Cercle complet avec Olivier Mosset - Galerie Les Filles du Calvaire

englobe aussi l’atelier de l’artiste)pourrait avoir provoqué une telle réaction. L’utilisation d’un titre
précis ne sert pas à dissimuler mais bien plutôt, à mettre en évidence le fait que l’acte créatif
s’effectue dans le monde des objets et qu’il est ancré dans leur histoire. Ceci a déjà été dit et redit,
mais il est bon de le souligner et même si on le répète uniquement pour se demander si, par
extension, les peintures appartiennent, elles aussi, à ce monde-là.
Lorsque l’on a prié Mosset de s’exprimer sur la rétrospective de ses œuvres de 1965-1985(qui eut lieu
la même année que l’exposition de Genève), il répondit :
« Je n’ai pas de problèmes avec mes anciens travaux. Mieux, et c’est plus amusant, je n’ai plus
vraiment de relations avec eux. Je les considère comme quelque chose qui est là, qui existe, et qui
aurait très bien pu être fait par un autre.(Je pense particulièrement aux peintures avec les cercles.)
»(2) A l’époque à laquelle Mosset peignait les cercles, il ne croyait pas seulement que ce travail se
poursuivrait à l’infini mais que n’importe qui aurait pu le faire. La désinvolture de cette affirmation
reflète aussi bien une sensibilité pop que les nouvelles stratégies qui questionnent la notion d’auteur.
Alors qu’interrogé sur le concept de répétition, Mosset déclarait que les « cercles » provenaient »d’une
mauvaise interprétation d’Andy Warhol », on peut, rétrospectivement, apprécier le résultat comme
anticipant de nombreux courants actuels qui vont des »signes de peinture »des « Surrogates »d’Alan
McCollum jusqu’à la position extrême de fin de partie(endgame) adoptée par des artistes comme
Philip Taaffe ou Sherrie Levine entre autres.
Et c’est exactement à ce point entre la sensibilité pop et les stratégies de l’appropriation que nous
rencontrons un groupe de jeunes artistes, que Mosset a vaguement décrit comme la « génération
post-pop », et qui a, au début des années 80’, posé une série de questions qui nous préoccupent
encore aujourd’hui : la dévaluation de l’originalité(appropriation), l’usage et la mauvais usage des
conventions de la peinture(« néo-géo » et peinture objets), la présentation et l’exposition (ready
mades et objets quotidiens) ainsi que ce qui se trouve entre deux(photographie critique et langage de
publicité).
A New York ces thématiques ont aussi été traitées par les organisateurs des expositions qui se sont
multipliées depuis 1984. Expositions comme Sex à la Cable Gallery, Final Lovechez Cash/Newhouse,
Paravision chez Postmasters, The Art of Memory/The Loss of History au New Museum, Red, à
la Massimo Audiello Gallery et When Attitudes become Form à la Bess Cutler Gallery. Toutes
présentaient Mosset dans un contexte différent de celui des peintres du monochrome auxquels on
l’avait associé. Les peintures qu’il montrait dans ces expositions étaient, pourtant, encore des
monochromes. Selon le contexte, le thème de l’exposition ou leur emplacement, les monochromes de
Mosset paraissaient sobres ou surprenants ; différents dans chaque situation. A côté d’un tableau à
lignes de Ross Bleckner(L’Op-art comme programme manqué)ou d’un monochrome mal tendu de
Steven Parrino (la toile « violée »), les toiles de Mosset semblaient très loin de la question de la «
peinture pour la peinture ». Bien qu’il n’ait jamais réalisé ses peintures à bandes ou ses monochromes
dans cet esprit, la confrontation ouvrait indéniablement un espace actif entre ces œuvres. Par
exemple, un monochrome noir accroché très haut dans un coin, comme un haut-parleur, pouvait
refléter une attitude semblable à celle du « guerilla formalism »(3) de Wallace & Donohue. Les
peintres du monochrome, qui n’avaient jamais été au clair sur l’engagement de Mosset, voyaient leurs
soupçons se confirmer dans ses nouvelles associations avec des artistes jouant en toute liberté avec
les conventions de la peinture, et qui osaient même s’en moquer. En prenant une position légèrement
« ambivalente » mais qui pouvait être simultanément considérée comme positive, Mosset s’est ainsi,
et le plus nettement de tous, rapproché de cette nouvelle génération d’artistes. On constate donc que,
bien avant son exposition genevoise de 1986, les conditions d’une nouvelle interprétation de son
œuvre existaient déjà et qu’il se trouvait, une fois de plus, dans le rôle de membre fondateur d’un
nouveau mouvement, celui qui se formait autour de ce que l’on nommera bientôt le « néo-géo ».
Question : quand est-ce qu’un tableau est terminé ? Réponse : quand il est vendu.
>BR> Dans les années précédant de peu la naissance du phénomène(ou tendance) de la « nouvelle
géométrie », le marché de l’art avait réussi, après une longue période de stagnation, à lancer un
nouveau mouvement : le néo-expressionnisme. Le retour à la figuration, à des images
reconnaissables et surtout auxsentiments de l’art, fit sortir les anciens collectionneurs de leur réserve
et attira de nouveaux amateurs. Les gains réalisés par un marché jusque là en baisse furent
considérables. Les prix des stars_ les artistes devenaient des célébrités_ grimpèrent bien au-delà du
niveau des bourses de moyennes. Bien que l’art ait été de tout temps un excellent placement, aussi
bien sur le plan social que sur le plan financier, une double et monumentale difficulté se posa aux
marchands : d’abord et afin de soutenir l’intérêt des collectionneurs, il s’agissait d’assurer une
production suivie suffisante à un prix abordable, ensuite, de partir à la recherche de quelque chose de
nouveau, parce qu’il est prouvé que la durée de l’intérêt pour la nouveauté est aussi brève que forte