BEYOND SHARED LANGUAGE - Society for Contemporary Craft

BEYOND SHARED LANGUAGE:
Contemporary Art and
the Latin American Experience

SOCIETY FOR
CONTEMPORARY CRAFT
Pittsburgh, Pennsylvania
May 1–August 29, 2009

Elia Alba, Portrait “Doll Heads’’
of friends and family by the artist

Beyond Shared Language: Contemporary Art and the Latin American Experience is made possible,
in part, by the Pennsylvania Humanities Council and the National Endowment for the Humanities;
the Allegneny Regional Asset District; the Pennsylvania Council on the Arts; and the Elizabeth R.
Raphael Fund of The Pittsburgh Foundation.

4 ACKNOWLEDGEMENTS
6 ESSAY
14 ALEJANDRO AGUILERA
18 ELIA ALBA
22 PEDRO CRUZ-CASTRO
26 SUSANA ESPINOSA
30 OVIDIO GIBERGA
34 TAMARA KOSTIANOVSKY
38 SILVIA LEVENSON
42 MIGUEL LUCIANO
46 JEANNINE MARCHAND
50 RAQUEL QUIJANO
FELICIANO
54 FRANCO MONDINI-RUIZ
58 COURTNEY SMITH
62 WALKA STUDIO
CLAUDIA BETANCOURT
& RICARDO PULGAR
66 ARTIST BIOGRAPHIES

RECONOCIMIENTOS
Con la exposición Más allá del idioma: El arte contemporáneo y la experiencia latinoamericana
reconocemos el trabajo de artistas latinoamericanos de diversos orígenes y experiencias culturales
y celebramos la diversidad y cosmovisión de esta importante communidad.
Mediante la palabra hablada o escrita, las culturas se esfuerzan diariamente por mantener sus
identidades étnicas y colectivas en el contexto social, cultural, histórico, económico y político.
Como la palabra hablada y escrita, el arte es un idioma visual, una voz utilizada individual y
colectivamente para expresar pensamientos, ideas y necesidades. Mediante las 42 obras en la
exposición, creadas por 14 artistas latinoamericanos (un grupo heterogéneo de individuos
cuyos países de origen, patrones de migración, perfiles socioeconómicos, hábitos del habla y
características físicas varían), la exposición explora asuntos relacionados con la identidad cultural
y étnica, así como la fragilidad y fluidez de su idioma visual. Frente a estas obras el espectador
tiene la oportunidad de conectar con la vida de individuos extraordinarios y comprender mejor
las experiencias de otros grupos culturales.
Quedamos muy agradecidos a los artistas por compartir generosamente su trabajo para realizar
esta exposición. Agradecemos también a las galerías, los coleccionistas privados y especialmente
al curador de El Museo del Barrio en Nueva York, Elvis Fuentes, por proveer un ensayo sobre las
tendencias actuales en el arte contemporáneo latinoamericano.
Debemos gracias también a la Coordinadora de las Exposiciones del SCC, Kati Fishbein, por su
apoyo y dedicación a través de todas las fases del proyecto y por la excelencia en el diseño e
instalación de la muestra; a la Directora de Educación del SCC, Laura Rundell, por desarrollar los
programas de educación relacionados con la exhibición; a Chelsea Fitzgerald por sus habilidades
de traducción; y a Paul Schifino por diseñar este hermoso catálogo.
Reconocemos a nuestros socios de Center for Latin American Studies, en University of
Pittsburgh; a Marisol Wandiga y Latin American Cultural Union, por su ayuda y dedicación al
proyecto; asimismo, a las organizaciones Pennsylvania Humanities Council, National Endowment
for the Humanities, Allegheny Regional Asset District, Pennsylvania Council on the Arts,
Elizabeth R. Raphael Fund of The Pittsburgh Foundation y otros donantes generosos por apoyar
esta exposición.
Kate Lydon
Directora de Exposiciones
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ACKNOWLEDGEMENTS
With our presentation of Beyond Shared Language: Contemporary Art and the Latin American Experience,
we recognize Latin American artists from diverse cultural backgrounds and experiences and celebrate
the diversity and worldviews of this important population.
Through the spoken and the written word, cultures strive to maintain their ethnic, collective identities
in the context of social, cultural, historical, economic, and political dimensions of daily living. Like
spoken and written language, art is a visual language—a voice used individually and collectively to
communicate thoughts, ideas, wants, and needs and to express meaning.Through the 42 works in the
show, created by 14 artists of Latin American descent—a heterogeneous group of individuals whose
countries of origin, migration patterns, socioeconomic profiles, Spanish language dialects, and physical
characteristics differ—the exhibition explores issues relating to cultural identity, ethnicity, and both the
fragility and fluidity of their visual language. In the exploration of these works audiences have the
chance to connect with the lives of unique individuals and better understand the experiences of other
cultural groups.
For so generously sharing their work for this exhibition, we are most grateful to the participating
artists, galleries, private collectors and especially Elvis Fuentes, curator at El Museo del Barrio in New
York for providing a thought-provoking essay for this catalogue that strongly addresses current trends
in contemporary Latin American art.
It is with great appreciation that I thank SCC’s Exhibitions Coordinator, Kati Fishbein for her
professionalism and support throughout all phases of the project and for her dedication and excellence
in the design and the installation of the exhibition, SCC’s Education Program Manager, Laura Rundell
for developing related education programs, Chelsea Fitzgerald for her translation skills and
Paul Schifino for designing this beautiful catalogue.
We recognize our partners the Center for Latin American Studies at the University of Pittsburgh and
Marisol Wandiga and the Latin American Cultural Union for their assistance and dedication to the
project; and the Pennsylvania Humanities Council; the National Endowment for the Humanities; the
Allegheny Regional Asset District; the Pennsylvania Council on the Arts; the Elizabeth R. Raphael
Fund of The Pittsburgh Foundation and other generous donors for supporting this exhibition.
Kate Lydon
Director of Exhibitions
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EL OFICIO DE CONTEMPORANEIZAR
LA ARTESANIA
En 1995, el Salón Nacional de Artes Plásticas de La Habana otorgó el premio de curaduría a un
proyecto titulado ‘‘El oficio del arte’’, de Dannys Montes de Oca. La propuesta se apoyaba en el
hecho de que el arte cubano del momento protagonizaba una ‘‘vuelta al oficio’’, a la producción
de obras cuidadosamente ejecutadas. En otras palabras, constataba el fortalecimiento de una
tendencia a la producción de objetos bellos, listos para ser comercializados. El contexto estaba
signado por la peor crisis económica y social en Cuba de la que se tenga memoria y la tímida
entrada del mercado de arte, un viejo desconocido para varias generaciones de artistas formadas
bajo la égida del socialismo. Este retorno iba a contracorriente de las prácticas conceptuales de
la década anterior (neo-dadaístas o herederas del Fluxus, que rechazaron los estándares prevalecientes
en el arte a través de prácticas culturales antiartísticas), y ahondaba en cierto cinismo
manifiesto en la avidez de los artistas jóvenes por vender su trabajo al mejor postor (apenas dos
años antes, se había realizado la exposición “Cómprame y cuélgame,” en la que participaron
algunos pronto convertidos en estrellas, tales como Kcho y Los Carpinteros). Bajo las nuevas
circunstancias de una economía de mercado (la misma que rige en el resto del mundo), a la cual
no estaban acostumbrados, los artistas jóvenes se vieron forzados a convertirse en pequeños
empresarios (“trabajadores por cuenta propia,” según la nomenclatura utilizada por el gobierno).
Era el final de una época, pues hasta entonces las instituciones culturales habían ofrecido
el apoyo necesario. Ahora debían arreglárselas por sí mismos y adiestrarse en la creación de
cosas bellas para generar divisas. El reto era insertar dicha práctica, abiertamente mercantil, en
un discurso que fuera de interés cultural, de manera que las instituciones pudieran promoverlos
sin rubor.
Las respuestas a dicho reto oscilaron desde la conceptualización del ’’rescate’’ de los oficios
artesanales en términos del debate estético postmoderno entre lo cocido y lo crudo -que favorece
la imagen sobre lo narrativo, y lo figurado sobre lo discursivo-, arte culto y arte popular; hasta la
apropiación de los valores histórico-culturales asociados a dichos oficios, que podían ser
aprovechados en función de la crítica social, política o incluso ideológica. Por ejemplo, Los
Carpinteros recuperaron la ebanistería, que combinaron con pintura en esculturas de notas
autobiográficas; fue un ejercicio cínico que culminó en su tesis de grado con la simulación de una
subasta en la que todas sus obras eran vendidas. En cambio, Kcho utilizó el reciclaje de materiales
y la fibra para realizar esculturas en las que imbricaba los símbolos de lo sagrado (religiones
afrocubanas) y lo nacional (la isla, la bandera y la estrella). El subtexto era que las prácticas
religiosas populares habían sido tildadas por el propio Castro como superstición y rezagos del
capitalismo que debían ser eliminados. Otros artistas integraron oficios como la yesería, la
cerámica, el tejido y el bordado, en muchos casos aludiendo a su marginalidad dentro del modelo
económico socialista.
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Cuando Kate Lydon me visitó en El Museo del Barrio hace varios meses, buscando información
sobre artistas latinoamericanos que utilizaban la artesanía en su trabajo, me percaté de cuán
diferente era la mirada que cada uno tenía sobre el tema. Mientras ella se enfocaba en los
materiales utilizados (fibra, barro, vidrio, textiles, cuero, papel), es decir, en la dimensión estética
del fenómeno, yo buscaba las resonancias culturales y sociales que dichos usos tenían en el
discurso poético de cada artista, probablemente influido por la experiencia cubana de 1995.
Alejandro Aguilera es un artista que emergió en la década de 1980 en Cuba. Con un acercamiento
neo-dadaísta, armaba esculturas de lenguaje figurativo con materiales precarios, tales como
madera vieja, latón y alambre. En una ocasión, representó héroes latinoamericanos (José Martí,
Simón Bolívar, Ché Guevara) junto a Jesucristo, semejando esculturas religiosas con halos. Este
trabajo encuentra eco en términos de morfología y lenguaje en el retrato doble mostrado aquí.
Las figuras representadas son María Izquierdo, artista que desarrolló su trabajo a la sombra de
Frida Kahlo, y Ana Albertina Delgado, pintora contemporánea de Aguilera, que ha padecido
semejante situación. Aguilera utiliza el sentido constructivo que le es característico para denotar
la fortaleza de estos personajes femeninos a los que claramente admira. Otras dos artistas
se apoyan en la construcción y el ensamblado: Courtney Smith y Raquel Quijano, aunque los
materiales y las fuentes iconográficas son distintas. Al igual que Aguilera, Smith ha venido
trabajando con trozos desechados de mobiliarios de madera desde el comienzo de su carrera. Sin
embargo, pone énfasis en cierto tipo de muebles, correspondientes a la modernidad brasilera y
en diálogo con ella, que en su momento constituyeron objetos de lujo, lo cual otorga cierto
sentido nostálgico a sus piezas. Lo más intrigante es la apariencia orgánica que logra hasta en
las configuraciones abstractas; esto se debe a las articulaciones de un sabio diseño, que tiene
una interlocutora ideal en las cajas de papel de Quijano. Fruto y receptora de una larga tradición
de trabajo con el papel y de grabado en Puerto Rico, Quijano es considerada una de las artistas
en activo más inquietas y renovadoras. En la serie de Andamios aborda el tema del perenne
desarrollismo puertorriqueño, con sus expansiones de asfalto indiscriminadas, que ponen en
jaque los ecosistemas tanto naturales como sociales. Anteriormente, la artista había creado
un libro pop-up ilustrando los poemas de Luis Palés Matos con escenas de una ciudad que
conformaban un paisaje de edificios. Los andamios llevan estas búsquedas un paso más
adelante, al terreno escultórico, sin perder la delicadeza y sofisticación de sus entramados.
Barroco en la acumulación y en el diálogo interobjetual es Franco Mondini-Ruiz. Otrora abogado,
este artista de Texas critica con refinado humor (y servido en la mejor vajilla) los estereotipos
creados alrededor de la figura del inmigrante mexicano y su entorno en el sur de los Estados
Unidos. En La bebé ‘mojada,’ una figurilla blanca como azúcar se sumerge en una taza de té,
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decorada con una escena pastoral y bordeada por una cinta de oro. Sobre el platillo, también
profusamente adornado, hay dos suculentas galletas y una cucharita. Mondini-Ruiz parece
invitarnos a revolver el té y diluir la figurilla como desaparece el mojado en la estructura
económica norteamericana.
El dúo Walka Studios, formado por Claudia Betancourt y Ricardo Pulgar, es probablemente el que
más se acerca a la artesanía como tal: se dedican a la orfebrería, tradición que les llega por herencia
familiar. Walka Studio aprovecha el valor poético de los pequeños gestos que alteran la función
de los objetos para tratar temas de índole social. En Los pájaros cantan en pajarístico pero los
escuchamos en español!¡Chile, sal de la jaula!, toman un canario de plástico adquirido en un
mercado popular y le integran elementos de valor (oro, lapislázuli, bronce) que son también
contraproducentes: el canario queda atrapado en una jaula. El hecho refuerza la precariedad del
símbolo nacionalista (el canario representa a Chile).
Lo mismo podría decirse del trabajo del Nuyorican Miguel Luciano. En Plátano platinado
(Platinum Plantain), utiliza la técnica del fundido, en este caso de platino, para cubrir un plátano,
con el que se identifica a muchos latinos en los Estados Unidos. El título propone un juego de
palabras, aprovechando la similitud fonética de los vocablos. De este modo, la belleza del metal
precioso contrasta con el carácter orgánico y, por lo tanto, perecedero de la fruta. Luciano cita
obras paradigmáticas, desde El pan nuestro (1905), de Ramón Frade, hasta La transculturación
del puertorriqueño (1975), de Carlos Irizarry. Asimismo, alude a la cultura pop y su exaltación de
supuestos orgullos latinos, que explotan más que combaten la marginalidad. Su obra anterior
en pintura e instalación, ha explorado también estas imbricaciones, en particular relacionadas
con la identidad cultural nuyorican. Sin ser demasiado moralizante, para Luciano el lujo de un
bling-bling (y el orgullo asociado a él) esconde un interior en putrefacción.
La identidad ocupa un lugar esencial en otras dos artistas, las cuales coincidentemente trabajan
con la tela. Elia Alba ha hecho de la confección de máscaras la piedra angular de su obra.
Descendiente de emigrados dominicanos, una comunidad que comienza a definir una voz propia
en las artes visuales con artistas como Freddy Rodríguez, Scherezade y Nicolás Dumit, Alba ha
encarado el tema del mestizaje y la indeterminación racial en piezas como La jabá, una especie
de parodia del Banana Dance, de Josephine Baker. Los bananos en la falda de la bailarina (en
realidad un travesti encarnado por Dumit) son sustituidos por rostros de dominicanos, a quienes
se les apoda ‘‘bananos". Desde aquí, las máscaras han recorrido un camino que les ha permitido
rebasar el "deja vu’’ de cierto arte digital de Photoshop. En ocasiones, las formas adquieren tonos
más viscerales como la serie de vestuarios en los que reproduce los órganos sexuales femeninos
en tres variantes: blanca, negra y mestiza.
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Por su parte, Tamara Kostianovsky encarna otra perspectiva sobre el tema, situándose en el cruce
entre las identidades nacional y personal de la artista. La carne hace referencia a la principal
industria argentina. Pero su propia ropa, de la cual se sirve para construir las esculturas blandas,
aporta otras capas de significados. Kostianovsky narra que su determinación de utilizar su ropa
fue fortuita al principio, cuando en 2000, a raíz la crisis monetaria de su país, su cuenta bancaria
fue congelada y se vio en la obligación de hacer arte con lo que tenía a la mano; pero más tarde,
se convirtió en una decisión política. Literalmente, Kostianovsky personaliza el conflicto contra
la violencia implícita en el sacrificio animal, canibalizando su propia ropa. La fibra del tejido
recuerda casi con cruel fidelidad la fibra de la carne. Por su parte, el venezolano Pedro Cruz
Castro intenta metafóricamente devolver los materiales curados y preparados por el hombre a su
estado natural cuando dibuja sobre cueros las figuras—de todos modos incompletas—de
animales domesticados (explotados) por el hombre (cerdo, cabra, caballo). Antes lo hizo con la
madera, integrando árboles a muebles antiguos.
Silvia Levenson ‘‘borda’’ hebras de vidrio fundido sobre fotografías de su niñez. El tema de sus
trabajos es la memoria, presentada aquí con claridad gráfica, así como con un trasfondo político
asociado con los desaparecidos durante la dictadura de Videla en la Argentina de 1976. También
Susana Espinosa alude al universo infantil, pero en un lenguaje tradicionalista y con aliento
decorativo. De origen argentino, pero radicada por décadas en Puerto Rico, Espinosa ayudó a
fundar un movimiento de cerámica artística en la isla, que tiene entre sus recientes frutos a
Jeannine Marchand. Esta alude a la sensualidad como asunto, siendo el acabado de las piezas el
mejor testimonio de su (im)potencia en el contexto de un museo: la textura invita al roce, pero la
institución suprimirá el placer de tocarlas. Las vasijas de Ovidio Giberga, imitaciones de la cerámica
precolombina de Moche, contrastan con las obras de Marchand. Se sitúan en el borde entre
lo grotesco y lo nostálgico sin llegar a ser alguno por completo. La cerámica parecería
ofrecer menos oportunidades para los creadores contemporáneos latinoamericanos. Pero no hay
dudas de que completan un panorama visual donde la artesanía se presenta como un ejercicio
divertido y pluri-significativo.
Elvis Fuentes, Curador de El Museo del Barrio, Nueva York desde 2006, se graduó de la Universidad de la Habana (Historia
del arte, 1999), y trabajó como curador en la Fundación Ludwig de Cuba (1999-2002) y el Instituto de Cultura
Puertorriqueña (2004-2006). Su proyecto El grabado como metáfora ganó el Grand Prix de la Bienal Internacional de Artes
Gráficas de Ljubljana (2005). Felix Gonzalez-Torres: Impresiones tempranas (Trienal Poli/Gráfica de San Juan, 2004) ha
sido reconocida como una contribución notable al estudio de la obra de este artista. Sus proyectos más recientes incluyen
El Museo’s 5th Bienal: The [S] Files 007, Matando el tiempo (Exit Art, 2007), y Rewind… Rewind… Tres décadas de video
arte en Puerto Rico (Instituto de Cultura Puertorriqueña, 2005-2006). Director artístico fundador de la primera feria de arte
en el Caribe, CIRCA Puerto Rico 2006, Fuentes publica regularmente ensayos en revistas y catálogos de arte. En estos
momentos se encuentra preparando la primera instalación de la Colección permanente de El Museo del Barrio.
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THE ART OF CONTEMPORIZING CRAFT
In 1995, the Salon de Arte Cubano Contemporáneo (organized by the National Council of Visual Arts)
of Havana, Cuba granted the Prize of Curatorship to Dannys Montes de Oca for a project titled
“El oficio del arte” (The Craft of Art). The proposal was supported by a trend in Cuban art, which
recognized a “revival of craftsmanship,” with the focus on the production of carefully executed work.
This trend saw an increase in the creation of beautiful objects, ready to be commercialized. The
climate in Cuba at that time, while marked by its worst financial and social crisis of the century, saw
the emergence of a new art market unique to generations of artists trained under the aegis of socialism.
This arts revival, countercurrent to conceptual practices that had predominated in the previous
decade—neo-Dadaist and neo-Fluxus artists who rejected the prevailing standards in anti-art cultural
works—deepened a certain cynicism among avid, young artists who sought to sell their work to the
highest bidder. (Hardly two years earlier, the exhibition “Cómprame y cuélgame” [Buy Me and Hang
Me] had been realized, in which some who participated soon turned into stars, such as Kcho and Los
Carpinteros—the Carpenters). Under this new market—the same economy that ruled in the rest of
the world—young artists were forced to become small entrepreneurs,“independent workers” according
to the nomenclature used by the government. Having witnessed the end of an era, cultural institutions
no longer offered necessary support; artists now had to manage on their own and develop skills enabling
them to make beautified things to generate currency. The challenge was to integrate this practice, openly
mercantile, in a discourse of cultural interest, so that the institutions could promote them.
The artists’ response to this challenge varied from the metaphorical rescue of the crafts in terms of the
postmodern aesthetic debate between “what’s cooked and what’s raw,” which favored the image over
the narrative and the figural over the discursive (in other words, between cultured art and folk art);
to the appropriation of historical-cultural values associated with these occupations, that could be
advantageous towards social critic, politics or even ideology. For example, Los Carpinteros reintroduced
woodworking combined with painting in autobiographical sculptures; a cynical exercise that culminated
in their thesis, which was the simulation of an auction in which all works were sold. In contrast, Kcho
used recycled materials and fiber to create sculptures with overlapping symbols of the Sacred (Afro-
Cuban religions) and the Nation (the island, the flag and the star). The subtext was that popular
religious practices had been labeled by Castro as superstition, and remnants of Capitalism that had to
be eliminated. Other artists integrated crafts like plaster casting, ceramics, sewing and embroidering, in
many cases alluding to their marginality within the economic socialist model.
When Kate Lydon visited me at El Museo del Barrio several months ago, looking for information on
Latin American artists who used craft in their work, I noticed how different our views were on the
subject.While she focused on the materials used (fiber, clay, glass, textiles, leather, paper), that is to say,
in the aesthetic dimension of the phenomenon, I looked for the cultural and social resonances that
these materials had within the poetic content of each artist, probably influenced by the Cuban
experience of 1995.
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Alejandro Aguilera is an artist who emerged during the 1980s.With a neo-Dadaist approach, he built
figurative sculptures with precarious materials, such as old wood, tin and wire. Once, he represented
Latin American heroes (José Martí, Simon Bolivar, Ché Guevara) next to Jesus Christ, resembling
religious sculptures with halos.This work receives response in terms of morphology and language in
the works shown here.The represented figures are María Izquierdo, an artist who developed her work
overshadowed by Frida Kahlo, and Ana Albertina Delgado, a painter contemporaneous of Aguilera,
who suffered a similar situation—they both have been overlooked by art historians. Aguilera used his
constructive sense to denote the strength of these feminine characters, which he clearly admires.
Although the materials and the iconographic sources are different, two other artists inclined towards
construction and assemblage are Courtney Smith and Raquel Quijano. Like Aguilera, Smith has been
working with discarded pieces of wood since the beginning of her career.Yet, she focuses on certain
types of furniture, mostly in the style of Brazilian modernity and responding to it, once constituted
as luxury objects, now grants certain nostalgic sense to her pieces. Most intriguing is the organic
appearance she achieves in her abstract configurations; this is due to the brilliant joint design, which
has an ideal interlocutor in Quijano’s paper cubes. As a product and recipient of a long tradition of
works on paper and engraving in Puerto Rico, Quijano is considered one of the more restless and
renovating artists. In the Scaffolds Series she approaches the subject of the perennial Puerto Rican
development policy, with its indiscriminate asphalt expansions, that set the ecosystems in check, natural
as well as social. Previously, the artist had created a pop-up book illustrating the poems of Luis Palés
Matos with scenes of a city that formed a landscape of buildings.The Scaffolds go beyond this, to the
sculptural terrain, without losing the delicacy and sophistication of their lattices.
Baroque in his accumulation and dialogue with objects is Franco Mondini-Ruiz. Once a lawyer, this
Texan artist criticizes with refined humor (and served on the best china) the stereotypes created around
the Mexican immigrant and their surroundings in the south of the United States. In Baby Mojada,
Mondini-Ruiz has taken a figurine, white as sugar, submerged it in a teacup, and decorated it with a
pastoral scene bordered by a gold band. On the saucer, also profusely adorned, there are two succulent
cookies and a teaspoon. Mondini-Ruiz seems to invite us to stir the tea and dilute the figurine just
like the mojado in the North American economic structure disappears.
The duo at Walka Studio, Claudia Betancourt and Ricardo Pulgar, are probably the closest ones to
craft: they are dedicated to jewelry, an inherited family tradition.Walka Studio takes advantage of the
poetic value of small gestures that alter the function of the objects to deal with subjects of social nature.
In Los pájaros cantan en pajarístico pero los escuchamos en español Chile: Get Out of the Cage! they used a
ready-made plastic canary and integrated precious elements (gold, lapis lazuli, bronze), which are
also counter-productive: the canary is trapped in a cage. This reinforces the precariousness of the
nationalistic symbol (the canary represents Chile).
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The same could be said of the work of Nuyorican Miguel Luciano. In Pure Plantainum, he used
casting techniques, in this case platinum, to cover a plantain, with which many Latinos in the United
States are identified.The title proposes a word game, taking advantage of the phonetic similarity of the
words. In this way, the beauty of the precious metal contrasts with the organic character and, therefore,
the perishable nature of the fruit. Luciano mentions paradigmatic Puerto Rican artworks, from El pan
nuestro (1905) by Ramón Frade to La transculturación del puertorriqueño (1975), by Carlos Irizarry and
alludes to pop-culture and its glorification of assumed Latin pride, which exploit even more than they
combat marginality. His previous works in painting and installation, also explored this overlapping, in
particular relating to the Nuyorican cultural identity, a blending of the terms ‘‘New York’’ and ‘‘Puerto
Rican,’’ referring to the members of Diaspora located in or around New York.Without being too moralizing,
for Luciano the luxury of a bling-bling (and the pride associated to it) hides a putrid interior.
Identity occupies an essential position in the sculpture of two other artists, who coincidently work with
fabric. Elia Alba has made the fabrication of masks the corner stone of her work. Descended from
Dominican Republic emigrants, and a community who began to define its own voice in the visual arts
with artists like Freddy Rodríguez, Scherezade and Nicolás Dumit Estévez, Alba has undertaken the
subject of miscegenation and racial indetermination in pieces like La jabá, a kind of parody of the
famous, early 20th century Banana Dance by Josephine Baker. The bananas on the dancer’s skirt (in
fact a transvestite incarnated by Dumit) are replaced by Dominican faces, which are called “bananos.”
From here, the masks have crossed a path that has allowed them to surpass the “deja vu” of certain
Photoshop digital art. Occasionally in Alba’s work, the forms possess a more visceral tone like the series
of costumes in which she reproduces the feminine sexual organs in three variants: white, black and mulatto.
Conversely,Tamara Kostianovsky incarnates another perspective on the subject, placing herself in the
crossing between her national and personal identities. Her depiction of animal flesh makes reference to
the main Argentinean industry. But her own clothes, which she uses to construct the soft sculptures,
contribute other layers of meaning. Kostianovsky narrates that her determination to use her clothes
was fortuitous at the beginning of her career, when in 2000, because of the economic crisis in her
country, her bank account was frozen and she was forced to make art with what she had at hand; but
later, it became a political decision. Literally, Kostianovsky personalizes the conflict against implicit
violence in animal sacrifice, cannibalizing her own clothes.The fiber of the weave remembers almost
with cruel fidelity the fiber of the flesh. Likewise, the Venezuelan Pedro Cruz-Castro metaphorically
attempts to return the cured and processed materials to their natural state as he draws figures on
hides—of incomplete—domesticated (exploited) animals (pig, goat, horse). Previously, he worked
with wood, integrating trees into antique furniture.
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Silvia Levenson ‘‘embroiders’’ fused glass fibers onto photographs of her childhood.The focus of her
work is memory, displayed here with graphic clarity, with an associated political background with the
disappeared ones during the dictatorship of Videla in the Argentina of 1976. Also Susana Espinosa
alludes to the infantile universe, but in a traditionalistic language and with decorative breath.
Of Argentine origin, but having resided in Puerto Rico for decades, Espinosa helped establish a
movement of artistic ceramics on the island, which among its recent fruits is Jeannine Marchand.
Marchand alludes to sensuality as a subject, the surface treatment of the pieces serve as the best testimony
of its (im)potence in the context of a museum experience: the texture invites to caress, but the institution
will suppress the pleasure to touch them. Ovidio Giberga’s vessels, imitations of the pre-Columbian
ceramics of Moche, contrast with Marchand’s works. They border between the grotesque and the
nostalgic without completely being either one. Ceramics would seem to offer fewer opportunities for
the Latin American contemporary creators, but there is no doubt that they complete a visual scene
where craft appears as an enjoyable and multi-layered practice.
Elvis Fuentes, Curator of El Museo del Barrio, New York since 2006, graduated from Havana University (Art History, 1999),
and served as Curator at the Ludwig Foundation of Cuba (1999-2002), and the Institute of Puerto Rican Culture (2004-
2006). His project Print As Metaphor won the Grand Prize at the Ljubljana International Biennial of Graphic Arts (2005).
Felix Gonzalez-Torres: Early Impressions (San Juan Poly/Graphic Triennial, 2004) has been regarded as a major contribution to
the study of this artist’s oeuvre. His most recent projects include El Museo's 5th Biennial, The [S] Files 007, Killing Time (Exit
Art, 2007), and Rewind… Rewind… Three Decades of Video Art in Puerto Rico (Institute of Puerto Rican Culture, 2005-2006).
Founding Artistic Director of the first art fair of the Caribbean, CIRCA Puerto Rico 2006, Fuentes publishes essays in art
magazines and catalogs regularly. Currently, he is curating the first installment of the Permanent Collection of El Museo
del Barrio.
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ALEJANDRO AGUILERA
Attraction, 2007
Polychromed wood, Georgia clay, metal, paper, graphite
88 x 30 x 27 inches
Courtesy of Bernice Steinbaum Gallery, Miami, FL
Estos trabajos mezclan la historia y la historia del arte, la naturaleza y la cultura. En este
espacio, las ideas del mundo de ideología coexisten con las imágenes y los estilos artísticos que
surgen de la estética.
Ana y María es un retrato de Ana Albertina Delgado, una artista cubana que creó algunor de los
trabajos más personales y artísticos de nuestra época y Mariá Izquierdo, una artista mexicana
que utilizó elementos ingenuos en sus pinturas, y creyó totalmente en México como una fuente
rica y diversa de inspiración. Las figuras en este retrato, hecho de vainilla, canela, raíz amarilla,
anís y mejorana — con posturas crudas y con miradas estoicas — recuerdan Las Dos Fridas, un
doble autorretrato pintado en 1939 por Frida Kahlo, una contemporánea de Izquierdo.
These works blend history and art history, nature and culture. In this space, ideas from the world of
ideology co-exist with images and artistic styles arising from aesthetics.
Ana and María is a portrait of Ana Albertina Delgado, a Cuban artist who created some of the most
personal and artistic works of our time, and Mariá Izquierdo, a Mexican artist who utilized naïve
elements in her paintings, and believed strongly in Mexico as a rich and diverse source of inspiration.
The figures in this portrait, made of vanilla, cinnamon, yellow root, anise and marjoram — with their
crude poses, and stoic gazes — are reminiscent of The Two Fridas; a double self-portrait painted in 1939
by Frida Kahlo, a contemporary of Delgado and Izquierdo.
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Nefertiti, the Ägyptisches Museum Berlin Collection,
the Altes Museum, Berlin, Germany
▼
SOURCE
Ana and Maria, 2007
Polychromed wood, metal, graphite, corn,
vanilla, beans, anise, yellow root
Installation
Courtesy of Bernice Steinbaum Gallery, Miami, FL
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ELIA ALBA
Masks, 2004
Photocopy transfer on muslin, thread
Installation, 10 life-size masks
Esta obra examina aspectos del retratismo, la representación y el mestizaje (la mezcla literal
e imaginada de razas), el performance y el lugar de la figura humana dentro de nuestra red de
normas sociales. Inspirada por el trabajo de su madre en la industria del vestir, Elia Alba llegó a
combinar la costura con la fotografía y borro-difuminó enturbió las fronteras entre el retratismo
y la naturaleza muerta en su obra. Sus cabezas son como marcadores de la cultura y la historia,
metáforas de la condición humana y los signos de identidad. Muchas de sus obras llegan a
ser instrumentos utilizados en la presentación y para hacer preguntas fundamentales. ¿Qué
es el significado de raza o género? ¿Cómo se marcan los cuerpos, las caras y las personas por
estos conceptos?
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This body of work examines aspects of portraiture, representation and miscegenation (literal and imagined
mixing of races), performance and the place of the human figure within our web of social norms.
Inspired by her mother’s work in the garment industry, Elia Alba came to combine sewing with
photography, blurring the boundaries between portraiture and still life in her work. Her heads are seen
as markers of culture and history, metaphors for the human condition. Many of her works become tools
used in performance and ask fundamental questions.What is the significance of race or gender? How
are bodies, faces and people marked by these concepts?
19

If I Were A..., 2003
Photocopy transfer on muslin, thread,
created by digitally manipulating the
color of the artist’s skin and body parts
Life size
Collection of El Museo del Barrio, New York, NY
Acquired through ‘‘PROARTISTA: Sustaining the
Work of Living Contemporary Artists,’’ a fund
from the Jacques and Natashia Gelman Trust,
and a donation from the artist.
20

Portrait “Doll Heads’’ of friends and family by the artist
▼
SOURCE
21

PEDRO CRUZ-CASTRO
Mi trabajo se basa en explorar materiales, el proceso revela el contenido. También estoy
fascinado por la relación entre el mundo natural y el hecho por el hombre. El trabajo reciente ha
empujado las fronteras entre estas relaciones a límites absurdos y humorísticos. El puerco, La
cabra y El caballo forman parte de una serie de dibujos quemados en cuero. El cuero
animal es el origen del concepto y el soporte para el dibujo; las secciones sugieren el trabajo
de un carnicero.
My work is about exploring materials, the process reveals the content. I am also fascinated by the
relationship between the natural and man-made worlds. Recent work has pushed the boundaries
of these relationships to absurd and humorous limits. Pig, Goat and Horse are part of a series of
drawings burnt on leather: the animal hide is the source of the concept and the support for the
drawing; the sections suggest a butcher’s work.
22

Goat, 2007
Leather
60 x 52 inches
23

Pig, 2007
Leather
31 x 42 inches
24

Untitled, 2004, mixed media on wood
▼
SOURCE
25

SUSANA ESPINOSA
Viaje por tierra y mar es una serie de vasijas,formas huecas y selladas que han sido alejadas
de su rol utilitario. Estas vasijas, de formas sencillas, fueron construidas con planchas de barro.
La simpleza de la superficie permitió desarrollar imágenes profundas pero plácidas. Esta
cohabitación de sentidos forma parte de mi trabajo.
Desde su niñez, y como un pasatiempo, mi hija ha hecho barquitos de papel. Ella los hace de
cualquier pedazo de papel que encuentre, blancos, ya dibujados, con texturas o de color, con
gesto rápido. Me gusta observar el gesto simple y honesto, como la huella de la mano en objetos
vernáculos o en la obra del artista consumado.
Esos barcos de papel, preciosos y modestos, expresan la esencia que desearía agregar a mi
trabajo, grande o pequeño.
Viaje por tierra y mar is a series of vessels; hollow, sealed forms that have been stripped of their utilitarian
role.These vessels of simple shape are constructed with clay slabs.The simplicity of the surfaces allowed
for the development of profound but placid images.This cohabitation of senses is part of my work.
Since childhood, as a past time, my daughter has made small paper boats out of scrap paper she finds
— textured paper, simple white or already drawn paper — as a quick gesture. I like to observe simple
and honest gestures, such as the trace of the hand on vernacular objects or in the work of the
consummate artist.
These beautiful and modest paper boats express the essence that I would like to capture for my own
work, be it large or small.
Viaje por tierra y mar, (series) 2008
Ceramic
18 x12 x 4 inches
Courtesy of Galeria Gandia, San Juan, PR
26

Paper boats made by the artist’s daughter
▼
SOURCE
Viaje por tierra y mar, (series) 2009
Ceramic
24 x7x 6 inches
Courtesy of Galeria Gandia, San Juan, PR
29

OVIDIO GIBERGA
Seated Male with Organic Binding, 2004
Ceramic
21 x 16 x13 inches
Mi conjunto reciente de trabajos es inspirado por las vasijas rituales de asas estribo de la cultura
Mochica de Perú. La cultura Mochica (los siglos 1-9 DC) creó vasijas rituales con imágenes que
representaron aspectos de su vida cotidiana. Lo que me llamó la attención al principio fue el
diseño y la composición jugetona de las vasijas, pero después de estudiarlós por un tiempo me
quedé intrigado de lo que los trabajos revelaron acerca de las personas, la cultura y la época en
las que fueron creados. Sin un idioma escrito, mucho de lo que es conocido de la cultura Mochica
se ha inferido de los cientos de sus trabajos.
A menudo mis trabajos concluyen con un asa estribo y pico del estilo nostálgico de las cerámicas
Mochica. Las variaciones de la asa y pico sirven como una característica compulsiva de diseño
que cargan las figuras pero lo más importante es que aluden a la noción de una vasija, invitando
al espectador a considerar su propósito y el contenido. La obra llamada La vasija de pie con
mano y pinzas que tiran hilo tiene encima del pico la imagen de una mano agarrando las pinzas
que extraen un hilo de la planta del pie. El hilo representa una continuidad cultural que es difícil
de sostener a causa de su longitud y punto de origen.
My recent body of work draws inspiration from the ancient Moche ritual stirrup vessels of Peru.
The Moche culture (1st-9th Century AD), created ritual vessels with imagery that depicted aspects of
their daily life. I was first impressed by the playful design and composition of the vessels, but then upon
studying them further I became intrigued by what the works revealed about the people,
culture and time in which they were created.With no written language, much of what is known about
the Moche has been inferred from the many hundreds of their works.
My works often conclude with a stirrup spout reminiscent of Moche ceramics.The spout variations
serve as a compelling design feature that burden the figures but more importantly, allude to the notion
of a vessel, and invite the viewer to consider their purpose and contents. The piece titled
Foot Vessel with Hand and Tweezers Pulling Thread has an image at the top of the spout, of a hand holding
tweezers extracting thread that emerges from the sole of the foot.The thread represents a cultural
continuity that is difficult to sustain because of its length and point of origin.
30

Foot Vessel with Hand and Tweezers Pulling Thread, 2006
Ceramic
12 x 15 x 7 inches
32

Sketchbook drawing
▼
SOURCE
33

TAMARA KOSTIANOVSKY
Bound, 2007
Curtains and articles of clothing belonging
to the artist, steel, meat hooks and chains
61 x 39 x15 inches
Courtesy of Black & White Gallery/Chelsea, New York, NY
Para la creación de estas obras, usé mi ropa. Utilicé varios tejidos y texturas para conjurar carne,
hueso, cartílago y trozos de grasa en esculturas de tamaño natural de reses muertas. El material
elegido establece conexiones entre lo humano y lo animal, acercando la violencia a un mundo
familiar. Mi intención es confrontar al espectador con la naturaleza grotesca de la violencia y
ofrecer un contexto para reflexionar sobre la vulnerabilidad de nuestra existencia física, la
brutalidad, la pobreza, el consumo y las necesidades voraces del cuerpo.
For the creation of these works I cannibalized my clothes: I used various fabrics and textures to
conjure flesh, bone, gristle and slabs of fat in life-size sculptures of livestock carcasses. The wearable
material draws connections between the physical form of human and animal, bringing violent acts into
a familiar realm. My intention is to confront the viewer with the real and grotesque nature of violence,
and offer a context for reflecting on the vulnerability of our physical existence, brutality, poverty,
consumption and the voracious needs of the body.
34

Malice, 2008
Articles of clothing belonging to the artist,
fabric, polyester batting, utility cart
34 x72 x45 inches
Courtesy of Black & White Gallery/Chelsea, New York, NY
36

Slaughter house
▼
SOURCE
37

SILVIA LEVENSON
Bibi (Album di famiglia), 2008
Fused glass, acrylic and photo on aluminum
19 3/4 x 13 3/4 x 3/4 inches
Courtesy of Bullseye Gallery, Portland, OR
Con la serie Album Di Famiglia, reflexiono sobre mi niñez. Cuando modifico mis fotos
familiares en realidad trato de curar mi memoria. Mis abuelos, como la mayoría de los
argentinos, vinieron de Europa. Emigraron a Argentina buscando una vida mejor, pero sus hijos
y nietos terminaron volviendo a Europa durante la dictadura en un viaje circular.
Las fotografías están modificadas, ampliadase impresas en el aluminio, a las cuales luego les
aplico vidrio fundido. En estas fotos mi hermana Bibi y yo estamos alimentando palomas en la
Plaza de Mayo. En la misma plaza algunos años después, fuimos buscando nuestros parientes y
amigos que habían desaparecido durante la dictadura de Videla en 1976. Quizás lo que es más
central es la manera en la que la relación fuerte que tenía con mi hermana fue modificada
durante mi exilio en Italia, dejando un vacío que sólo podría ser descrito con la creación de estas
obras de arte.
With my Album di famiglia series I am reflecting on my childhood and trying to heal my own memories
by modifying family photos. My grandparents, like most Argentineans, came from Europe. As they
immigrated to Argentina looking for a better life, their children and grandchildren then emigrated to
Europe during the dictatorship in a circular journey.
The photographs are modified, enlarged and printed on aluminium, then I apply fused glass over
the images. In these photos my sister Bibi and I are at Plaza de Mayo feeding pigeons. In the same
square some years later we went looking for our missing relatives and friends that had disappeared
during the dictatorship of Videla in 1976. Maybe what is more central is the way in which the strong
relationship I had with my sister was shattered during my immigration to Italy, leaving a void that can
only be described with the creation of these works of art.
38

Tutte al mare (Album di famiglia), 2008
Fused glass, acrylic and photo on aluminum
14 x 19 x 3/4 inches
Courtesy of Bullseye Gallery, Portland, OR
40

Sketchbook drawing
▼
SOURCE
41

MIGUEL LUCIANO
Pure Plantainum at King of Platinum, 125th Street
Chromographic print
24 x 18 inches
Mi arte se trata de los intercambios amistosos y dolorosos entre Puerto Rico y los Estados Unidos
confrontando la relación colonial que existe hasta hoy en día y questionando el espacio entre
ambas culturas. Combino temas de iconografía popular, folclórica, y del consumidor con nuevas
jerarquías para describir la complejidad de creencia contemporános. Plátano puro es una serie
de esculturas que celebra el plátano, un símbolo icónico y típico de Puerto Rico y el Caribe. En
estas obras, los plátanos verdes reales fueron tratados con platino. Se convierten en joyas
emblemáticas que transforman estigmas culturales en expresiones de orgullo. Filiberto Ojeda
Uptown/Machetero Air Force Ones (2007), es un par de zapatillas Nike que rinde homenaje al jefe
asesinado de los Macheteros—un grupo clandestino y armado de nacionalistas Puertorriqueños
que han luchado por la independencia de la isla desde la década de 1970.
My work addresses playful and painful exchanges between Puerto Rico and the United States,
questioning a colonial relationship that exists to present day while problematizing the space between
both cultures. It often organizes popular, folkloric and consumer iconography into fluctuating new
hierarchies to describe the complexity of contemporary belief systems. Pure Plantainum is a sculptural
series of works that commemorate the plantain, a stereotypical yet iconic Puerto Rican and Caribbean
symbol. In these works, actual green plantains were plated in platinum. They become emblematic
jewels that transform cultural stigmas in to urban expressions of pride. The Filiberto Ojeda
Uptowns/Machetero Air Force Ones (2007) are a customized pair of Nike sneakers that pay tribute to the
assassinated leader of the Macheteros (machete wielders)—an armed clandestine group of Puerto
Rican nationalists who’ve campaigned for independence in Puerto Rico since the 1970s.
42

Filberto Ojeda Uptowns/
Machetero Air Force Ones, 2007
Thermal transfer and acrylic on
custom sneakers
5x91/2 x111/2 inches
44

Plátanos (plantains) in Plaza del
Mercado de Santurce, Puerto Rico
▼
SOURCE
45

JEANNINE MARCHAND
Polipo, 2006
White earthenware, paint
7x 20 x 20 inches
Creciendo en la isla de Puerto Rico con el sol, la arena, el océano y la naturaleza, mis memorias
de niñez están llenas de luces y sombras de formas y emociones. La sensualidad es mi idioma,
encontrando una voz en forma de arcilla blanca maleable. El recuerdo y las emociones filtrados
son extractados y esculpidos por las manos en un proceso puramente intuitivo. La sensualidad
y la memoria son el concepto central de mi trabajo. Estas obras forman parte de una colección
de recuerdos oceánicos que se están encontrados con y registrados por la memoria.
Growing up on the Island of Puerto Rico with the sun, sand, ocean and nature, my childhood memories
are filled with the lights and shadows of forms and emotions. Sensuality is my language, finding voice
in the form of malleable white clay. Filtered recollections and emotions are abstracted and sculpted
through my hands in a purely intuitive process. Sensuality and memory are the very heart and core
of my work.These works are part of a collection of oceanic memorabilia encountered and recorded
by memory.
46

Espiga, 2006
Red and white earthenware, paint
7x34x43/4 inches
48

Moonrise at Bren ~ as
▼
SOURCE
49

RAQUEL QUIJANO
FELICIANO
Andamios II, 2008
Sintra, printed on paper
15 x 10 x 5 inches
Mi trabajo con cubos geométricos de papel y Sintra se ha creado en respuesta a nuestros
desarrollos urbanos constantemente cambiantes y los grandes edificios herméticos que nos
hacen pensar que vivimos entre circuitos y sistemas industrializados. El objetivo de este nuevo
trabajo es de lograr un nuevo estético en el grabado que utiliza un enfoque conceptual.
My work with geometric paper cubes and Sintra has been created in response to our constantly changing
urban developments and the large hermetic buildings that cause us to think we live between circuits
and industrialized systems.The objective of this new work is to achieve a new aesthetic in engraving
using a conceptual approach.
50

Industrial building
SOURCE
▼
Andamios I, 2008
Sintra, printed on paper
7 x13 x10 inches
52

FRANCO MONDINI-RUIZ
Baby Mojado, 2005
Found and altered materials
6 x 4 x 4 inches
Courtesy of Frederieke Taylor Gallery, New York, NY
Yo he conocido a un fotógrafo meticuloso de Europa que quiere explorar el mundo de los
vaqueros en su nueva serie. La cafeína de mi café acaba de funcionar y abro la boca grande,
gorda y enojada y despotrico acerca de cómo esos vaqueros blancos de las películas
occidentales de Roy Rogers nunca existieron realmente en el sur de Tejas. La mayor parte
del trabajo en estas partes fue hecha por los mexicanos y los negros. “Hoy en día es espalda
mojada," digo yo, lo provocando con esa palabra fea por los mexicanos sin documentación que
a veces recurren a nadar al otro lado del Rio Grande para encontrar el trabajo en este país.
El fotógrafo fotografia estos tipos muy bien, sus chozas barrocas, sus pavos reales domésticos,
sus camisas favoritas, sus coches destartalados. Yo sólo puedo imaginarme cuán útil y cortés
ellos estuvieron a él, con sus saludos agradables con la cabeza. Pero no veo ninguno de ellos en
el estreno o en la fiesta glamorosa que siguió—sólo los Anglos que poseen las haciendas en las
cuales trabajan. Quizá llegué demasiado tarde. Quizá nadie se tomó la molestia de invitarlos.
I have become acquainted with a fastidious European photographer who wants to explore the world
of cowboys in his new series. My coffee is just kickin’ in and I open my big, fat, angry mouth and go
on a rant about how those white, Roy Rogers western movie cowboys never really existed in South
Texas. Most of the labor in these parts was done by Mexicans and blacks. “Nowadays it’s
wetbacks,” I say, provoking him with that ugly word for undocumented Mexicans who sometimes
resort to swimming across the Rio Grande in order to get work in this country. The photographer
does a gorgeous job photographing these guys, their baroque shacks, their pet peacocks, their favorite
shirts, their junked cars. I can only imagine how helpful and polite they were to him, with their agreeable
tea-party nods. But I don’t see any of them at the show opening or the glamorous party that followed
— only the Anglos who own the ranches they work on. Maybe I arrived too late. Maybe no
one bothered to invite them.
Excerpt from High Pink:Tex-Mex Fairy Tales by Franco Mondini-Ruiz
Desde que abandonó una carrera como un abogado exitoso en San Antonio, Franco Mondini-
Ruiz se ha dedicado completamente al hacer del arte. Reconociendo su identificación como un
latino asimilado y manteniendo conexiones a través de fronteras étnicas Mondini-Ruiz-por sus
colecciones de figurillas y viandas-crea objetos culturalmente ricos que comparten narrativas
históricas, étnicas, sexuales y religiosas y establecen una confluencia de mundos que reflejan el
uno al otro para siempre.
Since abandoning a career as a successful lawyer in San Antonio, Franco Mondini-Ruiz has devoted
himself full-time to the making of art. Acknowledging his identification as an assimilated Latino
and maintaining connections across ethnic boundaries Mondini-Ruiz-through his assemblages of
figurines and victuals—creates culturally rich objects sharing historical, ethnic, sexual, and religious
narratives and setting up a confluence of worlds mirroring one another into infinity.
54

Muffin Man, 2005
Found and altered materials
8 x 3 x 3 inches
Courtesy of Frederieke Taylor Gallery, New York, NY
56

Installation, mixed media, 2007
▼
SOURCE
57

COURTNEY SMITH
Mi trabajo con muebles comenzó en Brasil, donde viví y trabajé durante los primeros 12 años de
mi carrera. Me facinaban los trozos desechados y obsoletos de muebles de principio del siglo XX
que llenaban las sucias tiendas de objetos usados en Rio de Janeiro. Cada mueble era una fusion
de estilos europeos interpretados de variadas formas, trasladados a esquisitas maderas tropicales
y finamente moldeados en la tradición del trabajo con madera portugués. Un objeto como
este — que en algunos idiomas es llamado “mueble” (opuesto a una casa que es llamada
“inmueble”) — para mí es un símbolo mutable del cuerpo y su hogar, que literalmente habita el
espacio que esta entre medio de ambos.
Polly Blue Pell Mell es un tocador brasileño de 1950 con mesas para sus costados del mismo
estilo, cortadas y luego reconstruidas en mesas apilables, ensamblando sus bloques. Las partes
nuevas o ‘‘artificiales’’ de la obra son señaladas por una piel azul de Formica que cubre las
superficies interiores. La escultura funciona como un conjunto de componentes, y puede ser
montada como un rompecabezas o completamente desmontado y dispersada enmontones de azul.
My work with furniture began in Brazil, where I lived and worked for the first 12 years of my career.
I became fascinated with the discarded, obsolete pieces of early twentieth century furniture cluttering
the gritty junk stores of Rio de Janeiro. Each piece was a fusion of various interpreted European styles,
translated into exquisite tropical woods and finely crafted in the tradition of Portuguese woodworking.
A piece of furniture — which in some other languages is called a “movable” (as opposed to the house
called the “unmovable”)— is to me a mutable symbol for both the body and its home, literally
inhabiting the space in between.
Polly Blue Pell Mell is a 1950’s Brazilian dresser with matching side tables cut into pieces that are then
reconstructed into stackable, interlocking blocks.The new or ‘artificial’ parts of the work are signaled
by a blue Formica skin, that lines the interior surfaces. The sculpture functions as a set of building
blocks, and can be assembled like a puzzle, or fully disassembled and spread out into piles of blue.
58

Polly Blue Pell Mell, 2005
1950s wood vanity, side tables from Brazil,
plywood, blue plastic laminate
36 x 71 x 20 inches
59

Santo Antonio, 2003
Chest of drawers from Brazil, plywood
32 x 58 x 20 inches
60

Sketchbook drawings
▼
SOURCE
61

WALKA STUDIO
CLAUDIA BETANCOURT
RICARDO PULGAR
Siendo la tercera generación de artesanos chilenos, nuestro ingreso a la orfebrería contemporánea
es a través de la artesanía. Nuestro interés se centra en la identidad cultural (mestizaje),
comoditización de la artesanía, arte colaborativo, la relación entre la cultural visual local y globalización,
y las relaciones que se generan entre arte-artesanía-diseño. Los pájaros cantan en
pajarístico pero los escuchamos en español! Es parte de una serie de obras que remite a las precarias
condiciones de trabajo en nuestro país. El ‘‘canario cantor’’ representa una especie de libertad
atrapada o perdida. La jaula, en bronce bañado en oro, representa el común doble estándar
de nuestra sociedad. También, ella se refiere a cómo el consumismo y la comoditización, de
la artesanía y otros rubros, generan dicho encierro.
As third generation traditional Chilean makers, we arrive at contemporary jewelry through craft. Our
work focuses on cultural identity (mestizaje), craft commoditization, collaboration, relations between
globalization and local visual identity and art-craft-design relationships. Los pájaros cantan en pajarístico
pero los escuchamos en español Chile: Get Out From the Cage! is one of a series of works referencing the
precarious working conditions in Chile.The bird represents a kind of liberty caught.The cage is made
of gilded bronze, representing a double standard in Chile’s work force and how consumerism and
commoditization have become like ‘cages.’
62

Los pájaros cantan en pajarístico
pero los escuchamos en español
Chile: Get Out From the Cage!
Plastic, bronze, gold, lapis lazuli
3 x 2 x 2 inches
63

I Am Not a Plastic Bag: Bracelet, 2008
Silver, plastic polymer
6 1/2 x 4 x 1/2 inches
64

A street vendor in Chile selling plastic bird whistles
▼
SOURCE
65

ARTIST
BIOGRAPHIES
ALEJANDRO AGUILERA
Born: Holguin, Cuba, 1964
Lives: Atlanta, Georgia, USA
Education
Postgraduate Fellowship, Massachusetts College of Art,
Boston, MA, USA 1990
MFA, Instituto Superior de Arte, Havana, Cuba, 1989
BFA, Escuela de Arte, Holguin, Cuba, 1983
Selected Exhibitions
2007
A Brief History of Usage, solo exhibition, Bernice
Steinbaum Gallery, Miami, FL, USA
2006
Forty Yards of Lines, solo exhibition, Georgia College
and State University, Milledgeville, GA, USA
2004
A.A Recent Work, solo exhibition, Gallery Sklo,
Atlanta, GA, USA
Re-defining Georgia, The Columbus Museum,
Columbus, GA, USA
The Art of Making Art, solo exhibition, Ty Stokes
Gallery, Atlanta, GA, USA
2003
A.A. A Decade of Assemblages, solo exhibition,
University of Georgia, Athens, GA, USA
Atlanta Biennial, The Atlanta Contemporary Art Center,
Atlanta, GA, USA
Selected Collections
Museum of Art, Fort Lauderdale, FL, USA
Museum of Contemporary Art, MARCO, Monterrey,
Mexico
National Museum Palace of Fine Arts, Havana, Cuba
ELIA ALBA
Born: New York, NY, USA, 1962
Lives: Brooklyn, NY, USA
Education
Whitney Museum, Independent Study Program,
of American Art, New York, NY, USA, 2001
BA, Hunter College, New York, NY, USA, 1994
Selected Exhibitions
2009
10th Havana Biennial, Centro de Arte Contemporáneo
Wifredo Lam, Cuba
Entre-Vues: Contemporary Photography from the
Caribbean, Fondation Clement, Martinique
2008
Archaeology of Wonder, Real Art Ways, Hartford,
CT, USA
Visionarios, Audiovisual En Latinoamérica, ITAU Cultural
Institute, Sao Paolo, Brazil
Ethnographies of the Future, Rotunda Gallery, New York,
NY, USA
LOOP 08, Barcelona, Spain
2007
UltraMar, Instituto Cervantes de São Paulo, Brazil
(traveling)
Agua, Cuarto Espacio Cultural. Diputación de Zaragoza,
Spain
66

2006
Close Connections, Stedelijk Museum, Amsterdam,
Netherlands
This Skin I’m in, El Museo del Barrio, New York, NY, USA
Queens International 06: Everything All At Once,
Queens Museum of Art, Queens, NY, USA
Tropicalisms: Subversions of Paradise, Jersey City
Museum, Jersey City, NJ, USA
REWIND… REWIND, Instituto de Cultura Puertorriqueña,
San Juan, Puerto Rico
Selected Grants and Awards
2008
Grant, Joan Mitchell Foundation, Inc.,
New York, NY, USA
Fellowship, New York Foundation for the Arts,
New York, NY, USA— Photography
2003
Grant, The Pollack-Krasner Foundation, New York,
NY, USA
Selected Collections
Jersey City Museum, Jersey City, NJ, USA
El Museo del Barrio, New York, NY, USA
Lowe Art Museum, Miami, FL, USA
Museo de Arte Moderno, Santo Domingo,
Dominican Republic
PEDRO CRUZ-CASTRO
Born: Caracas, Venezuela, 1970
Lives: Brooklyn, NY, USA
Education
BA, Jose Maria Vargas University, Caracas,
Venezuela, 1991
Selected Exhibitions
2008
Informed by Function, Lehman College Art Gallery,
New York, NY, USA
Leckerbissen, Gallery Na Kashirke, Moscow, Russia
Threading Trends, Galerie AltePost, Berlin, Germany
2007
Reclamation, Sunroom Project at Wave Hill,
New York, NY, USA
The Carriage House, Islip Art Museum, New York,
NY, USA
The (S) Files/The Selected Files, El Museo del Barrio,
New York, NY, USA
TidBit, GalerieR31, Berlin, Germany
2006
AIM 26, The Bronx Museum of the Arts, New York,
NY, USA (catalogue)
Icons, Werketage, Berlin, Germany
Selected Grants and Awards
2000
‘‘Change’’ Grant, Robert Rauschenberg Foundation,
Captiva, FL, USA
SUSANA ESPINOSA
Born: Buenos Aires, Argentina, 1933
Lives: San Juan, Puerto Rico
Education
BFA, la Academia de Bellas Artes, Buenos Aires,
Argentina, 1953
Selected Exhibitions
2008
Colección Reyes-Veray, Museo de Arte Contemporáneo,
San Juan, Puerto Rico
La Vasija, Galería Gandía, San Juan, Puerto Rico
2007
Casa Candina, Universidad del Turabo, Gurabo,
Puerto Rico
Muestra Nacional de Artes Plásticas, San Juan,
Puerto Rico
2005
Appearances and Presences, solo exhibition, Couturier
Gallery, Los Angeles, CA, USA
Selected Collections
Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico,
San Juan, Puerto Rico
Museo de la Cerámica, Ichon, Japan
Museo de la Cerámica: Mimara, Zagreb, Yugoslavia
Museum of Latin American Art, Los Angeles, CA, USA
Museo della Ceramica D’arte de Faenza, Faenza, Italy
OVIDIO GIBERGA
Born: Washignton, DC, USA, 1965
Lives: San Antonio, Texas, USA
Education
MFA, University of Florida, Gainesville, FL, USA, 1996
BA, Florida State University, Tallahassee, FL,
USA, 1991
Associates, Miami Dade Community College,
Miami, FL, USA, 1988
Selected Exhibitions
2008
Arte Nuevo, 1604 Gallery, San Antonio, TX, USA
Northwest Connection; Contemporary Works in Clay,
Esvelt Gallery, Columbia Basin College, Pasco, WA, USA
Ovidio Giberga, solo exhibition, Blue Star Contemporary
Art Center, San Antonio, TX, USA
Surface, Form and Substance, Amaco/Brent
Contemporary Clay Gallery, Indianapolis, IN, USA
2007
CraftForms 2007, Wayne Art Center, Wayne, PA, USA
From the Ground Up, Las Cruces Museum of Art,
Las Cruces, NM, USA
Visions and Voices, Kentucky Museum of Art and Craft,
Louisville, KY, USA
2006
CraftHouston 2006, Houston Center for Contemporary
Craft, Houston, TX, USA
Viewpoint: Ceramics 2006, Hyde Art Gallery, Grossmont
College, El Cajon, CA, USA
Selected Collections
Archie Bray Foundation, Helena, MT, USA
University of Florida, Gainesville, FL, USA
67

Selected Grants and Awards
2004 Scholarship/Creativity Grant, Watershed Center for
the Ceramic Arts, Newcastle, ME, USA
Selected Bibliography
Northway, Paul. ‘‘Finding A Balance.’’ Ceramics Monthly,
April 2008
Poellot, Jennifer. ‘‘The Slip-Cast Object.’’
Ceramics Monthly, May 2005
Toutillott, Suzanne. Editor. ‘‘The Figure in Clay.’’
(Lark Books, Ashville, North Carolina, USA, 2005)
TAMARA KOSTIANOVSKY
Born: Jerusalem, Israel, 1974
Lives: Brooklyn, NY, USA
Education
MFA, Pennsylvania Academy of the Fine Arts,
Philadelphia, PA, USA, 2003
BFA, Escuela Nacional de Bellas Artes, ‘‘Prilidiano
Pueyrredón,’’ Buenos Aires, Argentina, 1998
Selected Exhibitions
2008
Actus Reus, solo exhibition, Black & White
Gallery//Chelsea, New York, NY, USA
El Ultimo Libro, Biblioteca Nacional de Buenos Aires,
Buenos Aires, Argentina
Meat After Meat Joy, Daneyal Mahmood Gallery,
New York, NY, USA
Outside Over There, Gallery Aferro, Newark, NJ, USA
Scope Miami, Y Gallery, Miami, FL, USA
2007
The (S) Files 007, El Museo del Barrio, New York,
NY, USA
Yo! Contemporary Self Portraits, Solar Gallery,
East Hampton, NY, USA
Selected Collections
El Museo del Barrio, New York, NY, USA
Philadelphia Museum of Jewish Art Congregation
Rodeph Shalom, Philadelphia, PA, USA
Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Buenos Aires,
Argentina
Selected Grants and Awards
2009
Swing Space, Lower Manhattan Cultural Council,
New York, NY, USA
2008
Grant, The Pollock-Krasner Foundation, New York,
NY, USA
2005
SOS Grant, Pennsylvania Council on the Arts,
Harrisburg, PA, USA
Selected Bibliography
Harmon, Kitty. CARTOGRAPHY: Artists + Maps.
(New York, NY: Princeton Architectural Press, 2009)
Trong, Nguyen G. ‘‘Interview with Tamara
Kostianovsky.’’ ARTslantcom, January 2009
Fulmer, Dick. ‘‘Carne-Diem — What Meat Art Can Tell Us
About Art and Death.’’ Meatpaper. (Issue 5, Fall 2008)
McQuaid, Cate. ‘‘In Exhibit Devoted to Meat, Some
Offerings Are a Cut Above.’’ The Boston Globe.
July 2, 2008
SILVIA LEVENSON
Born: Buenos Aires, Argentina, 1957
Lives: Lesa, Italy
Education
Self taught
Selected Exhibitions
2008
Flux, Reflections in Contemporary Glass, New Mexico
Museum of Art, Santa Fe, NM, USA
The Kitchen, El Corazon de la Casa. Galeria Montoriol,
Barcelona, Spain
You are not living alone…. solo exhibition, Bullseye
Gallery, Portland, OR, USA
2006
Algo anda Mal, Embassy of Argentina, Rome, Italy
Contemporary Kiln Glass, University of Miami, College
of Arts and Sciences Gallery, Miami, FL, USA
Crafting a Collection, The Museum of Fine Arts,
Houston, TX, USA
Plaza de Mayo, solo exhibition, Galleria Traghetto,
Rome, Italy
Something’s Wrong, Galleria Arthobler, Porto, Portugal
2005
I see you are a bit nervous, solo exhibition, Bullseye
Connections Gallery. Portland, OR, USA
Selected Collections
Corning Museum of Glass, Corning, NY, USA
Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA
New Mexico Museum of Art, Santa Fè, NM, USA
Museo Catelvetro. Castelvetro, Italy
Tikanoja Art Museum, Vaasa, Finland
Musée-atelier du Verre à Sars-Poteries,
Sars-Poteries, France
Ernsting Glass Collection, Coesfeld, Germany
Glasmuseum, Ebeltoft, Denmark
Museo Leon Rigaulleau, Buenos Aires, Argentina
Museo del Vetro, Altare, Italy
MIGUEL LUCIANO
Born: San Juan, Puerto Rico, 1972
Lives: Brooklyn, New York, USA
Education
MFA, University of Florida at Gainesville, FL, USA, 2000
BFA, New World School of the Arts, Miami, FL,
USA, 1997
Selected Exhibitions
2009
Kréyol Factory, La Grande Halle de la Villette,
Paris, France
Puerto Rico: Human Geography, The Smithsonian
Institution, Washington, DC, USA
2008
Center of Everywhere, Queens Museum of Art,
Queens, NY, USA
2007
Infinite Island, The Brooklyn Museum, Brooklyn,
NY, USA
The Ljubljana Biennial, International Centre of Graphic
Arts, Ljubljana, Slovenia
68

2006
Interplay, Exit Art, New York, NY, USA
Miguel Luciano, solo exhibition, CUE Art Foundation,
New York, NY, USA
Tropicalisms, Jersey City Museum, Jersey City, NJ, USA
War ImPRessions, Zverev Center for Contemporary Art,
Moscow, Russia
Selected Grants and Awards
2007
Joan Mitchell Foundation Painters and Sculptors
Award Grant, New York, NY, USA
2006
Artists and Communities Grant, Mid Atlantic Arts
Foundation, Baltimore, MD, USA
Selected Collections
The Brooklyn Museum, Brooklyn, NY, USA
El Museo del Barrio, New York, NY, USA
The Newark Museum, Newark, NJ, USA
JEANNINE MARCHAND
Born: San Juan, Puerto Rico, 1976
Lives: Penland, NC, USA
Education
MFA, Cranbrook Academy of Art, Bloomfield Hills,
MI, USA, 2008
BFA, Saint Joseph’s University, Philadelphia, PA,
USA, 1999
Selected Exhibitions
2008
Congelado por el Fuego, Museo de Arte de Ponce,
San Juan, Puerto Rico
Here & Now, Cranbrook Academy of Art Museum,
Bloomfield Hills, MI, USA
2007
Where the Eero Lands, Forum Gallery, Cranbrook
Academy of Art, Bloomfield Hills, MI, USA
2006
Curiosidades, solo exhibition, Galería Botello,
San Juan, Puerto Rico
2005
Pasiones Etéreas, solo exhibition, Galería Botello,
Hato Rey, Puerto Rico
VI Certamen Nacional de Artes Plásticas, Museo de Arte
Contemporáneo de Puerto Rico, Santurce, Puerto Rico
Selected Collections
Diamler Chrysler, Farmington Hills, MI, USA
Maxine and Stuart Frankel Foundation for Art,
Bloomfield Hills, MI, USA
Casa Candina, San Juan, Puerto Rico
Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico,
San Juan, Pureto Rico
Selected Grants and Awards
2008
Artist-in-Residence, Assistantship Award, Ceramics
Department, Cranbrook Academy of Art,
Bloomfield Hills, MI, USA
2001-03
Core Student Fellowship, Penland School of Crafts,
Penland, NC
1999
Ellacuria Award, Latin American Studies Program, Saint
Joseph’s University, Philadelphia, PA, USA
Selected Bibliography
Lark Books. 500 Cups. (New York, NY: Sterling
Publishing Company, Inc., 2005)
Ferrer Pérez, Karen. ‘‘Pasiones en Blanco.’’ Caras
Magazin, (Volume 7, 2005): 94-5
Rodriguiz Jorge. ‘‘Jeannine Marchand alma,
abstracción y sensualidad en Curiosidades.’’ Escenario,
El Vocero, 2006
RAQUEL QUIJANO FELICIANO
Born: Arecibo, Puerto Rico, 1972
Lives: Bayamón, Puerto Rico
Education
BFA, Cum Laude, graphic arts, Escuela de Artes Plásticas
de Puerto Rico, San Juan, Puerto Rico, 2003
Independent studies with artists Mercedes Quiñones
and Marilyn Torrech, 1993-1996
Selected Exhibitions
2008
Andamios Project Room, Bernice Steinbaum Gallery,
Miami, FL, USA
Estigma—Exhibición de la Trienal Poli/Gráfica de San
Juan: América Latina y el Caribe, Instituto de Cultura
Puertorriqueña, San Juan, Puerto Rico
2007
Stigma 27th-International Biennial of Graphic Arts,
The Ljubljana Biennial, International Centre of Graphic
Arts (MGLC), Ljubljana, Slovenia
Persistencia en el Grabado Puertorriqueño, Museo Las
Américas Cuartel Ballajá, Old San Juan, Puerto Rico
2006
Exposición Art, Bernice Steinbaum Gallery, Miami,
FL, USA
Selected Grants and Awards
2006
AICA, Asociación Internacional de Críticos de Arte,
Nuevos Espacios, =Desto, Ateneo, San Juan, Puerto Rico
Selected Collections
Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan,
Puerto Rico
La Casa del Libro, Viejo San Juan, Puerto Rico
Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico, San
Juan, Puerto Rico
Princeton University, Harvey S. Firestone Library,
Princeton, NJ, USA
Selected Publications
Hernández, Carmen Dolores, ‘‘Arcadio Díaz incita a
pensar.‘‘ Arte y Cultura de El Nuevo Día, May 2006
González-Pérez, Leyra E., ‘‘Stigma, Boricua an
Eslovenia.’’ Arte y Cultura de El Nuevo Día, October 2007
Del Valle-Hernández, Sara, ‘‘Inspiración elevada al
cubo.’’ Arte y Cultura de El Nuevo Día, March 2009
69

FRANCO MONDINI-RUIZ
Born: San Antonio, TX, USA
Lives: San Antonio, TX, USA
Education
Self Taught
Selection Exhibitions
2008
Feast without Famine solo exhibition, Frederieke Taylor
Gallery, New York, NY, USA
Re-Mix, The Smithsonian Museum of the American
Indian, New York, NY, USA
2007
Mexicana: Discovering Mexican Popular Arts, 1919-1950,
solo exhibition, Newark Museum of Art, Newark,
NJ, USA
2006
Hollywood Squares, solo exhibition, Light Box Gallery,
Los Angeles, CA, USA
Transitional Objects: Contemporary Still Life, Neuberger
Museum of Art, Purchase, NY, USA
2005
Small Treasures, solo exhibition, Projetto Biagiotti,
Florence, Italy
The Prague Biennale, Prague Museum of Contemporary
Art, Prague, Czech Republic
Selected Grants and Awards
2005
Rome Prize Recipient, American Academy in Rome,
Rome, Italy
2003
Tryon Center Artist Residency Program, Charlotte, NC,
USA
2000
The Pollock-Krasner Foundation, New York, NY, USA
Selected Bibliography
Johnson, Ken. ‘‘Beyond Stereotypes: 21st Century
Indian Artists.’’ The New York Times, June 20, 2008
Rothstein, Edward. ‘‘Celebrating Hispanics from Both
Sides of a Hyphenated Identity.’’ The New York Times,
April 21, 2007
Smith, Roberta. ‘‘Franco Mondini-Ruiz, Quattrocento
at Frederieke Taylor Gallery.’’ The New York Times,
December 30, 2005
2007
Build Up, solo exhibition, Roebling Hall, New York,
NY, USA
The (S) Files, El Museo del Barrio, New York, NY, USA
2006
Tongue in Groove, solo exhibition, Chelsea Art Museum,
New York, NY, USA
Contra-Golpe: Reenacting A Failed Operation, Instituto
Divorciados, Berlin, Germany
2005
Sala dos Espelhos, solo exhibition, Galeria Vermelho,
São Paulo, Brazil
WALKA STUDIO
CLAUDIA BETANCOURT
Born: Santiago, Chile, 1978
Lives: Santiago, Chile
Education
BS, Universidad Católica de Valparaíso,
Valparaíso, Chile, 2002
RICARDO PULGAR
Born: Santiago, Chile, 1980
Lives: Santiago, Chile
Education
BS, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile, 2002
Selected Exhibtions
2008
Melbourne by Walka, Craft Victoria, L’Oréal Melbourne
Fashion Festival Cultural Program, Melborne, Australia
2007
Sculpture to Wear Gallery, Los Angeles, CA, USA
Chilean Fashion Week, Los Angeles, CA, USA
Selected Grants and Awards
2008
Certification Award for Innovative, Ecological,
Commercially, Authentic Handcrafted Product,
UNESCO, Chile
2007
Foundation Grant, Capital Semilla, Government
of Chile, Santiago, Chile
COURTNEY SMITH
Born: Paris, France, 1966
Lives: Brooklyn, NY, USA
Education
Postgraduate, Escola de Artes Visuais do Parque Lage,
Rio de Janeiro, Brazil, 1990
BA, Yale University, New Haven, CT, USA, 1988
Selected Exhibitions
2008
Igloo, solo exhibition, Next Door, Rome, Italy
2nd Lives, Museum of Arts & Design, New York,
NY, USA
Espelhões: Reflexos/Reflexes, Galeria Marilia Razuk,
São Paulo, Brazil
Interior, Hales Gallery, London, England
70

PHOTO CREDITS
Elia Alba; pages 1, 18, 21
Sol Aramendi; pages 35 and 36
Claudia Betancourt, page 64
El Museo del Barrio; page 20
Pedro Cruz-Castro; page 25
Endos Photography; pages 39 and 41
Kati Fishbein; pages 15, 16, 23, 27, 28, 47, 51, 62, 63
Ovidio Giberga; pages 31 and 32
Miguel Luciano; pages 43, 44, 45
Juan R. Marchand; page 49
Tom Mills; pages 47 and 48
Rodrigo Pereda; page 59
Mauro Restiffe; page 60
Frederieke Taylor Gallery; pages 55 and 56
Allen Wiener; page 24
ISBN 0-9760997-6-4
Measurements are in inches, height preceeding width,
preceeding depth.
This biographical material has been selectively compiled
and is not meant to be exhaustive.
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