Dossier pédagogique

Dossier pédagogique
Caraïbe en
expansión
exposition du 20 nov.
au 13 déc. 2011
Centre Culturel de Rencontre
Fonds Saint-Jacques
Sainte-Marie
Conception graphique : . Outsourcing o el Norte y el Sur, 2010 d’Abel Barroso. Photo : Ricardo Elías

Sommaire
Genèse du projet 2
à propos de l’exposition... 2
à propos du curator … 2
C’est quoi l’art contemporain ? 3
Visites commentées 3
Pistes pédagogiques 3
Informations pratiques 3
Contacts 3
Abel Barroso 4
Christian Bertin 6
Hervé Beuze 8
Jean-François Boclé 10
Ernest Breleur 12
Ras Ishi Butcher 14
David Gumbs 16
Habdaphaï 18
Alida Martinez 20
Raquel Paiewonsky 22
Bruno Pédurand dit IWA 24
Shirley Rufin 26
Karine Taïlamé 28
Crédits photographiques 30
Glossaire 31
Dossier réalisé par Agata Frankowska-Thuinet
agatafrankowska@gmail.com
1

Genèse du projet
Ce projet d’exposition est né d’une résidence qu’a réalisée José Manuel
Noceda lors d’un séjour à la Martinique en octobre 2010. À l’initiative de la
Direction des Affaires Culturelles de Martinique (ex DRAC). Durant une
semaine, il a pu rencontrer plusieurs artistes martiniquais et échanger avec eux dans
leurs ateliers.
Ce séjour a permis au curator* de sélectionner plusieurs artistes et de débuter
une réflexion sur le projet de l’exposition ayant pour intention de contribuer au
développement de la communication entre les artistes martiniquais et caribéens.
à propos de l’exposition...
… « L’exposition présente une vision contemporaine des scènes artistiques de
la Martinique et des Caraïbes, et leur complexité, étrangère à toute lecture univoque
de la culture et des pratiques artistiques caribéennes. Elle structure des sens à partir
d’une production symbolique dérivée de problématiques historiques et culturelles,
qui met en exergue le sens critique de l’art après avoir disséqué l’alibi historique de
ces pays. »
… « Caraïbe en expansion ne suit pas de fondement générationnel, mais met
en dialogue les artistes de différents âges qui convergent dans cette vocation
d’actualité… »
[Extrait du catalogue d’exposition – José Manuel Noceda]
à propos du curator …
Spécialiste de l’oeuvre de Wifredo Lam mais aussi de l’art contemporain de la
Caraïbe et de l’Amérique Latine, José Manuel Noceda, historien d’art est commissaire
d’exposition du Centre Wifredo Lam qu’il a également co-dirigé entre 2001 et 2005.
C’est l’un des commissaire de la Biennale de la Havane pour laquelle il est
responsable de la sélection des artistes de la Caraïbe. Fréquemment invité à
sélectionner les participants de différentes biennales de la zone Caraïbe et latinoaméricaine
comme celles de République Dominicaine ou de l’Équateur, il fut
commissaire général de la X biennale de Cuenca en 2010. Il prépare actuellement
avec Orlando Britto l’exposition Transverso, installations et nouveaux media en
Amérique latine, programmée en Septembre 2012 à l’Institut d’Art Moderne de
Valence en Espagne.
Auteur de nombreux articles et essais, il est en outre l’éditeur général de la
revue Fotografia Cubana ainsi que membre du comité éditorial de la revue Arte Sur,
publication internationale des pays composant l’ALBA.
Il donne des conférences dans des universités, des établissements
d’enseignement supérieur à Cuba et ailleurs. Il collabore avec la Faculté des Arts et
des Lettres de l’Université de La Havane.
* Tous les mots marqués d’un astérisque sont à retrouver dans le Glossaire à la fin du document
2

C’est quoi l’art contemporain ?
L’art contemporain c’est l’art de notre temps. Les artistes contemporains sont des êtres comme nous,
qui vivent dans la même réalité. Ils vivent des choses, observent la société qui les entoure, l’endroit
qu’ils habitent – et essaient de partager ce qu’ils ressentent avec les spectateurs. Ils utilisent pour cela
des moyens très différents, souvent empruntés à l’époque dans laquelle ils vivent. Parfois c’est même
leur propre corps qui devient le support de leur propos.
Visites commentées
Le parcours choisi propose de découvrir la diversité de modes d’expression des artistes – en
commençant par la peinture, pour arriver par l’art-objet et l’installation jusqu’aux œuvres interactives.
La visite met l’accent sur la capacité d’observation, d’analyse et d’imagination des élèves,
son but est de, en accord avec les programmes de l’Histoire des Arts, favoriser la curiosité de
l’élève et l’échange des impressions dans un esprit de dialogue. L’élève sera sensibilisé aux
formes, techniques et significations des œuvres contemporaines.
Ainsi, chaque œuvre est abordée d’abord par une description orale collective :
Comment faut-il la regarder ? d’un point fixe ? en se déplaçant ?
Que voit-on de loin et de près ?
Qu’est-ce qui nous frappe ? Comment l’œuvre est-elle construite ?
Peut-on reconnaître les matériaux ? Quelles pistes peuvent-ils nous donner ?
A quoi elle nous fait penser ? Qu’est-ce que voulait exprimer l’artiste ?
C’est en avançant dans ce dialogue que le médiateur apporte des informations pour nourrir la
réflexion. Des pistes de réflexion proposées permettront d’élargir la séance et d’aborder d’autres
œuvres ou thématiques.
Pistes pédagogiques
Travail autour de la carte et du territoire
Travail autour du corps
Travail autour des symboles
La place du spectateur dans l’art contemporain
Les visites en direction des classes de l’école primaire pourront être accompagnées d’un atelier
pratique en lien avec l’exposition.
Merci de nous contacter afin de connaître les modalités.
Informations pratiques
Les groupes sont accueillis sur réservation uniquement.
Les groupes ayant un effectif supérieur à 30 personnes sont obligatoirement divisés en deux.
L’accueil des classes et des groupes se fera les mardis et jeudis sur rendez-vous et exceptionnellement
les autres jours.
Visite réservée aux enseignants : le mercredi 23 novembre à 10h. Inscription conseillée
Contacts
arterritoire@gmail.com
Agata 06 96 05 49 57
3

Abel Barroso (né en 1971, vit et travaille à la Havane, Cuba)
art-objet, sculpture
Abel Barroso est diplômé de l’Institut Supérieur d’Art et de l’École Nationale d’Arts Plastiques de la
Havane. Son travail propose une vision critique de l’accumulation des richesses et des relations
géopolitiques entre les pays développés et le « tiers monde ». Il a redonné une modernité à la gravure,
qui devient dans ses œuvres un point de départ pour un travail en trois dimensions, ou même à la
performance. Il a reçu de nombreux prix internationaux, ses œuvres se trouvent dans des collections
au Canada, au Cuba, en Europe et aux États-Unis.
« Intolérance ou Dîner à la frontière » 2009 « Outsourcing » 2010
Xylographie*, sculpture*
Les œuvres d’Abel Barroso peuvent
faire penser à de vieux jouets, des
maquettes en bois qui nous renvoient aux
objets de notre enfance. En faisant appel à
la nostalgie du spectateur, il donne une force
supplémentaire à son propos politique.
Intolérance ou Dîner à la frontière,
réalisée en bois, est une maquette d’un
territoire symbolique. D’un côté des
maisonnettes, de l’autre – des buildings, au
milieu – une table entourée de chaises,
divisée en deux par un mur. Le socle rond,
dont la face du haut s’avère être une carte du
monde, devient une scène de théâtre. Au
milieu un mur, qui divise la Terre en deux.
Le dîner censé être un moment de partage
au sein de la famille ou de la communauté,
devient ici irréalisable. Cette impossibilité
de partager un repas commun symbolise à
l’échelle mondiale l’impossibilité du partage
des richesses.
La même frontière, cette fois en
forme de faille, divise en deux le globe
terrestre dans Outsourcing. On observant
les longitudes, on se rend compte qu’elles ne
peuvent pas se rencontrer, du Nord au Sud.
Si on les aligne, ce sont les continents qui se
trouveraient décalés. L’hémisphère Nord et l’hémisphère Sud se trouvent dissociées et évoluent
indépendamment, comme si elles tournaient dans deux sens opposés.
Les œuvres de Barroso sont une cartographie sociale contemporaine. Ses maquettes et cartes
« truquées » dénoncent la dichotomie entre le Nord et le Sud, ainsi que les politiques mises en place
par les pays riches pour empêcher les migrations vers le Nord. Les frontières d’aujourd’hui n’ont plus
le même sens et deviennent des véritables murs, par lesquels seules les marchandises peuvent circuler.
4

A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège : Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et la place du corps et de l’homme
dans le monde et la nature, Les déplacements dans le temps et l’espace et leur imaginaire
Lycée : Thématique Arts, sociétés, cultures – piste L’art et les autres
Thématique Arts et économie – piste L’art et ses discours
Autres pistes pédagogiques :
- S’imaginer comment se déroule le « dîner à la frontière ». Qui est convié de chaque côté, que
mange-t-on, partage-t-on les plats entre deux familles ? Comment vit-on de chaque côté de la
frontière ?
- Carte et globe terrestre – l’apparition du globe date de l’époque des Grandes Découvertes.
C’est une carte bien particulière qui ne présente plus le monde simplement comme espace,
mais comme objet. Un objet que l’on peut posséder. (CM1 – Carte, Grandes Découvertes,
Collège –Histoire des Arts, Thématique Arts, Etats et pouvoir – piste L’œuvre d’art et le
pouvoir)
- Les grands murs dans l’histoire - La Muraille de Chine, le Mur de Berlin, le mur entre l’Israël
et les territoires palestiniens.
Œuvres à mettre en relation :
- Différentes formes d’engagement – comparer la démarche d’Abel Barroso avec celle de
Banksy- graffitis sur le mur de Gaza http://www.banksy-art.com/artiste-engage.html
5

Christian Bertin (né en 1952, vit et travaille à Bellefontaine, Martinique)
installation
in situ
Christian Bertin, originaire du quartier populaire de Trénelle Citron à Fort-de-France est diplômé des
Beaux-Arts de Mâcon. Son travail, s’articule autour de deux préoccupations : l’éruption de la Montagne
Pelée et la traite négrière. Ces deux éléments, liés pour la Montagne Pelée à la violence des éléments
naturels et pour la traite, à la violence des humains à travers le commerce triangulaire, sont pour
l’artiste significatifs de drames qui ont marqués profondément la vie et l’imaginaire des Martiniquais.
Soleil Nègre 2011
installation, bidons, palettes de transport, vêtements, papiers, peintures
Soleil Nègre est une installation in situ* dans l’espace extérieur du Fonds Saint-Jacques. Elle
est créée avec des bidons,
palettes, vêtements et
papiers, sur lesquels
l’artiste est intervenu
avec de la peinture. Ces
totems, que l’artiste
préfère nommer
« esprits » guident l’œil
du spectateur dans
l’espace de l’ancienne
exploitation sucrière,
l’encouragent à
s’aventurer dans le
jardin, en rythmant ses
déplacements. Christian
Bertin construit un
mémorial* éphémère
pour rendre l’espace du
Fonds Saint-Jacques aux
génération d’esclaves qui
durent y travailler.
Il créé ses œuvres dans une démarche d’appropriation. Les objets prélevés dans le réel
remplacent la représentation*. L’usage ancien des objets utilisés disparaît, mais ce qui reste, c’est leur
histoire. Ils ont voyagé, ont échoué à la plage, ont été perdus ou jetés par leurs propriétaires Parfois
ils ont été travaillés par les intempéries où la mer. Ils portent en eux une mémoire. Les palettes
évoquent le déplacement, ainsi que le commerce dans le contexte insulaire.
Ce ne sont pas des matériaux nobles, mais des rebuts qui parlent de la société qui les a
produits et délaissés. Christian Bertin les a récoltés au gré de ses errances – au bord de la mer (dans la
zone de 50 pas géométriques), dans une prison désaffectée, à la campagne.
Ici, ce processus de récupération est double. En réalité, les bidons qui ont servi à la
construction du Soleil Nègre, proviennent d’une installation qui était restée exposée dans le terrain de
l’atelier de l’artiste pendant de longs mois. A l’époque, sous forme d’un serpent rouge, elle fût couverte
par l’artiste accompagné par ses étudiants de citations d’Aimé Césaire et de Frantz Fanon. Le serpent
est donc devenu soleil, comme en écho au poème Soleil serpent du recueil Les armes miraculeuses.
En s’approchant de ces tours de bidons, on s’aperçoit sur certains papiers collés le visage
d’Aimé Césaire ainsi qu’une inscription « Soleil Noir ». Il s’agit ici de photocopies d’un article sur le
6

poète, qui était accompagné de reproductions de peintures que Christian Bertin avait réalisées, inspiré
par son père spirituel. Ses poèmes se trouvent d’ailleurs souvent incorporés à l’intérieur des œuvres,
ou même distribués sur de petits papiers aux passants, lors de performances.
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège : Thématique Arts, Etats et pouvoir – piste L’œuvre d’art et la mémoire
Thématique Arts, ruptures, continuités – piste L’œuvre d’art et sa composition
Lycée : Thématique Arts, mémoire, témoignages, engagements – piste L’Art et la
commémoration
Thématique Arts, contraintes, réalisations – piste L’art et les étapes de la création
Autres pistes pédagogiques :
- Faire une liste des matériaux utilisés par Christian Bertin.
- Intervention dans le paysage. Comment l’œuvre interagit avec le lieu où elle est présentée ?
- Expression écrite – analyser l’œuvre de Christian Bertin à partir de la citation de Kurt
Schwitters « On peut crier avec des ordures et c’est ce que je fis, en les collant et les clouant
ensemble »
Œuvres à mettre en relation :
- L’usage des matériaux chez Serge Hélenon
- Les objets affectifs de Christian Boltanski
- Kurt Schwitters – recours à des matériaux de rebut
7

Hervé Beuze (né en 1970, vit et travaille à Fort-de-France, Martinique)
art-objet
Diplômé de l’Institut Régional d’Arts Visuels de Martinique, Hervé Beuze développe un travail
d’installation par laquelle il tente de cerner l’identité martiniquaise. La carte de la Martinique devient
dans son œuvre une véritable matrice. Déclinée par l’artiste, peinte ou faite d’assemblages de
matériaux symboliques, elle révèle les multiples facettes de ce territoire.
« Matrices » 2009
Métal, riveté, acrylique
Trois cartes de la Martinique visibles dans l’exposition font partie d’une série bien plus
importante. C’est une image qui revient sans cesse dans le travail de Hervé Beuze, sous différentes
formes – peinte, créée sous forme
de collage photographique, faite
d’assemblages d’objets diverses,
recréée en version monumentale
avec des matériaux naturels.
Chaque déclinaison est une
réponse possible à la question de
l’identité du territoire martiniquais.
Comme le dit l’artiste, c’est une
« tentative de dire
un nous collectif ».
Entre une cartographie
imaginaire et une métaphore
picturale, l’artiste offre à voir les
multiples réalités de l’île, liées à
l’histoire ou à l’actualité. Les
matériaux sont choisis à la fois
pour leur qualité plastique et leur
charge symbolique. Il s’agit souvent
des éléments liés au monde de
l’usine sucrière –les roues, la
canne, la begasse. L’utilisation de
ces matériaux chargés d’une
signification historique permet de
rappeler que les rouages du
système colonial continuent
d’influencer la réalité
martiniquaise au début du XXIe
siècle.
Il s’agit également de
casser la vision idyllique que
peuvent avoir de ce territoire
caribéen les touristes - l’ile à la
végétation luxuriante, bordée de
plages de cocotiers. Ainsi, le mot
SUN, signifiant « soleil » en
anglais, surgit au milieu de l’œuvre
portant le même titre. Il apparaît
comme s’il s’agissant des lettres
d’une des plaques
d’immatriculation des voitures qui envahissent l’ile jusqu’aux derniers recoins. Il ne s’agit pas
seulement d’une critique de la société qui donne une place trop importante à la voiture, en couvrant
petit à petit la surface de l’ile de routes de plus en plus larges. La plaque d’immatriculation renvoie
encore une fois à la question de l’identité – qui ici se résume au nombre 972.
8

A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et la place du corps et de l’homme dans le
monde et la nature, Les déplacements dans le temps et l’espace et leur imaginaire
Thématique Arts, Etats et pouvoir – piste L’œuvre d’art et la mémoire
Thématique Arts, ruptures, continuités – piste L’œuvre et sa composition
Lycée :
Thématique Arts et économie – piste L’art et ses discours
Thématique Arts, contraintes, réalisations – piste L’art et les étapes de la création
Thématique Arts, informations, communications – piste L’art et ses fonctions
Autres pistes pédagogiques :
- Imaginer sa propre carte de la Martinique, à l’instar de l’artiste.
- Expression écrite autour de la citation d’Hervé Beuze “Je ne suis pas à la recherche d’une
culture mythique. La culture est selon moi un processus en construction permanente comme
le magma bouillonnant du Monde. Le figé et l’identique enferme. La création et l’expression
contemporaine permet la survie et l’échange”
-
Œuvres à mettre en relation :
- D’autres créations de Hervé Beuze
- L’île Aruba d’Alida Martinez
- Faire des cartes de France – Annette Messager http://www.musee-lam.fr/archives/1463
- Anselm Kiefer, Jochen Gerz - artistes dont le travail sur la mémoire et l’identité inspire Hervé
Beuze
9

Jean-François Boclé (né en 1971 en Martinique, vit et travaille entre Paris et Bruxelles)
installation
Diplômé de Lettres Modernes à l’Université de Sorbonne et de l’École Nationale Supérieure des Beaux-
Arts à Paris, Jean-François Boclé reste profondément marqué par la Martinique où il a vécu jusqu’à
l’âge de 15 ans. Il utilise de multiples médias, vidéo, dessins, sculptures, installations ou performances.
Ses travaux évoquent le passé colonial pour parler de la société actuelle. Jean- François Boclé fut
récemment invité en résidence à Instituto Buena Bista (Curacao). Il expose régulièrement dans des
expositions internationales telles que la Biennale de Thessalonique (Grèce, 2007) la Biennale de la
Havane (2009, Cuba),...
http://www.jeanfrancoisbocle.com/
Caribbean Hurricane 2010-2011 installation, ventilateur, tissu, texte
Rouge, blanc, bleu
Trois couleurs, quatre pays qui continuent à découvrir les Caraïbes.
Nous savons survivre aux ouragans.
Mais qui peut regarder dans les yeux d’un ventilateur ?
L’installation* de Jean-Fraçois Boclé se trouve dans une pièce délimitée par des cloisons
blanches. Or, le spectateur ne peut pas y accéder. Un ventilateur brasse de l’air en mettant en
mouvement des rubans de trois couleurs, et empêche de pénétrer dans l’espace de l’installation. Le
rouge, le blanc et le bleu qui envahissent l’espace, le fouettent et créent une agitation incessante,
renvoient aux drapeaux des quatre pays présents dans la Caraïbe : la France, la Hollande le Royaume
Uni, et les Etats Unis. L’utilisation des couleurs nationales met l’accent sur la force de la violence
symbolique du phénomène d’acculturation.
Jean-Fraçois Boclé utilise un objet industriel, familier des intérieurs caribéens, mais issu de
l’import. Cette installation est constituée d’un ventilateur et de tissus tricolores, mais aussi du
mouvement de l’air qui les anime.
10

Jean-François Boclé porte un regard critique sur le monde, il trace les signes d’une idéologie et
iconographie coloniales persistantes. Ses œuvres se réfèrent souvent à l’esclavage, en dépassant une
simple dénonciation historique elles permettent de lire le présent de manière critique.
Jean-François Boclé est né en 1971 à Fort-de-France. Très tôt la question de l'identité s'est placée
pour lui du côté de l'incertitude. À quinze ans, son arrivée à Paris après un départ brutal – sans même
qu'il ait eu le temps de faire ses bagages – , est l'occasion de la découverte d'un "nouveau monde",
celui, comprend-t-il bientôt, du délit de faciès. L'exil s'ajoute à la perte antérieure des photographies
de sa petite enfance, plaçant à nouveau pour lui "l'identité du côté de la béance" et fondant l'origine
d'un dispositif d'énonciation dans lequel le signifiant disparition constituera le matériau premier. Lors
de sa formation à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts, la problématique de l'effacement des mémoires
individuelles ou collectives, celle de la perte – volontaire ou non –, d'information et de sens, devient le
fil conducteur d'un travail de mémoire sur la traite Atlantique et la colonisation. Jean-François Boclé
entreprend alors une recherche documentaire, lit Édouard Glissant, Louis Sala-Molins et tous ceux qui
mettent au jour le scandale toujours actuel de l'esclavage et les lacunes que comporte l'histoire
concernant l'Afrique et la Caraïbe, mais aussi la violence et l'exclusion au quotidien, aujourd'hui, dans
les milieux urbains européens (…) - Evelyne Toussaint - Extrait du catalogue d’exposition
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et l’évocation du temps et de l’espace
Thématique Arts, Etats et pouvoir – piste L’œuvre d’art et le pouvoir
Thématique Arts, techniques, expressions – piste L’œuvre d’art et la technique
Lycée :
Thématique Arts et économie – piste L’art et ses discours
Thématique Arts, informations, communications – piste L’art et ses fonctions
Thématique Arts et idéologies – piste L’art et les formes d’expression du pouvoir
Autres pistes pédagogiques :
- Travail sur les cartes de la Caraïbe.
- Travail autour des symboles.
- Utilisation d’objets manufacturés dans une œuvre d’art
- Comment le corps du spectateur est-il sollicité (ou empêché) dans une installation ?
Œuvres à mettre en relation :
- Ventilateur dans l’art contemporain ? différents usages : Alice Aycock (quatre ventilateurs
disposés de manière à fabriquer une petite dune avec le sable déposé sur le sol) , Roman
Signer (deux ventilateurs accrochés au plafond, qui se repoussent)
11

Ernest Breleur (né en 1945, vit et travaille en Martinique)
installation
Habité par des questions liées à la vie et la mort, il les explore d’abord dans la peinture, ensuite dans
un travail d’installations, dont le matériau principal est la radiographie. En s’appropriant les gestes et
les outils du chirurgien, il reconstruit les corps et les visages des disparus et oubliés de l’Histoire.
Ernest Breleur fut enseignant et directeur de l’Institut Régional d’Arts Visuels de Martinique jusqu’en
2011.
Reste enfants soldats du Sierra Leone 2003
Installation, radiographie, nylon, jouets, tissus, son Pascal Bailleul
En 1994 Ernest Breleur abandonne la peinture pour explorer un nouveau médium* – la
radiographie - d’abord dans une approche bidimensionnelle, pour se déployer ensuite dans l’espace
sous forme d’installations. Les images radiographiques amènent une présence fragmentée et
fantomatique du corps que l’on peut imaginer souffrant. Bien qu’il s’agisse de clichés réalisés sur des
patients bien distincts, le corps
devient universel, sans âge ni sexe,
sans appartenance raciale. C’est un
matériau issu du monde réel,
étranger au monde de l’art.
Une multitude de fragments
de radiographies flottent accrochés
à des fils transparents, au-dessus
d’un demi-globe. L’installation
implique le déplacement du corps
du spectateur dans l’espace. Chaque
perspective offre une vision
différente. Le matériau utilisé tantôt
reflète la lumière, tantôt permet
d’’apercevoir l’image des ossements
sur le support semi transparent. Le
regard peut porter alors plus loin, à
travers l’image, sur l’espace réel. Le
son joue un rôle important dans
l’installation, elle conditionne la
manière dont l’image sera perçue
par le spectateur. L’utilisation de
vrais jouets provoque une sensation
de mal-être. A qui pourraient-ils
appartenir ? Pourquoi sont-ils
associés aux images des ossements ?
C’est ici, qu’il est nécessaire de se
référer au titre.
Ernest Breleur explique qu’
« au cœur de (son) travail ne se
joue pas la question du beau mais
celle de l’éthique et de l’esthétique
dans les pratiques
contemporaines ». En artiste
engagé, il aborde dans cette
installation le sort des enfants -
soldats lors de la guerre civile en
Sierra Léone, qui a ravagé le pays
diamantifère entre 1991 et 2001.
12

A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et la place du corps et de l’homme dans le
monde et la nature
Thématique Arts, ruptures, continuités – pistes L’œuvre d’art et la tradition et L’œuvre d’art et sa
composition
Thématique Arts, techniques, expressions – piste L’œuvre d’art et l’influence des techniques
Lycée :
Thématique Arts, réalités, imaginaires – piste L’art et le réel
Thématique Arts, corps, expressions –piste Le corps, présentation
Thématique Arts, mémoires, témoignages, engagements – pistes L’art et la commémoration et
L’art et la violence
Autres pistes pédagogiques :
- Créer des mobiles en utilisant des matériaux semi-transparents (plastique, pellicule) et des
photographies découpées dans la presse. Essayer d’illustrer différents sentiments – joie,
colère, solitude….
- Comment le son influence l’expérience visuelle ?
Œuvres à mettre en relation :
- La peinture d’Ernest Breleur
- Marina Abramovic, série photographique The Family - une mise en scène des enfantssoldants
du Laos
http://www.bartschi.ch/ggb.php?opt=work&id=6656&op=showone&size=medium
13

Ras Ishi Butcher (vit et travaille à Barbade)
peinture
Ras Ishi Butcher rentre sur la scène artistique avec l’obtention de la médaille d’or à la Biennale de
Peinture Caribéenne et Latino-Américaine à Saint Domingue en 1992, avant d’obtenir le diplôme des
Beaux-Arts à l’Université d’Études Supérieures (ISA) à la Havane. Dans ses peintures figuratives
schématisées, qui laissent apparaitre des aspects abstraits et symboliques, l’artiste étudie la société
caribéenne.
Piece of the Rock (Morceau du rocher) série From the Secret Diaries
Triptyque, huile sur toile
Piece of the rock est un grand triptyque* composé d’un tableau central, représentant une
mosaïque de petits carrées, accompagné de chaque côté d’images qui fonctionnent comme des
agrandissements possibles prélevés sur l’icône du milieu. Le dessin est simplifié, schématique, la
représentation de l’espace ne se veut pas réaliste. Les couleurs prédominantes sont le blanc et le noir,
de temps en temps accompagnées par des aplats de couleurs appliqués de manière hasardeuse, comme
sur un coloriage à peine commencé. Ainsi, sur le panneau de droite, on voit une maison dont seuls les
encadrements des fenêtres et de la porte sont peintes en bleu, peut-être pour chasser les mauvais
esprits. Tandis que le palmier brandit des feuilles vertes, le bananier attend toujours d’être colorié. Sa
position par rapport à la maison surprend – une feuille se trouve devant, tandis que l’autre derrière le
bâtiment.
Quelques fleurs poussent sur la bordure sombre du bas, qui répond au bandeau en haut,
délimitant le ciel. Est-ce la lune, ce rond bleu qui s’élève un peu plus haut que la petite étoile rouge ?
Ces deux bandes noires, reliées sur les côtés par des lignes verticales, organisent la composition du
panneau.
On retrouve la même ligne d’horizon sur le panneau de gauche, représentant un personnage
stylisé* – son corps très simplifié est vu de face, tandis que sa tête de profil. Il fume une pipe, sa
bouche ouverte semble trop grande. Il fait penser à une statuette, sa tête a la forme d’un cône, avec un
point rond et bleu comme œil. Inutile de chercher son nez !
Il porte un chapeau colonial. Seule sa cravate, qui laisse aussi penser qu’il s’agit d’un
personnage important, a été coloriée. Le reste – le corps, les vêtements et les grandes chaussures sont
blanches. Il se détache sur le fond contrasté. Ses bras sont longs, il se repose sur une canne noire,
posée sur ce qu’on peut imaginer être un champ. Mais là encore, on comprend qu’il ne s’agit pas d’une
représentation réaliste de l’espace – quelques petites images carrées se sont enfuies du panneau
centrale, et circulent librement.
14

« Comme un jeu de ‘pouilleux’, le grand triptyque Piece of de Rock de Ras Ishi confronte le spectateur
à des images simplifiées et singulières, dont les significations se révèlent en les associant par paires
les unes aux autres.
Lesquelles vont ensemble ? Laquelle est dépouillée ? Le canevas central est un lavis de cartes,
un ensemble d’icônes, tant familières qu’ésotériques, alors que d’autres sont vierges, attendant
encore d’être marquées d’un symbole révélateur. Un récit serpentin du passé au futur, de la
colonisation brutale aux aspirations modestes, est séparé par un précipice graphique coordonné de
pierres de gué, un labyrinthe zigzaguant de routes qui tournent autour d’elles-mêmes avant de
s’orienter en avant.
Deux images agrandies organisent ce panneau central. Laquelle lui appartient: le
colonisateur contremaître dans les champs de culture ou la maison étayée du laboureur sans terre ?
Les deux revendiquent provisoirement une légitimité précaire. Qui est l’habitant, qui est le colon ?
Qui s’approprie et qui cultive ? Le désir de revendiquer un territoire, de s’emparer d’une part du
rocher (piece of de rock) est un désir de surveiller à la fois visibilité et stabilité. On ne peut écrire ses
racines là où le sol ne trouvera pas ses fondements. » Allison Thomson - Extrait du catalogue
d’exposition
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, créations, cultures - piste L’œuvre d’art, la création et les traditions
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et l’évocation du temps et de l’espace
Thématique Arts, mythes et religions – piste L’œuvre d’art et le sacré
Lycée :
Thématique Arts et sacré– piste L’art et les croyances
Thématique Arts, sociétés, cultures – pistes L’art et l’appartenance et L’art et les identités
culturelles
Autres pistes pédagogiques :
- Dessiner des personnages simplifiés à partir de formes géométriques.
- Travail autour de la composition.
…à mettre en relation
- Henri Guédon
- Basquiat
- Statuaire de l’Afrique de l’Ouest
15

David Gumbs (né en 1978 à Saint-Martin, vit et travaille en Martinique) installation
interactive numérique
Diplômé de l’Institut Régional d’Arts Visuels de Martinique et d’un Master spécialisé de conception en
nouveaux média (Les Ateliers/ENSCI Paris), David Gumbs est peintre, photographe et auteur
numérique. Son travail est consacré aux expérimentations visuelles liées au métissage et à
l’hybridation de la pensée. Attiré par le monde macroscopique, il inscrit ses recherches plastiques
principalement dans les champs du corps et du paysage. Il explore les fragments de son histoire pour
révéler ce qu’il appelle une “archéologie mentale”. David Gumbs expose régulièrement (Habitation
Galion à Fort-de-France 2011, Latitudes 2009 à Paris)
VDO- Voyage dans l’œuvre 2011
Installation vidéo interactive*
« En tant que peintre plasticien, je me suis souvent demandé d’où viennent ses souvenirs et
instantanés qui me traversent l’esprit pendant l’acte de peindre ou de dessiner.
Des souvenirs, des réflexions qui modifient parfois la composition finale de l’œuvre. Mais qui restent
invisibles aux yeux du spectateur une fois l’œuvre terminée.
C’est de cette idée qu’est née l’installation vidéo “Le voyage dans l’œuvre - VDO”. Elle questionne la
restitution au public de la part de l’imaginaire codé, camouflé, et sous-jacent de l’artiste.
Le voyage dans l’œuvre est une installation vidéo interactive qui tente donc de répondre à ce
questionnement. Il s’agit d’un tableau interactif qui réagit au déplacement d’un spectateur. En effet,
l’approche progressive de l’utilisateur vers le dispositif, offre à ce dernier un voyage dans le maillage
d’une peinture (numérique). Où chaque pas et geste vers l’œuvre écarte davantage sa densité et
lorsqu’on est suffisamment proche, et intime, des fragments de souvenirs aléatoires, des paysages
macroscopiques, des scènes du quotidien, se révèlent.
Cette piste de recherche est inspirée par les avancées scientifiques dans le domaine de l’imagerie à
rayon X. En effet, grâce aux rayons X, les repentirs de certains artistes majeurs de l’histoire de l’art
sont maintenant connus. Le sens donné initialement à l’œuvre se voit parfois donc profondément
modifié » - David Gumbs
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On qualifie d’art interactif un dispositif qui réagit en fonction du public ou de
l’environnement. Il n’utilise pas obligatoirement d’outils numériques, comme c’est le cas du VDO. On
peut dire donc de l’installation de David Gumbs qu’elle est une œuvre interactive numérique. Plus
précisément, l’œuvre n’a pas lieu, tant qu’un visiteur ne s’approche pas des capteurs de mouvement.
Ce n’est que grâce à son intervention que l’œuvre a lieu véritablement. Elle se renouvelle à chaque fois
que l’on rentre en interaction avec elle. Ce n’est ni l’écran, ni le programme informatique que l’on
qualifie d’œuvre dans ce cas, mais bien chaque intervention d’un corps humain qui devient donc une
œuvre unique, que l’on ne peut pas refaire à l’identique. On ne peut plus parler de spectateur, mais
plutôt d’acteur, ou bien de sujet participant.
Dans VDO- Voyage dans l’œuvre on est d’autant plus acteur, que notre image se trouve
intégrée dans la vidéo. A partir de ce moment, le médiateur ne peut plus vous dire ce qui va se passer.
C’est à vous de jouer !
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et la place du corps et de l’homme dans le
monde et la nature
Thématique Arts, techniques, expressions – piste L’œuvre d’art et l’influence des techniques
Lycée :
Thématique Arts, réalités, imaginaires – piste L’art et le réel
Thématique
techniques
Arts, sciences et techniques – piste L’art et les innovations scientifiques et
Autres pistes pédagogiques :
- Faire son autoportrait intégré dans une œuvre d’art connue (utilisation du collage)
- La place du sujet dans l’œuvre interactive
- Un jeu vidéo peut-il être une œuvre d’art ?
…à mettre en relation :
Artistes qui inspirent David Gumbs :
Fred Forest www.fredforest.org
Miguel Chevalier www.miguel-chevalier.com/fr/index.html
Samuel Bianchini www.dispotheque.org
Thierry Fournier www.thierryfournier.net
Grégory Chatonsky www.incident.net
Dossier « Nouveau Média » du Centre Pompidou
http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-nouveaux-medias/ENS-nouveauxmedias.html
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Habdaphaï (né en 1960, vit et travaille au Marin)
peinture, dessin
Artiste plasticien présent dans le monde culturel martiniquais depuis les années 80, Habdaphaï est
l’un des fondateurs du Marché d’art contemporain du Marin et de la Galerie Odpis’7. Toujours en
quête d’identité martiniquaise et caribéenne, il développe un travail autour des symboles d’un monde
culturel syncrétique. Il utilise la peinture, mais aussi la vidéo ou la performance.
Voyage des Esprits 2000-2004
Installation de dessins, technique mixte sur papier
De petites feuilles blanches couvertes de symboles se trouvent épinglés à des dessins en forme
d’enveloppes. On pourrait s’imaginer que chaque petite feuille est en réalité une lettre qui devrait se
trouver à l’intérieur d’une des enveloppes. Qui les a écrites ? A qui s’adressent-elles ?
En 2000, Habdahpaï s’agace – pourquoi n’est –il pas possible de placer son œuvre dans un
grand musée sans être obligé de passer par de nombreux intermédiaires ? Il prépare donc des lettres
qu’il enverra dans les plus grandes institutions muséales. Mais cette fois, il ne s’agit pas de dossiers de
présentation de son travail. Dans chaque enveloppe il place des senteurs de la Martinique. Dès que la
lettre se trouve ouverte par le personnel d’un musée – les esprits martiniquais, qui ont sagement
voyagés par la poste, sont libérés dans l’espace d’exposition. Par ce geste poétique, qui dépasse l’atelier
et rentre dans l’espace du réel, Habdaphaï rappelle combien il est difficile d’exister dans le monde de
l’art pour les créateurs issus de territoires périphériques.
Après la destruction de World Trade Center le 11 septembre 2001, arrive une série d’attaques
utilisant des enveloppes piégées à l’anthrax, quiprovoquent la mort de cinq personnes. Habdaphaï est
alors contraint d’arrêter son action, car les enveloppes risquent d’être suspectées de contenir les
dangereuses bactéries. Il
continue à travailler l’idée
du voyage des Esprits par
le biais de la peinture et
du dessin. On y retrouve
des
symboles
caractéristiques de ses
œuvres antérieures. Il
s’agit d’un langage à part
entière, créé par l’artiste
tout au long de ses
recherches sur l’identité
martiniquaise. Certains
signes sont empruntés
aux
cultures
Amérindienne et
africaines, d’autres sont
des
créations
personnelles. Il y en a
plus de 230 à l’heure
actuelle, mais quelquesuns
semblent revenir de manière très récurrente dans les dessins et peintures. Une calebasse, une
voiture, un « Y » qui, associé à un point et quelques courbes piège le spectateur avec humour, en lui
faisant apercevoir un corps de femme sans tête. L’artiste, à qui l’on a demandé la signification de ces
signes répond, qu’il est propre à chacun d’y voir ce qu’il souhaite.
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Son œuvre, fruit du syncrétisme culturel, parle de la Martinique actuelle de manière critique,
mais cela ne l’empêche pas d’être pleine d’humour et de témoigner d’une joie de vivre.
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, créations, cultures - piste L’œuvre d’art, la création et les traditions
Thématique Arts, mythes et religions – L’œuvre d’art et le mythe
Thématique Arts, ruptures, continuités – piste L’œuvre d’art et sa composition
Lycée :
Thématique Arts et sacré– piste L’art et les croyances
Thématique Arts, sociétés, cultures – pistes L’art et l’appartenance et L’art et les identités
culturelles
Autres pistes pédagogiques :
- Créer son propre système de signes et symboles à l’instar de l’artiste. Faire des dessinsmessages
codés.
- Fabriquer et décorer des enveloppes, y mettre une lettre secrète d’un Esprit
…à mettre en relation :
- D’autres œuvres d’Habdaphaï
19

Alida Martinez (1964, née au Venezuela, vit et travaille à Aruba)
installation
Le travail d’Alida Martinez utilise divers média comme le dessin, l’installation, le textile ou la
performance pour explorer les thématiques qui l’intéressent : la sexualité, la maternité, les souvenirs
ou la vocation artistique. En 2000 Alida Martinez a ouvert la Galerie Insight où elle travaille en tant
que commissaire d’expositions et coordinatrice d’ateliers.
L’île d’Aruba 2011
Installation
Trois socles blancs soutiennent chacun un objet : une maquette de maison, un sabot hollandais
en céramique et une statuette de Mickey de couleur jaune. La présence des socles renvoie à la sculpture
et donne une importance aux bibelots présentés. Au-dessus de chaque objet – la forme de l’île natale
de l’artiste – Aruba, couverte d’images et motifs symboliques. Palmiers, faïence ou paramilitaire -
aucune des trois versions ne semble convenir à Alida Martinez qui demande : Donnez-leur la foi en
leur propre voix. Selon José Manuel Noceda, l’artiste dénonce « des incohérences entre la
représentation d’une réalité paradisiaque ou conforme aux modèles imposés par la culture globale
(…) ».
Il s’agit d’une installation – les objets n’ont pas été réalisés par l’artiste. Elle les a choisis et
agencés. Ils proviennent du monde réel et symbolisent les différentes identités imposées à son île
natale –paradis touristique, ancienne colonie hollandaise, pays qui importe des produits et des modes
de vie américain. Il s’agit donc d’une dénonciation des images imposées par d’autres, et de
l’acculturation, qu’elle soit liée à la colonisation ou à la mondialisation. Le sourire de Mickey ne doit
pas tromper.
« Opérant dans une pluralité de traditions, de produits et relations interculturelles modernes
et contemporaines, Martinez sélectionne très bien les matériaux de façon à trouver ces dichotomies
imposées par les anciens pouvoirs coloniaux ou par les directions actuelles de la mondialisation,
pour parler de l’identité, ses éléments essentiels et ses frontières. » - José Manuel Noceda - Extrait du
catalogue d’exposition
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A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, ruptures, continuités - piste L’œuvre et sa composition
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et l’évocation du temps et de l’espace
Lycée :
Thématique Arts et sacré– piste L’art et les croyances
Thématique Arts et économie– pistes L’art et ses discours
Thématique Arts et idéologie – piste L’art et les formes d’expression du pouvoir
Autres pistes pédagogiques :
- Quels objets pourrait-on choisir pour représenter la Martinique ?
- Faire une liste d’objets et produits issus de la culture américaine, présents dans notre vie
quotidienne
- …à mettre en relation
- Analyse comparative avec les œuvres de Hervé Beuze.
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Raquel Paiewonsky (née en 1969, vit et travaille à Saint-Domingue, République Dominicaine)
Installation
Diplômée de peinture et design textile, Raquel Paiewonsky questionne le corps en tant que
construction culturelle, mais aussi en tant que récipient qui contient les expériences que nous
traversons dans la vie. En 2009, elle a exposé dans le Pavillon Latino-Américaine à la Biennale de
Venise.
Bitch Balls 2010
installation, ballons, broderie, microfibre
Neuf sphères, chacune marquée d’un cercle de couleur différente, terminé par une petite
excroissance conique, révèlent rapidement au spectateur leur véritable identité. Ce sont des seins
géants, indépendants de tout corps, avec des mamelons de taille exagérée. Ils sont couverts de
microfibre – tissu synthétique qui fait penser à la peau humaine. Ils portent des teintes représentatives
des couleurs de peau de la société dominicaine.
Le titre de l’œuvre joue sur le sens des mots anglais beach et bitch – plage et chienne. L’artiste
explique qu’il s’agit
de « revendiquer ce
dernier terme qui
en anglais signifie
chienne en chaleur.
Dans le jargon
populaire, il a été
adopté comme un
terme péjoratif en
établissant la
comparaison entre
une femme et une
chienne en chaleur,
cela indiquant
l’aspect humiliant
et dénigrant le
rapport sexuel qui
doit être vécu par
la femme. Bitch est
pour moi un terme
sympathique qui
est devenu assez
universel et que je
prétends utiliser
comme allié dans mes représentations du féminin. » - Extrait du catalogue d’exposition
Chaque sein cache à l’intérieur un ballon de plage. Leur utilisation renvoi à plusieurs choses –
le corps-jouet, le corps-artificiel, le corps dépourvu d’âme. Les ballons sont vides, légers, toujours
ronds et prêts à rebondir, ils servent à s’amuser, jouer. Ces seins-simulacres dépourvus de leur rôle
nourricier ne font plus penser ni aux statuettes Artemis à la poitrine multiple, ni à la Venus de
Willendorf, la déesse mère aux formes pleines.
Raquel Paiewonsky dénonce avec beaucoup d’humour le rapport au corps présent dans notre
société. Société qui glorifie l’artificiel, ne laisse rien à l’imagination, enlève au corps féminin son
caractère intime et sacré, lié à la maternité : « Le rôle, le pouvoir et la sensation si merveilleusement
complexe de cette magnifique partie de notre corps a été remplacée par un schéma massif qui nous
déconnecte profondément de l’essentiel ».
La broderie faite à la main sur les mamelons renvoie à l’univers féminin et ne fait que
souligner l’absence du doux geste maternel –elle n’est là que pour décorer.
* Citations de Raquel Paiewonsky proviennent du catalogue de l’exposition
22

A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, ruptures, continuités - piste L’œuvre et sa composition
Thématique Arts, espace, temps – piste L’œuvre d’art et la place du corps dans le monde et la
nature
Lycée :
Thématique Arts, corps, expressions– piste Le corps, présentation
Thématique Arts et économie– pistes L’art et ses discours
Autres pistes pédagogiques :
- Représentation du corps dans l’art contemporain – codes et ruptures
- Corps dans l’œuvre
http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-corps-oeuvre/ENS-corpsoeuvre.htm
…à mettre en relation
- D’autres œuvres de Raquel Paiewonsky
Corps-objet dans la pratique artistique féminine :
- Louise Bourgeois
http://www.bnf.fr/documents/biblio_bourgeois.pdf
http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-bourgeois/ENS-bourgeois.html
- Alina Szapocznikow
- http://www.dailymotion.com/video/xdclk6_alina-szapocznikow-promesses-du-pas_creation
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Bruno Pédurand dit IWA (né en 1969 en Guadeloupe, vit et travaille en Martinique)
installation
Diplômé de l’Institut Régional d’Arts Visuels de Martinique, Bruno Pédurand puise dans l’histoire de
l’art occidental et dans l’histoire créole. Il utilise pour cela différents médiums : la peinture, la vidéo, la
lumière, le son, l’installation. Les questions liées à la mort et à la mémoire sont ses principales
préoccupations, marquées par des références aux religions afro-caribéennes. Il a participé à de
nombreuses expositions en Europe et dans la Caraïbe.
Souviens-toi 2011
installation, vitrines et plexiglass, musque : Jeff Baillard et José Marie-Rose
L’installation est composée de six colonnes disposées en cercle. Elles laissent apparaitre sur les
côtés des photographies - portraits en noir et blanc, de forme circulaire. Les images échappent parfois
à la vision en fonction de la lumière. En les observant on constate qu’elles sont très différentes, on peut
supposer qu’elles n’ont été réalisées ni par la même personne ni au même endroit.
Il faut questionner l’artiste pour savoir qu’il s’agit des images trouvées dans la rubrique
nécrologique du quotidien France-Antilles. Il s’agit donc de personnes décédées, mais qui ont
réellement
existé. Ce
sont les
mêmes
images que
celles que l’on
pourrait
trouver sur
des tombes.
On ne peut
qu’imaginer
l’histoire que
chaque visage
pourrait nous
raconter.
Comme le dit
l’artiste
« L’intention
première de
ce dispositif
est de
permettre au
regardeur de
s’interroger
sur :
« ce qu’il y
aurait à
voir » et de
transgresser le pacte tacite qui lie l’artiste –exhibitionniste au spectateur-voyeur ». Mais il précise que
« L’humain étant l’objet et le sujet de cette installation, il n’y a aucune volonté de narration (…). »
Le son influence la manière dont on perçoit l’œuvre, renforce l’inquiétude que l’on ressent face
à ces visages inconnus et à la noirceur des colonnes.
Iwa questionne la « fonctionne première de l’art : la fonction mémorielle ». Il rappelle que
selon le philosophe Pline l’Ancien, la première œuvre d’art fût un portrait d’un jeune homme parti à la
guerre, dessiné par sa fiancée, fille d’un potier. Elle a ainsi gardé avec elle le souvenir de son visage, en
offrant à son image l’immortalité.
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A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, Etats et pouvoir - piste Mémoire de l’individu
Thématique Arts, mythes et religions– piste L’œuvre d’art le sacré
Lycée :
Thématique Arts, réalités, imaginaires– piste L’art et le réel
Thématique Arts et sacré–différents pistes
Thématique Arts, sociétés, cultures – différentes pistes
Thématique Arts, mémoires, témoignages, engagements – piste L’art et la commémoration
Autres pistes pédagogiques :
- Fonction mémoriel de l’art –différentes approches. création comme trace ou témoignage -
mémoriaux, vanités, portraits mortuaires
- Le destin humain dans l’art.
- Que signifie utiliser les portraits de personnes que l’artiste ne connaît pas, des « gens
ordinaires » ?
…à mettre en relation
- Christian Boltanski Odessa, Les Enfants de Dijon
http://www.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-boltanski/ENS-boltanski.htm
http://www4c.ac-lille.fr/condorcetlens/spip.php?page=article-album&id_article=453
- Les autoportraits de Roman Opalka (temps qui passe, le geste artistique comme trace)
http://www.opalka1965.com/fr/autoportraits.php
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Shirley Rufin (née en 1983, vit et travaille en Martinique)
photographie
Dans la démarche plastique de Shirley Rufin, l’image photographique est une passerelle pour
manipuler le réel. Elle utilise un processus « de mise en crise » de la perception du corps par une
action chimique qui altère, défait, décompose et détruit l’image pour conduire à une perte de sujet.
Substitutions
photographie sur support transparent
Dans ma démarche plastique, l’image photographique est une passerelle pour manipuler le
réel. Elle devient une perception unique, qui fait sens à partir d’une image polysémique. Cela nous
renvoie inconsciemment à nous-même et permet d’envisager un autre langage plastique.
Ceci, résultant d’un besoin de sublimer à partir de défauts stéréotypés, ce corps qui nous
parait anormal, mais tout de même vu et vécu comme quelque chose de sacré, et qui si tôt dévoilé se
voit souiller.
Si l’on part du principe que la société façonne le corps, un corps sans contexte social est donc
anonyme: il devient une pure utopie. – Shirley Rufin – extrait du catalogue de l’exposition
Face aux œuvres de Shirley Rufin, au premier abord le regardeur peut avoir un doute : s’agit-il
vraiment de la photographie ? Sur un fond sombre, on aperçoit à peine des corps nus dans des poses
inhabituelles, distordues. Le médium photographique est ici utilisé à contre sens – non pour fournir
une représentation d’exactitude documentaire, mais pour voiler, cacher. L’artiste parle de « la mise
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en crise » de la perception du corps qui devient alors une métaphore. L’acte de création ne se limite
pas au choix du cadrage et le « clic » de l’objectif. Shirley Rufin agit en plasticienne, fidèle au travail
avec de la matière. Elle utilise des processus chimiques qui altèrent et détruisent l’image.
Ainsi, la photographie qui est par principe un médium multiple (on peut réaliser un nombre
quasi infini d’images identiques à partir d’un seul cliché) devient une œuvre unique, marquée par le
geste de l’artiste et son approche de la matière. L’image photographique devient plus proche de la
peinture. L’approche du corps dans le travail de Shirley Rufin rappelle celle de Francis Bacon. Le
peintre qui citant Van Gogh affirmait que « Pour arriver au réalisme il faut dire des mensonges, par
lesquels on va arriver beaucoup plus près de la réalité que par l’illustration.* » Dans le travail de
Shirley Ruffin, c’est précisément quand le corps commence à disparaître dans l’ombre que l’on peut
apercevoir sa vérité.
*Entretien de 1984 dans Francis Bacon - L’Homme Et L’Arène, film de Adam Low
A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, espace, temps - piste L’œuvre d’art et l’évocation du temps et de l’espace
Thématique Arts, ruptures, continuités – piste L’œuvre d’art et la tradition
Lycée :
Thématique Arts, réalités, imaginaires– piste L’art et le réel
Thématique Arts, corps, expressions– pistes Le corps, présentation et Le corps, l’âme et la vie
Thématique Arts, goût, esthétiques – pistes L’art, jugement et approches et L’art et ses codes
Autres pistes pédagogiques :
- L’art doit-il être beau ?
- Les codes de représentation du corps dans l’art. Le nu.
- Photographie plasticienne – les liens avec la peinture.
…à mettre en relation
- Francis Bacon http://www.francis-bacon.com/
- Expérimentations photographiques
http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/Pedagogie.nsf/Docs/ID0142E449F2A2E908C125
751B004FDC47/$file/ENS-accrochagephotos.pdf
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Karine Taïlamé (née en 1983, vit et travaille en Martinique
Peintre et installateur, Karine Taïamé développe une réflexion sur le concept de la représentation. Elle
utilise le paysage naturel comme support artistique ou médium de ses installations à l’intérieur
d’espaces architecturaux. Dans ses mises en scènes, elle modifie l’aspect et la perception de l’espace
par une intervention ponctuelle et éphémère. Son travail plastique est une métaphore de la vie par la
recherche de l’harmonie et du beau.
Couleur, lumières et harmonie 2011
installation, bocaux de poissons, projection vidéo
Couleur, lumières et harmonie est une installation regroupant trois bocaux qui enferment des
poissons vivants, et une projection vidéo d’une perfomance* réalisée par l’artiste. Karaine Taïlamé
nage sous l’eau comme un poisson, en harmonie avec la nature.
On est au cœur du questionnement sur la relation directe du corps à l’œuvre d’art. Afin de
partager avec le spectateur sa quête de l’harmonie et de la beauté, l’artiste en a fait une expérience
sensible dont elle présente ici une trace. Immergée dans l’océan, elle fait un retour symbolique avant la
naissance, dans un univers dépourvu de frontière entre corps et esprit. La femme fait un avec l’univers.
Les poissons prisonniers des bocaux en verre, présentés devant l’écran peuvent nous faire penser à
notre propre condition – êtres humains séparés de la Mère Nature.
C’est une œuvre poétique qui invite à la contemplation fonctionne comme un déclencher
d’images, de souvenirs et de rêves.
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A développer dans le cadre de L’Histoire des Arts :
Collège :
Thématique Arts, ruptures, continuités – piste L’œuvre d’art et la tradition
Thématique Arts, espace, temps - piste L’œuvre d’art et l’évocation du temps et de l’espace
Lycée :
Thématique Arts, réalités, imaginaires– piste L’art et le réel
Thématique Arts, corps, expressions– pistes Le corps, présentation et Le corps, l’âme et la vie
Autres pistes pédagogiques :
- La recherche du Beau dans l’art
- Comment l’artiste peut-il partager ses émotions avec le spectateur ?
- Quel est la fonction de l’objet présentée/ représentée ? Le même objet, montré en tant que tel,
peint, photographié ou filmé, a-t-il la même signification ?
…à mettre en relation
- L’idée de la nature dans l’art contemporain – Land Art
- Utilisation du Vivant dans l’art contemporain
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Crédits photographiques :
p.3 Abel Baroso Outsourcing 2010 Xylographie, sculpture
p.4 Abel Baroso Intolérance ou Dîner a la frontière , 2009 Xylographie, sculpture
p.5 Christian Bertin en cours d’installation, Soleil Nègre, 2011 Photo : Agata Thuinet
p.7 Hervé Beuze, Sun 972
p.9 Jean-François Boclé
p.11 Reste enfants soldats du Sierra Leone, 2003 Photo d’atelier : © J-P Breleur
p.13 Ras Ishi Butcher Morceau du rocher, Piece of the Rock (série Secret Diaries),
tryptique, huile sur toile
p. 15 David Gumbs, VDO-voyage dans l’œuvre
p.17 Habdaphaï, Voyage des Esprits en cours d’installation
p.18 idem, détail
p.19 Alida Martinez, Isla Aruba, L’île d’Aruba, 2011
p .21 Raquel Paiewonsky, Bitch Balls, 2010
p. 23 Bruno Pédurand , Souviens-toi, 2011
p.25 Shirley Rufin, Substitutions
p. 27 Karine Taïlamé, Couleurs, lumières et harmonie, 2011
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Glossaire
aplat de couleurs – surface d’une seule couleur, appliquée uniformément et sans
nuances
assemblage- équivalent tridimensionnel du collage.
bidimensionnel - qui ne possède que deux dimensions et qui ne se déploie que sur un
seul plan.
Composition- position des différents éléments organisés sur la toile ou dans l’espace
curator, commissaire d’exposition - la personne qui a la charge du projet scientifique
d’une exposition. Il définit le thème, choisit les artistes et les œuvres exposées, la
scénographie…
installation - forme d’expression artistique contemporaine. Agencement d’objets et
d’éléments indépendants les uns des autres mais dont le rapprochement dans un
espace crée un sens nouveau.
installation in situ- conçue en fonction d’un lieu architectural ou naturel.
Installation numérique interactive - un programme qui réagit en fonction du public
ou de l’environnement
medium (media) - le mode de diffusion d’une information.
mémorial - un monument servant à commémorer un événement ou à honorer une ou
plusieurs personnes décédées.
performance- Mode d'expression artistique contemporain. C’est l'action qui constitue
l’œuvre. Les performances font faire intervenir le corps de l'artiste. Elles peuvent être
filmées photographiées pour en garder le souvenir et en conserver des traces
matérielles – ces traces ne constituent pas toujours des œuvres à part entière.
représentation- Une image n’est qu’une représentation de la réalité. On désigne ainsi
la manière de donner à voir des éléments ou des personnes qui existent dans la réalité
ou appartiennent au domaine de l'imaginaire.
sculpture - une œuvre tridimensionnelle (bas-relief, haut-relief, ronde-bosse).
série - groupe d’œuvres formant un ensemble.
stylisé – schématisé, simplifié.
triptyque- œuvre composée de de trois parties, le plus souvent une peinture
xylographie - gravure sur bois
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