Cercle complet avec Olivier Mosset - Galerie Les Filles du Calvaire

est la demande. Même s’il existait toujours des collectionneurs pouvant acquérir à prix fort des figures
bâtons ou des têtes sans corps, il était facile de prévoir que sous peu ils désireraient posséder
quelque chose d’autre.
Alors que le East Village se laissait définir géographiquement comme le lieu des graffiti et d’un art de
bandes dessinées(cartoons), montrés dans des boutiques comme Fun Gallery et Civilian Warfare, il y
avait, parallèlement, des galeries qui présentaient un travail différent. Tout comme la figuration
européenne « sauvage » était qualifiée de « néo-expressionnisme », l’art plus intellectuel, plus « froid
», que l’on pouvait trouver dans des galeries dirigées par des artistes, comme Nature Morte ou
International With Monument, fut bientôt dénommé « néo-conceptualisme » et « née-minimalisme ».
Même si ces dénominations étaient absolument inutiles aux artistes, elles servirent au moins à poser
deux points de repères sur trois(le troisième étant le pop)et, surtout, des points de départ . En 1985,
des artistes comme Halley, Koons, Lawler, Levine, McCollum, Parrino et Taaffe, avaient tous exposés
dans le East Village.
Et c’est dans ce contexte que fit son entrée le mouvement pictural, géométrique, le plus réducteur qui
avait déjà vu par les collectionneurs américains, les critiques et les marchands en Europe. Petit à
petit, les mêmes galeries qui proposaient auparavant des peintures violentes et sauvages,
commencèrent à se remplir de toiles et d’objets aussi nets que les murs blancs qui les entouraient.
Alors que la narration de ces événements est, par nécessité, forcément brève, elle reflète pourtant
bien la rapidité avec laquelle ces changements eurent lieu. Ils annonçaient le lancement de nouveaux
mouvements qui n’étaient pas encore précisés dans l’esprit des créateurs eux-même.
Les membres ont des privilèges
Pour des artistes comme John Armleder et Olivier Moset, la dite « nouvelle géométrie » ne
représentait rien de vraiment nouveau. Les deux s’y activaient déjà depuis quelques temps, bien que
leur travail tout comme celui d’Helmut Federle, Imi Knoebel, Gerhard Merz et Gerwald Rockenschaub,
n’ait été que peu connu hors des frontières de l’Europe. En 1980 déjà, Olivier Mosset organisa une
exposition au C Space à New York, où se trouvaient accrochées des œuvres d’Armleder et de
Federle. En 1984, Armleder monta l’exposition Peinture Abstraite dans sa galerie Ecart à Genève. En
présentant ses propres tableaux, ceux de Federle, Merz, Mosset et Rockenschaub à côté de ceux de
Fontana, LeWitt, Mangold, Motherwell, Palermo et Ryman, il proposait « une sorte de manifeste »(4).
Pourtant cette première déclaration de principes n’a pu empêcher une fausse compréhension de ce
travail qui fut considéré comme une réaction directe à ce qui précédait. Ces artistes avaient travaillé
pendant près de dix ou même vingt ans avant d’être si « soudainement »découverts. Mais avec des
galeries qui changent leurs expositions toutes les quatre semaines et des revues d’art qui sortent à un
rythme tout aussi rapide le temps se voit comprimé dans un « maintenant » perpétuellement actuel.
Voilà pourquoi, quand un large public commence à s’intéresser à un travail, il ne peut voir que ce qui
est face à lui, sur le moment, et ne peut se souvenir que de ce qui vient juste de se passer.
Uniquement conscient de son apparition et de sa présence, il n’a aucunes données lui permettant de
savoir d’où vient l’œuvre. Ce même public ne peut saisir les intentions de l’artistes, qui ne sont pas
forcément subversives., mais plutôt modestes et rarement dépourvues de doutes. Au cours d’un
entretien avec John Armleder, dans lequel ils traitaient de leur appartenance et de leur intégration à la
« néo-géo », Mosset suggérait que :
« Ces nouvelles œuvres étaient peut être liées au fait que le retour de la figuration m’a fait réaliser
combien l’idée d’une peinture non figurative avait été une idée formidable. J’ai voulu savoir s’il était
encore possible, aujourd’hui, de peindre des toiles non figuratives. (5)
Mosset avoua se trouver dans la situation »où il n’avait plus rien à exprimer avec de grandes toiles
monochromes » et effectivement »ne savait plus quoi faire ». Il était bien sûr tout à fait conscient de ce
qui se passait autour de lui, aussi bien en Europe qu’à New York . Il vit qu’il était à nouveau possible
de peindre des toiles abstraites mettant en question « les illusions certaines ou les utopies de
l’abstraction classique »(6). Il reconnut aussi les stratégies d’appropriation de Taafe et Levine, comme
quelque chose qui avait également fait partie de ses préoccupations(les toiles avec bandes
empruntées à Buren) et cela tout en sachant parfaitement qu’il n’y reviendrait plus jamais. Vers fin
1985, Olivier Mosset avait commencé à approfondir, « par la pratique concrète dans son atelier », s’il
était encore possible de faire de la peinture abstraite, et, si oui, de produire des œuvres qui seraient
engagées dans l’histoire, le marché, le mode de réception de cette dernière.
Trois traits caractéristiques distinguent les peintures réalisées et montrées à Genève, ainsi que celles
qu’il fit juste après à New York : elles étaient composées de bandes de plusieurs couleurs, elles
portaient des titres, et, manifestement, elles étaient peintes à la main. Reproduites, elles paraissaient
extrêmement précises, mais, au naturel, leurs arêtes légèrement floues témoignaient d’un travail