YUKIKO AKAGI - Blog del Auditorio Miguel Delibes

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YUKIKO
AKAGI
PIANO

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PIANO
YUKIKO AKAGI
piano
Valladolid
—
domingo 4 de diciembre de 2011 · 19.00 h
sala de cámara. Auditorio Miguel Delibes

PROGRAMA
Parte I
—
Claude Debussy
(1862-1918)
Préludes, para piano, Libro segundo, L 123
Brouillards: Modéré / Feuilles mortes: Lent et mélancolique /
La puerta del Vino: Mouvement de Habanera /
Les fées sont d’exquises danseuses: Rapide et léger / Bruyères: Calme /
Général Lavine-eccentric: Dans le style et le mouvement d’un Cakewalk /
La terrasse des audiences du clair de lune: Lent / Ondine: Scherzando /
Hommage à S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C.: Grave /
Canope: Très calme et doucement triste / Les tierces alternées: Modérément animé /
Feux d’artifice: Modérément animé
—
Parte II
—
Sergei Prokofiev
(1891-1953)
Sarcasmos, cinco piezas para piano, op. 17
Tempestoso / Allegro rubato / Allegro precipitato / Smanioso / Precipitosissimo
Visones fugitivas, veinte piezas para piano, op. 22 –seleccion –
III. Allegretto / VII. Pittoresco / X. Ridicolosamente / XIV. Feroce / XV. Inquieto
—
Sergéi Rachmaninov
(1873-1943)
Sonata para piano nº 2
en Si bemol mayor, op. 36 –versión 1931–
Allegro agitato / Non allegro / Allegro molto

Virtuosismo pianístico de principios del siglo XX
En su origen, la palabra virtuosismo se asocia a la de virtud como
sinónimo de excelencia. El término virtuoso designaba a aquellos
músicos que dominaban su arte con mayor pericia. A partir
del siglo xviii, comenzó a utilizarse para designar a los cantantes
e instrumentistas que vivían exclusivamente de su profesión,
actuando como solistas. Posteriormente, se limitó su uso a los
músicos que eran capaces de ejecutar obras de dificultad técnica
muy elevada. Pero, tal como Liszt declaró, el virtuosismo es un
elemento indispensable de la música, al menos si lo entendemos
como la capacidad de ampliar los límites expresivos y técnicos de
la misma. ¿Por qué comienzo estas notas con esta introducción
Por una razón seguramente evidente: Debussy, Prokofiev y
Rachmaninov son compositores que prolongaron, en el siglo xx,
un prestigioso linaje de pianistas-compositores que basaron una
parte significativa de su formación musical y también de su carrera
profesional en la práctica del virtuosismo instrumental.
El uso de la expresión pianista-compositor no es casual:
en esa figura se concentra una tradición creativa que podemos
remontar a Bach y a Mozart y que perduró, al menos, hasta
Prokofiev y Rachmaninov, y en la que podemos incluir nombres
tan importantes para la historia de la música culta como
Beethoven, Chopin, Schumann o Brahms, además de españoles
como Albéniz o Granados. Por supuesto, el surgimiento y la
transcendencia de esta figura se amparó en circunstancias sociales,
económicas y tecnológicas y redundó en una tendencia creativa
determinada, que tuvo como fruto un repertorio prestigioso y
todavía relevante hoy en día. De hecho, su prolongación en el
ámbito del jazz le dio, por así decirlo, una vida renovada en el
siglo xx y también en el xxi.

La cuestión tecnológica y, más
específicamente, las posibilidades
sonoras abiertas por el piano moderno,
fue fundamental para el nacimiento
de este repertorio. Charles Rosen
da inicio a su monografía sobre la
generación romántica con un capítulo
intitulado “Música y sonido”, en el
que destaca la nueva aproximación a la
composición instrumental típica del siglo
xix, caracterizada por la búsqueda de
innovaciones en la textura, el color y en
el uso de la resonancia. Rosen argumenta
que uno de los aspectos que marcaron el
cambio en la percepción ocurrido entre
el clasicismo y el romanticismo fue el paso
de una escucha estructural, preocupada
sobre todo en la relación entre tensión y
distensión, tonal, a otro tipo de escucha.
Entre otras características, ésta última se
centra en el efecto que el puro sonido
tenía en el oyente. Hay quien escribe
sobre piano decimonónico refiriéndose
a él como “laboratorio del sonido”: la
literatura pianística fue uno de los medios
donde mejor se evidenció este nuevo
tipo de aproximación a la composición y
percepción musicales. Para que el piano se
convirtiese en un instrumento autónomo,
fue necesario buscar nuevos efectos sonoros
mediante, por ejemplo, el uso de notas
dobladas, octavas, trémolos, del teclado en
toda su extensión, combinando arpegios
y usando el pedal de resonancia para que
la presencia de otros instrumentos fuese
prescindible.
Para los tres compositores que
escucharemos esta noche, el piano no
tenía secretos. Debussy, quien inicia el
programa, recibió una educación musical
centrada en el objetivo, perseguido por sus
padres, de ser un virtuoso del piano –entre
otras razones pragmáticas porque era una
fuente de rendimientos más segura que la
composición–. Fue alumno de Antoine
François Marmontel, uno de los profesores
de piano más importantes del Conservatorio
de París. Aunque su trayectoria profesional
acabó yendo por otros derroteros, lo cierto
es que esa formación fue para Debussy
fundamental en su trabajo creativo, como lo
demuestran sus Estudios y los dos cuadernos
de Preludios, además de los dos libros de
Images, Estampes y Pour le piano o, incluso, sus
Mélodies y las dos Sonatas que escribió para
violonchelo y piano, y para violín y piano.
Por su parte, Prokofiev y Rachmaninov
concluyeron sus estudios, respectivamente,
en los conservatorios de San Petersburgo
y Moscú, en los cuales el piano tenía un
papel muy relevante. De hecho, el piano
era un instrumento central en la vida
cotidiana de sus respectivas familias. La
iniciación pianística de Prokofiev se debió
a su madre. Acabó completándola bajo la
orientación de la influyente pedagoga Anna
Esipova, una de las más brillantes discípulas
de Teodor Leszetycki. Por su parte, la
formación pianística de Rachmaninov fue
muy condicionada por los años en los que
fue alumno de otro gran pedagogo ruso,
Nikolay Zverev.
Los obras reunidas en este
programa, además, son contemporáneas,
pertenecientes a un período esplendoroso
de la música culta. Así, el segundo libro

de Preludios fue compuesto por Debussy
entre 1910 y 1912. Rachmaninov escribió
la primera versión de su segunda Sonata
en 1913. Volvió a ella en 1931 reduciéndola
de forma sustancial. Por último, Prokofiev
compuso los Cinco Sarcasmos op. 17 entre
1912 y 1914 y las Veinte Visiones Fugitivas op. 22,
entre 1915 y 1917. Hablamos, por lo tanto,
grosso modo, de los años inmediatamente
anteriores a la Primera Guerra Mundial.
Hoy en día, retrospectivamente, sabemos
que, más o menos en ese momento, se dio
el salto hacia la abstracción en pintura, o
que el futurismo italiano hizo entonces
una desafiante irrupción en el medio
artístico internacional. Aunque muchos de
los artistas de la época eran conscientes de
esos cambios, es bastante injusto exigirles
a todos la misma voluntad de ruptura que,
además, tuvo como consecuencia que se
tambalease la hegemonía que la música
había consolidado a lo largo del siglo xix.
De ser considerada, en el siglo xviii, un
mero “ruido agradable”, a lo largo del siglo
siguiente, la música alteró por completo
la jerarquía de las artes, convirtiéndose
en el modelo al que aspiraban las demás.
La búsqueda de sensaciones transitorias,
siempre cambiantes, y el enorme poder
emocional de la inmaterialidad del sonido
explicó su hegemonía. También podremos
“escuchar” ambas cosas en las obras que
forman parte del programa de esta noche.
El segundo volumen de Preludios de
Debussy combina de forma ejemplar dos
aspectos. Por un lado, la relación con
la tradición, representada en el género
musical elegido, que remonta a Bach
y que permanece, por ejemplo, en el
carácter casi improvisatorio de las piezas.
Éste se revela particularmente en el papel
predominante de la sonoridad como
elemento fundamental de la composición.
En algunos casos, por ejemplo los dos
primeros preludios, parece ser su elemento
fundamental. Así, ambos permanecen
en el límite de lo audible y lo inaudible,
sacando partido de la combinación de
dinámicas piano y pianissimo con diferentes
tipos de digitación o de ataque pianístico.
Por otro, la incorporación de elementos
rabiosamente contemporáneos. Éstos no
son meramente estilísticos, sino también
culturales. Debussy fue un atento oyente
de su época, capaz de transformar las
experiencias cotidianas más frívolas en
un arte que, un siglo después, nos fascina
por su elegancia y su levedad. Encontró
inspiración en la literatura infantil –Les Fées
sond d´exquises danseuses–, el teatro de variedades
–General Lavine-Eccentric– o las fiestas cívicas
–Feux d’artifice– o en evocaciones exóticas –La
puerta del vino, La terrasse des audiences du clair de lune,
Canope–.
El estilo de Debussy es inseparable
de un entendimiento profundo de
la íntima relación que existe entre el
cuerpo del pianista y el piano y también
de una exploración de las posibilidades
expresivas y composicionales del ritmo.
Comparte estos elementos con Prokofiev
y Rachmaninov, quienes, en su papel de
“representantes” de la Escuela rusa, parecen
estar secundariamente interesados en el
trabajo muy variado sobre los efectos de la
pura sonoridad pianística. Sin embargo,

como podremos notar en este recital,
estas distinciones suelen resistir durante
poco tiempo. Es imposible entender
Visions Fugitives, no sólo sin el precedente de
Scriabin, sino, sobre todo, sin el de Ravel
y Debussy. Fueron inspiradas por un poeta
ruso, Konstantin Balmont, a su vez muy
influido por el decadentismo francés.
La robustez virtuosística, casi atlética y,
al mismo tiempo, dramática, del estilo
más reconocible de Prokofiev se evidencia
en Sarcasmes. El lenguaje armónico de
estas piezas, basadas en la politonalidad,
cimentaron la fama del compositor como
enfant terrible del modernismo ruso.
Muy al contrario, a propósito de
Rachmaninov, la crítica rusa destacó en
numerosas ocasiones su indiferencia frente
a las corrientes más modernas. Lo cierto
es que el compositor siempre se mostró
muy apegado al pianismo decimonónico,
precisamente en el sentido de que la
sonoridad por sí misma nunca le interesó
demasiado. De hecho, cuando la usa, lo
hace siguiendo la tendencia paisajística y
alegórica típica del romanticismo, iniciada
en la obra de compositores como Berlioz y
Liszt. Uno de los ejemplos más claros es la
profusión de las sonoridades de campanas,
presentes en la segunda Sonata. En su
caso, son inseparables de las referencias
musicales a la religión ortodoxa, por lo
que se distancian de manera notable de los
temas “contemporáneos” que inspiraron
a Debussy. La densidad de su escritura
pianística, el predominio de la melodía
apoyado en una enorme riqueza armónica
y rítmica de las figuras de acompañamiento
y el escaso interés por ir más lejos de
los límites marcados por la expansión
puramente cromática del estilo tonal son las
características que hacen que su música haya
sido evaluada como un epígono del siglo xix.
En lo que se refiere a la segunda Sonata, su
forma compleja la coloca en las antípodas
de la apariencia de fragmento que presentan
los Preludios de Debussy o de las Visiones Futigivas
de Prokofiev. Sus tres movimientos, unidos
por dos puentes basados en el mismo
material, presentan una forma de sonata,
cuyo primer tema impone la gestualidad
musical que predomina en la obra, opuesta
al lirismo contemplativo de origen litúrgico
que caracteriza el segundo tema. Si el lento
presenta lo que habitualmente se denomina
forma canción –con tres secciones
diferentes y coda en este caso–, como era
de esperar, el “Allegro molto” se basa en la
tradicional forma de rondó, siendo su tema
principal una reminiscencia del tema con el
que se inicia la obra. El movimiento central
fue transformado en la segunda versión en
una sucesión de material temático que, por
su variedad y el plan armónico que sigue,
parece ser el camino de una metamorfosis
que conduce a una impresionante apoteosis
en modo mayor.
© Teresa Cascudo

yukiko
akagi
piano
Yukiko Akagi disfruta de una creciente carrera como concertista,
solista de orquesta y músico de cámara. Establecida en Nueva York,
sus actuaciones la han llevado a los Estados Unidos, Francia, España
y Japón. Tras su aclamado debut en el Carnegie Hall en octubre del
2004, Akagi fue galardonada con el primer premio en el concurso
internacional de piano José Roca –2006–, segundo premio en
el concurso internacional de piano Maria Canals de Barcelona
–2005– y el segundo premio en el concurso internacional de
piano Fundación Guerrero de Madrid –2006–. Durante el otoño
del 2002 debutó como solista en Nueva York interpretando
el concierto en Sol mayor de M. Ravel en la prestigiosa sala del
Lincoln Center, Alice Tully Hall, junto a la Mannes Symphony
Orchestra.
En su reciente interpretación del Concierto para piano y
orquesta de E. Grieg con la Vancouver Symphony Orchestra y
su director titular Salvador Brotons, Akagi fue descrita por el
periódico The Columbian como “una pianista de una gran presencia

que dejó sin aliento a los presentes con su
espléndida actuación”. Durante la presente
temporada ha llevado a cabo la tarea de
estrenar mundialmente varias obras de
compositores japoneses en los Estados
Unidos y en Japón. En España Yukiko
Akagi ha actuado en el Palau de la Música de
Barcelona junto a la Orquesta Sinfónica del
Vallés y en el Teatro Monumental de Madrid
junto a la Orquesta de Radio Televisión
Española. Sus actuaciones han sido grabadas
y emitidas tanto en España como en el resto
del mundo por prestigiosas cadenas como la
Wq x r de Nueva York, Wc lv de Cleveland o
Televisión Española.
Akagi ha sido galardonada con diversas
distinciones entre las que cabe destacar
el ‘Premio de honor Dorothy Macenzie’
del Instituto Internacional de Piano, y los
premios de los concursos Luis A. Ferre,
Concurso Internacional Frinna Awerbuch,
concurso de la Asociación Nacional de
Maestros en Japón así como el ‘Artist Grant’
otorgado por la Fundación Artística de Nueva
York.
Yukiko Akagi recibió su educación
musical en el Conservatorio Toho en Tokio,
en el Mannes College of Music en Nueva
York y en la Manhattan School of Music de
Nueva York. Yukiko Agaki está establecida en
Nueva York desde 2001.

Próximos programas
Orquesta Sinfónica
de Castilla y León
Auditorio Miguel
Delibes VALLADOLID
Valladolid
Abono Oscyl 6
Viernes 9 y sábado 10
de diciembre de 2011
20.00 h · Sala Sinfónica
lionel bringuier
director
Viktoria Mullova
violín
Obras de J. Brahms
Valladolid
Abono Oscyl 7
Miércoles 14 y jueves 15
de diciembre de 2011
20.00 h · Sala Sinfónica
Vasily Petrenko
director
Simon Trpceski
piano
Obras de M. Ravel,
F. Liszt y L. v Beeethoven
Valladolid
concierto de navidad
Miércoles 21
de diciembre de 2011
20.00 h · Sala Sinfónica
Vasily Petrenko
director
Itziar de Unda
soprano
Mikeldi
Atxalandabaso
tenor
Obras de L. Bernstein,
S. Barber y G. Gershwin
Cámara
Domingo 11 de diciembre
de 2011 · 19.00 h
Sala de Cámara
Sexteto de
cuerda de
la OSCyL
Obras de J. Brahms
antigua
Lunes 12 de diciembre de 2011
20.00 h · Sala de Cámara
Les Arts
Florissants
Paul Agnew
director
Madrigales Libro II
de C. Monteverdi
Ópera
Domingo 18 de diciembre de
2011 · 19.00 h · Sala Sinfónica
RENÉE FLEMING
soprano
ORQUESTA
SINFÓNICA
DE CASTILLA
Y LEÓN
MIGUEL
HARTH-BEDOYA
director
Obras de S. Barber,
B. Herrmann, R. Strauss,
E. Elgar, S. Ochs,
W. A. Mozart, C. Franck,
G. Verdi, F. Cilea,
R. Leoncavallo y
G. Puccini
en familia
Viernes 13 de enero de 2012
18.30 h · Sala Sinfónica
Orquesta
Sinfónica
de castilla
y león
José Luis
gómez
director
Per Poc
títeres
Romeo y Julieta
de S. Prokofiev
Ópera
Viernes 13 de enero de 2012
20.00 h · Sala de Cámara
Diana Damrau
SOPRANO
Xavier de
Maistre
arpa
Obras de F. Schubert,
F. Tárrega, R. Strauss,
R. Hahn, E. Chausson,
G. Faure, H. Duparc y
E. Dall´Acqua
delibes+
Sábado 14 de enero
de 2012 · 22.00 h
Sala de Teatro Experimental
reactable

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