Materialeffekte

JovisVerlag
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ISBN 978-3-86859-504-8
https://www.jovis.de/de/buecher/product/materialeffekteproduktentwuerfe-fotografien-versuchsanordnungen.html

Materialeffekte

Produktentwürfe, Fotografien, Versuchsanordnungen

6. Internationaler Marianne Brandt Wettbewerb

Material Effects —

Product Designs, Photographs, Experiments

6th International Marianne Brandt Contest


Materialkte

Mat Effekte

ter fe te

Ma

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Materialkte

Mat Effekte

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Material


Materialcts

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Inhalt / Contents

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17

41

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96

142

186

230

276

Editorial

Materialeffekte – oder warum es wichtig ist,

woraus die Dinge sind

Material Effects – or why matter matters

Jury

Index

Nominierte Arbeiten

Nominated Works

Erinnern & Bedeuten

Remember & Convey

Berührt werden

Being Touched

Wirken lassen

Letting Things Take Effect

Formulieren & Komponieren

Shape & Compose

Zirkulieren & Weitergeben

Circulate & Pass On

Biografien

Biographies


Editorial

Der Internationale Marianne Brandt Wettbewerb lädt alle

drei Jahre weltweit junge Gestalter, Fotografen und Künstler

ein, Fragen und Ideen der klassischen Moderne aus

heutiger Sicht neu zu bearbeiten. Gefragt sind Arbeiten,

die sich nicht nur äußerlich auf die gestalterischen und

künstlerischen Arbeitsfelder der Bauhäuslerin, Produktgestalterin

und Fotografin Marianne Brandt beziehen.

Vielmehr sollen sie auch die damit einst verbundenen

Hoffnungen und Visionen reflektieren, dass nämlich jede

noch so praktisch nützliche Gestaltung mit der Herstellung

eines ästhetisch-utopischen Mehrwerts und mit der

Idee eines besseren und schöneren Lebens verbunden

sein sollte.

Materialeffekte lautet das Thema der 6. Ausgabe des

Wettbewerbs, in dessen Ergebnis eine Ausstellung im

Industriemuseum Chemnitz gezeigt wurde und auch die

hier vorliegende Publikation entstanden ist. Ein einseitig

auf möglichst effektive Materialverarbeitung und Herstellung

neuer und neuester Produkte zielendes Gestalterinteresse

eröffnet kaum mehr sinnvolle Perspektiven

in einer Welt, die offensichtlich ohnehin viel mehr Materie

verbraucht und verwertet, als es jede ökologische

Vernunft gebietet. Wenn der Internationale Marianne

Brandt Wettbewerb Gestalter und Künstler danach

fragt, was ihnen Materialeffekte heute bedeuten, wie

sie sich einen zukunftsfähigen Umgang mit Ressourcen,

Stoffen und Materialien vorstellen, dann wird bewusst

Bezug genommen auf die Auseinandersetzungen

mit materialgerechter Gestaltung und Materialerkundungen

in der klassischen Moderne und am Bauhaus

der 1920er 9

Jahre.


Editorial

Every three years, the International Marianne Brandt

Competition invites young designers, photographers,

and artists from around the world to reappraise questions

and ideas relating to classical modernism from a

current standpoint. It calls for works that refer not only

externally to the creative and artistic fields of work of the

Bauhaus member, product designer, and photographer

Marianne Brandt. Instead, they should also reflect the

hopes and visions once associated with her work, namely

that every design, no matter how practical and useful,

should be bound up with the production of an aesthetic

and utopian value and with the idea of a better and more

beautiful life.

Material Effects is the theme of the 6th edition of the

competition, which resulted not only in an exhibition at

the Saxon Museum of Industry in Chemnitz, but also

the creation of this publication. A one-sided designer

interest that aims to process material as effectively as

possible and to create new and newest products hardly

opens up appropriate perspectives any longer in a world

that in any case is evidently using and exploiting much

more material than all ecological sense dictates. When

the International Marianne Brandt Competition asks

designers and artists what Material Effects mean today,

how they imagine a sustainable handling in future of

resources, substances and materials, deliberate reference

is being made to the tackling of material-compliant

design and material research in classical modernism and

at the Bauhaus in the 1920s.

13


Materialeffekte – oder warum es wichtig ist,

woraus die Dinge sind

Linda Pense

der bauhäusler befaßte sich also in seinen anfangsübungen

mit dem material vorwiegend mittels seiner

tastorgane (das tastorgan ist gleichzeitig organ für

druck-, stich-, temperatur-, vibrations- usw. empfindungen).

er holt sich die verschiedensten materialien

zusammen, um mit ihrer hilfe möglichst viele verschiedene

empfindungen registrieren zu können, er

stellt sie zu tasttafeln zusammen, die teils verwandte,

teils kontrastierende tastempfindungen enthalten.

[…] nach kurzer oder längerer übung ist er fähig,

diese elemente so zusammenzustellen, daß sie einem

vorgefaßten ausdruckswunsch entsprechen.

(László Moholy-Nagy, 1929) 1

Wer am Bauhaus studieren wollte, hatte zuvor den einbis

zweisemestrigen Vorkurs zu absolvieren, der dem Erkunden

und spielerischen Erforschen von Eigenschaften

verschiedenster Materialien gewidmet war. Das kleine,

nur knapp 8 cm hohe „Teeextraktkännchen“ von Marianne

Brandt, das sie im 1924 im Bauhaus-Vorkurs entworfen

hatte, gilt heute als eine Ikone eines formbewussten, wie

materialverehrenden Bauhaus-Designs.

Das Kännchen ist aufwändig glatt und präzise aus Messingblech

getrieben. Das Innere der Kanne hat Brandt

versilbert und die Griffe am Korpus und am Deckel in

schwarzem Ebenholz ausgeführt. Die einfachen geometrischen

Formen Quadrat – Kreis – Dreieck bestimmen

17

1 László Moholy-Nagy: Von Material zu Architektur, München 1929, S. 21.


Material Effects – or why matter matters

Linda Pense

“So in his preliminary exercises the Bauhäusler – the

Bauhaus student – addressed material primarily by

means of his tactile senses (the tactile senses are

also those for sensations of pressure, pricking, temperature,

vibration, etc.). He gathers together diverse

materials in order with their help to register as many

different sensations as possible, he puts them together

as touch panels that contain partly related,

partly contrasting sensations. […] After shorter or

longer practice he is capable of putting these elements

together in such a way that they correspond

to a preconceived wish for expression.”

(László Moholy-Nagy, 1929) 1

Anyone who wanted to study at the Bauhaus had to complete

a two-semester preliminary course focusing on investigating

and playfully researching the properties of a

variety of materials. The small tea infuser by Marianne

Brandt, around 8 cm tall and designed in 1924 in the Bauhaus

preliminary course, is deemed today to be an icon

of Bauhaus design, as assured in its aesthetics as it is

respectful of the material.

The pot is elaborately hammered, smoothly and precisely,

out of sheet brass. Marianne Brandt silver-plated the

inside of the pot; the handles on the body and on the lid

are made of black ebony. The plain geometric forms of

square – circle – triangle define the overall composition

and also the individual elements of the pot. Due to the

41

1 László Moholy-Nagy: Von Material zu Architektur, Munich 1929, p. 21.


Jury

Ahn Sang-soo

Typograf / typographer

Renate Flagmeier

Kuratorin / curator

Werkbundarchiv Berlin

Dana Giesecke

Soziologin / sociologist

Jan Mammey

Fotograf / photographer

Barbara Schmidt

Porzellangestalterin /

porcelain designer

Harald Welzer

Sozialwissenschaftler /

social scientist

Zeitguised

Animationskünstler /

animation artists

62


Erinnern & Bedeuten

Remember & Convey

66 Anke Binnewerg

70 Jeanette Goßlau

72 Hans-Jörg Pochmann

76 Clara Bahlsen

80 Marcia Breuer

84 Tassilo Rüster

86 Malte Sänger

90 Jonathan Radetz

92 Birgit Severin

94 Textbeitrag von/

Text contribution by

Sophie Aigner

Berührt werden

Being touched

100 Maximilian Behrens &

Jonas Schneider

102 Demeter Fogarasi

104 Aldo Freund

106 Adrianus Kundert

108 Sandra Stark &

Carmina Blank

112 Antje Gildemeister

116 Kalinka Gieseler

120 Valerie Schmidt

122 Maria Braun

124 Sarah Bräuner

126 Paula van Brummelen

128 Simon Busse

130 Anastasiya Koshcheeva

132 Moritz Schauerhammer

134 Textbeitrag von/

Text contribution by

Andy Scholz

Patricio Farrell

Wirken lassen

Letting Things Take Effect

146 Marvin Boiko

148 Alberto Lago

150 Ulrike Mäder &

Agnieszka Partyka

152 Ilka Raupach

154 Sophie Aigner

158 Nikolai Frerichs

162 Sabrina Jung

164 Falk Messerschmidt

168 Lou Mouw

172 Katharina Kantner-Wölger

176 Wassilij Grod

178 Elena Tezak

180 Textbeitrag von/

Text contribution by

Chiara Isadora Artico

Formulieren & Komponieren

Shape & Compose

188 Henriette Ackermann

190 Anna Baranowski

192 Jennifer Eckert

194 Amelie Marei Löllmann

196 Kristin Dolz

200 Andreas Gruner

204 Almut Hilf

208 Julia Tervoort

210 Anna Badur

214 Verena Kuck

218 Marcel Pasternak

222 Nico Reinhardt

224 Textbeitrag von/

Text contribution by

Steffen Reiter

Zirkulieren & Weitergeben

Circulate & Pass On

232 Julian Kohr

234 Katrin Krupka

236 Maria Silies

238 Studio Umschichten

242 Bogdan Andrei Bordeianu

246 Marta Kryszkiewicz

250 Walter Oppel

254 Helene Bierstedt

258 Jessica Owusu Boakye

260 Tim Mackerodt

262 Chuana Mahlendorf

264 Laura Quarz

266 Leon Rinne

268 Textbeitrag von/

Text contribution by

Chiara Scarpitti

63


Erinnern & Bedeuten

Remember & Convey

Anke Binnewerg

Jeanette Goßlau

Hans-Jörg Pochmann

Clara Bahlsen

Marcia Breuer

Tassilo Rüster

Malte Sänger

Jonathan Radetz

Birgit Severin

Textbeitrag von /

Text contribution by

Sophie Aigner


„Selbstvergewisserung ist nötiger denn je in einer Zeit,

in der so ziemlich alles aus den Fugen zu geraten scheint,

was viele Jahre als gefühlte Gewissheit gelten konnte:

dass Frieden ist, Europa zwar holpert, aber zusammengehört,

dass all die Kriege auf der Welt mit uns nichts zu

tun haben, ja, dass wir überhaupt auf einer Insel leben.

Stimmt alles nicht. Aber wenn man in solchen Zeiten

nicht nur Zuschauer sein will, braucht man etwas, worauf

man sich beziehen kann: Identität, das Wissen, wer

man ist und wer man sein möchte.“

“Self-reassurance is more necessary than ever at a time

when more or less everything seems to be going off the

rails; for many years this was valid as a felt certainty:

that peace exists; that Europe might be stumbling along

but belongs together; that all the wars in the world have

nothing to do with us; indeed, that we are actually

living on an island. None of this is true. But if we want

to be more than just spectators in these times, we need

something we can relate to: identity, the knowledge of

who we are and who we would like to be.”

Harald Welzer, “Wir müssen reden”, in: National Geographic Deutschland, Heft / No. 03 / 2016.


Hans-Jörg Pochmann The question concerning the sustaining

support of digital objects

„In meiner Arbeit zerbreche ich mir produktiv

den Kopf darüber, was Derrida

als das ‚Geheimnis ohne Rätsel‘ des

Computers bezeichnete: die im wahrsten

Sinne des Wortes unbegreifliche,

aber bei Weitem nicht immaterielle

Realität der virtuellen Objekte, mit der

uns Rechner konfrontieren; oder, anders

ausgedrückt, mit ihrer Unzuhandenheit.

Anstatt mich auf die funktionale,

logische, also sprachliche Realität der

Rechner zu konzentrieren, versuche

ich vielmehr, digitale Geräte als ‚Dinge‘

zu begreifen. Ich beabsichtige, den

hermeneutischen Prozess zu untersuchen,

in dem ihre extrem hochentwickelten

Interfaces ganz plötzlich

hinter der virtuellen Realität verschwinden,

die sie animieren. Wie kann

ich diesen ungesehenen Körper greifbar

machen?“

Homage to Dieter Roth

(such stuffing / as dreams are made on)

Wurst aus gemahlenen iPad der ersten Generation,

½ Zwiebel, 1 Knoblauchzehe, Gewürzen, Kräutern

und Rotwein; in eine Wursthülle gefüllt.

Literally (to kindle Kindle)

Video-Loop (2″) dokumentiert die Einstellung eines

Amazon Kindle E-Book-Readers in Brand.

Tagesschau

Videoschleife (19″), die zeigt, wie Nachrichtensprecher

der Tagesschau zärtlich über die Blätter

streichen, auf die sie nie sehen.

The Information I

(on killing one’s darling and creating content)

Teil 1: Buch, Gravitation, Kraft

Teil 2: mp4 Videodatei (17″30')

dokumentiert Teil 1

Teil 3: Laserdruck auf Papier (in Buch gebunden)

Teil 4: kommerzielles Offsetdruckplakat,

geschnitten, E-book, zwei Scannergläser, Nägel,

E-Book-Datei auf dem Server

“Through my work, I try to productively

ponder on Derrida’s notion of the ‘secret

without mystery’ of the computer:

the literally ungraspable, but by far not

immaterial reality of the virtual objects

with which they are confronting us;

or to put it differently, their out-oftouchness.

Instead of focusing on the

functional, logical, and thus linguistic

reality of the computer, I try to find ways

to look at digital devices as material

‘things’. I aim to investigate the hermeneutical

process in which their highly

sophisticated interfaces become informational.

What happens to the body

of the digital machine once it is unseen?”

Homage to Dieter Roth

(such stuffing / as dreams are made on)

Sausage made from a ground first generation iPad,

½ onion, 1 clove of garlic, spices, herbs, and red wine;

stuffed into a sausage casing.

Literally (to kindle Kindle)

Video loop (2″) documenting the act of setting an

Amazon Kindle e-book reader on fire.

Tagesschau

Video loop (19″) showing how news anchors of the

Tageschau are tenderly caressing the sheets of paper

they are never looking at.

The Information I

(on killing one’s darling and creating content)

Part 1: book, gravitation, force

Part 2: mp4 video file (17″30') documenting part 1

Part 3: laser prints on paper (bound into book)

Part 4: commercial offset printed poster, cut, e-book,

two scanner glasses, nails, e-book file on server

72


73 Versuchsanordnungen Experiments


78


79 Fotografie Photography


Birgit Severin Ashes

Blumen sind ein Symbol von Jugend und

Schönheit. Gleichzeitig sind sie mit

ihrem kurzen Lebenszyklus dem Zerfall

ausgesetzt und werden so zu einem

Sinnbild für Vergänglichkeit und Tod.

Ashes ist eine Serie von Vasen, die

sich mit dem Thema Schönheit und

Vergänglichkeit auseinandersetzt.

Der Prozess des Verwelkens und Vergehens

wurde häufig in Vanitas Stillleben

der flämischen Malerei aus dem

17. Jahrhundert dargestellt. Ashes

interpretiert dieses Thema neu in skulpturalen

Alltagsobjekten. Jede Vase ist

ein Unikat und kombiniert in ihrem

Entstehungsprozess moderne Technik,

wie 3D-Drucke und Gummi-Rotationsverfahren

mit Handarbeit.

Preisträger

3. Preis (Produktentwürfe)

Vase

3D-Druck, Gummi-Rotationsverfahren, Handarbeit

Flowers are symbols of beauty and youth.

At the same time, in their decay they

become reminders of life’s brevity and

the inevitability of death. The expressive

power of withering was commonly used

to represent the idea of vanitas in art,

particularly in seventeenth-century

Flemish painting. Ashes is a series of

rubber vases that reinterprets this concept

in sculptural everyday objects,

acknowledging both beauty and transience

of life. Each vase is a unique

object and utilises 3D printing and rubber

rotation casting, thus combining the

latest production techniques with craft.

Winner

3rd prize (Product Designs)

Vase

3D printing, rubber rotation casting, handcrafted

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM)

92


93 Produktentwürfe Product Designs


Adrianus Kundert Ripening rugs

Diese Arbeit beschäftigt sich auf bejahende

Weise mit dem Prozess der

Abnutzung. Die von Adrianus Kundert

entworfenen Teppiche nehmen erst

durch intensiven Gebrauch die ihnen

zugedachte Form an. Mit der Abnutzung

des Fadens verändern sich Farbe,

Muster und Texturen. So gewinnen

diese Teppiche durch die schleichende

Erosion vielmehr an individueller

Attraktivität, als dass sie an Wert verlieren.

In enger Zusammenarbeit mit

anderen Experten und Firmen hat

Kundert eigene Techniken und Fäden

entwickelt.

Preisträger

Sonderpreis von smow

Blauer Teppich: Filz mit Ausschnitt von

beschichtetem Gummi, 150 × 150 cm

Goldener Teppich: Handgewebt, Nylon, Wolle

und Baumwolle, 225 × 146 cm

Roter Teppich: getuftet, Baumwolle und Wolle,

379 × 84 cm

Ripening Rugs represent a positive take

on the process of wear. Adrianus

Kundert has designed these rugs so that

they come to life through intensive use:

as the yarn or weave becomes worn,

the rugs begin to reveal a different colour,

texture, or pattern. It is the gradual

erosion that makes these floor coverings

gain attractiveness – each in its own

way – instead of rendering them valueless

and ending their lifetime. Working

closely with different companies and professionals,

Kundert has developed his

own techniques and yarns with specific

characteristics.

Winner

Special award given by smow

Blue rug: felt with a cutout with coated rubber,

150 × 150 cm

Golden rug: handwoven, nylon, wool and cotton,

225 × 146 cm

Red rug: tufted, cotton and wool, 379 × 84 cm

106


107 Versuchsanordnungen Experiments


Anastasiya Koshcheeva From Siberia

Immer mehr traditionelle Handwerke

geraten in Vergessenheit. Damit geht

wertvolles Wissen über Naturmaterialien

sowie handwerkliche Fertigkeiten

verloren, die über Jahrtausende

erarbeitet worden sind. Hinter diesem

Wissen stecken enorme ökologische

und gesellschaftliche Potenziale,

die dadurch fast komplett ungenutzt

bleiben. From Siberia beschäftigt sich

mit der Frage der Transformation

traditionellen Wissens über ein Naturmaterial

in den aktuellen Kontext am

Beispiel des Birkenrinden-Handwerks.

Das Projekt bringt die faszinierenden

Eigenschaften des nachwachsenden

Rohstoffes zur Geltung und belebt

das vom Aussterben bedrohte Handwerk

neu. Die Produktserie besteht

aus vier Produkten. Jedes einzelne

zeigt eine andere Möglichkeit der Verarbeitung

und Anwendung, die auf

einer marktorientierten Produktionsweise

basiert ist und konventionelle

Produkte aus der industriellen Fertigung

ersetzen kann. Es wird bewusst

mit der hellen Rückseite der Rinde

gearbeitet, um die einzigartige Maserung

und Farbgebung des Materials

zu zelebrieren.

Preisträger

3. Preis (Produktentwürfe)

Hocker, Birkenrinde

Dreidimensionales Geflecht aus streifenförmiger

Birkenrinde, fixiert durch Metallklammern

und Nähten; Gestell: pulverbeschichteter Stahl

Leuchte, Birkenrinde

Verbindungstechnik in Kombination mit Laser-

Technologie, Fassungs- und Stabilisierungsring

aus vermessingtem Stahl; Leuchtmittel: Edisson

LED Glühbirne

More and more traditional handicrafts

are falling into oblivion. This means

the loss of valuable knowledge about

natural materials and craftsmanship

that has been evolving for thousands

of years. Enormous ecological and

social potential is harboured in this

knowledge and is being left almost

completely unused. From Siberia

addresses the issue of the transformation

of traditional knowledge by means

of a natural material in the current

context using birch bark handicraft as

an example. The project manifests

the fascinating properties of the

renewable raw material and revives a

craft that is threatened with extinction.

The product series consists of many

different items. Each object shows

a different potential in fabrication and

usage, which is based on a marketoriented

production method and can

replace conventional products from

industrial manufacture. The work is

deliberately based on the bright, rear

side of bark in order to celebrate the

material’s unique grain and colouration.

Preisträger

3rd prize (Product Designs)

Stool, birch bark

Three-dimensional weave of strip-shaped birch bark,

fixed by metal clips and seams; frame: powder-coated

steel

Lamp, birch bark

Traditional joining technology in combination with

laser technology, mounting and stabilising ring made

of brass; illuminant: Edisson LED light bulb

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM)

130


131 Produktentwürfe Product Designs


Silizium – Ein elektronischer Zwitter

Patricio Farrell

Silizium sieht man seine Bedeutung für die

Menschheit nicht an. Genauer gesagt, kann man

es in der Natur bis auf wenige Ausnahmen gar

nicht sehen – zumindest nicht in seiner reinen,

ungebundenen Form. Zwar steckt es in Sand,

Gestein oder Metallen. Dort ist es aber immer

an andere Elemente (meist Sauerstoff) gebunden.

Rund ein Viertel der Erdkruste besteht aus

diesen Verbünden. Damit ist es nach Sauerstoff

das zweithäufigste Element – und bleibt doch

ebenso unsichtbar.

Trotzdem ist Silizium in den letzten fünfzig Jahren

für unsere Gesellschaft so bedeutsam geworden,

dass unser Alltag ohne es nicht mehr denkbar

wäre. Das liegt vor allem an zwei Umständen:

Silizium kommt in günstigen, leicht beschaffbaren

Materialien vor und ist ein Halbleiter. Halbleiter

sind elektronische Zwitter, die je nach

Temperatur Strom leiten (wie Kupfer) oder nicht

(wie Glas). Diese Besonderheit, mal einem Metall,

mal einem Nichtmetall zu ähneln, nutzen praktisch

alle elektronischen Bauelemente, die

selbst in den alltäglichsten Geräten stecken.

Ohne Halbleiter, gäbe es keine Herzschrittmacher,

keine Fernseher, keine Computer(chips). Und

ohne Computer, keine Smartphones, kein Internet,

kein Google.

Abb. 1:Siliziumkristall Fig. 1: Silicon crystal

Ein jeder Chip besteht aus Millionen und seit

einigen Jahren sogar Milliarden aneinander

gestöpselter digitaler Ein- und Ausschalter.

Jeder dieser Schalter (sogenannte Transistoren)

funktioniert dank der Zwittereigenschaft

von Silizium. Das Institute of Electrical and

Electronics Engineers (mit immerhin rund einer

halben Million Mitgliedern weltweit) zählt die

Erfindung des Transistors zu einer der technologischen

Meilensteine des 20. Jahrhunderts.

Seine drei Erfinder John Bardeen, Walter Brattain

und William Shockley bekamen dafür 1956 den

Nobelpreis für Physik verliehen. Shockleys

erfolgreiches Bestreben, Transistoren in großer

Masse in Kalifornien zu produzieren erklärt,

warum dort heute ein Tal nach diesem Halbleiter

(engl. silicon) benannt ist.

Leider vertrat Shockley nach Ende seiner wissenschaftlichen

Karriere immer fragwürdigere poli-

138


Silicon – An electronic hybrid

Patricio Farrell

Silicon doesn’t put its significance on parade for

mankind. In fact, you can’t see it at all in its

natural state, apart from a few exceptions – at

least, not in its pure, free form as an element.

Although it is contained in sand, rock and metal,

here it is always in a compound with other elements

(mostly oxygen). Nearly a quarter of the

earth’s crust consists of these compounds. This

makes it the second most common element

after oxygen – and yet it remains just as invisible.

Nevertheless, silicon has become so significant

for our society in the last fifty years that our

everyday life would be inconceivable without it.

This is due most of all to two circumstances:

silicon is contained in cheap, easily accessible

materials and is a semiconductor. Semiconductors

are electronic hybrids which, depending

on temperature, conduct current (like copper)

or do not (like glass). This special feature of sometimes

resembling metal and sometimes nonmetal

is exploited by practically all electronic

components that are found galore even in the

most prosaic, everyday devices. Without semiconductors

we wouldn’t have heart pacemakers,

television, computer (chips). And without computers,

no smartphones, no Internet, no Google.

Each chip consists of millions – and for several

years now even billions – of digital on- and

off- switches plugged into one another. Each of

these switches (so-called transistors) functions

thanks to the hybrid characteristic of silicon.

The Institute of Electrical and Electronics

Engineers (boasting half a million members

world wide) reckons that the invention of the

transistor is one of the technological landmark

achievements of the twentieth century. Its

three inventors John Bardeen, Walter Brattain

and William Shockley were awarded the 1956

Nobel Prize for physics. Shockley’s successful

efforts to produce transistors on a grand scale in

California explains the name Silicon Valley.

Unfortunately, after the end of his career as a

scientist, Shockley identified with ever more

dubious political theories and became increasingly

paranoid. When a secretary in his firm cut

her thumb he suspected sabotage and demanded

that all employees undergo a lie-detector test in

order to find the culprit. Because of his escapades,

eight of his best associates (defamed by

Shockley as the “traitorous eight”) left the firm

and founded some of the giants in the semiconductor

industry, including the chip producer

Intel.

Silicon also plays an outstanding role in photovoltaics.

Its capabilities as semiconductor enable

solar cells to convert solar energy into electricity.

Furthermore, blue light diodes use silicon as

semiconductor material to generate light.

Since it almost never occurs in nature in a pure

form (by 2011 it was verified in no more than

fifteen locations across the world), an impure raw

material containing silicon (frequently quartz)

is refined so long until virtually no alien atom is

present. This process is extremely complex and

expensive and probably first succeeded for

the French chemist Henri Étienne Sainte-Claire

Deville in the mid-nineteenth century, although

his fellow chemist Antoine Laurent had already

prophesied the existence of this semi-metal

in the late eighteenth century. Today, special

smelting furnaces at temperatures of over

two thousand degrees centigrade split undesirable

components from the silicon atoms (this

would be oxygen in the case of quartz) in order

to attain the required degree of purity. These

smelting furnaces are very expensive, thus only

a handful of firms produce ultra-pure silicon

across the world. When melted, silicon behaves

in an unexpected way: liquid silicon is denser

than solid silicon.

But silicon is not only fascinating indirectly (integrated

into technical devices), but also directly

as material. In pure silicon all atoms are part of

one aesthetic system: they form a regular, symmetrical

3D lattice, a monocrystal fig. 1 The same

structure can be found in diamonds as well.

The purer the silicon, the more symmetrical the

crystal. Paradoxically, this regularity is quite

often disrupted by adding specific impurities

again in order to influence the conductibility

of the material. For example, in this way areas of

good conductibility can be separated from bad

ones. This is extremely useful in designing electronic

components. And it means that things

get exciting just when the symmetry is destroyed.

This technical controllability of asymmetry – in

139


Wassilij Grod CONBOU_Lightweight Construction

Die Herstellung von handelsüblichen

Platten aus Bambus verursacht etwa

40 % Verschnitt, zudem verliert Bambus

dabei seine Leichtigkeit. Das gab den

Anstoß, die Bambusrohre in schräge

Stücke zu schneiden und zwischen

zwei Plattenmaterialien zu verleimen.

Die Schräge vergrößert die Klebeflächen

und versperrt die Kräfte. Eine

Fachwerkkonstruktion aus Bambus

zwischen zwei Oberflächenmaterialien

ermöglicht ein gutes Verhältnis

zwischen Eigengewicht und Formstabilität.

Die Eigenschaften von

Bambushalmen werden in ein Flächenmaterial

übertragen. Die Höhe und

die Konstruktionen der Mittelschicht

sowie der Oberflächenmaterialien

sind variabel und bieten ein breites

Spektrum an individuellen Möglichkeiten.

Das selbsttragende Material

ermöglicht auch andere spezifische

Anwendungen mit größeren Materialspannweiten

wie Vordächer, Bühnen,

Kulissen, Schiffsinnenausbau oder

Fahrzeugausbau sowie andere Konstruktionen

mit dem Anspruch

auf Leichtigkeit und Tragfähigkeit.

Die Stabilität der Konstruktion wurde

unter Laborbedingungen getestet.

Nachdem das Material unter einer

hundertfachen Krafteinwirkung des

Eigengewichts zusammenbrach, wurde

der Test abgebrochen. Bei der siebzigfachen

Krafteinwirkung des Eigengewichts

auf die CONBOU-Platte bleibt

diese unversehrt.

Preisträger

1. Preis (Produktentwürfe)

Leichtbauplatte

Modularer Aufbau; Mittelschicht: Bambus;

Außenmaterialien: variabel (Sperrholz, Bambus, Acryl);

Stärke variabel

The production of standard bamboo

panels causes 40% of waste as clippings;

moreover bamboo loses its lightness

in the process. This motivated a procedure

whereby the bamboo cane is cut

into oblique pieces and bonded between

two panel materials. The oblique cut

enlarges the bonding surfaces and blocks

the forces. A timber-frame construction

made from bamboo between two

surface materials attains a satisfactory

relationship between inherent weight

and form stability. The properties of

bamboo canes are transferred onto a

surface material. The height and constructions

of the middle layer and the

surface materials are variable and

offer a wide range of individual options.

The self-supporting material also permits

other specific applications with

larger material spans, such as canopies,

stages and platforms, scenery, ship

interior extensions and automobile

extensions, and many more constructions

demanding lightness and carrying

capacity. The stability of the panel

was tested under laboratory conditions.

After the material collapsed under

a stress amounting to a hundred times

its own weight, the test was stopped.

The CONBOU panel remained intact

when subjected to seventy times its own

weight.

Winner

1st prize (Product Designs)

Lightweight panel

Modular construction: middle layer bamboo;

Exterior materials: variable (plywood, bamboo, acrylic);

thickness variable

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM)

176


177 Produktentwürfe Product Designs


Jennifer Eckert Aneinander

Was ist zwischen den Buchstaben?

Sprechen wir Worte, so verbinden wir

einzelne aufeinanderfolgende Buchstaben

eines Wortes. Es gibt Regelungen,

wie zum Beispiel die Reihenfolge

der Buchstaben, durch die ein

Verständnis möglich gemacht wird.

Ein Rätsel jedoch bleibt, wie der Übergang

von den geometrischen Buchstaben

zu einem Wort als Ganzes

funktioniert, wodurch man beim Lesen

eines Wortes den vermeintlichen

Leerraum füllt. Wenn beim Hören eines

Wortes oder beim Sprechen kein

Leerraum bemerkbar wird, wie kann

es dann sein, dass innerhalb eines

geschriebenen Wortes und zwischen

den Buchstaben ein solcher Leerraum

existiert? Jennifer Eckert hat den

Zwischenraum aller 676 verschiedenen

Buchstabenkombinationen genäht

und sie anschließend abfotografiert.

Neben den Fadenfiguren sind drei

Bücher entstanden, die diese Fadenfiguren

in drei unterschiedlichen Abständen

zueinander zeigen.

676 verschiedene Fadenfiguren

Je Figur zwei DIN A4-Papiere, schwarzer Faden und

drei Künstlerbücher à 23 × 29.4 cm, 704 Seiten

What is between the letters? While we

speak we connect single sequenced

letters of each word. There are rules

like the order of the letters allowing us

to comprehend the meaning of the

words. It is a mystery how the transition

from the geometrical figures – the letters

– to the word as a whole works, and

what it is that fills the assumed empty

space while reading. Could it be that

there is no empty space in the spoken

word, but only used in writing? Jennifer

Eckert tried to approach these questions

and sewed each interspace of

the 676 different letter combinations

of the alphabet to create threadfigures

of the empty space. In addition,

she made three books to show these

thread-figures with different spacing.

676 different thread figures

For each figure two DIN A4 papers, black thread and

three artist books à 23 × 29.4 cm, 704 pages

192


193 Versuchsanordnungen Experiments


Julia Tervoort Black Spaces

Wie materialisiert sich Licht? Julia

Tervoort erforscht dies mit Hilfe der

Fotografie, sowohl sinnlich als auch

konzeptionell. In einem bildhauerischen

Arbeitsprozess erkundet sie, wie

sich Material und Licht zu Form und

Raum transformieren. Die Bilder

der Serie black spaces entwickeln aus

dem spezifischen Einsatz von Licht

und Schatten sowie der Beschaffenheit

des Materials in Form, Farbe und

Textur ihre eigene ästhetische Qualität.

Mit Hilfe von Gegenlicht und transluzenten

Materialien faltet sich

schwarzes Papier zu Form und Raum

und erschafft eine eigene Realität

im Bildraum. Die Papierobjekte existieren

nur für den Moment der Aufnahme.

Erst das fotografische Bild

macht das gestalterische Potenzial

von Licht und Papier erfahrbar und

eröffnet dem Betrachter die Poesie

des Raumes.

6-teilige Serie

Kunstdrucke, Hahnemühle Photo Rag Pearl,

gerahmt, 42 × 59.4 cm

How does light materialise? Julia Tervoort

explores it using photography, both

sensuously and conceptually. Through

a sculptural process, she investigates

how material and light transform into

form and space. The images of the

series black spaces develop their own

aesthetics due to the specific use of

light and shade, as well as the properties

of the material in form, colour and

texture. By means of backlight and

translucent materials, black paper is

folded into form and space, and creates

its own reality in the image. The paper

objects exist merely for the instant of

the photographic take, and only the

image itself make the creative potential

of light and paper perceptible for the

viewer and opens up a poetry of space.

6-part series

Fine art prints, Hahnemühle Photo Rag Pearl,

framed, 42 × 59.4 cm

208


209 Formulieren & Komponieren / Shape & Compose Fotografie / Photography


220


221 Produktentwürfe Product Designs


Julian Kohr Shore Cork

Eine Zusammenarbeit mit Ivana Low

und Samein Shamsher.

In einer Welt, in der die Verschmutzung

durch Plastik immer weiter zunimmt,

werden umweltfreundliche Alternativen

unabdingbar. Der Fokus dieser Arbeit

lag darin, ein natürliches Bindemittel

für recyceltes Korkgranulat zu finden

und damit einen neuartigen Kompositwerkstoff

zu generieren. Nach langem

Experimentieren ist es gelungen,

durch das Kochen von Korkgranulat,

Algen und Muschelschalen ein Material

zu gewinnen, welches stabil ist

und sich leicht in Formen bringen lässt.

Das Projekt wurde während eines

Auslandssemesters in Vancouver entwickelt,

wo Muscheln und Algen einfach

an der Küste gesammelt werden

können. Dadurch besitzt das Projekt

einen sehr hohen lokalen Bezug zu

dieser Gegend. Für das Korkgranulat

wurden gebrauchte Weinkorken

gesammelt und zerkleinert. Durch die

Variation der Korngrößen konnten

zusätzlich verschiedene Materialeigenschaften

erzeugt werden.

Materialstudie verschiedener Formen und Objekte

Zermahlener Seetang, Muscheln, Kork, Soda

A collaboration with Ivana Low and

Samein Shamsher.

In a world where pollution caused by

plastic is ever increasing, it is of paramount

importance to use environmentally

friendly alternatives. This work

focusses on finding a natural binder

for recycled cork and creating an innovative

composite material. After long

experiments, Kohr, Low and Shamsher

succeeded in extracting a stable but

malleable material by cooking cork

granules, seaweed and mussel shells.

The project was developed during an

exchange semester in Vancouver where

mussel shells and seaweed can easily

be harvested from the shore. The project

had a strong local reference. Cork

granules were made by collecting and

shredding wine corks. The varying sizes

of granules generated different material

properties.

Material study of different forms and object

Ground seaweed, mussels, cork, soda ash

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM)

232


233 Versuchsanordnungen Experiments


Jessica Owusu Boakye Carp – Materialstudie mit Zitrusfrüchten

Carp ist ein aus natürlichen Baustoffen

bestehendes Material, dessen Masse

ausschließlich aus Zitrusfrüchten

hergestellt wird und somit zu 100 %

biologisch abbaubar ist. Die Oberfläche

zeichnet sich durch eine marmorierte

Struktur aus, die je nach Stärke transluzent

oder blickdicht ist. Durch den

Einsatz von Wärme, Kälte oder Luft verändert

sich die Farbe. Unter Lichteinstrahlung

tritt Carp matt oder glänzend

in Erscheinung. Sowohl eine

attraktive Maserung als auch die hohe

Flexibilität und Belastbarkeit des

Materials runden den Gesamteindruck

ab. Das Material beinhaltet antibakterielle

Stoffe, die vorher zum Schutz

der Frucht dienten.

Materialstudie mit Zitrusfrüchten

Carp is a material based on natural

components. It is made entirely from

citrus fruits and is therefore 100 %

biodegradable. The surface has a

marbled finish, which is translucent or

opaque depending on its thickness.

The influence of temperature and air

changes the colours. Depending on

its exposure to light, Carp either appears

matt or glossy. The attractive marbling,

as well as the elasticity and durability

of the material, round off its overall

impression. The material contains antibacterial

substances which have been

used previously to protect fruits and

make them resistant.

Material study with citrus fruits

Abbildung / Image by Bertram Kober (PUNCTUM)

260


261 Produktentwürfe Product Designs


Ein postdigitales Laboratorium:

Ein imaginärer Dialog mit V. Frankenstein

Chiara Scarpitti

Das postdigitale Szenario: Innerhalb der engen

Grenzen, die das Sichtbare vom Unsichtbaren

und die physische Welt vom Digitalen trennen,

wird der Designer zum Wortführer eines neuen

Verständnisses der Materie. Der Designer verwirklicht

Dinge durch einen sensiblen Prozess,

der nicht zu einer simplen traditionellen Verwendung

der Materie zurückkehrt, wie sie in

natürlichem Zustand vorliegt. Vielmehr erfindet

er das Material durch den ausgeklügelten Einsatz

neuer Fertigungstechniken und Verfahren

an der Grenze zwischen Organischem und Anorganischem

neu.

Im Übergang zu diesem hybrid-operationalen

Horizont gibt die Gestaltung der Materie ihre

außergewöhnliche Kommunikationsfähigkeit

zurück, hebt deren spirituelle und symbolische

Qualitäten hervor, ohne dabei die Interaktion

mit den innovativsten Technologien zu vernachlässigen.

Mit der aktuellen Transformation

des industriellen Paradigma wandelt sich das

alte Konzept des Industrieprodukts als statisches

Objekt hin zu einer neuen Vision eines Organismus

als Ansammlung interaktiver Teile, entstanden

im Prozess „lebender Fertigung“.

Neueste Technologien, Pilotversuche in der

Do-it-Yourself-Biologie offerieren die Möglichkeit,

lebende Materialien und Prozesse zu

gestalten, die sich ihrer Natur gemäß entwickeln.

Das postdigitale Labor führt uns an neue, noch

unergründliche Grenzen, die wir im Folgenden

in einem Gespräch mit Doktor Victor Frankenstein

über den experimentellen Ansatz des

Laboratoriums und diesen neuartigen Horizont

„lebendiger Produktion berühren.

Fig. 1: Lab – The postdigital lab (tools, prototypes,

living organism) at the Open Wet Lab of Waag Society,

Amsterdam.

Abb. 1: Labor – Das postdigitale Labor (Werkzeuge, Prototypen,

lebende Organismen) im Open Wet Lab von Waag Society,

Amsterdam.

CS Herr Frankenstein, Ihr postdigitales Labor

konfiguriert sich selbst als ein offenes System

des Austauschs, in dem Machen und Denken

durch die Wiedererfindung der rohen Materie koexistieren.

Während einerseits die Materie mit

ihren Wandlungen und archaischen Bedeutungen,

den Entwurf mit taktile Empfindungen und

fantastischen Imaginationen bereichert, ermöglicht

andererseits das Digitale mit seiner

Technologie und seinen Display-Modi neue

Formen der Modellierung und Herstellung von

268


A postdigital lab: An imaginary

dialogue with V. Frankestein

Chiara Scarpitti

The postdigital scenario: With a redefinition of

digital, within the thin boundaries which divide

the visible from the invisible, the physical world

from the digital, the designer becomes the

spokesperson for a renewed understanding of

matter. He acts through a sensitive process

which doesn’t return to a simplistic traditional

use of matter, as it is in its natural state. Rather,

he reinvents the material subject, through an

ingenious use of new manufacturing techniques

and processes, on the border between organic

and inorganic.

Towards this hybrid operating horizon, design

brings back to matter its extraordinary communication

skills, highlighting the spiritual and

symbolic qualities, without ever forgetting

the interaction with the most innovative technologies.

The current transformation of the

industrial paradigm is seeing a passage that

goes from the old concept of the industrial

product, understood as a static object, to a new

vision of the organism, understood as a set

of interactive parts, towards a horizon of living

manufacturing. The possibilities offered by

the most recent technologies to develop living

materials and processes evolve according

to their own nature, together with a series of

pilot experiments in the field of DIY biology.

The post-digital laboratory is leading us towards

new frontiers, so far considered unsearchable.

On these considerations, it starts an imaginary

dialogue with Doctor Victor Frankestein,

between past and future, about the experimental

approach of the lab and a sort of new,

living productive horizon.

CS Dr Frankenstein, your postdigital lab configures

itself as an open system of exchange,

where doing and thinking coexist, through the

re-invention of the raw matter. If on the one

hand, matter, with its transformations and archaic

meanings, provides to the project tactile sensations

and fantastic imaginaries, on the other

hand, the digital, with its technological expressions,

makes accessible a range of display

modes, new forms of modelling and manufacturing,

otherwise unknown. The preoccupation

with matter, in the direction of a deeper understanding

of technical, aesthetic and symbolic

potentials of a material, is a way to understand

nature and its complex structure. The comprehension

of the mysterious laws of nature is a

way to integrate ourselves into the world of the

things that we have built.

VF The materials currently within my command

hardly appeared adequate for so arduous

an undertaking, but I did not doubt that I should

ultimately succeed. I prepared myself for a

multitude of obstacles; my operations might be

incessantly baffled, and at last my work be

imperfect, yet when I considered the improvement

which takes place every day in science

and mechanics, I was encouraged to hope my

present attempts would at least lay the foundations

of future success. After having formed

this determination and having spent some

months successfully collecting and arranging

my materials, I began.

CS Every material has its own cultural references:

wood is hot, steel is cold, wool gives

a sense of protection, stone is primordial, the

mirror is metaphysical, gold is religious, silk is

transparent. Every material is linked to a precise

atavistic macrocosm, made up of images,

stories and behaviours, in continuous evolution.

In this sense, by the use of this spiritual

materiality, it takes inspiration for the project.

Intersections, inclusions, segmentations, overlays,

metaphors, combinations, improper use

of the material, symbolic elements, perceptive

qualities, sensibility, poetry, […] these all are

just few tools for a material-based investigation.

VF These thoughts supported my spirits,

while I pursued my undertaking with unremitting

ardour. My cheeks had grown pale with study,

and my person had become emaciated with

confinement. Sometimes, on the very brink of

certainty, I failed; yet still I clung to the hope

of what the next day or the next hour might

realise. One secret which I alone possessed

was the hope to which I had dedicated myself;

and the moon gazed on my midnight labours,

while, with unrelaxed and breathless eagerness,

I pursued nature to her hiding places.

CS The geographic location of the laboratory,

its spaciousness, the available instrumentation,

269


Biografien

Jury

Prof. Ahn Sang-soo ist ein Grafikdesigner

und Typograf aus Südkorea, der bekannt

ist für die Modernisierung des koreanischen

Alphabets. Er reduzierte die 11.172 möglichen

Zeichenkombinationen des traditionellen

Alphabets auf 67. Damit legte er

die Grundlage für die Überführung der

Hangulzeichen in die digitale Kommunikation.

Seit 1991 ist er Professor an der

Hongik Universität in Seoul. Er ist Herausgeber

der Zeitschrift Bogoseo / Bogoseo,

Autor mehrerer Bücher und Gründer des

Paju Typography Institute. Anh Sang-soo

war Vizepräsident des International Council

of Graphic Design, seine Arbeit wurden

international ausgezeichnet.

Renate Flagmeier ist leitende Kuratorin

im Werkbundarchiv – Museum der Dinge

in Berlin. In ihrer kuratorischen Arbeit

untersucht sie die Zusammenhänge von

Kultur und Industrie in der Moderne

sowie das Thema Waren- und Konsumkultur.

Geprägt wurde sie durch die Sozialgeschichte

der Kunst und feministische

Kunstgeschichte. Das Museum der Dinge

ist ein Museum der Produktkultur des

20. und 21. Jahrhunderts. Historischer

Kern der Institution ist das Archiv des

Deutschen Werkbunds, ein Interessenverband

zwischen Kunst und Industrie, der

sich ab 1907 für zeitgemäßes Design

und Qualitätskriterien im Entwurf und in

der Produktion alltäglicher Güter einsetzte.

Dana Giesecke ist seit 2011 wissenschaftliche

Leiterin der FUTURZWEI – Stiftung

Zukunftsfähigkei in Berlin. Sie studierte

Soziologie mit kultursoziologischem

Schwerpunkt, Kunstgeschichte und Kommunikationswissenschaft

an der Technischen

Universität Dresden und Wissenschaftskommunikation

und -marketing

an der Technischen Universität Berlin. Von

2007 bis 2011 war sie Leiterin der Geschäftsstelle

der Deutschen Gesellschaft

für Soziologie am Kulturwissenschaftlichen

Institut Essen.

Jan Mammey studierte an der Staatlichen

Fachakademie für Fotodesign München

und an der Hochschule für Grafik und Buchkunst

Leipzig. Nach seinem Diplom war er

Meisterschüler von Heidi Specker und

Stipendiat der Kulturstiftung des Freistaates

Sachsen; der MacDowell Colony,

New Hampshire und des Blue Mountain

Center, New York. Werke von ihm befinden

sich in der Sammlung des Fotomuseum

Winterthur und der Staatlichen Kunstsammlung

Dresden. 2013 gewann er den

beim 5. Internationalen Marianne Brandt

Wettbewerb den Hauptpreis in der Kategorie

Fotografie.

Barbara Schmidt studierte an der Burg

Giebichenstein Kunsthochschule Halle und

der Aalto University Helsinki. Nach ihrem

Abschluss 1991 war sie mitverantwortlich

für die erfolgreiche Neuausrichtung der

Porzellanwerke KAHLA. Bei Auslandsaufenthalten,

unter anderem in Japan, Ungarn

und den Niederlanden, vertiefte sie ihre

Keramikkenntnisse. Nach Lehrtätigkeiten

an verschiedenen Hochschulen, unter

anderem an der Weißensee Kunsthochschule

Berlin, der Hochschule für Bildende

Künste Hamburg und der Universität der

Künste Berlin, ist sie seit Oktober 2013

Professorin für Experimentelles Design

an der Weißensee Kunsthochschule Berlin.

Ihre Arbeiten werden international ausgestellt

und ausgezeichnet worden.

Prof. Dr. Harald Welzer ist Soziologe und

Sozialpsychologe. Er ist Mitbegründer und

Direktor von FUTURZWEI – Stiftung

Zukunftsfähigkeit, ständiger Gastprofessor

für Sozialpsychologie an der Universität

St. Gallen, Mitglied im Rat für nachhaltige

Entwicklung der Bundesregierung sowie

im Zukunftsrat des Landes Schleswig-

Holstein und Professor für Transformationsdesign

und -vermittlung an der Universität

Flensburg. Wie einst das Bauhaus einen

Transformationsprozess in eine moderne

Welt mitgestaltet hat, geht es angesichts

des Klimawandels und schwindender

Ressourcen darum, den Veränderungsprozess

zukunftsfähig zu gestalten.

Zeitguised ist ein preisgekröntes Digital

Art Studio, das 2001 von dem deutschen

Architekten Henrik Mauler und der amerikanischen

Bildhauerin und Modekünstlerin

Jamie Raap mit dem Interesse gegründet

wurde, den Bereich zwischen Imagination,

virtueller Konstruktion und Realismus

zu untersuchen. Die erlesenen Realitäten,

die Zeitguised modelliert, sind eine Verbindung

aus verführerischem Design,

gegenwartsnaher Kunst, handgefertigten

Algorithmen und maßgeschneiderten

generativen Verfahren. Formen, Farben,

Bewegungen verwirklichen sich selbst als

autonome Lebensformen, verhalten sich

wie Geistererscheinungen in einer künstlichen

Choreographie, in Bewegungen, die

fantastisch aber doch vertraut anmuten.

Teilnehmer

Henriette Ackermann ist Textil- und Flächendesignerin.

Ihr Interesse liegt darin, neue

spannende Materialien und Materialkombinationen

für den Bereich Produkt- und

Oberflächendesign zu entwerfen. Dafür

verbindet sie Produktdesign-Ideen mit

einem feinen Verständnis für Oberflächenqualität

und den Geschichten, die jedes

Material assoziiert. Derzeit arbeitet im

Bereich Designtrends im VW Group Future

Center Europe. Ackermann studierte

Textil- und Flächendesign an der Weißensee

Kunsthochschule Berlin.

Sophie Aigner lebt und arbeitet in Berlin.

In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit

Bildhauerei und Fotografie und deren

Schnittstellen. Sie hat an der Hochschule

für Bildende Kunst Hamburg studiert und

arbeitet als Autorin, Fotografin und

Redakteurin. Ausgewählte Ausstellungen:

12 ISSUES, B2, Leipzig (2016); The Walk,

Museo dell’ Osservatorio Vesuviano, Neapel;

Wo der Rotz rausfließt, da fließt er auch

wieder hinein, Loris, Berlin; Auflösung und

Neuordnung, D21, Leipzig (alle 2015).

Anna Badur lebt und arbeitet als Designerin

in Berlin. Sie hat an der Design Academy

Eindhoven studiert. Seit 2012 betreibt sie

das Studio Anna Badur. Ausgewählte Ausstellungen:

State of Design, Berlin (2016);

Salone, Satellite, Salone del Mobile Mailand;

Pure Talents Contest, imm Köln; Stilwerk

Design Gallery Hamburg; London Design

Festival, Mint Gallery London (alle 2015);

BIO 50, Design-Biennale Ljubljana; International

Ceramics Festival ’14 Mino (beide

2014).

Clara Bahlsen lebt und arbeitet in Berlin.

Sie hat an der Universität der Künste in

Berlin Visuelle Kommunikation studiert und

war Meisterschülerin von Fons Hickmann.

An der Ostkreuzschule für Fotografie in

Berlin war sie in der Postgraduiertenklasse

bei Robert Lyons und Ute Mahler. Von

2014 bis 2015 hatte sie einen Lehrauftrag

an der Universität der Künste Berlin. Ihre

Arbeiten finden sich in unter anderem in den

Sammlungen der C/O Berlin Bibliothek und

des MoMAs, New York.

Anna Baranowski lebt und arbeitet in Leipzig.

Sie studierte Medienkunst an der Hochschule

für Grafik und Buchkunst. Wiederkehrendes

Sujet ihrer Werke ist das Ringen

zwischen Macht und Ohnmacht. Angefangen

bei der Reflexion ihrer Rolle als Kunstschaffende,

reflektiert sie kollektive Phänomene

menschlichen Verhaltens innerhalb

der massenmedialen Welt. Ihre Arbeit

umfasst Videoinstallationen, Fotografien,

Skulpturen und Interventionen im medialen

öffentlichen Raum und ist in zahlreichen

Ausstellungen (unter anderem in den Staatlichen

Kunstsammlungen Dresden) zu sehen.

Maximilian Behrens hat sein Designstudium

2015 an der Weißensee Kunsthochschule

Berlin abgeschlossen und arbeitet als freiberuflicher

Designer im Bereich Human

Interactions. Jonas Schneider hat einen

Bachelor und arbeitet an seiner Masterarbeit

zum Thema Interaktion mit teilautonomen

Objekten.

Helene Bierstedt studiert Modedesign an

der Hochschule für angewandte Wissenschaften

in Hannover. Im Rahmen ihres

Studiums arbeitet sie an einem Forschungsprojekt

über Slow Fashion, das die gegenwärtige

Modeindustrie hinterfragt und

alternative Designstrategien ausprobiert.

Ihre Arbeiten und Entwürfe sind geprägt

277


Biographies

Jury

Prof. Ahn Sang-soo is a graphic designer

and typographer from South Korea who is

known for the modernisation of the Korean

alphabet. He reduced the 11,172 possible

character combinations of the traditional

alphabet to 67, providing the basis for the

transformation of the traditional Hangul

for digital communication. He has been

professor at the Hongik University in Seoul

since 1991. In 1988, he founded the

magazine Bogoseo / Bogoseo and the Paju

Typograpy Institute. He has also published

several books. Anh Sang-soo was vicepresident

of the International Council of

Graphic Design, and his work has been

awarded internationally.

Renate Flagmeier is senior curator at the

Werkbund Archive – Museum der Dinge

in Berlin. In her curatorial work she is,

among others, working on the contexts of

culture and industry in modern times and

the subject of goods and consumer culture.

Her work is informed by social history

of art and feminist art history. The “Museum

of Things” is a museum of product culture

of the 20th and 21st century. The historical

core of the institution is the archive of

the Deutscher Werkbund (1907), an association

between art and industry, which

advocated for a contemporary design and

for quality in the design and production of

everyday goods.

Dana Giesecke has been the scientific director

of FUTURZWEI – Stiftung Zukunftsfähigkeit

in Berlin since 2011. She studied

sociology with a focus on cultural sociology,

art history and communication sciences

at the Technical University of Dresden and

science communication and marketing at

the Technical University of Berlin. From

2007 to 2011 she was head of the German

Sociological Association at the Institute

of Cultural Studies in Essen.

Jan Mammey studied at the State Academy

of Photographic Design in Munich and at

the Academy of Visual Arts Leipzig. After

his graduation he was “Meisterschüler” of

Heidi Specker and a fellow of the Cultural

Foundation of the Free State of Saxony;

the MacDowell Colony, New Hampshire

and the Blue Mountain Center, New York.

His works has been acquired by collections,

such as the Collection of the Fotomuseum

Winterthur and the State Art Collections

Dresden. In 2013, he won the grand prize

at the 5th International Marianne Brandt

Contest in the category Photography.

Barbara Schmidt studied at the Burg

Giebichenstein University of Art and Design

Halle and the Aalto University Helsinki.

After graduating in 1991, she was responsible

for the successful realignment of the

KAHLA porcelain factory in the turbulent

years of German reunification. During

multiple stays abroad, among others, in

Japan, Hungary and the Netherlands, she

deepened her knowledge of ceramics.

Since October 2013, she is professor of

Experimental Design at the Weißensee

Academy of Art Berlin, after teaching at

various universities (Weißensee Academy

of Art Berlin, the Academy of Fine Arts

of Hamburg and the University of the Arts

Berlin). Her work has been exhibited and

awarded internationally.

Prof. Dr. Harald Welzer is a sociologist and

social psychologist. He is co-founder and

director of FUTURZWEI – Stiftung

Zukunftsfähigkeit – a foundation for future

viability. Welzer is a permanent visiting

professor of social psychology at the University

of St. Gallen, a member of the

German Council for Sustainable Development

and the Schleswig-Holstein Council

for Future Development, and professor of

Transformation Design at the University

of Flensburg. Just as the Bauhaus once

helped to shape a transformation process

into a modern world, it is important – in

the face of climate change and dwindling

resources – to make this process of

change and transformation viable for the

future.

Zeitguised is an award-winning studio of

artists, designers and technologists providing

consultancy for synthetic art and

design with in-house creative direction and

production. The studio was established in

2001 by German architect Henrik Mauler

and American sculptor and fashion artist

Jamie Raap with an interest to explore the

zone between imagination, virtual construction

and realism. The exquisite realities

of Zeitguised are crafted as a unique blend

of seductive design, contemporary art,

handcrafted algorithms, and tailored generative

methods. Shapes, colours, movements

realise themselves as autonomous

life forms, behave like ghosts in an artificial

choreography, with movements that are

imaginary yet familiar.

Participants

Henriette Ackermann is a textile and surface

designer. Her main interest lies in

designing new, exciting materials and material

combinations in the sphere of product

and surface design. She combines design

ideas with a subtle understanding of surface

quality and the stories associated with

the material. She is currently working in the

field of design trends at the VW Group

Future Centre Europe. Ackermann studied

textile and surface design at the Weißensee

Academy of Art Berlin.

Sophie Aigner lives and works in Berlin.

In her practice, she primarily focuses

on sculpture and photography and the

relationship between both. She studied

visual arts at the HfBK Hamburg and works

as an author, photographer and editor.

Selected exhibitions: ISSUES, B2, Leipzig

(2016); The Walk, Museo dell’ Osservatorio

Vesuviano, Naples; Wo der Rotz rausfließt,

da fließt er auch wieder hinein, Loris,

Berlin; Auflösung und Neuordnung, D21,

Leipzig (all 2015).

Anna Badur lives and works as a designer in

Berlin. She studied at the Design Academy

Eindhoven. Since 2012 she has been running

Studio Anna Badur in Berlin. Selected

exhibitions: State of Design, Berlin (2016);

Salone, Satellite, Salone del Mobile Milan;

Pure Talents Contest, imm Cologne; Stilwerk

Design Gallery Hamburg; London Design

Festival, Mint Gallery London (all 2015); BIO

50, Design Biennale Ljubljana; International

Ceramics Festival ’14 Mino (both 2014).

Clara Bahlsen lives and works in Berlin.

She studied visual communication at the

Berlin University of the Arts, where she

was a “Meisterschüler” of Fons Hickmann.

She was in the post-graduate class with

Robert Lyons and Ute Mahler at the

Ostkreuz School of Photography in Berlin.

From 2014 to 2015 she was a lecturer at

the Berlin University of the Arts. Since

2009 she has been exhibiting widely and

has received numerous prizes and scholarships.

Her works has been acquired by

collections, such as C/O Berlin Library and

the MoMA, New York.

Anna Baranowski lives and works in Leipzig.

She studied media art at the Academy of

Fine Arts Leipzig. A recurring subject in her

practice is the struggle between power and

powerlessness. Starting with the reflection

of her role as an artist, she focuses on the

collective phenomena of human behaviour

within the world of mass media. She creates

video installations, photographs, sculptures

and interventions in the media public

space. Besides multiple exhibitions she is

also represented in the Dresden State Art

Collections.

Maximilian Behrens completed his studies in

design in 2015 at the Weißensee Academy

of Art Berlin and is currently working as

a freelance designer in the field of human

interactions. Jonas Schneider completed

his BA in 2015 and is working on his Masters

degree at the Weißensee Academy of

Art Berlin on the subject of interaction with

partly autonomous objects.

Helene Bierstedt studies fashion design at

the Hannover University of the Applied

Sciences and Arts. As part of her research

she is working on a project on slow fashion,

which questions the contemporary fashion

industry and tests alternative design

strategies. Her work is influenced by an holistic

approach, focusing on sustainability,

diversity and long service life.

282


Anke Binnewerg works as an artist, curator

and scientist in Dresden. Between 1999

and 2009 she studied visual arts, monumental

preservation and urban development.

From 2003 to 2004 she was a guest

student at the Faculty of Monumental Art

at the Vilnius Academy of Art. Since 2005

Binnewerg has given various lectures and

workshops, among others, at the Academy

of Fine Arts and the University of Technology

in Dresden, at the Bauhaus University

Weimar. Her work focuses on the public

space and the history of the 20th century.

Jessica Owusu Boakye focuses on the

possibilities of resource-friendly architecture

and design. She studies design and

media in Hannover. Prior to this, she completed

her studies in product and industrial

design in Hamburg and Hangzhou (China).

Marvin Boiko is a communication designer.

He completed his studies at the Fachhochschule

Dortmund in 2011. Since 2012

he has been working at L2M3 in Stuttgart.

For his work, he was recently awarded with

the Taipei International Design Award 2017.

Bogdan Andrei Bordeianu studied photography

at the National University of

Arts in Bucharest. Selected exhibitions:

Temporary Landscapes, Galeria Posiblia,

Bucharest (2016); What about y[our]

memory, MNAC, Bucharest (2014); Temporary

Structures, International Photography

Festival, Plovdiv (2012); Alert Studio,

Bucharest (2011); Roarchive, Romanian

Cultural Institute, Venice (2009).

Maria Braun lives and works as a designer

in Berlin. She studied product design at

the Weißensee Academy of Art Berlin and

focuses on material culture and everyday

objects. She is especially preoccupied

with materiality and material-compliant

design, as well as sensual experience and

sustainability. Her particular interest is in

the materials ceramic and glass.

Sarah Bräuner is a designer focusing on

food and table culture. She studied product

design at the Weißensee Academy

of Art Berlin and the Emily Carr University

of Art+Design. Her work questions the

relationship of human being and nutrition,

the history and significance of food,

and the underlying rituals and traditions.

Marcia Breuer studied classical dance

between 1989 and 1997 at the John

Cranko School in Stuttgart. After engagements

at theatres in Stuttgart and

Meiningen she studied visual communication

at the Academy of Fine Arts in Hamburg.

Selected exhibitions: Von unadressierten

Erscheinungen, MOM art space, Hamburg

(2016); translator, Triennale der Photographie

Hamburg, Galerie 21 – Künstlerhaus

Vorwerkstift (2015); Hello/picturesque

village in the European Alps e.g., c/o

schocke, Hamburg (2015).

Paula van Brummelen graduated from the

Bern University of the Arts with a Masters

degree in art education. She also holds a

degree in art history from the University of

Bern and a Masters degree in textile and

surface design from Weißensee Academy

of Art Berlin. Selected exhibitions: Neu

Now Festival, Art Basel, Campus der Künste,

Basel (2015); Seeing as hearing, Hanns

Eisler Kunsthochschule, Berlin (2015);

Schlaue Textilien, Fraunhofer Forum,

Munich (2012).

Simon Busse lives and works as a designer

in Stuttgart. He studied industrial design

at the Stuttgart State Academy of Art and

Design and at the Design Academy Eindhoven.

After working with Frank Tjepkema,

Amsterdam; Xavier Claramunt, Barcelona

and Gonzalo Mila, Barcelona, he started

his own practice in 2006. His work has

received numerous awards and has been

published in several magazines.

Kristin Dolz studied at the Weißensee

Academy of Art Berlin. She interned and

worked as an associate at the design studio

DRIFT in Amsterdam, Deutsche Werkstätten

Dresden Hellerau, Modellbau werk5

Berlin and at Fjord Berlin. Her works has

been exhibited in +ultra, gestaltung schafft

wissen (2016) at Martin-Gropius-Bau Berlin.

Jennifer Eckert is a freelance typographer.

She studied communication design with

a focus on typography and design at

the Muthesius Academy of Fine Arts and

Design in Kiel. Selected exhibitions:

Muthesius Award for Art, Space and Design,

Kunsthalle zu Kiel (2016); Dear Reader,

Koo Ming Kown Gallery, Hong Kong

(2016); Dialogues about books, Institute

for Book Research, Dortmund (2015).

Patricio Farrell is a visiting professor at

the Hamburg University of Technology

(TUHH) and a researcher at the Weierstrass

Institute (WIAS) in Berlin, working on

finite volume methods for semiconductors.

After graduating in mathematics at the

University of Hamburg, he completed a

doctorate (DPhil) in mathematics at the

University of Oxford. Besides his research

Farrell works as a freelance journalist.

Demeter Fogarasi is a product designer.

He studied at the University of Technology

and Economics and at the Moholy-Nagy

University of Art and Design in Budapest.

Selected exhibitions: Hungarian Design

Award, Budapest (2015); OTTHON

Design, Hungarian Design Fair; Stockholm

Furniture Fair, Stockholm (both 2014).

Nikolai Frerichs has been trained as a

photographer in Kiel. Since 2015 he has

been living in Hamburg where he works

freelance for various commercial photographers

and is studying communication

design with a focus on photography at the

University of Applied Sciences.

Aldo Freund studied product design until

2013 at the Offenbach University of Arts

and Design. Since 2007 he has been

working freelance in the fields of spatial

and exhibition design, as well as product

design. He has received commissions from

the Frankfurt Fair and the Frankfurt Palmengarten,

among others.

Kalinka Gieseler lives and works in Leipzig

and Berlin. She studied photography at

the Bremen University of the Arts and at

the Academy of Fine Arts Leipzig. Selected

exhibitions: FdjT, pretend to work II, Kunstverein

Frankfurt (2016); 2.5.0.– Object is

meditation and poetry, Grassimuseum

Leipzig (2015); Win/Win, Halle14, Baumwoll-

Spinnerei Leipzig (2014).

Antje Gildemeister studied at the Academy

of Fine Arts Leipzig. Selected exhibitions:

Screen, Thaler Originalgrafik, Leipzig (2016);

Vector, Diploma at the Academy of Visual

Arts Leipzig (2016); PR!NT, La Cambre

Galerie, Brussels (2015); Brest< >Leipzig,

Centre d’art Passerelle, Brest (2012). She

lives and works in Leipzig.

Jeanette Goßlau studied media art at the

Bauhaus University Weimar and at the

University of the Arts Berlin. In 2016, she

was “Meisterschüler” in the Art and Media

department at the University of the Arts.

Wassilij Grod is a designer and developer.

He studied product design at the Bauhaus

University Weimar. In China he researched

on production sites, material use and

traditions related to bamboo as a starting

point of his bamboo works. Since 2008

Grod has been designing material compliant

applications made from bamboo.

Andreas Gruner is an artist based in Berlin.

He studied at the Bremen University of the

Arts and the University of the Arts Berlin.

Together with Florian Bielefeldt, Gruner has

formed the artist group Die Fortunisten

which addresses questions on renewable

energy production and forms of artificial

intelligence. Selected exhibitions: Transhuman

Motivation, Kreuzberg Pavillon,

Berlin; Fundamental, 5th Meditation Biennale

Poznań; Cellu l’ art, Kurzfilmfestival

Jena (all 2016); Die Mondhand, Künstlerdorf

Schöppingen (2014).

Almut Hilf studied art history at Karlsruhe

University, photography in the field of

contemporary art with Peter Piller at the

Academy of Fine Arts Leipzig, and photography

at the Hamburg Academy of Art

with Silke Großmann and Katharina

Gaenssler. Her work focuses on how architectural

themes can be combined with

photography, and vice versa.

Chiara Isadora Artico is an art expert, art

advisor, curator, and former researcher at

Ca’ Foscari University, Venice. She studied

at the University of Florence and graduated

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