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DanZaen escenaREVISTA DE LA CASA DE LA DANZA _ Nº 25 JULIO-SEPTIEMBRE de 2009Joan BoixRoser Muñoz* PINA BAUSCH * MICHAEL JACKSON * MARTHA GRAHAM COMPANY * JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ * JAVIER BARÓN

Pag.6SUMARIO5 EDITORIAL:Perfecto Uriel6 PORTADA: Joan Boix-Roser MuñozIratxe de Arantzibia14 ENTREVISTA: Javier BarónMarta Carrasco16 Michael JacksonLola Chico17 Pina BauschNélida Monés18 De la A hasta la Z de la DanzaVíctor M. Burell22 Los árboles saben bailarIratxe de Arantzibia24 CRÍTICAS:Iratxe de ArantzibiaMercedes Albi26 Galón VascoIratxe de Arantzibia27 El Royal Ballet en CubaIsis Wirth28 Martha Graham Dance CompanyCeli Barbier31 PERSONAJES: Antonia Mercé y NéstorMercedes Albi33 LA TIRA: El Ballet ChonchoiFredy Rodríguez34 Antonio MonllorJavier Bagá36 Creando escuelaEstudio Schinca38 Premios Nacionales de DanzaIratxe de Arantzibia39 MEDICINA Y DANZA:Osteoporosis y danzaAntonio Díaz Pérez40 Libros / Donaciones para el Museo40 Actividades de la Casa de la Danza41 VITRINAS ABIERTAS: José Carlos MartínezAna Isabel Elvira42 BREVESPag.14Pag.24Pag.18

editorialEl tiempo se deja sentir en nuestro camino…….Es cierto que los números y las cifras nos acompañan desdeel mismo momento en el que nacemos, incluso antes denacer. En el principio de la concepción ya estamos literalmentemarcados por una cifra, ese segundo divino que serádeterminante para el resto de nuestra existencia.Las cifras, las fechas y, en general, la numerología nos ayudana ubicarnos, a recordar todo tipo de eventos y efemérides.La alegría que nos producen ciertas celebraciones oincluso la tristeza de los acontecimientos, marcados a fuegoen nuestro camino, siempre están señalados con una fecha.Son fechas que elegimos para recordar, llorar, reír y revivir,en algunos casos, ese pasado añorado que se escapa muyrápidamente.Nacimiento y muerte siempre van acompañados de celebracionesdonde los recuerdos nos ponen tristes o nos hacenexplotar de alegría. Este primer semestre de 2009 siempreserá recordado con tristeza por la desaparición de dosimportantes figuras revolucionarias de la danza. Pina Bauschy Michael Jackson. Pina y Jacko (escrito con toda la familiaridaddel mundo) desaparecían de nuestro entorno en el mesde julio. Dos mundos que, aunque distantes en imagen, muypróximos en espíritu creador. Dos almas gemelas que hanaportado grandes cambios para la danza en el mundo entero.Ellos siempre estarán ahí arriba, girando sin parar cualintérpretes giróvagos en busca del camino de perfección.Recordar y emocionarse es una de las particularidades delser humano y creo que van siempre muy unidas. Pina yJacko, unidos por la danza, siempre nos harán recordar supaso por este jardín de las delicias terrenales, un jardíndonde ellos florecieron con esplendor y que siempre evocaremoscon mucha alegría aunque en nuestros ojos aparezcanlágrimas que nunca sabremos disimular.Por siempre Pina y Jacko.DanZaen escenaNº25JULIO_AGOSTO_SEPTIEMBRE_ 2009EDITORA: Mila RuizCOORDINADOR: Perfecto UrielCONSEJO DE REDACCIÓN: Mercedes Albi,Iratxe de Arantzibia, Victor M. Burell, AnaIsabel Elvira, Nélida Monès, FredyRodríguez, Mila Ruiz y Delfín Colomé(miembro honorífico)COLABORADORES: Mercedes Albi, JavierBagá, Marta Carrasco, Lola Chico, CeliBarbier, Antonio Díaz, Isis Wirth, EstudioSchinca.FOTOGRAFÍA: Iratxe de Arantzibia, AndreasBirkigt, Ferran Casanova, Costas, JohnDeane, Dave Morgan, Cristina Quicler, Javierdel Real, Mila Ruiz, Takase, J. Vallinas.IMPRENTA: ABZ Impresores.MAQUETACIÓN Y PUBLICIDAD:Rampa Ediciones Culturales.DIRECCIÓN: Casa de la Danza,Rua Vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja)Telf: 941 246 365Fax: 941 246 749MAILS:Mila Ruiz: danzaenescena@hotmail.comPerfecto Uriel: revista@casadeladanza.comDL: LR-249-2005(Las colaboraciones son gratuitas y responsabilidadde sus autores)*Danza en escena puede adquirirse deforma gratuita en la Casa de la DanzaDedicado a Daniel Marcel que nació un 14 de julio de 2009 en LogroñoPerfecto UrielPORTADA: Joan Boix y Roser Muñoz©Ferran CasanovaDanza en Escena 5nº25_2009

©Ferran Casanova

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Joan Boix PorIratxe de ArantzibiaBAILARÍN PRINCIPAL DE DUSSELDORF, LEIPZIG Y HANNOVER, JOAN BOIX SEDEDICA AHORA A LA DOCENCIA EN BARCELONAUn clásico en la tierra de loscontemporáneosLa danza le viene en los genes. Noen vano, fue su madre, MartaPons, su primera profesora deballet. "Siempre me inculcó la necesidadde hacer las cosas bien, aunquefuera más lento", recuerda Joan Boix(Barcelona, 1970), cuya formación ycarrera profesional le han llevado desu lugar natal a San Petersburgo,Marsella, Dusseldorf, Leipzig yHannover. Gracias a una beca de laDiputación de Barcelona, partió de laciudad condal rumbo a la EscuelaVaganova (1988-1989), para finalizarsus estudios. Fue el primer español quese convirtió en alumno de esta cuna delballet, "al menos, eso es lo que dijeronlos rusos", matiza. "Pasar de un paísárido en materia de clásico comoEspaña a la cuna del repertorio, solopodía ser positivo. En el tiempo queestuve, pude ver y aprender los grandesballets, además de poder bailaren teatros emblemáticos como elMarinsky o el Bolshoi. La escuelaVaganova es tradición pura y en todoel edificio emanaba la esencia de losgrandes bailarines y coreógrafos:desde Pavlova o Nijinsky, Petipa,pasando por Nureyev, Makarova oBarysnikov". Pero su debut profesional,se produjo a muchos kilómetros de distanciade Rusia. Entró a formar partedel Ballet Nacional de Marsella (1989-1993), dirigido en aquel entonces porRoland Petit. "Roland no estaba el díade mi audición, así que cuando me viome preguntó cuánto tiempo hacía quetrabajaba en su compañía y cuando ledije que sólo una semana me dijo sonriendo:'ya me extrañaba, normalmenteno tenemos bailarines tan buenos'.Estos comentarios tan típicos dePetit resumen su carácter. Cuando vetalento en alguien, no tiene problemaen reconocerlo y alabarlo, cosa muyrara en los coreógrafos de hoy endía", rememoraba. "En Marsella,aprendí a interpretar los ballets y nosólo a bailarlos, porque Petit es antetodo un narrador de historias.Estimuló mi parte artística, y eso esalgo que tengo que agradecerle".Y apareció en su vida Alemania, el paísdonde Joan Boix llegó como Solista,ascendió a Principal, y desarrolló granparte de su carrera, en varias compañías.Dirigido por Heinz Spoerli, elintérprete catalán se convierte enBailarín Principal en el Ballet de laÓpera de Dusseldorf (1993-1995),época en la que le nombran 'MejorBailarín Joven de 1995'. "En Alemania,la danza está muy respetada y el trabajoes muy serio. A diferencia dePetit, Spoerli tenía un gran repertoriode coreógrafos en su compañía. Asípude interpretar ballets o trabajar concoreógrafos como Mats Ek, NilsCristie, William Forsythe, etcétera.Spoerli exige mucho técnicamente asus bailarines; es el sello de sus compañías,así que el trabajo técnico eramuy intenso, pero necesario paraabarcar ciertos ballets". Debido a susinquietudes profesionales, Boix se trasladaal Ballet de Leipzig (1996-1998),cuyo director era el desaparecido UweScholz (1958-2004). "Siempre me hamovido el trabajo, así que los cambiossiempre fueron positivos".Uwe Scholz y su amor artísticoDos fueron las etapas en las que JoanBoix trabajó con el Ballet de Leipzig. Ensu primer ciclo, el intérprete barcelonésfue nombrado 'Mejor Bailarín de 1996'."Siempre es agradable un reconocimientode este tipo, pero son cosasque dicen los críticos de danza y,muchas veces, dependen de factores eintereses ocultos, así que nunca le hedado mucha importancia. Ser críticode danza no es más que dar una opiniónpersonal que puede tener tantovalor como el de otra persona. Aceptolas opiniones de los críticos, perotengo problemas cuando se conviertenen jueces del trabajo de otros.Siempre he preferido la opinión de loscompañeros de profesión", asegura."Uwe Scholz es, sin duda, el coreógrafoque más me ha aportado como bailarín.Su perfección musical, su manerade torturar a los bailarines técnicamente,su sentido del movimiento,todo eso hacía que cualquier espectáculofuera un reto en muchos sentidos",rememora. "Para el estreno de su'Lago de los Cisnes', me escribió 'aceptami declaración de amor artístico' ycreo que es lo que teníamos porambas partes: amor y respeto artístico.En el plano personal, nunca llegamosa entendernos del todo ni aconocernos bien", recuerda el bailaríncatalán. Sobre el actual boom del legadocoreográfico de Scholz, Boix achacaa su "su carácter, ya que era alguienmuy cerrado, posiblemente por inseguridady él mismo se puso muchastrabas, siendo un mal gestor de supatrimonio artístico", aunque reconoce8 Danza en Escenanº25_2009

PORTADAJoan Boix, “El lago de los cisnes”que "espero que, algún día, sus coreografíasocupen el lugar que se merecen,porque, es uno de los mejorescoreógrafos neoclásicos de la historiade la danza".Tras una pequeña incursión en el Balletde la Ópera de Hannover (1998-2002), Joan Boix retornó a Leipzig.Parte de su periplo profesional ha estadovinculado a la también BailarinaPrincipal Roser Muñoz. "A Roser laconozco desde la escuela, hace másde 25 años y creo que es la personaque más me conoce. Hemos coincididocomo bailarines en Marsella y enLeipzig. Pocas veces en Leipzig fuimospareja de baile, creo que porque losdos éramos muy temperamentales yUwe prefería dividir esa energía". Para©Andreas BirkigtJoan, Roser ha sido una grandísimaintérprete. "Como bailarina, Roser hasido de las más autoexigentes que hevisto nunca, trabajadora hasta lasaciedad y, en el escenario, tenía unmagnetismo y conexión con el publicoincreíble. Uwe la adoraba y le gustabajugar con sus calidades artísticas ytécnicas, y cuando veías el resultadolo entendías". Como intérprete, JoanBoix fue, además, bailarín invitado enel Northern Ballet Theatre deInglaterra, Le Ballet du Capitole deToulouse, El Teatro Nacional de Praga,el Noriko Kobayashi Ballett de Tokio yla compañía Comun Instant deFrancia, además de haber participadoen el proyecto 'Vasos comunicantes'(2003), de Goyo Montero, estrenadoen el Auditorio del Kursaal de SanSebastián, y haber coreografiado elespectáculo de Jordi Savall 'Triunfos ylágrimas' (2004), cuya première tuvolugar en el Teatro Principal de Burgos.Cataluña, un desierto para el clásicoUn fuerte espíritu crítico se apodera deJoan Boix cuando se menciona la situaciónde la danza clásica en Cataluña, yeso tiene más delito aún al procederestas opiniones de quien bautizó alPremio Nacional de Enseñanza deDanza Clásica de la Generalitat deCatalunya (1999). "Evidentemente, mehizo ilusión que un premio llevara minombre, aunque resulta paradójicoque, al mismo tiempo, por parte de laGeneralitat, nunca se ha reconocidomi trabajo o el de cualquier bailarínclásico. En tantos años, a nadie se leocurrió ni siquiera organizar una galade danza clásica. No creo que nisepan que María de Ávila es deBarcelona y que salió del Liceo". Perono quedan ahí las críticas. "La justiciase mide, cuando comparas con otroscasos. España es un país donde si noeres famoso no has hecho nada. Y poresa regla de tres, muchos bailarinesespañoles se han quedado fuera de lalista de los 'buenos'. No me afectaespecialmente, pero es injusto, porquees desmerecer el trabajo que se hahecho durante muchos años", continúa,"el caso del reconocimiento enCataluña es aún peor, porque he tenidola desgracia de ser 'clásico' cuandoaquí lo único que se valora, con laexcusa de poner el sello 'made inCataluña' es la danza contemporáneacatalana. Todas las instituciones, ayudasy teatros van hacia esa dirección.La política se ha interpuesto a la culturay todo el mundo lo ha dejadohacer. Pero qué le vamos a hacer, noes mi culpa que 'Giselle' no fueracatalana. Me lo tomo a risa, pero nodeja de ser triste tanta ignorancia yque, por culpa de esas gestiones, sehaya negado al público un arte universalcomo es el ballet clásico",añade.Cuando dejó los escenarios, Joan Boixse tomó un año sabático, "para empezarun capítulo, se tiene que acabar elanterior y hace falta cierta distancia".Luego quiso poner su granito deDanza en Escena 9nº25_2009

arena en mejorar la enseñanza dedanza clásica en Cataluña, a la queve como "una planta que se deja deregar durante mucho tiempo, estamás muerta que viva. Es injusto que lagente que quiere bailar clásico, nosólo se tenga que ir fuera para bailar,sino también para estudiar. Cataluñasiempre lleva un retraso considerableen el tiempo, quizás están mejor quehace 20 años, pero el resto del mundotambién se mueve y evoluciona. Asíque para acortar distancias, haríafalta un cambio radical y no se estápor la labor". La dirección de la escuelade danza 'Company & Company' lespropuso a Roser Muñoz y a él el proyecto'Ballet Company', cuyo objetivo es"dar una formación enfocada a losjóvenes que quieren aprender y bailardanza clásica. Se imparten clases detécnica, puntas, repertorio, paso a dosy también danza contemporánea. "Losalumnos trabajan con nosotros entretres y seis horas diarias e intentamoshacer el mayor número de espectáculosa modo de prácticas. Es el segundoaño y estamos muy contentos conel resultado, teniendo en cuenta lasdificultades que conllevan un proyectoprivado y la cantidad de trabajo quequeda por hacer".Tuvo claro que era hora de retirarse deJoan Boix, “Puck”los escenarios y no se arrepiente dededicarse actualmente a la docencia,habiendo sido profesor invitado en laÓpera de Donetsk en Ucrania, en elBallet de la Ópera de Linz en Austria,en la compañía Comun Instant enFrancia, en el Institut del Teatre deBarcelona, en la escuela superior dedanza 'Palucha Schule' en Alemania,así como en varias escuelas privadas."Dejé de bailar, porque después decasi 20 años fuera de España, empecéa perder la pasión con la que setiene que bailar y siempre he intentadoser honesto conmigo mismo. Yoparé de bailar estando en forma ymucha gente me pregunta si no mearrepiento, y la verdad es que no, ycreo que es porque estoy satisfechocon lo que hice". Admite disfrutar en suactual profesión de maestro de danza."Bailar y enseñar son dos cosas muydiferentes. La danza no deja de ser unarte práctico, no teórico, y, cuandoconoces la técnica por haberte peleadocon ella durante años, y además tegusta transmitir los conocimientos, darclases puede ser muy agradable. Yo lodisfruto", añade. "Para el futuro, voycomo siempre, paso a paso. La carrerade bailarín es tan corta que siemprevas rápido, para poder hacer el máximode cosas en ese periodo de tiempo.Ahora es diferente, tengo tiempopor delante. Me gusta enseñar y transmitirmi visión de la danza. Tambiénme gusta coreografiar, aunque no esfácil visto la escasez de bailarines profesionalescon técnica clásica enBarcelona. Intentaré tener paciencia ycrecer con ellos. Todo es cuestión detiempo", finaliza Joan Boix, maestro yBailarín Principal, quien no desiste deluchar contra todos los molinos deviento de la danza en Cataluña.Joan Boix, Firebird”10 Danza en Escenanº25_2009

PORTADARoser Muñoz PorIratxe de ArantzibiaBAILARINA PRINCIPAL DE LOS BALLETS DE LEIPZIG Y DE TOULOUSE, ROSERMUÑOZ SE DEDICA A LA ENSEÑANZA EN SU BARCELONA NATALLa 'alter ego' de Uwe ScholzEl deseo de su madre de que caminarade manera bonita fue lo queabrió una nueva senda a la pequeñaRoser Muñoz -"°Quién iba a creerque eso encaminaría mi vida!"-, conapenas tres años. Así comenzó su aprendizajede danza que le llevaría al Institutdel Teatre y de ahí, gracias a una becade la Diputación de Barcelona, a laEscuela Vaganova de San Petersburgo."Pasar por esa prestigiosa escuela fueprovidencial: era muy joven y venía deun nivel educativo de danza muy inferioral que encontré allí. Era una graninstitución de danza, algo con lo que yosiempre había soñado; eso implica tantascosas: el nivel del alumnado, de losprofesores, la tradición, la jerarquía; eselugar es un templo, un museo del ballety, sobre todo, la posibilidad de asistircada día a una representación de balleten el Teatro Mariinsky. Allí perfeccionémuchísimo mi técnica y mi estilo y, sobretodo, tuve por primera vez clases yensayos con grandes bailarinas. Nadiepuede transmitir mejor la técnica y laesencia de un rol que alguien que lo hainterpretado antes. Nunca podré olvidarensayos de 'Giselle', 'Chopiniana' o de'Lago' con Zhukovkaya o 'Don Quijote','Diana' o Cascanueces' conKurgapkina", recuerda.Roland Petit le dio su primera oportunidadya como profesional en el BalletNacional de Marsella. "Yo venía deRusia, donde había bailado muchorepertorio y siempre tuve las ganas detrabajar con un coreógrafo, de crearuna pieza; por eso me decanté por esacompañía. Me gustaba el vocabulariode lo que había visto y pasé allí unaño, bailando muchísimo en el cuerpode baile y varias apariciones comosolista: fue mi iniciación, giras constantemente,creación de 'La Bella' ymuchos espectáculos, filmaciones de'Bella', 'Diable Amoureux' y otras piezas;fue súper intenso y aprendímuchísimo y viví por primera vez unproceso de creación, con un personajetan importante y polifacético comoRoland, 'Le Maître'; todo iba muy rápido".Y apareció Uwe Scholz (1958-2004), personaje capital en la carreraprofesional de Roser Muñoz, "Uwe es lapersona más creativa que he visto yque más me ha influenciado en micarrera; siempre digo que, con Uwe,hay un antes y un después de haberleconocido". Y añade: "Parecía una locura,dejar un contrato en una compañíatan prestigiosa como Marsella paramarcharse a vivir a una ciudad de laex Alemania del Este -era todo muyreciente-, pero, simplemente, fui portrabajar con él".Un genio y sus inseguridadesHablar del desaparecido coreógrafoUwe Scholz con Roser Muñoz es destaparel frasco de las esencias: recuerdosdulces, amargos, emocionantes, pero,sobre todo, intensos. "Mi relación conUwe es muy intensa. Yo lo definiríacomo un amor platónico recíproco,desde el primer momento hasta hoy,con un respeto y cariño artísticomutuo. Su estilo de coreografía puedeinterpretarse sólo desde la dificultadtécnica que es obvia, pero siempre hevisto sus piezas como una historia ouna interpretación de sus sentimientos-duros o fuertes o desagradables oagradables- y creo que ése es el puntoen que coincidíamos. Él era el creadory le gustaba ver cómo yo interpretabaalgo de lo él no me había hablado -entérminos de dramaturgia-; te dejabahacer y luego te encaminaba; es ciertoque sus ballets son técnicamentemuy difíciles y a mí me ayuda crear mihistoria para no sólo pensar en laspirouettes y en los fouettés".Con una buena dosis de humildad, laintérprete barcelonesa declina el títulode musa de Scholz, como apuntanalgunos. "No, yo no diría una musa -eso es demasiado-, pero sí es ciertoque Uwe estaba cómodo creando conmigoy no veo otra razón que mi ciegaimplicación en la danza. Lo que sítengo el orgullo de decir es que he trabajadocon él, sin duda, mejor coreógrafode mi generación; reconozco seruna privilegiada. Él era un genio conlas inseguridades que eso conlleva:alguien muy frágil que lo escondíabajo una máscara y, a veces, el comportamientode algún bailarín o algosin mucha transcendencia se transformabaen una situación difícil. Sustemores: que su creatividad se acabara.Él nunca entendió que eso eraimposible, era una fuente sin fin", continúa,mientras destaca su principal virtudcomo coreógrafo: "Su capacidadDanza en Escena 11nº25_2009

de transcribir la música en paso; no setrata sólo de las notas, sino, sobretodo, de los sentimientos y es eso loque hace su obra única. Estoy convencidaque ni yo ni nadie que haya trabajadocon él, escucha una músicacomo lo hacía antes. Nos sigue influyendoaún sin estar aquí".12 Danza en Escenanº25_2009Roser Muñoz “Giselle”Trabajar con un genio coreográficotiene sus pros y sus contras; de estamanera, lo recuerda Roser Muñoz. "Eltrabajo con él, pues como con todoslos genios: maravilloso, rico, apasionado,divertido creativo y tambiénmalhumorado, excéntrico, a veces,poco creativo durante días y hastademasiado creativo durante los díasque siguen, estrés y calma; en fin,todos los ingredientes para el arte.Uwe era un gran artista, pero la difusiónde su arte no la tenía en cuenta;él estaba para crear, para sus proyectoscon los bailarines, pero todo lo queera fuera de esto, no le gustaba. Escierto que sus ballets ahora estánmejor promocionados por otros yestán llegando más a España, pero sehan bailado estando él con vida entodas partes. Uwe buscaba bailarinespreparados técnicamente, ya que laspiezas lo requerían y buscaba personalidades,era prioritario para él;recuerdo a Reid Anderson- director deStuttgart- viniendo a supervisar elestreno de 'Onegin' y literalmente alucinandocon la escena de Tatiana y losviejos invitados a la fiesta. Era espectacular".'Mejor Bailarina de 1999'Una década ha transcurrido desde quela revista "Ballet Internacional" nombróa Roser Muñoz la 'Mejor Bailarina de1999'. "Cuando me nombraron 'MejorBailarina 1999' estaba con Uwe -°cómo no!- y recuerdo que fui nominadapor un maravilloso y extenuanteespectáculo Rachmaninov, una piezabellísima. Ese mismo año, Uwe creó'Dans La Marche', un paso a dos muyduro interpretativamente y fue lo quedebió convencer a los críticos. Lospremios hacen ilusión, cuando lo vespublicado y luego te metes en el estudioa trabajar y piensas, estos giros nome salen demasiado limpios, tengoque cuidar ese final de variación, etcétera,y ya te has olvidado del premio,pero es cierto que es gratificante", asegura."Yo veo la danza como unaexpresión de nuestros sentimientos.Trabajas horas en la barra para podertener esa libertad al bailar. En elrepertorio clásico, siempre me handado las 'Giselle', y 'Odette-Odile','Julieta' con facilidad y en un terrenode piezas sin historia, siempre he llegadoa figurarme una, aunque seasimbólica", prosigue. Y tras su intensaetapa en el Ballet de Leipzig, RoserMuñoz recaló en el Ballet du Capitol deToulouse, porque "Quería bailar másroles de otros coreógrafos; en Leipzig,la programación lo permitía: 'Lago delos Cisnes', 'Bella', 'Coppélia','Cascanueces', pero no tanto como enToulouse, una compañía sin coreógrafo,donde había mucho repertorio deBalanchine y otros. Allí bailé tambiénmucho, y dejar los escenarios no mecostó, tenía la sensación de haberhecho lo suficiente: yo salía de unasituación de desventaja -estudiarballet en Cataluña- y las oportunidadesvinieron: San Petersburgo, Roland,Uwe, coreógrafos varios, bailé muchorepertorio y preferí cerrar esa etapa debuena manera. Eso sí, mi ultimoespectáculo fue la Gala homenaje aUwe en Leipzig. °Qué manera másemotiva de cerrar un ciclo!". La retiradade los escenarios fue una decisiónmuy meditada, según comenta: "Dejélos escenarios con la conciencia tranquila,de haber hecho lo que habíaque hacer, hice unos estudios de pedagogíaen Francia y siempre tuve claroque debía seguir relacionándome conla danza. La danza es para mí unavocación, el eje más importante de mivida y, por lo tanto, creo que me esfácil de transmitir esa pasión. La transmisiónes importantísima y va desde elamor por la danza al perfeccionamientotécnico que yo misma he esta-

PORTADAdo trabajando hasta hace relativamentepoco".Ostracismo en CataluñaGran parte de su periplo profesional haestado relacionado con Joan Boix, parael que sólo tiene buenas palabras."Conozco a Joan desde que tenía treceaños él y yo, doce. Somos amigos inseparables.Hemos coincidido en compañíasvarias veces y más aún en galas ysí hemos bailado juntos algunas veces,pero, sobre todo, en galas. Joan era unbailarín esplendido, técnicamente brillante,enérgico y explosivo y muy fuerteinterpretativamente". No le duelenprendas al admitir que España yCataluña no han reconocido su trayectoria,al igual que la de otros muchos."No soy la única bailarina que hahecho una carrera y que pasa desapercibidaen España. Tengo la sensaciónde que aquí sólo se conoce a quien salepor la televisión. Conozco a tantos buenosbailarines que están en la mismasituación que casi se crea una 'misteriosasolidaridad' entre nosotros, perotambién debo decir que esta profesiónes tan dura y vocacional que casi elrecibimiento de los demás es insignificante;el de los colegas sí que es válido,porque han pasado por el mismo camino.En Cataluña, pues mucho peor,porque yo soy de aquí, ésta es mi casay no se reconoce -por pura ignorancia,claro- nada que tenga que ver con ladanza clásica. Se tiene miedo a lo desconocidoy con esta política institucionalde crear una danza contemporáneacatalana y renegar la danza clásicase está impidiendo al público deapreciar este maravilloso arte", aseguraen tono crítico."El panorama de la enseñanza dedanza clásica en Cataluña es lamentable,porque nunca se ha promocionadoo cuidado y, sobre todo, porque laignorancia y la mediocridad existentessiempre han impedido crear un equipode profesionales que sepan de loque hablan y que puedan llevar lascosas a buen término. Las cosas nocambian y siempre tengo la sensaciónde ir cogida a un trozo de madera enpleno océano. Llevar un proyecto privadode esta envergadura -BalletCompany, junto a Joan Boix- y sin ningúntipo de ayudas, me deja ante lamisma realidad que cuando llegué aSan Petersburgo: trabajo de autodidactay no contar más que con nuestrapropia capacidad de trabajo -de laque, por cierto, no tengo ningunaduda-". Se muestra satisfecha con elbalance de su carrera sobre los escenarios,ahora que se dedica a la enseñanza,"como docente, doy mucho, perodebo reconocer que recibo mucho demis alumnos. Por esa inspiración queme dan y por lo mucho que se involucran;me gustaría que todo fuera másfácil para ellos en sus estudios -logística,ayudas, etc- y que tuvieran en supropio país una posibilidad profesionalen el futuro, en definitiva, quetodo lo que nuestras generacioneshemos hecho sirva para progresar yno para quedarnos siempre en lamisma precariedad. Y deseo que sirvapara seguir transmitiendo mi amor porla DANZA", finaliza Roser Muñoz, enuna especie de declaración de intenciones,solidarizándose con Joan Boix ensu deseo de reconocimiento de ladanza clásica en Cataluña.Roser Muñoz “Oneguin”Roser Muñoz “Scumman””

ENTREVISTAJavier Barón"El Premio Nacional de Danza me ha venido en el momento justo de mi carrera"Por Marta CarrascoJavier Barón no se lo creía cuando lellamaron por teléfono para comunicarleque había obtenido el PremioNacional de Danza 2008 (en la modalidadde interpretación). "De verdad queno me lo podía creer. Ha llegado en unmomento importantísimo de mi carreraprofesional y de mi vida personal. Noha podido ser mejor", afirma el bailaor.© TakaseFrancisco Javier Álvarez Rico, JavierBarón (Alcalá de Guadaira. Sevilla.1963), se inició en el baile a la edad desiete años, pero a los diez se marcha aMadrid a casa de su tío Manolo Rico,matador de toros. "Mi vida con mi tíofue fundamental. El fue ese mecenasque siempre aparece y que me permitióformarme como bailaor. Además,con él iba a los tablaos de Madrid ypude ver a grandes figuras de laépoca".Estudia con maestros como Pepe Ríos yToni "El Pelao" y obtiene el primer premiodel Concurso Gente Joven deTelevisión Española. En 1975 comienzaa actuar con diversas compañías dedanza española como las de Luisillo,Rafael de Córdova, Ciro y RafaelAguilar, entre otros. En 1977 obtiene lamención honorífica "Pastora Imperio" enel VIII Concurso Nacional de ArteFlamenco de Córdoba y en 1981 ingresacomo bailarín en el Ballet Nacionalde España bajo la dirección del tambiénsevillano, Antonio Ruiz Soler. "Fue unade las épocas más increíbles de mivida. No me podía creer que estabajunto a Antonio, el gran Antonio, y quepodía aprender en directo lo que habíaescuchado de oídas".En 1986 abandona el Ballet Nacionalpara continuar su carrera en solitario.En 1988 la Bienal de Flamenco deSevilla le otorga el Giraldillo del Baile, ydesde entonces, no ha parado. En 1995fue nombrado director del Taller deCreación en danza flamenca del CentroAndaluz de Danza. A lo largo de estosaños con su compañía ha creado mon-14 Danza en Escenanº25_2009

ENTREVISTA"Ahora los jóvenes están mejor preparados pero en seguida quieren montarcoreografías o una compañía y no, cada cosa a su tiempo".tajes como "Pájaro negro", "Sólo porarte", "Un ramito de locura" (para laCompañía Andaluza de Danza), y posteriormente,"Baile de Hierro, Baile deBronce" (2000), "Dime" (2002), "Notasal pie" (2004), "Dos voces para un baile"(2006) y "Meridiana" (2007)."Han sido años tremendos porque llevaruna compañía no es nada fácil.Hay que estar pendiente de muchagente, no sólo de tu baile, sino tambiénde las coreografías y de la logística delas cosas, que a veces dan mucho mástrabajo que el propio baile".Pero ahora, con el Premio Nacional deDanza, Barón cree que todos sus esfuerzoshan sido recompensados. "ElPremio Nacional me ha dado muchísimaresponsabilidad. Es lo más grandeque me podían dar en mi carrera, sindesprestigiar otros premios que antesme han otorgado. Estoy en un momentomuy bonito".Ahora sólo piensa en esos trabajos quequiere seguir haciendo, o por ejemploen montajes como "Dime" , que realizarajunto a José Luis Ortiz Nuevo, DiegoCarrasco y el desaparecido bailaor ypercusionista Manolo Soler, y que dirigieronBelén Candil y Pepa Gamboa."Dime", en el que Barón salía con unafalda de cola haciendo una parodia(algo insólito en su carrera), recibió elpremio de la Bienal de Flamenco deSevilla en el 2002, año en que se estrenó."A todos mis espectáculos les tengoun especial cariño por cómo se hanhecho y realizado, pero quizás me gustaríaretomar "Dime" porque me sentíde una forma muy especial en esemontaje, muy conmigo. Estaba basadoen los poemas de García Lorca, y esverdad que sus directoras me llevarona una situación insólita para mí queluego resultó enriquecedora e increíbley que el público disfrutó mucho. Dar unpoco de humor fue estupendo. Seríahermoso volver a hacerlo en cualquierlugar de España".Es un bailaor considerado como "clásico",aunque sí confiesa que de vez encuando tiene "atrevimientos". "Mi formade bailar es clásica, desde luego, peroa veces me meto en situaciones másatrevidas, como en "Dime". Estoyabierto a que me aporten cosas nuevassiempre que sea desde el respetoa la calidad y a lo que el público esperade mí".© Cristina Quicler"Con Antonio en el Ballet Nacional tenías queaprender por la fuerza. Tenía una disciplina severapero muy buena".Como antiguo bailarín del BalletNacional de España se siente preocupadopor la actual situación de esteelenco, en proceso de renovación.Barón estuvo con la anterior directora,Elvira de Andrés en unas audiciones yno guarda buen recuerdo de aquellaexperiencia. "Ví gente muy diferente ami época. Cuando yo estaba en elNacional los bailarines teníamos unincreíble afán de alcanzar algo más.Cuando se montaba una coreografíanueva aspirábamos a más, siemprecon el fin egoísta, pero sano, deascender. Ahora veo que los bailarinesquieren protagonismo pero sin tenerlas bases y el conocimiento quedeben".También se muestra preocupado por elfuturo de la danza española, hoy "atropellada"de alguna manera por el flamenco,sin piedad. Sin embargo aBarón, en su etapa del Nacional, leocurrió lo contrario. "A mí lo que medesapareció fue el flamenco. Yo pensabaque me iba a olvidar de él. Eratan impactante y entré tan joven en elBNE, que todos los días aprendíacosas de la Escuela Bolera, de ClásicoEspañol o de Folklore. Además conAntonio tenías que aprender por fuerza,imponía una disciplina severa peroa la vez muy buena. Yo siempre le hedado muchas gracias a Antonio y aaquella época porque lo que entoncesaprendí me ha servido para lo queluego he hecho. Me metí todas esasenseñanzas en un baúl y las he idosacando poco a poco. Le agradezcomuchísimo al Ballet Nacional que meaportara tanto".Esa falta de disciplina sí la hecha demenos en estos momentos en la danza."Hay mucha preparación, es verdad, yla gente incluso está más cuidada físicamente,pero lo que ocurre hoy díaes que todo el mundo quiere coreografiaren seguida y, por supuesto,hacer una compañía, y eso es difícil ycuestión de tiempo. Todo tiene que llegara sus pasos".El Premio Nacional de Danza no seaparta de su cabeza, "sobre todo elque me lo hayan dado cuando handesaparecido grandes maestros de ladanza como Pilar López, Alberto Lorcao Mario Maya. Se lo dedico a ellos,pero es una etapa terrible porque nosestamos quedando sin nuestras fuentes,sin nuestras referencias. ¿dóndenos vamos a mirar a partir de ahora",se lamenta el bailaor.Danza en Escena 15nº25_2009

Michael JacksonSiempre en nuestros corazones y en nuestros zapatos de bailePor Lola ChicoCuando era pequeña, deseaba fervientemente que mispadres me dejaran sola en casa para poner el tocadiscosy pinchar el tema de MJ, 'Rock With You'. Alritmo de esa canción soñaba hacer realidad todos mis sueños,entre ellos uno que se materializó hace ya tiempo; el deser bailarina.Perfecto Uriel me llamó un día después de la muerte de MJpara proponerme escribir este artículo, no lo dude dosveces, y esa misma tarde me puse manos a la obra.Curiosamente, información me sobraba, ya que los mediosde comunicación nos bombardeaban con últimas noticias,detalles y anécdotas del artista, pero realmente lo que yoquiero escribir sobre El Rey del Pop es otra cosa.Las personas que nos desenvolvemos en el mundo del arte,especialmente en la danza tenemos un sexto sentido paradescubrir aquellas personas tocadas con una varita mágicay que se diferencian del resto por tener un "brillo especial".Ayer cuando veía las noticias y contemplaba las imágenesde Los Jackson Five, con un MJ aún muy niño, me impresionabadarme cuenta que él tenía esa luz especial, y era alúnico que veías en pantalla, sus hermanos eran invisibles asu lado.Su talento,'el regalo' con el que los dioses obsequiaron a MJ,lo han hecho único y por supuesto irrepetible.Sin ser un artista cercano con el público, más bien era distante,tenía la capacidad de embrujarnos con su música y su voz,(fácilmente identificable e imposible de imitar), pero sobretodo con sus movimientos tan personales, atrevidos e innovadores.Muchos de esos pasos de baile tan de moda en el HIP-HOP actual, han sido inspirados por él.El ya mítico "Moonwalk", fusiona popping y locking, con esepunto de jazz clásico dado por el sombrero de ala. El perfecto"Entertainer" chaqueta de lentejuelas, calcetines blancosy ese guante con el que todos le recordaremos.Curiosamente el cantante nunca tuvo una preparación académica,pero tenía línea, algo que cuesta tanto adquirir acualquier bailarín que se precie. Tenía un giro limpio y preciso.Ponía la energía necesaria a cada uno de sus movimientospara obtener la efectividad justa y darle chispa almovimiento más simple y por supuesto crear moda y tendencia.El mundo de la danza Jazz esta completamente influenciadopor videos musicales como Thriller, Bad, Smooth Criminaletc., no sólo porque fué un artista que utilizaba la danzacomo vehículo de comunicación, sino que hizo fundamentalel uso de los bailarines para acompañamiento, conciertos yproducciones audiovisuales.Yo nunca tuve la fortuna de estar cerca de él, pero un compañerode estudios de NY tuvo la gran suerte de formarparte del cuerpo de baile del video de 'Bad'. Ari, que así sellamaba mi amigo, era un grandísimo bailarín, como elresto del grupo que acompañaba al cantante, lo gracioso esque M J. sin tener unos estudios de danza como su cuerpode baile, brillaba infinitamente más que cualquiera de ellos.Otra curiosidad es que en el rodaje del video clip 'Do youremember the times', además de la aparición de famososcomo el deportista "Magic" Johnson o la modelo Iman, lamayoría de los bailarines pertenecían a la Escuela de AlvinAiley de NYMJ era energía pura en movimiento, capaz de cautivar a laspersonalidades más dispares y de poner banda sonora amuchos de los momentos de nuestras vidas.¿Quien no recuerda a un amor, un verano de juventud, oesa clase de baile en la que a ritmo de Billie Jean te sentíasque bailabas como nadie…?Desde arriba MJ será finalmente feliz contemplándonos atodos recordando su música y recordándole a él como esegran artista irrepetible que fué, y que a la gran mayoría denosotros nos ha marcado de una forma u otra para siempre.Definitivamente lo que él sentía nos lo hacia vivir a nosotrosEl Rey del Pop nos ha dejado, pero comienza su reinado enel cielo a ritmo de "Moonwalk"Allí, donde quiera que estés, que el ritmo no pare.16 Danza en Escenanº25_2009

Pina BauschPor Nelida Mones i MestrePina Bausch (27 del Julio de 1940, Solinger, Alemania-29de Junio de 2009, Wuppertal) pasará a la historia por unade las creadoras, coreógrafas del siglo XX. Con su estilo,línea coreográfica se la encuadra con la continuación del expresionismo,aunque con palabras de ella misma, ella, nunca seconsideró expresionista. En este siglo XX, la crítica, los pseudointelectualesy entendidos deben colocar etiquetas y a los creadoresen algún lugar y tiempo para justificar su esfuerzo intelectualcomprimido y contentar al público que poco conoce dedanza.Pero Pina, sí creó un estilo propio, un lenguaje coreográfico originaly digno de los grandes creadores, no sólo el único, uno más,pero entre los memorables, de los que pasarán a la historia.Entre sus coreografías insignes, encontramos La Consagración dela Primavera, con un lenguaje muy dancístico aún, para pasardespués a un lenguaje más minimalista, de movimientos repetitivos,teatral, de difícil descripción y que tanto atrajo al mundo teatraly del espectáculo. Con el rompió fronteras, amplio públicosy muchos han sido los imitadores.Con España tuvo una relación continuada, relación de amor einterés cultural. Vino varias veces al Mercat de las Flors en ladécada de los ochenta, una de las veces, con su mítica y trágicaa la vez, 1980, coreografía dedicada a Rolf Borzik, compañeroen la vida y la profesión, recién fallecido. Posteriormente,hizo una coreografía con la Comunidad de Madrid, TanzabendII, (empezó con Palermo-Palermo en 1989)cuando empezabasu interés por las ciudades que tanto ha dado después de sí conmúltiples coreografías dedicadas o inspiradas en diferentes ciudadesdel mundo.En 1993, en el Festival de Sitges se realizó un taller organizadopor la dirección del Institut del teatre, cuando Jordi Coca era sudirector y Castells, subdirector y director del festival de Sitges.Fue un éxito y la que suscribe que actuó como traductora ypublic relations y obtuvo una de las experiencias más interesantesde este mundo de la danza, hablar con Pina Bausch en elCírculo de Madrid de para preparar el encuentro y luego, contactarcon Peter Pabs, escenógrafo de Bausch y el mítico bailarínDominique Mercy.Posteriormente, en Barcelona ha actuado en en TNC, TeatreNacional de Catalunya, con Mazurca Fogo y Der FensterputzerSe quedó, esto sí, en el tintero una coreografía inspirada en laciudad.Y por última vez actuó en la pasada temporada de elLiceo de Barcelona(2008-2009) con dos de sus míticas piezas,La Consagración de la Primavera, 1975, y Café Muller,1978con la misma Bausch en el escenario, con cierto abucheo porparte del público en esta pieza. Abucheo por unos debido alpúblico del Liceo y por otros? Lo cierto es que La Consagraciónno tuvo quejas y solo aplausos, quizás el fin estaba cerca y unapieza tan intimista tiene lugar y tiempo, y el público, más de loque se creen los críticos o entendidos, muchas veces tiene razón.Pina Bausch pasará, sin dudas, califique como se la califique, ala historia de la danza del siglo XX y merecido se lo tiene unabailarina, coreógrafa, directora que tanto talento y coreografíasha dejado como legado en el repertorio dancístico.Pina creó un estilo propio, un lenguajecoreográfico original y digno de los grandescreadores, no el único, uno más, pero entre losmemorables, de los que pasarán a la historia.Danza en Escena 17nº25_2009

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DE LA A HASTA LA Z DE LA DANZA(Para Pina y Michael con el agradecimiento de un afortunado)Por Víctor M. BurellUn famoso crítico inglés -que silencio para no humillarle-escribió allá por los años 90 "Es mejor pasearpor la desapacible noche londinense que sufrir lossuplicios de un espectáculo de Pina".Así están las cosas en muchos estamentos llamados cultos.Entender "lo mejor" es tarea de pocos aunque los pocos formenlegión, sobre todo en un mundo allende nuestras fronteras.Con escasos días de diferencia se han ido para no volver, nitan siquiera convertidos en ángeles, Philippine Bausch, denombre referencial Pina y Michael Jackson, el mejor representantede nuestro mundo, éste en el que vivimos, algunosespectacularmente luchando por un cambio que las potentísimasbarreras heredadas de la burguesía, esclava delcapital, quieren silenciar a toda costa.Pina y Michael tienen mucho que ver. Se tocan como principioy fin de un diccionario de la A a la Z formando un círculoperfecto que encierra la sabiduría de da Vinci, hoymanoseado por la estulticia general.Pina nació en Solingen, (Alemania), un 27 de julio de 1940con la segunda guerra mundial ya iniciada, Michael loharía el 29 de agosto de 1958 en Gary, Indiana (Américadel Norte). Dos reyes sin sustitución posible se han movidocon el auténtico aire de los tiempos para dar lecciones a lahumanidad entera que, aunque en parte fuese reverencial,no ha sabido entender en profundidad lo que han significadoestos genios para la verdadera revolución del arte.Los dos han bailado, Pina ha rehecho la danza que ya nopodía ser lo mismo desde la aparición de "Café Müller",estrenado en 1978 en su teatro de Wuppertal poniendo elbaile cabeza abajo. Lo mismo ocurre con el video queDanza en Escena 19nº25_2009

Jackson realiza como grupo de zombis, impagable realidadpara generaciones y generaciones futuras.El genio tiene un, no se si llamarlo perfume que hipnotiza.¿Qué supuso aquella cadena sin fin de interminables faunosque arrollaron el escenario de La Zarzuela el último añode la aparición de Bausch en Madrid?: la increíble reapariciónde un Nijinski redivivo. O sea, un milagro."Thriler" ha sido el álbum más vendido del mundo, conaproximadamente 104 millones de copias. Pero hablemosaquí únicamente de baile, en el que destacó Jackson comoformidable creador, coreógrafo de pasos imitados en todoel planeta y que él realizara como bailarín tan reconocidoen el siglo como James Brown o Fred Astaire.¿Veremos la última pieza que Pina desarrollaba sobre Chilea orillas de su muerte?. La descubridora de la física modernapara los cuerpos recupera el movimiento libre, una interacciónde la dinámica con el espacio y la auténtica autoexpresión,llegando así a la nueva estética que incluye la palabray el ruido, y abandonando incluso el marco clásico afavor de superficies naturales.Hay que trabajar sobre nuestros propios deseos, nuestra vulnerabilidady nuestros propios miedos incluso. Ser de verdades el auténtico recurso del arte, el que a veces suele engañarsecon un artificio "quasi" convincente. La dialéctica defensa -agresión, hoy imperante, debe ser reflejada en las auténticascreaciones. Jackson y Bausch reafirman este sistema en camposno tan diferentes como la gente puede llegar a creer.Las críticas negativas son incomprensiones afectadas por lasoberbia. La crueldad y la ironía habitualmente se soportanmal por la agresión que suponen, pero ni se puede ni sedebe dejarnos dormir en nuestra irreflexión. Por medio de lacatarsis debemos movilizarnos tanto por la agresión noejercitada como por el erotismo anestesiado.La realidad está en otro lado. Por ejemplo, ese aparentementecaprichoso cambio de color del artista americano sedebió posiblemente al "vitiligo", enfermedad degenerativaque produce paulatina decoloración de la piel. Creo que enlugar de juzgar hay que informarse; yo únicamente os facilitolas premisas, porque Jackson dedicó una inmensa partede sus esfuerzos y recursos económicos a la ayuda humanitaria,eso puede probarse, y Pina se sacrificó por la resurrecciónde la danza hasta el escándalo y la subversión.¿Quién puede tirar la primera piedra sobre una fumadoraempedernida o un iconoclasta con imaginación? Seamostodo menos reaccionarios, y ante dos desapariciones tandefinitivas no lloremos por ellos, lloremos por nosotros dosveces huérfanos e imposibilitados de poder reaccionar yacon sus nuevas creaciones, mientras que muchos quedanaún anclados en ese horror que suponen el desconocimientoy la incomprensión.°Pina y Michael, los que también van a morir, pero agradecidos,os saludan!20 Danza en Escenanº25_2009

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LOS ÁRBOLES SABEN BAILARPresentado el 'Bosque de la Danza', representantes del mundo deeste arte escénico realizaron una primera plantaciónPor Iratxe de ArantzibiaLa Casa de la Danza y la Concejalía deMedio Ambiente del Ayuntamiento deLogroño unen sus fuerzas en un nuevo ysingular proyecto que aúna la danza y medioambiente: el 'Bosque de la Danza'. Un bosqueurbano que está ubicado en pleno CampusUniversitario e integrado en el Parque delEbro. Un espacio de unos 3.000 m2 en losque se plantarán -y ya se ha plantado unapequeña muestra- gingko bilobas, madroños,cipreses y laureles.Las especies que pueblan el 'Bosque de laDanza' son gingko biloba, laurel y ciprés. Hayque poner un acento especial en el primero,pues la Casa de la Danza ha iniciado unacampaña entre bailarines y coreógrafos españolesdenominada "apadrina un gingko biloba".El objetivo es colaborar con el medioambiente, creando el primer bosque de ladanza, cuyos árboles tengan el nombre de lasestrellas españolas de la danza. Esta iniciativapermite mostrar ese lado solidario, ecológicoy humano que las gentes de la danza tambiénposeen.GINGKO BILOBA, UN ÁRBOL CURATIVOÁrbol caducifolio de porte mediano, puedealcanzar 35 m de altura, con copa estrecha,algo piramidal y formada por uno o variostroncos. Sus ramas, generalmente rectas yempinadas, son gruesas y rígidas ya en losejemplares jóvenes, aunque la ramificaciónen éstos suele ser laxa, e incluso pobre. Lacorteza es de color pardo grisácea o pardooscura, con surcos y hendiduras muy marcadas.Es una especie muy longeva, de la que sehan localizado algunos ejemplares con másde 2.500 años.El gingko biloba es un árbol milenario conpropiedades curativas, y capaz de resistir a lasradiaciones malignas que produjeron lasbombas atómicas que se lanzaron sobreHiroshima y Nagasaki. Se trata de un árbol decrecimiento bastante lento y con una solidezdigna de cualquier reconocimiento. Un árbolque se asemeja bastante a todo el proceso deaprendizaje y formación de los bailarines:constante, sosegado y consistente. Juan Carlos Santamaría ©Iratxe de Arantzbia22 Danza en Escenanº25_2009

Laura Hormigón y Óscar Torrado©Iratxe de ArantzbiaVista panorámica©Danza en escenaPRIMEROS EJEMPLARESLa presentación de este proyecto tuvo lugar elpasado 27 de mayo y culminó con la primeraplantación de gingko biloba en el 'Bosque dela Danza', en un espléndido y soleado día enLogroño. Para la ocasión, la Casa de la Danzareunió un plantel excepcional de representantesdel mundo de la danza española: VíctorUllate (maestro, coreógrafo y director delBallet de Víctor Ullate-Comunidad de Madrid)-ausente por reacción alérgica-, LauraHormigón y Óscar Torrado (PrimerosBailarines Internacionales), Juan CarlosSantamaría (coreógrafo y director deSantamaría Compañía de Danza, PremioNacional de Danza 2008), Javier Barón (bailaor-coreógrafoy Premio Nacional de Danza2008) -quien disculpó su ausencia por motivoslaborales, mediante una emotiva carta-,Francesco Bucchi (bailaor de la compañía deAntonio Márquez), Víctor Burell (decano de lacrítica de danza en España), Iratxe deArantzibia (periodista y crítica de danza) yPerfecto Uriel (director de la Casa de laDanza). Una placa recuerda su donación al'Bosque de la Danza', dentro de la campaña"apadrina un gingko biloba". Posteriormente,los primeros donantes fueron recibidos por elalcalde de Logroño, Tomás Santos, con lo quese concluyó esta primera acción que ha germinadoen el 'Bosque de la Danza'.Danza en Escena 23nº25_2009

CríticasCautivados por JulietaPor Iratxe de Arantzibia11 de Mayo de 2009Teatro Real, MadridEl clásico shakesperiano "Romeo y Julieta" cobró vida en laesplendorosa Verona medieval, en la que se convirtió elTeatro Real de Madrid, gracias a la labor del Ballet deStuttgart y, sobre todo, al genio creativo del desaparecido JohnCranko. Se trataba del debut en la capital de la donostiarraAlicia Amatriain (Bailarina Principal) y había mucha expectaciónpor disfrutar de la intérprete vasca en un ballet completoy con la compañía de la que ostenta el máximo rango desdehace siete años. En su primera salida escénica, el suelo le jugóuna mala pasada que, rauda y veloz, la guipuzcoana solventópara bordar cada una de sus intervenciones en la coreografíaque Cranko creara en 1958 para la Scala de Milán y estrenaracon el Ballet de Stuttgart en 1962, contando con MarciaHaydée y Richard Cragun, en los roles protagonistas. Dandorienda suelta a su predilección por los roles dramáticos,Amatriain pasó por los diferentes estadios de toda Julieta quese precie: inocente y pueril, enamorada y determinada, trágicay sublime. La niña Capuleto va creciendo, escena a escena,para despuntar como una mujer rotunda que se abocaresuelta hacia su destino. Los momentos de gran intensidaddel clásico shakesperiano -escena del balcón, consumacióndel matrimonio de jóvenes y el despertar en la cripta- muestrandestellos de la exquisitez de Amatriain, tanto en su límpidatécnica, como en su conmovedora interpretación, que cautivóal público.Como contrapunto a la espléndida Julieta, Friedemann Vogelinterpretó a un Romeo algo anodino, con buen control técnico,que se complementó correctamente con Alicia Amatriain,en su papel de partenaire. El siempre interesante duelo interpretativoentre el histriónico Mercucio - Filip Barankiewicz- yTeobaldo - Jirí Jelinek- se decantó por la interpretación del primero.La coreografía del sudafricano dispone de la historia deShakespeare de manera muy cinematográfica, alternandomajestuosas escenas corales -fiesta en el hogar de losCapuleto o carnaval de Verona-, con exquisitos y complejospasos a dos, cuya suma total viene a mostrar el buen nivel delconjunto del Ballet de Stuttgart, como legatario del tesoro creativode Cranko. Tratándose de una de las joyas del desaparecidocoreógrafo, "Romeo y Julieta" mostró todo el potencialde la compañía alemana, cuyo magnífico diamante es la primerafigura de Alicia Amatriain, una versátil intérprete que fuecapaz de emocionar al público madrileño, por su brillante técnica,sus exquisitos movimientos suspendidos y el profundodramatismo con el que imprimió carácter a la Julieta que robóel corazón de los presentes.24 Danza en Escenanº25_2009©Javier del Real©Javier del Real

CríticasEva BertomeuEva BertomeuPor Mercedes Albi©J.Vallinas"Kahlo Caló"Por Mercedes Albi24 de junio 2009Teatro Fernán Gómez, Madrid17 de junio 2009Teatro Fernán Gómez, MadridSe abre el telón, y aparece Eva Bertomeu acompañadade un único objeto escénico: un perchero. El espectadorpercibe de inmediato que no se encuentra anteuna bailarina corriente, nada en ella es más de lo mismo.Nueve minutos dura su solo de "Abajo el Telón". ¿Dónde sehalla la fuente del magnetismo que emana Eva Bertomeu?Está en su gran capacidad de expresión: la artista valencianatiene el poder de expresar, hasta con el blanco de losojos mientras baila. Eva conmueve, emociona al son delintimismo que destila la música de un nocturno de Chopin.No necesita más adornos. Nos encontramos en presenciade un animal escénico, esos seres tan escasos, que nadieque ame la danza debería dejar pasar el privilegio de verlosactuar.Como una separación entre las dos partes que componenel espectáculo, cae el telón, y al alzarse de nuevo, elmundo solitario de la artista se transforma en una creacióncompartida con el resto de los miembros de su compañía-tres bailarinas (Yolanda Peña; Patricia García yMaría Comes) y dos bailarines (Salvador Pérez y ZoltanKatona)- que interpretan "Temps Fugit". Esta expresión nosignifica tiempo perdido, sino tiempo que se va, que seescapa… Es la vida que pasa ante los ojos del espectadora través de diferentes escenas, descritas con una grandosis de poesía y humor. La coreógrafa muestra un perfectodominio del ritmo escénico, que ha ido in crescendodesde el inicio sin decaer. Y así, la alegría de vivir terminaimponiéndose en la canción final: una versión de"Somewhere over the rainbow".El público abandonó el Teatro Fernán Gómez contagiadode una sensación de mágico optimismo, pues EvaBertomeu Cia Danza les había regalado un espectáculolleno de belleza.Escoger la vida de la pintora mejicana Frida Kahlocomo tema para un ballet en clave flamenca, suponeenfrentarse a un desafío con dos únicas salidas posibles:el éxito o el ridículo. El término medio no existe. Perosi Rafa Estévez es el Director Artístico, esto ya es de por síun presagio de que al genio no le queda otro camino quela cumbre.El hilo conductor de la trama lo efectúa un actor que interpretael papel del pintor Diego Rivera -esposo de Frida-,que la recuerda. Y las diferentes "Fridas" van apareciendo,desde la primera escena en que la colegiala poliomielíticase mira al espejo e imagina ser otra: la Frida que baila flamenco,la Frida calé que, aunque soñada, no deja de seruna presencia real, pues habita en el mundo de la fantasíay con ella danza.Amador Rojas se enfrenta a un reto: hacer de mujer, y deuna mujer histórica, no siendo posible desvirtuar su memoria.Pero el bailaor, poseído por unas dotes interpretativascamaleónicas, se va transformando y mostrando al públicotal abanico de registros expresivos, que se convierte entodas las Fridas.Un exquisito gusto adereza el resto de componentes escénicos.La música en directo a cargo de unos músicos capacesde suavizar el flamenco con fusión de ritmos de sandungaevocadores de México, o con jazz alusivo al períodoen que vivió en Norteamérica. El vestuario acertadísimo,incluso con trajes de época años 30, o reproduciendo fielmentelos que Frida luciera en sus retratos. Los cantantestambién son una parte fundamental del espectáculo y, enalgunos momentos, se integran en la acción como un personajemás. De esta forma, se acrecienta la sensación deque son muchos más de seis los extraordinarios bailarinesque participan. Es el milagro de la multiplicación a travésde la versatilidad artística.Danza en Escena 25nº25_2009

GALÓN VASCOPor Iratxe de ArantzibiaMikel JaureguiItziar MendizábalAtípica, espléndida y de gran calidad fueron los calificativosaplicables a la cuarta edición de la Gala 'Los vascosy la danza'. La ampliación del abanico de participantes,abriendo la convocatoria a coreógrafos vascos comoJuan Carlos Santamaría, Premio Nacional de Danza 2008, yEdu Muruamendiaraz, director de Aukeran, resultó un plusadicional a un espectáculo en el que brillaron las estrellas decasa como la radiante Itziar Mendizabal (Bailarina Principaldel Ballet de Leipzig), reciente Premio Revelación de Gipuzkoay Nominada al Premio Benois de la Danse 2009, y el grandescubrimiento del potencial de Mikel Jauregui (Solista delReal Ballet de Flandes). La savia nueva vino de la mano de laganadora y segundo clasificado del tercer Premio Bilbao paraJóvenes Bailarines, Yasmina Sancayo y Aaron Sanz que desgranaroncon grandes muestras de ilusión el paso a dos de"Don Quijote". El portugalujo Mikel Jauregui debutó en casacon la pieza contemporánea "Cornered", secundado porGiulia Tonelli (Demisolista del Real Ballet de Flandes), paradar paso a una exquisitez del desaparecido Uwe Scholz, "Lacreación", interpretada con su elegancia característica por lahondarribitarra Itziar Mendizabal y Jean-Sebastién Colau(Bailarín Principal del Ballet de Leipzig). Coreografía de granbelleza del creador germano, en la que da muestras de suexcepcional musicalidad y cuya interpretación por la consolidadapareja artística Mendizabal-Colau no hizo más queengrandecer aún más el nivel de la gala. La primera partefinalizó con el ballet "Sonidos de un jardín secreto" del coreógrafodonostiarra Juan Carlos Santamaría. Obra con la queobtuvo el Primer Premio de Coreografía y el Gran Premio delJurado en el Concurso Internacional de Vignale (1996),Santamaría compone pequeñas escenas de gran bellezaplástica, bailadas por un cuarteto de intérpretes, en unos tempos,principalmente, que invitaban al sosiego y a la paz espiritual.El vizcaíno Mikel Jauregui fue el responsable de iniciar elsegundo acto con un paso a dos de "La sylphide", verdaderamuestra del estilo Bournonville que se adaptó como un guantea las cualidades de Jauregui, con su soberbio ballon en losenésimos saltos. El estreno de una suite de "Gernika", demedia hora de duración, del bergarés Edu Muruamendiarazprovocó una catarsis entre el público, al tratarse de un temamuy ligado al alma vasca. El guipuzcoano consigue encontrarun punto de mesura para narrar, mediante su habitualfusión entre el lenguaje tradicional vasco y la danza contemporánea,varios cuadros escénicos sobre el bombardeo de lalocalidad vizcaína. Prometedor fragmento de una obra queprovocó más de una lágrima de soslayo, por la fuerte emotividaddel tema, así como por su construcción narrativo-coreográfica.Nada sencillo el reto del dúo Mendizabal-Colau desalir a escena tras la participación de Aukeran, aunque "Piafa deux" surtió buen efecto como contrapunto. Con una pizcade picardía y sin perder la elegancia, Itziar Mendizabal pusoel broche de oro, en una noche que parecía hallarse en estadode gracia artística y de comunión dancística junto a Jean-Sebastién Colau. Más de cinco minutos de calurosos aplausosratificaron el buen hacer de Andoni Aresti como directorartístico de la gala y, por extensión, de ABBE, en su empeñode acercar a las estrellas de ballet y de la coreografía vascasa su casa, en lo que más que una gala pareció ser un galónabsolutamente redondo.26 Danza en Escenanº25_2009

EL ROYAL BALLET EN CUBAPor Isis WirthMe alegro por los balletómanos cubanos que hanpodido, al fin, ver otra forma de bailar, otro estilo,otra comprensión de la técnica. Compañías de lacategoría del Royal Ballet, como el Bolshoi y el Kírov, habíanactuado ya en isla. Ahora los espectadores han tenido laposibilidad de disfrutar de otro refinamiento, de otra formade bailar que no exhibe el llamado "estilo" cubano.Fuera de los festivales internacionales de ballet de LaHabana -.que ofrecen sólo destellos, y en ocasiones, limitadosde la escena coreográfica mundial-, el público de la islano tiene oportunidad de expandir su cultura balletística, limitadacasi siempre a la llamada "escuela cubana de ballet",las versiones de los clásicos del repertorio firmadas porAlicia Alonso, las denominadas coreografías de ella y unostítulos que se pretenden, o se pretendieron en su momento,"contemporáneos".El Royal Ballet de Londres, sin duda una de las más importantesagrupaciones de su género en el mundo, se ha presentadoen La Habana, del 14 al 16 de julio en el GranTeatro, y el 17 y el 18 de julio en el teatro "Karl Marx"; ironíaque no puedo pasar por alto: una compañía "royal" bailaráen un recinto que ostenta el nombre de quien promulgóabolir todos los tronos de la tierra. Supongo que eso confirmaaquella certeza de Maggie Thatcher: "Al fin, Marks &Spencer han triunfado sobre Marx y Engels".Las giras internacionales de las grandes compañías deballet son moneda corriente en el mundo artístico, pero seelevan a acontecimiento dentro de la isla, en razón delapartheid cultural que impone el totalitarismo. Esta tournéecaribeña de los bailarines del Covent Garden se presentacomo todo un acontecimiento para el régimen, por inesperada.El propio Kevin O'Hare, director ejecutivo del Royal, loha dicho a su manera en conferencia de prensa en LaHabana: "extraordinaria e histórica visita", que la compañía"nunca había planeado ni siquiera soñado". Artísticamente,para los bailarines del "Royal" -no digo "ingleses" porque esuna troupé cosmopolita- será una confrontación válida conun público como el cubano, impertinente en su manía "cirquera",devoto de los fuegos pirotécnicos. Probablementeconfundidos -por razones sobre las que no es el caso extenderseahora- en lo que se refiere a otra asunción del baileclásico, para impresionar o conquistar a los balletómanoshabaneros hay que colgarse de la araña de la sala GarcíaLorca. No quiero decir con ello que el Royal no posea bailarinesvirtuosos, sino que éstos apuntan a otro tipo de concepto.En todo caso, los más beneficiados con este encuentroserán los cubanos.Un gran virtuoso como el cubano Carlos Acosta, el granídolo del Royal y el mejor bailarín que se pasea hoy por losgrandes escenarios, no está por gusto en esta presentaciónde su compañía en La Habana. Alicia Alonso, que comodicen en la isla "no se pierde ni el bautizo de la muñeca",recibirá también un homenaje. ¿Por qué el Ballet Nacionalde Cuba, durante su actuación en París en el verano de2007, no le hizo uno a Yvette Chauviré? ¿Y por qué cuándoel BNC se presentó en Londres, en el Saddler's Well, nole hizo otro a Margot Fonteyn?Aparecido en : "Penúltimos días".Carlos Acosta © Dave MorganCarlos Acosta ,cortesía de Sébastien Mathié y La Ópera de ParísDanza en Escena 27nº25_2009

MARTHA GRAHAM DANCE COMPANYTHÉÂTRE DU CHÂTELETPor Celi BarbierLa Danza revive su esplendor en el prestigioso Teatrodesde el nombramiento de su director general Jean LucChoplin. El pasado año, abierto à las culturas delmundo, pudimos admirar entre otras a la CompañíaNacional de Danza (Nacho Duato), Mauro Bigonzetti yAustralian Ballet, este último después de 42 años de ausenciaen Francia.Entre 1980 et 1990, Martha Graham Dance Company visitóregularmente Paris. La " llama " Graham se reaviva 29 añosdespués. Un programa muy bien elegido para la ocasión conobras abstractas, reivindicativas, temas de la mitología griega,obras " psicológicas " y una maravillosa decisión: la ultimaobra de Martha: Maple Leaf Rag (1990).Tres programas variados propuestos por Janet Eilbert, actualmentedirectora artística de la compañía y una de las grandesinterpretes de Graham: Jeanne en Primitives Mysteries,Maria Stuardo, Cassandra, Jocasta, Phédra, The ScarlettLetter and Lucifer, obra creada para ella y Rudolf Noureyev.Janet ha participado en producciones de televisión, cinematográficasy ha regresado "chez" Graham, como bailarinainvitada, maestra repetidora y coreógrafa. Su palmarés estárepleto de premios y galardones. Con su aún hermosa figura,Janet nos comenta que están recuperándose de una fasedifícil: "ahora estamos seguros, nos presentamos 6 meses alaño, tenemos plena salud (lo que es fabuloso en el U.S.A.) ybuenos "sponsors".Las piezas de Martha Graham quizás necesiten una explicaciónprevia a la representación dado el complejo vocabulariocoreográfico. La propia Janet Eilbert, a telón bajado, las presentóy explicó con claridad como si fuera un preámbulo iniciático.Hablar sobre Martha Graham no es tarea fácil, tal es suimportancia en la historia de la danza llamada "moderna", ydel teatro. Innovadora rebelde, "liberando el espíritu americanodel puritanismo", ella coloca su estilo de danza en lomás alto y elige temáticas dispares y universales como losrituales de los indianos de América del Norte o argumentosfilosóficos en los que Graham veía "la creación de posiblesfuturos". También la tragedia griega y los mitos antiguos, los"arquetipos" de Jung, los símbolos freudianos qué "hacen visibleslas realidades interiores escondidas debajo de los símbolosaceptados".Martha entendió la vida como una experiencia en permanenterenovación y "el movimiento como acción de vida". Así, ensu método, ella partirá del fundamento de la vida humana:la respiración. Respiración del plexo, fuente de la energíavital y respiración de la vagina, fuente de energía sexual,además del movimiento expresivo del torso y la no menostrascendente "contracción". La contracción, la extensión, el"contract-release" las caídas al suelo "para levantarse después",como decía Martha Graham.Elegimos el Programa A para poder asistir al espectáculo del“Diversion of angels”©John Deanemediodía: (Errand into the Maze, Diversion of Angels,Lamentation Variations, Cave of the Heart, Maple Leaf Rag) ytambién por la noche à una de las piezas "culto" de Martha,Clytemnestra.ERRANT INTO THE MAZE (1947)Coreografía de M. Graham, música de G. Carlo Menotti ydecorados de I. NoguchiPeriodo mítico de la Graham. La coreografía basada en elmito de Teseo (Rey de Atenas) y del minotauro, un monstruocon cabeza de toro y cuerpo de hombre. Como es habitualla genial artista escribe el mito a su manera, concentrando laacción en el combate entre Ariadna, hija de Minos y que28 Danza en Escenanº25_2009

había cazado al monstruo en el laberinto, y el Minotauro. Lalucha de una criatura delante sus deseos y angustias y que alfinal acaba matando al monstruo y saliendo del laberinto desus pasiones ya liberada.El decorado de Naguchi, eterno colaborador de Martha,extremamente sobrio pero elocuente. Un enorme soga representandoel laberinto y una forma geométrica en madera, lareproducción de un hueso pelviano. Elizabeth Auclair -fabulosaAriadna-, en posesión de una cualidad del movimiento,preciso, sincero, emocionante, nos muestra una madurezdramática excepcional. Esta en el apogeo de su arte. DavidMartínez -genial Minotauro- joven interprete de bellas líneasrealiza un extraordinario papel de partenaire.DIVERSION OF ANGELS (1948)Coreografía y vestuario de M. Graham, música de N. DelloJioInfluenciada por el cuadro de Kandinsky un hilo rojo atravesandoun fondo azul, la coreografía expresa diferentes fasesdel amor, representado por diferentes colores, amor espiritualen blanco, amor esperanza, la juventud, en amarillo, lapasión erótica, en rojo.Podemos hablar de una obra prácticamente abstracta, unarareza en las coreografías de Martha, fuerte en emociones.Un escenario vacío donde las parejas dibujan líneas claras,suspendidas por el control del cuerpo y la respiración. CarrieEllmore-T. Mauricio Nardo, bellísima, técnica. AtsukoTonohata, de una increíble ligereza, y Lloyd Knight, maestrosdel "legatto" tanto en el adagio como en el presto.Impresionante Jennifer De Palo con una fuerte personalidady técnica, en la secuencia de saltos, divinamente sensual allado de A. Pierce III. Las bailarinas del conjunto forman partedel cuadro, pintura abstracta "siento que la esencia de ladanza es la expresión humana, el paisaje de su alma" (M.Graham).LAMENTATION VARIATIONS (1930-2007)Coreografía de A. Barton, R. Move, L. Keigwin, realization J.Eilbert y música de G. Crumb, D.Y. Savage, F. Chopin"Mi danza de 1930 es un solo en el que estoy vestida con unatela, para sugerir la tragedia qué amenaza al cuerpo, estacapacidad que tenemos de dilatarnos en el interior de nuestropropio caparazón, de sentir y poner a prueba los limitesdel dolor universal" (Martha Graham).El solo es una de las más celebres obras de Martha, del programapresentado. Impresionante, angustiado, dolorido y, almismo tiempo, los movimientos encarcelados obedecen à laslíneas más claras jamás dibujadas, épaulements inusitados.Cuatro minutos intensos de interiorización en los que el personajeestá sentado, cubierto su cuerpo con un tejido elástico.Janet Eibert lo propuso como homenaje a los 80 años deMartha. Variaciones en torno de la obra, para lo que invitó atres coreógrafos para realizar una obra de 4 minutos y dondecada uno focalizara la esencia de Lamentation - "cada uno suinterpretación, su idea de la música pero sin escenario, conlos trajes más simples y los bailarines de la Compañía comointerpretes" nos cuenta Janet.Las dos primeras coreografías están realmente basadas en eldolor, silencios, tensión, esplendida K. Crockett, simplemente“Errant into the maze”vestida de negro, pantalón y camiseta, caminando en mediapunta, caminando hacia atrás, mirando al cielo, el pelodorado de esperanzas, reluciendo sobre el tapete de luzblanca, transcendiendo el dolor.CAVE OF THE HEART (1946)Coreografía y vestuario de Martha Graham, música de S.Barber y decorados de I. NaguchiUna vez más la tragedia griega nos invade. Medea es ahorael punto de reflexión. Martha posee un tal conocimiento literario,coreográfico y teatral del mundo clásico que le permitenpasearse con tranquilidad a través del universo mítico.Perfecta la dramaturgia. Martha, nunca de manera narrativa,focaliza el drama desde el punto de vista de la traición deJasón (Rey de Atenas) a quien Medea había ayudado a conseguirel Vellocino de oro. Medea, repudiada, matará a loshijos tenidos con Jasón para después asesinar a su rivalCréüse. La intensidad dramática, la sobriedad de la expresióndel lenguaje coreográfico y la tensión emocional noshacen comprender mucho mejor el emparejamiento de laGraham con Joyce y su importancia en la historia del teatromoderno.El vestuario diseñado por ella misma en colores púrpura yvioleta, salvo el de Medea que es rojo para poder captar todoel mal posible. "Isamu creó un vestido de hilos de bronce brillantesque revestían y enmarcaban mi cuerpo como si se tratarade un carro en llamas" (Martha Graham).El programa propuesto por Eibert está muy bien pensado. Si©John DeaneDanza en Escena 29nº25_2009

Diversion of Angels es "la construcción del amor" en todas susmaravillosas formas, Caves of the Heart representa "la destruccióndel amor", el amor brujo, la ambición, el poder, larabia de la sangre, los terribles celos.MAPLE LEAF RAG (1990)Coreografía de Martha Graham, música de Scott Joplin yvestuario de Calvin KleinUltima obra de Martha, presentada en el City Center de N.Y.,un año antes de su muerte a los 96 años, es una delicia dehumor e ironía de si misma, de su "tragedia", y de la danzaen general.°Que maravillosa espíritu, que juventud! En sus memoriasMartha cuenta que al comienzo de la creación no pudo olvidarsede Louis Horst, algo más que su pianista, al que siempreque las depresiones la saltaban, ella misma le decía:"Oh! Louis, tócame Maple Leaf Rag".Sobre el escenario nada más que la "sacro santa" barra, estairreverentemente maleable al servicio de todas las situacionesque los bailarines expresan, antes de interpretar "charlston",rag, danza moderna, etc…. Idas y venidas, entradas y salidasde la escena, sin razón de ser, como en tantas coreografíasy el triunfal pasaje en diagonal, la trágico-romántica bailarinacubierta por una capa rosa champagne. Satírico y poético,humano, efervescente… donde la Compañía muestra sumagnífico eleatismo.Me viene a la mente uno de los poemas de Saint John-Perse,que tanto admiraba Martha: "Y mí prerrogativa es de soñarpor usted este sueño del Real; me han llamado Oscuro, y yohabitaba el esplendor".CLYTEMNESTRA (1958)Coreografía de M. Graham, música de H. El Dabh y decoradosde I. NoguchiUna personalidad distinta a la de Medea, aunque en susnombres coincidan verbos como: pensar, conspirar, meditarsobre los destinos asesinos. Una personalidad de las másfascinantes. Determinada y resuelta, Clytemnestra se autoproclamarácomo reina de Micenas, al tomar a Egisto comoconsorte. Al contrario que Medea, víctima de su pasión porJasón, Clytemnestra se sirve de sus poderes mágicos parahacer posibles sus deseos amatorios. Ella es su propia maestraconstruyendo su propio destino, sin escrúpulos "lo digo yoy vosotros debéis saberlo, que mi corazón no tiembla, quevuestras criticas y vuestras elogios me dejan indiferente.Agamenón, mi esposo y su cadáver es la obra de mi mano,obra de una justa venganza. Es todo lo que quería deciros"(Esquilo-Agamenón 1401-1406).El decorado de Isamu Naguchi, construye el espacio con gransobriedad y mucho efecto. Fondo negro, láminas largasmetálicas, un pedestal a la izquierda de donde emerge,como una cobra maléfica, la rampante Clytemnestra.La partitura de El Dabh crea perfectamente la atmósfera dela obra y nuestra más intima emoción. Un tiempo intemporal,la acción esta entrecortada por pasajes del pasado, pensamientosexpresados por una emoción intensa, gestos arcaicos.Los personajes, magistralmente estudiados. Helena de Troya(K. Crockett), una aparición de una belleza impresionante yla nobleza de los gestos de Egisto (Mauricio Nardi) seductor,sirviendo a los planes vengadores de Clytemnestra.Casandra (Elizabeth Auclair) torturada por los recuerdos ypor el presente, también consigue emocionar mucho. Es unaintérprete fabulosa. Maravillosa Fan-Yi Shen (Cloud GateDance Theater de Taiwán), que nos parece la más precisa enmostrar la técnica de la escuela de Martha Graham. Sudanza absoluta, las líneas, el trabajo en el suelo, y estamanera estupenda de interpretar las intenciones. Los 27 bailarinessacralizaron esta obra como una obra de arte entodos los sentidos. Después de 51 años Clytemnestra estamás joven, más peligrosa, más terrible y más mujer.Nuestros sueños y pesadillas se encuentran en una línea,fina y débil, separando nuestro inconsciente y nuestro despojadoconsciente. Seguimos así con Martha que nos enseña atrascender y a caminar hacia delante.¿No será esta la esencia de la vida?“Clytemnestra”© Costas

PERSONAJESAntonia Mercé y Néstor(2ª parte)Por Mercedes AlbiDesde aquel primer "Amor brujo"de 1915, trascurre más de unadécada hasta que Néstor de laTorre afronta su segunda creaciónescénica: "El Fandango del Candil",una de las obras más representativasde la danza española, estrenada por lacompañía de los Ballets Espagnols deAntonia Mercé, en el Teatro Volskoperde Hamburgo en noviembre de 1927.Inician una gira que recorreráAlemania (Bielefeld, Bremen, Colonia,Berlín…); cosechará triunfos en Italia(Sala Humberto de Roma); para finalizaren el Teatro Fémina de los CamposElíseos (del 18 de junio al 12 julio1928). El éxito obtenido es de tal envergadura,que en París la cola paraadquirir las entradas con varios días deantelación ha de ser vigilada por gendarmes.LA COMPAÑÍA DE LOS BALLETSESPAÑOLES (BAILETES)Antonia Mercé siente que con estetriunfo se consolida su sueño, largamenteacariciado, de fundar una compañíainspirada en los Ballets deDiaghilev, aunque ella siempre fueconsciente de las diferencias existentes:"Los bailes rusos, es verdad que songrandiosos, son supremamente bellos,son eminentemente plásticos. Puesbien, nosotras las españolas pondríamosalgo que les hace falta a los rusos:pondríamos alma, mucha alma y eléxito sería completo" (La crónica, Lima24-12-1919).¿Dónde se encuentra ese "alma" característicade los "Ballets Espagnols"?Independientemente del estilo dedanza, existe un claro matiz de diferenciación:los argumentos de las obrasson historias de sentimientos, donde elamor y los celos juegan un papel predominante.En la evolución de losBallets Rusos, el elemento estético-artísticohabía terminado imponiéndosesobre la emotividad de los libretos. Sinembargo, en la compañía de AntoniaMercé, aunque lo más granado de laintelectualidad española participará enella, el factor artístico nunca deja delado la emoción que desea transmitir alespectador representando una historia.Un papel destacado fue el de CiprianoRivas Cherif, decidido impulsor de laidea de Antonia Mercé, el cual narra -en un artículo publicado en ABC (9-8-1928)- que La Argentina había creado"los bailetes españoles (…) no a lamanera de gran espectáculo de losrusos de Diaghilev, sino con una intenciónmás adecuada a los medios deque podía disponer; es decir, atenta ala organización de un cuadro selecto sucompañía en torno a su figura eminente,para interpretar obras nuevas, depequeña orquesta, escritas para ella, abase de temas netamente españoles ydecididamente teatrales". La traducciónde "bailetes", explica, que no se refiereAntonia Merce, “La Argentina”a una traducción española del vocablofrancés "ballet", sino que llamarles deese modo se debe a una idea deJoaquín Nin evocadora de las danzaspantomima,representadas en la corteespañola en la época de Calderóndurante el Siglo de Oro.El repertorio que exhiben los Ballets(bailetes) Españoles en la gira de1927-28, además de "El fandango delcandil", estaba formado por "El amorbrujo" de Falla; "El contrabandista" deOscar Esplá; "Sonatina" de ErnestoHalffter; "La juerga" de Bautista;"Kinekombo" de Ponce;"Divertimento"sobre músicas de Albéniz, Guerrero,Taberner y Valverde, y "En el corazónde Sevilla", con música de cuadro flamenco.Danza en Escena 31nº25_2009

PERSONAJES"EL FANDANGO DEL CANDIL"En "El Fandango del Candil", AntoniaMercé, por recomendación de Manuelde Falla (en una carta que le escribe afinales de 1925), encarga la elaboraciónde la música a un joven compositorde 21 años de edad, GustavoDurán. Néstor de la Torre está fuertementeunido a Gustavo: será el granamor de su vida y la pareja sentimentalcon la que compartirá aquellos añosque preceden a la Guerra Civil.Cuando estalla la contienda, la vida deGustavo Durán da un giro radical y elmúsico -ya separado de Néstor- seconvierte en un destacado militar de laRepública. Nunca volverán a verse,pues Néstor fallece en Gran Canariaen 1939, y Gustavo Durán marcha alexilio, abandonando para siempre elarte de la composición.El libreto es de Cipriano Rivas Cherif elcual desarrolla la trama de un balletpantomimaen un acto y cinco escenas,para veinte bailarines y cuarenta músicos.El mismo describe, en una cartadirigida a Gustavo Pittluga, el modo enque solía elaborar las obras conAntonia Mercé: el argumento "una vezadmitido, se lo desmenuzaba escenapor escena y, después, ateniéndome amis posibilidades, o a lo que ella pedía,le apuntaba incluso la clase de movimientosque me parecía adecuada yhasta los pasos".La acción de "El fandango del candil" sesitúa en el Madrid de 1850, en una típicataberna de las denominadas "decandil", donde alternan gentes del puebloy de la alta sociedad. Allí una actúala Niña Bonita una que es la gran sensacióndel momento. Naturalmente,tiene un pretendiente, Manolo -interpretadopor el maestro Juan Martínez-,que le quiere dar celos, y ella le correspondecoqueteando con los visitantes.El amante, airado, invita a bailar a unadama de la alta sociedad que vacubierta. Entonces se produce un granescándalo, pues la Niña Bonita, llevadapor un arrebato, despoja del manto ala señora, y se descubre que la tapadaes la mismísima reina Isabel. En elalboroto, un valenciano ciego tira porequivocación el candil, y la reina y susacompañantes, aprovechando la oscuridad,escapan. Atraídos por el jaleo,se presentan dos alguaciles, y aunquetodos disculpan el error del ciego, losguardias se lo llevan detenido. ManoloLa Argentina en El amor brujo con Escuderole pide explicaciones a la Niña Bonita,y ella, para congraciarse con él, lebaila un bolero. Al final la alegría secontagia a todos los presentes, que seunen al baile, mientras la Niña bonita yManolo hacen las paces.La primera danza es un solo deArgentina (Niña Bonita): la "Danza delCandil"; otra de las partes que bailaella son unos "Panaderos"; tambiénhay dos Zorongos, que son interpretadospor el cuerpo de baile con solos deCarmen Joselito y Lolita Mas; la obrafinaliza con un solo de Argentina, elfamoso "Bolero", una de sus piezasmás emblemáticas que nunca dejaráde ser parte fundamental en el repertoriode la artista. Actualmente, aunpuede verse en los escenarios interpretadopor Aída Gómez.Néstor crea una escenografía que esuna verdadera obra maestra, dondelogra incardinar a la perfección losmotivos de inspiración folklórica con lamás innovadora vanguardia. Han trascurridodoce años desde su trabajo en"El amor brujo", y la vertiente escenográficade Néstor ha madurado yabsorbido todo el devenir de lascorrientes artísticas en el período deentreguerras.Si la escenografía de "El amor brujo" sepodría calificar como preciosismo ilusionista,corriente escénica opuesta alrealismo teatral de finales del XIX, en"El fandango del candil" la perspectivase quiebra, la línea recta se abre en"uve" para ser contemplada desde el32 Danza en Escenanº25_2009

punto de vista bajo, donde se sienta elpúblico, que percibe el escenario conuna mayor amplitud y grandiosidad.Los elementos cubistas invaden la obra,desde los vestidos al decorado. Si bien,es necesario recordar, como afirmabaGertrude Stein, que "el cubismo es cosade pintores españoles", pues españolesfueron tanto su creador: Pablo Picasso,como sus artífices más reconocidos(Juan Gris).Pero España no se hizo eco del triunfoeuropeo del "Fandango del Candil",como se observa en una carta deMiguel Benítez Iglott escribe a Néstor:"De Gustavo he tenido una carta primerocontándome algunas cosas en lasque me parecía que no me decía todala verdad, y así se lo escribí pidiéndoleque me la dijera entera porque yo nosoy como Salazar, Halffter, etc.., pocosdías después tuve una tarjeta de Berlínanunciándome que El fandango habíatenido allí un grandísimo éxito; losperiódicos de aquí no han dicho todavíanada; eso le demostrará lo que sepuede fiar de quienes cuando les convienese llaman sus amigos". Lo queconstituye una prueba del disgusto quesentía Gustavo Durán de que enEspaña no se diera importancia algunaa los triunfos que habían obtenido porEuropa. Lo cierto es que el único balletdel repertorio de su compañía queAntonia Mercé llegó a representar enEspaña, fue el "Amor brujo" en el año1934. Todo un acontecimiento quelogró unir en el Teatro Español, por primeray única vez, un reparto sin igual:Pastora Imperio (la primera Candela)en el papel de Lucía, con AntoniaMercé (la Candela de entonces),Vicente Escudero como El Espectro, yMiguel de Molina -el gran artista de lacopla, que tuvo que marchar aArgentina acusado de rojo y homosexual-en el papel de Carmelo. Unreparto de los que hacen historia.NUEVOS ENCARGOS DE ANTONIAMERCÉ PARA NÉSTORDespués del éxito obtenido en la primeratemporada de los "BalletsEspagnols", Antonia antes de iniciar lasnuevas producciones para su compañía,se veía obligada a hacer giras individualespor todo el mundo al objetode resarcirse económicamente, y conseguirlos fondos necesarios con queafrontar la siguiente temporada.Entonces, escribe a Néstor: "Como ledigo voy a América, Japón, China,Indias etc… y pienso llevar cosas bonitas.El Bolero de "Fandango", que lohago en mis conciertos, su traje es unalboroto siempre, y yo se el éxito quetendría usted si fuese tan bueno dequererme hacer unas maquetas (…).Quisiera una maja, una chula, unaandaluza, una gitana, y una aragonesa."(agosto,1928). En otra cartaAntonia relata a Néstor el éxito obtenido:"El éxito ha sido fenomenal, aunmayor que el del año pasado. Las críticasson formidables y dicen que estoymejor que el año pasado. Yo lo quecreo es que me comprenden mejor.Hasta ahora el único traje de usted queme he puesto es el de Goya. Un éxito…Hay que dar las cosas buenas porLa Argentina en La danza del fuegopequeñas dosis, pues se pueden indigestar.El Velázquez se que ha salido deParís".España es vanguardia, y lo es para elresto del mundo mucho más que parasu propio suelo. Antonia Mercé es lagran embajadora de nuestro arte y denuestros artistas, durante ese períodode esplendor que será conocido por laposteridad como la Edad de Plata de lacultura española.LA TIRAPor Fredy RodríguezDanza en Escena 33nº25_2009

Antonio Monllor(2ª parte)Por Javier BagáDesde que siendo niño viera a Fred Astaire en la pantalla del cine Marilan de Barcelona, su sueñofue América. Antes tuvo que iniciar su carrera internacional en Europa; una Europa que entoncesera terreno prohibido para los españoles, pero también se hizo con ella: su deseo de "escapar" deuna España gris y cerrada artísticamente, le dio fuerza para hacer el equipaje y lanzarse al mundo.En los años 40 del pasado siglo yahabía agotado las posibilidadesque le proporcionaba ser uno delos principales artistas del Ballet delLiceo. Ya había estado a las órdenes deJuan Magriñá y de los coreógrafosrusos e internacionales que pasabanpor el teatro barcelonés. Esa ampliavisión que le daba las compañías quese presentaban en el Liceo, le hicierontomar la decisión de iniciar una carrerainternacional.La oportunidad se la ofreció el InstitutoFrancés de Barcelona donde se montó"Historia de un soldado" de Stravinski.En la obra Antonio asumió el papel de"diablo", interpretación que le proporcionóuna beca para estudiar nadamenos que en la Ópera de París. AllíSerge Lifar era director, coreógrafo yAntonio Monllor en la costa Bravamaestro de baile. Monllor trabajó conél tanto como pudo, pero su sueño dehacerse bailarín de la Ópera de París setruncó cuando le indicaron que paraello tenía que hacerse ciudadano francés.No existía ni tan solo la idea deuna Europa unida si no que contrariamentelas fronteras, especialmente a losespañoles, estaban más cerradas quenunca.Terminada la beca, no podía subsistir yregresó a Barcelona, pero París se convirtióen su objetivo volviendo al pocotiempo, sin ayuda esta vez, pero con elfirme propósito de quedarse. Acudía alos Estudios Backer donde además dehaber clases de todo tipo de danza, seanunciaban y celebraban audicionespara compañías y espectáculos de todotipo, musicales, películas, revistas..,pero lo que Antonio buscaba ansiosamenteen los tablones de anuncios,eran las ofertas para contratarse encompañías de danza.Estos años de Antonio Monllor en Parísson un puzle difícil de componer. Parísera el cuartel general y donde Antoniose sentía realmente en casa: nuestroprotagonista todavía conserva un aireparisino y un impecable francés escritoy hablado "hasta hacía crucigramas enfrancés" recuerda a veces. De París saltabaa Liege, Bruselas, Copenhague,Oslo, Barcelona…, vuelta a París, encadenandocontratos de temporada ogiras internacionales.Fue contratado por la Compañía deMarque de Cuevas, secuela de losBallets Rusos de Diaghilev y cuya estrellamáxima era Rosella Higtower. En lacompañía había otro catalán con quienAntonio ha conservado la amistadhasta el presente, José Ferrán, quiénimpulsó a Antonio a presentarse anteCuevas. La propia Higtower se lo presentódiciendole a Cuevas "…ce jeunegarçon qui ha beaucoup de talent etne mange pas touts les jours…" (…estejoven que con tanto talento como tieneno come todos los días…). Pues estechico entrará en la compañía dijoCuevas, es verdad, tiene mucho talento.Hacían temporada anualmente enParís, en el Teatro Sara Bernard (hoyThéâtre de la Ville) y giras por Francia yotros países. En Marqués de CuevasAntonio se sentía en el lugar que habíasoñado, compartiendo clases, ensayosy escenario con las grandes estrellas dela compañía como Golobin, Higtower,Skouratoff, Skibine…, "HacíamosPetrushca, Copelia (Franz el protagonistay también el Dr. Copelius), perotambién me gustaba mucho hacer decorps de ballet porque así tenía quebailar La Gran Mazurca, Ran ta tá ta,ran ta tán…. Me sentía tan bien bailándola"La colaboración con Marquésde Cuevas se repitió varias temporadas,aunque las últimas tenía Antonio quealternarlas con sus contratos en Bélgica.Manteniendo París como residenciahabitual, tuvo que trasladarse a Bégica.Fue contratado por el Teatre Royal deLiege como Primer Bailarín. Permanecióvarias temporadas de nueve meses deduración y al finalizar estas, Antonio seenrolaba en otras compañías.En uno de esos lapsos se trasladó aBarcelona y le contrató Pilar López conquien después de debutar en Barcelonase fue a París para presentarse en elTeatro Sara Bernard. En la compañíaestaba un joven Antonio Gades. Hacían"Carmen", Monllor era el torero, papelque le proporcionó uno de los mayoreséxitos en París.En el Theatre Royal de Liege hacían losballets del repertorio clásico, los balletsde las óperas: La Favorita, LaGioconda, Fausto, Carmen… y operetasalemanas, vienesas, francesas…,donde Antonio disfrutaba un montón34 Danza en Escenanº25_2009

Antonio Monllor en Carmen de Pilar LópezAntonio Monllor en Carmen de Pilar Lópezpues es un género más ligero, de algunamanera ligado a la comedia musicalque era otra de sus debilidades.Aunque era Primer Bailarín, compartíadicha categoría con otros dos bailarines.Se alternaban mensualmentepasando de interpretar los roles principalesa hacer de cuerpo de baile. "A míno me importaba hacer de cuerpo debaile porque así bailaba también losgrandes valses de los ballets, lasmazurcas, las danzas de carácter…"Terminada una de las temporadas enLiege partió para Copenhague dondetomó contacto con el Real Ballet Danés.Se repitió lo sucedido en París, noadmitían "ciertos" extranjeros, no porello dejó de interesarse por la escueladanesa de Bournonville que practicójunto a los bailarines de la compañíatitular. En Copenhague Antonio actuabaen el local El Valencia. "Me presentéen el local donde requerían bailarines.Había que pasar una audiciónpara conseguir el contrato. Bailé unCakeWalk, un tango y un bolero español,pero no superé la audición. Vengode París, dije a la dueña, y no tengodinero para regresar (era verdad, nouna estrategia). Le propongo bailaresta noche, si me soporta el públicome paga y asi puedo comprar el billetede regreso; si no tengo éxito,pues…. ya veremos. Es usted valiente,dijo ella, no tengo otro remedio, tengoque serlo respondí. Bailé esa noche,gusté un montón y me quede tresmeses haciendo Black Bottom un díatras otro, venga Black Bottom! Una delas noches apareció José Greco paraverle actuar, tenía una tourne paraEEUU y uno de sus primeros bailarinesno podía ir. Se lo propuso a Antonio;dijo que sí. Por fin iría a América aencontrase con lo que le hizo reconocersecomo artista, el musical y lasestrellas de Hollywood. “Con José hicimosensayos en Estocolmo.Presentamos el espectáculo nadamenos que en el Liceo y después de laestancia en Barcelona salimos enbarco hacia EEUU, destino New York.”Dos son las estancias de Monllor enEEUU, la primera con José Greco yluego con Gino Landi y el espectáculoFesta Italiana. "En la época, cuando teibas a América, no era para una "girita"de quince días, era para meses eincluso años. Viajábamos con losespectáculos "coast to coast" comodicen ellos y te paseabas por todo elinmenso país haciendo temporada enNew York, Los Ángeles, Chicago…, enlas Vegas estuve varios meses En esasturnes, nada más llegar a las ciudades,corria en busca de las compañías localespara hacer clase con ellos. En NewYork no buscaba porque ya sabía loque quería: conocer y trabajar conBalabchine. No trabajé en sus ballets,pero no me perdía ni una clase con él.Era magistral. Ha sido otro de mis ídolos"Entre Los Ángeles y Las vegas tomócontacto las grandes estrellas. Conocióa Fred Astaire, Cyd Charisse. "Yo trabajabacon su marido Tony Martin y claroCyd Charisse estaba siempre con nosotros.Conocí a Franc Sinatra, MarlenDietrich. Trabajé con Dani Kay, HarriBelafonte, Brenda Lee… EleonorPowell (la Reina del claqué)… FredAstaire se interesaba mucho en comohacía el taconeo ligado a la gran velocidadque lo hacía. También coincidíamoscon españoles grandes comoAntonio, Rosario, Pilar López, CarmenAmaya…, ellos también hacían "coastto coast"Pero todo no terminó en EEUU, Monllorse ha mantenido en activo hasta pasadoslos sesenta años, su carrera continuaríasaltando de un continente a otropaseándose por compañías y espectáculos.Esa longevidad artística le hamantenido la ilusión por seguir estandoy reafirmarse en que si volviera a nacer,volvería a ser bailarín.Danza en Escena 35nº25_2009

Creando escuelaPor Estudio SchincaDesde hace muchos años trabajamosjuntos: en la enseñanza yen la creación escénica. Somosun equipo que investigamos en el movimientoy su expresión, en el lenguajemás puro, esencial y poético que tieneel ser humano para comunicarse.Hace tiempo que fundamos el EstudioSchinca, en Madrid. Pero hace dosaños que renacimos con más fuerzapara dedicarnos fundamentalmente ala Formación en la Técnica y Expresióndel movimiento.Formamos profesores de esta materia.Personas que sean capaces de trasmitira otros una filosofía en la que elmovimiento, el gesto, la inmovilidad,sean manifestaciones externas de unviaje hacia el propio ser, hacia la plenitudde su desarrollo y al territorio dela interrelación sensible y dinámicacon los "otros".Sin haber abandonado la faceta de lacreación corporal teatral (teatrodanza,teatro del gesto) actualmentenuestro objetivo es claro y preciso:impartir una formación sólida, vivencial,sensible y racional a través delmétodo de Marta Schinca, nuestrométodo común.Este método hunde sus raíces en el trabajode Rudolf Laban y JacquesDalcroze, pioneros e innovadores quea principios del siglo XX indagaron ycrearon las bases del arte del movimientoen su vertiente expresiva.A partir de la "herencia Laban" elequipo del Estudio Schinca viene desarrollandouna enseñanza que diseccionay analiza todos los elementos detrabajo para construir una progresióndidáctica sistematizada, creativa y gratificantecapaz de otorgar los conocimientosy mecanismos necesarios parala formación de futuros profesores dela materia.El espacio, el objeto, la arquitecturacorporal, los ritmos, la interacciónespacio-temporal de los cuerpos, lospatrones de esfuerzo y sus diferentesdinámicas y modulaciones emocionales:vivencias, atmósferas, creacionesque surgen de las vinculaciones entre lofísico y lo existencial, resonancias quevienen desde dentro para ofrecer unaregeneración de las formas y otorgaruna nueva visión de las metamorfosisdel espacio-tiempo. Estos son los fundamentosdel arte del movimiento que36 Danza en Escenanº25_2009

se van "devanando" en una infinitamadeja que es capaz de despertarimágenes, sentimientos, sensaciones:mundos personales y colectivos queaparecen mediante las claves de laimprovisación y la composición.Todo esto se enmarca en el territorio dela Expresión corporal, nombre al queintentamos restablecer su justo valor,pues ha sido muy denostado y utilizadosin fundamento.¿Deberíamos volver a llamarlo "Danzalibre" como en su tiempo hizo Laban?Su técnica de danza libre no era "caóticamentelibre sino liberada de un estiloideado según códigos específicos".Nuestra metodología parte de esa premisay consideramos que el estudio dela técnica del movimiento es tanimportante como el estudio de los factoresy patrones de esfuerzo que secombinan para darle expresividad.La técnica del movimiento que utilizamosse refiere a los principios básicosque gobiernan el movimiento natural:un enfoque sistemático de la organicidadde éste (cómo se produce, lacorriente que encadena las articulaciones,las respuestas orgánicas basadasen el principio de sucesión, oposición ycorrespondencia), que combinado conel estudio de los elementos espaciales,musicales y las gamas de esfuerzo,establece un cañamazo sobre el quetejer o desarrollar la creatividad individualy grupal.Todo ese corpus de la enseñanza tienemúltiples ramificaciones y con nuestrotrabajo encaminado a la formación,intentamos abarcar y hacer comprendereste gran caleidoscopio cambianteque lo configura.La formación en esta materia puedeproporcionar diferentes salidas profesionales.Según nuestra experiencia, el trabajocorporal así encarado además de teneruna proyección en el ámbito educativo,se enmarca en el territorio de lasartes del movimiento, artes que tiendena expandir sus fronteras y a evadirsede nomenclaturas que estrechan suámbito expresivo: teatro corporal, teatrode movimiento, teatro-danza.Como ejemplo de ello, nuestra propiatrayectoria en el Teatro de movimiento,en el que Helena Ferrari como intérprete,Rafael Ruiz en la puesta en escenae interpretación, Beatriz Peña en laexpresión oral y Marta Schinca en ladirección hemos trabajado, investigadoy creado juntos muchos espectáculosque han recorrido la geografíaespañola. *Las artes que se basan en la poéticadel cuerpo en el espacio y el tiempo,huyen de la limitación de sus camposde acción y expresión. Éstos se ensanchan,mientras que las clasificacionesestrechan y ponen barricadas a lasdiferentes manifestaciones. En el terrenoartístico el teatro de movimiento oteatro físico, va adquiriendo el puestoque siempre reclamó.Para terminar, quisiéramos dejar claroque la metodología que desarrolla elEstudio Schinca no considera laExpresión corporal como "liberación""desbloqueo" "descarga de agresividad""juego" o "movimiento espontáneo"como suele definirse muy equívocamente.La Expresión corporal para nosotros esmucho más que todo esto.Es un camino vivencial pero tambiénracional, analítico, que utiliza unasherramientas concretas para incentivarel descubrimiento, la investigación y lacreatividad a nivel personal y grupal.En este mes de mayo hemos tenido lasatisfacción de otorgar la graduacióna la primera promoción de profesoresformados por el Estudio Schinca.Esperamos que la labor que estamosrealizando sirva para que futurasgeneraciones de jóvenes puedan accedery gozar de una disciplina que sedesarrolla a partir de uno mismo, unarte cuyo "material" de trabajo es elpropio cuerpo transformado en eltiempo y el espacio, y que permitereconocernos como seres humanosdotados de la capacidad de sentir,crear y expresar.*Once espectáculos creados por Schincateatrode movimiento, el último de los cuales,Nigthmare-yegua de la noche, recibióun premio en el V Certamen Directoras deEscena de la ADE.Danza en Escena 37nº25_2009

PREMIOS NACIONALES DE DANZA2008Juan Carlos Santamaría y Javier Barón reciben losgalardones de danza en el acto de entrega celebradoen Teruel por los príncipes de Asturias.Texto y fotografía: Iratxe de ArantzibiaLa Iglesia de San Pedro deTeruel acogió la entrega delos veintitrés PremiosNacionales de Cultura correspondientesa las áreas de ArtesEscénicas y de la Música -incluyendolos galardones de Danzapara Juan Carlos Santamaría(Creación) y Javier Barón(Interpretación)-, Bellas Artes y delLibro.Por primera vez, este acto estuvo presididopor los Príncipes de Asturias,dentro de la visita oficial que llevarona cabo Teruel, y contaron con la asistenciade la ministra de Cultura, ÁngelesGonzález-Sinde, el presidente de laComunidad de Aragón, MarcelinoIglesias, el presidente de la DiputaciónProvincial, Antonio Arrufat y el alcaldede la ciudad, Juan Miguel Ferrer.Dentro de la solemnidad del acto, laentrega resultó ágil, ya que la mayoríade los discursos -tres en representaciónde los premiados- fueron bastantesintéticos. La ministra de Culturarecordó que la concesión del PremioNacional de Danza en la categoría deCreación fue a parar a manos de JuanCarlos Santamaría "por su valiosacontribución a preservar la danza clásica,difundiendo su aroma sin alterarla esencia", mientras que Javier Barónrecibió el equivalente enInterpretación "por el tesón con el queha mantenido su indiscutible lealtad ala pureza y lo 'jondo'".Cerró el acto, la alocución de donFelipe, quien se refirió a la inspiraciónde los galardonados para futuros artistas."Los Premios que hoy hemos entregado-aseguró el Príncipe- aspiran aaportar un impulso a los laureados ytambién a contribuir para que eseejemplo de obra y vida se convierta ensiembra a los cuatro vientos de unasemilla que, aún sin proponérselo, florecerámil veces en nuevas vocacionesartísticas". El acto, de una hora deduración, permitió celebrar "la calidady el vigor" de todas las expresionesartísticas en España, que conformanuna cultura que genera "esa energíavital, capaz de proyectar a todo elmundo, a los cuatro puntos cardinales,la realidad e imagen de nuestro país",añadió el Príncipe de Asturias."Los Premios Nacionales del Ministeriode Cultura 2008 muestran, una vezmás, que las grandes cualidades deinnumerables españoles, sustentadaspor su propio trabajo y con el apoyoatento de instituciones públicas y delsector privado, les ha situado, a lolargo de los últimos treinta años, en losniveles más altos del saber y de laexcelencia en muchos campos. Unesfuerzo colectivo que, entre todos,hemos de seguir impulsando y renovando",finalizó don Felipe.38 Danza en Escenanº25_2009

MEDICINA Y DANZAOSTEOPOROSIS Y DANZAPor Antonio Díaz PérezMédico Especialista en Traumatología y Cirugía OrtopédicaLa osteoporosis (OP) es un importanteproblema de salud públicaque no sólo afecta a la mujer sinoque también lo hace en el hombredonde aparece habitualmente ligada auna patología subyacente. Entre el 30al 50% de todas las mujeres posmenopáusicasestán en riesgo de padeceresta enfermedad. En España, concretamente,afecta a más de 3 millones depersonas en su mayoría por encima delos 50 años.El riesgo de padecer una fractura osteoporóticaen lo que le queda de vida auna mujer de raza blanca de 50 años deedad, se estima aproximadamente enun 50%, y en un 20% para el hombre.¿QUÉ ES LA OSTEOPOROSIS?La OP es una enfermedad metabólicaósea sistémica, de carácter crónico yprogresivo, con una elevada prevalenciaen la mujer posmenopáusica. Laenfermedad se caracteriza por una disminuciónde la masa ósea y un deteriorode la arquitectura del tejido óseo:hueso poroso, porótico, "hueso conporos" (Fig. nº 1). Al ser un hueso en elcual esta disminuida su masa y su resistencia,este será muy susceptible a lasfracturas (muñeca, columna vertebral,cadera, hombro). Recordemos que lamasa ósea de una persona va progresivamenteaumentando hasta llegar alos 35 años, momento que de formanatural va disminuyendo. Cuando estapérdida progresiva se acelera por ciertasenfermedades, hábitos de vida o enla mujer en la menopausia, se originala osteoporosis.DIAGNOSTICO DE LA OPLa OP en si misma es asintomática y losíntomas derivados vienen de la apariciónde las fracturas. Aunque se diagnosticanmás casos en personas mayoresde 60 años, también está aumentandoel número de dichos casos enpersonas jóvenes y niños existiendouna relación entre los hábitos de vidaen la escasa formación de hueso enestas edades y la consiguiente pérdidadel mismo. Las radiografías convencionaleso simples no sirven por si solaspara hacer un diagnóstico de OP en lasprimeras fases. Para valorar o medir ladensidad de la masa ósea habrá quepracticar una densitometría ósea ymétodos basados en ultrasonidos. Laradiación recibida por una personaque se someta a estos estudios es realmentemuy pequeña, similar a la quese recibe cuando se trabaja con un simplemonitor de ordenador.OSTEOPOROSIS Y DANZAEn general, las atletas y bailarinas jóvenestienden a padecer de una interrelaciónde tres alteraciones básicasdependientes, en cierta forma, de laactividad física que realizan. En ellasestán involucradas las alteraciones alimenticias,las del ciclo mensual y laosteoporosis.La gran mayoría de los autores que sehan dedicado a evaluar la densidadmineral ósea en relación con las alteracionesalimenticias, concluyen que deestas las más graves y de mayor interésson la anorexia nerviosa y la bulimia.Ambas se ha demostrado que tienen unefecto directo negativo sobre la densidadmineral ósea, la cual puede agravarsesi se combina con otros factorescomo es la intensidad de la actividadfísica y las alteraciones en el ciclo mensual.También se ha comprobado queatletas, con algún tipo de alteración alimenticiasometidos a un entrenamientointenso, incrementaban el riesgo desufrir fracturas por stress inclusive enmujeres con densidad ósea normal.Por su parte, el ballet clásico en elplano profesional no constituye unejercicio físico de actividad intensasino, por el contrario, resulta tener ciertascaracterísticas osteogénicas importantesy fundamentadas principalmenteen las fuerzas de impacto sobre elhueso. El ejercicio al que está sometidoun bailarín es capaz de contrarrestarlos efectos negativos sobre la densidadmineral ósea. Por lo tanto el ballet clásicono disminuye la densidad mineralósea y por ende, estas bailarinas tienenmenor riesgo de padecer una fracturapatológica.Por lo general, las bailarinas no se fracturanpor mala calidad ósea, sino quepor el contrario, deben buscarse otrosfactores que influyan en esto. Es importanteconsiderar las características anatómicasindividuales de cada bailarín ylos efectos biomecánicos que sufre elhueso al someterse a dicha actividaddurante varias horas de ensayo o deentrenamiento.Danza en Escena 39nº25_2009

Donaciones para el Museo¿QUÉ ES LA CASA DE LA DANZA?Es un proyecto activo cuyo objetivo esacoger, estudiar y difundir el arte de laDanza en cualquiera de sus expresiones.Un espacio abierto y versátil, que alberga:una biblioteca, una videoteca, un ampliofondo sonoro y una sala de exposicionesmuseo(colecciones permanentes y temporales)donde los profesionales, los aficionados,los estudiantes o los simplespaseantes pueden descubrir aspectosnuevos así como el profundizar en lasvariadas técnicas y dimensiones de lapropia Danza.Esta iniciativa, nacida al amparo de unaAsociación sin ánimo de lucro -En Escenaycon el firme apoyo del Excmo.Ayuntamiento de Logroño, también tieneque encontrar su verdadero motor de funcionamientoen el decidido apoyo social.Haciéndote ''AMIGO DE LA CASA DE LADANZA'' participarás en este proyecto culturalcolaborando en el mantenimiento desu estructura. La aportación que tu elijasse canalizará hacia campos puramentedivulgativos de la Danza.Para hacerte amigo de la Casa de laDanza, envía tu nombre, dirección , teléfono,y mail a La Casa de la Danza c/RuaVieja 25, 26001 Logroño (La Rioja)*Todos los datos de esta solicitud serántratados de forma estrictamente confidencial.Y en cualquier momento tienen derechoa acceder, rectificar o cancelar suspropios datos (Ley Orgánica 15/1999 de13 de Diciembre) escribiendo a:C/Ruavieja, 25. 26001 Logroño. La Rioja.ACTIVIDADES:“Tardes con la Danza”. Durante los mesesde julio, agosto y septiembre se proyectaráen la Casa de la Danza una selecciónde danza clásica y contemporánea loslunes, miércoles y viernes a las 18h.VISITAS:Los escolares de primero, segundo, terceroy cuarto de primaria pueden disfrutarde los fondos del museo.Concertar en el teléfono: 941 246 365.Días: martes y jueves de 10 a 12.Igor Yebrae Itziar Mendizábal.Tras recibir el Premio de la Danza, organizado por la Asociación deProfesionales de la Danza de Guipúzcoa, Itziar Mendizábal (Bailarina Principaldel Ballet de Leipzig) nos entregó este par de zapatillas de puntas con el quebailó durante la XIII Gala que se celebró en el Teatro Victoria Eugenia de SanSebastián para celebrar el Día Internacional de la Danza 2009.El Sr. Adolfo Yebra, padre de Igor Yebra (Primer bailarín de la Ópera deBurdeos) nos entregó, al finalizar esa misma Gala, el último par de zapatillascon le que el bailarín vasco se despidiera de su público y de la Compañía deVíctor Ullate en su actuación de Barcelona. Con ellas interpretó el role deAlbrech en Giselle.LibrosZapatillas de punta de Itziar MendizabalPINA BAUSCHRaphael de Gubernatis y Leonetta BentivoglioEditorial SolinUn libro en el que se recorren casi todas las coreogarfías deesta gran bailarina y coreógrafa. Contiene estupendas fotografíasde Delahaye.MODELAR EL CUERPO CON EL MÉTODO PILATESAnna Selby y alan HerdmanEditorial IntegralDesarrollar un cuerpo flexible, ágil y armonioso es posible conel método Pilates, una nueva técnica que se basa en la prácticadel "ejercicio consciente". Joseph Pilates descubrió que, gracias ala concentración al mover los músculos del cuerpo, se obtienenresultados espectaculares, como alisar el estómago, estilizar las piernas,fortalecer la espalda o alcanzar el equilibrio de un bailarín.INVITO ALLA DANZA CLASSICAEgida CecchiniInternational Edition MilanoLa profesora Cecchini ha dedicado este excelente trabajo a laMaestra Basarova-Miei, de la escuela rusa. En él se puede descubrirla metodología que se ha utilizado en le Teatro Bolshoide Moscú. Una interesante propuesta de ejercicios y variacionescon detalladas explicaciones y dibujos técnicos para mejorcomprensión. Imprescindible libro de consulta para todos losprofesionales de la pedagogía de la danza.*Estos libros se pueden consultar en la biblioteca de la Casa de la DanzaZapatillas de Igor Yebra40 Danza en Escenanº25_2009

Vitrinas abiertasJosé Carlos MartínezPor Ana Isabel ElviraTiene el prototipo físico del danseur noble, ese que destaca por la elegancia desus movimientos y la imagen principesca, pero bajo su apariencia aristocráticase esconde un hombre sencillo, humilde y campechano. Por eso, aunque en sucalidad de bailarín estrella del Ballet de la Ópera de París ha interpretado losseñoriales roles de las grandes obras del repertorio clásico, como Giselle o Ellago de los cisnes sino también otros personajes que pertenecen a piezas y creacionesmás cercanas a la contemporaneidad de nuestros días, como elNosferatu de Gallota, la Giselle de Ek, e incluso piezas de Pina Bausch.©Ha pasado mucho tiempo desdeque aquel niño de 9 años sesubió por primera vez a un escenariopara interpretar el papel protagonistade Grease vestido de cuero a loJohn Travolta. Fue entonces cuandoJosé Carlos se dio cuenta que habíanacido para bailar, y que a pesar de laseveridad y el duro trabajo de las clasesdiarias, era eso lo que quería hacer enel futuro. Tan sólo tres años después,sabiamente aconsejado por su primeraprofesora Pilar Molina, se trasladó aCannes, a la escuela de la bailarina deorigen americano Rosella Hightower,donde además tuvo el privilegio de contarcon los sabios consejos del catalánJosé Ferrán.Su siguiente paso fue trasladarse a laescuela de la Ópera de París, una de lasmás antiguas y prestigiosas del mundo.Una experiencia de la que sólo disfrutanalgunos aquellos privilegiados quelogran pasar el durísimo proceso deselección, entre los que no suele habercasi ningún español. El salto a la compañíaera lógico, aunque desde luegono fue fácil, pero desde su ingresocomo bailarín de cuerpo de baile haseguido una progresión constante y crecienteque le ha hecho pasar por todoslos escalafones de la pirámide jerárquicahasta llegar al último peldaño de laescalera, el de bailarín estrella.Asegura que no ha olvidado los sabiosconsejos de su primera mentora, quiensupo transmitirle la necesidad de noquemar etapas, de trabajar duro, pocoa poco, escuchando al cuerpo y utilizandoel cerebro para ser consciente de lospropios límites, de esperar y ser pacientepara que los progresos vayan llegandocomo resultado de un proceso, y loha aplicado no sólo a su faceta artísticacomo bailarín, sino también a la decoreógrafo, en la que se embarcó hacealgunos años con Mi favorita.Como intérprete ha cosechado destacadoséxitos e importantes galardonescomo la medalla de oro del ConcursoInternacional de Danza en Varna o elPremio Nacional de Danza en España.Como creador, a pesar de su corta trayectoria,acaba de recibir el premioBenois de la danza 2009 por su coreografíaLos niños del paraíso, estrenadaen 2008 en París. Se trata de uno de losmás importantes y prestigiosos galardonesdentro del mundo de la danza, el"Oscar" de la danza dicen algunos, ydesde luego un alto reconocimiento asu faceta creativa. Pero no será la últimadistinción que reciba, porque el cerebrode José Carlos nunca se para, y continuaránaflorando las ideas, los proyectos,y por qué no, otros Benois de ladanza para sus futuras y, esperamos,exitosas obras.“En el Museo de la Casa de laDanza se puede ver: "Casacaazul de Jose Carlos Martínezdel Lago de los Cisnes".©Danza en escenaDanza en Escena 41nº25_2009

BrevesLAURA Y OSCAR RECIBEN EL PREMIO AISGETres actrices memorables,tres actores depostín y cuatro grandesnombres del mundo de ladanza fueron los receptoresde los I PremiosIberoamericanos, instauradospor AISGE junto aotras entidades homólogasde América Latina. Losgalardonados han sidoSara Montiel, Analía Gadé,Mercedes Sampietro, JoséSacristán, Imanol Arias,Alberto de Mendoza,María Rosa, Víctor UllateUllate -ausente por enfermedad-,la FundaciónAntonio Gades y el tándem que integran Laura Hormigón yÓscar Torrado.JUAQUÍN DE LUZ Y JOSE MARTINEZ.PREMIOS BENOISLas estrellas del ballet españolas José Martínez y Joaquín deLuz fueron premiados, junto a otros bailarines y coreógrafos,con el galardón "Benois de la dance", considerado elÓscar de la danza. Jose Martínez (Cartagena, 1969), coreógrafoy bailarín de la Ópera de París, fue premiado en lacategoría de mejor coreografía por su puesta en escena de"Los niños del paraíso", junto con el británico WayneMcGregor, del Royal Ballet de Londres por "Infra". Y Joaquínde Luz (San Fernando de Henares, 1976), bailarín del NewYork City Ballet, fue galardonado en la categoría de mejorbailarín por su interpretación en "El hijo pródigo", junto al bielorrusoIvan Vasilev, del Teatro Bolshói de Moscú, por "Las llamasde París" y "El corsario".LIBRO 25 AÑOS DE DANZA.Centro cultural caixaterrasaNéli Monès i MestreCon motivo del 25 aniversario de la edición de la programaciónde danza de la Caixa de Terrassa, se ha editado un libroque recorre este cuarto de siglo de la entidad. El libro, unlibro-catálogo, tiene textos de Joaquím Noguero, crítico dedanza de La Vanguardia, y fotografías de Josep Aznar, conocidofotógrafo afincado en Barcelona.El libro sigue temporada por temporada, las actuaciones delas compañías, acompañadas con fotos de gran calidadartística y documental. Al final, cuatro entrevistas a : José deUdaeta, Anna Maleras, Guillermina Coll, Ramón Oller , creadoresde diferentes estilos y ordenados de más a menos porgeneración representativa, finalizan los textos . El libro concluyecon una cronología de gran valor documental dada lafalta de libros sobre la materia.Pero lo más importante, más allá del texto, es la cantidad dedossieres, documentación que posee la entidad, no ya de losque pasaron por su programación anual, sino los que mandaronbooks, material, pero luego no participaron en lastemporadas.Un gran acierto el publicar este libro, y más el añadir conbuen criterio estas cuatro entrevistas bien estructuradas yprofundas dirigidas por la pluma de Joaquím Noguero congran respeto y conocimiento, como siempre, al mundo de ladanza.JOSÉ MANUEL CARREÑO ANUNCIA SU RETIRADAOFICIALEl bailarín cubano José Manuel Carreño anunció su retiradadel American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que habailado ya quince temporadas y con la que seguirá otras dosmás. Es algo que "revelo por primera vez ahora", dijo Carreñoen Tokio al término de uno de los ensayos de la obra Coppéliaque bailó en Japón junto a la española Tamara Rojo.Galardonado con numerosos premios en EE.UU., Carreño semostró agradecido de continuar bailando actualmente, ya quees "lo que más placer" aporta a su vida, confesó. "Pienso hacermi retiro oficial en el 2011 del American Ballet, así que me quedandos temporadas", anunció el bailarín, que dio sus primerospasos como profesional en la Escuela Nacional de Cuba, dirigidapor Alicia Alonso. Una vez deje el American Ballet, "piensoque me quedaré haciendo algunas cosas, pero ya serán obrasmás pequeñas, pienso retirarme un poquito de los grandes clásicos",explicó Carreño, quien no descarta en un futuro dedicarsea la enseñanza de la danza. Carreño, designado en 1995principal bailarín del American Ballet, ha interpretado a lo largode su carrera diferentes papeles en obras como "Don Quijote","Giselle" y el "Lago de los Cisnes", "Romeo y Julieta" y "La BellaDurmiente", entre otras. Nacido en La Habana en 1968,Carreño bailó profesionalmente durante cuatro años en su paísnatal, trabajó en Londres otros cuatro para después ingresar enel ABT de Nueva York.MUERE EL PADRE DE LA DANZA POSTMODERNAEl famoso coreógrafo y bailarín estadounidense MerceCunningham, falleció a los 90 años en su casa de Nueva Yorkpor casuas naturales. Considerado como uno de los grandescoreógrafos y bailarines de todos los tiempos, al nivel deIsadora Duncan, Martha Graham o Sergei Diaghilev. Su trayeccomobailarín empezó en la compañía de Martha Graham, enla cual permaneció hasta 1945. Tras unos años como profesoren el "American Ballet" (1949-1950) fundó su propia compañíaque le llevó a colaborar con artistas como Jasper Johns, RobertRauschenberg, Andy Warhol, Frank Stella y David Tudor entreotros. Con John Cage e influído por la filosofía zen,Cunningham liberó a la danza – mediante el azar y la importanciadel movimiento – de la estricta dictadura musical de ladanza clásica.FE DE ERRATASEn el artículo sobre "RICHARD CRAGUN", de Manuel Hidalgo delpasado número 24, página 16 hay un error: donde dice: "La técnicaen la danza es un fin en sí mismo, no sólo un medio de expresión."debe figurar la siguiente afirmación, en palabras del propioseñor Cragun: la técnica es sólo un medio de expresión y no un finen sí misma. Lamentamos mucho esta confusión.42 Danza en Escenanº25_2009

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