un hombre que se ahoga - Teatre Lliure

© soledad ianni
un hombre que se ahoga
direcció, versió i escenografia de daniel veronese
a partir de l’obra les tres germanes d’anton txehov

Teatre Lliure: Montjuïc – Espai Lliure: del 15 de novembre al 2 de desembre
un hombre que se ahoga
direcció, versió i escenografia de daniel veronese
a partir de l’obra les tres germanes de anton txehov
Autor, direcció i escenografia Daniel Veronese
intèrprets
Claudio da Paisano (Olga) / Adriana Ferrer (Ferapont) / Malena Figó (Vershinin) /
María Figueras (Solioni) / Ana Garibaldi (Andrei) / Fernando Llosa (Anfisa) /
Marta Lubos (Chebutikin) / Pablo Messiez (Natasha) / Elvira Onetto (Tusembaj) /
Silvina Sabater (Kuliguin) / Luciano Suardi (Masha) / Claudio Tolcachir (Irina)
producció executiva en gira Sebastián Blutrach / ajudant de direcció Diego Curatella
i els equips del Teatre Lliure
producció Proyecto Chéjov
durada de l’espectacle 1h i 30 minuts
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sobre la funció
El treball de preparació d’aquest material es va concentrar en la utilització d’un espai
únic per a totes les escenes. Una obra sense talls temporals ni espacials. Sense
música ni canvis de llum. Amb un text sintetitzat. Amb escenes modificades, canviades
de lloc. I amb personatges passejant per l’obra, abocats sovint a situacions indegudes.
Potser l’acció més cridanera que envaeix l’obra –no la més important- és el canvi de
sexe de cadascun dels personatges txekhovians, de manera que són ara tres germans
tancats en una casa rodejats de dones militars. Tasca que atorga òbviament a tots
aquests cossos significats i valors diferents. L’espera en els homes com allò
primitivament femení. L’assetjament, la llibertat i la brutalitat masculina dipositats en el
cos de les dones que surten a fer la guerra i a matar-se.
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els clàssics
Obres insuperables i inoblidables. Referència de múltiples actes naturals de la nostra
vida. Així sentim a Txèkhov. Encara més: el sentim replantejant el que anomenem “allò
natural”, mostrant-nos allò més fidel d’allò quotidià. El detall desvetllat. No allò explícit.
La dissecció de la cosa. Aleshores així els esdeveniments que produeixen catàstrofes
brutals succeeixen fora d’escena, i agafa pes específic el que roman, com si de cara a
l’audiència, a pesar de la protesta dels personatges, es recolzés una gegantesca lupa
sobre caps i cors. No és una tempesta d’ultramar, és l’onatge que arriba constantment
a la platja. Dia i nit. I mou les pedres de lloc. Però, òbviament, això no és nou. S’ha
escrit molt sobre ell i es seguirà escrivint. Algunes teories sostenen que és molt
probable que Txebutikin sigui un home i Natasha una dona. I que, a més, les tres
germanes (tres dones) esperen en va, passives, rebre a casa seva visites d’homes
(homes que potser existien, o que potser no). Amb un estil similar, els llibres ens fan
pensar en certs supòsits naturalitzats de l’art dramàtic. D’allò que s’ha de permetre i
d’allò que no. Joc de valer i poder de la sapiència que en el teatre ve de molt temps
enrere. Però a mi sempre em va interessar buscar el lloc possible de desmitificació de
les coses. La incertesa i, fins i tot, el desconcert, em permeten moltes vegades models
de comprensió allunyats dels pensaments uniformes. Pensar el teatre permetent-me
una dramatúrgia de rescat amb total independència d’allò instructiu. Pensar en allò
impensable i habitar aquestes formes humanes intentant convertir-les essencialment
en formes més properes a allò humà. I per aquesta raó he de posar en dubte el que es
presenta com a indubtable. Així va néixer aquesta versió: Un hombre que se ahoga.
(Una esplèndida frase de Urs Graf: “Un home que s’ofega espia una dona que es
mata” -part de la qual titula aquesta versió de Les Tres germanes- m’acompanya en la
creació des de fa quasi vint anys.) Un espai únic; una obra sense talls temporals ni
espacials. L’assetjament i la brutalitat junt amb l’esperança de la felicitat. Homes i
dones que surten a estimar i a matar-se, sense importar-los el tipus de sexe que
porten entre les seves cames. Sense música ni canvis de llum. Amb un text bastant
sintetitzat. Amb escenes modificades, canviades de lloc. I amb alguns personatges
deambulant per l’obra, abocats de vegades a situacions indegudes. Tot això amb la
sana intenció de transformar l’escenari en un camp, el més directe i fecund possible.
Perquè els clàssics romanen valents i valuosos, però tots canviem i una nova trobada
amb aquestes obres també podrien transformar-se en esdeveniments desconeguts.
D’aquí a alguns anys, la meva mirada sobre la mateixa obra serà segurament diferent.
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Txèkhov amb el seu lúcid desencant, sembla dir-nos que una idea similar mou el món.
M’agrada imaginar-lo en el seu teatre, renovant esperances abans de cada funció,
buscant una perfecció que estaria a punt d’arribar. Com els seus personatges, ofegats
en l’apatia, descoratjats, fracassats, sobrevivint a dures penes però amb l’esperança
de que la meravellosa llibertat, aquella que tots mereixem, arribarà.
Daniel Veronese
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La crítica ha dit
Revaloración experimental
de Las tres hermanas de Anton Chéjov
Irina, Masha y Olga son Claudio Tolcachir, Luciano Suardi y Claudio da Pasano
y ni el más mínimo gesto permite pensar en que son mujeres. La pregunta que surge
de inmediato es: ¿qué son? La obra parece así un negativo fotográfico de la pieza de
Chéjov, dotada de la misma doble sensación de extrañeza y semejanza con que
veíamos, a veces, negativos de las fotografías familiares, cuando no existían cámaras
digitales ni instantáneas Polaroid y una fotografía era toda una experiencia. La idea de
Chéjov está, así, hecha por fantasmas corpóreos, lo que se alía muy bien con la idea
de fin de un mundo y quizás del comienzo de un mundo diferente, que nos evocan las
palabras de Olga en el desenlace.
Consecuente con su planteamiento, Veronese prescinde de la escenografía, o
mejor aun nos ofrece una negación de la escenografía. El escenario se limita a dos
filas de butacas separadas por un espacio de no más de dos metros, butacas que
parecen provenir de un cinematógrafo, otro arte de fantasmagorías, alusión que
provee un segundo grado de irrealidad.
El movimiento de los actores es reducido, como si la acción se desarrollara en
un mundo bidimensional: todo el efecto está confiado al texto. Curiosamente, este
texto, que ha sido sometido a una cuidadosa distorsión, parece recobrar así, como un
bonsai, lozanía y vivacidad. Es verdad que nos llega por un medio extraño,
atravesando cuerpos donde el texto no ha podido reconocer el camino habitual; pero
este tránsito de Las tres hermanas por el cuerpo de tres hombres, tan desprotegido,
tan al aire libre, como si sucediera en un país extranjero, le ha recuperado vida,
novedad y frescura, como lo que sentimos en ciudades que no son la nuestra cuando
reproducimos la vida cotidiana, como salir a la calle o sentarnos a tomar un café.
JORGE ARIAS
Diario La República
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Teatro, puro teatro
Rostros sin regalo. Al fin una sensación: Un hombre se ahoga, de Daniel
Veronese, en Temporada Alta. Capote nos enseñó la diferencia abisal entre «escribir
bien» y el arte verdadero. «Escribir bien» es, a menudo, aplicarse, mostrar lo que uno
sabe hacer, la batería de gracias y recursos, los golpes de talento. El arte verdadero
es otra cosa. Ofrece una certidumbre de verdad instantánea, aparentemente sencilla.
Tiene la inmensa cortesía de no revelar el esfuerzo: parece un juego concebido por un
niño madurísimo o un viejo que ríe y llora al mismo tiempo, un viejo salvajemente
divertido. Es la forma suprema del entretenimiento: sobrecoge, transporta, y nunca
aburre. Un hombre se ahoga es arte verdadero. A priori, una pendejada: montar Las
tres hermanas intercambiando el sexo de los personajes. «Ellas» son actores, «ellos»
son actrices. ¿Tiene sentido? No sé si lo tiene, pero a los dos minutos te lo crees todo,
porque ya te han instalado en su realidad, como sucedía en Vania en la calle 42. Doce
actores en escena, con ropa de calle, interpretando la trama en continuidad, sin
pausas ni cambios de acto. Continuidad quiere decir un afianzadísimo tejido
emocional, sin escapatoria pero sin claustrofobia; una red implacable de tensiones y
afectos. Cuando «no actúan» siguen actuando, es decir, permanecen en sus sillas,
vinculados, ultrapresentes en el salón familiar. Los contornos de la representación se
difuminan: todo tiene el aire irreal y perturbadoramente verídico de un sueño: Chéjov
soñando Las tres hermanas. Todo está ensayado y pautado al milímetro pero exhala
el mismo perfume de improvisación libre que consiguió Eustache en La maman et la
putain. No hay «distanciamiento» ni «reflexión sobre el intercambio de roles»: hay
pasiones y vulnerabilidades que mudan de uno a otro sexo, porque así es la vida, así
es el alma. Todos son primerísimos actores y actrices, la flor y nata del teatro
argentino. También en su método está su grandeza: ensayaron durante seis meses, a
ratos ganados, sin cobrar, a la salida de sus «trabajos remunerados», por puro amor al
arte. La función se representaba cada domingo en una pequeña sala bonaerense, El
Camarín de las Musas. Sólo de pensar que alguien se atreviera a hacer aquí algo
parecido me entra la risa. Y la enorme pena de que esta maravilla se haya visto una
sola vez, en La Planeta de Girona. ¿Nadie les ofreció una estancia de varios días en
Barcelona, en Madrid, para enseñanza y edificación de cómicos y público? Una cosa
más, tal vez la más importante. La verdad de esos actores va más allá de su
extraordinario entrenamiento. Acorde al tópico, sus caras son su mejor espejo. Esas
caras no se las regalaron. Son caras con historia, con historias. Por ahí han pasado
muchas cosas. Por esas caras y esos cuerpos y esas voces. Marta Lubos, la doctora
Chebutikin; Elvira Onetto, la baronesa Tusembach; Claudio Tolcachir, «un» Irina que
parece escapado de una película de Garrel; todos y todas. Tras el incomprensible (o
no) patinazo de El túnel, ya era hora de ver a Veronese mostrando sus plenísimos
poderes. Me relamo pensando en el Mujeres soñaron caballos que montará en el
María Guerrero.
MARCOS ORDÓÑEZ
Diario El País, Babelia, 28 de octubre de 2006
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Chéjov, en el quirófano
Más allá de lo afortunado o errado de las tantas versiones que se sucedieron
de Chéjov… todas dejaron picando la duda eterna: ¿hay que hacerlo lánguido y
melancólico? ¿Con un ritmo escénico lento, monótono y desvaído –decía Priestley–,
como si en la habitación de al lado estuviera agonizando alguien? Casi nadie pudo
escapar a esta abulia o lo que modificó para eludirla fue la dinámica exterior (Augusto
Fernández con su última versión de La gaviota). Es que sus criaturas se aburren. Pero
mientras se aburren por fuera, por dentro bullen de ilusión, frustración, odio, amor,
deseo, revancha y pulsión de muerte. Ocurre que el autor los pone a divagar en
amplios salones, los acomoda en divanes, los hace beber té mientras juegan a las
cartas. Y lo que en realidad los atormenta se adivina en diálogos que son, en general,
civilizados, irónicos, elegantes suspiros rusos mientras cae la nieve y se calienta el
samovar. Ahora bien, ¿qué pasa si lo que se hace es destripar a Chéjov, tirar a la
basura la escenografía prolija, cegar con una pared sucia y mal revocada los amplios
ventanales a los jardines, no pedirle la ropa de época al San Martín y lograr que los
actores se muestren por dentro? Bueno, Daniel Veronese lo hizo en Un hombre que se
ahoga basándose en Las tres hermanas. Y consigue un espectáculo de rara
intensidad dramática. Un clima que se va espesando desde el juego suelto del
comienzo al dolor lacerante de los minutos finales, donde sí, parece que al lado está
agonizando alguien, pero alguien que desgarra a todos por igual. Como en Mujeres
soñaron caballos, un trabajo escénico paradigmático… Veronese genera una
actuación conjunta y sólida, llena de vínculos dificultosos que sacan chispas, de
amores truncos y rencores asesinos, de verdaderas tristezas, lejanas a ese spleen
decadente que vimos tanto. En suma, una amalgama de gente que sufre, no de gente
que cuenta que sufre.
La experiencia es sobrecogedora y desde luego, a nadie le preocupa
demasiado recuperar la historia de Las tres hermanas. Nadie, salvo un despistado
grave, ha ido a ver al Chéjov que conoce. Todos los intérpretes actúan con la misma
entrega y cada uno tiene su momento. Veronese y su dramaturgia sorprenden de
nuevo.
RÓMULO BERRUTI
www.mundoteatral.com
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daniel veronese
Daniel Veronese va començar la seva carrera com a actor i mim. El 1989 va crear, junt
amb l’Ana Alvarado i l’Emilio García Wehbi, el grup de teatre El Periférico de Objetos,
que basa la seva experimentació en la feina d’integració entre actors i objectes.
Independentment del grup, ha treballat en nombrosos projectes com a autor i director,
pels que ha rebut, entre altres premis nacionals i internacionals, el Konex de Platino, la
Beca Antorchas, el Primer Premi Municipal de Dramatúrgia i el Primer Premi Nacional
de Dramatúrgia. Ha participat amb la seva obra escènica en molts festivals nacionals i
internacionals. Les seves obres estan publicades en dos volums Cuerpo de prueba,
amb catorze obres (editat per la Universidad de Buenos Aires) i La deriva, amb set
obres (editat per Adriana Hidalgo Editora).
Ha dirigit els següents espectacles: Variaciones sobre B... (1991); El hombre de arena
(1992); Cámara Gesell (1993); Breve vida (1994); Máquina Hamlet, de Heiner Müller
(1995); Circonegro (1996); El líquido táctil (1997); Zooedipous (1998); Monteverdi
método bélico (2000); La muerte, de Marguerite Duras (2000); Mujeres soñaron
caballos (2001); Open House (2001); El suicidio/Apócrifo 1 (2002); Dramas breves 2
(2002); La forma que se despliega (2003); Un hombre que se ahoga (versió de Les
Tres germanes de Txèkhov, 2004); La niña fría (2004); Minyana sobre Francia (2004);
Manifiesto de niños (2005); Método Gronholm, de Jordi Galcerán (2005); En auto
(2005); El túnel (basat en la novel·la d’Ernesto Sábato, 2006); Espía a una mujer que
se mata (versió de L’oncle Vania de Txehov).
És autor dels següents textos: Crónica de la caída de uno de los hombres de ella
(1990); Variaciones sobre B... (1991); Del maravilloso mundo de los animales: Los
corderos/El hombre de arena (coescrit amb E. G. Wehbi, 1992); Del maravilloso
mundo de los animales: conversación nocturna (1992); Luz de mañana en un traje
marrón / Luisa / Señoritas porteñas / Breve vida / En la mañana (pieza radiofónica) /
Cámara Gesell (2003); Formas de hablar de las madres de los mineros, Mientras
esperan que sus hijos salgan a la superficie / Equívoca fuga de señorita, apretando un
pañuelo de encaje sobre su pecho (1994); Unos viajeros se mueren / La terrible
opresión de los gestos magnánimos (1995); Circonegro /Women’s White Long Sleeve
Sports Shirts / Ring-side (1996); XYZ / El líquido táctil (1997); Zooedipous (coautoría
amb Ana Alvarado i E. G. Wehbi) / Eclipse de un auto en camino / Sueño de gato
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(1998); La noche devora a sus hijos / Mujeres soñaron caballos (1999); Monteverdi
método bélico (coescrit amb Ana Alvarado i Emilio G. Whebi, 2000); Open House
(2001); El suicidio. Apócrifo 1 (coescrit amb Ana Alvarado, 2002); La forma que se
despliega (2003); Manifiesto de niños (coautoria amb Ana Alvarado i Emilio G. Whebi);
Un hombre que se ahoga (versió de Tres germanes de A. Txèkhov) (2004); Espía a
una mujer que se mata (versió de L’oncle Vania de Txèkhov, 2005); Teatro para
pájaros (2006).
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intèrprets
Claudio da Passano (Olga)
Debuta l’any 1983 al Teatro Nacional Cervantes i des d’aleshores ha participat com
actor en diversos Espectacles del teatre General San Martín, sales comercials i
produccions de teatre independent. També amb Veronese ha treballat en La forma que
se despliega. Ha estat fundador i durant alguns anys membre fundador de La Banda
de la Risa, amb direcció de Claudio Gallardou, amb qui ha realitzat vàries temporades
amb adaptacions d’obres com ara El Fausto, Martín Fierro i l’adaptació teatral de I
Pagliaccide de R. Leoncavallo, amb la que van obtenir el premi ACE al millor
espectacle d’humor.
Amb Robert Sturua ha participat en Las visiones, de Simon Machard; Arturo Ui, de
Bertolt Brecht, i Shylock, basat en Shakespeare. Ha intervingut també a Memorias del
infierno (dir. Sergio Renán) i El día que Nietzsche lloró (dir. Lia Jelin).
En televisió destaca la seva participació en els programes Cybersix, Requetepillos
(programa infantil escrit per María Elena Walsh) i el cicle Alta comedia que dirigeix
María Herminia Avellaneda.
Adriana Ferrer (Ferapont)
Es va formar inicialment a l’Escuela de Teatro de la Ciudad de La Plata i més endavant
amb Raúl Serrano entre d’altres. En teatre ha participat en La niña fría amb direcció de
Daniel Veronese; El sol en la cara amb direcció de Gabriela Fiore; Doña Ramona,
amb direcció de Rubens Correa i Villanueva Cosse; Saverio el Cruel, amb direcció de
Yirair Mosian; Mensaje, amb direcció de Jorge Rivera López; La revolución es un
sueño eterno, amb direcció de Raúl Serrano, Más frágil que el cristal, amb direcció de
Guillermo Ghio, y Venecia, amb direcció de Rubens Correa.
En televisió ha participat en Mujeres asesinas, Floricienta, Epitafios, 099 Central,
Chiquititas, Poliladrón, Más allá del horizonte i Cosecharás tu siembra.
En cine ha participat en Trópico del cangrejo, dirigida per Juan Luis Buñuel, i Cuarteles
de invierno, dirigida per Lautaro Murúa.
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Malena Figó (Vershinin)
S’ha format amb Agustín Alezzo, Lizardo Laphizt, Augusto Fernándes i Cristina
Moreira. Algunes de les nombroses obres de teatre en les que ha participat com a
actriu són: El pato salvaje, de Henrik Ibsen (dir. David Amitín, nominada pel Premi
Trinidad Guevara com a actriu revelació, Teatro General San Martín); Luces de
bohemia, de Valle-Inclán (dir. Villanueva Cosse, nominada al premi Florencio Sánchez
com a actriu de repartiment, Teatro General San Martín); Paula.doc, de Nora
Rodríguez (dir. Hugo Urquijo, nominada al premi ACE com a actriu off); El señor
Puntila y su criado Matti, de Bertolt Brecht (dir. Claudio Hochman, Teatro General San
Martín); El día que me quieras, de José Ignacio Cabrujas (dir. Julio Baccaro, Teatro
Nacional Cervantes); Don Chicho, de A. Novión (dir. Leonor Manso, nominada al premi
Florencio Sánchez com a actriu de repartiment, Teatro Nacional Cervantes); Rew, de
Carmen Arrieta (dir. Andrés Bazzalo, Teatro Nacional Cervantes); La resistible
ascensión de Arturo Uy, de Bertolt Brecht (dir. Roberto Esturga, Teatro San Martín);
Teatro para pájaros (text i direcció de Daniel Veronese); Espía a una mujer que se
mata, versió de L’once Vania, d’Anton Txehov (dir. Daniel Veronese).
María Figueras (Solioni)
A més de la seva participació a Un hombre que se ahoga, versió de Tres germanes de
Txehov per Daniel Veronese, entre els seus treballs de teatre sobresurten: Mujeres
soñaron caballos, de Daniel Veronese (Centro Dramático Nacional, Madrid); Espía a
una mujer que se mata, versió de L’oncle Vania, de Daniel Veronese (espectacle que
es presenta al Festival de Otoño 2007 de Madrid); En auto, escrita i dirigida per Daniel
Veronese; En casa, escrita i dirigida per Luciano Suardi; Instrucciones para un
coleccionista de mariposas, de Mariana Pérez (direcció de Leonor Manso); El
misántropo, de Molière (Teatro General San Martín, direcció de Jaques Lassalle); Los
siete gatitos, de Nelson Rodrigues (Teatro Nacional Cervantes); La zarza ardiendo, de
González Castillo i F. Mertens (direcció de Román Podolsky).
En cinema ha treballat entre d’altres en les següents pel·lícules: La nube, de Pino
Solanas; Tres de corazones, de Sergio Renán, i La cámara oscura, de María Victoria
Menis.
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Ana Garibaldi (Andrei)
Ha participat com a actriu en els següents espectacles: Apenas el fin del mundo, de
Jean Luc Lagarce, dirigida per Cristian Drut; Un hombre que se ahoga, dirigida per
Daniel Veronese; La jaqueca, dirigida per Cristian Drut, amb dramatúrgia d’Hernando
Tejedor i Cristian Drut; Badulaque, sobre textos d’Horacio Quiroga, dirigida per Cristian
Drut; Cámara oscura, dirigida per Rubén Szchumacher; Ifigenia en Aulide, de
Eurípides, dirigida per Rubén Szchumacher en el Teatro Municipal General San Martín
(2000); La historia de llorar por él, de Ignacio Apolo, dirigida per Cristian Drut;
Femenino, de Javier Daulte, dirigida per Cristian Drut; Las alegres comadres de
Windsor de Shakespeare, dirigida per Guillermo Cacace; Entretanto las grandes urbes,
de Rafael Spregelburg, dirigida per Vilma Rodríguez, Match de improvisación, dirigit
per Mosquito Sancineto; Bailando en la oscuridad, dirigida per Javier Rodríguez;
Kaspar Hauser, dirigit per Juan Polito.
Va rebre el Premi Clarín 2003 com a actriu revelació en teatre per l’obra La jaqueca.
Fernando Llosa (Anfisa)
Durant els últims 10 anys ha treballat amb directors d’escena com ara Emilio García
Webbi (Woysek) i Ana Alvarado (Una pasión sudamericana), Ricardo Bartis (El pecado
que no se puede nombrar , Donde más duele) i Daniel Veronese.
Amb Veronese ha participat en Mujeres soñaron caballos, El suicidio: apócrifo 1, Un
hombre que se ahoga i Espía a una mujer que se mata. Amb aquestes obres ha
participat en nombrosos festivals internacionals, entre ells el Festival de Cádiz, Festival
de Otoño de Madrid, Festival de Tardor de París, Festival d’Avignon, Holland Festival,
Theater der Welt i Lincoln Center Festival.
En cine ha treballa en pel·lícules de J. B. Stagnaro, Diego Lerman, Alan Parker, Carlos
Saura i Walter Salles.
Abans de dedicar-se al teatre fou integrant fundador del grup vocal Buenos Aires 8.
Marta Lubos (Chebutikin)
Es va formar com a actriu a l’Escuela de Arte Dramático de Alejandra Boero, on també
va exercir la docència, i amb Juan Carlos Gené, en actuació i direcció.
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En teatre ha treballat sota la direcció de Daniel Veronese, Luciano Suardi, Mariana
Chaud, Edgardo Cozarinsky, Carlos Gandolfo i Emilio García Wehbi, entre d’altres. Ha
rebut diversos premis i nominacions per la seva actuació teatral.
En cine ha treballat amb directors com Héctor Babenco, Lucrecia Martel, Walter Salles,
Albertina Carri i Diego Lerman.
Pablo Messiez (Natasha)
Nascut a Buenos Aires el 1974, va debutar com a actor l’any 1996, interpretant el
paper de noi a Esperant Godot de Samuel Beckett (dir. Leonor Manso). Ha participat
com a actor en espectacles com Galileo Galilei, de Bertolt Brecht (dir. Rubén
Szuchmacher); Ifigenia en Áulide, de Eurípides; Lo que pasó cuando Nora dejó a su
marido, de Elfriede Jelinek, i Enrique IV, de Pirandello. Amb Daniel Veronese, a més
d’Un hombre que se ahoga, ha treballat en l’espectacle titulat La forma que se
despliega. Altres obres en les que ha participat són Badulaque i La historia de llorar
por él (ambdues dirigides per Cristián Drut); ROMCOM del grup britànico Rotozaza; El
perro del hortelano, de Lope de Vega (dir. Daniel Suárez Marsal) i Últimos
remordimientos antes del olvido, de Jean-Luc Lagarce (dir. Laurent Berger).
Al 2007 ha estrenat la seva primera obra com a dramaturg i director, titulada Antes.
Elvira Onetto (Tusembaj)
Actriu, directora i docent teatral. Com a directora ha dirigit Marta y Marta de
Palmes/Behocaray/Onetto; Pequeño detalle y largo encuentro, de Eduardo Pavlovsky;
La señora Golde, de P. Suárez; Copla, de N. Briski; La noticia del día, de V. Winner/S.
G. Posse; Las tres caras de Venus, de L. Marechal; Exitus, de M. F. Cárdenas; Jacobo
o la sumisión, de E. Ionesco; Marathon, de R. Monti.
Ha treballat com a actriu amb Eduardo Pavlovsky, Norman Briski, Alberto Ure, Laura
Yusem, Ricardo Bartis, Susana Torres Molina i Daniel Veronese.
Ha fet cine amb E. Subiela, J. B. Stagnaro i R. Moreno.
Com a docent coordina tallers de teatre, durant dos anys ha dirigit treballs de
residència de la USAL i ha dictat seminaris de creativitat i posada en escena tant a
Argentina com a Espanya.
Pels seus treballs de direcció i actuació ha rebut nominacions als premis Trinidad
Guevara, ACE, Clarín i Florencio Sánchez.
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Silvina Sabater (Kuliguin)
Ha treballat com a actriu amb Daniel Veronese als Espectacles titulats Mujeres
soñaron caballos, Un hombre que se ahoga i Espía a una mujer que se mata. En cine
ha participat entre altres en les pel·lícules titulades Vísperas (2006), dirigida per
Daniela Goggi, i Una novia errante (2006), dirigida por Ana Katz.
Luciano Suardi (Masha)
Actor, director i docent. Es va formar amb A. Boero, A. Fernandes i V. Tellas i va
obtenir una beca per a perfeccionar-se al Lee Strasberg Theatre Institut de Nueva
York. Fou dirigit, entre d’altres, per A. Boero, A. Alezzo, R. Szuchmacher, A.
Tantanian, D. Veronese i S. Renán a Buenos Aires i R. Buch i R. Castle a Nova York.
Entre els seus treballs de direcció destaquen Temperley, Panorama desde el puente i
El pan de la locura, al Complex Teatral de la Ciutat de Buenos Aires, i ¿Quién teme a
Virginia Woolf? al Teatro Regina. Ha rebut nombrosos premis i ha participat en
festivals nacionals i internacionals. Ha estat artista en residència de l’Akademie
Schloss Solitude d’Alemanya i el Mc Carter Theatre Center d’Estats Units.
Claudio Tolcachir (Irina)
Actor, director i docent teatral. Ha treballat, com a actor o director, entre altres, en els
següents espectacles: De rigurosa etiqueta, de Norma Aleandro (dir. Norma Aleandro);
El juego del bebé, de Edward Albee (dir. Roberto Villanueva); Orfeo y Eurídice, de
Jean Anouilh (dir. Claudio Tolcachir); La dama duende, de Calderón de la Barca (dir.
Daniel S. Marsal); Long Play, de Jorge Leyes (dir. M. Salas); Chau Misterix, de
Mauricio Kartún (dir. Claudio Tolcachir); Traje de sastres, de Darío Lucheta (dir. Silvina
Katz); Sueño de una noche de verano, de W. Shakespeare (versió de Javier Daulte,
dir. Diego Kogan); Ah, Soledad, de E. O'Neill (dir. Agustín Alezzo); Lisístrata de
Aristófanes (dir. Eduardo Riva i Rita Armani); Medea, de Jean Anouilh (dir. Eduardo
Riva); Juana de Lorena, de M. Anderson…
En cine ha participat a Buenos Aires me mata, de Beda Docampo Feijoó. En televisió
ha intervingut en títols com Chiquititas; Buenos vecinos; Mi ex; Mamitas;
Desesperadas por el aire; Las chicas de enfrente; Los machos, i ¿Dónde estás amor
de mi vida que no te puedo encontrar?
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