Katalog zur Wanderausstellung „C'est superb.” 24. September 2005 ...

C‘est
superb.
Katalog zur Wanderausstellung „C‘est superb.”
24. September 2005 - 8. März 2006
Pinakothek der Moderne | München

© 2005 MIKEMO Verlag GmbH
Danziger Straße 199, D-10407 Berlin
1. Auflage 2005
© 2005 für die abgebildeten Werke: MM Bild-Kunst, München,
Künstler und Erben der Künstler
Redaktion und Produktion: Michael Schmidt
Printed in Germany
ISBN 9-8229-8602-4

Mit freundlicher Unterstützung
von ŠkodaAuto Deutschland

Geschichte
der Ausstellung
Die Technik-Geschichte der Marke Škoda ist geprägt von
höchster Handwerkskunst und Ideenreichtum. Eine Grundlage,
die seit über 100 Jahren ausgebaut und verfeinert wurde und
bis heute bei jedem neuen Škoda zu spüren und erleben ist.
Aus diesem Grund ließ es sich die Geschäftsführung von
ŠkodaAuto Deutschland nicht nehmen, anlässlich ihres
Jubiläums dem Topmodel eine eigene Ausstellung zu widmen.
Auch hier war „Handwerkskunst“ gefragt. Ein gutes dutzend
internationaler Künstler, interpretierten den Superb in ihrem
bekannten Stil. Von abstrakter Malerei bis zur Videoinstallation
ist alles vertreten.

Gruß und Dank
Ein großer Dank geht in erster Linie an die Künstler, dem Kura-
torium der Pinakothek der Moderne, München und allen, die
diese Ausstellung ermöglicht haben.
Durch hervoragende Recherche wurden während der Vorbe-
reitungen für die „C‘est superb.” Werke aufgestöbert, die teil-
weise schon in den fünziger und sechziger Jahren entstanden
sind, dem Design, des 2001 auf den Markt gekommenen Škoda
Superb, aber zum verwechseln ähnlich sind. Anlass genug, sie
in diese Ausstellung mit aufzunehmen und zwischen den
künstlerischen Interpretationen wirken zu lassen.
An dieser Stelle noch einmal ein besonderen Dank an Maria
Fontana, Jean Paul Braques, Amélie Foulà (geb. Klein), Jim
Jockers ein enger Freund Roy Lichtensteins, der Familie War-
halla, sowie den Enkeln des 1918 gegründeten„Club DADA, die
die Werke Ihrer berühmten Verwandten und Freunde uns zur
Verfügung gestellt haben.

C‘est superb.
Katalog zur Wanderausstellung „C‘est superb.” 2005 / 06
24. September - 31. Oktober 2005
Pinakothek der Moderne | München
Herausgegeben von: Michael Schmidt

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rosemarie trockel
14-15
yves klein
16-17
roy lichtenstein
18-19
andy warhol
20-21
lucio fontana
22-23
daniel buren
24-25
günther uecker
26-27
jackson pollock
28-29

kurt schwitters
30-31
bridget riley
32-33
jenny holzer
34-35
nam june paik
36-37
david hockney
38-39
georges braque
40-41
on kawara
42-43
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„Hausfarbe“
Gestrickt, auf Leinwand gespannt
130 x 120 cm
Sammlung Zöckler

Trockel, Rosemarie
*1952 in Schwerte.
Lebt in Köln. Objekt- und. Installationskünstlerin, Medienkünstle-
rin. 1974-78 Malerei an der Werkkunstschule Köln. 1991 Retrospek-
tive in den USA, u. a. Institute of Contemporary Art, Boston. Seit
1997 Prof. an der Kunstakademie Düsseldorf, documenta 10. 1999
Biennale Venedig.
Denk- und Verhaltensmuster der westlichen Gesellschaft, die sie
beeinflussenden bzw. bestimmenden Marketing-Mechanismen
sowie der Kunstbetrieb sind Thema ihrer Arbeiten.
Ausgehend von der Ästhetik der professionellen Werbung, beab-
sichtigt sie gedankliche Assoziationen in diese Richtung. Zerstört
Klischees, z.B. das von der „typischen Frauenkunst“, indem sie
zunächst das Klischee zu bedienen scheint, erst bei genauem Hin-
sehen und gedanklicher Durchdringung offenbart sich ihre pro-
vozierende Haltung. Bekannt wurde ihr Gütezeichen „Wollsiegel“,
das sie zu Strickware verarbeitete. In neuerer Zeit zunehmend
Film- und Videoarbeiten.
rosemarie trockel
„Direkte Veränderung durch die Kunst ist
wohl ein Märchen, an das es sich lohnt zu
glauben.“
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Klein, Yves
* 1928 in Nizza. † 1962 in Paris.
Maler, Konzeptkünstler. 1944-46 Studium in Nizza. 1948 Reise nach
Italien. Beschäftigung mit mystisch-esoterischer Lehre der Rosen-
kreuzer. 1952/53 Japanreise; 1958 erste Experimente mit „lebenden
Pinseln”. 1959 Schwammreliefs für das Theater in Gelsenkirchen.
Klein schuf Grundlagen der Monochromen Malerei, die er nicht wie
viele seiner Nachfolger formal als einfarbige Fläche zur Demonstra-
tion von Farbwerten, sondern als Ausdruck höchster Spiritualität
versteht. Er entwickelte dafür ein eigenes tiefes Ultramarinblau
und eine besondere Auftrags-technik („IKB 3”, 1960). Dieses
patentierte IKB (International Klein Blue) überträgt Klein auf ver-
schiedene Gegenstände (Schwämme, Steine, Wurzeln), wobei er
sich zunehmend für die pure geistige Energie, die „immaterielle
Komponente der Malerei” interessiert. Dazu finden Aktionen, Le-
sungen und Performances (Aktionskunst) (Le Vide, 1958) statt. Mit
dem inszenierten „Sprung in die Leere” wird Klein zum Vorläufer
der Concept Art.
Zwischen dem Konzept der „Leere” und der „Blauen Epoche”sind,
als Ausdruck vitaler Energie, die „Anthropometrien”(Körperab-
drücke von nackten, mit blauer Farbe gefärbten Frauen auf leerer
Leinwand; erstmals 1960) angesiedelt. Aus diesem positiv (als
yves klein
„Was ist das Blau? Das Blau ist das
sichtbare werdende Unsichtbare…
Das Blau hat keine Dimension.
Es > ist < außerhalb der Dimensionen,
derer die anderen Farben teihaftig sind.“
Abdruck) und negativ mit Spritzpistole (als Umrifl) angewandten
Verfahren ergeben sich große Kompositionen, schwebende blaue
Körper, die an magische Rituale und Höhlen-malerei erinnern (ANT
96, „Menschen beginnen zu fliegen”, 1961).
Immer wieder kehrt Klein aber zur reinen Präsenz der Farbe zurück.
In den letzten Jahren werden drei Ur-Farben in monochromen
Bildern, Skulpturen, Schwämmen und Schwammreliefs verwendet:
Blau, Pink und Gold, symbolisch besetzt als Träger höchster Ener-
gien. Diese Farbenfolge steht im Zentrum der Flamme, die nun
ebenfalls in Feuerbildern verwendet wird. Die Farbentrilogie ist
1961 zusammen mit einer Feuersäule und einer Feuerwand zentra-
les Thema der letzten großen Ausstellung Kleins im Haus Lange,
Krefeld.

„Nr. 9“
Wasserfarben auf Leinwand
acht Schnitte
64 x 90 cm
Galerie mikemo
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„Brrmm“
Magma auf Leinwand
165 x 210 cm
Privatbesitz

Lichtenstein, Roy
* 1923 in New York. † 1997 in New York.
Maler, Bildhauer und Grafiker. 1940-49 Kunststudium an der Ohio
State Univ. 1943 - 45 Kriegsdienst in Europa. Ab 1952 in Cleveland,
wo er bis 1957 als technischer Zeichner und Dekorateur arbeitet.
1957 - 60 Prof. an der New State University in Oswego/N.Y. Ab 1960
in Highland Park,/N.J. und ab 1970 in Southampton, Long Island.
1966 erste Einzelausstellung im Cleveland Museum of Art. 1977
documenta 6. Zu Beginn der 60er Jahre kopiert Lichtenstein Car-
toons, auch in Einzelbildern, in dem für seine Kunst charakter-
istischen Punktraster und setzt Sprechblasen in seinen Darstell-
ungen ein. Neben den Motiven aus Comic und Cartoon wählt er
auch Werbedarstellungen von Konsumgütern. 1965/66 entwickelt
er seine „Brushstroke-Bilder” (vergrößerte abstrakt-gestische
Pinslstriche) als humorvolle Reaktion auf das Action Painting.
1973-79 Periode der Ecole de Paris-Bilder; daneben nimmt er Bezug
auf den Konstruktivismus, den Futur-ismus, Surrealismus oder den
dt. Expressionismus.
Anfang der 80er Jahre greift er erneut auf die Serie der „Brush-
strokes” zurück, in denen er nun aber nach der Art des Abstrakten
Expressionismus spontan gemalte Pinselstriche eingliedert. 1986
entstehen die „Perfect” und „Imperfect Paintings”als rein geo-
roy lichtenstein
metrisch-abstrakt gemalte Kompositionen. 1994 großformatige
Skulpturen „Brushstrokes I” und „II” für die Tokyo Plaza, New York.
Lichtensteins künstlerische Strategie beruht auf der Adaption
unterschiedlicher Vor-Bilder und deren Umgestaltung und Um-
kehrung in der von ihm entwickelten, am plakativen Stil und
Formenvokabular der alltäglichen Konsumwerbung und Massen-
medien orientierten Kunstsprache. Dabei verwendet er unmodu-
lierte Primärfarben und umrahmt die Formen mit schwarzen
Konturen. Der klassischen Malerei und dem klassischen Malakt
bleibt er in seiner Kunst immer eng verbunden. Daneben auch
Entwürfe in Keramik, Stahl oder Glas und Bronzeskulpturen.
Lichtenstein gehört neben Warhol, Wesselmann und Rosenquist zu
den Hauptvertretern der amerik. Pop Art
„Meine Comics erzählen nicht wirklich,
zeigen nicht einmal ein Stück einer
Geschichte. Ich weiß nicht, was vor
oder nach dem Bild, das ich vorstelle,
geschieht.“
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Warhol, Andy
* 1928 in Pittsburgh/Penn. † 1987 in New York.
Maler, Grafiker, Filmemacher. 1945-49 Studium am Carnegie Institute
of Technology, Pittsburgh. Anschlieflend New York, arbeitete als
Illustrator und Werbegrafiker. Seit 1960 Bilder nach Comic-Vorlagen.
1962 Gründung der „Factory” (Werkstatt für Film, Fotografie, Musik).
1968 erste europ. Museumsausstellung in Stockholm; documenta 4;
Verwundung durch Schuflverletzung. Frühe Pop-Gemälde (Pop Art)
dienten zunächst als Hintergrund bei Schaufensterdekorationen. Ab
1962 entstehen die ersten Serienbilder („Campbell´s Soup Cans”;
„Coca-Cola Bottles”), dann Siebdrucke von Dollarnoten. Mit den
folgenden, in Siebdruckverfahren hergestellten Bildserien zu Todes-
und Katastrophenthemen („Electric Chair”, 1966) begrün-det Warhol
die Pop Art. In den 60er Jahren widmete er sich immer stärker dem
Film („Chelsea Girls”, 1966) und veranstaltete multikulturelle
„Events”, u.a. mit der einfluflreichen Rockband Velvet Underground.
In den 70er Jahren wird er zum Porträtisten der New Yorker Gesell-
schaft, wobei er Fotos berühmter Persönlichkeiten mit Siebdruck
überträgt und überarbeitet („Marylin Monroe”, 1967). Zu der 1981
entstandenen Serie „Myths” gehören amerik. Kultfiguren (z.B. Super-
man). Warhol liebte auch die Selbstinszenierung; 1985 stellte er sich
in einem New Yorker Nachtclub hinter einer Glasscheibe als leben-
des Kunstwerk aus.
andy warhol
„Wenn du mit deiner Arbeit kein Geld machen
kannst, dann mußt du sagen, dass es Kunst ist,
und wenn du Geld machst, sagst du, dass es
was ganz anderes ist.“
Nach jahrelanger Zusammenarbeit mit seinen Assistenten
(„Factory”) widmete er sich ab 1984 gemeinsamen Projekten mit
Basquiat und Clemente. Warhol hat den Begriff der Originalität
verändert, indem er die Rolle des Handschriftlichen minimiert.

„pink and blue“
Siebdruck auf Leinwand
120 x 120 cm
Privatbesitz
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„Profilio“
Wasserfarben auf Leinwand
acht Schnitte
134 x 190 cm
Galerie mikemo

Fontana, Lucio
*1899 in Rosario de Santa Fé/Argentinien. †1968 in Comabbio bei
Varese.
Maler, Bildhauer. Studium an der Academia di Brera in Mailand,
1922-28 Aufenthalt in Argentinien. Ab 1931 neben figurativen
Arbeiten auch abstrakte Terrakottareliefs und bemalte Gipstafeln.
1935 erste Einzelausstellung abstrakter Plastiken. 1939-46 erneu-
ter Aufenthalt in Argentinien („Manifesto Blanco”, 1946). In
Mailand
1947 Erstes Manifest des Spazialismo, Gründung der Gruppe Movi-
mento spaziale. 1949 erstes „Ambiente spaziale” in der Galleria del
Naviglio, Mailand. Die futuristischen Ideen und Manifeste fielen
bei Fontana auf fruchtbaren Boden. Ausgehend von der Idee der
Synthese der Gattungen (Gesamtkunstwerk) setzte er 1949 sein
„Weißes Manifest „in einem ersten Environment um („Ambiente
spaziale, Ambiente nero”), bei dem abstrakte, mit Leuchtfarben
angemalte Formen in einem dunklen Raum von ultraviolettem Licht
angestrahlt wurden. 1949 entstanden auch perforierte Leinwände,
die wie alle folgenden Werke den Titel „Concetto spaziale” (Raum-
konzept) haben. Die mit einem Locheisen durchstoßenen, meist
monochrom bemalten Bilder radikalisieren nicht nur surrealistische
Bildexperimente (Frottage, Grattage), sondern eröffnen tatsäch-
lich einen neuen Bild-Raum. Parallel zu den Perforationen entstand
lucio fontana
in den 50er Jahren die Serie der „Pietre” (Steine), in der farbige
Glassteine in unregelmäßigen Mustern die Bildfläche besetzen
und so gleichfalls den realen Bildraum erweitern. 1958 begann
Fontana mit Schnitten in die monochrome Leinwandfläche, die
ebenfalls hinter den Verletzungen einen neuen, metaphysischen
Bildraum ausbilden („Attese su paesaggio”, ab 1958; „Nature”, ab
1959; „Quanta”, ab 1959). Anfang der 60er Jahre kombinierte er
Farbmittel mit pastosen Sandteigen, in die oft noch hineingezeich-
net oder -gekratzt wurde. Dies führte zu den Bronzeobjekten der
60er Jahre („Nature”), die mit klaffenden Einschnitten und höhlen-
artigen Vertiefungen eine organische Erweiterung der Versuche
darstellen, den Raum real greifbar zu machen. Die Werkserie „La
fine di dio“ (Das Ende Gottes, ab 1963) schloss die künstlerische
Entwicklung Fontanas ab. Die ovalen Bildträger sind mit Perfora-
tionen in wechselnder Größe und Dichte übersät.
Fontanas Ideen und Werke hatten auf die Künstlergenerationen
der 60er Jahre großen Einfluss (Arte Povera, Zero).
„Das Unbewußte formt das Individuum;
es vervollkommnet und verändert es,
indem es ihm eine Orientierung gibt,
die es von der Welt erhält und die das
Individuum von Zeit zu Zeit animiert.“
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Buren, Daniel
* 1938 in Boulogne-sur-Seine.
lebt in Paris. Installationskünstler. Bis 1960 Ecole Nationale Supèr-
ieure des Métiers d’Art, Paris. 1965-70 Ausstellungen zusammen
mit Olivier Mosset, Michel Parmentier und Toroni (BMPT). Buren
geht von einer radikalen Infragestellung des bürgerlichen Kunst-
begriffs aus. Besonders kritische Aufmerksamkeit widmet er dem
Museum als Ort der „Initiation” des Kunstwerks, nutzt aber
„subversiv” alle Möglichkeiten des Ausstellungsbetriebs. Buren
malt seit 1965 gleichmäflige, parallele senkrechte farbige und
weiße Streifen in einer konstanten Breite (8,7 cm, dem Standard-
muster für Markisenstoffe).
Diese Streifenmuster können sich überall befinden, an verschie-
denen Orten des Museums und auch auflerhalb auf Plakaten, in
Straflenbahnen, auf Segeln, Treppen und Sockeln. Die bemalten
Streifentücher können sich an den Wänden der Ausstellungs-
institute fortsetzen, im Raum installiert oder in die Alltagswelt
eingebunden sein. Mit diesen Eingriffen will Buren weniger die
Strukturen der Malerei reflektieren als auf die Situation von
Malerei/Kunst, ihren kulturellen Stellenwert in der Gesellschaft
hinweisen.
daniel buren
„Das visuelle Werkzeug (8,7cm breite Streifen)
ist nicht länger ein sehendes, ein anzusehendes
Werk, sondern das Element erlaubt, etwas
anderes zu sehen oder zu betrachten.“
In letzter Zeit auch Platzgestaltungen (“Les deux Plateaux”,
1985/86, Cour d’Honneur du Palais Royal, Paris) und
Raumkonstruktionen, bei denen durch das Verwenden von Spiegeln
immaterielle Qualitäten thematisiert und die Objekthaftigkeit der
eigenen Arbeit in Frage gestellt wird.

„Summertime“
Acryl auf Leinwand
8,7cm breite Streifen
170 x 118 cm
Privatbesitz
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„Ohne Titel“
Nagelkonstruktion
494 Nägel auf Kork
48 x 72 cm
Galerie mikemo

Uecker, Günter
* 1930 in Wendorf/Mecklenburg.
Lebt in Düsseldorf. Objektkünstler, Kinetiker (Kinetische Kunst).
1949-53 Studium in Wismar und an der Kunstakademie Berlin-
Weiflensee; 1953-57 Kunstakademie Düsseldorf. 1957-66 Mitglied
von ZERO. 1962 Beteiligung an der Ausstellung „ nul” im Stedelijk
Museum, Amsterdam, und am ZERO-Festival in Düsseldorf. 1964,
1968 und 1977 documenta 3, 4 und 7. 1970 Biennale Venedig.
1972 Entstehung des Films „Schwarzraum-Weiflraum”. Seit 1976
Prof. Kunstakademie Düsseldorf. Bühnenbildentwürfe u.a. für
Beethovens Oper „Fidelio” in Bremen (1974); „Die Basseriden”
von Henze, Staatsoper Stuttgart (1989). 1986 expressive Asche-
bilder (als Reaktion auf Tschernobyl). 1999 Gestaltung des An-
dachtsraums im Deutschen Bundestag Berlin.
Zu Beginn der 50er Jahre schuf Uecker in Auseinandersetzung
mit Y. Klein und L. Fontana klar strukturierte, monochromweifle,
reliefartig aufgebaute Bilder. Ab 1957 entwickelte er sein Thema
Lichtdynamik und Monochromie mit Übernagelungen von Rahmen
und Bildgrund. Mit den in rhythmischen Reihen, spiralförmigen
Bewegungen und Verdichtungen gesetzten und mit weißer Farbe
überspritzten Nägeln evozierte Uecker subtile Licht-Schatten-
Spiele. Ab 1960 enstanden Environments mit lichtdynamischen
günther uecker
„In unsere künstlerischen
Ausdrucksweise wollten wir nicht mehr
die Welt abbilden, sondern wir wollen
Bilder in die Welt setzen, die sich als
innere Vision darzustellen.“
Objekten („Salon de Lumière”, 1962) und mit übernagelten Möbel-
stücken. In Arbeitsgemeinschaft mit Piene und Mack (ZERO)
wandte sich Uecker zunehmend einer kinetischen Lichtkunst zu,
schuf aber auch grofle Nagelobjekte („Großer Eisenkubus”, 1971).
Neuere kinetische Installationen ab den 80er Jahren beziehen,
inspiriert von der Kunst der Naturvölker und vom Zen-Buddhismus,
auch Naturmaterialien ein („Aufwischen”, 1988).
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Pollock, Jackson
* 1912 in Cody/Wyoming. † 1956 in East Hampton/N.Y..
Maler. 1925-29 Studium an der Manual Arts School, Los Angeles;
1929/30 Art Students League, New York. 1936-43 Wandbilder für
das WPA-Programm. Ab 1942 Freundschaft mit Motherwell. 1946/
47 erste Drip Paintings. 1951 Alkoholismustherapie, ab 1955
Psychoanalyse. Pollock, einer der großen Erneuerer und Anreger
der Kunst des 20. Jh., Begründer des amerik. Abstrakten Express-
ionismus, entwickelte ab 1946/47 nach expression.-figurativen
Anfängen seine neuartige Malweise des Dripping, des Schüttens
und Schleuderns von Farbe auf die meist ungrundierte Leinwand,
bis ein dichtes Netz von Farbspuren und -schlieren ein gestisch-
expressives Bild elementarer Rhyth-mik ergibt. Die Gestik der
schleifenartigen Farbgüsse suggeriert musikalisch-tänzerische
wie auch figürliche Assoziationen, die Pollock, herrührend aus dem
Studium bei Benton (American Scene Painting) nie ganz verbergen
konnte (und wollte). Das Bildfeld wird nicht nur zur „Arena” (C.
Greenberg), in der Pollock wie ein Tänzer seine rhythmischen,
von verschiedenen Quellen, u.a. indian. Sandmalerei, automatist.
Techniken des Surrealismus, Jazzmusik, gespeisten Impulse all
-over verteilt, sondern auch zum Experimentierfeld der freien
Entfaltung autonomer Malerei (“Number 5”, 1948). Hochformate
wechseln mit Querformaten, die der tänzerischen Bewegung des
jackson pollock
„Ich mache mir nichts aus dem Etikett
„Abstrakter Expressionismus“
… Manchmal bin ich sehr gegenständlich,
ein bißchen jedenfalls immer. Aber wenn man
aus dem Unbewussten heraus malt, tauchen
zwangsläufig Figuren auf. Ich vermute, wir
sind alle von Freund beeinflusst.“
Pinsels entgegenkommen. Im Tondo erfährt die kreisende Spur
des Pinsels besondere Konzentration und Kraft („Tondo”, 1948).
Neue Farbtechniken (Industrielacke) und Farbkonsistenzen werden
ausprobiert und erweitern den bisherigen Begriff der Malerei um
neue experimentelle Kapazitäten, die bis zum Happening reichen.
Im Spätwerk eröffnen einige Werke eine neue, durch den frühen
Tod Pollocks nicht mehr verfolgte Dimension („The Deep”, 1953)
bzw. schlieflen an den Anfang mit mythologisch-figurativen Bildern
an („Easter and the Totem”, 1953).
Die Kunst Pollocks wird auf beiden Seiten des Atlantiks mit dem
Aufbruch zu einer eigen-ständigen, von europäischen Einflüssen
befreiten amerikanischen Malerei identifiziert.

„rain washed“
Autolack auf Leinwand
158 x 219 cm
Privatbesitz
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„Wohin fahren Sie bitte?“
Collage auf Holz
45 x 30 cm
Privatbesitz

Schwitters, Kurt
*1887 in Hannover. †1948 in Ambleside.
Maler, Plastiker, Collagist, Wortkünstler. 1909-14 Akademie der
Künste, Dresden. 1917 Militärdienst. 1918/19 Architektur an der TH
Hannover. 1918 erste Ausstellung in der Galerie „Der Sturm”. 1922
Teilnahme am Dada-Kongreß, Weimar. 1923-32 Herausgeber der
Zeitschrift „Merz”. Seit 1924 erster Merz-Bau in seiner Wohnung
in Hannover. 1924 Uraufführung der „Ur-Sonate”, eine aseman-
tische Klangcollage am Bauhaus Dessau. 1932 Mitglied von
Abstraction-Création. 1933 Emigration nach Norwegen; zweiter
Merzbau. 1940 Flucht nach England; dritter Merzbau. Die ersten
Collagen und Assemblagen aus Altmaterial und Gegenständen
(Merz-Bilder) entstehen 1919. Die Gedichtsammlung „Anna Blume”
macht ihn in der dadaistischen Avantgarde in Berlin bekannt.
Wichtiger wird jedoch der Kontakt zu Doesburg und der De Stijl-
Bewegung sowie zu Gropius und dem Bauhaus, die ihn zu stärker
konstruktivistischen Arbeiten anregen. Aufgrund finanzieller
Schwierigkeiten ist Schwitters in den 20er Jahren als Werbe-
gestalter und Typograf für verschiedene Firmen tätig. Mit Domela,
Moholy-Nagy und Vordemberge-Gildewart gründet er 1927 den
„ring neuer werbegestalter”. Im selben Jahr findet in seinem
mittlerweile vom ersten Merz-Bau, einer wild wuchernden Raum-
plastik, durchdrungenen Haus in Hannover die Gründungsver-
kurt schwitters
sammlung der „abstrakten hannover” statt. 1929 erhält er von Gro-
pius den Auftrag, den Bau der Siedlung Dammerstock in Karlsruhe
als Werbegrafiker zu begleiten.
Durch den Nachlaß seines Vaters finanziell entlastet, wendet sich
Schwitters in den 30er Jahren wieder der Malerei, nun verstärkt
der Abstraktion, zu. Neben bild-künstlerischen und plastischen
Arbeiten, die eine >synthetische Kunst< verfolgen, veröffentlicht
Schwitters zahlreiche Artikel, Gedichte und visuelle Texte in der
Tradition von G. Apollinaire und S. Mallarmé.
„Mir tut der Unsinn leid, dass er bislang
so selten künstlerisch geformt wurde,
deshalb liebe ich den Unsinn.“
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Riley, Bridget
*1931 in London.
Malerin. 1949-52 Goldsmith College und 1952-55 Royal College of
Art, beide London. Lehrtätigkeit u.a. 1959-61 Hornsey College of
Art, nach 1962 Kunstschule in Croyden. 1968 Großer Preis Biennale
Venedig; 1968 und 1977 documenta 4 und 6. Durch die Beschäfti-
gung mit Theorie und Praxis des Neo-Impressionismus gelangte
Riley in den 60er Jahren zu strengen schwarz-weißen Gemälden
mit optisch irritierenden Effekten, die sie zu einer der bekanntesten
Exponenten der Op Art machten („Atem“, 1966). Ab 1966 ver-
wendet sie Farbkontraste in starken Buntwerten, die, in Bänder-
strukturen angelegt, subtile Lichteffekte im Auge des Betrachters
erzeugen („Cherry Autumn“, 1983). In den 80er Jahren Aufbre-
chung der Streifenstruktur durch diagonal versetzte Farbbänder,
um im Sinne Cézannes (Wegbereiter) eine deutliche Betonung des
Farbraums zu erzielen („High Sky 2“, 1992). Die Beschäftigung mit
farbmusikalischen Bewegungen führten zu Bühnenbildentwürfen
für das Ballett „Color Moves“ (Edinburgh Festival, 1983).
bridget riley
„Es wird mindestens wieder 20 Jahre
dauern, bevor irgendwer meine Bilder wieder
ernsthaft anschaut, (Auf dem Rückflug von der
„The Responsive Eye“- Ausstellung 1967).“

„windstream“
Acryl auf Leinwand
210 x 165 cm
Privatbesitz
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„Testfahrt“
8 Fernsher in Reihe geschaltet
360 x 44 cm
New Tate, London

Paik, Nam June
* 1932 in Seoul.
Lebt in New York und Düsseldorf. Video-, Konzept-, Performance-
künstler, Komponist. 1950 Umzug nach Hongkong, später nach
Japan. Bis 1956 Studium der Musik, Kunstgeschichte und Philo-
sophie an der Universität Tokio; 1956/57 der Musik in München;
1957/58 Komposition in Freiburg i. Br., Begegnung mit Cage. 1958-
63 Studio für elektronische Musik, Köln. 1962 Teilnahme am Fluxus-
Festival, Wiesbaden. 1963/64 Aufenthalt in Japan. 1964 Umzug
nach New York. 1975 Biennale Sao Paulo. 1977 und 1987 documenta
6 und 8. 1979-96 Prof. an der Kunstakademie Düsseldorf. 1991/92
Wanderausstellung „Video Time – Video Space” in Düsseldorf,
Basel, Zürich und Wien. In den 60er Jahren neben Beuys und
Maciunas wichtigster Protagonist der Fluxus-Bewegung. Widmete
sich früh den Neuen Medien und ihren interdisziplinären Möglich-
keiten. Die erste Arbeit mit manipulierten Fernsehgeräten zeigte
Paik 1963 in der Wuppertaler Galerie Parnaß. Mit Charlotte Moor-
mann entstanden ab 1964 Musikstücke und Videoinstallationen,
die in unkonventionellen Konzerten und Performances (USA und
Deutschland) vorgestellt wurden. Mit der neuen Technologie von
Synthesizer, Computer und digitalen Bearbeitungsmöglichkeiten
war eine noch stringentere Umsetzung der Ideen möglich, z.B.
elektromagnetische Manipulationen an Farbfernsehern. Mit elek-
nam june paik
tronisch bearbeiteten Videobändern („Electronic Opera No. 1”,
1969) knüpfte Paik an den abstrakten Film der 20er Jahre an (H.
Richter). In den „Closed-Circuit”-Videoinstallationen konfrontiert
er Kultur mit Technologie („TV-Buddha”, 1974). In den Multi-TV-
Installationen ist die Anordnung der Monitore als Erlebnisraum
ebenso wichtig wie die Vervielfältigung der Eindrücke durch die
asynchron ablaufenden Bänder. Neuere Arbeiten nehmen immer
größere Dimensionen an und beziehen die jeweils neueste Techno-
logie ein, z.B. „Beuys-Voice”(documenta 8, 1987). In Aktionen der
80er Jahre nutzte Paik auch die Satellitentechnik, um elektronische
Bilder gleichzeitig weltweit zu übertragen.
„Mein experimentelles TV ist nicht
immer interessant, jedoch nicht immer
uninteressant, wie die Natur, die schön
ist, nicht weil sie sich schön verändert,
sondern einfach, weil sie sich verändert.“
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Holzer, Jenny
* 1950 in in Gallipolis/Ohio.
Jenny Holzer lebt in Hoosick Falls nördlich von New York. Instal-
lationskünstlerin. 1968-70 Studium der Philosophie, Anthropologie
und Freien Künste an der Duke University in Durham, 1970-77 der
Malerei und druckgrafischen Techniken an der University of Chi-
cago, Ohio University und Rhode Island School of Design. 1977
Umzug nach New York, wo sie als Schriftsetzerin arbeitete und
eigene Texte verfaßte. Seit 1983 zahlreiche Ausstellungen in inter-
nationalen Galerien und Museen wie documenta 7, Kassel, 1986
Retrospektive im Des Moines Art Center, Iowa, 1989 Solomon R.
Guggenheim Museum, New York und 1990 Biennale in Venedig.
Während des Studiums gestaltete Holzer nach dem Vorbild von
Rothko abstrakte Streifenbilder und begann mit anonymen
Straßendekorationen und Plakaten zu experimentieren. Dieser
Impuls, verbunden mit sozial- und kulturkritischem Engagement,
lassen Holzer ihr persönliches Medium finden, die visuell-verbalen,
rhythmischen Sprachzeichen im öffentlichen Raum. Ab 1977 ent-
steht die erste Serie „Truisms” (Binsenweisheiten): allgemeine,
unpersönliche Aussagen, die pauschal anmuten, bei genauer Hin-
terfragung jedoch tiefsinnige und anregende Inhalte offenbaren
(„Money creates taste”). Reklameflächen, TV-Spots und Leucht-
schrifttafeln mit elektronischer Laufschrift werden zu ihren Bot-
jenny holzer
„Du bist das Opfer
der Regeln nach
denen du lebst.“
schaftsträgern, die 1982 mit der Anzeigetafel am Times Square
maximale Kommunikationseffizienz erreichen. Den „Truisms”folgen
weitere Textgruppen, wie „The Inflammatory Essays”, die „Living”
und „Survival Series”. Holzers folgende Sprachinstallationen
(„Lustmord” 1993/95) werden komplexer. Monumentale, zeitlose
Objekte wie Sarkophage, Bänke, Mamortafeln werden mit LED-
Laufschriften konfrontiert, deren kühle, gleichgültige Sprache in
schockierendem Kontrast zu den Schilderungen schrecklicher
Ereignisse stehen.

„Wortwechsel“
LED-Laufbänder, Apple Display
21.600 px x 16.400 px
New Tate, London
37

38
david hockney
„Das Unbewußte formt das
Individuum; esvervollkommnet und
verändert es, indem es ihm eine
Orientierung gibt, die es von der Welt
erhält und die das Individuum von Zeit
„Analog“
34 Polaroid auf Träger
210 x 165 cm
Privatbesitz

Hockney, David
* 1937 in Bradford/Yorkshire.
Lebt in Los Angeles. Maler, Zeichner, Fotograf, Bühnenbildner.
1953-57 Bradford College of Art, 1959-62 Royal College of Art,
London (mit Kitaj und Jones). Ab 1963 in Los Angeles.
Mit nur wenigen Werken hat Hockney zur brit. Pop Art beigetragen
(z.B. „Tea Paintings”, 1960/61). Er beschäftigt sich vielmehr in die-
ser Zeit mit expressiven Figurendarstellungen, in denen er Anre-
gungen aus der Lyrik umsetzte („We Two Boys Together Clinging”,
1961, nach einem Gedicht von Walt Whitman).
In Los Angeles hellen sich die Farben auf. Es entstehen die be-
kannten Acrylbilder der „Swimmingpool”-Serie (1966). Ab 1968
wendet sich Hockney in London einer naturalistischen Malerei zu
(„Mr and Mrs Clark and Percy”, 1970/71). Außerdem entstehen
subtile Zeichnungen („Celia in a Black Dress with Red Stockings”,
1973) sowie Bühnenbilder (u.a. Strawinskys „The Rake s Progress”,
1974/75). Hockney setzt virtuos Vorbilder der Kunstgeschichte in
verschiedenen Paraphrasen um, wobei vorallem Picasso maßgeb-
lich ist. Ab 1982 widmet er sich besonders großformatigen Foto-
collagen („joiners”), in denen mehrere Teilansichten in kubistischer
Manier zusammengesetzt und so der sequentielle Wahrnehmungs-
david hockney
vorgang betont wird. In jüngster Zeit werden klassische Genres
neu be-lebt, farbintensive Interieurs, Stilleben und Porträts sowie
groß-formatige Landschaften, die aus bis zu 60 Leinwänden
konstruiert sind (z.B. „A Bigger Grand Canyon”, 1998).
„Bilder sind nicht Übersetzungen von
Illusionen, sondernin gewissem Sinne
selbst Realität. Bilder über Wasser
– sind Bilder über Bewegung.“
39

40
Braque, Georges
* 1882 in Argenteuil-sur-Seine. † 1963 in Paris.
Maler und Grafiker. Erste Unterweisungen erhielt Braque vom
Vater, der ein Malereigeschäft besaß, das 1890 nach Le Havre
verlegt wurde; dort ab 1899 Abendkurse an der Kunstakademie
Le Havre und Dekorationslehre. 1900 ging Braque nach Paris,
um seine Lehrzeit fortzusetzen. Nach dem Militärdienst 1901/02
besuchte er die private Académie Humbert und 1903 kurze Zeit
die Ecole des Beaux-Arts. 1906 zeigte er impressionistische
Bilder im Salon des Indépendants. Im folgenden Jahr Anschlufl
an die fauvistische Malerei in L’Estaque. Durch die Vermittlung
Apollinaires lernte er Picasso kennen. Ein im Dezember 1907
gemalter Akt zeigt die Abwendung vom Fauvismus: statt impress-
ionistischer Tupfen scharfkantige Formen und abgestufte Ton-
werte. Diese Versuche wurden im nächsten Jahr in L’Estaque
fortgesetzt; mit der Ausstellung dieser Bilder 1908 in der Galerie
Kahnweiler beginnt die „Geburtsstunde des Kubismus”. Bis 1914
arbeiteten Braque und Picasso eng zusammen. Bilder der „ana-
lytischen Phase” von Braque und Picasso ähneln sich in Kompo-
sition und Farbgebung; der Gegenstand wird in Formfacetten
zerlegt und vielansichtig wiedergegeben („Komposition mit Kreuz-
As”, 1911). Braque begann, Buchstaben, gemalte Etiketten,
Preisangaben, Zeitungstitel und andere Trompe-oel’Sil-Effekte
georges braque
„Es darf keine vorgefasste Idee
dabei sein, das Bild ist jedesmal ein
Abendteuer. Wenn ich eine weiße
Leinwand in Angriff nehme, weiß ich
nie was daras entstehen kann.“
(Augentäuschung) in die hermetischen Bilder einzusetzen, um
eine Verbindung zur optischen Realität herzustellen. Ab 1912
entwickelte Braque die Collage, die den „synthetischen Kubismus”
einleitet. Großflächige Formen, grafische Kürzel, kräftige Farb-
werte führten zu einer autonomen Bildwirklichkeit („Die Gitarre”,
1912). Im Krieg erlitt Braque eine schwere Kopfverletzung und
nahm erst 1920 die Malerei wieder auf. Die kubistische Strenge
ist aufgelockert, die Linienführung weich und locker, die Ver-
schachtelung der Flächen weniger systematisch, die akzentreiche
Farbigkeit durch eine tonige, erdige Palette ersetzt. Bis 1939 wird
sich diese nuancenreiche Malerei eines gemäßigten Kubis-mus
kaum verändern. Braque stellte seine Arbeiten in bedeuten-den
Gesamtausstellungen in Basel, New York, London, Paris und
Brüssel aus. Für das 1935 entstandene Bild „Die gelbe Tischdecke”
erhält er 1937 den 1. Preis der Carnegie-Stiftung in Pittsburgh.
Neben der Malerei hat sich Braque ab 1939 auch intensiv mit
Bildhauerei, Keramik und Lithografie beschäftigt.

„Les pièces“
Kohle auf Papier
63 x 47 cm
Privatbesitz
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„SUPERB“
Liquitex auf Leinwand
24 x 33 cm
Privatbesitz

Kawara, On
*1933 in Aichi-ken/Japan.
Lebt in New York. Konzeptkünstler. 1955 Übersiedlung nach Mexiko
(Architekturstudium). Ab 1961 in New York. 1972 Teilnahme an der
Ausstellung „Konzept-Kunst“, Kunstmuseum Basel; 1977 und 1982
documenta 6 und 7. Nach figurativen Arbeiten wandte sich Kawara
in New York der Concept Art zu und schuf eine Reihe von Arbeiten
zur künstlerischen Orts- und Zeitbestimmung. Ab 1966 entstehen
die „Date Paintings“, monochrome Bildtafeln mit dem jeweiligen
Datum des Entstehungstages ohne individuelle Handschrift, die in
serieller Reihung in Ausstellungen präsentiert werden („The Month
of March 1970“, New York).
Parallel produziert er Serien wie „I Read“ (seit 1966), eine Samm-
lung von datierten Zeitungausrissen von Tagen, an denen ein „date
painting“ entstand; „I Went“(seit 1968), Aufzeichnungen von Kawa
ras Bewegungen an einem Tag auf einem Ortsplan; und „I Met“(seit
1968), Namenslisten von Menschen, die er an einem Tag traf. 1969
verfaßte Kawara das zehnbändige Werk „One Million Years“ mit
der Aufzeichnung von einer Million Jahreszahlen. Von 1968 bis 1979
verschickte er Postkarten von seinem jeweiligen Aufenthaltsort
an Galeristen und Ausstellungsmacher sowie Telegramme mit dem
stets gleichen Text „I am still alive, O.K.“.
on kawara
Allen Arbeiten gemeinsam ist die Übermittlung zeitlicher und
räumlicher Erfahrungen bei einer scheinbar objektiven, pseudo-
wissenschaftlichen Darstellungsweise, die ihren suggestiven Reiz
erst in der seriellen Installation offenbart.
„Einmal habe ich meinen Freunden
geschrieben, dass ich mich noch nicht
umgebracht hätte,“
43

Literaturhinweise

Buren, Daniel
* 1938 in Boulogne-sur-Seine.
Braque, Georges
* 1882 in Argenteuil-sur-Seine. † 1963 in Paris.
46
Literaturhinweise:
Buchloh, Buren, 1981: Buchloh, B. (Hrsg.),
Daniel Buren. Les couleurs: sculpture. Les formes: peinture,
Halifax 1981
Fleck, Malerei, 1993: Fleck, R., Malerei und Geschichte in Paris seit
1960, Klagenfurt 1993
Buren, 1996: Daniel Buren. Erscheinen, Scheinen, Verschwinden
(Ausst.-Kat.), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Düsseldorf 1996
Literaturhinweise:
Braque, 1981: Georges Braque. Ausstellung zum 100. Geburtstag.
Zeichnungen, Collagen, Druckgraphik, illustrierte Bücher aus der
Staatsgalerie Stuttgart und Sammlungen in Baden-Württemberg
(Ausst.-Kat.), Stuttgart 1981
Raphael, Raumgestaltungen, 1986: Raphael, M., Raumgestaltungen,
Frankfurt a. M. / New York 1986
Rubin, Picasso und Braque, 1990: Rubin, W. (Hrsg.), Picasso und
Braque. Die Geburt des Kubismus, München 1990
Braque, 1994: Georges Braque. Retrospektive (Ausst.-Kat.),
Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence 1994

Fontana, Lucio
* 1899 in Rosario de Santa Fé/Argentinien.
† 1968 in Comabbio bei Varese.
Hockney, David
* 1937 in Bradford/Yorkshire.
Literaturhinweise:
Schmied, Fontana, 1967: Schmied, W. und K. Leonhard (Hrsg.),
Lucio Fontana (Ausst.-Kat.), Kestner Gesellschaft, Hannover 1967
Crispolti, Fontana, 1974: Crispolti, E. und J. van der Marck,
Lucio Fontana. Catalogue raisonné des peintures, sculptures et
environments spatiaux. 2 Bde., Brüssel 1974
Joppolo, Fontana, 1992: Joppolo, G.,
Une vie d’artiste. Lucio Fontana, Marseille 1992
Fontana, 1996/97: Lucio Fontana (Ausst.-Kat.), Schirn Kunsthalle,
Frankfurt a. M./Ostfildern 1996/97
Literaturhinweise:
Tuchman/Barron, Hockney, 1988: Tuchman, M. und S. Barron (Hrsg.),
David Hockney. Eine Retrospektive (Ausst.-Kat), County Museum of
Art, Los Angeles u.a., Köln 1988
Stangos, Hockney, 1993: Stangos, N. (Hrsg.), David Hockney. That’s
the Way I See It, London 1993
Mißelbeck, Hockney, 1996/97: Mißelbeck, R. (Hrsg.), David Hockney.
Retrospective Photoworks (Ausst.-Kat.), Museum Ludwig Köln, Köln
1996/97
Livingstone, Hockney, 1981: Livingstone, M., David Hockney, London
1981
47

Holzer, Jenny
* 1950 in in Gallipolis/Ohio.
Klein, Yves
* 1928 in Nizza. † 1962 in Paris.
48
Literaturhinweise:
Waldman, Holzer, 1989: Waldman, D. (Hrsg.), Jenny Holzer (Ausst.-
Kat.), Solomon R. Guggenheim Museum, New York 1989
Auping, Holzer, 1992: Auping, M., Jenny Holzer, New York 1992
Dickhoff, Holzer, 1993: Dickhoff, W. (Hrsg.), Jenny Holzer im Gespräch
mit Noemi Smolik, in: Kunst Heute Nr. 9, Köln 1993.
Waldman, Holzer, 1997: Waldman, D., Jenny Holzer, Stuttgart 1997
Literaturhinweise:
Wember, Klein, 1969: Wember, P., Yves Klein, Köln 1969
Restany, Klein, 1982: Restany, P., Yves Klein, München 1982
Weitemeier, 1994: Weitemeier, H., Yves Klein 1928-1962.
International Klein Blue, Köln 1994
Stich, Klein, 1994: Stich, S. (Hrsg.), Yves Klein (Ausst.-Kat.), Museum
Ludwig Köln u.a., Ostfildern 1994
Restany, Klein, 1997: Restany, P. u.a. (Hrsg.), Yves Klein, Oslo 1997

Kawara, On
*1933 in Aichi-ken/Japan.
Lichtenstein, Roy
* 1923 in New York. † 1997 in New York.
Literaturhinweise:
Schampers, On Kawara, 1991: Schampers, K. (Hrsg.), On Kawara.
Date Paintings in 89 Cities (Ausst.-Kat.), Museum Boymans-van
Beuningen, Rotterdam u.a., Rotterdam 1991
On Kawara, Frankfurt a.M., 1994: On Kawara (Ausst.-Kat.), Museum
für Moderne Kunst, Frankfurt a. M. 1994
Kittelmann, On Kawara, 1995: Kittelmann, U. (Hrsg.), On Kawara.
Erscheinen-Verschwinden (Ausst.-Kat.), Kölnischer Kunstverein,
Köln 1995
Wäspe, On Kawara, 1997: Wäspe, R. (Hrsg.), On Kawara 1964-Paris-
New York (Ausst.-Kat.), Kunstmuseum St. Gallen, 1997
Literaturhinweise:
Busche, Lichtenstein, 1988: Busche, E. A., Roy Lichtenstein. Das
Frühwerk 1949-1960, Berlin 1988
Rose, Lichtenstein, 1988: Rose, B. (Hrsg.), Roy Lichtenstein. Die
Zeichnungen, Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. M. u.a. 1988
Busche, Lichtenstein, 1989: Busche, Ernst A., Roy Lichtenstein. Pop
Paintings 1961-1969, München 1989
Tuten, Lichtenstein, 1989: Tuten, F., Roy Lichtenstein. The Bronze
Sculpture 1976-1989, New York 1989
Waldman, Lichtenstein, 1995: Waldman, D. (Hrsg.), Roy Lichtenstein
(Ausst.-Kat.), Haus der Kunst München, Stuttgart 1994
Lichtenstein, 1998: Roy Lichtenstein (Ausst.-Kat.), Fondation
Beyeler Riehen/Basel, Zürich 1998
49

Paik, Nam June
* 1932 in Seoul.
Pollock, Jackson
* 1937 in Bradford/Yorkshire.
50
Literaturhinweise:
Herzogenrath, Paik, 1983: Herzogenrath, W., Nam June Paik. Fluxus
Video, München 1983
Kellein, Paik, 1991: Kellein, T. und T. Stoos (Hrsg.), Nam June Paik.
Video Time Video Space (Ausst.-Kat.), Kunsthalle Basel u.a.,
Stuttgart 1991
Decker, Paik, 1992: Decker, E. (Hrsg.), Nam June Paik. Niederschriften
eines Kulturnomaden, Köln 1992
Bußmann/Matzner, Paik, 1993: Bußmann, K. und F. Matzner (Hrsg.),
Nam June Paik. Eine Database, Stuttgart 1993
Esser, Paik, 1997: Esser, E. (Hrsg.), Nam June Paik + Charlotte
Moormann. MedienkunstVisionen. CD-Rom, Köln 1997
Literaturhinweise:
O’Connor, Pollock, 1978: O’Connor, F. V. u.a. (Hrsg.), Jackson Pollock.
Catalogue raisonnÈ of Paintings, Drawings and Other Works. 4 Bde.,
New Haven/London 1978
Rose, Pollock, 1980: Rose, B. (Hrsg.), Jackson Pollock. Drawings into
Paintings (Ausst.-Kat.), The Museum of Modern Art, New York 1980
Frascina, Pollock, 1985: Frascina, F., Pollock and After: The Critical
Debate, New York 1985
Clark, Pollock, 1994: Clark, T. J., Jackson Pollock. Abstraktion und
Figuration, Hamburg 1994
Harten, Pollock, 1995: Harten, J. (Hrsg.), Siqueiros/Pollock Pollock/
Siqueiros (Ausst.-Kat.), St‰dt. Kunsthalle D¸sseldorf, Kˆln 1995
Pollock, 1999: Jackson Pollock (Ausst.-Kat.), The Tate Gallery,
London 1999

Riley, Bridget
*1931 in London.
Schwitters, Kurt
*1887 in Hannover. †1948 in Ambleside.
Literaturhinweise:
Riley, 1973: Bridget Riley. Paintings and Drawings 1961-1973 (Ausst.-
Kat.), Arts Council of Great Britain, London 1973
Riley, 1992: Bridget Riley. Bilder 1982-1992 (Ausst.-Kat.), Institut für
moderne Kunst Nürnberg, Nürnberg 1992
Riley, 1995: Bridget Riley. Dialogues on Art, London 1995
Literaturhinweise:
Schmalenbach, Schwitters, 1967/1984: Schmalenbach, W., Kurt
Schwitters, Köln 1967 (München/New York 1984)
Lach, Schwitters, 1973-1981: Lach, F. (Hrsg.), Kurt Schwitters.
Das literarische Werk, 5 Bde., Köln 1973-1981
Schwitters, 1986: Kurt Schwitters 1887-1948 (Ausst.-Kat.),
Sprengel Museum Hannover, 1986
Schwitters/Bodesohn-Vogel, Schwitters, 1991:
Schwitters, E. und I. Bodesohn-Vogel (Hrsg.), Kurt Schwitters.
Werkverzeichnis der Collagen, Assemblagen, Ölbilder, Aquarelle,
Plastiken. 2 Bde., Freren 1991
Nobis, Schwitters, 1993: Nobis, B., Kurt Schwitters und die
romantische Ironie, Alfter 1993
Webster, Schwitters, 1997: Webster G., Kurt Merz Schwitters. A
Biographical Study, Cardiff 1997
51

52
Trockel, Rosemarie
*1952 in Schwerte.
Uecker, Günter
* 1930 in Wendorf/Mecklenburg.
Literaturhinweise:
Trockel, 1998: Rosemarie Trockel, Werkgruppen 1986-1998 (Ausst.-
Kat.), Whitechapel Art Gallery, London, Köln 1998
Literaturhinweise:
Honisch, Uecker, 1986: Honisch, D. (Hrsg.), Uecker. Mit einem
Werkverzeichnis von M. Haedecke (1955-1980), Stuttgart 1982/New
York 1986
Holeczek, Uecker, 1987: Holeczek, B. u.a. (Hrsg.), Günther Uecker.
Retrospektive (Ausst.-Kat.), Wilhelm-Hack-Museum Ludwigshafen,
Heidelberg 1987
Honisch, Uecker, 1993: Honisch, D. (Hrsg.), Günther Uecker. Eine
Retrospektive (Ausst.-Kat.), Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung,
München 1993
Jocks, Uecker, 1997: Jocks, N. (Hrsg.), Günther Uecker. Archäologie
des Reisens, Köln 1997

Warhol, Andy
* 1928 in Pittsburgh/Penn. † 1987 in New York.
Literaturhinweise:
McShine, Warhol, 1989: McShine, K. (Hsrg.), Andy Warhol.
Retrospektive (Ausst.-Kat.), Museum Ludwig Köln u.a., München
1989
O Pray, Warhol, 1989: O Pray, M. (Hrsg.), Andy Warhol. Film Factory,
London 1989
Coplans/Baudrillard, Warhol, 1990: Coplans, J. und J. Baudrillard,
Andy Warhol. Silkscreens from the Sixties, München 1990
Spies, Warhol, 1990: Spies, W., Andy Warhol. Cars. Die letzten Bilder
(Ausst.-Kat.), Kunstmuseum Bern, Stuttgart 1990
Ammann, Warhol, 1992: Ammann, T. E. (Hrsg.), Andy Warhol.
Werkverzeichnis Bd. I: Gemalte Bilder und erste Siebdrucke 1960-
1962, München 1992
Felix, Warhol, 1993: Felix, Z. (Hrsg.), Andy Warhol. Retrospektive
(Ausst.-Kat.), Deichtorhallen Hamburg, Stuttgart 1993
Feldman/Schellmann, Warhol, 1997: Feldman, F. und J. Schellmann
(Hrsg.), Andy Warhol. Prints: A Catalogue Raisonné, New York 1997
53