Materialeffekte

Materialeffekte — 

Produktentwürfe, Fotografien, Versuchsanordnungen 

6. Internationaler Marianne Brandt Wettbewerb 

Material Effects — 

Product Designs, Photographs, Experiments 

6th International Marianne Brandt Contest

Materialkte 

Mat Effekte 

ter fe te 

Ma 

rife te 

Materialkte 

Mat Effekte 

ter fe te 

Material

Materialcts 

Mat Effects 

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Material 

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Materialcts 

Ma ri 

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Material 

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cts

Inhalt / Contents 

9 

17 

41 

62 

63 

64 

96 

142 

186 

230 

276 

Editorial 

Materialeffekte – oder warum es wichtig ist, 

woraus die Dinge sind 

Material Effects – or why matter matters 

Jury 

Index 

Nominierte Arbeiten 

Nominated Works 

Erinnern & Bedeuten 

Remember & Convey 

Berührt werden 

Being Touched 

Wirken lassen 

Letting Things Take Effect 

Formulieren & Komponieren 

Shape & Compose 

Zirkulieren & Weitergeben 

Circulate & Pass On 

Biografien 

Biographies

Editorial 

Der Internationale Marianne Brandt Wettbewerb lädt alle 

drei Jahre weltweit junge Gestalter, Fotografen und Künstler 

ein, Fragen und Ideen der klassischen Moderne aus 

heutiger Sicht neu zu bearbeiten. Gefragt sind Arbeiten, 

die sich nicht nur äußerlich auf die gestalterischen und 

künstlerischen Arbeitsfelder der Bauhäuslerin, Produktgestalterin 

und Fotografin Marianne Brandt beziehen. 

Vielmehr sollen sie auch die damit einst verbundenen 

Hoffnungen und Visionen reflektieren, dass nämlich jede 

noch so praktisch nützliche Gestaltung mit der Herstellung 

eines ästhetisch-utopischen Mehrwerts und mit der 

Idee eines besseren und schöneren Lebens verbunden 

sein sollte. 

Materialeffekte lautet das Thema der 6. Ausgabe des 

Wettbewerbs, in dessen Ergebnis eine Ausstellung im 

Industriemuseum Chemnitz gezeigt wurde und auch die 

hier vorliegende Publikation entstanden ist. Ein einseitig 

auf möglichst effektive Materialverarbeitung und Herstellung 

neuer und neuester Produkte zielendes Gestalterinteresse 

eröffnet kaum mehr sinnvolle Perspektiven 

in einer Welt, die offensichtlich ohnehin viel mehr Materie 

verbraucht und verwertet, als es jede ökologische 

Vernunft gebietet. Wenn der Internationale Marianne 

Brandt Wettbewerb Gestalter und Künstler danach 

fragt, was ihnen Materialeffekte heute bedeuten, wie 

sie sich einen zukunftsfähigen Umgang mit Ressourcen, 

Stoffen und Materialien vorstellen, dann wird bewusst 

Bezug genommen auf die Auseinandersetzungen 

mit materialgerechter Gestaltung und Materialerkundungen 

in der klassischen Moderne und am Bauhaus 

der 1920er 9 

Jahre.

Editorial 

Every three years, the International Marianne Brandt 

Competition invites young designers, photographers, 

and artists from around the world to reappraise questions 

and ideas relating to classical modernism from a 

current standpoint. It calls for works that refer not only 

externally to the creative and artistic fields of work of the 

Bauhaus member, product designer, and photographer 

Marianne Brandt. Instead, they should also reflect the 

hopes and visions once associated with her work, namely 

that every design, no matter how practical and useful, 

should be bound up with the production of an aesthetic 

and utopian value and with the idea of a better and more 

beautiful life. 

Material Effects is the theme of the 6th edition of the 

competition, which resulted not only in an exhibition at 

the Saxon Museum of Industry in Chemnitz, but also 

the creation of this publication. A one-sided designer 

interest that aims to process material as effectively as 

possible and to create new and newest products hardly 

opens up appropriate perspectives any longer in a world 

that in any case is evidently using and exploiting much 

more material than all ecological sense dictates. When 

the International Marianne Brandt Competition asks 

designers and artists what Material Effects mean today, 

how they imagine a sustainable handling in future of 

resources, substances and materials, deliberate reference 

is being made to the tackling of material-compliant 

design and material research in classical modernism and 

at the Bauhaus in the 1920s. 

13

Materialeffekte – oder warum es wichtig ist, 

woraus die Dinge sind 

Linda Pense 

der bauhäusler befaßte sich also in seinen anfangsübungen 

mit dem material vorwiegend mittels seiner 

tastorgane (das tastorgan ist gleichzeitig organ für 

druck-, stich-, temperatur-, vibrations- usw. empfindungen). 

er holt sich die verschiedensten materialien 

zusammen, um mit ihrer hilfe möglichst viele verschiedene 

empfindungen registrieren zu können, er 

stellt sie zu tasttafeln zusammen, die teils verwandte, 

teils kontrastierende tastempfindungen enthalten. 

[…] nach kurzer oder längerer übung ist er fähig, 

diese elemente so zusammenzustellen, daß sie einem 

vorgefaßten ausdruckswunsch entsprechen. 

(László Moholy-Nagy, 1929) 1 

Wer am Bauhaus studieren wollte, hatte zuvor den einbis 

zweisemestrigen Vorkurs zu absolvieren, der dem Erkunden 

und spielerischen Erforschen von Eigenschaften 

verschiedenster Materialien gewidmet war. Das kleine, 

nur knapp 8 cm hohe „Teeextraktkännchen“ von Marianne 

Brandt, das sie im 1924 im Bauhaus-Vorkurs entworfen 

hatte, gilt heute als eine Ikone eines formbewussten, wie 

materialverehrenden Bauhaus-Designs. 

Das Kännchen ist aufwändig glatt und präzise aus Messingblech 

getrieben. Das Innere der Kanne hat Brandt 

versilbert und die Griffe am Korpus und am Deckel in 

schwarzem Ebenholz ausgeführt. Die einfachen geometrischen 

Formen Quadrat – Kreis – Dreieck bestimmen 

17 

1 László Moholy-Nagy: Von Material zu Architektur, München 1929, S. 21.

Material Effects – or why matter matters 

Linda Pense 

“So in his preliminary exercises the Bauhäusler – the 

Bauhaus student – addressed material primarily by 

means of his tactile senses (the tactile senses are 

also those for sensations of pressure, pricking, temperature, 

vibration, etc.). He gathers together diverse 

materials in order with their help to register as many 

different sensations as possible, he puts them together 

as touch panels that contain partly related, 

partly contrasting sensations. […] After shorter or 

longer practice he is capable of putting these elements 

together in such a way that they correspond 

to a preconceived wish for expression.” 

(László Moholy-Nagy, 1929) 1 

Anyone who wanted to study at the Bauhaus had to complete 

a two-semester preliminary course focusing on investigating 

and playfully researching the properties of a 

variety of materials. The small tea infuser by Marianne 

Brandt, around 8 cm tall and designed in 1924 in the Bauhaus 

preliminary course, is deemed today to be an icon 

of Bauhaus design, as assured in its aesthetics as it is 

respectful of the material. 

The pot is elaborately hammered, smoothly and precisely, 

out of sheet brass. Marianne Brandt silver-plated the 

inside of the pot; the handles on the body and on the lid 

are made of black ebony. The plain geometric forms of 

square – circle – triangle define the overall composition 

and also the individual elements of the pot. Due to the 

41 

1 László Moholy-Nagy: Von Material zu Architektur, Munich 1929, p. 21.

Jury 

Ahn Sang-soo 

Typograf / typographer 

Renate Flagmeier 

Kuratorin / curator 

Werkbundarchiv Berlin 

Dana Giesecke 

Soziologin / sociologist 

Jan Mammey 

Fotograf / photographer 

Barbara Schmidt 

Porzellangestalterin / 

porcelain designer 

Harald Welzer 

Sozialwissenschaftler / 

social scientist 

Zeitguised 

Animationskünstler / 

animation artists 

62



66 Anke Binnewerg 

70 Jeanette Goßlau 

72 Hans-Jörg Pochmann 

76 Clara Bahlsen 

80 Marcia Breuer 

84 Tassilo Rüster 

86 Malte Sänger 

90 Jonathan Radetz 

92 Birgit Severin 

94 Textbeitrag von/ 

Text contribution by 

Sophie Aigner 

Berührt werden 

Being touched 

100 Maximilian Behrens & 

Jonas Schneider 

102 Demeter Fogarasi 

104 Aldo Freund 

106 Adrianus Kundert 

108 Sandra Stark & 

Carmina Blank 

112 Antje Gildemeister 

116 Kalinka Gieseler 

120 Valerie Schmidt 

122 Maria Braun 

124 Sarah Bräuner 

126 Paula van Brummelen 

128 Simon Busse 

130 Anastasiya Koshcheeva 

132 Moritz Schauerhammer 



Andy Scholz 

Patricio Farrell 

Wirken lassen 

Letting Things Take Effect 

146 Marvin Boiko 

148 Alberto Lago 

150 Ulrike Mäder & 

Agnieszka Partyka 

152 Ilka Raupach 

154 Sophie Aigner 

158 Nikolai Frerichs 

162 Sabrina Jung 

164 Falk Messerschmidt 

168 Lou Mouw 

172 Katharina Kantner-Wölger 

176 Wassilij Grod 

178 Elena Tezak 



Chiara Isadora Artico 

Formulieren & Komponieren 

Shape & Compose 

188 Henriette Ackermann 

190 Anna Baranowski 

192 Jennifer Eckert 

194 Amelie Marei Löllmann 

196 Kristin Dolz 

200 Andreas Gruner 

204 Almut Hilf 

208 Julia Tervoort 

210 Anna Badur 

214 Verena Kuck 

218 Marcel Pasternak 

222 Nico Reinhardt 



Steffen Reiter 

Zirkulieren & Weitergeben 

Circulate & Pass On 

232 Julian Kohr 

234 Katrin Krupka 

236 Maria Silies 

238 Studio Umschichten 

242 Bogdan Andrei Bordeianu 

246 Marta Kryszkiewicz 

250 Walter Oppel 

254 Helene Bierstedt 

258 Jessica Owusu Boakye 

260 Tim Mackerodt 

262 Chuana Mahlendorf 

264 Laura Quarz 

266 Leon Rinne 



Chiara Scarpitti 

63



Anke Binnewerg 

Jeanette Goßlau 

Hans-Jörg Pochmann 

Clara Bahlsen 

Marcia Breuer 

Tassilo Rüster 

Malte Sänger 

Jonathan Radetz 

Birgit Severin 

Textbeitrag von / 


Sophie Aigner

„Selbstvergewisserung ist nötiger denn je in einer Zeit, 

in der so ziemlich alles aus den Fugen zu geraten scheint, 

was viele Jahre als gefühlte Gewissheit gelten konnte: 

dass Frieden ist, Europa zwar holpert, aber zusammengehört, 

dass all die Kriege auf der Welt mit uns nichts zu 

tun haben, ja, dass wir überhaupt auf einer Insel leben. 

Stimmt alles nicht. Aber wenn man in solchen Zeiten 

nicht nur Zuschauer sein will, braucht man etwas, worauf 

man sich beziehen kann: Identität, das Wissen, wer 

man ist und wer man sein möchte.“ 

“Self-reassurance is more necessary than ever at a time 

when more or less everything seems to be going off the 

rails; for many years this was valid as a felt certainty: 

that peace exists; that Europe might be stumbling along 

but belongs together; that all the wars in the world have 

nothing to do with us; indeed, that we are actually 

living on an island. None of this is true. But if we want 

to be more than just spectators in these times, we need 

something we can relate to: identity, the knowledge of 

who we are and who we would like to be.” 

Harald Welzer, “Wir müssen reden”, in: National Geographic Deutschland, Heft / No. 03 / 2016.

Hans-Jörg Pochmann The question concerning the sustaining 

support of digital objects 

„In meiner Arbeit zerbreche ich mir produktiv 

den Kopf darüber, was Derrida 

als das ‚Geheimnis ohne Rätsel‘ des 

Computers bezeichnete: die im wahrsten 

Sinne des Wortes unbegreifliche, 

aber bei Weitem nicht immaterielle 

Realität der virtuellen Objekte, mit der 

uns Rechner konfrontieren; oder, anders 

ausgedrückt, mit ihrer Unzuhandenheit. 

Anstatt mich auf die funktionale, 

logische, also sprachliche Realität der 

Rechner zu konzentrieren, versuche 

ich vielmehr, digitale Geräte als ‚Dinge‘ 

zu begreifen. Ich beabsichtige, den 

hermeneutischen Prozess zu untersuchen, 

in dem ihre extrem hochentwickelten 

Interfaces ganz plötzlich 

hinter der virtuellen Realität verschwinden, 

die sie animieren. Wie kann 

ich diesen ungesehenen Körper greifbar 

machen?“ 

Homage to Dieter Roth 

(such stuffing / as dreams are made on) 

Wurst aus gemahlenen iPad der ersten Generation, 

½ Zwiebel, 1 Knoblauchzehe, Gewürzen, Kräutern 

und Rotwein; in eine Wursthülle gefüllt. 

Literally (to kindle Kindle) 

Video-Loop (2″) dokumentiert die Einstellung eines 

Amazon Kindle E-Book-Readers in Brand. 

Tagesschau 

Videoschleife (19″), die zeigt, wie Nachrichtensprecher 

der Tagesschau zärtlich über die Blätter 

streichen, auf die sie nie sehen. 

The Information I 

(on killing one’s darling and creating content) 

Teil 1: Buch, Gravitation, Kraft 

Teil 2: mp4 Videodatei (17″30') 

dokumentiert Teil 1 

Teil 3: Laserdruck auf Papier (in Buch gebunden) 

Teil 4: kommerzielles Offsetdruckplakat, 

geschnitten, E-book, zwei Scannergläser, Nägel, 

E-Book-Datei auf dem Server 

“Through my work, I try to productively 

ponder on Derrida’s notion of the ‘secret 

without mystery’ of the computer: 

the literally ungraspable, but by far not 

immaterial reality of the virtual objects 

with which they are confronting us; 

or to put it differently, their out-oftouchness. 

Instead of focusing on the 

functional, logical, and thus linguistic 

reality of the computer, I try to find ways 

to look at digital devices as material 

‘things’. I aim to investigate the hermeneutical 

process in which their highly 

sophisticated interfaces become informational. 

What happens to the body 

of the digital machine once it is unseen?” 

Homage to Dieter Roth 

(such stuffing / as dreams are made on) 

Sausage made from a ground first generation iPad, 

½ onion, 1 clove of garlic, spices, herbs, and red wine; 

stuffed into a sausage casing. 

Literally (to kindle Kindle) 

Video loop (2″) documenting the act of setting an 

Amazon Kindle e-book reader on fire. 

Tagesschau 

Video loop (19″) showing how news anchors of the 

Tageschau are tenderly caressing the sheets of paper 

they are never looking at. 

The Information I 

(on killing one’s darling and creating content) 

Part 1: book, gravitation, force 

Part 2: mp4 video file (17″30') documenting part 1 

Part 3: laser prints on paper (bound into book) 

Part 4: commercial offset printed poster, cut, e-book, 

two scanner glasses, nails, e-book file on server 

72

73 Versuchsanordnungen Experiments

78

79 Fotografie Photography

Birgit Severin Ashes 

Blumen sind ein Symbol von Jugend und 

Schönheit. Gleichzeitig sind sie mit 

ihrem kurzen Lebenszyklus dem Zerfall 

ausgesetzt und werden so zu einem 

Sinnbild für Vergänglichkeit und Tod. 

Ashes ist eine Serie von Vasen, die 

sich mit dem Thema Schönheit und 

Vergänglichkeit auseinandersetzt. 

Der Prozess des Verwelkens und Vergehens 

wurde häufig in Vanitas Stillleben 

der flämischen Malerei aus dem 

17. Jahrhundert dargestellt. Ashes 

interpretiert dieses Thema neu in skulpturalen 

Alltagsobjekten. Jede Vase ist 

ein Unikat und kombiniert in ihrem 

Entstehungsprozess moderne Technik, 

wie 3D-Drucke und Gummi-Rotationsverfahren 

mit Handarbeit. 

Preisträger 

3. Preis (Produktentwürfe) 

Vase 

3D-Druck, Gummi-Rotationsverfahren, Handarbeit 

Flowers are symbols of beauty and youth. 

At the same time, in their decay they 

become reminders of life’s brevity and 

the inevitability of death. The expressive 

power of withering was commonly used 

to represent the idea of vanitas in art, 

particularly in seventeenth-century 

Flemish painting. Ashes is a series of 

rubber vases that reinterprets this concept 

in sculptural everyday objects, 

acknowledging both beauty and transience 

of life. Each vase is a unique 

object and utilises 3D printing and rubber 

rotation casting, thus combining the 

latest production techniques with craft. 

Winner 

3rd prize (Product Designs) 

Vase 

3D printing, rubber rotation casting, handcrafted 

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM) 

92

93 Produktentwürfe Product Designs

Adrianus Kundert Ripening rugs 

Diese Arbeit beschäftigt sich auf bejahende 

Weise mit dem Prozess der 

Abnutzung. Die von Adrianus Kundert 

entworfenen Teppiche nehmen erst 

durch intensiven Gebrauch die ihnen 

zugedachte Form an. Mit der Abnutzung 

des Fadens verändern sich Farbe, 

Muster und Texturen. So gewinnen 

diese Teppiche durch die schleichende 

Erosion vielmehr an individueller 

Attraktivität, als dass sie an Wert verlieren. 

In enger Zusammenarbeit mit 

anderen Experten und Firmen hat 

Kundert eigene Techniken und Fäden 

entwickelt. 

Preisträger 

Sonderpreis von smow 

Blauer Teppich: Filz mit Ausschnitt von 

beschichtetem Gummi, 150 × 150 cm 

Goldener Teppich: Handgewebt, Nylon, Wolle 

und Baumwolle, 225 × 146 cm 

Roter Teppich: getuftet, Baumwolle und Wolle, 

379 × 84 cm 

Ripening Rugs represent a positive take 

on the process of wear. Adrianus 

Kundert has designed these rugs so that 

they come to life through intensive use: 

as the yarn or weave becomes worn, 

the rugs begin to reveal a different colour, 

texture, or pattern. It is the gradual 

erosion that makes these floor coverings 

gain attractiveness – each in its own 

way – instead of rendering them valueless 

and ending their lifetime. Working 

closely with different companies and professionals, 

Kundert has developed his 

own techniques and yarns with specific 

characteristics. 

Winner 

Special award given by smow 

Blue rug: felt with a cutout with coated rubber, 

150 × 150 cm 

Golden rug: handwoven, nylon, wool and cotton, 

225 × 146 cm 

Red rug: tufted, cotton and wool, 379 × 84 cm 

106


Anastasiya Koshcheeva From Siberia 

Immer mehr traditionelle Handwerke 

geraten in Vergessenheit. Damit geht 

wertvolles Wissen über Naturmaterialien 

sowie handwerkliche Fertigkeiten 

verloren, die über Jahrtausende 

erarbeitet worden sind. Hinter diesem 

Wissen stecken enorme ökologische 

und gesellschaftliche Potenziale, 

die dadurch fast komplett ungenutzt 

bleiben. From Siberia beschäftigt sich 

mit der Frage der Transformation 

traditionellen Wissens über ein Naturmaterial 

in den aktuellen Kontext am 

Beispiel des Birkenrinden-Handwerks. 

Das Projekt bringt die faszinierenden 

Eigenschaften des nachwachsenden 

Rohstoffes zur Geltung und belebt 

das vom Aussterben bedrohte Handwerk 

neu. Die Produktserie besteht 

aus vier Produkten. Jedes einzelne 

zeigt eine andere Möglichkeit der Verarbeitung 

und Anwendung, die auf 

einer marktorientierten Produktionsweise 

basiert ist und konventionelle 

Produkte aus der industriellen Fertigung 

ersetzen kann. Es wird bewusst 

mit der hellen Rückseite der Rinde 

gearbeitet, um die einzigartige Maserung 

und Farbgebung des Materials 

zu zelebrieren. 

Preisträger 


Hocker, Birkenrinde 

Dreidimensionales Geflecht aus streifenförmiger 

Birkenrinde, fixiert durch Metallklammern 

und Nähten; Gestell: pulverbeschichteter Stahl 

Leuchte, Birkenrinde 

Verbindungstechnik in Kombination mit Laser- 

Technologie, Fassungs- und Stabilisierungsring 

aus vermessingtem Stahl; Leuchtmittel: Edisson 

LED Glühbirne 

More and more traditional handicrafts 

are falling into oblivion. This means 

the loss of valuable knowledge about 

natural materials and craftsmanship 

that has been evolving for thousands 

of years. Enormous ecological and 

social potential is harboured in this 

knowledge and is being left almost 

completely unused. From Siberia 

addresses the issue of the transformation 

of traditional knowledge by means 

of a natural material in the current 

context using birch bark handicraft as 

an example. The project manifests 

the fascinating properties of the 

renewable raw material and revives a 

craft that is threatened with extinction. 

The product series consists of many 

different items. Each object shows 

a different potential in fabrication and 

usage, which is based on a marketoriented 

production method and can 

replace conventional products from 

industrial manufacture. The work is 

deliberately based on the bright, rear 

side of bark in order to celebrate the 

material’s unique grain and colouration. 

Preisträger 

3rd prize (Product Designs) 

Stool, birch bark 

Three-dimensional weave of strip-shaped birch bark, 

fixed by metal clips and seams; frame: powder-coated 

steel 

Lamp, birch bark 

Traditional joining technology in combination with 

laser technology, mounting and stabilising ring made 

of brass; illuminant: Edisson LED light bulb 


130


Silizium – Ein elektronischer Zwitter 


Silizium sieht man seine Bedeutung für die 

Menschheit nicht an. Genauer gesagt, kann man 

es in der Natur bis auf wenige Ausnahmen gar 

nicht sehen – zumindest nicht in seiner reinen, 

ungebundenen Form. Zwar steckt es in Sand, 

Gestein oder Metallen. Dort ist es aber immer 

an andere Elemente (meist Sauerstoff) gebunden. 

Rund ein Viertel der Erdkruste besteht aus 

diesen Verbünden. Damit ist es nach Sauerstoff 

das zweithäufigste Element – und bleibt doch 

ebenso unsichtbar. 

Trotzdem ist Silizium in den letzten fünfzig Jahren 

für unsere Gesellschaft so bedeutsam geworden, 

dass unser Alltag ohne es nicht mehr denkbar 

wäre. Das liegt vor allem an zwei Umständen: 

Silizium kommt in günstigen, leicht beschaffbaren 

Materialien vor und ist ein Halbleiter. Halbleiter 

sind elektronische Zwitter, die je nach 

Temperatur Strom leiten (wie Kupfer) oder nicht 

(wie Glas). Diese Besonderheit, mal einem Metall, 

mal einem Nichtmetall zu ähneln, nutzen praktisch 

alle elektronischen Bauelemente, die 

selbst in den alltäglichsten Geräten stecken. 

Ohne Halbleiter, gäbe es keine Herzschrittmacher, 

keine Fernseher, keine Computer(chips). Und 

ohne Computer, keine Smartphones, kein Internet, 

kein Google. 

Abb. 1:Siliziumkristall Fig. 1: Silicon crystal 

Ein jeder Chip besteht aus Millionen und seit 

einigen Jahren sogar Milliarden aneinander 

gestöpselter digitaler Ein- und Ausschalter. 

Jeder dieser Schalter (sogenannte Transistoren) 

funktioniert dank der Zwittereigenschaft 

von Silizium. Das Institute of Electrical and 

Electronics Engineers (mit immerhin rund einer 

halben Million Mitgliedern weltweit) zählt die 

Erfindung des Transistors zu einer der technologischen 

Meilensteine des 20. Jahrhunderts. 

Seine drei Erfinder John Bardeen, Walter Brattain 

und William Shockley bekamen dafür 1956 den 

Nobelpreis für Physik verliehen. Shockleys 

erfolgreiches Bestreben, Transistoren in großer 

Masse in Kalifornien zu produzieren erklärt, 

warum dort heute ein Tal nach diesem Halbleiter 

(engl. silicon) benannt ist. 

Leider vertrat Shockley nach Ende seiner wissenschaftlichen 

Karriere immer fragwürdigere poli- 

138

Silicon – An electronic hybrid 


Silicon doesn’t put its significance on parade for 

mankind. In fact, you can’t see it at all in its 

natural state, apart from a few exceptions – at 

least, not in its pure, free form as an element. 

Although it is contained in sand, rock and metal, 

here it is always in a compound with other elements 

(mostly oxygen). Nearly a quarter of the 

earth’s crust consists of these compounds. This 

makes it the second most common element 

after oxygen – and yet it remains just as invisible. 

Nevertheless, silicon has become so significant 

for our society in the last fifty years that our 

everyday life would be inconceivable without it. 

This is due most of all to two circumstances: 

silicon is contained in cheap, easily accessible 

materials and is a semiconductor. Semiconductors 

are electronic hybrids which, depending 

on temperature, conduct current (like copper) 

or do not (like glass). This special feature of sometimes 

resembling metal and sometimes nonmetal 

is exploited by practically all electronic 

components that are found galore even in the 

most prosaic, everyday devices. Without semiconductors 

we wouldn’t have heart pacemakers, 

television, computer (chips). And without computers, 

no smartphones, no Internet, no Google. 

Each chip consists of millions – and for several 

years now even billions – of digital on- and 

off- switches plugged into one another. Each of 

these switches (so-called transistors) functions 

thanks to the hybrid characteristic of silicon. 

The Institute of Electrical and Electronics 

Engineers (boasting half a million members 

world wide) reckons that the invention of the 

transistor is one of the technological landmark 

achievements of the twentieth century. Its 

three inventors John Bardeen, Walter Brattain 

and William Shockley were awarded the 1956 

Nobel Prize for physics. Shockley’s successful 

efforts to produce transistors on a grand scale in 

California explains the name Silicon Valley. 

Unfortunately, after the end of his career as a 

scientist, Shockley identified with ever more 

dubious political theories and became increasingly 

paranoid. When a secretary in his firm cut 

her thumb he suspected sabotage and demanded 

that all employees undergo a lie-detector test in 

order to find the culprit. Because of his escapades, 

eight of his best associates (defamed by 

Shockley as the “traitorous eight”) left the firm 

and founded some of the giants in the semiconductor 

industry, including the chip producer 

Intel. 

Silicon also plays an outstanding role in photovoltaics. 

Its capabilities as semiconductor enable 

solar cells to convert solar energy into electricity. 

Furthermore, blue light diodes use silicon as 

semiconductor material to generate light. 

Since it almost never occurs in nature in a pure 

form (by 2011 it was verified in no more than 

fifteen locations across the world), an impure raw 

material containing silicon (frequently quartz) 

is refined so long until virtually no alien atom is 

present. This process is extremely complex and 

expensive and probably first succeeded for 

the French chemist Henri Étienne Sainte-Claire 

Deville in the mid-nineteenth century, although 

his fellow chemist Antoine Laurent had already 

prophesied the existence of this semi-metal 

in the late eighteenth century. Today, special 

smelting furnaces at temperatures of over 

two thousand degrees centigrade split undesirable 

components from the silicon atoms (this 

would be oxygen in the case of quartz) in order 

to attain the required degree of purity. These 

smelting furnaces are very expensive, thus only 

a handful of firms produce ultra-pure silicon 

across the world. When melted, silicon behaves 

in an unexpected way: liquid silicon is denser 

than solid silicon. 

But silicon is not only fascinating indirectly (integrated 

into technical devices), but also directly 

as material. In pure silicon all atoms are part of 

one aesthetic system: they form a regular, symmetrical 

3D lattice, a monocrystal fig. 1 The same 

structure can be found in diamonds as well. 

The purer the silicon, the more symmetrical the 

crystal. Paradoxically, this regularity is quite 

often disrupted by adding specific impurities 

again in order to influence the conductibility 

of the material. For example, in this way areas of 

good conductibility can be separated from bad 

ones. This is extremely useful in designing electronic 

components. And it means that things 

get exciting just when the symmetry is destroyed. 

This technical controllability of asymmetry – in 

139

Wassilij Grod CONBOU_Lightweight Construction 

Die Herstellung von handelsüblichen 

Platten aus Bambus verursacht etwa 

40 % Verschnitt, zudem verliert Bambus 

dabei seine Leichtigkeit. Das gab den 

Anstoß, die Bambusrohre in schräge 

Stücke zu schneiden und zwischen 

zwei Plattenmaterialien zu verleimen. 

Die Schräge vergrößert die Klebeflächen 

und versperrt die Kräfte. Eine 

Fachwerkkonstruktion aus Bambus 

zwischen zwei Oberflächenmaterialien 

ermöglicht ein gutes Verhältnis 

zwischen Eigengewicht und Formstabilität. 

Die Eigenschaften von 

Bambushalmen werden in ein Flächenmaterial 

übertragen. Die Höhe und 

die Konstruktionen der Mittelschicht 

sowie der Oberflächenmaterialien 

sind variabel und bieten ein breites 

Spektrum an individuellen Möglichkeiten. 

Das selbsttragende Material 

ermöglicht auch andere spezifische 

Anwendungen mit größeren Materialspannweiten 

wie Vordächer, Bühnen, 

Kulissen, Schiffsinnenausbau oder 

Fahrzeugausbau sowie andere Konstruktionen 

mit dem Anspruch 

auf Leichtigkeit und Tragfähigkeit. 

Die Stabilität der Konstruktion wurde 

unter Laborbedingungen getestet. 

Nachdem das Material unter einer 

hundertfachen Krafteinwirkung des 

Eigengewichts zusammenbrach, wurde 

der Test abgebrochen. Bei der siebzigfachen 

Krafteinwirkung des Eigengewichts 

auf die CONBOU-Platte bleibt 

diese unversehrt. 

Preisträger 


Leichtbauplatte 

Modularer Aufbau; Mittelschicht: Bambus; 

Außenmaterialien: variabel (Sperrholz, Bambus, Acryl); 

Stärke variabel 

The production of standard bamboo 

panels causes 40% of waste as clippings; 

moreover bamboo loses its lightness 

in the process. This motivated a procedure 

whereby the bamboo cane is cut 

into oblique pieces and bonded between 

two panel materials. The oblique cut 

enlarges the bonding surfaces and blocks 

the forces. A timber-frame construction 

made from bamboo between two 

surface materials attains a satisfactory 

relationship between inherent weight 

and form stability. The properties of 

bamboo canes are transferred onto a 

surface material. The height and constructions 

of the middle layer and the 

surface materials are variable and 

offer a wide range of individual options. 

The self-supporting material also permits 

other specific applications with 

larger material spans, such as canopies, 

stages and platforms, scenery, ship 

interior extensions and automobile 

extensions, and many more constructions 

demanding lightness and carrying 

capacity. The stability of the panel 

was tested under laboratory conditions. 

After the material collapsed under 

a stress amounting to a hundred times 

its own weight, the test was stopped. 

The CONBOU panel remained intact 

when subjected to seventy times its own 

weight. 

Winner 

1st prize (Product Designs) 

Lightweight panel 

Modular construction: middle layer bamboo; 

Exterior materials: variable (plywood, bamboo, acrylic); 

thickness variable 


176


Jennifer Eckert Aneinander 

Was ist zwischen den Buchstaben? 

Sprechen wir Worte, so verbinden wir 

einzelne aufeinanderfolgende Buchstaben 

eines Wortes. Es gibt Regelungen, 

wie zum Beispiel die Reihenfolge 

der Buchstaben, durch die ein 

Verständnis möglich gemacht wird. 

Ein Rätsel jedoch bleibt, wie der Übergang 

von den geometrischen Buchstaben 

zu einem Wort als Ganzes 

funktioniert, wodurch man beim Lesen 

eines Wortes den vermeintlichen 

Leerraum füllt. Wenn beim Hören eines 

Wortes oder beim Sprechen kein 

Leerraum bemerkbar wird, wie kann 

es dann sein, dass innerhalb eines 

geschriebenen Wortes und zwischen 

den Buchstaben ein solcher Leerraum 

existiert? Jennifer Eckert hat den 

Zwischenraum aller 676 verschiedenen 

Buchstabenkombinationen genäht 

und sie anschließend abfotografiert. 

Neben den Fadenfiguren sind drei 

Bücher entstanden, die diese Fadenfiguren 

in drei unterschiedlichen Abständen 

zueinander zeigen. 

676 verschiedene Fadenfiguren 

Je Figur zwei DIN A4-Papiere, schwarzer Faden und 

drei Künstlerbücher à 23 × 29.4 cm, 704 Seiten 

What is between the letters? While we 

speak we connect single sequenced 

letters of each word. There are rules 

like the order of the letters allowing us 

to comprehend the meaning of the 

words. It is a mystery how the transition 

from the geometrical figures – the letters 

– to the word as a whole works, and 

what it is that fills the assumed empty 

space while reading. Could it be that 

there is no empty space in the spoken 

word, but only used in writing? Jennifer 

Eckert tried to approach these questions 

and sewed each interspace of 

the 676 different letter combinations 

of the alphabet to create threadfigures 

of the empty space. In addition, 

she made three books to show these 

thread-figures with different spacing. 

676 different thread figures 

For each figure two DIN A4 papers, black thread and 

three artist books à 23 × 29.4 cm, 704 pages 

192


Julia Tervoort Black Spaces 

Wie materialisiert sich Licht? Julia 

Tervoort erforscht dies mit Hilfe der 

Fotografie, sowohl sinnlich als auch 

konzeptionell. In einem bildhauerischen 

Arbeitsprozess erkundet sie, wie 

sich Material und Licht zu Form und 

Raum transformieren. Die Bilder 

der Serie black spaces entwickeln aus 

dem spezifischen Einsatz von Licht 

und Schatten sowie der Beschaffenheit 

des Materials in Form, Farbe und 

Textur ihre eigene ästhetische Qualität. 

Mit Hilfe von Gegenlicht und transluzenten 

Materialien faltet sich 

schwarzes Papier zu Form und Raum 

und erschafft eine eigene Realität 

im Bildraum. Die Papierobjekte existieren 

nur für den Moment der Aufnahme. 

Erst das fotografische Bild 

macht das gestalterische Potenzial 

von Licht und Papier erfahrbar und 

eröffnet dem Betrachter die Poesie 

des Raumes. 

6-teilige Serie 

Kunstdrucke, Hahnemühle Photo Rag Pearl, 

gerahmt, 42 × 59.4 cm 

How does light materialise? Julia Tervoort 

explores it using photography, both 

sensuously and conceptually. Through 

a sculptural process, she investigates 

how material and light transform into 

form and space. The images of the 

series black spaces develop their own 

aesthetics due to the specific use of 

light and shade, as well as the properties 

of the material in form, colour and 

texture. By means of backlight and 

translucent materials, black paper is 

folded into form and space, and creates 

its own reality in the image. The paper 

objects exist merely for the instant of 

the photographic take, and only the 

image itself make the creative potential 

of light and paper perceptible for the 

viewer and opens up a poetry of space. 

6-part series 

Fine art prints, Hahnemühle Photo Rag Pearl, 

framed, 42 × 59.4 cm 

208

209 Formulieren & Komponieren / Shape & Compose Fotografie / Photography

220


Julian Kohr Shore Cork 

Eine Zusammenarbeit mit Ivana Low 

und Samein Shamsher. 

In einer Welt, in der die Verschmutzung 

durch Plastik immer weiter zunimmt, 

werden umweltfreundliche Alternativen 

unabdingbar. Der Fokus dieser Arbeit 

lag darin, ein natürliches Bindemittel 

für recyceltes Korkgranulat zu finden 

und damit einen neuartigen Kompositwerkstoff 

zu generieren. Nach langem 

Experimentieren ist es gelungen, 

durch das Kochen von Korkgranulat, 

Algen und Muschelschalen ein Material 

zu gewinnen, welches stabil ist 

und sich leicht in Formen bringen lässt. 

Das Projekt wurde während eines 

Auslandssemesters in Vancouver entwickelt, 

wo Muscheln und Algen einfach 

an der Küste gesammelt werden 

können. Dadurch besitzt das Projekt 

einen sehr hohen lokalen Bezug zu 

dieser Gegend. Für das Korkgranulat 

wurden gebrauchte Weinkorken 

gesammelt und zerkleinert. Durch die 

Variation der Korngrößen konnten 

zusätzlich verschiedene Materialeigenschaften 

erzeugt werden. 

Materialstudie verschiedener Formen und Objekte 

Zermahlener Seetang, Muscheln, Kork, Soda 

A collaboration with Ivana Low and 

Samein Shamsher. 

In a world where pollution caused by 

plastic is ever increasing, it is of paramount 

importance to use environmentally 

friendly alternatives. This work 

focusses on finding a natural binder 

for recycled cork and creating an innovative 

composite material. After long 

experiments, Kohr, Low and Shamsher 

succeeded in extracting a stable but 

malleable material by cooking cork 

granules, seaweed and mussel shells. 

The project was developed during an 

exchange semester in Vancouver where 

mussel shells and seaweed can easily 

be harvested from the shore. The project 

had a strong local reference. Cork 

granules were made by collecting and 

shredding wine corks. The varying sizes 

of granules generated different material 

properties. 

Material study of different forms and object 

Ground seaweed, mussels, cork, soda ash 


232


Jessica Owusu Boakye Carp – Materialstudie mit Zitrusfrüchten 

Carp ist ein aus natürlichen Baustoffen 

bestehendes Material, dessen Masse 

ausschließlich aus Zitrusfrüchten 

hergestellt wird und somit zu 100 % 

biologisch abbaubar ist. Die Oberfläche 

zeichnet sich durch eine marmorierte 

Struktur aus, die je nach Stärke transluzent 

oder blickdicht ist. Durch den 

Einsatz von Wärme, Kälte oder Luft verändert 

sich die Farbe. Unter Lichteinstrahlung 

tritt Carp matt oder glänzend 

in Erscheinung. Sowohl eine 

attraktive Maserung als auch die hohe 

Flexibilität und Belastbarkeit des 

Materials runden den Gesamteindruck 

ab. Das Material beinhaltet antibakterielle 

Stoffe, die vorher zum Schutz 

der Frucht dienten. 

Materialstudie mit Zitrusfrüchten 

Carp is a material based on natural 

components. It is made entirely from 

citrus fruits and is therefore 100 % 

biodegradable. The surface has a 

marbled finish, which is translucent or 

opaque depending on its thickness. 

The influence of temperature and air 

changes the colours. Depending on 

its exposure to light, Carp either appears 

matt or glossy. The attractive marbling, 

as well as the elasticity and durability 

of the material, round off its overall 

impression. The material contains antibacterial 

substances which have been 

used previously to protect fruits and 

make them resistant. 

Material study with citrus fruits 


260


Ein postdigitales Laboratorium: 

Ein imaginärer Dialog mit V. Frankenstein 


Das postdigitale Szenario: Innerhalb der engen 

Grenzen, die das Sichtbare vom Unsichtbaren 

und die physische Welt vom Digitalen trennen, 

wird der Designer zum Wortführer eines neuen 

Verständnisses der Materie. Der Designer verwirklicht 

Dinge durch einen sensiblen Prozess, 

der nicht zu einer simplen traditionellen Verwendung 

der Materie zurückkehrt, wie sie in 

natürlichem Zustand vorliegt. Vielmehr erfindet 

er das Material durch den ausgeklügelten Einsatz 

neuer Fertigungstechniken und Verfahren 

an der Grenze zwischen Organischem und Anorganischem 

neu. 

Im Übergang zu diesem hybrid-operationalen 

Horizont gibt die Gestaltung der Materie ihre 

außergewöhnliche Kommunikationsfähigkeit 

zurück, hebt deren spirituelle und symbolische 

Qualitäten hervor, ohne dabei die Interaktion 

mit den innovativsten Technologien zu vernachlässigen. 

Mit der aktuellen Transformation 

des industriellen Paradigma wandelt sich das 

alte Konzept des Industrieprodukts als statisches 

Objekt hin zu einer neuen Vision eines Organismus 

als Ansammlung interaktiver Teile, entstanden 

im Prozess „lebender Fertigung“. 

Neueste Technologien, Pilotversuche in der 

Do-it-Yourself-Biologie offerieren die Möglichkeit, 

lebende Materialien und Prozesse zu 

gestalten, die sich ihrer Natur gemäß entwickeln. 

Das postdigitale Labor führt uns an neue, noch 

unergründliche Grenzen, die wir im Folgenden 

in einem Gespräch mit Doktor Victor Frankenstein 

über den experimentellen Ansatz des 

Laboratoriums und diesen neuartigen Horizont 

„lebendiger Produktion berühren. 

Fig. 1: Lab – The postdigital lab (tools, prototypes, 

living organism) at the Open Wet Lab of Waag Society, 

Amsterdam. 

Abb. 1: Labor – Das postdigitale Labor (Werkzeuge, Prototypen, 

lebende Organismen) im Open Wet Lab von Waag Society, 

Amsterdam. 

CS Herr Frankenstein, Ihr postdigitales Labor 

konfiguriert sich selbst als ein offenes System 

des Austauschs, in dem Machen und Denken 

durch die Wiedererfindung der rohen Materie koexistieren. 

Während einerseits die Materie mit 

ihren Wandlungen und archaischen Bedeutungen, 

den Entwurf mit taktile Empfindungen und 

fantastischen Imaginationen bereichert, ermöglicht 

andererseits das Digitale mit seiner 

Technologie und seinen Display-Modi neue 

Formen der Modellierung und Herstellung von 

268

A postdigital lab: An imaginary 

dialogue with V. Frankestein 


The postdigital scenario: With a redefinition of 

digital, within the thin boundaries which divide 

the visible from the invisible, the physical world 

from the digital, the designer becomes the 

spokesperson for a renewed understanding of 

matter. He acts through a sensitive process 

which doesn’t return to a simplistic traditional 

use of matter, as it is in its natural state. Rather, 

he reinvents the material subject, through an 

ingenious use of new manufacturing techniques 

and processes, on the border between organic 

and inorganic. 

Towards this hybrid operating horizon, design 

brings back to matter its extraordinary communication 

skills, highlighting the spiritual and 

symbolic qualities, without ever forgetting 

the interaction with the most innovative technologies. 

The current transformation of the 

industrial paradigm is seeing a passage that 

goes from the old concept of the industrial 

product, understood as a static object, to a new 

vision of the organism, understood as a set 

of interactive parts, towards a horizon of living 

manufacturing. The possibilities offered by 

the most recent technologies to develop living 

materials and processes evolve according 

to their own nature, together with a series of 

pilot experiments in the field of DIY biology. 

The post-digital laboratory is leading us towards 

new frontiers, so far considered unsearchable. 

On these considerations, it starts an imaginary 

dialogue with Doctor Victor Frankestein, 

between past and future, about the experimental 

approach of the lab and a sort of new, 

living productive horizon. 

CS Dr Frankenstein, your postdigital lab configures 

itself as an open system of exchange, 

where doing and thinking coexist, through the 

re-invention of the raw matter. If on the one 

hand, matter, with its transformations and archaic 

meanings, provides to the project tactile sensations 

and fantastic imaginaries, on the other 

hand, the digital, with its technological expressions, 

makes accessible a range of display 

modes, new forms of modelling and manufacturing, 

otherwise unknown. The preoccupation 

with matter, in the direction of a deeper understanding 

of technical, aesthetic and symbolic 

potentials of a material, is a way to understand 

nature and its complex structure. The comprehension 

of the mysterious laws of nature is a 

way to integrate ourselves into the world of the 

things that we have built. 

VF The materials currently within my command 

hardly appeared adequate for so arduous 

an undertaking, but I did not doubt that I should 

ultimately succeed. I prepared myself for a 

multitude of obstacles; my operations might be 

incessantly baffled, and at last my work be 

imperfect, yet when I considered the improvement 

which takes place every day in science 

and mechanics, I was encouraged to hope my 

present attempts would at least lay the foundations 

of future success. After having formed 

this determination and having spent some 

months successfully collecting and arranging 

my materials, I began. 

CS Every material has its own cultural references: 

wood is hot, steel is cold, wool gives 

a sense of protection, stone is primordial, the 

mirror is metaphysical, gold is religious, silk is 

transparent. Every material is linked to a precise 

atavistic macrocosm, made up of images, 

stories and behaviours, in continuous evolution. 

In this sense, by the use of this spiritual 

materiality, it takes inspiration for the project. 

Intersections, inclusions, segmentations, overlays, 

metaphors, combinations, improper use 

of the material, symbolic elements, perceptive 

qualities, sensibility, poetry, […] these all are 

just few tools for a material-based investigation. 

VF These thoughts supported my spirits, 

while I pursued my undertaking with unremitting 

ardour. My cheeks had grown pale with study, 

and my person had become emaciated with 

confinement. Sometimes, on the very brink of 

certainty, I failed; yet still I clung to the hope 

of what the next day or the next hour might 

realise. One secret which I alone possessed 

was the hope to which I had dedicated myself; 

and the moon gazed on my midnight labours, 

while, with unrelaxed and breathless eagerness, 

I pursued nature to her hiding places. 

CS The geographic location of the laboratory, 

its spaciousness, the available instrumentation, 

269

Biografien 

Jury 

Prof. Ahn Sang-soo ist ein Grafikdesigner 

und Typograf aus Südkorea, der bekannt 

ist für die Modernisierung des koreanischen 

Alphabets. Er reduzierte die 11.172 möglichen 

Zeichenkombinationen des traditionellen 

Alphabets auf 67. Damit legte er 

die Grundlage für die Überführung der 

Hangulzeichen in die digitale Kommunikation. 

Seit 1991 ist er Professor an der 

Hongik Universität in Seoul. Er ist Herausgeber 

der Zeitschrift Bogoseo / Bogoseo, 

Autor mehrerer Bücher und Gründer des 

Paju Typography Institute. Anh Sang-soo 

war Vizepräsident des International Council 

of Graphic Design, seine Arbeit wurden 

international ausgezeichnet. 

Renate Flagmeier ist leitende Kuratorin 

im Werkbundarchiv – Museum der Dinge 

in Berlin. In ihrer kuratorischen Arbeit 

untersucht sie die Zusammenhänge von 

Kultur und Industrie in der Moderne 

sowie das Thema Waren- und Konsumkultur. 

Geprägt wurde sie durch die Sozialgeschichte 

der Kunst und feministische 

Kunstgeschichte. Das Museum der Dinge 

ist ein Museum der Produktkultur des 

20. und 21. Jahrhunderts. Historischer 

Kern der Institution ist das Archiv des 

Deutschen Werkbunds, ein Interessenverband 

zwischen Kunst und Industrie, der 

sich ab 1907 für zeitgemäßes Design 

und Qualitätskriterien im Entwurf und in 

der Produktion alltäglicher Güter einsetzte. 

Dana Giesecke ist seit 2011 wissenschaftliche 

Leiterin der FUTURZWEI – Stiftung 

Zukunftsfähigkei in Berlin. Sie studierte 

Soziologie mit kultursoziologischem 

Schwerpunkt, Kunstgeschichte und Kommunikationswissenschaft 

an der Technischen 

Universität Dresden und Wissenschaftskommunikation 

und -marketing 

an der Technischen Universität Berlin. Von 

2007 bis 2011 war sie Leiterin der Geschäftsstelle 

der Deutschen Gesellschaft 

für Soziologie am Kulturwissenschaftlichen 

Institut Essen. 

Jan Mammey studierte an der Staatlichen 

Fachakademie für Fotodesign München 

und an der Hochschule für Grafik und Buchkunst 

Leipzig. Nach seinem Diplom war er 

Meisterschüler von Heidi Specker und 

Stipendiat der Kulturstiftung des Freistaates 

Sachsen; der MacDowell Colony, 

New Hampshire und des Blue Mountain 

Center, New York. Werke von ihm befinden 

sich in der Sammlung des Fotomuseum 

Winterthur und der Staatlichen Kunstsammlung 

Dresden. 2013 gewann er den 

beim 5. Internationalen Marianne Brandt 

Wettbewerb den Hauptpreis in der Kategorie 

Fotografie. 

Barbara Schmidt studierte an der Burg 

Giebichenstein Kunsthochschule Halle und 

der Aalto University Helsinki. Nach ihrem 

Abschluss 1991 war sie mitverantwortlich 

für die erfolgreiche Neuausrichtung der 

Porzellanwerke KAHLA. Bei Auslandsaufenthalten, 

unter anderem in Japan, Ungarn 

und den Niederlanden, vertiefte sie ihre 

Keramikkenntnisse. Nach Lehrtätigkeiten 

an verschiedenen Hochschulen, unter 

anderem an der Weißensee Kunsthochschule 

Berlin, der Hochschule für Bildende 

Künste Hamburg und der Universität der 

Künste Berlin, ist sie seit Oktober 2013 

Professorin für Experimentelles Design 

an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. 

Ihre Arbeiten werden international ausgestellt 

und ausgezeichnet worden. 

Prof. Dr. Harald Welzer ist Soziologe und 

Sozialpsychologe. Er ist Mitbegründer und 

Direktor von FUTURZWEI – Stiftung 

Zukunftsfähigkeit, ständiger Gastprofessor 

für Sozialpsychologie an der Universität 

St. Gallen, Mitglied im Rat für nachhaltige 

Entwicklung der Bundesregierung sowie 

im Zukunftsrat des Landes Schleswig- 

Holstein und Professor für Transformationsdesign 

und -vermittlung an der Universität 

Flensburg. Wie einst das Bauhaus einen 

Transformationsprozess in eine moderne 

Welt mitgestaltet hat, geht es angesichts 

des Klimawandels und schwindender 

Ressourcen darum, den Veränderungsprozess 

zukunftsfähig zu gestalten. 

Zeitguised ist ein preisgekröntes Digital 

Art Studio, das 2001 von dem deutschen 

Architekten Henrik Mauler und der amerikanischen 

Bildhauerin und Modekünstlerin 

Jamie Raap mit dem Interesse gegründet 

wurde, den Bereich zwischen Imagination, 

virtueller Konstruktion und Realismus 

zu untersuchen. Die erlesenen Realitäten, 

die Zeitguised modelliert, sind eine Verbindung 

aus verführerischem Design, 

gegenwartsnaher Kunst, handgefertigten 

Algorithmen und maßgeschneiderten 

generativen Verfahren. Formen, Farben, 

Bewegungen verwirklichen sich selbst als 

autonome Lebensformen, verhalten sich 

wie Geistererscheinungen in einer künstlichen 

Choreographie, in Bewegungen, die 

fantastisch aber doch vertraut anmuten. 

Teilnehmer 

Henriette Ackermann ist Textil- und Flächendesignerin. 

Ihr Interesse liegt darin, neue 

spannende Materialien und Materialkombinationen 

für den Bereich Produkt- und 

Oberflächendesign zu entwerfen. Dafür 

verbindet sie Produktdesign-Ideen mit 

einem feinen Verständnis für Oberflächenqualität 

und den Geschichten, die jedes 

Material assoziiert. Derzeit arbeitet im 

Bereich Designtrends im VW Group Future 

Center Europe. Ackermann studierte 

Textil- und Flächendesign an der Weißensee 

Kunsthochschule Berlin. 

Sophie Aigner lebt und arbeitet in Berlin. 

In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit 

Bildhauerei und Fotografie und deren 

Schnittstellen. Sie hat an der Hochschule 

für Bildende Kunst Hamburg studiert und 

arbeitet als Autorin, Fotografin und 

Redakteurin. Ausgewählte Ausstellungen: 

12 ISSUES, B2, Leipzig (2016); The Walk, 

Museo dell’ Osservatorio Vesuviano, Neapel; 

Wo der Rotz rausfließt, da fließt er auch 

wieder hinein, Loris, Berlin; Auflösung und 

Neuordnung, D21, Leipzig (alle 2015). 

Anna Badur lebt und arbeitet als Designerin 

in Berlin. Sie hat an der Design Academy 

Eindhoven studiert. Seit 2012 betreibt sie 

das Studio Anna Badur. Ausgewählte Ausstellungen: 

State of Design, Berlin (2016); 

Salone, Satellite, Salone del Mobile Mailand; 

Pure Talents Contest, imm Köln; Stilwerk 

Design Gallery Hamburg; London Design 

Festival, Mint Gallery London (alle 2015); 

BIO 50, Design-Biennale Ljubljana; International 

Ceramics Festival ’14 Mino (beide 

2014). 

Clara Bahlsen lebt und arbeitet in Berlin. 

Sie hat an der Universität der Künste in 

Berlin Visuelle Kommunikation studiert und 

war Meisterschülerin von Fons Hickmann. 

An der Ostkreuzschule für Fotografie in 

Berlin war sie in der Postgraduiertenklasse 

bei Robert Lyons und Ute Mahler. Von 

2014 bis 2015 hatte sie einen Lehrauftrag 

an der Universität der Künste Berlin. Ihre 

Arbeiten finden sich in unter anderem in den 

Sammlungen der C/O Berlin Bibliothek und 

des MoMAs, New York. 

Anna Baranowski lebt und arbeitet in Leipzig. 

Sie studierte Medienkunst an der Hochschule 

für Grafik und Buchkunst. Wiederkehrendes 

Sujet ihrer Werke ist das Ringen 

zwischen Macht und Ohnmacht. Angefangen 

bei der Reflexion ihrer Rolle als Kunstschaffende, 

reflektiert sie kollektive Phänomene 

menschlichen Verhaltens innerhalb 

der massenmedialen Welt. Ihre Arbeit 

umfasst Videoinstallationen, Fotografien, 

Skulpturen und Interventionen im medialen 

öffentlichen Raum und ist in zahlreichen 

Ausstellungen (unter anderem in den Staatlichen 

Kunstsammlungen Dresden) zu sehen. 

Maximilian Behrens hat sein Designstudium 

2015 an der Weißensee Kunsthochschule 

Berlin abgeschlossen und arbeitet als freiberuflicher 

Designer im Bereich Human 

Interactions. Jonas Schneider hat einen 

Bachelor und arbeitet an seiner Masterarbeit 

zum Thema Interaktion mit teilautonomen 

Objekten. 

Helene Bierstedt studiert Modedesign an 

der Hochschule für angewandte Wissenschaften 

in Hannover. Im Rahmen ihres 

Studiums arbeitet sie an einem Forschungsprojekt 

über Slow Fashion, das die gegenwärtige 

Modeindustrie hinterfragt und 

alternative Designstrategien ausprobiert. 

Ihre Arbeiten und Entwürfe sind geprägt 

277

Biographies 

Jury 

Prof. Ahn Sang-soo is a graphic designer 

and typographer from South Korea who is 

known for the modernisation of the Korean 

alphabet. He reduced the 11,172 possible 

character combinations of the traditional 

alphabet to 67, providing the basis for the 

transformation of the traditional Hangul 

for digital communication. He has been 

professor at the Hongik University in Seoul 

since 1991. In 1988, he founded the 

magazine Bogoseo / Bogoseo and the Paju 

Typograpy Institute. He has also published 

several books. Anh Sang-soo was vicepresident 

of the International Council of 

Graphic Design, and his work has been 

awarded internationally. 

Renate Flagmeier is senior curator at the 

Werkbund Archive – Museum der Dinge 

in Berlin. In her curatorial work she is, 

among others, working on the contexts of 

culture and industry in modern times and 

the subject of goods and consumer culture. 

Her work is informed by social history 

of art and feminist art history. The “Museum 

of Things” is a museum of product culture 

of the 20th and 21st century. The historical 

core of the institution is the archive of 

the Deutscher Werkbund (1907), an association 

between art and industry, which 

advocated for a contemporary design and 

for quality in the design and production of 

everyday goods. 

Dana Giesecke has been the scientific director 

of FUTURZWEI – Stiftung Zukunftsfähigkeit 

in Berlin since 2011. She studied 

sociology with a focus on cultural sociology, 

art history and communication sciences 

at the Technical University of Dresden and 

science communication and marketing at 

the Technical University of Berlin. From 

2007 to 2011 she was head of the German 

Sociological Association at the Institute 

of Cultural Studies in Essen. 

Jan Mammey studied at the State Academy 

of Photographic Design in Munich and at 

the Academy of Visual Arts Leipzig. After 

his graduation he was “Meisterschüler” of 

Heidi Specker and a fellow of the Cultural 

Foundation of the Free State of Saxony; 

the MacDowell Colony, New Hampshire 

and the Blue Mountain Center, New York. 

His works has been acquired by collections, 

such as the Collection of the Fotomuseum 

Winterthur and the State Art Collections 

Dresden. In 2013, he won the grand prize 

at the 5th International Marianne Brandt 

Contest in the category Photography. 

Barbara Schmidt studied at the Burg 

Giebichenstein University of Art and Design 

Halle and the Aalto University Helsinki. 

After graduating in 1991, she was responsible 

for the successful realignment of the 

KAHLA porcelain factory in the turbulent 

years of German reunification. During 

multiple stays abroad, among others, in 

Japan, Hungary and the Netherlands, she 

deepened her knowledge of ceramics. 

Since October 2013, she is professor of 

Experimental Design at the Weißensee 

Academy of Art Berlin, after teaching at 

various universities (Weißensee Academy 

of Art Berlin, the Academy of Fine Arts 

of Hamburg and the University of the Arts 

Berlin). Her work has been exhibited and 

awarded internationally. 

Prof. Dr. Harald Welzer is a sociologist and 

social psychologist. He is co-founder and 

director of FUTURZWEI – Stiftung 

Zukunftsfähigkeit – a foundation for future 

viability. Welzer is a permanent visiting 

professor of social psychology at the University 

of St. Gallen, a member of the 

German Council for Sustainable Development 

and the Schleswig-Holstein Council 

for Future Development, and professor of 

Transformation Design at the University 

of Flensburg. Just as the Bauhaus once 

helped to shape a transformation process 

into a modern world, it is important – in 

the face of climate change and dwindling 

resources – to make this process of 

change and transformation viable for the 

future. 

Zeitguised is an award-winning studio of 

artists, designers and technologists providing 

consultancy for synthetic art and 

design with in-house creative direction and 

production. The studio was established in 

2001 by German architect Henrik Mauler 

and American sculptor and fashion artist 

Jamie Raap with an interest to explore the 

zone between imagination, virtual construction 

and realism. The exquisite realities 

of Zeitguised are crafted as a unique blend 

of seductive design, contemporary art, 

handcrafted algorithms, and tailored generative 

methods. Shapes, colours, movements 

realise themselves as autonomous 

life forms, behave like ghosts in an artificial 

choreography, with movements that are 

imaginary yet familiar. 

Participants 

Henriette Ackermann is a textile and surface 

designer. Her main interest lies in 

designing new, exciting materials and material 

combinations in the sphere of product 

and surface design. She combines design 

ideas with a subtle understanding of surface 

quality and the stories associated with 

the material. She is currently working in the 

field of design trends at the VW Group 

Future Centre Europe. Ackermann studied 

textile and surface design at the Weißensee 

Academy of Art Berlin. 

Sophie Aigner lives and works in Berlin. 

In her practice, she primarily focuses 

on sculpture and photography and the 

relationship between both. She studied 

visual arts at the HfBK Hamburg and works 

as an author, photographer and editor. 

Selected exhibitions: ISSUES, B2, Leipzig 

(2016); The Walk, Museo dell’ Osservatorio 

Vesuviano, Naples; Wo der Rotz rausfließt, 

da fließt er auch wieder hinein, Loris, 

Berlin; Auflösung und Neuordnung, D21, 

Leipzig (all 2015). 

Anna Badur lives and works as a designer in 

Berlin. She studied at the Design Academy 

Eindhoven. Since 2012 she has been running 

Studio Anna Badur in Berlin. Selected 

exhibitions: State of Design, Berlin (2016); 

Salone, Satellite, Salone del Mobile Milan; 

Pure Talents Contest, imm Cologne; Stilwerk 

Design Gallery Hamburg; London Design 

Festival, Mint Gallery London (all 2015); BIO 

50, Design Biennale Ljubljana; International 

Ceramics Festival ’14 Mino (both 2014). 

Clara Bahlsen lives and works in Berlin. 

She studied visual communication at the 

Berlin University of the Arts, where she 

was a “Meisterschüler” of Fons Hickmann. 

She was in the post-graduate class with 

Robert Lyons and Ute Mahler at the 

Ostkreuz School of Photography in Berlin. 

From 2014 to 2015 she was a lecturer at 

the Berlin University of the Arts. Since 

2009 she has been exhibiting widely and 

has received numerous prizes and scholarships. 

Her works has been acquired by 

collections, such as C/O Berlin Library and 

the MoMA, New York. 

Anna Baranowski lives and works in Leipzig. 

She studied media art at the Academy of 

Fine Arts Leipzig. A recurring subject in her 

practice is the struggle between power and 

powerlessness. Starting with the reflection 

of her role as an artist, she focuses on the 

collective phenomena of human behaviour 

within the world of mass media. She creates 

video installations, photographs, sculptures 

and interventions in the media public 

space. Besides multiple exhibitions she is 

also represented in the Dresden State Art 

Collections. 

Maximilian Behrens completed his studies in 

design in 2015 at the Weißensee Academy 

of Art Berlin and is currently working as 

a freelance designer in the field of human 

interactions. Jonas Schneider completed 

his BA in 2015 and is working on his Masters 

degree at the Weißensee Academy of 

Art Berlin on the subject of interaction with 

partly autonomous objects. 

Helene Bierstedt studies fashion design at 

the Hannover University of the Applied 

Sciences and Arts. As part of her research 

she is working on a project on slow fashion, 

which questions the contemporary fashion 

industry and tests alternative design 

strategies. Her work is influenced by an holistic 

approach, focusing on sustainability, 

diversity and long service life. 

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Anke Binnewerg works as an artist, curator 

and scientist in Dresden. Between 1999 

and 2009 she studied visual arts, monumental 

preservation and urban development. 

From 2003 to 2004 she was a guest 

student at the Faculty of Monumental Art 

at the Vilnius Academy of Art. Since 2005 

Binnewerg has given various lectures and 

workshops, among others, at the Academy 

of Fine Arts and the University of Technology 

in Dresden, at the Bauhaus University 

Weimar. Her work focuses on the public 

space and the history of the 20th century. 

Jessica Owusu Boakye focuses on the 

possibilities of resource-friendly architecture 

and design. She studies design and 

media in Hannover. Prior to this, she completed 

her studies in product and industrial 

design in Hamburg and Hangzhou (China). 

Marvin Boiko is a communication designer. 

He completed his studies at the Fachhochschule 

Dortmund in 2011. Since 2012 

he has been working at L2M3 in Stuttgart. 

For his work, he was recently awarded with 

the Taipei International Design Award 2017. 

Bogdan Andrei Bordeianu studied photography 

at the National University of 

Arts in Bucharest. Selected exhibitions: 

Temporary Landscapes, Galeria Posiblia, 

Bucharest (2016); What about y[our] 

memory, MNAC, Bucharest (2014); Temporary 

Structures, International Photography 

Festival, Plovdiv (2012); Alert Studio, 

Bucharest (2011); Roarchive, Romanian 

Cultural Institute, Venice (2009). 

Maria Braun lives and works as a designer 

in Berlin. She studied product design at 

the Weißensee Academy of Art Berlin and 

focuses on material culture and everyday 

objects. She is especially preoccupied 

with materiality and material-compliant 

design, as well as sensual experience and 

sustainability. Her particular interest is in 

the materials ceramic and glass. 

Sarah Bräuner is a designer focusing on 

food and table culture. She studied product 

design at the Weißensee Academy 

of Art Berlin and the Emily Carr University 

of Art+Design. Her work questions the 

relationship of human being and nutrition, 

the history and significance of food, 

and the underlying rituals and traditions. 

Marcia Breuer studied classical dance 

between 1989 and 1997 at the John 

Cranko School in Stuttgart. After engagements 

at theatres in Stuttgart and 

Meiningen she studied visual communication 

at the Academy of Fine Arts in Hamburg. 

Selected exhibitions: Von unadressierten 

Erscheinungen, MOM art space, Hamburg 

(2016); translator, Triennale der Photographie 

Hamburg, Galerie 21 – Künstlerhaus 

Vorwerkstift (2015); Hello/picturesque 

village in the European Alps e.g., c/o 

schocke, Hamburg (2015). 

Paula van Brummelen graduated from the 

Bern University of the Arts with a Masters 

degree in art education. She also holds a 

degree in art history from the University of 

Bern and a Masters degree in textile and 

surface design from Weißensee Academy 

of Art Berlin. Selected exhibitions: Neu 

Now Festival, Art Basel, Campus der Künste, 

Basel (2015); Seeing as hearing, Hanns 

Eisler Kunsthochschule, Berlin (2015); 

Schlaue Textilien, Fraunhofer Forum, 

Munich (2012). 

Simon Busse lives and works as a designer 

in Stuttgart. He studied industrial design 

at the Stuttgart State Academy of Art and 

Design and at the Design Academy Eindhoven. 

After working with Frank Tjepkema, 

Amsterdam; Xavier Claramunt, Barcelona 

and Gonzalo Mila, Barcelona, he started 

his own practice in 2006. His work has 

received numerous awards and has been 

published in several magazines. 

Kristin Dolz studied at the Weißensee 

Academy of Art Berlin. She interned and 

worked as an associate at the design studio 

DRIFT in Amsterdam, Deutsche Werkstätten 

Dresden Hellerau, Modellbau werk5 

Berlin and at Fjord Berlin. Her works has 

been exhibited in +ultra, gestaltung schafft 

wissen (2016) at Martin-Gropius-Bau Berlin. 

Jennifer Eckert is a freelance typographer. 

She studied communication design with 

a focus on typography and design at 

the Muthesius Academy of Fine Arts and 

Design in Kiel. Selected exhibitions: 

Muthesius Award for Art, Space and Design, 

Kunsthalle zu Kiel (2016); Dear Reader, 

Koo Ming Kown Gallery, Hong Kong 

(2016); Dialogues about books, Institute 

for Book Research, Dortmund (2015). 

Patricio Farrell is a visiting professor at 

the Hamburg University of Technology 

(TUHH) and a researcher at the Weierstrass 

Institute (WIAS) in Berlin, working on 

finite volume methods for semiconductors. 

After graduating in mathematics at the 

University of Hamburg, he completed a 

doctorate (DPhil) in mathematics at the 

University of Oxford. Besides his research 

Farrell works as a freelance journalist. 

Demeter Fogarasi is a product designer. 

He studied at the University of Technology 

and Economics and at the Moholy-Nagy 

University of Art and Design in Budapest. 

Selected exhibitions: Hungarian Design 

Award, Budapest (2015); OTTHON 

Design, Hungarian Design Fair; Stockholm 

Furniture Fair, Stockholm (both 2014). 

Nikolai Frerichs has been trained as a 

photographer in Kiel. Since 2015 he has 

been living in Hamburg where he works 

freelance for various commercial photographers 

and is studying communication 

design with a focus on photography at the 

University of Applied Sciences. 

Aldo Freund studied product design until 

2013 at the Offenbach University of Arts 

and Design. Since 2007 he has been 

working freelance in the fields of spatial 

and exhibition design, as well as product 

design. He has received commissions from 

the Frankfurt Fair and the Frankfurt Palmengarten, 

among others. 

Kalinka Gieseler lives and works in Leipzig 

and Berlin. She studied photography at 

the Bremen University of the Arts and at 

the Academy of Fine Arts Leipzig. Selected 

exhibitions: FdjT, pretend to work II, Kunstverein 

Frankfurt (2016); 2.5.0.– Object is 

meditation and poetry, Grassimuseum 

Leipzig (2015); Win/Win, Halle14, Baumwoll- 

Spinnerei Leipzig (2014). 

Antje Gildemeister studied at the Academy 

of Fine Arts Leipzig. Selected exhibitions: 

Screen, Thaler Originalgrafik, Leipzig (2016); 

Vector, Diploma at the Academy of Visual 

Arts Leipzig (2016); PR!NT, La Cambre 

Galerie, Brussels (2015); Brest< >Leipzig, 

Centre d’art Passerelle, Brest (2012). She 

lives and works in Leipzig. 

Jeanette Goßlau studied media art at the 

Bauhaus University Weimar and at the 

University of the Arts Berlin. In 2016, she 

was “Meisterschüler” in the Art and Media 

department at the University of the Arts. 

Wassilij Grod is a designer and developer. 

He studied product design at the Bauhaus 

University Weimar. In China he researched 

on production sites, material use and 

traditions related to bamboo as a starting 

point of his bamboo works. Since 2008 

Grod has been designing material compliant 

applications made from bamboo. 

Andreas Gruner is an artist based in Berlin. 

He studied at the Bremen University of the 

Arts and the University of the Arts Berlin. 

Together with Florian Bielefeldt, Gruner has 

formed the artist group Die Fortunisten 

which addresses questions on renewable 

energy production and forms of artificial 

intelligence. Selected exhibitions: Transhuman 

Motivation, Kreuzberg Pavillon, 

Berlin; Fundamental, 5th Meditation Biennale 

Poznań; Cellu l’ art, Kurzfilmfestival 

Jena (all 2016); Die Mondhand, Künstlerdorf 

Schöppingen (2014). 

Almut Hilf studied art history at Karlsruhe 

University, photography in the field of 

contemporary art with Peter Piller at the 

Academy of Fine Arts Leipzig, and photography 

at the Hamburg Academy of Art 

with Silke Großmann and Katharina 

Gaenssler. Her work focuses on how architectural 

themes can be combined with 

photography, and vice versa. 

Chiara Isadora Artico is an art expert, art 

advisor, curator, and former researcher at 

Ca’ Foscari University, Venice. She studied 

at the University of Florence and graduated 

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