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D o p p e l g a e n g e r
fashion E-zine
E-ZINE #2/2010

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Suggerita o alimentata dagli specchi,
dall’acqua e dai fratelli gemelli, l’idea del
doppio è comune a molti paesi. E verosimile
supporre che massime come di
Pitagora, o il platonico, si siano ispirate
a tale concetto. In Germania fu chiamato Doppelganger;
in Scozia fetch, perché viene a prendere (fetch) gli
uomini per condurli alla morte. Incontrare se stessi è di
conseguenza funesto; la tragica ballata Ticonderonga
di Robert Louis Stevenson racconta una leggenda su
questo tema. Ricordiamo anche lo strano quadro How
They Met Themselves di Rossetti: due amanti incontrano
se stessi, nel crepuscolo di un bosco. Si potrebbero
citare esempi analoghi di Hawthorne, Dostoevskij e Alfred
de Musset. Per gli ebrei, invece, la comparsa del
doppio non era presagio di morte imminente. Era la certezza
di aver raggiunto lo stato profetico. Così spiega
Gershom Scholem. Una tradizione raccolta dal Talmud
narra il caso di un uomo che, cercando Dio, incontrò se
stesso.
Nel racconto William Wilson di Poe, il doppio è la coscienza
dell’eroe. Questi lo uccide e muore. Nella poesia
di Yeats, il doppio è il nostro inverso, il nostro contario,
quello che ci completa, quel che non siamo e non saremo
mai.
Plutarco scrive che i greci dettero il nome di all’ambasciatore
di un re.
da IL LIBRO DEGLI ESSERI IMMAGINARI
di Jorge Luis Borges

SOMMARIO
4
6
8
10
14
Moda E artE coME oppostI INscINdIbIlI
NIcolas GhEsquIèrE la passIoNE pEr GlI oppostI
abItI E MusIca. la MaNIpolaZIoNE dEI sENsI
ElENa rapa E uN IMMaGINarIo surrEalE
“NoN sEMprE avErE a chE farE
coN Il Nostro doppIo è NEGatIvo”
16
20
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26
38
48
58
68
76
altrE artI NoN sEGNatE
EMIdIo aNtocI: uN artIsta daNNato
MIss fraNcE: Il MIstEro dElla rElatIvItà
bIpolarIty
EvIdENcE of a doublE ExIstENcE
thE swEEt dark sIdE of ME
ENtItà
thE shadows
dIrEctory
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MOdA E ARtE
cOME OppOStI
InScIndIbIlI
di Chiara Martellucci
La moda veste l’uomo, mentre l’arte mette a nudo la sua anima”
Achille Bonito Oliva. E’ così che il critico racconta la sua visione
di dualismo, di eterna battaglia tra ciò che si è e ciò che si appare.
Una frase colma di significati, dove l’individuo è spettacolo e
spettatore di se stesso e dove ognuno ha il potere di cambiare
ogni qualvolta si gira la testa e si scoprono nuovi volti. Partendo da questa
frase, è imprescindibile chiedersi se sia veramente così; se la moda non sia
fondamentale nel riconoscere la propria anima riflessa in uno specchio e
se l’abito sia veramente solo un oggetto o al contrario un enciclopedia del
proprio essere.
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In tanti hanno trattato l’argomento con spessore e con
forte senso critico, arrovellandosi sulla questione “la
moda può consideransi un arte?” oppure “ la moda
e l’arte sono sue forme espressive in collisione?”; ma
questa non vuole essere una critica, piuttosto una riflessione,
incipit che ci porti a riflettere su quanto la nostra
immagine sia legata con un nodo alla nostra anima.
Andando avanti in questo senso è inevitabile citare un’
artista che della propria apparenza contrapposta ad
un identità evanescente, ne ha fatto un testamento. Si
tratta di Janieta Eyre, fotografa anglo-canadese che
racconta di essere nata con il retro del cranio unito a
quello di sua sorella Sara, da cui fu separata all’età di sei
mesi. Da allora non si è mai allontanata da “lei” che viene
riflessa in ogni sua opera, come ricerca del proprio io, di
un identità gemella, frutto di una copia virtuale di se. La
perfezione scenica è quasi agghiacciante. Per l’artista
la “facciata” di ogni persona, vestita di abiti meravigliosi,
viaggia insieme all’anima, che diventa “scheletro” di
ogni foto.
Gli abiti, per la Eyre, ci “travestono” e ci aiutano a interpretare
il nostro ruolo nel quotidiano. Ogni immagine è
una sorta di ritratto coinvolto in un panorama grottesco
nel quale gli unici soggetti umani, due gemelle, con indosso
originali costumi d’epoca, ci guardano con uno
sguardo assente. Un viaggio perciò nel mondo di un artista
al limite della follia, che grazie ad una struttura “artificiale”,
sprigiona il suo “doppelgaenger”, doppio- che
se ne va, o piuttosto che non è mai esistito veramente.
Continuando a percorrere questa strada, sorge spontaneo
chiedersi se allo stesso modo,anche per il “fashion
system”, esistano stilisti autentici che nel disegnare
modelli, disegnano in realtà loro stessi; che mettono la
moda in condizione di viaggiare in corsia di sorpasso e
non in quella d’emergenza e che di fronte a un nuovo
designer ne riconoscono l’anima, a prescindere dal gusto
personale. Viene in mente a questo punto una legione
di stilisti, tutti usciti dalla Royal Academy of Fine Arts
di Anversa, un istituto con secoli di tradizione alle spalle
la cui parola d’ordine era “moda sì, ma con una filosofia”.
Dopo il massimalismo ridondante degli anni Ottanta,
ritorniamo con un balzo finalmente in avanti, al fascino
del bianco e nero, all’assenza di fronzoli e ad un’ eleganza
pura. Stilisti invisibili che camminano su cemento
accompagnati da musica industriale, e che nonostante
la scarsa presenza in pubblico e il mancato atteggiamento
“iconico”, portano avanti con fierezza un incomunicabilità
quasi ostentata. Non si tratta di mancanza
di dialogo o di incomprensione; si preferisce mandare
avanti la creatività; che parli lei al loro
posto e che sia lei a farsi conoscere
come prima vera anima dell’ artista.
Si tratta di Ann Demeulemeester,
il quale senso di isolamento viene
spezzato dal rumore dei tacchi delle
pesanti scarpe nere indossate
da esili e androgine modelle; ancora
Martin Margiela, maestro del
riciclaggio e della destrutturazione
dell’abito, la sua etichetta è un
semplice pezzo di stoffa bianca; e
andando avanti Dirk Bikkembergs,
Thimister e Dries Van Noten.
In conclusione, la cosa fondamentale
è che l’ idea è l’anima che muove
questi artisti, che non c’è, come
per la Eyre contrapposizione tra essere
ed apparire, dualismo o lotta,
ma solo un profondo legame inscindibile.
Senza questo legame tutto si
scioglierebbe come un ghiacciolo
al sole e nulla avrebbe più senso.
E’ questo il mezzo che permette
di infischiarsene dell’essere “up to
date”, o fuori dal business. E’ qui
che l’arte diventa moda e la moda
diventa arte. E’ in questi casi che le
discipline che esaltano il bello, non
futile, ma dell’idea si miscelano e
ne esce una pozione vincente. Ed è
sempre qui che il “doppio” diventa
unico e non c’è alter ego che tenga.
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nIcOlAS GhESquIèRE,
lA pASSIOnE
pER GlI OppOStI
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di Veronica Magliocchetti

Parigi, salone delle Aquile all’Hotel de Crillon. Collezione Balen-
ciaga autunno-inverno 2010/11 e il cuore ha un sussulto. La
nostalgia scatta in avanti e il pensiero corre indietro nel tempo,
desideroso di rivivere le suggestioni emotive suscitate dal capolavoro
di Kubrick “2001: Odissea nello spazio”.
Lo spettacolo ha inizio: nello show tutto concorre alla rievocazione del celebre
film che, per primo, ha fuso l’uomo con il tempo e lo spazio. Il pavimento
luminoso in versione fantascientifica ospita eroine androgine che avanzano
su altissimi e insoliti mocassini. Modelle come miti dello spazio interstellare,
rischiarate dai colori tenui delle galassie, con larghe spalle a suggerire un’armatura
cosmica.
Pensate a un incontro tra una maison nobile ma decaduta e un giovane
stilista capace di entusiasmare le folle attraverso una visione pseudo–industriale
della moda: è il successo della casa di moda di Cristobal Balenciaga
attualmente governata da Nicolas Ghesquière, creatore di sinergie sapienti
tra tessuti classici e materiali inediti d’effetto dirompente, capaci di catturare
la comunità della moda e di risollevare le sorti della maison.
Lo stilista, appassionato testimone degli orientamenti e delle propensioni
del secolo scorso, si muove in perfetto stile steampunk, sperimentando innesti
di elementi futuristici su modelli che rievocano gli anni ottanta. È un godimento
per gli occhi lo spettacolo di tailleur dalla linea geometrica e severa,
realizzati con materiali high-tech e ammorbiditi da complementi di pelliccia.
Altrettanto affascinante è assistere allo stravolgimento della silhouette tradizionale
della figura femminile attraverso l’intrusione sofisticata di elementi
del tutto inusuali. Su tutto irrompe la stampa, un trionfo di tessuti su cui campeggiano
parole in libertà, forse a testimoniare l’importanza attribuita alla
carta stampata.
Il suo è un amore sviscerato per gli opposti, la geometria lineare contro l’irregolare
eccentricità, che tende a legare la tradizione della celebre maison
spagnola al futurismo puro. L’ aspetto finale è una combinazione raffinatissima
di epoche, con l’introduzione di una tecnologia iperfuturista all’interno
di una specifica ambientazione storica. Tutto il suo lavoro sfida le categorizzazioni
scontate; il suo percorso, lungi dall’essere prevedibilmente futuribile,
coniuga la moda parisienne chic con materiali sintetici, corposi e plasmabili,
rivelando un desiderio costante di stupire.
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AbItI E MuSIcA.
lA MAnIpOlAzIOnE
dEI SEnSI
di Francesca Lancia
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Iris Van Herpen, riconferma con la collezione Synesthesia
il suo metodo atipico di accostarsi al mondo della moda,
un mondo per lei fatto di suoni e percezioni visive, che ha
catturato l’attenzione del suo pubblico durante la London
Fashion Week.
Laureatasi in Olanda presso la scuola d’arte di Artez, questa giovane designer-
artista, inizia la sua carriera collaborando al fianco di due tra i più grandi
ed eccentrici nomi della moda, Alexander McQueen e Viktor&Rolf , fino al
2007, quando lancia la prima collezione firmata con il proprio nome.
Fin da subito, ci ha abituato a cogliere nelle sue creazioni una visione surreale
che va oltre i soliti schemi della moda. Attraverso la sperimentazione di
nuove tecniche e la manipolazione di diversi materiali, ci accompagna ogni
volta alla scoperta di veri e propri mondi .
Ma è con la collezione per l’autunno/inverno 2010 intitolata Synesthesia, che
l’artista decide di osare, ispirandosi al fenomeno “Cross”, ovvero dell’ascolto
colorato, meglio conosciuto come sinestesia sonoro-visiva.
Qui musica e moda si coalizzano per colpire i sensi più nascosti e assopiti
degli spettatori e per dar vita ad uno spettacolo, che come uno elettroshock
ci conduce in una dimensione quasi paranormale, in cui ogni sensazione è
strettamente e intimamente collegata alle altre. Ogni suono dunque riporta
a un immagine e un immagine a un colore, per sconvolgere e intrappolare
chi osserva, in un effetto domino che a catena cattura ogni particella del
suo cervello.
Un viaggio sensoriale attraverso materiali innovativi che si sovrappongono
al corpo, sviluppando reali sculture: una doppia pelle fatta di fibre hi-tech,
filati industriali, pvc, metallo e chi più ne ha più ne metta.
Una visione della moda futuristica quella dell’artista, che ai soliti modi convenzionali,
predilige puntare su qualcosa di più intimo e nascosto, dando
a ogni sua creazione una doppia valenza che oscilla tra la precisione della
sartoria e dei dettagli, all’impatto visivo associato alla musica. Una sorta di
dimensione mistica dove ogni elemento è fortemente legato agli altri.
Vincitrice nel 2009 del Dutch Fashion Media Awards, Iris Van Herpen, ha
riconfermato la sua vena creativa suscitando sicuramente una curiosità e
un’aspettativa che verranno soddisfatte nella prossima collezione…per la
serie…più è strano meglio è!
Che sia per la noia o perché ormai di creatività se ne vede ben poca, qualsiasi
metodo che porti a una nuova interpretazione dell’abito, è sicuramente
ben accetta.
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ElEnA RApA
E un IMMAGInARIO
SuRREAlE
1. Puoi presentarti, descrivere il tuo percorso?
Nell’arco della mia adolescenza grazie alla casualità di aver fatto certe scuole,
come l’accademia, ho incontrato molte persone che mi hanno stimolato
ad affrontare il mondo dell’arte visiva come fumetto, illustrazione, grafica,
pittura. Il mio percorso è stato influenzato dalla fortuna di avere conosciuto
molte persone interessanti, a partire da Macerata, dove ho iniziato la mia
formazione accademica, fino a Roma. Passando anche da Bologna dove
vinsi una borsa di studio di progettista grafico. Credo che sia soprattutto
attraverso i rapporti umani che si è creato l’orientamento del mio lavoro.
Cerco di creare linguaggi autonomi, a Roma e a Bologna negli anni 2000
v’era una tendenza, che ora sta rinascendo, legata al fumetto e mi sono
avvicinata a quello tramite il linguaggio dell’illustrazione. Nel caso in cui fossi
rimasta a Macerata probabilmente, questo non sarebbe successo. Lego
sempre il binomio percorso formativo e quello umano, le scuole statali in Italia,
soprattutto legate all’arte, non danno tanto. Sono le persone che danno
molto. Ho fatto il pedagogico quindi sarei maestra. Avendo fatto il Cobaslid
sarei abilitata nell’insegnamento di storia dell’arte e disegno geometrico.
Purtroppo con le nuove riforme avere una cattedra è impossibile. Personalmente
il percorso didattico sarebbe stato complementare a quello artistico
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di Diane Orlando

perchè facendo arte non relazionale, par-
lando dei miei sentimenti piuttosto che della
società, mi è venuta a mancare la capacità di
andare verso l’esterno e insegnare mi avrebbe
veramente completato. Sfortunatamente
la scuola non dà la possibilità alle nuove generazioni
di lavorare. Ho la fortuna di vivere
con la pittura e mi ritengo una privilegiata.
2. Com’è nata la tua passione per
il disegno, e soprattutto per questi
personaggi fantastici?
È un semplice fatto di corsia di favore, personalmente
penso che il disegno sia alla base
di tutta l’arte visiva, andando per codici dalla
pittura a quelli dell’architettura. La mia ricerca
è quindi molto classica: mano, matita, colore.
I personaggi che popolano i miei quadri
partono e tornano dal mondo della realtà
quotidiana, nelle tele c’è la libertà di essere
ciò che io voglio, che siano e farli muovere e
poi ritornano ad essere i miei vicini di casa, le
persone a cui voglio bene o che odio….semplicemente
guardo dal mio balcone e parto
per la tangente.
“... chiederei all’osservatore
cosa apprezza
e cosa lo disgusta”
3. Ogni disegno cela un racconto ben particolare e intrigante,
puoi spiegarci quale sono le tue fonti d’ispirazione?
Il quotidiano da una parte, soprattutto il mondo ragionato per micro-cosmi.
Poi i punti di riferimento culturali come i libri, i film, la musica: James Elroy,
Charles Burnes, Braian The Brain di Miguel Angel Martin, Un posto al sole,
tutto David Linch, Bergman e Fassbinder, Cronaca Vera, American Beauty,
American History X, Fai la Cosa Giusta, Tuxedomoon, Lydia Lunch, Nick
Cave and the Bad Seeds.
4. Come definiresti il tuo genere?
Il mio genere … c’è il surreale e non il Surrealismo, e tutta la pittura classica di
questo genere, la temporalità dei libri di illustrazione e la cromia dei cartoon..
non mi piacciono “pecette” come pop-surrealismo o underground, penso
che ogni periodo ha una connotazione a se, questi riferimenti potrebbero
definire il mio stile, ma sono tanti…..quindi più che una definizione chiederei
all’osservatore cosa apprezza e cosa lo disgusta.
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5. Vivi e lavori oramai a Milano da tanti anni, andresti
all’estero per nuove sperimentazioni?
Non vivo più a Milano perchè non mi ci trovavo troppo
come città, preferisco gli spazi più piccoli e domestici,
sono tornata a vivere a Lucrezia un paese vicino a Pesaro,
assolutamente orribile dal punto di vista architettonico
o meglio degli abusi edili sul paesaggio ma ancora
profumato e tranquillo come tutti i paesini di queste
zone. A Milano ci torno spesso per lavoro e p sporto
sarà mezzo elitario non so quanto riuscirò a muovermi,
sono ottusamente spaventata dall’aereo, dai disastri incombenti
e mi muovo solo nel recinto geografico che mi
sono involontariamente preposta, tra le Alpi ed Il Mare
Mediterraneo. Magari se mi capitasse delle proposte
lavorative, potrei provare ad avere più energia per affrontare
il volo…
6. Hai realizzato copertine per un gruppo musicale,
com’è nata questa collaborazione?
Tutte le collaborazioni sono nate da rapporti di amicizia
che sono poi confluiti in cooperazioni, come con i Neo
e l’ambito Fromscratch prima e Megasound dopo. Si è
creata una sinergia forte umanamente molto bella perchè
sincera.
Ho curato allo stesso modo con dedizione e piacere,
vari progetti grafici di cover collaborando con simpatici
musicisti e bravi ragazzi come Miranda, Udus, Farina-
Zeregan-Pupillo tutti sotto FromScratch inoltre con
Christian Rainer, Psikofagaist, DavidStarr e KiddyCar.
“Studiare
senza pregiudizi
tutto ciò che può
capitarti casualmente
tra le mani, la selezione
personale avviene
più tardi in modo
spontaneo, e più tardi
arriva più si è liberi”
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7. Tra tutti i tuoi lavori, a quale opera ti senti
più legata e perché?
Adesso non è proprio un mio lavoro bensì un progetto
che porto avanti con Laura Giardino e Adriano Pasquale
chiamato Graffa. Graffa è una piccola fanzine monografica
e interattiva che si accompagna sempre ad una
mostra presso Piscina Comunale di Milano. Il concept di
Piscina Comunale è quello che io stessa sostengo, serietà
e correttezza, collaborazione, fantasia e vino. E’ un
onore lavorare assieme ai miei amici Laura ed Adriano
e collaborare con illustratori che ammiro quali Dast, Zattera,
Nicoz, Giacon, Pace, e tutti coloro che ci aiutano a
realizzare Graffa. cfr.: http://graffa.blogspot.com/
8. Quali consigli consegneresti ad un giovane
disegnatore che volesse intraprendere questo
lavoro?
Studiare senza pregiudizi tutto ciò che può capitarti casualmente
tra le mani, la selezione personale avviene più
tardi in modo spontaneo, e più tardi arriva più si è liberi. E
soprattutto disegnare il più possibile.
9. Quali sono i tuoi progetti in corso?
Graffa e i Festival estivi… e poi mostre, prossimamente
sarò a Milano presso Galleria Colombo per una collettiva
Forward_Rewind e il mese dopo sempre li in un progetto
chiamato Little Circus , un piccolo spazio dove artisti
non della Galleria hanno la possibilità di presentarsi a un
certo tipo di pubblico.
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nOn SEMpRE
AvERE A chE fARE
cOn Il nOStRO
dOppIO
è nEGAtIvO
di Federica Zanni
Nata a Cagliari, Francesca Randi, è un’artista con un immagi-
nario fortemente surreale; attualmente lavora nella sua città
natale come fotografa e grafica. Il suo approccio con la fotografia
è da lei considerato “un colpo di testa e di fulmine” e
allora è corsa ad acquistare la sua prima macchina fotografica,
con la voglia sfrenata di raccontare le sue storie attraverso la creazione
di immagini.
Nessuna scuola d’arte: “sono autodidatta, ho imparato osservando i grandi
pittori e fotografi del passato e sprecando una marea di rullini”, dice Francesca
Randi, perché quando ha iniziato a lavorare con la fotografia non esisteva
ancora il digitale.
Uno stile malinconico, a volte duro e allo stesso tempo surreale, come quello
del Doppelgaenger, il doppio, l’altra parte dell’io, affrontato nel 2009 con
le dodici opere esposte a Cagliari. “Questa è una delle tematiche che mi
ossessionava da tempo”. “Tutti abbiamo subito dei traumi, delle ferite che a
volte ci portano ad una sorta di sdoppiamento dalla realtà che ci circonda”.
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Questa giovane e talentuosa donna sarda, attraverso queste opere, mette
in scena l’altra parte dell’io, che non è visibile alla maggior parte di noi, ma
che irrazionalmente esiste e riflette l’immagine di giovani donne e bambine,
fotografate dalla Randi, portando lo spettatore al disorientamento totale.
Nella tua fotografia si denota un forte stile personale. I tuoi scatti sono frutto
di un impulso, oppure c’è una preparazione precedente?
“Parte tutto da una certa ossessione verso un argomento specifico, poi c’è
uno studio preciso su chi dovrà posare per quel determinato scatto, sulla
location, gli abiti e gli oggetti che faranno parte del lavoro fotografico”.
Hai qualche personaggio di riferimento nel mondo dell’arte?
“Sono tanti, ad esempio i pittori fiamminghi, Caravaggio o il fotografo Robert
Doisneau e tantissimi registi cinematografici come Kubrick, Tarantino, Tim
Burton e i neorealisti italiani. Ho anche i miei film feticcio, quelli che guardo
mille volte e non mi stufano mai, come Shining, Picnic ad Hanging Rock,
Piano piano dolce Carlotta, Miriam si sveglia a mezzanotte, Donnie Darko,
Blow Up, ecc ecc…”
Nelle dodici opere esposte a Cagliari, hai affrontato il tema
del Doppelgaenger, fenomeno che rappresenta l’altra parte
dell’io, “la quale dopo tanto tempo si rivela come un fantasma
del passato alla nostra coscienza”. Perché il Doppelgaenger?
Quale è stato il percorso che ti ha portato ad affrontare questo
fenomeno? Quali le influenze?
“Questa è una delle tematiche che mi ossessionava da tempo, e prima o poi
dovevo tramutarla in immagini. Doppelgaenger è una parola tedesca che si
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iferisce ad una leggenda, secondo la quale ognuno di noi avrebbe un dop-
pio o sosia. Se per sventura dovessero incontrarsi, uno dei due dovrebbe
morire per mano dell’altro. Il fenomeno del doppio è stato inizialmente studiato
da Freud. Ho letto tanto sull’argomento, tutto il progetto è incentrato
sul concetto di Perturbante. Freud nel suo saggio dice che: “Il perturbante,
ciò che porta angoscia, è un non-familiare, qualcosa che assomiglia al nostro
ambiente domestico ma che in realtà cela in sé un qualcosa di straniero,
sconosciuto, enigmatico. Il perturbante che si sperimenta direttamente
si verifica quando complessi infantili rimossi sono richiamati in vita da un’impressione”.
In psichiatria il doppio rivela tutta una serie di patologie, come la
schizofrenia, disturbo bipolare e borderline, ma anche semplici traumi che
la nostra mente inizialmente rimuove e che riaffiorano quando meno ce lo
aspettiamo, creando forti stati di angoscia. In passato tantissimi artisti hanno
affrontato questo argomento, ma soltanto due hanno colpito in modo
particolare la mia attenzione, come ad esempio Kubrick e la scrittrice Anais
Nin. Questi due artisti erano ossessionati dal doppio”.
Ti è mai capitato di vivere in prima persona questo fenomeno
dissociativo? Sia che sia stato positivo o negativo.
“Credo che ciascuno di noi abbia provato una cosa simile. È proprio questo
che mi affascina dell’argomento, senza arrivare a patologie gravi come la
schizofrenia. Tutti abbiamo subito dei traumi, delle ferite che a volte ci portano
ad una sorta di sdoppiamento dalla realtà che ci circonda. Ci sono dei
traumi che affiorano all’improvviso, magari nell’età adulta, e ci fanno stare
male, all’inizio non capiamo perché, poi però dobbiamo affrontare la situazione
e quella parte di noi che non pensavamo nemmeno lontanamente
di avere. Ricordiamoci però che non sempre avere a che fare con il nostro
“doppio” è una cosa negativa, infatti se da una parte può operare ai danni
del soggetto, dall’altra può invece realizzare i suoi desideri più segreti,
agendo come il soggetto o la sua coscienza non oserebbe mai. Liberandoci
quindi da sovrastrutture che l’educazione, la società e a volte noi stessi ci
siamo imposti”.
Secondo te qual è la differenza tra moda e stile?
“Spesso gli stilisti ci incanalano in determinati clichè, che le donne purtroppo
seguono stagione dopo stagione. Da questo punto di vista a volte si esagera,
tutto questo è un po’ schizofrenico. Per me indossare un abito equivale
ad indossare uno stato d’animo, ci si deve ascoltare, capire e seguire il proprio
stile. Non amo i modaioli a tutti i costi, quelli che come pecore seguono
la corrente del momento. Con la moda si deve giocare, fino ad arrivare a uno
stile personale, che non deve limitare quello di nessun altro”.
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Potresti trarre ispirazione da qualche fotografo di moda? o
l’hai già fatto?
“I fotografi di moda che più riescono a stupirmi, sono quelli che creano magia
e fiaba, che riescono a raccontarmi una storia. Te ne cito uno su tutti,
proprio perché lo sento molto vicino a me e al mio modo di concepire le foto
di moda: Tim Walker, assolutamente fantastico! Per il resto di solito traggo
ispirazione da una marea di cose che la mia mente macina ogni giorno, film,
romanzi, saggi, immagini di ogni tipo, impressioni e macino, macino sino a
quando tutto prende forma”.
Si potrebbe parlare di moda applicandola a questo fenomeno?
“Ogni volta che indossiamo un abito ci creiamo volutamente o inconsciamente
un determinato ruolo o personaggio. La moda in questo senso aiuta
tantissimo, oggi più che in passato. Esiste un abito per ogni situazione, circostanza
o personaggio si voglia creare, ci si può trasformare in qualsiasi
momento; tutti noi lo abbiamo fatto almeno una volta nella vita”.
Quale stilista secondo te potrebbe rappresentare al meglio il
Doppelgaenger?
“Abbiamo l’eredità di tutta la moda del passato e se ci pensi è magnifico!
Amando tantissimo cinema e teatro, gli stilisti che mi hanno incuriosito maggiormente
sono quelli che più sapientemente riuniscono epoche e stili, creando
degli abiti spettacolari e originali, fiabeschi e gotici allo stesso tempo.
Mi vengono in mente Vivienne Westwood, Kenzo e Alexander McQueen”.
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Secondo quali criteri scegli gli abiti dei tuoi scatti?
“Dipende dall’argomento che sto trattando. Per esempio, per Doppelgaenger,
cercavo qualcosa che avesse un sapore antico, d’altri tempi, perché
le location scelte per ciascuno scatto sono tutti complessi industriali in disuso
ormai da anni. Adoro l’archeologia industriale, evoca mille cose; a me
personalmente ricorda una società post-atomica come quella del famoso
cartoon che ha segnato la mia infanzia: Canon. Mi piaceva immaginare una
società ormai distrutta, dove le industrie in disuso giacevano addormentate
ai piedi delle ragazze-bambine e del loro doppio”.
Che rapporto hai con lo specchio? (Come oggetto di sdoppiamento
figurativo)
“Lo specchio è un oggetto che adoro. L’ho utilizzato per vari lavori. È una
porta spazio-temporale che ci porta a scoprire un altro sé. Lo specchio amplifica
e moltiplica l’immagine e gioca a confondere realtà e artefatto.”
Tra i tuoi lavori qual è quello che più ti è piaciuto realizzare?
Quali sono le emozioni che provi realizzando le tue opere?
“Provo sempre un’emozione grandissima nell’iniziare un nuovo lavoro. È una
vertigine indescrivibile perché c’è sempre un elemento d’imprevedibilità che
subentra quando inizio a scattare che ti cambia tutto improvvisamente. A
volte il solo spostamento delle nuvole sopra il sole, o il cambio d’espressione
di una modella creava quel momento imprevisto che però dava alla foto
un’atmosfera incredibile.”

EMIdIO
AntOcI:
un ARtIStA
dAnnAtO
Emidio Antoci: un artista dannato
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di Camilla Martorano and Tommaso Matano

Nel cuore di Trasteve-
re, prima di piazza
S.Maria, vi è un’altra
piazzetta con un ristorante,
due bar e
gente che si gode il clima primaverile.
Ma questo, è ciò che succede
a terra.
Se si alza lo sguardo verso l’ultima
finestrella del palazzo, si avverte la
presenza di uno strambo personaggio.
Il pittore, l’artista Emidio che fino
a poco tempo fa teneva in finestra
bambole, pupazzi, giocattoli appesi
per i capelli o per le braccia, visibili a
tutti i passanti. Se si guardano con
ansia sembrano sull’orlo del suicidio,
se si guardano con fanciullezza
non sono altro che pupazzi stesi ad
asciugare.
Il nonnetto si affaccia e mugugna
qualcosa di incomprensibile, ma
alla fine ci apre il portone. Forse un
po’ incoscienti ad entrare in casa di
un folle sconosciuto, veniamo catapultate
nella prima sala ove non
si identificano bene gli oggetti data
una penombra scurissima. Ciò che
arriva dritto al cervello è un odore
stantio e un pulviscolo di germi e
batteri. Emidio ci accoglie seduto
sul letto e comincia a parlare in maniera
vaga, ma con una scioltezza
che lascia pensare sia solito intrattenere
persone colloquiando. In ef-
fetti è proprio così; c’è una quantità di oggetti, ninnoli,
cianfrusaglie e doni da ubriacare la vista.
Poco si sa di lui, data anche la scarsa attendibilità delle
sue parole. Ciò che conta è che è divenuto un pittore
per un “veto fatto dalla zia”, ed egli è assolutamente
consapevole di non aver alcuna vocazione artistica definendosi,
anzi, un dannato. “Nella mia vita ha commesso
molti errori e il Signore mi sta punendo tenendomi
all’inferno, in questa casa”, da cui non esce da anni, data
anche la sua cecità. Della sua arte,nessuna traccia, ad
eccezione di un quadro raffigurante una Madonna, dalla
dubbia autenticità.
Emerge il ritratto di un uomo solo, triste, pazzo, che si è
lasciato andare e che non vuole parlare molto né della
sua famiglia (a detta sua, i familiari sono quasi tutti morti,
e i figli non li vede), né dei suoi quadri (di cui non vi è
prova tangibile perché venduti tutti). Si dice andasse in
giro con due paia di occhiali e due cravatte, quest’ultime
ancora ben visibili, polverose e appese sopra il letto,
ma le cose che lasciano senza parole, oltre alla quantità
di oggetti che farebbe impazzire un mercataro di
Portaportese, sono le scritte che coprono tutti i muri .
“Emidio poeta dell’arte!”. Segni di amici? ci dice che non
ne ha più, ma possiamo affermare quasi con certezza
che tutte quelle parole sui muri sono la testimonianza di
chi, come noi, era curioso di conoscere “il matto pittore
trasteverino”.
Dopo un’ora di chiacchiere (sempre le stesse, data qualche
rotella fuori posto del nostro interlocutore) ci esorta
ad andarcene per non stancarci, mica scemo! Ci chiede
di fare un miracolo per lui, con la consapevolezza che
in verità non si possa fare niente per la sua “dannata
esistenza”. Uscendo ci cade lo sguardo su una scritta
colorata “la stanza dei pensieri”. Mai nessuna scritta fu
più azzeccata.
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Il mio cervello comincia a compiere voli pindarici, circa la vera esistenza
di quest’ometto, quanto di vero c’è nelle sue parole, e quante altre storie
invece avrebbe potuto raccontarci. Fatto sta, che io ci tornerò, mi sono
ripromessa di farlo uscire di casa, ma probabilmente non si ricorderà neanche
chi sono. Una volta fuori infatti, due ragazzi salgono dandoci il cambio;
chissà questa volta Emidio cosa racconterà ai suoi nuovi amici.
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OrizzOnti.
Chi è? Che cosa volete? Non potete portare via le mie bambine, avete capito?
Lasciateci stare, vi prego. Lasciateci stare. No, no, siete angeli dovete
venire qui allora. Non potreste fare un miracolo? Voglio la pace, nel cuore e
nell’anima, guardatemi, voi dovete fare un miracolo angeli miei, ascoltate,
la maledizione è in me, in queste mie mani, sotto queste unghie sporche
di vernice, grattatela via, io sarò la vostra tela, cancellate ciò che è inciso
nelle mie rughe, e nel mio sguardo, datemi una seconda possibilità. Bisognerebbe
nascere due volte, prima solo per prova, poi per vivere davvero,
impareremmo di più.
Io non vorrei, io non volevo sbagliare tutto. Ma non posso rimediare, solo voi

potete, voi, creature stupende, datemi la redenzione.
Non sentite la puzza di bruciato che è in questo luogo
maledetto, ditemi, angeli miei, non sentite il calore asfissiante
del fuoco, il fumo che sale a intridervi i polmoni col
puzzo di morte, voi che conoscete il miracolo ditemi la
verità, non vi si bruciano le ali, in questo Inferno?
Volate via, prima che sia troppo tardi. Il sole è fuori da
qui, alto, stupendo, non posso dipingerlo, altrimenti
saprei spiegarvelo meglio, io e le parole non andiamo
molto d’accordo, mi piacciono le immagini, i pennelli,
posso dipingervi mentre prendete fuoco in questo Inferno,
angeli miei?, andate via c’è il sole là fuori volate
verso di lui, non lo temete, vero Dedalo, non avete paura
di lui ma solo dell’Inferno, che ne dici, Icaro, ricorda un
po’ il vostro labirinto questo orrore che gli umani hanno
dentro di loro?
Andate via da qui, se non potete salvarmi, fuori c’è
un sole bellissimo che non mi appartiene perché non
posso rappresentarlo, non ho più quadri, né speranze,
angeli, mi restano solo le mie bambine e voi non le porterete
via, è chiaro? Ogni giorno le lascio stare sospese
sul mondo, i piedi che ballano nell’aria. Voglio che vivano.
Io ero un morto ambulante in cerca d’emozioni. Che
almeno le mie bambole si salvino dall’eterna angoscia
che è in questa casa, volete portarle via con voi, angeli
miei?, portatele sul sole, lì è tutto più bello, non è così?
Lì la fine arriva, prima o poi, non si muore come qui, respiro
dopo respiro.
Andate via, angeli.
Lasciatemi da solo con le mie bambole.
Io vivo fuori dal tempo, e sono un pittore, ma quando
ero ancora vivo –vivo per davvero- ho visto l’orizzonte,
quella linea ultima in cui il mare e il cielo si incontrano
davvero, per sempre, e ho capito che è quella la verità,
la verità che l’arte dovrebbe ricercare, perché è il
modo che ha la natura per descrivere l’eterno, col suo
inchiostro, l’orizzonte, angeli miei, quell’orizzonte che le
mie bambole fissano ogni giorno appese alla finestra, lo
cercano senza trovarlo –sì, ecco cosa fanno tutto il giorno
sospese sul mondo- e ora vi faccio una domanda,
angeli, una domanda cruciale cui non so rispondere ma
dalla quale dipende tutto la mia vita cristallizzata in questo
limbo infernale che è la casa buia in cui vivo senza
più un quadro, senza più una passione, senza più la dignità
di chi ha dalla sua ancora la ragione, una semplice
domanda, angeli profani che non sanno il miracolo: può
un pittore scrivere l’orizzonte sulla sua tela?
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MISS fRAncE:
Il MIStERO
dEllA RElAtIvItà
di Maurizia Mezza
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Bipolarismo, doppelgaenger, doppio, mi-
stero, occulto, relatività. Non sono i clas-
sici sostantivi da accostare ad un nego-
zio di moda, eppure già sbirciando nella
vetrina di “Miss France” ci si rende conto
che non è un negozio come gli altri: lì accadono cose
strane, infatti è proprio lei, Miss France, a spiegarci “se
lo fai bene questo lavoro escono cose belle”.
In via della Scrofa, tra i vicoletti del centro storico di Roma,
esiste dagli anni ’60 un piccolo negozio estremamente
affascinante. E’ la testimonianza della relatività dello spazio
e del tempo. Si chiama Miss France, in quanto la proprietaria,
Maryse Fabre, è stata eletta Miss Francia nel
1956, ed è aperto solo la notte, dalle 22 alle 3.
Il negozio è molto piccolo ma al suo interno sono conservati
almeno 40 anni di storia della moda, da Chanel
ad Hermès passando per Max Mara e le scarpe originali
di “Ballando con le stelle” (pop contemporaneo?). La relatività
spazio-temporale emerge subito.
Varcando la porta di questa “boutique d’essay” ci si ritrova
in un universo parallelo dove il tempo si è fermato
e il comune senso dello spazio non è più così ovvio. In
pochi metri quadrati convivono, in un armonioso caos,
centinaia di vestiti e accessori da donna, uomo e bambino.
Ed è proprio sul bambino che Maryse si è concentrata
ultimamente, ci tiene infatti a sottolineare che
ha moltissimi capi firmati, da Cacharel a Replay, a costo
bassissimo.

“Questo non è un negozio dell’usato, è vintage scelto
e seminuovo, troverai cose incredibili ed autentiche” ci
racconta con orgoglio Miss France, ed è assolutamente
vero. Dalla vetrina ad oblò sbucano timidamente, tra
borse, tazze, giochi da tavolo, gonne e bretelle, un meraviglioso
costume da bagno Yves Saint Laurent degli
anni ’70, cravatte di seta Christian Dior e un portafogli
Fendi.
È un luogo misterioso questo, dove ci si potrebbe perdere
per giornate intere a scavare tra le montagne di
oggetti e a farsi affascinare dalla gentile e simpatica
proprietaria, che infine, nel salutarci, ci mostra delle bizzarre
salopette di jeans e ridendo commenta: “chi le ha
fatte era strano”.
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BIPOLARITY
BIPOLARITY
Photographer: Manuela Morgia
Model: Carla Barrucci
Stylist: Francesca Lancia
Hair & make up: Claudio Furini
Special thanks for clothes: Hippy Chic
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canotta grigia: manila grace
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tubino nero a balze: doralice
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abito a pipistrello grigio: doralice
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abito di maglia marrone: manila grace
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giacca in pelle: space

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EvidEncE
of a doublE
ExistEncE
Photographer: Michele Del Manzo
Model: Flavia Serafini Pozzi
Stylist: Francesca Zuco
Hair: Filippo Costantino, Massimo Formiconi @ Vertigine
Make-Up: Charlotte Hardy
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vestito: leila hatzi

camicia: nadir // vestito: lavinia turra
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maglia: massimo crivellli

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vestito: martin alnares // scarpe: stylist own

trench: eugenio vazzano // scarpe: steve madden
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giacca: sofie d’hoore
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vestito: massimo crivelli

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The sweet dark side of me

soprabito: tina sondergaard
spilla: vintage
Photographer: Ivona Chrzastek
Model: Sarah@Icon Model Management Roma
Stylist: Maurizia Mezza
Hair: Leila Soula
Make-Up: Paolo Panczyk@studio13roma
Special Thanks for clothes to:
Creje di Salvatore Castigliola
Lotorchisco, Ianua,
Misty Beethoven,
Patrizia Greco Handmade,
Tina Sondergaard,
Edo city,
Molly Bloom,
XX XY
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camicia: vintage // pantaloncini: mass
parigine:top shop // calzini: stylist’s own
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spolverino: nadir
vestito: misty beeethoven
occhiali: vintage

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giacca: lavinia turra
anelli: danae roma // cappello: stylist’s own
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gorgiera: xy // collana: danae roma

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trench: edo city // vestito grigio: tensione inn
cappello: archivio antica manifattura cappelli
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Photographer: Paolo Mancini
Model: Asya @ Icon Model Management
Stylist: Emanuela Paolacci & Francesca Massera
Hair & Make-Up: Claudio Furini
Special thanks to:
Paraphernalia,
Edo City by Alessandra Giannetti,
Lol
giacca: alessandra giannetti
entità
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camicia e gonna: alessandra giannetti
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giacca e pantaloni: alessandra giannetti // bracciali: anna sacconi
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giacca: laura urbinati // leggins: pinko vintage
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giacca pelle: wood wood
pantaloni: wood wood
bretelle: forte_forte
maglia: stylist own
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Photographer: Chiara Spaghetti Kurtovic
Model: Mirian Ajaùro@Icon Model Management Roma
Stylist: Diane Orlando
The Shado
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wS
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vestiti: kokoro // scarpe: xti

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vestiti: kokoro // scarpe: xti

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vestiti: kokoro // scarpe: replay

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vestiti: kokoro // scarpe: xti
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dIREctORy
STORE
Creje di Salvatore Castigliola Lotorchisco
Via del Boschetto, 5/a - Roma - [t] +39 0648905227
Edo city
Via Leonina, 78/79 - Roma - [t] +39 0648930405
Hippy Chic
Via Flaminia Vecchia, 639/639a - Roma
[t] 06.3337197
Ianua
Via dei Serpenti, 127 - Roma - [t] +39 0648902548
Kokoro
Via del Boschetto, 75 - Roma - [e] store@kokoroshop.it
Lol
Piazza degli Zingari, 11 - Roma - [t] +39 064814160
Misty Beethoven
Via degli Zingari, 12 - Roma - [t] +39 064881878
Molly Bloom
Via dei Giubbonari, 27 - Roma - [t] +39 066869362
Paraphernalia
Via Leonina 6 Roma - Roma - [t/f] +39 064745888
[e] paraphernalia6@hotmail.com
Patrizia Greco Handmade
Via degli Zingari, 51 - Roma - [t] +39 0689010025
Tina Sondergaard
Via del Boschetto, 1/d - Roma
XX-XY
Via degli Zingari, 31/b - Roma - [t] +39 0648907206
BEAUTY
Claudio Furini
Hair stylist & Make up
Roberto d’Antonio
Via di Pietra, 90/91 - Roma - [t] +39 066793197
Studio 13
Piazza Cavour, 13 - Roma - [t] +39 0668803977
Vertigine
Via San Francesco a Ripa, 6 - Roma
[t] +39 0658335084 - [e] vertigine.sas@libero.it
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#2/2010
Questo impaginato è la versione over paper
di Fashion E-zine, la sezione moda di
Periodico telematico di cultura
ed informazione
Autorizzazione del Tribunale di Roma
n. 630/99 del 24 Dicembre 1999
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[e] fashion@e-zine.it
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Gianverà Bertè
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Francesca Lancia
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Emanuela Paolacci
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Federica Zanni
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