francobeat Leon pauL winter - Sentireascoltare

dente
summer camp
hum of gnats
the war on drugs
youth Lagoon
iceage!
EMIKA
the noir lady
digital magazine | novembre 2011 | n. 85
girls
francobeat
Leon
pauL winter

p. 4
p. 14
p. 18
Direttore: Edoardo Bridda
Recensioni p. 42
Gimme some inches » 96
Re-Boot » 98
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Ufficio stampa: Teresa Greco, Alberto Lepri
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Gaspare Caliri, Marco Braggion, Nicolas Campagnari, Stefano Solventi, Stefano Pifferi, Teresa Greco,
staff: Carlo Affatigato, Giulia Cavaliere, Fabrizio Zampighi, Nino Ciglio, Filippo Bordignon,
Andrea Napoli, Diego Ballani, Marco Boscolo, Federica Venezia
copertina: emika
Turn On
Summer Camp, Hum Of Gnats, The War On Drugs, Youth Lagoon, Iceage!
Tune-In
Francobeat, Leon
Drop Out
Emika, Girls, Dente
gUiDa spiritUale: Adriano Trauber (1966-2004)
novembre N.85
ReviewMirror » 101
Campi magnetici » 110
Classic album » 111
SentireAscoltare online music magazine
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Summer
Camp
—Quando la nostalgia
supera l’hipsteria—
L'ennesima formazione nell'intorno
60s. Dopo Best Coast, Vivian Girls e Avi
Buffalo, è il turno della coppia Jeremy
Warmsley-Elizabeth Sankley
Turn-On.
C’è tutto un mondo intorno a quello che si configura
come l’ennesimo fenomeno anglofono capace di fare
il filo a una molteplicità di spunti estetico-sonori. Stiamo
parlando dei Summer Camp (vale a dire Jeremy
Warmsley ed Elizabeth Sankley) di Welcome to Condale,
una band che, dopo un lungo - e ormai consueto
- corteggiamento fatto di singoloni ed EP, approda al
debutto con un concept.
Giochi infiniti di rimandi low fi, garage, post new romantic
non possono non creare, nella mente degli affezionati
poppers dell’ultima ora, facili rimandi ai surfers
Best Coast, a Vivian Girls e ai più ricercati Avi Buffalo.
Tuttavia, è bene dirlo, è soprattutto nelle sviolinate hipster
di Bethany Cosentino e Bobb Bruno che i Summer
Camp fanno rivoluzione, recuperandone alcune
linee base (soprattutto vocali) per costruirci sopra una
felice impalcatura psichedelica fatta di arrangiamenti
tirati e nevrotici. Materiale in realtà molto più obscure
punk di quanto il sound, spesso dolce nei tratti, possa
farci credere.
Ciò che permette alla band inglese di emergere è la
scelta di far confluire ciò che oggi è sulla bocca, nelle
orecchie e, soprattutto, negli abiti di tutti in un concept
album che fa di un immaginario prettamente estetico e
fintamente ideologico, uno spazio puro e sentimentale.
Attraverso le vicende di due fanciulle che vivono tra gli
anni Cinquanta e gli anni Ottanta nella fittizia città di
Condale (tra feste amici e storie d’amore, come testimoniato
dai video di Better off without you e Down) i Summer
Camp vanno a riprenderci nel fondo di come eravamo,
mostrandoci per quale motivo siamo tutti sedotti
da ciò che sembra venire da lontano, da mondi emotivi
non vissuti, da regni estetici solo accarezzati. Da quella
che, insomma, Reynolds chiama Retromania. In poche
parole la band ci regala un elogio nostalgico e personalizzato
(un po’ come succede con i film di John Hughes,
indiscusso idolo/ispiratore della band) di un’infanzia fatta
di Fantàsia, di jeans a vita altissima e di capelli cotonati,
spesa tra un Dallas e una puntata dei Ghostbusters.
Il sound riesce a interpretare efficacemente l’afflato
nostalgico e quel senso di perenne mancanza di un valido
e alternativo ‘nuovo’, insieme all’isteria per un futuro
incerto che ricorda un passato forse più dolce e colorato,
tutto profumato di dolcetti e vhs sul tappeto. Prima che
si andasse a rotoli, quando il consumismo per qualcuno
era ancora una speranza e non una vorace e violenta
realtà quotidiana.
Rabbia e dolcezza (I want you), pop e sporcizia (Losing
my mind, Down): tutto questo sono i Summer Camp.
Capitolo numero-non-si-sa di un non necessario viaggio
all’indietro abbastanza svogliato da non aver voglia di ricordarci
dei Beach boys, ma a fuoco a sufficienza perchè
il domani non basti.
Giulia Cavaliere
Hum
Of Gnats
—Tra cicaleccio di
zanzare e scioglilingua
metafisici—
Hum Of Gnats è Ezio Piermattei, un
altro solo-hero pronto a trafficare
giocosamente con psych sfatta, field
recordings, strumentazione acustica
e analogica, attitudine free, ludica e
ambizioni colte.
4 5
Turn-On.
È un nerd, Ezio Piermattei. Non ce ne voglia il compositore
pescarese; non vogliamo offenderlo, quanto far
risaltare come la sua timidezza, il suo “escapismo”, il suo
quasi imbarazzo nel rispondere alle interviste nascondano
in realtà l’altra metà della sua personalità. Quella che
lascia parlare in vece la sua musica. Anzi, le sue musiche.
Se ora apprezziamo Hum Of Gnats, neanche un anno
fa notavamo con piacere un altro suo lavoro a nome
Poisucevamachenille: Scelsi quel nome perché leggendo
un saggio sui “folli letterari” ero rimasto colpito da alcuni
fenomeni molto comuni tra i pazienti schizofrenici, come
verbigerazione e glossolalia. Mi incuriosii a tal punto che
decisi di reincidere le parti vocali in una lingua “artificiale”,
inventata su due piedi.
Quella unica lunga traccia era una sorta di messa a fuoco
di ciò che ora si mostra in Purge The Weevil From Yer
Midst. Un caleidoscopio sonoro onnivoro eppure coeso,
schizofrenico eppure pacificato che racchiude un universo
di ascolti in espansione e in continua evoluzione:
Ho cercato di ficcare dentro al disco tutto quello mi piaceva
al momento: un po’ come fanno gli intrattenitori da pianobar
che piazzano in scaletta Gloria Gaynor subito dopo
The Final Countdown. Il tutto è presto detto: Residents,
la Los Angeles Free Music Society, la scena di Canterbury,
Sun City Girls, Caroliner, Peeesseye, Kemialliset Ystavat,
Sunburned Hand Of The Man, Eric Copeland e mille altri
ancora, perché come ci confessa “mi piaceva l’idea di
registrare qualcosa di incredibilmente “slegato”, alla The
Faust Tape”.
Ragioni antropologiche dietro questo procedere onnivoro
rimandano sicuramente agli ascolti bipolari
dell’infanzia (In casa mi ritrovavo sia i dischi di musica
bandistica di mio padre, che insegnava musica e dirigeva
pure un’orchestrina, che i 45 giri di musica leggera di mia
madre) oltre che ad un progressivo “oblomovismo” che,
ci racconta, lo ha man mano fatto ritirare in un mondo
circoscritto e in solitaria, fatto di ascolti tanto vari quanto
incessanti e di una produzione musicale ad ampio
spettro. Capace di metabolizzare in un flusso frammentato
ma coerente, una quantità indescrivibile di input e
schegge di suoni tra i più impensati; sovrapposti, stratificati,
elaborati come dei frattali sonori pronti a schizzar
via in ogni direzione.
In realtà la mia musica è easy listening, anche quando è
atonale. Detto da uno che inventa il moniker Hum Of
Gnats per prendere in giro il proprio “tinnito””, fa un po’
pensare. Ci sarà da fidarsi?
Stefano Pifferi,

Youth
Lagoon
—Boise confidential—
Ingenuità, stupore e una cameretta che
suona come le montagne del North
West: la profonda provincia di Youth
Lagoon.
Turn-On.
Altri tempi quelli in cui l’urgenza di una vita acerba trovava
sfogo nei strutture angolari del rock. Oggi una gioventù
forse più consapevole, o forse narcotizzata dagli
infiniti input (sub)culturali, trova più naturale produrre
musica che funga da cassa di risonanza delle proprie
ansie.
Bedroom pop lo chiamiamo, perché è una poetica che
nasce dalla sponda del letto fantasticando su quello che
sta fuori. “Mi piace la distanza della mia musica” afferma
Trevor Power, ventiduenne di Boise, Idaho, che raccoglie
nel suo progetto le suggestioni del Pacific North West e
le declina secondo le strutture aeree dei CocteauTwins.
E’ bastato un brano come July, per segnalare il monicker
Youth Lagoon fra quelli da monitorare con attenzione.
Il tutto in virtù di un sound che incarna le coordinate
dell’indie pop targato ‘10: melodie fragili, riverberi lunari,
ingenuità a fiotti, pattern scomposti e grana lo-fi.
Di suo Powers ci mette una fragilità emotiva che rispecchia
la sua problematica sensibilità: “Ho lavorato a queste
canzoni in uno dei momenti più difficili della mia vita. Stavo
facendo sedute per curare i miei stati d’ansia, ma ho dovuto
interromperle per risparmiare denaro per le registrazioni.
Questo ha influenzato negativamente le mie relazioni affettive.”
Un fascino misterioso, quindi, che nasce dalla natura
terapeutica del suo primo lavoro The Year Of Hiberna-
tion. “Realizzare la mia musica è qualcosa di cui non posso
fare a meno. Ci sono tante cose che si accumulano dentro
di me e questo è il mio modo di esternarle. Quindi non è
errato affermare che questa per me è una specie di terapia.”
I soldi per le registrazioni, racconta, li ha racimolati suonando
la tastiera fino a notte fonda nei sobborghi di
Boise. “I pezzi - ci tiene a precisare - sono stati concepiti
nella mia camera da letto, ma sono stati registrati in un
vero studio, con l’aiuto sporadico di qualche amico”.
Ha fatto tutto (o quasi) da solo insomma. Sebbene ascoltando
l’album, con quei suoni che si propagano in slow
motion, i riverberi mesmerici di chitarra e pianoforte,
sembra di trovarsi di fronte ad una vera e propria band.
La voce di Powers, poi, così simile a quella del compianto
Mark Linkous/Sparklehorse è in grado di far riaffiorare
sentimenti che si credevano sopiti.
Adesso è tempo di partire in tour. Ci sono date schedulate
in mezzo mondo che lo attendono. “E’ successo
tutto così velocemente - racconta incredulo - Pensa che
non sono mai uscito dalla West Coast.”
DieGo Ballani,
Iceage!
—Il nuovissimo
post-punk made in
Copenhagen—
Mischiano Joy Division e Fucked Up,
dark-wave e hardcore anni 90. Ecco
come quattro teenager danesi fanno
capitolare l’underground di mezzo
mondo
Pochi anni fa, nei primi Duemila, Copenhagen era nota,
tra i pochi affezionati, come la città di una fervida scena
punk i cui capostipiti erano band come Gorilla Angreb,
Young Wasteners e No Hope For The Kids. Tutte
riprendevano, chi in un modo chi nell’altro, il punk-rock
e il primissimino hardcore californiano dando vita ad un
manipolo di dischi brevi ed incendiari. Poi quei gruppi
si sciolsero e dal freddo Nord giunsero solo i lavori dei
colleghi Masshysteri, altrettanto efficaci ma indubbiamente
più morbidi nei suoni e nell’approccio. Questo
fino a pochi mesi fa quando, come una bomba carta, è
esplosa una nuova sensazione tutta made in DK.
Sì perché, out of the blue, i ragazzi di Copenhagen sono
saliti all’onore delle cronache grazie ad album fulminante
come New Brigade. Una dozzina di brani secchi,
magnetici e nervosi come i teenager che li hanno composti,
una scaletta che prende e fagocita Fucked Up e la
wave britannica più scura, il post-punk dell’ultimo lustro
e finanche le glorie dell’hardcore californiano anni Novanta
(White Rune è la no wave al servizio del sing-along,
in Total Drench sembrano i Joy Division tirati hardcore,
in You’re Blessed è impossibile non sentire riecheggiare
certe aperture à la Nofx).
Tanto è bastato per far impazzire i blog e i forum del
settore, portando diverse etichette a stampare e ristampare
l’album sia in America che in Europa. E se Pitchfork
li ha voluti in cartellone per l’omonimo festival che si
terrà a Parigi il 29-29 Ottobre (insieme a Aphex Twin e
Washed Out, per dire due nomi) è segno che i ragazzi
danesi sono già riusciti a bucare la barriera dell’underground.
Certo la repentina ribalta ha lanciato dubbi sulla
street credibility del gruppo che, a detta dei più esigenti,
sono solo l’ennesima posa del momento, ma di fronte
alla micidiale irruenza di New Brigade c’è poco da obiettare.
I nostri sapranno anche come attirare l’attenzione
di un settore sempre più oberato di uscite e novità, ma
la qualità dei pezzi non è in discussione.
La veloce fama del quartetto è poi servita da cassa di risonanza
per quella che è stata ribattezza (traendo spunto
dal tatuaggio di uno dei componenti) la New Way of
Danish Fuck You, ovvero una manipolo di oscure band
dedite a suoni be più sporchi e ostici. Pensiamo a nomi
come Sexdrome, Jackman, Pagan Youth e al loro noisepunk
con spunti black-metal in salsa molto lo-fi. Etichette
come Posh Isolation hanno già testimoniato in questo
senso, ma la faccenda resterà cosa per pochi adepti date
la chance - nulle - che hanno queste ultime band anche
solo di sfiorare il grado d’attenzione mediatica che ha
investito i loro, ben più indie, amici.
anDrea naPoli,
6 7
Turn-On.

The War
On Drugs
—Americana revisited—
Secondo disco per Adam Granduciel,
il primo senza Kurt Vile: lo sguardo
ancora sull’Americana, portandala a
contatto con il kraut, senza dimenticare
lo shoegaze
Turn-On.
Gente che va, gente che viene: le porte aperte di casa
propria, che è anche un piccolo studio di registrazione,
e un’attitudine a trovarsi in una costante condizione di
equilibrio precario, sull’orlo di cadere o partire. Adam
Granduciel ha nelle vene la passione per la musica degli
States, per l’epica che si sono tramandate di menestrello
in menestrello, di decade in decade. Si può così partire
dagli ultimi eroi del genere, quegli Arcade Fire che dal
Canada hanno incendiato l’indie mondiale. E i primi passi
verso il passato sono facili, si tocca il Bruce Springsteen
di Born To Run e di The River, roba che il Granduciel
ragazzino trovava spacciata in casa direttamente dai familiari,
che gradivano e mescolavano con Bob Dylan,
Neil Young, Tom Petty.
E’ solo con la maggior età che questo retroterra culturale,
però, diviene cosciente, autonomo, e si incista su
ascolti personali, come i My Bloody Valentine. Il tutto
culmina nel 2003, quando - raccontano le versioni ufficiali
- a un party molto alcolico avviene l’incontro con
Kurt Vile. Si cazzeggia insieme, si scribacchia per un paio
di anni, fincheé si mette da parte abbastanza materiale
per far davvero nascere una band vera e propria: The
War On Drugs. Il tempo di trovare chi coprisse il resto
della formazione ed è già EP, Barrel Of Batteries (2007).
A sentire le recenti dichiarazioni di Granduciel stesso, i
due non hanno mai veramente scritto a quattro mani,
ma si limitavano (e continuano a limitarsi) a consigliarsi
l’un l’altro su come migliorare le idee che venivano portate
alle prove. Un sodalizio di stima, quindi, un’affinità
di intenti, ma non elettiva, non uno di quegli incontri
che fanno diventare due entità una sola carne: diamo il
massimo l’uno nei pezzi dell’altro con la chitarra, con la
voce, con gli arrangiamenti, ma non chiedeteci le nozze.
Il primo vero disco, Wagonwheel Blues è del 2008. Un
album che mette in evidenza in maniera esemplare le
due anime, quella della tradizione e quella della contemporaneità:
un equilibrio precario, col baricentro sempre
al limite, in cui le chitarre sono protagoniste via lo shoegaze
MBV, assieme a liriche ingorde che forse lo appesantiscono
un po’, ma resituiscono la freschezza e l’energia
di una band appena nata. Le ingenuità dell’esordio,
a sentire Granduciel ora, sono tutte da imputare alla
fretta di far uscire il disco. Insomma: si erano finiti i soldi
per registrare, ma il disco era ancora tutto da limare, da
smussare e levigare. C’era la voglia di continuare a sperimentare
con le registrazioni, con la post-produzione, ma
quando la cassa è vuota... Il ritorno sul registrato diviene
però un’operazione costante, un continuo rimaneggiare
i singoli nastri, i singoli samples che da allora diventa il
modus operandi di Granduciel e la sua personale ossessione.
E se nulla è definitivo nella musica, sempre in cerca di
un rotta da tenere, figuriamoci nella gestione della band.
La fine del 2008 segna anche la separazione da Kurt Vile,
che formerà i Vibrators e si incamminerà per una carriera
solista che lo porterà a una non piccola notorietà.
Granduciel si tiene il marchio e il progetto, che inizia,
anzi non ha mai smesso di lavorare sul materiale registrato
in casa. I due rimangono però in ottimi rapporti,
tanto da condividere spesso serate (soprattutto nella
loro hometown, Philadelphia) e continuare a scambiarsi
consigli, quasi che le due anime che mai si erano davvero
fuse, possano prendere tutta l’aria di cui hanno davvero
bisogno.
Coi i soldi messi in cascina dal primo disco, Granduciel
può permettersi attrezzature per la registrazione che
rendono la sua casetta un luogo che seppure nella sua
fissità è testimone di un continuo mutamento: gente entra,
incide un giro di basso, lavora a un brano, Granduciel
ringrazia e prende questo materiale per continuare
a sperimentare quello che i nuovi giochini domestici gli
permettono di fare. Per oltre due anni, almeno a sentire
le sue dichiarazioni più recenti (ma si sa che a posteriori
è facile costruire una mitologia domestica priva di testimoni),
è un lavoro di taglia e cuci che procede parallelamente
alla scrittura. E’ un continuo arrovellarsi attorno
alle passioni di sempre: l’Americana, le chitarre celesti dei
MBV. Ma questo continuo ritornare sulle cose amplifica
lo iato psichedelico che la musica di Granduciel sta respirando
sempre più profondamente. La tecnologia gli
permette di liberare la sua fantasia in direzioni nuove,
che toccano aspetti cosmici e krauti.
In pubblico le prime avvisaglie si hanno con l’EP Future
Weather (6.8), tra l’altro disponibile acquistando la deluxe
edition dell’ultimo disco. Fin dal titolo l’ambient(e) del
tempo meteorologico, ma anche della psichedelia più
compenetrata al folk e al rock, si fonde con un’elettronica
idea di futuro: il contemporaneo applicato alla tradizione.
Il compimento si ha con l’ultimo Slave Ambient
(anche qui, con un titolo significativo) con una rilettura
dell’epica Americana con gli occhi traslucidi del kraut,
di tappeti sintetici che evocano spazi oscuri e illuminazioni
improvvise. Droni serpeggiano in una meccanica,
motoristica Original Slave, con un’armonica che si perde
nel fondo elettronico. La notturna Best Night ha chitarre
liquide e un magico equilibrio vocale che ricorda Jeff
Tweedy e Tom Petty. City Reprise è il ponte con lo shoegaze
e la psichedelia. Baby Missiles è la un guanto di sfida
agli Arcade Fire, mentre la cavalcata Your Love Is Calling
My Name è lo sconfinamento cosmico che però - e non
potrebbe essere altrimenti - viene riportato sempre a
terra.
Qualcuno ha già storto il naso di fronte alla proposta di
Adam Granduciel, come di chi non ha trovato ancora la
quadratura compositiva, una vera rotta personale. Ma
Slave Ambient mostra un interessante terreno di contatto
tra la tradizione, la contemporaneità filtrata shoegaze
e uno sguardo retrofuturistico dato dall’elettronica.
In tempi di scarse rivoluzione, di un post-moderno che
oramai è più che altro postumo, già il gusto di ricercare
timbriche, atmosfere e ambiance infondendo vigore in
quel passato americano cui molti sembrano incapaci
di sfuggire non è cosa da buttare via o lasciar passare
inosservata.
MarCo BoSColo,
8 9

Tune-In.
Testo: Carlo Affatigato
Se l’avete conosciuto in occasione dell’esibizione alla serata
conclusiva del roBOt Festival 2011, significa che vi
siete persi il successo che il nostrano Leon sta ottenendo
fuori dai confini italiani, coi club di mezza Europa che
se lo contendono, intere folle in visibilio (vedi il ritorno
ricevuto in occasione del Winter Music Conference 2011)
e autorità come Ricardo Villalobos, Danny Tenaglia e
Laurent Garnier che pescano le sue hit per le notti in
pista. Poco male, in ogni caso, perché alla saletta di Palazzo
Re Enzo avete potuto assistere alla quintessenza
del Leon dj: tech-house disinvolta dalla presa facilissima,
che punta dritto al pubblico evitando di far troppo
i sofisticati.
Cassa in quattro vigorosa, irrinunciabili claps della più
classica tradizione 90s, nessun bisogno di pause defaticanti
e tutti i decibel di cui l’impianto audio è capace
per innalzare la temperatura: sembra quasi una ricetta
alla portata di tutti, ma son pochi ad avere l’abilità di
proporla senza cedere alla monotonia stancando così
il pubblico. Ci vuole un certo mestiere per tenere sempre
su di giri la folla, captare i suoi bisogni e spingerla lì
dove vuole andare. È per questo che stiamo aspettando
trepidanti che da quel di Londra esploda su album una
certa Maya Jane Coles, tra i giovani più promettenti
del momento, ma chissà, forse la nuova stella dei 4/4 la
Leon
—In Da Club #4—
Vincente per acclamazione nei club di mezzo mondo, apprezzatissimo da producers
e riviste e lanciato verso la consacrazione dell’album lungo: sarà l’Italia a partorire
la prossima stella dei 4/4?
partorirà proprio l’Italia nei prossimi mesi. Tra un argomento
e l’altro, Leon ci dice: “Faccio molto uso dei loops.
Se li dosi nel modo giusto in un pezzo house, fanno faville”.
E la mente subito torna a quei Tiger & Woods emersi
proprio quest’anno con Through The Green, che sui loop
vocali presi dall’estetica disco d’antan han costruito i loro
pezzi più efficaci. E guarda caso, anche dietro all’identità
nascosta del duo tigrato sembra far capolino una colonna
del djing tricolore come Marco Passarani (sono solo
indiscrezioni, però...).
Bel tipino, Leon. Ambizioso e cosciente dei propri mezzi,
con una base consolidata di ascolti elettronici a coprire
l’intero spettro. “Mi piace tutta l’elettronica, non solo quella
più orientata al club. Tra i miei preferiti direi Kraftwerk,
Giorgio Moroder, Depeche Mode, Daft Punk, Underworld,
Chemical Brothers, Massive Attack, Groove
Armada, Bent, Aphex Twin, Goldie...”. Non manca nulla,
insomma. Tutti serbatoi dai quali attingere quando
serve un po’ di eclettismo, attrezzi del mestiere che ti
danno quel quid in più per essere imbattibile. E infatti
si finisce per riaprire giocoforza la ferita dolorosa della
mancanza di prospettive del nostro paese, questione già
battuta durante la chiacchierata con Deep88, un altro
astro nascente italico (all’estero, ovvio). Leon ci conferma
un quadro italiano che anche in ambito musicale non
10 11

lascia spazio ai giovani: “L’underground italico è pieno di
produttori molto validi, dall’estero moltissime labels mandano
richieste ai nostri producers fiutando i talenti. Ecco
cosa spinge molti ragazzi ad andar via dal nostro paese: il
sistema qui segue sempre lo stesso schema, punta sull’artista
straniero per esser sicuro che la serata riesca. Nel frattempo
però i nostri ragazzi all’estero sono apprezzatissimi,
e non trovano spazio per suonare qui. È una cosa assurda.”
C’è una via d’uscita? Anche stavolta la soluzione definitiva
sembra non esserci. Ma se ogni rivoluzione ha inizio
nel cambiare la mentalità dalla base e distruggere i luoghi
comuni, allora sono anche approfondimenti come
questo a dare il loro piccolo contributo, distruggendo
con prove incontrovertibili il castello di carta che vede
l’artista straniero come qualitativamente superiore a
quello italiano. Realtà come Leon, che infatti all’estero
fan favillle, ci dicono che è stupido pensare in termini di
inferiorità: ogni luogo produce realtà artistiche uniche
rispetto alle altre, il segreto sta nel valorizzarne le peculiarità
stilistiche, dare al talento lo spazio che merita.
All’estero la qualità conta più del nome, e l’entusiasmo
si spende tanto per le realtà locali quanto per quelle importate.
È così difficile non cadere nel pregiudizio quando
si parla di made in Italy?
In ogni caso, il futuro per Leon promette bene. Come ci
ha spiegato nell’intervista, l’album di debutto è quasi
pronto, e ci son tutti i presupposti perché non sia il solito
album dance. Il nostro ragazzo ha il piglio da primo
della classe, non si accontenta di far “bene”, vuol sempre
battere ogni aspettativa. E non ha paura delle sfide
più improbabili, come testimonia l’iniziativa che lo ha
visto coinvolto nelle ore immediatamente precedenti al
live a Bologna: un progetto mediatico che ha coinvolto
i principali social network del web per creare un contatto
diretto tra i fan e l’artista nella sua vita quotidiana. Sicuramente
sentirete ancora parlare di Leon. Nel frattempo,
ecco l’occasione per sentire direttamente le sue parole,
nella nostra intervista esclusiva. Buona lettura.
È probabile che la maggior parte del pubblico italiano
ti conosca soprattutto grazie alla tua partecipazione
al roBOt festival. Dicci come hai vissuto
quell’esperienza e che tipo di ritorno hai ricevuto
dal pubblico di Bologna.
L’esperienza al roBOt festival è stata incredibilmente
emozionante. La cosa che mi spaventava di più era l’orario:
di solito le mie performances sono notturne, non era
semplice ricevere il massimo supporto dal pubblico con
un dj-set a base techno prima di cena. E invece è andato
tutto a meraviglia, ho voluto proporre un set diverso dal
mio solito, più contaminato, a tratti abbastanza “sporco”
e la folla era impazzita, erano tutti scatenati, urlavano...
è stato bellissimo! Il che è ancora più soddisfacente se
pensiamo che il roBOt è uno dei festival più importanti
e conosciuti d’Italia e ha un pubblico molto preparato
ed esigente.
La location, poi, era qualcosa di magico. Bologna è sempre
stata una città “alternativa”, anti-moda, più underground
rispetto alle altre. Era perfetta.
Possiamo dire che sei uno di quei talenti italiani di
cui andare orgogliosi per quanto risultano apprezzati
all’estero. Che differenze ci sono tra suonare in
Italia o fuori? Cosa preferisci?
Ultimamente preferisco suonare in Italia. La gente è più
calda, e col passare del tempo inizia a sembrarmi anche
più preparata. Certo, ci sono luoghi come Inghilterra e
Germania che sotto certi punti di vista stanno avanti
rispetto a noi, ma sono convinto che la situazione elettronica
italiana sia in forte crescita e stia raggiungendo
ottimi livelli, soprattutto in ambito techno/house.
Domanda scontata ma obbligata: c’è qualcuno in
particolare a cui ti ispiri?
I nomi sarebbero tantissimi, colleziono vinili dal 1995,
ho visto migliaia di dj. Tra i tanti citerei per primo Danny
Tenaglia, uno dei miei punti di riferimento, quasi un
maestro di vita se vogliamo. Poi tantissimi altri: Laurent
Garnier, Masters At Work, Richie Hawtin, Ricardo Villalobos,
Steve Lawler, Jeff Mills, Carl Cox, Sasha, DJ
Sneak, Carl Craig, Marco Carola... e l’italianissimo Ralf,
se non ci fosse stato lui forse non sarei nemmeno qui!
Al festival bolognese eri in una stanzetta abbastanza
contenuta in cima al palazzo Re Enzo, per un paio
d’ore di tech-house for the masses, ossia senza troppi
intellettualismi: giusto un tocco all’equalizzazione
per sottolineare i bassi deep e via di claps dritti e
4/4 a volumi altissimi. È questa la tua ricetta anche
all’estero?
Potrebbe essere in effetti la mia ricetta ideale, sì. Preferisco
suonare in posti piccoli, dove riesci a guardare tutti
dritto in faccia. Piccoli clubs con super soundsystem,
spaziosa consolle, poche luci ma tanto vibe...
Suonare nei festival se vogliamo è più facile, hai davanti
una massa, sono poco esigenti, puoi permetterti di suonare
anche per te stesso. Ma questa non è la mia idea
di dj. Il dj è quello che mette il disco giusto al momento
giusto, è il primo cliente del club. Deve sapere cosa vuole
la sua gente, come farti dimenticare i problemi, deve
essere cosciente che è lui il responsabile del tuo piacere
in quella notte! Quindi deve dare sempre il massimo, sia
davanti a 100 sia davanti a 10 mila persone!
Esiste un pubblico più esigente di un altro? O in definitiva
se una ricetta funziona, funziona ovunque?
Eh eh, molti usano la formula “se la ricetta funziona non si
cambia”. Ma perché limitarsi? Il bello della musica è che
appunto ti dà la possibilità di variare. Se la gente che
ti segue si rende conto che proponi sempre lo stesso
alla fine non ti seguirà più, è assolutamente normale.
Qualsiasi dj invece potrebbe suonare ogni volta un dj-set
diverso dal precedente, e sicuramente essere più apprezzato
dal pubblico. Il mio dj-set al roBOt, ad esempio, è la
testimonianza di quanto mi piaccia spaziare: dalla deep
house alla techno, dalla drum’n’bass a... Bob Marley! Se
c’è il groove, perché no?
Dopo una serie di ep rilasciati negli ultimi due anni,
adesso sta per avvicinarsi il momento dell’esordio su
album. Cosa hai in mente per il disco? Come suonerà?
L’album è quasi pronto. Ci sto lavorando da circa un
anno, stiamo decidendo col mio management quando
rilasciarlo, probabilmente per il prossimo WMC a Miami.
Di tracce ne ho scritte tante, forse più di 20. Stiamo scegliendo
le migliori, ma vorrei anche mettere nel mio album
qualcosa di insolito. Magari tutti si aspettano da me
un album “duro”, da dancefloor, con tanta techno-house.
Sicuramente sarà così, ma non solo: ho preparato tracks
anche più ambient, più soft, più noise anche e qualcosa
funky e dubstep!
Ci sto lavorando molto, l’album per un artista è la cosa
più importante. Ci saranno anche alcune collaborazioni
con artisti amici, e ovviamente sarà tutto seguito da un
tour mondiale dove forse per la prima volta farò dei “live”
veri e propri! Il che per me è una scommessa, perché in
fondo mi sento sempre un dj.
Come riesci a dividerti tra la house che finisce sui
piatti, per la pista, e quella che va su disco per l’ascolto?
Pensiamo a release come il Like This EP o il Fiore EP,
fatti di tech-house muscolare farcita di loop vocali a
rendere plateale la circolarità della dance. Hai due
modalità d’approccio differenti?
Sì, il lavoro in studio e quello in pista sono completamente
differenti. In studio ci entro solo quando sono ispirato,
in caso contrario potrei anche non metterci piede per
mesi. E quando hai l’ispirazione le tracce vengono fuori
in poche ore: pezzi come Like This Like That, Fiore, Body
Monster sono venuti fuori così, rapidamente. Magari il
lampo mi viene nei momenti più disparati della giornata,
quando sono in macchina, al ristorante, in aereo...
prendo qualche appunto su un foglio o sul cellulare, poi
torno a casa e butto tutto sul sequencer.
Per la pista invece pensi in maniera differente. Magari
ci metti dentro la hit del momento, oppure no. Bisogna
orientarsi verso quello che vuole il pubblico. Quando
sono in studio invece tengo sempre presente che quello
che faccio dovrà rappresentarmi al 100%, in modo che
anche a distanza di anni, quando qualcuno sentirà il disco
ci troverà dentro il MIO carattere, non quello della
folla.
Per le ore immediatamente precedenti al tuo live al
roBOt è stato messo in piedi un interessante progetto
multimediale, in cui le tue mosse venivano seguite
su social network come Facebook, Youtube, Twitter e
Foursquare in modo da creare un canale comunicativo
bidirezionale tra te e i fan che ti seguivano. Una
sorta di grande fratello per il web 2.0. Ce ne parli?
È stata un’esperienza molto eccitante. Ho vissuto fuori
per due giorni, 60 ore di registrazione con più di tre
macchine, un’ora di intervista, diversi meeting con altri
artisti e promoter, fino ad arrivare alla performance. A
tratti è stato anche stressante, ma ho conosciuto un sacco
di persone interessanti, ho avuto un buon riscontro
sul web.
E poi diciamolo, canali come facebook, twitter, ecc. sono
sempre più importanti per la promozione e per ricevere
riscontri diretti. È un ottimo mezzo, soprattutto se pensi
che ormai praticamente tutti sono connessi tramite questi
social network. Penso sia una grossa opportunità, con
cui poter instaurare un rapporto intimo con i fan. Chissà,
magari sarà ripresa da altri artisti in futuro...
12 13

Tune-In.
14
Testo: Fabrizio Zampighi
Francobeat
Musicista originale, beat per caso, rivoluzionario armato
di manopole, bottoni e una creatività difficilmente codificabile,
Franco Naddei torna con un disco-libro tratto da
Grammatica della fantasia di Gianni Rodari. Una sana e
volontaria de-evoluzione verso la narrativa per bambini
che nelle mani del musicista romagnolo diventa una
ricetta contro il conformismo dell’età adulta. Il concetto
di “gioco” mescolato a quelli di “musica” e “parole”, insomma,
tanto per riaffermare ancora una volta la propria indole
di artista acuto e versatile (tra i vari progetti anche
gli ottimi Santo Barbaro) e aggiungere un nuovo tassello
a quel “pop da biblioteca” inaugurato cinque anni fa col
disco d’esordio Vedo Beat.
Cos’è e come nasce il progetto Mondo Fantastico?
Mondo fantastico è un libro di scritti originali, illustrati ad
hoc, che ha tratto ispirazione da Grammatica della fantasia
di Gianni Rodari. Un piccolo opuscoletto quest’ultimo,
in cui lo scrittore di Omegna ci rivela alcuni trucchetti
su come affrontare la scrittura e su come attivare un
vero e proprio “Codice di Avviamento Fantastico” da cui
partire per inventare storie, mondi, filastrocche, giochi
di parole.Il CD in sè è cosa ormai superata, si sa, per cui
l’idea del libro era a monte di tutto e le musiche sono
diventate una specie di corollario. Una volta compreso
quanto fosse difficile poter stampare i testi di Rodari, mi
sono rivolto a Vanessa Sorrentino, scrittrice e coordinatri-
—Elogio della creatività—
Torna Francobeat con il suo “pop da biblioteca” al solito surreale e questa volta
dedicato all’opera di Gianni Rodari
ce di Artincanti, con la quale ho cominciato a ragionare
sui contenuti del libro. Ne è nata una collettiva di scrittori
e illustratori che hanno agito nelle loro arti ispirandosi
alla “Grammatica” di Rodari. Nel libro ci sono racconti
brevi, filastrocche e una piccola parte interattiva con alcuni
giochi per poter allenare la fantasia.L’idea del disco
nasce subito dopo l’uscita di Vedo Beat per Snowdonia
nel 2006. Volevo proseguire il viaggio nell’esplorazione
del concetto di libertà espressiva, di pensiero, di azione
e soprattutto farlo in una dimensione di gioco. Prima
di affrontare un disco mi faccio sempre sbattere addosso
qualche libro e, se qualcuno colpisce nel segno, mi
faccio contagiare. La gestazione è stata piuttosto lunga.
Inizialmente volevo fare un lavoro un po’ presuntuoso
che spiegasse come lentamente si perda la dimensione
del gioco, della leggerezza e del pensiero libero, fino a
diventare adulti con un pensiero fin troppo strutturato.
Ho cercato libri che tentassero di spiegare come si forma
il pensiero nei bambini e come si modifichi a seconda
dell’ambiente in cui crescono, delle situazioni che vivono.
Ho fatto scoperte interessantissime, ma che dovevo
canalizzare in un unico sentiero percorribile sia dai grandi
che dai piccini.
Perché Gianni Rodari?
Per la semplicità e la forza delle parole che usa. Rodari
è stato a tutti gli effetti un intellettuale chiave nella
15

letteratura italiana, troppo spesso confinato al ruolo di
scrittore per bambini. Quando ho cominciato a leggere
con attenzione le sue opere, dalle filastrocche, agli articoli
di giornale, fino alle considerazioni contenute nella
“Grammatica” l’ho sentito molto “beat”. Quell’irruenza
della beat generation italiana l’ho sempre ricondotta
all’ingenuità, tanto da pensare che se di guerra al sistema
si deve trattare, allora tanto vale farla utilizzando l’ingenuità
dei bambini. Per dire cose profonde non sempre
occorrono parole complicate. Rodari parla di cose
rivoluzionarie, racconta di mondi impossibili e ne crea di
nuovi con una eleganza e un’autorevolezza tutta adulta.
Riuscendo però a essere semplice, lineare e limpido
com’è lo scrivere dei bambini. La sua chiara propensione
al surreale ha toccato le mie corde di “cantautore”.Nel disco
solo un brano è scritto di mio pugno ed è l’unico che
mi son sentito di accostare agli altri. Tra l’altro è un brano
dove parlo proprio di come crescendo i pensieri facciano
troppa strada, complicandoci la vita. Ad ispirarmi è stato
un testo meraviglioso (La parola ciao) contenuto nella
“Grammatica” e scritto da un bimbo di 5 anni.
Com’è per un musicista cimentarsi con testi come
quelli di Rodari e, più in generale, musicare testi non
concepiti per essere cantati? Immagino che il pentagramma
ne esca piuttosto influenzato. L’impressione
è che nel tuo caso si sia privilegiato un approccio
piuttosto narrativo su una musica libera di spaziare...
Musicare Rodari è stato un gioco bello e coinvolgente.
In questo disco ho voluto riprendere le mie doti di arrangiatore
e giocare con gli strumenti e coi suoni, così
come Rodari giocava con le parole. I testi originali erano
talmente belli che volevo rimanessero chiari e non
soffocati in virtuosismi inutili. Testi che poi alla fine si
sono fatti scegliere da soli. Dal punto di vista musicale
non mi sono imposto limiti e ho visto nascere le canzoni
spontaneamente. Poi le filastrocche di Rodari, oltre
che esteticamente, sono “numericamente” perfette.In
Vedo Beat è stato diverso. Lì c’erano anche pezzi miei e il
materiale tratto dal libro è stato trattato come un unico
radiodramma (citazione dei Mariposa). E’ la prima volta
che canto in senso stretto materiale di qualcun altro.
Grammatica della Fantasia e in generale l’opera di Rodari
viene comunemente associata al mondo dell’infanzia.
Che influenza ha avuto sulla scrittura del disco
- se ne ha avuta - questa considerazione?
In realtà ho fatto subito mio il concetto, anch’esso rodariano,
di non trattare i bambini da bambini. Che la musica
per bambini debba avere determinate caratteristiche
lo decidiamo noi adulti. E’ ovvio che una canzone di tre
accordi maggiori e con un testo di venti parole sia più
indicata per un bambino, ma non è l’unica strada, se è
vero che i bambini recepiscono le cose a modo loro, E’
un concetto tutto da verificare il modo in cui i bambini
si avvicinano a una parola, a un suono, magari a certe
chitarre o a un clarinetto che ascoltano in un brano.
Spero che si colga il gioco che c’è fra musica e parole. In
fondo, da bravo provocatore-beat, l’idea che un CD del
genere sia in un libro per bambini mi diverte molto. A
mio figlio di quattro anni, ad esempio, piace. Alcune cose
me le cita anche canticchiando le parti strumentali, oltre
a ricordare alcuni testi. Spero che ci siano altri bimbi così.
E’ un bel segno da lasciare. Un sasso gettato talmente
lontano da non riuscire a vedere nemmeno dove cadrà.
Come hai scelto i musicisti che suonano con te?
Beh, io sono sulla piazza da ormai vent’anni anni e mi
è capitato di fare tante cose con tanta gente. Con molti
sono amico e posso dire che tutti quelli che han suonato
nel disco sono persone con cui avevo già percorso un
pezzetto della mia storia recente. Musicisti bravi, intelligenti
e originali. Non è un disco di turnisti, insomma.
Ho chiamato i musicisti a fare loro stessi e spero che si
siano divertiti.Diego Sapignoli non si definisce neanche
più batterista e se vedi il suo set dal vivo capisci perché,
per esempio. Poi sicuramente volevo strumenti fiabeschi,
per cui uno dei primi ad entrare in squadra è stato
Achille Succi col suo clarinetto. I brani sono stati registrati
con questo trio, con le mie avvisaglie elettroniche
(sintetizzatori, batterie elettroniche vintage) e il mio chitarrismo
inconsapevole a completare il quadro. Poi ho
organizzato un paio di sessioni di improvvisazione proprio
per istigare un processo di creazione istintiva, per
giocare come bambini e vederne gli effetti. Con Fabrizio
Tarroni, Christian Ravaglioli (oboe e duduk) e Diego,
son venute fuori cose totalmente diverse e sempre in
un clima di libertà. Si può dire che metà del disco sia
nato così, con davvero poco editing e sovrincisioni. Un
occhio ai suoni e uno all’intenzione, cosa rara nei dischi
moderni dove forse si predilige la perfezione, soprattutto
in ambito pop. Il disco si apre col pianoforte suonato
da Guido Facchini, che ritengo un musicista incredibile
per preparazione e sensibilità. Un artista che è riuscito a
dare un tocco davvero sognante a un pezzo scritto dalle
mie mani luride di musicista imperfetto.
Come si inserisce nel percorso di Francobeat
quest’opera?
Il disco segue la linea del “pop da biblioteca”. A volte mi
viene voglia di fare un disco con testi miei, ma credo
che ci siano talmente tante cose belle già scritte e spesso
poco conosciute, che ancora vale la pena tentare di
buttarle in pasto a una canzone pop. Quelli della mia
generazione Rodari lo conoscono tutti, ma molti giovani
non sanno nemmeno chi sia. Il sottotitolo del libro “La
grammatica della fantasia al tempo degli SMS” è nato
pensando a quanta fantasia venga impiegata dai ragazzini
per comunicare fra loro, fra faccine e simboli e acronimi
vari. Se un po’ di quella creatività fosse incanalata
anche per fare storie, filastrocche o mini fiabe sarebbe
bello.Poi ormai sono entrato in una spirale che credo mi
porterà almeno a finire quello che si prospetta essere la
“Trilogia della fantasia” Il prossimo disco è già in macchina
da un po’. Ci sono un paio di testi letti durante la
preparazione di Mondo fantastico che non posso lasciar
lì sullo scaffale.
Sergio Endrigo ebbe la fortuna di collaborare con
Rodari per il disco Ci vuole un fiore. Cosa pensi di quel
progetto e in che cosa credi che si differenzi dal tuo?
Rodari, Endrigo e Bacalov, mica bruscolini. Avevo il timore
di un confronto, in primis con me stesso. Quel disco
è fatto con intelligenza, classe e gusto. E se ci pensi il
binomio Endrigo-leggerezza infantile parrebbe quasi
azzardato. Eppure ne scaturì un disco curioso. Anche in
quel caso non sono stati fatti sconti, la musica non è mai
banale. E di certo non era intesa per bambini in assoluto,
visto che era suonata da una vera orchestra nelle mani
di un illustre arrangiatore. Se prendi l’incipit di Bambino
di gesso, con quelle voci che si rincorrono e rimbalzano
nell’eco a nastro, ci puoi sentire la psichedelia.Credo che
il mio sia semplicemente influenzato dai suoni di oggi,
dal mio background elettronico, ma trovo che l’onestà
sia un elemento che accomuna i due dischi. Probabilmente
i bambini stessi son cambiati e quel se sembra
“per bambini” di quel disco forse non lo era quando usci
nel 1974. E’ per questo che son convinto di molte scelte
fatte. Credo che i bambini si sentano meno truffati con
un disco come il mio rispetto a come potrebbero sentirsi
ascoltando certe sigle di cartoni animati moderni. Una
operazione simile, inoltre, fu fatta anche da Virgilio Savona
e Lucia Mannucci del Quartetto Cetra nel ’73, con
un intento totalmente diverso, direi più infantile.
16 17

Emika
Drop out
Dai fumi urbani del trip-hop alla
nuova impronta cantautoriale
post-Blake: focus sulla dark-lady
autrice di uno dei dischi più intensi
dell’anno
Testo: Carlo Affatigato
—The noir lady—
18 19

Il fatto che ora il nome di Emika sia sulla bocca di tutti, spottato sulle
riviste cartacee e pubblicizzato sulle home page dei principali magazine
online, non è solo merito del perfetto meccanismo promozionale messo in
atto da una label come la Ninja Tune (che a tal riguardo ha pochi rivali, va
detto). Il fatto è che l’album di debutto della nuova fiamma dark è arrivato
proprio nel momento giusto: in un anno costellato di umori soul che si son
spalmati a tappeto su tutti i generi, nel momento in cui la dub music sta
scommettendo tutto sull’approccio cantautoriale, un ribollire che già in passato
aveva mostrato la sua presenza con sporadiche scosse (basti pensare a
Burial come padre spirituale dell’esplosione dub-soul di oggi). Il tappo però
è stato definitivamente tolto con James Blake all’inizio dell’anno, portando
il messaggio fino in fondo con un album-manifesto di questa nuova fase
(chiamiamola post-dubstep o dub-soul, fa lo stesso) che ha staccato coraggiosamente
con le proprie radici e ha tracciato la strada per le direzioni a
venire (per conferme chiedere a gente come SBTRKT o Jamie Woon).
L’album ve l’avevamo descritto prontamente come una delle tappe più
importanti in questa direzione, e fa piacere scoprire direttamente con la
sua autrice che ne avevamo centrato in pieno ogni risvolto. L’emozione è il
baricentro su cui ruota l’intera faccenda, sbocciato lungo i binari prediletti
del momento, quelli del songwriting. A differenza però dei nomi già fatti,
Blake e Woon su tutti, il punto di partenza stavolta non è il dubstep: l’oscurità
di Emika affonda nelle basi trip-hop di Bristol, la città in cui è artisticamente
cresciuta, con un grande debito di riconoscenza verso la freddezza
sofferente di Beth Gibbons e i suoi Portishead. The Long Goodbye e Count
Backwards parlano chiaro, ci raccontano proprio un’evoluzione sonora che
parte dalle melodie vaporose di Dummy per poi sfociare nella maggiore
aggressività thrill di Third.
L’oscurità. Il ‘noir’ mood, un’accezione che Emika ha trovato particolarmente
azzeccata. È il suo tratto distintivo rispetto alle altre realtà dub. Pezzi
come Professional Loving o Drop The Other ci raccontano un’artista congenitamente
oscura, che non cerca in nessun modo di mitigare il suo buio
interiore. Nessuna sfumatura ottimista che lasci intendere una via d’uscita
dal tunnel, tutti gli strati della composizione viaggiano coerenti verso un
buco nero pieno di tragicità esistenziale, uno spazio chiuso con le uscite di
sicurezza sigillate. “Siamo qui, adesso, e affronteremo le sofferenze della vita
fino in fondo, senza paura di farci male”: questo più o meno l’atteggiamento
che emerge dall’album. Perché la vita è un viaggio difficile, e bisogna essere
ben attrezzati per arrivare fino in fondo.
E se Bristol è il punto di partenza, Berlino è quello di arrivo. Il passaggio
alla capitale della techno è per Emika la scossa che ha fatto maturare la
propria solidità compositiva. Frequentare i club berlinesi ha conferito una
nuova robustezza al sound, rendendolo più virile e incisivo. Un’influenza
che l’album ha voluto mostrare a tratti in maniera esplicita, con brani
come 3 Hours o Pretend dalla carica maggiormente dancey. Un po’ il lato
deep dell’emozione dark offerta dal disco. Un’attitudine al club che Emika
non cerca intenzionalmente, ma che, come spiega nell’intervista, emerge
spontaneamente tra le pieghe dei suoi brani, producendo nel pubblico una
reazione dance le cui origini rimangono a lei oscure. La sua è musica che
sa catturare ed emozionare, ma anche coinvolgere fisicamente, un duplice
carattere ottenuto senza artifizio, cosa che lo rende ancora più prezioso.
suo tour negli Stati Uniti, per un’intervista-fiume in esclusiva, in cui abbiamo
toccato tutti i punti fondamentali della sua musica: l’eredità di Bristol, le
evoluzioni dubstep, l’ambiente berlinese, il background classico. Abbiamo
scavato nella Emika artista, spinti dalla sua disponibilità e dalla schiettezza
con cui lei sa toccare anche le pieghe meno piacevoli della sua musica e della
sua vita. E ci siamo anche fatti raccontare com’è l’ambiente alla Ninja Tune e
quali sono i progetti futuri. Si è mostrata loquace e sincera, ma soprattutto
felice di come avessimo colto tutti gli aspetti più genuini del suo disco. Una
ragazza forte e emotiva nello stesso tempo, che ama la vita fino in fondo,
sia nei momenti felici che in quelli più sofferenti.
L’abbiamo battezzata “The noir lady”. Eccola.
Come presentare Emika al pubblico italiano? Ti senti più una cantante,
una scrittrice o un’artista dance?
Sono un’artista poliedrica. E soprattutto sono l’unica artefice di ogni aspetto
della mia musica: so suonare diversi strumenti e interpretare differenti stili,
sono io che compongo e registro la mia musica per intero. E sono anche una
live performer, esibirmi e suonare la mia musica sul palco è una fase per me
molto importante.
Proprio in questi giorni sei in tour negli Stati Uniti, insieme a nomi come
Amon Tobin e Eskmo. Come ti presenti live? Preferisci far ballare la gente,
o ti presenti più come una cantautrice?
Trovo particolarmente interessante la reazione del pubblico alla mia musica.
In genere quando salgo sul palco non sono particolarmente rivolta a
far dance, ma succede spesso che la gente balli mentre canto. Mentre altre
vote capita che il pubblico stia fermo e si lasci trasportare, emozionare. Dipende
da molti fattori, conta molto anche l’ora a cui ti esibisci: a volte il live
è molto presto, alle 20, e il pubblico è più “da aperitivo” [ride, ndr], pacato,
mentre dopo la mezzanotte tipicamente la gente è più propensa a ballare
e a “perdersi” nella musica.
È stata un’impresa ardua, ma siamo riusciti a contattare Emika durante il dirty beaches
20 21

Beh, questo è un aspetto interessante, significa che la tua musica può
esser percepita in entrambe le direzioni, che il pubblico può recepirla
sia come musica su cui ballare che come emozione.
Esattamente. È curioso, ma ogni volta che salgo sul palco non ho idea di
come la gente parteciperà alla mia musica. Io non sono una dj, non mi esibisco
decisa a voler far ballare il pubblico. Quel che faccio è aver cura della
qualità del suono e della performance, ma lascio il pubblico libero di vivere
la musica nel modo in cui desidera. Anzi, per me è strano vedere la gente
ballare mentre canto, non immaginavo che la mia musica avesse una componente
dance così sviluppata!
Eppure nel tuo album questa anima dance-oriented è facilmente percepibile.
È vero, ed è percepibile anche nei live, stando alla reazione del pubblico.
Ma la cosa strana è che io non ho mai scritto nulla intenzionalmente per far
ballare la gente. Anzi, a dire il vero non credo sappia nemmeno come si fa
a far ballare la gente! Io non faccio altro che scrivere musica con dei ritmi e
dei groove che mi rispecchino. Che il pubblico ci balli su è una bella cosa,
ma quali aspetti delle mie canzoni producano quest’effetto per me è un
vero mistero!
Il messaggio è chiaro: non guardate a Emika come ad un’artista dance,
ma come una songwriter.
Sì, esatto.
Mi piace molto la direzione intrapresa da James Blake o Jamie Woon, è bello
vedere come dietro ci sia una storia che si vuole raccontare.
Una delle prime cose che si percepiscono ascoltando il tuo album è il
ruolo protagonista della tua voce. La centralità della dimensione vocale
e l’approccio orientato al songwriting sono degli aspetti che nella dub
music stanno esplodendo proprio in questo periodo. Cosa sta succedendo?
Penso che il songwriting nella musica elettronica sia un’area molto poco
battuta. Non ci sono molti artisti che scrivono “canzoni elettroniche”: quasi
tutti sono DJ, o producers, o entrambe le cose, tutto inizia e finisce lì e trovo
la cosa abbastanza statica. Quello a cui punto è un approccio più completo,
che comprenda un sound più robusto, una storia, delle emozioni da passare
alla gente. Mi piace molto la direzione intrapresa da James Blake o Jamie
Woon, è bello vedere come dietro ci sia una storia che si vuole raccontare.
E sono convinta che questo sia il terreno in cui l’elettronica possa evolversi
con più efficacia oggi. E con effetti più visibili di quanto possa fare la club
music, per esempio, che invece trovo molto più statica e meno capace di
distinguersi da luogo a luogo.
Ok, abbiamo capito che ad Emika non piace andare per club..
Ah ah, ma no, in realtà mi piace molto la club music. Compro un sacco di
dischi techno e dubstep, ho frequentato spesso i club di Londra, di Bristol.
E a Berlino poi, sai bene che c’è la miglior techno del mondo, e la adoro. Ma
io appartengo ad una scena differente, che orienta l’elettronica più verso
l’emozione. E da questo mio punto di vista la musica per club mi sembra
piuttosto statica, ripetitiva. È comprensibile, no?
Si, lo è.Poco fa collocavi il tuo stile compositivo vicino a quello di artisti
come James Blake e Jamie Woon. È quello che abbiamo percepito anche
noi ascoltando il tuo album (come si può leggere nella recensione), ma c’è
una peculiarità che ti contraddistingue dagli altri: il tuo stile va a fondo
nel dark mood, senza dover per forza bilanciare l’oscurità della bass
music con il lato più ottimistico della voce. La tua musica è noir sotto
ogni aspetto.
Wow, “noir” la trovo una definizione adorabile! È vero, ho un carattere molto
buio. Non è qualcosa che costruisco intenzionalmente, è qualcosa che deriva
dal mio modo di amare e osservare la vita. Vivo la mia musica esattamente
come vivo la mia vita, ossia lontana dall’allegria, dalla dance, dalle radio.
Quindi l’intensità dell’album è l’intensità con cui ti poni nei confronti
della vita. E nel tuo caso questo si è tradotto in un concentrato di emozioni
oscure.
Precisamente. Devo dire che ho vissuto molti eventi tragici, non si può dire
che io abbia avuto una vita facile e felice. Ho sempre trovato la vita molto
difficile, come difficile è capirla, entrarci dentro. Trovare la propria dimensione
esistenziale per me è una grande sfida. E credo che nella mia musica
tutto questo traspaia.
La pioggia, quella sì che ti fa sentire differente. Ti costringe ad essere introverso.
Sono convinta che il clima abbia un effetto molto forte sulla musica
di una città.
Sei cresciuta artisticamente a Bristol, la città del trip-hop. Quanto ti
senti vicina a quel sound?
Ecco, il trip-hop è esattamente il mio genere! La mia musica non somiglia al
dubstep, o alla techno, ma può definirsi tranquillamente trip-hop. Non ero
ancora a Bristol quando negli anni ‘90 si diffuse il trip-hop, ci sono arrivata
più tardi, quando invece fu il dubstep ad esplodere. Ma mi sento molto vicina
a quel sound storico, lo sento nel sangue, e questo background me lo
sono portato a Berlino. Sì, amo il trip-hop. Tricky, Portishead... i miei dischi
preferiti sono tutti dischi trip-hop.
Come hai vissuto il periodo a Bristol?
Ho assistito alla diffusione del dubstep quando ancora non sapevo nem-
22 23

meno cosa fosse. Era qualcosa di rabbioso, che è partito dai club più cool
e poi si è allargato come scena. Ora il dubstep lo senti ovunque, ma a quei
tempi era ancora praticamente in fasce. E come sempre, la sua evoluzione
è coincisa con l’allargamento della base fuori dai confini.
Trip-hop nei 90s, dubstep nei 00s. Da qualsiasi angolo la guardi, Bristol
è una città musicalmente cupa.
È il clima. Molto piovoso e freddo. Questo spinge la gente a restare in casa,
nessuno vuole andare in giro. La pioggia, quella sì che ti fa sentire differente.
Ti costringe ad essere introverso. Sono convinta che il clima abbia un effetto
molto forte sulla musica di una città.
Cosa ti ha spinto a lasciare Bristol per Berlino?
Dopo la mia laurea ho avuto alcuni problemi di salute piuttosto spiacevoli.
Sono stata molto male per diversi mesi, ho subito diverse operazioni, e questo
ha inciso così tanto che non sono più riuscita a tornare a sentirmi bene
in quella città. E la cosa valeva anche per i miei amici, che non smettevano
di esser preoccupati per la mia salute, anche dopo essermi rimessa. In quel
periodo ho voluto darmi una scossa e sono andata a Berlino per un weekend
lungo, da sola. E mi sono letteralemte innamorata della città, della sua storia,
della gente, della cultura. È stata Berlino a catturarmi, non io a trasferirmi.
Io volevo solo evadere da Bristol, staccare col passato. Berlino è arrivata nel
momento più adatto. Mi sono trasferita la settimana dopo quel weekend.
E musicalmente, come sei stata influenzata da Berlino?
Prima di Berlino praticamente non avevo mai ascoltato techno. Passare da
Bristol a Berlino è significato passare da un ambiente intriso di trip-hop e
dubstep a un ambiente fortemente techno. Il mondo techno è completamente
differente, nel ritmo, nei tempi, anche nella lingua. È questa la grande
influenza che Berlino ha avuto sulla mia musica.
Anche questo nel tuo album traspare. Penso a brani come 3 Hours, che
hai posto proprio in apertura al disco. Dunque questo lato di te è figlio
dell’ambiente berlinese.
Sì, esatto. Sai com’è, la prima traccia di un album ha il compito di spiegare
dove tutto è cominciato. Ho voluto iniziare proprio con quel brano perché
è stata Berlino a far nascere questo album.
Molte canzoni presenti nel tuo album sono state scritte nei due anni
precedenti all’uscita, ma hai aspettato fino ad ora per pubblicarlo. Su
cosa hai lavorato per fare in modo che ti soddisfasse nel complesso?
Ho lavorato su molti aspetti per evitare che il mio album risultasse solo un
insieme di canzoni. L’ho vissuto in ogni fase, mi sono concentrata sul recording
per raggiungere la qualità del suono che volevo. Ho fatto in modo che
si sentisse l’influenza del clubbing, i confronti che ho avuto con la gente nei
club. Ho lavorato senza fretta, non mi ero imposta una deadline, e nemmeno
la Ninja Tune me ne aveva imposta una. Volevo solo che il risultato fosse
ottimo.
La musica classica è pura energia emozionale. Non riguarda nient’altro, è
emozione al 100%. È coinvolgere i sentimenti umani e tradurli sul piano
reale, dargli una forma armonica.
Puoi parlarci dell’ambiente Ninja Tune? Come ti trovi?
È un ambiente fantastico. Alla Ninja Tune sono molto attenti a far crescere
gli artisti, li spingono a migliorare costantemente il loro sound. Si prendono
molta cura degli artisti e dell’aspetto stilistico, per evitare che le varie uscite
suonino troppo vicine a qualcosa di già sentito. Conosco tante altre label,
e tante persone che possiedono una label, ma ringrazio ogni giorno di
essere in Ninja Tune. Mi hanno insegnato ad essere un’artista differente,
a non pensare in termini di soldi, video, successo. E non mi hanno fatto
sentire pressioni, ho vissuto la fase di lavorazione all’album in maniera
molto rilassata.
Poco fa abbiamo parlato della opening track, ora volevo concentrarmi
sulla traccia di chiusura, Credit Theme. Quella traccia mi ha colpito, è
un perfetto esempio di classica romantica. Mi ha ricordato Chopin.
Oh sì, sono felice che questo accostamento sia emerso. Amo Chopin. L’ho
ascoltato per la prima volta quando avevo 12 anni, ricordo ancora il pezzo
ma non saprei dire quale fosse di preciso. Faceva così.. [ha accennato le
prime note del Notturno No. 2, ndr].
Sì, lo riconosco. È uno dei suoi notturni più famosi.
È stupefacente. Mentre l’ascoltavo quella volta ho pianto. È stata la prima
volta che ho avuto una reazione tanto forte alla musica. A quell’età suonavo
già il piano, e continuo ancora oggi a scrivere pezzi per pianoforte.
Quindi è stata la classica il tuo primo approccio all’emozione in musica.
È un’esperienza in cui possono identificarsi in molti, spesso la prima
musica che ci emoziona, da piccolissimi, è proprio la musica classica.
La musica classica è pura energia emozionale. Non riguarda nient’altro, è
emozione al 100%. È coinvolgere i sentimenti umani e tradurli sul piano
reale, dargli una forma armonica. Ed è la musica più stupefacente di tutti i
tempi. Voglio dire, pensiamo a quanto indietro sia nel tempo e a quanto sia
coinvolgente ancora oggi. Prendi la musica elettronica di oggi, per esempio:
ogni settimana esce qualcosa di nuovo, che fa diventare vecchio quel
che era uscito la settimana prima. Il ciclo vitale di una canzone è ridottissimo.
La classica invece resiste ai secoli, senza alcuna difficoltà. Possiamo dire
che è la musica di maggior successo di sempre. Adoro la musica classica.
Sei un’artista completa, complimenti. E ora, dopo l’esordio su album?
Sono già proiettata al secondo album. In questo periodo sono stata in tour,
e mi sono resa conto di quanta gente ami il suono “noir”, come lo definisci
tu. Sto preparando la mia voce, raffinando lo stile. Ho intenzione di registrarlo
in inverno, e iniziare la produzione in primavera.
Hai già qualche idea di come suonerà?
Puro e semplice.
Grazie per la lunga chiacchierata, Emika!
Grazie a voi, è stato un piacere! Ciao.
24 25

©ilaria magliocchetti lombi
dEntE
—Puntini sulle i—
Drop out
Nuovo album, tour, la musica di
ieri e di oggi, l’Italia che non c’è
più, Endrigo, i Nirvana e l’enigmistica.
Giuseppe Peveri a colloquio
con SA...
Testo: Giulia Cavaliere
26 27

In occasione dell’uscita, lo scorso 11 ottobre, del suo ultimo lavoro Io tra
di noi Dente è tornato sulla bocca di tutti, confermadosi come l’autore più
apprezzato della nuova leva di cantautori. Naturalmente non potevamo lasciarci
sfuggire la possibilità di parlare con lui del disco e del tour che partirà
tra poche ore e ne abbiamo approfittato anche per allargarci un po’ e parlare
della situazione della musica in Italia, di indie, di Sanremo, di cantautori e
letteratura...
Io tra di noi ti sta già dando grandi soddisfazioni, in ultimo il quindicesimo
posto nella classifica delle vendite. Ci racconti del concepimento
e della gestazione di quest’album? So che sei stato all’Isola d’Elba per
ultimare i brani...
Certo. Sì, è vero, sono stato all’Isola d’Elba perchè avevo bisogno di riprendere
un po’ contatto con me, staccare un po’ da quello che sono stati i due anni
passati cioè stare sopra un palco sempre, farsi fare le fotografie durante un
concerto. Ho cercato di riprendermi e stare un po’ solo isolato in un posto in
cui nessuno mi conoscesse per avere modo di riprendere in mano tutte quelle
cose che avevo fatto durante i due anni e quegli scritti che avevo buttato
giù a mo’ di schizzo, ho messo insieme tutto quanto e ho scritto le canzoni
del nuovo lavoro. Questo disco è una raccolta di canzoni scritte nell’arco
di un tempo abbastanza lungo, infatti ci sono pezzi abbastanza remoti, ad
esempio Rette parallele l’ho scritta cinque anni fa, poi l’ho abbandonata e
l’ho ripresa in mano a dicembre, ho finito di scrivere il testo e l’ho chiusa.
Non lo chiami solo “disco” ma preferisci usare la formula “raccolta di
canzoni”, mettendo quindi un po’ da parte un’idea di concept...
Mi piace molto questa definizione che non si usa più, è come negli anni
‘60, quando si facevano i singoli e poi raggiunto un certo numero di pezzi
si faceva l’album che veniva chiamato appunto “la raccolta di canzoni” o
“le canzoni più belle”, “il meglio del meglio di”. Quindi sì, alla fine siccome i
casi sono due, lo chiamo così anche un po’ per dire che non si tratta di un
concept, non c’è una storia unica netta, un unico filo conduttore, quest’album
anche per i tempi in cui i pezzi sono stati scritti non può essere tale. Io
tra di noi è figlio di un’ispirazione dilatata, ci sono canzoni d’amore dove si
parla di una donna ma anche riflessioni come quella amareggiata di Piccolo
destino ridicolo.
La sensazione è che tu in queste canzoni abbia dato molto più spazio
alla descrizione di momenti di vita vissuta, fisica, reale, lasciando da
parte l’aspetto più semplicemente evocativo che nei tuoi testi precedenti
sembrava preponderante. Ci sono degli oggetti qua, dei correlativi
oggettivi che rimandano alle sensazioni, alla sfera emotiva. Questo
è un aspetto molto bello, una forma di evoluzione e novità nella tua
scrittura...
Diciamo che non è una cosa che ho voluto, ricercato, non avevo una linea
predefinita sul modo di raccontare queste storie, sono venute così come
le ascolti, mi sono venute così quando sono andato un po’ “alla ricerca del
tempo perduto”, ci sono storie, degli aneddoti, più vicini magari a pezzi precedenti
che avevo scritto come Quel mazzolino ma non ho scelto io, prima di
scriverle, la direzione da dare ai testi, se dare più spazio all’aspetto riflessivo
o a quello del ricordo.
Io tra di noi è un disco fortemente tuo nel senso meno ovvio di questa
definizione, diciamo che si ha la sensazione che queste canzoni si leghino
in modo stretto a quelle dei tuoi lavori precedenti, specie a L’amore
non è bello. Le cifre stilistiche permangono e benchè si abbia a che fare,
qua, con brani più strutturati, stratificati, arrangiati anche in maniera
molto raffinata, non si nota di certo il grande passo, la svolta radicale
che forse qualcuno si aspettava ora che il tuo nome ha comunque fatto
più volte il giro del Paese. E’ perchè vuoi andare a piccoli passi?
Sì, assolutamente, credo proprio di voler andare a piccoli passi, non mi va
di bruciarmi tutto quello che posso fare nella mia vita artistica in un solo
disco, se no è finita. Non sono interessato a quello che gli altri si aspettano
alla fine, io credo che questo sia un buon passaggio, come dici tu il disco è
molto mio, questo era uno degli obiettivi che ci eravamo preposti e sono
felice che siamo riusciti a raggiungerlo, si sente molto la mano di Colliva alla
produzione, sebbene mi renda conto che non tutti quelli che mi ascoltano
magari hanno le conoscenze tecniche per rilevarla appieno, anche se tutti
si sono accorti che qualcosa in più qua c’è. Volevo mantenere un’identità
forte ma non volevo fare un disco traumatico, non volevo aggiungere cose
in modo traumatico.
L’altro giorno alla FNAC di Milano un ragazzo ti ha chiesto come mai,
con pezzi così “semplici” tu non riesca a raggiungere la massa. Personalmente
mi domando se la massa intesa come pubblico televisivo, oggi
che non siamo più negli anni ‘70, non l’abbia definitivamente relegata
ai confini del proprio quotidiano. Una volta i 40enni ascoltavano i
dischi che adesso probabilmente verrebbero definiti “indie”... Come ti
relazioni alla possibilità di diventare un cantautore di quelli grandi, di
quelli che tu stesso citi?
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©ilaria magliocchetti lombi

©ilaria magliocchetti lombi
Sì, il discorso è davvero molto ampio e complicato, io non so se come dici tu
in effetti quel pubblico là non esiste davvero più, io conosco un pubblico che
è molto bello che è quello che segue le cose che stanno uscendo ultimamente
in Italia e che io posso anche accostare magari a quello di una volta, è un
pubblico di persone che si fa chilometri per andare a vedere concerti e che
ha ricominciato a comprare i dischi seguendo le cose con molta attenzione.
Accanto c’è un pubblico vago e generico che è in realtà la maggior parte
della popolazione che io percepisco come molto distratto, molto abituato
al cambiamento, ad avere il nuovo fenomeno dell’anno e l’anno dopo un
altro e poi ancora, dimenticando i nuovi fenomeni degli anni precedenti.
Non so se la grande massa esista ancora, e come si comporterebbe, come
reagirebbe alla mia musica, bisognerebbe provare e in verità ho anche un
po’ paura a farlo. Quando penso ai Sanremo di cui tu mi parli penso ad anni
che non c’entrano nulla con questi in cui noi ci stiamo muovendo, penso
a Lucio Dalla in televisione con Dario Fo, Benigni e Paolo Conte, oggi in
televisione passano spazzatura dalla mattina alla sera, è un mondo troppo
diverso e io fatico a fare un paragone. Sai, ieri ho guardato un video di Mina
negli anni ‘60, hai presente quelli a Studio Uno? Era lì che cantava La musica
è finita e aveva sul palco cinque pianoforti a coda. C’erano una fotografia e
una luce impeccabili, una cosa da brividi.
Sì, beh, quella è proprio regia, certi registi Rai in quegli anni hanno fatto
cose che si avvicinavano al cinema...
Ecco, esatto. E’ proprio questo che manca ora, è un mondo perduto quello,
purtroppo, quindi non so se possiamo parlare di ieri e oggi come due cose
vicine o se l’oggi ce lo dobbiamo inventare, sapendo che abbiamo deter-
minate cose e ripartendo da lì. Per quanto mi riguarda mi sta anche molto
bene come mi stanno andando le cose, voglio dire, è andato sempre tutto
migliorando, non mi sono mai fermato in un punto sentendomi arrivato,
non l’ho ancora visto il punto oltre il quale non andare. Io riesco a vivere
con quello che faccio, ho le mie soddisfazioni, faccio dischi come li voglio
fare per cui mi va anche bene così, soprattutto li faccio perchè amo farli,
per il gusto che provo nel farli. Detto in sincerità non ho alcun interesse a
diventare famoso, ecco, andare in televisione. Poi beh, bisogna vedere, se la
massa è interessata, se la massa apprezza come apprezziamo noi. Non ti nascondo
che, come ti ho detto poco fa, sono anche un po’ spaventato perchè
è una lama a doppio taglio, potrebbe salvarti la vita oppure distruggertela,
conosco gente che per esempio a Sanremo ci è andata e poi ha smesso di
suonare, conosco invece chi da lì ha iniziato un percorso bellissimo, si è arricchita,
ha fatto carriera e c’è anche gente che non ci è mai andata, ha una
carriera meravigliosa e riempie i teatri e fa tour con un sacco di pubblico.
A tal proposito, inizi il tour il 28 ottobre dal Fillmore di Cortemaggiore
(PC), non lontano dalla tua Fidenza, puoi anticiparci qualcosa? Archi?
Fiati? Effetti speciali? Come ti senti?
Le prime date sono sempre quelle più agitate, poi dopo la decima si comincia
a salire sul palco un po’ più tranquilli, a capire anche come il pubblico
reagisce alla scaletta e tutte quelle cose che finchè provi in solitudine o nel
locale vuoto non puoi capire. Vedremo. La formazione sarà sempre la stessa
del tour scorso, nessun elemento in più, nessun fiato né arco, cercheremo di
fare il meglio che possiamo, in scaletta ci saranno quasi tutti i pezzi del disco
nuovo, i più grandi successi della storia della musica (ride, naturalmente
n.d.g) e un pezzo da Anice in bocca che non ho mai fatto ma che non ti
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©ilaria magliocchetti lombi

dico perchè è una sorpresa.
A proposito, questa ristampa di Anice in bocca? Tutti i tuoi fan la stanno
aspettando, insieme anche ai dischi dei La Spina, il gruppo in cui suonavi
prima di iniziare il tuo percorso solista
Per il momento nessuna ristampa di Anice in bocca, siamo pieni di cose da
fare e di cose a cui pensare per cui rimandiamo, quanto ai La Spina non so
che fine abbiano fatto quei dischi, non sono più stati ristampati ma davvero
a me piacerebbe molto poterli avere e venderli ai concerti, rimetterli un
attimo in piedi. Magari farò un canale su youtube per iniziare.
Una curiosità: la settimana enigmatica richiama moltissimo, per accordi
e anche per l’andatura del brano, Bomba o non bomba di Antonello Venditti
che è uno che, tra i cantautori attivi degli anni ‘70, mi pare tu non
abbia mai citato... Immagino che comunque quel brano ti piaccia e che
ci sia anche un po’ lui tra i tuoi numi...
Si, quel pezzo mi piace molto. Non mi dispiace quel Venditti lì, quello di Lilly,
per esempio. Mi piace molto Sotto il segno dei pesci e apprezzo anche il
primo disco con De Gregori, Theorius Campus, quello è molto romanaccio,
molto Folk studio.
Il tuo amore smisurato per la musica d’autore italiana c’è sempre stato
o è qualcosa che è cresciuto anche nel momento in cui poi tu stesso ti
sei sentito parte di una nuova leva di cantautori? A volte questi amori
vengono dai dischi di mamma e papà, altre dopo lunghi anni di buio e
metal o new wave...
L’ho ascoltata sempre anche da bambino, i miei genitori avevano molti dischi,
molti 45 giri italiani, e le cassettine in macchina. Ascoltavamo tanto
Bindi, Endrigo, e tutti gli altri e anche se poi loro erano molto più orientati
verso le canzoni dell’estate in mezzo c’erano anche le grandi mazzate, i
grandi come Tenco. Da bambino la subivo ma mi piacevano tanto queste
atmosfere angoscianti ed è ancora così. Da grande poi mi sono messo ad
ascoltarli in modo diciamo più analitico, mi sono messo lì a capire che cosa
avevano fatto, li ho ascoltati con maggiore attenzione. Questa cosa l’ho fatta
soprattutto con Endrigo. I miei però per esempio non ascoltavano cose
degli anni ‘70, lì c’era già la rottura, andava così per molti della loro età, per
cui quelle cose le ho scoperte dopo, da solo o con la mia cerchia di amici
di quando avevo tredici o quattrodici anni e abbiamo iniziato ad ascoltare
quelle cose che ascoltano tutti a quell’età, Bob Marley, i Rolling Stones, i
Doors e in mezzo ci sono finiti anche Camerini, Finardi, Lolli e tutti questi
nomi che negli anni ‘70 hanno fatto gran belle cose.
...e oggi? Ci sono influenze anche straniere nella tua musica?
Oggi no, ne sto ascoltando molto poca negli ultimi anni, anni fa invece
ascoltavo molte più cose, Belle and Sebastian, Kings of Convenience, il
primo disco dei Phoenix ad esempio mi piaceva molto, poi mi sono un po’
allontanato dalla musica straniera, non l’ho più seguita tanto. Prima sì, ne ho
ascoltata molta, poi calcola che avevo 18 anni nei primi novanta quindi sono
caduto nel grunge a pie’ dispari, diciamo così. Ascoltavo Nirvana, Pearl Jam,
Alice in Chains, tutta roba che oggi fatico molto ad digerire ad esclusione
di In Utero che continuo ad ascoltare piacevolmente e che credo sia il loro
miglior album, quello che ha maggiormente resistito alla prova del tempo,
Ten dei Pearl Jam oggi non funziona più.
Di recente cosa ascolti? Un disco che hai consumato mentre eri in tour?
Guarda, senz’altro Primitivi del futuro dei Tre allegri ragazzi morti, mi ha
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©ilaria magliocchetti lombi
accompagnato per tutta la seconda parte del tour, lo abbiamo consumato
sul furgone. Adesso sono molto curioso di ascoltare il nuovo di Tom Waits,
mi hanno detto tutti che è bellissimo e da fan sono molto interessato.
Nel disco c’è anche qualche riferimento alla letteratura, specie a Ungaretti,
sia in Saldati che in Casa tua, si va da Soldati all’Allegria di Naufragi,
Il porto sepolto.. sei un lettore? leggi anche poesia?
No, solo narrativa devo dire. Leggo romanzi quasi quotidianamente e anche
saggi e manuali. Vado in libreria e mi faccio ispirare oppure seguo consigli
che mi danno. Ultimamente ho acquistato dei saggi di enigmistica che è
una cosa che mi interessa molto anche al di là di come io la uso nei testi
anche perchè poi quella a dire il vero è ludolinguistica non enigmistica vera.
Pensa che gli enigmisti ritengono che La settimana enigmistica sia proprio
la feccia della disciplina. Ultimamente ho letto Lo strano caso del cane
ucciso a mezzanotte, molto bello, una lettura molto piacevole. Adesso mi
sono messo in testa che durante il tour voglio leggere Moby dick che non
ho mai letto.
Non posso esimermi dal consigliargli la traduzione di Cesare Pavese

girls —Putting
the right gear—
Drop out
Quattro chiacchiere al telefono
con un torrenziale Chet White a
proposito di amps and gears, microfoni
e strategie di produzione
del folgorante sophomore dei
Girls...
Testo: Edoardo Bridda
34 35

Ora che il consenso attorno a Father, Son, Holy Ghost si sta facendo unanime,
i Girls possono serenamente arrivare al pubblico con quel misto di reali
capacità e hype che da sempre li caratterizza.
Grazie ai giornali e alle webzine che non hanno parlato d’altro in questi mesi,
conosciamo ogni particolare del passato dell’icona della band Christopher
Owens: dalla sua dipendenza dalle droghe alla setta in cui è cresciuto, dal
rapporto problematico con la madre alle stamberie che ne hanno caratterizzato
l’adolescenza. Al contrario, sappiamo pochissimo del mondo sonico
che abita i testi autobiografici del songwriter. Così abbiamo deciso di raccontarvelo
attraverso le parole di Chet “Jr” White, produttore, arrangiatore e in
pratica deus ex machina del progetto da quasi dieci anni. Nessuno avrebbe
mai sentito parlare dei Girls senza la direzione di questo torvo californiano.
Sua la produzione dei dischi pubblicati finora, gli smalti 70s dell’ultimo episodio
e, in generale, quella caratteristica cifra slabbrata e androgina capace
surfare tra le epoche e gli stili.
Non vedevamo l’ora di farci raccontare aneddoti sulle tecniche di registrazione
e sulla peculiare genesi di alcune delle più emblematiche canzoni
dell’album. E così alle 22.30 circa di una sera di settembre lo abbiamo sentito
al telefono mentre era a New York alle prese con una session in una
vecchia chiesa Polacca. Attacchiamo con qualche convenevole e veniamo
sbatocchiati di chiacchiere, shit talk conditi da ogni sorta di informazioni e
fascinazioni, con un Chet appassionato che non smetterà di parlare per i
quaranta minuti successivi.
I Girls, sono un duo allargato a band non così in erba come la gente crede.
Chet e Chris hanno entrambi superato i trent’anni ma rimangono due ragazzini
esaltati per la musica. Chris è il post-hippy, il junkie redento dalla
musica che trae tuttora ispirazione dall’esperienza passata dentro e fuori
una comune di fanatici. Chet è il classico punk-rocker della Bay Area, un
autodidatta con la fissa per i suoni “da garage”. Uno di quelli che il sogno che
lo accompagnava fin dall’adolescenza l’ha realizzato sul serio.
Che formazione ha registrato il disco e quanti siete sul palco durante
questo tour?
Su disco abbiamo inciso per la prima volta come quintetto. Io ho suonato
basso, parti di chitarra e qualche percussione. Chris la chitarra classica e ritmica,
armonica, mellotron e voce. John Anderson chitarra e cori, Dan Eisenberg
l’organo, il piano classico e elettrico, Darren Weiss la batteria. Dal vivo
siamo sempre in cinque ma senza John, al suo posto c’è il fratello di Darren,
Matt. Poi ci portiamo dietro tre donne che hanno cantato anche nel disco.
Sono coriste gospel professioniste davvero brave e, visto quanto costano,
le abbiamo con noi soltanto negli show più importanti.
Mi sbaglio o trasporre dal vivo Father, Son, Holy Ghost può essere una
faccenda complicata?
In realtà no. E’ una produzione piuttosto semplice nata da demo che si sono
arricchiti attraverso varie session e grazie allo scambio su internet. L’elemento
più impegnativo è stato l’assunzione delle cantanti, anche se la semplicità
rimane comunque una caratteristica fondante del nostro suono. Quello dei
Girls è un suono corposo e ricco, ma con una struttura semplice. Cerchiamo
di usare il meno possibile per ottenere il massimo. Per dire, invece di sparare
tante chitarre una sopra l’altra puoi creare un suono in grande con una sola
chitarra. E’ questa la nostra filosofia.
Hai prodotto tutto tu con i Girls o vi siete fatti aiutare da qualcuno?
Sì ho prodotto tutto. Nel primo ho fatto la direzione, la produzione e gli
arrangiamenti. In pratica, per quanto riguarda la musica, Chris scrive gli accordi
di base mentre io li arrangio e limo, dirigo il batterista, decido quali
amplificatori usare ecc. Sono cresciuto registrando nel mio garage. Ed è da
quando avevo 15 anni che lo faccio.
...dunque sei stato tu ad aggiungere tutti questi smalti Seventies nel disco?
Mi riferisco ai Pink Floyd, all’hard rock e a tutto ciò che di differente
si respira rispetto al vostro esordio. Da chi sono venute queste idee?
Non avevamo un’idea unica quando abbiamo iniziato le session. Non abbiamo
mai avuto un’unica idea e non pianifichiamo gli album secondo secondo
linee prestabilite tipo ora facciamo un disco anni “50 o “60. Avendo una personalità
forte, la nostra band mescola generi e stili continuamente. La gente
s’aspetta di scoprire cose differenti ogni volta da noi. Nuovi stili e trend. In
effetti, in quest’ultimo album abbiamo usato strategie d’incisione tipiche dei
“70. Abbiamo passato un centinaio d’ore spostando microfoni e cercando
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di far suonare la batteria davvero in grande. La batteria è fondamentale e
siamo stati veramente fortunati ad avere una batterista fantastico come
Darren. Quando gli suggerivamo un suono o uno stile, lui era veramente
ricettivo. Poi sempre riguardo all’incisione: preferisco usare microfoni e altri
trick per ottenere un particolare riverbero. Hai presente i dischi di una volta
dove suonavano tutti attorno a un microfono? Esattamente quel tipo di
suono e riverbero...
Dove avete registrato l’album questa volta e perchè?
Abbiamo registrato in un enorme semiterrato di cemento che appartiene
ad un tipo (che poi si scoprirà essere il produttore aggiunto Doug Boehm...)
che raccoglie ogni sorta d’apparecchiature d’incisione (in gergo suo “gear”).
Compra gear come un drogato compra le sostanze. Ha così tanta roba: 5 mixing
board, 5 plate reverb, vecchie Calrec mixing console con grandi bottoni
colorati. E’ stato veramente bello registrare in una location come quella, mi
ha fatto ricordare un vecchio studio, sempre in un semiterrato, dove incidevo
tanto tempo fa. Per Father, Son, Holy Ghost non volevo una stanza con un
suono piatto e regolare. Volevo uno spazio che avesse una grande influenza
sul sound del disco. Il modo in cui un disco funziona dipende dal modo in cui
ci lavori tu ma anche dal posto in cui è registrato. Puoi usare tutti i microfoni
del mondo ma ci sono cose totalmente imprevedibili. Pensa ad incidere in
quel seminterrato di cemento con soffitti alti quindici piedi! C’era tantissimo
eco. E anche se cercavi un suono davvero pulito e in grande, quello spazio
ci metteva le sue impronte aggiungendo stranezza e suoni acidi.
L’aspetto produttivo del disco è davvero interessante: ma davvero avete
fatto tutto da soli in quello stanzone?
Abbiamo chiesto a un ingegnere di lavorare con noi. Si chiama Doug Boehm
ed è anche il proprietario del semiterrato. Ha lavorato con French Kicks,
Dr. Dog, The Vines ecc. poi abbiamo chiesto aiuto anche a Drew Zajicek e
Camren Lister. Volevamo gente che avesse fatto grandi dischi per le radio,
persone che passano mesi su un disco per ottenere il risultato più importante
possibile, gente con un metodo di lavoro che lavorasse con una band
come la nostra che ne ha uno suo di metodo anche se piuttosto stravagante
e a volte sfilacciato.
Dischi per le radio e semiterrati sono forse due modi piuttosto diversi
di intendere la produzione o sbaglio?
Figurati! Appena sono entrato nel semiterrato ho esclamato “holy shit, what
am I gonna do with this place?!”. Ero sicuro che unendo tutti questi aspetti
avremmo tirato fuori qualcosa di pazzesco. Tu pensa che Doug ha una collezione
di amplificatori talmente grande che potrebbe riempire, letteralmente,
una stanza con misure 20 x 20 dal pavimento al soffitto. Ci veniva da ridere
pensando a quanta roba avesse. Di come aveva finito per costruire delle
stanzette dentro lo stanzone: cabine dedicate solo ai Marshall per dirti.Il
disco non ha quel suono super in grande che avrebbe potuto avere. La cosa
più importante è che però possegga quell’elemento straniante e intenso.
John Anderson è ancora dei vostri? Che contributo e esperienza chitarristica
ha dato alla band?
John Anderson non è più ufficialmente nella band ma voleva aiutarci. È
veramente un bravo chitarrista ma non vuole far parte della touring band.
John ed io lavoriamo insieme più che bene. Posso sedermi con lui con un
po d’idee, gli dico cosa penso, cosa sento e lui prende e trasforma tutto in
qualcosa di davvero figo. Quando abbiamo inciso il riff di Mirage abbiamo
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utilizzato dieci diversi amplificatori e poi abbiamo editato al PC. E l’idea era
di John come sua è l’influenza pop anni “60 à la Everly Brothers di Saying
I love You.
Tornando alle domande più generiche: da quanti anni vi conoscete, tu
e Chris? Dove vi siete incontrati?
Più o meno da nove anni. Ero a San Francisco da un anno e stavo producendo
alcune band in uno studio che era anche casa mia. Non avevo soldi e
non ero in nessun giro importante. Un giorno ero a un concerto dove c’era
anche un’amica, Lizer. Parlavo con lei altre tre amiche sue. Una abitava con i
suoi in una casa bellissima che guardava il Golden Gate Bridge. Così dopo il
concerto siamo andati tutti a casa sua e ci siamo rimasti per quattro giorni.
Erano tutte e tre molto belle e intelligenti e così, all’improvviso, da che non
avevo amici a Frisco, mi sono trovato con queste nuove amiche. Circa un
anno e mezzo dopo hanno fatto lo stesso con Chris. Hanno fatto amicizia
con lui e me l’hanno presentato. Ecco come è nato il nome della band, grazie
a questo gruppo di “Girls”.
Come avete iniziato a produrre musica assieme? So che Ariel Pink è
stato una forte influenza per Chris all’inzio...
Chris voleva registrare musica in proprio. Aveva alcune canzoni e voleva
compare un quattro piste per registrarsele in proprio. Ariel Pink è stato
un’inspirazione per lui ma a quel tempo voleva fare una cosa sua. Il perfetto
timing. Io avevo un guardaroba pieno di roba per incidere che non utilizzavo
e che mi ricordava quello che volevo fare davvero. Chris mi ha chiesto consigli
su cosa comprare e come produrre musica e un secondo dopo stavamo
lavorando assieme. Dopo una settimana abbiamo trovato un real-to-real sul
internet a soli cinquecento dollari. Dopo un paio di giorni registravamo e
andavamo d’accordo così bene che ho detto “bene, ora sono nella band” e
lui ha risposto “fantastico, cosa vuoi suonare?” Tutto è iniziato così.
Quali canzoni vi hanno maggiormente messo alla prova?
Forgiveness ha richiesto il tempo maggiore. John non riusciva a trovare un
assolo che lo convincesse. Ma a parte quel pezzo, solitamente lavoriamo in
modo molto fluido. Le nostre canzoni finiscono sempre come le immaginavamo.
E’ una questione d’esperienza ma soprattutto di consapevolezza,
capire cosa distingue la tua band dalle altre, cosa la rende speciale. Quando
produci canzoni devi prima capire questo e nei Girls c’è sicuramente quel
qualcosa di speciale che li distingue da tutto il resto.
Ho letto da qualche parte che Chris ha moltissime canzoni inedite. È
vero? State già pensando a un terzo album?
Sì, abbiamo parecchie inedite scritte che Chris ha scritto nella vasca di bagno
o per conto suo. Ogni tanto le suoniamo da vivo e la gente ci chiede quando
le pubblichiamo. Non lo sappiamo ancora ma qualcuna per il prossimo
album è già lì con loro.
Prima di incontrare Chris dove vivevi? Con quali band stavi lavorando?
Qual’era il tuo rapporto con il mondo della musica?
Ero dentro la musica punk da quando avevo appena finito la Junior school
in un piccolo paese della California. Era un posto molto tranquillo e un po’
noioso ma c’era un grande scena punk lì. Mi ricordo il mio primo concerto
è stato fantastico! La cosa bella del punk è che qualsiasi persona può farlo.
Sono subito entrato a far parte di una band. Erano in cinque ma poi dopo
un po’ suonavo con solo una persona o due ragazze. Mi è sempre interessato
molto di più registrare che essere “the man’. Quando ci siamo incontrati io e
Chris, ho deciso che non volevo essere più in una band ma solo quello che
registra i dischi.
Come musicista e producer, ascolti tanta musica?
In realtà no, almeno non al momento. Ascoltavo molto di più quando andavo
ai concerti. Ora quando siamo in tour ascolto hip hop o solo chitarra. Non
so perché...
Sei un grande fan di Ariel Pink quanto lo è Chris?
Si. E’ venuto da casa mia una volta con la sua band e sono rimasti per due
giorni. Facevamo solo feste. E’ stato veramente bello e anche ora, quando
ci becchiamo in giro, ci divertiamo un sacco.
Hai qualche band inglese tra le tue preferite o preferisci band americane?
Beh, a me piace tutto. Potresti nominare una band a caso e probabilmente
mi piacerebbe. Recentemente ascolto rockabilly, roba tipo Gene Simmons.
Un paio di persone che vengono in mente ora sono Earl, i Deads, i Byrds.
Sono anche un grande fan di Three Figs.
Puoi dirmi come è nata la canzone Die?
Die è stata scritta un po’ di tempo fa ed il nostro vecchio batterista non riusciva
mai a suonarla come volevamo. Così ogni tanto Io e Chris ci ritrovavamo
a provarla da soli dopo notti fuori passate tra drink e droghe. In queste piccole
jam io suonavo la batteria e provavamo questa canzone all’infinito. Era
davvero ipnotica. Ma ancora non riusciamo a farla funzionare. Poi è arrivato
Darren e lui ha capito tutto. L’etichetta ha avuto da ridire sul brano finito ma
poi ha ceduto e tutt’ora è una canzone veramente divertente da suonare.
E’ anche una delle mie preferite del disco. Sono sicuro che Die, il suo saltare
da un genere all’altro, ci garantirà più libertà nel futuro...
Ci vediamo in Italia presto?
Fare un’intervista con la stampa Italiana ci porterà bene. Amo l’Italia. Ci ho
passato un’estate intera una volta. È un sogno. La gente in America non
conosce il vostro paese molto bene, conosce solo i ristoranti.
40 41

— cd&lp
Recensioni
novembre
3io - BaCk to new rootS (hell Yeah, ottoBre
2011)
Genere: Jazz
Giochiamo a riarrangiare la dance in chiave jazz? Prendiamo
le hit elettroniche che tutti conoscono (Right here
right now di Fat Boy Slim, Born Slippy degli Underwolrd,
Let forever be dei Chemical Brothers...) e rifacciamole
con piano, basso e batteria. Back to new roots è questo.
Poco più che un divertissment. Il passatempo di tre baravi
jazzisti che vogliono mettersi alla prova con qualcosa
di diverso. Prendono il motivo e lo suonano nel loro stile,
dritto, snaturato ma riconoscibile. Si diverte il musicista
a farlo, si diverte con lui chi ascolta. È come partecipare
a una specie di “Sarabanda” per palati raffinati. I 3iO
conducono il quiz e fanno partire la musica. L’ascoltatore
gareggia per indovinare, nel minor tempo, quale pezzo
si cela dietro la rivisitazione jazz. Idea perfetta per una
serata da circoli radical chic. Se si è da soli, dopo averne
azzeccate un paio si perde tutto il piacere.
(6/10)
franCeSCo aSti
aa. vv./MoDeSelektor/JahCoozi - BlnrB
- welCoMe to the MaDhouSe (outhere,
aGoSto 2011)
Genere: afro-tech
Un asse artistico che collega Berlino (BLN) e Nairobi
(NRB). L’ambiente deep-tech mitteleuropeo che incontra
il rap afro e le sue solidità ritmiche. L’improbabile incontro
tra realtà eurotechno di spicco come Modeselektor,
Jahcoozi e Gebrüder Teichmann e i rappers kenyani
Nazizi, Lon’ Jon, Mister Abbas e Kimya partorisce una
raccolta più compatta di quanto si possa pensare.
Paradossalmente il meglio vien fuori proprio quando i
due mondi finiscono per stridere tra loro nel voler affermare
ognuno la propria identità: prendi Living Room, con
l’arroganza occidentale electro/deep che spinge verso il
basso la melodia cantata di Ukoo Flani, o meglio ancora
Monkeyflip, coi virtuosismi r’n’b di Nazizi soavemente
torturati dal glitch-hop dei Modeselektor (a proposito,
quando esattamente hanno perso quest’euforia di
scrittura?). Ma la verità è che i due contributi non sono
per nulla inconciliabili, e vale la pena piegare un po’ di
futurismo industrializzato al servizio dei prelibati groove
afro: in Madhouse è ancora Nazizi ad esibirsi disinvolta
tra sinuosità killer tanto pop quanto dance dall’energia
irresistibile (e qui anche due ragazze terribili come
Janelle Monáe e Ms Dynamite rimarrebbero a bocca
aperta), mentre sotto Msoto Millions sono i riverberi bass
a illuminare la strada ai battiti afro-soul. Spessore deep
e tribal arcana si scoprono fratelli di sangue (Ma Bhoom
Bhoom Bhoom) e nemmeno la house New York skool rimane
esclusa (è Alai K ad avvolgerla al caldo in Everyday
Without You).
Non son mai abbastanza i tentativi di aprire l’occidente
campione di narcisismo e autocelebrazione a ciò che sta
fuori. Se il progetto BLNRB funziona a dovere il Sud del
mondo può dirsi un po’ più vicino. E stavolta non è colpa
dello spread alle stelle.
(6.9/10)
Carlo affatiGato
al CoholiC - GooD newS (ultra vaGue
reCorDinGS, aGoSto 2011)
Genere: Drum’n’Jazz
Ecco uno di quei casi in cui un po’ di sano hype in più non
sarebbe guastato. Esce sulla netlabel Ultra Vague l’album
di debutto di Albert Yaschenko aka Al Coholic, polistrumentista
ucraino che gioca tutto su un’idea semplice
ma di grande impatto: combinare elementi strumentali
classici dall’impronta soundtrack/jazz con le scarrellate
ritmiche della drum’n’bass. Una d’n’b intelligente ben
lontana dalle spacconerie da action-movie di Prodigy
e Pendulum, verso un’ottica più aristocratica e raffinata
che ne ripulisce il retaggio rave pur tenendone in vita
l’attrazione del dinamismo.
La predilezione dell’ottica d’ascolto si sente maggiormente
nel lato “da camera” del disco, reso soffice dai
vari inserti acid-jazz (Freeplay Sax, Days Later), corde di
classica contemporanea (Good News, 2nd Page) e missioni
techno-folk da National Fanfare of Kadebostany
(Prelude, Release Your Mind). Ma c’è anche un volto più
maschio, che pesca petrolio nero dal mare bass-groove
e modella distorsioni thriller/pulp (Heavy Shower, Spy),
simmetrie ambient/IDM (Release Us) e trance-beatz à la
Prodigy Experience (Release Us (Future Session)). Per essere
highlight
aM/Shawn lee - CeleStial eleCtriC (eSl MuSiC, ottoBre 2011)
Genere: funk/soul/psych
Davvero mirabolante la parabola artistica di Shawn Lee. Uno che quando non è impegnato a prestare la
propria musica a serie TV (tra le tante, Lost, Desperate Housewives, CSI:Miami, Ugly Betty), videogiochi o
spot, fa del modernariato psych-beat-groove con la sua Pig Pong Orchestra, si spende in collaborazioni di
ogni genere o magari remixa i Thievery Corporation. Il tutto con quell’indole da figlio dei fiori mancato,
un entomologo in trip da blaxploitation impegnato a catalogare tutti i suoni prodotti dal pop di fine
anni Sessanta e inizio Settanta (Ennio Morricone compreso).
Quello è l’universo di riferimento anche per questo Celestial Electric, con un
AM - tre dischi alle spalle in bilico tra pop, funk e soul - chiamato a scrivere
le parti vocali su una serie di beats preparati dal multi-strumentista americano.
In un dialogo che aggiunge livelli ad ogni scambio, dando origine a
un’opera che dal Lee-pensiero riprende attitudine psichedelica e etnicismi
ritmici assortiti, per poi virare verso una musicalità contaminata da ogni
genere di additivo.
Easy listening (City Boy), funky-beat (Jackie Blue), disco-psych-funk (Promies
Are Never Far From Lies), tropicalismo (Down The Line), certi Radiohead assorbiti
dal groove (Dark Into Light), linee vocali stoned in stile Bobby Gillespie
periodo Screamadelica (Can’t Figure It Out): l’universo musicale di Celestial Electric è di quelli nostalgici
solo in apparenza. Risultato in realtà di un lavoro di rielaborazione che evita l’effetto retrò fine a sè stesso
e rinvigorisce gli input di partenza con una ricchezza strumentale sbalorditiva, una scrittura senza
sbavature e arrangiamenti semplicemente perfetti. Da provare.
(7.3/10)
faBrizio zaMPiGhi
l’album primo di un perfetto sconosciuto è fin troppo
curato e ricco di contenuti: fosse uscito per Planet Mu li
avreste visti gli apprezzamenti...
(7/10)
Carlo affatiGato
alva noto - univrS (raSter noton De,
ottoBre 2011)
Genere: Glitch
Alva Noto fa poker, quarta uscita discografica nel 2011.
Questa volta nessuna collaborazione, l’artista tedesco si
presenta da solo e riprende il discorso interrotto tre anni
fa con Unitxt: si torna a parlare di linguaggio, non più da
un punto di vista meramente processuale (ovvero come
pattern, informazione, unità di misura) ma confrontandosi
con l’idea di universalità e le diverse accezioni che
ne possono derivare.
Neanche a dirlo l’universalità di Noto è ancora una volta
immersa nel mondo alfanumerico e matematico. Il
landscape è concetrato nel data-sound: dati trasferiti,
rimodulati e irradiati che rimangono fonemi sonori del
progetto. Univrs ha però un maggior grado di astrazione,
l’attenzione si sposta dal testo alla composizione e di
conseguenza il lavoro risulta più comunicativo e diretto,
in definitiva più godibile. Lo scarto è sottile eppure reale:
diminuisce l’asimmetria, si alzano i beat, e le tessiture
tra l’estetica click & cuts e i pattern ritmici diventano più
armoniose. E’ un’altra lezioncina impartita dal maestro
(Uni Deform, Uni Syc, Uni Rip).
Rimane solo da decidere come collocare l’accoppiata
Unitxt-Univrs nella sua discografia. Dal punto di vista
concettuale questa saga è probabilmente la meno stilmolate,
arrivando leggermente fuori tempo massimo
rispetto all’amico Ikeda con i suoi Datamatics. Di conseguenza
come direbbe Barthes, c’è lo studium ma non il
punctum, anche se lo stato di grazia di quest’anno resta
abbondantemente confermato.
(7.1/10)
Stefano Gaz
42 43

aMen DuneS - throuGh DonkeY Jaw (SaCreD
BoneS, ottoBre 2011)
Genere: psych-wave
Psichedelia confusa è la bislacca definizione che viene
in mente all’ascolto di Through Donkey Jaw. Per il suo secondo
album, l’americano Damon McMahon aka Amen
Dunes, è passato su Sacred Bones - sempre più marchio
di qualità per la crescente scena off americana - ma ha
mantenuto le fondamenta personali e fragili che contraddistinguevano
l’esordio Dia. Quelle di una materia
musicale umorale e umbratile, scivolosa e inclassificabile,
ma sempre ancorata alla quasi ossessiva attrazione
per le sonorità sixties del suo unico responsabile, virate
di volta in volta verso folk, wave, bedroom-pop e sempre
rigorosamente in modalità lo-fi.
Accanto a Damon McMahon stavolta troviamo l’apporto/supporto
di qualche musicista amico, ma quella di
Through Donkey Jaw è sempre farina del suo sacco. A
fornire lo scarto con l’ancora incerto (ma promettente)
esordio è dunque una maggiore padronanza nel gestire
la materia sonora senza steccati né limitazioni ma
sempre in maniera narcolettica, soffusa, sfocata. Da qui
il confusa dell’incipit che tutto vuol essere tranne che
termine dispregiativo. Anzi, vuol mettere in evidenza
come il blob fuso e lo sfattume montante che si respira
nell’album tiri in ballo un ampio spettro di referenti stilistici
e musicali che, se da un lato fanno apparentemente
perdere in coesione, dall’altra promettono eterogeneità
e varianti non esecrabili.
Le ipnosi suadenti e orientaleggianti di Baba Yaga, il
folk atipico e barrettiano di For All o quello “from outer
world” di Lezzy Head, le minimali nenie psych-pop
(Good Bad Dreams, Lower Mind) speso deturpate come
potrebbero intenderle dei Thee Oh Sees sotto dopamina
(Not A Slave) e giù, fino al calderone delle devianze
di effetti e rumorii vari alla Factums meets Suicide di Jill
dicono di forme caleidoscopiche e personali applicazioni
in divenire, migliorabili per ambire alla perfezione
ma validissime come segnalazione dello state of the art
sotterraneo a stelle e strisce.
(7/10)
Stefano Pifferi
anCher - verDeleGno (Manzanilla,
ottoBre 2011)
Genere: post-rock
Immaginario nordico Sigur Rós, un’indole naturalista
rimarcata dai testi e da un packaging in vero legno, un
mood invernale ed etereo chiamato a far salir brume e
malinconie: per i veronesi Ancher, Verdelegno rappresenta
il possibile aggiornamento del post-rock matrice
del gruppo fin dai tempi delle prime autoproduzioni in
qualcosa di decisamente più personale. Una formula ai
limiti del jazz (il crescendo orchestrale di Ho prugne nella
testa) che flirta con un tropicalismo easy (Ferma Foglia)
e al tempo stesso abbozza qualche citazione cantautorale
(Ninna Nora) su testi in italiano. Il tutto cesellato da
ritorni elettrici (Sai è da quando) e madrigali (E’ arrivato
accordatore), melodia e crescendo vaporosi.
Complessità e immediatezza trovano una curiosa via di
mezzo in questo disco d’esordio, anche se l’impressione
è che all’ascoltatore venga riservato soltanto il ruolo
dell’osservatore passivo chiamato ad apprezzare le trame
raffinatissime e la bravura del gruppo nel crearsi il
proprio spazio estetico. Uno spazio ripiegato su sè stesso
e alla ricerca della pennellata impeccabile, del colpo
di teatro. In altre parole, il disco funziona e per certi versi
stupisce davvero (anche grazie a una strumentazione
ricchissima che comprende banjo, theremin, filicorno,
flauto, archi), pur faticando a creare quel senso di empatia
che invece sarebbe legittimo attendersi. Chiamatelo,
se volete, “difetto”.
(6.9/10)
faBrizio zaMPiGhi
anuSeYe - anuSeYe (interBanG reCorDS,
aGoSto 2011)
Genere: stoner
Pochi ricorderanno, per questioni anagrafiche, uno dei
primi gruppi italiani a trafficare con lo stoner nei 90s.
That’s All Folks! era il nome di quell’esperienza nata,
cresciuta e morta a Bari, immolata al sacro verbo dello
stoner primigenio e nome che portava in nuce già un
senso di malinconico addio. Quello stesso senso di malinconia
virata heavyness chitarristica di cui gli Anuseye
oggi raccolgono il testimone. E non a caso, viene da dire,
dato che a tirare le fila di questo progetto esordiente
sono proprio due colonne portanti di quella band:
Claudio Colaianni, cantante e chitarrista, e Luca Stero
(chitarre). Stabilizzatisi in formazione a quartetto rock
classico (Michele Valla al basso e Antonello Carrante alla
batteria supportano i due axemen), mettono ora in scena
un disco tanto debitore del passato quanto sincero
negli intenti e potente nelle risultanze.
Psych, stoner, krauterie varie, rock’n’roll inacidito, desert-blues
sudista, reiterazione e circolarità. Su queste
coordinate - spesso mischiate in varie gradazioni - si
muovono i quattro in un viaggio sonico che dai Soundgarden
degli esordi passa per gli Screaming Trees più
corposi, indietreggia arrivando allo stoner primordiale
dei Kyuss e dopo dei Queens Of The Stone Age (Head),
per riprendersi in territori acid à la Monster Magnet
highlight
atlaS SounD - Parallax (4aD, noveMBre 2011)
Genere: psych pop
Scriviamolo chiaramente, senza giri di parole: Bradford Cox è un musicista e compositore decisamente
sopra la media della sua generazione. Lo testimonia non solo la creatività fuori dal comune che gli fa
pubblicare una quantità di dischi, sia a nome Deerhunter che in solitaria, che ci si domanda se trovi il
tempo per fare anche altro nella vita. Ma quello che già vedevamo in nuce in Halcyon Digest, con la
nuova prova a nome Atlas Sound è diventato evidente: a differenza di molti act che col passare del
tempo perdono in smalto, i progetti di Cox si affinano e raffinano.
La nuggets-delia è la vena principale di un album dove ritroviamo tanto il il folk più pischedelico (Modern
Aquatics Nightsongs) quanto certa rumorosità che lo ha sempre accompagnato, in più la wave sia
primi sia ultimi 80 (The Shakes, Praying Man: roba da Bono Vox battuto sul suo terreno), il tutto esploso
in un’accessibilità pop che sa di sintesi personale ma anche generazionale.
La liquida e dreamy Te Amo è il compimento di He Would Have Laughed che
chiudeva Halcyon Dygest: un’apertura verso atmosfere cosmiche, ribatite
dalla titletrack, con le tastiere circolari a sostenere un ritornello trasognato
spalmato su effettini da sci-fi. Con Mona Lisa (con il piano suonato da Andrew
VanWyngarden degli MGMT, affini esploratori dell’universo psych)
Cox ribadisce una passione per i R.E.M. che ha sempre fatto capolino qui
e là, e Terra Incognita vede l’allampanato musicista confrontarsi con un l’intimità
di un bozzetto folk-astrale con una strumentazione ridotta all’osso.
Si tratta di una dimensione impensabile solo qualche anno fa, la riprova di una maggiore sicurezza nei
propri mezzi ma anche la volontà di stilare una propria sintesi che sublima nella copertina curata da
Mick Rock, il mitico fotografo di Raw Power, The Madcap Laughs e Transformer.
Impressiona, come sempre, la cura timbrica per ogni singolo suono sia per i brani registrati in albergo
(Terra Incognita e Flagstaff che fa riemergere la vena romantica e androgina di Cox), sia per quelli registrati
al Rare Book Room Studios di Brooklyn assieme al produttore Nicolas Vernhes (già collaboratore
ai tempi di Microcastle).
Il progetto Atlas Sound appare sempre più come un’universo in espansione, nel quale Cox può liberamente
attraversare il folk, il rock, il pop e tutto quello che esiste e declinarlo in una sua personale
interpretazione.
(7.7/10)
MarCo BoSColo
(The Girl At The Corner Of My Heart) o mutanti alla Tool
e raggiungere lidi contemporanei di chi sta tra il misticismo
degli Om e quello più abrasivo di casa Tee Pee
di Naam e Quest For Fire (All Is In Your Eyes). Questa
musica però è tanto mentale quanto fisica, perciò non si
disdegnano nemmeno puntate verso lidi meno espansi,
come quando si spinge sull’acceleratore garage (la monolitica
The Betryal) o del corposo rock’n’roll abbrutito
(Voodoo Lesson #1)
Due ulteriori punti a favore sono la vocalità di Colaianni,
risentita quanto si vuole ma perfettamente adatta
ad ogni passaggio col suo mix di emotività bruciante,
e l’artwork “straniantemente pop” di Massimo Gurnari
che impreziosisce il vinile limited. Nel suo genere, probabilmente
la migliore cosa uscita in Italia quest’anno.
(7/10)
Stefano Pifferi
BalMorhea - live at Sint-eliSaBethkerk
(BalMorhea, ottoBre 2011)
Genere: classica
Registrato a Gent, in Belgio, nel novembre 2010, Live
at Sint-Elisabethkerk è il primo disco dal vivo dei Balmorhea
e non è il classico live album che ci si potrebbe
aspettare.
Complice il luogo sacro, la perfetta acustica e la rigida
44 45

highlight
BnJMn - BlaCk Square (ruSh hour, ottoBre 2011)
Genere: ambient-house
L’apparizione di Ben Thomas sotto il moniker BNJMN era avvenuta in grande stile all’inizio di quest’anno
con Plastic World, notevole panoramica house ad ampio raggio che coniugava coscienza della tradizione
‘90s e buona autorevolezza rielaborativa: le tracce lì contenute erano state realizzate nel corso degli
ultimi anni e spaziavano tra microhouse, idm, tastierismi e ponti ambient con un’agilità e uno spessore
tali da farlo sembrare il più naturale degli eredi dell’Actress di Hazyville.
Ora però Black Square è già il secondo full-lenght in meno di un anno, con
i nuovi inediti a dipingere l’immagine definitiva del producer britannico e
tracciare una linea evolutiva di rilevanza superiore. E la faccenda inizia ad
essere estremamente seria.
Delle varie ipotesi aperte nel disco precedente BNJMN fa sbocciare quella
più cerebrale e psicotropa, trovando la migliore delle sintesi tra il Nathan
Fake più contemplativo e l’Arandel più minimale: l’olimpo della ambient
music moderna che studia l’arte del loop alla ricerca dell’effetto ipnotico
più suggestivo (vedi Wisdom Of Uncertainty che rielabora irreprensibile le
recenti ricerche di The Field). L’album è attentissimo a mantenere saldi gli equilibri tra vuoto e materia,
stendendo ad esempio tessuti cosmici sui tappeti micro-glitch di Primal Pathways (Four Tet meets Massimiliano
Pagliara) o rimediando alle parentesi naturalistiche più soft ambient (Black Square e l’armonia
Global Communication) con un maggior vigore house (Open The Floodgates è praticamente deep).
Il beat soffuso sta diventando sempre più il partner ideale della nuova ambient, così tagliato per donare
sensualità ad atmosfere che altrimenti rimarrebbero troppo legate alla discendenza idm (ecco allora
Lava, che i nineties li conosce bene ma vuol lasciarseli alle spalle). È il terreno ideale su cui possono giocare
i più ambiziosi ricercatori del suono: si lavora sul dettaglio con precisione scientifica, per catturare
l’ascoltatore nelle suggestioni astratte ed avvolgerlo nel calore indotto, un movimento impercettibile e
si rasenta la perfezione. Qualcosa a cui hanno ambito in tanti, da Murcof a Deepchord fino all’ultimo dei
John Roberts, per poi scoprire che il manifesto estetico lo scrive un ventenne appartato un centinaio
di chilometri fuori Londra. Troppa, troppa grazia.
(7.4/10)
Carlo affatiGato
temperatura, la band unisce rigore e grande intensità
in una scaletta che può contare sull’epicità di Settler e
Night Squall, nella tambureggiante Clamor o in un pezzo
tirato come Untiteled. Non poteva esserci miglior biglietto
da visita per loro.
(7/10)
franCeSCo aSti
BarBaGallo - live at Yoko ono
(autoProDotto, SetteMBre 2011)
Genere: folk blues
Eravamo rimasti alla proiezione prismatica di Carlo Barbagallo
in quel Quarter Century che ne concretizzava
l’indole multiforme, robotica e arcaica, avanguardistica
e basale, spettrale e patafisica. Una cifra espressiva in
espansione che ribadiva l’estro già imprevedibile suggerito
dalle pregresse esperienze (con Albanopower e
Suzanne’s Silver tra le altre cose) del musicista siracusano.
Ed ecco questo Live At Yoko Ono che sembrerebbe
proprio un altrettanto imprevedibile rinculo verso forme
più roots, salvo che trattasi semmai di un prequel dal
momento che l’incisione risale al marzo 2010. Potremmo
interpretarla così: il folk-blues radicale di queste tredici
tracce è il motore che macina al centro del marchingegno,
il cuore sommerso di una calligrafia ramificata ed
espansa. Il grado zero barbagalliano, se preferite.
Immortalato su un palco da solo in semiacustica simbiosi
con la chitarra, eccolo prestarsi brusco e percussivo sulle
corde, la voce una scorza che esala lirismo irrequieto e
pensosità viscerale (Dust, No Place), non troppo distante
dal primo Mark Lanegan o dal rimpianto Layne Staley.
La capacità di distillare tremori contemporanei da materiali
e strutture così pervicacemente “tradizionali” - ovviamente
in chiave angloamericana - è l’aspetto più convincente
della proposta, come è evidente in quella Wait
che non fatichi ad immaginare in stridenti abiti indie, così
come nel languore insidioso di Spectacle e nell’ombroso
smarrimento piuttosto Howe Gelb di Nothing.
Probabilmente i momenti più eterei - come la intensa
Little Island - meriterebbero un tocco più leggero, una
più nitida definizione di dettagli e sfumature, ma a
Barbagallo sembra interessare più che altro il ribollire
delle inquietudini sotto la febbre ruvida, dietro questa
maschera sonora tra le molte che usa indossare. Forse,
sospettiamo, una di quelle che gli somiglia di più.
(6.8/10)
Stefano Solventi
Bill orCutt - how the thinGS SinGS
(eDitionS MeGo, ottoBre 2011)
Genere: alt-finGerpickinG
Può capitare a tutti. Mettere sul piatto un disco con in
copertina nove plettri colorati su cui campeggia il nome
“Stevie Ray Vaughan”, dare l’avvio alla riproduzione e restare
sconcertati e ammettere che il nostro cervello ci sta
facendo pensare a Bill Orcutt. E scoprire che davvero ciò
che stiamo ascoltando è produzione dell’ex-chitarrista
dei Harry Pussy.
How The Things Sings è evoluzione ancora più estrema,
se possibile, di A New Way To Pay Old Debts, maggiormente
densa di varianti e variabili, fermo restando il protagonismo
struggente della seicorde bistrattata e delle
distonalità alla Jandek. Orcutt eccelle nel witz o nel dilatare
le rasoiate e il fingerpicking molesto in avventure meditative
(accennate in The Visible Bosom, prevalenti nella
title-track e paradigmatiche in A Line From Ol’ Man River).
In tutta la mezzora di How The Things Sings Bill ha il controllo
completo della narrazione, è onnisciente anche
quando si cala in uno dei suoi personaggi muti e divelti
dalle stoccate di chitarra, persino mentre segue con le
corde vocali strozzate in gola il pensiero crudele della
chitarra. Siamo a volte portati a pensarlo in scia a quel
John Fahey che tanto ha innovato ma che tanto ha fatto
nascere restauratori. Tanta aggressività verso lo strumnto,
tanta incompatibilità con quelli che siamo abituati a
pensare come temi e pratiche del genere, non fanno che
aumentare lo stupore nello scoprire che questa è forse
la vera dedizione, la vera intimità, fatta di amore e odio,
nei confronti della chitarra. Ed è commuovente.
(7.2/10)
GaSPare Caliri
BJörk - BioPhilia (one little inDian,
ottoBre 2011)
Genere: avant pop
Si rischia di scordare la musica, le canzoni nel caravanserraglio
mediatico allestito dall’islandese per questo
nuovo lavoro. Un album? Macché. Il progetto è molto
più ampio, muove dalle meditazioni filosofico-scientifiche
attraversando come neutrini superluminali la teoria
musicale, per andare poi bellamente a sbattere - pervadendole
- su metafore socio-esistenziali. Parabola umana
troppo umana che spazia dal cosmico al microbiologico
passando dal geologico: una poetica insomma
parecchio strutturata che offre pretesto per dare corpo
ad una app che farà la gioia di tutti i tablet-dipendenti,
ulteriormente solleticati dal fatto che molte delle registrazioni
sono state realizzate con un iPad. Considerata
poi l’apoteosi feticistica - destinata per molti a rimanere
puro desiderio - della deluxe edition da oltre 500 euro,
non si può dire che sia un’uscita di quelle che passano
inosservate.
Viene da chiedersi: si tratta di rumore accessorio frutto
della ben nota fregola arty di Björk o dobbiamo accettare
la possibilità (la necessità) che un’uscita discografica
sia ormai un evento multidisciplinare, di cui la musica è
un aspetto portante ma non più centrale? Sia come sia,
in mezzo a tanto hype rischiamo, appunto, di scordare
le canzoni. Le quali da par loro compensano il deficit di
centralità con una rediviva efficacia rispetto agli ultimi
due opus, vuoi anche per la scelta di soluzioni d’arrangiamento
essenziali ma in compenso (ovviamente) studiatissime,
un po’ come accadeva ai tempi dell’eccellente
Vespertine, tenuto conto delle diverse premesse estetiche.
Parliamo comunque di un disco bjorkiano dalla
prima all’ultima nota (e tra le note), mosso cioè dalla
brama di mettere in discussione il “corpo” del suono
proprio come il corpo - recipiente e simbolo di tutto ciò
che concerne l’umano - viene sottoposto alla pressione
mutante dei nuovi contesti, senza mai perdere di vista
il lavorio delle forze ataviche, la potenza invisibile delle
leggi di natura.
Un agone - mi sia consentito dire - kubrickiano che trova
puntuale riflesso nella bella Cosmogony, nella quale
un afflato melodico da musical anni Cinquanta decolla
nello spazio profondo intanto che il coro inuit ci apparecchia
un bordone angelicamente angoscioso, al punto
da farti ripensare alle sequenze del monolite (il tablet
primigenio?) in 2001 - Odissea nello spazio. Ecco, questo
è quello che più ci piace di Björk, l’utilizzo di materiale
pop con finalità espressive “alte”, di ricerca anche
spirituale, tenendo salda la barra della spettacolarità.
In questo senso, Virus fila dritta nel miglior canzoniere
46 47

dell’islandesina, con le sue evoluzioni vocali accorate e
l’ipnotico incrocio d’arpeggi orientaleggianti. Assieme
a lei Crystalline, dramma algido ed esotismi stranianti
(da sottolineare l’uso del “gameleste”, una diavoleria a
metà strada tra gamelan e celeste) cotti su una graticola
sincopata destinati ad incendiarsi drum and bass nel
caotico finale.
Buone notizie anche da Moon col suo loop onirico e
da quella Thunderbolt che accende le bobine di Tesla
facendo ripensare a certe soffici inquietudini del primo
Peter Gabriel. Altrove gli intenti sembrano sovrastare
le possibilità, ad esempio in una Dark Matter che s’accartoccia
ostica un attimo prima di sembrare affascinante,
in una Hollow che s’accontenta di sembrare Saint-Saëns
dentro un incubo androide scordandosi di azzeccare la
melodia, e in quella Mutual Core che tenta di saldare
due buone idee - le strofe suadenti ed un ritornello che
sussulta latinerie sintetiche - ma abbastanza estranee
tra di loro.
Da tutto ciò esco con la sensazione che l’ex-Sugarcubes
abbia accettato di buon grado il fatto di non poter più
competere sul fronte dell’avanguardia musicale. Magari
neanche le interessava più, dopo tanto avanguardizzare,
e ha preferito allargare il raggio d’azione nel solco delle
possibilità e modalità offerte dai nuovi media, obbedendo
così al bisogno impellente di portare lo sguardo
sempre un passo oltre i margini rassicuranti del consolidato.
A costo di sembrare un po’ sola in questa corsa
verso l’inedito prossimo venturo.
(6.9/10)
Stefano Solventi
Brett anDerSon - BlaCk rainBowS (B a
SonGS, ottoBre 2011)
Genere: rock pop
Proprio quando la band originale, quegli Suede che
hanno consegnato alla storia la sua figura, stanno per
tornare in studio per un nuovo disco (comunque senza
Bernard Butler), Brett Anderson se ne esce con la sua
quarta prova solista. Ce n’era bisogno? Dopo i fallimenti
delle prime prove (Brett Anderson del 2007, Wilderness
del 2008, e la parziale riuscita di Slow Attack del 2009),
oltre alla non riuscitissima prova di Here Come The Tears
del 2005 (allora non in solitaria, ma con lo stesso Butler)
forse la risposta potrebbe essere un bel no. Eppure...
Eppure qualcosa deve aver spinto Brett Anderson a
continuare a spingere e investire sulla propria carriera.
E questo Black Rainbows non è nemmeno così terribile
come le premesse potevano far credere: sarà l’indolenza
romantica di Unsung, saranno gli echi tanto 90s di Crash
About to Happen, sarà che per la prima volta tornano in
evidenza le chitarre, ma l’ascolto non è così fastidioso
come ci era capitato di sentire in altre occasioni soliste.
Fatto sta che nonostante non ci si aspettasse niente di
nuovo dall’opera quarta di Anderson, e nonostante la
vera attesa sarà tutta per la band ritornata in carreggiata,
questo Black Rainbows raggiunge la decenza. Non
raccoglierà i consensi nemmeno dei nostalgici, però
almeno c’è ostinazione
(5.5/10)
MarCo BoSColo
Broken heart ColleCtor - Broken heart
ColleCtor (DiSCorPorate reCorDS,
SetteMBre 2011)
Genere: avant-rock
C’è tutto lo spirito mitteleuropeo dentro i Broken Heart
Collector. D’altronde che poteva venire fuori dall’incontro
di una band austriaca con una cantante slovena? C’è
il sapore e l’eleganza di un Europa di inizio ‘900 che si
trasfondono in atmosfere marcatamente espressioniste.
Non è mero revival di un’epoca passata ma incontro tra
tendenze artistiche di un’epoca (che ormai ci pare quasi
più antica che passata) e contemporaneità.
Nei Broken Heart Collector convivono infatti sonorità
post-rock (quello degli Slint) e asperità sperimentali con
una tragicità di matrice quasi gotica, di un gotico mai
goth però. Rappresentazione massima di questa tendenza
è Eckig dove il clarinetto di Susanna Gartmayer e
la voce di Maja Osojnik intonano un canto disperato che
il resto della band ingloba in un vortice che manda in
pezzi tutta l’aria intorno. Ma si potrebbero anche citare
il gioco di silenzi Love Reclamation Song o la più jazzata
Another heart bites the dust.
Il primo disco dei Broken Heart Collector convince e ci
regala momenti di grande eleganza. C’è da trovare maggior
concentrazione e da affinare alcune tattiche, ma è
un debutto che non rimane certo inosservato.
(7/10)
franCeSCo aSti
Cave - neverenDleSS (DraG CitY, SetteMBre
2011)
Genere: psych-kraut
Sta tutto nel titolo il senso del comeback del duo americano.
Che, a ben vedere, fa il paio con quello che contraddistingueva
l’esordio vero e proprio un paio di anni
addietro - Psychic Psummer, per Important - in nome di
una voglia matta di psichedelia retrò. Nulla di nuovo
sotto il sole, vedi alla voce Wooden Shjips et similia:
una grassa psych reiterata e follemente innamorata di
devianze heavy-rock quanto di elementari risvolti kraut
alla Neu!. Certo che catalogarli come emuli della nuova
ondata psych-kraut d’oltreoceano sarebbe limitativo e
pure un po’ irrispettoso per gente che, comunque sia,
sta in giro da qualche annetto. Però è innegabile che
lunghe jam come OJ o WUJ si nutrano di reiterazioni
ossessive e vintage, motorik di chiara matrice deutsch
a tutto basso/batteria, slanci di psichedelia fluttuante
alla Spacemen 3 sempre innervato da una vena sixties
che scorre sottotraccia (l’organo ad libitum che guida i
14 lunghi e devastanti minuti di This Is The Best) e da una
capacità strumentale da panzer-attack (Adam Roberts).
Tutto rigorosamente strumentale senza che l’assenza
della voce risulti penalizzante.
Disco godibilissimo, ma anche piuttosto statico tanto
che paradossalmente l’episodio migliore risulta essere
la pacificata e riflessiva On The Rise. Non che la staticità
sia un difetto soprattutto in questo ambito, ma si può e
si deve fare uno sforzo ulteriore.
(6.5/10)
Stefano Pifferi
Civil CiviC - ruleS (autoProDotto,
noveMBre 2011)
Genere: electro-rock
I Civil Civic sono Aaron Cupples e Ben Green. Chitarra
il primo, basso il secondo (più noises per entrambi), i
due vengono dall’Australia ma si dividono tra Londra e
Barcellona e ora, dopo un ep di esordio in cui rodavano
la loro energica formula al guado tra wave muscolare,
attitudine noise ed dance bislacca, arrivano all’esordio
con Rules.
Sulle dieci tracce strumentali del full-length aleggia
sempre lo spettro battlesiano - le fratture ritmiche, la
nuova elettronica al servizio del math-rock corposo e
vario - così come il mix iconoclasta di electro virata rock
in dancehall style che fu dei troppo presto dimenticati
Death From Above 1979, e ci meraviglieremmo del
contrario, vista l’influenza che i primi hanno avuto sul
connubio electro-rock contemporaneo e la sottovalutazione
che ha colpito i secondi.
Con la loro fedele drum-machine The Box e qualche ammennicolo
elettronico (synth e tastiere), il duo innerva
le bordate di chitarra e basso muovendosi con nonchalance
tra accenti nu-gaze ritmati (Airspray) e anthemiche
aperture wave-disco (Run Overdrive), senza farsi mancare
graffianti e incompromissorie esplosioni noise (Street
Trap, Less Unless) o incursioni in territori wavey (Lights
On A Leash parte come i Cure d’antan strumentali pompati
oltre misura di steroidi).
Le bizzarre aperture spacey-coatte in crescendo di Sky
Delay o quelle noise-pop di Slack Year (lo shoegaze al
tempo delle macchine?) così come le pestone reminiscenze
Battles di Less Unless - più di un occhio strizzato
al dancehall alternativo - dicono di una band con le
idee chiare nell’unire istanze apparentemente diverse
- prog, electro, indie, dance, pop, math, ecc. - con piglio
irriverente e sardonico. Si definiscono “instrumental
no-nonsense no-wave pop” e per quel che può valere,
l’autodefinizione ha pienamente senso. Certo è che il
senso di deja-vu è piuttosto evidente.
(6.4/10)
Stefano Pifferi
Clizia - koMBinat (SYnC, ottoBre 2011)
Genere: ambient
In cinque tracce, per 300 copie in un EP 10 pollici, consiste
la materia dell’esordio di Andrea De Witt sotto il
moniker Clizia. L’ex-Spin Boltak entra nella nuova decade
proponendo come già accaduto una riflessione
sull’ambient applicata alla ripetizione, sia come momento
esecutivo sia come output musicale.
La quasi assenza di ritmo dà vita a una ciclicità quasi
paranoica, anche se dilatata e quindi non esplicitamente
inquietante. I fine Novanta delle microwave e dilatazioni
ambientali sono vicini, forse più delle parabole
elettroacustiche di sottobosco che negli ultimi anni ha
prodotto risultati di eccellenza in Italia. De Witt sposa in
particolare sonorità riconoscibili (quella del pianoforte
soprattutto, lontano come se fosse vittima di un field
recording di vicinato, messo in loop mentre esegue un
tema spezzato in Distance).
La qualità è nella restituzione di un ambiente più che
nel calibro dei timbri. Kombinat, del resto, allude alle
massicce strutture produttive che furono aldilà del Muro
di Berlino. Un tempo che fu, annebbiato alla meglio.
(6.6/10)
GaSPare Caliri
ColDPlaY - MYlo xYloto (ParloPhone,
ottoBre 2011)
Genere: pop
Ad un corso di music marketing i Coldplay sbancherebbero
con un trenta e lode assicurato: annuncio di
scioglimento immediatamente prima dell’uscita del disco,
dichiarazioni di voler salire sul podio dello stardom
internazionale e di ‘fare a gara’ con Bieber, anticipazioni
di singoli con personaggi ubermainstream (Princess Of
China con Rihanna), un vago sapore ‘undergound’ (il
disco si dice sia stato ispirato dai graffiti newyorchesi
degli anni Settanta e dalla resistenza antinazista del movimento
della Rosa Bianca), tutte mosse di una perfetta
strategia di vendita 2.0.
48 49

Se si esula dal mercato (possiamo farne a meno?), il
giudizio sul nuovo lavoro non può che evidenziare una
stagnante maturità compositiva che non si discosta dalle
note e abusate coordinate di riferimento del combo
britannico: le chitarre in eco The Edge (Major Minus),
il percussivismo indie degli Arcade Fire mescolato a
una certa nostalgia wave (Hurts Live Heaven fa il verso
al capolavoro dei Cure), i lunghissimi vocalizzi marchiodi-fabbrica
di Chris Martin e per finire la comodissima
co-produzione di Brian Eno.
Il disco ha pure degli apici (l’inno da stadio Paradise, la
progressività di Charlie Brown), c’è pure qualche tocco
di elettronica (M.M.I.X.) mescolato alle inevitabili ballad
(Us Against The World e la radioheadiana Up In Flames).
Il tutto è permeato da un sentimento di positività schematico
ma funzionale: la costruzione della canzone-tipo
parte in sordina, con pochi strumenti e poi esplode grazie
all’aggiunta di orchestrazione, effetti e armonie prevedibili
e in ultima analisi consolatorie. Su questo semplice
algoritmo reiterato allo sfinimento, Mylo Xyloto
non aggiunge nulla a quanto già sapevamo del suono
Coldplay e risulta essere il pretesto per l’ennesimo tour
di sold out. Prescindibile.
(5.5/10)
MarCo BraGGion
CuBenx - on Your own aGain (infiné,
noveMBre 2011)
Genere: tech-GazinG
César Urbina, in arte Cubenx, sembra il nuovo erede delle
poetiche di Agoria, Apparat (con cui ha lavorato nel
recente The Devil’s Walk) e Telefon Tel Aviv. Il giovane
messicano esce infatti per la francese InFiné, etichetta
sensibile sia ai sudamericani (vedi la ristampa Murcofiana
de La Sangre Iluminada), sia al suono post-minimal.
Il vero e proprio debutto di César (che segue la prima
uscita del 2008 The Cold Swells - una raccolta di singoli
e di EP techno) deve molto alle elettroniche intimiste e
minimal dei tre artisti sopra citati (Lovebirds su tutte) e
aggiunge tra le sue fonti sbadilate di shoegazing chitarristico
Novanta e altre coordinate apparentemente lontane:
Grass sembra una delle migliori litanie dei Grant
Lee Buffalo degli esordi, Noir ci va di organic-electro à
la Amon Tobin mescolata a influenze prog kraut, Wait
And See torna per qualche minuto ai click e ai laser deep
e Sun Dried starebbe bene in uno dei prossimi singoli di
Washed Out.
Il passaggio dalla techno al (quasi totale) songwriting
cantato e suonato non è così indolore, ma Cubenx sa
come amministrare bene le sue idee, costruendo un lavoro
eterogeneo e al contempo coeso, personale e con
uno stile maturo, senza sbavature. Da tener d’occhio.
(7/10)
MarCo BraGGion
CYMBalS eat GuitarS - lenSeS alien
(MeMPhiS inDuStrieS, SetteMBre 2011)
Genere: art rock
Ci eravamo convinti che la definizione di un alternativo
radiofonico dei Novanta, la possibilità di un mainstream
strutturato e sghembo, indocile e visionario, struggente
e minaccioso, avesse raggiunto il massimo risultato ottenibile,
travolto poi dal gran bazaar del revivalismo coercitivo
anni Zero. E invece no. Qualcosa di potentemente
irrisolto è rimasto sospeso a metà del tuffo. Un filo
sfilacciato ma ancora scoppiettante a cui si aggrappano
tra gli altri i newyorkesi - di Staten Island - Cymbals Eat
Guitars, quartetto che si è guadagnato le attenzioni
dell’ambiente con l’esordio autoprodotto Why There
Are Mountains del 2009. Di cui il fresco Lenses Alien
è il degno sophomore, prova decisamente più matura
e destinata ad accrescere le quotazioni della giovane
band.
Dieci tracce concepite per le playlist radiofoniche di un
mondo migliore, disposto ad accogliere la complessità
tra le caratteristiche del catchy, a farsi strattonare in
luoghi emotivi diversi e inconsueti quando già si era
accoccolato nella confortevolezza consueta d’una ballad,
a farsi pizzicare da irrequietezze corrosive quando
già cavalcava la baldanza liberatoria di un riff hardcore.
Gli 8 minuti e mezzo della opener Rifle Eyesight (Proper
Name) sono una specie di imprinting estetico e poetico
assieme: mini suite che consuma cambi di scena e
spersa visionarietà tra dinoccolata irruenza lo-fi e guizzi
nevrastenici Jane’s Addiction, noise onirico e wave-folk
radente Wall Of Voodoo, complicazioni arty ed incandescenze
Guided By Voices.
Su questo solco la scaletta dipana vampe e tremori, tensioni
e rilasci, ora prevale un piglio melodico tagliente
Built To Spill (Keep Me Waiting) e poi il trasporto sperso
Red House Painters (Wavelenghts), altrove la calligrafia
Kozelek si stempera col piglio focoso J Mascis, oppure
è un arpeggio claudicante e vorticoso Pavement
ad ubriacarsi di fregola hardcore e catalessi post-folk
(Secret Family). Frequenze che oscillano attorno ad una
portante forte, accesa di passione febbrile come i primi
indimenticabili Neutral Milk Hotel, capace di sciorinare
influenze diverse e sparse, tipo l’enfasi radente Waterboys
tra le brume dreamy di The Current o certo didascalismo
arguto Tears For Fears nelle strofe di Shore
Points.
Va tutto bene anzi benissimo finché i quattro - ben
highlight
Bonnie “PrinCe” BillY - wolfroY GoeS to town (DoMino, ottoBre 2011)
Genere: country folk
Stavo giusto scivolando nella patina del primo ascolto di questo Wolfroy Goes To Town, il quattordicesimo
- se non ho fatto male i conti - firmato Bonnie “Prince” Billy, quando mi viene la sensazione che
stavolta il buon Will ha mancato il bersaglio. Ma col barbuto di Louisville
non è mai semplice come sembra. Nel bene e nel male. Infatti, come succedeva
coi dischi d’una volta, già al secondo passaggio i trapassi armonici,
le vibrazioni dell’arrangiamento e il fascino agrodolce delle melodie hanno
preso a circolare come un carezzevole veleno. A deludermi di primo acchito
era stato quel senso di conformita’ ai canoni storici del folk-rock, per nulla
assolto - anzi - da qualche passaggio più meditato e scostante. In realta’ ho
confuso il fine col mezzo, come spesso succede.
Difatti si tratta pur sempre della tipica riarticolazione delle particelle elementari
folk, che nell’Oldham degli esordi esprimeva un senso di dispersione,
di perdita di fede nel mezzo e nei riferimenti. Un folk attonito, sconcertato, che pure trovava la
forza di camminare sulle proprie gambe, di ricominciare a cantare la quotidiamita’ dimenticata. Già nei
dischi post- Palace la sua musica godeva di una autorevolezza rinnovata, intensità e struggimento
antigraziosi, ancora scossi di brume fin de siecle ma in grado come pochi di dar voce ai turbamenti
dell’anima. Quel percorso, passato dai capolavori che sappiamo, trova continuità in quest’ultimo lavoro,
dove i minimi termini dell’orchestrazione (acustiche con parche e mirate puntellature elettriche) rappresentano
un segnale di alterità, la necessaria distanza dalla caciara delle new releases per stabilire un
punto di osservazione/narrazione in grado di esprimere con ritrovata intensità situazioni di ordinaria
irrequietezza esistenziale.
Country-folk e folk-rock che sanno di essere stati relegati da tempo nelle retrovie di chi racconta il
presente, eppure hanno la serica tenacia di proporsi come la calligrafia più opportuna per affrescare le
dinamiche emotive al tempo della Grande Crisi. L’accorata mestizia di Black Captain, il Gram Parsons
ruspante di Quail And Dumplings, il Cash grave e languidone di New Match, una New Tibet che si disimpegna
cruda con lirismo sospeso Jason Molina, quella We Are Unhappy che ciondola sulla linea della
commozione Low...
Ok, non tutto convince fino in fondo, ma nulla delude o stona, ed ogni eccesso di pensosita’ e’ assolto
da ambientazioni particolari (l’estro weird di New Walhing, le suggestioni british di Cow) o da un senso
di solenne, pietosa, implacabile tensione (There will be a spring). Sono le manovre di assestamento di
un album straordinariamente intenso sotto la quiete apparente, ben interpretato (ottimo il controcanto
della brava Angel Olson) e ispirato come in tutta franchezza non ci aspettavamo piu’ da quella ucronia
vivente altrimenti conosciuta come Will Oldham.
(7.4/10)
Stefano Solventi
prodotti da quel volpone di John Agnello - tengono
stretta la belva multicefala per la collottola, tanto che
credi persino d’esserti finalmente imbattuto nell’inizio
di qualcosa di nuovo e fruttuoso dopo anni passati ad
osservare l’inaridirsi delle prospettive. Piano però con gli
entusiasmi: in pezzi quali Plainclothes, Gary Condit o Definite
Darkness il carosello si fa un po’ troppo schematico,
il gioco non regge la tensione e scorgi le impalcature
dietro le quinte. C’è insomma come un deficit di sostanza
che non giustifica la partita fino in fondo. Dubbi che
si aggirano come nuvolette sull’altezza delle aspettative:
non vorrei che finissero per diventare “solo” i cuginetti
estrosi e un po’ scellerati dei Coldplay.
(6.8/10)
Stefano Solventi
50 51

highlight
Dani Male - MitoMania (MuSiCa SBaGliata, noveMBre 2011)
Genere: musicasbaGliata
La sua robaccia solista non è ascoltabile, siamo all’autismo di Daniel Johnston in versione manicomio criminale.
La cosa peggiore è che c’è pure chi lo fa suonare in pubblico (utente sul forum di Ondarock) (da
facebook.com/danjihgfedcba).
Non c’è migliore presentazione di questa per Dani Male, the one man bed,
l’uomomaterasso, cantante/musicista impegnato nell’Asociale, 26 anni da
Modena. Il ritratto indiziario si completa alla grande con altre tracce sparse
per il web: le acide prese per il culo dell’indie italiano (Luci della centrale
elettrica e Manuel Agnelli), le versioni residentsiane di Scende la pioggia di
Morandi e del Christmas Carol dei Chipmunks, lo stupro ai danni dei Beatles
e le rendition al contrario rispettosissime dei Velvet Underground (Heroin
e Sister Ray). Dani lo avevamo già incrociato su SA, per un tributo ai Joy
Division prima e poi per il primo album, Trauma Turgido (2010). Mitomania,
fino all’ultimo programmato su Snowdonia (dove pure è in cantiere il
concept dei Maisie su mitomani e rockstar), inaugura l’etichetta personale Musica Sbagliata e riprende,
con maggiore equilibrio (ovviamente sempre storto), il discorso dell’esordio.
Quella di Dani è una musica che si prende amaramente per il culo, tra raccherroll (coordinate bluesy
e folkie), demenza skiantosiana e lirismo surreal-depresso: ecco, Mitomania è un disco depresso che
si sforza di (far) sorridere, un disco dal candore quasi adolescenziale. Un po’ Bugo, un po’ Alessandro
Fiori, un po’ Morgan (proprio per la pasta timbrica della voce), Dani sorprende con un album dalle trame
musicali molto morbide (sfiorando più volte la delicatezza, come in La canzone di Tenco), stilizzate,
quasi-classiche (nel senso del classic rock e del pop italiano con la P maiuscola degli anni Settanta),
giocando con la banalità delle rime e delle parole, rinchiuso - al di là delle invettive socio-musicali - in un
ambiente domestico che sembra l’unico orizzonte d’azione possibile, orizzonte opprimente, dimensione
ad un tempo iperrealistica e onirica.
Non c’è un pezzo da buttare, dagli Skiantos/Wolfango dell’incipitaria title track, fino al mantra trip-hop
di Amnios, ma a noi sono piaciute particolarmente le agrodolci Congelatore, Malevita (qualcosa come dei
Doors in salsa lounge/country-western, altezza Love Streets) e Novità. Per chi ama il disagio e la poesia
semplice e imperfetta, da mettere accanto - ovviamente, con tutte le differenze del caso - alle meglio
cose indie italiane (Dani non t’incazzare!) degli ultimi anni, tra Snowdonia, Trovarobato e dintorni.
(7.5/10)
GaBriele Marino
DaDaMatto - aneMa e Core (faCe like a froG,
noveMBre 2011)
Genere: inDie rock
A colpire subito, inserendo il dischetto nel lettore, è
l’enorme flusso di coscienza che domina le nove tracce
di questa musica libera e sghemba. Parole scritte da chi
è già abbondantemente disilluso ancor prima di vedersi
ingrigire la chioma. Ma anche no. Prodotto da Manuele
“Max Stirner” Fusaroli (Red Worms’ Farm, Zen Circus e
Brian Ritchie, tra gli altri), Anema e Core è una miccia
di appena trentatre minuti, che tuttavia sorprende per
la vena ironica nient’affatto scontata; un lavoro in cui la
dimensione cantautorale si fonde con arrangiamenti di
rilievo, e che trova nei testi il suo massimo punto di forza.
Il trio di Senigallia, ormai giunto alla terza prova, ha in un
certo senso tradito il punk-rock degli esordi in favore di
un sound meno spigoloso e che ricorda, qua e là, i primi
Baustelle e il menestrello lo-fi Bugo, senza però cadere
nella fin troppo banale trappola della emulazione. Ed è
così che ci si scopre ad annuire con la testa mentre Abbiam
finito per perdere (“siam morti da troppi anni ormai,
ma lo sappiamo solo noi/e noi venuti dopo i settanta
siamo nati già morti e già sepolti ”) conduce, irrimediabilmente,
ai bocconi amari di tutti i giorni.
Tra dilemmi post adolescenziali (la title track posta in
apertura) e citazionismo fine (“sappiate che a volte la
rassegnazione all’eroismo non ha nulla da invidiare”,
Sergio Citti, da Stanca Puttana), la “rabbia giovane” dei
Dadamatto si fa grande ne Il cantico delle creature e si
stempera nella folle arrendevolezza di Semaforo rosso;
si burla dei tempi moderni (“Mi c’hai mandato pure tu,
con un sms”, da Canzone in 3D) e persino d’un famoso
ponte della discordia (“Tra il bene e il male c’è di mezzo il
mare/Tra il dire e il fare, la voglia di nuotare/Oh mio Dio,
che paura. Padre mio, che fregatura”, da Scilla e Cariddi).
Ma, alla fine, “se tutto è compiuto, bisogna cogliere
l’attimo” (da Il netturbino). Ed è allora uno spiraglio di
luce a prevalere (“E’ un po’ che ho smesso di fumare,
quanto mi costa fatica, ma in fin dei conti viva la vida”,
da William Shakespeare). Indie-songs per giovani cuori
infranti, nell’attesa di uccidere il sistema.
(7/10)
feDeriCa venezia
Dark CaPtain - DeaD leGS & aliBiS (loaf,
noveMBre 2011)
Genere: alt - folk
Ritornano a tre anni di distanza dal delizioso Miracle
Kicker i Dark Captain, band alt folk londinese, capace
di ridefinire con pochi tratti una scena neo folk appena
dipinta in terra d’Albione, seppur sulla scia dei pesi
massimi statunitensi Fleet Foxes e Midlake. Il risultato?
Una mezza delusione.
Il sabbioso Dead Legs & Alibis li ritrae prima affaticati nel
rincorrere i My Bloody Valentine più disossati (3 Years
To Go), e poi i Sophia più accelerati (Submarines), irrimediabilmente
senza la divinità di Sheppard a impreziosire
il tutto. L’immobilità eterea di Long Distance Driver non
viene risollevata dai fiati calexiani della successiva 80000
Reasons. Right Way Round ricalca le gesta stilistiche degli
Stone Roses riducendo tutto all’osso, nascondendo
l’anima all’ascoltatore. Il tutto ristagna in una ripetitività
senza via d’uscita, così ostentata dal rendere quasi
necessaria un’etichettatura dell’intero lavoro sotto la
voce noia, nuda e pura. E seppur si volesse elevare la
frase di cui sopra a pregio, a nota di merito, come se le
critiche supposte rivelassero in realtà una precisa ragion
d’essere musica - ottusa e fedele a se stessa certo, ma
perlomeno minuziosa nella sua componente critica - ci
si ritrova a rilegare l’intera opera ad analisi filologica, letterale
e inconsapevole della componente ripetitiva poi
rimodellata a noia, in bilico tra un passato non ancora
metabolizzato e un futuro invisibile, senza fame.
Non c’è esistenza, vita, nell’immobilità compositiva dei
Dark Captain, e come la noia moraviana, il tutto scivola
via, lasciando nell’aria un retrogusto alt-country piacevole
e un attimo dopo dimenticabile, nient’altro.
(6.1/10)
feDeriCo Pevere
DaviD Maranha/GaBriel ferranDini - a
fonte De aretuSa (MazaGran, SetteMBre
2011)
Genere: impro
È uno dei nostri “protetti” il portoghese David Maranha.
Un artista di cui spesso ci siamo occupati e che abbiamo
sempre ammirato per la capacità di fondere istanze
d’avanguardia con una materia elegantemente rock,
come successe per l’ottimo Marches Of The New World o
per il successivo Antartica. In quei casi era il rock d’origine
velvetiana ad essere sottoposto ad un trattamento
di elongazione, quasi di sfaldamento del canone stesso
alla base di quella materia oscuramente rock, mediato
da una capacità ossessiva figlia del minimalismo meno
eterodosso e dello sperimentalismo timbrico più acceso.
Ora in A Fonte De Aretusa - omaggio al mitico specchio
d’acqua siracusano che ha sempre attratto poeti da
Pindaro a D’Annunzio, da Milton a Pope - il portoghese
unisce le proprie forze con un giovane e talentuoso
drummer, Gabriel Ferrandini, e sposta la propria visuale
sull’avant-rock più claudicante e oscuro. La formula
hammond/batteria non perde in ossessività, sia chiaro,
ma l’aggiunta di un drumming così vario e pulsante rende
la fiumana droney dell’organo di Maranha ancor più
libera di indagare i meandri più ossessivi/ossessionati
della visuale musicale del portoghese, ma facendola risultare
più viva e devastante, ipnotica e cerebrale che
in passato.
L’album nasce da una sessione live catturata in quel
del ZDB di Lisbona e poi suddivisa in due cut, uno per
facciata di vinile che mettono in chiaro, se ce ne fosse
bisogno, lo spessore del progetto Maranha. Dopotutto,
ce lo confessava nello speciale Ad Libitum di un paio di
ani fa: la visione sonora del portoghese è un continuum
senza soluzione in cui le origini lontane - l’esperienza
Osso Exotico, il solo album Circunscrita - non sono poi
così lontane.
(7.3/10)
Stefano Pifferi
Dfrnt - eMotional reSPonSe (nu
DireCtionS, luGlio 2011)
Genere: post-Dubstep
Lui è Alex Cowles, scozzese, e da quattro anni si fa interprete
di alcune teorie bass/step personali, lontane dai
trend più battuti. Era il 2009 quando l’album Metafiction
52 53

portò a termine un percorso introspettivo cominciato
l’anno prima nel Forward Thinking EP, chiudendo il cerchio
con un dub ambientale virato IDM dalle buone
prerogative emozionali. Ora però il ragazzo ingrana la
marcia e prende posto tra le file post-, sfoderando nel
quasi-album Emotional Response un ventaglio di proposta
di tutto rispetto.
Germinazioni soul lungo tessuti step mai così luminosi
(con True siamo ben oltre SBTRKT), trip dal fascino
Bjork riflessi attraverso il ghiaccio (Slumber) e aspirazioni
al clubbing londinese (nemmeno troppo estranee alle
proprie radici d’n’b/rave, Relentless), ma anche filatelia
ambient-techno della miglior stoffa Plaid (Rampant Behavior)
e alleggerimenti space dal synth sinuoso (Short
Bus). C’è ancora abbondante spazio di manovra tra i
banchetti più raffinati del nuovo dubstep, con le prospettive
più interessanti che rimangono nascoste nelle
uscite a breve formato. Steppers da cuffia drizzate le
orecchie, la contesa per il prossimo album-bomba è già
cominciata.
(7/10)
Carlo affatiGato
Die Selektion - Die Selektion (faBrika
reCorDS , SetteMBre 2011)
Genere: Dark-wave / ebm
I Die Selektion sono un giovanissimo trio di stanza a
Berlino dedito al culto della wave mid-80’s che più corvina
non si può. Non sono certo gli unici a mischiare
Grauzone, i Death in June dance di Nada! e i beat di
elettronica prepotenza stile EBM, ma lo fanno più che
dignitosamente e questo è il loro primissimo album.
Die Selektion mette in campo una sezione ritmica pestona
ma anche soprattutto un cantato in lingua madre
bello aggressivo e - vera chicca - una tromba, unico
strumento acustico della line-up ed elemento piuttosto
inconsueto per il panorama dark-wave. Ed è così che
pezzi come St. Leonard, Steine Auf Dein Haupt, Raben
e Liliana, altrimenti assalti di ruvida fattura, vengono
mitigati dal suono elegante dello strumento a fiato e
riportano alla mente, ancora una volta, ai migliori anni
del gruppo di Douglas P.
C’è poi Muskelberg, singolo estratto dall’album, che
con l’incedere marziale vale da solo il disco intero. E se
questo non bastasse ci pensa l’EBM pulsante di Puppenspieler
e quella vagamente arabeggiante di Deine Augen
a rendere definitivamente giustizia alle capacità di un
terzetto che in questo debutto spariglia le carte e fa
girare gli sguardi. Avanti così.
(7.3/10)
anDrea naPoli
DYno - PiCniC nello SPazio (hell Yeah,
ottoBre 2011)
Genere: elettronica
Non giudicare un libro dalla copertina. Ovvero quante
volte ci capita d’ascoltare dischi che si rivelano completamente
diversi da come ce li si aspettava? È lo strano
caso di Picnic nello spazio, un disco che ti prende alle
spalle e ti spinge oltre l’orbita terrestre nelle profondità
remote dello spazio.
Nel mangiadischi solo il meglio dell’elettronica dell’ultimo
ventennio: ambient oscure fatte di glitch circolari
(Oceanica), tempeste elettromagnetiche tutto rumore
bianco e frequenze ai limiti della soglia dell’udibile firmate
Ryoji Ikeda (Giochi di basse), esplosioni annunciate
da echi di techno in espansione fino al punto di
collasso (Pensando), sentori Spacemen 3, glitch anfetaminica
e Supersilent (Pantano 1995), spazio infiniti
(Bolts dreaming), i Pan Sonic che crashano con gli Aufgehoben
(Stanza del rumore due).
Picnic nello spazio è un disco incredibilmente avvolgente
e misterioso, senza cali d’intensità e ottimamente prodotto
da Dyno stesso. Via dalle fabbriche, dalle strade,
dalle città. Space is the place.
(7.4/10)
franCeSCo aSti
etta SCollo - CuoreSenza (troCaDero,
ottoBre 2011)
Genere: pop D’autore
Catanese trapiantata a Berlino, Etta Scollo ha alle spalle
una carriera corposa spesa tra dischi orientati alla tradizione
(un Canta Ro’ che omaggia Rosa Balistreri, un Il
fiore splendente dedicato ai poeti arabi trapiantati in Sicilia
tra il IX e il XII secolo), produzioni legate alla musica
contemporanea e un’attenzione particolare per l’opera.
Tanto per chiarire che con la voce pindarica che si ritrova,
la nostra riesce a cantare qualsiasi cosa e in qualsiasi
chiave, pop compreso.
Più o meno quello che accade in Cuoresenza, un disco
in cui si reinterpretano, riarrangiandoli, brani diversissimi
tra loro provenienti dal patrimonio musicale italiano
più nobile, oltre che dalla biografia della stessa Scollo.
Quest’ultima colta a ripercorrere un fascio di ricordi personali
che cita, tra gli altri, una La donna riccia di Domenico
Modugno e l’Enzo Jannacci di Sopra i vetri, il
Fabrizio De André trasfigurato di Canzone dell’amore
perduto e una Se Telefondando presa in prestito da Mina,
il Franco Battiato de La Cura e Lo scapolo di Paolo Conte.
Il tutto sulla scorta di arrangiamenti pregevoli e con
alle spalle un’orchestra intera e la produzione nostalgica
(ma non involuta) di un Peter Hinderthür in bilico tra
highlight
DeaD SkeletonS - DeaD MaGiCk (a., ottoBre 2011)
Genere: tribal-psych
Quanto contano, a volte, i passaparola e le referenze nel modo della musica popolare. Basta che il
visionario Anton Newcombe - non contento (ma chissà se davvero gli frega ) di aver retto la fiaccola
neo-neo-psichedelica e mostrato la via ai vari Warlocks, Black Angels e
Wooden Shjips con i Brian Jonestown Massacre - si unisca a un (power)
trio di islandesi con ben altro in testa che la liricità e le trame tenui tipiche
di molti loro conterranei ed ecco l’hype. Conviene nondimeno indagare a
fondo per realizzarne la sostanza, toccare con mano la mistura che spumeggia
da questo doppio calderone.
Mano che ritiri immediatamente, urticata con piacere da un monolite che
dispensa martellante (hard) rock acido qui venato di kraut e là gonfio di
mesmerico minimalismo, altrimenti disposto ad alienate oasi ambientali
e tuffi in profondità siderali ma pur sempre traboccante elastica possanza.
Qualcosa che con fatti eloquenti sottolinea il bisogno intimo di ogni generazione all’abbandono dionisiaco,
a darsi mente e corpo a una “mistica del rumore ipnotico” che, nello specifico, si rifà a un’esoterismo
tribale (i riferimenti macabri fanno da padroni senza che traspaia il sospetto della “posa”) caratteristico
dei popoli nordici.
A qualcosa che, mutatis mutandis, ricorda i favolosi Motorpsycho di Demon Box ma tiene conto dell’acqua
nel frattempo passata sotto i ponti. In tal modo il combo di Reykjavik può permettersi cavalcate tra
Suicide, Can, Amon Düül II e Hawkwind come Yama, Ljósberrin e Om Mani Peme Hung senza scadere
nel calligrafismo o nelle sbrodolate; trafficare con drones sulfurei nelle due versioni della title-track e
omaggiare disinvolto il mentore di cui sopra; evocare lo spettro della trance californiana in When The
Sun e riportare alla mente certi babà lisergici di marca Spacemen 3 attraverso la spigliata Psychodead.
Talmente infervorati da risultare, con il loro ben amalgamato cocktail di infiniti ieri, una band del tempo
presente come e anzi più di altre.
(7.5/10)
GianCarlo turra
classicismi nostrani anni Sessanta, jazz e folk.
Etta Scollo, dal canto suo, mette in mostra tutti i numeri
del repertorio, in un perfezionismo formale ineccepibile
ma che alla fine non riesce nell’impresa (a dire il
vero, assai ardua) di donare nuova sensibilità a musiche
con un’identità fortissima associata inevitabilmente ai
rispettivi (enormi) autori.
(6.8/10)
faBrizio zaMPiGhi
father MurPhY - live at the BriGaDiSCo’S
Cave (BriGaDiSCo reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: avant-rock
Se pensate che il trio italiano porti a compimento una
sorta di rituale pagano ed esoterico ogni qual volta si
accinga ad accendere gli ampli, allora questo live fa per
voi. Registrato nella caverna della Brigadisco, etichetta
del basso Lazio che si sta sempre più facendo notare
per catalogo e iniziative, l’album mostra appieno il lato
live del terzetto. Evidenziando, cioè, non soltanto le capacità
evocative e il portato indiscutibilmente originale
del contesto musicale creato dai Father Murphy - quel
“psychedelic slow tempo rock doom” sintetizzato dagli
stessi protagonisti - ma mostra anche come la dimensione
live, quella della comunione col pubblico e
dell’interazione con l’ambiente circostante, sia elemento
fondamentale per una resa sonora ritualistica, convincente
e coinvolgente.
Mezzora di musica per sette tracce divise equamente tra
le ultime uscite And He Told Us To Turn To The Sun e No
Room For The Weak che disperdono toni da liturgia del
dopobomba, procedere marziale, dilatate allucinazioni
post-apocalisse (Until The Path Is No Longer), nenie da
haunted-folk noir (So Now You Have To Choose Between
54 55

My Two Black Lungs), chiesastiche e ancestrali visioni di
una malinconia insopportabile. Lasciando l’ascoltatore
basito da una tale forza immaginifica e struggente.
Freddie Murphy, Chiara Lee e il vicario Demarin sono, forse
più dal vivo che su disco, una esperienza totalizzante e
irripetibile, da conservare gelosamente e di cui vantarsi. E
non sono qui per mostrarvi la via per la salvezza.
(7/10)
Stefano Pifferi
fauve! GeGen a rhino - when
You’re DanCinG You’re StruGGlinG
(autoProDotto, ottoBre 2011)
Genere: avant-electro
Mentre lavorano alla riedizione ampliata del cd-r Namegivers’
Avenue in uscita per Tannen, i tre Fauve! non
se ne stanno con le mani in mano. Verrebbe da dire che
raddoppiano, se non fosse che ai (più svegli tra i) giovani
d’oggi frasi preconfezionate e cibi precotti non piacciono
e così i tre triplicano.
Questo ep in formato digitale, disponibile gratuitamente
presso il loro bandcamp, altro non è che il primo
passo di una trilogia, Palemos, incentrata sul “concetto
di lotta come modalità di origine dell’evento”. In attesa
dei prossimi volumi When You’re Struggling You’re Winning
e When You’re Winning You’re Losing ci lasciamo
inebetire dalle cinque tracce per venti minuti in cui i
toscani danno mostra della stramba filosofia di vita e
dell’eclettismo, ruvido e sensazionale, che avevamo
avuto modo di apprezzare. Minimal beat e concrezioni
concrete (Bayeux Tapestry) si amalgamano con visioni
electro-spacey (Andenken) virate d’n’b dark-ambientale
pronta a dilagare in spazi aperti (Resistor-Inductor) di
una disarmante visionarietà (Kai Entaùtha) o verso industriali
groove bellici (Ghaznavids-Seljuq). Musicalmente
rilevanti e da seguire anche per gli interessanti sviluppi
teorici dietro ogni loro passo.
(7/10)
Stefano Pifferi
feDeriCo BraSChi - tra le nuvole e
l’aSfalto (CoSaBeat, ottoBre 2011)
Genere: pop-rock
Buona parte di ciò che di positivo si ascolta nel disco
d’esordio del giovanissimo Federico Braschi la si deve
alla produzione di Antonio Gramenteri, Franco Naddei
e Dario Sapignoli. Questi ultimi bravi a nobilitare
con un pop-rock in bilico tra Irlanda e frontiera a stelle
e strisce dieci canzoni che arrangiate con meno cura
avrebbero forse rivelato tutti i loro limiti. Nel caso del
musicista romagnolo si parla infatti di un giovane cre-
sciuto a Gang, Francesco Guccini, Fabrizio De Andrè,
Modena City Ramblers, un mappamondo stilistico che
ritorna in Tra le nuvole e l’asfalto finendo per trasformare
il disco in un vero e proprio corto circuito.
A poco servono gli ospiti illustri chiamati a contribuire
(Gang, Massimiliano La Rocca e Lorenzo Semprini dei
Miami And The Groovers, Franco D’aniello, Davide Morandi
e Francesco Moneti dei Modena City Ramblers)
se non a rendere ancor più chiara una filiazione che non
lascia scampo. Legami parentali che nella cover di Hotel
Supramonte diventano poi una sudditanza comprensibile,
ma non per questo meno dannosa. Nelle dieci (pur
gradevoli) tracce di Tra le nuvole e l’asfalto non c’è segno
di quell’inquietudine che ti aspetteresti da un esordiente
a cui viene data la possibilità di incidere un disco:
tutto è classicismo forzato, monocromatismo pacificato
ma di riciclo, credibilità che sfocia nella didascalia. Un
ricalcare le orme dei padri che rischia seriamente di minorare
il futuro dei figli.
Certo c’è la giovane età (siamo sui vent’anni) a offrire
giustificazioni plausibili e qui sospendiamo il giudizio,
visto e considerato che in giro si ascoltano produzioni
peggiori da gente con più esperienza. Il consiglio tuttavia
è di ripartire da zero, non dimenticando che non
sono gli errori a condannare un artista, ma la paura di
fare delle scelte personali.
(5/10)
faBrizio zaMPiGhi
florenCe anD the MaChine - CereMonialS
(iSlanD, ottoBre 2011)
Genere: Gothrock
Dopo aver dato fiato ai polmoni, Florence Mary Leontine
Welch torna a mettere in moto la sua machine per nuovi
cerimoniali. E già dal titolo ci aspettiamo una parziale
conferma dei numeri che avevano determinato il fragore
di due anni fa: pop declinato in tutte le salse, ma
soprattutto eccessivo, bulimico, egocentrico, spesso
sopra le righe. Tutto come da previsione, come mostra
l’Enya mandata a duemila allora di Spectrum: un’arpa
folkeggiante spaesata dentro a una cavalcata infuocata
da un coro ascendente che sostiene la voce di Florence
che canta a squarciagola “Say my name!”. Eccomi sono
vostra, prendete e bevetene tutti, questa è la mia musica.
Io sono insieme Kate Bush, Adele e il vostro sogno
proibito: mangiatene e non avrete più paura.
Nel frullatore di tutte le declinazioni del pop finiscono
l’hip hop/r’n’b (che pare un calco dal primo non
entusiasmante Big Pink) di Only If For A Night, l’errebì
meno razziale (Never Let Me Go), l’accademia stonesiana
(Leave My Body) e il canone dolcemente psichedelico
di beatlesiana memoria (Breaking Down, che sarebbe
perfetta per un fil d’animazione per ragazzi). Ma accanto
all’immaginario anglosassone che spesso nelle sue
incarnazioni sfocia in atmosfere magiche da cronache
di Narnia, questa volta entrano nel mix sonorità meno
UK: un gospel-oriented-rock (Lover to Lover), qualche
tribalismo che fa tanto Bjork (Heartlines). La costante
vera di tutto il disco è una costruzione delle canzoni su
un crescendo che enfatizza il lato più epico di ogni composizione,
come ben mostrato dal singolo Whatever The
Water Gave Me, con il suo corollario un po’ magic da 70s.
Non un calco del primo fortunato disco, che già le ha
permesso di raccogliere vere e proprie folle sotto i suoi
palchi, ma un sapiente equilibrio (dobbiamo immaginare
che la sapienza produttiva di Paul Epworth centri
qualcosa) tra le cose che hanno li funzionato e nuovi
elementi . Qualcuno dirà maturazione e allargamento
degli orizzonti, noi diciamo un sagace tentativo di
aumentare vendite, date live e mega show nelle arene
nordamericane.
(6.9/10)
MarCo BoSColo
frankSPara - il Dottor CrePaPelle e
l’alBero Che CaMMina (reinCanto DiSChi,
noveMBre 2011)
Genere: pop D’autore
I Frankspara di Francesco Viani, Pit D’Aleo e Andrea
Giorgetti arrivano al terzo disco sull’onda del solito - ottimo
- pop d’autore. Una musica la cui leggerezza formale
- tutt’altro che frivola, come dimostra la scrittura
puntigliosa ed equilibrata alla base delle dieci tracce
de Il dottor Crepapelle e l’albero che cammina - si rivela
il vero e proprio valore aggiunto. Se l’iniziale Il suono
universale ammicca inaspettatamente a certi Libertines
fuori stagione, il resto del disco si muove agilmente tra
un cantautorato col timone rivolto a Settanta italiani
(Ma) e vaghe cadenze in stile Le vibrazioni (Voglio diventare
cretino), un Max Gazzè che sbircia di soppiatto
(Prima del futuro) e certe concessioni a un folk appena
sussurrato (Io sono l’albero).
L’impressione è che l’estrema rilassatezza che l’ascolto
del disco trasmette nasconda in realtà una sicurezza invidiabile
nel maneggiare materiale che sembra andare
in mille direzioni pur suonando decisamente compiuto.
Una musica che rispetto al precedente Soprattutto trova
il modo di farsi ancora più cesellata, pur mantenendosi
fedele a un immaginario che rivendica, disco dopo
disco, una semplicità d’altri tempi.
(7/10)
faBrizio zaMPiGhi
furtherSet - olD quantuM theorY eP
(teChnowaGon reCorDinGS, ottoBre 2011)
Genere: hypna-tech
Dalle sinuose movenze ambient-house di Quantum
Hand prossime al John Roberts emerso su Dial alla più
decisa matrice idm/techno come da buona maniera
Plaid (Harmonic Oscillator), dalla tensione hypno-dronica
dei Super Minerals in Ψ alla dub-techno robusta
stile Deepchord (Zeeman Effect). Quattro brani (più
due remix) per segnare un’ascesa iniziata in cameretta
piegato sull’Ableton e consacrata dalle presenze a Dancity
Festival 2011 (con tanto di citazione su The Wire) e
all’imminente Club To Club.
Stile maturo e sfaccettato neanche fosse il più navigato
dei James Ferraro, poi ti dicono che Furtherset è Tommaso
Pandolfi, 16enne liceale di Perugia (avete capito
bene), e alzi le mani arreso all’evidenza: gli Aphex Twin
esistono anche qui. E voi, a quell’età che facevate?
(7/10)
Carlo affatiGato
Gian luiGi Diana - CriStalli Sonori (Setola
Di Maiale, luGlio 2011)
Genere: impro-manipolazione
Altro emigrante atterrato in territorio newyorchese, a
dimostrazione di come purtroppo di soli cervelli in fuga
(non) vive questo paese in crisi, Gian Luigi Diana se ne
esce con un album ricercatissimo per la nostra - questa
sì - Setola Di Maiale. Il multistrumentista friulano, esule
e girovago - Berlino, Londra, India, NY: non si contano i
luoghi toccati nel suo vagabondaggio psichico e fisico
- si cimenta con Cristalli Sonori in solo, fatta eccezione
per qualche comparsata di colleghi e amici a fiati (Patrick
Holmes, Porra-Boy, Bojan Z.) e doppio basso (Lisa
Dowling). Il risultato è un lavoro di ricerca basato sul
live electronics e sulla manipolazione sonora che ce lo
mostra artista attento al dettaglio e alla profondità del
suono, ma nel contempo libero di spaziare tra intuizioni
musicali ampie e guidate da uno spirito totalmente free.
A cercare tra le pieghe di un suono curatissimo non esce
solo fuori una attitudine impro-onnivora - citazioni e
suggestioni mediorientali, suburbane, post-industriali
si ammassano e stratificano le une sulle altre - ma una
sensibilità ad ampio spettro capace di (ri)tirare in ballo
classico (la tradizione indiana, ad esempio) e innovativo
(le reminiscenze minimal-electro londinesi e berlinesi),
così come analogico e digitale, scritto e improvvisato.
Dal cilindro del trasformista escono così perle come
l’electro virata materia di Cristalli Sonori And Clarinet Pt.4
o l’impro-jazz circense e spezzettato di Improvisation #3,
l’ipnotico rumorismo sotterraneo scolpito da beat indu-
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highlight
eSPeranza - eSPeranza (GoMMa, noveMBre 2011)
Genere: Dream wave
Non è ancora arrivato il momento di lasciarle stare le buone vecchie wave dei Noughties. La 4ad, il lato
più adulto del synth pop (Art Of Noise), lo shoegaze, il post-punk virato etnico di metà Ottanta o quello
più romantico dei Bunnymen e tutto ciò che, a quasi tre lustri di distanza
dai primi frullati dell’era internet, rappresenta una valida ipotesi d’indagine e
riscoperta. Dunque non è giunta l’ora di abbandonare certi lidi dream, glo e
tutta un’elettronica chill che dai primi 90, dal dub e dal trip hop porta indietro
ai 70 psychedelici (vedi The Orb), o dalla balearica alla new age. E non è
neppure il caso di scordarsi il recupero melodico classico del nostro belpaese,
da anni fonte d’ispirazione per l’indie nazionale (Casa Del Mirto) e non solo.
Esperanza fa le cose per bene. E’ quel tipo di progetto da musicisti/produttori
fanatici per la musica con le antenne puntate sul presente e l’esperienza
necessaria per sintetizzarle in uno stile che è già il loro. Gomma, l’etichetta
tedesca di Who Made Who, Munk e il qui presente Cécile li sta spingendo da quest’estate non a caso. E
già avevamo avuto modo d’apprezzare l’eppì con l’hit balearic soulfull che è Sirena e i suoi remix con la
partecipazione di Alessio Natalizia aka Banjo Or Freakout. Quel Natalizia prezzemolo che qui ritorna
perfettamente per via dei Walls, altro progetto curato dal nostro con Sam Willis e vicino a Esperanza sia
per il carattere internazionale che lo contraddistingue ma anche e soprattutto per quel suono aperto e
camaleontico in perfetto equilibrio tra istanze dance e d’ascolto, pulsioni e dimensioni live set e la più
classica hard jam psichedelica.
Cécile, Matteo Lavagna (Disco Drive) e Sergio Maggioni sono i tre catalizzatori di un marasma che è il
presente sonico, un dedalo di storie che s’incontrano in un disco strumentale che sa essere tantissime
cose e che pertanto apre a strategie d’ascolto differenti. Il remember rave di Aliante Giallo, gli ambienti
e le melodie di Ryuichi Sakamoto e David Sylvian di Hanamachi, la Berlino techno-dub subacquea in
odor di PiL di Jaipur (primo singolo ufficiale di cui c’è anche un remix dei Walls - e tutto torna), il synth
pop pinkfloydeggiante che guarda ai Massive Attack di Whale.
In figura, sullo sfondo, nel club, nel salotto di casa con le orecchie ben alzate davanti al vecchio stereo
con il vinile sul piatto, Esperanza è l’esperienza del dopo glo-fi da fare. E una nuova mutazione sonica
che dai ritmi del mare punta all’entroterra e al cosmo. Qualcuno ha un’etichetta a portata di mano?
(7.4/10)
eDoarDo BriDDa
strial minimali di 21 Disgusting America, la disco-concreta
di Brooklyn Dancing Bedbugs, la contemporanea di
Cristalli Sonori And Clarinet Pt.1, le orchestrazioni di The
Seven Dwarfs, Tired Of Working, Are Complaining On Their
Way Back Home. Tutte, o quasi, duetti in modalità impro
con la strumentazione acustica e concreta riprocessata
in chiave elettronica. “In questo album considero il suono
come un oggetto con le sue proprie configurazioni
scultoree e spaziali e il mio processo di composizione
e improvvisazione è soltanto legato a piani, volumi e
densità diverse”. Massimo rispetto per tali outsider.
(7.4/10)
Stefano Pifferi
GianMaria teSta - vitaMia (ProDuzioni
fuorivia, ottoBre 2011)
Genere: canzone D’autore
Giunto all’ottava pubblicazione compresi una raccolta
e un live, Gianmaria Testa rimescola i tracciati di un
percorso che l’ha visto fino ad oggi fedele a una poetica
fatta di suoni acustici e parole dense. Più spazio
alle chitarre elettriche in Vitamia - cosa che si era già
profilata timidamente nei precedenti Altre latitudini e
Da questa parte del mare - e una ricerca di nuove soluzioni
giustamente ritenuta necessaria, arrivati a questo
punto della carriera.
Non fa trasalire più di tanto, allora, il sentore new acou-
stic del singolo Nuovo (con qualche inedita rotondità
radiofonica), il passo da blues ballad di Lasciami andare
e quello nervosamente funky-jazz di Cordiali saluti. Pur
nell’ottica di un disco registrato live in studio nel giro di
una settimana che rispetto ai lavori precedenti guadagna
in spontaneità ma non riesce a convincere del tutto.
Il problema è principalmente una scrittura che non gira
come un tempo e, in particolare, non trova quegli spunti
melodici fatalmente evocativi che fecero la fortuna di
pezzi come Un aeroplano a vela o Seminatori di grano.
Ma è anche un problema di certe scelte sonore che già
a metà opera risultano prevedibili. Così, dopo una 18
mila giorni in pura classicità Testa, Aquadub finisce in un
carillon di mestiere, Sottosopra è il Tom Waits di Mule
Variations (fortunatamente senza calchi vocali in giro)
e 20 mila leghe (in fondo al mare) insegue Vinicio Capossela
sulle ultime rotte marinare abbozzando a bassa
voce una bella satira antisecessionista. Le due ballate in
flirt jazz Lele e Di niente metà (con gli ospiti Brunello e
Petrella a cello e trombone) portano il disco poco oltre
la sufficienza, mentre lo spread con la musica che scorre
là fuori si allarga sempre di più. D’altra parte è la crisi.
Della più classica canzone d’autore italiana, s’intende.
(6/10)
luCa BaraChetti
Gionata Mirai - alluSioni (la teMPeSta
DiSChi, noveMBre 2011)
Genere: folk
Con il Teatro degli orrori ormai diventato una sorta
di Re Mida (a dimostrazione, i numerosi live in giro per
l’Italia ai limiti del sold-out), il chitarrista della formazione
veneta Gionata Mirai pensa bene di uscire allo scoperto
con il suo primo progetto solista. In un momento
che potremmo definire eufemisticamente propizio, almeno
a giudicare dal traino di cui hanno goduto anche
i redivivi One Dimensional Man (progetto del Capovilla
front-man del Teatro) e da un pubblico dedicato evidentemente
ricettivo e pronto a seguire i propri idoli anche
su terreni più scoscesi.
Come, ad esempio, questo Allusioni, che tutto è fuorché
un disco semplice. Non tanto nella sostanza - si parla in
fondo di un folk acustico strumentale in fingerpicking
non lontano dalla tradizione di John Fahey - quanto
nella forma: ventiquattro minuti di durata per un solo
brano in una cavalcata ipnotica e densa fatta di microvariazioni
che si accavallano, cambi di umore impercettibili,
rincorrersi di arpeggi. Nulla di particolarmente
nuovo per chi ha dimestichezza con la produzione della
Incredible String Band, del Fahey già citato, oppure
di Bert Jansch; qualcosa con cui mettersi alla prova se
invece il target d’ascolto è solo ed esclusivamente il Teatro
degli Orrori.
Gionata però è bravo, tecnicamente preparato e capace
di nobilitare il materiale con un senso spaesato di blues
che immalinconisce le trame articolate e veloci di questo
flusso primordiale. Un perdersi e ritrovarsi su una
dodici corde che, oltre a mettere in bella mostra una
sensibilità inaspettata, vive di amore per lo strumento
(e per i classici del folk) e di una curiosità spigliata.
(6.9/10)
faBrizio zaMPiGhi
Giovanni falzone - arounD ornette (ParCo
Della MuSiCa reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: Jazz
Giovanni Falzone è uno di quei jazzisti che ti fanno sentire
vivo il jazz, mosso da un’urgenza che pesca inquietudine
e suggestione dal presente pur scuotendo l’albero
della tradizione fin dalle radici blues. In dischi come Big
Fracture (2003), Meeting In Paris (2006) o R-Evolution
Suite (2007) ha calato sul piatto visionarietà febbrile e
padronanza poderosa, confermata appieno in Around
Jimi del 2010 (frutto del progetto Mosche Elettriche),
per non dire dello straordinario apporto come side man
ad esempio nell’ottimo Tinissima Quartet. Da quest’ultimo
combo provengono Francesco Bearzatti (sassofonista,
che ve lo dico a fare) ed il batterista Zeno De Rossi,
che assieme al bravo Paolino Della Porta (contrabbasso)
e Beppe Caruso (trombone) costituiscono l’organico del
nuovo quintetto di Falzone, impegnato nella fattispecie
ad omaggiare una figura cardinale come Ornette
Coleman.
Del grande sassofonista texano vengono riletti quattro
brani (Blues Connotation, Lonely Women, Free, Congeniality)
risalenti alla cuspide tra anni Cinquanta e Sessanta,
vale a dire un attimo prima della conclamata rivoluzione
di Free Jazz (1961), in quella formidabile linea di confine
dove germogliavano le ipotesi della black music futura.
Una scelta emblematica rispetto al senso dell’operazione,
che vede i cinque sbrigliare estro e talento nel
rispetto di forme e strutture tradizionali che esaltano
nel momento stesso in cui le mettono in discussione.
Ciò è ancora più evidente nei quattro originali firmati
dal leader, dalla spiritosa, spiazzante (e anche un po’
post-moderna) rievocazione del Dixieland in Bourbon
Street alla suggestiva King Of The Free (paradossalmente
riconducibile alla calligrafia del secondo quintetto davisiano):
come se il trombettista siciliano intendesse più di
ogni altra cosa dissipare l’equivoco che vuole Coleman
identificato “solo” come il principale responsabile della
new thing, sottolineando quindi la vasta, complessa e
58 59

profonda portata della calligrafia espressiva.
In questo senso è un disco più pacato di quanto fosse
lecito attendersi, coerente e compiuto certo, suonato in
punta d’ispirazione e persino divertente, però lontano
dalle frenetiche escursioni cui Falzone ci ha abituati in
passato (discorso simile per Bearzatti) e quindi un po’
troppo nei ranghi dell’autoreferenzialità jazzistica. Ragion
per cui non nascondo di aver provato un pizzico
di delusione. Giusto un pizzico
(6.9/10)
Stefano Solventi
GirleSS & the orPhan - the ePiC ePitaPh of
our ePheMeral ePilePtiC ePoCh eP (StoP
reCorDS, SetteMBre 2011)
Genere: punk folk
Li avevamo lasciati fra le righe di un Reboot, ci avevano
incuriosito e divertito. Con le chitarre sbarazzine e il loro
punk folk acustico, i Girless & The Orphan, al loro Ep
d’esordio, avevano dimostrato di saperci fare e soprattutto
di voler tener dura la presa e mirare dritto all’osso.
Eccoli dunque tornare, a brevissima distanza, con un Ep
dal titolo fiume che vuol suggellare l’epitaffio di questo
mondo epilettico. Quattro tracce, pubblicate quasi a sorpresa
durante l’estate, che sono il perfetto seguito del
precedente lavoro. Ci sono le conferme: l’indole punk,
la strafottenza, l’incisiva emotività, la cazzonaggine di
gran classe.
E poi ci sono le innovazioni (perché è con quelle che
un gruppo diventa un buon gruppo): arrangiamenti più
curati, meno malinconia e più rabbia, qualche accenno
di elettronica, la consapevolezza di aver fra le mani uno
stile preciso (e scusate se è poco ). Risuonano, una volta
per tutte, quei mai abbastanza apprezzati Neutral Milk
Hotel, i Pogues in camicia a quadri e bicchieri pieni fino
all’orlo, i Creedence senza permanente, Johnny Cash
versione Riviera romagnola e un numero imprecisato
di musiche da college movies americani. Azzeccare uno
stile non è cosa da tutti.
(7/10)
nino CiGlio
GoaPele - Break of Dawn (DeCon reCorDS,
ottoBre 2011)
Genere: neo soul
Non poteva esserci annata migliore per il ritorno su album
della stella soul made in USA Goapele dopo un
silenzio durato sei anni. Ed è oltremodo interessante
scoprire come una come lei, col suo nome ormai saldamente
scolpito sulle tavole della storia r’n’b-soul moderna
(l’avevano anche definita “la figlia spirituale di Sade
e D’Angelo”), si inserisca in modo tanto preciso nelle
sonorità del momento: due brani come Undertow e il
singolo apripista Play mostrano coscienza del recente
amore scoppiato tra dub e soul, con quel passo felino
graffiante e quelle bassline accentuate che donano allo
schema cantautoriale il quid in più cercato insistentemente
da Jamie Woon ed Emika.
Quelli i tocchi di classe. Per il resto l’album conferma tutte
le qualità già sfoderate nel precedente Change It All
(tutt’ora suo apice artistico), con la passione melodica
su ritmo aggraziato che degli Stati Uniti è ormai marchio
di fabbrica (Tears On My Pillow e Pieces, fronte compatto
con Aaliyah e Mary J. Blige), la disinvoltura di potersi
sganciare dalla regola fissa (la titletrack che non teme il
mainstream, oppure una Money così tanto Jamiroquai)
e una voce che ruba la scena, strepitosa come sempre
(sentiti i virtuosismi in Milk & Honey?).
Forse meno sentito e più pensato del suo predecessore,
ma qualità ancora una volta ben oltre la media. Per certi
talenti è difficile far peggio.
(6.9/10)
Carlo affatiGato
Gotan ProJeCt - la revanCha en CuMBia (Ya
BaSta!, ottoBre 2011)
Genere: Gotantronica
Mi ricordo quando sentii per la prima volta La Revancha
Del Tango. Ero a Roma, in un ristorante trasteverino cool.
Dopo due giri di basso chiesi al gestore di chi fossero
quelle note. Erano i parigini ancora più o meno sconosciuti.
Comprai il disco qualche giorno dopo e mi persi
nel magico mondo french touch. Ci sarebbero stati altri
album bomba (il doppio St. Germain su lidi più house e
tutta la cricca Air, Tellier & co.), ma il suono di Philippe
Cohen Solal (almeno al suo esordio) aveva una freschezza
e una coolness tali che non facevano storcere i nasi
ai cultori della techno e nel contempo piacevano a chi
aveva qualche orecchio sintonizzato sulla world.
A dieci anni da quella bomba si torna ancora sul luogo
del delitto’, rivisitando la scaletta in chiave cumbia con
l’aiuto di remixatori di Buenos Aires più o meno sconosciuti.
Un disco che andrà ad accompagnare l’edizione
deluxe della ristampa del capolavoro e che non aggiunge
nulla alle note di quei fasti (si poteva per lo meno
puntare a nomi più illuminati del panorama electro).
Buono per chi non ha apprezzato gli standard di partenza
e vuol farsi un’idea di uno dei più famosi dischi di
electro-world della storia; ininfluente per tutti gli altri,
a meno di nostalgie passeggere.
(5/10)
MarCo BraGGion
Great northern x (the) - the Great
northern x (in the Bottle, ottoBre 2011)
Genere: psych folk
La vena bollente e sparsa delle ballate folk-psych contagiata
dai vibrioni stordenti del post-rock. Oppure,
viceversa, il disincanto sperso del post recuperato alla
pienezza emotiva del folk-rock psichedelico. Una delle
due, forse entrambe, o nessuna. Il punto di equilibrio
raggiunto da questo quartetto padovano all’esordio
non ci permette di cogliere la direzione. In questo omonimo
esordio - per il quale si sono scomodate ben tre
etichette, In the Bottle Records, Fooltribe e Upupa - è
tutto un gettare reti matematiche tra la spuma di un’onda
impetuosa e la risacca asprigna, l’elettricità come un
refolo noise a sparpagliare melodie accattivanti ma sempre
un attimo prima di scivolare nell’indulgenza.
Vale a dire, a tratti ricordano i più morbidi Smashing
Pumpkins via Folk Implosion (Rat), degli striniti Neutral
Milk Hotel (Saigon) o una versione struggente dei
Jayhawks (Sickness of the Great Nothing), o ancora un
incrocio sottile e scafato tra Polvo, Decemberists e
Mike Scott (la notevole Loser Song, la circospetta tensione
di The Seventh Tale). Nulla d’inaudito quindi, ma
abbastanza congruo da risultare convincente e a tratti
avvincente. Un passo oltre l’estetica del “farci” che ammorba
troppe proposte nostrane. La scala per diventare
grandi è tutta da salire, ma intanto è imboccata.
(6.8/10)
Stefano Solventi
half Man half BiSCuit - 90 BiSoDol
(CriMonD) (ProBe PluS, SetteMBre 2011)
Genere: inDie punk rock
Una quindicina di anni fa gli Half man half biscuit erano
uno dei gruppi più interessanti del panorama indie
britannico. Quattro ragazzi della zona di Liverpool che
con il loro primo album datato 1985 avevano pensato
bene di dare sfogo al loro humour tipicamente inglese
(Back in the D.H.S.S. è la parodia di Back in the
U.S.S.R. dei mitici scarafaggi) riuscendo anche a scalare
le classifiche di genere, tanto che verrano selezionati
nella storica compila c86.
Ora ce li ritroviamo al dodicesimo disco, questo 90 bisodol
(Crimond), ancora lì a pensare a un indie tanto
radioso quanto sarcastico, dominato dal sempiterno riffone
Fender Jaguar. Per l’occasione il gruppo ha deciso
di darsi una ripulita: niente lo-fi o accenni weird, solo un
vecchio punk rock che profuma d’Inghilterra e di provincia.
Certo l’effetto nostalgia c’è, innegabile, ma non
si trasforma in effetto noia grazie ad un pugno di ottimi
brani: su tutti lo spoken-word di Descent of the Stipersto-
nes che narra l’incontro con Lynette McMorrough (protagonista
di una celebre serie tv inglese, Crossroads), il
pop punk venato ska di Something’s Rotten in the back
of Iceland e quello più straight di Fix it so she dreams of
me, brani che a pensarci non sono poi così lontani dalle
espressioni del nuovo indie sul versante Vaccines.
Gli Half man half biscuit non sono cool, all’hype preferiscono
la tradizione autoriale che traspare in un paio di
tracce riciclate direttamente da Billy Bragg (RSVP, The
coroner’s footer note), senza tralasciare lo spirito cabarettistico
un po’ demodé di L’enfer c’est les autres e Fun day
in the park. E’ l’old school che torna senza nulla invidiare
agli sbarbatelli di turno.
(7/10)
Stefano Gaz
hell Shovel - Sonar elaStiCi. il Pianeta
Si riSveGlia (SounD of CoBra, SetteMBre
2011)
Genere: psych-GaraGe
Eclettismo. Questa potrebbe essere la parola chiave della
Sound Of Cobra, etichetta di stanza a Berlino, nata
dalle ceneri della Xhol e come quella retta in solitaria da
Ricky Thunder di In Zaire e G.I. Joe. Eclettismo per formati
e sonorità, a dirla tutta. Dopo la tape d’esordio dei
Cannibal Movie e il cd serigrafato Iter degli Orfanado,
ecco il primo 12” in vinile e per giunta single-sided. A
firmarlo è una sigla nuova che convoglia però nomi noti
dell’underground più r’n’r caciarone d’oltreoceano, nello
specifico Jeff Clarke, e Dox Grillo, entrambi di stanza nei
Demon’s Claws e in un’altra miriade di band minori.
Non conosciamo i legami tra i canadesi e il mondo
dei b-movie sci-fi cui il titolo fa evidente riferimento.
Sappiamo però benissimo cosa troveremo nei 6 pezzi
dell’album: garage-rock molto più spinto sul versante
psichedelico e sixties oriented di quello di Thee Oh Sees
e di tutta la genia from Frisco che a quelle stesse sonorità
fa riferimento. Slabbrato in qualcosa di assimilabile
alla free-form (Sonar Vibration Elastic), ossessivamente
sixties-oriented nel suo incedere malato (Polar Magnetic),
in fissa con un suono riverberato e tremolante come
se non ci fosse vita al di fuori di una caverna senza fondo
(l’horror-psych di Fed To The Cat), figlio di una summer of
love bruciata dai troppi acidi (Sand Piled High, la nenia
acid-pastorale di Planet Awakens) ma anche memore
delle origini corpose e garagey (una Blow Holes And Q-
Tips degenerata e distorta). Una bella sorpresa.
(7/10)
Stefano Pifferi
60 61

highlight
evanGeliSta - in aniMal tonGue (ConStellation reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: post-folk blues
Una delle peculiarità meno dibattute dei dischi di Carla Bozulich/Evangelista è quel loro essere autentici
eventi. Nell’era della soglia d’attenzione risicata, una rarità che richiede impegno e lascia in dote all’ascoltatore
scosse emotive che lo facciano sentire più vivo. Non fa eccezione quanto ad attitudine un quarto
lp che aggiusta invece il tiro dal punto di vista sonoro, lavorando di lima alla fenomenale ipotesi di Patti
Smith che all’epoca Radio Ethiopia si concede al post blues-folk affiancata da Lydia Lunch. Giusto che
la mutazione sia graduale per chi ha trasformato il proprio vissuto in una
forma d’arte incompromissoria. Tanto più nel momento in cui rabbia e livore
trascolorano in un eccellente classicismo delle forme che integra le usuali e
ben focalizzate ambizioni sperimentali.
Sorta di reazione a un biennio vissuto più del solito da nomade, In Animal
Tongue è stato pertanto registrato in diversi luoghi però conserva unità invidiabile
perché poggia sulla solidità di atmosfere ed esecuzione (Carla e i fidi
Tara Barnes e Dominic Cramp, più uno stuolo di ospiti misurati e preziosi in
cui spiccano membri di A Silver Mount Zion) e soprattutto sulla scrittura.
Così una Artificial Lamb può dipanarsi tra inquietudine ed elevazione bussando alla porta di P.J. Harvey
spalleggiando la tremolante Enter The Prince; così Hands Of Leather offre una riedizione moderna dei
momenti “etnici” di Easter mentre Black Jesus e Tunnel To The Stars intessono folk-jazz da tregenda.
Dove la title-track guarda fugacemente al recente passato tra ipnosi e levitazione, lo spettro di Diamanda
Galas si aggira negli specchi crepati di Die Alone e Hatching ritrova i paesaggi acuminati di Tago
Mago. Tanto, a scaldare l’anima resterà un picco sublime di umanità del calibro di Bells Ring Fire. Ognuna
a stendere un velo sulla banalità del mondo, a cancellare le ultimissime sensazioni e i capolavori che
durano quanto un cerino in un giorno di vento. Evviva.
(7.5/10)
GianCarlo turra
huM of GnatS - PurGe the weevil froM Yer
MiDSt (StrunGaPhone, noveMBre 2011)
Genere: weirD
E tre. Dopo Levis Hotel e Poisucevamachenille, il pescarese
Ezio Piermattei inaugura un nuovo moniker sotto
il quale nascondersi e confondere. Scelta dovuta per
giocare autoironicamente col “tinnito” che lo perseguita
e per mostrarsi ancor più sfuggente di quanto l’ambito
musicalmente di riferimento pretenda. Che poi, a dirla
tutta, è già un bel rebus di per sé. È arduo infatti rintracciare
un contenitore, anche per meri scopi giornalistici,
in cui infilare la musica di Piermattei: libera, fluviale,
boundless, ispirata a tutto ciò che il termine sperimentale
possa farvi venire in mente da un quarantennio a
questa parte. Musica strana, free, collagista, stratificata,
analogica e digitale, che procedere a zig-zag tra weirdfolk,
psych, concreta, prog, impro-jazz e quant’altro, paradossalmente
senza soluzione di continuità e senza che
se ne avverta mai il passaggio o l’alternanza.
Quattro lunghe composizioni che si muovono su ambientazioni
e atmosfere umorali e altalenanti, oscillando
tra paesaggi quieti e malati, malinconiche pastorali,
squarci bandistici, weirdismo ancestrale alla Hexlove, inserti
di fiati (ospite Napo Camassa al sax soprano nell’iniziale
Hop Score, mentre il clarinetto è appannaggio del
pescarese), oggettistica varia, Canterbury sound, voci
trovate, elettronica povera e una infinità di altre suggestioni.
Il tutto sempre esposto lucidamente, venato
da una attenzione maniacale al dettaglio, elaborato in
maniera coesa e fornito di una giocosa attrazione per
l’aspetto ludico (vedere alla voce titoli dei pezzi, please
tutti con l’iniziale H e giocati su calembour foneticolinguistici).
Elementi che pongono di diritto Hum Of
Gnats nell’empireo degli “strani” d’oggi.
(7.5/10)
Stefano Pifferi
in a SleePinG MooD - Draft (autoProDotto,
ottoBre 2011)
Genere: avant-electronic
Due italiani di stanza a Londra autori di un’elettronica
di chiara matrice minimal che non disdegna incursioni
d’altro genere come la ambient e il post-rock. Donato
Panaccio e Mauro Polito sono In A Sleeping Mood,
progetto con già un album all’attivo per la giapponese
Friend of Mine.
Draft è la loro nuova opera, di cui la chiara partenza
minimal-classica per piano e chitarra (Draft1) mette
fin da subito a fuoco il concetto musicale del progetto:
suoni trasportati nello spazio, bozze di idee che si
trasformano in atmosfera, sensazioni contrastanti che
rimandano a luoghi alieni (la dark ambient di Draft6) o
che saturano l’aria di elettricità (il glitch schizofrenico di
Draft2). L’approdo su lande nintendo style meets chitarra
free (Draft4, un Mark McGuire regredito?) e le paranoie
sonore di febbricitante insonnia degne di Aphex Twin
(Draft3), dimostrano poi che c’è di più nella creatività
eclettica del duo, preparando il campo a momenti nei
quali si riescono a cogliere le note scansare il silenzio,
ergersi per poi tornare a inabissarsi (Draft5).
Gli In A Sleeping Mood sembrano riprendere il discorso
lasciato aperto da John Cage e sfruttato da tanti electro-heroes
contemporanei, nell’auspicare la libertà dei
suoni (e dei rumori e dei silenzi) e rivisitandolo in chiave
moderna grazie alle nuove tecnologie. Draft è un lavoro
degno di guadagnarsi una giusta posizione all’interno
dei contesti sperimentali elettronici.
(7/10)
MiChele MontaGano
JaMeS Blake - enouGh thunDer eP
(PolYDor, ottoBre 2011)
Genere: soul
Con Enough Thunder Blake ci fa guardare per un attimo
dentro la bottega mostrandoci definitivamente che
l’immaginario timbrico tecno-emotivo a cui ci aveva
abituato è solo un mezzo funzionale alle proprie canzoni.
Vinto il Mercury prize, sfondato il perimetro del
sottobosco IDM a suon di posizioni nelle UK’s charts e
diventato icona da reiterare in infinite declinazioni, il
nostro è entrato nell’elite della musica pop che conta.
Nel 2011, Blake non è nemmeno più specchio per le
allodole di affamati giornalisti di settore, hipster improvvisati
e ragazzine alla ricerca di un bel visetto con forte
indie-credibility ma semplicemente un ispirato musicista
che canta e scrive canzoni al pianoforte. Spogliato
quasi completamente dai canoni pop-step, il suono del
giovane talento inglese predilige la verticalità all’oriz-
zontalità abbinando un songwriting evanescente, edonistico
e ricolmo di silenzi preziosi.
In Once We All Agree (una Purple Rain aggiornatissima) o
Enough thunder possiamo trovare ad esempio eterne
strofe scandite da una voce che più che appoggiare le
parole sembra fare zig zag tra linea vocale e contrappunti
pianistici.
Del resto, l’attenzione per le altezze e gli spessori vocali
è certosina come testimoniato dalla cover di A Case Of
You di Joni Mitchell quando invece il brano con Bon
Iver merita un discorso a parte. Fall Creek Boys Choir
è un crocevia d’intenti, il pradigma di due carriere che
avanzano in maniera inversa: Justin Vernon alla ricerca
della complessità timbrica del primo Blake e Blake ad
ambire alla purezza vocale dell’esordio del primo. Una
collaborazione memorabile che si configura quasi come
una nuova “lega poetica” (Impossibile farsi uscire dalle
orecchie il rullante zoomorfo che tanto richiama le atmosfere
bucoliche dei Pink Floyd di Meedle).
Enough Thunder è il trionfo della sostanza di un artista
maturato che ha superato pienamente gli standard
compositivi dell’esordio.
(7.7/10)
Dario MorolDo
Jane’S aDDiCtion - the Great eSCaPe artiSt
(CaPitol, ottoBre 2011)
Genere: rock
Dunque, ci eravamo lasciati con Stray, anno 2003, che
sembrava il tipico album da vecchie glorie col conto corrente
da rimpolpare. Sarebbe stato meglio evitare ma
pazienza, così fan (quasi) tutti. Capitolo chiuso. E invece
no. Otto anni dopo Farrell, Navarro e Perkins perseverano.
Anzi, di più: fanno le cose in grande. Ci credono. Si
fanno produrre da un drago del mainstream alternativo
come Rich Costey e chiamano Dave Sitek dei TV On The
Radio a dare una mano per mettere assieme i pezzi (e a
suonare il basso, già che c’è). Il risultato: una baldanzosa,
accattivante, grintosissima stronzata. Il santino di Virgin
Radio nel taschino e via andare.
Navarro mette in mostra il suo bel repertorio di schitarrate
hard modello Ikea. Perkins va liscio di percussività
ingegneristica. Farrell gode come un riccio a sciorinare
la sua voce finalmente libera da quei fastidiosi derapage
cocainici, da quelle svisate orientaleggianti che avevano
il pessimo effetto collaterale di inquietare l’ignavio
ascoltatore. Non sia mai. Parola d’ordine: una energica
normalità. Altrimenti, metti che ‘sto disco capiti nello
stereo di un fan di Aerosmith, Bon Jovi o addirittura
U2 ultimo modello (sentitevi Curiosity Kills...), che figura
ci fanno? Tuttavia, i Jane’s Addiction erano pur sempre
62 63

quelli di Nothing’s Shocking e Ritual De Lo Habitual,
porco cane. Eh, certo. Ed ecco puntuale quindi il contentino,
una Words Right Out Of My Mouth che almeno
nelle strofe rammenta barbagli dell’antica nevrastenia,
salvo spianarla subito con un ritornello degno dei più
beceri Pearl Jam.
Mettiamola così: non fosse stato per il nome che portano,
avrei mollato l’ascolto dopo un paio di minuti. Invece
ne ho sprecati una quarantina. Bah.
(4/10)
Stefano Solventi
JoakiM - nothinG GolD (tiGerSuShi,
SetteMBre 2011)
Genere: post-soft
Copertina da over 30 per Joakim. Serissimo e stempiato,
dietro un paio di occhiali a specchio, barba e capelli
tagliati minimal, in più l’understatement di una sola tshirt
e di un’anonimo sfondo metropolitano con trompe
l’oeil di grattacieli. L’immaginario di chi si è stancato
dei parties? Di chi è saturo di laser? E’ proprio lui che
confessa di aver sviluppato come tema principale per
questo nuovo disco lo stato d’animo che sta tra la gioventù
e l’età adulta. Lo senti che è un po’ invecchiato,
con tutti quei rimandi ad ere geologiche pre-nu-wave,
pre-nu-disco, pre-00 se vogliamo. Un riciclo di materiali
per lo più analogici già sentiti nei suoi lavori passati, ma
ancora una volta riproposti in modo per niente banale.
Registrato l’anno scorso a Parigi negli studi della sua
stilosissima Tigersushi, il disco è un manifesto post-soft
(autodefinizione calzantissima dello stesso Bouaziz):
ovvi rimandi alla french disco più poshy (vedi gli inevitabili
Air in Piano Magic), qualche punta di slo-motion-krautrock
(Nothing Gold), le atmosfere wave degli
Animal Collective (Forever Young, sì lo stesso titolo
dei bistrattati Alphaville), percussioni e synth à la Japan
(Fight Club) o Depeche Mode (Wrong Blood), echi
now’ in trip cosmici (Paranoid), suoni da Commodore
64 (Perfect Kiss) e una forma di retrofilia che abbiamo già
ampiamente sperimentato con l’ultimo M83 (Labyrinth).
Citazionismi colti (il titolo è preso da una poesia di S.E.
Hinton), sentimenti di passaggio, colpi di stile con palette
sonore uberposhy (l’introduzione sembra essere presa
da una sequenza del primo Tron): un caleidoscopio
balearic adatto agli angry young men’ che si sentono
inadatti al pogo del concerto degli LCD Soundsystem
e che però hanno ancora sull’hard disk le foto della
sbandata di qualche anno fa per i Rapture. Chiamatelo
revisionismo, chiamatela nostalgia, ma Joakim sa come
trasportarci su un mondo alieno dalle mode (esiterei
infatti a definirlo glo-fi) che con la sua personalissima
estetica è ancora un faro per le nuove generazioni. Fuori
dal tempo.
(7.3/10)
MarCo BraGGion
JohnnYBoY - Meat MY BeatS (autoProDotto,
GiuGno 2011)
Genere: sampleDelia, beats
Johnny Spataro aka JohnnyBoy, calabro di origini,
trapiantato a Firenze, coordinatore di quella crew
OverKnights che ormai conosciamo così bene, arriva
finalmente al primo beat tape, ‘’made with two faithfull
samplers, many minced samples and quite a few over(k)
night sessions’’.
Il ragazzo è ispirato e ne viene fuori un lavoro di ottima
fattura, 15 cut sampledelici tra found voices, accordi
di piano, strumenti a corda, bassi gommosi, scratch (ci
sono le mani di JaJa e Franco Crudo) e sample dai dischi
giusti, con in testa le radici funksoul (Since Yesterday),
il Madlib freejazzofilo (Another One) e smozzichi
dubstepofili (Mereg’s Phillies, con lo zampino infatti di
Manuele Atzeni). Il tutto imbastito su quelle ritmiche
scollate - ma saldamente piantate nell’hip hop (Come
Sono, Sono; Ombra) - che sono la feature chiave delle
nuove produzioni strumentali nostrane, con il pregio
aggiunto di non perdere mai di vista il profilo melodico
del pezzo.
Nel frullatore anche un paio di remix dei compagni di
cordata Daretta e Millelemmi (Bye Bye Baby e Desolato
Isolato) e la westernata S.P. Strollin’ già sul sampler #0.
(7.2/10)
GaBriele Marino
Joker - the viSion (4aD, noveMBre 2011)
Genere: popstep
Fino a due anni fa Joker era la tenebra, uno che con
singoli come Digidesign, City Hopper e Purple City aveva
interpretato il lato più repulsivo e scottante del dubstep,
tanto da guadagnarsi il titolo di “king of bass music”
conferito da XLR8R. Ma era il 2009, i tempi cambiano e
anche lui recentemente ha frequentato le ultime derive
popstep, sollevando dei bei polveroni con singoli come
Tron che suonavano come una rivoluzione del proprio
sound.
Ancora indeciso sul nuovo volto da mostrare in futuro,
il giovane producer accompagna Zomby su 4AD e
pubblica un primo album che segue pedissequamente
le orme del Magnetic Man che fu: popstep ingentilito
che guarda alle classifiche (vedi la Woon-inspired Here
Come The Lights, o la Jessie Ware già vista nei pressi di
SBTRKT qui presente in The Vision come clone di Katy B),
highlight
feiSt - MetalS (univerSal, ottoBre 2011)
Genere: folk pop
Tra le voci femminili di area songwriting sbocciate nella decade scorsa, quella di Leslie Feist è tra le più
intriganti per quel suo modo di smarcarsi tra presente e passato, il timbro languido e disincantato di
chi vive la tradizione come un gesto tra gli altri per traghettare l’oggi nel
domani, e senza perdersi in nostalgie che semmai c’è da mettere in scena
struggimenti e inquietudini contemporanee (e ciò spiega la scelta di due
collaboratori di lungo corso come Chilly Gonzales e del somalo/canadese
Mocky alla produzione). I quattro anni di attesa dal predecessore The Reminder
sono una conferma dell’indole aliena di questa ragazza, refrattaria
ai ritmi convulsi dell’era internet eppure per nulla a disagio nel carosello
mediatico che la vede protagonista di teaser evocativi e book fotografici
che sfondano lo schermo (con quella sua bellezza indocile e spigolosa da
giovane Patti Smith).
Una dimensione contraddittoria cui il qui presente Metals - quarto album in dodici anni - apparecchia
scenografie ottimali in cui consumarsi, dodici tracce sospese in un delizioso, suggestivo strabismo
estetico, il folk-pop evoluto e i detriti soul, la ballata come archetipo necessario e tela da inzaccherare
con estro terrigno e post-moderno. Vedi l’incedere solenne à la Will Oldham di Graveyard, morbidezze
brass di fondo e lo sconcerto sottile di quel canto da nipotina scafata di Joni Mitchell, più lo sfarfallio
allegorico dei coretti che rammentano il sempre caro Sufjan Stevens. Oppure vedi la notevole A Commotion,
ovvero l’incontro tra Kate Bush e PJ Harvey nell’universo parallelo del pop-rock dei nostri sogni,
tensione bluesy e vampe avant sulla spinta incalzante degli archi.
O ancora, con intenzioni certo più carezzevoli, confezionando quella How Come You Never Go There che
diresti frutto d’una Norah Jones più autorevole e strutturata oppure d’una Joan As Police Woman ricondotta
a più miti consigli roots. C’è anche modo di ripensare alla Cat Power memphisiana - di per sé
già tutta una sagra di disillusione e riarticolazioni - nelle venature gospel elettrizzate della opener The
Bad In Each Other, così come al country folk ruvido e fragrante di Lucinda Williams in quella Comfort
Me che s’abbandona a striature liriche Joanna Newsom via Tori Amos, mentre Anti Pioneer spalma soul
come bitume su una ballad che mastica inquietudini Beth Gibbons e poi si concede una stordente,
azzeccatissima agnizione orchestrale.
Per quanto mi riguarda Feist ha trovato la chiave giusta per realizzarsi, ha rivelato se stessa come cantautrice
a cavallo tra saldezza e smarrimento, vale a dire nel pieno dell’attrito emotivo che caratterizza
i nostri strani giorni.
(7.3/10)
Stefano Solventi
alternato a momenti bass secondo ricetta Skream (My
Trance Girl e la stessa Tron). Un Joker vittima dei tempi
ma con un ritardo accumulato di un anno, tanto che alla
fine il sopracciglio si inarca di sorpresa solo nel lato B
del disco, sui tagli ghetto-rap di Lost e Back In The Days
o sull’r’n’b per le chart di On My Mind e Electric Sea, figlie
del Craig David più UK garage.
Tutto materiale largamente consolidato e privo di una
netta impronta carismatica: la tappa più attesa del talento
di Bristol è una miccia inesplosa, un inciampo che,
col senno di poi, era quasi annunciato. Ora sì che urge
un restyling completo.
(5.8/10)
64 65
Carlo affatiGato
Jonti - twirliGiG (StoneS throw, ottoBre
2011)
Genere: wonky / sunshine pop
Nel mondo dei ‘’giovani music maker’’ che si fanno le
ossa, prima di esordire con un disco tutto loro, come
turnisti per artisti già affermati, quello che sicuramente
non manca è la sapienza produttiva. Quello che invece

manca spesso è quello scatto in più (leggi gusto melodico,
personalità dello stile) che faccia andare oltre il pur
impeccabile esercizio costruttivo, oltre il pur generoso
saggio tecnico. Ecco, è questo essenzialmente, pur con
tutte le diversità del caso (ma è questo il parallelo che ci
è subito venuto in testa), che distingue l’esordio del pur
bravissimo Jules Chaz (del giro dei Cobblestone Jazz;
bravissimo davvero, ma un po’ troppo derivativo) da
quello di Jonti, già collab di Mark Ronson e Santigold,
al suo debutto sulla mai troppo lodata Stones Throw.
La musica di Jonti, pur dichirando le proprie fonti (le
produzioni di Madlib, l’etereo indie degli Stereolab, gli
anni Sessanta solari, barocchi e vocali di Free Design e
Beach Boys; ma anche il collagismo, la sperimentazione
sui materiali e la complessità-travestita-da-semplicità
del videomaker Norman McLaren), riesce a venire fuori
con stile e soprattutto personalità, realizzando un’idea
di musica pop contemporanea e dinamica (ed essenzialmente
strumentale), magari rivestita - attorcigliata,
come da titolo - da tutti gli skills produttivi del momento,
ma colorata, godibile, fischiettabile: fresca come un
futto tropicale.
Jonti crea dei quadretti wonky eleganti, psichedelici
ed esotici per i quali non si può non usare l’aggettivo
delizioso: dalle carinerie fiatistiche-tastieristiche di
Nightshift in Blue, all’exotica languida di Batmilk, passando
per l’inciso alla Penguin Cafe Orchestra - ovviamente
wonkyzzata - di Firework Spraying Moon e i Residents/
James Pants di Spooky Sport. Davvero un bell’esordio,
consigliato tanto agli amanti delle produzioni strumentali
post-HH quanto agli indie e ai fricchettoni.
(7.4/10)
GaBriele Marino
JuStiCe - auDio, viDeo, DiSCo (eD BanGer
reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: proG touch
Secondo e tanto atteso disco per Xavier de Rosnay e
Gaspard Augé. Dopo quel segnaposto che è stato per
moltissimi il loro esordio (Cross), si smarcano dalle paludi
dell’hard rock misto al fidget - ormai solo un ricordo
anche per i nostrani e sdoganati Crookers - e puntano
su un memorabilia affabile degli anni Settanta. Sì, riprendono
in mano le sonorità degli Yes, dei primi Queen
e pure degli Eagles e le mescolano al loro modo di fare
rock’ apparentemente cazzone e trasandato, come il
buon Busy P insegna. Il daftismo del duo segue però
una strada aliena dal conglomerato Ed Banger, che ultimamente
si rivela in molti casi solo un ombrello protettivo
e claustrofobico per le eventuali innovazioni dei
ragazzi post-f-touch.
Per uscire dal seminato si chiamano in studio - pensiamoci
bene: chi non accetterebbe? - degli amici come
Ali Love (la voce di Do It Again dei Chemical Brothers),
Vincent Vendetta dei Midnight Juggernauts (Ohio)
o Morgan Phalen dei Diamond Nights (On’n’On), ci si
sputtana con le multinazionali uberpop (Civilization è
stata infatti la colonna sonora di un noto spot Adidas),
ci si crogiola con la retrofilia di Who e AC/DC (Newlands),
Supertramp, il filtraggio Daft Punk (Helix) e per certi versi
si resta ancorati a un marchio di fabbrica che riporta
la tradizione più illuminata del touch (Tellier e Air in
Parade), mescolando al tutto una pomposità barocca
(Horsepower, Canon (Primo)) che distingue da sempre i
lavori del duo crociato.
Il disco non ha i singoli macinaclassifiche dell’esordio
(l’unica botta probabilmente è la titletrack), non ha la
freschezza di un suono-che-va-di-moda oggi, ma fa il
suo lavoro in maniera egregia, si lascia ascoltare in loop
sia dal pubblico dance che dal pubblico rock e merita
per questo una degna considerazione nell’alveo dei figliocci
adottivi di Guy-Man e Bangalter. I Justice invecchiano
senza sputtanarsi. Alla lunga, scoppiata la bolla
french, il loro suono sembra essere però destinato a far
godere solo gli aficionados.
(6.6/10)
MarCo BraGGion
koDiak - koDiak (Denovali, ottoBre 2011)
Genere: Doom/noise/exp
Novità o ristampa, questo album omonimo dei tedeschi
Kodiak? Un po’ e un po’, a dir la verità. Nel doppio cd
edito da una Denovali sempre più punto di riferimento
per i suoni estremi - dal metal al post-rock, passando
per ambient e experimental, tra cui i nostri Lento - il
terzetto da Gelsenkirchen/Bochum unisce alle due tracce
dell’omonimo album d’esordio, le composizioni rilasciate
negli split con Nadja (MCCCXLIX The Rising End)
e Black Shape Of Nexus (Town Of Machine) e il nuovo
lavoro collaborativo con N, al secolo Hellmut Neidhardt,
dal titolo Rn|Xe - disponibile solo in formato vinilico -
oltre ad una traccia previously unreleased (By The Sea).
Drone, ambient, noise, doom, attitudine “post” e slanci
sperimentali è ciò che imbastiscono i tre nelle lunghissime
e quasi statiche composizioni, calibrate tra improvvise
aperture noisy, vuoti pneumatici fatti di assenza e
rarefazione e instancabile ricerca sul suono e sulle possibilità
di profondità del soundscape ambientale.
Interessante notare attraverso quello che in definitiva
ne rappresenta l’intero percorso, l’evoluzione sonora del
trio tedesco: dal romanticismo di matrice heavy postrock
degli esordi (una Beginning tesa e vibrante sulle
highlight
laPinGra - SalaMaStra (iMaGo, ottoBre 2011)
Genere: pop contaminato
Avessero prediletto solo certi intarsi comunque presenti nella loro musica (This Is Not A Test), i Lapingra
sarebbero rientrati tra le miriadi di formazioni dedite a un electro-indie di pregevole fattura ma
obiettivamente fin troppo inflazionato. Invece in Salamastra Paolo Testa e
Angela Tommassone optano soprattutto per un pop variopinto, caleidoscopico
nelle influenze e destinato a sfiorare nei momenti migliori (con tanta
tenacia e altrettanta incoscienza) le altezze contaminate di artiste come St.
Vincent (Run Atreyu Run, Put Them In A Box), pur rimanendo ben ancorato
a una concezione minimale e ironica in stile Le-Li.
Un controsenso? Certo, come tutta la produzione di questo duo a soffietto
(nel senso di espandibile, soprattutto in dimensione live in cui si arriva fino
a venti elementi), capace di piazzarti sotto il naso un classicismo cinematografico
in salsa Björk rubato alla Moon River di Colazione da Tiffany (One Day) e certe perle pop di
genuino stupore (Anacleto), una Kazu Makino in versione anime (Kangaroo) e accenni a coralità in stile
Architecture In Helsinki (Whop!). E se l’unico esperimento in italiano strizza l’occhio a certe cadenze
de Il genio (Solo un disegno circolare) è solo per puro caso, visto che in altri frangenti (Miracles) il mood
punta dritto alle Cocorosie ma anche a un disordine consapevole fatto di produzione esemplare e
soluzioni scombinate ma brillanti.
Se non ci avete capito gran che non preoccupatevi: è esattamente quello a cui mira la formazione
molisana. Impegnata a costruire un castello di carte che, nella sua improbabile ma meravigliosa estemporaneità
fatta di archi, ottoni, strumenti giocattolo, tastiere e chissà cos’altro, regala musica nutriente
e di assoluto valore.
(7.3/10)
faBrizio zaMPiGhi
corde di un classicismo post-mogwaiano, complice il
cello di Emelie Molin) all’afflato mistico-doomy che ne
pervade sottotraccia lo scibile (End, lo sludge putrescente
e ribassato di Town Of Machine), per arrivare alle
sperimentazioni sul wall of sound d’ambito drone/soundscape
(alla Sunn O))) per capirsi) del nuovo album. Un
interessante e a tratti spossante fermo-immagine sullo
state of the art della lentezza made in Europe.
(7/10)
Stefano Pifferi
kueDo - Severant (Planet Mu reCorDS,
ottoBre 2011)
Genere: kosmische music
Nonostante il percorso di avvicinamento iniziato l’anno
scorso con gli eppì Starfox e Dream Sequence, ascolti la
prima traccia di Severant, Visioning Shared Tomorrows,
puro intrattenimento kosmische anni ‘70 ascrivibile
per intero a Jean-Michel Jarre e all’era delle tastiere
kraut, e sembra incredibile che Kuedo sia l’invenzione
di Jamie Vex’d: il responsabile di quel Degenerate datato
2005 che fu tra le scosse più aggressive e penetranti
dell’ondata dubstep, al quale poi cercò di dar seguito
Cloud Seed rispolverandone con scarso successo i risvolti
oscuri più d’ambientazione. Ora è il 2011 e il duo Vex’d
si spezza seguendo due strade diverse, con l’altra metà
Roly Porter che esordisce con un Aftertime denso di
architetture dub-techno complesse, e Jamie che invece
finisce in piena parentesi nostalgica, con la mente
dispersa tra quegli anni che han segnato la definitiva
affermazione dell’electronica moderna.
Altro che orientamento al futuro, Severant è retrologia
sistematica ricondotta alle visioni Blade Runner, con
strascichi di malinconia da cameretta che rasenta lo
spirito glo (Salt Lake Cuts, meno distante di quanto si
pensi da un Com Truise). L’esigenza attualizzante Jamie
la concentra tutta in una sezione ritmica che corre su
un binario parallelo, quasi indipendente, fino a ridursi
semplice espediente tecnico per dar peso alle tracce:
senza scomodare inutilmente gli ascolti indicati in press
66 67

highlight
new look - new look (!k7, ottoBre 2011)
Genere: chill-pop
Ascolti l’esordio dei New Look e sembra quasi che fare un disco pop coinvolgente e carismatico al giorno
d’oggi sia un gioco da ragazzi. Come se i rischi di derivatismo più o meno appariscente dai soliti ‘80
e di appiattimento su un mood che nei tempi si è evoluto pochissimo fossero solo delle piccole note a
margine facilmente eludibili, e non - com’è in realtà - delle trappole fatali su cui incappano nove dischi
su dieci. Poi ti guardi intorno, realizzi che i casi che riescono a svincolarsi
dai soliti rami genealogici synth- (gli onnipresenti Depeche Mode e New
Order), dream- (Cocteau Twins sempre attualissimi) e ambient- (il filone Air
detta ancora scuola) si contano sulle dita di una mano, e ti accorgi quanto
sia facile apprezzare le qualità (e la spontaneità) dell’album in oggetto.
Il segreto della coppia canadese è saper accostare le melodie morbide e carezzevoli
disegnate dalla vocalist Sarah Ruba (una triangolazione irripetibile
tra la discendenza storica di Madonna, l’r’n’b-mainstream USA tutto pepe
di Beyoncé & co. e quella pasta soul che non può non ricordare una certa
Sade) a delicate aperture dance da camera di decompressione, passate
lungo un filtro di ricordi di decenni passati che ne addolcisce la carica. Come dire il rebirthing chill-out
applicato a un pop stanco di inflazionarsi con additivi synth: a esser solleticate sono certe movenze
ambient-house (vedi una Numbers che, seducente e delicatissima, chiude addirittura su nostalgici memorabilia
acid) e rispolveri disco (nella patinatissima So Real rivive Donna Summer), il tutto su un fondale
compatto di sedimenti electro e residui technopop presi dai Kraftwerk di The Man-Machine (Relax Your
Mind, con tanto di crescendo 8bit).
La mente ritorna agli apici indimenticati dei conterranei Junior Boys (A Light), o ancor prima alle ambiziose
traiettorie ambient-pop dei primi Gus Gus (Drive You Home), tenendo comunque vicina la ballabilità
nu-soul dei più recenti Little Dragon (Teen Need). Nessuna vera hit-bomba (anche se Numbers e Teen
Need...), a vincere è l’atmosfera avvolgente, consapevole del proprio raggio d’azione e sottesa tra due
vertici (neo-soul e dance) con cui flirta in modo galante e rispettoso, evitando di invaderne gli spazi.
Sembra roba da niente, ma stacca di netto gran parte degli indie-pop act emersi recentemente, inclusi
nomi rispettabilissimi quali Metronomy, Mirrors o Austra. Per la serie “quando il Canada è in forma,
non ce n’è per nessuno”.
(7.3/10)
Carlo affatiGato
(footwork e coke rap), questo è reflusso step anni ‘10
(quell’effetto ‘ali di mosca’ di Onset o Ascension Phase
rintracciato di recente in Zomby o Machinedrum), che
però risulta a tratti avulso e restìo a modellarsi sulle
aperture cosmiche che sottende.
Va detto che l’album è sicuramente sentito, appassionato,
e dalla sua ha certi colpi ben centrati, vedi brani
come Ant City o Seeing The Edges densi di suggestioni
dark, o una Flight Path da applausi col suo taglio sci-fi/
mistery solido e sicuro. Ma rimane nell’aria un senso di
accartocciamento, che riceve risposte troppo deboli da
frangenti quali Scissors (irrisolte contraddizioni ritmicomelodiche)
o Reality Drift (leggerezza in cerca d’autore).
L’ascolto ripetuto apre più perplessità di quanto non ne
risolva e restituisce un Jamie introspettivo come non
mai, ma che tralascia di convincere l’ascoltatore. Di rispolveri
delle primigenie electro ne sono emersi diversi
negli ultimi anni (e trasversalmente a più generi), ma
senza il sostegno di un’impronta caratteriale marcata
una full-immersion così esplicita rischia di risultare fine
a sé stessa. Incorreggibile Vex’d, riuscirà mai a mettere
tutti d’accordo?
(6.1/10)
Carlo affatiGato
l-viS 1990 - neon DreaMS (niGht SluGS,
SetteMBre 2011)
Genere: Dance pop
Non c’è da stupirsi che James Connolly sia tra i producers
più apprezzati della dance underground UK e non:
la Night Slugs, da lui fondata insieme a Bok Bok, si è
rivelata negli ultimi anni una delle etichette più attente
alle ultime frontiere da club grazie a un mirabile roster
fatto di nomi quali Egyptrixx, Jam City, Girl Unit e Lil
Silva, e anche lo stesso contributo dato dalle sue uscite,
dall’EP omonimo del 2008 al recente Forever You, ha
disegnato un percorso mirato sempre abile a coniugare
aria di novità (funky) e solidità strutturale (house). E
questi sono fatti ben consolidati, tutte ragioni più che
lecite per pretendere dal primo full-lenght a nome L-Vis
1990 qualcosa di più che una semplice serie di pezzi
dance che scorre in punta di piedi senza lasciare tracce
degne di nota.
La realtà invece è che Neon Dreams vuol essere fondamentalmente
un disco pop, di quelli a largo consumo e
facile ascolto. I vari umori deep (The Beach), le venature
disco (Shy Light) o i 4/4 furbetti (Illusions) sono tutte ipotesi
sfiorate con timidezza, stando bene attenti a non
rischiare cali di fruibilità ad ampio raggio. Sicuramente
più redditizio puntare (ancora...) sulla formula garantita
degli Hercules And Love Affair (devotissime Tonight,
Play It Cool e Lost In Love), giocando però a carte ancora
più scoperte di quegli Azari & III che, loro malgrado,
tengono ancora ben presente la lezione oldskool house.
Qui l’aria è più quella dello Shit Robot dell’anno scorso,
vale a dire chiudersi nelle certezze del proprio studio e
passare la giornata a spolverare i cimeli fino a farli nuovamente
luccicare. Tanto per evitare di sbagliare. La
montagna ha partorito il topolino? Forse in realtà era
solo una collinetta...
(5.9/10)
Carlo affatiGato
le-li - BlaCk alBuM (GarrinCha DiSChi,
ottoBre 2011)
Genere: pop folk
La loro cover di Barbie Girl degli Aqua è stata senza dubbio
una delle migliori del Cantanovanta di Garrincha.
I due avvistamenti precedenti (Music’s Not For Grown
Up, 2008 e My Life On A Pear Tree, 2010) hanno gettato
un alone misterioso e intrigante sul duo vicentinobolognese.
I Le-Li giungono con questo Black Album
ad un punto di svolta. Prima di tutto sperimentano
l’idioma nostrano, che suggella le liriche del “lato A”. In
più, decidono di aprire le porte del progetto a nuovi
strumenti e strumentisti, che rendono più determinato,
ficcante e saporito il prodotto.
Devoti a una lunga tradizione swing-folk (che parte negli
anni 50, passando per i Beatles e Norah Jones), i
Le-Li tessono trame delicate, fra sogni in bianco e nero
e favole al telefono. La leggerezza di fondo sfuma pian
piano per lasciare spazio ad un introspezione tutta fanciullesca
(Alla Befana è una tenera invocazione in chiave
pop, mentre A cosa servono le tonsille è un interessante
indagine sulla pratica chirurgica tanto in voga negli anni
80). Strumenti giocattolo, ukulele, case delle bambole:
sono piccoli tasselli che determinano il carisma e la personalità
del duo.
Una volta capito l’universo di Le-Li, ce ne si può facilmente
appassionare, cadendo intrappolati nei ritornelli
o nelle melodie di fiati (plauso speciale a Elio Dalla Casa
per questi). Il lungo ponte che collega il pop alla musica
d’infanzia, al folk, alla musica da strada, al cantautorato
di Sergio Endrigo, è percorso a vele spiegate, rivelando
solo pochi intoppi (la voce potrebbe dare di più, soprattutto
nell’italiano). Con le dovute accortezze, il loro Black
Album può rivelarsi una buona trapunta per superare
l’inverno.
(7/10)
nino CiGlio
loS CaMPeSinoS! - hello SaDneSS (wiChita
reCorDinGS, noveMBre 2011)
Genere: canaDian inDie pop
Non c’è che dire, Hello Sadness è un disco inappuntabile.
Formalmente ed esteticamente perfetto nel rientrare
in un preciso canone, che poi è la maniera espressiva
dell’indie-pop - o meglio, di certo indie-pop - dagli ultimi
dieci anni a questa parte. Già quando uscì l’esordio
di questi giovinastri di Cardiff (Hold On Now, Youngster,
2008) il nome del gioco era talmente evidente che prima
ancora di ascoltare, bastava vedere la label - Arts &
Crafts, in Europa Wichita - per capire di trovarsi di fronte
a una versione gallese dei Broken Social Scene. Semplicistico,
direte voi. Eppure è proprio così, come hanno
poi confermato le due uscite successive e adesso anche
queste nuove canzoni, registrate con il veterano John
Goodmanson (Bikini Kill, Wu Tang Clan, Sleater-Kinney).
Provate pure la title track e Songs About Your Girlfriend:
chitarre anni ’90 e grandeur tutta canadese. Orfani di
Brendan Canning e Kevin Drew (da poco entrati in pausa
indefinita), gioite pure.
Los Campesinos! oggi sono la prova vivente che il decennio
altrimenti noto come Noughties non è passato
indenne: satellitare e rizomatico, certo, ma colmo di
tendenze e capiscuola che adesso sono, dicevamo sopra,
maniera. Quindi non stupisca se, a un ascolto più
68 69

attento, emerge che alle cadenze iperaccelerate degli
esordi ha fatto posto un lirismo folk-wave tutto Win Butler,
magari filtrato attraverso la sua analoga scoperta del
folk di matrice springsteeniana, con la sola di sostituire
il Boss con Billy Bragg giusto per vicinanza geografica
(Hate For The Island). “Cresceranno” è l’auspicio con cui
tre anni fa chiudevamo la recensione del debutto: in
effetti Gareth e gli altri sei Campesinos sono cresciuti,
e sono diventati gli Arcade Fire. Non c’è che dire, il percorso
di evoluzione è del tutto coerente, nel guardare
al Canada come stella polare assoluta.
E la personalità? Ci sarebbe, e occorre scavare nei testi
ma è difficile che emerga da sé, in un set così preordinato.
Per cui sì, tutto a posto, tutto bello, tutto più
o meno confermato. Guardate pure a questo disco se
volete quella cosa. Ma aspettarsi altro, aspettarsi di meglio,
non è il caso.
(6.7/10)
antonio PuGlia
loSt triBe - loSt triBe (BlinD ProPhet,
ottoBre 2011)
Genere: Goth punk
Neanche il punk americano più intransigente ed incompromissorio,
quello tutto chiodi di pelle, borchie e
trucide toppe crust, è rimasto insensibile al revival 80’s
che da qualche anno a questa parte sta facendo la fortuna
di label come Sacred Bones fin giù all’etichetta più
misconosciuta.
Lo dimostrano i Lost Tribe, nuova band formata da
membri di gruppi hardcore a stelle&strisce come SSR,
Syndrome e Aghast alle prese con un sound ben più tetro
a base di forti dosaggi di T.S.O.L., Christian Death e
primissimi Killing Joke. Già citati su queste pagine grazie
a The Dawn, la cassettina di debutto, i ragazzi in nero
della Virginia arrivano al full-length per la Blind Prophet
di Sean Ragon (leader dei Cult Of Youth), label già artefice
dell’edizione in vinile degli album di Art Abscons e
Mueran Humanos.
Se in occasione della tape avevamo parlato di pezzi
dark-punk in bilico tra tensione hardcore e macabro
lirismo goth, Lost Tribe riprende quattro di quei cinque
brani, appesantendo e inspessendo il suono, così da
risultare ancora più greve e viaggiare di gran carriera
su binari a dir poco scuri dove basso e batteria corrono
minacciosi come scariche elettriche, chitarre e tastiere
erigono fatiscenti cattedrali sonore e la voce è un sermone
intriso di mestizia, un copione lirico a base di desolazione
e macabro surrealismo.
Per tutti coloro che, pur all’interno del vasto calderone
wave-revival, sentivano la mancanza di queste sonori-
tà al contempo tetre e aggressive i Lost Tribe sono un
ascolto obbligato e questo debutto lo dimostra senza
indugi.
(7.3/10)
anDrea naPoli
lou reeD/MetalliCa - lulu (univerSal,
noveMBre 2011)
Genere: rock opera
Signore e signori, habemus monstrum. Se ne è già parlato
e se ne parlerà ancora tanto, di Lulu. Chissà perché,
poi. “Una collaborazione insolita sarebbe stata tra Metallica
e Cher. Questa è una collaborazione ovvia“, spiega
Lou. Che evidentemente ha perso il pelo ma non il vizio,
e chi di voi si sta ancora grattando la testa ha evidentemente
dimenticato che questo signore quasi settantenne
è lo stesso di Metal Machine Music. Berlin. The Bells.
The Raven.European Son. Sister Ray. Meditation Music (il
disco elettronico che nessuno ha ascoltato). Del maestro
di Tai Chi sul palco. Dobbiamo continuare? No di certo.
Allora, Lulu. Che, anzitutto, non è un disco di canzoni. È,
strettamente, un’opera rock, e come tale è inseparabile
dal suo libretto, ovvero i testi che Reed ha preparato per
una recente messinscena berlinese di Robert Wilson dei
celeberrimi drammi di Frank Wedekind, Il vaso di Pandora
e Lo spirito della terra. Testi che, lo diciamo subito, ce
lo restituiscono davvero al meglio: crudi, violenti, evocativi,
poetici, intrisi di una forza espressiva che latitava
da molto tempo (sono migliori, per dire, di quelli di The
Raven, guardacaso scaturito anch’esso da una collaborazione
con Wilson -POEtry - in cui però non riusciva
in modo del tutto convincente a modernizzare Poe,
restando troppo ancorato al modello). Per molti versi,
Lulu sembra una versione pulp di Berlin: a ben vedere,
tra il cuore di ghiaccio della protagonista, femme fatale
archetipica e l’Alaska di Caroline corre davvero poco.
Insomma, Lou gioca in casa e non solo - com’è prevedibile
- vince, ma talvolta si supera. Aprire un album
con un verso come “mi amputerei le gambe e le tette
/ quando penso a Boris Karloff e Kinski / nel buio della
luna” possono permetterselo in pochi, senza sembrare
pretenziosi o ridicoli. Anzi, può permetterselo solo lui.
E qui entrano in gioco i Metallica. Ok, Lou non sarà
Cher, ma perché proprio loro come backing band?
Anche perché oltre a non essere un disco di canzoni,
Lulu non è nemmeno un disco metal. Almeno non nel
senso ortodosso. James Hetfield si limita ad accennare
e sottolineare qualche parola chiave (prende il timone
solo in The View, scelta come anteprima con il probabile
intento di accattivare i fan e sortendo invece l’effetto
opposto), lasciando a Reed tutto lo spazio per divagare
highlight
newtone2060 - Shot (fratto9 unDer the SkY, aGoSto 2011)
Genere: impro-Jazz
Giungono al terzo album i Newtone2060 ma non si stancano di stupire, focalizzando
ancor di più la propria proposta. Musica d’avanguardia, quella del trio
Calcagnile/Albert/Sammartino (rispettivamente drums/objects/effects; voice/
effects; turntables), che smussa angoli, confonde le tracce e propone derive
inattese ad ogni cambio di passo, ad ogni giro di battuta.
L’opener How Is Your Heart? è una roba dall’andamento claudicante e swingato
come sapeva essere il soul-mutante dei Soul Coughing misto a certe robe
white-hop, senza nessuna traccia di hip o negritudine, ma in grado di catapultare
jazz astruso, vocalità nera, afasie ritmiche e rumorismo concreto in un calderone inarrestabile.
Troppa roba? No, manco per niente. Perché il senso di Shot risiede proprio nella fagocitazione infinita di
input e rimandi, come un Naked City d’antan onnivoro e tentacolare reso al ralenti e senza parossismo
strumentale. O come certo “jazz” rumorista d’avanguardia di quello di base alla Setola Di Maiale, ma
con un senso del groove atipico, coinvolgente e con una infinita attrazione per il collage e il montaggio.
Destrutturazione e ricomposizione in set tra l’acustico e l’elettrico, capace di partire da un punto di
partenza alieno - le parole di Bukowski - per arrivare su un pianeta altrettanto alieno fatto sì, di decomposizione
strutturale di matrice colta (Cutler, certo, e pure i nostri A Spirale, Camusi, Illàchime Quartet
e tutti quelli di Musica Improvvisa), ma anche di ricombinazioni limitrofe al pop - la resa di Through The
Barricades degli Spandau Ballet, tutto un accessibile stop’n’go frankesteiniano - e di stalagmiti di fonti
sonore estranee e spiazzanti (divertitevi a cercare tra i vari frammenti “echoes of italian songwriters,
tango, ’80s, bebop and trash”). Così l’a-ritmo dei Sinistri va a braccetto con le schizofrenie soul della
voce (Love&Fame&Death) o l’industrial per voce e ossessioni di Amazing (lyrics dal “A Challenge To The
Dark” del citato scrittore americano), convivono con gli intricati pastiche vocali e i frammenti dei vinili
dalle fonti più disparate, diegetiche ed extra- (marcette fischiate, sirene, stralci di piano classico, fruscii
di puntine, do-bop scratchato, ecc.). Una vertigine di suoni per una fruibilità invidiabile.
(7.5/10)
Stefano Pifferi
con il suo talking stonato e, come felicemente definito
da qualcuno, disancorato. E se si sta molto attenti, a
parte i riffoni Sabbath della citata View e Frustration e la
cavalcata thrash di Mistress Dread, non si tratta esattamente
di metallo duro e puro. È pur sempre metal-Lou.
Brandeburg Gate e Iced Honey sono puro vecchio stile
à la Sweet Jane, rese solo più truci dai Four Horsemen;
l’uso espressivo e reiterato di droni di violino e organo
portano al puro suono di Metal Machine Music e della
recente musica per meditazione (oltre a sembrare una
strizzatina d’occhio al vecchio amico/nemico John Cale
e alla moglie Laurie Anderson); e forse che la conclusiva
- e notevole - Junior Dad non rinverdisce i fasti di
Street Hassle? Lulu è piuttosto un disco che usa i toni
del metal per veicolare certi contenuti lirici, in modo
descrittivo e evocativo. Un effetto riuscito in Cheat On
Me e - ottimamente - in Pumping Blood; stando alla pura
brutalità di quest’ultima (si mette in scena il massacro
della protagonista da parte di Jack lo Squartatore), in
effetti non ci volevano i Metallica. Ci volevano gli Slayer.
E se tutto questo per la maggior parte dei metalheads
può risultare incomprensibile (come se unire metallo e
intelletto fosse tabù, ma qualcuno si ricorda di Marianne
Faithfull in The Memories Remain?), nell’ottica reediana
- diremmo: velvettiana - acquista perfettamente senso.
Lulu è un esperimento, così come lo era White Light /
White Heat: cambia solo la forma, ma lo spirito è quello.
È un esperimento riuscito? Non del tutto, perché è di
fruizione palesemente difficile, soffre l’eccessiva lunghezza
dell’insieme e dei singoli episodi e il matrimonio
tra le due entità artistiche si in realtà si consuma solo in
parte, e con esiti comprensibilmente controversi. Il suo
valore, più di tutto, consiste nel rimettere in discussione
le potenzialità di un genere - il rock - che qualcuno
70 71

highlight
riChMonD fontaine - the hiGh CountrY (DeCor, SetteMBre 2011)
Genere: rock folk
A due anni dal buon We Used To Think The Freeway Sounded Like A River tornano i Richmond Fontaine,
band capitanata da quel Willy Vlautin che negli ultimi anni ha coronato la sua indole di scrittore
con tre fortunati romanzi, da uno dei quali - The Motel Life, il debutto del 2006 - è stato anche tratto un
film per la regia dei fratelli Alan e Gabe Polsky. Lo stesso impasto di fatalismo allibito carveriano e speranza
dissipata McCarthy che sostanzia quelle pagine corre come un filo teso tra le diciassette tracce di
The High Country, decimo lavoro in tre lustri per il quinettto da Portland, altrimenti definibile concept
album ma ancora meglio un racconto che procede di canzone in canzone.
La vicenda - una problematica storia d’amore tra un meccanico ed una commessa, due loser nella terra
dimenticata dal Sogno Americano - si nutre per così dire degli sketch atmosferici
apparecchiati dai pezzi, ma ancor più sono le canzoni a beneficiare della
spinta narrativa, cavalcandone gli accumuli emotivi ed i rilasci estatici che in
un certo senso diventano additivi della trama sonora. Non stupisce quindi
trovare i Richmond molto più versatili e incisivi che nelle ultime prove, disposti
tanto alla ballata intimista (le toccanti Deciding To Run e Let Me Dream Of The
High Country - cantate dalla brava Deborah Kelly dei Damnations - o quella
The Meeting On The Logging Road che coglie petali spiegazzati Howe Gelb da
una margherita Eels) che alla vampa elettrica (l’impeto Decemberist via 16th
Horsepower della stupenda The Chainsaw Sea, i trilli e le pennate incandescenti di Angus King Tries To
Leave The House, l’inquietudine radente Stan Ridgway di Lost In The Trees), per non dire della fregola
onirica che solleva da terra episodi impressionisti (in senso cinematico) quali The Mechanic Falls In Love
With The Girl o I Can See A Room (Brian Wilson colto da afflizione Black Heart Procession?).
Per tutto ciò, alt-country potrebbe suonare come una ben angusta definizione, individuabile al più come
base sentimentale di un’Americana duttile e ramificata fin dove occorre estendere l’immaginario. Questa
capacità di rappresentare una scheggia di presente - non certo tra le più comode - con toccante durezza
e acceso lirismo, con un senso di necessità che non scivola nella retorica, fa di The High Country uno dei
migliori titoli del repertorio Richmond Fontaine e tra i più significativi ascolti dell’anno.
(7.5/10)
Stefano Solventi
si ostina a dare ancora per spacciato. Ci volevano un
vecchietto (la cui vita è stata salvata dal rock’n’roll, se
ricordate) e quattro metallari semibolliti a ricordarcelo.
C’è da pensare.
(7/10)
antonio PuGlia
luke roBertS - BiG BellS anD DiMe SonGS
(thrill JoCkeY, noveMBre 2011)
Genere: neo-folk
Colpisce al primo ascolto il senso di intimità dell’esordio
di Luke Roberts, nativo di Nashville residente a Brooklyn.
Sarà forse merito della gioventù trascorsa all’aperto
e consacrata alla musica, ambedue mezzi a disposizione
per riempire lo spazio lasciato dalla fuga del padre. Come
a dire che con un’esistenza senza punti fermi si può venire
a patto e lasciarsela alle spalle usando le canzoni a
mo’ di catarsi. Cosa sempre più rara nello smaliziato, ultra
cinico panorama odierno e pertanto da premiare al di là
di un disco che iscrive Luke al fan club di Mark Kozelek
(evidenza la vibrante Unspotted Clothes) e di Will Oldham
(idem per Dime Song), le melanconie rispettivamente languide
e agresti dei quali sono qui lessico corrente.
Il che significa composizioni di mezzi-toni arrangiate
con gusto spartano però efficace (apici Somewhere To
Run, la briosa Anyway, l’arazzo Epcot Women); occasionalmente
- ed è lì che il ragazzo viepiù convince - attraversate
da un’elettrica infiorettata di wah-wah (Just Do
It Blues) che è sì Neil Young ma pure J. Mascis. Come
fossero confessioni o piccoli racconti, osservi il tutto flut-
highlight
roCket froM the toMBS - BarflY (fire reCorDS, noveMBre 2011)
Genere: Guitar-rock pre-77
Immaginate di aspettare 37 anni. Facendo qualsiasi cosa, bella o brutta, della vostra quotidianità. Non
propriamente un lasso di tempo breve. Immaginate ora di essere una band che aspetta di pubblicare il
proprio esordio (pseudo)ufficiale. A memoria, torna in mente solo il caso dei detroitiani Death, ma lì si
trattava di una riscoperta, anche se poi i tre si sono pure riformati. Quello dei Rocket From The Tombs,
invece, è proprio uno di quei casi limite che ogni tanto si ritrovano nella storia
del rock’n’roll. Uno di quei progetti intorno a cui la leggenda si è spesso mischiata
al mito, senza che praticamente nessuno avesse avuto modo di mettere
le mani su qualcosa di tangibile se non con qualche rara eccezione: giusto un
cd di “live-radio and concert tapes” del 1975 (The Day The Earth Met The Rocket
From The Tombs, 2002) e un altro live in studio post-reunion da vendersi come
tour-cd (Rocket Redux, 2004).
L’esperienza di questa band di Cleveland fu infatti breve e stitica come solo
quelle delle leggende costruite sul nulla sanno essere. A parlare per i RFTT fu la filiazione diretta, per
non parlare dei discendenti indiretti: da un lato i Pere Ubu di mr. David Thomas, dall’altro i Dead Boys
di Cheetah Chrome, al secolo Gene O’Connor. Entrambi presenti nella prima incarnazione della band
e entrambi presenti ora, in questo primo studio-album ufficiale, insieme al bassista originale Craig Bell
e coadiuvati da due partner di rispetto: Steve Mehlam, attuale batterista dei Pere Ubu e l’ex-Television
Richard Lloyd alla seconda chitarra a sostituire il defunto Peter Laughner. Un parterre de roi per una
uscita che rinvigorisce il mito e dimostra come la classe non sia acqua e che il tempo sia un peso solo
per i poveri di spirito. Barfly suona infatti al tempo stesso classico, come se fossimo nel 1975, e fresco,
come se i Pere Ubu si fossero abbeverati alla fonte dell’eterna giovinezza.
Guitar-rock iper-vitaminizzato (I Sell Soul), giocose retro-indagini sulla storia del rock (gli echi della The
Gift velvetiana a far da scheletro portante a Good Times Never Roll), garage-rock psych & groovey come
dei Dead Kennedys sotto metadone (l’indolenza del cantato di Six And Two), crooning amaro, ironico e
arty (Romeo & Juliet), rock al guado tra americana e southern-rock (Pretty), punk-rock 70s retro-futurista
e icastico (Anna), sarcastici carrarmati pereubuiani prima dei Pere Ubu (Sister Love Train), ballads incestuose
rette da un miagolante Thomas (Birth Day), mai come ora in forma e lucido nel tirare le fila del
suono della sua band primigenia.
Si dirà delle assonanze col gruppo di Thomas (impossibile negarlo), si dirà che è musica datata (ma era
nelle intenzioni del quintetto), si dirà che non ci piacciono le reunion (anche se qui non c’è lo scopo di
lucro), ma quando si è a tali livelli possiamo anche fregarcene di tante chiacchiere. Facciamo conto che
il tempo si sia fermato. O meglio, che sia tornato indietro.
(7.3/10)
Stefano Pifferi
tuare tra desiderio e ritrosia, lasciando un pizzico di mistero
che indica un buon talento potenziale. E un sincero
compagno col quale trascorrere le serate d’autunno.
(7/10)
GianCarlo turra
MaGazine - no thYSelf (wire SounD ,
ottoBre 2011)
Genere: wheelchair wave
E’ assodato che sulle reunion - analogamente ad altri
aspetti sterili e morbosi del ritorno al passato - si sia ormai
perso ogni freno. Nondimeno c’è chi ancora prova
a cavar buchi dall’acqua come i Magazine, ritrovatisi da
due anni e mezzo nella formazione dell’ultimo periodo
(Howard Devoto, Dave Formula, Barry Adamson, John
Doyle) integrata dal chitarrista Noko - già a fianco di Devoto
nei Luxuria - a rimpiazzare il defunto John McGeoch.
Passino i concerti e il rifare per intero The Correct Use
Of Soap, ma con tutta la buona volontà proprio non si
può salvare il materiale nuovo registrato senza un Adam-
72 73

highlight
SanDro Perri - iMPoSSiBle SPaCeS (ConStellation reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: post-rock
Il ragazzo è canadese, ma vista l’anagrafe permetteteci di sentirci orgogliosi. Già noto per l’apprezzata
attività di produttore, ingegnere del suono e remiscelatore, Perri offre dopo quattro anni la seconda
prova solista pur non essendo un novellino, siccome tiene già in archivio il dub elettronico a nome
Polmo Polpo e la mutant disco del progetto Glissandro ’70. Proprio da lì conviene partire, cioè dalla
passione che l’uomo nutre verso il genio di Arthur Russell, rimesso in vita da questo scintillante disco
e trasportato sulla tratta Canterbury-Colonia-Chicago a zonzo tra i Settanta e
i Novanta. Il carburante essendo arrangiamenti curatissimi però mai leziosi -
arredo sonoro da cui emerge la sapienza di chi si trova di là dal vetro con un
motivo - e la scrittura, d’arguzia elaborata e passionale.
Basta puntare la traccia d’apertura Changes per tastare il polso della situazione,
dondolando su un passo motorik che dalla pista da ballo illividisce nei Caraibi
e si spegne brusco. Oppure la samba disturbata modello ultimi Gastr Del Sol
o primi Sea & Cake Love & Light; altrimenti, la seconda parte di Futureactive Kid
(la prima una secca malinconia di tastiere vetrose e strumenti fantasma) che profuma di David Sylvian
confuso e felice. E How Will I? I Can a un apice di giocosità avesse Holger Czukay preso la barra del comando
e guardato a certo illuminato prog. Wolfman? Nientemeno che Van Dyke Parks a ridisegnare
Rock Bottom con David Byrne.
Alla faccia del citazionismo e della retromania, direte. Bravi, ma sappiate che le fonti originali sono intrecciate
e decontestualizzate fino a istillare umanità e sorrisi nei ricordi del post rock che fu. A fungere
da trama per il commiato della title-track, tenerissimo folk latino intinto nel surrealismo che suggella
quello che una volta avremmo definito una gemma da culto.
(7.4/10)
GianCarlo turra
son che il sostituto John White imita alla perfezione dal
punto di vista formale.
Proprio questo il punto, siccome là dove non si fa fastidiosamente
il verso (The Burden Of A Song riconosce già
dal titolo il ricalco da Shot By Both Sides e The Great Beautician
in The Sky, ma tutto il disco rigurgita citazioni ed
echi spogliati di anima e significato), Devoto si affida ad
arguzie testuali e passabile mestiere (vedasi la blaxploitation
Blisterpack Blues e lo sdilinquimento Pulp di Physics,
certi riverberi wave-jazz e bristoliani della lenta The
Worst Of Progress e il ruvido funk tardo-beefheartiano
Happening In English).
Il peggio giunge quando, bloccato tra il passato remoto
dei maestri Bowie e Roxy Music e quello prossimo di se
stesso, l’uomo plana dalle parti dei Kaiser Chiefs o rifila
involuta psicanalisi e calligrafismo autoriferito. Estetica
pura e spettri hanno preso il potere: non provarci più,
Howard.
(5/10)
GianCarlo turra
MakoSSa & MeGaBlaSt - SoY CoMo SoY (luv
lite reCorDinGS, noveMBre 2011)
Genere: afro-cuban house
Torna il duo di produttori viennesi in salsa afro-beat con
appunti techno animati dal battito terzomondista e primigenio
che ha fatto da tempo drizzare le antenne di
Kruder & Dorfmeister (il loro remake di una traccia di
Rodney Hunter su G-Stone risale al 2005).
Dopo il fortunato esordio con Kunuaka (sempre su G-
Stone, 2007), Megablast (aka Sascha Weisz) e Makossa
(Marcus Wagner-Lapierre) insistono sul background che
li contraddistingue e si infatuano per coordinate baleariche
(l’ottima titletrack cantata da Cleydys Villalon è
già stata osannata da Villalobos, Sven Väth, Loco Dice e
pure remixata dalla crew della Gigolo Records), tagliano
i pezzi con l’afro beat di Tony Allen (il percussionista
di Fela Kuti viene campionato in Wangu), le sincopi in
slo-motion mescolate con la voce ispirata di Hubert
Tubbs dei funkster londinesi Tower Of Power (Coming
Home), accelerano con il beat aggiungendo tastierine
progressive ai featuring della cantante dello Zimbabwe
OG Spiritual Godess (Imimi), richiamano la deep tribal
dei Novanta con tocchi di psichedelia (Jungo) e le visioni
di Jarre fine ‘70 (Home Journey in perfetta simbiosi con
le esperienze Tosca).
Un ritorno molto gradito, soprattutto prima dell’inverno
che si preannuncia rigido e piovoso. M & M riportano
per qualche istante raggi di sole che riscalderanno i dancefloor
più illuminati del pianeta. Il tutto senza strafare,
con un minimalismo di forma e sostanza che merita il
dovuto rispetto. Piacevole sul divano e adatto al ballo,
che volete di più?
(7.2/10)
MarCo BraGGion
Mark MCGuire - Get loSt (eDitionS MeGo,
ottoBre 2011)
Genere: psicheDelia
Non svanisce affatto McGuire, come il titolo di questo
(ennesimo) ritorno farebbe supporre. O forse sì, ma lo
scopriremo in futuro. Per ora accontentiamoci del secondo
album su Mego nel giro di nemmeno un anno
per il chitarrista degli Emeralds dopo l’ottimo Living
With Yourself.
Proprio da lì, da quell’intimismo sempre meno rumoroso
e molto evocativo, estremamente personale e intriso
di implicazioni filosofiche limitrofe all’ipnagogico,
prende le mosse anche Get Lost. L’album è suddiviso in
due ideali parti: la prima è composta da canzoni che
definiremmo standard per lunghezza e struttura ed in
cui a farla da padrone è una sensibilità pop e una accessibilità
sempre più raffinata: sia essa la reiterazione
ciclica di fraseggi di chitarra marchio di fabbrica del giovane
americano (l’ascendente procedere dell’iniziale Get
Lost, rotto da cascate di effluvi synthetici e dalla chitarra
acustica elettrificata, l’americana estatica e cosmica di
Another Dead End), la pacificata atmosfera pastorale e
semi-acustica di alcuni bozzetti (When You’re Somewhere
col suo procedere da folk alieno) o il cantato, vera novità
mcguiriana, pacioso e ipnotico di Alma, si ha sempre la
sensazione di una nostalgica comunione col passato.
Anche quando il lato rumorista della casa madre emerge
dal fondale acustico, come nelle volute finali di Alma
(Reprise)/Chances Are.
A questo lato “poppy”, tarato su una personale idea di
forma-canzone fa da contraltare la seconda parte, in cui
a prevalere è la tessitura di più ampio respiro, con una Firefly
Constellations ad occupare da sola una buona metà
dell’intero minutaggio tra arpeggi gassosi, sfumature di
suoni, flusso (e)statico di armonie in (apparente) perenne
stallo, glitch liquidi e atmosfere malinconicamente
commoventi. Sarà il caso di dire che è nata una stella?
(7.5/10)
Stefano Pifferi
MaSSiMo zaMBoni/anGela BaralDi - Solo
una teraPia: Dai CCCP all’eStinzione
(ultiMo Piano, ottoBre 2011)
Genere: cantautorato wave
“Assegnate le parti/corrono le comparse”, recita l’immortale
verso di M’importa ‘na sega, cantata con impegno
e posa ingrugnita da Angela Baraldi. E pare proprio
che - non ce ne voglia - si riferisca a se stessa. La quale,
per quanto si applichi e riesca tutto sommato a non sfigurare,
rispetto alla storia delle canzoni che le vengono
affidate finisce appunto per sembrare una figurante.
Proprio lei, più attrice che cantante almeno da qualche
anno a questa parte. Altro il peso specifico garantito
a suo tempo da Nada, che nel progetto del Massimo
Zamboni solista sublimava tanto la presenza che l’assenza
dell’alter ego zamboniano, storicamente incarnato
- ça va sans dire - dall’ineffabile Giovanni Lindo
Ferretti.
Mi convinceva eccome quel primo Zamboni post-CSI,
per l’ipotesi di cantautorato wave che delineava, permeato
cioe’ di suggestione sonica pari alla trama evocativa
dei testi. Però mi è sembrato come spegnersi progressivamente
in intensita’ e convinzione, accartocciarsi sui
propri crucci, come se gli si fossero inaridite le prospettive.
Una sensazione che questo live suggella, sciorinando
una scaletta composta da tredici cartoline spedite al
proprio passato piu’ o meno remoto, una carrellata di
quelli che potremmo definire tranquillamente cavalli di
battaglia - se mi passate il termine - firmati CCCP e CSI
più appunto qualcosina estratta dagli album in solitario.
Tu chiamale se vuoi cicatrici, si’, ma ormai pacificate,
da mostrare come tatuaggi sbiaditi, per nulla fastidiose
anzi pure carucce esteticamente parlando.
Un plauso alla fibra essenziale degli arrangiamenti,
chitarra “senziente” del leader come da prassi a far da
mattatrice (il resto della band prevede Erik Montanari
alla chitarra, Cristiano Roversi al basso ed il mitologico
Gigi Cavalli Cocchi alla batteria), ma cio’ non basta ad
evitare un palpabile didascalismo (in Del mondo e Cupe
vampe soprattutto), mentre va a finire che i momenti
migliori - forse per mancanza di fall out mnemonico da
gestire - coincidono con le riletture dei brani piu’ freschi
come A ritroso (con una bella tastiera spacey) e l’inedita
Nove ore. Non siamo ancora all’effetto-Nomadi, ma porca
miseria ci siamo maledettamente vicino.
(5.5/10)
Stefano Solventi
74 75

highlight
the SoMnaMBuliSt - live in Berlin (aCiD CoBra, ottoBre 2011)
Genere: avant rock
L’esordio dei Somnambulist, poco più di un anno fa, mi colpì per il felice connubio tra intensità e libertà
espressiva, il desiderio di dare vita ad una proposta d’impatto (anche in senso “indie”) senza rinunciare
ad inseguire l’estro sonico, l’invenzione straniante, la situazione insolita. La biografia del trio forniva in tal
senso significative indicazioni: due italiani e un francese trapiantati a Berlino, uno chitarrista e cantante
con trascorsi alt-rock e versatilità multidisciplinare, un altro violinista con attitudini cinematografiche e
punk-folk, il restante un batterista di estrazione avant-jazz. Metti poi che questa combinazione vada ad
espandersi coinvolgendo un vibrafonista belga, una fisarmonicista tedesca, un sassofonista argentino,
un pianista neozelandese ed un chitarrista tedesco, e capirete come i presupposti possano esplodere a
ventaglio, ramificare le traiettorie senza però smarrire la frequenza portante.
Le sensibilità infatti sono disparate ma gli intenti centripeti, nella fattispecie
convergenti in un progetto - la rassegna musicale Riemengast 1.3 - che ha visto
il combo esibirsi per tre serate lo scorso maggio sul palco dell’Antje Øklesund.
Dalle relative incisioni sono state estratte sei tracce che compongono questo
Live In Berlin, un documento che testimonia lo stato di moto sparso e tenace,
come è palpabile nelle tracce risalenti a Moda Borderline (con particolare
riferimento a Quinto Mistero Della Gioia, bailamme espanso di latinerie noir,
brume desertiche e basso motoristico col sax che sfarfalla crudo e le interferenze
psicotiche delle percussioni) e ancor più nei tre pezzi inediti, che finiranno nel preannunciato
nuovo album Sophia Verloren (in uscita nei primi mesi del nuovo anno).
Tanto per limitarsi ad accennare - in questa sede non si può fare altrimenti - la opener My Own Paranormal
Activity sbriglia tensione malinconica e febbricitante estro cabarettistico tra reminiscenze jazz-prog
High Tide/Van Der Graaf Generator, mentre la futura title track s’incarica di stemperare tra caligini
post certe ingrugnite tensioni Nick Cave e particelle elementari dEUS. Segnali ancora più sorprendenti
provengono da ...And The Snow Still Falls: astrazioni spacey vaporizzate e fervore livido, la quiete apparente
d’una ballad folk-prog presto perturbata da freevolezze scostanti e perturbazioni sintetiche, infine
l’approdo sui binari di certa serialità rumoristica con retaggi fusion (tipo i Faust sognati dai Gastr Del
Sol, così a spanna).
Ok, a questo punto mi sembra il caso di sottolineare quanto siano più semplici - e persino divertenti
- da ascoltare che da raccontare, i Somnambulist. Li attendo alla riprova del sophomore in studio. Le
aspettative, non lo nascondo, sono alte.
(7.2/10)
Stefano Solventi
Matthew herBert - one PiG (aCCiDental,
ottoBre 2011)
Genere: ambient opera
In ritardo di qualche mese rispetto alla tabella di marcia,
la trilogia herbertiana One si conclude con quello che è
sin dall’inizio l’episodio maestro, il famigerato concept
legato alla vita di un maiale che tanto aveva pateticamente
scatenato le furie dell’organizzazione animalista
PETA.
Con One One a rappresentare un episodio a sé (per la
scelta “a tema” che lo caratterizzava), One Pig segue
dunque il canovaccio socio critico di One Club: svelare
gli effettivi legami che uniscono persone, cose e strutture
in una situazione specifica e localizzata. Nell’episodio
precedente l’ingerenza delle multinazionali nella
nightlife si traduceva in una truce techno che scendeva
nei dettagli della vita del clubber fusa e infusa nel consumo
legale e illegale; qui l’epopea del maiale all’interno
dell’industria alimentare diventa il paradigma perfetto
per svelare il reale funzionamento della nostra società.
Herbert traccia una convincente antropologia muovendosi
tra svariate ars elettroniche (molta ambient e
proverbiali inserti proto-techno e industrial), fresche
manipolazioni sulla voce (il para r’n’b kenyewestiano di
August 2010), memorie mahleriane (September), folktroniche
bucoliche, sprazzi 4ad (October), pastelli ambienttronici
primi Novanta (Orb, Future Sound Of London)
fino al folk della finale May 2011. In un’opera convincente
e imprevedibile, ricca di colori e smalti, ancora
residentsiana (l’ovvio riferimento a Eskimo) e lontana dal
cupo strutturalismo che tutti s’aspettavano.
Dopo le perplessità di One Club e un One One non memorabile,
un buonissimo epilogo.
(7/10)
eDoarDo BriDDa
MeShel nDeGeoCello - weather (naive,
noveMBre 2011)
Genere: soul-blues
Meshel ritorna a percorrere binari standard di un
buon soul infuso di americanicità e di tradizione, territori
consolidati di songwriting e di professionalità
a servizio di un ascoltatore adult che non si aspetta
troppe news, ma che resta sempre e comunque esigente.
Veste bene quindi il guardaroba classico, senza
strafare, proponendo le sue ballad ad un pubblico che
spazia benissimo dal bohemien hipster newyorchese
all’amante del chilling (ovviamente non elettronico)
da camera.
La voce, che in molti punti ricorda la migliore Tracy
Chapman mescolata ad un nonsoché Buckleyano,
canta ballad intimiste con archi e pianoforte (Objects In
Mirror Are Closer Than They Appear, Oysters), quadri pop
(Chanche, Dirty World), cover più o meno note (Chelsea
Hotel di Leonard Cohen e Don’t Take My Kindness For
Weakness della band soul anni sessanta Soul Children)
e pure tracce con influenze dark-wave (stupenda in questo
senso Rapid Fire).
Prodotto da Joe Henry (Aimee Mann, Bettye Lavette,
Solomon Burke, Ani DiFranco), il disco anche grazie alle
comparsate di Chris Connelly (Ministry, Revolting Cocks)
e Benji Hughes (collaboratore di Jeff Bridges) suona piacevolmente,
producendo una sensazione di robustezza
e di canonizzazione’ che solo un personaggio del genere
può costruire. Lasciate perdere le derive di protesta
- in una recente intervista ha dichiarato infatti che “Per
lungo tempo ero contro tutti. Ho combattuto molto e ora
quei sentimenti sono passati. Ho le mie opinioni, ma non
sono più fonte di conflitto con il resto del mondo” - si apre
da qui la strada dell’Adult Oriented Soul per la signora
del basso. Una piacevole certezza per una donna che
non sta mai con le mani in mano. Ha prodotto infatti da
poco delle tracce per l’astro nascente del pop Selah Sue
e vorrebbe registrare un disco sia con Brian Eno che con
Lee Scratch Perry. You can do it, Meshell.
(7.1/10)
MarCo BraGGion
Moha! - MeininGSlauSt oPPGulP (a
SinGleS CoMPilation) (rune GraMMofon,
SetteMBre 2011)
Genere: free-impro-noise
Autori di 3 dischi di impro-free-noise ben accolti dalla
critica, i norvegesi Morten J. Olsen e Anders Hana - gente
usa a trafficare con Ultralyd e tutto il giro free della
Rune Grammofon - sembravano perduti dopo l’ultimo
non esaltante One-Way Ticket To Candyland di 3 anni fa.
Invece ora se ne escono con una raccolta di singoli e
pezzi sparsi che ci pone di fronte all’amletico dubbio:
presagio per un nuovo album o definitivo canto del
cigno? Quale che sia l’evoluzione futura, Meiningslaust
Oppgulp ci da modo di recuperare praticamente tutti i
pezzi piccoli del duo norvegese: i 7” Kriisav Valgus, Jeff
Carey’s Moha!, l’8” lathe cut 8-Inch #4 e i due split con
Tape That e Horacio Pollard. In totale fanno 50 minuti
di tipico devasto alla norvegese - blast-beats, attitudine
free, schizoidi cambi di tempo, elettronica al limitare del
noise, squadrati squarci math, epilessia improvvisativa
- con, se possibile, una maggiore attenzione alla sperimentazione
elettronica rispetto agli album interi.
A fare la differenza con altri mille combo rumorosi a due
in modalità chitarra-batteria è infatti l’attrazione quasi
maniacale che i MoHa! hanno per l’elettronica più acida
e harsh. Uno, Hana, aggiungendo electronics obsoleti e
synth alla sua chitarra trattata; l’altro, Olsen, riprocessando
la propria batteria attraverso software autocostruiti.
Gli 11 minuti di Eg Blei Sogen Av Ein Atterganger - i primi
due minuti in collaborazione con Idan Hayosh e And
Vahtra sfiorano lidi harsh, il resto una brutale aggressione
math-impro-free-noise -, il techno cut-up astratto di
Sopp Pa Kugen (Premix) e l’iniziale Naaljos Ljom sono le
punte di diamante di una compilation interessante non
solo per i completisti.
(6.5/10)
Stefano Pifferi
MonSter (the) - ...PoP uP YourS! (vooDoo
rhYthM, SetteMBre 2011)
Genere: vintaGe GaraGe punk
Arriva uno dei dischi garage punk dell’anno. La firma è
quella dei Monsters, gruppo svizzero che vede arruolato
tra le proprie fila lo stesso Reverend beat-man che è
anche padrone di casa Voodoo, ovviamente produttrice
dell’album.
76 77

Questo ...Pop up yours! ha una doppia faccia: da una
parte c’è un’atmosfera vintage stile Damaged goods,
con roba che pare uscita da un incrocio tra Wild Billy
Childish e Graham day & the Galoers (I want you, Cry,
More you talk less i hear you).
Dall’altra c’è l’approccio primitivo e raw oramai marchio
di fabbrica dell’etichetta: Beat-man è uno screamer
di prim’ordine (si direbbe più a suo agio in questa
veste punk che nel blues della carriera solista), i testi
contano un paio di righe se va bene (in Blow um mau
mau neanche quelle), e il risultato sono delle fucilate
garage trash da brividi: Watcha gonna do, In and out,
Ain’t crawling back to you no more, Drifting away. E se
qualcuno si annoia? Ecco un paio di pause, la ballata
western di Ce soire e il rock blues di Blues for Joe. Fatto.
Quattordici tracce per una trentina di minuti sudatissimi
che lasciano il segno.
(7.1/10)
Stefano Gaz
niColò CarneSi - ho PoCa fantaSia
(Malintenti DiSChi, ottoBre 2011)
Genere: cantautorato wave
E poi succede che certi dischi ti catturano dal nulla.
Come quando sei intento in altre faccende e le tue
energie si raccolgono tutte intorno all’orecchio, conturbante
organo estetico. Ti fai prendere da melodie,
che sembrano alchimie automatiche o processi di vivificazione
naturale o anche semplicemente da alcune
parole incastonate in una lirica. Succede che certi suoni
che non ti aspetti entrano in un disco di un cantautore
siciliano, che di nome fa Nicolò Carnesi. L’ultimo di una
serie di Ep s’intitola Ho poca fantasia e sparge le giuste
aspettative sul primo vero album.
Chi poteva scommettere di sentirsi a metà strada fra
Brooklyn e Catania, fra i Drums e Battiato, ascoltando
questo disco? Intelaiare un così ampio spettro di suoni è
un’operazione degna dei più maturi cantautori. Carnesi
si fa scherno delle incomprensioni di questo mondo,
punta il fucile prima contro se stesso, poi contro i piani
inclinati dei nostri giorni. Come dire, bisogna affondare
su questa terra prima di poterla comprendere e criticare.
“Pietrificare le cose” è come temere l’inevitabile dissoluzione
del tempo, fuggendo dal “sistema” (“solare, balneare,
sociale, creativo, reattivo, normale”, ecc ). E quando
si parla d’amore, tutto un po’ stride, come i denti che
digrignano, come “l’uomo dei sogni che arriva da Marte”.
Un cinismo caldo, si potrebbe quasi dire, che sfiora
l’umorismo di Dente per raggiungere le atmosfere del
conterraneo Colapesce.
“Tutti poeti, tutti scrittori, tutti profeti e tutti bohemien”:
sintesi migliore di questa non c’è, in attesa che un long
playing confermi le ottime premesse.
(7.2/10)
nino CiGlio
noel GallaGher - noel GallaGher’S hiGh
flYinG BirDS (Sour MaSh reCorDS, ottoBre
2011)
Genere: pop, rock
Non guardateci storto, ma sarà per averli visti insieme
già ai tempi d’oro degli Oasis, sarà per le pur azzeccate
incursioni di Noel nei dischi del Modfather, sarà anche
solo per capelli, basette e sopracciglia ecco, per il
Gallagher maggiore abbiamo sempre immaginato una
carriera solista alla Paul Weller. Ovvero: dischi eclettici
quanto basta (niente di rivoluzionario, invero), amabilmente
citazionisti, ben prodotti e (molto) ben suonati,
magari non stellari nella scrittura ma sempre in grado di
offrire quel paio di chicche che non sfigurano per nulla
nell’illustre canzoniere. E, sì, High Flying Birds potrebbe
appartenere a pieno diritto alla categoria, pur calcolando
l’inevitabile distanza, artistica e non, tra i due soggetti.
Volendo, passati ritualmente in rassegna i brani,
potremmo anche chiudere qui; non fosse che la carriera
solista del fratellone arriva dopo l’ovviamente turbolento
split e, soprattutto, dopo lo sfrontatissimo condensato
di liamitudine che è il disco dei Beady Eye. Non
è il gossip che ci interessa (chi tra voi maliziosetti non
ha pensato che la zuffa sia tutta una bella sceneggiata
per rendere ancor più evento il ventennale di Morning
Glory?), è solo che in tale prospettiva queste canzoni
assumono, di fatto, altro valore.
Noel sembra davvero voler dimostrare qualcosa: non
è il semplice divertissement tanto per fare un giro da
soli e vedere l’effetto che fa. Prendete gli arrangiamenti:
orchestre e cori a conferire sacrali solennità stonesiane
(Record Machine), fiati dixieland a guarnire inevitabili
marcette Kinks (The Death Of You And Me, che alle
nostre italiche orecchie suona come un mashup tra
The Importance Of Being Idle e la ben più gloriosa Je
so pazz’), tocchi di psichedelia al punto giusto (senza
scimmiottare la coda di Strawberry Fields! Incredibile!)
e così via. Come dire, dove là - da Liam e gregari - c’è
pura spacconaggine laddish, qua c’è sana ambizione.
Sana? Davvero? Sì, perché anche quando si cita (ancora
i fratelli Davies - con tanto di village green - di Soldier
Boys And Jesus Freaks, o lo stomp glam alla Gary Glitter
via Nightclubbing di The Wrong Beach) o si autocita (AKA
Broken Arrow, If I Had A Gun, le nipotine di Wonderwall),
lo si fa con gusto. E detto a proposito di uno che senza
alcun pudore ha costruito una delle sue canzoni più
highlight
the war on DruGS - Slave aMBient (SeCretlY CanaDian, ottoBre 2011)
Genere: krautamericana
Un vecchio adagio talmente connaturato alla storia della cultura e delle sue manifestazioni da sembrarci
che sia sempre stato con noi dice che non vi è mai davvero nulla di nuovo sotto il sole: ogni narrazione
sarebbe sempre e comunque un remix dell’Odissea o dell’Iliade. E nella musica rock degli ultimi anni,
quest’impressione può apparire confermata dal fatto che ciò che davvero nuovo si può produrre in una
tradizione come quella che va dal folk di Dylan all’epica USA di Springsteen e al classic rock di Tom
Petty è praticamente nulla o quasi. Allora ben vengano nuove commistioni, come questa Americana dei
War On Drugs che incontra il krautrock, le chitarre suonate nelle praterie che si specchiano nelle algide
movenze di sintetizzatori e ritmiche morotik.
A raccontarla così potrebbe sembrare la più grande cazzata del secolo, invece
Slave Ambient funziona alla meraviglia e le sfumature dilatate dell’ipnotico
incedere ritmico e dai discreti tapperi elettronici non fanno che aumentare
pathos all’epos. Già nell’esordio del 2008, Wagonwheel Blues rumori chitarristici
di stampo shoegaziano (che qui tornano in un prano docilmente psichedelico
come City Reprise) avevano aiutato Adam Granduciel e Kurt Vile (uscito
definitivamente già da qualche tempo e dedito alla ben nota carriera solista)
a produrre un suono personale. Ora schegge di Neu! e LA Dusseldorf determinano
alcuni degli episodi migliori dell’album: Come to the City, una Baby Missiles ripresa dal bell’EP
del 2010 (Future Weather, con un titolo emblematico) che gioca (riuscendoci) al gioco degli Arcade Fire,
Best Night e la splendida cavalcata di Your Love Is Calling My Name.
I War On Drugs riescono nel congiungere gli spazi sconfinati e le atmosfere psichedeliche da viaggio
evocate dalla miglior road music americana con altri spazi, forse solo erroneamente pensati lontani,
come quelli di certa musica europea. Qui gli spazi dell’anima e gli spazi della mente coincidono per
quarantesette minuti.
(7.3/10)
MarCo BoSColo
celebri sulle battute iniziali di Imagine, non è poco. Ma
soprattutto con Dream On, Everybody’s On The Run, AKA
What A Life e la splendida Stop The Clocks arrivano le
canzoni.
Sì! Canzoni che sembrano avere finalmente un senso
(per chi ascolta, e per Noel stesso), non buttate giù per
caso per sbatterti in faccia di essere la band più fica del
pianeta, e fanculo tutti gli altri. In attesa del secondo
round previsto per l’anno prossimo (una collaborazione
con gli Amorphous Androgynous, annunciata come
“psichedelica alla Dark Side Of The Moon”), resta l’impressione
di una qualità nettamente superiore rispetto ai
recenti Oasis (o a simpatiche cover band con lo stesso
cantante). Come dire, la reunion del 2015 può anche
aspettare. Ben fatto, Pau... ehm, Noel.
(7/10)
antonio PuGlia
okaPi/alDo kaPi orCheStra - oPera
riParata (offSet, aGoSto 2011)
Genere: plaGiarismo classico
Ritorno in grande stile per Okapi. Il manipolatore italiano
riprende un datato esperimento di Bruno Munari
in collaborazione con Davide Mosconi e lo ripropone
attualizzandolo alla luce della propria sensibilità plunderphonica
e ricombinatoria.
Opera Riparata rimanda strutturalmente - per forme e
contenuti - all’Opera Rotta presentata nel 1989 alla Scala
dagli sperimentatori citati in apertura: il procedimento
attuato da Okapi in combutta con l’artista visuale e spirito
affine Infidel (sue le video-realizzazioni che hanno
accompagnato la prima dell’opera commissionata da
Galaxia Medicea) prevede la (de)composizione di 40
celebri opere liriche - da Mozart a Wagner, da Puccini a
Godunov ci sono praticamente tutti - in altrettanti boz-
78 79

highlight
toM waitS - BaD aS Me (anti-, ottoBre 2011)
Genere: rock blues
Al milionesimo album - ok, è solo il ventesimo - e a sette dall’ultimo di inediti Real Gone, ci si potrebbero
aspettare sintomi di incipiente senilità dal nuovo album del sessantunenne Tom Waits. Ed è proprio così.
Ma il suo - chevvelodicoafare - è un invecchiare nutritivo. L’uomo, l’artista, si è messo fuori da certi processi
di logoramento sinaptico. E’ intangibile e assieme potente allegoria di se stesso. E’ una macchietta
maligna, uno spauracchio struggente, l’orco appassionato, lo spaventapasseri malvagio, uno sgorbio
portentoso. Posseduto dalla sua musica, la possiede concedendosi senza lasciare indietro nessuna ferita,
nessun bacio dato o perduto. Nella voce alberga tutto intero il corpo logoro e l’anima rugginosa ma viva,
morbidamente disperatamente viva.
Imprendibile, scentrato, outsider totale, ormai fa il verso a se stesso permettendosi
il lusso d’incarnare a piacimento porzioni del proprio campionario,
ad esempio - è il caso di questo Bad As Me - un eccitante (già, e il viagra non
c’entra una mazza) dualismo tra il satiro blues ebbro ed il mariachi languido,
tra impeto ispido, ruspante, grottesco e uno sdilinquirsi con saggia indifesa
generosa vulnerabilità. Tra il male e il bene che riempie il pieno e il vuoto del
nostro stare al mondo, lui ci mette queste canzoni. E il suono, scavato nella
pancia degli stereotipi del genere così a fondo da scovare le radici dell’archetipo,
così velenosamente artefatto, saturo di segni caratterizzanti - lo aiutano il sodale Marc Ribot, il
tastierista decano Augie Meyers ed il filibustiere Keith Richards - da strappare la pelle alla messa in
scena ed esplodere iperreale come un coltello che ti accarezza la pancia.
Sedici pezzi, tutti godibili, qualcuno straordinario come una Face To The Highway desertica e sepolcrale,
senso di atavica modernità nella tessitura liquida di chitarre e vibrafono, quel sax straniante, rantolo Nick
Cave al crocicchio dei Morphine. Ed il gracidio madido di Raised Right Man, iperboli acide Screaming
Jay Hawkins in un bozzolo anfetaminico Jon Spencer. E la rumba blues indemoniata di Let’s Get Lost. E
il battimani demoniaco lungo il funky-psych cavernoso di Hell Broke Luce. E una Satisfied con quell’aria
da John Lee Hooker strattonato da Belzebù che omaggia - chiamandoli in causa - gli Stones più efferati.
Poi, d’altro canto, le tenere nostalgie fifties springsteeniane di Tell Me. Il valzer di Pay Me, fisarmonicaviolino-banjo
e uno sbuffo di tromba, una di quelle cose splendide che gli vengono con la mano sinistra.
E poi l’eleganza jazzy pigra, fumosa, inquieta di Kiss Me Like A Stranger (che t’immagini benissimo sulle
labbra di Billie Holiday) ed Everybody’s Talking (malanimo e struggimento brass band con ectoplasmi
Mingus ad aleggiare, il semifalsetto una soffice spina tra cuore ed anima). E ancora la semplice, smisurata,
indolenzita tenerezza tex-mex di Put Me Back In The Crowd, e una Last Leaf da Ry Cooder sgualcito sulla
strada in fondo al cono di luce (Richards al controcanto), roba che ti fa uscire le lacrime anche dal culo.
Proprio così, ne è ancora capace dopo tutti questi anni, dopo tutti questi grugniti e suppliche e ardori
e spasmi e tormenti sparsi nelle canzoni. Non esistono attendibili termini di paragone. Quest’uomo è
fuori misura.
(7.7/10)
Stefano Solventi
zetti re- o de-mixati in microsuites tutte della durata
di 1 minuto e 11 secondi. Come nell’originale esperimento
di Munari e Mosconi l’esecuzione era affidata
all’interpretazione e ricomposizione casuale, cut’n’paste,
rimanipolazione, ricontestualizzazione agiscono
allo stesso livello in ognuno dei 40 frammenti disposti
lungo i quattro atti (Preludes, Duels, Dances e Storms,
rispettivamente) del disco del romano.
Un lavoro che agisce allo stesso livello teorico del progetto
originario - la riflessione, in netto anticipo sui tem-
pi, sulle possibilità di fruizione “orizzontale” di tutta la
storia della musica in un unico, eterno presente - ma lo
“modernizza” attualizzandolo alla tecnologia d’oggi e
facendo acquistare visionarietà e nuove traiettorie alle
felici intuizioni munariane.
Con l’atteggiamento ludico/serioso che lo caratterizza,
Okapi rende ancor più caleidoscopico e vorticoso il tutto
con lo straniamento ottenuto dall’interazione delle
composizioni classiche con le textures elettroniche, le
slogature ritmiche e gli umorali sbalzi della propria irriverente
sensibilità plagiar-collagista. Della serie, provate
a immaginare un connubio tanto alieno quanto
intrigante tra le arie aperte del Preludio della Norma di
Bellini e il sottofondo pulsante glitch’n’cuts tutto spilli
e sibili o tra il Preludio all’Atto I del Manon Lescaut di
Puccini e la techno spinta e claudicante che lo tappezza.
Non c’è mash-up o bastard-pop che tenga. Qui si è su
un altro pianeta, dove le coordinate spazio-temporali
si infrangono.
(7.5/10)
Stefano Pifferi
Ólöf arnalDS - Ólöf SinGS (one little
inDian, noveMBre 2011)
Genere: folk
Due album in repertorio per Ólöf Arnalds, cantantessa
islandesa classe ‘80, baciata da improvvisa notorietà internazionale
lo scorso febbraio causa la partecipazione
di Björk al singolo Surrender. Morbidezze bucoliche e
lirismo scostante su cui germogliano mutazioni folktroniche,
un po’ come tante cose sonore piovute negli ultimi
anni dal calderone nordico. Oculatamente, One Little
indian ci tiene a tenere in caldo il nome della ragazza,
perciò licenzia questo EP contenente cinque cover - anzi
sei - che dovrebbero tracciare la mappa dei suoi referenti
musicali/sentimentali.
Interpretate nella purezza fragrante e inerme di chitarra
acustica e voce, canzoni come She Belongs To Me (Bob
Dylan) e Close My Eyes (Arthur Russell) sbrigliano tutto
il frusto, elegante languore basale, mentre la celebre
Solitary Man di Neil Diamond e l’incalzante Maria
Bethânia di Caetano Veloso sono affrontate col turgore
del caso. Piccola licenza poetica, un medley/mash-up
tra With Tomorrow di Gene Clark e I’m On Fire di Bruce
Springsteen, ciliegina su questa torta minimale, veri e
propri esercizi obbligatori che la Arnalds supera in souplesse.
Segniamola sul taccuino e attendiamo sviluppi.
(6.6/10)
Stefano Solventi
oneohtrix Point never - rePliCa
(Software, noveMBre 2011)
Genere: hypna-hauntoloGy
Sembra quasi volersi mettere a nudo, Daniel Lopatin aka
Oneohtrix Point Never in questo nuovo album, almeno
a giudicare da titolo e copertina. Se nel primo evidenzia
tra il serioso e l’autoironico il procedere duplicativo e
non originale delle sue musiche, nella seconda, giocando
di rimandi addirittura con Escher, si mostra scheletrizzato
e riflesso in uno specchio. Della serie, più a nudo
di così non si può.
All’ascolto delle 10 tracce di Replica, però, titolo e copertina
assumono connotati nuovi. Sembra infatti che
Lopatin abbia ancor di più accentuato il metodo “compilatorio”
alla base delle sue composizioni e si sia scarnificato
per potersi riassemblare addosso pelli nuove. C’è
sempre quell’evidente procedimento di ricostituzione
del passato, proprio e collettivo, ma stavolta non ci si
limita a rielaborare le ormai ben note atmosfere hypna,
quanto a recuperare gli stessi materiali di risulta, di scarto
di produzione di un passato “mediatico” con una modalità
quasi da revenant o da galvanismo. Replica si delinea
così, più dei suoi predecessori, come un patchwork
di umori contrastanti finalizzato ad una riconfigurazione
di suoni perduti nell’etere, nell’ambiente, nella memoria
impalpabile di ogni kid cresciuto negli ultimi 30 anni.
Il piano ossessionato e le aperture atmosferiche e cinematografiche
di Power Of Persuasion, la nostalgica scia
di synth e voci trovate che segna trasversalmente Remember,
la decadente malinconia per piano di Replica
increspata di rumori ambientali e energia statica (un Satie
post-kosmische?), il collage glitch-hop che disturba
la pastorale ambient di Nassau, il melting-pot collagista
di Sleep Dealer, fagocitano n input ricollocandoli in ambientazioni
aliene alle fonti originarie. Il risultato crea
spesso uno straniamento encomiabile, specie nell’uso
di voci pescate e nel reindirizzamento di tracce e segni
sonori “altri” (il plagiarismo di fonti vocali riassemblate
in Child Soldier ne è esempio), avvicinando Replica più a
certe istanze da hauntology che da hypna-stuff. A questo
punto siamo curiosi di vedere gli sviluppi futuri di
mr. Lopatin.
(7/10)
Stefano Pifferi
orCheStra of SPhereS - nonaGoniC now
(fire reCorDS, noveMBre 2011)
Genere: tribal-maDness
Ogni tanto ne spunta fuori qualcuno nell’universo
weird. E il bello è che ogni volta bisogna spostare più
in là i labili confini della stramberia in musica. Questi Or-
80 81

chestra Of Spheres sono neozelandesi e sono la punta di
diamante di una sotterranea scena in quel di Wellington
- provincia che più provincia non si può - facente capo
alla Frederick Street Sound and Light Exploration Society.
Di questa sorta di comune di spostati fuori di testa in
fissa con improbabili vestiti dai colori sgargianti, musiche
totalmente free (tutto o quasi nasce da infinite jam
collettive) e attitudine demistificatoria e ricombinatoria
(anche per quel che riguarda i 4 membri del progetto),
gli Orchestra Of Spheres sono quelli col tiro più a fuoco
e il giusto appeal.
Caribou, non a caso, li ha fortemente voluti all’ATP di
quest’anno dopo averli visti dal vivo e questo primo
lascito ufficiale overseas - in realtà reissue di un lavoro
autoprodotto edito tramite la comune di cui sopra - rende
pienamente giustizia a una reputazione di selvaggi
animali da palco o da house party costruitasi nel tempo.
Nonagonic Now, ascoltabile sul loro bandcamp, porta
in dote 45 minuti di groove alieno, poliritmie africane,
voodoo marcio, funk bianco deformato e dall’attitudine
spacey, elettroniche d’accatto, percussività incessante
ed eclettica, gamelan indonesiani, tradizionali del Borneo
e tutto ciò che vi può venire in mente - frullato insieme
- dai 23 Skidoo ai Rapture lo ritroverete miscelato
in varie dosi nei 10 pezzi dell’album, con in più una capacità
teatrale non indifferente. Dopotutto da quattro
schizzati che si chiamano Mos Iocoss, Baba Rossa, Jemi
Hemi Mandala e E = MC303 e che suonano, tra le altre
cose, theremin, gamelan, biscuit tin guitar, electric bass
carillion, sexmouse marimba (?!), il minimo che ci si può
aspettare è un sabba di “ancient future funk” gioioso,
giocoso, nonsense e spastico. Terribilmente accattivante,
mosso com’è alla ricerca della “spontaneous symmetry
in sound”.
(7.3/10)
Stefano Pifferi
orfanaDo - iter (SounD of CoBra, ottoBre
2011)
Genere: psicheDelia acustica
Quando il noiser torna alle origini la sorpresa è dietro
l’angolo. Orfanando è l’ennesima perla off uscita fuori
da quella fucina di campioncini delle musiche estreme
cresciuti in Italia negli ultimi anni e usi a trafficare con
volumi e distorsioni, noise e cospirazionismo arty. Alessandro
De Zan (In Zaire, G.I. Joe) e Riccardo Mazza (Lettera
22, A Flower Kollapsed, Lago Morto) lasciano da
parte urla e spie al rosso e se ne escono con un progetto
di folk psichedelico ancestrale, a tratti acustico, dagli
effluvi mediorientali, in punta di corda e con la testa che
svolazza via versi lidi alieni. Roba da frikkettoni total-
mente persi nel proprio viaggio (vedi alla voce Avorio).
Fahey e Jack Rose, una certa attenzione per le musiche
tradizionali (il semi-fado incalzante e pagano di Iter),
certi momenti del Gary Higgins più capellone o del Daniel
Higgs meno paranoicamente esoterico (Mantra),
un respiro mistico nato da intrecci di corde e qualche
sparsa percussione: tutto rimanda ad un mondo pacificato,
alle vibrazioni positive, all’happening introverso
e drogadicto ottenuto con strumentazione semplice e
minimale (chitarre acustiche, sitar, percussioni e strumenti
a vento) e atteggiamento free. Di tanto in tanto i
due non dimenticano la tempra di un tempo e lasciano
emergere o vivere sottotraccia un qualcosa di oscuro
e minaccioso: sia un tappeto di inserti elettronici cupi
e droning (i misterici vocalizzi e le distese di suoni a
tappeto di Giordania), una generale atmosfera (l’incipit
di Pianti può far tornare in mente certe ossessioni
neurosisiane in acustico calate in un brodo orientale)
o l’ancestrale suono della foresta tropicale di Aria (Zac
Nelson cresciuto alla scuola del folk atavico).
Produce la italo-berlinese Sound Of Cobra del sodale
Ricky Thunder, definitivamente apertasi a sonorità “altre”
(in arrivo Embryo e Burial Hex), mentre il vinile è per
Holidays. Stay acoustic, noisers.
(7/10)
Stefano Pifferi
Peter GaBriel - new BlooD (eMi, ottoBre
2011)
Genere: pop
In perfetta continuità con l’ultimo album, quello Scratch
My Back dello scorso anno, in cui l’artista inglese si
confrontava con dodici pezzi altrui e li trasfigurava per
voce e orchestra, Peter Gabriel sottopone altrettanti
pezzi della sua produzione solista allo stesso trattamento.
L’appetito gli è venuto mangiando, lavorando
con un’orchestra che (parole sue) “è come praticare uno
sport con qualcuno migliore di te”, si è domandato come
si sarebbero trasformati i suoi brani, magari non quelli
più famosi, ma quelli per i quali il trattamento era più
indicato o, più semplicemente, quelli che oggi l’ex Genesis
ha voglia di cantare e portare nuovamente in tour
dal vivo.
Non ci aspettavamo certo sussulti e novità da un musicista
che ha attraversato oramai quarant’anni di pop internazionale,
ma questo lavoro di arrangiamento, di cesello
su canzoni già di per sè efficaci (Intruder, Diggind In The
Dirt), non ha fatto altro che mostrare le abilità di Gabriel
di giocare con i suoni. Rendere Rhythm of the Heat senza
percussioni e chitarre poteva sembrare un azzardo,
ma la realtà è che scarnificato e sbiancato acquista una
nuova vita. L’operazione era già riuscita egregiamente
sul disco precedente con The Boy In The Bubble di Paul
Simon, e qui conferma la sua efficacia. Oppure il duetto
con la norvegese Ane Brun, con una voce dalle parti di
Kate Bush, per la magia di Don’t Give Up.
Esagera David Crosby quando dice che Gabriel si è spinto
in un territorio inesplorato della musica, che non è
classica e non è pop: in fondo si tratta pur sempre di
cover di se stesso, qualcosa di molto simile all’onanismo.
Sicuramente, però, questo nuovo sangue sta facendo divertire
Gabriel, che canta con entusiasmo (e precisione),
e l’appositamente formata New Blood Orchestra. Settanta
minuti di eleganza e mestiere.
(7/10)
MarCo BoSColo
Peter haMMill - Pno, Gtr, vox (fie!,
ottoBre 2011)
Genere: art proG
La voce di Peter Hammill è un genere a parte, tanto è
capace di caratterizzare e determinare la rotta di una
canzone. E non parliamo certo di canzonette. Nulla di
strano quindi che oggi l’ultrasessantenne londinese
dedichi alla propria ars canora un vero e proprio monumento
in guisa di doppio album live. Lo fa presentandola
in flagranza di reato, due tipi di nudità diversa, una
voce-piano (il primo volume, intitolato What if I forgot
my guitar?) e l’altra voce-chitarra (il secondo dischetto,
What if there were no piano?).
Ventisette le tracce complessive, incise durante i tour
del 2010, suonate con l’espressività brusca del caso
(Hammill non è certo uno strumentista virtuoso) e cantate
senza rete, stecche e mezze stecche incluse. Non c’è
molto da aggiungere se non che la parte chitarristica si
fa apprezzare di più, in particolare con l’intenso romanticismo
di Amnesiac, Central Hotel e I Will Find You. Vale
invece la pena rilevare come gli ottantotto tasti pongano
in evidenza il sottofondo cabarettistico, la nevrastenia
teatrale a fondamento delle impalcature epiche e
visionarie del Nostro.
In ogni caso, si tratta di una testimonianza impressionante
circa la vitalità del frontman dei Van Der Graaf
Generator, che non mancherà di gratificare gli inveterati
fan. Tutti gli altri potranno semplicemente prenderne
atto o lasciare perdere.
(6/10)
Stefano Solventi
Peter kernel - white Death BlaCk heart
(afriCantaPe, ottoBre 2011)
Genere: inDie-noise-rock
C’avevano incuriosito con il singolo apripista Anthem Of
Hearts e, prima ancora, con quell’esperimento strambo
che era il 12” Il Pomeriggio Non Si Sa Mai Bene Cosa
Fare avevano dimostrato di non essere una band a dir
poco eclettica e incapace di accontentarsi.
Ora i tre svizzero-canadesi in formazione mista tornano
con un album lungo per AfricanTape inaugurato proprio
da quel singoletto che in 3 minuti scarsi circoscrive il
giardino dei desideri e indica il senso dell’intero album:
un 12 tracce in grado di riesumare l’indie rock meno
ortodosso dei mid-90s, capace di mischiare melodia e
dissonanza, rumore e forma-canzone, energia e cesello.
La Gioventù sonica di Experimental Jet-Set e Blonde Redhead
sono, insieme al versante più wavey dell’indie
(un nome su tutti, Deerhoof), più di una ispirazione soprattutto
quando a tirare le fila di un suono irto e ispido
è la voce della bassista Barbara Lehnhoff, esattamente al
guado tra una ventenne Kim Gordon e una Kazu Makino
mitteleuropea. Vedi alla voce Hello My Friend o I’ll Die
Rich At Your Funeral - grandi intrecci vocali e interplay
tra ritmiche tribali e chitarre in overdrive - per averne
conferma.
Messa così, però, sembrerebbe che i tre - i maschietti
Aris Bassetti alla chitarra e Ema Matis alla batteria completano
la formazione - siano fossilizzati ad un preciso
ambito e ad un preciso periodo temporale, come una
adolescenza che non vuole mai passare. Ma le svisate
anthemiche da disco-punk/wave-spastica di Panico! This
Is Love, la nenia post-punk al metadone di The Captain’s
Drunk e l’indie-panzerkorp di Make, Love, Choose, Take
dicono di una formazione capace di metabolizzare il
passato e guardare al futuro. In poche parole, uno dei
migliori dischi “indie” ascoltati quest’anno, senza che il
virgolettato suoni come una parolaccia.
(7/10)
Stefano Pifferi
PrinCe raMa - truSt now (Paw traCkS,
ottoBre 2011)
Genere: now-aGe
Avevamo accolto con piacere l’opera prima per Paw
Tracks (e quarta in totale) Shadow Temple. Rimaniamo
un po’ basiti da questo comeback che vede la formazione
newyorchese ridotta a duo con la fuoriuscita del
maschietto Michael Collins. Prince Rama, come da copertina,
è ora appannaggio esclusivo delle due sorelle
Larson, Taraka (voce, basso, chitarra, tastiere, synth) e
Nimai (voce, batteria) e la differenza si sente eccome.
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Se infatti ci si chiedeva quanto credessero a ciò che stavano
mettendo in mostra con Shadow Temple, gustoso
melt di psych, freakeria raga/free-folk e now-age, Trust
Now toglie ogni dubbio: queste non ci fanno, ci sono
proprio. Che in musica equivale a spingere sull’acceleratore
della freakness, sfiorare lande semi-new age e
world alla Natacha Atlas (l’opener Rest In Peace), svicolare
verso immancabili intrusioni hypna, retrocedere verso
arie (quasi)classiche (Golden Silence) lasciando però un
gusto amarognolo in bocca. Come se ci si ritrovasse ad
ascoltare uno di quei dischi che gli “arancioni” vendono
ai mercatini, ma decisamente fuori tempo massimo.
Le atmosfere misticheggianti e lo scampanellare estatico
(Summer Of Love), le ossessioni vocali reiterate (Trust,
Portaling) sempre venate da elettronica povera, l’immaginario
spirituale da “terzo occhio” (Incarnation) puntano
alla deturpata sensibilità “ritual-pop” storta e weird
tipica della casa madre Paw Tracks. Il problema è che
purtroppo non riescono appieno, come succede in altri
esempi del catalogo della label americana. Diciamo il
disco ideale per la ricerca della pace interiore o una palla
tremenda. Dipende dai punti di vista e dalle droghe
usate. Sufficienza di stima.
(6/10)
Stefano Pifferi
PuMaJaw - DeMonMeowMeow (BeDevil,
noveMBre 2011)
Genere: wave folk
Due anni (abbondanti) dopo il buon Curiosity Box, torna
la strana coppia John Wills e Pinkie Maclure, il primo
già fautore dei suoni nei Loop e la seconda chanteuse
post-moderna dal piglio fascinoso e misteriosamente
bizzarro. Giunti al terzo titolo sotto l’egida Pumajaw - e
che titolo: Demonmeowmeow - decidono di svoltare
smarcandosi da quella specie di folk mutante per imbarcare
ibride suggestioni trip-hop e wave. Immaginatevi
una miscela instabile di tremori Portishead e lirismo
sintetico Yazoo, guarnita con un pizzico di solennità
ombrosa Nico ed una spolverata d’estro acidulo weird.
Soprattutto, immaginatevi che funzioni: proprio così,
ogni traccia un teatrino squinternato ma dotato di consistenza
progettuale, ovvero mirato ad una dimensione
noir irrealistica ma in qualche modo plausibile.
Tra i momenti migliori segnalerei una Mask che spalma
inquietudini morriconiane su esoterico pattern digitale,
la curiosa Chinny Chin Chin che guizza truce e beffardella
(tipo Marianne Faithfull ammaliata Beth Gibbons), una
Tallulah che incede cinematica tra turbolenze eniane (un
po’ come potrebbe la cuginastra scellerata di Goldfrapp)
e la opener The Mazy Laws dall’estro cavernoso che ti fa
ipotizzare i Lamb in fregola dEUS. Mancano all’appello
dei veri colpi di genio, ma in questi tempi di revivalismo
pervadente e spesso coatto, riuscire a fare storia a sé è
già un risultato considerevole.
(6.8/10)
Stefano Solventi
raoul Sinier - GuiltY CloakS (aD noiSeaM,
luGlio 2011)
Genere: elettronica
Raoul Sinier è un musicista che conosce alla perfezione
i ferri del mestiere. Come un regista hollywoodiano da
film di cassetta, usa le tecniche giuste e ottiene il risultato
desiderato. Basterebbe la copertina per scovare i
cliché del genere introspettivo: una sedia vuota in un
luogo buio, un uomo seduto dall’aria afflitta dietro a una
maschera. L’elettronica d’atmosfera cupa e fredda dell’album
non fa che ribadire il concetto: l’apertura Overture 5
è talmente stereotipata da arie orrorifiche e inquietanti
da uscire direttamente dalla colonna sonora di un B-movie
degli anni 80, così Too Late di quel periodo ripesca le
melodie a 8 bit e certe sonorità synth-dark in maniera
pedissequa e Summer Days. Per la serie, sotto il vestito...
(5.5/10)
franCeSCo aSti
raS G - Down 2 earth (raMP, luGlio 2011)
Genere: beats
Gregory Shorter Jr. aka Ras G, dj, produttore, co-fondatore
della label undeground Poo-Bah, è il più antitecnologico
della cerchia dei brainfeederiani, ‘’working
thru obsolete tools to reach back in time and pluck out the
essence of groove’’. Abbiamo già avuto modo di apprezzarne
la capacità di sintesi e l’approccio ruvido, istintivo,
pesantemente psichedelico nel documentario Secondhand
Sureshots della Dublab. Questa, tra cd-r, mp3 e
cassettine, è la sua quinta prova lunga.
Ras conferma tutto, ma senza guizzi particolari, con una
raccolta di ben 21 scure schegge psichedeliche che alternano
ritagli, strumentali compiuti e strumentali ‘’in
attesa del rappato di qualcuno’’. Esplicita la filiazione rapblues
(il profetico, millenaristico, ossessivo mantra Who
will survive in America di Gil Scott-Heron) e funk (James
Brown), per un buon lavoro senza cedimenti ma anche
senza picchi.
(6.5/10)
GaBriele Marino
retox - uGlY aniMalS (iPeCaC reCorDinGS,
noveMBre 2011)
Genere: screamo
Decentrata ma non troppo, nel recente passato San Diego
ha saputo offrire una “scena” assai stimolante non
solo per quei Three Mile Pilot di recente tornati sulle
scene, per l’errebì intinto nel garage-punk dei disciolti
Rocket From The Crypt e per le contorsioni tra indie e
math dei leggendari Drive Like Jehu. Approfittando del
contesto geografico, l’incestuosità ha colà permesso lo
sviluppo di un sottobosco composito all’insegna della
bruciante creatività, che dallo straight edge degli Unbroken
è giunta fino alle melodie oblique dei Pinback
tramite un approccio furibondo e caotico all’hardcore - il
famigerato screamo - portato avanti nei primi anni ’90
da Heroin, Antioch Arrow e Swing Kids.
Allo scopo di sconfiggere l’emicrania scatenata dalla ridda
di sotto-sotto-generi testé elencati, potete concedere
un ascolto giustappunto ai Retox, supergruppo allestito
da Justin Pearson, Gabe Serbian, Michael Crain e Thor
Mickey. Gente che, tra il resto, ha ricoperto un ruolo rilevante
in Locust, Some Girls e Festival Of Dead Deer
e della quale è conseguentemente facile intuire l’attuale
proposta. Un rapidissimo, crudo assalto che sciacqua in
ricordi grind-core schegge gotiche e metal-punk trattenendo
forma sufficiente a impedire il caos e tratteggiando
una ruvida denuncia sociale. I fan gradiranno: tutti gli
altri lascino le speranze prima di entrare. A loro rischio
e pericolo, sia chiaro.
(7/10)
GianCarlo turra
roB Crow - he thinkS he’S PeoPle
(teMPorarY reSiDenCe, ottoBre 2011)
Genere: math inDie pop
Con all’incirca una quindicina di progetti sulle spalle - i
più riusciti dei quali sono probabilmente i Pinback in
campo indie rock, e i Goblin Cock in area stoner-metal
(imperdibili anche i loro video) - Rob Crow è uno dei
musicisti più prolifici degli anni ‘00. Questa volta lo ritroviamo
in veste solitaria proseguire note coordinate
math-indie-pop.
Va avanti a passi piccoli Rob Crow. Piccolissimi. Rispetto
al predecessore (Living Well del 2007), He Thinks He’s
People mette da parte lo spirito giocoso ed ha l’aria un
po’ più malinconica: forse a cambiare davvero è solo
questo, solo l’atmosfera. Per il resto la formula si affina
ma rimane pressoché invariata, ed è destinata quindi a
riscontrare gli stessi pregi e gli stessi difetti di sempre.
I pregi si riassumono nei primi sei brani, che se fossero
usciti come ep avrebbero fatto parlare di sé con maggior
interesse. Il frullato propone: ballate in stile Pavement
(Sophistructure), naturali retaggi Pinback (Tranked, Prepared
To Be Mine), una sparata alla Battles (Build) e l’avvicinamento
ad un pop-post-rock sulla scia degli ultimi
Mogwai (Scalped). Fin qui tutto perfetto, Crow è abile
nel trovare riff in stile math anche con l’acustica (This
Thread), e complice la batteria pestata il lavoro riesce
a discostarsi dal sapore indie più classico. I problemi
nascono nella seconda metà del disco, quando la ripetizione
del canovaccio inizia a mostrare la corda sul versante
songwriting (Purpose, Unstable), andando anche
fuori fuoco in un paio di occasioni (Locking Seth Putnam
In Hot Topic e il finale di Hangnailed). Peccato perché c’è
una scrittura in pieno modernariato pop (con canzoni
che si aggirano attorno ai due minuti) e un innegabile
talento compositivo che lasciano intravedere parecchi
rimpianti per questo He Thinks He’s People.
Poteva essere molto di più del solito disco onesto e sincero.
(6.9/10)
Stefano Gaz
SChnaak - wake uP ColoSSuS (DiSCorPorate
reCorDS, MaGGio 2011)
Genere: noise-rock
SchnAAk è la band di Mathias Jähnig e Johannes Döpping,
musicisti berlinesi ma solo come dato geografico,
punto sulla mappa, accidente biografico, verrebbe da
dire. Il corpo sonoro di Wake Up Colossus, esordio della
band, è un noise-rock eclettico preso a mani piene dai
Novanta americani, adagiato però poco su allori e molto
sulla ricerca di coordinate incrociate.
La tradizione del rock con chitarre tirate si sfoga nelle
prime tracce, per poi lasciare spazio alla complessità,
e a quello spettro che dalla california del frammento e
della struttura obliqua si combina a Polvo, Sonic Youth,
e a tutta la scuola alternative del rock fuori classifica.
Altrove le variabili aumentano con la strumentazione.
Lo xilofono, i vari giocattoli usati, le tastiere e gli effetti
sono però presi in carico nell’arrangiamento più come
oggetti sonanti che come strumenti, quasi l’attesa della
chitarra li intimidisse.
Eppure i numeri gustosi non mancano: Knuus sembra
provenire dai DNA o dai loro figliocci Blonde Redhead,
così come Herero si spinge oltre i confini della decade
e va a intercettare Deerhoof e Battles. Non c’è malizia
nell’operazione ma leggerezza, cosa che più convince di
SchnAAk, e che immaginiamo possa galvanizzare un uditorio
teutonico meno avvezzo a revisioni Nineties così
speziate. Ora aspettiamo l’esito dell’esercizio.
(6.5/10)
GaSPare Caliri
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SCuMBaG PhiloSoPher - it MeanS nothinG
So it MeanS nothinG (worDS on MuSiC,
GiuGno 2011)
Genere: post-punk
Non se ne parla più molto nei libri, eppure il revival post
punk si tiene sempre vivo, nelle band di oggi, a volte
con un filo di voce, altre con noncurante spavalderia. Gli
Scumbag Philosopher sembrano fare parte di questa
seconda corrente, e il motivo è di fatto nascosto dietro
la biografia dei componenti.
Il basso di Adam Green e la batteria di Anne Reekie vengono
dall’esperienza Fiel Garvie nei Novanta e Fuck
Dress nell’ultimo lustro (guarda caso andando a intercettare
gli anni d’oro del detto revival). Oggi, insieme a
Grant Madden e Jon Burke, non resta che raccogliere
l’eredità e farla germogliare in un album, It Means Nothing
So It Means Nothing. È impressionante la derivazione
della voce di Grant dai primi Fall (a proposito
di Reynolds e libri manifesto, avete mai sentito Totally
Wired?), ma drizza le antenne anche la sovrapposizione
tra critica sociale dei Gang Of Four e le liriche ironiche
degli Scumbag. Un velo di esistenzialismo distaccato che
però è condotto, musicalmente, più nel terreno degli Interpol
che degli Wire (a parte qualche raro caso, come
la title-track).
Fossero uscite una manciata di anni fa - quando sono
state pensate, probabilmente - queste nove tracce
avrebbero lasciato un segno nel dibattito. Ora provocano
pensieri e ricordi. E un ascolto discretamente interessato.
(6.4/10)
GaSPare Caliri
SiSkiYou - keeP awaY the DeaD
(ConStellation reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: post-folk
A un anno esatto dall’esordio con questa ragione sociale,
l’ex Great Lake Swimmers Colin Huebert offre l’opportunità
di saggiare la maturazione della propria vena di
songwriter. Immutati gli ambienti sonori all’insegna di
una melanconia bucolica e dimessa, è lo smalto della
calligrafia a essere superiore in una manciata di canzoni
dai semitoni persuasivi. Chiarisce molto la loro origine,
essendo state scritte da Huebert in uno sperduto paesino
della British Columbia lungo l’inverno scorso ed -
eccetto due - registrate in poche settimane con il sodale
Erik Arnesen.
Keep Away The Dead porta di conseguenza in dote un
suono intimo e minimale anche quando insegue l’epica
tipica di svariate band canadesi (la title-track in ciò
esemplare), restituendo un profumo di boschi umidi e
d’aria e nevischio che sferzano il volto. L’unica salvezza
per oltrepassare i rigori della stagione il legarsi a doppio
filo con un folk così antico da risultare senza tempo, da
qualche parte tra Bonnie “Prince” Billy (vertici la cameristica
So Cold, le sospese Not The Kind e Dead Right
Now), Bright Eyes (Twigs And Stones, Fiery Death) e il Neil
Young desolato dei primi ’70 del quale è sentitamente
riletta Revolution Blues.
Disco che persuade sul talento del ragazzo e sulla relativa
crescita dello stesso, raccontandosi perfetto per pomeriggi
freddi in cui il tramonto cala sempre più rapido.
(7.1/10)
GianCarlo turra
Slow eleCtriC - Slow eleCtriC (PaneGYriC,
noveMBre 2011)
Genere: contemporanea
Nasce quasi per caso da un incontro tra Tim Bowness,
Peter Chilvers e il duo estone UMA (Robert Jürjendal
e Aleksei Saks) questo Slow Electric, a cui presta il basso
in un paio di brani il King Crimson Tony Levin. Per
un’opera che si posiziona, nello stile e nelle finalità, esattamente
all’altezza del percorso artistico dei musicisti
coinvolti. Con un Bowness (voci, piano, mellotron, loops)
in passato alle prese con Robert Fripp e Hugh Hopper
(Soft Machine), un Chilvers (tastiere) collaboratore di
Brian Eno e David Byrne, uno Jürjendal (chitarra, loops)
sperimentatore in bilico tra contemporanea ed elettronica
e un Saks (tromba) cresciuto in ambienti classici e jazz.
Il risultato non può che essere un disco aulico, laccato e
raffinatissimo, in cui ambient evocativo, pianoforti classici
ma minimali e cantato etereo si mescolano a un’attenzione
maniacale per i dettagli e la resa sonora. La tromba
di Saks viaggia dispersa in cosmo dilatato e fluido, offrendo
una chiave interpretativa affascinante a materiale
che, minimizzata la parte ritmica, si concentra soprattutto
sul mood e il landscape. Tra gli aspetti degni di nota
l’ottima qualità della parte strumentale, l’immediatezza
nell’ascolto e una Between The Silent Worlds finale dagli
accenti vagamente kraut che da sola vale tutto il disco.
(6.9/10)
faBrizio zaMPiGhi
SParrow anD the workShoP - SPittinG
DaGGerS (DiStiller reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: inDie rock
Dalle dieci tracce di questa seconda prova della band
UK affiorano fortemente il sound e l’attitudine degli anni
Novanta. Però rispetto alla prima prova degli Sparrow
And The Workshop, quel Crystals Fall dello scorso anno
che pare abbia attratto più di un interessato ascoltato-
re tra i critici d’oltre manica, questo Spitting Daggers fa
poco per personalizzare una proposta musicale già di
per sé passatista. Ci ritroviamo PJ Harvey (Pact To Stay
Cold, Against The Grain) nei momenti più movimentati,
o ancora il decennio Novanta filtrato Yeah Yeah Yeahs
(Snakes in the Grass), ma talvolta si scade nel grottesco (il
crescendo quasi glam della titletrack. i muscoli e la voce
filtrata di You Don’t Trust Anyone).
(5/10)
MarCo BoSColo
SPeCtralS - BaD PennY (wiChita
reCorDinGS, noveMBre 2011)
Genere: pop inGlese
Piccoli Smiths crescono in terra d’Albione. Strano come
una formazione seminale come quella mancuniana sia
stata fatta oggetto di decine di tributi e abbia influenzato
per decenni una larga fetta trasversale di ascoltatori
senza mai (o quasi) aver avuto epigoni degni di tal nome.
Spectrals, il moniker sotto il quale si muove il poco più
che ventenne Louis Oliver Jones da Leeds, non arriva a
toccare le vette liriche di Morrisey né tantomeno quelle
strumentali arrangiate da Johnny Marr, ma di sicuro si
ritaglierà uno spazio di considerazione tra gli amanti del
pop chitarristico ricercato e non banale. Partito, come
ovvio, da lande lo-fi e bedroom pop con l’infinita messe
di pezzi vinilici piccoli per le etichette più cool del
momento (Captured Tracks, Underwater Peoples, Tough
Love, Moshi Moshi e Slumberland), l’aka di Jones sembra
seguire il percorso di molti cult-heroes sotterranei,
pronti ad abbandonare la dimensione lo-fi appena hanno
la possibilità di mettere le mani su uno studio professionale.
Bad Penny, collezione di canzoni che parlano
“dell’amore ai tempi del liceo”, non fa eccezione ripulendo
il flusso spesso spectoriano col quale Spectrals sporcava
e ricopriva le sue canzonette per adagiarsi su una
cristallina apertura smithsiana, in cui il jingle-jangle e le
melodie retrò 50s che avevamo avuto modo di apprezzare
nel 7” 7th Date o nel mini Spectrals Extended Play
si manifestano nella loro pienezza. L’iniziale Get A Grip, le
spuntature “melodic-aggressive” strokesiane di Big Baby,
la malinconia retrò di Many Happy Returns, il seventysoul
di Confetti o l’evidente tributo agli Smiths di Brain
Freeze misto alle dolcezze di Luck Is There To Be Pushed
sono esempi perfetti di un pop semplice, accattivante e
pulito. Come la faccia di questo 21enne romantico che
alla fine, si dice online, ha conquistato l’amore della sua
vita. Ci piace immaginare anche grazie ai 30 minuti di
questo esordio.
(6.8/10)
Stefano Pifferi
SuMMer CaMP - welCoMe to ConDale (MoShi
MoShi, noveMBre 2011)
Genere: inDie pop
Se avete avuto la sensazione, ascoltando il primo full
length dei Summer Camp, di trovarvi di fronte a una
piccola opera tutta adolescenziale e in odor di calzoncini
e pigiama party, beh, non vi siete affatto sbagliati.
Con Welcome To Condale, in uscita l’8 novembre con
Moshi Moshi, infatti, il duo super indie che più indie non
si può, omaggia i tempi dei telefilm dimenticati in quel
limbo che sono le mattine di quando eravamo ragazzini
e le serate trascorse ad obbligare tutta la famiglia a sorbirsi
per la trecentesima volta un film di John Hughes
che avremmo poi presto apparentemente scordato. La
realtà però, ci dicono Jeremy e Elizabeth, è che nulla si dimentica
davvero e quella vita che ancora non era vita da
grandi, ha registrato profonde nostalgie che facilmente
trasformabili in sonorità che sfrecciano dal pop più giocoso
e femmineo alla potenza di un sound elettronico
nient’affatto trascurabile, quello in cui i Summer Camp ci
ricordano che Welcome to Condale è un concept radicato
negli 80s.
Evidente la presenza, in almeno un paio di episodi, dello
zampino di Ash Workman, già alla produzione dell’ultimo
Metronomy. Ballads romantiche su sonorità altamente
stratificate che fanno incontrare low fi e raffinato
bel canto, elettronica pulita, quasi sinfonica, e bassi sporchissimi,
questo è Welcome to Condale. Ciò che rende
interessante questo lavoro è l’aspetto più strettamente
concettuale: Condale è una città che non esiste, proprio
come sono immaginarie le ambientazioni delle pellicole
di Hughes. A Condale i Summer Camp ambientano una
storia vera e propria che vede al centro due donne, Cathy
e Babe, e le loro vite parallele tra gli anni 50 e gli anni 80.
Ascoltare per credere. Il concept c’è, la sostanza pure,
seppure non sempre ugualmente corposa, spesso cedevole
e leziosa. Spiccano la super californiana Brian
Krakow che profuma un rock’n’roll sporco e sensuale cui
la successiva I want you fa subito da contraltare al femminile.
Non trascurabili i singoloni Better off without you
e Losing my mind, brano tutto composto su una linea di
richiami vocali, elettronici, pianistici eppure ruvidi. Mettetevi
comunque il cuore in pace, Welcome To Condale
è, in soldoni, un piccolo omaggio pop al decennio pop
per eccellenza, un omaggio divertente, piacevole, giocoso
e, al di là del concept, nemmeno troppo hipsterico
però, diciamolo, nulla di più.
(7/10)
Giulia Cavaliere
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the GolDen filter - S Y n D r o M e S
(PerfeCtlY iSolateD, ottoBre 2011)
Genere: electropop
Dopo esser saliti alla ribalta l’anno scorso con l’acclamato
esordio Völuspà, tornano al lavoro i Golden Filter
realizzando la colonna sonora del corto S Y N D R O M
E S diretto dal norvegese Kristoffer Borgli. Il maggior
spessore resosi necessario dal ruolo di accompagnamento
all’immagine conduce il duo newyorkese verso
un pop più sofferente che rifugge la luminosità del disco
precedente (Kill Me e quella sensualità arrendevole
venuta alla luce con The XX). È sempre quell’electropop
modellato intorno alla vocalist Penelope Trappes,
intagliato su quelle lunghezze malinconiche primi
Goldfrapp (Mother), ma che sa anche accanirsi con
carrellate electroclash votate alla Robyn più dancey
(Shake). Libertà di movimento e flessibilità stilistica son
doti importanti, ora tocca metterle al servizio della formula
espressiva che colpisca al primo impatto. E questa
è la strada giusta.
(6.7/10)
Carlo affatiGato
the kookS - Junk of the heart (virGin,
noveMBre 2011)
Genere: britpop
Il primo, al tempo in cui la stampa inglese li chiamava
The Libertweenies e la band vendeva 2 milioni di copie,
lo si perdona perché figlio dell’inesperienza e dell’irruenza
della giovane età. Il secondo, che segna l’ingresso nel
mainstream, meno: infatti calano vendite e apprezzamenti
anche tra le file dei sostenitori della prima ora.
Il terzo, sempre prodotto Tony Hoffer, lasciava sperare
perlomeno in una maggiore maturità e invece si risolve
in un prodotto discografico che neppure NME riesce a
salvare.
Il famoso mag britannico a Junk Of The Heart rifila infatti
un bel 4, e noi potremmo liquidare così, senza tanti
patemi, una carriera iniziata nel 2006 dalle spiagge di
Brighton definitivamente approdata dalle parti di un folk
pop tanto cristallino e vintage, quanto autoreferenziale
e privo di originalità.
Rimarrebbe soltanto da parlarvi delle risse storiche
con i rivali Razorlight e Arctic Monkeys, aneddoti di
gran lunga più interessanti di un disco di archi sedanti
(Time Above Earth), precotto rock settantino (Fuck The
World Off con lyrics da bandire), tentativi di college
rock (Killing Me) e altre inutili baggianate. Accontentarsi
di un guitar pop in salsa Morissey/Kinks macinato
e riscaldato per l’ennesima volta? Peggio. Qui
la colpa sta nel aver scelto il peggio dei cliché che
manco i Coldplay. Fortuna che dura soltanto trentanove
minuti...
(4/10)
MarCo BoSColo
three in one GentleMan Suit - Pure
(fooltriBe, ottoBre 2011)
Genere: inDie
Pure, quarto album dei TIOGS, segna il rientro in pista per
la formazione emiliana dopo uno iato triennale in cui il
terzetto non si è affatto risparmiato, arrivando a calcare
palchi anche nella lontana Cina.
Questo ritorno spariglia, però, le già buone carte messe
in tavola dal precedente We Build Today, col senno di poi
profetico come da titolo. Per dinamiche discografiche - il
disco è in download gratuito presso il loro sito, seguendo
una tendenza ormai consolidata - e per evoluzioni musicali.
Abbandonati i lidi (grossomodo) post-rock trafficati
in precedenza, i 3 eleganti uomini salpano in direzione
ignota, mostrandosi più aperti che in precedenza ad accogliere
prassi e input alieni.
La produzione della premiata ditta Favero (Il Teatro Degli
Orrori, One Dimensional Man) e Ferliga (Aucan) in
questo senso ha molto aiutato, innervando di venature
electro il versante ritmico (Green Riot, wave-caleidoscopio
malinconicamente melodico e ritmicamente pompato
alla Aucan) e per certe atmosfere meno opprimenti,
ma è l’evoluzione interna al progetto a fornire lo scarto
col percorso precedente. Dismessi i panni del progetto
post-/slow, prima (Battlefields In An Autumn Scenario),
e math, poi (Some New Strategies), accolti in seno alla
strumentazione l’elettronica di synth, tastiere e campionatori,
posta una maggiore attenzione all’amalgama di
tensione e melodia, furia e elaborazione, i TIOGS colpiscono
appieno il bersaglio. Che è quello decostruttivista
e riaggregativo di band nazionali di cui abbiamo apprezzato
le capacità negli ultimi anni (dai citati Aucan ai
Lush Rimbaud, per capirsi), sempre più in grado di confrontarsi
con forme nuove e personali di rielaborazione
concettuale in ambito di genere (vedi alla immancabile
voce Battles).
Detta così, sembrerebbe di rifarsi ad un album dalle coloriture
omogenee e dalle atmosfere quasi cristallizzate,
mentre in realtà addentrarsi nell’ascolto di Pure lascerà
scoprire tante piccole sfumature post-math emo-zionale
(Confusion Is Pleasure), art-rock washingtoniano (Upcoming
Poets), wave divagante (Born Nihilistic). E molto
altro ancora.
(7/10)
Stefano Pifferi
thunDerCat - the GolDen aGe of aPoCalYSPe
(BrainfeeDer, aGoSto 2011)
Genere: funk, fusion
Bassista dei Suicidal Tendencies dal 2002 e sessionman
di fiducia del giro Badu-Sa-Ra-Lotus (lo troviamo su New
Amerykah 1 & 2, Nuclear Evolution, Cosmogramma), il
virtuoso Stephen ‘Thundercat’ Bruner esordisce come
solista ovviamente su Brainfeeder. L’operazione segue
la linea di pubblicazioni di musica suonata e fusion inaugurata
dall’album di Austin Peralta; gli ingredienti sono
quelli che la cerchia di amici (e Om’Mas Keith e Shafiq
Husayn, la Badu, FlyLo e lo stesso Peralta sono appunto
ospiti) lascia intendere.
Funk superslappato, electropop Ottanta e ambience
laser-spacey, a creare una fusion - sfumata latin - che
non arriva mai però al barocchismo generoso per quanto
freddo del biondissimo pianista o al progressivismo
spinto del nipote di Alice Coltrane. The Golden Age of
Apocalypse è molto più asciutto. E mediocre. Is It Love?
ha i suoi bei saliscendi vocali di scuola baduiana (canta
Om’Mas) e Golden Boy riesce a scavalcare il solito esercizio
funky (il 90% del resto del disco) diventando uno studio
di spezzettamento ritmico. Ma ecco, semplicemente,
a Thundercat sembra mancare la stoffa del songwriter e
neppure sotto il profilo dell’alto artigianato da turnista
che da lui ci si aspetterebbe ci sono qui grandi cose.
(5.1/10)
GaBriele Marino
tiGer & wooDS - wiki & leakS
(autoProDotto, ottoBre 2011)
Genere: Disco
Dopo quel Through The Green che ha acceso definitivamente
i riflettori su di loro e i due eppì estivi editi in
formazione singola (Alone on The Green e On The Green
Alone), i Tiger & Woods sono ancora in forma smagliante
e, senza perdere un’unghia del loro smalto, rilasciano
gratuitamente un altro full-lenght di inediti senza titolo
ma pieni di sostanza (lo potete scaricare qui). La formula
non cambia di una virgola, sempre fondata su cassa
in quattro e claps vecchia maniera attentissimi a non
disturbare la circolarità della materia disco (i ‘70 che ritornano
in #03 o #11) e quei caratteristici campioni vocali
messi in loop che ormai rappresentano il loro biglietto
da visita (#01, #02 o #09, tutte naturali continuazioni del
primo album).
Quindici carotaggi riutilizzabili di clubbing, per la gioia
dei dj che scaldano le folle. È ancora energia dance seminale
(i graffi electro d’antan di #04, i synth gaudenti
di #08) che non perderebbe di efficacia nemmeno tra
trent’anni, carburante esplosivo che in pista ti manda
avanti all’infinito (per conferme chiedete a Leon). Ripetitivo
all’ascolto? L’obiezione ha un vizio di forma.
(6.9/10)
Carlo affatiGato
tinY tiDe/anneMarie - fall to fall (kinGeM,
ottoBre 2011)
Genere: inDie pop
Fall To Fall ovvero le quattro stagioni secondo il patologicamente
fertile Mark Zonda AKA Tiny Tide, accompagnato
in questo carosello meteoropatico (o semmai
meteorofilo?) da Annemarie, band indonesiana la cui
cantante Rimauli Dindani può vantare vocina flautata
e malferma tipo una Isobell Campbell in sedicesimi,
gracile ai limiti dell’inconsistenza eppure dotata della
grazia agrodolce e tenace che fa alla bisogna. Son cose
delicate, infatti, i cambi di stagione. C’e’ bisogno della
rete di protezione d’un immaginario sfaccettato pronto
a raccoglierti dopo la caduta nel lucernario psych-pop
con fragore di colori, aromi e circostanze da giardinetto
periferico.
Detto che i due pezzi firmati Annemarie (Lovely Afternoon
e Spring Bus) sciorinano ragguardevoli morbidezze &
fragranze twee-soul (tra l’arguzia bucolica Gentle Waves,
il languore disincantato degli Edwin Moses ed il
piglio arguto dei più soffici Stereolab), non stupisce piu’
oramai l’apparente semplicità con cui Zonda snocciola
pezzi tra il gradevole e l’avvincente, soprattutto il pastiche
della opener To Fall e la wave onirica di Vacaciones
de inverno. Al solito ti ritrovi in una mischia di dimensioni
estetiche sovrapposte, nella fattispecie la neo-psichedelia
dei Cope e degli Hitchcock piu’ affabili, certo jingle
jangle acidulo, barlumi glam e dream come se piovesse,
gli sferzanti incantesimi dei The Fall (e non poteva essere
altrimenti, visto il titolo) ed il lirismo indolente di Jens
Lekman.
Il tutto mantecato in una glassa di bassa fedelta’ da far
stramazzare un audiofilo, la quale - val bene ribadire - è
ingrediente essenziale come l’incarto stropicciato per la
caramella, come la levigatezza porosa della tazza da cui
sorseggi il té, un intimo difetto di pronuncia (cit.) come
additivo mitopoietico di palpitazioni oniriche ad alzo
zero. Vedi il caso della conclusiva Fall, che è anche l’unica
traccia scritta in collaborazione e qualcosa di molto
vicino all’idea iperuranica di “gioiellino indie-pop”.
(7/10)
Stefano Solventi
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troPiCS - ParoDia flare (Planet Mu
reCorDS, SetteMBre 2011)
Genere: shoeGaze Glo
Se il glo-fi dovesse venire a mancare di qui a breve, probabile
che sia questo il primo modo in cui verrà riempito
il vuoto: un pop sfumato a colori pastello, che riversa la
sua nostalgia sgranata su trame oniriche storicizzate à la
Cocteau Twins, ma che fa comunque tesoro dei mood
da cameretta di Memory Tapes e compagnia. La parabola
glo in senso stretto la si lascia alle spalle, la si usa
come lente focale per guardarci attraverso e puntare al
passato remoto, e in un modo o nell’altro son sempre
gli ‘80 a venir fuori.
Sembra non avere altre ambizioni che questa Chris Ward,
la nuova scommessa Planet Mu sotto la voce Tropics,
già edito l’anno scorso con il singolo Soft Vision. L’album
amplia quelle che all’inizio erano primizie electro-pop,
integrandole con una malinconia tanto vicina a Toro Y
Moi (Going Back) e adagiandole su tinte shoegaze melliflue
(Playgrounds, Parodia Flare) se non visioni propriamente
ambient (Celebrate). Senza disdegnare un pugno
di ballate intimiste devote a Thom Yorke (Mouves), ma
con una fedeltà vintage a un tanto così dall’acid jazz (On
The Move). Tutte idee che reggono, ma che non possono
prescindere da un importante dose di carattere. L’album
tenue e sottile è ben accetto, ma così il rischio è che
diventi impalpabile.
(6.2/10)
Carlo affatiGato
tYCho - Dive (GhoStlY international,
noveMBre 2011)
Genere: ambient
Scott Hansen, artista di San Francisco, in arte Tycho,
ha innata l’arte della manipolazione, oltre alla capacità
di conquistare il pieno riempiendolo di vuoti. Il nuovo
Dive non fa altro che confermare il tutto - già santificato
dagli altri - agonizzando l’ascoltatore tra piacevolezze
dreamy e ottusità monocolori, prima di sparire tra le
sabbie mobili di un immobilismo concettuale e sonoro,
dove a mancare non è l’equilibrio, ma il cambio di passo,
il lancio in profondità, o meglio, la rincorsa.
La ricetta è semplice e mal digerita, come la direzione,
troppo pietrificata per questi tempi disinvolti: lenzuolate
oniriche in bilico tra post rock a senso unico e (tentate)
sensazioni elettroniche. A fare da contorno, l’elemento
disturbatore di turno, la variabile post punk (Dive), la freschezza
assopita tipicamente eighties (ovunque eppure
in nessun luogo) oppure saliscendi danzerecci insignificanti
(Coastal Brake), o infine, senza alcuna direzione,
vedi l’incompiuta Ascension, sviluppo avariato dopo un
approccio sognante invidiabile. Un cambio di velocità
standardizzato, dove la creatività viene sommersa dalla
maniera (Hours) o dall’apparenza sintetica che non restituisce
il fuoco delle intenzioni, senti la sapida Daydream.
A Walk rincorre la paura di ballare dei Port Royal, e quasi
si sorride estasiati, episodio raro e quasi devastante se
rapportato con gli impalpabili riempitivi di Melanin ed
Epigram, a futura imitazione degli irraggiungibili Board
Of Canada. Dive è pelle, raramente carne e anima, un
unicum sonoro fatto d’intenzioni, svuotato di azioni.
Le idee, confezionate egregiamente, si contano su una
mano con tre dita.
La sufficienza è abbondante e d’obbligo, rincuorata
dall’unica immersione, dal respiro ammaliatore di Elegy,
strutturata speranza nel futuro. Dive è un’immagine
senza immagini, inusuale per un’artista, ridondante per
l’ascoltatore.
(6.3/10)
feDeriCo Pevere
ultiMo attuale CorPo Sonoro - io riCorDo
Con raBBia (Manzanilla, noveMBre 2011)
Genere: post-rock
Gestire testi rabbiosi, declamati e catartici su un’estetica
che inevitabilmente richiama l’asse Massimo Volume
/ Offlaga Disco Pax non è impresa facile: il rischio è di
sfociare nella retorica più oltranzista e banale, come di
foraggiare, musicalmente parlando, un senso di déjà vu
che non può portare a nulla di buono. Per questo la scrittura
diventa, ancor più nel caso degli Ultimo Attuale
Corpo Sonoro, momento fondante: un soppesare i toni,
un dosare l’intensità, un reggersi in bilico tra musica e
parole che renda il tutto credibile e, soprattutto, condivisibile.
Oltre la facile invettiva politica e alla ricerca di
storie rubate alla memoria collettiva.
L’esempio da seguire è quello della Empirismo eretico dedicata
a Pier Paolo Pasolini nel disco d’esordio Memorie e
violenze di Sant’Isabella, brano di cui Io ricordo con rabbia
sembra idealmente lo sviluppo. Chiudere il cerchio - o
per meglio dire ampliarlo progressivamente - con un
pugno di brani al solito schierati e toccanti in cui all’imperialismo
e al terrorismo di stato (la Flight Data Recorder
dedicata alla tragedia di Ustica, una Undici settembre millenovecentosettantatrè
ispirata dalla parabola di Salvador
Allende e del musicista Victor Jara) si mescolano vittime
predestinate (una Fortapàsc che ripercorre l’omicidio del
giornalista Giancarlo Siani), ma anche riferimenti palesi
a personaggi politici di primo piano (Tessera P2# 1816).
Violenza (emotiva) e verità urlate, vicende tragiche e
“oscure” da riportare a galla. Per farlo il gruppo sceglie la
strada più immediata e intrigante: accelerare il post-rock
etereo e stratificato che regolava il disco precedente in
una copula urticante ai confini col noise in stile Godspeed
You! Black Emperor. Con certi crescendo fulminanti di chitarra
elettrica, basso, tastiere e batteria che si dimostrano
una spalla perfetta per i testi poetici di Gianmarco Mercati,
questi ultimi quasi sommersi dal flusso empatico
che si sviluppa con il trascorrere dei minuti.
Le retorica, dicevamo: per ora gli Ultimo Attuale Corpo
Sonoro dimostrano di saperla arginare con un disco riuscito
e all’altezza del già ottimo esordio. Quanto ancora
un approccio di questo genere possa funzionare senza
suonare autoreferenziale - il pattern stilistico in fondo
non cambia di molto, è la potenza evocativa dei brani a
far la differenza - non è dato saperlo.
(7.2/10)
faBrizio zaMPiGhi
uYuni - uYuni (tafuzzY reCorDS, Marzo
2011)
Genere: post/finGerpickinG
C’è il fuoco sacro di John Fahey dietro a Uyuni, nuovo
progetto di Lompa e Inserirefloppino, già compagni
di band in mrBrace e B.I.P.. C’è una memoria collettiva
che dal folk-blues primitivista americano - filtrato coi toni
del raga indiano - arriva a lambire il post-rock scozzese
e i Novanta italiani (lo spoken word di E Adesso Dove Ci
Troviamo, una sensibilità cantautoriale da Consorzio Produttori
Indipendenti in Qui).
La formula ricorda The Epiphany Of Glenn Jones dei
Cul De Sac, pietra angolare per chi guarda al fingerpicking
del maestro e lo intarsia di synth e tappeti elettronici
- e di fatto canto del cigno di Fahey. La chiave
compositiva e di lettura è più narrativa, meno pregna
d’inquietudine e di scomposizioni paranoiche rispetto
all’esperimento tardivo degli amici John e Glenn. La strada
seguita da Uyuni mette di fatto sempre in prima fila
i fraseggi della seicorde, la sua riconoscibilità e accessibilità,
messa in discussione forse solo dalla finale Cairngormos,
brano nato sotto il segno delle strutture dei
June Of 44 ma quasi Neu!-iano nella distensione con
cui trova una realizzazione solare nella seconda parte.
Fatti i conti con ciò che risuona nell’aria mentre si ascolta
l’esordio del duo, ci si rende conto che il noto non
è banalmente un già sentito ma un punto di partenza,
un contesto di condivisione, un mondo astratto epperò
conosciuto dove sentirci a nostro agio, su cui i due lavorano
e fanno emergere le penne e la scrittura. Ci è già
successo qualcosa di simile affrontando il lavoro di Egle
Sommacal (uno su tutti), accade lo stesso con Uyuni,
capaci di smarcarsi, pur usando approcci non così divergenti,
dal post-rock emozionale che continua a riempire
tante, troppe etichette italiane. È il fuoco sacro, si diceva.
(7/10)
GaSPare Caliri
vena viola - SMaSh uP (autoProDotto,
aGoSto 2011)
Genere: trip hop
A volte lo noti subito dalla copertina. Quelle copertine
che ti indirizzano, ti aprono la strada del percorso che
stai per intraprendere. Quella di Smash Up dei Vena Viola
da Benevento è una strada complicata. Dal cuore della
Campania dritti nella fumosa Bristol del trip-hop. Non
è un percorso così scontato, perché alcune volte c’è da
fare i conti con altri fattori, quelli del tuo DNA, della tua
terra o (per dirla con un termine brutto) delle tue radici.
A Benevento non ci sono tante fabbriche quante ce ne
saranno a Bristol, ma forse quel clima di provincia, di
frontiera che respirano i posti come quello, non è così
diverso. Infondo anche gli Almamegretta avevano già
questo tipo di approccio.
I temi che scottano, giorno dopo giorno in queste terre,
sono il pane quotidiano per chiunque voglia intraprendere
un’attività più o meno artistica. Non ci si meravigli,
dunque, se l’insieme delle cose collega due mondi così
apparentemente distanti. Smash Up è un album d’impatto.
Pulito, ghiacciato, scuro, essenziale Più che nel
mettere, la bravura dell’artista in certi contesti sta nel
togliere: quando la soglia dell’ipnosi si abbassa ai soli
vocalizzi di Veta, vuol dire che il gioco è vinto. L’ascoltatore
rimane sotto scacco, immerso in piccole cavalcate
di drum machine, e riff ossessivi di chitarra. L’essenza è
tutta lì. L’onirico mondo dei Portishead, quello fatto di
lontani segnali da mondi sconosciuti, è qui filtrato da
ridondanti violini e organi synth, color arcobaleno, che
alla fine lasciano sperare che la situazione è sotto controllo.
Aggiungiamo poi che il tutto è stato concepito per contestualizzare
e permeare di lampi e suoni la mostra di
Gianluca Russo e si torna al percorso da intraprendere,
di cui sopra. A volte non si tratta di fare canzoni, ma di
scrivere delle immagini.
(7.2/10)
nino CiGlio
verYShortShortS - MiniMal BooM! (riff
reCorDS, ottoBre 2011)
Genere: Jazz rock
Li abbiamo scoperti lo scorso anno con Background
Music For Bank Robberies, sorta di carosello di
soundtrack poliziesche in differita dall’iperuranio dei
film potenziali. Estro, ingegno e disinvoltura fin dove
90 91

lo consentono pianoforte, violino e batteria. Il jazz furibondo
math-rock, improvvisata birbona e camerismi
suadenti, il pungolo cinematico sempre in tiro a pasturare
l’immaginario. Per le parole, va da sé, non è luogo.
Formula che trova conferma e verve rinnovata nel qui
presente sophomore Minimal Boom!, il ventaglio che
s’allarga a sventolare irrequietezze post e impressionismi
avant, lambendo gradazioni intermedie come
l’E.S.T. di Nein Ist Nein, l’impeto scarmigliato funky
- come i Venus più esagitati - di While My Daughter
Gently Sleeps o quella specie di Rachel’s anfetaminici
di Ramachandran.
Posso rimproverargli solo un eccesso di pulizia sonora,
ma visto il loro background jazzistico è un po’ come
rimproverare a Tom Waits d’essere roco o ai Sonic
Youth d’esagerare con le distorsioni. Comunque, bene
così.
(6.9/10)
Stefano Solventi
vinCenzo faSano - il SanGue (eCleCtiC
CirCuS, ottoBre 2011)
Genere: cantautorato
L’immaginario di Vincenzo Fasano è in qualche maniera
analogo a quello de Le luci della centrale elettrica.
Non tanto per lo stile musicale o i contenuti, quanto
per quel saper convogliare frustrazioni umorali in un
cantautorato espettorato, ruvido, urlato. Una spinta
emotiva fortissima che tutto trascina, lasciando in secondo
piano gli accorgimenti stilistici (un missaggio
fangoso, certe elettricità sorprendenti, echoes profondi),
la strumentazione a corredo dell’onnipresente chitarra
(fisarmonica, basso, qualche pianoforte, batteria),
forse anche gli stessi brani. In una paradossale rincorsa
a un “sopra le righe” voluto ma anche credibile e senza
forzature.
Materiale che a differenza di quanto accade con lo stream
of consciousness brondiano, si affida a strutture canoniche
e tutto sommato riconoscibili: la wave confusa
col cantautorato di Non ritiro quel che ho detto, il tango
caposseliano sbrindellato dell’accoppiata Paiettes / Se
fossi in me, il Vasco Rossi prima maniera di Mal d’africa.
Filtrate da una voce a metà strada tra Giancarlo Onorato
e Bugo capace di far dimenticare i punti deboli di
una scrittura intuitiva, a volte brillante (La sindrome di
Stoccolma, Il Sangue), ma ancora da definire pienamente.
Al disco, registrato al NHQ di Ferrara e prodotto da
Manuele Fusaroli (già al lavoro con Le luci della centrale
elettrica, Zen Circus, Tre allegri ragazzi morti), hanno
partecipato Riccardo Sinigallia, Gionata Mirai (Teatro
degli Orrori) e Dino Fumaretto. Unite i puntini e capi-
rete per quale motivo - in questo caso con pieno merito
- sentiremo ancora parlare di Vincenzo Fasano.
(6.7/10)
faBrizio zaMPiGhi
vintaGe trouBle - the BoMB Shelter
SeSSionS (MCGhee entertainMent, ottoBre
2011)
Genere: southern rock
Può un quartetto proveniente dalla patinata Los Angeles
suonare rock vibrante ed elettrico che irrobustisce le radici
black in modo credibile? Questa la domanda da porsi
di fronte ai Vintage Trouble, esperti strumentisti all’esordio
sotto tale ragione sociale. Perché no, a patto che la
penna sia di vaglia, la conoscenza degli argomenti adeguata
e si scansino luoghi comuni ed eccessiva pulizia
sonora. Poiché non accade, ecco che assumono tutt’altro
significato che, 1) trattasi di “protetti” del manager Doc
McGhee (Bon Jovi, Motley Crue, Kiss, Guns N’ Roses);
e 2) che il cantante Ty Taylor c’avesse già provato senza
riuscirvi a fine ’90 con i Dakota Moon.
E ulteriori dubbi emergono leggendo che lo stesso parla
di soul primitivo, il che può essere vero se considerate
Lenny Kravitz uno schietto interprete della tradizione
e non un patetico coacervo di banalità. L’oliato e ben
eseguito The Bomb Shelter Sessions scorre infatti senza
sorprese né scarti particolarmente clamorosi tra mainstream
e underground, ben fatto al punto da istigare il
dubbio che sul palco le cose vadano diversamente e
magari la formazione accantoni oleografia e belle maniere.
Al loro meglio (You Better Believe It e Nobody Told
Me, Run Outta You e Jezzebella) i Vintage Trouble sono in
sostanza dei Black Crowes di seconda categoria e certo
non depone a loro favore un incombente tour di spalla
a Bon Jovi. Una faccenda entusiasmante per chi si nutre
con Virgin Radio e trascorre i sabati sera sul Sunset Strip.
(6.3/10)
GianCarlo turra
vittorio Cane - Palazzi (innaBiliS, ottoBre
2011)
Genere: canzone D’autore
In un’epoca in cui il cantautorato indie cerca di smarcarsi
dalle retrovie lo-fi per abbracciare un età adulta fatta di
produzioni medio-grandi (Dente), sensibilità in crescita
(Brunori Sas), deviazioni personali (33 Ore), sperimentazioni
borderline (Iosonouncane), Vittorio Cane decide
di non allontanarsi troppo dai consueti pruriti melodici/
bughiani prima maniera. E così, lasciati perdere i modelli
istituzionali forti e riconoscibili (i vari Battisti, Gaetano,
Dalla, Ciampi) che ispirano i fratelli maggiori, si autocon-
fina nel ruolo del busker indie dalla voce tremolante in
bilico tra ironia e storie di tutti i giorni.
Freno tirato, insomma, per un approccio che fino a qualche
anno fa pagava ma che ora mostra un po’ la corda.
Come accade a tutto ciò che subisce un processo di codifica
e di condivisione, in questo caso operato da chi
ascolta ma anche da una pletora di emergenti fiduciosa
di affidare le proprie paturnie al lucky strike di turno.
Palazzi, pur raddrizzando qualche stortura di troppo del
precedente Secondo, non riesce ad imporsi come dovrebbe.
E se formalmente il materiale si integra senza
troppe sbavature con quella new-wave del cantautorato
nostrano in voga da qualche anno a questa parte, nella
sostanza non regge il confronto con i diretti concorrenti
- il già citato Bugo ma anche l’ultimo Brunori Sas - che
nel frattempo hanno inevitabilmente fatto passi in avanti
dal punto di vista musicale e dei testi. Le cose migliori
si ascoltano quando lo spartito si fa più arioso (Quello
che, Mai), c’è ancora qualche buona intuizione, ma molto
del materiale contenuto nel disco ci pare destinato
soprattutto ai cultori più fedeli dell’opera del musicista
torinese.
(5.8/10)
faBrizio zaMPiGhi
wallS - CoraCle (koMPakt, noveMBre 2011)
Genere: kraut, Disco
Mellifua e blissfull, fonte irresistibile di gentilezza e maniera,
capace d’estasiare attraverso costruzioni ripetitive
e ordinate: quella dei Walls è musica sapiente ma leggera,
una sintesi di linguaggi (krauterie e psichedelie, shoegaze
e wave, techno, new age, minimalismo) veicolati da
viaggi onirici che hanno molto a che fare con il sublime.
Coracle segue un esordio accolto trionfalmente dalla
stampa britannica e dai producer più hypati (e a ragione)
del momento come James Holden, Jamie XX e quel Caribou,
la cui lezione sembra lo snodo perfetto tra i due
lavori. Attraverso un uso più corposo di chitarre e pedali
e un approccio più mirato a Cluster, Popul Vuh e primi
Kraftwerk delicatamente sposato a Detroit, il sophomore
di Alessio Natalizia e Sam Willis si nutre dell’elettronica
gentile dell’autore di Swim cogliendone perfettamente
le intersezioni con Arthur Russell e il downtempo shoegazetronico
(Into Our Midst) ma anche sapendole infondere
una glassa glo che sa guardare a Frankie Knukles
via Animal Collective (Hate Haze) oppure a una techno
tagliata all’ananas (Sunporch).
Sintesi dicevamo: la specialità della coppia sta proprio
qui, ma anche nel rigore dei battiti, nel saper raccontare
storie in note (Vacant), nelle mosse di lato (la wave 80s
folktronica di Raw Umber / Twilight), nel lanciarsi in colori
acidi, motorik e Werner Herzog (Il Tedesco), nell’accarezzare
il west angolandolo sempre sulle autobahn (Ecstatic
Truth) oppure concedendosi un finale romantico à la
Album Leaf (Drunken Galleon).
Coracle detta infine le proprie coordinate d’ascolto: più
alzi il volume e più dettagli e segreti emergono in superfice.
Un altro pregio dell’ennesimo gioiello di casa
Walls, un progetto che è ora il perfetto contraltare di
quell’Esperanza di cui vi parleremo prestissimo.
(7.1/10)
eDoarDo BriDDa
wilD flaG - wilD flaG (wiChita reCorDinGS,
noveMBre 2011)
Genere: inDie
Della serie: i “supergruppi” funzionano perché alla base
c’è un solido sentire di stampo indie, nell’accezione
felice di una parola utilizzata sempre più a sproposito
nell’ultimo decennio e, più spesso che no, tristemente
fraintesa. Cosa che non accade qui, dove due terzi delle
disciolte Sleater-Kinney (Carrie Brownstein e Janet
Weiss) incontrano la chitarrista e cantante Mary Timony
- già negli Helium e con la stessa Carrie nelle The Spells,
intestatarie a fine ’90 di un e.p. su K Records - e la tastierista
Rebecca Cole, i cui Minders giustappunto aprirono
concerti delle Sleater-Kinney.
Chiaro fin dai curriculum delle partecipanti che la forza
dell’operazione sta nella coesione della scena di Olympia
e dintorni; in quel senso di aggregazione che svela una
“comunità artistica” esemplare quanto a intenti e risultati.
Ha preso forma infatti spontaneamente anche questo
progetto, legato a brani strumentali per un documentario
di Lynn Hershman Leeson e poi esteso a canzoni più
compiute che, registrate pressoché in diretta, vibrano
d’intesa ed energia strabordanti. Il che non sarebbe nulla
se non fosse di elevato livello la scrittura, che volga lo
sguardo alla splendida maturità di The Woods (Racehorse,
Future Crimes), riverisca i Television e i più ruvidi Go-
Betweens (Short Version, Romance)oppure approdi su
terrori tra garage - del resto è sempre Nord-Ovest americano
- e new wave (l’acidulo asso Glass Tambourine
ripensa i Lost Sounds in versione “paisley undeground”;
Endless Talk sono le Bangles che rifanno ? & The Mysterians
con in testa le Slits).
Schiaffo che è carezza e viceversa, si spera che Wild Flag
non resti episodio isolato, e che a questo punto - anche
alla luce dell’ottimo lavoro della Corin Tucker Band - le
tre ragazze Sleater non facciano l’errore di riunirsi.
(7.3/10)
GianCarlo turra
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zoMBY - nothinG eP (4aD, noveMBre 2011)
Genere: thrill-bass ‘arDkore
Nemmeno sei mesi dalle abluzioni dark-emotion di Dedication
ed è di nuovo Zomby, con la sua sirena memorabilia
‘ardkore, le sue apprensioni 8bit che volgono al
mistero e uno spessore compositivo riconoscibile lontano
un miglio, che ormai non somiglia più a nient’altro
che a sé stesso. Nuovo EP sempre per 4AD, sette inediti
che riepilogano passato, presente e probabile futuro di
uno dei producers più titolati delle lande sui generis di
terra britannica.
Ritornano i vecchi amori rave, non paghi di aver trovato
in Where Were You in ‘92 una delle sintesi più riuscite:
una Labyrinth che prima apre su synth cosmico/ambientali,
poi si impenna su un breakbeat rallentato alla fase
pre-jungle e in mezzo farcisce con inserti afrorap virati
grime-step à la Terror Danjah, mentre invece altrove
è la drum’n’bass canonica a riaffiorare con un maggior
piglio retrologico (Ecstasy Versions, Sens).
Il nuovo invece è in Digital Fractal e Equinox, che ci restituiscono
uno Zomby mai così ritmicamente deciso, con
una mano imposta sulla suggestione deep e quel suo
peculiare thrilling digitale a rendere il mood surreale. In
mezzo due brani come It Was All A Dream e Trapdoor che
propugnano le atmosfere criptiche di Dedication parlando
per fonemi UK bass.
Ma qui i generi sono solo una teoria improbabile e Zomby
dimostra ancora una volta di poterne fare a meno
senza danni, lasciandosi definitivamente alle spalle la
freakness ardita dei primi eppì: l’uomo senza volto ha
davvero trovato la quadra, facendo emergere un buio
enigmatico che, non riconducibile a nessun trend, può
essere solo interiore. E diamine se è profondo...
(7/10)
Carlo affatiGato
zun zun eGui - katanG (Bella union,
ottoBre 2011)
Genere: rock
Se volete possiamo parlare di ritmi africani, melodie esotiche
e di tutti gli ammennicoli della world music come
se fossero ancora suoni insoliti per le nostre orecchie.
Ma le derive terzomondiste di certa musica, per fortuna,
le abbiamo superate. Il mondo ormai ce lo abbiamo
dentro casa e più che andarlo a cercare è lui che ci ha
trovato, ha fatto all’amore con le nostre madri e ci ha
reso tutti dei meticci culturali. Per parlare degli Zun Zun
Egui non usiamo quindi, vi prego, il termine world ma
parliamo semplicemente di rock. Tra prog, geometrie
matematiche e funk spastico, i colori etnici dell’album
sanno di esotico tanto quanto può esserlo mangiare
sushi o kebab. Altro che esploratori con cappello d’ordinanza,
bermuda corte e guida autoctona a condurli!
Gli Zun Zun Egui sono i ragazzi che potete trovare al
bar sotto casa, in tenuta hipster, pelle olivastra e occhi
leggermente a mandorla. Che poi quel bar sotto casa sia
in una città che tira fuori musicisti a ciclo continuo come
Bristol certo aiuta. Con la naturalezza del campione, gli
inglesini scombinano stili e geografia a poderosi colpi di
bacino e macinano distanze con i piedi che si muovono a
tempo di irresistibili danze sincopate. Il mondo è vicino,
è scritto nei nostri geni e balla insieme a noi. Per averne
conferma provate a sentire come le strade di una città
inglese si trasformano in una giungla brulicante (Katang)
o come le ballate pacifiche e serene da godersi al sole
del mare dei Caraibi possano avere lo stesso effetto se
ascoltate nel grigiume dei grattacieli inglesi (Dance Of
The Crickets). Se ancora non siete convinti sentite come
si mischiano blues e Maghreb (Mr. Brown) o come suonano
i Primus quando giocano con i Monti Appalachi e
il Corno d’Africa (Cowboy). Per averne la certezza forse si
dovrà aspettare di vedere i Talking Heads cadere in un
fumetto (Fandango Fresh).
Katang è la giungla urbana della globalizzazione. Ci
sono i sapori che si mischiano in gusti impensati, ci sono
le musiche che si sovrappongono fino a trovare il modo
di incastrarsi, c’è tutta la variegata cromaticità del nuovo
millennio inoltrato. L’ambiente sonoro dell’Occidente è
oggi pieno di tutto il mondo. Il rock è diventato ancora
più bastardo. Se prima c’erano solo gli schiavi africani e
i puritani inglesi, ora si fa prima a dire tra tutti i popoli
della Terra chi non c’è rispetto a chi c’è. Gli Zun Zun Egui
sembrano volerci dire tutto questo con un disco tutto
impatto e freschezza.
(7.5/10)
franCeSCo aSti
zweiSaMkeit - il Santuario Della Pazienza
(SnowDonia, ottoBre 2011)
Genere: electro avant
Dal cilindro Snowdonia escono gli esordienti Zweisamkeit,
trio salentino dal piglio DIY e il codice genetico
strapazzato wave, neo-psichedelia, risonanze cosmiche
e seriali kraute, vampe industrial, emulsioni ambient e
vaticinio androide Warp. Comunque in grado, malgrado
la complessità delle premesse, di produrre una calligrafia
solida e coerente lungo la direttrice poetica che ondeggia
tra il mistico e l’apocalittico. Per dire, in apertura
di questo Il santuario della pazienza - titolo preso in
prestito dall’opera scultorea in cemento e rifiuti dell’artista
leccese Ezechiele Leandro, di professione spazzino
- c’è una Limiti urbani che scomoda l’estro spirituale di
Ivan Segreto in una glassa androide radiohediana, uno
di quei pezzi - l’unico “cantato” del programma - che ti
fanno stringere il bracciolo della poltrona e scomodare
il prurito delle cose grosse.
Il resto della scaletta non è altrettanto buono - altrimenti
saremmo qui a gridare al capolavoro - ma è parecchio
interessante, muovendosi come un sogno estatico Neu!
(la stupenda Venezia) o un conato espressionista tra Autechre
e Einsturzende Neubauten (La rinascente), palleggiando
sparsa acidità nella inquietamente dispersiva
L’alba degli anni Novanta. Se certe soluzioni sonore appaiono
votate ad un’effettistica più sensazione che altro
(certe sgasate Suicide, la chitarra e-bow vagamente CSI,
l’iridescenza Terry Riley...) va detto però che pennellano
un quadro d’insieme suggestivo, come sguardi successivi
sullo sfacelo ambientale, civile ed emotivo consumato
nei paesaggi urbani contemporanei.
Ai margini della tela s’intravede un’ipotesi di riscatto,
come un rivolgimento dell’anima, una salvifica implosione
(forse riconducibile alla fuga dal mondo verso l’intimità
di un ideale rapporto a due cui allude il termine
tedesco zweisamkeit, malamente traducibile come “duitudine”):
l’avverti come una vibrazione di fondo costante,
un bordone quasi impercettibile, ed è l’ingrediente
fondamentale.
(7.1/10)
Stefano Solventi
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sentireascoltare.com

Gimme Some
Inches #21
Novembre non è il mese dei morti qui a GSI, quanto il mese delle
cassette. Tra impro-noise, sound-sculptures, etno-psych, industrial
e post-punk, la nostra consueta perlustrazione del sottobosco.
Questo mese su Gimmes si va di
tapes, redivive testimoni di un passato
che non vuole morire. La Ultramarine
di Silvia Kastel fa il “piccolo”
passo e dopo una serie di ottimi vinili,
pubblica i suoi primi nastri. Ad
inaugurare è proprio la titolare che
in Love Tape va di solo per synth e
voce creando spettrali ambientazioni
e evanescenze (Umine), ossessioni
percussive (So White) in progressivo
sfasamento/sfaldamento,
post-punk tribaloide e alieno (Mrs
A. d.) prima di smaterializzarsi su
dimensioni vocali from outer space
che fanno della Kastel non solo
una lungimirante label-owner, ma
anche musicista di primo piano in
bilico tra impro, noise e gelide atmosfere
haunted.
L’altra tape è appannaggio di Marcello
Magliocchi, percussionista e
sound-artist già protagonista del
catalogo Ultramarine con un lavoro
a 4 mani con Ninni Morgia. Music
For Sounding Sculptures In Twenty-
Three Movements è esattamente
ciò che il titolo prefigura: 23 bozzetti
registrati in una torre presso
Villa Castello Smilea a Montale (PT)
in cui il musicista barese “suona” le
sculture sonore create da Andrea
Dami. Agglomerati materici/metallici
(acciaio, ferro, alluminio più corde,
sassi, ecc.) dalle forme sinuose e
dalle modulazioni eterogenee che
sotto le sapienti mani di Magliocchi
assumono le forme del gamelan, del
flusso impro-rumorista, della poliritmia
afro-industriale, dell’ambient e
droning. Mostrando come una sensibilità
comune possa trovare forme
espressive diverse, ma convergenti.
Sulla falsariga di altri noisers nostrani,
vedi alla voce Orfanado, anche
Stefano Isaia, cantante e frontman
dei Movie Star Junkies si butta
sulla psych-world dagli umori mediorientali
con La Piramide Di Sangue,
esordio in cassetta sotto l’esoterico
moniker di Gianni Giublena
Rosacroce. Nel nastro edito dalla
neonata Yerevan Tapes è possibile
ascoltare cabalismo fatto musica e
umori “altri” a go-go, tra clarinetti
non invadenti, percussioni a far da
tappeto, arabeschi di suoni acustici
che si disperdono come fumi di
narghilè tra casbah-sound e effluvi
nord-africani. Interessante world
music dall’appeal apocalittico.
Candelora è, invece, il primo fulllength
per Spettro Family a.k.a.
Stefano Iannone, dopo il 7” Strigoi.
Quello del nastro è un immaginario
cinematografico evidente sin dai titoli
delle tracce. Operazione Condor,
1978 La Fuga, Post Partum e Ottobre
Nero si muovono agilmente tra horror-sound,
sci-fi e soundtrack per
b-movies alienati mediante electro
pagana, apocalyptic prog, aperture
chiesastiche e synth-music mutante
e vintage che richiama evidentemente
i Goblin o certa soundtrackmusic
italiana anni ’60 (Fabio Frizzi,
in primis) ma lascia trasparire certe
sonorità alla Vangelis virato Blade
Runner o qualche estemporanea
escursione in un pagan-folk di
esclusiva matrice elettronica. Più
che una traccia o un’altra è il senso
del tutto a colpire per capacità evocative
e per le atmosfere lugubri e
spettrali ma credibili. Come a dire,
molto più vicino a certe cose targate
Not Not Fun (Umberto e Xander
Harris, su tutti) che alla roba witchy
tutte triangoli e poseurismi.
Da segnalare anche due debutti
per altrettanti gruppi dediti ancora
una volta si suoni più oscuri e
claustrofobici che gli anni Ottanta
(e l’odierna rivisitazione) ci hanno
regalato. Natural Assembly, il progetto
solista di Jesse Cannon, è affine
ai Cold Cave degli esordi (quelli
dell’ottimo Cremations, ben prima
che diventassero la brutta copia
degli Editors), così come ai minori
Lust For Youth e Contrepoison. Per
chi fosse digiuno, parliamo di una
wave minimale scandita da batterie
(elettroniche, manco a dirlo) grezze
e potenti, dove la voce distorta
e filtrata si poggia su giri synth-pop
di presa immediata. Ancora grezza
la produzione, ma il bello è anche
quello. Assai più dediti al culto delle
chitarre (pesanti) gli americani
Night Sins che rilasciano la prima
tape per la loro stessa Dead Living.
Tre pezzi per un quarto d’ora che
più nero non si può: Christian Death,
Killing Joke, Sisters Of Mercy e
- perché no - Every New Dead Ghost
et similia.
Rimanendo in ambiti color pece va
detto che nemmeno il Bel Paese si fa
mancare niente. Per una volta infatti
è un gruppo nostrano, più precisamente
bolognese, a sbaragliare la
concorrenza appena citata. Stiamo
parlando degli Horror Vacui, nuovo
quintetto nato da membri di band
del giro hardcore/crust come Sumo,
Kontatto e Campus Sterminii. Per
loro un demo registrato in casa e distribuito
in cd-r in cui si fanno subito
notare per la qualità della proposta.
Tetro goth-punk con un occhio per
i riff melodici e un sing-along difficilmente
resistibile. Inutile citare riferimenti:
questi pezzi hanno i piedi
(a cui stanno insindacabilmente dei
boots alti e neri) solidamente piantati
negli anni Ottanta del terrore
per la World War III e per l’olocausto
nucleare e sono una perfetta colonna
sonora anche oggi che i timori e
la angosce continuano a non mancare.
Chapeau. Tornando invece
negli States, da uno dei due gestori
della californiana Kill Shaman nasce
German Army, progetto solista con
cui Julian si cimenta in un collage di
suoni e citazioni di matrice schiettamente
pre/post-industriale. Immaginate
una serie di cartoline sonore
in cui si affiancano a mo’ di collage
la ritmicità magnetica dei Suicide, le
bizzarrie compositive dei Residents,
un pizzico di tribalismo fatto in casa
sull’asse Not Not Fun e l’intimismo
isolazionista dei Death In June più
industrial. Incollate tutto e avrete
Papua Mass: gli spunti ci sono tutti
anche se forse la miscela finale è ancora
da affinare, ma è solo la prima
tape del nostro quindi non abbiamo
fretta di dare giudizi netti.
Stefano Pifferi, anDrea naPoli
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Re-Boot #20
Una sottile linea rossa (bianca e verde) tra dream-pop e cantautorato.
Scosse post-punk e schermaglie industrial. Benvenuto autunno.
Per i bolognesi Guidos c’è una specie
di juke box scanzonato e postpunkettone
a fare da premessa seria
di una proposta che scorre nel solco
tra cazzonismo devoluto e malanimo
strisciante. L’aspetto è quello di
un divertissement tra amiconi, non
è chiaro quanto possano (o vogliano!)
farne una cosa seria: questo
Avocado (Autoprodotto, 6.3/10), il
loro secondo lavoro, è frutto dalla
polpa ora insipida e un attimo dopo
gustosa, nei suoi momenti migliori
sciorina wave italica allampanata
dal retrogusto che a tratti impasta
Talking Heads, Dandy Warhols e
Skiantos. Tutti con la ‘s’ finale, guarda
un po’. Nei peggiori azzarda nostalgie
Seventies con passo slacker
con la profondita d’un Max Pezzali.
Urgono decisioni dirimenti.
Al Lago (ViVeriVive, 6.7/10) è il mini
ep d’esordio di Faro, al secolo Stefano
Faraon da Vittorio Veneto. Una
calligrafia dream-wave virata lo-fi,
un impasto fragrante di minimi ter-
mini acustici, elettrici e sintetici per
sfornare ballatine argute e sognanti,
l’inquietudine intenerita dei Notwist
più soffici ed il disagio a fior di pelle
come un cugino malinconico (e
melodioso) de I Cani. La situazione
e’ ancore basale, ma ci sono gia’ sufficienti
premesse per impostare un
discorso di lunga durata.
Un attimo prima di cadere nella
trappola De André, che il cantautorato
lo spedisce in un buco nero
da cui pochi possono permettersi di
uscire, semmai guardando alla visione
languida dei Faust’O e alla poesia
cerebrale di Mario Castelnuovo,
c’e questo omonimo ep (ViVeriVive,
6.8/10) del veneto Rodolfo Toé,
febbricola contemporanea sedata a
forza di nostalgie sfrigolanti seventies,
vaghezza lo-fi e vampe noisepsych
che diresti tra Eno e Canali.
Costantemente aggrappato ad una
tensione che non lascia posto ad
ironia di sorta nel flusso ossessivo
dei correlativi emotivi, cantati tal-
Un mese di ascolti
emergenti italiani
volta in punta d’esasperazione Vasco
Brondi talaltra rammentando il
lirismo acidulo del dimenticato Erz.
Terzo disco autoprodotto per Martin
Devil - ovvero Maurizio Guglielmelli
-, un artista capace di spaziare
con disinvoltura tra canzone d’autore,
folk americano, rock e melodia.
Vintage (Zimbalam, 6.7/10) è
un’opera matura, in cui si mescolano
malinconie alla Celentano prima
maniera (Sogni) e un De Gregori in
bilico tra slide guitar e organi (Pioggia
di velluto), monografie elettriche
à la Dire Straits (Strade) e certe balere
sudamericane del Capossela
delle origini (Parole d’amore). Manca
forse un po’ di sintesi, a brani che
comunque mostrano un equilibrio
invidiabile e un approccio alla scrittura
che conquista senza fare sconti.
Ambient kafkiana sospesa in un
crepitante incombere e codificata
da un fluire vagamente industriale:
un suono fatto di sfondi ininterrotti
e primi piani malinconici su
pianoforti, laptop, synth e chitarre
trasfigurate. E’ espressionismo sonoro
a microfoni aperti The Silent
Bride (Laverna, 7.1/10) dei calabre-
si Sentimental Machines (Attilio
Novellino, Gianfranco Candeliere,
Saverio Rosi), talmente efficacie da
convincere pur non rappresentando
un esempio di rottura con gli stilemi
più tradizionali del genere. Reading
e fondali concreti (Avril, We’ll Never
Win), lentezze descrittive e intense
fughe spazio-tempo, per una formazione
da tenere sotto stretta osservazione.
Un pop piccolo piccolo, che ha
molto da apprendere, ma affascina
nelle sue atmosfere retrò, fra liriche
intime e chitarre arpeggiate.
I Penny Press da Avellino giocano
a fare i neo cantautori, come capita
spesso ultimamente, ed escono con
un disco omonimo (autoprodotto,
6.0/10) che riscalda le atmosfere invernali.
Voce maschile, imponente
e piccoli inserti di una bella voce
femminile. E’ vero, a volte forzano
troppo il tutto (tendono ad una
strana commistione fra Vasco Brondi
e Dente), ma s’intuisce una certa
apertura di stile, che potrebbe
fruttare.
Tutt’altro ambiente e background
quello dei bolognesi Around A. Il
loro sound è infarcito di una manciata
di melodie, ben condite dalle
liriche in lingua, che rende il loro
pop debitore di armonie scandinave
(King of Convenience, ma
non solo ). Four is Not A Number
(Skpmz, 6.5/10) è il nuovo Ep, che
parte piano sugli arpeggi di Day By
Day e cresce in chiave synth pop in
The Bridge, magnifica ballata in stile
Coldplay. Belli gli arrangiamenti
per una produzione che mira ad un
sound potenzialmente internazionale.
Stefano Solventi
faBrizio zaMPiGhi
nino CiGlio
98 99

R e a r v i e w M i r r o r
— s p e c i a l e “Nessuno è ancora riuscito a cantare un epos di pace -
constata amaramente Curt Bois in una scena de Il cielo
sopra Berlino di Wim Wenders - cosa c’è in essa che non
entusiasma a lungo?”.
La risposta potrebbe avercela fornita Erich Fromm
che, nel saggio Psicoanalisi dell’amore, evidenzia come
la società moderna sia portata dal suo stesso spirito
generativo a una regressione denominata Sindrome di
Decadimento, la quale consiste nella fascinazione verso
comportamenti, nel senso lato del termine, “necrofili’.
All’opposto, viene identificata la Sindrome di Crescita, in
cui l’individuo sviluppa la propria capacità di liberazione
Paul Winter
Jazz biofilo per la Nuova Era
Massimo compositore dei generi World Music e New Age, Winter è jazzista destinato
a una profonda rivalutazione; ne indaghiamo primati e successi, avvalendoci
della sua testimonianza diretta per SA.
Testo: Filippo Bordignon
dai meccanismi necrofili pervenendo a un atteggiamento
“biofilo’, tradotto in uno stile di vita (e, di riflesso, di
Pensiero) più aderente con la Natura e le sue leggi, sia
quelle scoperte attraverso il progresso scientifico che
quelle “derivate’, responsabili cioè del conio delle principali
religioni e di alcune filosofie.
Sotto un profilo musicale, un tentativo biofilo di
egregia levatura artistica ci è fornito dal compositore
statunitense Paul Winter (1939, Altoona); attraverso la
sua carriera infatti, egli ha contribuito alla costituzione
di uno stile oggi noto come World Music, per poi finire
etichettato nella discutibile sezione della così detta
“New Age music’. Sfortunatamente, l’identificazione con
l’omonimo movimento pseudo-culturale, ne ha relegato
la discografia nel calderone di un genere considerato
dai più buono come sottofondo per una seduta di massaggio
rilassante. Il disinteresse dell’intellighenzia massmediatica
e lo snobismo di certo jazz-che-conta, sono
stati in grado di seppellirne per anni meriti e primati.
Ripercorrendone la nutrita produzione però, risultano
innegabili intuizioni formali e di concetto che lo confermano
nei panni di compositore apripista, fedele a uno
stile evolutosi alla fonte della perpetua contaminazione
culturale, per dimostrare coi fatti e non coi manifesti la
possibilità di una musica dimentica di categorie e distanze
geografiche.
L’avventura professionale di Winter si apre senza una
gavetta eccessiva; Chicago, 1961, il suo gruppo si aggiudica
il primo premio in un concorso rivolto alle college
band: tra i membri della giuria John Hammond, produttore
discografico che quello stesso anno assicura al giovane
musicista un contratto con la Colombia. Si comincia
perciò con l’album omonimo del neonato Paul Winter
Sextet, primo di cinque lavori per la storica etichetta di
Miles Davis e Bob Dylan, nei quali il nostro ha modo di
farsi le ossa col jazz tradizionale. In formazione, oltre allo
stesso Winter che qui si alterna tra sax alto e soprano,
batteria, contrabbasso, pianoforte, tromba e sax baritono,
soluzione questa, in linea con il trend bianco del
momento (Gerry Mulligan in testa). La proposta è un
sound “californiano’ in bilico tra west coast (la tendenza
a una rigidità ritmica stemperata da una morbidezza
melodica definite “cool’) ed east coast (soprattutto nella
velocità d’esecuzione, derivata dal bebop). Il risultato è
una raccolta swingante e ben suonata, prodotto raffinato
al punto da coinvolgere anche i non appassionati
al genere.
Il sestetto si qualifica così per uno scambio culturale
promosso dal Dipartimento di Stato che coinvolge America
del Nord e del Sud, imbarcandosi per una tournée
di sei mesi in America Latina: 160 concerti in 23 Paesi.
Registrato tra Rio de Janeiro e New York, Jazz Meets
The Bossa Nova (’62) è il primo incontro ufficializzato da
un’uscita discografica tra jazz e il neonato movimento
bossanova, battendo per una manciata di settimane il
comunque più meritevole Jazz Samba di Stan Getz e
Charlie Byrd. Le rivisitazioni di classici come il toccante
Chega De Saudade, più che alla malinconia delle versioni
originali, formulano un frizzante jazz latino che trascura
il mood “saudade’ per concentrasi su ritmiche mutuate
dalla samba. Il ritorno in patria odora di trionfo, con la
first lady Jackie Kennedy che invita i nostri a esibirsi -
primo gruppo jazz nella storia - presso la Casa Bianca.
Intenzionata a battere il ferro finch’è caldo, la Columbia
ne approfitta per lanciare sul mercato, nel 1963, altri
tre lavori di facile ascolto e buona fattura: Jazz Premiere:
Washington (nel quale segnaliamo il lodevole
standard The Thumper), New Jazz On Campus (con alcuni
rimaneggiamenti nella line-up che non sortiscono particolari
scossoni) e Jazz Meets The Folk Song.
A questo punto Winter sente l’esigenza di un cambiamento
e, interessato ad approfondire il suo amore per la
bossanova, scioglie il sestetto e si trasferisce per un paio
d’anni in Brasile. L’idea si rivela lungimirante: affiancato
da musicisti indigeni e dal cantante e paroliere Carlos
Lyra, il compositore se ne esce con l’ottimo The Sound
Of Ipanema (’65, Columbia), contenente brani in cui il
mood acquatico del sax sposa mirabilmente il talento
di Lyra (un esempio su tutti, Maria Ninguem). Lodato da
istituzioni nazionali come il cantante e poeta Vinicius de
Moraes, Winter bissa il buon successo di vendite di The
Sound con lo strumentale Rio (’66), ultima godibilissima
prova per la Columbia.
Di ritorno negli States, l’incontro col cantautore attivista
Pete Seeger sarà determinante per la maturità
artistica del buon Paul: inteso l’amore del nostro per il
viaggio come concetto filosofico e possibilità di arricchimento
culturale, Seeger lo incoraggia a elaborare un
progetto originale, veleggiando tra stili provenienti da
ogni parte del mondo. È questo il manifesto mai scritto
100 101

alla base del Paul Winter Consort, ensemble che debutta
con un album omonimo per la A&M nel 1968. La
prova prima azzarda una strumentazione distante dal
jazz degli esordi comprendendo percussioni africane,
corno inglese, flauto, violoncello e chitarre. Il repertorio
è quanto mai eclettico, mischiando proposte commerciali
(la Joni Mitchell di Both Sides Now) al trotto vivace
di una danza italiana del 13simo secolo. Ispirato dall’atmosfera
di libertà che si respirava al tempo, Winter itera
l’impresa l’anno successivo con Something In The Wind
(A&M), riscrivendo il folk di Fred Neil (Everybody’s Talkin’)
e riarrangiando con mestiere capisaldi quali Bach, Ravel
e Ives.
Il primo masterpiece è frutto di un cambio di formazione
(su tutti, l’ingresso del chitarrista classico Ralph
Towner). Road (’70, A&M) vanta in apertura quella Icarus
che diventerà il brano più richiesto del Consort, in virtù
di uno straordinaria capacità compositiva (Towner) e di
arrangiamento. Pur palesando le radici occidentali dei
suoi esecutori, Icarus rilascia profumi di libertà che vengono
dall’oriente, sostenuta dai tocchi di tabla di Collin
Walcott e resa emozionante dalla sintonia tra l’oboe di
Paul McCandless e il violoncello di David Darling. Um
Abraço è trionfo di poliritmie (la grande lezione della
samba) sulle quali flettono i muscoli della propria sensibilità
sax e oboe. Ave Maria Stella-Andromeda è sapiente
equilibrio di composizione e improvvisazione, col violoncello
ad azzardare dissonanze e la voce che concede
scampoli quasi free. La forma viene dunque abbandonata
brevemente su Come To Your Senses, per poi ripigliare
il bandolo della comunicatività nello straziante Requiem
dedicato ai soldati morti in Vietnam. Africanus Brasileiras
Americanus inizia prendendo a prestito certi moduli tematici
del minimalismo di Terry Riley per chiudere in
bellezza complicando la struttura e riassumendo tutta la
grandezza di una raccolta godibile ma profonda, gioiosa
ma non esaltata. A rimarcare il successo in patria della
strada fin qui percorsa, l’anno successivo la Nasa utilizza
Road come colonna sonora per gli astronauti durante
l’allunaggio dell’Apollo 15; in quell’occasione, due crateri
vengono battezzati coi nomi di brani dell’album: Ghost
Beads e Icarus.
Icarus (’72, Epic) è anche il nome della più celebrata
fatica da studio del Consort, prodotto da quel George
Martin che, nonostante il lavoro nell’arrangiamento e
missagio per i Beatles in capolavori quali Sgt. Pepper’s
e Abbey Road, dichiarò “Questo è il migliore progetto
su cui abbia mai messo le mani”. Le nove tracce che lo
compongono si attestano con infinita naturalezza come
il primo e tra i più meritevoli esempi di world music,
nell’accezione di una musica apolide che assorbe intui-
zioni e modalità da ogni tradizione senza bastardizzarsi
su questa o quella bandiera. Ode To a Fillmore Dressing
Room e il raga occidentalizzato Juniper Bear (si ascolti
il miracoloso dialogo chitarra-percussioni) parlano il
linguaggio di un’India riletta con rispetto ma elevata
dall’abilità tecnica di professionisti fregati alla scena
jazz. Ne è esempio aggiuntivo il groove mozzafiato in
Sunwheel, chiacchierata accesa della sezione ritmica con
le tastiere. The Silence Of A Candle è nientemeno che la
migliore canzone dell’intero repertorio, merito della voce
impalpabile di Towner e di un testo baciato da una poetica
affatto retorica. In Icarus tutto pare calcolato al punto
da risultare naturale: ogni composizione contiene momenti
solisti per tentare nuove dinamiche (Whole Earth
Chant, punta di diamante per il violoncello di Darling) e
ogni dinamica tiene alta la concentrazione di un gruppo
di musicisti in cui non prevalgono le personalità, se non
a fini collettivi. Si chiude con l’esecuzione di un mantra
universale, Minuit, riadattamento di un pezzo dell’africano
Keita Fodeba e canzone della speranza dipinta coi
colori dell’alba.
Appresa la lezione del maestro, Towner, Walcott e Mc-
Candless lasciano per formare gli Oregon, sottovalutata
formazione di space & word music, di molto debitrice
dall’esperienza nel Consort ma responsabile di un sound
più esoterico, ben rappresentato nelle uscite di metà
Anni ’70 Distant Hills e Winter Light.
Nel frattempo, Paul ne approfitta per ripensare il suo
percorso artistico, estremizzando la componente ecologista
e giungendo a un album (non dichiaratamente)
concept, che contiene una delle sue più meritorie intuizioni:
l’ispirazione, per i propri assoli, dal canto degli
animali. Common Ground (’77, A&M) sarà dunque
raccolta live di inediti che, sorpassati i manierismi della
stucchevole soundtrack, consegna i capolavori Ocean
Dream (in duetto col canto di una balena), Eagle (l’aquila)
e Wolf Eyes (il lupo, uno dei vertici espressivi di ciò che
qualche anno dopo sarà battezzata “New Age Music’). Il
rimanente è una world-fusion di ottima fattura (The Promise
Of A Fisherman), capace di non suonare mai come
riempitivo.
Winter si era innamorato di una registrazione dell’oggi
inflazionatissimo canto delle balene già nel 1958 (si
consiglia l’acquisto del classico Songs Of The Humpback
Whale): a stupirlo, la scoperta che questi cetacei producono
“pattern’ lunghi fino a 30 minuti, che sono capaci
di replicare perfettamente dall’inizio alla fine. Non solo:
tutte le balene di una certa zona, si evinse da studi specifici,
tendono a riprodurre lo stesso tema (quasi fosse la
hit del momento) il quale viene prontamente sostituito,
l’anno successivo, da una ‘canzone’ diversa, a sua volta
102 103

assimilata e riprodotta fedelmente dai vari individui. La
musica, dunque, come possibilità comunicativa fondamentale
per lo sviluppo della vita sociale, funzionalità
questa che avevamo smarrito, negli anni del punk.
L’atmosfera si fa ancor più dilatata in Callings (’80,
esordio dell’etichetta fondata dal nostro, la Living Music,
per la quale usciranno gli album successivi), derivato
dallo studio delle voci di mammiferi marini. Si segnalano,
oltre alla commovente Lullaby From The Great Mother
Whale, due episodi formalmente desueti rispetto al feeling
di Winter: l’atonale Sea Storm e l’enigmatica Blues
Cathedral dove fa il suo ingresso il tastierista Paul Halley,
da allora fedelissimo negli album del compositore di Altoona,
fino ai giorni nostri.
Con Missa Gaia/Earth Mass (’82) si da il via a un modus
che intende sfruttare l’acustica naturale di ambienti straordinari
(in questo caso la mastodontica Cattedrale di St
John the Divine, a New York); bignami dell’estetica winteriana,
Missa Gaia è lavoro su commissione che afferma
“La sacralità della Terra, nella sua totalità”. Enfatica quel
tanto da divenire un appuntamento annuale (la prima
domenica di ottobre, presso St John), l’opera è prodotto
tronfio di una retorica spesso zuccherosa, appesantita
dal coro e dalla voce solista fastidiosamente cristallina
di Susan Osborn.
Con Sun Singer (’83) si torna alla semplicità, in trio,
per omaggiare il Sole; abbandonandosi alla dolcezza
evocativa del proprio strumento, Winter perviene ai delicati
acquerelli Heaven Within e Reflections In A Summer
Pond, tentando soluzioni di sorprendente originalità con
Dancing Particles.
Concert For The Earth (’85), registrazione di un concerto
tenuto davanti alla Assemblea Generale delle Nazioni
Unite, figura come una sorta di greatest hits live, con
il Consort affiancato da un coro gospel di 80 elementi
nell’ampollosa Sound Over All Waters.
Canyon (’85) è un meritatissimo successo commerciale,
suonato in quattro session di rafting/improvvisazione
sonora lungo il fiume Colorado. La risultante è un
ammirevole esercizio di misura e una celebrazione della
Natura unica nel suo genere. A sottolineare la spiritualità
non religiosa dell’operazione, l’organo a canne di Halley
e il corno francese di John Clark, caricato di un’epica universale
su Bedrock Cathedral.
Il sottovalutato Wintersong (’86) torna alla formula di
Jazz Meets The Folk Song, riarrangiando melodie di canzoni
folcloristiche europee e nord americane con risultati
ancor più piacevoli rispetto alle registrazioni del Sextet.
L’87 è l’anno di due uscite discografiche davvero
inusuali. Whales Alive propone letture da autori miscellanei
dedicate alle balene avvalendosi della voce
dell’attore Leonard Nimoy (proprio lo Spock di Star
Trek), alternate alle commoventi improvvisazioni di sax
e tastiera (Winter e il fido Halley). Earthbeat è invece
la prima opera pensata e arrangiata a quattro mani da
artisti statunitensi e russi, operazione intenzionata a
contribuire al di-scioglimento della Guerra Fredda tra le
due superpotenze. Il fatto più sorprendente è l’estrema
omogeneità di questo incontro, con le algide armonie
dell’Est mischiate alle influenze afro-brasiliane del Consort
in un approccio assai peculiare capace di riscrivere
tradizioni millenarie diametralmente opposte tra loro.
L’esempio più eclatante è il pezzo di origine cosacca The
Horse Walked In The Grass, in cui la soavità dei musicisti è
cavalcata dall’impeto energizzante del coro The Dimitri
Pokrovsky Singers.
Il nuovo decennio vanta una commissione di prestigio
con tanto di premiere a Time Square, per onorare i
vent’anni dell’Earth Day: Earth - Voices Of A Planet (’90) si
qualifica raccolta gioiosa ma trascurabile, riscattata sul
piano dell’originalità dalla sola Call Of The Elephant, interazione
del flauto con la registrazione in sottofondo della
voce di un elefante. Seguono due lavori che abbinano
letture a intermezzi musicali sulla falsariga di Whale Alive:
The Man Who Planted Trees (’90) è incentrata sul racconto
omonimo dello scrittore francese Jean Giono; Turtle
Island (’91) intervalla alle impro letture del premio Pulitzer
per la poesia Gary Snyder. Spanish Angel (’93) mette
in luce uno degli organici più affiatati per il Consort,
testimonianza di una frizzante tournée in Spagna che
si distingue se non altro per l’ennesimo Grammy nella
categoria “New Age’ (attualmente, si contano sei vittorie
della prestigiosa statuetta a forma di grammofono).
Nell’ipertrofica discografia winteriana fa capolino a
questo punto la prima di alcune trascurabili registrazioni
live dedicate ai festeggiamenti dei solstizi estivo e invernale,
appuntamenti in cui la Natura ricorda all’uomo il
proprio orologio interno e suoi fenomeni conseguenti:
Solstice Live! (’93), Celtic Solstice (’99) Journey With The
Sun (2000), la raccolta a tiratura limitata di editi e inediti
Solstice Gems (“02) e Silver Solstice (’05) sono registrazioni
di concerti solitamente integrati con balletti, performance,
lights show e installazioni varie, assemblati da
pezzi noti e aggiunte non proprio imperdibili.
Prayer For The Wild Things (’94) ha il merito di rappresentare
l’inizio di un processo di astrazione che recupera
la freschezza degli album storici: ispirato alle immagini
della pittrice Bev Doolittle, Prayer va inteso come viaggio
immaginifico che parte dall’alba e termina all’alba
del giorno successivo nella cornice ambientale delle
Montagne Rocciose. Pur nel dispiego di tante generose
ospitate, l’album si attesta episodio felicemente medita-
104 105

tivo e asciutto. L’estremizzazione di questa semplicità è
il doppio Canyon Lullaby (’97), placidamente costituito
dalla sola presenza del sax, il quale improvvisa fraseggi
in bilico tra abbandono estatico e sonnolenza.
Brazilian Days (’98) sancisce un momentaneo ritorno
alla bossanova con selezioni strumentali da Jobim,
Pinto, Lyra e De Moraes, in coppia col chitarrista Oscar
Castro-Neves. Più che alla pregevole capacità interpretativa
di Castro-Neves (si ascolti la progressione di
accordi in Aula De Matemática) è il sound di Winter a
tenere banco.
Per venire ai giorni nostri, la giovinezza artistica del
compositore statunitense è confermata da due titoli di
alta caratura: in primis Crestone (’07) “evocato” più che
suonato, utilizzando la suggestiva location omonima
del Colorado, a 3.500 metri sopra il livello del mare. Con
Miho: Journey To The Mountain (’10) si utilizza un’ambientazione
artificiale, impiegando le possibilità acustiche di
questo museo sito a Kyoto come se fosse un vero e proprio
organismo vivente, ottenendo un nuovo vertice di
rarefazione evidente nelle trasparenze sonore Morning
Sun e Koto Spring.
In veste di produttore e ospite negli album degli artisti
della Living Music, Winter può vantare un’attività
prolifica ma fedele al proprio stile, contribuendo alle
ottime prove soliste di colleghi e compagni di Consort
e pervenendo a risultati lusinghieri con la produzione
di Pete (’96) per l’amico Segeer, premiato come migliore
album folk con l’ennesimo Grammy. Nella folta mischia,
consigliamo almeno il sentimentale Angel On A
Stone Wall (’91) di Paul Halley e Arms Around You (’89),
esordio in proprio di Eugene Frisien con un gioiellino
romantic-fusion.
“Oh terra che non hai voce, a me confida una voce
- auspicava il poeta Walt Whitman, nella sua opera monumentale
Foglie d’erba - ( ) Oh bruna terra copiosa di
parti, oh grembo che bulichi all’infinito, un canto per
celebrarti”. Con la testimonianza del proprio operato,
Paul Winter si è rivelato, in oltre quarant’anni di carriera,
l’umile ma principale cantore del Pianeta Terra, fornendoci
una chiave di lettura davvero alternativa alla
composizione/improvvisazione rispetto a come ce l’ha
sempre indicata, pur nei suoi tanti mutamenti, il jazz comunemente
inteso.
L’intervista
Paul, che consigli offriresti a un musicista alla ricerca
della propria ‘identità’?
Sperimento spesso delle session che chiamo “Avventure
immersi nel suono’. Vediamo se riesco a spiegarmi:
questi appuntamenti sono aperti a ogni persona, indipendentemente
dalla capacità musicale; l’intenzione
è far interagire tra loro tutti i componenti, i quali sono
chiamati a improvvisare al buio, al fine di rendere più
facile liberarsi dalle inibizioni e generare dei suoni insieme.
Ciò è concepito per aiutare le persone a risvegliare
la propria talvolta assopita consapevolezza e affermare
con forza la potenzialità espressiva di ogni singolo
elemento, che in seguito può essere utilizzata per fare
musica, letteratura o anche solo per imparare a parlare
in pubblico o affrontare altri ambiti difficili della vita. È
mia ferma convinzione che l’espressione di sé stessi sia
un diritto inalienabile e che ognuno di noi (sia esso un
artista, un matematico o che altro) ha una sua “canzone’
unica e irripetibile da cantare. Ciò che è necessario
capire è che il mondo ha bisogno della nostra canzone
specifica e non della scopiazzatura da quella di un altro:
non c’è bisogno di una seconda edizione di Miles Davis
o del violinista Jascha Heifetz. Se impariamo a essere
noi stessi potremo contare sul fatto che nessuno riuscirà
mai a imitare o rubare la nostra canzone, poichè noi ne
siamo i massimi interpreti. A quel punto si evince anche
l’insensatezza della competizione. L’espressione di noi
stessi è la principale ricompensa che ci è concessa, il fine
ultimo. Darsi e non trattenere. A giochi fatti, i vincitori
saranno quelli che si sono spesi per cantare la propria
canzone con onestà e generosità, non quelli che hanno
dannato la loro vita per accumulare soldi e fama.
Com’è cambiato, nel corso degli anni, il tuo approccio
all’improvvisazione?
Con il sestetto, nei primi Anni ’60, improvvisavo seguen-
do le modalità del bebop, pur aspirando a mantenere
ben evidente la mia propensione verso la melodia. Dalla
seconda metà dei ’’60, vivere in Brasile e riscoprire la
musica che mi circondava quand’ero piccolo e vivevo
ancora ad Altoona, mi ha portato gradualmente a concentrarmi
sulla creazione di melodie originali, lasciando
ad altri la frequentazione di palestre per virtuosi.
Sotto un profilo tecnico, cosa ti ha insegnato la bossanova?
Ricordo ancora la notte che ascoltai per la prima volta
l’album di Joao Gilberto Chega De Saudade. Ero a Chicago,
nel ’62. Mi fece una fortissima impressione quella
straordinaria progressione di accordi che andava a formare
una musica fluttuante, cantata con gentilezza e
una sorta di pacificazione. Prima di allora ero completamente
assorbito in un mood, quello del bebop, che
prevedeva volume alti. Stavamo appunto per imbarcarci
in una tournée in America Latina organizzata dal
Dipartimento di Stato ed era compreso anche un mese
in Brasile. In quell’occasione incontrai la comunità della
bossanova: fu per me una seconda nascita culturale. La
prima era stata aver fatto parte della comunità jazz del
versante sud di Chicago, tra il 1957 e il ’61.
Quali sassofonisti hanno influenzato il tuo sound?
Sono innamorato da sempre del sax come strumento,
in buona parte in virtù della molteplicità delle sue voci;
credo di poter identificare almeno un centinaio di sassofonisti
riconoscendone il timbro al primo ascolto. Se ti
dovessi elencare tutti quelli che mi hanno “dato’ qualcosa
non basterebbe una giornata. Nonostante ciò, immagino
vorrai comunque alcuni nomi. Gli imprescindibili sono,
nei miei anni di formazione, il clarinetto di Benny Goodman,
Phil Woods, Cannonball Adderley, ovviamente
Charlie Parker, Stan Getz e Paul Desmond.
Cosa ti ha spinto a scegliere proprio il soprano?
Ho cominciato prestissimo con il clarinetto poi, a nove
anni, i miei genitori mi comprarono un sax alto... non gli
ho mai chiesto perché proprio quello e non, chessò, un
tenore. Effettivamente non ci avevo mai riflettuto. Sono
passato al soprano compiuti i ventun’anni anni: mi piaque
subito moltissimo e per un po’ li alternai. Poi preferii
specializzarmi in un fiato soltanto, per padroneggiarlo al
meglio delle mie possibilità e scelsi il soprano. La ragione
sta nel fatto che dal mio punto di vista è progettato
meglio, quando si tratta di suonare in un ensemble e
anche perché ci puoi giocare di più suonando in spazi
sconfinati. Aggiungici anche che sta giusto giusto dentro
uno zaino
Quali sono gli album imprescindibili per tracciare il
cammino evolutivo della tua vita artistica?
Sto dando una scorsa alla mia discografia: al di là da ogni
106 107

etorica credimi se ti dico che questi album sono davvero
come figli per me e li amo tutti allo stesso modo. E come
fai a scegliere tra i tuoi figli? Riascoltandoli, ciascuno mi
procura la stessa gioia dell’altro, per motivi certamente
diversi. Mettiamola così: la mia fortuna in questo senso
è di non aver mai registrato nulla che non mi entusiasmassero
totalmente.
Quali sono gli album con la più intensa carica di spiritualità
che tu abbia mai ascoltato?
Per assurdo, le composizioni che trovo più spirituali
hanno volume belli pieni: amo profondamente i tre
capolavori realizzati da Gil Evans in collaborazione con
Miles Davis negli Anni ’50 e dunque Miles Ahead, Porgy
And Bess e Sketches Of Spain. Ma non posso tralasciare le
musiche composte da Bach, Béla Bartok, Heitor Villa-
Lobos e Charles Ives, forse il primo grande compositore
nord-americano.
Miles però ebbe a dichiarare: “I bianchi suonano in
un certo modo: per dare il ritmo, si appoggiano sulle
note”. Considerazione che trovo molto significativa.
Non ho idea di cosa intendesse Miles. Se voleva dire che
i jazzisti bianchi suonano sempre in un certo modo, beh,
mi sa che è stato frainteso. Non credo proprio che la vedesse
così e, a ogni modo, io non lo penso di certo.
E poi senti questa di Stravinsky: “Un buon compositore
non scimmiotta nessuno, si limita a rubare”.
Ecco, sono d’accordo invece sul fatto che tutto ciò che
possiamo concepire e suonare è enormemente influenzato
dal patrimonio musicale elaborato da quelli che ci
hanno preceduto.
Sogni: con quali personaggi del passato avresti amato
suonare?
Pescando nel diciannovesimo secolo avrei amato far
parte della banda del compositore tardo-romatico John
Philip Sousa. E per il ventesimo secolo scelgo sicuramente
Stan Kenton e la sua orchestra.
Crisi del mercato discografico: chi si salverà?
Ogni musicista dovrebbe ingegnarsi per trovare quella
strada che renda le sue opere di una qualche incontrovertibile
utilità per il mondo in cui vive (al di là dei dettami
dell’arte e dell’intrattenimento): solo allora potrà
dirsi al riparo dai predatori che hanno spolpato questo
business dedicandosi all’individuazione e confezionamento
del minimo comune denominatore per irretire
attraverso una musica sottosviluppata le menti più facili
da plasmare, cioè quelle dei ragazzini.
Che ti ha insegnato, ascoltare il canto degli animali?
Spero valga anche se non ricordo chi l’ha detto: “Le foreste
sarebbero davvero silenziose se a cantare fossero
soltanto i migliori”.
E dagli animali all’uomo: quali le voci che potrebbero
rappresentare al meglio la nostra razza?
S u t u t t i , Frank S i n a t r a , l ’ a r m e n o A r t o
Tunçboyacıyan (prova ad ascoltare il suo Every
Day Is A New Life), Gordon Bok e la voce cristallina
dell’irlandese Karan Casey. C’è poi una donna pigmea,
si chiama Emilie Koule, che ha delle doti interpretative
fantastiche.
Qual è stato il contributo di George Martin nella registrazione
di Icarus?
La sua presenza è stata fondamentale; senza addentrarsi
in dettagli tecnici mi limiterò a evidenziare che lui ci ha
insegnato come impiegare uno studio di registrazione
in maniera creativa, quasi fosse uno strumento aggiuntivo.
La sua nobiltà d’animo combinata con uno spiccato
senso dell’umorismo sono riuscite a tirar fuori il meglio
da ogni membro del Consort.
Qual è il problema principale che sta affrontando il
Pianeta Terra?
La nostra insaziabile dipendenza energetica: in troppi
confondono ancora la richiesta con la necessità. Abbiamo
perciò un urgente bisogno di reinventare la concezione
dell’essere “umani’ in questo particolare periodo
della nostra evoluzione. Illuminante, a tal proposito, un
libro scritto dal prete cattolico passionista Thomas Berry,
The great work: our way into the future.
Acustica: quali, tra le innumerevoli location in cui ti
sei esibito, hanno concesso le maggiori soddisfazioni?
Non ho dubbi: in maniera diametralmente opposta e
inspiegabile a parole, i luoghi che più hanno contribuito
attivamente in questo senso sono stati il Grand Canyon,
il lago Baikal in Siberia, North Crestone Lake nel
Colorado, l’enorme cattedrale di Saint John the Divine
a New York e, recentemente, il museo Miho a Kyoto, in
Giappone.
Non sono molti i tecnici del suono abili nel registrare
musica acustica a un certo livello: che indicazioni
specifichi loro?
Cerchiamo semplicemente di ottenere con spontaneità
un suono acustico il quanto più ricco possibile.
Quale credi sia la ragione alla base dell’antipatia che
la maggior parte delle persone nutre nei confronti
della fusion?
Non è che abbia mai ascoltato molta fusion in vita mia;
negli Anni ’70, quando questo genere esplose, non ci
feci molto caso. Ecco, diciamo che apprezzavo molto la
Mahavishnu Orchestra, erano miei amici. Non ricordo
di aver ascoltato altro che mi abbia entusiasmato, a eccezione
di alcuni titoli per la Arista dei Brecker Brothers.
E ammesso che possa essere considerata una band “fusion’,
apprezzo anche il Pat Metheny Group.
Chi non sopporti proprio?
Gli arrivisti, le persone avide di potere e certi pseudoartisti
che in realtà non sono altro che grossi bluff.
Il tuo impegno più recente è Flyways
Un progetto organizzato dell’associazione no-profit
Music for the Earth, che intende celebrare il viaggio migratorio
degli uccelli dall’Africa all’Eurasia attraverso la
Grande Fossa Tettonica. Per l’occasione, si è costituito un
ensemble - la Great Rift Valley Orchestra - che comprende
anche musicisti del Consort e intende omaggiare le
musiche tradizionali presenti in questa formazione geografica
sposandole alle voci degli uccelli. Entro la fine
dell’anno dovrebbe uscire un cd a raccogliere i momenti
più significativi.
Che qualità sono indispensabili in un musicista?
Non ho dubbi: dedizione, rispetto ed entusiasmo.
Quando non sei in tournée, come spendi il tempo?
Godendomi la famiglia e in particolare le mie due figlie,
finché sono ancora piccole. Adoro passeggiare nei boschi,
fare un po di jogging tra i prati e nuotare nel fiumiciattolo
che c’è vicino a dove abito.
Pratichi una religione specifica?
Io pratico solo il sassofono. E neanche in maniera così ‘assoluta’,
visto che non mi esercito quanto vorrei. Secondo
me la musica e la natura possono ristabilire nell’uomo
l’equilibrio che ha smarrito più di qualunque altra cosa.
Proprio sicuro che la pace sia sempre possibile?
Beh, il Dalai Lama ci invita a praticare la compassione e
credo che da questo punto di vista la pace sia una condizione
sempre possibile.
Qual è l’aspetto più straordinario dell’essere un musicista?
Se ne siamo consapevoli, quando si sta “cantando’ la
propria canzone ogni sorta di porta si apre davanti a
noi. La musica è stata sotto molti punti di vista un incredibile
passaporto per me: mi ha concesso di esplorare
il mondo, incontrare persone di ogni tipo, dare alla mia
anima quel senso di soddisfazione che ricercava. Se non
bastasse, aggiungici che proprio durante un’esibizione
a una Conferenza per la Pace in Costa Rica, incontrai la
persona con cui lo scorso settembre ho festeggiato il
ventesimo anniversario di matrimonio.
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CAMPI MAGNETICI #8
Bluvertigo Beat Happening
zero - ovvero la faMoSa neviCata Dell’85 (MeSCal,
noveMBre 1999)
E’ stata la trascinante onda di successo che ha travolto
Metallo non Metallo (album del 1997 che valse alla
band persino un Mtv award) a permettere a Marco
Castoldi-Morgan di dare vita, con i suoi Bluvertigo, a
un disco dalla portata sperimentale e concettuale unica
come questo. Capitolo conclusivo di quella che fu
chiamata “trilogia chimica” - facendo un po’ il verso alla
più famosa “berlinese” del Thin white duke -, Zero finirà
per essere il canto del cigno della band, non solo la più
radicale e valida produzione.
Nato dall’idea di applicare il Dogma di Lars Von Trier
alla musica pop, e cioè di relazionarsi alla partitura imponendosi
una serie di regole rigide entro le quali muovere
la composizione, Zero si svincolerà presto da ogni
principio preposto grazie all’introduzione di un’ultima
regola. Una sorta di “possiamo scegliere di non seguire
le regole” che permetterà più libertà ai quattro musicisti,
limitando l’applicazione del Dogma alla sola title-track.
Il disco è un inno al digitale, all’1 e allo 0 che regolano
i sistemi informatici, al sostanziale finto contrasto
tra sfera emotiva e ragione applicata, con un titolo che
richiama la scienza e la matematica e un sottotitolo
(ovvero la famosa nevicata dell’85) che svela il candore
emotivo. Quest’ultimo riferimento alla neve che
costrinse Morgan, come molti altri bambini quell’anno,
a rimanere a casa da scuola e a capire che il suo gioco
preferito era il sintetizzatore.
I testi di Zero sono riflessivi, ragionativi, misurati, eppure
capaci di aprirsi a un’emotività profondissima e lontana
dallo stucchevole. Con un Morgan deciso a lasciare da
parte il cinismo/divertissment dell’adolescenziale Acidi
e basi e dell’electropop colorato di Metallo non Metallo
per staccarsi sempre più da sé e avvicinarsi al bianco
(padre di tutti i colori) e allo zero (principio e fine di tutti
i numeri). Le musiche, fiore all’occhiello dell’opera, sono
radicalmente legate al testo come è raro possa accadere
quando si mettono assieme sound quasi esclusivamente
elettronico e lingua italiana. Se brani come Lo
psicopatico, Finchè saprai spiegarti, Autofraintendimento,
110
Sono = Sono giocano violentemente con la distorsione
elettronica in un’esasperazione lenta e piacevole, pezzi
come Punto di non arrivo, Sovrappensiero (con l’amato
Battiato in veste di lettore e vocalist), La crisi, Zero, Forse,
La comprensione e l’orchestratissima cageiana Numero,
non mancando di offrire passaggi dotati di una
drammaticità e di una levità compiute. Uno spettro di
riferimenti ampio che cita i Nine Inch Nails, il Bowie di
Low e Lodger, gli Einstürzende Neubauten, le linee
elettroniche primordiali care ai Kraftwerk.
A distanza di dodici anni esatti dalla sua uscita, Zero è
un disco per nulla invecchiato, marcatamente distante
per spessore e potenziale dai due suoi predecessori e
con un’eredità sonora che in Italia nessuno ancora ha
raccolto ed elaborato. Un’opera a suo modo sperimentale,
senza sbavature (risultato di un’ottima produzione,
ma anche della presenza di musicisti come Mauro Pagani,
David Richards e di tecnici del suono come Livio
Magnini), in cui anche una cover come Always crashing
in the same car (uno dei brani di Bowie più ovattati, nascosti
e difficili da rivisitare) si dimostra perfettamente
riuscita.
Giulia Cavaliere
classic album
S/t (k reCorDS, noveMBre 1985)
Il riflusso degli anni ‘80 aveva fatto di più che confinare
nell’underground quasi tutto ciò che non era mainstream
frivolo, mediante un muro di Berlino con pochissimi
checkpoint: da questo lato del muro, accanto e dentro
al punk, erano anche cambiati l’umore e l’estetica, e la
combattività indie scopriva altre dimensioni.
Calvin Johnson nell’indie ci si era formato, facendo il
redattore della Sub Pop ai tempi in cui era ancora una
fanzine e fondando nel 1982 la K records. Nata inizialmente
per rendere disponibile la musica dei gruppi amici,
l’etichetta diventerà negli anni punto di riferimento
dell’indie, anche grazie alla pubblicazione nel 1985 di
questo esordio sulla lunga distanza del gruppo che lo
stesso Calvin aveva formato tre anni prima.
Johnson aveva incontrato Heather Lewis all’università,
e la formazione si era stabilizzata poi con l’arrivo di Bret
Lunsford intorno allo striminzito equipaggiamento di
una chitarra e di un paio di maracas. I limiti diventano
elementi di stile e già dai primi EP la loro poetica è chiaramente
definita: tre accordi, approssimazione tecnica (i
tre fanno - “democraticamente” - a rotazione tra chitarra
batteria e voce) e testi di innocenza folle uniti a un talento
melodico di rara efficacia, a comporre un quadro che
contrappone il dilettantismo-pride all’imborghesimento
formale di quello che troppo rock era diventato.
“Che altro può fare un povero ragazzo oltre a suonare in
una rock’n’roll band?” si chiedeva Jagger in Street Fighting
Man, ed era il pieno ‘68: negli 80s non c’è davvero altro
da fare, e stavolta invece della strada c’è la cameretta
di uno dei tanti weirdos che il decennio aveva scacciato
dal luogo-simbolo della socialità ribelle 60s e 70s.
L’opposizione alle major, così, si svolge tornando non
solo alla grezzaggine e all’informale del punk delle origini,
ma anche al protopunk per recuperare l’infantilismo
programmatico e semiserio di Jonathan Richman
(benché lui, come gli altri suoi discepoli di quegli anni
Violent Femmes, sapesse cantare e suonare davvero):
dove infanzia significa rifiuto di integrarsi nelle regole e
nel quale si dice che se “ritorno al personale e all’intimo”
deve essere, scelgo io quale personale e quale intimo,
ridicolizzando nella follia gli adolescenzialismi lacrimevoli
del pop.
Con Greg Sage degli Wipers a nascondere la produzione
e raccogliendo qualcosa dagli EP precedenti, il disco
mette in fila i Cramps di Bad Seed, il C-86 di Down At
The Sea, un Iggy Pop senza glam e furia in I Love You,
la malinconia di Fourteen, gli anni ‘50 sgangherati del
frammento Honey Pot (dove manca perfino la chitarra e
le percussioni potrebbero essere due posate su un tavolo),
il classico Our Secret tra soul robotici e jingle-jangle,
con risultati simili a quelli che in una cameretta dall’altra
parte del mondo raggiungeva Chris Knox.
Il lungo seguito non saranno solo gli altri dischi (dal sophomore
- altrettanto lodato se non più - Jamboree alla
conclusione della storia nel 1992) con un progressivo
raffinamento e i molti successivi progetti musicali di Johnson,
ma anche il botto che farà la campagna acquisti
delle major nel mondo indie della seconda metà del
decennio, Nevermind e il logo della K sulla spalla di
Cobain, le ristampe che uniscono al disco svariato materiale
coevo a completare il quadro dei loro primi anni,
il mutamento della natura dell’indie, per finire con la
nascita del lo-fi che, almeno negli USA, a questo pugno
di canzoni deve il certificato di nascita.Tutto con tre stonati,
una chitarra di seconda mano e un paio di maracas.
Giulio PaSquali
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