Le regole della bellezza - Focus

Arte
Dimenticate il bianco: statue e templi in Grecia erano variopinti. E il bello, che avvicinava agli dèi, non era una questione di gusti
Sfilata
di moda
Ricostruzione a
colori della loggia
delle Cariatidi
(statue usate
come elementi
di sostegno)
dell’Eretteo,
sull’acropoli di
Atene. Le prime
tre statue da
sinistra appaiono
come erano
all’epoca della
costruzione.
L’ultima come
è oggi.
Focus Storia 70
LE REGOLE DELLA BELLEZZA

Nel V secolo a. C. visse il pittore Polignoto di Taso, che introdusse nei suoi dipinti la prospettiva, poi dimenticata in epoca romana
Se Fidia, il più grande scultore dell’antichità,
facesse un giro nella sale
del Museo archeologico di Atene,
rimarrebbe perplesso di fronte
al pallore delle statue di marmo e al verde
scuro di quelle in bronzo. Probabilmente, si
troverebbe molto più a suo agio visitando la
mostra “I colori del bianco”, che da due anni
a questa parte è stata allestita in diversi
musei europei, fra cui i Musei Vaticani e, ultimo
in ordine di tempo, il Museo dell’antichità
di Basilea (Svizzera). Qui, infatti, copie
delle statue greche sono esposte in tutto il
loro antico splendore: colorate al punto che,
storcendo il naso, i più critici hanno parlato
di “effetto Missoni”, riferendosi all’arciere
che ha fatto da testimonial dell’esposizione
a Basilea (v. foto a pag. 75).
Qualche attacco, del resto, i curatori della
mostra se lo aspettavano, tanto che, nell’introduzione
del volume che spiega le tecniche
utilizzate per colorare le statue (I colori
del bianco, De Luca editori d’arte), avevano
messo le mani avanti: «Un simile esperimento
comporta dei rischi: quando ci si
confronta con una documentazione frammentaria
e con un gusto cromatico così lontano
da quello a cui si è abituati, una parte
delle scelte resta ipotetica».
Arsenico e sangue di drago. Per riprodurre
i colori, i ricercatori si sono affidati
all’analisi delle tracce ancora visibili su alcune
statue e alle testimonianze letterarie.
Euripide, per esempio, scrisse di “statue colorate
sul frontone” dei templi, e Platone
dei “colori più belli” che i pittori usavano
per dipingere “le parti più belle del corpo”
Vita da filosofi
Niente carne,
tutto cervello
tratone di
S Làmpsaco (III
secolo a. C.) diresse
il Liceo ateniese e fu,
dopo Teofrasto, uno
dei maggiori continuatori
dell’opera di
Aristotele. Diogene
Laerzio (III secolo d.
C.) raccontò che il
filosofo era talmente
magro da passare
dalla vita alla morte
senza accorgersene.
Focus Storia 72
(cioè gli occhi). Nel
I secolo d. C. Plinio
citava il cinabro
(dalla parola greca
kinnábari, “sangue
di drago”), il solfuro
di mercurio usato
per le parti rosso-arancio.
Il giallo
invece si ricavava
dall’ocra, facilmente
reperibile in natura
o, più raramente,
da un composto
dell’arsenico
che veniva estratto
in Anatolia: era un
veleno così potente
che nelle miniere
venivano mandati
solo i detenuti. Infine,
i blu e i verdi
erano ottenuti dall’azzurrite
e dalla
malachite, composti
del rame.
Anche le statue
di bronzo avevano
un aspetto molto
1
2
L’inclinazione
che slancia
Le colonne del
Partenone,
realizzato dagli
architetti Ictino
e Callicrate, non
sono dritte, ma
inclinate verso
l’interno. Se
prolungate, si
unirebbero a
5 km di altezza.
Il “trucco” dà
l’illusione che il
tempio si slanci
verso l’alto.
diverso da oggi: la loro tinta verdognola infatti
è frutto dei processi di ossidazione, che
nel tempo hanno cancellato quella originale,
dorata. «Gli occhi venivano inseriti dall’esterno
e il montaggio era lungo e complesso»
spiega Raimund Wünsche, direttore della
Glittoteca di Monaco (Germania). «Le ciglia
erano lamine di bronzo tagliate, e nel bianco
del bulbo (in marmo, osso o avorio) veniva
montata l’iride, fatta con una pasta di vetro
colorata». Anche le labbra, di rame, e le sopracciglia,
d’oro, erano applicate in un secondo
tempo, sul bronzo già freddo.
Stando alle ricostruzioni, il gusto del colore
in Grecia è antico quanto la scultura.
Il cappello
delle colonne
I capitelli dorico
(1) e ionico (2)
colorati. Allo
stile dorico
si affiancò nel
VI secolo a. C.
quello ionico,
che aveva anche
colonne più
slanciate. Nel IV
secolo comparve
lo stile corinzio,
con un capitello
scolpito con
foglie di acanto.
Tempio con
la gobba
La base del
Partenone,
arcuata, dona
leggerezza
alla struttura
e agevola
il deflusso
dell’acqua. Nel
disegno, l’effetto
è esaltato:
fra le estremità
e il centro del
lato lungo il
dislivello reale
è di 12,3 cm.
«L’artista concepiva sempre la forma tridimensionale
tenendo anche conto della versione
colorata» ha spiegato Vinzenz Brinkmann,
archeologo della Glittoteca, a PM History.
Ma se i colori rappresentano una costante,
nei secoli la forma delle statue è cambiata
moltissimo.
Le statue si animano. Attorno al VII
secolo a. C., con lo sviluppo delle colonie e
dei commerci, l’arte subì l’influenza orientale,
soprattutto egizia. I vasi, prima decorati
con motivi geometrici, si arricchirono con
raffigurazioni di animali esotici, creature mostruose
e scene di caccia, mentre nella scultura
si affermarono le figure imponenti, rap-
triglifi
altezza della colonna: 12 x a
larghezza dei triglifi:
a = 0,858 cm
altezza dell’architrave: 1 x a
altezza
del
capitello:
1 x a
distanza
fra gli assi
delle colonne:
5 x a
Armonia di forme
Le proporzioni dei vari elementi
architettonici nel Partenone: sono
multipli della larghezza dei triglifi.
Rastremata e “ciccia”
Le colonne doriche erano
bombate e leggermente più
strette in alto (di circa 2 cm).
presentate di fronte, in atteggiamenti rigidi.
Ben presto però i Greci iniziarono a rielaborare
lo stile importato dall’Oriente, cercando
di dare alle loro creazioni forme più
arrotondate e pose più naturali. Fu un primo
passo, nel vero senso della parola: le statue
mossero un piede in avanti, e lentamente
iniziarono ad animarsi. Offerte agli dèi, o
collocate nelle tombe, le statue del periodo
arcaico (VI secolo) rappresentavano “il bello”,
che aveva il potere di avvicinare gli uomini
alle divinità. Per questo, i soggetti erano
sempre giovani, sorridenti ma inespressivi
e, nel caso dei maschi, nudi (il nudo femminile
apparirà circa duecento anni dopo). ▼
Dal passo del koûros alla ciabatta di Afrodite
525 a. C.
Influenza
egizia
Il koûros (ragazzo)
di Anavyssos,
con le braccia
lungo i fianchi
e un piede
avanzato. Le
statue femminili
del periodo
arcaico sono
invece dette kórai.
100 a. C.
450 a. C.
Mani in alto,
sguardo fiero
Questa statua
di Poseidone
(o Zeus?) fu
trovata in mare.
Le posizioni
degli arti e del
corpo denotano
il superamento
della visione
Ti tiro un
frontale.
sandalo!
Afrodite scherza
con Pan, mentre
Eros svolazza
fra i due.
Nelle statue
del periodo
ellenistico gli
scultori vollero
rappresentare
le emozioni.
Focus Storia 73

Una riproduzione della statua in bronzo
di Apollo, opera di Fidia. Lo splendido
effetto dorato era ottenuto applicando un
sottile strato di bitume diluito nell’olio.
▼
Nel secolo seguente, il desiderio di dare
una rappresentazione più realistica del corpo
umano spinse gli scultori a modificare
ancora le loro opere. Dai volti sparì il “sorriso
arcaico” (e per le espressioni serie, la
scultura di questo periodo è chiamata “severa”)
e i movimenti diventarono più fluidi.
Il discobolo scolpito da Mirone e la statua di
Zeus che lancia un fulmine (ma potrebbe
essere anche Poseidone che scaglia il tridente,
v. foto a pag. 73), rappresentano punti di
non ritorno.
Non è questione di gusti. Portatore di
elevati valori spirituali e morali, il bello non
era per i Greci questione di gusti. Al contrario,
l’armonia nelle proporzioni era codificata
entro regole rigide che non lasciavano
nulla al caso.
A dettare le norme della scultura fu Policleto,
che nel V secolo a. C. stabilì che in una
statua “bella” l’attacco delle gambe deve
trovarsi a metà, il piede deve misurare un
sesto dell’altezza, la testa un ottavo e la faccia
un decimo.
Anche l’architettura era dominata dalle
relazioni numeriche. Nei templi, la cui struttura
di base era già definita nel VI secolo, il
numero di colonne sui lati lunghi era il dop-
Focus Storia 74
A inaugurare il nudo femminile fu Prassitele, che nel IV secolo a. C. scolpì un’Afrodite con entrambi i seni scoperti
pio di quelle presenti sul frontone più una
(per esempio, il Partenone ha 8 colonne sul
frontone e 17 su ciascuno dei due lati lunghi).
E le dimensioni dei diversi elementi erano
multipli del diametro della colonna o della
larghezza dei triglifi (elementi decorativi).
Per conferire leggerezza alle tonnellate di
pietra che componevano i templi, gli architetti
ricorsero alle illusioni ottiche: a slanciare
verso l’alto il Partenone contribuiscono
le colonne leggermente inclinate verso l’interno
(se prolungate, si unirebbero a 5 km di
altezza) e il pavimento leggermente bom-
elle statue greche, alle
N proporzioni realistiche
delle diverse parti del
corpo fanno da contraltare
le dimensioni non propriamente
veritiere degli organi
sessuali maschili:
giganteschi per i satiri,
minuscoli per tutti gli altri.
Piccolo è bello. Non si
pensi però che l’anatomia
dei Greci fosse diversa
dalla nostra. La
dimensione del pene
in realtà obbediva a un
codice che tendeva
a minimizzare la
componente
“animalesca” delle
statue, che dovevano
rappresentare l’ideale
della bellezza.
bato, che ha anche il vantaggio di favorire il
deflusso dell’acqua.
Il centro della vita culturale del V secolo a.
C. era Atene, dove confluivano i migliori artisti
da tutto il mondo greco, e dove operò Fidia,
caposcuola della corrente classica, capace
di esprimere la “bellezza perfetta” come
nessun altro, grazie a uno studio approfondito
dell’anatomia e del panneggio degli
abiti. Incaricato da Pericle di sovraintendere
ai lavori per la costruzione dell’area sacra
dell’acropoli, Fidia fu poi condannato per
empietà, per essersi rappresentato sullo scu-
Come vere, tranne che per un piccolo particolare
Il “cosino” di uno
dei bronzi di Riace.
do della statua di Atena, collocata nel Partenone.
La parola al marmo. A partire dalla prima
metà del IV secolo a. C., le vicende storiche
(e in particolare le conseguenze della
sanguinosissima Guerra del Peloponneso)
riportarono gli artisti sulla terra. I committenti
iniziarono a
chiedere statue a
loro immagine, da
esporre nei palazzi
e nelle case. E se
già Fidia aveva lasciato
trasparire
qualche emozione
dai suoi volti scolpiti,
questa tendenza
si accentuò
e si fece ancora
più evidente nel
periodo ellenistico,
in parallelo con
il sorgere, accanto
ad Atene, di altri
centri di produzione
artistica (come
Pella, in Macedonia,
l’isola di Rodi,
Alessandria d’Egitto, Taranto e Siracusa).
Gli scultori si preoccuparono allora di fissare
nella pietra il momento significativo di
una vicenda. E le statue, vive ma mute nel
periodo classico, iniziarono a raccontare la
loro storia. ❏
Margherita Fronte
Ruggito in
technicolor
Copia di uno dei
leoni di Loutraki
(presso Corinto).
I colori ricalcano le
tracce della statua
originale (sotto).
Forse stavano qui
A sinistra, i due bronzi di Riace (più scuri)
nella loro ipotetica collocazione originaria:
con altre 8 statue (nella corretta tonalità)
nell’agorà di Argo. Risalgono al 460-450 a. C.
Copia dell’arciere del frontone del tempio
di Afaia, nell’isola di Egina (490 a. C.). Le
tracce dei colori sono state individuate sulla
statua originale usando una luce radente.
La “Kóre del peplo” (circa 520 a. C.),
rinvenuta nell’acropoli di Atene, e la
sua versione colorata con azzurrite,
malachite, cinabro e ocra.
Focus Storia 75