Materia Complementaria a la prueba - Historia Del Diseno II

ESCUELA DE DISEÑO INDUSTRIAL
«No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
INTRODUCCIÓN
El dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte,
la literatura y la poesía. Por definición, cuestiona el propio dadaísmo.
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret
Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá;
posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una
característica fundamental es la oposición al concepto de razón instaurado por
el Positivismo.
Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a
través los gestos y actos: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la
negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, crea una especie
de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.
A pesar de no ser una parte extensamente conocida de la obra de Dadá, la influencia del
dadaísmo se extiende a la música.
El Dadá es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los
artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta
forma, un antiarte. Sus orígenes se localizan cuando una serie de artistas de distintas
nacionalidades se encontraron como refugiados en Zúrich durante la Primera Guerra
Mundial.
Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el
francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios
encuentros informales en distintos cafés, empezó a tomar forma la idea de crear
un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en
el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y
alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte.
Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo
por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad
en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase
de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El aporte permanente del dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es
el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser
cuestionada y, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo
artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación viene del dadá, así también la

mezcla de géneros y materias propia del collage. La diferencia fundamental estriba en que el
arte actual se toma en serio a sí mismo, mientras que el dadaísmo nunca olvidó el humor.
El movimiento dadaísta dejó las revistas y el manifiesto que sin duda son la mejor prueba de
sus propuestas pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las
veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte donde se mezclaban fotomontajes con
frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de
provocación.
El grupo de Nueva York
También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados.
Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes
vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich
Village y Chinatown.
Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza,
el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico.
En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por
una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos
refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada
neoyorquino.
El grupo de Berlín
Tras la guerra, Alemania entra en una crítica situación. Tras la revolución bolchevique, el
partido Espartaquista alemán -la izquierda socialista- ensaya también la revolución en Alemania.
En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas:
será el Movimiento dadaísta.
Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck, trae a Berlín el espíritu dadaísta, pero
mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con
el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club". Junto a
los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz, agudo crítico del militarismo y del capitalismo
alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica
artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaístas de aquellos años.
El movimiento dadá berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas
artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución
de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaístas y la
resituación de este grupo en los marcos artísticos.
Max Ernst

Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una
exposición que obligaba al publico a pasar entre
unos urinarios, mientras una niña vestida para
primera comunión recitaba poemas obscenos.
En medio de la sala se levantaba un gran bloque
de madera que sostenía una hacha enganchada
por una cadena y se invitaba al público a que
destruyera aquel objeto a hachazos. En las
paredes colgaban collages de diversos artistas
cuyo contenido provocaban malestar entre los
espectadores. La exposición fue prohibida.
La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva
York a grupos de artistas refugiados como
Duchamp o Picabia, que junto con los americanos
como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.
Marcel Duchamp
Su principal aportación es el ready-made, que consiste en
sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito
de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos
confería a los objetos la categoría de obra de arte.
En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de
bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915
presentó un urinario de loza puesto al revés y lo
tituló Fontaine.
Man Ray
Realizó un conjunto de obras que llamó
"objetos de mi afecto". Entre ellas
está Cadeau, que consiste en una plancha de
cuya base salen algunos clavos, o la obra
llamada La puericultura II, que es una base
cilíndrica de bronce en cuya parte superior
sobresale una mano color verde.
El movimiento dada construye el ambiente
propicio para que surjan otras grandes
corrientes, como el Surrealismo, y propone una
nueva definición del arte al romper con los
esquemas tradicionales integrando objetos del

entorno cotidiano dentro de los medios de expresión plásticos.
CONCLUSIÓN
Este movimiento, rompe un poco los parámetros en comparación a los otros.
Se manifiesta como un revulsivo frente a la demencia general de la humanidad enfrascada en
la Primera Guerra Mundial.
Fue como una pequeña revolución a través de los dotes artísticos, generando obras que no
desencadenaban tan estéticamente, si no que era anti-todo lo que se haya visto.
EXPRESIONISMO
Movimiento cultural nacido en Alemania en los inicios del siglo XX que tuvo su
manifestación en varios campos del arte como la música, el cine, el teatro, la danza, la
fotografía, aunque su primera y principal expresión se encuentra en la pintura.
Más que imponer un estilo propio con características comunes respetadas por todos sus
adeptos, el expresionismo fue un movimiento eminentemente heterogéneo que convocó a
diversos artistas con las más diferentes tendencias formaciones y niveles intelectuales,
pero con una coincidencia: la reacción en común contra los postulados del Impresionismo, es
decir, básicamente surgió como un opuesto a este.
Los expresionistas, básicamente defendían un arte más intuitivo y personal, donde lo que
mandase es la visión interior del artista, la expresión versus la impresión.
Generalmente, al expresionismo se lo interpreta como la deformación de la realidad para
expresar de la manera más subjetiva posible tanto la naturaleza como el ser humano,
dándole prioridad a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de
las cosas y la realidad.
Haciendo uso de colores violentos, fuertes y adueñándose de temáticas como la soledad y la
miseria, el expresionismo fue un vehículo para expresar toda esa amargura y tristeza que
dominó el círculo artístico e intelectual de la Alemania en la pre-guerra, durante la misma y
el momento post bélico.
Esa amargura dominante se transformó en anhelo por querer cambiar la vida, explorar
nuevas dimensiones en la imaginación y renovación de los lenguajes artísticos imperantes
hasta ese momento.
Entre sus representantes más destacados se cuentan: Ernst Ludwig Kirchner, Karl
Schmidt-Rottluff, Gabriele Münter y Alfred Kubin, entre otros.
Ernst Ludwig Kirchner

Gabriele Münter
Alfred Kubin
Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un
país socialmente desazonado en ese entonces.
De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los
post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y
concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.
Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende
entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como
un búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos,
los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo
pasado por encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor,
mediante la utilización de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de
enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la oposición hostil del individuo y
la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se convierte en la expresión de lo
amenazador y desconocido.

James Ensor
El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del
miedo, la desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos
son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el
grito sea la expresión pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras paseaba con
un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el desfallecimiento del hombre ante una
realidad cada vez más compleja y confusa.
EXPRESIONISMO
La siguiente investigación sobre El Expresionismo tiene como finalidad conocer
más a fondo este movimiento que abarcó no solamente la música, sino también la pintura, la
arquitectura, la literatura, el teatro, entre otros.
A través de este trabajo hacemos un breve recuentro del Expresionismo y poder
valorar quienes fueron sus máximos autores y como se originó este movimiento, el cual
suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más
subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos
más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo
es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de
expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el
Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben
“expresionismo” –en minúsculas como término genérico y “Expresionismo”, en mayúsculas
para el movimiento alemán.

Damos a conocer diferentes personajes distinguidos y propios de este
movimiento cultural demostrando la expresividad de sus obras.
Movimiento cultural nacido en Alemania en los inicios del siglo XX que tuvo su
manifestación en varios campos del arte como la música, el cine, el teatro, la danza, la
fotografía, aunque su primera y principal expresión se encuentra en la pintura.
Más que imponer un estilo propio con características comunes respetadas por todos sus
adeptos, el expresionismo fue un movimiento eminentemente heterogéneo que convocó a
diversos artistas con las más diferentes tendencias formaciones y niveles intelectuales,
pero con una coincidencia: la reacción en común contra los postulados del Impresionismo, es
decir, básicamente surgió como un opuesto a este.
Los expresionistas, básicamente defendían un arte más intuitivo y personal, donde lo que
mandase es la visión interior del artista, la expresión versus la impresión.
Generalmente, al expresionismo se lo interpreta como la deformación de la realidad para
expresar de la manera más subjetiva posible tanto la naturaleza como el ser humano,
dándole prioridad a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de
las cosas y la realidad.
Haciendo uso de colores violentos, fuertes y adueñándose de temáticas como la soledad y la
miseria, el expresionismo fue un vehículo para expresar toda esa amargura y tristeza que
dominó el círculo artístico e intelectual de la Alemania en la pre-guerra, durante la misma y
el momento post bélico.
Esa amargura dominante se transformó en anhelo por querer cambiar la vida, explorar
nuevas dimensiones en la imaginación y renovación de los lenguajes artísticos imperantes
hasta ese momento.
Entre sus representantes más destacados se cuentan: Ernst Ludwig Kirchner, Karl
Schmidt-Rottluff, Gabriele Münter y Alfred Kubin, entre otros.
Influencias del expresionismo
Los movimientos expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania, un
país socialmente desazonado en ese entonces.
De innumerables ramificaciones y matices, tomaron influencias de la pintura de los
post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y
concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.
Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es el simbolismo, que se extiende
entre 1880 y 1900. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como
un búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos,
los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo
pasado por encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor,
mediante la utilización de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de

enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la oposición hostil del individuo y
la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se convierte en la expresión de lo
amenazador y desconocido.
El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del
miedo, la desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos
son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el
grito sea la expresión pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras paseaba con
un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el desfallecimiento del hombre ante una
realidad cada vez más compleja y confusa.
Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de
otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia
primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.
La Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo) fue el primer movimiento
arquitectónico relacionado con el expresionismo producido en Alemania. Fundada en Múnich
el 9 de octubre de 1907 por Hermann Muthesius, Friedrich Naumann y Karl Schmidt,
incorporó posteriormente a figuras como Walter Gropius, Bruno Taut, Hans Poelzig, Peter
Behrens, Theodor Fischer, Josef Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert Niemeyer y Richard
Riemerschmidt. Heredera del Jugendstil y de la Sezession vienesa, e inspirada en el
movimiento Arts & Crafts, su objetivo era la integración de arquitectura, industria y
artesanía a través del trabajo profesional, la educación y la publicidad, así como introducir
el diseño arquitectónico en la modernidad y conferirle un carácter industrial. Las
principales características del movimiento fueron el uso de nuevos materiales como el
vidrio y el acero, la importancia del diseño industrial y el funcionalismo decorativo. 23
La Deutscher Werkbund organizó diversas conferencias publicadas posteriormente en
forma de anuarios, como El arte en la industria y el comercio (1913) y El transporte (1914).
Asimismo, en 1914 celebraron una exposición en Colonia que obtuvo un gran éxito y difusión
internacional, destacando el pabellón de vidrio y acero diseñado por Bruno Taut. El éxito de
la exposición provocó un gran auge del movimiento, que pasó de tener 491 miembros en
1908 a 3000 en 1929. 24 Durante la Primera Guerra Mundial estuvo a punto de desaparecer,
pero resurgió en 1919 tras una convención en Stuttgart, donde fue elegido presidente Hans
Poelzig –sustituido en 1921 por Riemerschmidt–. Durante esos años se produjeron varias
controversias sobre si debía primar más el diseño industrial o el artístico, produciéndose
diversas disensiones en el grupo.
En los años 1920 el movimiento derivó del expresionismo y la artesanía al funcionalismo y la
industria, incorporando nuevos miembros como Ludwig Mies van der Rohe. Se editó una
nueva revista, Die Form (1922-1934), que difundió las nuevas ideas del grupo, centradas en
el aspecto social de la arquitectura y en el desarrollo urbanístico. En 1927 celebraron una
nueva exposición en Stuttgart, construyendo una gran colonia de viviendas, la
Weissenhofsiedlung, con diseño de Mies van der Rohe y edificios construidos por Gropius,
Behrens, Poelzig, Taut, etc., junto a arquitectos de fuera de Alemania como Jacobus
Johannes Pieter Oud, Le Corbusier y Victor Bourgeois. Esta muestra fue uno de los puntos

de partida del nuevo estilo arquitectónico que empezaba a surgir, conocido como estilo
internacional o racionalismo. La Deutscher Werkbund se disolvió en 1934 debido
principalmente a la crisis económica y al nazismo. Su espíritu influyó enormemente en la
Bauhaus, e inspiró la fundación de organismos parecidos en otros países, como Suiza,
Austria, Suecia y Gran Bretaña. 25
Pintura expresionista

La '''pintura expresionista''' buscaba transmitir el mundo interior del artista, sus pasiones
y angustia existencial para despertar las emociones del espectador sin preocuparse de la
realidad exterior. Se caracteriza por la violencia y arbitrariedad de los colores empleados,
estridentes y puros, aplicados en largas y gruesas pinceladas. Las formas dejan de ser
bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión. Las composiciones son dramáticas y
agresivas. Los pintores se inspiraban en la obra de [[Postimpresionismo # Vincent Van Gogh
| van Gogh]] y las esculturas africanas.
Die Brücke (El Puente, 1905-1913)
El grupo nació en Dresde en 1905, coetáneo al [[Fauvismo]] francés. Los jóvenes artistas
querían construir un puente entre lo viejo y lo nuevo. Formaban una hermandad
revolucionaria de artistas que adoptaron una actitud crítica de la sociedad burguesa. Con
una técnica similar a los fauvistas, los expresionistas gustaban de los colores violentos y de
las formas retorcidas y esquemáticas. Sus temas preferidos estaban relacionados con la
violencia y la miseria, resultando dramáticos y expresivos. Todos ellos hicieron xilografías
(grabados sobre madera) siguiendo la tradición alemana.
Los artistas más importantes fueron:
* 'Ernst Ludwig Kirchner''' (1880-1938) considerado el jefe del grupo. Le encantaba el
[[Historia # el arte prehistórico|arte primitivo]]. Sus temas preferidos eran escenas
callejeras con agresivas mujeres realizadas en colores estridentes muy contrastados y
líneas angulosas para transmitir la soledad y la angustia de la sociedad contemporánea
(''Cinco mujeres en la calle'').
* '''Emil Nolde''' (1867-1949) fue el más destacado del grupo aunque estuvo en él poco
tiempo. Logró un estilo propio caracterizado por el brillante e intenso colorido y unas
figuras salvajes y grotescas para expresar violentos sentimientos en sus cuadros religiosos
(''Danza en torno al becerro de oro'', ''Susana y los viejos'').
* '''Karl Schmidt-Rottluff''' (n.1884), que pintaba monumentales paisajes con desnudos
usando colores chillones sin matizaciones.
En 1910 el grupo ''Die Brücke'' se trasladó a Berlín para llevar su obra al mayor número de
espectadores.
Der Blaue Reiter (El Jinete Azul, 1911- 1914)
''Der Blaue Reiter'' surgió en Munich en 1911. Kandinsky y Marc serán los fundadores del
grupo; en 1912 publicaron el almanaque ''Der Blaue Reiter'' que dio nombre al grupo al que
se sumaron otros artistas como Macke y Klee.
A pesar de ser un grupo expresionista como ''Die Brücke'', diferían en sus planteamientos
artísticos. Los artistas pretendían superar la realidad idealizándola, no criticándola, y
despertar sentimientos en el espectador. La riqueza cromática, la simplificación de formas
y el uso de líneas curvas serán las notas características de la pintura del ''Jinete Azul'',
más lírica y espiritual que la de ''Die Brücke''. Los pintores más significados del grupo son:
* El ruso '''Wassily Kandinsky''' (1866-1944o. Buscaba expresar sus sentimientos a
través de llamativos contrastes de color, sin preocuparse del tema (''Improvisación'', ''El
Jinete Azul''). Tras eliminar el elemento figurativo de sus telas, llegó a la abstracción pura
en 1910.
* '''Franz Marc''' (1880-1916) quería expresar a través de sus lienzos el misticismo de la
naturaleza.
* El suizo '''Paul Klee''' (1879-1940) Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves
tonalidades y con trazos infantiles, en las que mostraba su realidad interior (''Ad

Parnasum'', ''Senecio'') aunque en sus últimos años su pintura se vuelve más amarga y
oscura.
El grupo quedó disuelto en 1914 al estallar la [[El estallido y desarrollo del
conflicto.Primera Guerra Mundial]].
Van Gogh, Vincent
"La noche estrellada", 1889
(30/03/1853 Groot Zundert - 29/07/1890 Auverssur-Oise)
Artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos
básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte.
Gauguin,
"We hail thee Mary", 1891)
Paul
(07/06/1848 París - 08/05/1903 Autona auf Hiva Oa)
Pintor post-impresionista y simbolista que emigró a los mares del sur en busca de lo arcaico
y lo espontáneo. De gran influencia en los fauvistas, por su trabajo con el color y la línea.

Ensor,
"La intriga"
James
(13/04/1860 Ostende - 19/11/1949 Ostende)
Pintor de escenas macabras y sarcásticas llenas de simbolismo que tematizan la soledad del
hombre.
Munch,
"El grito"
Edvard
(12/12/1863 Loten - 23/01/1944 Ekeley)
Artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos
básicos humanos, como el miedo, el horror y la muerte.

Kirchner, Ernst Ludwing
"Dos mujeres en la calle", 1914
(6/5/1880 Aschaffenburg - 15/06/1938 Davos)
Cofundador de Die Brücke y representante afamado del expresionismo alemán que
representó un estilo nervioso y espinoso la vida de la gran ciudad alemana.
Heckel,
"Niña parada", 1910
Erich
(31/07/1883 Döbeln - 27/01/1970 Hemmenhofen)
Es uno de los expresionistas más importantes de Alemania y cofundador del grupo artístico
Die Brücke. Utiliza principalmente, la forma y el color como medios de expresión.
Schmidt-Rottluff,
"Descanso en el atelier",1910
Karl
(01/12/1884 Rottluff - 10/08/1976 Berlín)
Cofundador del grupo artístico Die Brücke que empleó, tal y como en su día hizo Heckel,
tonos brillantes rojos y verdes. Su motivo principal era el paisaje.

Müller, Otto "Drei Akte vor dem Spiegel", 1912
(16/10/1874 Liebau - 24/09/1930 Breslavia)
Pintor expresionista de personajes del ambiente gitano, el cual retrata con colores tenues.
Nolde,
"Gente excitada", 1913
Emil
(Emil Hansen, 07/08/1867 Nolde - 15/04/1956 Seebüll)
Importante exponente del expresionismo alemán, que pintó acuarelas, óleos y tablas con un
pincel muy apasionado, resplandeciente y rico en contrastes.
Beckmann,
"Cristo y una mujer descubiertos en adulterio", 1917
Max

(12/02/1884 Leipzig - 27/12/1950 Nueva York)
Pintó cuadros enigmáticos y profundos sobre la existencia del ser humano, en un estilo
personal y de características expresionistas.
Marc, Franz
"Caballo azul I" ,1911
(08/02/1880 Munich - 04/03/1916 Verdún)
Cofundador de Der Blaue Reiter, que colocó el animal como símbolo de la unidad cósmica en
el centro de su obra cristalina y luminosa. Sus caballos azules, que fueron objeto de
condenación por Hitler, se han hecho famosos en todo el mundo.
Kandinsky, Vasily
"Composición IV" ,1911
(04/12/1866 Moscú - 13/12/1944 Neuilly-sur-Seine)
Expresionista importante, líder del grupo Der Blaue Reiter y teórico del arte que se
convirtió en un pionero decisivo de la pintura abstracta.

Klee, Paul
"La casa roja" , 1913
(18/12/1879 Münchebuchsee/Berna - 29/06/1940 Locarno)
Artista que, partiendo de cuadros figurativos, encontró un idioma pictórico compuesto de
señales abstractas y a menudo graciosas e infantiles.
Macke, August
"Dama con chaqueta verde" , 1913
(03/01/1887 Meschede - 26/09/1914 Perthes-les-Hurles)
Artista de Der Blaue Reiter, creó composiciones fraccionadas en superficies cromáticas.
Münter, Gabrielle
"Viento y clima", 1917

(19/02/1877 Berlín - 19/05/1962 Murnau)
Miembro de Der Blaue Reiter. Pintora de cuadros luminosos cuyas superficies cromáticas
están contorneadas por líneas negras.
CONCLUSION
Las característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el dinamismo y el
sentimiento. Lo principal para los pintores de principios del siglo no era reflejar el mundo
de manera realista y fiel al contrario que los impresionistas sino, sobre todo, romper las
formas. El objetivo principal de los expresionistas era transmitir sus emociones y
sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un
cuadro expresionista se nota esa energía y esa emotividad que reflejan todas sus obras.
Mediante el trabajo de investigación del expresionismo ,cabe mencionar la relación que
vincula al diseño industrial, Ya que cada personaje era un comunicador ,expresa con energía,
lo mismo posee el diseñador, comunica su idea primero en un dibujo ,croquis ,luego plasma
medidas para vincularse con el cuerpo, para finalmente crear un producto que comunique y
envuelva el sentimiento de poseerlo.
Lo mas importante tanto para un diseñador como para un artista es logra expresarse, y
fueron los artistas vinculados al expresionismo los que sentaron las bases para incluir esto
en un producto o una obra.

Edvard Munch
Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de
otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia
primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.
Constructivismo
Constructivismo
el arte útil
1914 a 1925
El constructivismo sostiene que el artista debe buscar la renovación artística, y
dedicarse a actividades útiles para la comunidad, como: la arquitectura, la
producción industrial, el diseño publicitario, la tipografía.

Movimiento artístico surgido en Rusia en 1913.
Tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o “Talleres Superiores Artísticos y Técnicos del
Estado”.
Fue una Escuela Estatal de Arte y Técnica de Moscú, Rusia creada en 1920 por decreto
del Gobierno Soviético.
Los talleres fueron establecidos por un Decreto de Vladimir Lenin con la intención, en
palabras del Gobierno Soviético, de “preparar maestros artistas de las más altas
calificaciones para la industria, constructores y administradores de la educación
técnico profesional.”
Se destacarán diseñadores como Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko.
El Constructivismo fue fundado, por el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin.
Abarcó múltiples facetas: proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño y decorados
teatrales.
Se basa en el cubismo, y estéticamente se relaciona con la ingeniería y la arquitectura.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos
reales ni fantasías libres del artista.
Se materializó en diferentes ámbitos, tales como el diseño de carteles, de moda,
tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.
En el constructivismo la valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son
fundamentales.
Las obras realizadas deben integrarse al espacio, siendo muy acorde con el ambiente en
que se sitúan.
Por lo mismo es que se construye en materiales industriales, tales como yeso, alambre,
madera, vidrio, plástico, etc.
Está basado en la maquinaria y tecnología moderna, de una manera abstracta, dejando de
lado los sentimientos y sensaciones.
Usando colores tales como naranjo, rojo, azul, amarillo, Blanco y negro, en igual tono
generalmente, lograban simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y las formas
pesadas.
Por ejemplo, la cerámica constructivista solía estar decorada con motivos suprematistas
(formas geométricas sobre un fondo blanco y plano), lo que producía una fuerte impresión
de dinamismo y modernidad.
Luego el movimiento se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del
artista ingeniero y la función de resolver necesidades sociales.
Pero a causa de la inestabilidad propia del tiempo que sigue a una revolución, se llevaron a
cabo muy pocos proyectos a gran escala, por lo cual el Constructivismo se limitó al diseño
de exposiciones, cerámicas y grafismos.
Autores y obras:
- Kasimir Malévich (1878-1935) fundó un estilo de pintura de formas básicas y de color
puro al que llamó suprematismo.

-Vassily Kandinski (1866-1944), suponía que el arte debía permanecer como una
actividad de las necesidades utilitarias de la sociedad. El Estado, los sistemas
económicos y políticos perecen, las ideas se desmoronan bajo el peso de los años.
-Tatlin (1885-1953) y Alexander Rodchenko (1891-1956): hicieron un llamado a los artistas
para que dejaran de producir cosas inútiles y se volviera hacia el cartel
Tatlin
Rodchenko

- Aleksei Gan (1893-1942). Criticaba a los pintores abstractos por ser capaces de
romper el cordón umbilical del arte tradicional y se jactaba de que el constructivismo se
había trasladado del trabajo de laboratorio a la aplicación práctica. Gan escribió que los
tres principios del constructivismo son la arquitectura, la textura y la construcción.
- Lissitzky (1890-1941) pintor, arquitecto, diseñador gráfico y fotógrafo. Fue quien mejor
llevó a cabo el ideal constructivista desarrolló un estilo de pintura al cual denominó
PROUNS (abreviatura de "proyectos para el establecimiento -afirmación- de un arte
nuevo").

Paul Klee
Paul Klee (Münchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879 - Muralto, Suiza, 29 de
junio de 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en
Alemania y cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.

BlaueReiter
En 1911 Wassily Kandinsky y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas
vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación,
pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó
en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke,
Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte
gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fauvismo y el cubismo. El
nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir
de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre. La
primera de las dos exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el 18 de diciembre de
1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta
el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch,
Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Kandinsky, Klee y Macke. Tras este período,
la exposición inció su itinerancia por otras ciudades alemanas, entre ellas Colonia y
Berlín.

Viajes
En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar.
Paul Klee dijo:
"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para
siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor."
También visitó Italia en 1901 y Egipto en 1928, siendo ambos lugares una fuerte
influencia para su arte. Klee era uno de los Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules) junto a
Kandinsky, Feininger y Jawlensky. Esta agrupación, formada en 1923 expuso
conjuntamente en los Estados Unidos en 1924. La influencia de Klee en otros artistas
notables se propagó hacia comienzos del siglo XX incluyendo al belga Rene Carcan.
Bauhaus
Cuando Paul Klee asumió las funciones de 'Meister’ (maestro) en la escuela de la
Bauhaus de Weimar, en enero de 1921, ya era un célebre artista de vanguardia.
Claramente socialista, la escuela pretendía "derrumbar la barrera arrogante entre
artesanos y artistas".El lema de la Bauhaus era: "arte y tecnología, una nueva unidad".
De inspiración socialista, la escuela quería crear una nueva corporación de artesanos,
según Walter Gropius, su fundador.
Durante los primeros años de la Bauhaus un artista era encomendado a un artesano
partiendo de la idea de que cada uno era la mitad de un todo. El primero se encargaba
del curso de contenidos formales; el otro, del curso práctico.
Como 'Meister’ (maestro) Paul Klee comenzó a enseñar primero encuadernación y, más
tarde, pintura sobre vidrio y pintura mural. La nueva tarea lo obligó a poner claridad en
sus ideas en el campo teórico de la creación artística.
"Si hay algo en lo cual los estudiosos de Klee están de acuerdo es en la afirmación de
que sus lecciones eran intelectualmente pesadas. Algunos alumnos no lograban captar
el sentido. Otros se divertían y aprovechaban mucho", añade Thöner.
Otra característica de la enseñanza de Klee era su costumbre de subrayar que su estilo

no era el único. "A diferencia de otros profesores, indicaba con énfasis cómo había
llegado a ciertas decisiones y no era dogmático", afirma Thöner.
Teorias
Las teorías que Paul Klee desarrolló durante este período se hicieron evidentes en su
trabajo. "Tenía una comprensión dinámica de la forma y en sus llamadas 'pinturas
cuadradas’ pueden verse los moldes que desarrolló sistemáticamente", precisa
Wolfgang Thöner.
Existen sin embargo otros testimonios según los cuales Klee no tomó en serio sus
compromisos docentes. Algunas veces no se presentaba en las clases para dar sus
lecciones, sin preocuparse de advertir a los estudiantes o a los colegas y los llamados
de la Bauhaus para que regresara a Dessau caían en el vacío.
La actitud de Klee frente a estas presiones aparece en una de sus respuestas: "Antes
que nada soy un artista que trabaja...", decía.
·Dessau
Los años pasados en Dessau permitieron a Klee y a su familia disfrutar de la
comodidad de la clase media alta: buen salario, un trabajo respetable y una gran casa
con un precioso estudio diseñado por Gropius.
"Klee había querido siempre tener una vida burguesa y, en Dessau, había alcanzado el
apogeo", subraya Thöner.
Klee estaba orgulloso del título de profesor que tenía en la Bauhaus y de los privilegios
asociados a la función. Cuando la escuela atravesó dificultades financieras, a finales de
los años veinte, Gropius propuso a Klee una reducción de su salario, pero éste rehusó.
Hubo un momento en que Klee llegó a ser el profesor mejor pagado.
"Naturalmente, esta era una contradicción. Era el artista de vanguardia y se mostraba
un poco evasivo, pero buscaba el reconocimiento burgués", aclara Thöner.
Según Thöner, Klee estaba contento con su vida en Dessau y con gusto hubiera pasado
allí el resto de sus días.
La Ruptura
Pese a todo, algunas fisuras comenzaron a aparecer en su paraíso. Para Klee resultaba
cada vez más difícil conciliar sus ideales artísticos con aquellos de la Bauhaus.
En una carta enviada a Lily en 1928, escribía: "Las exigencias que vienen de dentro y
de fuera son tan grandes que pierdo el sentido del tiempo...me persigue mi mala
conciencia...".
Klee decidió entonces abandonar Dessau y la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf
le ofreció un puesto en 1930. Un año después aceptó la nueva posición dejando a su
familia en Dessau. Los suyos iban a reunirse con él en 1933, una vez que el artista
encontrara una vivienda adecuada, pero los sucesos históricos tomaron la delantera.
Los nazis habían llegado al poder en Alemania durante el mismo año y Klee estaba en
la lista negra del régimen que de ninguna manera aceptaba a un artista moderno con
simpatías por la izquierda.
Apenas pocos días antes del traslado de su familia, Klee fue despedido de la Academia
con efecto inmediato. El nuevo director era un ferviente seguidor del

nacionalsocialismo.
Klee y el color
A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de maneras variadas y únicas, y mantuvo
con él una relación que progresó con el tiempo. Es interesante que aunque amaba
tanto la naturaleza en sus comienzos Klee decía despreciar el color, alegando que éste,
era solo un adorno.
Con el tiempo Klee el color y su aplicación llegó a klee y nunca lo abandonó, manipuló
el color con precisión pero sobre todo con pasión, hasta tal punto que terminó
enseñando teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la Bauhaus. Esta
progresión, por sí misma, es de gran importancia porque le permitió escribir sobre el
color con una mirada única entre sus contemporáneos.

Futurismo
El futurismo es considerado una de las primeras vanguardias artísticas y literarias de Europa,
surgiendo en Italia Gracias a Filippo Tommaso Marienetti en el primer decenio del siglo XX, Quien
redacto el manifiesto del futurismo (manifieste du futurisme) (1909) en el periódico parisense Le figaro
Proclamando esencialmente un arte anti clasicista orientado hacia el futuro rechazando al pasado y a la
tradición, por formas más expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y la sociedad de las

grandes urbes, Tenia como postulados :Lo nacional y guerrero, La exaltación de la sensualidad , la
veneración a las maquinas , lo objetivo de lo literario y la disposición espacial de lo escrito con el fin de
darle una expresión más plástica .
Trato ensalzar la vida de ese entonces, basándose en sus dos principales temas: La maquina y el
movimiento, y de esta forma, recurría a medios de cualquier índole para expresar un verdadero arte de
acción (Artes plásticas, urbanismo, publicidad, cine, música, poesía) con el principal fin de rejuvenecer y
construir nuevamente la faz del mundo
“Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la
velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de
metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia”
Ya un año más tarde del manifieste du futurisme , se puede hablar de un grupo liderado por marinetti en
el que trabajaran artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla y Severini. Quienes crearon el
manifiesto de los pintores futuristas
Objetivo del futurismo
El futurismo es llamado así debido a su intención de romper completamente con el arte del
pasado, especialmente el desarrollado en Italia, en donde la tradición artística estaba impregnada en todo ,
deseaban crear un arte nuevo, que estuviera acorde a la mentalidad actual de los nuevos tiempos y
necesidades ,tomando como modelo principal, a las maquinas con sus atributos : la velocidad, la energía ,
el movimiento , la fuerza y la deshumanización, dignificando a la guerra, como espacio en donde estos
atributos han alcanzado sus máximas metas
Sus ideas radicales y revolucionarias no solo deseaban extenderse al arte, sino bien, al igual que muchos
otros movimientos, pretendían revolucionar la vida del hombre, transformando su vida. Difundiendo la
estética futurista, una ética de raíz machista y provocadora, deseosa del deporte y la guerra, del peligro y
la violencia, politizándose hasta llegar a coincidir con las tesis del fascismo, cuyo partido marinetti fue
miembro ya en 1919 ya que en el mismo manifiesto de marinetti hay un punto que dice : “Queremos
glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los
anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.”
La característica diferenciadora del futurismo, es la plástica del movimiento y del dinamismo, el efecto
que transmitía se traduce en vibrantes composiciones que debían producir un paralelismo multisensorial
del sonido espacio y tiempo, de un principio usando técnicas divisionistas del legado del
neoimpresionismo y más tarde se comenzó a hacer frecuente el uso de la técnica cubista de abstracción,
con el propósito de desmaterializar los objetos. A partir de estos métodos la representación del
movimiento y dinamismo se baso en el simultaneismo esto vale decir la multiplicación de las posiciones,
de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza intensificación de la acción mediante la
repetición y la yuxtaposición del anverso y el reverso de la figura. Buscando por todos los medios reflejar
el movimiento y la fuerza interna de las cosas, considerando que el objeto no es estático por lo que es
necesario encontrar por todos los medios la forma de reflejar el movimiento y su fuerza interna creando
ritmos entre formas y colores, multiplicando líneas y detalles semejantes a la sucesión de un
caleidoscopio. Pintaban caballos y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y
piernas, con el fin de lograr plasmar esa sensación de movimiento y sonido como se uso mediante la
representación de una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Fin del Futurismo
El movimiento futurista cae con la primera guerra mundial, en donde sus miembros se separaron
en varias directrices, dando un paso más en la marcha del arte contemporáneo Convirtiéndose la corriente
en el eslabón inmediato del dadaísmo y el surrealismo en su proceso de desintegración.

Legado Del futurismo
La huella que dejo el futurismo mas allá de los meritos artísticos en los que logro destacar, fue el
hecho de que concibió la un fundamento estético desde cero, Otorgando la posibilidad de una profunda
renovación de los principios y técnicas para la expresión de tales obras cuyas repercusiones hasta el día de
hoy se sienten como por ejemplo las técnicas para “figurar, con medios estáticos, el movimiento real” han
sido de gran ayuda para el lenguaje de las historieta moderna
Además muy importante de destacar es que fue uno de los primeros “Ismos” o vanguardias artísticas, y su
valor, como lo fue el movimiento de ruptura, arraso el camino de las otras corrientes, creando una nueva
visión artística del siglo XX
La Deutscher Werkbund
Era una asociación mixta de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en
Múnich, por Hermann Muthesius.
Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño
moderno y precursora de la Bauhaus.
El Deutscher Werkbund fue uno de los establecimientos que impulsó el Racionalismo en la
forma (Funcionalismo). En sus inicios fue una asociación de talleres que surgió en Alemania
que buscaba unificar arte con industria.
A fines del siglo XIX en Alemania se dio un rápido progreso tecnológico gracias a la estrecha
relación entre las universidades y la industria. Por esta razón, envían a Londres al escritor y
crítico Herman Mathesius, para ponerse al tanto de las actividades en arquitectura y diseño en
Inglaterra. Esto le permitió conocer el trabajo de William Morris y sus seguidores. Permaneció
en Londres de 1896 a 1903.
En 1903 regresó a Alemania con nuevas ideas en el campo del diseño industrial moderno. Su
pensamiento se basaba en el racionalismo en la forma, perfecta y pura utilidad. “Muebles
prácticos, sin adornos, con formas simples, pulidas y ligeras, cómodas para las amas de casa
(…) nace la adecuación a la función y la sobriedad (…).” Extraído de Historia del diseño
industrial. Salina flores.
Este nuevo pensamiento dio origen en 1907 al Werkbund (Asociación Artesanal Alemana)
creado en Munich. Esta estaba constituida por fabricantes, arquitectos, artistas, diseñadores,

comerciantes, periodistas, pedagogos, etc. Con la selección de estos profesionales se buscaba
combinar a los representantes del arte, la industria, los oficios y el comercio y elevar la calidad
del trabajo industrial.
En los estatutos de Werkbund se aclaraba:
“El objeto de Bund es el ennoblecimiento del trabajo profesional con una acción combinada con
el arte, la industria y la artesanía lograda por medio de la educación, la propaganda y un criterio
de unidad con respecto a las cuestiones de este ámbito”. Extraído de Historia del diseño
industrial. Salina flores.
En 1912 la asociación publicó su primer anuario, que incluía diseños destacados, exhibidos y
promovidos en las exposiciones, catálogos y asambleas organizados por ellos, que pronto
adquirieron un carácter internacional.
El éxito se reflejó pronto, se empezó a hablar de “la forma alemana”. Esta doctrina se distribuirá
en toda Alemania a través de escuelas y establecimientos, dirigidos por Peter Behrens, Henry
Van de Velde.
Personajes Importantes
Hermann Muthesius: arquitecto, escritor y diplomático alemán, racionalista a ultranza, crítico
vehemente del Art Nouveau. Quizá por lo que es más conocido es por promover muchas de las
ideas del movimiento británico Arts and Crafts en Alemania. Fue uno de los fundadores del
movimiento Deutsche Werkbund, junto con Peter Behrens.
Heinrich Tessenow: arquitecto alemán, profesor, y urbanista durante la República de Weimar.
Tessenow repudiaba al Partido Nazi, sin embargo durante la Segunda Guerra Mundial pudo
preservar su posición académica gracias a la intervención de su bien relacionado alumno. Vivió
en Mecklemburgo desde 1941 hasta el final de la guerra.
Henry van de Velde: Estuvo ligado al Modernismo pero más tarde evolucionó hacia el
Racionalismo mostrándose partidario de la ausencia de ornamentación.

Defendió sus ideas sobre el arte en escritos como El arte futuro (1895) y Observaciones
generales para una síntesis de las artes (1895).
Pensaba que todas las artes debían subyugarse a las artes decorativas, ya que mejorando el
entorno del hombre, el hombre mejoraba. Por ese motivo diseñaba hasta el último detalle de
sus espacios.
Peter Behrens: En 1907 se suma a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann
Muthesius, comparte ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año es
nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a
Berlín. Para la AEG realiza lo más reconocido de su trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas
y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería,
carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la
"identidad corporativa", para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el
industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de
proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la
industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.
Art decó
El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia
se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes
decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a
las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.
Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector
Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour)
formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925
organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París,
estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue
acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des
Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art
Déco y en inglés Deco.
Morfología y tecnología
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos
del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias.
Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del
que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos
descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas
líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de
fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas:
las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el

evestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en
formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la
simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos,
zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los
materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida,
piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo
seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y
naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de
sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones
bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de
interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.
Sociología
El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen
raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo
que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y
estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo
ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución
industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la
maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau,
esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e
imaginería de su tiempo.
El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la
austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una
creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un
deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó
durante la 'edad del jazz'.
Decadencia
El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de
haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado para representar falsas
pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas
por la Segunda Guerra Mundial.

DISEÑO ESCANDINAVO
UN POCO DE HISTORIA
Escandinavia corresponde a un estado-nación localizada en el norte de Europa.
Entre el Mar Báltico y El Mar Noruego, en la cual la mayor parte de su superficie esta ocupada
por Noruega y Suecia, extendiéndose desde Rusia Y Finlandia en el Norte hasta la Parte sur
de Suecia, cercana a Dinamarca
El término «Escandinavia» nace del antiguo término «Scandia», utilizado en mapas Romanos
para hacer referencia a los Países Nórdicos, que componen una entidad cultural y regional
particular. Ya que pese a compartir raíces económicas culturales y lingüísticas, cada país
escandinavo posee un carácter propio, reflejo de su geografía y clima. Es por esto que los
diseñadores escandinavos han sustentado un enfoque democrático del diseño en busca de una
sociedad ideal, en busca de mejorar la calidad de vida a través de tecnología y de productos
funcionalistas.
Ahora bien el Diseño Escanivavo, mezcla de artesanía con procesos industriales surgido en los
años 50 corresponde a un estilo de productos que comenzaron a salir a partir de 1930.
Reuniendo a Dinamarca, Noruega, Suecia y Finlandia como movimiento del diseño
caracterizado por diseños simples, sencillos, minimalistas y de producción en masa del bajo

costo los cuales marcaron las bases para el diseño moderno, marcando pauta aun en la
actualidad
Si bien es cierto los precursores del Diseño Escandinavo no eran cercanos los principios de la
industrialización, ya que estaban ligados a la tradición en el campo de la artesanía, ya que le
otorgaban mayor importancia a la parte humana del diseño, y de la mezcla de estos factores,
es decir, artesanía e industrialización surgió un diseño de gran calidad, que se dio a conocer
mundialmente.
CARACTERISTICAS DEL DISEÑO ESCANDINAVO:
El diseño escandinavo tiene un aspecto único y fácil de reconocer. Uno de los componentes
clave es el hecho de que está inspirado en la naturaleza. Con la utilización de líneas que son
muy limpias y simples. Al mismo tiempo, incorpora los patrones gráficos y colores pálidos,
dando como resultado un estilo que es a menudo visto como un estilo “Moderno clásico”, ya
que utiliza elementos de diseño clásicos con un toque Moderno.
Otro atractivo que posee y que le ha brindado popularidad es que encaja muy bien con el
diseño y modo de vida ecológico ya que en el ultimo tiempo las decisiones de decoración del
hogar se basan de acuerdo al impacto que tienen sobre la tierra, esto se explica en la
utilización de materiales que puedan ser fácilmente reemplazados y que no tendrán un impacto
negativo en las generaciones futuras contribuyendo con la creciente conciencia sobre la
Naturaleza y el medio ambiente, ya que es la simplicidad y el aspecto moderno que los hacen
complementos perfectos para la sociedad eco-consciente actual.
La propuesta de este Diseño radica en que los objetos diarios sean atractivos, es decir con
diseño y funcionales, y desde luego lo mas importante es que sean de gran alcance, por lo que
cabe destacar que el movimiento escandinavo democratizó el diseño haciendo que llegue a
todos, claro que esto pudo ser viable gracias a que lo acompañó la disponibilidad creciente de
nuevos materiales y métodos baratos para la producción en masa como lo es: madera,
plásticos, aluminio o acero.
MUEBLES DE DISEÑO ESCANDINAVO

El Diseño de esta zona esta dirigido a productos para el hogar ya que su punto de partida y
sus objetivos son crear belleza para la vida diaria. Puesto que las extremas condiciones
climáticas de la región han propiciado que el hogar sea objeto de especial atención, intentando
así lograr y proporcionar el máximo confort, dando lugar a una corriente volcada en el
diseño de interiores que se ha destacado por su funcionalidad, sobriedad y
comodidad. De esta forma Suecos, noruegos, daneses y finlandeses poseen una
reconocida tradición en el campo del diseño industrial con nombres tan destacables
como el del arquitecto finés Alvar Aalto o los ingenieros Bang y Olufsen, entre
otros.
MARCAS ESCANDINAVAS
Como región, Escandinavia se hizo famosa como centro del buen diseño. Ya en los años
cincuenta el diseño escandinavo surgió como estilo definido. Si bien se reconoce
fundamentalmente por el mobiliario, también representa un movimiento que refleja simplicidad
y elegancia con un enfoque en la funcionalidad del precio accesible
El buen diseño sigue siendo el rasgo fundamental de las marcas actuales, ya sea que se
manifieste en la campaña publicitaria del vodka Absolut o en la brillante interconectividad de las
piezas de LEGO o en la sencilla belleza de los muebles de IKEA.
Además, los creadores de las marcas escandinavas han sido notablemente innovadores. El
vodka sueco Absolut accedió a un mercado dominado por vodkas rusos, sin necesidad de
crear un producto superior pero sí saliendo con un packaging novedoso, con lo cual basó su
exitosa campaña publicitaria.
¡Viva la República Independiente de tu Casa!

LEGO
Funcionalidad,
confort
IKEA: Corresponde y ambiente a una corporación multinacional de origen Sueco dedicada a la venta de
Muebles y objetos para el hogar y decoración, a bajo precio y diseño contemporáneo.
Nokia: creada en 18685 es el primer fabricante de Teléfonos Móvil del mundo, además de una
de las principales empresas del sector de las telecomunicaciones. Con sede en Keilaniemi
(Finlandia). Nokia es una de las marcas más conocidas dentro y fuera de la Unión Europea
LEGO es una empresa de Juguetes Danés, reconocida principalmente por sus bloques de
plástico interconectables. El nombre LEGO fue adoptado por la compañía en 1934, formado
por la frase del Danés "leg godt", que significa "juega bien".
Hugo Alvar Henrik Aalto (1898 - 1976)
Nacido en Kourtane, Finlandia 1898, Alvar Aalto es conocido como el padre de la
arquitectura moderna de los países escandinavos. Sus obras de arquitectura y diseño
industrial son consideradas parte fundamental de la historia del modernismo.
Vida
Hijo de Johan Henrik Aalto y Selly Matilda. A la edad de 5 años se trasladan a Alajärvi,
desde ahí a Jyväskylä en Finlandia Central. Ciudad donde permanecería ejerciendo la
mayoría de su vida. Termina su educación básica en 1916 y se matricula en la
Universidad Tecnológica de Helsinki. Se gradúa en 1921.
En 1923 regresa a Jyväskylä donde abre su primera oficina de arquitectura. Esta se
transforma en una reconocida ciudad por la cantidad de arquitectura moderna diseñada
por Aalto. Al año siguiente se casa con la arquitecto Aino Marsio. Pasan su luna de miel
en Italia, viaje que afiata una relación intelectual entre Aalto y la cultura del mediterráneo,
esta región permanece relevante para él durante toda su vida.
A su regreso, Aalto traslada su oficina a la ciudad de Turku en 1927 y comienza a
colaborar con el arquitecto Erik Bryggman. La oficina nuevamente se traslada a Helsinki
en 1933. Alvar y su mujer diseñan una casa-taller para ellos mismos entre 1935 - 36 en
Helsinki pero luego se construyen una oficina dedicada en el mismo barrio. En 1949 Aino
Aalto muere de cáncer y Alvar se casa con su asistente Elissa Mäkiniemi. Se construyen
una casa en el campo, la famosa Casa Experimental. Muere en 1976.
Diseño Sillas, sofás, lamparas, Sillones, Mesas, Textiles
Silla 403. 1932.
“Debemos trabajar para hacer cosas(objetos) simples, buenas y sin decorar(...) pero
cosas que estén en harmonía con el ser humano y sean orgánicamente apropiados para

el hombre.”
Londres, 1957.
El diseño de Alvar Aalto se caracteriza por ser “humanista y funcional” esta enmarcado
dentro del estilo racionalista funcional. Aalto evitaba materiales como el acero, muy
utilizado en la época, prefiriendo el uso de la madera, material que él mismo califica como
“altamente humano”. Se especializa en madera experimentando con técnicas de curvado.
Sus métodos de experimentación fueron influenciados por miembros de la Escuela
Bauhaus, especialmente Lászlo Moholy-Nagy a quien conoce en 1930. Luego de exhibir
sus diseños en Londres en 1935 Aalto funda en conjunto con su mujer Aino Aalto y otros
colegas la empresa Artek para fabricar sus diseños.
Artek existe hasta el día de hoy, actualmente fabricando diseños recientes de Naoto
Fukasawa entre otros destacados diseñadores además de exponer anualmente en las
mayores ferias de diseño.
Aalto diseño sus primeros objetos antes de recibirse como arquitecto. El diseño de
artefactos se transforma en una actividad de mucha importancia para él cuando su oficina
fue requerida para la remodelación de seis iglesias. Este encargo incluía el desarrollo de
muebles y objetos para el ambiente eclesiástico.
A finales de los años 20 comenzó a investigar las tendencias del diseño moderno de
muebles. El Sanatorio de Paimio (1929-1933) para pacientes con tuberculosis fue el
primer edificio diseñado por Aalto equipado completamente con muebles de fabrica
diseñados por el mismo.
Parte de este equipamiento es la Silla Paimio 41 (1931-1932) fabricada por Artek en
madera contrachapada curvada, con un amplio ángulo de inclinación para facilitar la
respiración de los pacientes, fomenta una postura reclinada. Se transforma en uno de los
diseños en madera más característicos de Aalto.
Continuando con su experimentación en el curvado de contrachapado se desarrolla la
silla apilable para la biblioteca de Viipuri (1933) Esta fue una de las primeras sillas
modernas en contrachapado curvado cuyo diseño permitía su producción en masa.
Poseía tres patas con un anillo metálico tubular para apoyar los pies.
Sus experimentos con madera laminada lo llevaron a adjudicarse un numero de patentes
en Finlandia e Internacionales.
Otro de los materiales predilectos de Aalto, así como del movimiento moderno en general
era el vidrio. El objeto más característico en este material es el Jarro “Savoy”. Llamado así
por el restaurante Savoy para el cual fue diseñado originalmente. Se inspira en las faldas
tradicionales de las mujeres de las tribus nórdicas esquimales, Sami. Fue exhibido por
primera vez en la feria mundial de Paris en 1937 y medía 140 mm de alto.
Aalto diseña este jarro para la compañía Littala que actualmente todavía lo produce en
diferentes formatos.

POP ART
Origen.
El arte pop (de popular) es un movimiento artístico, surgido a fines de los años cincuenta en el Reino
Unido, caracterizado por el empleo de temáticas, iconografía y técnicas de la cultura de masas,
la publicidad y la sociedad de consumo. El término fue utilizado por primera vez por el crítico
británicoLawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo utilizando
imágenes populares.
Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una
cultura (pop), caracterizado por la tecnología, lademocracia, la moda y el consumo, donde los objetos
dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y
se convierte en un objeto más de consumo (La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser
una máquina, según Warhol) o el deseo de Richard Hamilton de que el arte fuera efímero, popular,
barato, producido en serie, joven e ingenioso (cualidades supuestamente equivalentes a las de la
sociedad de consumo).
Los orígenes del pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto. Sin embargo,
el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dada y encuentra una vía para construir a partir
de imágenes tomadas de la vida cotidiana como lo había hecho Duchamp con sus ready-mades. En
cuanto a las técnicas también toma de Dada el uso del collage y del fotomontaje.
El Pop Art se divide en cuatro fases:
La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del
Expresionismo Abstracto.
La fase de 39apogeo del “Pop-art”: Su obra se basa en los años 50’s y parte de las experiencias del
dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.

La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la
costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.
Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz
desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las
ciudades.
Principales exponentes:
Andrew Warhola: Andy Warhol (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987),
más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue unartista plástico y cineasta estadounidense que
desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera
comoilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo
en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con
los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e
intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos,
modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis,
exposiciones de arte, libros y películas, como el documental "I Shot Andy Warhol".
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que
cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios
de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras
como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones
retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus
revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Roy Fox Lichtenstein: Roy Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de
septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo
por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic