SOLOS TEXTO A CONTROL DOS 2010 - Historia Del Diseno II

El Pop Art
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las
condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro
del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo
Occidental, en especial la de Europa.
Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de
Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un
movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con
el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes
elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno,
auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la
realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja
en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New
York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista
apenas acceden a él.
El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene
aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria;
reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como
característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el
mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su
lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar
Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la
vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano,
la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este
proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el
tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras
profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de
esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles.
E x p r e s i ó n P o p u l a r
Lo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios,
los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en
temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos
La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el
estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la
juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para
discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los
estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas
las artes.
El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en
cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más
importante.
Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las
condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se
generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así
como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la
historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban
factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha
trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como
se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en
la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están
escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan
cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define
la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se
reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y
"Todo es Pop".
C o n t e x t o
Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el
término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un
conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la

publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de
comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de
masas de la época.
“Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado a la
expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco nos remitía al
concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que comparte una lengua, una
historia y una cultura propias, que le confieren su singular identidad y sus preferencias
estéticas. El concepto de lo popular a que nos remitían aquellos críticos estaba despojado de
todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar directamente con la cultura
de masas de la nueva sociedad industrial, que vencida la crisis de los años treinta y
aplicando a conciencia las recetas keynesianas, estaba obteniendo unos resultados
espectaculares.
La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja
con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no
sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas
mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación
estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a
las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo.
Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno
histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad
de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público
consumidores que crea.
El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje
artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial,
para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de
consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han
considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre
todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades
más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta
implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, como
en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma
ante la sociedad que representa.
La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo
del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión
o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso
a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa,
coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso
cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes
populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había
sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos
aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel
Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y
subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva,
cuando no directamente apologética.
En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de
las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos
de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de
imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la
simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la
publicidad.
Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma.
Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la
búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son
sino un reflejo de la producción masiva capitalista.
El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes
populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el
cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar

singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del
autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra.
Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente
neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece
que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo
parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice
Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión
fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".
El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante
crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a
veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de
ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.
La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se
multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia
cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y
entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte
carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la
publicidad.
El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los
motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la
expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo
impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos
de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja
en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de
a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y
desinteresada.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de
personajes de la alta sociedad ( Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol).
Cualquier cosa podía ser protagonista, elevándola a categoría de obra de arte. Lo único que
se precisaba era la novedad, al igual que la publicidad, la temática pop se aparta por
completo de lo viejo, en pro de la representación de la actualidad, de lo cotidiano en la vida
del artista, del espectador o del comprador contemporáneo a la obra.
ANDY WARHOL(1928-1987).
El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la publicidad
comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de
fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de
la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa Campbell" etc...
ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad
del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art.
Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor
comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en
personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el
proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de
sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de
imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de
sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es
que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate
fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.
A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de
rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría
calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.
Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su
sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos
otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como
tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en
entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la
vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue
siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la

expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su
reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente
tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e
incapacidad para comprometerse.
El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la
cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus
miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo
Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los
arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en explorar la expansión de la
cultura popular en Estados Unidos.
En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987), Roy
Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en
los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y
televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso
cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos
serio que el buen diseño de los cincuenta.
Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de
obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un
término muy fértil a la actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción
industrial de los años sesenta.
La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y
encarnaban la extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida,
como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color
y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos
artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de
trabajo.
En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las
molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones
colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos
vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta,
alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que
el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo,
de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que
presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los
años cincuenta.
El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento
moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se
inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo,
pop art, psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de
los medios de comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los
setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival,
por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance
y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los preceptos del
buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.

HARD EDGE
Hubo un estilo que mantuvo su lugar inmediatamente después del expresionismo abstracto y
que, a pesar de deber algo al ejemplo de éste, tenía profundas raíces en el arte europeo de
las décadas del veinte y del treinta.
Por "hard-edge" quiero significar el tipo de pintura abstracta donde las formas tienen límites
netos, definidos, en lugar de los borrosos, favoritos, por ejemplo, de Mark Rothko.
Característicamente, en este tipo de pintura, los propios tintes son planos e indiferenciados,
de manera que quizá sea mejor hablar de áreas de color y no de formas.
Surge en los EE.UU. hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta.
Tuvo una gran repercusión en Europa, aunque sin la pureza del movimiento
norteamericano.
A medida que pasaba el tiempo, algunos de los artistas de esta corriente llegaron a un
planteamiento más radical que se conoce como "pintura minimalista" debido a su bajo
contenido formal y cromático.
Uno de los padres de este tipo de pintura en Norteamérica fue Josef Albers, quien
ya ha sido mencionado a causa de su importancia como maestro. Albers estuvo
estrechamente relacionado con el Bauhaus durante la década del veinte: de hecho,
como estudiante y maestro trabajó allí con más continuidad entre 1900 y 1933, año
en que fue cerrado, o sea un período de servicio más largo que el de cualquier otro
Bauhäusler. Durante la década del treinta, cuando ya estaba viviendo en
Norteamérica, Albers tomó parte en las exhibiciones anuales montadas en París por
el grupo Abstracción-Creación.
El molde intelectual de Albers es muy típico de la atmósfera del Bauhaus sistemático y
ordenado pero también experimental. Estaba, por ejemplo, muy interesado en la psicología
de la Gestalt y esto lo llevó a una exploración de los efectos de ilusión óptica. Más tarde fue
atraído hacia el estudio de las maneras en que los colores actúan unos sobre otros. Los
cuadros y grabados de la serie Homenaje al Cuadrado, que son los trabajos más conocidos
de Albers, son experimentos planificados de color.

International Style o Movimiento moderno
Es una corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marca
una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. El movimiento moderno
aprovechó las posibilidades de los nuevos materiales industriales, especialmente el hormigón
armado, el acero laminado y el vidrio plano en grandes dimensiones. Se caracteriza por sus
plantas y secciones ortogonales, a menudo asimétricas, la ausencia de decoración en las
fachadas y los grandes ventanales horizontales divididos por perfiles de acero. Los interiores
tienden, por lo general, a ser luminosos y diáfanos. Aunque los orígenes de este movimiento
pueden buscarse ya a finales del siglo XIX, sus mejores ejemplos se construyeron a partir de
la década de 1920, de la mano de arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe, J. J.
P. Oud y Le Corbusier. También se denomina con el nombre de racionalismo (especialmente
en Europa meridional), mientras que el funcionalismo se aplicó a la arquitectura preocupada
por el diseño de edificios con criterios estrictamente funcionales, prácticos más que estéticos.
Pese a que tras la II Guerra Mundial hubo aún importantes construcciones dentro de este
estilo, las últimas décadas del siglo XX han estado dominadas por otros movimientos críticos,
herederos en cualquier caso del movimiento moderno.
Durante los últimos años del siglo XIX y primeros del XX varios movimientos arquitectónicos
empezaron a cuestionar los estilos eclécticos e historicistas que por entonces dominaban las
escuelas occidentales de Bellas Artes. De entre ellos, uno de los más importantes fue el
movimiento Arts & Crafts, precursor del racionalismo por sus formas arquitectónicas simples,
escasa decoración y preocupación por el papel social de la arquitectura. Pese a estos criterios
de modernidad, los arquitectos del Arts & Crafts, como C. F. A. Voysey y Philip Webb, se
manifestaron contra los progresos industriales reivindicando los oficios artísticos propios de
la sociedad preindustrial. Esta preocupación contrasta enormemente con el decidido apoyo a
la tecnología proclamado por otros arquitectos de la época, en especial por algunos
seguidores del Art Nouveau, como el belga Víctor Horta.
El camino hacia el empleo arquitectónico de los nuevos materiales industriales en detrimento
de los tradicionales, lo abrieron a comienzos del siglo XX figuras como los hermanos Auguste
Perret en Francia, con sus experimentaciones con hormigón armado, y Louis Sullivan como
integrante de la Escuela de Chicago. Sullivan levantó una serie de rascacielos con estructura
reticular de acero y hierro colado, como los excepcionales almacenes Carson, Pirie & Scott
(1899-1904). El discípulo predilecto de Sullivan fue Frank Lloyd Wright, que exploró nuevas
vías de innovación formal con sus Prairie Houses (casas de la pradera) levantadas en los
alrededores de Chicago. Aunque inspiradas en el movimiento Arts & Crafts, las unifamiliares
prairie houses, con sus proporciones horizontales, presentan ya una apariencia notablemente
moderna. Más radical fue la postura adoptada por Adolf Loos, arquitecto vienés que visitó
Chicago a comienzos de la década de 1890. A su regreso a Austria realizó un inflexible
ataque contra la ornamentación arquitectónica, en especial contra los excesos decorativos
del Art Nouveau, y proyectó varios edificios extremadamente austeros, como la simétrica
casa Steiner en Viena (1910).
1914-1932
La devastación provocada por la II Guerra Mundial trajo consigo, en el caso de Bélgica, la
necesidad de reemplazar los edificios destruidos por otros alojamientos de bajo coste. Esta
circunstancia propició la invención del sistema ‘dominó’, diseñado por el joven arquitecto
suizo Charles Édouard Jeanneret que, con el nombre de Le Corbusier, se convirtió en el
arquitecto más famoso del siglo XX. Discípulo de los hermanos Perret, Jeanneret propuso
crear edificios con estructura de hormigón armado y tres cuerpos horizontales, apoyando los
dos cuerpos superiores sobre pilares de planta cuadrada. Estos apoyos sostenían las vigas en
voladizo, permitiendo que los forjados se proyectaran más allá de la línea de los pilares.
Dada la resistencia de este sistema constructivo, el muro exterior quedaba liberado de la
función de soporte, permitiendo por tanto aligerar su carga y abrir los vanos que se
consideraran necesarios.
En el año 1921 estuvo marcado en Holanda por otro importante acontecimiento: la
construcción de la casa Schröder en Utrecht, obra del arquitecto Gerrit Rietveld. Al igual que
Le Corbusier, Rietveld se asoció a los movimientos artísticos de vanguardia. Fue miembro del
neoplasticismo difundido por De Stijl, fundado en Leiden el año 1917, integrado por el
arquitecto J. J. P. Oud y los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg. La independencia
de las formas, rectangulares y de colores primarios, es evidente en la casa Schröder. El

edificio se caracteriza además por la perfecta integración entre arquitectura y detalles
ornamentales, incluyendo el mobiliario.
La influencia de De Stijl se extendió más allá de Holanda, infiltrándose con fuerza a
comienzos de la década de 1920 en la Bauhaus de Weimar en Alemania.
1933
Mientras el régimen nazi buscó para la reconstrucción de las ciudades alemanas un estilo
clásico y monumental, el movimiento moderno se inclinó hacia una forma diferente de
planificación urbanística. Durante el periodo de entreguerras, Le Corbusier llevó a cabo una
serie de anteproyectos para la ciudad moderna ideal, dividida en diversas zonas dedicadas a
diferentes actividades sociales. Según esta ordenación, las personas vivirían en rascacielos
residenciales separados entre sí por extensas zonas verdes. Aunque Le Corbusier nunca
pudo ver realizadas por completo sus ideas urbanísticas, su influencia fue enorme tanto en
proyectos de posguerra, como la construcción de la ciudad de Brasilia (inaugurada en 1960),
como en los años precedentes a la II Guerra Mundial, en que se construyeron las villas de
Highpoint I en Highgate (Londres, Inglaterra) del arquitecto Berthold Lubetkin.
Le Corbusier evolucionó hacia una arquitectura intensamente emotiva denominada
brutalismo, que significa hormigón visto, con la que se incluye en la corriente crítica del
movimiento moderno y se aleja definitivamente del International Style popularizado en
Estados Unidos.
La influencia de Mies van der Rohe también es evidente en los grandes bloques de oficinas
construidos en Estados Unidos y Europa durante las décadas de 1950 y 1960. Ejemplos
destacados fueron los realizados por Skidmore Owings & Merril, así como también la obra del
propio Mies en el edificio Seagram de Nueva York, un majestuoso rascacielos de vidrio
oscuro levantado en 1957.
Durante la década de 1960 una joven generación de arquitectos, entre los que destacaron
los Five Architects (Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves, Charles Guathmey y
Richard Meier) de Nueva York, proyectaron edificios cúbicos inspirados en la arquitectura
racionalista. A partir de 1960 el movimiento moderno entró en sucesivos periodos críticos,
mientras que el International Style, su corriente menos ideológica, perdía notoriedad ante las
nuevas tendencias: posmodernismo, high-tech y desconstructivismo. Sin embargo, los
principios del movimiento moderno continúan siendo la referencia fundamental, crítica o
adepta, de la arquitectura contemporánea.
HIGH – TEC
El capitalismo contemporáneo ha dado como resultado una ciudad en donde han proliferado
las arquitecturas ligadas a la espectacularidad y las cuales utilizan el espacio como objeto de
"performance diario" del poder de consumo y del avance tecnológico. Richard Rogers &
Partners es símbolo de arquitectura y su obra más destacada en esa ciudad (el banco
Lloyd's) figura en las guías turísticas y en las perspectivas que acompañan el recorrido
peatonal al borde del río Támesis. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70
constituyó un hito en la arquitectura moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría
de continuarse en el todavía hoy polémico Lloyd's.
Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a
lo edificios, sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión
misma del edificio. Para algunos el High tech es una mentira, debido a que no es un estilo
definido, sino una forma de darle solución a determinados problemas, por medio de nuevos
materiales, nuevas formas de construcción, nuevas tecnologías.

Diferentes significados
Las obras de los máximos exponentes de este movimiento de arquitectura y diseño han
logrado estructurar un lenguaje arquitectónico concebido a partir de la exhibición de los
componentes tecnológicos de la construcción, confiriéndole un status estético merced a una
rigurosa tarea de diseño.
La arquitectura High Tech es la forma en la cual se muestra la estructura del edificio
olvidando por completo las paredes y las superficies pesadas estéticamente. Lo central de la
actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino
en transformar la exhibición de esa parafernalia en la expresión misma del edificio.
Alta tecnología, o tecnología de punta. El estilo de los high- tech abarca a todos aquellos
edificios que toman como concepto estético el lucimiento de la tecnología con la que fueron
realizados.
Silla Lumbar
Una sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la
comodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.
Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la
distribución apropiada del peso del cuerpo.
Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno
laboral de cualquier persona.
El estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el
formalismo geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller.
Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos
como Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos
industriales sin adornos a sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los
interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e
institucional, como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc
galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primarios inspiradas en el De
Stijl.
Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue
finalmente desbancado por el posmodernismo. Con todo, la promoción del uso de
componentes industriales inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y Tom Dixon a la
hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a partir de materiales
reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.
La producción de elementos bajo el rótulo de Higt Tech, incluidos los muebles, implica
necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología transformados también a través
de procesos de avanzada: troqueles que funcionan por control numérico, troquelados,
doblados, remaches industriales hechos en serie, entre otros.
En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de
materiales nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la
producción de un policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario
hace el elemento Higt Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo
apuntando a las formas sino más bien a un producto final reflejo de su proceso específico.
Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido
desarrollo como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro
continente, porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos
industriales no alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. “Para un alemán
el Higt Tech es contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech”.

CRAFT REVIVAL
Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la
conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin
precedentes de Gran Bretaña (art & craft).
Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores
posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas
artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y
Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del craft revival actual han y conservado
las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus
escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso
estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en
1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos
completamente opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y
Ruskin.
POSTMODERNISMO
El posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del
sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La
modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs “muerte
y vida de las grandes ciudades” (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la
construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en as urbes,
y en el de Robert Venturi, complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que
argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía
que enriquecía los edificios históricos.
En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal
Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos
y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de
Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica
(el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía
que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus
usuarios podrían relacionarlos psicológicamente.
Tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivo a los diseñadores a
buscar enfoques menos expresivos y mas racionales; de este modo, las atrevidas
manifestaciones del antidiseño de los ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del
minimalismo.

Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del movimiento
moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo,
deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura.
A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a
introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos
estilos decorativos y que solían ser irónicos en su contenido.
DISEÑO ORGÁNICO
El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento
comenzó a fines del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de
este movimiento han existido unos de los más recordados y premiados muebles del siglo
XX, en los que destacamos los diseños de Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados
diseñadores de dicho siglo. Sus sillones fueron revolucionarios, no solo por la tecnología de
punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y soporte continuos, promovido por
formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura.
Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de
mobiliario, ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural,
material y funcional del diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra
chapado de Ray y Charles Eames.
El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el
nacimiento del biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta,
como Maurice Calka, Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente
estructurales en el lenguaje orgánico.
A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la
antropometría y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico
emergió con más fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores
industriales más innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios
diseños orgánicos desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas
industriales de alta tecnología.
Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales,
irónicamente es plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la
esencia abstracta de la naturaleza y maximizan las conexiones funcionales a través de las
formas orgánicas que más se adaptan a la morfología humana.
Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su sensual y
emocionalmente persuasivo vocabulario formal conecta con nosotros de manera subliminal
apelando directamente a nuestro sentido primigenio de la belleza natural.
DISEÑO RETRO
El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en
referencia a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas.
En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés
por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó
mucho en los carteles pop y en las portadas de discos. Sin embargo, el diseño retro
realmente llegó a la mayoría de edad en los años ochenta, cuando el movimiento moderno
tardío se convirtió en un estilo internacional. Muchos diseñadores en este movimiento
buscaban inspiración en los productos KISCH de los años cincuenta, lo que hizo surgir

multitud de productos del diseño retro, como radios de colores papel y muebles asimétricos
con patas largas y estrechas.
La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y
en 1991 NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto
vehículo es una representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta,
mientras que la motocicleta ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una
interpretación más directa del estilo de la época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y
CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños claramente retro.
EL ANTIDISEÑO
Nace en Italia.
Está en contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno.
Pretendía validar la expresión creativa individual a través del diseño.
El surrealismo es quién influyó en distintos creadores antirracionalistas de los años
40.
Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en
la sociedad.
El antidiseño defendía el diseño de evasión.
Y con sus superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado
al límite.
Buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual.
Rechazando los preceptos racionales del movimiento moderno, el antidiseño
pretende validar la expresión creativa individual a través del diseño.
El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando
se formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la
modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza
cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estratagema descaradamente
comercial y consumista.
Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en
la sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus
provocadoras superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo
llevado al límite. La creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de
antiarquitectura y antidiseño, que buscaba nuevas técnicas no industriales para
potenciar la creación individual, marcó el fin de la etapa del antidiseño.

El antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia a finales de los sesenta, cuando se
formaron varios grupos de diseño radical en Italia. Estos grupos consideraban que la
modernidad ya no estaba en sintonía con la vanguardia y que había dejado de ser una fuerza
cultural impulsora, sometida a los intereses industriales en la estratagema descaradamente
comercial y consumista.
Radicalmente critico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la
sociedad, el movimiento antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras
superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La
creación de la GLOBAL TOOLS en 1974, una escuela de antiarquitectura y antidiseño, que
buscaba nuevas técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el fin de
la etapa del antidiseño.
EL DISEÑO RADICAL ITALIA.
Italia es reconocida por la calidad tecnológica y formal de los diseños, hay que destacar una
figura clave en este desarrollo, como lo es Ettore Sottsass, que junto a su labor de diseño en
el campo de alta tecnología en empresas como Olivetti, inicia un movimiento alternativo que
rompe con el papel de diseño en la industria y cuestiona el uso de los objetos al proponer:
Una filosofía de diseño más ambiental y humanista, que incluía como elemento esencial la
idea del gusto popular.
Así surge el llamado diseño radical, anti-diseño o contra diseño, que recibe influencias del Art
pop de los años 60 y de algunos elementos de culturas primitivas.
Los objetos se expresan como símbolos visuales y los diseñadores desarrollan su trabajo sin
la ayuda de la industria, volviendo los ojos nuevamente al estilo y concepción artesanal.
Este radicalismo a tenido altibajos en los últimos años, adquirió a mediados de la década de
los 80 un lugar reconocido gracias al trabajo del grupo Menphis (1981),encabezado por
Sottsass, la influencia de este grupo provoco el nacimiento de otras de importancia como
Alchimia.
El diseño radical que conocemos comúnmente es la conformación de varios movimientos
Italianos como Archizoom, SuperStudio, strumm, y 9999 que surgen en lo años 60 y
alchimia, Global Tools, y Memphis en los 70.
Estos movimientos aparecen como una forma de protestar contra el modernismo formal del
estilo predominante de Italia como es el “Bel Design”, el cual esta orientado al poder
adquisitivo de grupos sociales que exigían exclusividad de las piezas.
Surge como una idea de crear metodologías de trabajo innovadoras y el intercambio de ideas
para plantear la participación del diseñador en la participación del diseñador en el desarrollo
cultural del país.
Y además como una forma marcada de ruptura formal con el estilo del diseño moderno
herencia del Ulm y del funcionalismo, y se podría definir como los sobrio en el modernismo y
lo colorido en el radical.
Lo que planteo este estilo como concepto fue que la idea debía ser más importante que la
forma e hizo una liberación estética en sus diseños lo que los llevo a una exageración o

indiscriminado amontonamiento de colores, formas, texturas, y teniendo el uso libre de la
historia.
Esto lo hizo convertirse en un estilo de éxito popular y les dura mientras produzcan novedad.
La idea principal que el diseño radical quiere es de llenar de simbolismo la decoración y el
vestir de carnaval objetos ya creados.
El diseño radical tiene una amplitud de miras mas allá del círculo cerrado en el que se
encuentra el estilo, moderno y posmoderno, ya sea en la forma y sobriedad de sus colores.
Dentro del estilo radical podemos mencionar a Sottsass y Mendini los cuales no solo
pertenecieron a este estilo sino que se destacaron por su gran aporte a los diseños radicales.
En especial Sottsass que nos recordó que aparte del negro y el beige hay otros colores.
Hoy en día el verdadero diseño radical se encuentra en lugares o sectores que la actividad
proyectual a penas se a puesto en práctica, es decir, ellos buscaban un reto a los procesos
constructivos, demostrando que hoy se puede crear cualquier objeto por complejo que sea.
Aquí todo vale porque las leyes de la composición son misteriosas enigmáticas y locas.
El diseño radical surgió en Italia a fines de los sesenta como reacción al buen diseño. Era
similar al antidiseño, pero más teórico, politizado y experimental, y pretendía alterar la
percepción general de la modernidad a través de propuestas y proyecciones utópicas.
Las proyecciones de la arquitectura radical como il momento continuo de superstudio (1969)
y wind city de Archizoom (1969), especulaban con la idea de “la arquitectura como
instrumento político”, mientras que lo diseños radicales como Doric temple de UFO (1972) y
superonda de Archizoom (1966) solian caracterizarse por su potencial de interacción con el
usuario. Poéticos e irracionales a la vez, este tipo de diseño encarnaba la contracultura de
fines de los años sesenta pretendía destruir la hegemonía del lenguaje visual del
movimiento moderno.
En 1973, miembros de varios grupos de diseño radical se reunieron en las oficinas de la
revista Casabella, dirigida por Alejandro Mendini. La reunión dio como fruto la fundación de
GLOBAL TOOLS en 1974, pero al cabo de un año, la escuela de arquitectura radical se
disolvió y el debate sobre arquitectura y diseño radical perdió ímpetu. Al cuestionar el
precepto del diseño, establecidos desde hacia tiempo, los diseñadores radicales como Andrea
Branzi y Lapo Binazzi, asentaron los fundamentos teóricos para la evolución del
posmodernismo a finales de los setenta y principios de los ochenta.
Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass,
empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el
movimiento moderno a través de la decoración aplicada.
Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran
conmoción a nivel mundial al ser expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis
recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del
“buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis
contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la aceptación del
posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.
Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global
contemporánea y utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.

Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos
del pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían
referencia al surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores
mas destacados en (además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans
Hollien, Shiro Kuramata, Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori
Umeda. Sus atrevidos diseños para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e
iluminación se produjeron a escala limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova
y Sunar, entre otras.
… al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente
“asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la
ideología social, base del movimiento moderno.
El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino
también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la
década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del
posmodernismo.
A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba él
descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los
noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL
atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse.
Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el
silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya
que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e ininterrumpida
revalorización de lo esencial en el diseño.
ARCHIZOOM
ASSOCIATI
Fundado en 1966 en Firenze (Italia) por cuatro arquitectos y dos diseñadores que fueron
influenciados por las visiones utopicas del grupo arquitectonico archigram. Se dedicaron a
diseñar exposiciones, trabajos arquitectonicos y diseño de objetos.
Sus proyectos y numerosos ensayos reflejaron una nueva búsqueda, basándose en un
acercamiento a lo flexible y tecnológicamente influenciado en el diseño urbano.
ARCHIZOOM Grupo de diseño y arquitectura fundado en 1966 en Florencia por Andrea
Branzi, Paul Deganello, Morozzi Máximo y Gilberto Coretti.
Agrupe que funciona entre los años sesenta y setenta de período completo del
cuestionamiento ideológico, transforma la tecnología en "fantatecnologia" para ponerlo al
servicio del diseño radical. Se disolvieron en el 1974.
Superestudio: Los pioneros de Arquitectura Conceptual
Hippy barbudo la ropa sólo sus calzoncillos surgen de lo que aparece ser un arcón
subterráneo concreto. Él es seguido de un hombre peludo en pantalones de trabajo, una
mujer topless con el pelo largo, y el otro, y el otro, como payasos de un Volkswagen. Una
voz superpuesta nos informa que esta gente olvida " una casa indescriptiblemente grande ...
con todas las comodidades posibles, y con todos los pedazos de muebles modernos sobre el
mercado ... construido después de todos los estilos antiguos y modernos, formando un todo
homogéneo y agradable. "
La película, la Ceremonia, es una de cinco películas (juntos llamó Actos Fundamentales) que
el colectivo de arquitectura italiano de vanguardia el Superestudio planificado a principios de
los años 1970 para comunicar su visión radical de un mundo ideal: un desprovisto de

arquitectura. Esta visión es hecha la crónica en el Superestudio: Vida Sin Objetos, una
exposición retrospectiva ambiciosa del trabajo conceptual de la firma a partir de 1966 hasta
1978 actualmente extendido a través de varias galerías de Nueva York.
" [El superestudio] vio que los arquitectos tienen que estar implicados en una clase diferente
de pensar cual su profesión es, " dice Guillermo Menking, profesor en el Instituto de Pratt y
el co-conservador del objeto expuesto con el arquitecto Peter Lang. ¿" Más bien que
solamente (justo) crear objetos lujosos, o introducir a la gente en el mundo de objetos de
consumidor, ellos deberían estar preocupados sobre tales publicaciones (cuestiones) políticas
como, ' Qué es la arquitectura? ' "
Una tercera influencia era el puñado de las revistas internacionales de vanguardia que
publicaban el trabajo de tal provocateurs como el grupo sci-fi de Reino Unido Archigram,
quien señalaba el camino hacia una arquitectura de crítica más bien que el diseño de
edificios. " Había también una galería fantástica en Florencia en el tiempo Cintas llamadas De
arte, que trajeron a la gente como Dan Graham, el Sol Lewitt, y Vito Acconci para hacer
graba en vídeo, " dice Menking. " Entonces ellos se dieron cuenta de esta estrategia de
trabajar no como arquitectos, pero como artistas. "
El elemento básico de la mayor parte del trabajo en el espectáculo es una rejilla negra sobre
un fondo blanco. Esto muestra encima de en tempranos diseños para chaletes, minimalist
muebles (la mesa icónica Quaderna del Superestudio es todavía en la producción por
Zanotta), y el más memorablemente, el Monumento Continuo, una serie de fotomontajes
que muestran al Centro de la ciudad Manhattan, digamos, o el Taj Mahal, se abrigó en la
rejilla.
BANAL DESIGN
DEFINICIÓN
El Diseño Banal, está cargado de Emociones; se Transmiten, Concentrado de Energías,
Positivas o Agresivas.
Los Objetos no pretenden ser Funcionales, a menudo ni siquiera prácticos, sino más
bien escenográficos
Rescata la Esencia Emocional de los Objetos
La Expresión Artística toma Valor en las Creaciones Banales
Los Objetos deben Expresar una Estética, Objetos Triviales, Divertidos, un poco
Jactanciosos e Irreverentes
En la búsqueda de la Función se pierde la Importancia del Romanticismo, en relación
con los Objetos.
Gruppo strum
Fundado en 1971 Uno de los colectivos del diseño radical de Turín que ayudó a sentar
las bases del antidiseño y la aparición del posmodernismo de los ochenta por Giorgio
Geretti, Pietro Derossi, Carla Giammarco, Riccardo Rosso y Maurizio Vogliazo, su
nombre corresponde a la abreviatura jocosa de uno de los objetivos fundamentales del
grupo, la creación de una arquitectura instrumental ("architettura strumentale", en
italiano).
Los miembros del Gruppo Strum tuvieron una activa participación en la difusión teórica de
las ideas del antidiseño, protagonizando seminarios, conferencias y escribiendo artículos que
pretendían acercar al gran público las bases filosóficas de sus innovadoras propuestas.
El grupo tuvo una participación importante y recordada en la exposición "Italy. The New
Domestic Landscape", celebrada en 1972 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York,

donde presentaron el asiento "Pratone" (gran pradera), realizado en espuma de poliuretano
e inspirado en las monumentales esculturas de "Pop art" realizadas por Claes Oldemburg.
Dècada de los 80’s « La aldea global »
●Se comenzó a utilizar este término cuando la nueva tecnología hizo posible la comunicación
virtual inmediata con cualquier parte el mundo. (fax, módem y correo electrónico, celular.)
●Los avances tecnológicos produjeron cambios muy relevantes en la penúltima década del
siglo XX. La era de los ordenadores había llegado definitivamente, y se utilizaban programas
cada vez mas complejos en muchos de los procesos de diseño de productos que
tradicionalmente se habían dibujado o hecho a mano. Así como el disco compacto aparece
revolucionando la industria musical desde 1982.
●La nueva tecnología ofrecía también a los diseñadores numerosas y diferentes posibilidades
de manejar la composición y reproducción imágenes. Surge el fenómeno del marketing.
●Se concientiza el profesional del diseño acerca de que “la necesidad y los deseos del usuario
deben ser la base del proyecto”, Un diseño para todos será el Diseño Universal.
Grupo de Diseño Menphis
●Grupo de diseño mas importante de la década de los 80’s.
●Tendencia posmoderna.
●Fundado por Ettore Sottsass en 1980, Milàn. Luego de abandonar el grupo radical de
Alchimia.
●Junto a él un grupo de diseñadores y arquitectos italianos de muebles, tejidos y cerámicas.
●Sottsass y sus colaboradores pensaban en la creación de un Nuevo Estilo Internacional
●Inspiración ecléctica con fuentes diversas como la arquitectura clásica y el Kitsch de los
50’s.
●Utilizaron colores atrevidos, hasta escandalosos para la época, enfatizando en el uso
practico de los objetos.
●La nueva manera de tratar los materiales y los objetos que tuvo una gran repercusión sobre
todo en Europa.
●
●"Menphis no pretende saber lo que la gente necesita, pero intenta correr el riesgo de
adivinar aquello que la gente quiere en cada momento".
Mostró su trabajo por primera vez en la feria del Mueble de Milàn en 1981, con éxito
inmediato, al hacerse conocida como una polémica empresa, al ser atacados por los críticos
que considerar ron sus obras de mal gusto, pese a ello lograron un gran éxito comercial.
“Lo que ha bajado, puede subir otra vez...”.Desde este pensamiento que los objetos de
Memphis claramente manifiestan el concepto de recuperar las imágenes más cotidianas,
formas y colores. Transformándolos y cultivando esto para hacer de ellos objetos de elite.
●Memphis representó un punto de no retorno para el diseño italiano, una declaración de
guerra en el pasado - y, igualmente, de rendición al futuro - por una generación de
diseñadores que hoy tiene la dificultad que descubrir de nuevo el anti clásico.
●Memphis fue salpicado a través de revistas por todo el mundo. Había exposiciones en
Londres, Los Ángeles, Tokio, San Francisco, Nueva York y otras en Milano. Pero Sottsass se
desilusiono de Memphis y el circo de medios de comunicación alrededor de ellos, en 1985
anunció que él abandonaba el grupo.
Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño
postmodernista, sus impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el
estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini.
Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de
los 80, referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue
gracias a Ettore Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947
como arquitecto abriendo su propio estudio en Milán, en 1957 asesora al

departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre todo realizando el mobiliario y
accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo radical Studio
Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas
tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y diseñadores que
trabajaban en todos los campos del interiorismo:
mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.
Entre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire,
Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal,
Michele de Luchi y Mateo Thun.
Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán,
cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y
estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el
neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su
característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas,
todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su
función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito
comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se
burlaba de lo correctamente establecido.
Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del
postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.
El estudio Alchimia era un grupo experimental que producía caras piezas. Estaban a
favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia
del diseño del pasado. Frecuentemente mostraban su oposición al diseño racional
tomando objetos cotidianos y aplicandolos a diversas formas de decoración, por
ejemplo la silla Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por
Alessandro Mendini.
La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos
como la transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los
neo-románticos, etc.
Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no
proclaman manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se
habla de crisis de la modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo".
Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler,
J.F.Lyotard y los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento
negativo, todos proclaman la crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico,
los términos de cultura artística postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar
una nueva sensibilidad, acontecida por el fin de la guerra fría, el derrumbamiento
del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989), estos acontecimientos
son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el Neoliberalismo
Minimalismo Corriente estética y musical iniciada en los años 60 del Siglo
XX, cuyo máximo desarrollo se dio en los años 70 , y que en lo arquitectónico
privilegia los espacios amplios y libres y los colores suaves y tenues, además de dar
relevancia a los conceptos simples.
El minimalismo surge a finales de la década del 60 en Nueva York, pero sus orígenes están
anclados en Europa, en las primeras ideas del arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe,
uno de los arquitectos más importantes de este siglo.
Ludwig Mies Van Der Rohe elabora sus ideas acerca de la pureza de las formas (precursoras
del minimalismo) durante el ejercicio de su cargo en la dirección de la Escuela de Arte y
Diseño de la Bauhaus, en Alemania, a finales de los años 30. Poco tiempo después, y debido

al proceso de la segunda guerra mundial, emigra a Estados Unidos, país donde ya era
conocido como arquitecto y diseñador influyente, y se nacionaliza estadounidense.
Entrado los años 60 participa en Nueva York del movimiento del arte mínimo y geométrico
en las artes visuales. Aunque no fue el único que intervino, su versión del racionalismo y
posteriormente del funcionalismo, se han convertido en modelos para el resto de los
profesionales de su siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó y
que se ha convertido en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del
Siglo XX: "menos es más".
A lo largo de su vida profesional luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y
simple, que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Su obra se
destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos
ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la
elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero
cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles.
Ya en la década del 70, el minimalismo alcanza su madurez como una forma de reacción a
los estilos recargados de la época (principalmente el pop art) y la saturación comunicacional
dentro del universo estético. Esto influenció no sólo en la decoración y la arquitectura, sino
también en la pintura, la moda y la música.
Es una corriente estética derivada de la reacción al pop art. Frente al colorismo, a la
importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo
comercial y de un arte que se basaba en la apariencia, el minimalismo barajó conceptos
diametralmente opuestos. El sentido de la individualidad de la obra de arte, la
privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el
espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la
comprensión y la vida de la obra.
Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los
volúmenes y formas en escultura. De forma análoga proceden en la arquitectura o en la
pintura. Intentan condensar en escasos elementos sus principios artísticos y reflexiones.
En cuanto a mùsica se refiere, ésta funciona a partir de materiales limitados o mínimos;
las obras que utilizan solamente algunas notas, solamente algunas palabras, o bien las
obras escritas para instrumentos muy limitados, como címbalos antiguos, ruedas de
bicicleta o vasos de wisky.