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ekilikua teatro bernarda calva (en busca de pepe el romano) PRESSBOOK
bernarda calva
en busca de pepe el romano
NOTAS DE PRODUCCIÓN
“Tras la muerte de Antonio María Benavides
se cerrarán en la casa puertas y ventanas
a cal y canto, y comienzan: 10 años de luto,
10 años de oración, 10 años de penitencia,
10 años de ayuno... ¿10 años de castidad?”
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T
ras la fachada del grotesco maquillaje facial y la ropa de color estrafalario, el
espíritu curioso ansía descubrir cómo es el alma que habita el cuerpo del
payaso. El Clown, a partes iguales cómico y trágico, alegre y patético, ingenuo y
malicioso, es desde hace mucho tiempo un referente de los escenarios del
panorama teatral.
La historia demuestra cómo los seres humanos necesitan por instinto
aderezar lo más sagrado y misterioso con elementos de caricatura y humor.
Personajes parecidos a payasos parecían en el antiguo teatro griego y más adelante
se integraron en la cultura romana. Hacia 2550 a. C. había payasos enanaos para
diversión de la corte de los faraones egipcios, y hacia 300 a. C. Yu Sze, héroe
nacional chino, era bufón del emperador. En la Europa feudal los bufones de la
corte representaban la conciencia colectiva de la sociedad y constituían al tiempo
una válvula de seguridad. Esos privilegiados que se mofaban de la ley eran inmunes
a la represalias de reyes y obispos, y gozaban de libertad para cantar las verdades
por medio de la parodia y de la franqueza de su humor, influyendo así sutilmente
en la toma de decisiones y en la política cortesana. Es indudable que la influencia
del estilo teatral italiano de la commedia dell´arte, que se desarrolló en la Edad
Media, se dejó sentir en todo el teatro europeo. En el teatro isabelino de
Shakespeare había bufones que recitaban comentarios maliciosos sobre la
sociedad de la época.
Un actor, acróbata e intérprete victoriano de pantomimas, el inglés, Joseph
Grimaldi, dejó un legado tan duradero que actualmente en inglés aún se llaman
“Joeys” a los clowns.
El atuendo del Clown estaba influido por el del arlequín tal como Grimaldi
lo determinó. De los bolsillos de sus desmesurados pantalones surgían objetos
inverosímiles, mientras que estrafalarias pelucas contribuían a acentuar su aspecto
cómico.
Las pantomimas francesas, que seguían la tradición de Gilles (actor a acara
descubierta y vestido de blanco, que era a su vez una variedad del mimo Pierrot),
introdujeron sus destacados personajes cómicos de cara blanca enharinada. Las
mejillas coloradas del palurdo teatral inglés fueron estilizadas por Grimaldi, que los
convirtió en círculos, o triángulos. En Alemania el payaso Auguste, nombre
procedente de una palabra berlinesa que significa “bobo, estupido”, acentuaba lo
grotesco de su ropa y maquillaje con una nariz postiza, una enorme boca roja,
pantalones cortos y un sombrero diminuto que le daban un aspecto aún más
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estrafalario. El payaso que le servía de contraste, el clown de cara blanca,
interpretaba al personaje altivo y pomposo que daba las órdenes, mientras que el
Auguste se convertía en la personificación del enredo y el desorden. Estúpido pero
ingenioso, no comprendía qué se le pedía y sufría humillaciones, pese a lo cual
siempre salía triunfante.
¿QUÉ ES UN CLOWN? por Alex Navarro
«El payaso es un creador, un provocador de risa, sensaciones y emociones.
El payaso nos hace reír, sentir y reflexionar con su visión del mundo y sus intentos
de posarse por encima de sus fracasos. Nos muestra su vulnerabilidad sin tapujos.
Es el niño que todos llevamos dentro, que no tiene tabúes, que disfruta jugando y
que quiere ser como los adultos aunque nunca pueda conseguirlo.
Lo que el payaso busca (su principal motivación) es ser amado, quiere que
el publico lo ame, quiere que sean sus amigos. Siempre intenta parecerse a los
demás, pues cree que así lo aceptaran y lo amaran, es como un niño que quiere ser
adulto.
Los niños entre 1 y 3 años son 100% clowns, podemos aprender mucho de
ellos, pues tienen el "timing", la ingenuidad y algunas de las mas importantes
consignas básicas del clown de forma natural, de hecho desde mi punto de vista el
clown viene del niño. Os pondré algunos ejemplos:
1- Quieren ser amados por sus padres y en general por el mundo entero (el
clown por el publico)
2- Quieren ser como los adultos y tratan de imitarlos (el clown hace lo
mismo, desea integrarse e intentara parecerse a la gente "adulta y normal")
3- Son espontáneos y no tienen sentido del ridículo.
4- Expresan sus emociones a tope y pueden pasar instantáneamente de una
a otra.
5- Si un niño de esa edad esta por ejemplo golpeando con un juguete un
mueble, parará un momento para mirar a su papa o mama (compartir con el
publico), si sus papas se ríen, buen rollo (éxito) eso significa que hay que
seguir golpeando el juguete, si no ríen (fracaso) hay que golpearlo con mas
fuerza o bien buscar otra vía, quizás ir a golpear otro mueble, o golpear el
mismo mueble con otro juguete. Los niños siempre que hacen algo, miran al
adulto para compartir y buscar su complicidad y su actitud después de
mirarlo dependerá de la reacción del adulto.
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6- En general, si los riñes no se defenderán, a lo sumo lloraran o se sentirán
en evidencia, pero seguramente se vengaran mas tarde quizás con su
actitud hacia ti, o quizás haciendo una trastada mayor aun. (el clown no se
defiende ante un ataque y menos de la autoridad, pero luego puede
vengarse)
7- Son tremendamente curiosos y cualquier cosa puede sorprenderlos y
alucinarlos (capacidad de asombro).
8- Si les regalas un juguete carísimo pueden sacarlo de la caja, dejarlo a un
lado, y pasarse horas jugando con la caja y el envoltorio (el mundo al revés).
En sus orígenes (me remonto a la historia mas inmediata y al payaso que
todo el mundo conoce, el de nariz roja) el payaso nace en el circo y es este
un payaso (llamado Augusto) ingenuo, torpe y estupido, al que todo le sale
mal. Su contrapunto es el clown de cara blanca el cual representa a la
autoridad y que es elegante, serio, y poco amigo de bromas. El Augusto
siempre arruinara el numero que el clown de carablanca trata de hacer.
Llegara tarde, o demasiado pronto, o armara un lío con cualquier cosa. Si
tocan una pieza musical, el Augusto siempre se equivocara, desafinara, o ira
a destiempo. A pesar de ello en general el Augusto siempre gana, es decir
siempre arruina lo que el carablanca trata de hacer y siempre acaba
perseguido por este. En su origen el clown era multidisciplinar, o sea que
además de ser payaso solía ser acróbata, músico, malabarista, etc... De
hecho gran parte de los payasos de circo empezaron siendo artistas de otras
especialidades y al hacerse mayores y no poder realizarlas acababan
convirtiéndose en payasos.
Actualmente el clown ha cambiado y se ha especializado mas en la parte
cómica. Ya no existen tanto los clowns multidisciplinarios como antiguamente,
aunque haberlos haylos. El clown actual no tiene las mismas características que el
clown tradicional (aunque puede tenerlas), en general según mi parecer se ha
tendido ha mezclar el clown y el bufón. Es decir el clown de hoy no tiene porque ser
específicamente ingenuo por ejemplo, puede ser inteligente e incluso tener un poco
de "mala leche".
Podríamos decir que el clown tradicional trabajaba con arquetipos mas
universales como el tropezón y el "quiero y no puedo", y el actual incluye, además
de estos, mas arquetipos psicológicos y juega mas con las emociones del publico,
proponiendo también situaciones cotidianas con las que el publico se identifica.
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En general, la mayoría de los verdaderos clowns pueden ser buenos actores,
pero para un actor puede ser mas difícil ser un buen payaso. Lo que no implica que
no los haya. Esto es así porque el registro de un payaso es muy diferente al de un
actor. El payaso no interpreta lo que le pasa, lo vive y reacciona a cualquier impulso
externo. No esta encerrado en un mundo de fantasía (para el clown no existe la
cuarta pared como en el teatro convencional), vive en un mundo real que comparte
con todos. Como dice de manera magistral Claret Clown: "La cuarta pared en el
payaso está detrás del público". Yo lo que siento cada vez que salgo a escena o a
donde sea como clown, es como si me conectara con una frecuencia o una
dimensión que siempre esta ahí, la dimensión donde habita el payaso.
Un payaso no es un actor, un payaso es un payaso. Un actor puede
componer un personaje a partir de ciertas consignas dadas por el director o por la
obra que este interpretando, aunque no tengan nada que ver con su propia
personalidad. Pero el payaso existe ya dentro de uno, es uno mismo. Como dijo
Roberto Benigni: "El actor inventa o interpreta un personaje, mientras que el
payaso encarna el suyo propio". Se trata de observarte, de ver como te mueves,
como reaccionas, que tics tienes y entonces llevarlos al limite, a la locura. En cierta
forma el clown se basa en tu propio ridículo. Puedes tener diferentes tipos de
clowns ¡¡¡tantos como personalidades en tu interior!!! Pero a pesar de ello habrá
uno de ellos que será el predominante, el mas parecido a lo que somos. Además
actualmente no se escriben obras para clowns, los clowns son siempre los
creadores de sus propias obras.
Hay payasos y payasitos... no basta con maquillarse, ponerse un disfraz de
ropas amplias de colores, una nariz y hacer muecas para ser payaso. Las sonrisas
de plástico no sirven, han de ser autenticas. Hay muchos vendedores de globos,
maquilladores de niños, animadores de fiestas infantiles... pero ser un verdadero
clown es mucho mas que eso... Un verdadero payaso es aquel que no actúa, sino
que es, que no se esconde tras la mascara del maquillaje o la nariz (si es que lleva
maquillaje o nariz). Para ser un verdadero payaso ha de ser honesto, desnudarse
(metafóricamente hablando, o literalmente como Jango Edwards) delante de su
publico, tener una visión cómica de las cosas, "timing", mirar y ver, escuchar, estar
atento, aprovechar todo lo que ocurre a su alrededor, tener intención, ser claro, no
pensar sino accionar, invocar, evocar, provocar. Como dijo Dario Fo: "Creer que se
es payaso por ponerse una pelotilla roja en la nariz, un par de zapatos
desmesurados y aullar con voz aguda, es una ingenuidad de idiotas".
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El ser payaso no se aprende, esta dentro de cada uno de nosotros, es tan
solo cuestión de dejarlo salir, de desaprender lo aprendido, de desprendernos de
las murallas que hemos edificado para protegernos, de derrumbar las mascaras que
nos hemos ido poniendo con lo años y dejar aflorar al niño que todos llevamos
dentro y abrir la puerta a la locura interna.
Hacer cursos con buenos maestros puede ser de gran ayuda para encontrar
nuestro clown, pero la técnica sin haber conseguido liberar tu clown, es como
comparar una flor de plástico y una natural. Un buen maestro te ayudara en primer
lugar a que tu clown salga afuera y después, si te es necesario, la técnica (tempo,
consignas básicas, etc..).»
Notas del Director: Oriol Boixader
No hay que ser un entendido para saber que detràs del texto poético y
costumbrista, del drama rural con tintes surrealistas que Lorca escribió en “La
Casa de Bernarda Alba” se esconden una serie de denuncias sobre la situación
discriminatoria de la mujer en el ámbito familiar y social, sobre la doble moral de la
época, así como una exaltación de los sentimientos humanos que prevalecen por
encima de todas las cosas.
Pues bien, a sabiendas de todo ello, accedí a la atrevida propuesta de
Ekilikuá Teatro de arrasar con el texto para versionarlo, con el agravante de hacer
de él una obra cómica donde, además, todos los personajes serían interpretados
por tres actores masculinos.
Claro, el primer paso fué un intento por mi parte de reescribir la obra, lo que
me hundió todavía más en la duda de si Federico despertaría de su eterno reposo
para señalarme con el dedo (lo que por otra parte ya hubiera sido un honor para
mí).
El sentido común, del que adolezco en condiciones normales, me hizo
recapacitar. No me podía conformar con hacer una broma, un juego dialéctico o
textual, sobre algo tan cargado de intenciones como “La Casa...”. Tenía que buscar
los puntos de conexión entre los personajes y las situaciones de la obra y algunos
roles y planteamientos de la comedia clásica, de la parodia clownesca, o de la
Comeddia dell’Arte y tambien del cabaret y el circo, como punto de partida.
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Y así, con algunas parodias de los viejos clowns como “El espejo roto” o “El
maniquí”, planteamientos cómicos como la escena del balcón del Cyrano, y los
destellos de los personajes de la Commedia bajo un brazo, y el texto de Lorca bajo
el otro nos enfrentamos, ya sobre el escenario, a una interpretación libre de la obra,
escena por escena.
El método a seguir … el del ensayo error, donde los tres intérpretes tenían
que proponer, asumir la propuesta, representarla, efectuar los cambios precisos
dictados por mi pobre criterio, fijarlos y continuar con otra escena. De esta manera
pasamos por el proceso lógico de la puesta en escena de cualquier montaje, con sus
luces y sus sombras, intentando divertirnos al máximo para poder divertir al
espectador.
Mi intención ha sido hacer un montaje sencillo y dúctil, amable por todos
los públicos y de fácil lectura pero no por ello menos interesante. Nutrir de
imágenes y juegos teatrales que contribuyan a dar variedad y vistosidad a cada
escena, mantener la poética en ciertos momentos de inflexión, y llegar a un final
cómico y sorpresivo.
Un drama cómico de mujeres… interpretadas por hombres
Un "mejunje ekilikuado" de estructura 100% clownesca donde el lenguaje
gestual y el trabajo de cuerpo en general toman las riendas de este proyecto.
El drama y la comedia, caracterizados como opuestas máscaras de una
misma realidad teatral. Aunque siempre ha parecido muy distante un género de
otro, tienen más lazos de conexión de lo que se cree. Como seres humanos,
tenemos la increíble capacidad de hacer cómica cualquier situación dramática, de
hecho, una bofetada, alguien que se cae, un grito, pueden ser actos de inaudita
violencia si es, por ejemplo, un agresor a su esposa, o por otro lado, motivo de risa,
si es el payaso listo al payaso tonto.
Esa es la intención de Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano), que
cambiando el punto de vista de una situación trágica, ha sido capaz de crear un
ambiente alocado, divertido y cómico. Nos guiamos por varios puntos de inflexión
que crean el espectro cómico en la obra: el género teatral, el género sexual del
actor y el estilo empleado.
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Una de las formas iniciales de cambiar este punto de vista ha sido el hecho
de cambiar el género sexual del personaje, ya que más de uno estará a nuestro
favor al creer que el hombre piensa y reacciona de forma diferente a la mujer. De
esta manera, los papeles que en un principio estaban pensados ser realizados por
mujeres, son ideados en Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano), para
hacerlos por hombres.
Otro punto de inflexión está en el estilo del clown. La obra no está pensada
para ser interpretada en un estilo realista. Los diálogos son sumamente rápidos, las
contestaciones a veces disparatadas, no se conservan esquemas de relación
personal muy intensas,… El texto está escrito en un formato sumamente personal,
fácilmente reproducible para una mente abierta y juguetona que decide darle a las
palabras un significado más allá de la realidad, la cual llega al punto de parecer
obsoleta y aburrida. Con este cambio de estilo teatral se llega más lejos,
retorciendo las palabras, buscando las connotaciones más absurdas, (aunque
existentes), y haciendo que el texto sea en cierta manera el “pretexto” para dar
rienda suelta a la imaginación.
Por otro lado, la lectura de esta obra no tendría ningún sentido si no se hace
bajo el cristal deformador del absurdo. Más que leer un texto absurdo da la
sensación de leer didascalias del absurdo y es debido a que el cuerpo del actor
forma parte muy esencial en la obra. Siempre podríamos prescindir de actuar sin
voz, dando a toda la técnica corporal necesaria para hacernos entender; pero
nunca se podría representar Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano), sin el
gesto, la intencionalidad y la mirada. Como dijimos antes, el texto es el pretexto
para jugar, de manera que el cuerpo buscará en su técnica los elementos necesarios
para convertir el texto aséptico en un texto de un absurdo contemporáneo.
Muertos… de risa
La obra plantea un gran número de enfrentamientos donde la moral
autoritaria y rígida queda relevada al ámbito de lo ridículo y los convencionalismos
sociales se basan en frescas ocurrencias muy alejadas de los convencionalismos
conocidos en el mundo real. Bernarda lleva este cargo dictatorial procurando
sobrepasar el límite humanamente aceptado. Sus hijas, temerosas, buscarán el
modo de escapar de esa autoridad creando en el contraste un tipo de comedia
sencilla e inocente, a la vez que irónica y mordaz.
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El odio, la envidia, el afecto y el temor son tratados con toques mágicos de
optimismo y buen humor, relativizando todas las cuestiones que en la vida real nos
harían sufrir. Desde los ojos del clown, cada hija buscará su bien propio, intentando
salir lo menos perjudicada posible y a la vez tratando de beneficiarse de cada
situación, siempre con divertidas ocurrencias.
Pepe es el conflicto más severo, no hay personaje que no lo nombre o se
refiera a él. Si él no hubiera aparecido en la vida de la familia, nunca se hubiera
producido mayor conflicto que los internos.
Cada personaje tiene sus propios intereses y personalidad, encarnando en
sus formas de ver la vida temas que dibujan toda la obra. Bernarda es “la autoridad
y las costumbres sociales”, dando muestra de ello en su afán por la moral y el buen
ver de los actos de sus hijas. Al vivir en la continua tortura de “el qué dirán”, no
puede más que motivar al resto de la familia al decoro, ayudada con su fuerte
personalidad y su derecho al mando como matriarca. Adela es “el amor pasional”,
siendo capaz de aplastar al que se entrometa por tal de conseguir a su amado. Su
fuego interior se mezcla con su juventud para dar una bomba sensible al más
mínimo tacto, explotando enérgicamente para escapar de su realidad y sumergirse
en sus sueños fogosos. No deja de ser una chiquilla malcriada, pero feliz, que salta,
ríe y viste como quiere, porque ante todo desea la libertad más que ninguna. Es
esta “Libertad” otro pilar básico de la obra, ya que todos los personajes consiguen
sus momentos de libertad dentro de un ambiente tan estricto, gracias a la fantasía
y las locuras. Angustias es la gran engañada inconsciente de la mentira. Es la gran
cornuda, pero feliz, viviendo los actos con instintos infantiles rozando lo simiesco.
Dentro de su apariencia autista y anormal encarna “el ensimismamiento”, ya que
sabe que hay problemas pero en definitiva, no sabe qué es realmente un
“problema”. La personalidad de Angustias se podría asemejar al zanni de la
Comedia del Arte, sólo que en esta ocasión, deja de ser sirviente para ser
protagonista y beneficiario de la acción… el problema es que ella no lo sabe, y
simplemente se deja llevar. Martirio, la enfermiza, la poquita cosa, se levanta de su
miseria para ser fuerte. Su ceguera (aun por diagnosticar) no le impide ver todos
los conflictos de la casa. Sabe que ella no sería digna de Pepe y eso le come por
dentro con “La envidia” como su defecto y “la autosuficiencia” como su arma para
protegerse de su debilidad. El carácter independiente de Amelia la separa de las
demás. Es pequeña e indefensa, y es desde ahí de donde saca todo su coraje para
intentar hacerse ver incluso por encima de los arboles.. Amelia junto a Martirio son
los personajes construidos más desde la contradicción, creando personalidades
muy peculiares, haciéndolas chocar no sólo con el resto, sino con ellas mísmas al
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sentirse frustradas por lo que son y por lo que les gustaría llegar a ser. Como el
típico bufón, sus defectos físicos son trampolín para la risa y el humor grotesco.
Magdalena, es “la pena” y el llanto continuo. La visión trágica de Magdalena es tan
absurda que consigue que todo lo que para ella es triste, se convierta en trivial y
cómico a los ojos de los demás. La abuela podría creerse que es el personaje más
perturbado por sus excentricidades, pero es todo lo contrario, ya que posee la
capacidad crítica para saber el problema actual y predecir las consecuencias. Al no
ser joven, irremediablemente se queda fuera del juego de las envidiosas hermanas,
así que se convierte en el espíritu de la verdad, que por ser incomoda, se tacha de
locura. “El delirio, la locura y la enajenación mental” dan paradójicamente el toque
más realista a la obra en cuanto a verdades de palabra, y a la vez la máxima
libertad cómica para el absurdo y la fantasía. Una construcción de mezclas de
varios personajes de comedia del arte (Dottore, Tartaglia,…) la hacen mucho más
cómica. Yendo más allá, podríamos decir que, la abuela es el sinónimo de Adela en
un posible futuro si la vida de ésta última hubiese continuado sin Pepe el Romano.
Poncia es la gran aduladora, sabe que el poder está en Bernarda y bajo ella se
cobija. Procura su beneficio ante todo y consigue en su justa medida dirigir los
pasos de la dirigente. Mientras La criada, no pretende cambiar nada, hace su
trabajo y pasa de puntillas frente a los problemas. No necesita hacerse partícipe de
conflictos que no son suyos y en ese sentido, los placeres más vanos son su primera
elección.
Todas ellas nos ofrecen las diferentes perspectivas de visión de un mismo
problema: La moral, la pasión, la envidia, la autosuficiencia, la falta de libertad, la
soberbia, la pena, la indiferencia, el delirio, la enajenación… Cada una de estas
mujeres defenderá su punto de vista y se dejará guiar por cada uno de sus
caracteres de conducta que en realidad, dan tema a cada escena.
Aún así, la caricatura no pretende ser el máximo exponente, sino la base
real. Son mujeres de pueblo, con una situación e historia que perfectamente podría
ser real. Y desde ahí reaccionan a los problemas con ironía, desde los ojos de un
niño que lo ve todo por primera vez, desde el sentimiento primario y desde el
ímpetu del que lucha por sus ideas sin temor a las represalias. Cada una de las
hermanas es un trozo de realidad; la intención de la obra es hacer que esa realidad
reaccione como nunca se atrevería a hacerlo.
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El Equipo Artístico
Oriol Boixader (Director)
Obras seleccionadas:
“Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano)” (2007)
“El primer concierto” (2007)
“Restaurant tú three” (2007)
“Grotesco” (2004)
“BI” (2001)
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Incansable buscador dentro del lenguaje visual y musical descubre el teatro
de Comediants como forma rompedora de expresión y comunicación y se integra a
la compañía en el año 1985. En el año 1990 crea el payaso Oriolo con un espectáculo
y compañía propia, personaje que ya no abandonará. Autodidacta, perfeccionista y
multidisciplinar no ha conseguido nunca obtener ningún diploma de ninguna de
sus especialidades, bien es verdad que nunca lo intentó.
José Pinort (Actor)
Obras seleccionadas:
“Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano)” (2007)
“La cena de los idiotas” (2006)
“KlipClown, un día de locos” (2005)
“Picnic” (2004)
“¿4 Monólogos?” (2002)”
Genial actor cordobés cofundador de Ekilikua Teatro, se ha convertido en
un referente del mundo del mimo-clown, tras licenciarse en la Escuela Superior de
Arte Dramático y formarse con maestros como Alex Navarro (Cirque du Soleil) o
Joan Gràcia y Carles Sans (Tricicle). Según José Pinort lo verdaderamente mágico
“es ver la luz de una sonrisa en tu rostro por mi trabajo”.
Jesús Serrano (Actor)
Obras seleccionadas:
“Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano)” (2007)”
“El Quijte. El sueño de un comediante” (2005)
“El hospital de los locos” (2005)

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“El loco y la monja” (2005)
“Hermana y esclava” (2004)
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Cómico por naturaleza, siempre ha despuntado por su facilidad para hacer
reír y no dejaba de sorprender por su habilidad en los ámbitos artísticos. Durantes
su carrera en la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga se especializa en el
genero humorístico entregado a la técnica corporal como principal herramienta,
buscando el humor en la figura del clown.
Pepo Verdejo (Actor)
Obras seleccionadas:
“Bernarda Calva (en busca de Pepe el Romano)” (2007)
“Cataclown” (2005)
“L´amore nel Cuore o nel Fiore?” (2004)
“El jovencito Frankenstein” (2003)
“La bella y la bestia” (2002)
Actor malagueño, almeriense de corazón, y clown de nacimiento. Licenciado
en Artes escénicas por la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, y
especialista en estilos cómicos y en el arte del clown tras formarse con maestros
como Jesús Jara, Alex Navarro, Juan Gatto, etc. Su carrera profesional se ve
impulsada desde Ekilikua Teatro de la mano de sus grandes compañeros con
quien hará realidad muchos de sus sueños en el mundo del espectáculo! “Amar mi
trabajo es lo mejor que me ha pasado en mi vida”.

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Créditos
Actores
Técnico de Sonido e Iluminación
Diseño de Vestuario y Sastrería
Escenografía
Utilería
Diseño de Iluminación
Diseño Sonoro
Voz en Off
Fotografía
Diseño Gráfico
Departamento de Prensa
Producción Ejecutiva
Distribución
Ayudante de Dirección
Dirección
Más información:
Ekilikua Teatro
C/ Cervantes, 41. Bajo 2
04720 Aguadulce (Almería)
Tel. 638.44.98.89
info@ekilikuateatro.com
www.ekilikuateatro.com
José Pinort
Jesús Serrano
Pepo Verdejo
David Cabañas
Sarra Sarrita
José Pinort
Jesús Serrano
Oriol Boixader
José Pinort
Oriol Boixader
Curro Verdegay
Juan José Palenzuela
Andrés Vegas
Víctor Pérez
Pepo Verdejo
José Pinort
Jesús Serrano
Pepo Verdejo
Pepo Verdejo - Ekilikua Teatro
Jorge Godoy
Oriol Boixader
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