IL CANTIERE MUSICALE n. 38 - Conservatorio Paganini

il CANTIERE MUSICALE
Rivista del Conservatorio Niccolò Paganini
Autorizzazione Tribunale di Genova n.10/2006 del 21 aprile 2006
Genova - Anno II, Numero 7 (VII/38) AUTUNNO 2007 Lele Luzzati
Il Polo del Mediterraneo per
l’Arte, la Musica
e lo Spettacolo a Genova
L’autunno è, tradizionalmente, uno dei periodi in cui il
Conservatorio può dedicarsi ad impegnative attività di
carattere didattico-artistico che preludono all’inizio del
nuovo anno accademico: laboratori orchestrale e corale,
master-class, concorsi, trasferte e cicli di concerti,
iniziative intorno alle quali il lettore potrà trovare utili
riferimenti ed informazioni nelle pagine di questo
Cantiere. A me preme, qui, comunicarvi due appuntamenti
particolari che si terranno entrambi nella Sala
Concerti del nostro istituto: il primo, il 22 ottobre,
segnerà la nascita ufficiale – alla presenza dell’onorevole
Nando dalla Chiesa, Sottosegretario al Ministero per
l’Università e la Ricerca – del Polo del Mediterraneo
per l’Arte, la Musica e lo Spettacolo a Genova, una
rete di collaborazione e coordinamento fra
Conservatorio Paganini, Accademia Ligustica di Belle
Arti, Teatro Carlo Felice, Teatro Stabile e
Università/DIST. Il secondo appuntamento, il 14
novembre, sarà invece dedicato alla cerimonia d’inaugurazione
dell’a.a. 2007/2008, tappa istituzionale a cui
studenti, docenti, amici e sostenitori del Conservatorio
sapranno imprimere,come già lo scorso anno,un carattere
appassionatamente festoso. Patrizia Conti
In questo numero:
≠ Il Polo del Mediterraneo per l’Arte, la Musica e lo spettacolo a
Genova ≠ Al via i Laboratori autunnali ≠ L’Opera Omnia
Pianistica di Ciaikovskij al Conservatorio ≠ Al Conservatorio
tre splendidi strumenti di Cesare Candi ≠ Musica Intuitiva,
yoga e tanta semplicità ≠ Stefano Guarnieri vince il “Due
Agosto” ≠ Il 1° Concorso di composizione per iperviolino
≠ Master-class di Horacio Vaggione ≠ “Da Manrico ad amarilli”
≠ Benvenuta Livia Rév ≠ La scomparsa di Adelchi Amisano
≠ Ricordo di Claudio Tempo ≠ Il “Diario Minimo”di Eco
all’Archivolto ≠ Un convegno per ricordare Gino Contilli
≠ Il cartellone del Carlo Felice ≠ Quarta Edizione de Il Canto
Letterario ≠ Stagione GOG 2007-08 ≠ Scatti dalla
“Primavera” del Conservatorio ≠ Sergio Ciomei sale sul podio
≠ Ascoltare il ‘900

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Coronati da due concerti sinfonici al teatro G. Modena: il 10 ottobre l’orchestra del “Paganini” sarà
guidata da Roberto Tolomelli, il 17 ottobre da Roberto Perata
Al via i Laboratori autunnali
Anche quest’anno prendono forma i consueti laboratori
orchestrali e corali del Conservatorio Paganini,concepiti per
arricchire l’esperienza formativa degli studenti dei corsi
superiori, attraverso un intenso lavoro didattico che avrà il
suo esito naturale nei numerosi concerti aperti al pubblico.
Per la parte corale, il M° Maurizio Salvi accompagnerà per
mano voci e strumentisti in una duplice avventura musicale
impegnativa ed ambiziosa: in programma la “Petite messe
solennelle” di Rossini e la Messa dell’Incoronazione di
Mozart.
Per quanto riguarda i due laboratori orchestrali autunnali, da
rimarcare che in entrambi i programmi verranno proposte
pagine in prima esecuzione assoluta, firmate da due studenti
del nostro conservatorio (Alessandro Sartini e Alessandro
Cadili Rispi), così come i due solisti coinvolti (il sassofonista
Roberto Rebuffello e la pianista Elena Piccione).
La prima sessione vedrà nuovamente la presenza a Genova
di Roberto Tolomelli, che proporrà – il 10 ottobre alle ore
20.30, al teatro Modena – la “Suita per orchestra d’archi”di
Janácek,“Punti di vista”di Sartini, il Concerto per sassofono
e archi in mi bemolle maggiore di Glazunov e la
Cenerentola, suite n.3 di Prokofiev.
La seconda settimana di lavori del laboratorio sarà curata dal
M° Roberto Perata. Il quale salirà il podio del teatro Modena
il 17 ottobre, per eseguire
la Leonore Overture n. 3 di
Beethoven, “Sguardi di
foresta” di Cadili Rispi,
l’Ouverture del balletto
Hérodiade di Hindemith
ed il Concerto per pianoforte
n.1 di Mendelssohn.
Con il medesimo programma
l’orchestra parteciperà
al Festival Musarte 2008 di
Besana in Brianza.
A Roberto Perata, ligure,
già studente ed oggi
docente del conservatorio Paganini, abbiamo
chiesto una testimonianza sul suo laboratorio:
«E’ la prima volta che guido il laboratorio qui a
Genova, anche se per molti anni ho tenuto la
classe di direzione orchestrale presso l’istituto
musicale di Varese, dove ho maturato una
certa esperienza coi ragazzi, sia nel repertorio
operistico che sinfonico.
Il programma genovese ha un filo conduttore extramusicale,
gravitando su figure femminili che si confrontano con il
potere politico. Un tema agevole in ambito lirico, meno, in
ambito sinfonico. Altro ingrediente, un equilibrio che mi
piace sempre proporre, tra pagine molto conosciute ed altre
che necessitano d’essere valorizzate. Nell’ambito delle partiture
assai note (ma non per questo semplici o banali) è
l’Ouverture n.3 Leonore di Beethoven, unitamente al
Concerto di Mendelssohn.
Sempre di Mendelssohn, proporrò una pagina quasi sconosciuta,
l’ouverture dall’Antigone. Si tratta delle musiche di
scena per la tragedia di Sofocle, dimenticate fino alla fine
degli anni ’70. Mi risulta che in Italia siano state seguite una
volta sola, di recente, dall’orchestra della Rai.
Di rara esecuzione in Italia, anche il balletto Hérodiade di
Hindemith. Una pagina del 1944, composta per la compagnia
di Martha Graham. È interessante come Hindemith
intendeva questo balletto in senso sperimentale: il testo simbolista
di Mallarmé non è infatti stato affidato ad una voce
cantata. Negli 11 numeri concatenati senza soluzione di continuità,
c’è la possibilità di proporre il testo con le voci recitanti
(due i personaggi: Erodiade e la nutrice). Ma, su indicazioni
del compositore, si può anche omettere la parte recitata,
nella scommessa di verificare la traccia delle parole nell’orchestra.
È un pezzo essenzialmente sinfonico,dove non si avverte l’origine
per la danza. Il periodo è quello in cui Hindemith
mette in pratica la teoria dell’attrazione verso poli tonali, in
forte controtendenza sia alla Seconda Scuola di Vienna che al
Neoclassicismo.Un brano che ha anche un intento didattico,
dato che Hindemith scrive
sempre magnificamente
per archi: nelle sue partiture
realizzare le arcate
spesso obbliga automaticamente
ad un modo di
suonare molto impegnato,
ad una disciplina rigorosa
(non scontata, ad
esempio, in una pagina
mozartiana).
Infine, in programma, un
pezzo del giovane autore,
studente della classe del
M° Giachino, Alessandro
Cadili Rispi: un brano in
prima esecuzione, al cui interno mi sembra di
cogliere una certa ispirazione – o reminiscenza
– della timbrica delle orchestre jazz degli
anni ’50 (anche se il lavoro è atonale).
Un “fuori programma” sarà una pagina dedicata
alla memoria del M° Adelchi Amisano:si tratta
di una pagina del 1993, commissionata
dall’Orchestra di Sanremo,“Arpa Doris”,sottotitolata
“Arietta à l’ancienne”...un richiamo al
Rossini anziano, da un lato bonario ed ormai lontano dal
mondo, dall’altro grande sperimentatore. In uno spirito tale
forse lo stesso Amisano si identificava, da un lato rifiutando
le arditezze sperimentali degli anni Sessanta e Settanta ed
adottando una scrittura apparentemente non problematica,
squadrata e semplice.Viceversa realizzando pagine articolate,
dense, eleganti». gdm

Il “Paganini” fuori dal “Paganini”
Proseguono anche in autunno le trasferte del conservatorio Paganini.
Vale ricordare quella che vedrà il complesso degli ottoni (coordinati
dal M° Piero Andreoli) ed il coro polifonico diretto da Marco Bettuzzi,
il 22 ottobre, esibirsi presso il Nuovo Auditorium del Conservatorio di
Mantova, in un programma che spazia tra Mantova e Venezia, tra
Cinque e Seicento. L’evento testimonia fra l’altro un circuito virtuoso
innescato tra alcuni conservatori, che desiderano incrementare simili
esperienze di confronto e scambio d’esperienze didattiche e di produzione
artistica.
A proposito di felici momenti di incontro, si svolgerà ad Algeri, dal 4
al 10 novembre, il XVI e Rencontre des Écoles de Musique de la
Mèditerranée “ECUME”. Tema portante, quest’anno, il patrimonio
musicale tradizionale e l’insegnamento.
Il conservatorio Paganini parteciperà con un concerto per quartetto di
clarinetti e con due masterclass: sul clarinetto basso, a cura di Pier
Paolo Fantini, e sul Trallallero, a cura di Pino Laruccia.
Prosegue fino al 16 novembre, presso la sala concerti del
Conservatorio, il ciclo concertistico dedicato alla produzione
pianistica di P. I. Ciaikovskij. Nel corso di sette venerdì, il pianista
Franco Trabucco propone l’intero corpus compositivo per
tastiera del grande autore russo, coadiuvato da altrettante prolusioni
a cura di Giorgio De Martino. Inoltre il M° Trabucco
terrà una master-class,dal 22 al 26 ottobre 2007 su “L’opera pianistica
di Schumann, Ciaikovskij e Liszt” (orario 10-13 e 14-17;
iscrizione gratuita per gli studenti del Conservatorio; € 50,00
per gli esterni.
Riconoscimento di 3 CFA per l’a.a. 2007/2008).
Il progetto (già sperimentato a Cagliari ed a Marsiglia), nasce
dall’esigenza di portare a conoscenza del pubblico un aspetto
particolare ma fondamentale dell’esperienza artistica del compositore
russo:dalle pagine giovanili sino ai Dix-huit Morceaux
op.72 (paralleli alla “Patetica”) si può cogliere, trasposto sulla
tastiera, lo sviluppo del linguaggio, le assimilazioni e l’originalità
del musicista.
Percorrendo l’intero iter creativo dell’autore, i brani per pianoforte
solo (siano i piccoli acquerelli salottieri, i “fogli d’album”,
o pagine estremamente impegnative quali le Sonate) rappresentano
un affondo appassionante nel pathos diretto e nel
caratteristico linguaggio di Ciaikovskij,tra romanticismo dell’area
germanica e lirismo slavo, tra culto della bellezza e dell’osservanza
formale, virtuosismi ed esotismi, e travolgente forza
espressiva.
Pagine che vengono anche ad assolvere la funzione di binario
ilCMN°7 2007
Borse di studio 2007/2008
Collaborazioni da parte degli studenti
per lo svolgimento di attività di supporto
alla didattica, alla produzione artistica
e ai servizi di biblioteca
È stato indetto il concorso per il conferimento di
11 collaborazioni a tempo parziale per lo svolgimento
di attività di supporto alla didattica, alle
attività orchestrali e ai servizi di biblioteca. Il
bando completo per l’anno accademico
2007/2008 è scaricabile sul sito www.conservatoriopaganini.org.
Si è ancora in tempo utile (termine ultimo per la
domanda, 20 ottobre 2007) per accedere alle
domande per:n° 2 Collaborazioni connesse ai servizi
resi nella Biblioteca – n. 150 ore; n° 6
Collaborazioni per la figura di pianista accompagnatore
– n. 150 ore; n° 1 Collaborazione di supporto
all’attività artistica – n. 100 ore; n° 1
Collaborazione di supporto all’attività di ricerca –
n. 150 ore.
Interpretata da Franco Trabucco
L’Opera Omnia Pianistica di Ciaikovskij al Conservatorio
preferenziale e dettagliato, per analizzare cronologicamente la
sua evoluzione artistica ed umana. Infatti il pianoforte fu invece
per Ciaikovskij banco di prova e insieme testimonianza viva
dello sviluppo del suo linguaggio, fitto di influenze (da
Schumann a Liszt, da Balakirev a Rubinstein) e di elementi di
originalità,alla luce dei quali diventa più interessante anche l’analisi
delle grandi - e ben più note - produzioni sinfoniche e di
balletto.
Questo il calendario dei concerti nei mesi di ottobre e novembre
(ore 20.45): venerdì 5, 12 e 19 ottobre, venerdì 9 e 16
novembre.
Primo musicista italiano ad affrontare, fin dagli anni ’90, l’intero
repertorio pianistico dell’autore della “Patetica”, il genovese
Franco Trabucco alterna l’attività didattica (docente di
Conservatorio) a quella di concertista, sia in veste di pianista
che di organista gdm
3

4
Nell’ambito di “Paganiniana”, un omaggio al noto liutaio ed una importante donazione
Al conservatorio, tre splendidi strumenti di Cesare Candi
Nell’ambito della rassegna “Paganiniana 2007” realizzata dal
Comune di Genova, sabato 29 settembre presso la Sala
Concerti del Conservatorio si è tenuto un “Omaggio al liutaio
Cesare Candi”.
Un concerto, ma non solo: nel corso della serata, alla presenza
di autorità quali l’Assessore Giorgio Devoto, numerosi docenti
ed alcuni ospiti esterni hanno proposto una serie di brani – da
Bach fino al repertorio contemporaneo – utilizzando importanti
strumenti (di proprietà del Conservatorio, tranne una eccezione),
realizzati dal liutaio Cesare Candi: tre violini (del 1916,
1922 e 1938), una viola del 1933 ed un violoncello del 1916.
Il liutaio Alberto Giordano ha illustrato, tra una esecuzione e
Cesare Candi (1869 – 1947), originario di Bologna, dopo
l’apprendistato presso la bottega di Raffaele Fiorini si trasferì
a Genova impiegandosi nel laboratorio di liuteria dei fratelli
Barberis come costruttore di mandolini e chitarre.
Ottenne il primo riconoscimento all’Esposizione
Colombiana del 1892 quindi, incoraggiato da Eugenio
Praga,il liutaio genovese più in vista allora,iniziò l’attività in
proprio. Raggiunse fama mondiale dopo la Grande Guerra
per merito di un violino da lui disegnato e superbamente
decorato.Artigiano instancabile, produsse un numero consistente
di strumenti ad arco, chitarre, mandolini spesso
arricchiti con complessi decori. Nel 1937 operò un sapiente
restauro del Cannone il Guarneri del Gesù del 1743,
appartenuto a Paganini in occasione delle Manifestazioni
del Bicentenario Stradivariano a Cremona. Nella sua bottega
si formarono, tra gli altri, i liutai genovesi Paolo De
Barbieri (padre del violinista Renato) e Giuseppe Lecchi.
l’altra, le caratteristiche stilistiche degli strumenti suonati. Si
sono alternati sul palco il violista Oliviero Ferri, i violinisti
Mario Trabucco, Massimo Coco, Gloria Merani e Riccardo
Capanni, i pianisti Franco Trabucco e Claudio Proietti, il violoncellista
Paolo Rivaroli. Nel corso della serata è stata resa
nota una importante donazione al Conservatorio genovese
di preziosi strumenti realizzati da Cesare Candi, (vedi immagini
in prima pagina) da parte dell’erede Corrado Gritti
Candi.Si tratta di un Mandolino napoletano ad otto corde del
1926, una Viola d’amore a dieci corde del 1931 ed una chitarra
a sei corde con sei bassi aggiunti del 1933, con tavola
in abete ed in acero fondo, fasce e manico.
© publifoto

Borse di studio agli studenti
per frequentare i corsi di
“NerviMusei in Musica”
Musica Intuitiva, yoga
e tanta semplicità
Ho conosciuto Markus Stockausen e
Tara Bouman al Festival di Ravello tre
anni fa. La loro musica e la loro versatilità
nell’impiego degli strumenti, dei
timbri e degli effetti sonori mi aveva
incantata.
Volli conoscerli al termine del concerto
e venni a sapere che da alcuni anni cercavano
un posto speciale dove poter
tenere un corso di musica intuitiva.
Non parlai ancora di NerviMusei in
Musica, i Corsi di perfezionamento che
da due anni il Centro Italiano Studi
Skrjabiniani organizzava in collaborazione
con il Settore Musei del Comune
di Genova presso i Musei di Nervi,
nella cornice naturalistica dei Parchi.
Raccontare i Parchi non è facile.
Dopo un anno circa li rincontrai a Casa
Paganini dove tennero un’anteprima
del concerto serale che avrebbero tenuto
nella Chiesa di Sant’Agostino per la
GOG, qui a Genova.
Portai con me il depliant dei Corsi dove
un bellissimo diorama trasmetteva efficacemente
il fascino dei Parchi di
Nervi.
Già Fabio Vacchi e Bob van Asperen,
docenti dei Corsi fin dal primo anno,
entusiasti di tenere lezione in sedi ricche
di arte quali Raccolte Frugone e la
Galleria d’Arte Moderna, immerse nei
parchi con scoiattoli saltellanti tra i
prati, armonie di colori – le tonalità più
variegate di verde che si fondono con
l’azzurro del mare - si dichiarano innamorati
del luogo.
Anche per Markus e Tara è stato amore
a prima vista.
Per me che, oltre alla professionalità
musicale, ricerco nel docente che invito
la semplicità di incontro, la carica
emotiva che deve trasparire affinché gli
allievi “sentano” vivo l’insegnamento
che viene porto loro, avere Markus e
Tara a Nervi rappresentava un altro
fiore all’occhiello.
E la conferma di quanto felice sia stato
questo “acquisto” per NerviMusei in
Stefano Guarnieri vince
il “Due Agosto”
Trent’anni, allievo della classe di Carlo
Galante, Stefano Guarnieri si è imposto alla
tredicesima edizione del Concorso Internazionale
2 Agosto di Bologna, aggiudicandosi
il premio speciale “Mozart” (realizzato dall’istituzione
bolognese in collaborazione con
il Festival Internazionale di Rovereto).
Si tratta di una sezione che chiedeva una
composizione con all’interno un riferimento
ad un tema mozartiano. Guarnieri, pianista
e da cinque anni studente di composizione al
conservatorio genovese (fresco di esame di
7° anno), ha vinto con il suo “Electric Dies
Irae” per violoncello, basso elettrico e orchestra
sinfonica.
Il brano è stato eseguito a Bologna, il 2 agosto
scorso, trasmesso in diretta su Rai Radio
Tre e in differita sul terzo canale televisivo Rai.
ilCMN°7 2007
Musica lo si è potuto vedere nell’entusiasmo
e nella gioia con i quali gli studenti
di Markus e Tara hanno seguito
le lezioni e che hanno poi sublimato
nel concerto finale.
Tra di loro, presenti anche tre studenti
della classe di Roberto Doati del
Conservatorio N. Paganini: Massimo
Pisano, Alessandro Quaranta e Martino
Sarolli che hanno potuto usufruire di
tre Borse di Studio messe a disposizione
dall’Hotel Astor di Nervi.
Alle 8,30 tutte le mattine si cominciava
con lezione di yoga. Quindi colazione.
Spirito e corpo nutriti…via con la
musica!
Musica Intuitiva: un modo di suonare
basato essenzialmente sull’improvvisazione
e, appunto, sull’intuito. Fatta di
stadi e regole da seguire e dove è
molto importante imparare ad ascoltare
chi suona con te, instaurando un
particolare feeling.
Praticare yoga prima della lezione
aiuta a liberare la mente dai problemi
e sviluppa l’intuizione.
I tre studenti genovesi oltre al sassofono,
clarinetto e flauto hanno lavorato
anche con il computer e il live electronics.
Per Markus un ritorno alle origini
e al padre Karlheinz, noto compositore
di musica elettronica, appunto.
In chiusura di queste mie righe vorrei
anche citare la presenza a NerviMusei
in Musica del pianista norvegese
Hakon Austbo che ha tenuto il corso di
interpretazione skrjabiniana e che il
prossimo anno proporrà anche un
seminario su Olivier Messiaen e del
duo Paola Biondi e Debora Brunialti,
che per i lettori de Il Cantiere musicale
non ha certo bisogno di alcuna presentazione.
Quindi i già citati Fabio
Vacchi per composizione (con cui tutti
abbiamo convissuto l’ansia preparatoria
della sua ultima opera Teneke, che
ha nel frattempo avuto enorme successo)
e Bob van Asperen, docente di clavicembalo.
Infine Stefano Bagliano per
il flauto, Patrizia Vaccari per il canto
barocco e Gianluca Capuano per il
corso di basso continuo.
Informazioni su NerviMusei in Musica
si possono trovare sul sito
www.museigenova.it al link musei di
nervi – il cantiere delle arti.
Francesca Sivori
con la collaborazione di Marvi Rachero
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La striscia
di Aram Schahbazians
Il I° concorso
di composizione per Iperviolino
Mercoledì 17 ottobre ore 20.45 presso Casa Paganini si svolgerà
la Finale del I concorso di composizione per iperviolino.
Con esecuzione dei brani finalisti e premiazione
del vincitore (Diana Jipa: iperviolino).
I compositori finalisti sono Nicola Buso, Giorgio Klauer,
Marco Liuni,Marco Marinoni,mentre la giuria è composta da
Claudio Ambrosini, Roberto Doati, Michelangelo Lupone,
Horacio Vaggione e Alvise Vidolin.
L’iniziativa proposta dalla Scuola di Musica e Nuove
Tecnologie del conservatorio Paganini ha trovato spazio
all’interno delle manifestazioni di Paganiniana 2007 per vari
motivi. Si pone come naturale continuazione delle riflessioni
sulla liuteria (sia acustica che digitale), estende le potenzialità
dello strumento di Paganini aggiungendo un ulteriore
livello di virtuosismo, crea un legame con il Premio Paganini
dando la possibilità a giovani compositori di cimentarsi con
questo “nuovo” strumento.Affronta infine una tematica oggi
molto seguita quale quella dell’interfaccia uomo-macchina e
del recupero del gesto strumentale per controllare l’esecuzione
elettroacustica.
Master-Class
di Horacio Vaggione
La Scuola di Musica e Nuove Tecnologie del Conservatorio
“Niccolò Paganini” in collaborazione con Casa Paganini -
InfoMus Lab, Centro Internazionale di Eccellenza, Università
degli Studi di Genova, organizza una Master-Class sul tema
“L’uso del computer nel processo compositivo: un’espansione
delle categorie formali”.
Docente: Horacio Vaggione, compositore, Professore di
Musica presso l’Università di Paris VIII e responsabile del
Centre de recherche Informatique et Création Musicale
(Université Paris VIII e Maison des Sciences de l’Homme
Paris Nord).
Il corso si svolgerà presso Casa Paganini (Piazza Santa Maria
in Passione, Genova. Tel. 010/2758252) il 18-19-20 ottobre
(orario dalle 10-13, dalle 14-16).
Durante le lezioni verranno affrontate le problematiche che
scaturiscono da un’interazione fra compositore e computer
nel processo compositivo. Generazione, trasformazione,
attribuzione morfologica di ordine spaziale sono percorsi
non lineari della composizione elettroacustica e l’uso di
algoritmi con cui interagire consente un controllo “critico”
delle categorie formali. Concerto conclusivo previsto per il
20 ottobre alle ore 20. Il programma: Preludes suspendus II
(2000) di Horacio Vaggione, Saxatile (1992) per sassofono
soprano e nastro magnetico di Jean-Claude Risset, 24 variations
(2001) e Thema (1985) e Arenas (2007) di Horacio
Vaggione. Sassofoni: Gianpaolo Antongirolami; Proiezione
sonora multicanale: Horacio Vaggione.
Iscrizioni c/o Conservatorio “Niccolò Paganini”. Allievi
Conservatorio, DAMS e DIST, esenti tassa iscrizione (allievi
esterni: 50 € ). Il concerto è ad ingresso gratuito.

“Da Manrico ad Amarilli”
Piccola storia di un’evoluzione
…Segui il cantante, accompagnalo, sostienilo… ma non usare i
pedali. Anche perché non ci sono!
Si parla naturalmente della pratica dell’accompagnamento vocale
al cembalo, non di un reiterato vizio di noi pianisti a trincerarci
dietro “colate” di pedale di risonanza, magari per nascondere
vere o presunte manchevolezze manuali!
Quindi? Abbandoniamo l’idea, anche questa entrata di diritto
nei vocabolari dello stereotipato “pianista”, che solo il suo strumento,
magari dotato di sontuose ed appariscenti code e sigle
di noti e costosi costruttori, possa fungere da aiuto al cantante
che lo affianchi.
Ritiriamo (e quanto è difficile, ammettiamolo!) il piedino dall’abituale
posizione delle pedaliere, ed abituiamoci ad una tastiera
pronta a rispondere anche troppo prontamente alle nostre stimolazioni.
Troppo prontamente? Era in verità il concetto “cembalistico”
che il sottoscritto si era inizialmente costituito dopo gli
approcci iniziali allo strumento: ”ecco, lo sapevo, questa tastiera
senza dinamica… La sfiori e subito reagisce con un solo colore,
senza escursioni. Inutile calibrare il peso, il suono è sempre
quello”.
Bene. Abituiamoci, magari sotto l’egida di una guida dotata di
grande esperienza e di un cantante dotato di ancor più cospicua
pazienza (ah, che meravigliose doti!) e cerchiamo di scavare
nelle potenzialità espressive di questo strumento che, indubbiamente,
se gratificato della giusta attenzione e del dovuto
rispetto, ci ripaga non solo con l’indiscutibile suo fascino, ma
anche con una timbrica totalmente “moderna”, assolutamente
ricca, rotonda, piena e, cosa essenziale, con la possibilità di dialogare
appieno con chi, come il (buon) cantante cerca non solo
“sostentamenti”, ma anche slanci emotivi, sospiri, languori, esitazioni
cariche di tensione.
“ La storia mia è breve” cantava Mimì, uno dei personaggi più
amati dal sottoscritto… quella del suddetto un po’ più intricata:
i soliti inizi post-diploma pianistico, carichi di velleità solistiche,
la scoperta per alcuni versi amara che “non di solo Chopin” si
può (in genere) vivere…la passione per l’opera, l’uso del pianoforte
come “surrogato” dell’orchestra: quindi, via con i corsi
per maestro collaboratore: ”togli questi suoni, raddoppia questi
bassi, ascolta il respiro, sostieni (ah, che persecuzione!) la frase
verbale con quella musicale.
Pronti,via! Svenevoli Violette, sinuose Carmen(s), baldanzosi
Manrichi, tutti pronti a morire per amore o per patria… “Suona,
sostieni, taglia, segui!”, prime esperienze di palcoscenico, sala
(non sempre con direttori gentili ed accondiscendenti…), la
scoperta progressiva che il collaboratore senza personalità
diventa nel teatro la vittima del direttore. Nella lezione di ripasso
lo schiavo del cantante, specie se quest’ultimo applica alla
lettera la legge dell’inversione di proporzionalità tra materia
vocale e materia grigia. Laddove intendasi per materia vocale
unicamente “quantità” di voce, più o meno maldestramente scaraventata
sulla seconda vittima, il pubblico…
Il momento giusto per una piccola pausa di riflessione: la frequenza
del biennio superiore di studi pianistici; quindi, alla
prima occasione propizia, l’offerta di un corso propedeutico alla
pratica dell’accompagnamento vocale al cembalo. “Ma certo,
bella proposta, ottima via d’uscita ai soliti modelli dell’opera,
per di più proveniente da un’insegnante che unisce l’esperienza
della collaborazione con gli artisti di canto ad una profonda
ilCMN°7 2007
ed appassionata conoscenza dello strumento in questione”.
Avvicinarsi al clavicembalo, scoprire, negli ovvi limiti della possibilità
di un “principiante”, alcune delle possibilità e delle soluzioni
espressive, da usarsi al momento opportuno con il partner
vocale: intanto, la postura! Basta con i movimenti più o meno
inutili del corpo, spesso utili solo allo spreco delle energie a
discapito della principale dote richiesta: la concentrazione.
La concentrazione che permetta di ascoltare attentamente, di
comprendere cosa desideri ed attenda l’interprete del testo cantato
da chi quel testo lo deve interpretare con l’intenzione strumentale:
l’attenzione spasmodica ai significati del verbo, della
frase, dell’attesa, della ripresa.
Poi, l’uso del peso: lo spostamento del fulcro dal braccio al
polso, l’assoluto controllo della digitalità, l’eventualità di dosare
peso e slancio unicamente con la mano, senza nulla togliere ai
respiri del tessuto strumentale.
E la scoperta più o meno clamorosa: la gamma veramente notevole
di possibilità offerte dal clavicembalo ai desideri di un
accompagnatore che voglia mettersi veramente al servizio non
delle persone quanto invece ed essenzialmente del rispetto integrale
per ogni compositore, antico o moderno, che ci venga
proposto. Massimo De Stefano
Benvenuta Livia Rév
Appuntamento con un mito
del pianismo al femminile
Novantuno anni, ottantadue di concertismo. La pianista
ungherese Livia Rév, classe 1916, sarà a Genova il 31 ottobre,
per un incontro con gli studenti (dalle 10 alle 17) ed un concerto
presso il conservatorio Paganini: il recital, con inizio
alle ore 20.45, comprenderà pagine di J.S. Bach, Mozart e
Chopin.
Avviata alla musica sotto la guida di Margit Varro, già enfant
prodige, vinse il Gran Prix des Enfants Prodiges nel 1925.
Negli anni successivi studiò con Leo Weiner e Arnold Székely
alla Franz Liszt Academy di Budapest, istituzione presso cui
si diplomò nel 1938. Perfezionandosi poi con Robert
Teichmuller a Lipsia e con Paul Weingarten al Conservatorio
di Vienna. Nel 1946 è a Parigi, mentre nel 1950 Sir Malcolm
Sargent per primo la segnala all’attenzione del pubblico britannico.
Livia Rév ha suonato come solista sotto la guida di Sir Adrian
Boult, André Cluytens, Eugen Jochum, Josef Krips, Rafael
Kubelík, Hans Schmidt-Isserstedt, Konstantin Silvestri e
Walter Susskind.
Nel 1963 fu invitata al debutto americano dal Rockefeller
Institute, accolta da un successo trionfale al suo primo concerto
newyorkese.Attualmente la pianista ungherese vive in
Francia, dove insegna presso l’Université Musicale
Internationale di Parigi. Ma non rinuncia a viaggiare ed a
tenere corsi, anche in Giappone, Hong Kong,Africa.
Lo scorso anno, in occasione dei suoi novant’anni, ha tenuto
un recital presso l’Accademy of Music di Budapest. Ha inciso
per SAGA, Palesa e Hyperion (fra l’altro, l’integrale dei
Préludes di Debussy, i Notturni di Chopin e le Romanze
senza parole di Mendelssohn. gdm
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Gian Marco Bosio, il primo allievo diplomato a Genova sotto la guida di Amisano, ricorda il compositore/didatta
La scomparsa di Adelchi Amisano
È mancato a Santa Margherita Ligure, il 9
agosto, il M° Adelchi Amisano. Genovese,
classe 1929, pianista, compositore, musicologo,
si era formato al Conservatorio G.Verdi
di Milano.
Allievo di Giorgio Ghedini per la composizione,
era diplomato anche in pianoforte, in
direzione d’orchestra e musica corale.
Insegnante di composizione fino al 1993 al
“Paganini” (tra i suoi allievi, Gian Marco
Bosio, Raffaele Cecconi, Riccardo Marsano, Roberto Perata, Alessandro Timossi e
molti altri), per lungo tempo ha proseguito l’attività didattica come docente di musica
vocale da camera nell’ambito dei corsi di perfezionamento presso il Teatro alla
Scala di Milano. Numerosi i corsi e le master classes, compresi quelli presso
l’Università “Bocconi “ di Milano, con cui ha collaborato sino al 2005.
Presidente negli anni ‘90 dell’Associazione Compositori Liguri, lascia una vasta produzione
musicale tra cui spiccano molti lavori dedicati alla voce. Moltissime le tournée
svolte in diversi paesi europei ed extraeuropei con il suo gruppo “Il Sestetto di
Milano” e con quello nato in seguito, “Concorde”. Come musicologo si occupò, fra
l’altro, della revisione di molte cantate di Giacomo Carissimi di cui pubblica per
Ricordi un’edizione critica dell’oratorio “Jephte”.
Abbiamo raccolto una testimonianza dal M° Gian Marco Bosio, docente al
“Paganini”, già allievo e poi collega e collaboratore di Amisano.
«Credo di essere stato il primo ad aver terminato gli studi sotto la sua guida, in
conservatorio. Erano tempi in cui la composizione aveva un ruolo fondamentale
nell’ambito dell’istituto e in genere per la cultura musicale. A Genova le cattedre
di Sergio Lauricella e Adelchi Amisano – così diverse ed entrambe così
valide – facevano parlare di sé anche al di fuori dell’ambito cittadino. Il M°
Amisano era una persona che suscitava posizioni forti. Negli anni forse si era un
po’ ammorbidito, ma ai tempi in cui ero suo allievo, pretendeva moltissimo
dagli studenti. Un atteggiamento che accettavamo, perché era il medesimo rigore
che chiedeva a se stesso: coerente, dunque credibile. Certo che noi studenti
non avevamo tregua: per qualità e quantità, c’era uno standard di lavoro elevatissimo.
Io poi ero recidivo, in quanto avevo sospeso la frequentazione del suo
corso di studi per un anno, in favore d’altre scelte. Mi riaccettò volentieri, ma...
Non me ne faceva passare una! Ricordo che in classe, con Raffaele Cecconi e
Riccardo Marsano, scherzavamo sulla lettura prodigiosa del M° Amisano: correggeva
una mole spaventosa di compiti, e quando terminava diceva sempre:
“c’è altro?”
Un giorno Cecconi ed io volemmo sfidarlo: fummo assenti per due o tre lezioni,
per poter scrivere una quantità di brani: fughe, pagine pianistiche, doppi cori.
Quando consegnammo il tutto al Maestro, mise l’intera mattinata per correggere
i nostri lavori. Ma anche quella volta, imperturbabile, terminò dicendo “c’è
altro?”
Diventati colleghi, collaborammo moltissimo insieme. A partire da quando,
docente di musica vocale da camera alla scuola della Scala (ai tempi in cui direttore
artistico era Claudio Abbado), necessitava di realizzare delle produzioni
(avendo peraltro a disposizione ottimi allievi francesi, russi e tedeschi). Al tempo
guidavo un gruppo corale di studenti musicisti decisamente rodato (apprezzato
tra gli altri da Petrassi), e successivamente anche un gruppo strumentale. La
prima collaborazione fu uno Jephte in forma scenica al Ridotto della Scala, con
la collaborazione del museo scaligero. Una produzione che facemmo circuitare.
Più avanti realizzammo un Salotto d’Ottocento milanese, spettacolo che fu realizzato
come laboratorio a Ovada e che girò sotto l’etichetta della Scala...
Avevamo anche in programma la realizzazione di un’opera inedita di Donizetti
(che Amisano ed io scovammo, e che anni dopo fu puntualmente stampata ed
eseguita, da altri): trascorremmo molto tempo a Bergamo per studiare le partiture
e finalmente arrivò una sovvenzione cospicua dal Ministero. Ma il Comune
di Ovada pensò bene di rimandare indietro la sovvenzione romana, con la motivazione
che era una cifra troppo complessa da gestire (un duro colpo, che vanificò
un lungo lavoro di ricerca).
A metà anni ’80 la collaborazione col M° Amisano fu incrementata ulteriormente
nell’ambito della Associazione Compositori Liguri, di cui lui era presidente,
Luciano Berio presidente onorario, io direttore musicale e segretario Raffaele
Cecconi. Con l’associazione abbiamo realizzato molta attività divulgativa e concertistica:
dalle stagioni genovesi (con grandi compositori ospiti) a numerose
tournée in Spagna, Svizzera, Svezia.
Prioritaria, nella sua vita di musicista, la parte didattica. Ricordo il suo entusiasmo,
ancora negli ultimi anni, a contatto con gli studenti bocconiani: sono i
migliori, mi diceva: non musicisti, ma vivaci, pieni di curiosità e desiderio di
sapere. Fino a quando la malattia glielo ha permesso, non si è mai risparmiato.
Molti, i musicisti professionisti formatisi alla sua scuola».
Perata, l’ultimo allievo del Maestro
«Abbiamo terminato la nostra attività al “Paganini” lo stesso giorno: il 2 ottobre
1996 io mi diplomavo in composizione e lui andava in pensione».
Roberto Perata, classe 1968, attualmente docente al conservatorio genovese,
ricorda i suoi studi con Adelchi Amisano: «Fin dal primo giorno di lezione sottolineò
che il conservatorio è una scuola pubblica, pressoché gratuita. Quindi bisognava
guadagnarsi questo privilegio, ed approfittarne. Ricordo che insisteva
proprio sull’opportunità che rappresentava il fatto di studiare al “Paganini”:
dato che gli studenti di composizione devono imparare la tecnica di tutti gli strumenti,
sosteneva che bisognava seguirne praticamente tutte le lezioni: corno,
fagotto, arpa, clavicembalo, canto... Lo studio del conservatorio per lui era una
attività totalizzante. Ed io seguii i suoi consigli, e dal lunedì al venerdì, entravo
alle 9 e uscivo alle 19... Il M° Amisano era certo un personaggio difficile, ma
io ne ho sempre apprezzato moltissimo, fin da subito, la capacità di stimolare
gli allievi in maniera provocatoria. Facevamo lezione anche di ascolto (il mercoledì)
ed apparentemente la sequenza sembrava procedere senza criterio:
dalla prima alla quinta lezione, nell’ordine, brani di trovatori, poi le Sequenze
di Berio, poi la Dama di Picche di Ciaikovskij, poi Monteverdi e infine i Beatles.
Ne risultava un potentissimo stimolo per noi studenti che ne venivamo dall’orizzonte
ristretto di uno strumento.
Certo, la resistenza psicologica dell’allievo era messa alla prova. Nei nove anni
in cui sono stato suo allievo, ci siamo diplomati in tre, mentre in ventisette si
sono ritirati. E di conseguenza quelli che resistevano erano trattati con una
certa considerazione... Devo dire che, dopo il 7° anno, il “Paganini” mi ha dato
molte occasioni: brani eseguiti, conferenze, programmi di sala. E non mi sono
mai tirato indietro, memore dell’insegnamento di Amisano: approfittare delle
opportunità d’apprendimento. Così ho seguito le classi di canto delle professoresse
Ravazzi e Vilalta, quella di clavicembalo di Alda Bellasich, quella di organo
del M° Traverso (anche lui purtroppo scomparso, ed anche lui una persona
dal carattere non facile, ma con moltissimo da offrire agli allievi), quella di
Storia della Musica con Maria Rosa Moretti, quella di Musica da Camera con
Massimiliano Damerini».

L’11 agosto è mancato, presso l’ospedale di Ovada, il giornalista e critico musicale del “Secolo XIX” Claudio Tempo.
Aveva 69 anni. Era uno dei maggiori conoscitori della musica italiana del Novecento.
Ricordo di Claudio Tempo
Da qualche anno, ormai, non lo si vedeva quasi più in Teatro. Era
tornato nelle sue terre alessandrine, a Cremolino, a combattere la
sua battaglia più importante contro la malattia che lo aveva aggredito.
Claudio Tempo ci ha lasciato nell’agosto scorso, vinto da un
male incurabile. Una grave perdita per il mondo musicale non solo
genovese.
Nato ad Alessandria nel 1937, si era stabilito a Genova nel 1951.
Laureato in giurisprudenza, allievo di Alfredo They per il pianoforte
e di Alfredo Mazzarello per la composizione, iscritto all’albo giornalisti
nel 1964, aveva iniziato la sua attività professionale dividendosi
fra la critica musicale e la cronaca al “Corriere Mercantile”. Alla
fine degli anni Settanta, era passato al “Secolo XIX” prima affiancandosi
a Carlo Marcello Rietmann, poi assumendo l’incarico di
responsabile della critica musicale.
Era ormai il “decano” genovese, faceva parte di quella schiera di critici musicali (con
Carlo Marcello Rietmann, Guido Tartoni e Alma Brughera Capaldo) che animarono
a Genova un vivace dibattito culturale negli anni Sessanta e Settanta, quando il
nuovo Carlo Felice era un miraggio e il Comunale dell’Opera era ospitato nell’ormai
dimenticato Politeama Margherita o nel vecchio Politeama Genovese. Ricordo vari
suoi articoli nei quali insisteva sulla necessità che la ricostruzione del Teatro non
riguardasse solo “il contenitore”, ma i contenuti. Intellettuale di profonda cultura,
Tempo era penna difficile e spesso introversa: la sua prosa non era immediata,
richiedeva da parte del lettore una particolare attenzione. Ma i suoi interventi rivelavano
capacità analitica e solida conoscenza del repertorio musicale.
Era il paladino della musica moderna, il Novecento lo affascinava, soprattutto quello
del dopoguerra, agitato da vene rivoluzionarie e scosso da ideologie politiche. A
lui si debbono studi su alcuni dei grandi protagonisti del XX secolo, fra i quali ricordo
Sciarrino, Petrassi, Manzoni. Ma fra i suoi saggi ne segnalo anche uno sul problema
del divismo e del virtuosismo, riferito a Paganini ma con un respiro particolarmente
ampio che denota la sua capacità di andare a fondo nei problemi, univer-
Il “Diario minimo” di Eco all’Archivolto
(con gli studenti del conservatorio)
Prosegue la collaborazione tra Conservatorio e Teatro
dell’Archivolto.A partire da venerdì 12 ottobre (e fino al
17 novembre) presso la Sala Mercato del Teatro Modena,
di scena “Diario minimo” di Umberto Eco, a cura di
Giorgio Gallione, con Rosanna Naddeo, Giorgio
Scaramuzzino e con gli studenti dei corsi superiori del
Conservatorio Paganini. Musiche a cura di Mario Arcari,
scene e costumi Guido Fiorato, luci Aldo
Mantovani. Si tratta di una sorta di cena teatrale
per 90 spettatori, seduti a tavola in una
platea svuotata dalle classiche poltroncine e
trasformata in un normale ristorante dove si
cena ascoltando musica e “gustando”, oltre al
cibo, i testi di Umberto Eco (“Diario mini-
ilCMN°7 2007
salizzandoli. Fra gli interpreti, in tempi recenti, nutriva una predilezione
per Daniel Oren al quale aveva dedicato negli anni Ottanta
articoli particolarmente laudativi.
Personalmente, lo conobbi nel 1977 quando con lui e il rimpianto
Edward Neill realizzammo un programma per Radio 3. Lui era già
un critico affermato, io muovevo i primi passi nell’ambiente. E fu
un incontro prezioso. Pur nella diversità dei gusti musicali, ne
apprezzai già allora, la capacità di dibattere, di difendere le proprie
idee, accettando tuttavia il confronto.
Un polemista acceso con cui discutere era un piacere e un’occasione
di riflessione.
Roberto Iovino
Più amaro ancora è il “non-ricordo”: al concerto inaugurale settembrino
di stagione, dal podio di Daniel Oren, un’accorata memoria
– sacrosanta – dedicata a Luciano Pavarotti. E la sensazione però, che un conto non
tornava. (Mancava un altro cenno, almeno, a Claudio Tempo).
Un uomo d’arte deve essere considerato per il proprio prodotto artistico (ciò che
resta). Gli scritti di Tempo resteranno. E non solo quelli sul ‘900, in quanto era l’approccio
critico a rendere le sue riflessioni illuminanti, era come sapeva raccontare
anche il più trito programma, proponendone spostamenti di prospettiva, spiazzanti,
ma acuti.
Suona talmente inutile, adesso, pensare se erano o non erano pagine adatte ad un
quotidiano o ad un mensile. Resteranno comunque, e gli daranno ragione. Anche
quelle degli anni ’80, anche quelle che leggevano, nelle performance del giovane
Oren, i germogli d’un eccezionale talento.
È un “non-ricordo” che ha fatto impressione. A cui forse potrebbe essere utile rimediare.
Personalmente, sette anni di profonda amicizia, poi quasi altrettanti di inimicizia,
poi il silenzio di molti altri anni, rendono penosissimo il pensiero che non c’è più spazio
vitale ormai, per riconsiderare, e per tentare di guardare con occhi diversi.
Giorgio De Martino
mo”, pubblicato nel 1963, seguito a distanza di quasi
trent’anni da “Il secondo diario minimo”):osservazioni di
costume, giocose parodie, fantasie e dissennatezze letterarie
divenute ormai un classico nel loro genere, mixate
con poesie, bustine di Minerva, articoli recuperati dal
caleidoscopio narrativo di un grande acrobata della parola.
I musicisti del Conservatorio Paganini coinvolti sono
Mattia Desana (flauto),Luca Sciri (clarinetto),
Erika Ferroni (tromba), Valentina Giacosa
(violoncello), Matteo Rabolini (percussioni),
Laura Babbi (pianoforte)
PER PRENOTARE, NUMERO VERDE: 800-659211.
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Il compositore romano, per molti anni direttore del nostro Conservatorio, sarà oggetto di una giornata
di studi, il 21 dicembre presso la Sala Concerti del “Paganini”
Un convegno per ricordare Gino Contilli, nel 100° anniversario della nascita
Un convegno per ricordare Gino Contilli, nel centesimo anniversario
della nascita. Il 21 dicembre presso il conservatorio
Paganini, avrà luogo una giornata di studi dedicata al compositore
romano che per oltre dieci anni (a partire dal 1966) fu
direttore del conservatorio di Genova. L’evento, in corso di
organizzazione mentre il giornale va in stampa, prevede anche
un concerto che coinvolgerà docenti e studenti del “Paganini”.
Hanno già assicurato la loro presenza Giacomo Manzoni,
Raffaele Pozzi, Joachim Noller... Insieme ad altri studiosi di
respiro internazionale, a Genova nel nome di Contilli.
Gino Contilli ha avuto un’esistenza tanto schiva e malinconica,
quanto semplice e lineare. Roma, Messina, Genova sono i luoghi
dove la musica ha scandito il tempo della sua vita.
Un musicista dalle carte sempre straordinariamente in regola:
forse a prezzo di eroismo per un uomo timido, che si teneva con
lucidità ai margini.
Dai primi studi al perfezionamento, dalla attenzione vivissima
per la cultura europea ad una approfondita conoscenza di essa,
da una attività didattica esemplare quale direttore del liceo
musicale di Messina, poi del Conservatorio di Genova, ad una
produzione musicale rigorosa, tenace e costante, con esecuzioni
di ottimo livello e importanti riconoscimenti in Italia e all’estero.
Contilli diceva che la sua musica avrebbe camminato da sola e
non ha mai accettato di affrettarne il corso
in alcun modo.
Formatosi alla scuola di Dòbici, Respighi e
Pizzetti, Contilli è stato tra i primi compositori
italiani ad aderire all’estetica della
Neue Musik e ad adottare la scrittura dodecafonica
secondo una personalissima cifra
stilistica che sarebbe più esatto definire
“modernismo avanzato”.
Inserito a pieno titolo nell’ambiente dell’avanguardia
italiana guidata, tra le due guerre,
da Alfredo Casella, nel 1942 ebbe la
nomina ministeriale di direttore della
Scuola di Musica (oggi, Conservatorio
Corelli di Messina). Nella Città dello Stretto
rimase fino al 1966, quando passò alla
direzione del Conservatorio di Genova.
Classe 1907, ebbe il suo primo contatto con
la musica nella Basilica Lateranense come
“fanciullo cantore”. Costretto ad abbandonare
momentaneamente la musica, Contilli
fu spinto dai genitori a frequentare la scuola
alberghiera. E il suo primo lavoro lo
portò proprio in un grande albergo di
Bruxelles. Ma nella capitale belga si dedicò,
sfruttando le ore libere, allo studio del pianoforte.
Tornato a Roma, a partire dal 1925 affrontà studi musicali
regolari e nel 1933 si diplomò in composizione presso
l’Accademia di S. Cecilia, sotto la guida di Cesare Dòbici.
Nello stesso 1933 si iscrisse al corso di perfezionamento di composizione
tenuto da Respighi; suoi colleghi di quegli anni furono,
fra gli altri, Salviucci, Porrino, Liviabella, Pizzini, ecc.
Morto Respighi, la cattedra fu affidata a Pizzetti che, al termine
del terzo anno, propose Contilli per il premio finale: un’esecuzione
pubblica e una somma di danaro. Il lavoro, prescelto
per l’Augusteo di Roma ed eseguito poi all’Adriano, era il Primo
Concerto per orchestra.
Contilli entrò poi in contatto con Alfredo Casella. Il musicista
torinese, infatti, era l’unica autorità musicale che garantisse una
completa informazione/formazione sulle realtà musicali europee
più avanzate: dalla Scuola di Vienna a Strawinski, Ravel,
Hindemith, Bartók.
Dalla metà degli anni ‘30 le sue musiche incominciano a essere
eseguite ed apprezzate. Dal 1934 al 1936 è critico musicale
presso la «Rassegna nazionale»; nel 1939, dietro invito del maestro
Liuzzi, attende alla elaborazione e alla strumentazione di
antiche musiche inedite. Nel 1942 il compositore accetta il
posto di direttore e di insegnante (di composizione e di storia
della musica) presso il Liceo Musicale di Messina, all’epoca non
ancora pareggiato. A Messina Contilli, che nel frattempo si era
sposato, patì le vicissitudini della
guerra, che, nel giro di pochi
mesi, lo costrinse a tornare a
Roma. L’Italia, nel frattempo, si
era spaccata in due; Contilli, che
aveva inviato un suo lavoro (il
Secondo Concerto) a un concorso,
si vide comunicare la notizia
della vincita, ma, insieme ad
essa, dello smarrimento della
partitura (l’unica), costretta a
seguire gli spostamenti della
commissione causati dalle fasi
della guerra. Nel 1944 Contilli
tornò a Messina: un viaggio di
cinque giorni fra scenari di
distruzione e desolazione, insieme
alla moglie ed alle sue due
figlie.
Nella faticosa ripresa postbellica
il musicista alternava, alla sua
attività di didatta, quella di compositore
e, anche, quella di esecutore
di musiche del Cinque e
Seicento. Nell’immediato dopoguerra
iniziò una affettuosa cor-

ispondenza epistolare fra Contilli e Dallapiccola. Questo scambio
contribuì a portare Contilli alla definitiva maturazione linguistica,
e gli aprì la strada alla possibilità di utilizzazione del
metodo dodecafonico. Fra il 1945 e il 1951 raggiunge la maturazione
definitiva, testimoniata da lavori come Introduzione e
tema variato per orchestra, Quattro cori a cappella (andata
smarrita), Frammenti lirici per voce e strumenti, Otto studietti
dodecafonici per pianoforte, Canti d’amore, Canti di morte per
voce e strumenti, ecc.
Nel 1966, ormai compositore affermato a livello internazionale,
vinse il concorso di direttore del Conservatorio di Genova,
città dove si trasferì con la famiglia. Continua a lavorare e, nel
1973, ottiene un ottimo successo, a Torino, coi Preludi per
orchestra. Nell’aprile del 1976, i sintomi d’una paresi lo gettano
in una grande angoscia. Raggiunta l’età della pensione, continua
a lavorare fino al giorno della sua morte, avvenuta il 4
aprile del 1978. L’ultimo suo lavoro, Variazioni e notturni per
voce e orchestra (sulle cui bozze il compositore aveva apposto il
«si stampi»), sarebbe stato eseguito all’Auditorium di Torino il
29 settembre dello stesso anno.
LA TESTIMONIANZA DI GOFFREDO PETRASSI
Il dono impareggiabile del dubbio
Quando si eseguì all’Augusteo romano, nel 1937, il Concerto
per orchestra di un compositore esordiente che si chiamava
Gino Contilli, l’ambiente musicale tese le orecchie perché gli
parve di percepire la presenza di un musicista autentico, cioè
vero e non costruito, pur se la sua partitura non si discostava da
tante altre che si scrivevano in quel periodo un po’ in tutta
l’Europa sotto il segno neoclassico.
Lo riconobbi subito come qualcuno che, a suo modo, parli la
stessa lingua: da quella data ebbe inizio la nostra amicizia che
non conobbe incrinature. Non si incrinò nemmeno quando mi
confidava, a me agnostico, i suoi dubbi sulla adozione della tecnica
seria le e il modo di adattarla alle sue necessità espressive.
Gino Contilli possedeva il dono impareggiabile del dubbio. La
sua natura dolcissima e riservata non gli permetteva una incivile
ed ostentata sicurezza di sé: era dubbio creativo, selezione alla
ricerca dell’essenziale.
Le sue opere dimostrano quanto siano stati felici gli approdi del
suo scavare. Mi piace menzionare almeno In lunam e Offerta
musicale, due opere formalmente perfette e di una espressività
molto sottile, raggiunta attraverso un filtro rigoroso del materiale
ed attento, sensibile rapporto tra musica e testo.
Seguì, sempre all’Augusteo, la Sinfonia italiana nel 1941 e di
quel periodo ricordo le passeggiate interminabili per le strade
romane discorrendo con passione di musica e di cultura; egli,
ferratissimo, curioso ed avido di conoscenza, dava e riceveva
idee in un rapporto sempre più stretto di amicizia fraterna. La
guerra e l’esilio messinese sospesero quei colloqui, che furono
ripresi subito dopo la liberazione di Roma; una delle prime lettere
mi arrivò da Messina.
Ci facemmo in quattro, con altri amici, per riportarlo sul continente,
ma la sua dirittura morale non poteva accettare che
ilCMN°7 2007
situazioni limpide. Alla fine non aderì, preferendo rimanere a
Messina in attesa di tempi migliori. Si trasferì a Genova, finalmente,
e fu come ritrovare un compositore volontariamente
appartato e di nuovo immesso nella vita musicale italiana.
Le sue opere sono raramente eseguite. La discrezione umana, il
rispetto per gli altri e il rifiuto di qualunque tipo di prevaricazione
erano i caratteri dell’uomo Contilli, riscontrabili altresì
nella sua musica. Un amico caro e leale, un compositore da non
dimenticare perché degno di venire ascoltato, sempre, indipendentemente
dalla fuggevole contemporaneità. Goffredo Petrassi
(testimonianza del 1980 tratta dal volume di G. Zaccaro,
Ed. Suvini Zerboni, Milano, 1991)
LA TESTIMONIANZA DI GIACOMO MANZONI
La cultura moderna ed europea di Contilli
(...) Erano le «nostre» lezioni di armonia, due volte la settimana,
al pomeriggio, le cose di cui andavamo più fieri, e che ci
facevano sentire un po’ diversi dai compagni che frequentavano
altri corsi: di certo avvertivamo chiaramente il privilegio speciale
di godere della confidenza di Contilli, che con grandissima
competenza e cultura ci introduceva giorno per giorno nei
meandri della forma, dell’armonia, insomma della composizione.
Questi pomeriggi erano gli appuntamenti più attesi della
settimana; sia per il gusto che si aveva a seguire la sua lezione,
sia - se non di più - per la lunghissima passeggiata che con lui
si faceva nel tardo pomeriggio, a lezione conclusa, andando per
ore su e giù per il lungomare e gli spaziosi viali messinesi, oppure
soffermandoci nelle librerie e nei negozi di musica a curiosare
tra le novità. Era soprattutto in queste occasioni che veniva
fuori spontanea, naturale come una parte del suo essere, la grande
cultura moderna ed europea di Contilli. Parlava di Braque, di
Schonberg, di Mann, di Freud, di Picasso come se avesse con
loro una confidenza quotidiana, come se fosse nella natura delle
cose, anzi degli uomini, vivere di questo, dei problemi della
musica, della cultura, dell’arte del proprio tempo. Era un modo
affascinante di conversare, di gettare semi di sapienza e di cultura,
che ponevano alla mente giovane e confusa domande,
curiosità, esigenze ignorate fin’allora. In musica il suo idolo era
Schönberg (mentre tra gli italiani aveva quasi un’adorazione per
Dallapiccola, con il quale intrecciava un rapporto epistolare di
cui andava fiero), cosa tanto più curiosa in quanto personalmente,
pur avendo adottato la dodecafonia già da diversi anni,
era lontanissimo dal rigore metodologico del maestro viennese
e perseguiva caso mai una linea di mediazione tra «atonalità»
dodecafonica e tonalità allargata, come appunto certo
Dallapiccola (...). Giacomo Manzoni
(testimonianza tratta dal volume di G. Zaccaro,
Ed. Suvini Zerboni, Milano, 1991)
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Il cartellone del Teatro Carlo Felice
Undici titoli (di cui due balletti, Giselle e Romeo e Giulietta), dieci appuntamenti
sinfonici, molte novità per l’Italia, molte le sfide, gli ammicchi a fruizioni
creative e stimolanti del luogo/teatro.
Al via il cartellone 2007-2008 al teatro Carlo Felice. Un affresco ampio e con
tante sorprese: dall’Evgenij Onegin di Caikovskj al Cappello di Paglia di
Rota, dal ritorno del Rosenkavalier al colosso Vespri Siciliani, fino al XXI°
secolo di Tea: a mirror of soul di Tan Dum, in prima nazionale. Sviluppando
una linea che già si era più che scorta nel recente passato, si è insistito sulla
varietà (sarà «quasi un festival» è stato detto in conferenza stampa), sulla
scelta di proposte se possibile nuove, sulla volontà d’un ricambio generazionale
“a caccia” di nuovi talenti (operazione con qualche rischio ma necessaria...
E conveniente per le finanze d’un teatro), sulla preferenza verso repertori
non facili, e infine sulla propensione per una linea estetica degli allestimenti
che guarda alla modernità, ad una sensibilità contemporanea.
Scorrendo il cartellone lirico (che riporta la produttività del teatro ai suoi
livelli naturali, con inizio ad ottobre e termine a giugno): un’inaugurazione
che si lega idealmente al titolo licenziato la scorsa primavera, con un’opera
verdiana imponente (I vespri siciliani, dal 19 al 28 ottobre) in un allestimento
parigino del 2003, non ancora uscito dalla Francia. Uno spettacolo firmato
da Andrei Serban che si preannuncia «stilizzato ma non freddo, che restituisce
limpidezza al racconto e ad un Mediterraneo rivisto cogli occhi di
oggi». A proposito: è una stagione – secondo il suo firmatario, Alberto Triola
- «pensata in relazione alla vocazione marittima, portuale di questa città,
aperta al nuovo, al mondo, agli scambi. Una città che guadagna la sua giusta
visibilità sia a livello di pubblico ma anche di critica internazionale...».
Dopo Verdi, tutt’altro genere e temperatura, col capolavoro ironico di Nino
Rota (mancava dal ’66). Team creativo di giovanissimi – e podio d’un veterano,
Bruno Bartoletti - per un nuovo allestimento genovese del Cappello di
paglia di Firenze (dal 20 al 28 novembre) in grado di «restituire quella vitalità
persino operettistica del titolo, arricchito da un cast di irresistibili cantanti/attori».
Parentesi natalizia sulle punte (Giselle col ritorno dello
“Staniskavskij” di Mosca), e apertura del 2008 in omaggio al 150° anniversario
della nascita di Puccini: Manon Lescaut, con una compagnia giovane e
una straordinaria firma registica, quella di Graham Vick. Finalmente Strauss
poi, con Der Rosenkavalier (sul podio il genovese Luisi) e nel cast la splendida
Solveig Kringelborn. Ancora: un Trovatore secondo Bartoletti, un
Werther (in forma oratoriale) con la coppia Ganassi-Filianoti, una
Sonnambula diretta da Oren in un allestimento ironico e stilizzato nuovo per
l’Italia; un Onegin che segna il debutto operistico del direttore ospite Juanjo
Mena e che brilla per la firma di Peter Stein; la prima esecuzione italiana
dell’opera (tema, la cerimonia del tè) di Tan Dun, il maggiore compositore
cinese vivente. Occasione per gustare l’originale coacervo di musica orientale
e occidentale, e per stupirsi di fronte a strumenti bizzarri come il waterphone
(tamburo ad acqua).
Quanto alla stagione sinfonica, che s’intersecherà ai titoli lirici, doppio filo rosso:
da un lato il classicismo di Haydn, dall’altro il Novecento straussiano. gdm
Il canto
Letterario,
quarta edizione
NOVEMBRE
DICEMBRE 2007:
PERCORSI RUSSI
Con la quarta edizione de Il Canto Letterario la
Fondazione Spinola prosegue l’indagine del rapporto
tra parola e musica, fra il ritmo dei versi e le ragioni
della notazione musicale. Dopo la Germania, la
Francia e l’Italia, l’attenzione sarà rivolta quest’anno al
repertorio russo.
Nell’incontro con le ricerche di InfoMus Lab a Casa
Paganini l’indagine approfondirà l’idea di ‘gesto vocale’,
nel senso di una rappresentazione emozionale del
testo nello spazio vocale della melodia. La fortunata
formula del confronto tra le stesse poesie interpretate
nella versione musicale e in quella puramente letteraria
(quest’anno con l’intensa partecipazione di Lisa
Galantini), si arricchirà quindi di un dialogo tra pubblico
e interpreti, condotto da InfoMus Lab, sulla produzione
e ricezione dell’espressività affettiva del
canto: come la fraseologia e l’agogica, le direzioni e
le contrazioni/espansioni intervallari, l’ambito e l’articolazione
dinamica micro e macroscopica, definiscano
un movimento espressivo, insieme astratto, per la
sua essenza uditiva e non visiva, e concreto, per l’efficacia
dei suoi risultati.
Questo, il calendario dei concerti (con inizio alle 16.30,
tutti ad ingresso libero):
• domenica 11 novembre
Susanna Rigacci soprano,
Claudio Proietti pianoforte
ROMANZE SU TESTI DI ALEKSANDR PUSHKIN
• domenica 18 novembre
Nadiya Petrenko mezzosoprano,
Corrado Braga e Lino Binda chitarre
IL SALOTTO RUSSO D’OTTOCENTO
• domenica 25 novembre
Ekaterina Gaidanskaia soprano,
Tiziana Canfori pianoforte
IL GRUPPO DEI CINQUE
• domenica 2 dicembre
Alla Gorobchenko mezzosoprano,
Tatyana Kuzina pianoforte
VERSO IL NOVECENTO

Gli “Amici Nuovo Carlo Felice”
L’Associazione “Amici Nuovo Carlo Felice”, costituita
nel 1989, anche quest’anno promuoverà ed incoraggerà
iniziative destinate a divulgare la cultura
musicale, in stretta sinergia le proposte del teatro lirico
genovese.
Tra le attività dell’associazione, ricordiamo:
- gli “Incontri del Martedì”: concerti dal vivo (ore 16)
e conferenze illustrative di grandi esecuzioni musicali
(ore 15,30) presso il Salone di Rappresentanza del
Circolo Ufficiali ogni Martedì;
- “Un palco all’Opera”, incontri mensili audio/video
di approfondimento sull’opera lirica sempre presso il
Circolo Ufficiali il Venerdì alle 15,30;
- “Audizioni discografiche” delle opere in cartellone
presso l’ Auditorium “E. Montale” del Teatro Carlo
Felice;
- “Storia del Melodramma” (presso la Sala dei
Chierici della Biblioteca Berio), concerti a Palazzo
Reale e alla Galleria Nazionale di Palazzo Spinola,
collaborazioni con altre Associazioni musicali per
assistere ad opere e concerti presso i Teatri di altre
città, in Italia ed all’ estero.
Sei gli appuntamenti previsti per gli “Incontri del
martedì”, sino a fine anno: il 2 ottobre di scena il
Trio Icaro, il 16 ottobre il Duo Allocco, il 30 ottobre
recital del tenore Silvano Santagata, il 13 novembre
Duo Ermirio – Guido (violoncello e pianoforte), il 27
novembre concerto premio dedicato ad un allievo
del conservatorio, mentre l’11 dicembre recital della
pianista Agata Gladysuak.
L’Associazione partecipa, inoltre, al Premio Paganini
con l’assegnazione di un riconoscimento di € 1.000
alla “migliore esecuzione della composizione violinistica
contemporanea”, ed assegna annualmente una
borsa di studio di € 500 ad uno tra i migliori allievi
del Conservatorio N.Paganini”.
ilCMN°72007
La stagione GOG 2007-2008
Una eterogeneità sobria, in pieno stile GOG, percorre il cartellone concertistico
2007 – 2008. Stagione opulenta, quanto a nomi ed a organici, e tradizionale
quanto a contenuti. Una parata di stelle, sulla volta del programma,
con pianisti quali Martha Argerich, Alfred Brendel, Grigory Sokolov, Lars
Vogt, Andrea Lucchesini, Boris Berezovsky... Con archetti del calibro di
Leonidas Kavakos, Yuri Bashmet, Sergej Krylov, Uto Ughi, Salvatore Accardo
(ritorno particolarmente atteso, per un’icona del secondo ‘900 violinistico).
Un tripudio di star, snocciolate lungo i ventisette concerti, che gravitano in
percentuale massiccia intorno al XIX° secolo, con puntate barocche di grande
qualità (Il Concerto bachiano BWV 1052 con Kavakos e la Camerata
Salzburg; la Passione secondo Giovanni BWV 245 col Bach-Collegium
Stuttgart diretto da Rilling), lampi antecedenti (vedi le “Lagrime di San
Pietro” di Orlando di Lasso, ad opera del Collegium Vocale Gent diretto da
Herreweghe) e saette d’un Novecento storico, solido e “digerito”: Prokof’ev
(il Concerto op. 26 dalla tastiera della Argerich con la UBS Verbier Festival
Orchestra diretta da Charles Dutoit, in un concerto che comprende anche la
Sinfonia Fantastica di Berlioz), Berg (Lyrische Suite ad opera del Quartetto
Sine Nomine), Webern (l’op. 5 dal Quartetto Belcea), Sostakovic (Il quartetto
op. 110 dagli archetti del “Kopelman”)...
Prmai costante (anzi in crescita), la presenza di musicisti genovesi:
Massimiliano Damerini suonerà in duo con Alessandro Dolci, in uno dei programmi
più intriganti della stagione: la Settima Sinfonia di Mahler nella trascrizione
per pianoforte a quattro mani di Alfredo Casella. Tornano poi i
quattro genovesi del “Cremona” che proporranno, tra Beethoven e
Sostakovic, una pagina del 1997 di Adriano Guarnieri. Infine, rileviamo con
soddisfazione la presenza dell’ensemble “Tripla Concordia” che – nato sotto
la Lanterna - chiuderà il cartellone interpretando Telemann e Haendel.
Beniamini: immancabile Uto Ughi, in un programma che – ci si sarebbe stupiti
del contrario – rimane “da definire”. Le punte di diamante sono molte,
e sparse lungo gli otto mesi di programmazione: torna il poeta dei tasti (e
dei versi) Alfred Brendel, in un programma in cui eccelle: Haydn, Mozart,
Beethoven, Schubert. Dal pianoforte di Andrea Lucchesini, un’altra pagliuzza
contemporanea, con Klaviersonate di Giuseppe Sinopoli (in mezzo
all’op.90 di Schubert ed ai Preludi di Chopin). Prestigioso ritorno, quello di
Grigory Sokolov, in programma per metà schubertiano. Autore che sarà evocato
lungo l’intero concerto del Quartetto Borodin (con l’annessione d’eccezione
della violoncellista Natalia Gutman, nel Quintetto D 956). Interessante
la proposta dello statunitense Robert Levin, che torna per proporre al pianoforte
ed al fortepiano due Sonate beethoveniane.
Voci: non molte ma vertiginose. A parte le presenze corali, splendido e sparuto,
resta il concerto di Matthias Goerne. Un ottimo acquisto, naturalmente
(eseguirà l’op.98 di Beethoven e Schwanengesang D 957 di Schubert), per
un baritono superbo il cui nome da anni punteggia i cartelloni GOG. gdm
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Scatti dalla “Primave ra
Un viaggio in sessanta tappe, quello percorso dal Conservatorio Paganini
da maggio a luglio scorso: il cartellone de “I Concerti di Primavera” ha
coinvolto 250 musicisti in due mesi di attività ed ha toccato una ventina
di sedi, a Genova, ma anche in Liguria e in prestigiose trasferte a Milano,
Mantova, Roma...
Altissima la stima delle presenze agli eventi musicali genovesi programmati
di recente dal Conservatorio. Solo per il concerto del 4 giugno al
teatro Carlo Felice, oltre 1000 spettatori; un’affluenza continua fino
all’alba per la “Notte Bianca” del “Paganini” il 21 giugno, sala esaurita
un’ora prima del concerto per la monografia su Piazzolla ad opera del
Gruppo “NoviTango”, un megaschermo apprestato nel parco del
“Paganini” per i “Capricci” paganiniani eseguiti dalla giovane Masha

ve ra” del Conservatorio
Diatchenko...
«Il bilancio è positivo persino al di là delle aspettative – ha sottolineato
il direttore Patrizia Conti – uno dei nostri obiettivi era proprio rendere
fruibile all’esterno il nostro patrimonio (fatto innanzitutto di grandi professionalità
artistiche) e d’essere riconosciuti non solo a livello istituzionale
ma anche dai nostri concittadini, come realtà culturale forte, agile,
vivace. Oggi, in chiusura d’una serie di concerti e incontri pressoché sempre
affollati, possiamo affermare che finalmente Genova ha imparato
davvero la “strada” per il Conservatorio: ha compreso il valore di questa
straordinaria fucina artistica, cuore pulsante della vita musicale cittadina».
ilCMN°7 2007
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Sergio Ciomei
sale sul podio
È senza dubbio uno dei migliori musicisti
usciti dal Conservatorio Paganini.
Sergio Ciomei, classe 1965, pianista e
clavicembalista (già allievo di Edoardo
De Giovanni e di Franco Trabucco), ha
debuttato – con modalità e risultati eclatanti
– come direttore d’orchestra.
Collaboratore assiduo di Cecilia Bartoli
(con la quale si esibisce spesso in concerto),
coadiutore dell’etichetta DECCA
(per la quale sta progettando il prossimo
disco di Juan Diego Flórez),ha realizzato
Ascoltiamo il 900
L’etichetta Naxos, nella collana American Classics, ha pubblicato
recentemente un interessantissimo CD (Naxos
8.559031) interamente dedicato all’opera del celebre compositore
americano John Adams.
Il CD raccoglie,tra gli altri,due ampi lavori del primo periodo
compositivo di Adams, Shaker Loops per Orchestra d’Archi,
The Wound-Dresser per baritono e Orchestra su testi di Walt
Whitman; entrambi i lavori, a mio avviso, si possono considerare
un vero punto di arrivo, per felicità d’invenzione e chiarezza
compositiva, di quel vasto movimento artistico proprio
dell’Avanguardia americana comunemente denominato
“Minimalismo”.
L’ascolto di Shaker Loops, peraltro
piacevolissimo (lontano mille miglia
dall’arida concettosità cara ad una
certa Avanguardia europea), ci indica
quelli che sono i punti di vista fondamentali
in cui si muove la poetica
minimalista: uso di materiali musicali
elementari (arpeggi, trilli, note ribattute…),
processi iterativi che lentamente
si evolvono attraverso minime varianti, sovrapposizioni
ad incastro di patterns ritmici diversi. La combinazione di
queste tre specifiche inventa uno spazio sonoro in cui il
tempo tende a sospendersi, a fluire turbinosamente pur rimanendo
sostanzialmente statico. Shaker Loops possiede un’
incredibile energia (-sembra di volare rapido e rasoterra su di
un leggero aircraft- dice della musica di Adams il celebre direttore
inglese Sir Simon Ratte, più volte suo autorevolissimo
interprete) che lascia senza respiro l’ascoltatore ma è anche
capace di sorprendenti accenti melodici pieni di malinconia.
Il suono degli archi si trasforma in uno strumento elettronico
capace di bagliori metallici un poco spettrali: una notturna
Comitato Direttivo
Presidente
Davide Viziano
Direttore
Patrizia Conti
direttore@conservatoriopaganini.org
Direttore Responsabile
Giorgio De Martino
giorgio.demartino@fastwebnet.it
Comitato di Redazione
Tiziana Canfori
Gian Enrico Cortese
Luigi Giachino
Roberto Iovino
Alberto Macrì
Grafico
Fabrizio Cécchet
Stampatore
Algraphy snc
Passo Ponte Carrega 62r
16141 Genova
il proprio primo concerto pubblico dal
podio nel dicembre scorso, in Svizzera,
alla guida del suo gruppo “Tripla
Concordia”. Tre giorni dopo riceveva
l’invito della Sony Classical, a dirigere la
Kammerorchester Basel in un programma
barocco incentrato sulla
vocalità (particolarissima e
catturante) del contralto
Marijana Mijanovic. Un programma
che è diventato un cd
– uscito in estate – che sta
riscuotendo valutazioni lusinghiere
dalla critica internazionale.
luce lunare sembra versarsi sul liquido andamento dei suoni
che scorrono implacabilmente per i quattro movimenti che
compongono il brano.
The Wound-Dresser è un’ampia cantata su di un bel testo di
Whitman che racconta gli orrori della Guerra Civile americana;
la forza drammatica del testo si riversa nella musica, trasformando
gli astratti meccanismi compositivi propri della
musica minimalista in efficaci “figure” musicali cariche di
forza drammaturgia, adatte a dialogare con la voce del baritono
che intona il testo poetico con commossa intensità.
Questa composizione naturalmente ci ragguaglia in qualche
modo sulle doti del John Adams famoso compositore d’opera,
compositore che si impose sulla scena mondiale negli anni
ottanta del secolo scorso con l’Opera Nixon in China (Opera
che verrà ripresa, per chi ne è interessato, al Teatro
Filarmonico di Verona il prossimo febbraio).
L’esecuzione di tutti i brani è eccellente: la scrittura intensamente
virtuosistica tipica della musica di Adams è risolta dalla
Burnemouth Symphony Orchestra con estrema precisione e
passione; del suo direttore stabile Marin Alsop, che dire…è
l’interprete ideale di ogni compositore contemporaneo!
L’ascolto di questo CD mi sembra importante non soltanto
per coloro che si occupano attivamente di musica contemporanea
(per quest’ultimi è sufficiente sapere che le opere di cui
ho accennato sopra sono tra le più celebri ed eseguite degli
ultimi decenni e quindi vanno conosciute) ma soprattutto
per quei musicisti che frequentano poco il repertorio dei
nostri giorni non sapendo, spesso a causa di tanti e stratificati
pregiudizi, quanto questo sia vario e vitale.
Credo che le musiche di John Adams ascoltate in questo CD
possiedano la forza per mandare in soffitta qualcuno di quei
pregiudizi. Carlo Galante
Conservatorio Niccolò Paganini
Villa Bombrini
via Albaro, 38 - 16145 Genova
tel. 010.3620747 - fax 010.3620819
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