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dossier de presse
exposition de costumes
du 12 décembre 2009
au 16 mai 2010
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CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
SOMMAIRE
PAGE
L’exposition « Opéras russes, à l’aube des Ballets Russes ».
À propos de Diaghilev (1872-1929).
Les costumes de l’exposition.
Les œuvres et les costumiers.
Quelques repères chronologiques.
Commissariat et scénographie de l’exposition.
Catalogue de l’exposition.
Les partenaires de l’exposition.
Autour de l’exposition.
Le Centre national du costume de scène et de la scénographie.
Présentation du CNCS par Delphine Pinasa, directrice déléguée.
Informations pratiques.
Visuels disponibles pour la presse.
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DU 12 DÉCEMBRE 2009 AU 16 MAI 2010 DOSSIER DE PRESSE PAGE 3
EXPOSITION AU CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE,
12 DÉCEMBRE 2009 - 16 MAI 2010.
« OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE
DES BALLETS RUSSES. 1901 - 1913. »
À l’occasion du centenaire des Ballets Russes (1909-1929), le Centre
national du costume de scène a choisi de participer aux commémorations
en présentant une exposition de costumes d’œuvres lyriques
de compositeurs russes, montées par Diaghilev ou par des théâtres
parisiens dans le premier quart du XX e siècle.
Parallèlement, à Paris (BNF, Bibliothèque-Musée de l’Opéra), à
Monte-Carlo (Nouveau Musée National de Monaco), à Stockholm
(Dansmuseet), à Munich (Theater Museum) et bientôt à Londres
(Victoria and Albert Museum)… de nombreuses expositions commémorent
ce centenaire et rappellent l’action de Serge Diaghilev dans
tous les champs de la création artistique.
En 1908, l’année qui précéda l’arrivée à Paris de Nijinski et de
Pavlova, l’opéra russe, grâce à Diaghilev, avait déjà conquis le public
avec au Palais Garnier Boris Godounov, opéra de Moussorgski, avec
Chaliapine dans le rôle titre, dans des costumes de Bilibine.
Albert Carré, directeur de l’Opéra-Comique, avait donné dans son
théâtre Snégourotchka, opéra de Rimski-Korsakov, dans une somptueuse
production inspirée des illustrations de Bilibine et réalisée
sous l’égide de la Princesse Tenichev.
Sibéria, opéra de Giordano, était créé en 1911 au Palais Garnier, avec
des costumes venus du Théâtre Bolchoï, dessinés par Golovine sur
les conseils de l’archéologue V. Sizov pour la création en 1901 de
La Pskovitaine (Ivan le Terrible) de Rimski-Korsakov à Moscou.
Enfin, c’est en 1913, l’année du Sacre du printemps, que Diaghilev récidivait,
cette fois avec une nouvelle production de Boris Godounov et
la création de Khovantchina, autre opéra de Moussorgski, autre opéra
historique russe, dans des costumes de Fédorovsky.
Les péripéties de l’histoire du spectacle ont fait que des costumes de
ces quatre productions se trouvent aujourd’hui dans les collections du
CNCS, via le fonds patrimonial de l’Opéra national de Paris.
L’esthétique somptueuse, brillante, dorée et brodée de Bilibine et de
Bakst pour Snégourotchka et Boris Godounov, contraste avec celle,
très moderne, des costumes peints de couleurs vives et de motifs
géométriques de Fédorovsky pour Khovantchina, ou encore avec les
costumes quasi ethnographiques d’Ivan le Terrible.
Cette exposition rassemble quelque cent trente costumes de ces
quatre productions, dans la grande majorité présentés pour la première
fois, avec à l’appui maquettes, dessins, documents de travail
et d’inspiration, et en complément une programmation de films dans
l’auditorium du CNCS.
LES BALLETS RUSSES.
Serge Diaghilev (1872-1929) fonde les Ballets Russes en 1909. Leur
première saison a lieu en France, au Théâtre du Châtelet. La troupe
donnera, jusqu’à la mort de son fondateur, de brillantes représentations
en Europe occidentale, d’abord avec des artistes russes, dont les étoiles
Anna Pavlova, Tamara Karsavina et Vaslav Nijinski. En 1913, Igor
Stravinski et Nijinski font scandale au Théâtre des Champs-Élysées
avec Le Sacre du printemps.
Passionné par la création, Diaghilev fait confiance à des chorégraphes
comme Bronislava Nijinska, Léonide Massine, George Balanchine…
à des compositeurs comme Stravinski, Ravel, Poulenc, Milhaud…
à des peintres comme Picasso, Matisse, Derain, Miró…
L’influence de Diaghilev sur l’art moderne, dans tous les domaines,
fut immense.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
L’exposition « Opéras russes, à l’aube des Ballets Russes » présente
environ 130 costumes exécutés pour des productions lyriques de chefs
d’œuvre du patrimoine musical russe (Boris Godounov, Khovantchina,
Ivan le Terrible, Snégourotchka), présentées à Paris entre 1908 et
1913, le plus souvent par Diaghilev, puis réemployées jusqu’au milieu
du XX e siècle à l’Opéra de Paris.
Maquettes de costumes, documents de travail et d’inspiration sur
les sources iconographiques et sur les productions, photographies…
compléteront cette présentation.
Ces costumes, tour à tour d’une magnificence ou d’une modernité
sans pareille, proviennent tous du patrimoine de l’Opéra national de
Paris où ils sont arrivés par les hasards de l’histoire, les triomphes
des spectacles et les faillites des entreprises, grâce à des achats
faits à des théâtres (comme le Bolchoï) ou à des compagnies (comme
celles de Serge Diaghilev et de Sir Thomas Beecham). Ils sont
aujourd’hui conservés soit dans les collections de la Bibliothèque-
Musée de l’Opéra et du Département des Arts du Spectacle, BNF, soit
dans celles du CNCS, ou encore du Nouveau Musée National de Monaco.
Toute la gamme des personnages des opéras à sujet historique ou légendaire
de Moussorgski et de Rimski-Korsakov est représentée dans
ces collections: tsars, boyards, gardes, et surtout hommes et femmes
du peuple, le peuple ce grand protagoniste de l’opéra russe.
La passion de Diaghilev pour la musique « qui saturait son être », née
dans son enfance, se retrouve dans toutes ses entreprises, que ce soit
dans sa première aventure, avortée, au service des Théâtres Impériaux
ou dans l’étendue du champ rédactionnel de la revue d’art qu’il
lança ensuite Le Monde de l’art (Mir Iskusstva).
Cette action se cristallise à partir de 1907 avec les séries de concerts
historiques russes, puis avec la somptueuse production de Boris
Godounov, les premières saisons d’opéras et de ballets russes.
Dans son projet initial, Diaghilev voulait présenter principalement des
spectacles lyriques, les soirées entières de ballet, réputées comme
peu attirantes pour le public parisien, ne venant qu’en appoint.
Au fil du temps, les évènements l’obligèrent à réduire la place des opéras
dans sa programmation. Les péripéties de la grande et de la petite
histoire, les difficultés financières, la perte du soutien des théâtres
impériaux, les fermetures des frontières pendant la Première guerre
mondiale, les évènements historiques qui menèrent à la révolution
russe l’amenèrent à se concentrer sur les ballets, qui furent l’essentiel
de son activité jusqu’à sa mort en 1929. Sa célébrité, toujours vivace
aujourd’hui, est reliée le plus souvent à ce seul domaine de la danse.
Mais les partitions qu’il commanda pendant ces vingt années tiennent
une place majeure dans l’histoire de la musique au XX e siècle.
Il serait injuste et incomplet de réduire à la seule action de Diaghilev
l’extraordinaire développement de la musique lyrique russe en Europe
de l’Ouest dans ce premier quart du XX e siècle. À l’aube des Ballets
Russes, à côté de Diaghilev, bien d’autres, imprésarios, directeurs de
théâtre, artistes lyriques jouèrent un grand rôle.
La politique y a sa part, avec le développement des relations entre la
France et la Russie, au beau fixe, qui trouve son apothéose avec les
voyages triomphaux du tsar Nicolas II à Paris.
Cet aspect du travail et de l’influence de Diaghilev dans le seul champ
des productions lyriques n’a jamais été traité à fond, au moins sous
l’aspect qui nous intéresse ici, celui de l’esthétique théâtrale.
L’exposition présentée au CNCS permet de jeter les bases de cette
recherche, aucun de ces costumes (ou presque) n’ayant jamais été
exposé auparavant.
Cette première exploration montre à quel point la musique russe, l’esthétique
russe, révélées par Diaghilev, furent vivaces sur les scènes
parisiennes dans les premières années du XX e siècle, débordant largement
le domaine du seul ballet auquel on le contient souvent.
Quelques exemples de motifs sur les costumes de Fédorovsky pour
Khovantchina, 1913. Coll. CNCS / ONP.

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À PROPOS DE DIAGHILEV
« LA MUSIQUE SATURAIT SON ÊTRE … »
(1872-1929)
La musique fut d’abord pour Serge Diaghilev une histoire de famille, famille
ouverte où se mêlaient générations et parentèles autour du piano.
Tout naturellement, l’enfant apprend le piano, il grandit dans la musique,
trouve bientôt le groupe d’adolescents qui resteront ses amis
et ses collaborateurs pour la vie. Autour du cousin Dima (Dimitri Filosofov),
il y a Shura (Alexandre Benois), Valetchka (Walter Nouvel),
Levushka (Léon Bakst). Tous sont passionnés par les beaux-arts et par
la musique, celle du Groupe des Cinq bien sûr (Balakirev, Rimski-Korsakov,
Borodine, Moussorgski, Cui) qui traite de thèmes traditionnels
populaires russes et fait écho aux idées du mouvement slavophile
comme à l’esthétique de l’école picturale des Peredvijnicki, ou Ambulants.
Comme tous les jeunes gens bien nés, Serge Diaghilev voyage en Europe,
c’est le grand tour, Berlin, Paris, Venise, Rome, Florence, Vienne.
Il est curieux de tout, absorbe avec une étonnante facilité les musées,
les concerts, les spectacles, sait tout de ce qu’il faut voir et entendre
et de ceux qu’il faut fréquenter, il se forge une culture et un goût.
Bientôt, le petit provincial de Perm dépasse ses élégants camarades
pétersbourgeois et prend la tête de leur phalange.
En même temps que ses études de droit, qui doivent le mener à une
carrière de haut fonctionnaire, il étudie sérieusement la musique,
prend des cours de composition auprès de Rimski-Korsakov, des leçons
de chant auprès du baryton Cotogni.
Le jeune Diaghilev a de grandes ambitions et sa nomination comme
conseiller spécial auprès du directeur des Théâtres Impériaux le
remplit de joie et d’orgueil. Des luttes d’influence font avorter cette
brillante carrière. Ne pouvant plus compter que sur ses seules forces,
sa fierté mise à l’épreuve, Diaghilev entame une aventure au service
de la création artistique qui lui vaudra une gloire éclatante dont son
nom est toujours aujourd’hui, un siècle plus tard, auréolé.
De 1898 à 1904, il lance et fait paraître la revue Le Monde de l’art (Mir
Iskusstva), qui traite de toutes les tendances artistiques en Russie
comme en Europe de l’Ouest, et défend bientôt les positions les plus
avancées, au grand dam des traditionalistes. Deux grands mécènes
l’accompagnent dans cette aventure, Savva Mamontov et la Princesse
Tenichev.
De 1897 à 1906, il organise une série d’expositions à Saint-Pétersbourg,
puis à Paris. Il y fait ainsi connaître les artistes de son groupe
du Monde de l’art.
A partir de 1906, Diaghilev monte et réalise ses projets exclusivement
en Europe de l’Ouest, et d’abord à Paris.
En 1907, les cinq concerts de musique russe qu’il y présente rencontrent
un public enthousiaste. L’année suivante, les représentations de
Boris Godounov à l’Opéra, en russe avec Chaliapine, sont une découverte
: « Ce ne fut pas seulement un succès, ce fut un triomphe… ».
En 1909, la première saison des Ballets Russes mêle œuvres lyriques
et chorégraphiques. La gloire soudaine et fulgurante des danseurs, de
Nijinski, de Pavlova, de Karsavina enflamme Paris, c’en est fait, les
Ballets Russes sont à la mode.
Les péripéties de l’histoire font que Diaghilev ne pourra plus jamais
faire venir de Russie orchestre, chœurs et solistes à la fois. C’est alors
qu’il fait du ballet son œuvre et son arme.
Mais jamais Diaghilev n’abandonnera totalement sa première passion.
Passant commande à Stravinski, Prokofiev, Ravel, Poulenc,
Satie, Milhaud…, il écrit une nouvelle page de l’histoire de la musique.
Faisant entrer la modernité dans le domaine de la danse, il
exerce une influence primordiale sur tous les aspects du spectacle,
renouvelant le ballet jusqu’à en faire un art majeur par la somme de
ces éléments, musique, chorégraphie, décors et costumes.
Cartes imprimées, dessins de costumes d’Ivan Bilibine pour Boris
Godounov, opéra de Moussorgski, 1908. BNF/BMO.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
LES COSTUMES DE L’EXPOSITION.
Costumes dessinés par Félix Fournery, d’après des planches de
Bilibine, exécutés sous l’égide de la princesse Tenichev, pour la
création en France de Snégourotchka, opéra de Rimski-Korsakov,
à l’Opéra-Comique en 1908, puis réutilisés pour diverses productions
dans ce théâtre ou au Palais Garnier.
Costumes dessinés par Alexandre Golovine, sur les conseils de
l’archéologue V. Sizov, pour la production de création à Moscou,
au Bolchoï en 1901, de La Pskovitaine, ou Ivan le Terrible, opéra de
Rimski-Korsakov.
Ces costumes, vraisemblablement rachetés par l’Opéra de Paris,
furent réutilisés au Palais Garnier pour la production de Sibéria,
opéra de Giordano, en 1911, puis pour celle de Boris Godounov en
1923 et jusqu’au milieu de XX e siècle.

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Costumes dessinés par Fédor Fédorovsky pour la production de
Khovantchina, opéra de Moussorgski, présentée par Diaghilev à Paris
au Théâtre des Champs-Élysées, puis à Londres au Drury Lane Theatre
en 1913. Ces costumes, appartenant à la Compagnie d’Opéra de
Thomas Beecham, furent vendus en 1920 à Jacques Rouché, directeur
de l’Opéra de Paris. Ils furent réutilisés dans ce théâtre, notamment
pour des productions de Boris Godounov et de Khovantchina jusqu’au
milieu du XX e siècle.
Costumes dessinés par Ivan Bilibine et par Léon Bakst pour les
productions de Boris Godounov, opéra de Moussorgski, présentées
par Diaghilev à l’Opéra de Paris en 1908, puis au Théâtre
des Champs-Élysées et au Drury Lane Theater à Londres en 1913.
Ces costumes, rachetés par l’Opéra de Paris, furent réutilisés pour les
productions de Boris Godounov et de Khovantchina, au Palais Garnier
jusqu’au milieu du XX e siècle.
Tous ces costumes sont remarquables, par leur histoire, par les artistes
qui les ont signés, par leurs textiles, leurs factures, leurs décors,
et aussi leur inspiration.
Les formes sont simples, kaftans, sarafanes, chemises à la russe, tout
est dans le décor et la couleur. Leurs esthétiques résument celles qui
animeront toute l’aventure des Ballets Russes.
Comme toujours au théâtre, tout est vrai mais tout est faux ! Si la
vérité historique et ethnographique règne grâce aux études de la
princesse Tenichev, de l’archéologue Sizov, de Bakst ou de Roerich,
sur les costumes aux riches textiles et aux lourds ornements de Boris
Godounov par exemple, l’interprétation du costume paysan, moderne,
joyeuse et colorée de Fédorovsky pour Khovantchina, donne une importance
primordiale aux motifs et aux couleurs.
L’histoire de ces costumes, raisonnée par les archives et les documents
graphiques (maquettes, illustrations, programmes, photographies…)
se lit aussi grâce aux tampons qui ont été apposés sur les
doublures au fur et à mesure des spectacles et des réemplois, et grâce
aux noms d’artistes qui y sont brodés ou écrits.
Le réemploi est, à cette époque comme aujourd’hui, un des impératifs
de l’économie du spectacle.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
LES ŒUVRES ET LES COSTUMIERS.
LA PSKOVITAINE OU IVAN LE TERRIBLE, OPÉRA DE RIMSKI-KORSAKOV / SIBÉRIA, OPÉRA DE GIORDANO.
Ces costumes, robes de femmes du peuple, portent un tampon en
russe indiquant : « La Pskovitaine. Vestiaire femmes, 1901 », et des
noms d’artistes, en russe, portés à l’encre.
Opéra de Rimski-Korsakov, rebaptisé Ivan le Terrible, créé au Théâtre
Mariinski à Saint-Pétersbourg, La Pskovitaine fut montée pour la première
fois à Moscou, au Bolchoï en 1901.
Treize costumes dessinés par Alexandre Golovine sur les conseils
de l’archéologue V. Sizov proviennent de cette production. Vendus à
l’Opéra de Paris, ils furent utilisés pour Sibéria, opéra de Giordano,
représenté au Palais Garnier en 1911 et 1912 (dans des costumes
de Joseph Porphyre Pinchon pour les solistes), pour seulement sept
représentations avant de quitter définitivement le répertoire. Les costumes
furent conservés et fondus dans le vestiaire de la production de
Boris Godounov à l’Opéra de Paris en 1923, mélangés à ceux signés
par Bakst et Fédorovski. Cet ajout accrédite davantage encore, s’il en
était besoin, la thèse du réemploi et du mélange de productions de
même type pour les opéras russes.
Alexandre Golovine, 1863 – 1930.
Artiste aux multiples talents, formé à l’architecture, décorateur, dessinateur
de meubles, illustrateur, Golovine fut le décorateur et le costumier
de spectacles montés par Diaghilev, Meyerhold et Stanislavsky.
SNÉGOUROTCHKA (LA FILLE DE NEIGE), OPÉRA DE RIMSKI-KORSAKOV.
Le sujet de cet opéra est tiré d’un conte russe. Snégourotchka, la fille
de neige est l’enfant de l’hiver. Tombée amoureuse, elle réclame un
cœur de femme, et fond alors aux rayons du soleil, le dieu Yarilo.
Les costumes de Snégourotchka, inspirés de planches de Bilibine pour
l’illustration de contes, dessinés par Félix Fournery et fabriqués sous
l’égide de la princesse Tenichev, sont richement décorés et reprennent
des motifs typiques du style vieux russe.
La princesse Tenichev fut un des premiers mécènes de Diaghilev, pour
la revue du Monde de l’art notamment. Elle fut l’initiatrice des ateliers
de Talachkino, foyer de création où travaillèrent nombre d’artistes collaborateurs
des Ballets Russes. Stravinski et Roerich y conçurent leurs
premières esquisses du Sacre du printemps.
À l’aube des Ballets Russes, la création de Snégourotchka à l’Opéra-
Comique (22 mai 1908) suit de quelques jours la première de Boris
Godounov organisée par Diaghilev au Palais Garnier (19 mai 1908), et
précède d’une année la première saison de ballets.
Cette production témoigne de la vitalité des liens tissés entre la Russie
et la France dans le domaine musical et des échanges artistiques
qui en découlent.

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Ivan Bilibine, 1876 – 1942.
Peintre, décorateur de théâtre, historien de l’art, spécialiste d’art
populaire, Bilibine travaille avec Diaghilev dès les premiers numéros
du Monde de l’art . Il est un membre actif des cercles d’avant-garde
qui participent au lancement des Ballets Russes. Il illustre le programme
et dessine les costumes de Boris Godounov en 1908, du spectacle
de ballet Le Festin en 1909. Mais c’est dans les illustrations pour les
contes populaires russes, les vignettes et les bordures, que son style
est le plus représentatif. Après la révolution il émigre en Egypte, au
Caire, puis s‘installe à Paris et y travaille pour la compagnie d’Opéra
privé russe. Il retourne alors à Léningrad où il mourra de faim pendant
le siège de la ville par les armées nazies.
Félix Fournery, 1865 – 1938.
Peintre et illustrateur français, Félix Fournery est aussi affichiste et
dessinateur de mode. Il travaille comme costumier pour l’Opéra-Comique
dans les premières années du XX e siècle.
Maquettes de Félix Fournery, d’après les collections de la princesse
Tenichev et les planches de Bilibine, costumes et détails pour Snégourotchka,
Opéra-Comique, 1908. Coll. BNF / BMO.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
BORIS GODOUNOV, OPÉRA DE MOUSSORGSKI.
Cette grande fresque historique conte la prise du pouvoir par Boris
Godounov qui, pour monter sur le trône, a fait assassiner le tsarévitch
Dimitri. Bientôt apparaît un faux Dimitri qui rallie à lui les boyards
mécontents et les Polonais. Alors que le faux Dimitri envahit la Russie
à la tête des troupes polonaises, Boris, torturé par le remords, pris
d’hallucinations, meurt tragiquement.
Première œuvre lyrique montée par Diaghilev, en 1908 au Palais
Garnier, Boris Godounov est l’archétype de l’opéra historique russe.
Présenté de façon grandiose, dans des décors de Golovine et des costumes
de Bilibine, chanté par les solistes et les chœurs des Théâtres
Impériaux, le spectacle enthousiasma le public et consacra la gloire
de Chaliapine.
Cette première production resta inégalée : […] « Nul de ceux qui ont
vu le premier Boris n’a perdu le souvenir de certains des décors qui
nous furent alors montrés. Un entre autres, le tableau du couronnement,
reste fixé dans les mémoires : l’énorme mur de l’église, montant
du sol jusqu’aux frises du théâtre ; le bariolage violent des vêtements
du peuple, massé à l’arrière-plan ; et sur cette toile de fond, le lent
défilé du cortège, les costumes somptueusement harmonieux, le déploiement
de splendeur et d’opulence orientale de la vieille Russie ;
tout cela formait un spectacle d’un style superbe, d’une grandeur
simple et rude, à la fois barbare et magnifique, dont rien de ce que
nous connaissions jusqu’alors ne pouvait donner une idée. Les Ballets
Russes qui depuis ce temps nous ont apporté tant de décorations curieusement
raffinées, n’ont jamais fait mieux qu’ils ne firent ce jour là :
du premier coup, ils avaient produit leur chef d’œuvre […] ». (Pierre
Lalo, in Le Temps, 5 avril 1922).
En 1913, Diaghilev remonta Boris, au Théâtre des Champs-Élysées et
au Drury Lane Theater, dans une production proche de la première,
moins brillante, toujours avec Chaliapine, dans des costumes de Bilibine
et de Bakst pour l’acte polonais.
Léon Bakst, 1866 – 1924.
Léon Bakst fut un des créateurs des Ballets Russes. Membre du premier
cercle des amis de jeunesse de Diaghilev, il exerça une influence
prépondérante sur l’esthétique des Ballets Russes, surtout pendant
la première période, avant la guerre de 1914. Shéhérazade, L’Oiseau
de feu, Jeux, Daphnis et Chloé, Le Spectre de la rose, L’Après midi
d’un faune… Son style joyeux et coloré, orientalisant ou antiquisant,
inspira la mode et le décor de la vie. Comme bien d’autres, Bakst se
brouilla avec Diaghilev et travailla alors pour de nombreuses scènes
et compagnies, celle d’Ida Rubinstein entre autres. Bakst fut aussi un
portraitiste de grand talent, on lui doit une sorte de galerie de portraits
des principaux collaborateurs des Ballets Russes.
Maquettes de Léon Bakst pour les costumes de l’acte polonais de Boris
Godounov, publiées dans la revue Comoedia, et costumes exécutés d’après ces
maquettes. Coll. CNCS / ONP.

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KHOVANTCHINA, OPÉRA DE MOUSSORGSKI.
Comme Boris Godounov, cet opéra traite d’un épisode de l’histoire
de la Russie. La famille Khovanski, appuyée sur la force militaire des
Strelsy a pris le pouvoir à Moscou. Les Vieux Croyants s’opposent aux
mesures de modernisation de l’église que veut le patriarche. Tous périront
de mort violente.
En 1910, Diaghilev s’entend avec Joseph Beecham, richissime propriétaire
de laboratoires pharmaceutiques, pour organiser des tournées
de ses Ballets à Londres. Beecham a un intérêt premier dans
ce contrat, le chef d’orchestre sera son fils Thomas, qui deviendra un
célèbre maestro. L’année suivante a lieu la première londonienne des
Ballets Russes, au Drury Lane Theatre, une révolution esthétique et
un triomphe public. Dorénavant, chaque année alterneront à Londres
saisons de ballets et saisons d’opéras organisées par Beecham et
Diaghilev. La saison de 1913 programme Boris Godounov,
Khovantchina et Ivan le Terrible.
L’année suivante seront ajoutés au répertoire Le Prince Igor, La Nuit de
mai, Rossignol et Le Coq d’or.
Interrompues pendant la Première guerre mondiale, les saisons d’opéra
russe reprennent en 1919.
En 1920, les difficultés financières ont raison de la Compagnie d’Opéra
de Sir Thomas Beecham, qui se saborde.
Une partie des décors et des costumes des productions russes est
achetée par Jacques Rouché, directeur de l’Opéra de Paris, dont ceux
de Boris Godounov par Bakst et Bilibine et ceux de Khovantchina par
Fédorovsky pour la saison de 1913.
Le fonds de costumes pour Khovantchina conservé au CNCS est important,
plus de cent pièces - robes des femmes, chemises et pantalons
des hommes. Ces pièces sont d’une surprenante modernité.
Fédor Fédorovsky, 1883 – 1955.
Formé aux arts décoratifs à l’Ecole d’Art Stroganov de Moscou,
Fédorovsky entame en 1907 une brillante carrière de décorateur
de théâtre. Diaghilev, toujours à la recherche de nouveaux
talents, lui passe commande des décors et des costumes de
deux productions d’opéras programmées à Paris et Londres :
Khovantchina et La Nuit de mai.
Fédorovsky retourne ensuite en Russie et y devient, de 1921 à 1955,
un des grands décorateurs du Théâtre Bolchoï à Moscou, traitant surtout
le répertoire des opéras historiques russes. Son travail est toujours
très apprécié. En 2009, le spectacle d’ouverture de la saison du
Mariinsky était une reprise de la production de 1952 d’Ivan le Terrible
(La Pskovitaine), avec une reconstitution des décors et des costumes
de Fédorovsky.
Costumes de Fédorovsky pour Khovantchina, Paris et Londres, 1913.
Coll. CNCS / ONP.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
QUELQUES REPÈRES
CHRONOLOGIQUES.
1874, 8 février, Saint-Pétersbourg, Théâtre Mariinsky.
Première représentation intégrale de Boris Godounov, opéra de
Moussorgski (version originale).
1913, 22, 24, 27, 31 mai, 3, 14 juin, Théâtre des Champs-Élysées,
8 e saison des Ballets Russes de Diaghilev. Boris Godounov, opéra
de Moussorgski. En russe, avec Chaliapine, direction Emil Cooper.
1894, 20 octobre, Mort d’Alexandre II, son successeur est son
fils Nicolas II, le dernier tsar.
1901. Visite des souverains russes en France.
1905. Emeutes révolutionnaires en Russie, puis Première Douma.
1906. Paris, Salon d’Automne. Exposition d’art russe organisée par
Diaghilev.
1913, 5, 7, 9, 16, 18, 20 juin 1913, Théâtre des Champs-Élysées,
8 e saison des Ballets Russes de Diaghilev. Khovantchina, opéra
de Moussorgski. En russe, avec Chaliapine. Révision Igor Stravinski et
Maurice Ravel. Mise en scène Alexandre Sanine, décors et costumes
Fédorovsky, direction Emil Cooper.
1913, 7 novembre, Théâtre des Champs-Élysées, Boris
Godounov. Traduction française Michel Delines, mise en scène Durec,
direction Inghelbrecht, Giraldoni (Boris). 1 seule représentation.
1907, 10 mai, Paris, Théâtre Sarah Bernhardt. Première audition
en France de Snégourotchka, opéra de Rimski-Korsakov,
Concerts Lamoureux, direction Camille Chevillard.
1907, 16, 19, 23, 26, 30 mai, Paris, Opéra. « Cinq concerts historiques
russes, donnés sous le patronage de la Société des grandes auditions
musicales de France ». Orchestre et Choeurs de l’Association des
Concerts Lamoureux, dirigés par Arthur Nikisch et Camille Chevillard.
Avec notamment au programme des extraits de Boris Godounov avec
Chaliapine, direction Félix Blumenfeld.
1908, 19 mai - 4 juin, Opéra. Représentations de gala, 19, 21, 24,
26, 31 mai, 2, 4 juin. Boris Godounov, opéra en 3 actes et 7 tableaux
de Modeste Moussorgsky.
Chœurs du Grand Théâtre Impérial de Moscou, direction Félix
Blumenfeld, mise en scène Alexandre Sanine, décors Alexandre Golovine
et Alexandre Benois, costumes et accessoires Bilibine.
1908, 22 mai, Opéra-Comique, Snégourotchka, opéra de
Rimski-Korsakov. Mise en scène Albert Carré, décors Lucien Jusseaume,
costumes Félix Fournery d’après Bilibine, avec la participation de la
princesse Tenichev, direction François Ruhlmann.
1909, 26, 28 mai, 3, 5, 8, 11, 16, 18 juin, Paris, Théâtre du Châtelet,
Première saison des Ballets Russes de Diaghilev. Avec pour les productions
lyriques : Ivan le Terrible, opéra de Rimski-Korsakov, en russe,
avec Chaliapine ; Le Prince Igor, opéra de Borodine, acte III ; Rousslan et
Ludmilla, opéra de Glinka, acte I.
1914, 18 juillet. L’ordre de mobilisation générale est publié en Russie.
1917. Défaites militaires et émeutes en Russie ; 28 février,
gouvernement provisoire en Russie ; 2 mars, abdication de Nicolas II.
25 octobre, prise du pouvoir par Lénine.
1918, 16 juillet. Le tsar et sa famille sont massacrés à Ekaterinenbourg.
1920. Faillite de la compagnie d’opéra de Sir Thomas Beecham.
Les deux productions de Boris Godounov et de Khovantchina (entre
autres) sont achetées par Jacques Rouché. Elles furent utilisées au
Palais Garnier jusqu’au milieu du XX e siècle.
1922, 8 mars, Opéra, Boris Godounov. En français, traduction
Michel Delines revue par Louis Laloy, Vanni-Marcoux (Boris), direction
Serge Koussevitsky. L’œuvre sera donnée dans cette production jusqu’en 1949.
1923, 13 avril, Opéra, Khovantchina. En français, traduction Raoul
et Marguerite d’Harcourt, direction Serge Koussevitsky. Reprise l’année
suivante, avec Chaliapine, direction Henry Defosse.
1949, 8 août, Opéra, Boris Godounov. Nouvelle production.
Mise en scène Vanni Marcoux, décors et costumes Yves Bonnat,
direction Albert Wolff. Un certain nombre de costumes des productions
russes antérieures de Boris et de Khovantchina sera encore réutilisé dans
ce spectacle représenté jusqu’en 1962.

DU 12 DÉCEMBRE 2009 AU 16 MAI 2010 DOSSIER DE PRESSE PAGE 13
COMMISSARIAT ET SCÉNOGRAPHIE
DE L’EXPOSITION.
MARTINE KAHANE, directrice du CNCS et commissaire de l’exposition.
Conservateur général des bibliothèques, Martine Kahane
s’est attachée pendant trente cinq ans à participer à la constitution de
la mémoire de l’Opéra de Paris. Elle a d’abord dirigé la Bibliothèque-
Musée de l’Opéra (qui dépend de la BNF), avant de créer et de diriger
le Service Culturel, à la demande d’Hugues Gall, alors directeur de
l’Opéra national de Paris. Le Palais Garnier est sa terre d’élection, le
XIX e siècle sa période favorite, “la Petite danseuse de quatorze ans”
de Degas son œuvre préférée, d’où une vingtaine d’expositions et
autant de publications sur l’architecture de Charles Garnier, les ateliers
de costumes et la compagnie du Ballet de l’Opéra, les Ballets
Russes de Diaghilev ou encore le modèle du sculpteur.
DELPHINE PINASA, directrice déléguée du CNCS. Historienne de
l’art, Delphine Pinasa complète sa formation universitaire, spécialisée
dans le costume et le textile, par des expériences professionnelles
au Musée de la Mode et du Textile à Paris, au Victoria and Albert
Museum à Londres, puis à l’Opéra national de Paris, comme responsable
du fonds muséographique des costumes à partir de 1993, puis du
Service Patrimoine Costumes à partir de 2001.
Depuis 2005, elle travaille pour le CNCS dont elle est nommée directrice
déléguée en 2006. Commissaire de plusieurs expositions en
France et au Japon, elle a publié plusieurs articles et ouvrages en
relation avec l’histoire des costumes et des ateliers de couture de
l’Opéra de Paris.
GIULIANO SPINELLI, scénographe de l’exposition. Né à Bologne
en 1970, Giuliano Spinelli, après des études artistiques complète
sa formation à l’Académie de La Brera à Milan, où ses travaux sont
régulièrement sélectionnés pour des expositions et primés, comme
par exemple le Mozart Laboratorium au Théâtre lyrique de Milan. Il
sort de l’Académie en 1994, commence à travailler sur des expositions
et des tournages pour la télévision, puis se consacre de plus en plus
à la scénographie.
Il acquiert de l’expérience comme assistant à la mise en scène dans
diverses productions d’opéra dans des théâtres italiens dont l’Opéra
de Rome, le Théâtre Massimo à Palerme et le nouveau théâtre de
La Mirandola à Modène. Il a signé la scénographie de quinze autres
spectacles. Depuis 1998, il a collaboré avec Ezio Frigerio, pour la scénographie
de 25 autres spectacles pour les plus prestigieux théâtres
internationaux. Sous la direction de Roman Calleja, en plus de La voce
humana, il a réalisé la scénographie de Copenhagen de Michel Frayn.
CATALOGUE DE L’EXPOSITION.
Introduction de Martine Kahane. Textes de Martine Kahane, Mathias
Auclair, conservateur à la Bibliothèque-musée de l’Opéra (BNF) et
Aurélien Poidevin, Ater, Université Paris 8, Marie Vacher, historienne
de l’art et Claude Fauque, historienne du textile, consultante culturelle.
Coédition CNCS / Les Éditions du Mécène, novembre 2009.
160 pages quadri R°/V° avec environ 100 photographies couleur et 50
photographies noir et blanc. Texte bilingue français/anglais.
Format 24 cm x 29,7 cm à la française.
Couverture souple en couleur et pelliculée. Reliure cousue collée.
N° ISBN : 978 2 358960 052. Prix Public : 35 D TTC
En vente au CNCS sur son site internet (www.cncs.fr) et dans toutes
les librairies, Fnac… Site internet : www.leseditionsdumecene.com
LES PARTENAIRES.
Exposition organisée par le CNCS, dans le cadre des manifestations
du centenaire des Ballets Russes de Diaghilev (1909-1929) et de
l’année France-Russie, 2010.
En partenariat avec :
CulturesFrance
Le musée du Louvre (exposition « Sainte Russie » du 5 mars au 24 mai
2010 ; à l’auditorium : colloque les 26 et 27 mars 2010 ; concerts classiques
et contemporains du 6 janvier au 16 avril 2010 ; musique filmée :
une Saison au Bolchoï et au Mariinsky du 5 décembre 2009 au 13 juin
2010 ; films sur l’art et cycle cinéma-Tarkovski du 7 mai au 9 mai 2010,
journée-débat le 7 avril 2010).
LES PRÊTEURS.
Avec les prêts exceptionnels de la Bibliothèque nationale de France,
et du Nouveau Musée National de Monaco.
Avec l’aimable participation de
la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
AUTOUR DE L’EXPOSITION.
VISITES.
VISITE LIBRE.
Tous les jours de 10h à 18h. Fermeture exceptionnelle les 25 décembre
2009, 1 er janvier et 1 er mai 2010.
Les 24 et 31 décembre 2009, le CNCS fermera ses portes à 16h.
VISITE COMMENTÉE, PAR UN GUIDE CONFÉRENCIER.
VISITE DE L’EXPOSITION.
Tous les samedis et dimanches et tous les jours pendant les vacances
scolaires à 14h30 et à 16h.
VISITE PATRIMONIALE DU CNCS.
Histoires et architecture du quartier Villars, visite commentée et
diaporama. Chaque premier dimanche du mois à 10h30.
VISITE DECOUVERTE DE L’EXPOSITION POUR LES
ENFANTS.
Réservée et adaptée aux enfants à partir de 6 ans.
Pendant les vacances scolaires tous les mardis et samedis à 14h30.
VISITE POUR LES GROUPES.
Par un guide conférencier. Pour les groupes (10 personnes minimum),
sur réservation. Visite langues étrangères (anglais, italien…) sur
réservation et suivant disponibilité.
Renseignements : groupe@cncs.fr
LE CENTRE DE DOCUMENTATION DU CNCS.
Situé au deuxième étage du CNCS, le Centre de documentation est
consacré à l’histoire générale des arts et métiers du spectacle, des
costumes de scène et de la mode. C’est un précieux instrument et un
pôle de compétences pour l’étude des costumes de scène dans leurs
aspects historiques et artistiques.
C’est aussi un lieu de plaisir et de détente pour tous les amateurs de
théâtre, d’opéra et de ballet, de costumes et de mode.
Renseignements : documentation@cncs.fr
ATELIERS.
ADULTES, ADOLESCENTS, ENFANTS.
Animés par des intervenants professionnels. Pour découvrir la diversité
des pratiques artistiques liées à la scène : broderie, danse, décoration
textile, musique, peinture, dessin, théâtre, vidéo…
Des stages permettent aussi sur une ou plusieurs journées d’approfondir
une technique artistique et culturelle ou la rencontre avec un
professionnel. Les ateliers sont proposés tous les samedis et pendant
les vacances scolaires (tous les jours pendant les petites vacances et
du mercredi au samedi pour les vacances d’été). Les stages ont lieu
les lundis pendant les vacances scolaires et certains week-ends.
ANIMATIONS GROUPES en direction du public scolaire de la
maternelle au lycée, des centres d’accueil de loisirs, des groupes spécifiques,
de l’enseignement supérieur.
Sur réservation tous les jours pendant les horaires d’ouverture.
Visites commentées par un guide conférencier et adaptées selon
la demande, les thématiques, les projets, l’âge ou les connaissances
des participants.
Ateliers de pratique artistique et culturelle pour découvrir les démarches
de création des artistes et des artisans liés à la scène (peinture,
textile, musique, dessin, composition en volume et littérature
jeunesse), encadrés par les animateurs spécialisés du CNCS.
Un dossier pédagogique est disponible pour les enseignants, les
éducateurs et les animateurs afin d’organiser, conduire et exploiter
toute visite de groupes au CNCS. Des projets d’actions culturelles et
artistiques peuvent être élaborés à la demande avec les enseignants
et les responsables pédagogiques. Le personnel du service pédagogique
s’applique à répondre au plus près à toute demande particulière
formulée pour l’accueil de groupes.
Renseignements et réservations : pedagogie@cncs.fr
LE MUSÉE EN HERBE.
Depuis trente ans, le Musée en Herbe initie les enfants au monde
de l’art. Niché au cœur de Paris, il aime mettre sa pédagogie fondée
sur le jeu et l’humour au service de ses grands frères, les « vrais musées
». Il est aujourd’hui l’invité du CNCS. Dans deux salles qui leur
sont consacrées, les enfants découvriront tous les secrets de l’univers
merveilleux des costumes de l’opéra russe : pigments, couleurs, motifs…
Dans la foulée de Bilibine ou d’Alexandre Golovine, ils pourront
s’imaginer costumier en imaginant leur propre création, en habillant
un mannequin ou en tressant des brandebourgs, mais également chanteur
ou chanteuse d’opéra pour en revêtant des habits semblables à
ceux de leurs prestigieux prédécesseurs.
LE SERVICE PEDAGOGIQUE.
Propositions en direction du public scolaire et des groupes spécifiques.
Le CNCS souhaite tisser des liens privilégiés avec le monde éducatif
et favoriser les partenariats avec tous les acteurs concernés par la
proposition d’une éducation artistique et culturelle pour les jeunes.
Un ensemble d’actions et de ressources pédagogiques est proposé
toute l’année dans et hors le temps scolaire. Des projets d’actions
culturelles et artistiques peuvent être élaborés à la demande avec les
enseignants et les responsables pédagogiques.
Renseignements et réservations : pedagogie@cncs.fr

DU 12 DÉCEMBRE 2009 AU 16 MAI 2010 DOSSIER DE PRESSE PAGE 15
LE CENTRE NATIONAL DU COSTUME
DE SCÈNE ET DE LA SCÉNOGRAPHIE.
UN ÉTABLISSEMENT UNIQUE…
Le Centre national du costume de scène est la première structure
de conservation, en France comme à l’étranger, à être entièrement
consacrée au patrimoine matériel du spectacle vivant (théâtre, opéra,
danse…) et plus précisément aux costumes et aux décors.
Il a pour mission la conservation, l’étude et la valorisation d’un ensemble
patrimonial de 9000 costumes de théâtre, d’opéra et de ballet
ainsi que de toiles de décors peints, dépôts des trois institutions fondatrices
du Centre, la Bibliothèque nationale de France, la Comédie-
Française et l’Opéra national de Paris, auxquels sont venus s’ajouter
de nombreux dons. Situé à Moulins dans l’Allier, le CNCS occupe le
Quartier Villars, caserne de cavalerie bâtie pendant le règne de Louis
XV, qui porte le nom du Maréchal de Villars, grand homme de guerre,
né à Moulins. Bien des cavaliers illustres fréquentèrent ce beau bâtiment
à la noble architecture, aujourd’hui classé Monument historique,
tout comme les fêtes moulinoises et le Grand Café, ainsi cet Étienne
Balsan qui, à la Belle Epoque, aida une toute jeune couturière à se
faire un nom, celui de Coco Chanel. La restauration du bâtiment s’est
accompagnée de la construction d’un nouveau bâtiment pour les réserves
de costumes, dessiné par l’architecte Jean-Michel Wilmotte.
LE CNCS EST OUVERT AU GRAND PUBLIC ET
AUX PROFESSIONNELS.
Outil muséographique et scientifique, le CNCS est également un lieu
ressource à la disposition des professionnels du spectacle, des secteurs
de la recherche, de l’Education Nationale et du grand public.
Lieu d’histoire et lieu de vie, le CNCS illustre dans tous les domaines,
les fastes du spectacle et ceux qui patiemment, dans l’ombre, les tissent,
décorateurs, couturiers, costumiers et ateliers.
Parmi les équipements à la disposition du public : des lieux d’accueil,
billetterie, boutique, vestiaire, café-brasserie et auditorium de 100
places. Une galerie d’expositions temporaires (1500 m²), avec huit
salles vitrines conçues comme de petites scènes, et une grande salle
équipée d’un cintre de machinerie théâtrale, permet de replacer les
costumes dans un contexte scénographique. Des espaces pédagogiques
de 300 m², organisés en quatre salles destinées au jeune public
comme au tout public (ateliers de pratiques artistiques, formation des
futurs professionnels…), ainsi qu’un centre de documentation de 150
m² accessible à tous les publics complètent les espaces. Le bâtiment
de réserves (1730 m²), équipé d’un mobilier de type compactus, est
conforme aux prescriptions les plus poussées en termes de sécurité sanitaire
et physique des œuvres. Des ateliers et locaux techniques permettent
d’assurer les missions de conservation préventive du Centre.
LE CNCS CONNAÎT UN IMPORTANT SUCCÈS AUPRÈS
DU PUBLIC EN FRANCE COMME À L’INTERNATIONAL.
Avec plus de 220 000 visiteurs depuis son ouverture, le 1 er juillet 2006,
huit expositions ont été organisées, accompagnées de la publication
de catalogues : “Bêtes de scène”, “Théodore de Banville et le théâtre”,
“J’aime les militaires”, “Christian Lacroix, costumier”, “Jean
Paul Gaultier – Régine Chopinot : le Défilé”, “Costumes des Mille et
une Nuits”, “Au fil des fleurs, scènes de jardins”. En 2009, le CNCS
a rendu hommage à Rudolf Noureev, icône de la danse, en attendant
d’ouvrir des salles permanentes qui lui seront dédiées, grâce au don
consenti par la Rudolf Nureyev ® Foundation.
Les expositions présentées au CNCS parcourent la France et le monde :
Musée de l’Armée à Paris, Ville de Saint-Raphaël, Musée National de
Singapour, Fondation Armando Alvares Penteado à Sao Paulo (Brésil),
Théâtre de la Ville de Madrid…
LE CNCS, ÉTABLISSEMENT PUBLIC DE COOPÉRATION
CULTURELLE.
Opération exemplaire de décentralisation culturelle, le Centre national
du costume de scène et de la scénographie est devenu, depuis le
1 er janvier 2009, un Établissement Public de Coopération Culturelle
(EPCC), statut adapté à la gestion d’un équipement qui associe État,
collectivités locales et établissements publics nationaux.
Le CNCS bénéficie, dans la conduite de ses missions et actions, du
soutien du Ministère de la culture et de la communication, de la Ville
de Moulins, du Conseil général de l’Allier, de la Région Auvergne et
de ses institutions fondatrices : la Bibliothèque nationale de France,
la Comédie-Française et l’Opéra national de Paris.
Le conseil d’administration du CNCS est présidé par Thierry Le Roy, Conseiller d’État. Président d’honneur : Christian Lacroix.
Martine Kahane, directrice ; Delphine Pinasa, directrice déléguée ; Vincent Foray, administrateur.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
PRÉSENTATION DU CNCS PAR DELPHINE PINASA, DIRECTRICE DÉLÉGUÉE.
LE CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE
A OUVERT EN 2006, D’OÙ VIENT CE PROJET
Le Centre a été inauguré le 1 er juillet 2006 par le Ministre de la culture
et de la communication, et par son Président, Christian Lacroix.
Cependant le projet est bien antérieur : le Quartier Villars, ensemble
de bâtiments dans lesquels est installé le CNCS, est classé
Monument historique depuis 1984. Le Ministère de la culture et de
la communication a décidé en 1994 d’installer dans ce lieu un établissement
de conservation, d’étude et d’exposition pour les costumes
de scène provenant de l’Opéra national de Paris, de la Comédie-
Française et de la Bibliothèque nationale de France.
EXISTE-T-IL À L’ÉTRANGER UNE INSTITUTION
ÉQUIVALENTE AU CENTRE NATIONAL
DU COSTUME DE SCÈNE
Non, aucune. Il existe d’une manière générale, en Europe et dans
le monde, des bibliothèques musées conservant en priorité des
documents papier, tels que des archives, correspondances, cahiers
de mise en scène, partitions musicales, photographies de scènes
ou d’artistes, maquettes de décors et de costumes, programmes,
presse, etc.
Des costumes y sont parfois conservés, mais ils représentent généralement
des éléments épars, en petite quantité, ne formant pas de
collections constituées. Il en est de même pour les musées du costume
et de la mode qui, à travers le monde, conservent d’importantes
collections de costumes de ville et quelques tenues de scène.
Mais aucun lieu n’est consacré au patrimoine matériel théâtral, c’està-dire
aux costumes et aux décors de scène.
Le CNCS est donc le premier établissement au monde, le premier musée
et le seul, à être entièrement consacré au patrimoine matériel des
théâtres et plus particulièrement aux costumes, puisque ses réserves
comportent environ 9 000 costumes, les plus anciens datant de la fin
du XIX e siècle. Mais, comme l’indique l’appellation “Centre national
du costume de scène et de la scénographie”, il conserve également
une quarantaine de toiles peintes pour la scène, déposées par l’Opéra
de Paris. Ce type de collection devrait s’accroître dans un futur proche,
car les coulisses des théâtres regorgent de toiles ou d’éléments de
décor qui méritent, pour certains, d’être préservés.

DU 12 DÉCEMBRE 2009 AU 16 MAI 2010 DOSSIER DE PRESSE PAGE 17
UN COSTUME QUI FAIT PARTIE DE VOTRE CENTRE
EST UN COSTUME QUI NE REMONTERA JAMAIS
SUR SCÈNE
Les costumes conservés ici ont, en majorité, été déposés par les
institutions fondatrices du CNCS que sont la Bibliothèque nationale
de France, la Comédie-Française et l’Opéra national Paris, qui en ont
délégué au Centre la conservation et la valorisation. En intégrant le
Centre, les costumes acquièrent le statut d’objet patrimonial et ne
peuvent être portés à nouveau.
C’EST DONC UN LIEU DE DÉPÔT EN FRANCE
DES COSTUMES DE SCÈNE
Pas seulement. Les conventions passées avec ces institutions fondatrices
sont effectivement des conventions de dépôt, mais le Centre a
également reçu en don des costumes et des décors qui proviennent
de compagnies de danse contemporaine, de théâtres, de conservatoires,
d’artistes ou de légataires. Le CNCS a cette particularité de ne
pas présenter de collection permanente au public. Le textile est trop
fragile pour être montré de manière continue et, à ce titre, comme les
autres musées de la mode ou du textile, le CNCS ne présente que des
expositions temporaires. Notre programmation d’expositions temporaires
est “permanente” : elles se succèdent de façon quasi continue
avec une période de fermeture d’environ trois semaines entre deux,
correspondant au temps de démontage et montage. Le Centre est
ainsi quasiment tout le temps ouvert au public, avec une rotation de
trois expositions par an. La dénomination de “Centre” a été adoptée
dès l’origine du projet. Le terme de musée ne correspondait pas à la
volonté des porteurs du projet qui souhaitaient faire de ce lieu un
espace autre et différent d’un établissement exclusivement muséal.
Cependant, nous assurons avant tout les missions d’un musée à travers
la conservation et la valorisation des collections, leur étude et
leur documentation.
LES COSTUMES SONT-ILS DES TEXTILES TRÈS
DIFFICILES À CONSERVER
Le textile peut être relativement stable dans le temps selon son environnement.
Mais l’histoire des théâtres, et principalement de l’Opéra,
a été marquée par plusieurs incendies qui ont détruit salles et productions.
Les magasins de décors et de costumes de la rue Richer (à
Paris, dans le IX e arrondissement) ont brûlé à la fin du XIX e siècle et cet
incendie emporta en fumée décors et costumes du répertoire. D’autre
part, jusqu’à une période récente, les spectacles étaient présentés
pendant plusieurs années, parfois trente ans, dans les mêmes mises
en scènes, décors et costumes. Ces derniers étaient, après dix ou vingt
ans de scène, particulièrement usés. La fin du XX e siècle connait une
“consommation” excessive du visuel, qui se répercute évidemment sur
le spectacle vivant. Les nouvelles productions se succèdent malgré le
peu de représentations. A peine créés, les costumes sont déclassés.
COMMENT CONSERVE-T-ON DES COSTUMES
Le bâtiment des réserves est spécifiquement adapté à la conservation
et à la manipulation des costumes. Il est construit comme un bloc de
béton, sans fenêtre, hormis quelques ouvertures au rez-de-chaussée
pour les espaces de travail, car la lumière naturelle, celle du soleil
ou de la lune, est très néfaste au textile. Un système de climatisation
régule la température et l’humidité, car pour la conservation des
textiles il est préconisé de maintenir la température à 18 degrés avec
55% d’humidité. Des filtres d’air font barrage à la poussière et aux
insectes. Cette climatisation fonctionne par géothermie c’est-à-dire
avec une thermo-frigopompe. L’eau pompée dans les nappes phréatiques
est à température constante. Cette pompe utilise les calories
de l’eau pour les besoins de chaud et/ou de froid, donc avec une économie
d’énergie importante tout en limitant les rejets de CO 2 . Dans
les trois étages, un mobilier spécifique, appelé “compactus”, offre un
rangement optimal en terme d’espace, de conservation et de sécurité
des œuvres. Ce type de meuble existe pour tous types d’objets,
dans toutes les structures de conservation (archives, bibliothèques,
musées…), mais il a ici été adapté par un restaurateur consultant
pour la collection du CNCS. Il est composé d’armoires assemblées entre
elles, disposées sur un faux plancher équipé de rails, permettant
leur déplacement. Dans leur configuration fermée, les meubles sont
“compactés”, sans espace entre eux. Les costumes sont conservés
sur cintres ou, pour les plus fragiles, à plat dans des tiroirs. Au rezde-chaussée
se trouvent les ateliers de travail où les costumes sont
manipulés et traités pour leur conservation ou pour leur préparation
aux expositions. Les espaces sont équipés de lampes de conservation
spécifiques qui reproduisent une lumière très proche de la lumière
naturelle, beaucoup plus confortable pour des yeux fixés sur un travail
délicat et minutieux.
Dans ces prestigieuses collections de costumes et décors, les grands
noms des arts plastiques (Cocteau, Derain, Utrillo…), du théâtre
(Bakst, Chapelain-Midy, Erté…) et de la mode (Christian Lacroix,
Jean-Paul Gaultier, Franck Sorbier...) entre autres, sont représentés.

CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE EXPOSITION OPÉRAS RUSSES, À L’AUBE DES BALLETS RUSSES
INFORMATIONS PRATIQUES.
LOCATION D’ESPACES.
Le Centre abrite, outre les espaces d’exposition, un auditorium de 100
places, une salle de restaurant avec prestation traiteur et de nombreuses
salles de réunion équipées pour les séminaires.
Informations : Philippe Jaud, pjaud@cncs.fr
CENTRE NATIONAL DU COSTUME DE SCÈNE.
Quartier Villars, Route de Montilly, 03 000 Moulins.
Tél. 00 33 (0) 4 70 20 76 20
Fax 00 33 (0) 4 70 34 23 04
info@cncs.fr
www.cncs.fr
HORAIRES DE L’EXPOSITION.
« Opéras russes, à l’aube des Ballets Russes »
12 décembre 2009 - 16 mai 2010
Le CNCS est ouvert tous les jours de 10h à 18h.
Fermeture exceptionnelle les 25 décembre 2009, 1 er janvier et
1 er mai 2010.
Les 24 et 31 décembre, le CNCS fermera ses portes à 16h.
TARIFS ENTRÉE.
Plein tarif : 5 D
Tarif réduit : 2,50 D (12-25 ans, demandeurs d’emploi, groupes à
partir de 10 personnes)
Gratuit : enfants - de 12 ans, accompagnés, sauf groupes.
ABONNEMENT ANNUEL donnant un accès permanent aux
expositions.
Plein tarif : 15 D. Tarif réduit : 7,50 D
LE CENTRE DE DOCUMENTATION.
Informations communiquées en p.14. Entrée libre.
Tout public : du mardi au vendredi, de 10 h à 13 h et de 14 h à 18 h
Chercheurs, étudiants : l’après-midi, sans rendez-vous.
Groupes : le matin, sur rendez-vous.
documentation@cncs.fr
BOUTIQUE.
Catalogues des expositions du CNCS, livres, jeux éducatifs, DVD / CD,
souvenirs, affiches, cartes postales... retrouvez l’esprit du CNCS à la
boutique.
CAFÉ BRASSERIE « LE RESTAURANT ».
Ouvert tous les jours pour déjeuner ou pour une pause pendant la journée.
Accueil de groupes. Terrasse.
Information, réservation : 04 70 35 04 21.
RÉSERVATIONS.
Visites tous publics, groupes : groupes@cncs.fr
Activités jeune public et action pédagogique : pedagogie@cncs.fr
ACCÈS.
Accès pour visiteurs à mobilité réduite. Parking pour voitures et autocars
sur le site, facilités de stationnement.
Plan d’accès disponible sur www.cncs.fr
INFORMATIONS TOURISTIQUES.
OFFICE DE TOURISME DE MOULINS.
Tourisme à Moulins et en Pays Bourbon : week-ends découverte avec
visite du CNCS proposés par l’Office de tourisme de Moulins.
www.pays-bourbon.com Tél. 00 33 (0)4 70 44 14 14.
COMITÉ DÉPARTEMENTAL DU TOURISME DE L’ALLIER.
www.allier-tourisme.com Tél. 00 33 (0)4 70 46 81 50.
COMITÉ RÉGIONAL DE DÉVELOPPEMENT.
TOURISTIQUE D’AUVERGNE.
www.auvergne-tourisme.info Tél. 00 33 (0)4 73 29 49 46.
CRÉDITS.
Les photographies des costumes sont de Pascal François / CNCS
et Pascaline Noak / CNCS. Les photographies des maquettes et de
l’atelier sont de Pascaline Noak / CNCS. Page 16, photographie de
Jean-Marc Tessonnier / Ville de Moulins.

DU 12 DÉCEMBRE 2009 AU 16 MAI 2010 DOSSIER DE PRESSE PAGE 19
VISUELS DISPONIBLES POUR
LA PRESSE.
DOCUMENTS ET VISUELS TÉLÉCHARGEABLES SUR LE SITE : www.heymann-renoult.com
Snégourotchka
Détail Snégourotchka
Boris Godounov
Khovantchina
Boris Godounov 2
Boris Godounov 3
Snégourotchka 2
Détail Snégourotchka 2
Snégourotchka 3
Khovantchina
Khovantchina 2
Khovantchina 3
Khovantchina 4
Détail Snégourotchka 3
Détail Ivan le Terrible
Motif Khovantchina (aigle bicéphale)
Motif Khovantchina (arbre de vie)
CNCS, réserves
CNCS escalier
Réserves costumes
CNCS, réserves
CNCS Quartier Villars

Quartier Villars,
Route de Montilly,
03 000 Moulins.
Tél. 00 33 (0) 4 70 20 76 20
Fax 00 33 (0) 4 70 34 23 04
info@cncs.fr
www.cncs.fr
Logo du CNCS, titrage et création du visuel de la couverture, Atalante. Conception graphique du dossier de presse : Valérie Jelger.
RELATIONS AVEC LA PRESSE :
HEYMANN, RENOULT ASSOCIÉES
Tél. 00 33 (0)1 44 61 76 76
Fax 00 33 (0)1 44 61 74 40
m.bauer@heymann-renoult.com
www.heymann-renoult.com
(documents et visuels téléchargeables)
Manifestation organisée dans le cadre
de l’Année France-Russie 2010
www.france-russie2010.com