Ahmad Alaa Eddin Siria Ana Banjac Bosnia Almalé & Bondía ...

Ahmad Alaa Eddin Siria Ana Banjac Bosnia Almalé & Bondía Spagna Felix Anaut Spagna
Klitsa Antoniou Cipro Norbert Francis Attard Malta Llorenç Barber Spagna Renato
Barisani Italia Fernando Barredo Spagna Marta Carolina Beckelman Gonzales Paraguay
Franz Josef Berger Austria Sandra Bermudez Colombia Giona Bernardi Svizzera Monica
Biancardi Italia Martina Braun Austria Carmine Caliendo Italia Luciano Campitelli Italia
Iraida Cano Guatemala Odile Cariteau Francia Carmen Carmona Fernandez Spagna
Renate Christin Germania Rodolfo Llópiz Cisneros Cuba Pasquale Ciuccio Svizzera
Melita Couta Cipro Cyop Italia Charly d’Almeida Benin José D'Apice Brasile Caroline De
Lannoy Belgio Federico Del Vecchio Italia Zourane Djamel Algeria Huxiang Dong Cina
Zhang Donghong Cina Frederica Bastide Duarte Portogallo Metka Erzar Slovenia Fulvio
Farina Italia Bartolomé Ferrando Spagna Ana Ferreira Spagna Enzo Fiore Italia Pierre
Gauthier-Dubédat Francia GGTarantola Italia Vladimir Gasparic Croazia Ashish Ghosh
India Fabio Giampietro Italia Boris Glacomanin Bosnia Klementina Golija Slovenia Petra
Grozaj Croazia Dimitar Grozdanov Bulgaria Armin Guerino Austria Amela Hazimejlic
Bosnia e Erzegovina Eti Haik-Naor Israele Jacques Haramburu Francia Manabu Hasegawa
Giappone Heiko Hofmann Germania Iabo Italia Nora Iniesta Argentina Gisella Jackle
Germania Kaf Italia Kaori Kawakami Giappone Nader Khaleghpour Iran Ria Klop Olanda
Bostjan Lapajne Slovenia Nusa Lapajne Slovenia Barbara La Ragione Italia Stéphane
Macedo Francia Liz Magic Laser Stati Uniti Christian Leperino Italia Ma Lin Cina Joan
Llacer Spagna Aidoud Macine Algeria Macro Italia Christoph Mancke Germania Mayerle
Manfred Germania Antonio Manfredi Italia Jannis Markopoulos Grecia Nikolai Masukov
Russia Keco Mensud Bosnia e Erzegovina Manolo Messía Spagna Penka Mincheva
Bulgaria Vuk Mitevski Macedonia Helmut Morawets Austria Valentina Mozzillo Italia Aghim
Muka Albania Mihoko Nakahara Giappone Mira Narobe Slovenia Silvana Nini Albania
Lindsey Nobel Stati Uniti Odelot Group Spagna Bonnie Onderwaater Olanda Milena
Ouzounova Bulgaria Emir Ozer Turchia Bruno Paladin Croazia Michael Panayiotis Cipro
Sibille Pasche Svizzera Gloria Pereda Spagna Massimo Pianese Italia Ivan Piano Italia
Teresa Pollio Italia Alberto Ponticelli Italia Robert Primig Austria Michele Quercia Italia
Raffo Italia Hana Rajkovic Serbia & Montenegro Robot Inc2501 Italia José Javier Rodrìguez
Sànchez Spagna Marie-Françoise Rouy Francia Titti Sarpa Italia Ulf Saupe Germania
Raquel Schwartz Bolivia Maria Grazia Serina Italia Murat Sezer Turchia Natalie Silva Italia
Kamen Simov Bulgaria Irmelin Slotfeldt Norvegia Ale Staffa Italia Kim Tae-Jun Corea
Suo Tan Cina Tatiana Italia Li Tianyuan Cina Yoshie Tonegawa Giappone Cristina Treppo
Italia Fillippos Tsitsopoulos Grecia Etko Tutta Slovenia Klavdij Tutta Slovenia Two four
two Cipro Unz Italia Eliana Vamvakinos Grecia Pim van Halem Olanda Willem van Hest
Olanda Jiri Voves Repubblica Ceca Gordana Vrencoska Macedonia Celia Washington
Scozia Alan Waters Inghilterra Liu Wei Cina Wu Wenguang Cina Emma Wood Inghilterra
Xu Xianglin Cina Zhou Xiaohu Cina Cang Xin Cina Toshiro Yamaguchi Giappone Kazuyo
Yamamoto Giappone Huang Yan Cina Liu Yang Cina Jung Yeun Park Corea
Ming Yi Chou Taiwan Zhou Yuechao Cina Xu Zhenglong Cina Lin Zijie Cina

L’ARTE GLOBALE di Helena Dagureeva
“Chiribiscos” di Iraida Cano, 2004
Ho conosciuto Antonio Manfredi in occasione della sua
personale nell’ Ethnographic Russian Museum di San
Pietroburgo nell’inverno del 1995, già all’epoca,
passeggiando per la Nieschi discutendo per ore, a volte
anche animatamente, sul significato del fare arte mi accorsi
che la sua visione dell’arte era globale, non mi sono quindi
affatto meravigliata quando sono venuta a conoscenza
del suo progetto di realizzare un Museo di Arte
Contemporanea. È veramente arduo fare una panoramica
esaustiva di tutte le opere presenti nel Casoria International
Contemporary Art Museum, ci troviamo di fronte ad artisti
differenti per stile, tecnica, età e formazione. Eppure già
ad uno sguardo d’insieme risulta evidente come la
rassegna restituisca con grande evidenza quella che è
la caratteristica principale della ricerca artistica di questi
anni: un contesto aperto, dove all’assenza di correnti
nettamente dominanti e di rigidi separazioni settoriali
corrisponde la complessa, indefinibile fenomenologia di
un pluralismo diffuso, in cui il protagonismo delle diverse
personalità traccia percorsi mobilissimi, che s’accostano,
s’incrociano, divaricano, creando così una rete di identità
e di differenze che scavalca i confini geopolitici e assume
dimensioni planetarie.
Dalla fotografia alla pittura e alla scultura, dal video alla
installazione, ci accorgiamo che ai linguaggi e alle tecniche
tradizionali delle arti visive si aggiungono altre modalità
espressive, come quelle consentite dalle nuove tecnologie
della comunicazione, in un rapporto che non è solo di
convivenza nella distinzione, ma anche di osmosi, di
meticciamenti, di contaminazioni reciproche. Questo
processo è documentato, tra l’altro, dalle opere fotografiche
delle giovani artiste italiane Barbara La Ragione, che
attraverso le mostruose deformazioni dei suoi “ritratti”
allude a una dolorosa diagnosi della condizione umana,
e Monica Biancardi, capace di cogliere, nel flusso della
quotidianità, momenti di sofferenza e di dolcissima
sensualità, e di consegnarli icasticamente ai suoi
fotogrammi, della americana Liz Magic Laser, con le sue
figure femminili percorse dal fascino di una fluida e
misteriosa energia, e della bulgara Penka Mincheva, il
cui dittico ... it sometimes hurts... gioca efficacemente sul
contrasto tra l’estrema nitidezza della resa iconica e
l’ambiguità delle corrispondenze semantiche.
Diverso invece l’utilizzo della fotografia da parte del giovane
fotografo tedesco Ulf Saupe, che muta le sue figure umane
in tracce metamorfiche in dinamico attraversamento di
campi visivi indeterminati, e dell’americana Lindsey Nobel,
impegnata a tradurre il dato fotografico in nuclei filamentosi
di una inquietante materia vivente. Le immagini alla
Rorschach della colombiana Sandra Bermudez, con le
loro fiorite simmetrie, esplorano il mondo della sessualità
femminile, in una ricerca che riesce a bilanciare il rigore
della forma con l’imprevedibilità del caso.
L’installazione dell’argentina Nora Iniesta utilizza
l’ingrandimento di una vecchia foto di famiglia per portarci
in un dimensione a mezza strada tra la precisione del
referto documentario e la seduzione di una memoria
dilatata del tempo. Ancora allo scorrere della dimensione
temporale ci riconducono l’installazione della boliviana
Raquel Schwartz, che presenta un manto realizzato con
nastri recuperati da vecchie cassette audio, e quella
dell’indiano Ashish Ghosh, realizzata con ventuno magliette
di plastica trasparente serigrafate con motivi derivanti
dalla storia e della cultura indiana.
Su una linea di impegno sociale si colloca, invece, la
scultura interattiva dal titolo “Swing I” dell’artista maltese
Robert Francis Attard, che presenta una serie di tre
altalene realizzate con fucili da guerra. Di grande impatto
emotivo sono le opere dei pittori italiani Fabio Gianpietro,
“Akin” di Lindsey Nobel, 2003
con la sua mamma/zebra, carica di una pietas che, nella
sua dichiarata inclinazione alla monumentalità, ha accenti
da murales messicani, e Christian Leperino, con il
lacerante, tragico espressionismo del suo bambino urlante,
dal titolo “Bes/an”, del bulgaro Dimitar Grozdanov, con il
ritmo oscuro della la sua plastica, drammatica sequenza
di passi, del tedesco Heiko Hoffman, con una serie di
quattro dipinti di figure femminili in cui la matrice
espressionistica e gestuale si stempera in gradevoli
pastosità cromatiche, dell’austriaco Robert Primig, che
incide nella luce abbagliata del fondo frammenti figurali
di forme, e dello bosniaco Keco Mensud, con il suo “Grytan
silente”, dal segno grafico pieno di graffiante dinamismo.
Il brasiliano José D’Apice presenta, con “Immagine e
somiglianza”, un’opera che nella dolcezza di una luminosità
soffusa rivela una mirabile costruzione formale. Né meno
raffinata, nella prevalenza ovattata dei grigi, è il lavoro
dell’inglese Emma Wood, che espone un grande collage
realizzato con media diversi e disegni a china su carta.
Da una personale elaborazione dell’esperienza astrattoinformale
nascono l’ariosa spazialità dell’austriaco Armin
Guerino, il luminoso e caldo cromatismo del connazionale
Helmut Morawets, i mobili incastri di geometrie trasparenti
dell’iraniano Nader Khaleghpour, la pausata danza delle
forme sullo sfondo animato da cilestrine penombre
dell’inglese Alan Waters, l’ordinato assetto compositivo
di toppe e macchie sul timbro squillante del rosso della
tedesca Renate Christin, le delicate e misteriose variazioni
cromatiche su orizzonti multipli del ceco Jiri Voves.
Su diverse linee di ricerca pittorica si muovono il cubano
Rodolfo Llópiz Cisneros, col suo gioioso montaggio di
scritte e di icone familiari, l’italiana di origini americana
Natalie Silva, che declina le immagini in forme di più
energica e corsiva immediatezza, l’austriaco Franz Josef
Berger, che in “Per-che” costruisce per accostamenti di
frammenti un’immagine inedita di Napoli, l‘israeliana Eti
Haik Naor, che nel suo lavoro di forte e ricercata matericità
ha utilizzato il sale come medium.
Di diversa estrazione culturale l’opera pittorica del siriano
Ahmad Alaa Eddin, che partendo dai segni grafici della
scrittura approda a risultati di tenero lirismo, in cui la
morbida partitura delle geometrie si coniuga con un
tonalismo di attonita luminosità. Suggestive le opere di
Aghim Muka, il cui “Puzzle” assembla, come su una
scacchiera della memoria, icone che sono tracce di
emozioni e pensieri, dell’artista del Benin Charly d’Almeida,
che trasforma la superficie del quadro in uno schermo di
apparizioni luminescenti, della norvegese Irmelin Slotefeldt,
con un dipinto in cui il paesaggio si apre su aeree
lontananze, dell’italiana Maria Grazia Serina, con i suoi
uomini/insetti realizzati con un grafismo entomologico
sensibilissimo.
Di natura post-ecologica l’opera del giovane artista italiano
Federico Del Vecchio, che nel nitore lineare delle sue
icone fonde i temi dell’artificio tecnologico e della natura,
con un effetto che s’insinua nella nostra percezione della
realtà e la altera. Enigmatica la piccola, ma non per questo
meno efficace, tela della scozzese Celia Washington,
dove un aereo/uccello colpisce una figura mezzo animale
e mezzo umano e ci riporta ai fatti dell’11 settembre.
Nell’area di ricerca tra scultura e installazioni si collocano
il delicato minimalismo della scultura in cristallo della
portoghese Frederica Bastide Duarte, il lavoro in ferro del
tedesco Christoph Manke, che nella sua compatta
matericità lascia affiorare la griglia di una sagoma
topologica, e quelli delle giovanissime artiste italiane Titti
Sarpa, con la scultura bambola “Sitting doll” che declina
con affettuosa delicatezza l’ossimoro di una ludica
malinconia, e Cristina Treppo, con la fluente ariosità della
sua cascata di fiori rosa.
Di particolare valore ritmico le sette piccole tele astratte
dal titolo “L’immage di Napoli” dell’austriaca Martina
Braun, con il loro accentuato sviluppo orizzontale, e le
quattro del tedesco Mayerle Manfred.
Affascinante, per il calibrato equilibrio tra rigore geometrico
e intensità percettiva, appare il luminoso quadro della
pittrice belga Caroline De Lannoy.
Particolarmente interessante il trittico dell’artista croato
Bruno Paladin, che ha realizzato una vibrante
composizione attraversata da una trama di venature
“Untitled” di Natalie Silva, 2003
d’ombra.
Meritano anche grande attenzione le opere dei fumettisti
italiani Alberto Ponticelli, con una “tavola” dal diramato e
nervoso linearismo, e Ale Staffa, con una striscia gigante
gustosamente ironica, e dello svizzero Giona Bernardi,
che dipinge una sorta di reportage sociale utilizzando un
linguaggio personale di forte accento realistico
Ed infine l’installazione video fotografica di Antonio
Manfredi, il quale in “Red vision” istituisce, tra le immagini
del dittico, una rete di silenziosi rimandi, sul filo delle
opposizioni e delle analogie iconiche. Il lavoro di Manfredi
introduce alla sezione, notevolmente significativa per
numero e qualità delle opere, dei videoartisti, che vede
la presenza degli italiani Massimo Pianese e Ivan Piano
con i loro video dal titolo “The bedroom” e “Red Rain”,
della bosniaca Alema Hadzimejlic con il suo ciclo del
giorno e notte dal titolo “Krug” e dei greci Fillippos
Tsitsopoulos e Jannis Markopoulos rispettivamente con
le opere dal titolo “A drop of dust again” e “Liquid and
melted two”.
Qualche cenno vorrei dedicare alle sculture monumentali
realizzate nel 2004 in occasione del 1° Casoria International
Sculture Symposium che sono andate a costituire il primo
nucleo di sculture del Parco delle Sculture della città.
“Curve nello spazio” dell’eclettico artista napoletano Renato
Barisani, una splendida traccia di luce, una spada brillante,
una forma astratta nello spazio concreto. “Rogo di luce”
dello spagnolo Fernando Barredo, un totem lucente
dedicato a Crapula, il dio che combatte i senza sesso.
Una maschera urlante, un atto di accusa alle menzogne
ideologiche nella storia dell’uomo. “Presente/futuro” dello
scultore napoletano Luciano Campitelli, un viaggio nella
forma pura della materia attraverso la rilettura
dell’esperienza futurista del nostro secolo. “The shadow
of the ring” dell’artista slovena Metka Erzar, l’ombra
dell’anello; una sorta di meridiana, un segnale, un orologio
naturale. Una ricerca introspettiva sull’interazione tra
spazio e luce alla ricerca dei punti energetici della terra.
“The animals” dell’italiano Enzo Fiore, una ricerca
antropologica sulla essenzialità della materia che diventa
forma viva. “Plavi obljic icretama” del croato Vladimir
Gasparic, una freccia di marmo e ferro tesa verso il cielo,
la ricerca dello spazio e della materia! la pietra che irradia
nello spazio la sua energia. Domani, una enorme sasso
di basalto del Vesuvio della scultrice tedesca Gisella
Jackle, un’oscura, cupa roccia levigata. Una ricerca
nell’essenza della materia. Una roccia lavica pronta ad
espellere la sua energia. “Rinascita”, la scultura in ferro
della giapponese Kaori Kawakami simboleggiante la
rinascita della materia, un seme pronto ad iniziare il suo
ciclo vitale. L’intrigante installazione di Antonio Manfredi
dal titolo “Non è spiderman! ovvero prigioniero della
stupidità”, un’opera concettuale sul significato dell’essere
umano della quale lo stesso autore ci scrive: “Come in
un incubo! prigioniero della stupidità umana, resti sospeso
tra realtà e fantasia, tra passato e futuro, tra cielo e terra”.
“Fly to sky”, l’imponente scultura in ferro e legno del
bulgaro Kamen Simov, un’insetto che sorge dalla terra
profonda pronto a librarsi nel cielo. “West and cast to
combine” dello scultore cinese Suo Tan, un finto reperto
archeologico, una stele coronata di fiori. Una straordinaria
visione del mondo orientale attraverso il tatuaggio della
materia. Ed infine quella che forse simboleggia in se tutto
il progetto della Città di Casoria, The Cog - la ruota dentata,
la grande scultura che tutti gli artisti presenti al Casoria
International Sculture Symposium hanno voluto realizzare
utilizzando una imponente ruota dentata per altoforno di
archeologia industriale e che segna indubbiamente la
nascita di una nuova era per la Città di Casoria.

“Rogo di luce” di Fernando Barredo, 2004
UN VERO PIACERE PER I SENSI di Ana M. Revilla
Non dico nulla di nuovo ne quando affermo che l’arte
e la creazione contemporanea vivono in una vertiginosa
voragine, ne quando dico che le teorie sull’arte
contemporanea progrediscono di continuo e che l’idea
di museo propria del XIX secolo è ormai obsoleta.
Oggi “l’arte non è solo realizzata dagli artisti in senso
proprio”, in primo luogo perchè viviamo in un’epoca
di relativismo artistico in cui non esiste un criterio
unico di distinzione tra cosa è e cosa non è arte - tutto
può essere arte – che porta allo sviluppo di diverse
teorie sia circa l’essenza della “artisticità” nel suo
“significato” sia circa il piacere estetico che essa
provoca - e in secondo luogo perché l’arte
contemporanea viene determinata da molti agenti e
fattori, creatori, artisti, curatori, musei, centri d’arte,
che cercano di trovare nuovi corsi e costruire un nuovo
discorso. Attraverso questo progetto possiamo
prendere parte alla costruzione di questo nuovo
discorso.
Il Museo di Arte Contemporanea di Casoria punta a
realizzare, oltre diverse sale espositive anche spazi
in cui gli artisti lavorino, laboratori d’arte, luoghi destinati
alla riflessione ed al dibattito sull’arte e le culture
contemporanee.
Come direttrice di un centro d’arte contemporanea
con caratteristiche ed obiettivi simili, apprezzo la
ricchezza di questo progetto e la sua capacità di
dialogare con gli agenti dell’arte contemporanea, con
il pubblico e con chiunque si mostri interessato a
conoscere ed a contribuire allo sviluppo delle nostre
manifestazioni artistiche, culturali ed estetiche.
“100 artisti per un Museo” raggruppa artisti provenienti
da diverse nazioni e che lavorano in diverse discipline.
Gli artisti spagnoli selezionati quest’anno mostrano
nelle loro creazioni, originalità, qualità e molteplici
possibilità di espressione e sfumature artistiche ed
estetiche.
Quando Javier Almalé e Jesús Bondía decisero di
iniziare a lavorare insieme, ognuno aveva già orientato
la propria pratica artistica verso la fotografia e la
creazione di video.
Il loro lavoro riflette una delle costanti artistiche degli
ultimi anni: smantellare la costruzione degli stereotipi
per la rappresentazione della realtà, rimetterla in
discussione e introdurre nuovi livelli di interpretazione.
Attraverso il loro lavoro essi cercano di provocare una
situazione estetica che sia intuitiva, costruire paesaggi
(o nozioni di paesaggi), inferni o paradisi mentali
contrassegnati dall’estasi estetica, l’amore, la
solitudine, il dolore. Descrivono un mondo singolare
in cui il naturale si trasforma in artificiale e quella
realtà in qualcosa di impossibile da interpretare
attraverso le sue proprie cose, è un paesaggio metafora
di un mondo in cui l’uomo non è la misura di tutte le
cose.
Le immagini del loro video sono uno shock sensoriale,
significanti di fronte a significati, una poetica che mette
in relazione amore e dolore. La presenza umana è
sparita.
Fernando Barredo, Loc, è un artista diverso, unico, e
il suo mondo artistico è definito da quella originalità,
da una visione speciale piena di ambiguità,
provocazione, di forza sensoriale, di potere mentale.
Nella sua opera, il punto di partenza si va trasformando
nella misura in cui l’artista lo elabora e lo lavora.
L’ambiguità fa sì che lo spettatore sia coinvolto, che
determini il contenuto dell’opera d’arte. Non ci sono
limiti nella scultura. L’opera d’arte si trasforma in una
moltiplicazione di processi di “incontro col reale”.
L’opera di Fernando Barredo è una sintesi tra la verità
accessibile e inaccessibile, tra la realtà e la magia.
Felix Anaut ha uno stile molto personale, attraverso
forme eccessive e opprimenti l’artista ridefinisce e
ripensa alle nozioni di soggetto ed essere umano.
Questo ricorso al teatrale rivela l’interesse dell’artista
per l’anatomia umana come via per investigare nell’arte
figurativa e nell’essere umano. Anaut sembra
rappresentare un postmodernismo conservatore:
promuove un ritorno alla figura, alla tradizione umanista
ed al soggetto. In definitiva, un ritorno al reale. Se
l’arte contemporanea si è allontanata dal mondo reale,
Anaut ci da’ una prospettiva del mondo molto
individuale basata sul ritorno del corpo.
Gloria Pereda ci offre un quadro di sottile poetica, di
colori soavi e contrastati e di forme piatte. Lo spettatore
ricerca un punto spaziale da cui dare inizio
all’interpretazione. Questo stimola l’interazione tra
l’opera d’arte e lo spettatore che si trova circondato
da un mondo estetico con un linguaggio unico pieno
di significati allegorici. Attraverso un’astrazione estetica
Iraida Cano, invece, ottiene un’opera d’arte che è
stata creata come una forma artificiale per integrarsi
col mondo reale E’ come se l’arte nascesse dalla
natura per tornare ad essa. E’ come se l’artista volesse
trasmetterci, attraverso la sua opera la felicità, la
bellezza o l’edonismo, ricorrendo all’imitazione di
forme della natura ma raggiungendo un grado
superiore: la stilizzazione. Si tratta di uno stato
avanzato di denaturalizzazione dell’oggetto
rappresentato. Osservando le sue sculture, esse ci
rivelano un senso concettuale e penetrante; oltre
l’imitazione, oltre la figurazione, oltre la semplice
rappresentazione della bellezza.
Joan Llácer pianta il seme dell’autodistruzione in ogni
suo lavoro. Fa della negazione l’istanza per la purezza
della sua lotta per eliminare ogni contaminazione di
bellezza estetica, ogni concessione all’ornamento o
alle forme superflue che seducono lo spazio e
rinnegano il tempo, che annunciano la loro
decomposizione epidermica per l’amore della
consacrazione dello scheletro. L’essenzialità strutturale
è il paradigma del Trascendente in un’arte senza
concessioni, in una scultura che eredita la semplicità
e la forza della ceramica, che esprime le verità del
fuoco e della terra. Llácer usa lo stato larvale come
un germe della creazione e elude lo splendore della
farfalla, l’illusione sensoriale, per saltare direttamente
alla piroetta concettuale dallo stato della crisalide ad
uno di fossile, con cui consacra forme e idee.
I dipinti dello spagnolo Manolo Messia sono
caleidoscopi che sovvertono la realtà attraverso la
finzione; con la precisione del chirurgo, commette il
“crimine perfetto”. Egli infatti con geometria ingannevole
colpisce ogni resto della natura. Si tratta di
composizioni pura in cui l’elemento narrativo non crea
discorsi estetici; piuttosto si rallegra di distruggere il
linguaggio fino ad arrivare al silenzio della luce che
attraversa il vetro.
Ana Ferriera compone, con l’argilla cotta, figure che
arrivano intrecciate al forno, crogiuoli di afflizioni e
sentimenti in cui gli aspetti umani incontrano ancora
il Dio del fuoco. Nell’idea di quest’ artista “del popolo”,
i corpi appaiono nella loro identità, le mani si toccano,
i visi sono interrogativi, c’è il rifiuto dell’IO in favore
del NOI con cui Ferreira si rivolge ai cori ancestrali,
alle danze di iniziazione e ai riti di fratellanza; i falò
collettivi dove il gesto, il contatto, il grido, mostrano
che la complicità umana non ha bisogno di parole,
“The shadow of the ring” di Metka Erzar, 2004
slogan, bandiere. L’uomo allo stato “puro”, nel paradiso
prima delle proibizioni, ci libera da scismi, pregiudizi
e frustrazioni; ci restituisce la nostra capacità di vivere
senza limiti.
La paraguaiana Marta Carolina Beckelmann González
eleva l’antropometria a categoria estetica, relaziona
la figura umana alla geometria mostrando che la
materia organica e inorganica, sopravvissuta ed estinta,
sono espressioni della medesima realtà pulsante. In
questa realtà, specchio dei momenti in cui la vita non
ha alcun senso senza testimonianze, le cose di ogni
giorno, anche gli aneddoti, possiedono significati onirici
Beckelmann obbliga all’importanza del pensare e
insiste di volta in volta nel percorso umano “dal” fango.
La sud coreana Jung Yeun Park abita un mondo in
cui la realtà è una primavera di sogni vissuti. In esso
i sogni sono riflessi, sfere scintillanti dai colori
impossibili che non inviano mai i loro raggi su linee
rette. Questa artista giunge all’astrazione dalla
riduzione dell’assurdo, dall’esaurimento dei parametri
figurativi in un universo plastico che tende a rimuovere
la corporeità. Il lavoro che ci presenta è etereo poiché
parla di chimere non assopite mentre lasciano i loro
stessi posti d’origine, trasformando la vita in strada e
la strada in movimento.
Il dipinto della bulgara MIlena Ouzounova ricava l’ocra
dalla terra e il blu dal cielo e dall’acqua. L’artista crea
il suo lavoro come il vento e la pioggia fanno con i
paesaggi. Lavora con le superfici pittoriche
impregnandole, lacerandole, inumidendole,
corrugandole, facendo di ogni composizione, con il
minimo utilizzo di colori e procedure, un’esperienza
unica. Usa solo due colori dello spettro visivo da cui
ottiene risultati eccellenti.
Senza alcun dubbio, questi artisti rispondono al tempo
in cui vivono, ed è in special modo interessante che
essi ci invitino alla riflessione e alla contemplazione
della bellezza, al godimento estetico e all’unione tra
il naturale e l’artificiale.
Un vero piacere per i sensi! Un progetto unico e ricco.
Un museo vivo.
CASORIA INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART MUSEUM
Via Duca D’Aosta, Casoria - Tel: +39 0818345656 - www.casoriacontemporaryartmuseum.com
Capone Ceramiche s.r.l.
Ceramiche e Termoidraulica
AFRAGOLA
Art Director
Antonio Manfredi
Progetto degli allestimenti
Mariateresa Pezzella
Organizzazione tecnica
Alfredo D’Aponte
Mimmo Mocerino
Giorgio Mormone
Fotografia
Emauela Esposito
Annalisa Pulcrano
Centro di documentazione
Michela Maiello
Web master
Claudio Castaldo
Ufficio stampa e pubbliche relazioni
Laura Vingiani
info@casoriacontemporaryartmuseum.com
Orari
Martedì - Giovedì - Sabato ore 17.30/20.30
Domenica ore 10.30/13.00

Viatico
Bimestrale d’arte e cultura contemporanea a cura dell’ Ass. Cult. “Il Viatico” - anno IX n. 36 - ottobre/novembre 2005
CASORIA INTERNATIONAL CONTEMPORARY ART MUSEUM

LA CITTÀ IDEALE DELL’ARTE CONTEMPORANEA di Antonio Manfredi
Quando due anni fa l’Amministrazione Comunale di
Casoria mi ha proposto di seguire questo progetto
pluriennale, dal titolo “Una Città per l’Arte”, che
prevede la riqualificazione di svariate aree industriali
dismesse in aree di sviluppo culturale ed artistico (Il
Parco delle Sculture, il Museo Internazionale di Arte
Contemporanea), ho capito, anche se tra mille
perplessità , che non potevo esimermi dall’accettare.
Il primo passo è stato quello di coinvolgere alcuni
critici che stimavo e ritenevo potessero aiutarmi, con
i loro consigli, nel definire le linee essenziali del
progetto. Il secondo passo è consistito nel creare un
gruppo di lavoro giovane e dinamico che mi
coadiuvasse nel lavoro da svolgere; il terzo nel
selezionare ed invitare quegli artisti che avevo
conosciuto personalmente ed imparato ad apprezzare
per il loro lavoro e la loro serietà professionale.
Nella selezione non ho seguito criteri esclusivi di
tendenza o di appartenenza a questo o quel circuito
di mercato. La mia è stata una scelta sulla base delle
personali conoscenze del mondo dell’arte, compiuta
senza preconcetti, muovendomi con libertà entro
l’intero orizzonte delle correnti artistiche internazionali.
La raccolta che si viene profilando accosta, infatti, la
figurazione alla performance, l’astrattismo geometrico
alla video arte, il concettuale all’informale,
l’installazione fotografica alla scultura. L’intenzione
è quella di raccogliere soprattutto lavori di artisti che
operano nella quotidianità , con o senza la mediazione
delle istituzioni private e pubbliche. Mentre è del tutto
estranea allo spirito di questa iniziativa la pretesa di
offrire una ricostruzione esaustiva del panorama
artistico contemporaneo, si nutre invece l’ambiziosa
speranza di riuscire a mediare, nel contesto del
percorso espositivo che il Museo intende tracciare,
l’apertura alla realtà sociale con la dimensione interiore
e individuale dell’esperienza artistica, facendo
convivere l’immagine poetica con quella socialmente
provocatoria.
Con questa prima serie di mostre e workshop realizzati
tra il 2004 e il 2005 sono state acquisite, grazie alla
donazione degli artisti, 141 opere tra pittura, scultura,
fotografia, video ed installazioni, una decina di
documentari di performance di body art, sound art,
poesia visiva, painting, video e dance performance,
10 tra opere di graffitisti e fumettisti, 20 opere
selezionate tra gli artisti partecipanti alla XII Biennale
dei giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo ed
infine 12 opere di scultura monumentale installate in
via definitiva nel Parco delle Sculture della Città di
Casoria. Quasi 200 opere, dunque, per altrettanti
artisti che hanno creduto in un progetto che viene da
una provincia, quella di Napoli, che solo negli
ultimissimi anni sta cercando di uscire da una
condizione di pesante chiusura ed arretratezza
confrontandosi, attraverso la cultura, con i grandi
temi della vivibilità e della crescita sociale.
D’altronde la nascita in provincia di diverse gallerie
private d’arte contemporanea sta ad indicare la volontà
crescente di ritrovare una propria identità culturale,
che non è certamente di confronto/scontro con la
grande città di Napoli, ricca della sua storia passata
e presente, ma non è neppure di subalternità ai grandi
progetti che proprio in questo tempo si stanno
realizzando a Napoli in tema di arte contemporanea.
Per questo va un ringraziamento particolare agli
amministratori di Casoria, che con coraggio e tra
mille difficoltà economiche e burocratiche hanno
voluto fortemente questo progetto e mi hanno dato
la possibilità di portarlo avanti.
Molta attenzione ho voluto dedicare alle nuove
generazioni di artisti orientali, soprattutto cinesi,
giapponesi e coreani, che hanno accolto
generosamente la mia proposta presentando opere,
soprattutto fotografiche, ma anche video, pittura e
scultura, di sicuro impatto sociale. Un’altra presenza
importante è quella di molti artisti italiani dell’ultima
generazione, che, pur lavorando con prestigiose
gallerie ed essendo presenti a manifestazioni di
carattere internazionale, hanno voluto dare il loro
prezioso contributo a questa manifestazione. Ma
dall’Europa all’Australia, dal Sud al Nord America,
dall’Africa al Medio Oriente tutti gli artisti invitati hanno
compreso il vero obiettivo di questa raccolta ed hanno
voluto contribuire inviando opere recenti o già
storicizzate e presentate a prestigiose rassegne
internazionali, come, ad esempio, la Biennale di
Venezia. Per ognuno di questi amici, artisti e curatori,
avrei da raccontare aneddoti, grandi e piccole
avventure, delusioni e trionfi nei luoghi più disparati
della terra. A tutti solo un sincero ringraziamento per
avermi dato la forza ed il coraggio di intraprendere
e cercare di portare a termine questo progetto.
L’obiettivo immediato, dopo questa prima mostra,
sarà quello di allargare ulteriormente l’area della
nostra iniziativa, sia perfezionando i contatti avviati
con vari artisti del continente africano, sia invitando
a partecipare al progetto una significativa
rappresentanza di artisti campani.
Ma cosa è questo luogo che io amo chiamare “La
città ideale dell’arte contemporanea”? il Museo
Internazionale di Arte Contemporanea è stato
incentrato dal primo momento sull’obiettivo
fondamentale che esso sia un punto di riferimento
culturale, vivace e stimolante per tutti e non un luogo
statico. Questo Museo si prefigge di essere momento
di incontro e scambio, con un programma di iniziative
che toccano, da una parte, un pubblico ampio,
soprattutto di giovani, e, dall’altra, gli stessi artisti,
che sono chiamati di volta in volta a realizzare in loco
l’allestimento degli spazi e delle opere.
Con questa operazione si punta alla creazione di un
villaggio di forme, una sorta di “città ideale dell’arte
contemporanea”, nella quale le opere presenti
coabitano armoniosamente, in modo da esprimere
al meglio la loro diversità.
“Plastic Gloss” 2005
L’obiettivo principale è quello di avvicinare e
coinvolgere tutti coloro che sono interessati all’arte
contemporanea. Con i periodici work shop, dove sono
invitati gli artisti, si vuole contribuire all’interazione
tra gli autori delle opere esposte ed i visitatori, in
modo da rendere l’arte contemporanea chiara e
comprensibile a tutti coloro che desiderano ampliare
i propri orizzonti.
Ritengo che sia questa la nota che differenzia questo
Museo dagli altri, e cioè la possibilità per gli artisti,
invitati periodicamente nei numerosi workshop, di
avere a disposizione nel Museo degli atelier dove
poter realizzare le proprie opere, una sala mostre
temporanea per poter esporre le opere realizzate e
dare nel contempo la possibilità ai visitatori, studenti,
collezionisti, galleristi ed operatori del settore in
genere, di interagire con gli artisti.
Infine, particolarmente significativo e qualificante è
il rapporto che si è stabilito con il mondo della scuola.
Un aspetto importante dell’attività del Museo è, infatti,
quello di offrire alle scuole d’ogni ordine e grado la
possibilità di progettare percorsi cognitivi e
laboratoriali, calibrando il proprio intervento rispetto
alle opere in esposizione. Una delle peculiarità dell’arte
contemporanea è quella di poter offrire al suo pubblico,
l’occasione per discutere ed approfondire tematiche
strettamente legate al quotidiano, offrendo, al
contempo, molteplici spunti per riflessioni di carattere
linguistico, sociale e politico di sicuro interesse
socio/culturale. Insomma, da questo nostro progetto
dovrà nascere un Museo vivo ed aperto: una vera e
propria città ideale dell’arte contemporanea.
CENTRO E PERIFERIA
di Davide Auricchio
Già da qualche anno il tema del centro e della periferia
è oggetto di un grande dibattito nell’ambito delle
discipline più disparate. Pensiamo agli esiti più recenti
dell’antropologia, alla teoria del cosiddetto “Centro
itinerante” ovvero di un centro che si sposta all’infinito
ad una velocità tale da produrre un senso di forte
estraniamento. O ai nuovi approcci della sociologia
che rivolge particolare interesse all’indagine degli effetti
di un contesto sociale e ambientale profondamente
mutato, all’istituirsi di nuovi processi di interazione e
socializzazione, alla sostanziale ridefinizione di concetti
come identità, territorio, pratiche sociali. Si pensi
all’urbanistica che nell’individuazione di nuove possibili
aree di espansione della città recupera e ridefinisce
destinazioni e funzioni di vaste aree periferiche, per
la maggior parte costituite da strutture industriali
dismesse che si apprestano a diventare parte integrante
del centro.
In Italia, seppure con un certo ritardo, esempi di questo
tipo sono rappresentati, solo per citarne qualcuno,
dalla recentissima ridestinazione dell’Hangar Bicocca
di Milano, diventato sede permanente della
monumentale installazione “I sette Palazzi Celesti” di
Anselm Kiefer (Vedi “Arte/Architettura/Città – Anselm
Kiefer “ I sette Palazzi Celesti” di Fabrizio Tramontano,
in Viatico anno IX , numero 33, febbraio-marzo 2005)
oppure altri progetti, per rimanere al contesto milanese,
come “Assab One” o l’ispirato “Cittàzioni”, progetto di
arte urbana curato da Mimmo di Marzio.
D’altronde è cresciuto in questi ultimi anni l’interesse
degli stessi artisti per questi temi, di qui il proliferare,
fino a diventare fenomeno di tendenza, di vere e proprie
poetiche dei “Non luoghi” esplicitamente ispirate
all’omonimo libro di Augé. In questo senso il successo
di critica e di pubblico di Botto&Bruno ne è sicuramente
una dimostrazione, ma esempi di sconfinamento nelle
scienze sociali sono anche i progetti di artisti come
Armin Link e dei vicinissimi Stalker, lo stesso
“nomadismo” di Fraterno, i video della Mezzaqui o le
provocatorie quanto esilaranti incursioni mediatiche
dei dimenticati Paglierini&Arpiani.
Ma se è vero che questi temi trovano sempre più
spazio nelle opere degli artisti, nei loro progetti, quasi
a suggerire il movente del loro “fare”, è evidente che
l’arte stessa sembra particolarmente adatta a innescare
processi di riqualificazione e di trasformazione:
pensiamo alla mole di investimenti di numerose
amministrazioni pubbliche nonché di enti privati.
A livello internazionale un esempio eclatante ci è offerto
dalla nuova cattedrale dell’arte contemporanea, la
Tate Modern di Londra sorta sulle ceneri della
mastodontica ex centrale elettrica del South Bank sul
Tamigi. Accanto alla Tate Modern, sempre nella zona
ex-industriale di Southwark sorge anche il Globe
Theatre, fedele ricostruzione del teatro di Shakespeare,
nonché il Museo del Rose Theatre sulle fondamenta
ritrovate del teatro di epoca elisabettiana. Questo solo
per dare un’idea delle dimensioni e dell’impatto di
progetti di questo tipo.
In Italia, alla già citata Milano vanno segnalate Napoli
e Torino che hanno fatto dell’arte un volano del “riscatto”
e della riqualificazione urbana, nel quadro di un
programma più generale di riassetto e
ammodernamento.
La città di Torino con la provincia, di fatto, è diventata
il polo museale dell’arte contemporanea in Italia,
“Untitled” di Raquel Schwartz, 2004
in copertina:
“Travel in to memory”
Installazione fotografica di Antonio Manfredi
Reggia di Caserta, maggio 2002
per avvistamenti, contatti e scambi di provviste:
Viatico, vico Purgatorio ad Arco, 19 - 80138 Napoli
redazione volante: 339 8937215
info@viatico.net viatico@libero.it
www.viatico.net

accanto alla storica GAM e al Castello di Rivoli, sono
nate la Fondazione Sandretto Re Debaudengo, il grande
progetto della “Cittadella” di Pistoletto, di recente
apertura la Fondazione Merz, il Castello di Rivara
insieme ad altre collezioni private, e altri musei come
il Museo della Montagna che aprono le porte a importanti
eventi dell’arte contemporanea.
Napoli non di meno ha investito nell’arte contemporanea,
delle volte prediligendo l’immagine, altre badando più
alla sostanza. Nel frattempo sono nati due musei
dedicati al contemporaneo, il Pan e il Madre che
sicuramente rappresentano un segnale positivo di
attenzione al contemporaneo e sono il prodotto di sforzi
notevoli, anche se forse è mancato il lavoro di
storicizzazione sull’arte a Napoli, ancora poco
considerata, anche a causa di un mercato debole e
attardato.
Di grande impatto, sicuramente, la nuova metropolitana
cittadina dove trovano collocazione ideale opere di
artisti celebri, più spesso legati al territorio, e molto
attenti al rapporto arte-architettura.
Ed è proprio in questo contesto che si colloca la vicenda
del Casoria International Contemporary Art Museum
che, pur mantenendo elementi di assoluta originalità,
contribuisce a diversificare un’offerta culturale, come
abbiamo visto, in grande crescita.
A parte considerazioni ovvie sulla nascita di un museo
nella provincia, se non erro l’unico rivolto al
contemporaneo, il Casoria Internetional Contemporary
Art Museum è un progetto di assoluta attualità per una
serie di ragioni molto semplici ma non per questo
scontate.
Sono presenti artisti di tutto il mondo, di generazioni
diverse, che usano linguaggi e supporti, i più disparati,
nel segno della “diversità ”. È davvero sorprendente
“Swing II” di Norbert Francis Attard, 2005
constatare una tale rappresentanza di artisti cinesi o
ciprioti, vera novità del panorama internazionale, nonché
vedere censita una giovanissima quanto promettente
compagine di artisti napoletani come La Ragione, Piano,
o i graffitisti Cyop&Kaf e Raf, accanto a nomi più
conosciuti come Barisani per rimanere nell’ambito
cittadino oppure Anaut, Barredo, Grozdanov, Hofmann,
Schwartz, allargando i confini.
Altro aspetto peculiare è la location del museo, ubicato
negli spazi seminterrati di una scuola elementare che
immediatamente ci informa sulla dimensione
sperimentale e “underground” di un progetto che nasce
dal basso e si sviluppa secondo un modello orizzontale.
Qui lo spazio non “relega” l’ opera, piuttosto si trasforma
e ridefinisce la sua funzione proprio grazie alla presenza
dell’arte. È questo un aspetto particolarmente
significativo, anche alla luce di quello che abbiamo
detto all’inizio, ovvero in relazione alla questione del
recupero e della ridestinazione dei luoghi.
Non trascurabile il fatto che ci troviamo, anche nel caso
di artisti più storicizzati, di fronte a produzioni
recentissime, spesso veri e propri progetti site-specific,
non necessariamente allineati con le mode del mercato;
visto che gli artisti non sono stati scelti sulla base di
logiche di appartenenza ma piuttosto sulla valutazione
dei progetti. Ciò naturalmente ha contribuito a creare
uno scenario composito e variegato dove tutto sembra
più giocato sul contrasto che sull’assonanza e dove le
differenze culturali convivono in un dialogo serrato e
stimolante.
Penso che il grande riscontro di pubblico e di critica
che il Casoria International Contemporary Art Museum
ha riscosso immediatamente, anche se inaugurato solo
da qualche mese, sia, almeno in parte, riconducibile
proprio alla sua struttura aperta, alla capacità di
accogliere ricerche, le più disparate.
Siamo decisamente lontani da un approccio filologico,
da scelte, già detto, condizionate dal borsino dell’arte
o dal trand del momento o irrigidite in banali percorsi
tematici. Piuttosto ci troviamo in uno spazio sobrio che
ci invita a fruire dell’opera senza troppi inutili accessori,
come potrebbe capitare aggirandosi in qualche loft
newyorkese.
Vero “deus ex-machina” di questo progetto è Antonio
Manfredi, artista di lunga data approdato con successo
ad esperienze di curatela, che non rinuncia per questo
alla sperimentazione e alla ricerca nella migliore
tradizione di quella critica creativa troppo dimenticata.
Di qui l’atmosfera che si respira in questo museo, di
elegante informalità, senza compiacimenti o false
modestie, lasciando che l’arte dica quello che sa, quello
che ogni volta scopre, senza eccessivi clamori e
spettacolarizzazioni mediatiche.
E, forse, insinuando anche l’idea che, tutto sommato,
essere periferici non è sempre una disgrazia.
L’ARTE ORIENTALE di Zhao Shulin
“Untitled” di Huang Yan, 2004
Non è un caso che siano così tanti gli artisti orientali,
cinesi, giapponesi, coreani e taiwanesi invitati a questa
manifestazione, così come non è un caso che sia io a
scrivere per questi artisti. Quando nel 2001 conobbi
Antonio Manfredi impegnato nella realizzazione di alcune
sculture monumentali in Cina, immediatamente nacque
un feeling che ci portò successivamente a collaborare
per varie iniziative comuni. Insieme visitammo a Pechino
e in tutta la sua sterminata provincia decine di studi di
pittori, scultori, fotografi e performer che in buona parte
abbiamo invitato a questa manifestazione per la
realizzazione del Museo Internazionale di Arte
Contemporanea della Città di Casoria di cui Manfredi
è il curatore.
L’arte orientale fin dagli esordi è nata sottolineando il
suo aspetto prettamente didattico e ha sempre
evidenziato il suo intento nello sviluppare valori in grado
di regolare i rapporti umani. Il pittore orientale riflette
nelle sue opere la storia, il suo pensiero, l'anima e la
sua concezione filosofica.
In questi primi anni del nuovo millennio, la scena dell’arte
contemporanea si presenta molto articolata, vi
partecipano artisti così diversi per storia e per educazione
da rendere vano ogni tentativo di racchiuderla in una
definizione unitaria, che possa valere per tutti i suoi
aspetti.
Così, l’arte cinese in particolare e quello orientale in
generale, si occidentalizza solo in apparenza,
mantenendo nella sostanza le proprie prerogative
caratteriali e culturali, pur guardando con interesse alla
storia dell’arte occidentale, ne trasforma il linguaggio in
una originale fusione tra Asia e Occidente, sviluppando
così un’assoluta originalità di stili e di contenuti.
Il supporto fotografico e il video ha rappresentato forse,
in questo ultimo decennio, il mezzo espressivo più
idoneo a soddisfare le esigenze creative degli artisti
orientali dell’ultima generazione e delle loro
performances, il messaggio delle opere esposte in
questa mostra di Casoria offre spunti di riflessione sul
rapporto fra tradizioni e culture diverse tra loro.
Sono infatti molti gli artisti che hanno presentato un
video o una fotografia
Il cinese Huang Yan è conosciuto in tutto il mondo come
il tatuatore di paesaggi policromi sui corpi, attingendo
dalla body art e dall’arte del tatoo, ripropone tematiche
proprie della tradizione cinese: a Casoria espone appunto
una fotografia delle sue performances dove si dipinge
sul corpo i simboli stessi dell’iconografia cinese, come
le montagne delle antiche pitture cinesi.
Liu Yang propone una piccola serie di immagini di donne,
notevoli per la discrezione e la delicatezza, anche
cromatica, con cui è avvicinata la realtà del mondo
femminile. Cang Xin si autoritrae al centro di un’aiuola
di rose, in un paesaggio dai colori nitidi e dall'atmosfera
quasi irreale. Zhou Yuechao presenta due fotografie di
grande formato, realizzate durante una performance
dal titolo “Floating Installation-Teahouse” nella città di
Chongqing dove un gruppo di 5 uomini scelti a caso e
una donna vengono mirabilmente utilizzati per una
performance che vuole essere un paradosso della
moderna concezione dell’arte e della cultura.
Li Tianyuan espone la foto di un pallido cielo dal forte
potere evocativo per l’assenza, in un campo totale di
minime variazioni cromatiche, di qualsiasi altro elemento
iconico.
Il fotografo coreano Kim Tae-Jun è, invece, presente
con una grande foto di più di quattro metri di lunghezza,
realizzata mirabilmente nell’interno di un vecchio
ristorante coreano Con il video dal titolo “Utopian
machine”, Zhou Xiaohu, lavorando con personaggi
realizzati in plastilina, mette in scena un interessante
confronto tra la cultura orientale ed occidentale con le
sue miserie e i suoi drammi.
Di particolare interesse anche il film documentario di
56 min. di Wu Wenguang dal titolo “Dance with farm
workers”, dove l’ artista utilizza operai di una industria
tessile per realizzare una performance di grande effetto
scenografico.
Sulla linea dell’analisi politica della società cinese è
invece il suggestivo video dell’artista Liu Wei, dove in
una sorta di sogno autobiografico si succedono immagini
del presente e del passato comprese quelle dei fatti di
piazza Tienamen.
Ancora un video dal titolo “Aliens”, ma questa volta del
giapponese Manubu Hasegawa. Il lavoro, realizzato nel
corso di quattro anni, presenta una successione frenetica
di migliaia di disegni di alieni
Nel momento in cui la Cina in particolare e l’oriente in
generale si apre al mondo come una paradossale
combinazione tra tradizione e novità, gli artisti
“Untitled” di Cang Xin, 2004
manifestano un’energia creativa piena di immaginazione
che poggia, però, sempre su una grande consapevolezza
culturale riguardo al proprio passato e alle significative
trasformazioni del presente. Un mirabile esempio lo
abbiamo con alcune opere che saranno esposte a
Casoria e che faranno parte della collezione permanente
del Museo: a cominciare dai pittori cinesi Huxiang Dong,
che in una piccola tela ad olio ci presenta i singolari
effetti di luce su un corpo di donna coperto da un vestito
di plastica trasparente, Zhang Donghong, affascinato
anch’egli dai giochi della luce, ma in un contesto pittorico
molto differente, dove s’intravede una lingua che sfuma
nel colore azzurro dello sfondo, Ma Lin, con un dipinto
di grande energia figurativa, in cui trionfa uno spettacolare
simbolismo, e infine Xu Xianglin, con un tenero pastello
su carta pergamena che dà vita, sulla trasparenza di
un cielo, a una scena dai toni fiabeschi. Particolarmente
significativa, per il respiro della sua dislocazione spaziale,
è l’opera del pittore taiwanese Ming Yi Chou, il quale
con sedici elementi realizza una composizione, intitolata
significativamente “Felicitad”, che ci porta in una foresta
di fiori. Una segnalazione a parte meritano gli artisti
giapponesi Mihoko Nakahara, che, con una ricerca di
sapore concettuale, distribuisce sulla superficie
monocroma delle sue opere piccole pietre che dilatano
la percezione dello spazio circostante, Toshiro
Yamaguchi, il cui acrilico su tela, intitolato “Spring”,
fornisce un esempio di svolgimento musicale realizzato
attraverso la ritmica distribuzione delle forme sulla
superficie dipinta, e Kazuyo Yamamoto, che, nel suo
olio su tela, ha inserito sul fondo verde un arcipelago
di forme tondeggianti.
Di diversa natura le opere della scultrice giapponese
Yoshie Tonegawa, che conduce una ricerca di raffinato
materismo su strutture di essenziale geometrismo, degli
scultori cinesi Xu Zhenglong, con una piccola scultura
in resina, intitolata “Revival”, che raffigura un personaggio
dalla caratterizzazione singolarmente accentuata, e Li
Zijie, con un’opera in materiale plastico argentato
raffigurante una sorta di argenteo idolo coronato da due
mani congiunte in preghiera, che – scrive l’autore –
sono il simbolo di Dio.

UN PROGETTO PER IL MUSEO DELLA CITTÀ
di Vitaliano Corbi
La convinzione che il turismo rappresenti per il nostro paese
un’importante risorsa economica ha indotto spesso gli
amministratori pubblici, e i loro amministrati, a riporre grande
fiducia in tutte quelle iniziative che, in un modo o in un altro,
dovrebbero avere la capacità di promuoverlo. Oggi quasi
non c’è iniziativa pubblica, nel campo dell’arte contemporanea,
che non venga proposta nell’ottica del cosiddetto “turismo
culturale”. Una mostra acquista interesse quando le viene
riconosciuto il ruolo di “attrattore”, quando, indipendentemente
dal suo valore culturale, si ritiene che possa contribuire ad
orientare il flusso turistico verso la località che la ospita. In
realtà , affinché il turismo d’arte diventi davvero un fattore
importante di sviluppo economico sono necessarie una serie
di condizioni (che vanno da una politica adeguata di tutela
e di valorizzazione dell’ambiente e del patrimonio storicopaesaggistico
all’efficienza dei servizi e delle strutture
d’ospitalità, alla capacità di programmazione e di
coordinamento) che, tutte insieme, fanno di una mostra o
di un concerto in piazza qualcosa di più di un episodio isolato,
di un momento di “festa” nel tessuto di una grigia e degradata
quotidianità . Quando mancano questi presupposti, il “grande
evento”, come da qualche tempo viene enfaticamente definita
qualsiasi pretenziosa manifestazione artistica, non produce
altro effetto che una modesta risonanza sui media locali e
qualche marginale incremento di consenso: l’obiettivo di
intercettare il flusso turistico rimane fuori portata, diventa
anzi un miraggio irraggiungibile per il quale si sacrifica ogni
altro traguardo e si rinuncia all’elaborazione di linee di politica
culturale più coraggiose, in grado di incidere positivamente
nella formazione dell’opinione pubblica e, oserei dire, nella
coscienza civile nella cittadinanza.
Questa breve premessa era necessaria per richiamare
l’attenzione su un aspetto fondamentale del progetto Una
Città per l’Arte, affidato dal Comune di Casoria alla cura di
Antonio Manfredi e dell’International Contemporary Art
Center. Il progetto ha già prodotto alcuni risultati rilevanti,
come il Simposio internazionale svoltosi nello scorso ottobre
e la realizzazione del Parco delle Sculture. Ora, con questa
mostra che vede la partecipazione di circa cento artisti
provenienti da ogni parte del mondo, si affronta un passaggio
decisivo, che porterà all’istituzione del Museo d’Arte
Contemporanea della Città di Casoria.
A me, che seguo la generosa impresa di Manfredi e dei
suoi collaboratori con ammirazione e grande interesse, ma
solo dall’esterno, non tocca certamente il compito di illustrare
i contenuti e gli obiettivi del progetto. Penso, però, che sia
doveroso da parte di chi da molti decenni partecipa alle
vicende della vita artistica non solo napoletana con un ruolo
che è, se non altro, di testimone pubblico, sottolineare il
caso niente affatto frequente di un’amministrazione cittadina
che, rinunciando alle solite iniziative che inseguono la
speranza di qualche vantaggio promozionale, in chiave
turistica o elettorale, s’impegna invece su una linea progettuale
a lungo termine, centrata su obiettivi di crescita culturale e
civile della cittadinanza. Chi ha avuto modo di seguire le
diverse fasi del Simposio Internazionale di Scultura, che ha
messo a contatto diretto gli organizzatori della manifestazione,
gli artisti e la popolazione di Casoria, con la partecipazione
attiva di una folta rappresentanza studentesca, sa che queste
nostre considerazioni non si riferiscono solo alle motivazioni
che hanno ispirato il progetto Una Città per l’Arte, ma toccano
il piano della concreta operatività cui esso ha già dato
corso.
Un tratto caratterizzante del progetto sta sicuramente nel
modo in cui esso ha affrontato l’obiettivo del coinvolgimento
dei giovani, mettendo direttamente in contatto gli alunni con
le opere e con gli artisti. È evidente che questo proposito
“Regina” di Klitsa Antoniou, 2004
si fonda sulla convinzione che l’attività artistica non sia
riducibile a un’esigenza espressiva ingenua e preriflessiva,
ma contiene in sé un elemento di consapevolezza critica e
che questa dimensione autoriflessiva è strettamente collegata
alla concretezza del fare arte. In realtà , autoriflessività e
apertura pragmatica al mondo sono polarità costitutive
dell’esperienza artistica e non a caso esse sono presenti
ed esplicitamente tematizzate nell’arte contemporanea, a
partire dalle avanguardie storiche dell’inizio del Novecento.
Va inoltre osservato che l’importanza della dimensione
educativa non è semplicemente una conseguenza dell’aver
individuato nella scuola un terreno propizio a un’iniziativa di
promozione e di conoscenza dell’arte contemporanea.
Quella dimensione è già implicita nel carattere aperto e
costitutivamente problematico dell’arte e può essere avvertita
pienamente quando, rivolgendo l’attenzione sulla
processualità della ricerca artistica, se ne colga la
connessione con ogni altro momento esperienziale e
l’incidenza sullo sviluppo e sulla crescita dell’individuo. Non
a caso tra i primi ad aver posto l’accento su quello slancio
immaginativo che proietta la ricerca artistica oltre il traguardo
dell’esistente, c’è John Dewey, che aveva visto
nell’immaginazione “lo strumento essenziale dell’educazione”.
Il ruolo insostituibile dell’immaginazione artistica sta da una
parte nella sua capacità di aderire alla realtà dell’esperienza,
ai suoni, ai colori, alle qualità sensibili delle cose del mondo,
e, dall’altra, nell’esigenza di totalità che in essa si esprime.
Attraverso l’arte noi avvertiamo che gli oggetti che l'intelletto
ci consente di raggiungere sono frammenti di quella possibile
totalità di esperienza che l'immaginazione ci dischiude.
Sappiamo bene, dopo Kant, che all’idea della totalità del
mondo interno e del mondo esterno non corrisponde nessun
particolare contenuto conoscitivo e che perciò essa non può
rivestire il carattere di effettiva conoscenza. Ma tale ideale
di totalità, che può aspirare solo a presentarsi come un
modello regolativo, si rispecchia nel carattere di organicità
dell’esperienza artistica, nell'immanenza del tutto nelle parti,
del fine nei mezzi che questa, pur nella sua finitezza, sembra
in grado di realizzare. Nelle opere d’arte convivono frammenti
di storie individuali, stili linguistici diversi e dissonanti accenti
espressivi, tracce cognitive destinate “normalmente” a
rimanere separate. Ma la loro convivenza non è solo un
dato di fatto. È il risultato della condivisione di un progetto
riconoscibile come elemento unitario che attraversa e tiene
insieme quella molteplicità di differenze. Il valore estetico
non è un sigillo di totalità impresso una volta per sempre,
ma piuttosto un’aspirazione, la traccia visibile di un processo
che nell’opera raggiunge il momento del suo compimento
e insieme del suo rinnovarsi. La consapevolezza di questa
tensione processuale è alla base dell’idea di un museo che
sia non solo luogo di conservazione e di esposizione dell’opera
d’arte, ma campo di ricerca e di sperimentazione, spazio
d’incontro e di dialogo formativo o, come giustamente dice
Manfredi, “museo-laboratorio”.
L’impostazione data al progetto Una Città per l’Arte,
chiaramente segnata negli obiettivi che sono stati già
realizzati, ci autorizza ad avanzare un’ulteriore considerazione.
La giusta attenzione verso i problemi dell’organizzazione
della cultura e il riconoscimento dell’importanza dell'attività
svolta dalle gallerie private nel campo della distribuzione
e della vendita dei prodotti artistici non giustificano la
trasfigurazione del mercato in protagonista della storia
dell’arte, con il conseguente scarso interesse dei media e
delle stesse istituzioni pubbliche verso i problemi specifici
della formazione e della produzione artistica, verso il mondo
degli studi e dei laboratori degli artisti, le istituzioni scolastiche,
le accademie e le università , verso il contesto, cioè, delle
condizioni e dei fattori - non riducibile al solo circuito del
mercato - che concorrono direttamente allo svolgimento
della vita artistica. È con questa realtà che deve rapportarsi
un museo d’arte contemporanea e non solo con l’attività
delle gallerie private. Certo, il mercato è una realtà che
condiziona in maniera determinante, nel bene e nel male,
lo svolgimento della vita artistica e un’amministrazione
democratica non può ignorarlo. Ma dal progetto Una Città
per l’Arte viene la preziosa indicazione che è necessario
rapportarsi con questa realtà sulla base di un proprio progetto
di sviluppo culturale e che in tal modo si può evitare di fare
da cassa di risonanza a quanto le mode e il mercato hanno
già portato al successo.
Infine, merita un cenno il richiamo esplicito e costante, da
parte del curatore del progetto e dei rappresentanti delle
istituzioni in esso impegnati, all’arte come strumento di
solidarietà tra i popoli e alla necessità che l’attuale impetuoso
processo di globalizzazione dell’economia e della
comunicazione sia indirizzato non già verso l’eliminazione
delle differenze, ma verso la loro comprensione, in quanto
elemento di forza nella costruzione di un'etica mondiale,
fondata sul senso della comune appartenenza umana.
L’orizzonte marcatamente internazionale in cui s’inseriscono
tutti i momenti del progetto – e in particolare questa mostra
– sta a testimoniare che anche l’arte può assumersi quest’
impegno etico e dare il proprio contributo alla comprensione
reciproca tra i popoli e ad una pacifica, costruttiva convivenza,
nel cui ambito le differenti tradizioni possono trovare una
giustificazione etico-filosofica ed esplicarsi in un clima di
fratellanza. La mondializzazione degli scambi, che accelera
la competizione economica e tende ad imporre standard
omologanti, potrà allora essere vissuta come impegno
affinché essa si trasformi in opportunità di apertura agli altri
e di dialogo tra tutti gli uomini, in modo che anche il campo
dell’arte e della creazione diventi davvero territorio
di libertà e di valorizzazione delle differenze.
VIATICO-FLASH
“Untitled” di Kim Tae-Jun, 2004
XII Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo, Castel Sant’Elmo,
19-28 settembre, Napoli. Il 22 settembre a Torino inaugurazine congiunta di 6
gallerie: Carbone.To presenta la personale di Elisabeth Aro, a cura di F. Pasini;
alla Galleria Maze “I don’t always agree” ovvero opere di Lise Harley, testo di C.
Corbetta; negli spazi della galleria Alberto Peola mostra di Marguerite Kahrl dal
titolo “Noble Savage”; Andrea Massaioli con “Un bacio e dieci conchiglie” alla 41
artecontemporanea, testo di G. Curto; Guido Costa Projects apre la stagione
espositiva con “Il segreto di collo” ultima produzione artistica di Cuoghi Corsello;
per finire Nils-Udo con “Rwcent Works” negli spazi di Photo & Contemporary.
Presentata il 22 settembre negli spazi della Triennale di Milano la guida definitiva
del Torino Tour, “Visual design per una città invisibile”, tra gli altri inerventi del
direttore artistico E.Biffi Gentili, di R. Bedrone e Pininfarina. Inaugurata il 24 settembre
“Unexpected”, l’ultima personale italiana di Robert Barry, Galleria Massimo Minini,
Brescia. “The Strange Museum” di Ilya e Emilia Kabakov negli spazi milanesi della
Galleria Lia Rumma, a partire dal 4 ottobre. Nuova prestigiosa location per lo Studio
d’arte Raffaelli, trasferitosi a Palazzo Wolkenstein, via Marchetti, 17 – Trento. Dal
7 ottobre al 23 dicembre, mostra antologica dedicata a Ketty La Rocca “Works
1964-1976”, Galleria Emi Fontana, Milano. Fine settembre, doppia personale di
Umberto Manzo negli spazi napoletani e romani dello Studio Trisorio.
Dopo la pausa estiva, partenza “aggressiva” del Changing Role-Move Over Gallery:
sino al 4 novembre “Post-Photography” nel Mail Space, la performance “Stark Rot”
di Rosy Rox il 28 settembre con omonima mostra fino al 15 ottobre nei locali della
Rosario Farina Haute Couture di Palazzo Cellamare, per finire con la personale
di Massimo Mastronardi dal titolo “Inside” nei nuovissimi spazi della Home Gallery.
Chiusa il 20 settembre nella splendida cornice di Castel dell’Ovo la mosta “Invenit”
a cura dell’Istituto di Tecniche dell’Incisione dell’Accademia di Belle Arti di Napoli.
S.N.O.W. ovvero “Sculpture in Non-Objective Way”, indagine sulla ricerca plastica
non oggettuale e astratta curata da A. Bellini, in mostra opere di G. Caravaggio,
P. Piscitelli, C. Shawcross, R. Rhode, B. Dahlem e F. Gennari; Galleria Tucci
Russo, Torre Pellice, a partire dall’8 ottobre 2005. Inaugurata il 15 settembre la
personale di Givanni Anselmo negli storici spazi napoletani della Galleria Alfonso
Artico. Fino al 29 ottobre presso Antonio Colombo Arte Contemporanea ultima
attesissima personale di Andrea Salvino dal titolo “Antagonista”, testo a cura di C.
Perrella. Mostra “Mail Art allo specchio” a cura di Ruggero Maggi, dal 24 settembre
al 18 ottobre presso la On the road Art Gallery di Gallarate. Intrigante mail art
project dal titolo significatico “Emigration” a cura dell’artista napoletano Roberto
Scala, 140 artisti da 28 nazioni nel chiostro del convento di S.Maria della Lobra in
Massa Lubrense. Presentato il 13 settembre alla Feltrinelli di Napoli l’ultimo romanzo
di Franco Borgo Taviani dal titolo “Il tesoro”, inerventi critici di Valerio Caprara e
Titti Marrone.

LA RETE GLOBALE DELL’ARTE di Simona Ciuccio UNDERCOVER PAINTING ART di Ilaria Pacini
“Immagine Verticale” di Renato Barisani, 2003
Lo scopo di queste manifestazioni è
quello di dar vita a questo “luogo
dell’arte”, di dare al pubblico la
p o s s i b i l i t à d i c o n f r o n t a r s i
continuamente con tematiche e
questioni d’arte contemporanea e di
conoscerle meglio.
Nella prima esposizione “100 Artists
for a museum” saranno presenti artisti
provenienti da quaranta paesi diversi.
L’alto numero di nazioni presenti
lascia immaginare che in sostanza
non si tratta di ridurre allo stesso
denominatore o di trovare una
corrente comune all’interno dell’arte
contemporanea. Attraverso questa
rete globale si cerca di richiamare
l’attenzione sulle sintonie e le
differenze che si ritrovano nelle
tematiche e nel materiale che
possibilmente conducono ad intense
discussioni e confronti.
Lo spettro si mostra ampio già solo
tra gli artisti dei vicini dintorni.
Renato Barisani, napoletano nato nel
1918, che attraverso la sua continua
ricerca di tecniche e materiali
cercando un linguaggio concreto ha
influenzato l’arte di quest’ultimo
secolo fin oltre la sua regione, è
presente così come lo sono alcuni
altri suoi concittadini dell’ultima
generazione. Christian Leperino, del
1979, conosciuto oltre che per i video,
la fotografia e le performance anche
per i suoi dipinti innovativi, ci dimostra
c o n i l s u o r i t r a t t o m o l t o
impressionante in mostra, che la
pittura è più attuale che mai. Anche
Monica Biancardi riesce a toccare
l’anima con le sue fotografie delicate
r i p r e n d e n d o l e t e m a t i c h e
dell’esistenza umana, che restano
valide fuori dallo spazio e dal tempo.
Con i due artisti dalla Svizzera,
Sybille Pasche e Pasquale Ciuccio,
vediamo rappresentate due posizioni
della scultura contemporanea.
Mentre per Sybille Pasche è
questione di rendere visibile la
determinata pietra e di studiarne la
struttura, nell’installazione al suolo
di Pasquale Ciuccio, utilizzando uno
strato di colore ultramarino, ci si
rende conto solo in un secondo
momento che si tratta di pietre. La
scultura appare in tale leggerezza
che sembra quasi staccarsi dal suolo
e fluttuare.
Oltre a numerosi artisti europei vi
troviamo anche rappresentanti di altri
continenti, come la guatemalteca
Iriada Cano e la boliviana Raquel
Schwartz, che impressionano con le
loro installazioni. Anche il cinese Li
Tianyan riesce ad affascinarci con
una sua fotografia che testimonia ciò
che il pubblico sa dalla Biennale di
Venezia, vale a dire che la Cina così
come la restante arte extra-europea
possono presentare scene artistiche
vivaci e attraenti e che il nostro
sguardo deve essere globale se non
vogliamo fare a meno di attualità,
bellezza e bravura.
Guardando le opere dei cento artisti
possiamo dire con certezza che la
eterogeneità presenta un campo
incredibilmente vasto dell’arte
contemporanea e che quindi a
Casoria sta per nascere una
collezione che ci permetterà di
ricevere impulsi sempre nuovi alla
discussione sull’arte attuale.
“a.a.a. cercasi umanità disperatamente” di Cyop & Kaf, 2005
L'idea di organizzare un simposio di
Undercover painters a Casoria nell’ambito
del progetto per la realizzazione del Museo
Internazionale di Arte Contemporanea della
Città di Casoria si sviluppò a Venezia
incontrando per strada alcuni graffitisti rincorsi
da una pattuglia di polizia municipale. Pensai
che, al di là delle gallerie prestigiose, delle
accademie d'arte e delle fiere, esiste un
f e r m e n t o c u l t u r a l e c h e , f o r s e
inconsapevolmente, riflette i rumori, gli odori,
il ritmo, le immagini e le problematiche delle
città contemporanee. Trovai in Antonio
Manfredi e nel suo progetto un immediato
riscontro e dopo appena due mesi ero già a
Casoria con i 9 artisti invitati e alle prese con
bombolette spray, pennelli e colori.
L’Undercover painters ha avuto inizio con le
avanguardie storiche e oggi si confronta e
si contamina con la cronaca, la poesia, la
tecnologia e con la solitudine di chi vive tra
la folla.
Attenzione però a non cercare in queste
produzioni strascichi di movimenti ormai
definiti o definibili, sarebbe invece opportuno
coglierne l'immediatezza espressiva e la
freschezza della composizione.
Le opere realizzate durante questo simposio,
infatti, non vanno guardate attentamente,
non ci sono virtuosismi ne sperimentalismi
pittorici; ciò che conta ed interessa è la
percezione dell'uomo, non quella del critico.
Lo storico dell'arte potrebbe non notare nulla
di interessante nell'opera di Raffo, mentre
un napoletano leggerà in essa la risposta
genuina di un ragazzo di periferia che nella
aerosol-art ha trovato la chiave per
valorizzare il suo mondo e se stesso.
Diverso discorso va fatto per gli altri artisti
presenti; ognuno di loro si trova ad un punto
della propria ricerca artistica nel quale il
“Rifletti” di Iabo, 2005
prodotto finale ha volutamente infinite chiavi
di lettura che variano a seconda della
collocazione - che può essere tanto un museo
quanto la strada -.
Nell'opera di GGTarantola, Tatiana, Unz e
Robot Inc2501 la realtà virtuale e il mondo
del pixel si scontrano con una Napoli formato
cartolina che agli azzurri-grigi-viola-bianchi
del cielo-mare-Vesuvio contrappone il grigio
scuro dei palazzi per un risultato che, se da
un lato evidenzia le mille possibilità dell'arte
multimediale, dall'altro la immortala in una
forma, quella pittorica, ironicamente scelta
per rendere più aulica la collocazione
all'interno di un museo.
Altre intenzioni muovono, invece, il lavoro di
Cyop e Kaf, due nomi legati a Napoli e alle
sue strade che, per l'occasione, scelgono
come supporto anziché i muri o i vagoni del
treno, una ingiallita carta da parato sulla
quale incorniciano ed espongono le foto dei
loro "pezzi" e, attraverso l'uso degli stencil,
ci ripropongono dei modelli espressivi tipici
del post-graffitismo e della street-art che
riallacciano l'opera in questione con la loro
produzione precedente che trova nei vicoli
di Napoli il suo habitat naturale.
A completare il gruppo ci sono le opere di
Iabo e Macro, entrambi napoletani, legati
anche loro alla street-coulture ma che,
attraverso gli studi "accademici", seguono
un percorso artistico che allo sperimentalismo
espressivo unisce la riflessione sulla società
contemporanea. In particolare Macro indaga
il fenomeno della shopaholic "veneo ergo
sum", mentre Iabo utilizza la grafica tipica
delle immagini pubblicitarie per catturare
l'attenzione dello spettatore e far giungere
in maniera semplice ma immediata il suo
messaggio.
Insomma, una breve panoramica sull'arte
lontana dai salotti e dai clichè.
Viatico
calendario
Alfonso Artiaco
piazza Dei Martiri, 58 (NA) tel. 081 4976072
Giovanni Anselmo
dal 15 settembre
Studio d’arte Cannaviello
via A. Stoppani, 15 - Tel. 02 20240428
Norbert Bisky
dal 7 ottobre al 26 novembre
Dina Carola
via Orazio, 29 (NA) tel/fax. 081 669715
per info telefonare
Cardelli&Fontana
via Mazzini, 35 Sarzana (SP) tel. 0187 626374
per info telefonare
Galleria Fonti
via Chiaia, 229 (NA) tel. 081 411409
per info telefonare
Galica arte contemporanea
viale Bligny, 41 (MI) tel. 02 58430760
Brigitte Niedemair Holy Cow
dal 22 ottobre
Vera Vita Gioia
vico Fonseca, 16 (NA) tel. 335 8343735
David Hammons
ottobre - novembre
In Arco
p.zza V. Veneto, 1/3 (TO) - tel 011 8122927
per info telefonare
Franco Noero
via Giolitti, 52/A (TO) tel. 011 882208
Omaggio al quadrato
13 ottobre - 5 novembre
Alberto Peola
via della Rocca, 29 (TO) tel. 011 8124460
Marguertite Kahrl Noble Savage
dal 22 settembre
404 arte contemporanea
via S. Brigida, 76 (NA) tel. 081 5529169
per info telefonare
41 arte contemporanea
via Mazzini, 41(TO) tel/fax. 011 8129544
Andrea Massaioli
dal 22 settembre
Lia Rumma - Napoli
via Vanella Gaetani, 12 (NA) tel. 081 7643619
William Kentridge
16 novembre - 16 gennaio
Tucci Russo
via Stamperia, 9 Torre Pelice (TO) tel. 012 1953357
S. N. O. W.
8 ottobre - 22 gennaio
Francesco Soffiantino arte contemporanea
via Rossini, 23 (TO) tel. 011 837743
per info telefonare
T293
Piazza Amendola, 4 (NA) tel. 081 295882
Melvin Moti The black room
19 ottobre - 30 novembre
Changing Role
via Chiatamone, 26 (NA) tel. 081 19575958
Post-Photography
21 settembre - 4 novembre
Changing Role - Project Room
via Chiatamone, 36(NA) tel. 081 19575958
Massimo Mastronardi Inside
21 settembre - 4 novembre
Raffaella Cortese
via A. Stradella, 7 (MI) - tel. 02 2043555
T.J. Wilcox
7 ottobre - 30 novembre
Emi Fontana
viale Bligny (MI) tel. 02 58322237
Ketty La Rocca Works 1964-1976
7 ottobre - 23 dicembre
Linding in Paludetto
via Accademia Albertina,40 (TO) tel. 335388868
per info telefonare
Raucci/Santamaria
c.so Amedeo di Savoia, 190 (NA) tel. 081 7443645
Pàdraig Timoney - Frederic Pradeau
7 ottobre - 26 novembre
Franco Riccardo
via S. Teresa al Museo, 8 (NA) tel. 081 5444300
Odinea Pamici A lunga conservazione
7 ottobre - 1 novembre
Vitamin
corso S. Maurizio, 73/b (TO) tel. 001 8136006
per info telefonare
Lipanjepuntin
via Diaz, 4 Trieste tel. 040 308099
per info telefonare
PAC
via Palestro, 14 (MI) tel. 02 76009085
per info telefonare
Giò Marconi
via Tadino, 15 (MI) tel. 02 29404373
Maurizio Mochetti
7 ottobre - 19 novembre
Massimo Minini
via Apollonio, 68 Brescia tel. 030 383034
Robert Barry Unexpected
dal 24 settembre
Studio d’Arte Raffaelli
via Marchetti, 17 Trento tel. 0461 982595
Veritas
14 ottobre - 15 dicembre
PAN
P.zzo Roccella, via dei Mille, 60 (NA)
Il dono dell’artista
Lia Rumma - Milano
via Solferino, 44 (MI) tel. 0229000101
Ilya e Emilia Kabakov
dal 7 ottobre
CASORIA ART MUSEUM
Via Duca D’Aosta, Casoria (Na) tel. 081 8345656
100 Artisti per un museo