfügt,
sicherlich auch dank seines umsichtigen Dirigenten,
über ein bemerkenswertes Ausdrucksspektrum. Ganz
in Anlehnung an den Gemeindegesang singt er in den
Chorälen, die dem Choralbuch entnommen sind, vollkommen
ohne Dynamik und Nuancen; dies ändert sich
schlagartig in den zwei von Lassel selbst gesetzten
Chorälen, wo annähernd jede Silbe eine eigene Lautstärke
erfordert. Sein ganzes Können zeigt der Chor in
den Turbae - vor allem im dritten Teil, der dramaturgisch
am interessantesten ist - und natürlich in den
Psalmen, wo die größte musikalische Freiheit herrscht.
Rudolf Lassel hat in seiner Matthäuspassion die von
der Musikgeschichte gelernten Mittel in den Dienst
modernen Empfindens und Ausdrucks gestellt und ein
ebenso traditionsverhaftetes wie persönliches Bekenntnis
zu diesem zeitlosen Thema geliefert. Im Jahr 2007,
wenn Hermannstadt zusammen mit Luxemburg Kulturhauptstadt
Europas sein wird, erlebt dort eine siebenbürgische
Passionsmusik auf den von Lassel nicht
mehr vertonten Karfreitagstext ihre Uraufführung. Der
Klausenburger Komponist Hans-Peter Türk schrieb sie
für dieselbe Besetzung. Dieses Werk, welches gleichermaßen
Fortsetzung wie eigenständige Komposition
sein wird, erwarten wir voller Ungeduld.
Die CD ist bei Strube erschienen (VS 6284 CD) und dort erhältlich: Strube Verlag GmbH, Pettenkoferstr. 24,
80336 München, Tel.: 089 / 544 26 611, Fax: 089 / 544 26 63 strube.verlag@strube.de, www.strube.de
Die Wiener Quellen einiger Kindheitswerke George Enescus *
von CLEMANSA LILIANA FIRCA (BUKAREST)
Die Vorbilder der zahlreichen Salontänze, die Enescu in seiner Kindheit komponierte, sind wahrscheinlich in Stücken
aus Tanzalben für Klavier suchen. Sie erschienen in Wien gegen Ende des 19. Jahrhunderts. Sehr verbreitet waren die
zwei Albumserien pro Jahr, grundsätzlich als „Wiener Tanz-Album“ bezeichnet, aber mit individuellen Titeln versehen
und von unterschiedlichen Verlegern – über einen längeren Zeitraum hinweg – herausgegeben. Diese sind: 1. „Wiener
Tanz-Album für Pianoforte solo“ (Wien, Ed. V. Kratochwill) und 2. „Wiener Tanz-Album unter dem Titel: Der Wiener
* Enescus Werke werden im Folgenden auch durch Katalognummern bezeichnet (siehe Clemansa Liliana Firca, Catalogul tematic al
creaţiei lui George Enescu. I (1886-1900), Bukarest 1985): durch die Anfangsbuchstaben CTE. I und die Katalogzahl.
28

im Salon“ (Wien, Ed. Markus Krämer). Im folgenden werden die Verkürzungen WTA, WTA [1], WTA [2] verwendet 1.
In WTA [2] erschienen oft (zwischen dem II. und XXVI. Veröffentlichungsjahr des Albums 2) Stücke von Josef Hellmesberger
jr., Enescus zweitem Geigenlehrer am Wiener Konservatorium. Musik derselben Art komponierte auch sein
erster Wiener Geigenlehrer, Sigmund Bachrich 3.
In den erwähnten Alben tauchen überwiegend Walzer (gewöhnlich als Walzersuiten) auf und Polkas - letztere mit den
Untergattungen „Polka schnell“, „Polka Mazurka“, „Polka française“ oder „Marsch-Polka“. Es kommen hier auch
„Kadrillen“, „Märsche“ und „Galopps“ vor. All diese Gattungen (teils auch Untergattungen) der zeitgenössischen Salontänze
finden sich in den Klavier- oder Violinwerken des sieben- bis achtjährigen Enescu. Aus einigen nicht unterzeichneten
Manuskripten kann man schlussfolgern, dass Stücke aus den Druckausgaben der Zeit kopiert wurden:
Wahrscheinlich standen Enescu die WTA-Reihen zur Verfügung, zumal in den Jahren, als er Schüler des Wiener Konservatoriums
und im Hause der Familie Hellmesberger 4 unterbracht war. Letztere besaß sicher zumindest die WTA [2]-
Sammlung.
Es ist jedenfalls bemerkenswert, dass die Walzer-Formen, die Enescu als Kind komponierte, verblüffend ähnlich denen
sind, die man in den „Wiener Tanzalben“ der Zeit vorfindet: eine Reihe Walzer (nummeriert) mit einer Einführung
(von den verschiedenen Autoren wahlweise als „Introduktion“, „Eingang“ oder „Einführung“ betitelt) und am Ende
einer „Coda“ (Schluss).
Die Konzert-Ouvertüre scheint die erste symphonische Form gewesen zu sein, mit der Enescu sich in der Klasse seines
Wiener Kompositionslehrers Robert Fuchs zwischen 1892 und 1894 befasste. In einem autographen Katalog seiner
Werke, der bis zu op. 29 reicht (zusammengestellt wahrscheinlich kurz nach der Komposition des Klavierquintetts op.
29), erwähnt Enescu - im Kapitel „Œuvres d’enfance“ - zwei „Ouvertüren für Orchester“ in e-Moll und D-Dur und
eine dritte „unvollendete“ in E-Dur. Die ersten zwei wurden „etwa mit 10 bis 11 Jahren“ und die letzte „mit etwa 13
Jahren“ geschrieben. Diese Eintragungen werden nur teilweise durch die Kindheits-Manuskripte bestätigt.
Während über die ersten zwei Ouvertüren (CTE. I, 227 und CTE. I, 229) nichts Außergewöhnliches zu sagen ist –
außer dass allein die Ouvertüre in e-Moll datiert ist (1892), so ist die Lage bei der E-Dur-Ouvertüre ein wenig komplizierter.
Das Werk wurde in zwei Etappen komponiert. Einem Klavierentwurf, „geschlossen“, datiert 1892 (Titel: „II.
Concert-Ouvertüre“, CTE. I, 228) folgte eine erweiterte Klavierfassung desselben Werks, „ebenfalls geschlossen“, 1894
datiert, jedoch mit einem anderen Titel („Introduzione für Klavier“ - CTE. I, 66). Danach wurde – wahrscheinlich im
gleichen Jahr - ein Großteil der gleichen Komposition in Orchesterpartitur übertragen („Introduzione für Orchester“ -
CTE. I, 229 bis). Daraus folgt, dass im autographischen Katalog des Komponisten, als Ouvertüre in E-Dur, nur die
unvollendete Orchesterfassung des Werkes erscheint. Es ist möglich, dass die „Introduzione“ für Klavier (auch) als
selbstständiges Stück gedacht war, wenngleich die Orchestrierung zum gleichnamigen symphonischen Werk führen
sollte.
Übrigens scheint eine Klavierfassung der Gattung „Konzertouvertüre“ bei einigen Wiener Kleinmeistern der Zeit verbreitet
gewesen zu sein: Eine „Concert-Ouvertüre“ für Klavier, von Jean Klimsch geschrieben, erscheint beispielsweise
in einer Nummer des WTA [2] im Jahr 1892 oder 1893. Diese Musikgattung fand also Einzug in die kompositorische
Praxis – und zwar sowohl auf akademischer Ebene wie auch als eher anspruchlose Komposition.
Es ist bemerkenswert, dass Enescu auf das Brahms’sche Modell der Gattung explizit nur in den Jahren des Pariser Studiums
(1895-1899) Bezug nehmen wird. Seine Schul-Ouvertüren, die „Tragische“ („Ouverture tragique pour grand
orchestre“ – CTE. I, 232) und die „Triumphale“ („Ouverture triomphale“ - CTE. I, 244) aus den Jahren 1895 und
1896, stammen offensichtlich - zumindest als Idee - von dem ähnlich polarisierten Brahms’schen Ouvertürenpaar ab:
der „Akademischen Festouvertüre“ op. 80 und der „Tragischen Ouvertüre“ op. 81. Beide hat Brahms, der 1878 nach
Wien zog, 1880 komponiert. Die gleiche Tonart d-Moll in Brahms’ und Enescus „Tragischer“ Ouvertüre kann den
Einfluss des Vorbildes auf den 14-jährigen rumänischen Komponisten nur bestätigen.
1 Die Alben beider Reihen haben enthalten das Erscheinungsjahr, nicht aber das Veröffentlichungsjahr. Aus der Untersuchung
beider Sammlungen (in der Österreichischer Nationalbibliothek, Wien) schließen wir aufgrund indirekter Hinweise, dass die jeweils
ersten Erscheinungsjahre für WTA [1] 1877 und für WTA [2] 1877 oder 1878 sind.
2 Vermutlich zwischen 1878 (1879) und 1902 (1903) - siehe Fußnote 1.
3 Am 26. Oktober 1889 schrieb Enescu aus Wien seinem Vater: „Wir haben 5 von Herrn Bachrich komponierte Stücke gekauft, die
sehr schön sind. Eine Serenade, ein Walzer, ein Rococco usw.“ (nach Romeo Drăghici, George Enescu. Biografie documentară.
Copilăria şi anii de studii (1881-1900), Bacău 1973, S. 35).
4 Es ist aber sehr wahrscheinlich dass Enescu solche Alben und Stücke schon gesehen, oder (vielleicht im Hause von Bekannten)
schon vor seiner Abreise nach Wien von ihnen gehört hatte: Der Komponist wird sich daran erinnern, dass er den „Nelkenblumen-
Walzer“ (CTE. I, 32) mit etwa sechs Jahre geschrieben hatte, mehr als ein Jahr also vor seiner ersten Reise nach Wien im Oktober
1888). Die Frage liegt aber nahe, ob die Blumen-Namen einiger Walzer – auch das Werk „Die Flieder“ (CTE. I, 33) nicht den Titel
von Hellmesbergers Walzer „Duftende Rosen“ imitierten, der in WTA [2], Jg. IX (also 1885 oder 1886) erschien. In diesem Fall
könnte der junge Verfasser die Titel nach einige Zeit nach der Komposition gefunden haben.
29

Ausgehend von der großen Bedeutung, die die Erinnerung in Enescus Kompositionsprozess spielt 5, möchte ich als
Hypothese die Idee vorstellen, dass diese kompositorischen (und allgemein musikalischen) Erfahrungen aus seiner
Wiener Studienzeit in Enescus späteren Werken einige „Spuren“ hinterließen. Damit ist einerseits der Satz „Mouvement
de Valse bien rythmée“ aus dem Oktett für Streicher op. 7 gemeint, das Enescu 19-jährig schrieb – also nur etwa
12 Jahre nach den Kindheitskontakten mit der Welt des Wiener Walzers. Andererseits habe ich eine deutliche Anspielung
auf diese Episode in einem sehr späten Werk, und zwar im Quartett op. 22 Nr. 2, festgestellt. Ebenso auffällig ist
die unerwartete Wiederaufnahme der Gattung „Konzert-Ouvertüre“ im vorletzten Werk des Komponisten, der „Konzert-Ouvertüre
auf Themen in Rumänischem Volkscharakter“ op. 32.
5 Es gibt in der Musik Enescus „eine Konstante[...] der Rückkehr, der Erinnerung“ (Clemansa Liliana Firca, Biografie şi creativitate,
in: C.L.F. Enescu. Relevanţa “secundarului”, Bucureşti, Ed. Institutului Cultural Român, 2005, S. 13).
30

Banater Klavierwerke der Zwischenkriegszeit
Untersuchung zu bekannten und unbekannten Werken – Rezeption in der Tagespresse
von DR. MARIA BODO
Maria Bodó: Creatia banateana pentru pian in perioada interbelica, Editura Marineasa, Temeswar 2005, ISBN 973-631-168-6
Obwohl die Chormusik kennzeichnend für das Banater Schaffen ist, gab es zahlreiche und hochwertige Instrumentalwerke.
Das rechtfertigt unser Interesse und vor allem die Notwendigkeit, sie in den wissenschaftlichen Rahmen mit
einzuschließen. Neben den bekannten Klavierwerken, die als wertvolle rumänische Schöpfungen anerkannt sind, werden
hier auch Werke angeführt, die bisher noch nie in einem Lexikon oder einer wissenschaftlichen Arbeit erwähnten
wurden.
Das erste Kapitel erörtert die Entwicklung des Banater Musiklebens der Zwischenkriegszeit, beziehungsweise: „das
Konzertleben“ (das Auftreten berühmter Musiker wie Franz Liszt, Johann Strauß, Pablo de Sarasate, Henrik Wieniawski,
Johannes Brahms, Joseph Joachim, David Popper, Jan Kubelik sowie auch von in Europa sehr berühmten
Kammermusikensembles wie z.B. des Hellmesberger Quartetts, des Heckmann Saitenquartetts und des Florentinerquartetts
auf der Temeswarer Bühne), zudem „den Musikunterricht, das Lyrische Theater und Chormusik“.
Die von Alexandru Mocsonyi, Hermann Klee, Antoniu Sequens, Tiberiu Brediceanu und Sofia Vlad Rădulescu komponierten
Werke weisen eine westliche Orientierung auf. Gleichzeitig erscheinen zahlreiche Werke, die volkstümliche
Elemente enthalten und die Emanzipation des rumänischen Geistes, den Abschied von fremden Vorbildern und die
Gründung einer nationalen Schule anstreben – einer Schule, die auf die einheimische Kultur bezogen ist: Sofia Vlad
Rădulescu, Ion Iancu, Stefan Perian, Antoniu Sequens und Tiberiu Brediceanu haben Miniaturen, Suiten, improvisierte
und rhapsodische oder für die westeuropäische Musik spezifische Formen komponiert und sie den nationalen Charakteristiken
angepasst. Die Vielfalt der musikalischen Formen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wie auch die in
einer Reihe von Werken zu findenden kompositorischen Elemente beweisen, dass die Banater Klavierliteratur ihren
Beitrag zum Aufbau der rumänischen Kompositionsschule geleistet hat. Zum ersten Mal werden hier die wichtigsten
Werke einer Formanalyse unterzogen, die Werturteile erlaubt.
Das Musikleben und der Musikunterricht der Zwischenkriegszeit werden behandelt wie bisher noch nie in der rumänischen
Musikwissenschaft: in einer vergleichenden Presseanalyse. Es wurden drei Temeswarer Zeitungen untersucht:
eine rumänische, eine ungarische und eine deutsche (Vestul, Temesvari Hirlap und Temeswarer Zeitung). Die Untersuchung
weist unter anderem auf die institutionellen Rahmenbedingungen hin, genauer gesagt auf die mit der Gründung
eines ständigen Orchesters und einer örtlichen Oper verbundenen Maßnahmen. Die Untersuchung hat ergeben, dass
die drei Zeitungen aus nachvollziehbaren Gründen jeweils bestimmten Aspekten des Musiklebens einen Vorrang einräumten.
Deshalb kann die Untersuchung einer einzigen Zeitung noch lange keine komplette und umfassende Darstellung
der Ereignisse bieten. Eine Liste mit allen Daten der Interpreten, deren Auftritte sich in den Zeitungen auf differenzierte
Art spiegeln, macht die Beziehung einer Provinzstadt zu den groβen Werten der Interpretationskunst deutlich.
Die Untersuchung ergab, dass die Stadt, und in einem erweiterten Rahmen das Banat an die bedeutenden Kreise der
europäischen Interpretationskunst angeschlossen waren.
Das Kapitel „Die Komponisten der Zwischenkriegszeit und ihre Klavierwerke“ fasst die Aktivitäten der Banater Komponisten
zusammen, mit besonderem Augenmerk auf den Beitrag von Tiberiu Brediceanu, Sabin Drăgoi, Alma Cornea
Ionescu, Eugen Cuteanu, Filaret Barbu, Nicolae Ursu, Vasile Ijac, Zeno Vancea, Hermann Klee, Richard Karl Oschanitzky,
Vadim Sumski und Mircea Popa. Jeder Komponist hatte ein anderes Interesse am Klavier, doch alle Werke haben
zur Entwicklung der Gattung beigetragen und sind ein wichtiger Beitrag zum rumänischen Musikschaffen.
Den „Richtungen in dem pianistischen Schaffen der Zwischenkriegszeit“ ist das längste Kapitel dieser Arbeit gewidmet.
Die Zwischenkriegszeit bedeutet für die gesamte Musikkultur einen bis dahin nicht gekannten Aufschwung. Sie hat zur
Festigung der rumänischen musikalischen Nationalschule beigetragen durch eine Reihe von Komponisten, die sich
auch jenseits der Landesgrenzen behaupteten.
In der Analyse der Klavierwerke habe ich eine Auswahl getroffen, in der das Wertkriterium vorrangig ist, aber auch das
Kriterium der Neuheit. Mein Wunsch war es, Anteile der abendländischen Musikkultur, die einer allgemeinen musikalischen
Sprache folgen, in den wissenschaftlichen und vielleicht auch künstlerischen Rahmen aufzunehmen.
Der Beitrag der Banater Komponisten hinsichtlich einer allgemein verbreiteten Orientierung ist eindeutig, besonders in
den Werken von Vasile Ijac, Zeno Vancea, Mircea Popa, Richard Karl Oschanitzky, Hermann Klee, Eugen Cuteanu,
Filaret Barbu, die sich von dem volkstümlichen Muster entfernen und sich den westeuropäischen Modellen nähern,
auch bei einigen klaren Hinweisen auf die rumänische Sphäre.
Die repräsentativen Werke der Banater Komponisten, von denen einige noch nicht herausgegeben sind („Tanz“ von
Zeno Vancea, „Kleine Suite“ von Hermann Klee) belegen die Vielfalt der Klavierschöpfungen in der Zwischenkriegs-
31

zeit, sowohl vom stilistischen als auch vom formalen Standpunkt. Auch wenn die melodische und harmonische Behandlung
der modalen und tonal-chromatischen Struktur und einige Anlehnungen an die volkstümliche Melodik ausreichen
würden, einen Teil dieser Werke in das Kapitel der Verwertung der Folklore einzugliedern, so ist ihre allgemein
verbreitete Seite betonter, wodurch die Werke in den Rahmen der westeuropäischen Musik eingeordnet werden können,
nach dem von George Enescu geschaffenen Modell. Wir beziehen uns auf Werke von Vasile Ijac, Zeno Vancea
und Mircea Popa, die den Raum einer „imaginären Folklore“ erforschen.
Bedeutende didaktische Klavierwerke von Sabin Dragoi, Alma Cornea-Ionescu und Vadim Sumski sind wieder stärker
in unser Blickfeld gerückt. Formale Aspekt und die Interpretation sind hier miteinander verknüpft, hervorgehoben
werden bestimmte technische Probleme. Die meisten Übungen sind von Volksmusik beeinflusst, einfach in ihrer Melodik
und zugänglich -und werden deshalb von jungen Schülern gern gespielt. Viele dieser Werke wurden schon in der
Zwischenkriegszeit in den Unterricht aufgenommen.
von KLAUS DIETER UNTCH
Wenn man sich mit der siebenbürgischen Musikgeschichte
auseinandersetzt, so stößt man immer wieder
auch auf die stattliche Gemeinde Heldsdorf im Burzenland.
So stammen wohl die ältesten Orgelmusikhandschriften
Siebenbürgens vom namhaften Organisten
der Schwarzen Kirche in Kronstadt, Daniel Kroner
(1655-1740), welcher seinen letzten Lebensabschnitt als
Pfarrer in Heldsdorf verbrachte. Ein weiterer begnadeter
Musiker aus Heldsdorf war Johann Lukas Hedwig
(1802-1849), der vielleicht bekannteste Musiker der
Klassik aus Siebenbürgen, welchem wir auch die Melodie
des Siebenbürgenliedes verdanken. Der bedeutendste
siebenbürgische Musiker der Spätromantik war
Paul Richter (1875-1950), dessen Vater und Großvater
aus Heldsdorf stammen. In Heldsdorf entwickelte sich
wie an anderen Orten eine von der ganzen Gemeinschaft
getragene Musikkultur mit Männergesangverein,
Blasmusik und Orchester, die manchen Zeitgenossen
noch in gegenwärtiger Erinnerung sind. Auch in den
letzten Jahren wurden Orgeldienst und Chorleitung
glücklicherweise von professioneller Hand versehen:
Auf Edith Toth (heute Kantorin in Mediasch) folgte
zeitweilig Paul Cristian (Kantor in Bartholomae-
Kronstadt), bis der Verfasser dieser Zeilen an seine
Stelle trat. Um die Erhaltung des Kirchenchors hat sich
Kirchenmusikwart Kurt Philippi besondere Verdienst
erworben, welcher geraume Zeit aus Hermannstadt
pendelte, um den Heldsdörfer Chor zu betreuen. Doch
wie steht es mit der Heldsdörfer Orgel?
Seit fast zweihundert Jahren ist sie Zeugin einer bewegten
Ortsgeschichte. Sie gehört zur wertvollen Ausstattung
der Kirche, deren Herzstück der imposante Flügelaltar
ist. Der Glanz des Altars ist geblieben, der
Klang der Orgel aber ermattete. Die zahlreichen verstimmten,
gebrochenen und verwurmten Pfeifen stöhnen
am Joch der schwergängigen Mechanik ihr klägliches
Geheule. Der unbefangene Zuhörer erfreut sich
erst, wenn die Orgel verstummt. Ganz zu schweigen
von der seelischen Tortur, die ein dort spielender Organist
über sich ergehen lässt. Aber das Heldsdörfer
32
Instrumente
Fast im Originalzustand belassen
Die Heldsdörfer Orgel soll restauriert werden
Presbyterium sowie Fachleute und Orgelfreunde sind
sich einig: Die Orgel soll umfangreich restauriert werden.
Zunächst einmal ein kleiner geschichtlicher Überblick
der Heldsdörfer Thois-Orgel. Im Jahre 1709 kaufte
die Kirchengemeinde eine Orgel. Diese wurde bereits
1785 durch eine neue, vom Schlesier Johann Prause
gebaute Orgel ersetzt, die jedoch durch das Erdbeben
aus dem Jahre 1802 zerstört wurde.
Fünf Jahre danach schuf Johann Thois aus Rosenau
eine neue Orgel, bei der Teile des Prause-Instruments
verwendet wurden. Erst 1835 wurde sie vergoldet und
farbig gefasst. Jahrzehnte später erfolgten an der Orgel
verschiedene Reparaturen und Umbauten: 1878 von
Wilhelm Hörbiger und 1939 von Karl Einschenk. Die
Arbeiten an der Orgel waren aber nur Veränderungen
der technischen Spielanlage. Die Orgel erhielt ein elektrisches
Windgebläse und einen freistehenden Spieltisch.
Dieser wurde mit Blick in das Kirchenschiff umgedreht
und freigestellt, und das gilt inzwischen als größter
Eingriff in die historische Bausubstanz. Die Orgel ist
zur Zeit schwer spielbar. Die Holzregister sind kaum
zu gebrauchen. Es fehlen einzelne Innenpfeifen. Die
Holzpfeifen sind verwurmt, verschmutzt und wegen
Mangel an Haltevorrichtungen umgefallen. Die Metallpfeifen
sind stark verbeult, haben Mündungsdefekte,
Pfeifenfüsse sind angestochen, um undichten Wind
abzuleiten. Was die Fachleute an der Orgel positiv
finden: Von früheren Umbauten verschont blieben
Eingriffe ins Pfeifenmaterial.
Die Erhaltung aller Pfeifen, einschließlich der Prospektpfeifen,
und somit der Disposition, machen dieses
Instrument zu einem wertvollen Zeitdokument. Es ist
herauszuhören, dass die Orgel durch ihre besondere
Grundsubstanz trotz ihres traurigen Zustands einen
außergewöhnlich schönen Klang hat. Die Wiederherstellung
der Orgel von Johann Thois wäre eine Bereicherung
der Kirchengemeinde und für die Orgellandschaft
der ganzen Region. Folgende Arbeiten an der
Orgel stehen bevor: Rekonstruktion, Restaurierung der
Pfeifen, Anbringen von Halteleisten für die Holzpfei-

fen, Nachbau fehlender Pfeifen, Intonation sämtlicher
Pfeifen und Stimmen der Orgel.
Folgende Argumente sprechen für die Restaurierungsarbeiten:
a. Es handelt sich um ein historisch komplett
erhaltenes und wertvolles Instrument. b. In Heldsdorf
existiert eine intakte Kirchengemeinde mit regelmäßigen
Gottesdiensten, die Kirchenmusik wird gepflegt. c.
Reisende, Besucher, Orgelfreunde (auch aus Heldsdorf)
sind an Konzertabenden bzw. CD-Einspielungen an
der Heldsdörfer Orgel interessiert. d. Zahlreiche
Heldsdörfer Orgelfreunde aus dem In- und Ausland
unterstützen finanziell die Orgelrestauration. f. Auch
die Heldsdörfer Orgel nimmt als wichtiges Kulturerbe
einen besonderen Stellenwert ein. Die Restauration
wird von der neu eingerichteten Lehrwerkstatt für Or-
gelbau aus Honigberg übernommen. Die Leitung haben
erfahrene Fachleute: Orgelbaumeister Ferdinand
Stemmer und die diplomierte Orgelbauerin Barbara
Dutli. Beide stammen aus der Schweiz. Bisher haben
sie folgende Orgeln in Siebenbürgen restauriert: die
berühmte Buchholzorgel der Schwarzen Kirche Kronstadt,
die Hesse-Orgel im Chorraum der Schwarzen
Kirche und die Prause-Orgel aus Marienburg. Besonders
unterstützt wird das Projekt von der Schweizerischen
Stiftung für Orgelbau in Rumänien sowie durch
die Heimatortsgemeinschaft Heldsdorf. Auch werden
zahlreiche Benefizkonzerte für diese Orgelrestauration
gestartet. Eines davon wurde schon im vergangenen
Jahr in der Schweiz mit sehr gutem Erfolg von Kirchenmusiker
Matthias Wamser veranstaltet.
Für die Restauration der historischen Thois-Orgel in Heldsdorf möchten wir zu einer Spendenaktion aufrufen. Folgende Spendenkonten
unter dem Vermerk „Orgelrestauration – Heldsdorf“ stehen dafür zur Verfügung: Deutsche Bank, 24 Singen, Nr.
095017060, BLZ 692 700 24 (in Deutschland) oder Raiffeisen Bank Bra{ov, Konto Nr. 3113173 (ROL). Weitere Spenden
werden persönlich in Heldsdorf von Kurator Karl Nikolaus (Tel: 0268 / 48.11.18) sowie im Sekretariat des Pfarramts in
Zeiden (Tel.: 0268 / 25.18.53) angenommen. Informationen betreffend Orgelrestauration in Heldsdorf können auch per E-
Mail unter klausuntch@yahoo.de abgefragt werden. Jede Spende wird öffentlich bekannt gegeben und mit einer symbolischen
Urkunde bestätigt. Die Neueinweihung der Thois-Orgel ist für Sommer 2007 ins Auge gefasst.
von Dr. FRANZ METZ
Aus Paris über Rom nach Maria-Radna
Die Wegenstein-Orgel der Basilika zu Maria-Radna wurde vor 100 Jahren erbaut.
Nein, ein hohes Alter für eine historisch wichtige Orgel ist es nicht, stehen doch in Banater Kirchen auch solche, die
vom Ende des 18. Jahrhunderts stammen. Doch ihre Geschichte ist äußerst spannend und interessant, verbindet sie
doch Elemente des französischen Orgelbaus des 19. Jahrhunderts mit jenem des damaligen Ungarns. Welcher Wallfahrer,
der die Basilika zu Maria-Radna betreten hat, wurde von dem in Weiß und Gold gefassten Gehäuse der Orgel nicht
ins Staunen versetzt? Dabei handelt es sich um ein wahres Meisterwerk des Temeswarer Orgelbauers Carl Leopold
Wegenstein (1858 Wien – 1937 Temeswar), das er vor genau 100 Jahren, 1905, errichtet hat.
Wegenstein erlernte seinen Beruf als Orgelbauer in Wien. 1880 ließ er sich in Temeswar nieder, heiratete die Tochter
des Orgelbauers Josef Hromadka und begann hier Orgeln zu bauen. In der Mehrzahl sind es Instrumente von guter
Qualität, die späteren Fabriksorgeln seiner Nachfahren sind aber von geringerer Güte. Von seinen acht Kindern wurden
Richard, Josef und Viktor seine Nachfolger im Orgelbau. Die erste Werkstatt hat er 1888 im Hause Hromadka
eingerichtet, sie wurde aber bald zu klein für die Bewältigung der Aufträge, so dass er eine größere, modernere in der
Elisabethstadt errichtete. Hier arbeitete er mit Dampfmaschinen und später auch mit elektrischen Maschinen. Wegenstein
bezeichnete seine Firma auf dem Briefkopf seiner Korrespondenz als „Erste Orgelbauanstalt Südungarns mit
Dampfmaschinen“. Seit 1921 hieß die Firma L. Wegenstein und Söhne, Leiter blieb er jedoch bis zum 10. März 1937.
Seine erste große Orgel ist die in der Temeswarer Innerstädtischen Pfarrkirche, die 1896 bei der Weltausstellung in
Budapest einen ersten Preis erhielt. Sie wurde danach von den Stadtvätern Temeswars angekauft und führt deshalb
auch das Stadtwappen in der Stirnkartusche. Sie befindet sich heute in einem fast unspielbaren Zustand. Weitere große
Wegenstein-Orgeln stehen in der Temeswarer Innerstädtischen Synagoge, Maria-Radna, St. Josephskathedrale (Bukarest),
in der Millenniumskirche der Fabrikstadt (Temeswar), im Temeswarer Dom als Opus 100, in Ungarn und in Serbien.
Auf dem Kostenvoranschlag für die Millenniumsorgel notierte der damalige Stadtpfarrer Brandt die Daten über
Wegensteins Ausbildung: „Studienreise bei: Walker in Ludwigsburg, Jämlich Dresden, Dinze in Berlin, Weigle Stuttgart, Hickmann
in Dachwig bei Erfurt, Coll in Luzern, Kaufmann in Dresden, Gissege in Göttingen, Laukuf Weikersdorf bei Koblenz.“
Obzwar die Wallfahrtskirche der Franziskaner in Maria-Radna nie ein eigenes Kirchenmusikensemble hatte, wurden
gelegentlich höherer Besuche und zu wichtigeren Festtagen Kirchenmusiker, Instrumentalisten und Chöre aus Arad,
Lippa und Temeswar eingeladen. Bei Wallfahrten wurden die Kirchenlieder auf der Orgel begleitet und wie die Zahl der
Pilger nach 1900 immer mehr zunahm brauchte man auch ein größeres Instrument dafür. Aus der Historia Domus des
Radnaer Franziskanerklosters erfahren wir, dass 1797-98 der Temeswarer Orgelbauer Franz Anton Wälter eine neue
Orgel mit 20 Registern erbaut hat. In den nachfolgenden Jahren werden sich auch zwei Mitglieder des Franziskanerordens
um die gute Funktionsfähigkeit dieser Orgel bemühen: Frater Simon Sangl und Fr. Ignatius Lehner. Sangl erbaute
1818 selbst eine kleine Orgel (Positiv) für die Wallfahrtskirche, später war er in den Klöstern von Arad und Wukowa
33

tätig. Im Jahre 1854 wurde Orgelbauer Stephan Hechinger aus Wien beauftragt, die Orgel für 240 fl. CM zu reparieren
und zu stimmen. 1893 wurde zum ersten Mal Wegenstein mit dieser Aufgabe betraut, der in den nächsten Jahren kleinere
Reparaturen durchführen wird. Vermutlich war dies auch der Grund, weshalb man sich 1905 für einen Neubau
entschieden hat.
Im 19. Jahrhundert setzte sich der französische Orgelbau fast im ganzen Europa als Richtungsweisender Typus
durch. Der wichtigste Vertreter dieses Baustils war Aristide Cavaillé-Coll dessen Werkstatt sich in Paris befand. Viele
der heutigen großen Kathedralorgeln Frankreichs stammen aus dieser Werkstatt. Aristide Cavaillé-Coll hatte im Sinn,
für die St. Petersbasilika in Rom die bis dahin größte Orgel der Welt zu erbauen. Mit 77 Jahren sagte er: „Mit der Orgel
von St. Peter werde ich meine Laufbahn beenden.“ Cavaillé-Coll wollte noch dieses monumentale, einmalige Orgelwerk für die
römische St. Peterskirche verwirklichen, ein Werk das alle Rekorde im Orgelbau schlagen sollte: mit 155 Register, fünf
32-füßige, 23 16-füßige Register, 8.316 Pfeifen, Zinntrompeten als Aliquoten, die größte Zinnpfeife sollte eine Länge
von 12 Meter und einen Umfang von 2 Meter haben, all dies verteilt auf 5 Manualen und Pedal. Im Jahre 1875 veröffentlichte
er diesen Entwurf in einem Buch.
Noch im selben Jahr wurde der Orgelbauer von Papst Pius IX. Im Vatikan empfangen. Der Plan für den Bau dieser
Monumentalorgel wurde gelobt, doch es blieb dabei. Nach einer Zeit ließ er im Zehntelmaßstab ein Modell mit versilberten
Pfeifen und allen Einzelheiten anfertigen, das in der Jubiläumsausstellung 1888 zu sehen war. Hier wurde dieses
Werk von vielen Besuchern bestaunt, zu den vielen Bewunderern zählten auch zwei Orgelbauer aus dem damaligen
südungarischen Raum, der eine war Josef Angster aus Pécs/Fünfkirchen, der andere Carl Leopold Wegenstein aus
Wien, der in Temeswar eine eigene Orgelbauwerkstätte eröffnet hat.
Einige Jahre später, 1905, gelang es Wegenstein diesen für Rom bestimmten Monumentalentwurf im Banat teilweise
zu verwirklichen. Um 1980 konnte ich im Archiv des Temeswarer Bistums eine Zeichnung Wegensteins mit dem Prospekt
einer Orgel entdecken und der Aufschrift: ORGEL PROJEKT von C. L. WEGENSTEIN / 1905 / ENTNOM-
MEN / von dem Monumental Orgel-Entwurf von ST. PETER IN ROM von A. CAVAILLÉ-COLL. Dabei handelt es
sich um den Plan der zukünftigen Orgel der Wallfahrtkirche zu Maria Radna. Diese Skizze wurde auch für den Bau der
Temeswarer Domorgel im Jahre 1908 als Opus 100 verwendet, deshalb die mit Hand korriegierte Jahreszahl „1908“.
Beide Orgeln haben fast das gleiche Gehäuse. Wegenstein entnahm dem Projektentwurf von Cavaille-Coll nur den
Prospekt, der in verkleinertem Maßstab in Radna verwirklicht werden konnte. Dieses Instrument hat 26 Register, zwei
Manuale und Pedal und ist mit einer pneumatischen Traktur (pneumatische Kegellade) ausgestattet. Im Werkverzeichnis
Wegensteins anlässlich des 20-jährigen Firmenjubiläums im Jahre 1913 wird diese Orgel als 65. Werk angegeben.
Am 5. März 1905 traf sich, laut der Chronik des Franziskanerklosters zu Maria-Radna, die Kommission zum Bau der
neuen Orgel: Ferch Ödön, Arader Lehrer; Szantó Péter, Lippaer Lehrer; Szikova Béla, Radnaer Lehrer; Sonner Béla,
Lippaer Kantor; Teofil Dosztál, Lippaer Lehrer. Es stellte sich die Frage ob Otto Rieger aus Budapest oder Leopold
Wegenstein aus Temeswar dieser so wichtige Auftrag anvertraut werden soll. Beide Kostenvoranschläge waren mit
12.000 Kronen berechnet. Die alte Orgel der Wallfahrtskirche, erbaut von Franz Anton Wälter 1798, übernahm letztendlich
Wegenstein für 1.000 Kronen der auch den Auftrag erhielt.
Noch im selben Jahr, am 25. November 1905, traf sich eine Gruppe von Experten, um die neue Orgel zu übernehmen:
Ferch Ödön, Szantó Péter, Teofil Dostál und Szikova Béla. Bei der Orgelweihe hielt Pater Quardian P. Domonkos
die Messe, Ferch Ödön aus Arad spielte die Orgel, Szantó Péter leitete den Lippaer Chor. Die neue Orgel wurde in
nur 14 Tagen in der Kirche aufgebaut. Laut dem Protokoll wurde diese Aufgabe ausgeführt durch Leopold Wegenstein
als Beauftragter und dessen Sohn Richard Wegenstein, Franz Molzer als Monteur und Stimmer aus Wien, Josef Christ
als Spezialist für den Spieltisch, Heinrich Kamenik, zuständig für das Gehäuse und die Windladen, Josef Erdödi als
Monteur, Johann Ludwig als Pfeifenbauer wie auch die Tischler Julius Schlarp, Rudolf Rebl und Georg Kager. Das
Protokoll der Abnahme zählt auch die Kosten für die verschiedenen Arbeiten auf, wie z.B. die Lieferung der Statuen
und Ornamente für das Gehäuse für 2.200 Kronen, die Zinnpfeifen für 4.982 Kronen, 2 Waggon Holz 2.000 Kronen,
Pedaltürme 280 Kronen, u.s.w. Die Gesamtsumme betrug 15.732 Kronen.
Die Zeitschrift für Instrumentenbauer (Wien) brachte im selben Jahr einen genauen Bericht über das neue Werk Wegensteins:
Die Wallfahrtskirche zu Maria-Radna hat ein am 26. November 1905 übernommenes neues pneumatisches Orgelwerk aus
der Orgelbauanstalt von C. L. Wegenstein in Temesvar (Ungarn) mit 25 klingenden Registern erhalten. (…) Der Expertenbericht lobt die
Orgel als ein Meisterstück ersten Ranges und hebt vor allem die mustergültige, künstlerische Intonation, zweckmäßige Anlage und bestes
Material des Pfeifenwerkes hervor. (...) Die Konstruktionsweise des Herrn Wegenstein ist derart, dass jede Taste in ihrer Ruhelage eine der
vielen, in einer Leiste befindlichen, kleinen Öffnungen als Ventil bedeckt. Beim Niederdrücken einer beliebigen Taste wird die betreffende
Öffnung frei und bewirkt durch die Entweichung des Druckwindes die Umschaltung. (...) Die Firma C. L. Wegenstein hat durch das in
ihrer Anlage mustergültige, durch bestes Material und künstlerische Intonation vollendete Werk viel Lob und Anerkennung geerntet und
auch Anregung für Verbreitung ähnlich vollendeter, auch mit modernen Spielhilfen ausgestattete Orgelwerke hier zu Lande gegeben. Arad in
Ungarn, den 8. Dezember 1905, Edmund Ferch.“
Mit dieser Orgel wurde der Name Wegensteins noch bekannter und die Aufträge mehrten sich von Jahr zu Jahr. Als
Orgelbauer war er ein Kind seiner Zeit und ein unermüdlicher Befürworter der Pneumatik. Für viele seiner Werke tüftelte
er neue eigene Patente im Bereich der pneumatischen Traktur aus, um das Spiel zu erleichtern. Die große und
vielfältige Palette seiner 8-Fuß-Register ist fast unübertrefflich: von der säuselnden Aeoline über die weichen Streicher
und runden Flöten bis hin zu den laut intonierten Prinzipalen finden wir fast alle Klangfarben eines Symphonieorchesters.
Auch das hochwertige Material aus dem die Pfeifen der Radnaer Orgel erbaut wurden, zeugt von der guten Quali-
34

tät dieses Baus, der bis heute fast in seinem originalen Zustand geblieben ist. Die zur Windversorgung nötigen zwei
Calcanten (Orgeltreter) wurden vor einigen Jahrzehnten mit einem elektrischen Gebläse ersetzt.
Der langjährige Priester dieser Wallfahrtskirche, P. Ernst Harnisch, schätzte sehr „seine“ Orgel, die er gelegentlich
auch selbst gespielt hat. Musiklehrer Peter Kleckner, der in unmittelbarer Nähe zur Wallfahrtskirche gewohnt hat, vertrat
öfter den Kantor und begleitete bei Wallfahrten den Gesang der Pilger. Um 1982 gab der Autor dieser Zeilen das
erste öffentliche von der Arader Philharmonie organisierte Konzert an dieser berühmten Orgel, das Orchester wurde
von Nicolae Boboc dirigiert. Öffentliche Orgelkonzerte in Kirchen waren besonders im Banat in der Zeit des Kommunismus
verboten. Erst nach dem 1981 zum ersten Mal in der Temeswarer Millenniumskirche die Philharmonie „Banatul“
ein solches veranstaltet hat, wagte man auch in Arad und Radna Orgelkonzerte zu organisieren.
Der Klang dieser Orgel begleitet auch heute den frommen Gesang der zahlreichen Pilger, die zur diesem Wallfahrtsort
kommen. Kaum einer dieser Besucher aber weiß, dass die Pläne dieser Orgel nach den Entwürfen Aristide Cavaille-
Colls aus Paris für die Peterskirche in Rom von dem in Wien geborenen Temeswarer Orgelbauer Wegenstein angefertigt
wurden. Also ein wahrlich europäisches Projekt. Möge diese altehrwürdige Königin der Instrumente noch viele
Jahre zur Ehre Gottes und zur Freude der Pilger erklingen.
Ensembles
2 5 J A H R E „C a n t o r e s V i v a c e s“
Der 1979 in Klausenburg gegründete Chor besteht in Deutschland weiter
von MARIANNE SEIWERTH-GALBÁCS
Als im Herbst des Jahres 1979 eine beherzte Gruppe
Klausenburger Studenten die Initiative ergriff, einen
deutschen Studentenchor zu gründen, ahnte niemand,
dass mit den „Cantores vivaces“ eine Chorgemeinschaft
im Entstehen war, die über viele Jahre ihrem
Namen alle Ehre machen würde. Der Anfang war,
trotz der kammerchoralen Besetzung, vielversprechend,
weil unter den Chormitgliedern viele in ehrwürdiger
siebenbürgischer Chortradition aufgewachsene, ehemalige
Gymnasiasten waren und somit reichlich Chorerfahrung
mitbrachten.
Chormusikalische Vielfalt prägte das ansprechende
Repertoire, das in den erfolgreichen Auftritten dem
Klausenburger, Kronstädter und Mediascher Konzertpublikum
unter der Leitung der Dirigenten Marianne
Seiwerth-Galbács, Simon Acker und Walter Philippi
vorgeführt wurde. Das etwa 30-köpfige Häuflein der
„Cantores“ wuchs während seiner ersten siebenjährigen
Phase zu einer stattlichen Gemeinschaft von etwa 100
jungen, singfreudigen Menschen aus den Ortschaften
Siebenbürgens und dem Banat zusammen und wurde
für die deutschen Studenten der verschiedensten Universitäten,
Fakultäten und Jahrgänge zum vereinigenden
Forum in dieser Zeit. Gleichzeitig war er die Ausgangsplattform
für viele gesellschaftliche Ereignisse, an
denen sich auch Nicht-Mitglieder beteiligen konnten.
Unter der Leitung seiner Dirigenten Marianne Seiwerth-Galbács,
Simon Acker und Walter Philippi traten
die „Cantores Vivaces“ mit einem vielseitigen, ansprechenden
Repertoire vors Konzertpublikum in Klausenburg,
Kronstadt, Hermannstadt und Mediasch. Mit
der kontinuierlichen Ausreise der Rumäniendeutschen
in die Bundesrepublik wurde die Choraktivität sehr
beeinträchtigt, es galt, eine sehr schwierige Phase zu
überbrücken. Dem unermüdlichen Engagement seiner
Gründungsmitglieder - vor allem Stefan Kochs - ist die
glückliche Tatsache zu verdanken, dass die mittlerweile
in den verschiedenen Bundesländern angesiedelten
‚Cantores’ nach einer zeitweiligen Unterbrechung wieder
zueinander fanden.
Die beliebten Chor-Treffen, die seither regelmäßig
mindestens einmal jährlich in der familienfreundlichen
Jugendburg „Rotenberg“ im Kraichgau stattfinden,
sind Familien-Treffen, Klassen-Treffen, Heimat-
Treffen zugleich. Sie sind willkommene Traditionen,
die die Gemeinschaft stärken und viel zu ihrer Aufrechterhaltung
und Festigung beitragen. Durch das
Verbindende des gemeinsamen Gesangs haben sie
einen zusätzlichen Reiz, der wahre Wunder bewirken
kann. Alte und neue Lieder werden wiedergesungen,
Neues dazugelernt.
Der „Cantores-Geist“ ist uns geblieben. Diesem heiteren,
einfühlsamen und flexiblen Chor-Ensemble
scheint der 25jährige Reifungsprozess gut bekommen
zu haben. Wer von den „Cantores“ denkt, sie hätten
vor lauter Proben das gemütliche Feiern vergessen, der
kennt sie schlecht, denn auf den obligaten geselligen
Teil wird sehr viel Gewicht gelegt!
Es wird gewandert, bei Lagerfeuer gesungen und bis
spät gefeiert, wobei freilich jeder gern von den leckeren
mitgebrachten siebenbürgischen Köstlichkeiten probiert,
die dem herzlichen Miteinander das zusätzliche
„Gewisse Etwas“ verleihen. Wenn es einem ehemaligen
Studentenchor gegeben ist, das besondere Wunder-
Gefühl zu erfahren, auch nach 25 Jahren der schöne
Klangkörper von einst geblieben zu sein, so darf man
dies als ein besonderes Geschenk annehmen. So ist es
nur natürlich, dass ein 25jähriges Chor-Jubiläum als ein
beachtliches Ereignis, in einem würdevollen, festlichen
Rahmen, mit einem öffentlichen Auftritt gekrönt werden
muss.
35

Vor illustrem Auditorium fand am 26.S eptember 2004
das Jubiläums-Konzert der „Cantores Vivaces“ im
Heidelberger St. Bonifazius-Gemeindehaus statt und
wurde für alle Anwesenden zu einem ganz unvergesslichen
Erlebnis! Unser dargebotenes Festprogramm
bestand aus einer bunten Mischung von Madrigalen,
Furtwängler-Buch vorgestellt
Corina Andreescu-Jiva schrieb über deutschen Dirigenten
Das Museum der Stadt Landshut brachte eine Faksimile
Ausgabe des Gesangbuches Der heilige Gesang
zum Gottesdienst in der römisch-katholischen Kirche
(1777) heraus. Es handelt sich dabei um das Gesangbuch
von Johann Franz Seraph Kohlbrenner
(1728-1783), Herausgeber des Chirbairischen Intelligenzblattes
(1766), namhafter Förderer des Schulwesens
und Staatsbediensteter, der auch ein eifriger
Liedersammler war. Wegen dem Erscheinungsort
nennt man sein Gesangbuch auch heute noch
Landshuter Gesangbuch. Darin befinden sich viele
Lieder und Gesänge des Augustinerpaters Norbert
Michael Hauner von Herrenchiemsee und Michael
Cosmas Denis. Dieses Gesangbuch fand nur kurze
Zeit danach eine solche große Verbreitung im
süddeutschen Raum des damaligen Reichs, so dass
es bis 1783 bereits 16 Auflagen gab. Darin befindet
sich auch das Deutsche Hochamt Hier liegt vor
Deiner Majestät, damals noch in der alten Fassung.
36
Spirituals und siebenbürgischen Volksliedern, gesungen
in Originalsprache, auch unter Mitwirkung unserer
„Chorkinder“ Theresa und Fabiola, die ihre Solo-
Einlagen souverän bewältigten. Das dankbare Publikum
spendete herzlichen Applaus!
Ein Buch über den deutschen Dirigenten Wilhelm Furtwängler (1886-1954), der als Leiter der Berliner
Philharmoniker Weltruhm erlangte, ist jüngst im Bukarester Niculescu-Verlag erschienen. „Muzică şi iubire“
wurde am Donnerstag im Nationalmuseum für Musik „George Enescu“ vorgestellt. Autorin ist Corina
Andreescu-Jiva, bekannt als Übersetzerin, u.a. von Brecht und Peter Handke, sowie als deutschsprachige
Publizistin, langjährige Mitarbeiterin der einst von Franz Storch geleiteten Zeitschrift „Volk und Kultur“.
Ihre Bindung zur Musik, die für sie als Ehefrau des bekannten Dirigenten Horia Andreescu besonders
eng ist, fand auch schon in einem ersten Buch über einen berühmten deutschen Dirigenten ihren Ausdruck,
und zwar über Herbert von Karajan. Der vorliegende Band stellt nicht nur dem rumänischen Publikum
Furtwängler vor, sondern er enthält auch essayistische Texte des Musikers, den der deutsche Botschafter
in Bukarest, Wilfried Gruber, „den größten deutschen Dirigenten des 20. Jahrhunderts“ nannte.
Es geht um Notate aus sehr persönlicher Sicht über Bach, Beethoven und andere. Außerdem wird auch
auf das wenig bekannte kompositorische Werk Furtwänglers eingegangen.
Corina Andreescu-Jiva beschäftigt sich ebenso mit dem nicht unbestrittenen Verhalten des Dirigenten
währen der NS-Diktatur 1933-1945 und erwähnt dabei den in den vergangenen Jahren von István Szábo
gedrehten Film „Taking Sides“, in dem der ungarische Regisseur, selbst ein Jude, entschieden für Furtwängler
Partei ergreift. Er habe vielen jüdischen Musikern geholfen und Partei für die Menschlichkeit
ergriffen, zitierte ihn Botschafter Gruber, der während seiner Amtszeit in Budapest dem Filmkünstler
begegnet ist.
Der Vorsitzende des Komponistenverbands Rumäniens, Octavian Lazăr Cosma, erinnerte daran, dass
Furtwängler auf Einladung des Philharmoniedirektors und Dirigenten George Georgescu wiederholt im
Bukarester Athenäum dirigiert hat. Abschließend verlas Corina Andreescu-Jiva einen Brief von Elisabeth
Furtwängler, der Witwe des Dirigenten, die 93-jährig in der Schweiz lebt. Sie drückte ihre Freude über
das Erscheinen das Buches aus und äußerte den Wunsch, ein Exemplar davon in ihren Händen zu halten.
(ADZ, 21.11.2005)
Auf den Spuren Michael Haydns
Einige Jahre später wird Johann Michael Haydn
beauftragt, diese für das Volk zu schwierigen Gesänge
umzuarbeiten. Auch das neue Gesangbuch
fand eine solche Verbreitung, dass es bis nach Siebenbürgen
und in das Banat von Kolonisten mitgenommen
wurde. Damit hat sich ein Kulturgut in
den südosteuropäischen Kulturraum verpflanzt,
das bis heute noch gepflegt wird. Der Messgesang
Hier liegt vor Deiner Majestät wurde ab dann nur
noch Johann Michael Haydn zugeschrieben und in
ungarische, kroatische, slowakische, tschechische,
lateinische und später auch rumänische Sprache
übersetzt. Es ist die am meisten verbreitete Komposition
J. Michael Haydns und wird auch heute
noch gerne in den katholischen Kirchen Siebenbürgens,
des Banats, Ungarns, Serbiens oder von
den Aussiedlern in Deutschland und Österreich
gesungen.

ISBN 3-927612-20-0, Landshut 2003, Faksimile
Aufgabe nach dem Exemplar der Niedersächsi-
Buch über Filtsch-Wettbewerb
schen Staats- und Universitätsbibliothek Göttingen
Peter Szaunig legt Band über Carl Filtsch und den gleichnamigen Hermannstädter Klavierwettbewerb vor
von DR. FRANZ METZ
Wer hätte das vor zehn Jahren ahnen können: Die
Initiative der beiden Musiker Peter Szaunig und Walter
Kraft ist 1995 auf fruchtbaren Boden gefallen und
wurde zu einem Erfolg. Der vorliegende Band soll all
das zusammentragen, was in diesen 10 Jahren im Namen
von Carl Filtsch in Hermannstadt über die Bühne
ging – und das war wirklich nicht wenig. Erstens
braucht man ein Konzept mit Kopf und Fuß, dann
eine sichere Finanzierungsquelle und nicht zu guter
letzt junge Pianisten, die Interesse an einer solchen
internationalen Veranstaltung Interesse zeigen. Und es
ward so.
Wenn aber solche musikalische Körner nicht auf einen
fruchtbaren Boden fallen, kann man auch nicht viel
davon erwarten. Hermannstadt ist aber ein solcher
fruchtbarer Boden – auch im Bereich der Musikkultur,
wie bereits 1939 in der Gedenkschrift zum 100-jährigen
Jubiläum des Hermannstädter Musikvereins festgestellt
wurde: „Die Tonkunst hat in Hermannstadt stets viele
Verehrer gehabt. Wer erinnert sich nicht auch jetzt mit
Vergnügen der Zeiten, wo unter der Leitung eines Johann
Strauss die deutsche Oper und die von Caudella
und Rengelrod aufgeführten Oratorien und Kirchenmusiken
auf einer so hohen Stufe standen, dass Hermannstadt
in musikalischer Hinsicht allen österreichischen
Provinzhauptstädten sich wohl würdig anschließen
konnte. Der Kunstsinn soll geweckt, das Gefühl
geläutert und die geistige Vervollkommnung gefördert
werden – vor allem aber bei der Jugend!“ Und für die
Jugend ist auch der Carl-Filtsch-Wettbewerb gedacht.
Der von Szaunig vorgelegte Band beginnt mit einem
Vorwort des Hermannstädter Oberbürgermeisters
Klaus Johannis, gefolgt von einem kurzen Aufsatz über
die Musikkultur der Stadt am Zibin und einer umfangreichen
Biographie des Namensgebers, Carl Filtsch.
Der gesamte Text des Bandes ist zweisprachig, deutsch
und rumänisch. Der größte Bereich wurde den einzelnen
Filtsch-Wettbewerben gewidmet: Namen von
Teilnehmern, Repertoire, Programme, Zeitungsausschnitte
und zahlreiche Bilder.
Das Schicksal der Musiker ist nun mal so, dass deren
interpretierte Musik absolut an Zeit gebunden ist. Jeder
Ton verklingt, sobald er am Klavier intoniert wurde –
ausgenommen, er wird künstlich in eine Musikkonserve
gepresst. Um so wichtiger ist es, etwas mehr über die
Art und Weise des Musizierens in einer bestimmten
Zeit und in einem bestimmten Klangraum zu erfahren.
Viel besser haben es die Maler, die ihr Kunstwerk irgendwann
abschließen und es – falls künstlerisch wertvoll
– für ewige Zeiten Generationen von Betrachtern
zeigen können. Der vorliegende Band von Peter Szaunig
sollte wenigstens dieses Kapitel Hermannstädter
Klaviermusikgeschichte der Zeitspanne 1995-2005 für
die Zukunft gerettet haben. Und das ist wahrlich nicht
wenig. Der Heilbronner Johannis Reeg Verlag und die
Druckerei Honterus in Hermannstadt bemühten sich,
einen präsentationswürdigen Band vorzulegen, was
auch lobenswert gelungen ist. Der an Musik und Geschichte
interessierte Leser erfährt dadurch mehr, als er
sich davor vorstellen kann.
Und zum Schluss vielleicht nicht das Unwichtigste: der
internationale Carl Filtsch-Wettbewerb in Hermannstadt
wurde von zwei siebenbürgisch-sächsischen Aussiedlern
von Deutschland aus in deren „alten Heimat“
verwirklicht. Das verlangt nicht nur eine gute Zusammenarbeit
von deutscher und rumänischer Seite, sondern
auch die Überwindung so mancher Vorurteile.
Wie man sieht: die Mühe hatte sich vor zehn Jahren
gelohnt.
Peter Szaunig: Zehn Jahre Carl-Filtsch-Festival 1995-2005, Johannes Reeg Verlag, Heilbronn, ISBN 3-937320-32-6,
Preis: 7,- €
George Enescu – aus der Sicht der Gegenwart
Kann man noch etwas Neues über Enescu schreiben? Handelt es sich doch um einen der bedeutendsten Komponisten
des 20. Jahrhunderts und um das größte Festival der Welt, das diesem rumänischen Musiker gewidmet ist. Recht spät
(2005) konnte der Sammelband mit den Referaten der beiden Enescu-Symposien 2001 und 2003 im Verlag Editura
Institutului Cultural Român in Bukarest erscheinen, herausgegeben vom Verband der Komponisten und Musikwissenschaftler
in Rumänien. Verglichen mit den finanziellen Ausgaben und dem beachtlich hohen Niveau dieser beiden Enescu-Festivals,
kann dieser Band wohl nicht als ein Meilenstein der Enescu-Bibliographie und der Buchdruckerkunst
bezeichnet werden. Trotzdem wird der Band jedem Enescu-Interessenten etwas bieten – ob in rumänischer, deutscher,
englischer oder französischer Sprache (samt den zahlreichen Druckfehlern…).
37

Der Band beinhaltet auch Referate, die sich auf Siebenbürgen oder das Banat beziehen oder auf die Rezeption der Musik
Enescus in Deutschland: Helmut Loos: George Enescu und Deutschland, Franz Metz: Die Orgel im Leben und Werk George
Enescus (2001), Die Konzerte George Enescus, widerspiegelt in der Banater Presse jener Zeit (2003), Johannes Killyen: Anmerkungen
zur Rezeption von Enescus Oedipe.
ISBN 973-577-467-4, Editura Institutului Cultural Român, e-Mail: editura@icr.ro
Beeindruckende Chronik europäischer Musikgeschichte
Franz Metz legt die vollständige Monographie des Temeswarer Philharmonischen Vereins vor
Von PETER SZAUNIG
Erstmals liegt uns als Ergebnis einer fast 20-jährigen intensiven akribischen Forschungsarbeit des Organisten,
Dirigenten und Musikhistorikers Franz Metz eine über 700 Seiten und 350 Faksimile und Bilder
umfassende wissenschaftliche Auswertung des bis 1981 als verschollen gegoltenen Archivs des Temeswarer
Philharmonischen Vereins vor, welche die gesamte Musikkultur Südosteuropas anhand internationaler
Kontakte zu ähnlichen Vereinen zwischen New York und St. Petersburg in der Zeitspanne
1850 - 1950 widerspiegelt. Längst überholte musikhistorische Aspekte sowie kulturgeschichtliche und
kulturpolitische Anschauungen gegenüber dieser Region werden damit in ein neues Licht gerückt.
Temeswar - damals wie viele andere ähnliche Kulturmetropolen der österreichisch-ungarischen Doppelmonarchie
als Klein-Wien bezeichnet - war nicht nur das politische und wirtschaftliche Zentrum des
Banats, sondern auch eine wichtige Musikstadt. Durch den Bau des Franz-Joseph-Theaters, der Entstehung
zahlreicher Gesang- und Musikvereine, durch die blühende Kirchenmusik und dank dem steigenden
musikalischen Interesse der Bürger dieser Stadt, kamen namhafte Kapellmeister, Virtuosen und
Opernsolisten nach Temeswar, die den guten Ruf der Stadt in die Welt trugen.
Zahlreiche Musiker wie Liszt, Strauß, Brahms, Joachim, Wieniawski, Sarasate, Kienzl, Hubay oder Auer
konzertierten hier und für viele Konzertagenten aus Wien, Berlin, Budapest oder Paris war der Philharmonische
Verein, bedingt durch die rasante Entwicklung der Musikszene dieser königlichen Freistadt
Temeswar um 1870, eine wichtige Adresse.
Nach dem Vorbild des Wiener Männergesangvereins war der Temeswarer Philharmonische Verein nach
seiner Gründung 1871 nicht nur einer der wichtigsten Kulturträger des Banats, sondern des gesamten
südosteuropäischen Raumes. Die Dokumente des Vereins umfassen den Klangraum und musikalischen
Puls Südosteuropas über eine Zeitspanne von 100 Jahren, beginnend mit den Tätigkeiten des Temeswarer
Liederkranzes (um 1850) bis hin zu den kulturpolitischen Umwälzungen der Stalin-Ära (um 1950).
Bereits in der Einleitung vermittelt der Verfasser einen fesselnden Gesamteindruck dieser großangelegten
Monographie, wobei gleich in den ersten acht Kapiteln faszinierende Details bezüglich Gründung des
Temeswarer Philharmonischen Vereins, dessen Archiv, der gesamten musikkulturellen Entwicklung der
Region und deren Politik, der Satzungen und Vereinsinsignien, vor allem aber der Nationalitäten, Sprachen
und Konfessionen innerhalb des Vereins beschrieben werden. Demzufolge war dieser Temeswarer
Verein der erste multinationale Verein, in dessen Reihen neben deutschen und ungarischen Mitgliedern
Serben, Rumänen, Tschechen und Slowaken auftraten.Während die Umgangssprache des Vereins zunächst
Deutsch war - obwohl allesamt der ungarischen Nation angehörten - wurde mit der Zeit von Budapest
verlangt, dass sämtliche Jahresberichte und Sitzungsprotokolle in ungarischer Sprache verfasst
werden müssen.
Die Mitglieder des Philharmonischen Vereins kamen aus allen Kofessionen. Interessant und beeindruckend
ist, dass von der Gründung her eine aus Tradition übernommene Haupteigenschaft - die Toleranz
- bis zum Ende erhalten blieb und sämtliche politischen, meist nationalistischen Tendenzen aus Budapest,
Bukarest oder Berlin konfliktlos überlebte. Das gemeinsame Singen und Musizieren brachte die
verschiedenen Nationalitäten, Sprachen und Konfessionen einander näher. Ein einzigartiges Beispiel in
der europäischen Musikgeschichte. Auch enthält das 9. Kapitel die Entstehungsgeschichte und Aktivitäten
von weiteren 40 Musik- und Gesangvereinen, mit denen der Temeswarer Philharmonische Verein in
Verbindung stand, unter denen sich u.a. neben dem Serbischen Gesangverein, dem Wiener Männergesangverein,
dem Männergesangverein aus Sarajevo, der Pressburger Liedertafel auch die beiden Hermannstädter
Vereine - der Männergesangverein und der Musikverein Hermania - befinden. Das Musikarchiv
bestand übrigens im Jahre 1883 aus 720 deutschen und 128 ungarischen Chören.
Das folgende 10. Kapitel bringt 60 Kurzbiographien berühmter Musiker, Komponisten, Dirigenten und
Interpreten, wie z.B. Henry Wieniawsky, Jan Kubelik, Hermann Bönicke, Martin Novacek, Pablo Sarasa-
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te, Desiderius Jarosy, Franz Limmer, Conrad Paul Wusching, Heinrich Weidt oder Michael Jaborsky.
Nicht zu übersehen in diesem Buch von Franz Metz ist sicher das umfangreiche Kapitel mit den Biographien
und ausführlichen Berichten über die Tournee von Johannes Brahms und dem Stargeiger Josef
Joachim, die am 15. und 16. September 1879 im großen Redoutensaal Temeswars - später dann auch
in Hermannstadt - auftraten. Bereits im Vorfeld berichtete die „Temesvarer Zeitung“ vom 11. September
über das große Konzert beider „Kunstheroen“, und in einer Kritik vom 17. September beschwört diese
die persönliche Bekanntschaft zweier Männer höchsten geistigen Ranges, und dass Brahms u.a. durch
Gedanken wirkt, während Joachim seinerseits durch intensiven Ausdruck die Zuhörer in seinen Bann
zieht.
Das „Fremden-Buch“ (Kapitel 11) wurde anlässlich des Besuches des Königs Franz Josef I. 1872 angelegt,
dessen Unterschrift sich auf der ersten Seite befindet. In chronologischer Reihenfolge befinden sich
weitere Eintragungen und Unterschriften prominenter Persönlichkeiten vor allem auf musischem Gebiet,
wie die von Jan Kubelik oder Béla Bartók und vielen anderen.
Das umfangreichste und nicht nur aus musikhistorischer, sondern auch aus allgemein-kultureller Sicht
vielfältigste, in fünf Teile gegliederte 12. Kapitel „Chronik“ beinhaltet in zeitlicher Folge eine mit erstaunlicher
Sorgfalt hergestellte Dokumentation, worin Protokolle, Programme, Zeitungsberichte, Briefe, Plakate,
Kritiken sowie Tätigkeiten wichtiger Musikinstitutionen oder einzelner Musiker Südosteuropas in enger
Beziehung zu den sozialen und politischen Ereignissen der damaligen Zeit - oft auch innerhalb ausschweifender
Berichte - wiedergegeben werden.
Von interessantem dokumentarischen Wert ist auch das 13. Kapitel „Repertoire“, innerhalb dessen
knapp 500 Titel der wichtigsten Kompositionen der noch vorhandenen Notensammlung des Temeswarer
Philharmonischen Vereins angeführt sind, welche auch zum damaligen Konzertrepertoire gehörten. Der
abschließende „Anhang“ enthält neben erklärenden Begriffen und umfangreichen bibliographischen Daten
ein ausgiebiges Namens- und Ortregister, welches dieses einmalige Kompendium eines am Anfang
des 21. Jahrhunderts noch wenig erforschten Bereichs europäischer Kultur- und Musikgeschichte ergänzt.
Und mit Recht behauptet der Autor: Spannender kann Musikgeschichte kaum sein!
Franz Metz: „Der Temeswarer Philharmonische Verein. Eine Chronik südosteuropäischer Musikgeschichte
1850-1950“. Edition Musik Südost, München 2005, über 700 Seiten, 350 Bilder, Preis: 25 Euro.
Bestellung über den Buchhandel, über Tel./Fax: 089 /450 11 762 oder über FranzMetz@aol.com
Illustrierte Musikgeschichte Ungarns
Es kostete mehr Zeit als man sich dies zum Beginn vorstellen konnte, doch nun konnte der traditionsreiche Budapester
Musikverlag Rózsvölgyi & Társa (gegründet 1850) einen Bildband vorlegen, der allen Respekt verdient: KÉPES MA-
GYAR ZENETÖRTÉNET (Bilder zur ungarischen Musikgeschichte), ISBN 963-86238-4-5, Budapest 2004. Eine Zeit
vor dessen Erscheinen war auf der Burg eine interessante Ausstellung zu diesem Thema zu besichtigen, doch durch das
Buch kann den musikalischen Reichtum und die Vielfalt der musikalischen Kulturlandschaften Ungarns noch besser
verstehen.
Es ist unumgänglich, dass auch die Musikhistoriographie dieses Landes es nicht leicht hat mit der eigenen objektiven
Darstellung. Bekanntlich ist ja durch den Vertrag von Trianon (1919) von dem ehemaligen Königreich Ungarn nur
mehr ein Bruchteil übrig geblieben, die restlichen Territorien musste das Land an die heutigen Nachbarländer abgeben.
Unverkennbar sind daher bis heute die Probleme in der Geschichtsschreibung geblieben, besonders wenn es sich um
wissenschaftliche Arbeiten über Siebenbürgen oder das Banat handelt. Wer heute z.B. sich mit der Musikgeschichte des
historischen Banats befasst (eine Region, die 1000 Jahre zu Ungarn gehörte) hat es gleich mit drei verschiedenen Ländern
zu tun, da auch das Banat 1919 in drei Teile zerrissen wurde: Rumänien, Jugoslawien (heute Serbien und Montenegro),
Ungarn. Die Geschichtsschreibung einer historisch gewachsenen Kulturlandschaft muss nun zu einem wahrlich
europäischen Projekt umfunktioniert werden, in dem die nationalen Anschauungen der Nachkriegszeit noch nicht ganz
verschwunden sind.
Der Bildband, herausgegeben von János Kárpáti, entstand durch die Mitarbeit zahlreicher Musikwissenschaftler, wie
Batta András, Dobszay László, Eckhardt Mária, Eösze László, Farkas Zoltán, Felföldi László, Ferenczi Ilona, Kaba
Melinda, Király Péter, Papp Géza, Sárosi Bálint, Sas Ágnes, Sebö Ferenc, Somfai László, Szekeres-Farkas Márta,
Szendrei Janka, Szerzö Katalin, Tallián Tibor. Die Qualität der Ausstattung lässt fast keinen Wunsch offen, auf zwei
CD-Einspielungen im Anhang des Buches werden Musikbeispiele gebracht. Jeder Musikwissenschaftler, der sich mit
der Musikgeschichte Mittel- oder Südosteuropas befasst sollte dieses Buch kennen!
(Weitere Einzelheiten unter: www.athenaeum.hu)
39

Monographie über griechisch-katholischen Kirchenchor
Constantin Tufan Stan konnte 2005 einen weitere Band vorlegen, der diesmal einem Lugoscher Chor gewidmet ist: Der
Gesangverein Lyra in Lugosch (in rumänischer Sprache). Es handelt sich um eine besondere Monographie, die im Auftrag
des griechisch-katholischen Bischofs Alexandru Mesian aus Lugosch entstanden ist. Bekanntlich wurde die griechischkatholische
Kirche nach sowjetischem Vorbild 1948 auch in Rumänien verboten, deren ganzes Eigentum wurde verstaatlicht
oder ging in den Besitz der orthodoxen Kirche über, zahlreiche Bischöfe, Priester und Gläubige starben in
Gefängnissen, die restlichen Gemeindemitglieder die ihren Glauben behalten wollten, führten bis 1998 ein Katakombendasein.
Um so schwieriger ist es für einen Musikwissenschaftler Daten und Dokumente zu sammeln, wurden doch
auch die Archivalien in Mitleidenschaft gezogen.
Stan gelang es in seinem Eifer nicht nur wichtige Unterlagen zu entdecken, sondern auch einen großen Teil des Bildmaterials
zum ersten Mal dem Leser zu präsentieren. Pfarrer Valeriu Sasu verfasste bereits 1934-1938 ein Manuskript zur
Geschichte dieses Gesangvereins für die Jahre 1871-1938, die dem Autor eine wichtige Stütze waren. Bei Zeitzeugen
konnte er weitere Unterlagen finden, die dann mosaikartig ein Ganzes ergeben konnten. Wir finden in diesem interessanten
Buch gleichzeitig viele deutsche, ungarische und tschechische Namen von Musikern oder Komponisten und
Musikern, die gemeinsam mit den rumänischen Kollegen die Kultur dieser Stadt an der Temesch prägten. Man kann
gleichzeitig auch viele Gemeinsamkeiten zwischen dem römisch-katholischen, orthodoxen, griechisch-katholischen,
jüdischen und evangelischen Chor der Stadt Lugosch feststellen, was die Namen der Dirigenten oder der Komponisten
bestätigen.
Nur mit diesen kleinen aber wichtigen Schritten kann unser Bild über die wahre Musikkultur der Musikstadt Lugosch
und der gesamten Region erst recht beleuchtet werden. Kulturpolitisch war die Situation bis 1944 ganz anders, als wir
uns dies heute vorstellen können. Schon dadurch kann man ersehen, dass ein großer Teil der Musikgeschichtsschreibung
des Banats noch zukünftige Generationen beschäftigen wird. Zu sehr musste sich selbst die Musikkultur der Provinzen
des Landes den zentralistischen Strukturen unterordnen und wurde bis 1989 von Bukarest aus dirigiert. Constantin
Tufan Stan gelang es, sich mit akribischen Recherchen einer objektiven und wissenschaftlichen Darstellung der
Musikgeschichte dieses Landes etwas anzunähern. Und das ist nicht wenig. Dies bestätigen auch die beiden Nachwörter,
verfasst von dem bekannten Musikwissenschafter Dr. Gheorghe Firca und dem bekannten Goethe- und Nietzsche-
Übersetzer Prof. Simion Danila.
Constantin Tufan Stan: Societatea Corala Lira din Lugoj, Editura Marineasa, Timisoara 2005, ISBN 973-631-218-6, 280
Seiten
Rumänische Post ehrt Béla Bartók
Die Rumänische Post hat am 26. September 2005 zum 60. Todestag von Béla Bartók eine Sonderbriefmarke im Wert
von 50 Bani (neue Währung) herausgebracht. Mitherausgeber ist der Kreisrat Temesch, der Philatelieverband Timisoara
und die Stadt Großsanktnikolaus, wo der Komponist, Interpret und Volksliedforscher zur Welt gekommen ist. Bartók
unternahm im Banat zahlreiche Feldforschungen, über die der Musikwissenschaftler Dr. Nice Fracile aus Novi Sad
(Wojwodina, Serbien und Montenegro) im Temeswarer Symposium einen Vortrag gehalten hat. Im Schloss des Grafen
Nako befindet sich eine ständige Ausstellung über Bartók und in der Mitte seines Geburtsortes wurde vor zehn Jahren
in rumänischer-ungarischer Partnerschaft eine Büste des Komponisten aufgestellt.
Musikwissenschaft
Musikwissenschaftliches Symposium in München
Zahlreiche Musikwissenschaftler sprachen über die Musik der Deutschen in/aus Südosteuropa
Samstag, 19. Februar 2005 fand im Adalbert-Stifter-
Saal des Sudetendeutschen Hauses, München, ein musikwissenschaftliches
Symposium statt, dass die Gesellschaft
für deutsche Musikkultur im südöstlichen Euro-
Rolle von Musik in solchen europäischen Räumen, in
denen mehrere Nationalitäten seit Jahrhunderten –
meist friedlich – nebeneinander lebten und teilweise
noch leben.
pa e.V. (GDMSE) veranstaltet hat. Dieser Verein be- Wie dies mit der Musikkultur in den Herkunftsgebieten
steht nun seit mehr als 20 Jahren und setzt sich für die der Schwaben und Sachsen war, kann man in einigen
Erforschung, Pflege und Bekanntmachung der Musik- wissenschaftlichen Arbeiten nachlesen. Etwas schwierikultur
der Deutschen in und aus den südosteuropäiger ist es mit der Situation der Musikkultur dieser deutschen
Ländern ein. Im Klartext handelt es sich dabei schen Vertriebenen, Flüchtlingen und Aussiedlern hier
u.a. um die Musikkulturen der Siebenbürger Sachsen, in Deutschland. Wo beginnt die Integration und wo
Banater und Donauschwaben wie auch Ungarndeut- hört die eigene kulturelle (auch deutsche) Identität auf?
schen. Vieles verbindet sie, es gibt aber auch histori- Bekanntlich hat sich die Situation auf diesem Kultursche
Unterschiede. Im Mittelpunkt stand diesmal die und Forschungsgebiet in der Bundesrepublik speziell
Rolle der „Musik als interkultureller Dialog“, also die
40
nach 1998 durch die „Streichkonzerte“ der jetzigen

Bundesregierung sehr verschlechtert: Institute wurden
aufgelöst, über Nacht umgewandelt, Förderungen wurden
gestrichen, Projekte werden zurückgewiesen und
eine systematische wissenschaftliche Forschung kann
nicht mehr gewährleistet werden. Selbst in den USA
kann man heute mehr Interesse für die Belange der
Musikkultur deutscher Minderheiten im Südosten Europas
finden, als in Deutschland selbst. Dies beweisen
die zahlreichen großen musikwissenschaftlichen Symposien
in New York oder die Dissertationen junger
amerikanischer Forscher zu ähnlichen Themen.
Umso erfreulicher ist es, dass die Bayerische Staatsregierung
solche wissenschaftliche Vorhaben im Rahmen
der immer enger werdenden finanziellen Möglichkeiten
noch unterstützen kann. Unterstützung kam auch
durch die Landsmannschaft der Banater Schwaben,
ging es doch in vielen Referaten um die Musikkultur
deutscher Minderheiten im historischen Banat. Die
Eröffnungsansprache hielt Dr. Hartmut Singbartl, Vorstandsvorsitzender
der Sudetendeutschen Stiftung. Er
wies
nicht nur auf die Bedeutung der Musikkultur der Vertriebenen
und Aussiedlern in unserem Land hin, sondern
auch auf die Notwendigkeit, diese besser kennen
zu lernen. Im Freistaat Bayern lebt ein großer Teil dieser
Deutschen aus dem europäischen Südosten und
nach Möglichkeit will man auch weiterhin deren Kultur
fördern.
Prof. Dr. Friedrich W. Riedel (Mainz, Sonthofen) hielt
das Eröffnungsreferat mit dem Titel „Musikalische
Verbindungen zwischen dem Heiligen Römischen
Reich und dem Königreich Ungarn im 18. Jahrhundert“.
Prof. Riedel hat zahlreiche Buchpublikationen zu
ähnlichen Themen veröffentlicht und betreut auch
Doktoranden aus diesen Ländern. Bereits durch die
Verbindungen des ungarischen Arpadenhauses zu Bayern
bestehen seit 1000 Jahren musikkulturelle Wechselbeziehungen.
Dr. Klaus-Peter Leitner (Strube-Verlag,
München) sprach zum Thema „Östlich von Wien. Die
Wirkung der Wiener Schulen im östlichen Europa aufgezeigt
anhand ausgewählter Musikbeispiele des 18. bis
20. Jahrhunderts“. Der Münchner Strube-Verlag hat
nämlich in den letzten Jahren 2 interessante CD´s mit
dem Hermannstädter Bachchor herausgebracht, die
vorgestellt wurden. Gleichzeitig wies Dr. Leitner darauf
hin, dass es in diesem Bereich Parallelen zu der Bayerischen
und Baden-Württembergischen Musikforschung
gibt. Die Erforschung der deutschen Musikkultur im
Südosten befindet sich eigentlich auf einem guten Weg,
sieht man von einzelnen „Sackgassen“ ab, die in einer
regionalen Musikschreibung vermieden werden müssten.
Aber ähnliche Schwierigkeiten gibt es auch im
Bezug auf Sparten der bayerischen oder badenwürttembergischen
Musikforschung.
Frau Hildegard Barth (Sankt Georgen) gehört zu jenen
Teilnehmern der Musikwoche der GDMSE, die seit
dem Anfang dabei war. Sie sprach über „20 Jahre Musikwoche
der Gesellschaft für Deutsche Musikkultur
im südöstlichen Europa“. Tatsächlich hat diese Musikwoche
nicht nur Kontinuität sondern auch Erfolge
aufzuweisen: immer mehr Jugendliche nehmen daran
teil, und das künstlerische Niveau lässt sich zeigen und
hören. Aus dem damals von einigen Kritikern als „Kaffekränzchen“
bezeichneten Musikwoche ist eine Veranstaltung
geworden, deren Protagonisten schon immer
wussten, welches die Richtung ist: zahlreiche im
Banat oder in Siebenbürgen entstandene Werke werden
erstaufgeführt, zeitgenössische Komponisten aus Rumänien
und Deutschland widmen den Ensembles der
Musikwoche neue Kompositionen und in jedem Jahr
kommen junge Musiker (Studenten und Schüler) aus
Rumänien. Und nicht zuletzt: Musiker aus Deutschland,
die mit Siebenbürgen und dem Banat biographisch
nichts zu tun haben, beginnen sich für diese
„andere“ deutsche Musikkultur zu interessieren, mit all
ihren Interferenzen und Paralellen zur Musikkultur der
Rumänen, Ungarn oder Serben.
Dr. Franz Metz (München), der auch der Initiator und
Leiter dieses Symposiums war, sprach über “Südosteuropäische
Musikforschung und die Musik der deutschen
Minderheiten“. In den letzten Jahren – besonders
nach dem Fall des Eisernen Vorhangs – bestehen
neue Möglichkeiten, die Musikgeschichte der deutschen
Minderheiten Südosteuropas zu entdecken. Was von
Deutschland aus als „Südosteuropäisch“ betrachtet
wird, hat seine Ursprünge oft in der mitteleuropäischen
– also auch deutschen – Kulturgeschichte. Selbst die
rumänischen Kulturschaffenden um 1848 sehnten sich
nach der Walzermusik von Johann Strauss, um die
türkische Musik aus dem Land zu verdrängen. Nach all
den bisher gescheiterten Versuchen des 20. Jahrhunderts,
hätte man nun die Möglichkeit, auch die Musik
der deutschen Minderheiten objektiv und wissenschaftliche
zu erforschen. So wurde z.B. bisher keine andere
südosteuropäische Volksmusik so wenig untersucht,
wie die der Banater Schwaben oder Siebenbürger Sachsen.
So kann die rumänische, ungarische und serbische
Ethnomusikologie dieses Raums unvergleichlich mehr
vorweisen, als jene der deutschen Minderheiten. Selbst
die deutschen Archive und Sammlungen warten noch
auf ihre wissenschaftliche Auswertung.
Horst Gehann (Kludenbach) päsentierte die Arbeit
seines eigenen Verlags in seinem Vortrag „Deutsche
Sprachinseln in Südosteuropa, ihre Musikpflege und
schöpferische Leistungen in der Reihe Musikgeschichtliche
Studien und in praktischen Ausgaben“. Prof. Dr.
Helmut Loos (Leipzig) sprach über „George Enescu
und Deutschland“, wird doch in diesem Jahr des 50.
Todestags und 175. Geburtstags Enescus gedacht.
Peter Szaunig (Bad Wörishofen) stellte das aus Siebenbürgen
stammend Wunderkind Carl Filtsch den Anwesenden
vor, nach dem vor 10 Jahren der Hermannstädter
Klavierwettbewerb benannt wurde. Szaunig gehört
neben Prof. Walter Kraft aus München zu den Initiatoren
dieses Wettbewerbs. Dr. Richard Witsch (Köln)
stellte in seinem Referat einen Komponisten aus der
Batschka in den Mittelpunkt: „Südosteuropäische mu-
41

sikalische Vielfalt und Elemente mitteleuropäischer
Stilrichtungen verschiedener Epochen als Symbiose in
der Musik des Donauschwaben Anton Schoendlinger“.
Johannes Kirner (München) sprach über eine Messe
von Karl Ditters von Dittersdorf, die der Komponist
als Großwardeiner Kapellmeister geschrieben hat und
die vor kurzer Zeit beim Stuttgarter Carus-Verlag erschienen
ist. Robert Rohr (München) bezeichnete die
donauschwäbischen Knabenkapellen als einen „Sonderfall
der Musikgeschichte“, was ihre Weltreisen im
19. Jahrhundert durch Europa, Amerika und Afrika
belegen. Widmar Hader (Regensburg) stellte in seinem
Referat das Sudetendeutsche Musikinstitut in Regensburg
vor, dessen Leiter er ist.
Sämtliche Referate werden in Kürze in einem Sammelband
erscheinen, der über die die Adresse der Gesellschaft
für deutsche Kultur im südöstlichen Europa zu
beziehen ist.
Weitere Informationen unter www.suedostmusik.de
Die Kirchenmusik von Sombor dokumentiert
Prof. Dr. Georg Tábori hat in den letzten Jahren das gesamte Musikarchiv des Karmelitenkirche aus Sombor (Batschka,
Serbien und Montenegro) erforscht und seine Arbeit 2004 in einem Band veröffentlicht: Glazbeno stvaralastvo i fundus
Karmela u Somboru, Sombor 2004 (in serbischer Sprache). Die Arbeit ist auch mit einer englischen Zusammenfassung
versehen. Dr. Tábori ist der beste Kenner der Kirchenmusik dieses Raums, schrieb auch eine Arbeit über die Orgelbauer
Caspar Fischer und Franz Lindauer, die in der Batschka ihre Werkstätte hatten.
Das Kirchenmusikarchiv der Karmelitenkirche aus Sombor wurde 1904 angelegt und beinhaltet neben den üblichen
Kompositionen für den katholischen Gottesdienst auch Gesangbücher mit lateinischen, kroatischen, ungarischen und
deutschen Texten.
Banater Musikforschung grenzenlos
22 Musikwissenschaftler aus vielen Ländern trafen sich in Temeswar
von ROBERT ROHR
„Musik als interkultureller Dialog. Das Banat als euroregionaler Klangraum“ – so lautete der Titel des
internationalen musikwissenschaftlichen Symposiums, das in der Zeit 23.-25. September 2005 in Temeswar
stattgefunden hat. Dafür haben sich 22 Musikwissenschaftler aus Deutschland, Rumänien, Serbien
und Montenegro, Ungarn, Tschechien, Österreich und Kroatien zusammengefunden.
Bekanntlich wird Rumänien in einigen Jahren in die Europäische Union aufgenommen, umso wichtiger
werden daher die historischen Regionen – die so genannten Euroregionen – in den Mittelpunkt gerückt,
mit ihrer besonders wechselvollen Geschichte und bunten Kultur. Dies kann man auch vom historischen
Banat behaupten, eine Kulturlandschaft, die – aus welchen Gründen auch immer – nach dem ersten
Weltkrieg zerstückelt wurde. Diesseits und jenseits der Grenze kennt man viel zu wenig über die Musikkultur
und Musikgeschichte des Nachbarn – höchste Zeit also miteinander auf wissenschaftlicher Basis
zu diskutieren und voneinander zu lernen.
Bei der Eröffnung im Festsaal des Guttenbrunn-Hauses in Temeswar am Freitag, 23. September 2005,
10 Uhr, sprachen Prof. Dr. Karl Singer vom Deutschen Forum, Dr. Ing. Gheorghe Ciuhandu, Oberbürgermeister
der Stadt, Rolf Maruhn, Konsul der Bundesrepublik Deutschland in Temeswar, Frau Alexandra
Răzvan-Mihalcea, Vorsitzende des Temeswarer Philharmonischen Vereins und Dr. Franz Metz, Leiter
des Symposiums. Die Veranstaltung selbst wurde durch den Temeswarer Philharmonischen Verein und
die Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V., München, organisiert.
Das erste Referat wurde von Dr. Gheorghe Firca, Bukarest, gehalten: „Kontinuität und Aktualität im Banater
Musikleben“ der Zwischenkriegszeit. Firca stammt selbst aus dem Banat und ist einer der bedeutendsten
Musikwissenschaftler und Komponisten des Landes. Für viel Interesse sorgte der Vortrag von
Dr. Thomas Aigner, der Leiter der Musiksammlung der Wiener Stadt- und Landesbibliothek: „Das serbische
Banat in der Operette „Jabuka“ von Johann Strauß“. Bekanntlich spielt sich die Handlung dieser
Operette von Strauss-Sohn im Banat ab, ähnlich wie jene des viel bekannteren „Zigeunerbaron“. Außerdem:
Banater Musikgeschichte bedeutet gleichzeitig auch österreichische Musikgeschichte – oder wenigstens
ein Teil davon irgendwo am Rande der ehemaligen k.u.k.-Monarchie. Einen österreichischen
Einfluss hatte auch das gemeinsame Referat von Ludwig Berghold aus Wien und Karla Sinitean-Singer,
Temeswar: „Unsere Wurzeln. Deutsche Tänze im und au dem Banat. Gibt es für Musik ethnische Grenzen?“
Bekanntlich erschien vor kurzer Zeit auch ein erwähnenswertes Buch dieser beiden Referenten
42

zum gleichen Thema. Einen Bezug zur Volksmusik hatte auch das Referat von Dr. Nice Fracile, Novi-
Sad/Neusatz: „Die Phonographaufnahmen Béla Bartóks und die Banater Volksmusik“. Leider warten
viele dieser Aufzeichnungen Banater Volksmusik bis heute auf ihre Veröffentlichung.
Die junge Musikwissenschaftlerin Ivana Perkovic-Radak, Belgrad, sprach über die „Serbischen Gesangvereine
vor 1914 und ihr kirchenmusikalisches Repertoire“. In Temeswar gab es selbst mehrere serbische
Gesangvereine, die oft gemeinsam mit deutschen und rumänischen Vereinen Konzerte gaben. Ein
großer Teil des Banater und universellen Musikrepertoires ist beim Temeswarer Musikverlag Morawetz
erschienen, ein Thema, das Dr. Damian Vulpe in seinem Referat behandelt hat. Dr. Felician Rosca, Temeswar,
stellte die interkulturellen und interethnischen Aspekte in der Banater Hymnologie vor.
Wie bunt die Banater Musikkultur ist, kann auch durch die Minderheit der Tschechen im Südbanat erläutert
werden. Josef Sebesta, Prag, hat schon öfter diese Banater Minderheit besucht und deren Musikkultur
untersucht. Die Museographin und Musikwissenschaftlerin Dr. Rodica Giurgiu, Temeswar, sprach
über die Tätigkeit des Komponisten und Dirigenten Hermann Klee, der bekanntlich aus Hamburg stammte
und in Temeswar seit 1943 tätig war. Gemeinsamkeiten in den verschiedenen südosteuropäischen
Musiktraditionen konnte man durch das Referat der jungen serbischen Musikwissenschaftlerin Vesna
Ivkov aus Neusatz feststellen, die die Akkordeongruppe „Meskarke“ aus Aradac vorgestellt hat und auf
diesem auch im Banat sehr verbreiteten Instrument einige Beispiele selbst gespielt hat.
Das Referat von Dr. Franz Metz, München, hatte den Titel: „Banater Rhapsodie oder Wo das Lied zu
Hause ist. Die historische Musikforschung der zukünftigen Euroregion Banat“. Aus Zagreb war die Musikwissenschaftlerin
Nada Bezic angereist, die den Arader Komponisten Georg Karl Wisner von Morgenstern
(1783-1855) vorgestellt hat, ein im Banat leider vergessener Musiker, der zu den Gründern der
kroatischen Nationalschule und des Zagreber Konservatoriums zählt. Dr. Walter Kindl stellte in seinem
Referat die Wegenstein-Orgel (Millenniumsorgel) der innenstädtischen Pfarrkirche vor, die 1896 auf der
Budapester Millenniumsausstellung gespielt und präsentiert wurde. Robert Rohr, München, stellte den
zahlreichen Zuhörern eine kurzgefasste Geschichte der Banater Knabenkapellen vor, die bereits im 19.
Jahrhundert die halbe Welt umreisten.
Über den in der Zwischenkriegszeit in Temeswar tätigen Pianisten und Pädagogen Leo Freund sprach
Dr. Maria Bodo, eine der bedeutendsten zeitgenössischen Klavierpädagogen Rumäniens. Constantin
Tufan Stan aus Lugosch präsentierte die Biographien zweier Banater Sänger: Virginia Sepetian und Titus
Olariu, die auf bedeutenden europäischen Bühnen riesige Erfolge verzeichnen konnten. Dass der
Banater Orgelbau nicht nur eine lokale und regionale Angelegenheit war, bewies István Enyedi,
Sathmar, in seinem Referat über historische Orgeln die von den Banater Werkstätten Wegenstein, Dangl
oder Hromadka in der nördlichen Region Rumäniens errichtet wurden. Ioan Tomi, der langjährige Musikreferent
der Temeswarer Philharmonie, sprach über die Tätigkeit des Banater rumänischen Pädagogen
und Chorleiters Atanasie Lipovan aus Großsanktnikolaus, der u.a. auch in den USA rumänische Chöre
geleitet hat. Dr. Ioan Fancsali, Budapest, stellte den Arader Geigenvirtuosen Emil Telmanyi vor, der aus
einer armenischen Familie stammte. Bohumil Pesek, Prag, widmete sich der Biographie des Banater
Komponisten und Kapellmeisters Rudolf Novacek, der für kurze Zeit auch in der tschechischen Hauptstadt
tätig war.
Ein Höhepunkt des Symposiums war der Besuch der Musikstadt Lugosch. Hier wurden die Teilnehmer
im städtischen Theater von dem Kinderchor „Armonie“ der Musikschule begrüßt und vom Dirigenten des
berühmten Vidu-Chors, Prof. Remus Tascau. Dorin Pacurar stellte den bereits etablierten internationalen
Tenor-Wettbewerb vor, der regelmäßig in der Stadt an der Temesch stattfindet und Dr. Dan Demeter
stellte seinen berühmten Großvater, den Tenor mit Weltruhm Traian Grozavescu den Gästen vor. Eine
zweite Studienfahrt führte die Musikwissenschaftler nach Großsanktnikolaus, wo man die Bartók-
Ausstellung im Nakó-Schloss besichtigt hat.
Das wichtigste Ereignis dieses Symposiums war vielleicht das erste Konzert in der wieder geöffneten
innenstädtischen Synagoge, Freitag, 23. September, um 19 Uhr. Der Temeswarer Philharmonische Verein
hat für 50 Jahre dieses historische Gebäude von der jüdischen Gemeinde der Stadt übernommen
und wird darin Konzerte veranstalten. Es musizierten Alexandra Gutu (Violoncello), Marian Tărău (Violine),
Aura Twarowska (Alto) und Franz Metz (Klavier). Die Synagoge war überfüllt von interessierten Zuhörern
und konnte den Ansturm kaum verkraften. Es ist dies die erste Synagoge im Land, die nun als
Konzertsaal benützt wird. Anlässlich dieses Konzertes überreichte Franz Metz die kürzlich in München
erschienene Monographie zur Geschichte des Temeswarer Philharmonischen Vereins dem Oberbürgermeister
Dr. Gheorghe Ciuhandu. Den Schluss bildete ein Orgelkonzert in der katholischen Pfarrkirche
zu Lugosch, am Sonntag, dem 25. September 2005, um 18 Uhr.
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Ohne die Förderung seitens rumänischer und deutscher Institutionen wäre dieses musikwissenschaftliche
Symposium nicht möglich gewesen, ein Beweis, dass solche Kooperationen auch für die zukünftige
Euroregion Banat von größter Bedeutung sind.
Sämtliche Referate dieses internationalen musikwissenschaftlichen Symposiums werden in einigen Wochen
in einem Sammelband erscheinen. (Weitere Infos unter www.suedost-musik.de)
In Ulm wird an Béla Bartók erinnert
Zu Béla Bartóks 60. Todestag erinnern das Ulmer Theater, das donaubüro.ulm und das Donauschwäbische Zentralmuseum
gemeinsam an den großen Komponisten und Musikwissenschaftler.
"Eine der herausragenden Leistungen Bartóks besteht darin, dass er Volksmusik sammelte und aufzeichnete. Ohne
diese Forschungsarbeit wären die mitreißenden ungarischen Lieder und Tanzstücke heute vergessen. So aber bildet
Bartóks Sammlung eine der Grundlagen für die osteuropäische Tanzhausbewegung. Im Tanzhaus (ungarisch ‚táncház')
wird live musiziert - und jeder, der mag, kann ohne Vorkenntnisse das Tanzbein schwingen."
Mit diesen einleitenden Worten lädt das Donauschwäbische Zentralmuseum in Ulm zu einer Tanzveranstaltung für
Samstag, den 1. Oktober 2005, ab 18.00 Uhr, ein. Unter Anleitung erfahrener ungarischer Tanzmeister und begleitet
von der vierköpfigen Münchener Musikgruppe "Varázskör" (Zauberkreis) kann im Museum einmal anders abgetanzt
werden als gewohnt. Zur Stärkung gibt es Spezialitäten aus der ungarischen Küche. Das Programm beginnt 18.00 Uhr
mit Tanzhaus für Kinder, ab 19.30 Uhr sind die Jugendlichen und Junggebliebenen zum Tanzen aufgefordert. Ort:
Donauschwäbisches Zentralmuseum, Schillerstr. 1, 89077 Ulm, Tel. 0731-962540.
Weitere Veranstaltungen zur Erinnerung an Béla Bartók:
Sonntag, 25. September 2005, 17.00 Uhr: Eröffnung der Bartók-Ausstellung des musikwissenschaftlichen Instituts
Budapest im Ulmer Theater
Sonntag, 2. Oktober, 19.30 Uhr: Konzert mit Bartók-Kammermusik im Foyer des Ulmer Theaters.
(Siebenbürgische Zeitung Online, 24. September 2005)
von DR. FRANZ METZ
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Banater Klänge auf der Prager Burg
Internationales musikwissenschaftliches Symposium und Banater Musik in Prag
Wer kennt nicht die Karlsbrücke, den Namen Antonin
Dvorak oder die Karmeliterkirche in Prag, von wo aus
sich das „Prager Jesulein“ in die ganze Welt verbreitet
hat. Auch in jeder Banater katholischen Kirche steht
eine Kopie dieses Prager Jesuleins – heute fast ganz in
Vergessenheit geraten. Aber die Beziehungen zwischen
Böhmen und dem Banat sind auch in der Musik bis
heute erhalten geblieben. Im Mittelpunkt eines internationalen
Symposiums vom 28.-30. April 2005 mit Musikwissenschaftlern
aus Deutschland, Österreich, Norwegen,
Schweden, der Slowakei, Ukraine und dem
Gastgeberland Tschechien stand diesmal die Militärmusik
in der Geschichte der böhmischen Länder. Also
durfte auch das Banat nicht fehlen, wohin seit dem 18.
Jahrhundert viele Musiker aus Böhmen gezogen sind,
darunter eine stattliche Zahl von Militärmusikern.
Unsere Banater Musikgeschichte wäre ohne den Beitrag
der böhmischen Regenschori, Kapellmeister und Musikpädagogen
um vieles ärmer und fast unvorstellbar.
Nicht nur die ersten Temeswarer Domkapellmeister
kamen aus Böhmen, auch Kapellmeister, Orgel- und
Instrumentenbauer sowie Lehrer, die im Banat des 19.
Jahrhunderts einen besseren Verdienst fanden als irgendwo
im damaligen Böhmen. Bekanntlich siedelten
sich auch auf dem Gebiet der Banater-Militärgrenze
und im südlichen Banater Bergland zahlreiche Familien
aus Böhmen an, es waren nicht nur Deutschböhmen
sondern auch Tschechen darunter. Einige dieser böhmischen
und tschechischen Siedlungen sind bis heute
erhalten geblieben.
Gleich zum Beginn des musikwissenschaftlichen Symposiums
erklang der vielleicht bekannteste Marsch der
ehemaligen Doppelmonarchie, der heute gleichfalls als
bekanntester tschechischer Marsch bezeichnet wird:
der „Castaldo-Marsch“ des Temeswarer Komponisten
Rudolf Novacek. Es erfüllt einen schon mit Stolz,
wenn man diese Banater Komposition von der Musikkapelle
der Burgwache und der Polizei der Tschechischen
Republik in einer tadellosen Interpretation zu
Gehör bekommt. Auch das Festkonzert im Spanischen
Saal der Prager Burg wurde mit diesem Werk beendet.
Dazwischen erklangen Werke anderer Komponisten,
wie von Julius Fucik, einem ehemaligen böhmischen
Kapellmeister, dessen Kirchenmusikwerke auch im
Banat gerne aufgeführt wurden (z.B. sein „Ave Maria“
erklang oft in der Lugoscher Minoritenkirche). Im Mittelpunkt
des Referats „Aus Böhmen in das Banat. Der
Einfluss böhmischer Militärkapellmeister auf die südosteuropäische
Musikkultur“ standen die Namen dreier
böhmischer Kapellmeister, die im Banat tätig waren:
Wenzel Joseph Heller, Vinzenz Maschek und Rudolf
Novacek.

Wenzel Josef Heller (geboren 1849 in Dobromerice,
gestorben 1914 in Temeswar) war 1873-1877 in Hermannstadt
als Regenschori, Organist und Stadtkapellmeister
tätig, ab 1885 als Kapellmeister der Musikkapelle
des 29. Infanterieregiments „Loudon“ zu Temeswar.
Er wirkte mit seiner Militärkapelle bei vielen Veranstaltungen
des Temeswarer Philharmonischen Vereins
mit, trat selbst in Lugosch auf und seine Werke
wurden auch nach seinem Tod noch in vielen Orten
aufgeführt.
Das Orchester des 29. Infanterieregiments zu Temeswar
führte unter der Leitung seines Kapellmeisters
Josef Wenzel Heller am 7. November 1885 im Saal des
Hotels „Zu den sieben Churfürsten“ auch Werke von
Johann Strauss auf, wie die beiden Walzer „Bei uns
z´Haus und Du und Du“. Das nächste Konzert dieses
Orchesters vom 15. November 1885 im Hotel „Kronprinz
Rudolf“ brachte aber eine Sensation: zum ersten
Mal im Banat wurde ein Teil aus der Operette Der Zigeunerbaron
aufgeführt. In der Zeitungsannonce hieß es:
„Großes Militär-Konzert der 29. Inf.-Reg.-Musik-
Kapelle unter persönlicher Leitung des Herrn Kapellmeisters
J. Heller. Hervorragende Piecen; Zum
Erstenmale: «Slavische Tänze» von Dvorak. - Neu, zum
Erstenmale: Zigeunerchor aus ‚Der Zigeunerbaron’
von Johann Strauss. - Zum Erstenmale: Marche de
Cortege aus der ‚Königin von Saba’ von Gounod.“
Demnach hatte das Temeswarer Publikum die Gelegenheit,
bereits drei Wochen nach der Première in
Wien (!), einen Teil dieser Operette zu hören. Als 1903
in Temeswar das große Landessängerfest stattfand,
kam auch Graf Géza Zichy ins Banat, um den bereits
berühmten und beliebten Kapellmeister und Komponisten
Heller zu besuchen. Im April 1914 ist Heller in
Temeswar gestorben. Zu seinem Andenken wurde
einige Wochen später ein Heller-Gedenkkonzert vom
Temeswarer Philharmonischen Verein veranstaltet.
Zu den aus Böhmen stammenden Musikern gehört
auch Vinzenz Maschek (um 1800-1875). Dieser widmete
noch als Musikdirektor der Kapelle in Ruskberg dem
damaligen Kapellmeister Johann Strauss Vater einen
Walzer, dessen Autograph in der Wiener Stadtbibliothek
aufbewahrt wird: „Carnevals-Erinnerungen. Walzer
für das ganze Orchester, componirt und Seiner
Wohlgeboren, dem Herrn Kapellmeister Herrn Johann
Strauss hochachtungsvoll gewidmet von Vincens Maschek,
Musik-Director der Ruskberger Berg-Kapelle“.
Dieses Werk wurde im Jahre 2000 in einer deutschen
Erstaufführung durch die Gesellschaft für deutsche
Musikkultur im südöstlichen Europa e.V. durch das
Orchester der Musikwoche in Löwenstein interpretiert.
Zu seinen Kompositionen zählt auch ein Marsch, den
er Kaiser Franz Josef I. gewidmet hat: „DEFFILIR-
MARSCH componirt als Klänge aus der k. k. Deutsch-
Banater Militär Grenze und Seiner k. k. Apostolischen
Majestät, dem Allergnädigsten Herrn, Herrn FRANZ
JOSEF I. in tiefster Ehrfurcht zugeeignet von Vinzenz
Maschek Lehrer in Starcsova in der k. k. Deutsch-
Banater Militär Grenze“. Dieses Werk ist nach seiner
Tätigkeit als Regenschori in Weisskirchen entstanden,
als er in Starcevo/Starcsova als Lehrer einige Zeit gewirkt
hat. Darin hat Maschek, wie er im Titel festlegt,
Klänge – also Volksliedmotive – aus dem Gebiet der
Militärgrenze eingearbeitet.
Der älteste Sohn des Temeswarer Domkapellmeisters
Martin Novacek war Rudolf Novacek (geboren am 7.
April 1860 in Weißkirchen / Bela Crkva / Fehértemplom),
gestorben am 12. August 1929 in Prag). Er
besuchte die Oberrealschule in Temeswar, danach folgte
ein Studium am Wiener Konservatorium (10.1874-
1876), Violine bei Josef Hellmesberger, Prof. Rauch
(Klavier), Prof Krenn und Prof. Fuchs. Danach ging
der an die königliche ungarische Landesmusikakademie
in Budapest (September 1878 – Mai 1879), wo er bei
Robert Volkmann (Harmonie) Unterricht erhilet. Zwischen
1879 und 1890 wirkte er als Musiker und Kapellmeister
in Plzen, Innsbruck, Hradec Kralove und
Prag. Er war damals mit Karl Komzak gut befreundet.
1890 verlässt er Prag und wurde Kapellmeister im bulgarischen
Reiterregiment Nr. 1 in Sofia, ab 1892 wirkte
er als Kapellmeister der rumänischen königlichen Garde
in Bukarest.
Hier übernahm er 1898 die Leitung des Bukarester
deutschen Gesangvereins Eintracht und wirkte gleichzeitig
als Kapellmeister am Varieté-Theater. Auch als
Dirigent hat er sich einen Namen gemacht und erntete
große Erfolge in Russland, Belgien, Holland und in
Berlin. Von 1905 bis kurz vor seinem Tode, 1929,
wirkte er als Musiklehrer in Temeswar. Dazwischen
(1921, 1922) weilte er in Prag, wo er in der tschechischen
Armee die Leitung der Militärmusikschule hätte
übernehmen sollen. Doch da sich die Gründung der
Schule in die Länge zog, wie auch aus finanziellen
Gründen, verließ er Prag und kehrte nach Temeswar
zurück, wo er bis 1929 als Klavierlehrer tätig sein wird.
Er starb am 11. August 1929 nach einem kurzen Krankenhausaufenthalt
in Prag. Seine bekannteste Komposition
ist der „Castaldo-Marsch“, gewidmet dem
Kommandanten des II. Btl. im k.u.k. Infanterieregiment
Nr. 28 in Prag, Ludwig Castaldo (1839-1910).
Rudolf Novacek wurde selbst von Dvorak sehr geschätzt,
dessen Werke er mit seiner Kapelle mehrmals
aufgeführt hat.
Natürlich gibt es noch direkte Beziehungen zwischen
den böhmischen Kapellmeistern und der Tradition der
Banater Knabenkapellen, die bereits im 19. Jahrhundert
in Europa, Amerika und Afrika Konzerte gaben. Selbst
zahlreiche serbische und rumänische Chöre des Banats
wurden zeitweise von böhmischen Musikern geleitet.
Somit kann man Charles Burney zustimmen, der 1772
im Tagebuch seiner musikalischen Reisen festgestellt
hat, „...daß die Böhmen unter allen Nationen in
Deutschland, ja vielleicht in ganz Europa am meisten
musikalisch wären; und ein berühmter deutscher Komponist,
welcher gegenwärtig in London ist, hatte mich
versichert, daß sie, wenn man ihnen nur gleiche Vorteile
mit den Italienern verschaffe, diese gewiß übertreffen
würden.“
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Musik als interkultureller Dialog.
Die Musik der Deutschen
in/aus Südosteuropa
20 Jahre Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
Konferenzbericht, Musikwissenschaftliches Symposium, 19.02.2005, München,
Herausgegeben von Dr. Franz Metz, Südosteuropäische Musikhefte, Band 4,
Edition Musik Südost, München 2005, ISBN 3-939041-01-7, Preis: 10,- €
Hartmut Singbartl: Über die gemeinschaftsbildende Kraft der Musik
Hildegard Barth, Antje Neumann: 20 Jahre Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa (1985-2005)
Franz Metz: Südosteuropäische Musikforschung und die Musik der deutschen Minderheiten. Versuch einer Definition.
Friedrich Wilhelm Riedel: Musikalische Verbindungen zwischen dem Heiligen Römischen Reich und dem Königreich Ungarn im 18.
Jahrhundert
Helmut Loos: George Enescu und Deutschland
Klaus Peter Leitner: Östlich von Wien. Die Wirkung der Wiener Schulen im östlichen Europa aufgezeigt anhand ausgewählter Musikbeispiele
des 18. bis 20. Jahrhunderts mit einem Exkurs zur Methodologie der Landesmusikgeschichtsforschung
Peter Szaunig: Carl Filtsch - Klaviervirtuose und Komponist
Robert Rohr: Die donauschwäbischen Knabenkapellen – ein Sonderfall der Musikgeschichte
Richard Witsch: Südosteuropäische musikalische Vielfalt und Elemente mitteleuropäischer Stilrichtungen verschiedener Musikepochen als
Symbiose in der Musik des Donauschwaben Anton Schoendlinger
Widmar Hader: Das Sudetendeutsche Musikinstitut in Regensburg – vom Sinn seiner Arbeit.
Johannes Kirner: Ein vergessener Komponist: Carl Ditters (von Dittersdorf)
Musik als interkultureller Dialog.
Das Banat als euroregionaler Klangraum
Konferenzbericht, Internationales musikwissenschaftliches Symposium, 23.-25.09.2005, Temeswar/Timisoara, Herausgegeben
von Dr. Franz Metz. Rumänischer Titel: Muzica – dialog intercultural. Confluente muzicale interculturale in
Banat (wissenschaftliche Beiträge in deutscher, rumänischer und englischer Sprache), Südosteuropäische Musikhefte,
Band 5, Edition Musik Südost, München 2005, ISBN 3-939041-02-5, Preis: 10,- €
Gheorghe Firca (Bucuresti): Kontinuität und Aktualität im Banater Musikleben der Zwischenkriegszeit
Thomas Aigner (Wien): Das serbische Banat in der Operette „Jabuka“ von Johann Strauss
Ivana Perkovic Radak (Belgrad): Serbische Gesangvereine vor 1914 und ihr kirchenmusikalisches Repertoire
Bohumil Pesek (Prag): Rudolf Nováček und Prag
Nice Fracile (Novisad): Die Phonographaufnahmen Béla Bartóks und die Banater Volksmusik
Maria Bodo (Timisoara): Leo Freund – Pianist, Lehrer und Impresar
Franz Metz (München): Wo der Gesang zu Hause ist. Zur Gründung der deutschen und rumänischen Chorverbände im Banat
Damian Vulpe (Timisoara): Der Temeswarer Musikverlag Morawetz
Clemansa Liliana Firca (Bucuresti): Wiener Quellen und die ersten Kompositionen George Enescus
Josef Šebesta (Prag): Zur Musik der tschechischen Minderheit im rumänischen Banat.
Ioan Tomi (Timisoara): Atanasie Lipovan – Die Wiederentdeckung einer bedeutenden Banater Musikerpersönlichkeit
Constantin Tufan Stan (Lugoj): Virginia Sepetian und Titus Olariu – Zwei Banater Sänger auf den großen lyrischen Bühnen
Europas
Vesna Ivkov (Novi Sad): Die Gruppe MEŠKÁRKE aus Aradac – Verbindungen der Tradition und Attraktion.
Nada Bezic (Zagreb): Georg Karl Wisner von Morgenstern (1783-1855), ein Arader Musiker in vier Ländern der Habsburgmonarchie
Ioan Fancsali (Budapest): Der Geiger Emil Telmányi und dessen Konzerte in Siebenbürgen und im Banat
Robert Rohr (München): Die donauschwäbischen Knabenkapellen und ihre Nachklänge in Amerika
Felician Rosca (Timisoara): Interkulturelle und interethnische Aspekte in der traditionellen Hymnologie des Banats
Csaba Pasko (Subotica) : Die katholische Kirchenmusik in der Wojwodina zum Beginn des 21. Jahrhunderts
István Enyedi (Satu Mare): Instrumente Banater Orgelbauer im Nordwesten Rumäniens
Walter Kindl (Temeswar), Franz Metz (München): Ein Auftrag der Stadt: Die Temeswarer Millenniumsorgel von Carl Leopold
Wegenstein und ihre Geschichte
Ludwig Berghold (Wien), Karla Sinitean-Singer (Temeswar): Unsere Wurzeln. Deutsche Tänze im und aus dem Banat
Rodica Giurgiu (Timisoara): Aus Hamburg in das Banat: Der Komponist und Dirigent Hermann Klee
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Sie hat das Musikleben mitgeprägt
Zum 25. Todestag der Pianistin Maria Klein-Hintz
von Elena Margareta Gherman
‚Es hat heute Spaß gemacht.' Das war das große Lob
aus dem Munde eines Klavierschülers an der Freiburger
Musikschule, erinnert sich die Klavierlehrerin Eva Maria
Schachinger. Nicht immer Spaß gemacht haben ihr
die Klavierstunden mit ihrer Lehrerin Maria "Mitzi"
Klein-Hintz. Aber: "Das war gut so", meint sie. Sie sei
oft mit zitternden Knien in die Stunden gegangen und
hat es nie gewagt, unvorbereitet zu sein. Aber die
Strenge der Lehrerin wandelte sich in Freundlichkeit
und Güte, sobald sie beim Schüler neben Musikalität,
guten Willen, Fleiß, ja oft harte Arbeit wahrnehmen
konnte, schreibt die mittlerweile pensionierte Klavierlehrerin
Eva Maria Schachinger. "Mitzi Klein-Hintz hat
das Musikleben in Hermannstadt neben Franz Xaver
Dressler und Kurt Mild maßgeblich geprägt", bestätigt
Olga Maria Stump (verh. Fischer), zunächst in Hermannstadt
und zuletzt an der Musikhochschule in Göttingen
Dozentin für Klavier und Orgel. "Sie hat auch
mit dazu beigetragen, dass es sich auf hohem Niveau
abspielte." Doch auch die strenge Musiklehrerin war
vor Lampenfieber nicht gefeit: Kurz vor einem Auftritt
sei sie vor ihrem Mann auf die Knie gefallen und habe
ihn gebeten: "Lass mich bitte nicht aufs Podium, bitte
nicht!" Sie musste aber auf die Bühne hinaus und spielte
wie immer großartig, erzählt Olga Maria Stump Fischer.
Voller Dankbarkeit erinnert sich auch Dr. Grazielle
Georgia, bis 1997 Dozentin an der Gheorghe-
Dima-Musikhochschule in Klausenburg/Cluj an ihre
ehemalige Lehrerin Mitzi Klein-Hintz. Als Neunjährige
hatte sie den Unterricht bei ihr begonnen und stellte
sich 1951 zur Aufnahmeprüfung am Klausenburger
Konservatorium, obwohl sie kein Musiklyzeum absol-
viert hatte. Die Prüfung bestand Grazielle Georgia,
damals noch Stănilă, denn in Mitzi Klein-Hintz hatte
sie eine strenge Lehrerin gehabt, die es verstanden hatte,
die technischen Übungen mit Erläuterungen über
Ausdrucksmittel und Stil des jeweiligen Komponisten
zu verbinden. Maria Hintz wurde 1891 in Kronstadt/Braşov
geboren. Musiziert worden ist viel in der
Familie und auch Mitzi begann den Klavierunterricht
im Alter von sechs Jahren. Ab 1904 nahm sie dann in
Hermannstadt/Sibiu bei Dieter von Heldenberg und
Leopold Bella Klavierstunden und studierte zwischen
1910-1914 in Wien u.a. mit Ernst Ludwig, dem Liszt-
Schüler Emil Sauer sowie dem Chopin-Eleven Siegfried
Grundeis. Zurück in Hermannstadt, begann sie ihre
pädagogische sowie Konzert-Tätigkeit. Es gab wohl
kaum eine sächsische, rumänische oder jüdische Familie,
die ihre Kinder nicht zu Mitzi Hintz, verheiratete
Klein, in die Klavierstunden schickte. Daneben bot sie
sowohl in Hermannstadt als auch in anderen Ortschaften
Klaviervorspiele und trat als Solistin in Konzerten
mit sinfonischen Orchestern auf. Insbesondere die
jungen Musiker hielt sie dazu an, in Kammermusikkonzerten
vor das Publikum zu treten. Beliebt war sie wegen
ihrer Einfühlsamkeit als Begleiterin am Klavier,
desgleichen aber auch als Beraterin unter Fachkollegen.
Sie gehörte zu den Gründungsmitgliedern des 1946 von
Timotei Popovici gegründeten Konservatoriums in
Hermannstadt (das dann in die Volkshochschule für
Kunst umgewandelt worden ist), wo sie bis zu ihrer
Pensionierung unterrichtete. Bis ins hohe Alter trat sie
in Konzerten auf und gab Klavierstunden. Maria Klein-
Hintz starb am 12. Mai 1980 in Hermannstadt. (ADZ,
14.5.2005)
Musikbücher und Musiknoten
südosteuropäischer Komponisten:
Gehann-Musik-Verlag (Kludenbach)
www.G-M-V.de
MusikNoten-Verlag Latzina (Karlsruhe)
www.musiknotenverlag.de
E D I T I O N M U S I K S Ü D O S T (München)
www.edition-musik-suedost.de
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Die Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
Die Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V. (GDMSE) wurde 1997 gegründet und setzt die Tätigkeit
des ehemaligen Arbeitskreises Südost, gegründet 1984, fort. Laut § 2 der Satzung verfolgt der Verein folgende Ziele: Sammlung von
Musikdokumenten, Pflege, musikpraktische und wissenschaftliche Aufarbeitung historischer sowie zeitgenössischer Musikkultur
der Deutschen aus Südosteuropa in ihrem integralen regionalen Zusammenhang mit der Musikkultur benachbarter Völker.
Diese Aufgaben der Gesellschaft werden erfüllt durch: Sammlung, Sicherung und Aufarbeitung von Musikdokumenten; Förderung
wissenschaftlicher Arbeiten und Durchführung von Forschungsvorhaben; Herausgabe von Noten, Schriften, Tonträgern und
sonstigem Arbeitsmaterial; Planung und Durchführung von Studien- und Arbeitstagungen; Musikbezogene Projekte und Veranstaltungen
im In- und Ausland, auch unter dem Aspekt der Identitätsfindung und Integration von Spätaussiedlern mittels musikkultureller
Aktivitäten sowie der Förderung des internationalen künstlerischen und wissenschaftlichen Austausches im Musikbereich;
Zusammenarbeit mit anderen Vereinen und Institutionen mit ähnlichen Aufgaben im In- und Ausland.
Unsere Gesellschaft befasst sich mit der Musikkultur folgender Regionen: Banat, Batschka, Bessarabien, Buchenland, Branau,
Dobrudscha, Galizien, Gottschee, Hauerland, Heideboden, Ofener Bergland, Sathmar, Schomodei, Siebenbürgen, Slawonien,
Syrmien, Tolnau, Zips. Heute gehören diese mit deutschen Kolonisten besiedelten historischen Siedlungsgebiete zu folgenden
Staaten: Rumänien, Ungarn, Serbien und Montenegro, Bosnien-Herzegowina, Kroatien, Slowenien, Slowakei, Ukraine.
Für die Erfüllung unserer Aufgaben und Ziele wurde dem Verein vom Finanzamt Balingen die Gemeinnützigkeit für wissenschaftliche
Zwecke zuerkannt. Der Verein wurde vom Amtsgericht Hechingen in das Vereinsregister eingetragen. Für die Durchführung
seiner Aufgaben kann unsere Gesellschaft für einzelne Projekte öffentliche Mitteln beantragen.
Oberstes Organ der Gesellschaft ist die Mitgliederversammlung. Sie legt die Richtlinien für die Arbeit fest und wählt den Vorstand,
der die Verwaltungsgeschäfte leitet. Alljährlich findet in der Woche nach Ostern die bereits zur Tradition gewordene Musikwoche
statt.
An die
Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
Hugo-Weiss-Str. 5, D-81827 München
Beitrittserklärung
Hiermit möchte ich ordentliches Mitglied der Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
werden.
Vor- und Nachname:…………………………………………………………..
Geburtsdatum und Ort:………………………………………………………...
Anschrift:………………………………………………………………………
Der Jahresbeitrag von 30,- € (ermäßigt 20,-, Familien 40,-) soll von meinem/unserem Konto abgebucht werden.
Meine Bankverbindung:
Datum:…………………………….. Unterschrift……………………………..
Impressum:
MUSIKZEITUNG: Mitteilungsblatt der Gesellschaft für deutsche Musikkultur im südöstlichen Europa e.V.
Herausgeber: GDMSE e.V., München
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Dr. Franz Metz
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Johannes Killyen
Mendelssohnstraße 4
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