Ahmad Alaa Eddin Siria Ana Banjac Bosnia Almalé & Bondía ...

accanto alla storica GAM e al Castello di Rivoli, sono
nate la Fondazione Sandretto Re Debaudengo, il grande
progetto della “Cittadella” di Pistoletto, di recente
apertura la Fondazione Merz, il Castello di Rivara
insieme ad altre collezioni private, e altri musei come
il Museo della Montagna che aprono le porte a importanti
eventi dell’arte contemporanea.
Napoli non di meno ha investito nell’arte contemporanea,
delle volte prediligendo l’immagine, altre badando più
alla sostanza. Nel frattempo sono nati due musei
dedicati al contemporaneo, il Pan e il Madre che
sicuramente rappresentano un segnale positivo di
attenzione al contemporaneo e sono il prodotto di sforzi
notevoli, anche se forse è mancato il lavoro di
storicizzazione sull’arte a Napoli, ancora poco
considerata, anche a causa di un mercato debole e
attardato.
Di grande impatto, sicuramente, la nuova metropolitana
cittadina dove trovano collocazione ideale opere di
artisti celebri, più spesso legati al territorio, e molto
attenti al rapporto arte-architettura.
Ed è proprio in questo contesto che si colloca la vicenda
del Casoria International Contemporary Art Museum
che, pur mantenendo elementi di assoluta originalità,
contribuisce a diversificare un’offerta culturale, come
abbiamo visto, in grande crescita.
A parte considerazioni ovvie sulla nascita di un museo
nella provincia, se non erro l’unico rivolto al
contemporaneo, il Casoria Internetional Contemporary
Art Museum è un progetto di assoluta attualità per una
serie di ragioni molto semplici ma non per questo
scontate.
Sono presenti artisti di tutto il mondo, di generazioni
diverse, che usano linguaggi e supporti, i più disparati,
nel segno della “diversità ”. È davvero sorprendente
“Swing II” di Norbert Francis Attard, 2005
constatare una tale rappresentanza di artisti cinesi o
ciprioti, vera novità del panorama internazionale, nonché
vedere censita una giovanissima quanto promettente
compagine di artisti napoletani come La Ragione, Piano,
o i graffitisti Cyop&Kaf e Raf, accanto a nomi più
conosciuti come Barisani per rimanere nell’ambito
cittadino oppure Anaut, Barredo, Grozdanov, Hofmann,
Schwartz, allargando i confini.
Altro aspetto peculiare è la location del museo, ubicato
negli spazi seminterrati di una scuola elementare che
immediatamente ci informa sulla dimensione
sperimentale e “underground” di un progetto che nasce
dal basso e si sviluppa secondo un modello orizzontale.
Qui lo spazio non “relega” l’ opera, piuttosto si trasforma
e ridefinisce la sua funzione proprio grazie alla presenza
dell’arte. È questo un aspetto particolarmente
significativo, anche alla luce di quello che abbiamo
detto all’inizio, ovvero in relazione alla questione del
recupero e della ridestinazione dei luoghi.
Non trascurabile il fatto che ci troviamo, anche nel caso
di artisti più storicizzati, di fronte a produzioni
recentissime, spesso veri e propri progetti site-specific,
non necessariamente allineati con le mode del mercato;
visto che gli artisti non sono stati scelti sulla base di
logiche di appartenenza ma piuttosto sulla valutazione
dei progetti. Ciò naturalmente ha contribuito a creare
uno scenario composito e variegato dove tutto sembra
più giocato sul contrasto che sull’assonanza e dove le
differenze culturali convivono in un dialogo serrato e
stimolante.
Penso che il grande riscontro di pubblico e di critica
che il Casoria International Contemporary Art Museum
ha riscosso immediatamente, anche se inaugurato solo
da qualche mese, sia, almeno in parte, riconducibile
proprio alla sua struttura aperta, alla capacità di
accogliere ricerche, le più disparate.
Siamo decisamente lontani da un approccio filologico,
da scelte, già detto, condizionate dal borsino dell’arte
o dal trand del momento o irrigidite in banali percorsi
tematici. Piuttosto ci troviamo in uno spazio sobrio che
ci invita a fruire dell’opera senza troppi inutili accessori,
come potrebbe capitare aggirandosi in qualche loft
newyorkese.
Vero “deus ex-machina” di questo progetto è Antonio
Manfredi, artista di lunga data approdato con successo
ad esperienze di curatela, che non rinuncia per questo
alla sperimentazione e alla ricerca nella migliore
tradizione di quella critica creativa troppo dimenticata.
Di qui l’atmosfera che si respira in questo museo, di
elegante informalità, senza compiacimenti o false
modestie, lasciando che l’arte dica quello che sa, quello
che ogni volta scopre, senza eccessivi clamori e
spettacolarizzazioni mediatiche.
E, forse, insinuando anche l’idea che, tutto sommato,
essere periferici non è sempre una disgrazia.
L’ARTE ORIENTALE di Zhao Shulin
“Untitled” di Huang Yan, 2004
Non è un caso che siano così tanti gli artisti orientali,
cinesi, giapponesi, coreani e taiwanesi invitati a questa
manifestazione, così come non è un caso che sia io a
scrivere per questi artisti. Quando nel 2001 conobbi
Antonio Manfredi impegnato nella realizzazione di alcune
sculture monumentali in Cina, immediatamente nacque
un feeling che ci portò successivamente a collaborare
per varie iniziative comuni. Insieme visitammo a Pechino
e in tutta la sua sterminata provincia decine di studi di
pittori, scultori, fotografi e performer che in buona parte
abbiamo invitato a questa manifestazione per la
realizzazione del Museo Internazionale di Arte
Contemporanea della Città di Casoria di cui Manfredi
è il curatore.
L’arte orientale fin dagli esordi è nata sottolineando il
suo aspetto prettamente didattico e ha sempre
evidenziato il suo intento nello sviluppare valori in grado
di regolare i rapporti umani. Il pittore orientale riflette
nelle sue opere la storia, il suo pensiero, l'anima e la
sua concezione filosofica.
In questi primi anni del nuovo millennio, la scena dell’arte
contemporanea si presenta molto articolata, vi
partecipano artisti così diversi per storia e per educazione
da rendere vano ogni tentativo di racchiuderla in una
definizione unitaria, che possa valere per tutti i suoi
aspetti.
Così, l’arte cinese in particolare e quello orientale in
generale, si occidentalizza solo in apparenza,
mantenendo nella sostanza le proprie prerogative
caratteriali e culturali, pur guardando con interesse alla
storia dell’arte occidentale, ne trasforma il linguaggio in
una originale fusione tra Asia e Occidente, sviluppando
così un’assoluta originalità di stili e di contenuti.
Il supporto fotografico e il video ha rappresentato forse,
in questo ultimo decennio, il mezzo espressivo più
idoneo a soddisfare le esigenze creative degli artisti
orientali dell’ultima generazione e delle loro
performances, il messaggio delle opere esposte in
questa mostra di Casoria offre spunti di riflessione sul
rapporto fra tradizioni e culture diverse tra loro.
Sono infatti molti gli artisti che hanno presentato un
video o una fotografia
Il cinese Huang Yan è conosciuto in tutto il mondo come
il tatuatore di paesaggi policromi sui corpi, attingendo
dalla body art e dall’arte del tatoo, ripropone tematiche
proprie della tradizione cinese: a Casoria espone appunto
una fotografia delle sue performances dove si dipinge
sul corpo i simboli stessi dell’iconografia cinese, come
le montagne delle antiche pitture cinesi.
Liu Yang propone una piccola serie di immagini di donne,
notevoli per la discrezione e la delicatezza, anche
cromatica, con cui è avvicinata la realtà del mondo
femminile. Cang Xin si autoritrae al centro di un’aiuola
di rose, in un paesaggio dai colori nitidi e dall'atmosfera
quasi irreale. Zhou Yuechao presenta due fotografie di
grande formato, realizzate durante una performance
dal titolo “Floating Installation-Teahouse” nella città di
Chongqing dove un gruppo di 5 uomini scelti a caso e
una donna vengono mirabilmente utilizzati per una
performance che vuole essere un paradosso della
moderna concezione dell’arte e della cultura.
Li Tianyuan espone la foto di un pallido cielo dal forte
potere evocativo per l’assenza, in un campo totale di
minime variazioni cromatiche, di qualsiasi altro elemento
iconico.
Il fotografo coreano Kim Tae-Jun è, invece, presente
con una grande foto di più di quattro metri di lunghezza,
realizzata mirabilmente nell’interno di un vecchio
ristorante coreano Con il video dal titolo “Utopian
machine”, Zhou Xiaohu, lavorando con personaggi
realizzati in plastilina, mette in scena un interessante
confronto tra la cultura orientale ed occidentale con le
sue miserie e i suoi drammi.
Di particolare interesse anche il film documentario di
56 min. di Wu Wenguang dal titolo “Dance with farm
workers”, dove l’ artista utilizza operai di una industria
tessile per realizzare una performance di grande effetto
scenografico.
Sulla linea dell’analisi politica della società cinese è
invece il suggestivo video dell’artista Liu Wei, dove in
una sorta di sogno autobiografico si succedono immagini
del presente e del passato comprese quelle dei fatti di
piazza Tienamen.
Ancora un video dal titolo “Aliens”, ma questa volta del
giapponese Manubu Hasegawa. Il lavoro, realizzato nel
corso di quattro anni, presenta una successione frenetica
di migliaia di disegni di alieni
Nel momento in cui la Cina in particolare e l’oriente in
generale si apre al mondo come una paradossale
combinazione tra tradizione e novità, gli artisti
“Untitled” di Cang Xin, 2004
manifestano un’energia creativa piena di immaginazione
che poggia, però, sempre su una grande consapevolezza
culturale riguardo al proprio passato e alle significative
trasformazioni del presente. Un mirabile esempio lo
abbiamo con alcune opere che saranno esposte a
Casoria e che faranno parte della collezione permanente
del Museo: a cominciare dai pittori cinesi Huxiang Dong,
che in una piccola tela ad olio ci presenta i singolari
effetti di luce su un corpo di donna coperto da un vestito
di plastica trasparente, Zhang Donghong, affascinato
anch’egli dai giochi della luce, ma in un contesto pittorico
molto differente, dove s’intravede una lingua che sfuma
nel colore azzurro dello sfondo, Ma Lin, con un dipinto
di grande energia figurativa, in cui trionfa uno spettacolare
simbolismo, e infine Xu Xianglin, con un tenero pastello
su carta pergamena che dà vita, sulla trasparenza di
un cielo, a una scena dai toni fiabeschi. Particolarmente
significativa, per il respiro della sua dislocazione spaziale,
è l’opera del pittore taiwanese Ming Yi Chou, il quale
con sedici elementi realizza una composizione, intitolata
significativamente “Felicitad”, che ci porta in una foresta
di fiori. Una segnalazione a parte meritano gli artisti
giapponesi Mihoko Nakahara, che, con una ricerca di
sapore concettuale, distribuisce sulla superficie
monocroma delle sue opere piccole pietre che dilatano
la percezione dello spazio circostante, Toshiro
Yamaguchi, il cui acrilico su tela, intitolato “Spring”,
fornisce un esempio di svolgimento musicale realizzato
attraverso la ritmica distribuzione delle forme sulla
superficie dipinta, e Kazuyo Yamamoto, che, nel suo
olio su tela, ha inserito sul fondo verde un arcipelago
di forme tondeggianti.
Di diversa natura le opere della scultrice giapponese
Yoshie Tonegawa, che conduce una ricerca di raffinato
materismo su strutture di essenziale geometrismo, degli
scultori cinesi Xu Zhenglong, con una piccola scultura
in resina, intitolata “Revival”, che raffigura un personaggio
dalla caratterizzazione singolarmente accentuata, e Li
Zijie, con un’opera in materiale plastico argentato
raffigurante una sorta di argenteo idolo coronato da due
mani congiunte in preghiera, che – scrive l’autore –
sono il simbolo di Dio.