Valentina De Matha portfolio 12.08.2015.pdf

VALENTINA DE’ MATHÀ
Selected works
August 2015 © Valentina De’ Mathà
www.valentinadematha.com
valentinadematha@gmail.com

Entanglement

The status of entanglement reflects an actual and impossible separation, an
intertwinement. It’s a physical phenomenon, discovered by quantum physics,
where two or more subatomic particles, also known as “entities”, mutually
condition themselves, but at the same time communicate among themselves.
Consequently, physical systems are strongly connected, they actually resonate
with each other.
Subatomic particles are mutually correlated, so reflecting the Big Bang theory,
according to which everything was connected at the beginning, but everything is
still connected and inseparable now.
Humanity consists of subatomic particles, hence the “human” entanglement is a
state of nature, our day-to-day behavior and human relationships actually
originate from that connection.
I created a structured set of “umbilical cords”, an intertwinement of emulsified
papers: these same papers were then chemically “painted” by means of chemical
procedures in the darkroom.
Finally “painted” cords have been precisely embedded and sewn into each other,
leading to tapestry works where painting, photography, sculpture and weaving are
contained altogether.
Entanglement significa non-separabilità, intreccio, è un fenomeno scoperto dalla
fisica quantistica e che coinvolge due o più particelle subatomiche o "entità", che
si condizionano e comunicano a distanza
Ciò significa che non esistono sistemi isolati, ogni cosa risuona con il tutto.
Le particelle sono correlate, così com’era tutto collegato al momento del big bang
e ciò significa che tutto si sta ancora toccando, tutto è connesso e inseparabile.
L’umanità è composta da particelle subatomiche, quindi l’entanglement umano è
naturale e questo legame con il tutto, scaturisce la nostra quotidianità e le nostre
relazioni interpersonali.
Ho creato dei “cordoni ombelicali” intrecciando delle carte emulsionate che ho poi
“dipinto” in camera oscura attraverso procedimenti chimici.
Successivamente li ho incastrati, come tasselli perfettamente combacianti, e cuciti
tra loro realizzando degli arazzi, dando vita ad opere che racchiudessero la
pittura, la fotografia, la scultura e la tessitura.
Entanglement 001
Chemicals on emulsified paper then woven and sewed 94×85
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita 94x85

Chemicals on emulsified paper then woven and sewed (details back)
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita (dettagli retro)
Entanglement 001
Chemicals on emulsified paper then woven and sewed,
frame 112,5x102,5
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita,
cornice 112,5x102,5

Chemicals on emulsified paper then woven and sewed 19x12
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita 19x12

Entanglement 002
Chemicals on emulsified paper then woven and sewed 136x133
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita 136x133
Entanglement 003
Chemicals on emulsified paper then woven and sewed 90x79
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita 90x79

Epiphany

These works were created in my darkroom through the mixing of chemicals, and
through their temperature changes, as well as water and light temperature
variations on emulsified paper. It is a long and complex creative process, which
has to be realized speedily and dynamically while considering the right amount of
chemicals, movements, and time. This technique is based on the concept of cause
and effect and on the dialectics between my action on matter and its reaction to
it, but I also give vent to a high percentage of non-deterministic mechanisms and
to the typical uncertainty of quantum mechanics. These works are narrating
bright, fantastic landscapes, psychological distortions, epiphanies, déjà vu,
dreamlike visions, as well as flashbacks. They are undecided, imbued with light,
even though they are paradoxically realized in the total absence of light.
Epiphany è una serie di opere realizzate in camera oscura attraverso
sovrapposizioni di sostanze chimiche, variazioni di temperatura di quest’ultime,
dell’acqua e fonti luminose su carte emulsionate. Il processo di realizzazione è
spesso lungo e complesso, ma va gestito con velocità e dinamicità, tenendo conto
delle giuste dosi dei chimici, dei movimenti, dei tempi. La tecnica è basata sul
concetto di causa-effetto e sulla visione dialettica tra gli input che io do alla
materia e la sua capacità di reazione, lasciando però ampio margine ad una
percentuale di meccanismi non deterministici e sfumature tipici della fisica
quantistica. Narrano paesaggi luminosi, fantastici, distorsioni della psiche,
epifanie, déjà vu, visioni oniriche e flashback. Sono ambivalenti, intrisi di luce e,
paradossalmente, vengono realizzati nella quasi totale assenza di essa.
Epiphany #01
Chemicals on emulsified paper 150×127
Chimici su carta emulsionata 150x127
Epiphany #15
Chemicals on emulsified paper 127×150
Chimici su carta emulsionata 127x150

Epiphany #23 - #26
Chemicals on emulsified paper 150×127
Chimici su carta emulsionata 150x127

Epiphany #08
Chemicals on emulsified paper 150×127
Chimici su carta emulsionata 150x127
Epiphany #19
Chemicals on emulsified paper 150×127
Chimici su carta emulsionata 150x127

Epiphany #07 - #16 - #09
Chemicals on emulsified paper 150×127
Chimici su carta emulsionata 150x127

Le città invisibili

"Why do you speak to me of the stones? It is only the arch that matters to me."
Polo answers: "Without stones there is no arch."
Invisible cities is a project taken from the homonymous novel by Italo Calvino.
“With cities, it is as with dreams: everything imaginable can be dreamed, but
even the most unexpected dream is a rebus that conceals a desire or, its reverse,
a fear. Cities, like dreams, are made of desires and fears, even if the thread of
their discourse is secret, their rules are absurd, their perspectives deceitful, and
everything conceals something else.”
"Perché mi parli delle pietre? È solo dell'arco che m’importa."
Polo risponde: - "Senza pietre non c'è arco."
Le città invisibili è un progetto tratto dall’omonimo racconto di Italo Calvino.
“Con le città è come con i sogni: tutto l'immaginabile può essere sognato, ma
anche il sogno più inatteso è un rebus che nasconde un desiderio o, il suo
rovescio, una paura. Le città, come i sogni, sono fatte di desideri e di paure,
anche se il filo del loro discorso è segreto, le loro regole sono assurde, le
prospettive ingannevoli, e tutto nasconde qualcos'altro.”
Ottavia
Chemicals and engraving on emulsified polyester 89×76
Chimici e incisioni su poliestere emulsionato 89x76

Cloe - Clarice - Smeraldina - Isaura
Chemicals and engraving on emulsified polyester 89×76
Chimici e incisioni su poliestere emulsionato 89x76

Ersilia - Marsia - Eudossia
Chemicals and engraving on emulsified polyester 89×76
Chimici e incisioni su poliestere emulsionato 89x76

Entropia

It is a site-specific project of the Limonaia of Villa Saroli of the Art Museum of
Lugano. The project is inspired by “One hundred years of Solitude” by Gabriel
Garcia Marquez and based on Entropy and on the cycle of life.
The space in the Limonaia is 22 metres long and 5 metres wide and along the
longer wall there are large windows that one can look into from the outside to see
what is inside.
One of the functions of the Museum is to preserve the work of art. Paradoxically, I
wanted to create a work that does not keep through time, but, rather, will
eventually disappear.
I structured a table of 15 metres with wooden boards and easles. On this table I
placed fruits, vegetables, flowers, water, bread, tea and wine… and in some of the
plates and glasses I put some earth, pulses and seeds.
While the food was rotting and passing to an entropic state of disorganised
matter, young shoots were sprouting from the earth.
There was no vernissage for the exhibition and for two months, people could only
observe the changes from the outside.
During this period I documented all the changes by taking photographs.
The decaying bodies developed micro-organisms, insects, molds, bacteria…which
were scientifically analysed and noted down with their specific names, together
with those of the foods, in the catalogue that was presented at the official
finissage that was opened to the public. Each photograph had a code next to it to
indicate the hour and the date the images had been taken.
“It is a table of the senses, where the notions of caducity and transience
suggested by the decay
of the fruit are blended with the concept of rebirth offered by the fragile shoots
which inhabit the plates.
Built on binary associations, between life and death, the beginning and the end,
but principally on the
metamorphosis of the elements and the eternal dance of entropic disorder…
01062013 15:50 polaroid

È un progetto site specific per la Limonaia di Villa Saroli del Museo d’Arte di
Lugano, ispirato a “Cent’anni di solitudine” di Gabriel Garcia Marquez e basato
sull’Entropia e sul ciclo della vita.Lo spazio della Limonaia è lungo 22 metri e
stretto 5 e il lato lungo presenta grandi finestra attraverso le quali dall’esterno si
può vedere l’interno.
Una delle funzioni del Museo è quella di conservare le opere d’arte, io,
paradossalmente, ho voluto creare un’opera che non si conserva nel tempo e che
va a sparire.
Ho strutturato una tavolata di 15 metri con assi da cantiere e cavalletti, sulla
quale ho posto frutta, verdura, fiori, acqua, pane, tè, vino… ed in alcuni piatti e
bicchieri della terra con legumi e semi.
Mentre gli alimenti marcivano passando ad uno stato entropico di materia disorganizzata,
dalla terra nascevano germogli.
L’esposizione non ha avuto un vernissage, per 2 mesi il pubblico poteva osservare
i mutamenti solo dall’esterno.
Durante questo periodo ho documentato fotograficamente tutti i cambiamenti.
La marciscenza dei corpi ha creato microrganismi, insetti, muffe, bacilli…
scientificamente analizzati e riportati con i nomi specifici, insieme a quelli degli
alimenti, sul catalogo presentato durante il finissage ufficiale aperto al pubblico.
Accanto alle immagini fotografiche sono stati posti dei codici a indicare l’orario e la
data in cui le immagini sono state scattate.
“Una tavola dei sensi, dunque, dove i concetti di caducità e transitorietà legati alla
marcescenza dei frutti,
si fondono al concetto di rinascita rievocato dai fragili germogli che abitano i piatti.
Costruita su gruppi binari, fra la vita e la morte, l’inizio e la fine, ma soprattutto
sulla metamorfosi degli
elementi e l’eterna danza del disordine entropico…”
Limonaia di Villa Saroli Museo d’Arte di Lugano 2013 80x60x1500 cm ca.(installation variable)
Limonaia di Villa Saroli Museo d’Arte di Lugano 2013 80x60x1500 cm ca.(installazione variabile)

6 wooden boards nailed onto 7 wooden stands.
Cristal glasses and vases.
Porcelan plates, cups, bowls.
Prunus domestica, Citrus reticulata, Vitis vinifera, Actinidia chinensis,
Cucumis melo, Williams Pear, Max Red Bartlett, Coscia Pear,
Melannurca campana, Fuji Apple, Golden Delicious, Musa acuminata,
Phaseolus vulgaris, Fagopyrum esculentum, Lens culinaris,
Cicer arietinum, Vicia faba L., Pisum sativum, Lactuca sativa L., Raphanus
sativus,
Solanum lycopersicum, Capsicum L., Beta vulgaris, Solanum melongena L.,
Cucurbita maxima, Broccolo romanesco, Allium cepa L., Tulipa,
Rosa damascena, Cynodon Dactylon, Montepulciano d’Abruzzo,
Sencha tea, water, dampened bread, soil.
Ascomycota sp., Cladosporium fulvum, Cladosporium musae,
Cladosporium cucumerinum, Cladosporium sp.,
Alternaria sp.Mucor sp., Aspergillus sp., Botrytis Cinerea,
Penicillium sp., Oidium sp., Colletotrichum sp., Rhizopus sp.,
Helminthosporio sp.
Bacillus sp., Erwinia sp.
Drosophilidae, Drosophila melanogaster.
6 tavole di legno inchiodate su 7 cavalletti.
Bicchieri e vasi in cristallo.
Piatti, tazze e ciotole in porcellana ed oro.
Prunus domestica, Citrus reticulata, Vitis vinifera,
Actinidia chinensis, Cucumis melo, Williams Pear,
Max Red Bartlett, Coscia Pear, Melannurca campana,
Fuji Apple, Golden Delicious, Musa acuminata,
Phaseolus vulgaris, Fagopyrum esculentum, Lens culinaris,
Cicer arietinum, Vicia faba L., Pisum sativum,
Lactuca sativa L., Raphanus sativus, Solanum melongena,
Capsicum L., Beta vulgaris, Solanum melongena L.,
Cucurbita maxima, Broccolo romanesco, Allium cepa L.,
Tulipa, Rosa damascena, Cynodon Dactylon,
Montepulciano d’Abruzzo, Sencha tea,
acqua, pane inumidito, terra.
Ascomycota sp., Cladosporium fulvum, Cladosporium musae,
Cladosporium cucumerinum, Cladosporium sp.,
Alternaria sp.Mucor sp., Aspergillus sp., Botrytis Cinerea,
Penicillium sp., Oidium sp., Colletotrichum sp., Rhizopus sp.,
Helminthosporio sp.
Bacillus sp., Erwinia sp.
Drosophilidae, Drosophila melanogaster.

The naked pact
Our problem is not “eating”. Eating is always here and now, but we are not
made for the instant. We need the nourishment which is our relationship
with Mother Earth and with the Spirit, conscious of the intimate link
between the two. Food is the same for everybody, it keeps us going. An
animal life, which sometimes borders on the vegetal. Nourishment is
different. It is the awareness of what is right for us, and for us only. It’s a
pact with the world in its inflexible concreteness. It is to live, but also to
accept that each act of nourishment is an exchange for time, time which
takes us towards death, where ultimately entropy takes over and we are
dispersed as dis-organised matter. Those who eat will live until they stop
eating, while those who nourish themselves accept life also within death,
transforming the organic pact of the great cycle into new forms of life:
love and passion, art, science, music. In the end we nourish ourselves with
meaning, and we die of meaning. And the meanings remain, somehow,
like our works or children, to testify that we were not parasites, but donors
of Sense.
Ignazio Licata
Il patto nudo
Non è “mangiare” il nostro problema. Mangiare è sempre qui e ora, e noi
non siamo fatti per l’istante. Abbiamo bisogno di nutrimento, che è il
rapporto con la Madre Terra e con lo Spirito, nella comprensione dell’intimo
legame tra le due cose. Il cibo è uguale per tutti, ci tiene in piedi. Una vita
animale che a volte sfiora il vegetale. Il nutrimento è diverso. E’
consapevolezza di ciò che è giusto per noi, e solo per noi. E’ un patto con il
mondo nella sua irriducibile concretezza. E’ vivere, ma anche accettare che
ogni atto di nutrimento si trasforma in tempo e il tempo ci conduce alla
morte, alla fine l’entropia ha il sopravvento e ci disperdiamo come materia
dis-organizzata. Chi mangia vive solo finché non smette, chi si nutre
accetta la vita fin dentro la morte trasformando il patto organico del
grande ciclo in nuove forme di vita:l’amore e gli amori, l’arte, la scienza, la
musica. Alla fine, noi ci nutriamo di significati, e moriamo di significati. E i
significati restano, in qualche modo, come opere o figli, a testimoniare che
non eravamo parassiti, ma donatori di Senso.
Valentina De’ Mathà “Entropia”
Limonaia di Villa Saroli, Museo d’Arte di Lugano
Curated by Guido Comis and Cristina Sonderegger
Texts by Ignazio Licata and Maria Savarese, Edizioni Sottoscala
Ignazio Licata

From its beginnings, Valentina De’ Mathà’s research has investigated the dynamic and unstable
relationships
between man and nature, through the perspective of mutation, inquiring into the laws of cause and
effect which govern the fluctuations between these two poles and their metamorphosis.
In this installation presented at the Limonaia di Villa Saroli, the artist once again focuses her attention
on nature, borrowing its materials: earth, fruit, wine, water, and bread, are neatly arranged onto plates
in a meticulously thought-out composition which delivers highly effective relationships of form, light and
colour, capable of transporting the observer into a state of secluded contemplation and, at the same time,
generating a synesthesia involving the various perceptive areas, relating senses of smell, touch and vision.
It is a table of the senses, therefore, where the notions of caducity and transience suggested by the decay
of the fruit are blended with the concept of rebirth offered by the fragile shoots which inhabit the plates.
Built on binary associations, between life and death, the beginning and the end, but principally on the
metamorphosis of the elements and the eternal dance of entropic disorder, this work suggests an
awareness
of the processes which are fundamental to us all.
Almost a counterpart to the “still life” genre, De’ Mathà’s nature is alive, expressing the sense of life,
respect for nature’s cycles and its temporality, the total acceptance of the eternal wheel of life and death.
The dichotomy between “food” and “nourishment”, alimentation and nutrition, body and soul, is
investigated
here with an attentive and disturbing look, and a reference to Lucretius who, in his De rerum natura
exorcised the fear of death through a reference to a culinary image: “Those about to die”, Lucretius
explains,
“must think like a guest who is sated when the banquet ends: if life has been full of joy, then you
can retreat from it like a guest who is full and happy after a rich banquet; while if life was marked by pain
and sadness, there can be no sense in hoping for it to continue, dragging oneself through new sufferings”.
This is an invitation to a lavish banquet of nourishment, more than simply food: we nourish ourselves with
symbols and meanings, passions and emotions, transforming them into the joy of living, which is then
donated once again to mother earth who feeds us with her fruits.
As Ludwig Feuerbach said:“We are what we eat”, but more importantly, we are what we nourish ourselves
with, and what we nourish the world with.
La ricerca di Valentina De’ Mathà sin dagli esordi indaga i rapporti dinamici e instabili dell’uomo e della
natura nella prospettiva del mutamento, andando a ricercare quelle leggi di causa ed effetto che regolano
le oscillazioni e le metamorfosi di questi due poli.
In quest’installazione presentata alla Limonaia di Villa Saroli, l’artista ancora una volta focalizza la sua
attenzione sulla natura, chiedendone in prestito i materiali: terra, frutta, vino, acqua, pane, ben disposti
nei piatti di cui studia meticolosamente la disposizione, caratterizzata da rapporti di forme, luce e colore.
Riesce così a condurre lo spettatore in uno stato di raccolta contemplazione, producendo al tempo stesso
una condizione sinestetica fra i diversi ambiti percettivi, quello olfattivo, tattile e visivo.
Una tavola dei sensi, dunque, dove i concetti di caducità e transitorietà legati alla marcescenza dei frutti,
si fondono al concetto di rinascita rievocato dai fragili germogli che abitano i piatti.
Costruita su gruppi binari, fra la vita e la morte, l’inizio e la fine, ma soprattutto sulla metamorfosi degli
elementi e l’eterna danza del disordine entropico, quest’opera ci riavvicina ai processi che ci sono
fondamentali.
Quasi un contraltare al genere della “natura morta”, quella della De’ Mathà è una “natura viva” che
esprime il senso della vita, il rispetto per la temporalità naturale e i suoi cicli, l’accettazione totale dell’eterna
ruota della vita e della morte.
La dicotomia tra “alimento” e “nutrimento”, alimentazione e nutrizione, corpo e anima viene qui indagata
con sguardo attento e perturbante e un rimando alle parole di Lucrezio che nel De rerum natura esorcizzava
la paura della morte con un’immagine culinaria: “Chi si accinge a morire – spiega Lucrezio – deve
ragionare come un convitato sazio quando finisce il banchetto: se la vita trascorsa é stata colma di gioia,
allora ci si può ritirare da essa come un convitato sazio e felice dopo un lauto banchetto; se, al contrario,
é stata segnata da dolori e tristezze, non ha senso desiderare che essa prosegua, trascinandosi tra nuove
sofferenze”.
Un invito a un lauto banchetto del nutrimento più che dell’alimento, quindi: ci nutriamo di simboli e di
significati, di passioni ed emozioni, trasformandoli in gioia di vivere, che poi viene ridonata a madre terra
che ci ha alimentati con i suoi frutti.
Perché come sosteneva Ludwig Feuerbach:“Siamo ciò che mangiamo”, ma soprattutto siamo ciò di cui ci
nutriamo, e ciò di cui nutriamo il mondo.
Maria Savarese
Maria Savarese

Hair and wool

It is a work on the Human Genome Project.
One of the main findings that have recently emerged is that all human races are
99.99% equal and that racial differences are genetically irrelevant.
I wanted to create a structure capable of collecting the DNA of all ethnic groups.
So I collected some hair from all over the world, by putting ads on the major
social networks like Facebook.
I then wove and felted this hair on a few newly shorn sheep fleeces of wool.
I chose this support with reference to the sheep Dolly.
È un lavoro sul Progetto Genoma Umano.
Una delle attuali scoperte è che tutte le razze umane sono uguali al 99,99% e le
differenze razziali sono geneticamente irrilevanti.
Io ho voluto creare una struttura in grado di raccogliere il DNA di tutte le etnie.
Ho raccolto capelli da ogni parte del mondo, anche attraverso annunci sui
principali social network come Facebook, che poi ho intrecciato e infeltrito su
alcuni velli di lana di pecora appena tosata.
Ho scelto questo supporto anche per fare riferimento alla pecora Dolly.
Hair and sheep wool
(variable dimensions)
Capelli e lana di pecora
(dimensioni variabili)

Béance

This project is based on the theory of French philosopher and psychoanalyst
Jacques Lacan on the ”lack of being”concept, which he called Béance, or gap.
According to Lacan every human being feels complete only when it is still
attached to his/her mother. After the umbilical cord is cut, he/she will spend the
rest of his/her life trying to fulfill that gap, that lack of completeness.
Lacan visualizes it as the texture of a fabric that has been irreparably frayed
and can never be mended or healed again.
For this work, I took some emulsified papers, which I then treated with
chemical processes in the darkroom, because I wanted give them the effect of a
lived life. I then tore them at the edges. At the same time I created some
weavings to symbolize the umbilical cords and the future relationships that
every individual builds during the course of his/her lifetime.
Questo progetto è basato sulla teoria del filosofo e psicanalista francese
Jacques Lacan sulla mancanza-ad-essere, da lui denominata Béance, ovvero
“frattura”.
Secondo Lacan ogni essere umano si sente completo solo quando è ancora
unito a sua madre, quando il cordone ombelicale viene reciso, ogni individuo
passerà l’intera esistenza a cercare di colmare questa Mancanza-ad-Essere.
Lacan la visualizza come una trama irrimediabilmente sfibrata e che non si
risanerà mai.
Ho preso delle carte emulsionate che ho trattato con sostanze chimiche in
camera oscura, poi le ho lacerate sulle estremità. Contemporaneamente ho
creato degli intrecci a simboleggiare cordoni ombelicali, ma anche i legami
futuri che ogni individuo costruisce durante la sua esistenza.
Chemicals on emulsified paper subsequently torn
(installation variable dimensions 200x300x50 ca.)
Chimici su carta emulsionata successivamente strappata
(installazione dimensioni variabili 200x300x50 ca.)

Chemical emulsion on paper then woven
(installation variable dimensions 180x80x20 ca.)
Chimici su carta emulsionata successivamente intrecciata
(installazione dimensioni variabili 180x80x20 ca.)

Il godimento è una tensione che non
raggiunge mai la sua realizzazione,
poiché può avere luogo solo quando
non ha luogo

Pleasure is a pulse which never reaches its realization, since it can be only
where it cannot.
For this project I chose two ranges that interact with each other in order to
create in a visual dialectics of being, an unremitting private arousal of self
satisfaction chances.
The path that sees these two starring bodies will never have a decisive point.
Per questo progetto ho scelto due fasce che dialogano tra loro per dare vita, in
una visione dialettica dell’essere, ad un’incessante eccitazione privata della
possibilità di soddisfarsi.
Il percorso che vede questi due corpi protagonisti non avrà mai un punto
risolutivo.
Video 16:9 Colors 00:16:22 2009

Trip

It is a project based on the trip of the mind, about addiction, the lack of
lucidity and the obsessive-compulsive disorder
È un progetto basato sui viaggi della mente, sulla dipendenza, la mancanza di
lucidità e sul disturbo ossessivo-compulsivo
Video 4:3 Colors 00:07:16

Rorschach

I dedicated this series to the Rorschach test. But in this case, the
unpredictability of forms is given by the action of chemicals on emulsified paper
and the ambiguous images that are created by nature
I am fascinated by human psyche and psychology in general, in particular, I
developed an interest in some inner workings that are uncontrollably sparked
off in the human mind.
Questa serie di lavori è dedicata alle tavole di Rorschach, ma in questo caso
l'imprevedibilità delle forme è data dall'azione dei chimici su carta emulsionata
e dalle forme ambigue che vengono create dalla natura. Mi affascinano la psiche
umana e la psicologia in generale, in particolare, alcuni meccanismi che si
innescano in modo incontrollato nella mente umana.
Rorschach
Chemicals on emulsified paper 76x117 - 50,5x70
Chimici su carta emulsionata 76x117 - 50,5x70

Rorschach
Chemicals on emulsified paper 50,5x70 - 40x60
Chimici su carta emulsionata 50,5x70 - 40x60

Fine Art Giclée Print
Stampa Fine Art Giclée
Rorschach #02
Chemicals on emulsified paper 40x60
Chimici su carta emulsionata 40x60

Proiezione diapositive in loop
photographic slides in loop
Analog photographic slides
Diapositive analogiche

Marsia

It is a project focused on the history of the Marsi, sub-region of Abruzzo, Italy,
and of the draining of Fucine Lake.
È un progetto incentrato sulla storia della Marsica, subregione dell’Abruzzo, Italia,
e sul prosciugamento del Lago Fucino.
Fucinus
Chemicals and engraving on emulsified paper 60×80
Chimici e incisioni su carta emulsionata 60×80
Forma Altra #02
Plaster, soil Fucino, gravel Monte Velino 21x50x25
Gesso, terra del Fucino, ghiaia del Monte Velino 21x50x25

Forma Altra #01
Plaster, soil Fucino, gravel Monte Velino 29x46x24
Gesso, terra del Fucino, ghiaia del Monte Velino 29x46x24
Fucinus
Chemicals and engraving on emulsified paper (details)
Chimici e incisioni su carta emulsionata (dettagli)

Janus
Plaster, enamel 43,5x21x31
Gesso, smalto 43,5x21x31
Fucinus
Chemicals and engraving on emulsified paper 76×94
Chimici e incisioni su carta emulsionata 76x94

Chemicals on emulsified paper then woven and sewed 200×85 c.a (detail)
Chimici su carta emulsionata intrecciata e cucita 200x85 c.a (dettaglio)
Emissario Claudio
Chemicals and engraving on emulsified paper 104,5x50,5
Chimici e incisioni su carta emulsionata 104,5x50,5

Silenzio

Silence is an installation, that was exhibited at the 54th Biennale of Venice, in
memory of the 308 victims of the earthquake of L’Aquila. It consists in 308 bodies
made with the papier-mâché technique, from newspaper clippings that talked about
this catastrophe.
I modeled a body in clay, then I created a plaster mould and all the bodies were
born out of this single matrix in the same way we are born of Mother Earth.
I chose a neutral colour, white, to symbolize a collective rather than an individual
identity.
I chose paper because it is organic, degradable and undergoes changes in time, just
like the human body.
The bodies are all facing the wall to symbolize the Earth to which they return and
that gave birth to them.
The silence is the one heard after the earthquake of L’Aquila.
“Only when you drink from the river of silence shall you indeed sing.
And when you have reached the mountain top, then you shall begin to climb.
And when the earth shall claim your limbs, then shall you truly dance.”
-Khalil Gibran (The Prophet)-
È un progetto installativo in memoria delle 308 vittime
del terremoto di L’Aquila, esposto alla 54° Biennale di Venezia.
È costituito da 308 corpi realizzati con la tecnica del papier-mâché con all’interno
ritagli di giornale che parlano di questa catastrofe.
Ho modellato un corpo in argilla, poi ho creato uno stampo in gesso e tutti i corpi
sono nati da quest’unica matrice come noi nasciamo tutti dalla Madre Terra.
Ho scelto un colore neutro: il bianco, a simboleggiare
un’identità collettiva e non individuale.
Ho scelto la carta perché è degradabile, subisce i cambiamenti
del tempo come il corpo umano.
Sono rivolti verso la parete che sta a simboleggiare la Terra a cui tornano e che li ha
visti nascere.
Il silenzio dopo il terremoto di L’Aquila.
“Solo se berrete al fiume del silenzio, potrete davvero cantare.
E quando avrete raggiunto la vetta del monte, allora incomincerete a salire.
E quando la terra esigerà il vostro corpo, allora danzerete realmente.”
-Khalil Gibran (Il Profeta)-

Papier-mâché, newsprint, cotton paper, Nepalese paper, 93x28x12
Papier-mâché, carta di giornale, carta di cotone, carta Nepalese 93x28x12

Papier-mâché, newsprint, cotton paper, Nepalese paper
(detail of 308 bodies)
54th International Art Exhibition Venice Biennial Pavilion Italy/Abruzzo
Papier-mâché, carta di giornale, carta di cotone, carta Nepalese
(dettaglio di 308 corpi)
54a Biennale di Venezia, Padiglione Italia/Abruzzo

Processes

It is a project based on processes, matter that takes its own form, on the steps
of a path, on unpredictability and cause-effect of events: all metaphors of life.
I worked on emulsified papers by means of chemical procedures in the
darkroom, allowing a certain amount of chance to act upon the final result..
È un progetto basato sui processi, sulla materia che prende forma da sé, sulle
fasi di un percorso, sull’imprevedibilità e Causa-Effetto degli eventi: metafore
della vita.
Sono intervenuta su delle carte emulsionate attraverso procedimenti chimici in
camera oscura, lasciano una percentuale di casualità sul risultato finale.
Chemicals on emulsified polyester 150x152 – 2 units
Chimici su poliestere emulsionato 150x152 - 2 unità
Chemicals on emulsified polyester 60×50,5
Chimici su poliestere emulsionato 60x50,5

Chemicals on emulsified paper 100×182 – 14 units
Chimici su carta emulsionata 100×182 – 14 unità
Chemicals on emulsified paper 40×100 - 2 units
Chimici su carta emulsionata 40×100 - 2 unità

Chemicals on emulsified paper 18×15
Chimici su carta emulsionata 18x15

Chemicals on emulsified polyester 130×153 – 3 units
Chimici su poliestere emulsionato 130x153 - 3 unità
Chemicals on emulsified polyester 180×228 – 3 units
Chimici su poliestere emulsionato 180x228 - 3 unità

Mark

It is a project based on the symbiosis of the sounds of Nature and those of Man
È un progetto basato sulla simbiosi tra i suoni della Natura e quelli dell’Uomo
Video full HD 16:9 Colors 00:27:11
Script and Director Valentina De’ Mathà
Performer Mark Richardson

Humus Vitae

Titolo: Humus Vitae
Humus ‹ùmus› s. m. [dal lat. humus s. f. «suolo, terra, terreno»]
1.Complesso di sostanze organiche presenti nel suolo, di fondamentale
importanza per la nutrizione dei vegetali,
derivato dalla decomposizione di residui vegetali e animali,
e dalla sintesi di nuove molecole organiche, ad opera di vari organismi; ha natura
colloidale,
e perciò fortemente assorbente, aspetto terroso o fibroso, colore bruno nerastro.
2. fig. Il sostrato di fattori sociali, spirituali, culturali ecc. che promuovono,
favoriscono o condizionano il sorgere di situazioni, fatti, manifestazioni e sim.:
l’h. della filosofia moderna; l’h. di un movimento artistico d’avanguardia; i
fermenti rivoluzionari trovarono un h. propizio nel malcontento della popolazione.
Con quest’uso fig., è anche talora usato come s. f., con il genere cioè che la
parola aveva nel lat. classico.
Vitae s. f. [lat. vīta, affine a vivĕre «vivere»]
Materiali: Struttura in legno, palle in argilla, semi, legumi.
Realizzazione: Una piramide di sfere in argilla che mutano con il germogliare dei
legumi.
La forma piramidale rimanda alla disposizione tipica delle palle di cannone.
I germogli creano delle crepe da dove fuoriescono, l’argilla, con il passare del
tempo, muta, cambiando di consistenza.
Concetto: Ho creato delle palle di cannone in argilla collocando, al loro interno,
semi che germogliano prendendo linfa dalla terra stessa.
L’azione di mettere i semi nelle palle (di terra) di cannone elimina il valore di
distruzione in esse racchiuso e, potenziato dalla composizione piramidale, ne
sottolinea quello di rinascita, rimandando al seme della vita.
La sfera: simbolo di perfezione, la forma della Terra, il cerchio della vita,
embrione, è il ritorno delle cose alla loro fonte, è la capacità di redimere
l’umanità.
L’Opera abbraccia un tema sociale, non individuale, un messaggio di speranza per
il futuro e rimanda a tutti questi concetti partendo da un nome-titolo semplice
Humus Vitae: Vita Sociale, Vita di Gruppo, opera come nutrimento, riflessione
sull’origine e sul ciclo della vita, insegnamento di umiltà, consapevolezza e presa
di posizione.
L’opera d’arte oggi deve essere un lavoro collettivo, deve tornare a parlare, deve
recuperare l’ordine naturale della vita e Humus Vitae riflette sulla capacità della
terra di rigenerare l’uomo e la storia.
Nasciamo dalla Terra, lottiamo per la Terra e con la terra.

L’uomo che piantava gli alberi

” The man who planted trees” is a project taken from the homonymous short
story by Jean Giono. The tale reflects the relationship between man, nature and
transformation, in an unconditional and boundless act of love, generosity and
immutable constancy.
The tale is about a hermit that decides to dedicate all of his existence to
planting acorns every day so as to give life to a wood forest as gift for future
generations.
I created a paper cellular structure made of cotton paper. In each cell I put
some beans, covered by cotton wool, that I watered every day till they sprouted
and became plants. I then de-contextualized the cellular structure and placed it
in a wood that is going through phases of deforestation.
È un progetto tratto dall’omonimo racconto di Jean Giono. Una parabola sul
rapporto tra uomo, natura e mutamento e su un incondizionato e sconfinato
gesto di amore, generosità e immutabile costanza.
Il racconto parla di un eremita che decide di impiegare tutta la sua esistenza
piantando quotidianamente delle ghiande per dar vita ad un bosco come dono
per le generazioni future.
Ho creato una struttura cellulare in carta di cotone, in ogni cellula ho posto dei
fagioli immersi nell’ovatta che ho innaffiato quotidianamente fino a farli
germogliare e diventare pianta. Poi ho decontastualizzato la struttura
ambientandola in un bosco che sta subendo fasi di disboscamento.
Cotton paper, beanstalk, wadding, woods,
(installation dimensions variable)
Carta di cotone, fagioli, ovatta, bosco.
(installazione dimensioni variabili)
Cotton paper, beanstalk, wadding (installation variable dimensions)
Carta di cotone, fagioli, ovatta (installazione dimensioni variabili)

Cotton paper, woods, installation dimensions variable
Carta di cotone, bosco, installazione dimensioni variabili
Chemicals on emulsified paper 12,5x13,5
Chimici su carta emulsionata 12,5x13,5

Cotton paper, photo, installation dimensions variable
Carta di cotone, fotografie, installazione dimensioni variabili
Chemicals on emulsified paper 12,5x13,5
Chimici su carta emulsionata 12,5x13,5

Flashback (exhibition)

FLASHBACK. A CONVERSATION WITH VALENTINA DE’ MATHÀ
…pensive twilight of the moonless transparent nights…
Aleksàndr S. Puškin, The Bronze Horseman
PC. What are you trying to achieve through your artistic practice, Valentina?
VDM. A higher awareness of human existence
PC. Your art is imbued with your research on the concept of the simultaneity of cause and effect. How are
you narrowing down this theme in the Flashback series? Moreover, as I think that some works from this
series evoke essential nocturnal landscapes — topographically ambiguous, yet cinematographically vivid —,
I would like to ask you one more thing: which technique do you use in order to let their light emerge and
to harness it?
VDM. These works were created in my darkroom through the mixing of chemicals, and through their
temperature changes, as well as water and light temperature variations on emulsified paper. It is a long
and complex creative process, which has to be realized speedily and dynamically while considering the
right amount of chemicals, movements, and time. This technique is based on the concept of cause and
effect and on the dialectics between my action on matter and its reaction to it, but I also give vent to a
high percentage of non-deterministic mechanisms and to the typical uncertainty of quantum mechanics,
which is another cornerstone of my research. These works are narrating bright, fantastic landscapes,
psychological distortions, epiphanies, déjà vu, dreamlike visions, as well as flashbacks, of course. They are
undecided, imbued with light, even though they are paradoxically realized in the total absence of light.
PC. Some other works resemble the widely known inkblots that Hermann Rorschach used in the
homonymous psychological tests. I don’t think it’s a coincidence…
VDM. Well, it’s no coincidence, because I dedicated this series to the Rorschach test. But, in this case, the
ambiguous pictures are created through chemical processes. I am fascinated by human psyche and
psychology in general — even though I don’t believe in psychotherapy. In particular, I developed an
interest in some inner workings that are uncontrollably sparked off in the human mind. Some time ago,
while interpreting Jacques Lacan’s theory on the lack of being (manque à être) that he called béance, I
created an installation and two video art works (Trip and Il godimento è una tensione che non raggiunge
mai la sua realizzazione, poiché può avere luogo solo quando non ha luogo) based on mental journeys, on
addictions, on loss of mental acuity, on OCD (obsessive-compulsive disorder) and on unresolved desire.
PC. Through your work, and for a long time, you have been analyzing human reactivity that individuals put
into play when they are facing inexplicable and apparently inevitable events. Do you think that this series
is dealing with this subject?
VDM. Absolutely, both through the technical implementation and the concept on which the whole exhibition
project is based. To a certain extent, flashbacks, dreamlike visions, déjà vu, psychological tests represent
the manifestation of something that already happened, the consequence of a past event that suddenly,
inexplicably, and uncontrollably, comes back to the present.
PC. And to what extent do you think the theme of psychological resilience facing the increase of disorder
(entropy) of the social system affects your work?
VDM. Basically, I am not a coherent person and that is one of my greatest strengths. Incoherence gives me
an opportunity to put myself out there on a daily basis, and to be dynamic and grow as a person. It nourishes
my need for questioning myself when necessary and to adapt to all the events that happen every day.
Inevitably, those events affect me, nourish me and get me involved, despite the fact that my path has been
set and my nature is well-defined. My work can make progress, enhance and grow when it keeps pace with
me; it has to be resilient, as well. I generally create artworks taking into account both the available materials
and the environment that surrounds me in a particular moment; never the other way around. I try to indulge
myself with nature, its phases, and I try to live, as far as possible, in the present.
PC. At the end of Belye noči, White Nights, Fëdor Dostoevskij’s dreamer sums up his torments of love and
gratitude to Nasten’ka with these words: “Good Lord, only a moment of bliss?” Do you think that the creative
process and its outcomes could equally lead us to that moment of bliss?
VDM. I am glad that you quoted Dostoevskij’s White Nights, which is in some way related to the nocturnal
landscapes featured in Flashback. I am very attached to the Russian masters, particularly Andrej Tarkovskij
and Dostoevskij who are so inspirational. Yes, I think that the proper opening of the right cerebral hemisphere
during the creative phase, and consequently the contemplative phase, gives us the chance to be projected
into a state of bliss and ecstasy, which is only reachable when you feel connected to everything.
PC. What is the ecstasy of art, according to you? Is it leading you to new visions?
VDM. It is a bond between me and everything else. It has to do with feeling real through a sense of identity
that is achievable by creating.
PC. I usually find something special in you works, a kind of sacredness or hierophany, i.e. the awareness of
the presence of something sacred. Is that so?
VDM. Work is sacred and it should be handled with care. It has a soul. It has its own soul. It needs time and
perfect timing; it needs to be contemplated and admired by sincere eyes, respected and preserved above
everything else, because it’s the innermost part of yourself. It’s the revelation of your catharsis.
PC. You are always showing the ability to manage your practice according to the well-known
motto ne quid nimis, nothing in excess. How do you reach such essentiality?
VDM. Through the rituality of work
Paolo Cappelletti

FLASHBACK. UNA CONVERSAZIONE CON VALENTINA DE’ MATHÀ
…crepuscolo pensoso delle notte illuni trasparenti…
Aleksàndr S. Puškin, Il cavaliere di bronzo
PC. Che cosa stai cercando di raggiungere attraverso la tua pratica artistica, Valentina?
VDM. Una più alta consapevolezza dell’esistenza umana.
PC. La tua ricerca sul concetto di simultaneità di causa ed effetto intride la tua arte. Come riesci a
circoscrivere questo tema nei lavori della serie presentata in Flashback? Inoltre, poiché credo che alcuni dei
lavori della serie richiamino alla mente sintetici paesaggi notturni — topograficamente ambigui ma
cinematograficamente vividi —, vorrei chiederti un’altra cosa: attraverso quale tecnica riesci a lasciar
emergere e poi imbrigliare la loro luce?
VDM. Si tratta di opere create in camera oscura attraverso sovrapposizioni di sostanze chimiche, variazioni
di temperatura di quest’ultime, dell’acqua e fonti luminose su carte emulsionate. Il processo di
realizzazione è spesso lungo e complesso, ma va gestito con velocità e dinamicità, tenendo conto delle
giuste dosi dei chimici, dei movimenti, dei tempi. La tecnica è basata sul concetto di causa-effetto e sulla
visione dialettica tra gli input che io do alla materia e la sua capacità di reazione, lasciando però ampio
margine ad una percentuale di meccanismi non deterministici e sfumature tipici della fisica quantistica,
altro punto cardine della mia ricerca. Narrano paesaggi luminosi, fantastici, distorsioni della psiche,
epifanie, déjà vu, visioni oniriche e, appunto, flashback. Sono ambivalenti, intrisi di luce e,
paradossalmente, vengono realizzati nella quasi totale assenza di essa.
PC. E quanto il tema della resilienza di fronte all’aumento di disordine (entropia) del sistema sociale pervade il
tuo lavoro?
VDM. Sono fondamentalmente una persona incoerente e reputo ciò un pregio. L’incoerenza mi dà modo di
mettermi in gioco quotidianamente, di essere dinamica e sentirmi in movimento, in crescita. Alimenta il mio
bisogno di rimettermi in discussione quando è necessario e di adattarmi, di plasmarmi in qualche modo
rispetto agli eventi che mi circondano nel quotidiano e che inevitabilmente mi nutrono e coinvolgono,
nonostante il percorso da seguire sia comunque già indirizzato e la mia indole ben definita. Il mio lavoro per
andare avanti, nutrirsi e crescere, ha necessariamente bisogno di adattarsi al mio passo, di essere anch’esso
resiliente. Quasi sempre creo delle opere in base ai materiali che ho a disposizione, ai luoghi che mi
circondano in quel determinato momento e quasi mai il contrario. Cerco di assecondare quasi sempre i tempi
della natura e di vivere, per quanto possa essere possibile, il presente.
PC. Nel finale di Belye noči, Le notti bianche, il sognatore di Fëdor Dostoevskij riassume così il suo tormento
d’amore e la sua riconoscenza per Nasten’ka: “Dio mio! Un intero attimo di beatitudine!” Credi che il processo
creativo e i suoi risultati possano, parimenti, portarci verso quell’attimo di beatitudine?
VDM. Mi fa piacere che tu abbia citato Dostoevskij e il suo romanzo Le notti bianche, in qualche modo
riferibile ai paesaggi notturni presentati in Flashback. Sono molto legata ai grandi maestri russi e, in
particolare, Andrej Tarkovskij e Dostoevskij sono annoverabili tra i miei punti cardini fondamentali. Sì, credo
che questa totale apertura dell’emisfero destro durante la fase creativa e, successivamente, quella
contemplativa, ti porti a toccare determinati punti che ti proiettano in uno stato di totale estasi e beatitudine
che si raggiungono quando si entra in contatto con il Tutto.
PC. Altri lavori ricordano le largamente note macchie di inchiostro utilizzate da Hermann Rorschach negli
omonimi test psicologici proiettivi. Immagino che ciò non rappresenti una coincidenza…
VDM. No, non è una coincidenza; è una serie di lavori dedicati proprio alle tavole di Rorschach, ma in
questo caso le figure ambigue sono ottenute grazie a procedimenti chimici. Mi affascinano la psiche umana
e la psicologia in generale — anche se non credo nella psicoterapia. In particolare, alcuni meccanismi che si
innescano in modo incontrollato nella mente umana catturano il mio interesse. In passato ho creato
un’installazione interpretando la teoria di Jacques Lacan sulla “mancanza-ad-essere”, da lui
denominata béance, e due video-art (Trip e Il godimento è una tensione che non raggiunge mai la sua
realizzazione, poiché può avere luogo solo quando non ha luogo) basati sui viaggi della mente, sulle
dipendenza, sulle mancanza di lucidità, sul disturbo ossessivo-compulsivo e sul desiderio irrisolto.
PC. Che cosa è per te l’estasi artistica? Verso quali visioni ti conduce?
VDM. È un legame tra me e il Tutto. È il sentirsi concreti attraverso il senso di identità che si raggiunge
tramite il fare.
PC. Vi è spesso nei tuoi lavori un quid che rimanda, a mio giudizio, a una sorta di sacralità o comunque a una
ierofania, cioè alla coscienza della presenza di qualcosa di sacro. È così?
VDM. Il lavoro è sacro e va maneggiato con cura. Ha un’anima. Un’anima propria sommata alla tua. Ha
bisogno dei giusti tempi, di essere contemplato e toccato da occhi sinceri e rispettato e difeso sopra ogni cosa
perché è la parte più intima di te, è la rivelazione della tua catarsi.
PC. Da tempo, attraverso il tuo lavoro, analizzi le capacità reattive che gli esseri umani mettono in gioco di
fronte a eventi inesplicabili e apparentemente inevitabili. Senti che anche in questa serie il tema sia, in
qualche modo, trattato?
VDM. Assolutamente, sia attraverso la tecnica di realizzazione sia attraverso il concetto su cui è basato
l’intero progetto espositivo. I flashback, le visioni oniriche, i déjà vu, i test psicologici, sono in qualche
modo la manifestazione di qualcosa che è già avvenuto, la conseguenza di un evento passato che torna
improvvisamente e inspiegabilmente, in modo incontrollato, nel presente.
PC. Dimostri sempre la capacità di gestire la tua pratica secondo il motto ne quid nimis, niente di troppo.
Come raggiungi questa essenzialità?
VDM. Attraverso la ritualità del lavoro.
Paolo Cappelletti

Flashback
Nellimya: light art exhibition - Lugano

Relationship (exhibition)

Una fisicità irrinunciabile
Nell’ottica del marketing esperienziale, dell’emotional–business, del consumo bulimico di arti visive
dell’epoca web, manca la relazione tra il corpo, i sensi, le cose, i materiali e i linguaggi plurimi che danno
forma a concetti in bilico tra natura e artificio. Shakespeare osservò che >, tutto nel corso del tempo perpetua la memoria. Valentina De’ Mathà, classe
1981, abruzzese d’origine e nomade per vocazione, dopo un periodo di vita trascorso a Roma dove si è
nutrita di classicismi si è trasferita in Svizzera dove vive e lavora. A Milano, dopo la mostra collettiva Fame
di Terra tenuta da Amy-d – Arte Spazio, in cui ha presentato un’installazione ecosostenibile dal titolo
L’uomo che Piantava gli Alberi, si ripresenta nella stessa galleria con un progetto diverso che ripercorre le
tappe più significative della sua ricerca artistica e presenta per lo più opere inedite, scelte con la
collaborazione di Annamaria D’Ambrosio, curatrice della mostra, psicologa lacaniana e autentica talent
scout di artisti emergenti. Questi lavori dall’identità apparentemente instabile raccolti sotto il titolo
emblematico Relationship, condotti nell’ambito della figurazione, dell’astrazione geometrica e del rigore
concettuale, all’insegna della libertà esplorativa di sperimentare discipline differenti senza rincorrere uno
stile o un codice riconoscibile, qui divengono un’installazione site-specific, altro da sé. Ogni singola opera è
un “attore” in cerca di spettatore, che inscena un dialogo surreale sul valore dell’intreccio, della relazione,
dello scambio tra l’essere e il nulla e delle dinamiche complesse tra l’io e l’altro, come presupposto per fare
arte: una polifonia di linguaggi. La natura proteiforme dell’autrice s’imprime in soluzioni formali e progetti
neo-concettuali dai codici diversi: basta un rapido sguardo alla varietà delle opere esposte per capire
quanto, ordine e disordine, casualità e costruzione, geometria e istinto, simmetria e instabilità siano gli
opposti sui quali verte la sua ricerca artistica, paradossalmente contraddittoria come le sue opere dai
diversi codici formali: in talune è figurativa, come in alcuni acquerelli e disegni e in altre risulta più
astratta-geometrica.
Tutte le sue opere sono impregnate di vissuti, di relazioni che sono il frutto di repentini cambiamenti e di
istintivi approcci ad esperienze molteplici, di approdi a tecniche e linguaggi tradizionali, come il disegno, la
pittura e la scultura o immateriali, come la fotografia e il video. L’autrice in bilico tra organico e virtuale,
negli ultimi anni ha concentrato la sua ricerca sulla simbiosi tra natura e movimento, sull’ineluttabilità della
trasformazione delle cose e sul processo di cambiamento della materia, anche se in alcune scultore di
forme geometriche tende a solidità ancora tutte da esplorare. Di sé dice: > . Il cambiamento accade perché non può fare altro. E il nodo di tutta la
mostra sta qui: nella materia come summa del fare, trama d’incontri e mezzo di scambio e intreccio di
relazioni possibili: l’arte è pensiero non didascalia. Attualmente affianca alla pittura di matrice postespressionista,
una ricerca più volumetrica –scultorea, quasi minimalista in seguito al suo trasferimento in
Svizzera.
Sculture di carta e stoffa, protuberanze materiche che sembrano eruttare dal muro bianco, liberando
un’energia recondita, sulla natura ambigua ed effimera di noi e delle cose. Materiali solidi o leggeri,
trasversali, destinati a molteplici variazioni, quintessenze della sua ricerca artistica, in bilico tra tensione
spirituale e desiderio di infinito, mentre nella tensione di liberazione dalle forme chiuse, ci riconduce alla
fisicità dell’esserci, ancorandoci ai materiali stessi, come ready- made della realtà.
In questa dialettica degli opposti, la sintesi siamo noi che guardiamo cose fatte “fittiziamente ad arte”, come
facticius, (feticcio che in portoghese significa miracolo).
L’io corpo–mente è determinante per “sognare” o tendere ad un modello ideale di smaterializzazione di sé
nella pienezza corporea. Organico e inorganico sono inscindibili dall’arte, come la vita intessuta di sentimenti,
di scelte, di cose, intrecci che sono una parte integrante dell’individuo e rappresentano il mondo come
potenzialità in atto di processi di cambiamento.
De’ Mathà si pone come obiettivo di abitare le opere che produce permeate di sensazioni e dubbi che si fanno
corpo- habitus nel senso maussiano e come poi ripreso da Foucault e da Bourdieu .
I sensi sono parametri cognitivi del mondo e ancor più oggi, nell’epoca transgenica, della modernità liquida,
diventano l’abito mentale, l’intreccio con la fisicità in cui il corpo si riscopre unità percettiva, mettendosi in
relazione con l’ambiente, la società e gli altri. L’oggettivazione di processi di cambiamento, di cose che
restano ma che potrebbero cambiare essenza a seconda di dove e come le si inscena, è fondamentale
soprattutto nell’epoca del sex- appeal dell’inorganico all’insegna del “timore e tremore” dell’annullamento
dell’io fisico nello spazio immateriale, estendibile. Materia e sensi rivendicano fisicità necessarie,
rappresentandosi nel sentire il corpo, soggettivamente e sensorialmente nella concretezza di trovarsi e
relazionarsi con altri. Le opere di De’ Mathà contestualizzano, localizzano relazioni possibili, ambigue e
transitorie come i nostri pensieri tra noi, le cose e le azioni, come cause ed effetto che determinano
conseguenze imprevedibili.
Jacqueline Ceresoli
Per De’ Mathà, non c’è un prima o un dopo: tutto accade nell’attimo in cui si guarda le sue opere o le
installazioni in cui astrazione e istinto convivono in un alchemico equilibrio da “toccare” con gli occhi. Il filrouge
in questa personale non cronologica ma tematica è la relazione delle opere con lo spazio e lo
spettatore, incentrata sull’importanza delle materia come conduttore di energia vitale. Tra i suoi materiali
preferiti c’è la carta, come erano i 308 fragili corpi aggrappati al muro, ispirati alle vittime del terremoto
dell’Aquila (2009), realizzati per l’installazione intitolata Silenzio, esposta alla 53° Biennale di Venezia nel
Padiglione Italiano. La carta come simbolo di vulnerabilità della vita; carta di cotone bianca o quella
Nepalese, con la quale ha dato forma a sinuosità di corpi femminili, simili a drappeggi d’impatto scultoreo
che evocano le statue classiche. Ricorrenti nella sua ricerca sono i nodi, i lacci e gli intrecci: tutti simboli in
rapporto al gesto dello sciogliere e del legare. Il senso dei suoi lavori sta nell’intreccio di opere diverse che
ha sia la funzione di tenere insieme, sia quella di allontanare, mentre nel gesto dello strappo o dello
sbriciolamento di materiali cartacei adagiati in ordine sparso sul pavimento, rimanda alla tensione di
liberazione dell’istinto, di rompere ciò che prima si è faticosamente costruito.

Relationship
Amy-d Arte Spazio. Milan

Resilienza italiana:punti di partenza (exhibition)

Resilienza Italiana:Punti di Partenza
Spazio GIVA - Milan

Valentina De’ Mathà
Avezzano, April 14, 1981
Lives and works in Switzerland
Her research is based on the interaction among man, nature and mutation, as well as on the causality
principle and on the dialectic between her action on matter and its reaction to it. Her peculiar technique
also gives vent to a high percentage of non-deterministic mechanisms and to the typical uncertainty of
quantum mechanics. She examines human behaviour when people are facing the unpredictability of
inescapable circumstances or events caused by themselves; consequently, she explores the human
emotional instabilities and reactions of people facing the unexpected, inevitable or sudden lifechanging
experiences.
La sua ricerca è basata sull’interazione tra uomo, natura e mutamento, nonché sul principio di causaeffetto
degli eventi, e sulla visione dialettica tra l’ azione dell’artista sulla materia e la reazione della
materia ad essa. La sua peculiare tecnica dà anche sfogo a una percentuale elevata di meccanismi non
deterministici e possibilità tipici della fisica quantistica. Esamina il comportamento dell’uomo di fronte
all’imprevedibilità delle circostanze ineluttabili o causate da egli stesso; di conseguenza esplora le sue
instabilità emotive e reazioni di fronte a questi imprevisti e ai mutamenti improvvisi o inevitabili.
Group Exhibitions (selection)
2015 •“Mappa dell’arte nuova” Imago Mundi/Luciano Benetton Collection, Fondazione Cini, Venice •
“Praestigium Contemporary Artist from Italy” Imago Mundi/Luciano Benetton Collection, curated by Luca
Beatrice, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin. 2014 • “DeltArte”,Museo Regionale della Bonifica di
Ca’ Vendramin, Rovigo •“Resilienza italiana: Punti di partenza. Il Mare visto da Monte”, PAV – Parco Arte
Vivente, Centro d’Arte Contemporanea, Turin •“Resilienza Italiana Punti di Partenza”, SpazioGiva, Milan.
2013 • “La bellezza sospesa tra visione e realtà”, Museo regionale del Barocco di Noto. 2012 • Biennial
works on Paper “Stemperando 2012″, V Edizione, Biblioteca Nazionale Universitaria, Turin; Biblioteca
Nazionale, Cosenza; Biblioteca Nazionale Centrale, Rome •“Untitled no. 2”, RandallScottProjects,
Washington D.C •“Fame di Terra”, Amy-d Arte Spazio, Milan •“International Art Prize Arte Laguna”, Nappe
dell’Arsenale di Venezia, Venice •“Research in Art” MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea,
Rome •“Research in Art” Palazzo Farnese, French Embassy in Rome. 2011 •”54th International Art
Exhibition Venice Biennial” Pavilion Italy/Abruzzo, Aurum, Pescara. 2010 •“The Berlin wall” , The
Promenade Gallery; Petro Marko Theater. Vlore, Albania.
Solo Exhibitions (selection)
2014 •“Flashback”, NelliMya: light art exhibition, Lugano. 2013 •“Relationship”, Amy-d Arte Spazio, Milan
•“Entropia”, Limonaia di Villa Saroli – Museo d’Arte di Lugano. 2012 •“Corpi Rossi”, Dafna Home Gallery,
Naples. 2009 •“Ápeiron”, NAG 1 Contemporary, Arezzo.
Prizes (selection)
2014 •“Premio San Fedele 2013_14” – Finalist. 2013 •“Sculpture Network Prize”, Munchen – Winner. 2012
•“6° International Art Prize Arte Laguna” – Finalist •Special Prize Amy-d Arte Spazio “6° International Art
Prize Arte Laguna” •Special Prize Dafna Home Gallery “6° International Art Prize Arte Laguna”. 2011
•“Research in Art” 2011– Winner 2009 • “Premio Terna 02″– Finalist.
Studies
•Etching course, CH • Scriptwriters course – “Treditre Editori”, by director Stefano Chiantini, IT • “Science
of Fashion and Costume”, Università degli studi di Roma “La Sapienza”, Rome IT • Diploma of Art teacher,
“Fashion and costume” – ISA “V.Bellisario” Avezzano IT • Diploma of Applied Art, “Art of Metals and
Goldsmiths” – ISA “V.Bellisario” Avezzano IT
Publications (selection)
www.valentinadematha.com
valentinadematha@gmail.com
2015 • “Praestigium Italia II” Contemporary Artist from Italy, Imago Mundi, Luciano Benetton Collection,
Fabrica (book).2014 • “Valentina De’ Mathà – Flashback” interview by Paolo Cappelletti. NelliMya: light art
exhibition, Lugano (catalogue) • “La Creazione” Fondazione Culturale San Fedele (catalogue) 2013 •
Ground Zero #05 / Frontiere / Ottobre 2013 – Cascio Editore, Lugano. CH • “Entropia” critical texts by
Ignazio Licata and Maria Savarese – Edizioni Sottoscala (catalogue) • Ticino Welcome giugno-agosto 2013
– Lugano. CH. 2012 • “Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea” curated by Giorgio
Bonomi – Rubbettino Editore (book) • “Stemperando 2012” Biennale internazionale di opere d’arte su
carta. Curated by Giovanna Barbero – Verso l’Arte Edizioni (book) • “Personale” Valentina De’ Mathà e
Ilaria Porceddu,texts by Attilio Fontana and Valentina Piccinni (catalogue) • Art Prize Arte Laguna 11.12
(catalogue). 2011 • “Lo stato dell’Arte Regioni d’Italia. Padiglione Italia 54a Esposizione Internazionale
d’Arte della Biennale di Venezia”, curated by Vittorio Sgarbi – Skira (catalogue) • NY Arts Magazine vol.16
January 2011 – New York. USA. 2010 • See.7 Magazine n° 01 December 2010 – New York. USA • Clam
Magazine #22 “Experience” – Paris. FR • Ninja Magazine #18 – Paris. FR • Variatio 02. photography,
museum & galleries – London. UK. 2009 • “Ápeiron”, critical texts by Fabio Migliorati and Matilde Puleo,
NAG Contemporary Editions (catalogue) • “Premio Terna per l’arte contemporanea 02″, Editions Silvana
Editoriale (catalogue). 2008 • Kult Magazine 03 2008 – Italy